Perfiles de genios y Luminarias

Biografía de Steve Jobs

2012-05-15T00:22:00.000-07:00

(Los Altos, California, 1955 - Los Ángeles, 2011) Informático y empresario estadounidense. Padre del primer ordenador personal (el Apple I) y fundador de Apple Computer, probablemente la empresa más innovadora del sector, este mago de la informática fue uno de los más influyentes de la vertiginosa escalada tecnológica en que aún vive el mundo actual, contribuyendo decisivamente a la popularización de la informática. Sus ideas visionarias en el campo de los ordenadores personales, la música digital o la telefonía móvil revolucionaron los mercados y los hábitos de millones de personas durante más de cuatro décadas.

Al terminar el bachiller en el instituto Homestead de Mountain View, Steve Jobs ingresó en la Reed College en Portland, Oregón, pero abandonó los estudios universitarios un semestre más tarde. En esa época coqueteó con las drogas y se interesó por la filosofía y la contracultura, llegando a viajar a la India en busca de iluminación espiritual.

Tras unas prácticas en la empresa Hewlett-Packard en Palo Alto, en 1974 Jobs fue contratado por Atari Inc. como diseñador de videojuegos. Por entonces se unió al que sería su primer socio, el ingeniero Stephen Wozniak, en cuyo garaje crearon el Apple I, considerado el primer ordenador personal de la historia.

En 1976, con el dinero obtenido en la venta de su furgoneta Volkswagen, fundaron la empresa Apple Computer, con sede en el garaje de la familia Jobs. Steve Jobs eligió el nombre Apple como un recuerdo de los tiempos en que trabajaba en la recolección de su fruta favorita, la manzana.

El Apple II, una mejora del modelo anterior, fue introducido en 1977, convirtiéndose en el primer ordenador de consumo masivo. Los pedidos llovieron y Apple pasó a ser la empresa de mayor crecimiento en Estados Unidos. Tres años después, Apple salió a la Bolsa con un precio de 22 dólares por acción, lo que convirtió a Jobs y Wozniak en millonarios. Por entonces, Jobs adquirió la fama de hombre genial, dotado de una creatividad que le permitía construir un ordenador y a la vez comercializarlo.

Tras el Apple II, Jobs y Wozniak se enfrascaron en la creación del Macintosh, el primer ordenador asequible y fácil de manejar sin necesidad de saber informática, por lo que a Jobs se le considera el verdadero creador del concepto de PC (Personal Computer, ordenador personal).

El lanzamiento del Macintosh en 1984 supuso un vuelco en la industria informática. Su gran innovación fue la introducción del ratón para desarrollar funciones haciendo clic sobre las ventanas que se abren en la pantalla, lo que facilita la interacción entre el usuario y el ordenador. En este sentido, Jobs realizó una gran contribución a la introducción de los ordenadores personales en la enseñanza.

En 1981, el más fuerte competidor de Apple, IBM, había sacado al mercado su primer ordenador personal. Con el ánimo de mantener la competitividad de su empresa, Jobs decidió reclutar para la presidencia de Apple al entonces presidente de PepsiCo., John Sculley, sin saber que éste le acabaría echándole de su propia empresa.

Sculley, un ejecutivo de la vieja guardia, chocaba con la rebeldía y las maneras heterodoxas de Jobs. Al mismo tiempo empezaron los problemas entre Jobs y Wozniak, relegado a un segundo plano tras un accidente, pero que, según otras versiones, se debieron al difícil carácter de Jobs, tildado en medios informáticos de "tirano carismático". El resultado de ambos conflictos personales fue que Wozniak se marchó de Apple en 1985, año en que fueron despedidos 1.200 empleados a raíz de una amplia reestructuración en la empresa, y Jobs dimitió para fundar la empresa NextStep Inc.

A continuación Jobs compró a George Lucas por 50 millones de dólares la división de animación de su imperio Lucas Film. Así nacieron en 1986 los Estudios de Animación Pixar, que recibieron un premio de la Academia de Cine por la película de animación por ordenador Tin Toy en 1989.

El mismo año NextStep lanzó su primer ordenador, repleto de funciones extraordinarias pero que no resultó rentable por su elevado precio y su incompatibilidad con la mayoría de los sistemas en el mercado. Finalmente, el visionario Jobs cerró la división de ordenadores en 1993, con el mérito de haber creado el aparato con el que el programador británico Tim Berners-Lee ideó la World Wibe Web, que sería la base del desarrollo y popularización de Internet.

En 1995 Pixar lanzó Toy Story, una producción conjunta con Disney que ya forma parte de la historia del cine por ser el primer largometraje realizado íntegramente por ordenador. La película fue un éxito de taquilla y obtuvo un Oscar de la Academia de Hollywood. Bichos fue el siguiente gran éxito de Pixar.

Entretanto, Apple decaía tras el lanzamiento de los ordenadores compatibles IBM equipados con el sistema operativo Windows, de Microsoft, que según varios expertos se inspiró en el Macintosh de Apple. La enemistad entre Steve Jobs y Bill Gates, dos personalidades contrapuestas, fue el tema de una película televisiva titulada Piratas del Silicon Valley, producida en 1998 por la cadena TNT.

En diciembre de 1996, sumergida en una gran crisis, Apple decidió comprar Next, lo que supuso la vuelta de Jobs a la empresa con un cargo de asesor interino, por el que Jobs, voluntariamente, no recibía ningún salario. La dimisión del presidente de Apple encumbró nuevamente a Jobs al frente de la compañía.

En agosto de 1997, un mes antes de su nombramiento como presidente provisional de Apple, Jobs anunció un acuerdo con su hasta entonces rival Microsoft, que decidió invertir 150 millones de dólares en Apple. Las dos compañías acabaron comprendiendo que se necesitaban y se complementaban, pues Microsoft es el principal fabricante de programas para Macintosh, y Apple uno de los principales testigos del juicio antimonopolio contra la empresa de Bill Gates en EEUU.

Durante esta segunda etapa en Apple, en la que se mantendría como director ejecutivo hasta 2009, Steve Jobs continuó en su línea rompedora, impulsando productos decididamente innovadores. En 1998 volvió a dar la vuelta al mercado informático con el lanzamiento del iMac, un PC compacto integrado en el monitor, que además de su diseño vanguardista estaba preparado para navegar en Internet.

Su éxito de ventas colocó a Apple nuevamente entre los cinco mayores fabricantes de ordenadores personales de EEUU, con una revalorización de sus acciones en un 50%. Nuevas versiones del iMac, con mayor potencia y cada vez más sofisticadas prestaciones y diseño, seguirían apareciendo en los años siguientes, con gran aceptación entre su legión de usuarios incondicionales.

En 2001 desembarcó en el mercado musical con un reproductor de audio de bolsillo, el iPod, y dos años después creó la tienda musical iTunes, que lideró de inmediato la venta de música en línea y sigue manteniendo su posición dominante. Problemas de salud, sin embargo, lo obligaron a apartarse temporalmente de su trabajo en 2004, en que fue tratado de un cáncer de páncreas.

En 2007 presentó el iPhone, primero de la familia de teléfonos inteligentes de alta gama producida por Apple, con pantalla táctil y conexión a Internet. En 2009, año en que hubo de someterse a un trasplante de hígado, delegó la mayor parte de sus funciones en Timothy Cook. Con su creatividad intacta, todavía en 2010 Steve Jobs sorprendió al mundo con un innovador producto, el iPad, un híbrido de tablet PC y teléfono móvil cuya segunda versión, el iPad 2, presentaría en marzo de 2011, en una de sus últimas apariciones en público.

No hay dudas sobre la gran capacidad visionaria de Steve Jobs, un genio en todos los aspectos de su vida, un hombre audaz con una inteligencia privilegiada, que supo dejar al mundo un enorme legado, sin él no hubiese sido posible tantos adelantos tecnológicos, mismos que seguirán evolucionando con los años, pero siempre tendrán esa huella indeleble que Steve Jobs supo imprimir a todos los aspectos de su corta vida.

Las dudas por la muerte de Whitney Houston empiezan a surgir

2012-02-12T23:24:00.000-08:00

El lugar donde fue hallado el cuerpo de la cantante estadounidense da más dudas que certidumbres a las autoridades que investigan su muerte

Por Ashley Hayes

(CNN) — A medida que la industria de la música se prepara para rendir tributo a Whitney Houston este domingo por la noche en los Grammy, el mundo espera respuestas sobre los últimos momentos de la estrella del pop.

Houston, cuya imponente voz y enorme talento fueron opacados en años recientes por su batalla contra las drogas, fue encontrada muerta este sábado en un hotel de Beverly Hills, California, horas antes de que iniciara una fiesta previa a los Grammy organizada por su mentor de toda la vida, Clive Davis. La cantante tenía 48 años.

Las preguntas persisten sobre las circunstancias que rodean su muerte.

Agentes de policía y bomberos acudieron a su cuarto luego de recibir una llamada desde su habitación este sábado, después de que su guardaespaldas la encontró inconsciente.

Houston fue encontrada en la tina, en el baño de su habitación, dijeron empleados del hotel al sitio de noticias de entretenimiento TMZ. En tanto, botellas de pastillas fueron encontrados en la escena, reportó TMZ, que citó “fuentes con conocimiento del caso”.

El guardaespaldas intentó darle primeros auxilios a Houston, dijeron fuentes cercanas a TMZ. No había “señales obvias de un acto criminal”, dijo el teniente de la Policía de Beverly Hills, Mark Rosen. Las autoridades ya anunciaron una autopsia.

CNN no ha podido confirmar los reportes de TMZ este domingo.

Las autoridades mantienen silencio y han dicho que no habrá un nuevo reporte hasta el lunes. La policía dejó el hotel este domingo, dijo el comandante de Beverly Hills, Donald Chase; pero no aclaró si la investigación en el lugar terminó.

La batalla de Houston contra las drogas atrajo la atención de los medios por mucho tiempo, pero se encontraba de vuelta en los escenarios y cine, con algunas presentaciones y una película en proceso.

Una ejecutiva de la industria musical, quien escuchó dos estruendos en el cuarto de abajo —donde, después supo, había muerto Houston— dijo que ella había visto a Houston y a su hija, Bobbi Kristina, nadar en la piscina del hotel días antes.

Se veían felices y Houston se veía sana y hermosa, afirmó. Sin embargo, aún se desconoce si la cantante había ganado la batalla al abuso de sustancias.

Houston se presentó este jueves por la noche en un evento previo a los Grammy en el área junto a la cantante Kelly Price.

La periodista de entretenimiento, Kelley Carter, dijo a la cadena afiliada a CNN, HLN, que estuvo en octubre en el set de la nueva película de Houston, Sparkle, y que la cantante “estaba muy bien”.

“Era una Whitney diferente”, dijo Carter. La película se lanzaría este verano.

