Periódico El Duende

PERFUME

2026-10-17T06:26:08.027-07:00

En Perfume, una película de María Gabriela Epumer, el archivo se convierte en una puerta de entrada a la intimidad y al universo creativo de una artista que dejó una marca singular en el rock argentino. A partir de cincuenta horas de material audiovisual inédito, filmado por la propia Epumer entre 1995 y 2003, el documental recupera no solo su talento musical, sino también su manera de habitar el escenario y de relacionarse con el mundo.

Guitarrista, compositora y cantante, Epumer integró Viuda e Hijas de Roque Enroll, acompañó a Charly García y desarrolló una trayectoria solista en la que afirmó una identidad propia. Las imágenes de conciertos conviven con momentos cotidianos, escenas de estudio y registros domésticos que permiten descubrir otra dimensión de su personalidad: la de una mujer sensible, inquieta y profundamente comprometida con su música.

Dirigida por Lucía S. Ruiz y codirigida por Andrea Testa, la película encuentra en ese material personal una forma de reconstruir una presencia sin reducirla a la nostalgia ni a la evocación de una pérdida temprana. El montaje de Lorena Moriconi articula registros de distinta naturaleza y propone un acercamiento en el que la propia Epumer parece conducir el relato a través de su cámara, sus gestos y sus canciones.

El valor de Perfume reside, precisamente, en la posibilidad de escuchar y mirar a la artista desde sus propias imágenes. El archivo deja de ser un documento del pasado para convertirse en una experiencia viva, capaz de transmitir la energía de sus actuaciones y la intimidad de sus procesos creativos.

Más que un homenaje, el documental es una oportunidad para reencontrarse con una música cuya obra conserva frescura y potencia. También invita a reflexionar sobre la importancia de preservar los registros personales: a veces, una cámara encendida permite que una voz siga resonando y que una presencia vuelva a desplegarse mucho después de su ausencia.

Perfume, una película de María Gabriela Epumer
2026 / ’97 / Argentina - Uruguay

EQUIPO TÉCNICO
Dirección Lucía S. Ruiz

Codirección Andrea Testa
Guion Andrea Testa y Lucía S. Ruiz

Montaje Lorena Moriconi

Dirección de Fotografía Federico Lastra

Dirección de Sonido Federico Moreira

Casas productoras: Pensar con las Manos (Argentina) y Los Besos Contenidos (Uruguay)

Distribuidora: Moving Pics

CAFÉ JAPÓN

2026-10-16T10:20:58.704-07:00

A partir de una pregunta que atraviesa el proceso creativo —¿puede la ficción modificar el desenlace de una tragedia?—, Café Japón propone un viaje hacia el interior de una artista que busca encontrar su propia voz. Ofelia, en plena crisis ante la hoja en blanco, llega a un café singular para terminar una adaptación de Hamlet que podría impulsar su carrera. Sin embargo, aquello que comienza como una búsqueda de inspiración se transforma en una exploración de su historia personal, sus deseos y sus contradicciones.

Con dramaturgia de Malvina Cabrera Borges y Lucien Gilabert, y dirección de este último, el espectáculo enlaza el universo de Shakespeare con la poesía japonesa y los sonidos de la música nacional. El encuentro entre estas tradiciones construye una identidad escénica que busca escapar de las fronteras culturales para indagar en una experiencia universal: la necesidad de crear, aun cuando las certezas se resquebrajan.

El café funciona como un espacio de tránsito entre realidad y fantasía, donde las musas acompañan a Ofelia en la búsqueda de su ikigai, esa razón de ser que permite orientar la existencia. La propuesta encuentra en la metáfora de las grietas su imagen central: aquello que parece una fractura también puede convertirse en una apertura hacia nuevas posibilidades.

Con cinco intérpretes y una estructura musical, Café Japón apuesta a la poesía, el movimiento y la combinación de lenguajes para reflexionar sobre la identidad y la potencia transformadora del arte. Su desafío consiste en articular esa diversidad de estímulos en un recorrido dramático que no se limite a ilustrar sus ideas, sino que permita experimentarlas en escena.