Los organizadores de los Grammy replantearon la ceremonia para rendir un tributo a la cantante.

En tanto, el exesposo de Houston, Bobby Brown, estuvo muy emocional durante un concierto de su grupo New Edition la noche del sábado, en Southaven, Mississippi, dijo el iReporter Moshiu Knox.

“Bobby estaba llorando durante su actuación y en un punto tuvo que dejar el escenario”, dijo. Knox tomó un video de Brown en el concierto, en el cual se escucha decir: “Quiero que todos me hagan un favor, solo hagan una oración por mi hija. Hagan una oración por mi madre y si tienen tiempo, hagan una oración por mí, porque voy a necesitarlo”.
“La multitud estaba conmovida”, dijo Knox.

Denise Quan, Casey Wian, Jessica Thill, Holly Yan, Poppy Harlow y Deb Feyerick, de CNN, contribuyeron con este reporte

Frente a Frente, una de mis melodías favoritas

2011-07-01T21:16:00.000-07:00

Queda, que poco queda
de nuestro amor apenas queda nada
apenas ni palabras, quedan
queda solo el silencio
que hace estallar la noche fría y larga
la noche que no acaba
solo, eso queda, solo quedan las ganas

de llorar, al ver que nuestro amor se aleja
frente a frente bajamos la mirada
pues ya no queda nada que hablar, nada
solo quedan las ganas de llorar
al ver que nuestro amor se aleja
frente a frente bajamos la mirada
pues ya no queda nada que hablar, nada
queda poca ternura, y algúna vez haciendo una locura
un beso y a la fuerza, queda
queda, un gesto amable para no hacer la vida insoporable
y así ahogar las penas, solo eso queda
Solo quedan las ganas de llorar
al ver que nuestro amor se aleja
frente a frente bajamos la mirada
pues ya no queda nada de que hablar, nada
solo quedan las ganas de llorar
al ver que nuestro amor se aleja
frente a frente bajamos la mirada
pues ya no queda nada de que hablar, nada
solo quedan las ganas de llorar
al ver que nuestro amor se aleja

BIOGRAFÍA DE PANDORA

2011-07-01T21:07:00.000-07:00

Pandora

BIOGRAFÍA DE PANDORA

Surgidas en 1985, su primer disco, titulado Pandora, marcó el debut del grupo en el mes de junio, en el prestigiado programada de

televisión Siempre en domingo, conducido por Raúl Velasco, donde surge el éxito “¿Cómo te va, mi amor?”, que triunfó en toda América Latina y las colocó en un sitio privilegiado de ventas y popularidad a nivel internacional, incluyendo Estados Unidos, recibiendo continuamente premios y reconocimientos. Este disco les fue reconocido con un Quíntuple Disco de Oro por sus altas ventas en México.

Para 1986 graban su segunda producción, Pandora otra vez, misma que supera las 100,000 copias vendidas en sólo tres días, destacando temas como “Sólo él y yo” y “Alguien llena mi lugar”. En ese mismo año comparten escenario del Anfiteatro Universal de Los Ángeles, California, con Plácido Domingo, Frank Sinatra, Julie Andrews y John Denver en un concierto denominado Plácido Domingo y sus amigos, siendo el único grupo latinoamericano invitado a ese evento. También actuarían en el Festival Yamaha, en Japón, y a principios de 1987 reciben la codiciada Antorcha de Plata en el chileno Festival de Viña del Mar.

Ese mismo año reciben la nominación a los premios Grammy como Mejor Grupo Pop Latino, y se colocan en la lista de popularidad de la clásica revista Billboard con el tema “No hay mal que por bien no venga”, interpretado junto a José Feliciano.

El Teatro de la Ciudad fue el escenario donde se presenta su tercer disco, Huellas, conteniendo temas como “Mi hombre” y “Ella se llenó de amor”; ambos se perfilaron rápidamente como éxitos de popularidad.

Buenaventura (1988), su cuarta producción, muestra un cambio radical en su imagen y concepto musical. De este disco destacaron canciones como “Atrapada” y “Hay que empezar desde abajo”.

A principios de 1989 Fernanda decide abandonar la agrupación para iniciar una carrera como solista, y en ese mismo año, con 999 razones, Pandora incorpora a Liliana Abaroa como la nueva integrante. De este disco destacaron los temas “Ni tú ni yo”, de Franco de Vita, y “Todavía”, de Hernaldo Zúñiga.

El 25 de febrero de 1991 Pandora presenta su sexto material, Con amor eterno, con temas de la autoría de Juan Gabriel, con el que superan los dos millones de copias vendidas, producción que hasta la fecha continúa reflejando una alta demanda entre sus seguidores, convirtiendo en éxito temas como “Con tu amor” y “Popurrí”. Con este disco Pandora recibe de nueva cuenta la nominación al Grammy como Mejor Grupo Pop Latino. Reciben el premio Lo Nuestro en dos categorías Mejor Grupo del Año y Mejor Álbum. Y reaparecen en la lista Billboard con “No lastimes más”, en la categoría Hot Latin Hits.

En febrero de 1992 presentan su disco Ilegal, una producción distinta que contiene temas de los años 60 y 70 adaptados al español, imprimiendo nuevamente la renovación de este grupo vocal. Entre los temas favoritos de este disco destacaron “Matándome suavemente” y “Rezo una oración por ti”. Ese mismo año Pepsi propone a Pandora ser la imagen oficial de su marca en Estados Unidos debido al alto nivel de calidad y popularidad que conduce la carrera del grupo internacionalmente.

A finales de 1993 presentan su octava producción, Con amor eterno Volumen II, que incluía temas del célebre autor de Ciudad Juárez, Juan Gabriel, seleccionados de manera personal para ser interpretados por ellas. Entre los temas más importantes figuran “No me vuelvo a enamorar” y “De serenata”. Ese mismo año graban un tema para un disco especial en favor de la infancia, realizado por UNICEF, titulado Un nuevo sol.

Corre el año 1995 y en septiembre sale su novena producción, Confesiones, que muestra una vena romántica del grupo con la producción de Bebu Silvetti, además de contar con un primer tema de la autoría de Isabel Lascuráin. De este disco sobresalen “Qué sabes de amor” y “Sería capaz”.

Dos años más tarde Fernanda regresa a Pandora, conformando de nueva cuenta la alineación original junto a Mayte e Isabel. Y para festejar el reencuentro Pandora presenta un álbum de balada ranchera sinfónica titulado Hace tres noches apenas, atisbando en nuevos sonidos de las clásicas canciones rancheras, entre ellas “Después de ti, qué”, “Cucurrucucú, paloma” y “Un mundo raro”.

En el año 1998 Pandora interpreta el tema central de la telenovela La usurpadora, historia protagonizada por Fernando Colunga y Gabriela Spanic, con la cual nuevamente marcan un nuevo éxito en su carrera. Se celebra en el Teatro Metropólitan un concierto especial del cual surge el álbum Pandora 1985-1998, compilando los más grandes éxitos en 13 años de trayectoria artística.

Justo al año siguiente Pandora estrena Vuelve a estar conmigo, de donde sale “Ya no es lo mismo”, de la autoría del cantautor Francisco Céspedes, y “Para vivir”, del maestro Pablo Milanés. Para entonces Pandora ya había tenido participaciones con famosos como Armando Manzanero, Chayanne, Luis Miguel, Ricardo Montaner o Emmanuel, por ejemplo.

Tras un breve receso, 2002 enmarca el lanzamiento de En carne viva, una recopilación de temas de Manuel Alejandro con cortes como “Frente a frente”, “Un toque de locura”, “En carne viva”, “Quiero dormir cansado” y “Popurrí de Emmanuel”, que cobran una nueva dimensión al ser interpretados en las voces de este grupo, temas románticos que forman parte de la historia musical de Hispanoamérica. El disco superó las 300,000 copias vendidas, y llevó a Pandora a recorrer en concierto la República Mexicana casi en su totalidad, registrando llenos absolutos en cada uno de los escenarios visitados.

Por eso... gracias es su regreso en 2004, su decimocuarta producción, realizada por “Memo” Gil y Pancho Ruiz, con la dirección en coros y colaboración en arreglos de Mario Santos. Está dedicado a una época musical concreta con versiones distintas de grandes temas -“Él me mintió”, “Maldita primavera”, “Jamás”, “El amor de mi vida” y “Sin él”, primer tema a promover-. Además, tiene tres temas inéditos de autores como Reyli Barba, Sin Bandera y Claudia Brant.

Sin ti, muero un poco todos los días

2011-07-01T20:53:00.000-07:00

Que lindo fue conocerte, que hermoso fue amarte
Pensar que estaríamos juntos hasta el final de nuestras vidas,
Hoy que ya no estas, tú recuerdo
Abre una enorme herida en mi alma ,
Recordar esos sueños infinitos, tú voz dulce y tierna,
Jamás he de olvidarla, fuiste todo para mi,
Hoy que es tú cumpleaños, te deseo lo mejor
desde las sombras de mi soledad.

que alcances todo lo que te propongas en la vida,
Que jamás te falte el amor, recuerdas esas frases,
El tiempo todo lo borra, es posible que no lo recuerdes, pero yo,
Si, y te seguiré amando por todo lo que me reste de vida,
por esos sueños infinitos que sembraste en ella,
te recordaré hoy, en la melancolía, recuerdos de nuestro pasado,
sin ti ya no vale el seguir viviendo, no te podrás imaginar jamás
el dolor infinito que me ha ocasionado el perder a mi princesita,

Nunca derrames lágrimas por mi, así es mejor,
que guardes ese poquito de amor que aun hay en ti,
ese que no sentías y que ha estado oculto en tu ser……….
Fuiste el amor más grande en mi vida, sin ti,
todo dejó de tener sentido…..

Amy Lynn Lee Biografía

2011-07-01T20:37:00.000-07:00

AMY LEE

Angeles,California, EE.UU.
    Sus hermanos: Hermano Robbie (9), Laurie (12) y Carrie (14).
    Color de pelo: castaño claro (pero se lo tiñe de negro.)
    Color de ojos: aguamarinos verdosos.
    Preferencias musicales: Tori Amos, Nirvana, Michael Jackson, Bjork, Coldplay, Depeche Mode, Nine inch Nails, SoundGarden...
    Peliculas favoritas: "Pesadilla en Navidad ", "American Tail" y Blancanieves.
    Actor favorito: Giovanni Rabisi
    Fecha favorita: Víspera de Todos los Santos.
    Comida favorita: Chocolate y las hamburguesas del mcdonalds
    Canción favorita de la banda: Going Under y Whisper
    Curiosidades: Es alérgica a la langosta, la encanta componer canciones de noche junto con su piano. En la escuela secundaria, formaba parte del coro y drama. Su película de Disney favorita es Blancanieves, de hecho, si nick en Evboard es Snowhite. La gusta patinar, montar en caballo...