Más que ofrecer respuestas definitivas, la obra invita a pensar la creatividad como una forma de resistencia frente a los mandatos y los finales aparentemente escritos. Porque, como sugiere el verso de Roberto Juarroz que acompaña la propuesta, es en las grietas de la realidad donde puede aparecer una luz inesperada.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:: Malvina Cabrera Borges, Lucien Gilabert
Intérpretes:: Malvina Cabrera Borges, Flow Gateño, Lucien Gilabert, Pau Mo, Giuliana Sosa
Diseño de vestuario:: Kimonovivi
Diseño de escenografía:: Giuliano Benedetti
Redes Sociales:: Jorge Barnichea
Diseño De Iluminación:: Anteo Del Mastro, Sebastian Viola
Fotografía:: Fiorella Romay
Comunicación visual:: Jorge Barnichea
Asistencia de dirección:: Macarena Forrester
Arreglos musicales:: Malvina Cabrera Borges, Matías Gilabert
Producción ejecutiva:: Luciana Lippi, Daniela Schwarzstein
Producción general:: Juano Fraile
Diseño de coreografia:: Pamela Peker
Dirección musical:: Malvina Cabrera Borges
Dirección vocal:: Sebastián Mazzoni
Dirección:: Lucien Gilabert
Dirección de actores:: Macarena Forrester, Martín Goldber

Duración: 75 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO BORDER
Godoy Cruz 1838 (mapa)
Palermo - CABA - Argentina
Teléfonos: 5236-6183
Web: http://www.border.com.ar
Jueves - 20:00 hs - Del 15/10/2026 al 26/11/2026

UN PARAÍSO A ORILLAS DEL RÍO: EL AMOR FRENTE AL TERROR

2026-10-15T09:30:21.649-07:00

En Un paraíso a orillas del río, Bruno Tignanelli recupera una historia de amor atravesada por la violencia de la última dictadura cívico-militar argentina. Osvaldo y Miguel, dos actores transformistas que trabajan en los sótanos del café concert porteño, construyen un universo propio entre plumas, maquillajes, humor y poesía. Pero el terror estatal irrumpe para quebrar esa intimidad y convertir el amor en una experiencia marcada por la desaparición, el exilio y la ausencia.

La obra pone en escena una dimensión de la represión que durante mucho tiempo permaneció relegada: la violencia ejercida contra las personas de la comunidad LGBTIQ+. Desde la historia de estos dos hombres, la dramaturgia enlaza el deseo y la libertad de expresión con un contexto en el que las identidades disidentes también fueron perseguidas y silenciadas. Los versos de Federico García Lorca, presentes en ese mundo artístico, aportan una resonancia poética a una historia donde la belleza se vuelve, además, una forma de resistencia.

El regreso de Osvaldo en democracia introduce otra temporalidad: la de quien vuelve para enfrentarse a una ausencia que los años no lograron reparar. El pasado no queda atrás, sino que persiste en la memoria, en las promesas incumplidas y en la necesidad de reconstruir aquello que el terror intentó destruir.

Con las actuaciones de Nicolás Maiques, Taiu Braver y Leandro Sandonato, y bajo la dramaturgia y dirección de Tignanelli, Un paraíso a orillas del río propone una reflexión sobre la memoria desde una historia íntima. Su mayor potencia reside en recordar que, detrás de las cifras y los relatos generales de la represión, hubo vidas, vínculos y proyectos truncados. Recuperarlos desde el teatro es también disputar el olvido y devolverles un lugar en la historia colectiva.

Ficha artístico técnica:

Actores: Nicolás Maiques, Taiu Braver y Leandro Sandonato

Diseño escenográfico: Jorge Covian / Vestuario: Bruno Tignanelli / Diseño de luces: Dai Vera / Fotografía y video: Genaro Pardo / Redes sociales: Noé Ciulli / Asistencia de producción: Estebán Santachita / Prensa: Daniel Franco / Diseño: Noé Ciull

Producción: Carlos Márquez / Dramaturgia y dirección: Bruno Tignanelli

Estreno para público: miércoles 7 de octubre a las 20.30hs

Estreno para prensa: miércoles 14 de octubre a las 20.30hs

Funciones: miércoles y jueves a las 20.30hs

Teatro: Asterión

Dirección: Zelaya 3122, Balvanera

Valor de la entrada: $25000 / dto a estud y jub.

Reservas por Alternativa teatral

Redes: @paraisoaorillas

ALEGATO DE AMOR

2026-10-12T08:34:54.069-07:00

En Alegato de Amor, Susana Barbato y Juan Cantafio proponen un recorrido poético y musical por la vida y el legado de Eva Perón, a través de una ficción que recupera el universo de los antiguos estudios cinematográficos San Miguel, escenario imaginario desde el cual el teatro evoca la época dorada del cine argentino.

La obra se construye como una película dentro del teatro. Cinco actrices —Beatriz Ayas, Lucía De Santis, Lourdes Isola, Marta Quarleri y Nancy Sancha— dan cuerpo a distintas facetas de Evita y transitan momentos de su historia: la infancia, la irrupción en la política, el amor y la proyección de su figura en el tiempo. Esta multiplicidad permite pensarla no solo como personaje histórico, sino también como una imagen que se transforma según las miradas, los recuerdos y las apropiaciones colectivas.

Con dirección general y puesta en escena de Juan Cantafio, el espectáculo combina actuación, música, recursos audiovisuales y una estética ligada al imaginario cinematográfico. El vestuario y la escenografía contribuyen a recrear ese mundo de ficción, mientras que la dimensión musical acompaña el carácter evocativo de la propuesta.

Más que reconstruir una biografía, Alegato de Amor busca recuperar la huella de Eva Perón en la memoria popular y, especialmente, en la historia de las mujeres. Su apuesta es la de una evocación sensible, que encuentra en el lenguaje teatral la posibilidad de volver sobre una figura cuya presencia excede su tiempo histórico y continúa generando adhesiones, debates y sentidos contrapuestos.

Ficha técnico artística

Idea:: Susana Barbato
Dramaturgia:: Susana Barbato, Juan Cantafio
Actúan:: Beatriz Ayas, Lucía De Santis, Lourdes Isola, Marta Quarleri, Nancy Sancha
Vestuario:: Susana Barbato, Juan Cantafio, Giselle Centurión, Valentín Dibenedetto
Escenografía:: Susana Barbato, Gustavo Leiva, Lina Medina
Diseño De Sonido:: Sol Gómez
Producción musical:: Facundo Álvarez
Realización de escenografia:: Susana Barbato, Federico Parraccia
Redes Sociales:: Idea2 Espectáculos
Video:: Gustavo Leiva
Música:: Nuria Alí
Técnico de grabación:: Guido Bernasconi, Prisma
Operación de sonido:: Sol Gómez
Diseño De Iluminación:: Juan Cantafio
Fotografía:: Gustavo Leiva
Diseño gráfico:: Hugo Zanon
Asistencia De Producción:: Lola Desimano, Giorgio DI Camilo
Utilería:: Susana Barbato, Lola Desimano
Prensa:: Valeria Franchi
Producción artística:: Juan Cantafio
Producción ejecutiva:: Juan Cantafio
Producción general:: Susana Barbato
Selección Musical:: Juan Cantafio
Puesta en escena:: Juan Cantafio
Dirección general:: Juan Cantafio

Duración: 80 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

BECKETT TEATRO
Guardia Vieja 3556 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4867- 5185
Web: http://teatrobeckett.com/
Entrada: $ 25.000,00 / $ 20.000,00 - Domingo - 17:00 hs - Hasta el 25/10/2026

UNA SEMANA MÁS

2026-10-10T17:54:16.694-07:00

En Una semana más, Lisandro Penelas construye un relato sobre dos hombres que coinciden en una casa de rehabilitación para alcohólicos en la provincia de Buenos Aires. A pocos días de Año Nuevo, ambos desean regresar a sus hogares, reencontrarse con sus afectos y recuperar una vida que, sin embargo, saben que no pueden retomar sin atravesar antes sus propias dificultades.