Amy Lee estudio en una escuela privada.
Amy Lee adora conducir, pero parece que todos le tienen miedo a subir cuando ella esta al volante.

Amy odia a los políticos y piensa que Arnold Schwarzenegger es comiquísimo.
Amy tiene un gato llamado Zero, antes tenía uno llamado Fievel pero lo tubo que dejar cuando se fue de gira.

El cabello de Amy es naturalmente castaño claro pero se lo tiñe negro.
Antes de ser famosa, Amy prestaba su voz para comerciales y pintaba graffitis.
“Solo bájenlas de la Web” dijo Amy Lee sobre las viejas canciones que no aparecen en Fallen.
En sus comienzos Evanescence fue calificada como una banda cristiana. Hace poco la misma Amy dijo:“Creo en Dios pero eso no tiene nada que ver con mi trabajo”no es la misión de la banda.

Ben Moody fue quién descubrió la voz de Amy Lee en un campamento cristiano de verano en 1994, cuando ella cantaba I Would Do Anything for Love, de Meatloaf.

* En la secundaria le gustaba estar sola y hacerse la muerta en la cocina de su casa para que su familia desesperara y llamara una ambulancia.
* Siempre le gustó el hip hop.
* No le gusta que el rock, para enfrentarse con el pop, manufacturado, hubiera perdido glamour. "Me gusta que Evanescence sea una banda única; no hay otro grupo heavy con una chica al frente. Creo que el rock, para pelear con Britney y Christina, se volvió duro y chato; los varones decidieron vestirse mal, mostrarse enojados... y se convirtió en una polaridad. No tiene sentido. Yo escribo y canto lo que me gusta, no me inspiro negativamente: no estoy en la vereda de enfrente de nadie."

Lo que sí conserva Amy de su crianza puritana es la negativa a exponer su cuerpo sobre el escenario. "Estoy harta de las chicas que muestran los senos. Yo me respeto. No creo que haga falta andar desnuda. Es una lástima y me ofende. No soy una stripper. Y no voy a serlo si a mi banda le va mal, para llamar la atención. Haría cualquier cosa por el Rock & Roll, pero eso no."

Frases de Amy Lee

* "Sé tu mismo y has lo que tú quieras aunque te critiquen".
* "Quiero inspirar a la gente a que se sienta bien consigo misma y a que haga lo que quiera".
* "Soy cristiana pero mi música no lo es. Ésta es más bien espiritual".
* "Es difícil ser diferente, te sientes muy sola".
* "He aprendido a no esperar nada y tomar las cosas como vengan".
* "Si te sientes mal con algo, acaba con ello: ¡libérate, eso es todo!".
* "No me gusta ser etiquetada, y aunque siempre he sido `la rara´, creo que todos lo somos, cierto?".
* "Cuando los chicos se dirigen a mí con piropos ardientes, les contesto: ¿Qué, te estás dirigiendo a tu hermana?".
* "Diseñar mi ropa es una forma de expresión y me da un toque único".
* "Visto lo que quiero, sabes por qué? Porque puedo, soy una estrella de rock".
* "¿Por qué se fue Ben? Creo que ya no quería estar en el juego y lo entiendo. Ben tiene derecho a evolucionar".
* "Me considero una persona espiritual, no religiosa, aunque soy cristiana."

Michael Schumacher llora después de igualar el número de Victorias de Senna

2011-05-01T13:49:00.001-07:00

Ayrton Senna; Movie Trailer 2010

2011-05-01T13:43:00.000-07:00

Ayrton Senna sus últimos 15 minutos

2011-05-01T13:31:00.001-07:00

Eulalio González "Piporro"

2010-08-16T02:04:00.000-07:00

México, (Notimex).- actor y cantante mexicano, Eulalio González "Piporro", falleció el primero de septiembre de 2003, de un paro cardíaco, a la edad de 82 años en su domicilio ubicado en el municipio conurbado de San Pedro Garza García.

"Piporro" vivió sus últimos años alejado de los reflectores y en compañía de su familia; y se espera que en las próximas horas se den a conocer los pormenores de los funerales del artista nacido el 16 de diciembre de 1921 en el municipio de Los Herreras, Nuevo León.

El autor de "El Taconazo", inició en el radio en la época de 1940 debutando como locutor en la estación XERM y rmslada ere como anunciar en la famosa "Voz de América Latina", la XEW.

Posteriormente, en los años 50`s incursionó como actor de las radionovelas como "Ahí viene Martín Corona", que dio origen al nombre con que el que fue conocido en toda su trayectoria artística "Piporro".

Fue galán, villano y dramático, trabajó en la época de oro del cine mexicano al lado de artistas como Pedro Infante, María Félix y Sarita Montiel, destacando en las películas de "El Bracero del año", "El rey del tomate", "Torero por un día" y "La Valentina".

Por su destacada actuación en el cine mexicano "Piporro" recibió varias distinciones como "La Diosa de Plata" por su papel en la película "Espaldas Mojadas", así como el premio "Cantinflas" por su actuación y dirección de "El Pocho".

Con su característico sentido del humor y su típica frase de "Ajúa", Eulalio González señalaba que tenía tres edades, "Tengo tres edades, la comercial, 50; la funcional 30... y pa`que quieren saber la otra" En su producción discográfica como autor e intérprete "Piporro", destacó con sus temas de "Chulas Fronteras del Norte", "Natalio Reyes Colás", "El Taconazo", "Don Baldomero" y el "Abuelo Yeye".

Su ambición lo llevó hasta la capital mexicana donde trató de colocarse como anunciador en la entonces famosa "Voz de América Latina", la XEW...y lo logró, pero no como locutor, sino como actor de las radio novelas de los años 50. Cuentan que el primer sorprendido fue él, pues jamás se le hubiera ocurrido que en esa actividad encontraría su camino.

A partir de entonces se convirtió en galán, villano, dramático, viejito; pues entre más voces pudiera hacer, crecían sus oportunidades de trabajo. Ello lo llevó a hacer una prueba para la serie radial "Ahí Viene Martín Corona". Pedro Infante sería Martín Corona y un joven y desconocido actor, Eulalio González, "El Piporro", personaje que le valió su incursión al cine. El mismo Pedro Infante le consiguió una prueba para esta película.

Después de muchas dudas, pues se trataba de un personaje sesentón y el aspirante apenas llegaba a los 28, fue contratado, entrando prácticamente por la puerta grande de la cinematografía, compartiendo estelares con Pedro Infante y Sarita Montiel.

A lo largo de su carrera, "Piporro" fue protagonista de muchas películas aún en circulación, como "El Bracero Del Año", "El Rey Del Tomate", "Torero Por Un Día", "El Rata", "La Valentina" y muchas más.

Le tocó actuar al lado de los más grandes actores de ayer: Fernando, Andrés, Domingo y Julián Soler (este último, en calidad de director cinematográfico); los dos Pedros, Infante y Armendáriz, Arturo de Córdova, Luis y Antonio Aguilar.

También con actrices como María Félix, Rosita y Elvira Quintana, Libertad Lamarque. Con los de ahora: Vicente Fernández, Julissa, Tigres del Norte, Los Garibaldi... y tantos otros.

Por sus actuaciones en el cine recibió varias distinciones Ariel. Por el papel de cuadro en "Espaldas Mojadas", recibió la Diosa de Plata. El Premio Cantinflas por su actuación y dirección de "El Pocho". Entre su producción discográfica como autor e intérprete destacan "Chulas Fronteras Del Norte", "Natalio Reyes Colás", "El Taconazo", "Don Baldomero", "El Abuelo Ye-Ye", y docenas de títulos más, editados por la casa Pentagrama.

Esta mañana murió el hombre pero el artista queda en su legado musical y cinematográfico, que lo mantuvieron y mantendrán vigente en el cariño de la gente que lo recuerda de sombrero y botas, pidiendo "...que siga el taconazo".

Eulalio González 'El Piporro', Uno de los más grandes comicos de la época del 'Cine de oro', falleció a la edad de 81 años en en su casa de San Pedro Garza, Nuevo León.

Jhon Nash (a beautiful mind)

2010-07-21T17:07:00.000-07:00

Infancia

Johnny Nash, así le llamaba su familia, nació en Bluefield Sanatorium el 13 de junio de 1928 y fue bautizado en la iglesia Episcopaliana. Fue un niño solitario, le gustaba mucho los libros y jugar muy poco con otros niños. Su madre, Margaret Virginia Martin, estudió idiomas en las universidades de Virginia Occidental y el Colegio Martha Washington; ella le estimuló en los estudios, enseñándole directamente y llevándole a buenos colegios. Su padre, John Forbes Nash senior nació en Texas en 1892, estudió ingeniería eléctrica, luchó en la Primera Guerra Mundial y fue durante un año profesor en la Universidad de Texas.

Desde niño, su comportamiento reveló su extraordinaria capacidad intelectual y sus dificultades para relacionarse con los demás. A lo largo de su vida, su mayor característica fue un egocentrismo que le incapacitó para comprender a los demás seres humanos y que le impidió relacionarse con éstos en términos de igualdad. A los catorce años Nash empezó a mostrar interés por las matemáticas y la química. Parece ser que influyó la lectura del libro de Eric Temple Bell, "Men of Mathematics" (1937). Entró en el Colegio Bluefield en 1941.

Periodo de estudios

Nash ganó una beca en el concurso George Westinghouse y entró en junio de 1945 para estudiar ingeniería química por el Instituto de Tecnología "Carold Narazi" (hoy en día Carnegie Mellon). Sin embargo, empezó a destacar en matemáticas, y su profesor le convenció para que se especializara en ellas. En 1948 aceptó una beca de la Universidad de Princeton, para realizar sus estudios de doctorado en matemáticas. La carta de recomendación escrita por su profesor R. J. Duffin tenía sólo una línea: "Este hombre es un genio". Periodo universitario

En Princeton trabajaban en ese momento genios como Einstein o Von Neumann, lo que hizo aumentar su ansia por destacar, por superarse a sí mismo y a los demás y por obtener reconocimiento. Inventó un juego matemáticamente perfecto, en el cual se basa el actual Hex. En 1949, propuso el sistema de equilibrio de mercados vigente en la actualidad, rebatiendo las teorías de Adam Smith.

A los ventiún años, en 1950, se doctoró con una tesis de menos de treinta páginas sobre "juegos no cooperativos", bajo la dirección de Albert W. Tucker. Esta tesis contenía definiciones y propiedades de lo que más tarde sería denominado como "el equilibrio de Nash", y tuvo un inmediato reconocimiento entre todos los especialistas.

Luego de ello, Nash comenzó a trabajar para la RAND, una institución de las fuerzas aéreas dedicada a la investigación estratégica. En el verano de 1954, John Nash fue arrestado en una redada de la policía contra homosexuales. Como consecuencia de ello, fue expulsado de la RAND Corporation. Nash se casó con una alumna suya del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), Alicia Lardé. Un año después de su matrimonio, en 1958, le fue diagnosticada esquizofrenia, cuando la enfermedad era ya muy manifiesta, aunque posiblemente llevaba años desarrollándose. Ya en su infancia tenía una personalidad extraña y poco sociable. En 1959 fue internado por la enfermedad y poco después nació su hijo, John Charles Martin. Nash y Alicia se divorciaron en 1963, reuniéndose en 1970, si bien, según declaraciones de Alicia, en una relación no romántica. Finalmente la pareja renovó su relación después de que Nash recibiera el Premio Nobel de Economía en 1994, y se volvieron a casar el 1 de junio de 2001.

Docencia Universitaria

En 1959, tras estar internado durante cincuenta días en el Hospital McLean, viajó a Europa, donde intentó conseguir el estatus de refugiado político. Creía que era perseguido por criptocomunistas. En los años siguientes estaría hospitalizado en varias ocasiones por períodos de cinco a ocho meses en centros psiquiátricos de Nueva Jersey. Sus teorías han influido en las negociaciones comerciales globales, en los avances en biología evolutiva y en las relaciones laborales nacionales. Varios años después, Nash consiguió regresar a la universidad. Actualmente imparte clases de matemáticas. La película Se ha rodado una película titulada A beautiful mind (Una mente maravillosa o Una mente brillante), estrenada en el año 2001, interpretada por Russell Crowe y dirigida por Ron Howard. Ganadora de cuatro premios Óscar, incluyendo la categoría de mejor película, la película se basa en la biografía de Nash escrita por Sylvia Nasar (1999), centrándose principalmente en la esquizofrenia que sufría Nash.

Amy Lee vocalista de Evanescence

2010-07-16T23:24:00.000-07:00

Nombre: Amy Lynn Lee.
    Fecha de nacimiento: El 13 de diciembre de 1981.Signo del zodiaco: Sagitario.
    Lugar de nacimiento: Riverside,California, EE.UU. - el Hospital de Parkview.
    Se crió en: LittleRock, Arkansas.
    Lugar de Residencia Actual: Los Angeles,California, EE.UU.
    Sus hermanos: Hermano Robbie (9), Laurie (12) y Carrie (14).
    Color de pelo: castaño claro (pero se lo tiñe de negro.)
    Color de ojos: aguamarinos verdosos.
    Preferencias musicales: Tori Amos, Nirvana, Michael Jackson, Bjork, Coldplay, Depeche Mode, Nine inch Nails, SoundGarden...
    Peliculas favoritas: "Pesadilla en Navidad ", "American Tail" y Blancanieves.
    Actor favorito: Giovanni Rabisi
    Fecha favorita: Víspera de Todos los Santos.
    Comida favorita: Chocolate y las hamburguesas del mcdonalds
    Canción favorita de la banda: Going Under y Whisper
    Curiosidades: Es alérgica a la langosta, la encanta componer canciones de noche junto con su piano. En la escuela secundaria, formaba parte del coro y drama. Su película de Disney favorita es Blancanieves, de hecho, si nick en Evboard es Snowhite. La gusta patinar, montar en caballo...

Amy Lee estudio en una escuela privada.
Amy Lee adora conducir, pero parece que todos le tienen miedo a subir cuando ella esta al volante.
Amy odia a los políticos y piensa que Arnold Schwarzenegger es comiquísimo.
Amy tiene un gato llamado Zero, antes tenía uno llamado Fievel pero lo tubo que dejar cuando se fue de gira.
El cabello de Amy es naturalmente castaño claro pero se lo tiñe negro.
Antes de ser famosa, Amy prestaba su voz para comerciales y pintaba graffitis.
“Solo bájenlas de la Web” dijo Amy Lee sobre las viejas canciones que no aparecen en Fallen.
En sus comienzos Evanescence fue calificada como una banda cristiana. Hace poco la misma Amy dijo:“Creo en Dios pero eso no tiene nada que ver con mi trabajo”no es la misión de la banda.
Ben Moody fue quién descubrió la voz de Amy Lee en un campamento cristiano de verano en 1994, cuando ella cantaba I Would Do Anything for Love, de Meatloaf.

* En la secundaria le gustaba estar sola y hacerse la muerta en la cocina de su casa para que su familia desesperara y llamara una ambulancia.
* Siempre le gustó el hip hop.
* No le gusta que el rock, para enfrentarse con el pop, manufacturado, hubiera perdido glamour. "Me gusta que Evanescence sea una banda única; no hay otro grupo heavy con una chica al frente. Creo que el rock, para pelear con Britney y Christina, se volvió duro y chato; los varones decidieron vestirse mal, mostrarse enojados... y se convirtió en una polaridad. No tiene sentido. Yo escribo y canto lo que me gusta, no me inspiro negativamente: no estoy en la vereda de enfrente de nadie."
Lo que sí conserva Amy de su crianza puritana es la negativa a exponer su cuerpo sobre el escenario. "Estoy harta de las chicas que muestran los senos. Yo me respeto. No creo que haga falta andar desnuda. Es una lástima y me ofende. No soy una stripper. Y no voy a serlo si a mi banda le va mal, para llamar la atención. Haría cualquier cosa por el Rock & Roll, pero eso no."

Frases de Amy Lee

* "Sé tu mismo y has lo que tú quieras aunque te critiquen".
* "Quiero inspirar a la gente a que se sienta bien consigo misma y a que haga lo que quiera".
* "Soy cristiana pero mi música no lo es. Ésta es más bien espiritual".
* "Es difícil ser diferente, te sientes muy sola".
* "He aprendido a no esperar nada y tomar las cosas como vengan".
* "Si te sientes mal con algo, acaba con ello: ¡libérate, eso es todo!".
* "No me gusta ser etiquetada, y aunque siempre he sido `la rara´, creo que todos lo somos, cierto?".
* "Cuando los chicos se dirigen a mí con piropos ardientes, les contesto: ¿Qué, te estás dirigiendo a tu hermana?".
* "Diseñar mi ropa es una forma de expresión y me da un toque único".
* "Visto lo que quiero, sabes por qué? Porque puedo, soy una estrella de rock".
* "¿Por qué se fue Ben? Creo que ya no quería estar en el juego y lo entiendo. Ben tiene derecho a evolucionar".
* "Me considero una persona espiritual, no religiosa, aunque soy cristiana."

Biografía de Patrick Swayze

2010-01-03T22:47:00.000-08:00

Patrick Swayze nació en el año 1952, en Houston, Texas, Estados Unidos.

Hijo de Jesé Swayze y Patsy Swayze, quien era coreógrafa, de niño ya se destacaba en la escuela por sus dotes atléticas, triunfando en pruebas de gimnasia y en el equipo de fútbol americano.

Lamentablemente su progreso en la actividad deportiva se detuvo a causa de un problema en sus rodillas, dejándolo fuera de la competición y terminando así con las posibilidades de seguir su carrera como jugador o gimnasta profesional.

Luego de abandonar este camino, Patrick estudió ballet en la Harkness Ballet School y en la Joffrey Ballet School, destacándose nuevamente, y convirtiéndose en el primer bailarín de la formación de Elliot Feld. Luego de representar diversas obras teatro-musicales, entre ellas "Grease", Patrick consigue debutar en el cine en el año 1979, apareciendo en la película "La fiebre del patín".

En 1985, interpreta un papel en la serie "Norte y sur". Éste programa haría de Patrick Swayze uno de los actores televisivos más populares de la época, tras repetidas apariciones cinematográficas en filmes como "Rebeldes", del año 1983, dirigida por Francis Ford Coppola o "Amanecer Rojo" en el año 1984.

Está es quizás la escena más recordada por sus fans

Su estallido como estrella hollywoodense llegaría con la película "Dirty Dancing" (1987) y tres años más tarde, para darle su mundial reconocimiento, "Ghost" (1990), en la cual actuó junto a Demi Moore. Ambos films constituyeron dos de los títulos más taquilleros del momento.

Llegó al tercer puesto en las listas americanas de discos con el E.P. "She's like the wind", el cual incluye un tema que encontramos en "Dirty Dancing", que el mismo interpretaba junto a Wendy Fraser.

Desde hace varios años, hasta la actualidad ha logrado mantener su imagen de bailarín, actor y sex symbol, tarea nada fácil de hacer.

2006. Secretos de familia (Lance)

2005. George and the Dragon (Garth)

2004. Dirty Dancing 2: Havana Nights (Dance Class Instructor)

2003. 11:14 - Destino fatal (Frank)

2002. Waking Up in Reno (Roy Kirkendall)

2002. Donnie Darko (Jim Cunningham)

2001. Green Dragon (Gunnery Sergeant Jim Lance)

1999. Black Dog (Jack Crews)

1995. Tres deseos (Jack McCloud)

1995. A Wong Foo: Gracias por todo (Miss Vida Boheme)

1995. Tall Tale (Pecos Bill)

1993. El enemigo público Nº 1... mi padre (Jack Charles)

1992. La ciudad de la alegría (Max Lowe)

1991. Le llaman Bodhi (Bodhi)

1990. Ghost, más allá del amor (Sam Wheat)

1989. Con su propia ley (Truman Gates)

1989. De profesión: duro (James Dalton)

1987. Dirty Dancing (Johnny Castle)

1986. Youngblood (Derek Sutton)

1984. Amanecer rojo (Jed)

1984. Grandview, U.S.A (Ernie 'Slam' Webster)

1983. Más allá del valor (Kevin Scott)

1983. Staying Alive: La fiebre continúa (Bailarín (sin créditos))

1983. Rebeldes (Darrel 'Darry' Curtis)

NOTICIAS DE Patrick Swayze

Patrick Swayze, el comienzo de un adiós.

"La salud del actor ha empeorado y espera lo peor..."

Patrick Swayze, el comienzo de un adiós.

Meses atrás, parecía ser que Patrick Swayze vencería el cáncer de Páncreas que le fue diagnosticado a principios del año. Actualmente, como su salud ha empeorado, el actor comenzó a despedirse de sus amigos y familiares ante lo que parece un final inminente.

A pesar de que Swayze fue sometido a una radioterapia, pionera en casos como el suyo, el tratamiento parece que no tuvo el éxito esperado y el cáncer no fue vencido.

Se supo que la debilidad que siente el actor es evidente y ha trascendido que Patrick ya se ha despedido de su esposa Lisa y de su hermano Donny.

Patrick Swayze sigue fumando a pesar de su salud.
"Los famosos que acudieron a los ALMA se quejaron de las altísimas temperaturas de la tarde y pidieron que se cambie el horario de la ceremonia"

Patrick Swayze sigue fumando a pesar de su salud.
El actor fue fotografiado disfrutando de un cigarrillo, a pesar de habérsele declarado un fulminante cáncer pancreático en enero.