La obra encuentra su núcleo dramático en esa espera incierta: quedarse una semana más supone aceptar la necesidad de ayuda, pero también enfrentarse a la distancia con la familia, la culpa y el temor a no poder cambiar. En ese espacio marginal, donde el tiempo parece suspendido, la amistad surge como una posibilidad de sostén y una forma modesta de esperanza.

Con dirección de Ana Scannapieco, la propuesta pone el foco en la fragilidad de los vínculos y en la lucha cotidiana por sostener una decisión. Lisandro Penelas, Francisco Lumerman y Nacho Gracia integran el elenco de una historia que se acerca a sus personajes sin convertirlos en emblemas ni reducirlos a su adicción. El interés está en sus contradicciones, en el deseo de volver y en la dificultad de dar el siguiente paso.

El título condensa la pregunta que atraviesa la obra: ¿qué significa prolongar la espera cuando el futuro todavía es incierto? Una semana más encuentra en ese intervalo una reflexión sobre la recuperación, la compañía y la posibilidad de empezar de nuevo, aun cuando la voluntad no alcance para despejar todas las dudas.

escrita por Lisandro Penelas con dirección de Ana Scannapieco

Intérpretes: Lisandro Penelas, Francisco Lumerman, Nacho Gracia

Funciones: sábados 19 hs. desde el 10 de octubre
Duración: 70 minutos.

MOSCÚ TEATRO ESCUELA

Lerma 420, CABA

Entradas por Alternativa

SHAKESPEARE – LA CONCIENCIA COBARDE

2026-10-09T18:58:38.670-07:00

En Shakespeare – La conciencia cobarde, Mario Moscoso se enfrenta en soledad a un universo dramático atravesado por las pasiones, las contradicciones y los dilemas morales del ser humano. A partir de textos de catorce obras de William Shakespeare, el actor construye un recorrido por personajes y conflictos que, pese a la distancia histórica, siguen interrogando nuestro presente.

La ambición, los celos, el poder, el amor, la traición y el miedo se despliegan a través de una palabra que busca recuperar su potencia poética y emocional. Lejos de una reconstrucción tradicional de las obras, el espectáculo propone un montaje de fragmentos en el que la voz y el cuerpo del intérprete se convierten en los principales instrumentos de composición. Moscoso transita distintos registros y estados anímicos, asumiendo la intensidad de unos textos que exigen precisión, entrega y capacidad para sostener la atención del público.

La propuesta encuentra su desafío en la propia riqueza del material shakespeariano: la sucesión de escenas y emociones necesita una articulación que permita que los fragmentos dialoguen entre sí y construyan una experiencia dramática, más allá de la fuerza individual de cada pasaje. En ese equilibrio entre declamación, acción y expresión corporal se juega buena parte de su eficacia escénica.

Con dirección y dramaturgia del propio Moscoso, y escenografía y vestuario de Celeste Etcheverry, la puesta reivindica el teatro como espacio de encuentro frente a una sociedad dominada por la urgencia, la competencia y el aislamiento. La palabra de Shakespeare funciona así como una herramienta para volver sobre preguntas esenciales: qué hacemos con el poder, hasta dónde somos capaces de llegar para imponer nuestra voluntad y cuánto de nuestras decisiones nace del miedo.

Shakespeare – La conciencia cobarde apuesta a la presencia del actor y a la vigencia de los clásicos como formas de resistencia frente a la deshumanización. Su propuesta recuerda que el teatro no necesita reproducir el mundo para interpelarlo: alcanza, a veces, con un cuerpo, una voz y unas palabras capaces de revelar aquello que preferimos no mirar.

Ficha artístico técnica Actúa: Mario Moscoso Escenografía y Vestuario: Celeste Etcheverry / Puesta de Luces: La Escena Libre / Asistencia en Escena: Alejandra Arias Producción General: Compañía La Escena Libre Dramaturgia: Mario Moscoso sobre textos de William Shakespeare. Dirección y Puesta en Escena: Mario Moscoso.