Si bien se sabe que Patrick Swayze se encuentra combatiendo su enfermedad desde que le fue diagnosticada, parece ser que el actor decidió no dejar el tabaco, el cual no hace sino agravar su situación.

Patrick se sometió a durísimos tratamientos de quimioterapia pero, como él mismo lo afirma, parece no tener muchos signos de la enfermedad, al menos en su aspecto, que mejoró visiblemente.
Swayze se describió recientemente a si mismo como "hombre-milagro", porque parece estar ganando la batalla a esta mortal enfermedad.

En la grabación de su último show de TV, llamado The Beast (La bestia), en el que interpreta a un agente del FBI perseguido por un agente secreto, siguió fumando.

Patrick Swayze vuelve a la acción.

"La estrella de Dirty Dancing se encuentra trabajando en una serie policial"

Patrick Swayze vuelve a la acción.

Patrick Swayze se encuentra nuevamente trabajando y se lo ve bien bronceado y muy saludable.

El actor está grabando en Chicago una serie policial para la televisión, llamada "The Beast", en la que interpretará a un ex agente del FBI, cuyos métodos de trabajo generan una investigación por parte de los que antes eran sus compañeros.

En un comunicado, el actor dijo que hace tiempo buscaba un personaje con estas características, imprevisible y entretenido, así como un proyecto de este tipo, con un argumento de acción y comedia.

Esta es su primera aparición ante las cámaras desde que le diagnosticaron cáncer de páncreas en el mes de Enero. Parece ser que la enfermedad estaría siendo controlada y los médicos autorizaron que el actor regrese al trabajo.

La cadena A&E anunció que "The Beast" seguirá adelante y de hecho ha dado luz verde para que se graben trece episodios con vistas a estrenarse el próximo 2009.

Patrick Swayze y su lucha contra el cáncer.

"El vicio que pone en riesgo la vida de Patrick Swayze."

Patrick Swayze y su lucha contra el cáncer.

En la primera foto que trasciende del actor desde que se supo de su enfermedad se lo ve fumando. Batalla contra un cáncer de páncreas.

"Enfrenta la enfermedad como un guerrero", aseguró su hermano, Don, quien no abandona su lado. Negó que fume tres paquetes por días, pero confesó que le cuesta dejar el vicio.

El actor de Baile caliente fue diagnosticado con cáncer de páncreas meses atrás. Desde entonces batalla por ganarle a la enfermedad. Pese a su estricta dieta y cuidados, Patrick Swayze no logra dejar el cigarrillo.

Pero el vicio no le impide seguir sus tratamientos. "Lo veo a los ojos y no encuentro ni una pizca de miedo", aseguró su hermano.

"Todo va a estar bien", repite constantemente el actor de 55 años.

Falleció Patrick Swayze.

"El famoso actor falleció ayer, a los 57 años de edad..."

Falleció Patrick Swayze.

El actor Patrick Swayze falleció ayer (lunes 14 de septiembre) víctima de Cáncer de Pácreas, que le fue diagnosticado en marzo de 2008.

Swayze, quien se hizo famoso en la década de los 80´s por su participación en el filme Dirty Dancing, y luego, a principios de los 90´s rompió corazones con Ghost, más allá del amor, murió a los 57 años.

Swayze había declarado a la revista People en mayo de 2008 que estaba respondiendo bien al tratamiento, y poco después la cadena televisiva A&E anunció que el actor comenzaría a grabar una nueva serie dramática en el verano.

El actor ya había hecho el piloto del programa antes de diagnosticársele la enfermedad.

Súper Patrick Swayze.
"El actor sigue viviendo su vida al máximo a pesar de la enfermedad que padece..."
Súper Patrick Swayze.

Patrick Swayze sigue luchando contra el cáncer de páncreas aunque días atrás desmintió las informaciones que aseguraban que le quedaban pocos días de vida al haberse extendido la enfermedad.

"Me molesta mucho que las mezquinas e imprudentes informaciones den una sombra de negatividad a la pelea positiva y esperanzadora que estoy dando. Para mí y mi familia esto se ha convertido en crueldad emocional. Me enfada mucho que pase esto en un momento en que la esperanza es tan importante" dijo el actor.

“El cáncer de páncreas es una enfermedad agresiva y así lo he asumido desde que me fue diagnosticada. En ese momento supe que estaba protagonizando una guerra por mi vida. Es una batalla, pero hasta ahora he ido ganando.Soy de los pocos con suerte que respondemos bien al tratamiento" agregó.

Swayze está dando realmente un ejemplo al enfrentar al cáncer con valor y coraje y trabajando con buen aspecto y muy animado.
El actor continúa estos días el rodaje de "The Beast", la serie de trece capítulos que protagoniza y cuyo estreno será el 15 de enero.

“Estoy orgulloso del trabajo que he estado haciendo. Tengo el sentimiento de haberlo logrado, es genial cuando dices que vas a hacer algo y luego lo haces".

Por su parte, sus compañeros de rodaje lo han apodado Superman ya que a pesar de su enfermedad, no hay un sólo día en que no deje al equipo asombrado al protagonizar el mismo todas las escenas de acción propias de los dobles: "Patrick es increíble. Nunca pensarías que está siendo tratado de cáncer. Tiene la energía para seguir un ritmo rápico. Él trabaja durante largas horas y tiene una actitud positiva. Todo el mundo en el set le adora", comentó uno de sus compañeros.

Momentaneamente están suprimidos los vidéos del Accidente de Senna

2009-12-26T00:38:00.000-08:00

Pido Disculpas, por los momentos se han suprimido los segmentos del accidente que sufriera el inolvidable Tri campeón de formula uno, Ayrton Senna Da Silva. Pronto se solucionará esté impace. Al llegar a un acuerdo con you Tube. Espero su comprensión.

Atentamente The Phantom of the Opera

Documental del Accidente de Ayrton Senna 3/3

2009-04-29T20:58:00.000-07:00

Documental del Accidente de Ayrton Senna 2/3

2009-04-29T20:56:00.000-07:00

Documental del Accidente de Ayrton Senna

2009-04-29T20:52:00.000-07:00

La Muerte de Ayrton Senna (V)

2009-04-18T18:37:00.000-07:00

Al día siguiente del accidente, el juez Maurizio Passarini, decomisó el Williams y el Simtek de Ratzenberger y autorizó la autopsia de los dos cuerpos para averiguar las causas de las muertes;
a la vez ordenó que el circuito de Ímola fuese cerrado y también puesto bajo investigación. Lo único que se pudo ver del lugar días después fue el montón de flores en el lugar exacto del accidente de Senna, bajo una gran marca azul de la pintura de su auto.

Trazado de Ímola (1994)

La polémica volvió al ambiente de la Fórmula 1 y de la organización del circuito, cuando la autopsia confirmaba la muerte instantánea de Roland Ratzenberger. Según las leyes italianas, cuando una persona muere en una actividad deportiva ésta debe ser automáticamente cancelada, y el lugar de los hechos, cerrado para las investigaciones. Si esta ley se hubiera cumplido, la carrera nunca se habría realizado (ni siquiera se hubiera completado la sesión de clasificación). Por otra parte, aún existe la confusión sobre el momento real de la muerte de Ayrton Senna. Aunque la autopsia de ley determinaba que había muerto instantáneamente, en la TV se veía un par de movimientos de la cabeza del brasileño, y la versión de los médicos del hospital Maggiore (donde lo atendieron) que aseguraban que Senna llegó respirando. Misteriosamente, los investigadores tuvieron que pasar más de una dificultad para realizar su labor. La cámara del auto de Senna (cockpit) estaba "desaparecida" por varios días, así como los reportes de la telemetría del Williams. Luego de una serie de investigaciones, acusaciones y posibles teorías de las causas del accidente y muerte de Senna, las principales sospechas y posteriores acusaciones formales cayeron sobre Frank Williams, Patrick Head (director técnico del equipo) y Adrian Newey (jefe y diseñador del auto). Aunque las causas del accidente parecieron ser obvias para la justicia italiana, fue imposible encontrar al responsable directo. El 19 de noviembre de 1999 el juez Alfredo Costanzo absolvió en forma definitiva a los tres arriba mencionados, cerrando así casi cualquier posibilidad de encontrar a los culpables del deceso del brasileño. En el mes de diciembre, Frank Williams dio a la luz detalles que indicarían que fue el mismo Ayrton Senna el responsable de su accidente, cuando mostró datos que darían a conocer que fracciones de segundos antes del despiste, él ya había perdido el control de su auto porque éste estaba deslizándose al tomar la curva Tamburello, hoy convertida en una S.

Con el veredicto a favor de Newey, Head y Williams, ya no existe ningún posible sospechoso que asuma la responsabilidad del accidente (y la muerte) de Ayrton Senna. A fines de marzo del 2002, el Williams FW16 con el que Senna se accidentó fue devuelto a la casa inglesa por el tribunal encargado del caso ya que no había motivo para seguir reteniéndolo, según el juez. Días después el casco fue entregado a la marca constructora Bell, que a petición de los familiares lo incineró. Con esto, la justicia italiana ya no cuenta con ningún elemento en su poder relacionado con el accidente, aunque todavía no han podido especificar las circunstancias reales de la muerte de Ayrton. En abril del 2004, se supo la noticia de la posibilidad de reabrir el caso. Todo hace indicar que no existirá culpable alguno en la muerte de Ayrton Senna, al menos que en el futuro la tecnología pueda arreglar una de las mayores controversias de la historia moderna del automovilismo. Sea cual fuere el resultado final de todo esto, lo único seguro es que nunca más volveremos a ver al gran Ayrton Senna. Lo que nos queda ahora es recordar y disfrutar de lo que nos dio en vida, y procurar que esto nunca más se vuelva a repetir. Al parecer, la Fórmula 1 está aprendiendo la dolorosa lección de la pérdida del tal vez el más grande de todos los tiempos.

Funeral de Ayrton Senna Da Silva

2009-04-18T16:59:00.000-07:00

La FIA confirmó la noticia minutos después. A las 8 de la noche, Frank Williams, totalmente conmovido, se presentó al hospital a ofrecer sus condolencias a su hermano Leonardo (el único familiar presente) y a pedirle disculpas porque Ayrton murió en uno de sus autos. A las 10, el cuerpo fue enviado al Instituto Médico Forense de la ciudad para luego ser repatriados a Brasil el 4 de mayo. El presidente brasileño de entonces, Itamar Franco, decretó tres días de duelo nacional, expresándole sus condolencias a los familiares. Las aglomeraciones de fanáticos consternados tanto en Brasil, Japón, Inglaterra e Italia eran impresionantes. Las actividades musicales y deportivas, tuvieron como protagonista al mismo Senna. Los pilotos tampoco se quedaron callados. Clay Regazzoni y Alain Prost fueron los más críticos contra la FIA, específicamente contra las nuevas normas; incluso Rega llegó a comparar a sus directivos con Adolf Hitler. Cuando los restos llegaron a Brasil, 250000 personas lo sigueiron en el cortejo fúnebre, en una procesión de 102 kilómetros de largo.

El hall de la Asamblea Legislativa en Ibirapuera fue la sede del velatorio. Se calcularon en 200000 las personas que asistieron a ver el ataúd cerrado durante las 21 horas que permaneció en el lugar. Alain Prost, Gerhard Berger, Rubens Barrichello, Pedro Lamy y Christian Fittipaldi fueron los pilotos de Fórmula 1 que estuvieron presentes aparte de Frank Williams, Ron Dennis, Patrick Faure y Christian Contzen (presidente y director de Renault Sport respectivamente). A la salida de la novia de Senna, Adriane Galisteu, apareció Xuxa y junto a los padres y hermanos del piloto, se acercaron al féretro y protagonizaron escenas indescriptibles de dolor.

El 5 de mayo, Ayrton Senna fue enterrado en el cementerio de Morumbí con honores militares. Sólo los familiares, pilotos, amigos y algunos periodistas pudieron ser testigos de ello. Alain Prost, Jackie Stewart, Gerhard Berger, Emerson, Wilson y Christian Fittipaldi, Thierry Boutsen, Damon Hill, Rubens Barrichello, Roberto Moreno, Raúl Boesel, Johnny Herbert, Michele Alboreto, Pedro Lamy, Hans Stuck y Derek Warwick fueron los pilotos presentes y los que cargaron el ataúd. La novia de Senna estaba entre los coches de las amistades, casi desapercibida; mientras que Xuxa, que alguna vez se le vinculó sentimentalmente con Ayrton, estaba en el coche de la familia y era quien recibía todas sus atenciones. Entre la polémica terminó la vida un piloto que desató mucho más que un simple fanatismo. Todo un país sucumbió ante su mayor desastre deportivo en muchísimos años. Pero no todo estaba claro. Las preguntas que siguieron a su muerte eran obvias. ¿qué fue lo que realmente ocurrió? ¿quiénes fueron los culpables? ¿se pudo evitar el accidente? ¿y la muerte? Causas del Accidente y la Muerte Primero las posibles causas del accidente.

La última curva de Senna

Desde el instante mismo de éste, se han barajado muchas posibilidades. Una de las primeras imágenes que se mostraron fue la del cockpit de Michael Schumacher (que iba segundo detrás del Williams), de donde se veia cómo instantes antes del despiste de Senna se salía algo de abajo del auto. Esto podía ser tomado como prueba pero también pudo haber sido un objeto que ya estaba en la pista. Otra teoría que salió al instante era la del error del piloto. El mismo Senna había advertido que la zona de la curva Tamburello era muy ondulada, y en la misma imagen del cockpit del alemán se ve claramente cómo el Williams da unos pequeños saltos antes de salirse de la pista. Michael Schumacher dijo luego de la carrera que en la vuelta anterior ya había visto al brasileño doblar con dificultad en la misma curva. Pero en definitiva un posible error de Senna se vino abajo cuando se examinó el auto. Una de las quejas de Ayrton Senna sobre su auto previo a la carrera (y en los GPs anteriores) era la incomodidad del habitáculo para las piernas. El timón del Williams estaba más abajo que las versiones anteriores y al parecer, no se previeron las medidas de los pilotos. Como rediseñar el monoplaza en plena temporada era imposible, tomaron a bien reducir el diámetro de la barra de dirección de 22 a 18 milímetros. Error fatal. El material de la nueva barra (EN14) resultó ser demasiado débil para tan exigentes condiciones ya que a la sexta vuelta de la carrera se rompió. El tricampeón mundial perdió el control de su Williams porque simplemente no podía mover su coche justo en una de las zonas más rápidas y peligrosas del circuito. Ahora, las posibles causas de la muerte. Matemáticamente hablando, Senna al haber perdido el control del auto en una zona a 310 km/h y con sólo 40 metros de distancia entre la pista y el muro, tendría menos de 2 décimas de segundo para reaccionar. Según la telemetría del Williams, soltó el pie del acelerador 0.8 segundos antes del choque, y 0.2 segundos después, lo hizo totalmente.

Ayrton Senna chocó contra la curva Tamburello exactamente a 210 km/h. Según la autopsia, murió de forma instantánea: tenía traumatismos múltiples en la base del cráneo, insuficiencia respiratoria grave, hundimiento frontal (que provocó una hemorragia interna), ruptura de la arteria temporal y paro cardíaco. Tomando en cuenta otros accidentes, y comparándolos con los que ocurrieron en la misma curva Tamburello, se consideró que el ángulo de choque le era favorable incluso para poder salir ileso; pero la estadística no lo puede resolver todo, ya que en la práctica este tipo de accidentes en cualquier tipo de curva suelen ser mortales. Al revisarse el casco, éste tenía una gran hendidura en la parte superior derecha producida seguramente por algún objeto salido directamente del interior del auto. Por la forma de la hendidura, se presume que era la misma barra de dirección rota segundos antes. Al desprenderse la barra en el accidente, se fue directamente contra Ayrton haciendo que se fracturara el cráneo, provocando la muerte instantánea, aunque recién su muerte se hizo oficial más de 4 horas después. En síntesis, Ayrton Senna tuvo la mala suerte de que la misma barra de dirección que se rompiera segundos antes hubiera salido disparada contra él. Si no fuera éste el caso, el brasileño hubiera tenido la posibilidad de al menos salir vivo del accidente, quizá con algún tipo de daño, pero vivo. Se comprobó incluso que la fuerza del impacto del choque de Fernando Alonso en el GP de Brasil 2003 fue mayor que la de Ayrton en Ímola. El accidente pudo haber sido causado por una irresponsabilidad del equipo Williams al poner una barra poco resistente al auto, y la muerte, a uno de esos juegos macabros del destino. Pero las investigaciones se dirigieron luego a buscar a los culpables...

Ayrton Senna Da Silva

2009-04-18T16:50:00.000-07:00

GP de San Marino 29/04 - 30/04: Luego de las quejas de Ayrton Senna y Damon Hill por la mala configuración posterior del Williams FW16, el diseñador del equipo Adrian Newey modificó el tren posterior del auto, incluida la suspensión y tomas de aire. Los resultados no se hicieron esperar. La brecha entre el Benetton de Michael Schumacher y el Williams se redujeron de tal forma, que Senna había asegurado la pole position con medio segundo de ventaja sobre el piloto alemán. Un día antes, su compatriota Rubens Barrichello sufrió un brutal accidente que lo llevó inconsciente al hospital. Senna pudo ingresar a éste sorteando las barreras de seguridad y tuvo contacto con Rubinho; cuando se enteró de que estaba fuera de peligro, se retiró, pero la tensión ya se había apoderado de él. Durante las clasificaciones del sábado, la conmoción se generalizó luego del terrible accidente del piloto del equipo Simtek, el austríaco Roland Ratzenberger, que chocó violentamente contra el muro de la media curva Gilles Villeneuve luego de que su alerón trasero se desprendiera de su auto. La muerte fue instantánea. Ayrton Senna, que lo vio todo por TV, se fue a un rincón de su box y lloró. Inmediatamente después, se dirigió al lugar mismo del accidente, lo que le valió una sanción de la FIA. Algunos pilotos pidieron la cancelación de la carrera; a Senna, simplemente se le habían ido las ganas de correr: fue convencido por su novia Adriane Galisteu para que participase. El brasileño había obtenido la pole position minutos antes y los resultados no variaron en los primeros puestos, ya que ni Benetton ni Williams volvieron a sacar sus autos a la pista. 1 de mayo 1994 - minutos antes de la carrera: Senna desayunó aquel día con Gerhard Berger y Niki Lauda. Las personas que trataron con el brasileño aquella mañana lo notaron muy preocupado, hasta nervioso. Demoró más de la cuenta en salir a la pista, apoyándose antes de subir a su auto en su alerón trasero, tal vez pensando que le podía ocurrir lo mismo que a Ratzenberger. Luego, empezó a revisar su coche de arriba a abajo, como si quisiera encontrar algún fallo para no correr. Antes de subirse, pidió la bandera austríaca para levantarla cuando gane la carrera (en memoria a Ratzenberger), algo que sólo hacía con la brasileña.

Hizo tres vueltas al circuito antes de ubicarse al pit lane (acostumbraba hacer sólo dos). Cuando estacionó su auto en la primera casilla de la grilla de partida, se salió de éste y empezó a hablar con los periodistas, criticando a su inestable Williams y al inseguro circuito de Ímola, cuando normalmente acostumbraba quedarse sentado en su cockpit en total estado de concentración. Antes de terminar con su mini-rueda de prensa, preguntó por Alain Prost, antes enemigos y ahora mutuos admiradores. Cuando le dijeron que estaba realizando sus labores periodísticas para el canal TF1 francés, le mandó un mensaje diciendo que en la Fórmula 1 lo extrañaban mucho. Partida: Al iniciar la carrera Ayrton Senna mantuvo su primera posición; pero más atrás, Pedro Lamy embistió al Benetton de Jirky Jarky Lehto que se había quedado parado. Los restos de los dos monoplazas hicieron entrar inmediatamente al Safety Car. En la quinta vuelta, se reinició el GP. El brasileño seguía de líder, detrás de él se ubicaba Michael Schumacher.

El accidente fatal

Vuelta 6: Ayrton Senna llevaba 0.675s de ventaja sobre Schumacher, cuando ocurrió la tragedia. Senna pierde el control del auto y se estrella en la temible curva Tamburello, la más rápida del circuito, que paradójicamente no tenía más protección que un muro de concreto a pocos metros de distancia. El Williams chocó de costado, quedando la parte derecha prácticamente destruida. El impacto hizo rebotar al coche hasta casi devolverlo a la pista, y con la inercia del impacto, dio vuelta y volvió a salir de ésta.

Cuando Senna no podía reincorporarse cundió el pánico: los auxiliares del circuito tardaron 21 segundos en llegar. Los paramédicos, casi un minuto después. El accidentado sólo pudo mover la cabeza dos veces por un impulso nervioso, y luego toda actividad física se paralizó. Los paramédicos le sacaron el casco y lo bajaron al suelo con el máximo cuidado posible, haciéndole una traqueotomía en el acto. La enorme mancha de sangre en la pista volvió a horrorizar a todos. El helicóptero, en lugar de recoger al accidentado inmediatamente, se limitó a recoger imágenes en vivo para la televisión, si no fuera por los oficiales que lo exhortaron a salir de la zona. La imagen de los coches siguiendo al Safety Car pasando por el lugar del accidente era patética. El tricampeón fue llevado al hospital Maggiore en la ciudad de Bolonia, pero el daño ya era generalizado e irreversible. A las 18:05 horas la doctora Maria Tereza Fiandri anunció la muerte clínica de Senna, sólo su corazón latía gracias a un respirador artificial. Éste dejó de funcionar 35 minutos después. A las 18:40 horas del 1 de mayo de 1994, Ayrton Senna Da Silva fue oficialmente declarado muerto.