TEATRO EL DESGUACE: MÉXICO 3694 - CABA -

HABLAR LARGO.....

2026-10-09T12:15:00.520-07:00

Una casa en el campo, una madre que llega de visita y un encuentro familiar que pronto deja de ser cotidiano. En Hablar largo…, Leandro Airaldo construye una historia atravesada por las pérdidas, los secretos y la necesidad de poner en palabras aquello que amenaza con desaparecer.

Silvana, reconocida actriz, visita a su hijo Julián y a Carolina, su pareja. Una revelación altera el equilibrio de los tres y transforma la casa en un espacio inestable, casi suspendido entre la tierra y el aire. Allí, las conversaciones dejan de ser un intercambio habitual para convertirse en una urgencia: hablar para comprender, para reconocerse en el otro y, quizás, para intentar reparar lo irreparable.

La dramaturgia amplía el conflicto familiar hacia una reflexión sobre las ausencias. No se trata solamente de la pérdida de los seres queridos, sino también de la desaparición de los lugares y las referencias que construyen una identidad: una casa, un pueblo, un ferrocarril. El pasado irrumpe en el presente y expone la fragilidad de los vínculos, pero también la dificultad de nombrar aquello que duele.

Las actuaciones de Mónica Driollet, Nicolás Asprella y Alejandra D'Agostino sostienen la tensión de ese encuentro, en el que los silencios y las palabras adquieren un peso particular. La escenografía de Miguel Nigro, junto con la iluminación de Luciana Giacobbe y el diseño sonoro y musical de Silvia Vives, contribuye a crear una atmósfera en la que los límites del espacio parecen desdibujarse, acompañando la inestabilidad emocional de los personajes.

Con dirección del propio Airaldo, Hablar largo… propone un teatro de intimidad y resonancias poéticas. Su mayor interés reside en la pregunta que atraviesa la obra: ¿cómo construir una identidad cuando aquello que nos sostuvo comienza a desaparecer? Aunque por momentos la acumulación de pérdidas amenaza con volver explícita su reflexión, la pieza encuentra su fuerza en la necesidad de hablar, incluso cuando las palabras resultan insuficientes.

Porque hay despedidas que comienzan mucho antes de la partida y conversaciones que se vuelven impostergables cuando comprendemos que ya no tenemos todo el tiempo del mundo.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:: Leandro Airaldo
Actúan:: Nicolás Asprella, Alejandra D'Agostino, Mónica Driollet
Vestuario:: Gabriella Gerdelics
Escenografía:: Miguel Nigro
Iluminación:: Luciana Giacobbe
Diseño De Sonido:: Silvia Vives
Realización de escenografia:: Manuel Escudero
Música:: Silvia Vives
Fotografía:: Santiago Young
Diseño gráfico:: Nadia Estebanez
Asistencia de dirección:: Nadia Estebanez
Prensa:: Daniel Franco
Producción:: Nadia Estebanez
Dirección:: Leandro Airaldo

Duración: 85 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO DEL PUEBLO
Lavalle 3636 (mapa)
San Nicolas - CABA - Argentina
Teléfonos: 75421752
Web: http://www.teatrodelpueblo.com.ar
Entradas desde: $ 15.000,00 - Domingo - 20:00 hs - Del 11/10/2026 al 29/11/2026

SOLO, LA FELICIDAD DE LOS DEMÁS

2026-10-06T07:54:38.729-07:00

Un escritor regresa a su país atravesando un bloqueo creativo. Busca refugio en la amistad, pero el reencuentro con viejas relaciones y recuerdos dolorosos termina empujándolo hacia el aislamiento. En Solo, la felicidad de los demás, adaptación de Guillermo Ghio sobre una idea original de Marcelo Moncarz a partir de Ensam, de August Strindberg, la soledad se convierte en un territorio de conflicto, pero también en una posibilidad de introspección.