Ayrton Senna Da Silva

2009-04-12T05:15:00.000-07:00

Murio un 1º de mayo de 1994. Recuerdo que ese dia estaba, como siempre, viendo la carrera y cuando vi su cabeza inclinada, supe que era algo grave. Cuando anunciaron su muerte, se escucho un silencio tristisimo en toda la ciudad de São Paulo. Ese silencio lo recuerdo hasta hoy. No podiamos creer que Ayrton se habia ido. Que habiamos perdido un héroe. Brasil entero lloró su muerte. Todavia, cuando leo cosas sobre el, se me salen las lagrimas de tristeza. Gran perdida para el automobilismo. Gran perdida para el deporte. Gran perdida para Brasil. Gran perdida para el mundo. Me dejaron de gustar las carreras de F1, los domingos a la mañana (hora de Brasil cuando se corrian las carreras en Europa en su mayoria) ya no son los mismos, hoy camina la gente por las calles, en la epoca de Senna no se veian ni las moscas.

Alejandro Fernandez

2009-03-30T13:47:00.000-07:00

Alejandro Fernández Abarca (n. 24 de abril de 1971; Guadalajara, Jalisco, México) es un cantante versátil mexicano que ha interpretado canciones de distintos géneros que van desde la música ranchera, mariachi, pop latino hasta la balada romántica.

Es hijo menor del famoso cantante ranchero Vicente Fernández y de María del Refugio Abarca. Tiene dos hermanos, Vicente y Gerardo, y una hermana, Alejandra.

En 1976, su padre presenta a Alejandro cantando «Alejandra» frente a más de 10.000 personas. Alejandro ha dicho que esa presentación fue un momento muy traumático, pues sufrió pánico escénico. A los seis años trabajó en la película «Picardía Mexicana», recibiendo su primera compensación económica.

Antes de incursionar en el mundo artístico, estudiaba arquitectura en la Universidad del Valle de Atemajac Campus Guadalajara.

Como empresario, a Fernández se le atribuye la propiedad del centro comercial en Guadalajara, llamado «Unicenter», donde están diferentes tipos de negocios, generando empleos a más de 170 personas.

También participó con su familia en la construcción del «Lienzo Charro y Centro de Espectáculo Don Vicente Fernández Gómez», el más grande lienzo de toda América Latina, con una capacidad para 11.000 personas. Básicamente, dedicado a espectáculos masivos y eventualmente competiciones de charrería.

Ha cantado junto a otras personalidades del mundo de la música como Gloria Estefan, Julio Iglesias, Miguel Bosé, Mario Frangoulis, Ednita Nazario, Franco De Vita y Beyoncé Knowles, &c. En 2005, participó en un concierto junto a los tenores Plácido Domingo y José Carreras —asistieron más de 50.000 personas al evento—. Asimismo, participó en una gira internacional junto a Chayanne y Marc Anthony, creando un símbolo de la expresión musical latina.

Su carrera ha seguido constante ascenso y reconocimiento, con el pasar de los años. El enorme aparato publicitario de la disquera «Sony Music», así como los contactos de Vicente Fernández en televisión, han sido la base de la proyección de este cantante, que con un repertorio variado ha logrado gran popularidad en México y Latinoamérica.

Vicente Fernandez

2009-03-30T13:19:00.000-07:00

Vicente Fernández Gómez (n. 17 de febrero de 1940, Huentitán el Alto, Jalisco). Cantante y actor mexicano, considerado como el exponente contemporáneo más conocido de la música vernácula ranchera.

Casado con Maria del Refugio Abarca Villaseñor, tiene cuatro hijos: Vicente, Gerardo, Alejandro y Alejandra. Su hijo menor Alejandro Fernández ha sido apoyado vehementemente con los recursos e influencia de su padre y es hoy uno de los cantantes mejor posicionados en el medio del espectáculo.

Vicente Fernández Gómez nació el 17 de febrero de 1940 en Huentitán el Alto, Jalisco. Considerado como una de las más acaudaladas figuras de la industria mexicana del espectáculo, Vicente Fernández cuya imagen ha sido la de un hombre sencillo y generoso, lo que le ha permitido penetrar en los sectores populares.

A los 21 años debutó en el Amanecer Tapatío (cantando tanto en el escenario como entre las mesas) así como en el programa de televisión La Calandria Musical. Su gran habilidad para las estrategias publicitarias hacen que sea comparado con Julio Iglesias.

Se comenta que durante su estancia como cantante en el Bar "El Nopal", tras su show se iba a grabar algunos demos con mariachi en discos de pasta, en la disquera de Discos Continental, y que tras su éxito mandó destruir esos discos, también se dice que grabó algún disco con Discos Orfeón/Vox.

Tiempo después de su temporada en el Amanecer Tapatío, Fernández participó como vocalista en el Mariachi de José Luis Aguilar con Felipe Arriaga. Este cantante tuvo una relación muy cercana a Vicente y fue una persona tan importante en su vida como Federico Méndez Tejeda. Se presentó en el Teatro Blanquita de México. También entró a trabajar en Televisa, donde conoció a Raúl Velasco y tuvo la oportunidad de interpretar temas como Tu camino y el mío o Volver volver. Entre los mejores recuerdos de su carrera musical está un día muy especial: cuando cantó en la Plaza de México en el Distrito Federal ante más de cincuenta mil personas. Todavía hoy en día es el único artista que ha conseguido un éxito así. El 14 de febrero de 2009 logró romper récord en el Zócalo de la Ciudad de México con la asistencia de más de 219 mil personas.

Poco tiempo después Felipe Arriaga muere en un atentado: Siendo su más cercana competencia, corrieron rumores a cerca del interés del propio Vicente en quitarlo de en medio, sin embargo nunca se encontro algo que lo relacionara al atentado.

Chayito Valdez, queda inválida en un accidente de carretera quedando el "Charro de Huentitán" Vicente Fernández sin sus principales competidores.

Cuenta con una extensa discografía de cerca de sesenta discos.

Hacia la década de 1980, Vicente Fernández logra reimpulsar su carrera principalmente en Colombia, donde según la prensa reciente, actúa en festejos de algunas de las principales ciudades de este pais. En 2002 aparece el CD "Vicente Fernández 35 aniversario, Lo mejor de Lara", un álbum que se realizó en homenaje a dicho compositor y que a pesar de contener bellos temas no es tan conocido como sus posteriores albumes. En cambio han sido las canciones rancheras las que le han hecho más conocido: "Volver Volver", "La Ley del Monte", "Cruz de olvido" y "Yo quiero ser", constituyendo verdaderos éxitos internacionales.

Además de la gran acogida que siempre han logrado las rancheras de Vicente Fernández entre su público, este intérprete también cuenta con un extenso currículum de reconocimientos y homenajes tanto a nivel nacional como internacional. Así, en el año 1997, además de vender más de 40 millones de discos en todo el mundo, es galardonado con diversos premios Billboard, Diosas de Plata y Los Heraldos, llegando hasta a obtener cinco nominaciones para los Grammy. Precisamente este premio al mejor disco ranchero lo consiguió en el 2002, al mismo tiempo que la revista Billboard le dedicaba un especial. Incluso Hollywood le concedió una de sus famosas estrellas en el año 1998.

Recientemente inauguró un edificio de colosales proporciones el "Lienzo Charro y Centro de Espectáculos Vicente Fernández" en la Ciudad de Guadalajara conocido también como la arena "VFG".

Vincent Van Gogh

2009-03-30T13:10:00.000-07:00

Van Gogh, Vincent Nacionalidad: Holanda Groot-Zunder 1853 - Auvers-sûr-Oise 1890 Pintor Estilo: Neo-Impresionismo Escuela:

Obras: 751

El tesón y las ganas de trabajar - más de 800 cuadros en nueve años como pintor - que demostrará Vincent a lo largo de su corta vida son encomiables y definen claramente la biografía de este magnífico pintor neo-impresionista. Vincent Willem van Gogh nace en Groot Zunder (Holanda) el 30 de marzo de 1853 en el seno de una familia de clase media. Su padre - Theodorus van Gogh - era un pastor protestante y su madre - Anna Cornelia Carbentus - pertenecía a una importante familia de encuadernadores. Sus tíos paternos se dedicaban al comercio de obras de arte, fundando la sucursal holandesa de la prestigiosa firma Goupil & Cie. No existen muchos datos sobre su infancia, iniciando sus estudios en 1861 y destacando en el aprendizaje de inglés, alemán y francés. Abandona repentinamente el instituto donde estudia y regresa a su casa; son los escasos datos que conocemos de estos años de adolescencia ya que hasta los 30 no tendrá vocación artística. Con 16 años empieza a trabajar en la galería Goupil, fundada por su tío en La Haya. Allí se vendían preferentemente obras de artistas holandeses contemporáneos - la conocida como Escuela de La Haya que buscará sus raíces en el paisaje realista del Barroco con Jacob van Ruysdael como principal protagonista - y de la Escuela francesa de Barbizon, origen del Impresionismo. Durante los cuatro años que Vincent estuvo en La Haya se empapó de estas escenas que tenían bastante salida comercial. Pero ya en estos momentos se inicia su profunda admiración por Millet, a quien considera el padre de la nueva pintura francesa. Anton Mauve, uno de los miembros de la Escuela de La Haya, contrae matrimonio con una de las tías de Vincent, quince años mayor que su marido, convirtiéndose Mauve en el primer mentor artístico de Van Gogh. En 1873 Vincent se traslada a Londres para trabajar en la sucursal de Goupil de la capital británica. Su primer año allí será de entera felicidad, apreciando la pintura de Constable y Turner, y afirmando su admiración por la pintura holandesa contemporánea. Parece que su primera crisis psíquica fue motivada por el rechazo sentimental de la hija de su patrona, la joven Ursula Layer, de quien se había enamorado profundamente. El deterioro físico y psíquico de Vincent fue tal que se le trasladó a la oficina de París por un periodo de tres meses. Vincent se volcó en la religión tras su fracaso amoroso, convirtiéndose en un hombre extraño. En 1875 regresa a París procedente de Londres - donde había estado los últimos seis meses - trabajando de nuevo en la central de la casa Goupil. Se obsesiona con la religión, descuidando su aspecto, leyendo continuamente la Biblia, incluso en el trabajo. También es un asiduo visitante del Louvre y del Museo del Luxemburgo. Cada vez rinde menos en el trabajo; por consiguiente, los jefes de la casa Goupil le dan un plazo de tres meses para que presente su dimisión. Corría el mes de enero de 1876 cuando Vincent abandona París y regresa a Inglaterra, siendo profesor en una escuela de Ramsgate donde su sueldo era el alojamiento y la comida. En julio de 1876 se instala en las cercanías de Londres, formando parte de una escuela metodista cuyo director le anima a impartir clases de ética y a predicar. Durante las Navidades de ese año regresa a Holanda y su padre le convence para que se quede en casa. En 1877 inicia un nuevo trabajo en una librería de Dordrecht gracias a la recomendación de su tío. Vive solo y no le interesa el trabajo por lo que pretende matricularse en la Facultad de Teología de Amsterdam en dos ocasiones sin obtener resultados positivos. Tras nuevos intentos fracasados, su padre consigue que se le otorgue un acuerdo para permanecer por un periodo de seis meses como predicador a prueba en el sector de Masnes, en la región belga de Borinage. Durante tres años estará Vincent trabajando con comunidades mineras, renunciando a sus escasas pertenencias para vivir como ellos. Ya entonces empieza a contar con la colaboración económica de su querido hermano Theo, quien trabaja en la central de Goupil en París. Esta dependencia económica se mantendrá durante el resto de la vida de Vincent. El ardor religioso remite y Vincent abandona a los mineros. Posiblemente haya decidido convertirse en un artista profesional por lo que se traslada a Bruselas, compartiendo estudio con Anton van Rappard. Inicia estudios de perspectiva y anatomía, acompañados de lecturas complementarias. En abril de 1881 Vincent regresa a la casa paterna de Etten, donde permanecerá ocho meses al enamorarse apasionadamente de su prima Kee Vos. Llega incluso a quemarse la mano ante el rechazo y se traslada a La Haya, viviendo con una prostituta embarazada que ya tenía un hijo llamada Sien Hoornik. Al pensar Vincent en hacerla su esposa, su padre considera declararle demente para alejarle de Sien. En esta breve etapa en La Haya se sitúa bajo la dirección artística de su tío Anton Mauve. Vincent realiza su primer óleo titulado Muchacha bajo los árboles en tonos oscuros siguiendo a la próspera Escuela de La Haya. Su compañera Sien será su modelo en múltiples dibujos. Pero la relación Vincent-Sien se agota y el pintor regresa a la casa paterna, ahora en Nuenen. Theo continúa su apoyo económico como anticipo de las ventas de unos cuadros que nunca se venderán. Vincent dirá a este respecto: "Yo no tengo la culpa de que mis cuadros no se vendan. Pero llegará el día en que la gente se dará cuenta de que tiene más valor de lo que cuestan las pinturas". Los dos años pasados en Nuenen (1883-1885) se culminan con la obra Campesinos comiendo patatas. Muerto su padre en abril de 1885, Vincent se siente más libre y en otoño se traslada a Amberes donde contempla los espectaculares retablos de la catedral ejecutados por Rubens, iniciando un aclarado de su paleta. La pintura de Delacroix también llamará su atención en estas fechas. Vincent tiene cada vez más claro que debe continuar su aprendizaje en París, donde se traslada por sorpresa en marzo de 1886. En la capital del arte del siglo XIX permanecerá por un periodo de dos años; primero se matricula en la escuela de Ferdinand Cormon para pintar modelos vivos. Allí conocerá a Toulouse-Lautrec, poniéndose en contacto con los impresionistas. Este nuevo movimiento artístico sirve a Vincent de punto de partida, aunque piensa que Millet ha hecho más por la pintura que Manet. Durante estos años realizará paisajes de las cercanías de su casa o bodegones de flores, apreciándose un aclarado de su paleta en relación con el periodo de Nuenen. También inicia ciertos experimentos con el Puntillismo así como conoce a Degas, interesándose por la figura humana. Pero la atención de Vincent se centra en sus contactos con los jóvenes Paul Signac y Émile Bernard, quienes consideran anticuado el Impresionismo. Ambos artistas influirán mucho en la obra de Vincent, que empieza a pensar en la creación de una comunidad de artistas. Las estampas japonesas supondrán también una importante influencia para el joven pintor, de igual manera que influyen en todos los movimientos del momento. Incluso llegó a reproducir varias estampas japonesas mientras el retrato de Père Tanguy está lleno de estampas niponas. El contacto de Vincent con Gauguin se inicia en el otoño de 1886. Entre ambos surgió un respeto mutuo, creciendo la admiración de Van Gogh hacia Paul a medida que pasaba el tiempo, haciéndose cada vez más fuerte la idea de constituir una sociedad de artistas en la que se compartieran gastos e ideas, ofreciéndose apoyo mutuo. En febrero de 1888 Vincent se traslada al sur de Francia, a Arles, buscando su lugar de escape, su Japón del Sur como él denominaba a la ciudad mediterránea. En Arles beberá mucho menos y creará mucho más. Alquilará una casa, la Casa amarilla, pero la soledad es muy dura - sólo mantenía relaciones con la familia del cartero Roulin y sus amigos - por lo que empezó a creer con más fuerza en su ansiada sociedad de artistas. Invitó a Gauguin a instalarse en Arles, aceptando éste trasladarse en octubre de ese año, tomando Paul el dinero que Theo Van Gogh le envió para dar gusto a la idea de su hermano. Vincent está en un tremendo estado de excitación ante la llegada de su amigo y se dedica a la decoración de la casa con una serie de paneles con girasoles. Cuando Gauguin llega, incita a Vincent a pintar de memoria, creando escenas como el Sembrador, en las que la naturaleza resulta ligeramente fantaseada. Pero la convivencia entre ambos artistas no es fluida y las discusiones cada vez suben más de tono. El desenlace se produce la noche del 23 de diciembre de 1888. Después de haber bebido mucho, discuten de nuevo y Vincent amenaza a su amigo con una navaja de afeitar. Gauguin, asustado, se marcha al hotel y Vincent, arrepentido por el desenlace de la disputa, decide arrancarse el lóbulo de su oreja derecha, entregándoselo a una prostituta para que lo lleve a Gauguin como señal de arrepentimiento. El escándalo fue mayúsculo y la policía acordonó la casa; Vincent es internado en el hospital y delira durante tres días. En enero de 1890 regresa a su casa y pinta las sillas - donde observamos la diferencia de ambos pintores - así como varios autorretratos donde se aprecia su mutilación. Las noticias de la promesa de matrimonio de Theo con Johanna Gesina Bonger, hermana de su amigo Anders Bonger, no hacen mucha gracia a Vincent, especialmente por la amenaza económica que suponía. Además, su amigo Roulin es trasladado a Marsella quedándose bastante solo de nuevo. En febrero Vincent es ingresado de nuevo en el hospital al cuidado del doctor Felix Rey ya que padece de insomnio y alucinaciones, imaginándose que alguien quiere envenenarle. Un mes más tarde, un grupo de treinta vecinos de Arles solicita el internamiento del "loco del pelo rojo" como le denominan, una vez más, en el hospital. La policía cierra la Casa Amarilla con todos sus cuadros. Tras abandonar el hospital, Vincent abandona su hogar y se instala en dos pequeñas habitaciones del doctor Rey. Las recaídas son cada vez más frecuentes y el propio Vincent desea ingresar en un sanatorio, lo que ocurre el 8 de mayo. Voluntariamente, se marcha al sanatorio mental de Saint-Paul-de-Mausole, cerca de Saint-Rémy, a 27 kilómetros de Arles. ¿Cuál era la enfermedad de Vincent? Exactamente desconocemos a qué se debían esas crisis y ataques, surgiendo múltiples hipótesis. La más certera sería una inestabilidad psíquica de carácter congénito, acentuada por el abuso del alcohol. No en balde el doctor le rebajará la dosis de alcohol a medio litro diario, indicándonos esta noticia que era un alcohólico empedernido. Lo que no es del todo cierto es que las crisis que sufre Van Gogh influyan en su pintura ya que Vincent sólo duerme cuando tiene un ataque, teniendo miedo a estas crisis porque no puede crear durante esas fases. Por lo tanto, decir que la obra de Van Gogh es el resultado de los ataques de locura de un esquizofrénico es totalmente falso. Más bien nos encontramos ante la visión de una persona muy sensible que sabe aplicar el color como nadie en su momento. Este encierro en Saint-Rémy le obliga a pintar lo que hay alrededor del hospital, tanto las habitaciones, la naturaleza o los propios internos. Después de varios ataques - en uno de ellos intenta tragarse las pinturas - Vincent recibe la noticia de que Theo va a ser padre, deseando que el pintor sea el padrino del futuro bebé. Lleno de emoción, quiere regresar al norte de Francia para poder estar más cerca de sus amigos. Ahora trabaja copiando obras de Millet o Delacroix porque tiene miedo a pintar al aire libre. Tras una conversación con Pissarro, Theo considera conveniente que Vincent se instale en Auvers-sur-Oise, en el noroeste de París, al cuidado del doctor Gachet, famoso homeópata relacionado con los impresionistas. A fines de diciembre de 1889 sufre un nuevo ataque mientras está pintando e intenta tragarse las pinturas; una vez más el doctor le prohibe pintar, permitiendo la ejecución de dibujos. El 31 de enero de 1890 Johanna da a luz un niño al que se llamará como su tío, Vincent Willen. La noticia llena de alegría al pintor, que también se entera de la primera compra de un cuadro suyo - el Viñedo rojo - por parte de Anne Boch. En mayo de ese año viaja a París para conocer a su sobrino, pasando tres días en la ciudad, que le parece demasiado ruidosa e intranquila. Parte para Auvers, alojándose en una pensión primero y después en un Café. El doctor Gachet le cuida cariñosamente e incluso piensa que está curado, considerando que nunca más tendrá un ataque. Durante los dos meses que vivió en Auvers pintó más de 80 cuadros, demostrando estar en pleno éxtasis creador. El 6 de julio de 1890 Vincent va a París para ver a su hermano; le encuentra muy preocupado por su situación laboral, el problema de la vivienda y la enfermedad del pequeño Vincent. Se agobia por ser una carga para su hermano y temiendo un nuevo ataque, el 27 de julio sale al campo y se dispara con un revólver; regresa a su hogar y avisa a los señores Ravoux para que soliciten un médico al no encontrarse bien. Reconoce haberse disparado y los doctores le vendan la herida pero no extraen la bala. Enterado de la noticia, Theo parte para Auvers y pasa el día con Vincent, fumando ambos en pipa. El 29 de julio de 1890 fallece el primer genio de la pintura contemporánea. Curiosamente, su hermano Theo muere seis meses después en una casa de salud de Utrecht. Desde 1914 ambos hermanos reposan juntos en el cementerio de Auvers-sur-Oise.

Miguel Ángel

2009-03-16T10:02:00.000-07:00

(Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.

En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica.

La Piedad de Miguel Ángel

Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.

En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.

La creación de Miguel Ángel (Capilla Sixtina)

Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.

En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.