La obra, de apenas 55 minutos, se sostiene fundamentalmente en la presencia de Ghio, que construye un personaje atravesado por recuerdos, contradicciones y preguntas. El bloqueo creativo aparece como manifestación de un conflicto más profundo: la dificultad de reconocerse cuando desaparecen las certezas y las opiniones ajenas dejan de funcionar como referencia.

La puesta apuesta por la intimidad. El espacio escénico y la iluminación acompañan el progresivo repliegue del protagonista, mientras las voces en off de Celeste Cid y Carlos Portaluppi introducen otras presencias que parecen surgir de la memoria. El escenario se transforma así en un espacio mental donde pasado y presente se superponen.

Ghio trabaja desde la contención, evitando que la crisis del personaje derive en un exceso melodramático. El cuerpo, las pausas y los silencios adquieren un peso particular: la soledad no se expresa solamente en lo que el personaje dice, sino también en aquello que ya no puede compartir.

En el marco de los 25 años de Humoris Dramatis, Solo, la felicidad de los demás propone una reflexión sobre la creación, los vínculos y la necesidad paradójica de apartarse de los otros para volver a encontrarse. Una obra que entiende la soledad no como una ausencia absoluta, sino como un espacio donde también resuenan las voces, los afectos y las heridas de los demás.

Ficha técnico artística

Adaptación:: Guillermo Ghio
Actúan:: Guillermo Ghio
Voz en Off:: Celeste Cid, Carlos Portaluppi
Vestuario:: Pheonía Veloz
Espacio escénico:: Guillermo Ghio
Redes Sociales:: Agustin Corsi, Pettu Salama
Realización de vestuario:: Jotuiti Tebao Factor
Banda de sonido:: Miguel Rur
Diseño De Iluminación:: Tamara Josefina Turczyn
Fotografía:: Tamara Josefina Turczyn
Asistencia de escenario:: Florencia Vigil
Asistencia de dirección:: Tamara Josefina Turczyn
Prensa:: Valeria Franchi
Producción ejecutiva:: Gisella Sirera
Selección Musical:: Guillermo Ghio
Supervisión Actoral:: Marcos Montes, Carlos Portaluppi
Puesta en escena:: Guillermo Ghio
Dirección general:: Guillermo Ghio

Duración: 55 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Lunes - 20:00 hs - Hasta el 30/11/2026 y Del 07/12/2026 al 14/12/2026

LOS ACANTILADOS: LA HERENCIA DE LOS SECRETOS

2026-10-05T09:09:16.193-07:00

Un niño mira el mar desde un acantilado. Un padre deja una herencia que debe ser repartida. Una madre espera en una tormenta alguna señal divina y dos hermanos convierten un partido de tenis en una disputa que excede largamente el juego. En Los acantilados, Ignacio Apolo construye, a partir de esos elementos, el retrato de una familia atravesada por aquello que no se dice.

Ambientada en la Argentina de los años ochenta, la obra recupera una de las preocupaciones centrales del universo de Ibsen: la verdad como posible forma de liberación, pero también como una fuerza capaz de destruir los vínculos. Los secretos familiares funcionan como una herencia tan pesada como la material y obligan a los personajes a preguntarse qué recibieron de sus padres y cuánto de ese legado están condenados a repetir.

La dramaturgia apuesta por una tensión creciente, donde lo cotidiano adquiere una dimensión simbólica. El mar, la tormenta, el relámpago y el partido de tenis dejan de ser simples circunstancias para convertirse en imágenes de un conflicto familiar que parece avanzar hacia un inevitable punto de quiebre.

Ignacio Apolo, Junior Pisanu y Viviana Represas sostienen un trabajo actoral contenido, acorde con una historia en la que los silencios tienen tanto peso como las palabras. La puesta evita el exceso y encuentra en la austeridad del espacio, el vestuario y la iluminación una atmósfera cargada de amenaza. La música de Gisle Kverndokk aporta una dimensión emocional que amplifica esa sensación de destino inevitable.

Como primera parte de una trilogía inspirada en Ibsen, Los acantilados no busca reproducir al dramaturgo noruego, sino trasladar sus conflictos a un territorio argentino reconocible. El resultado es una obra sobre la familia, la culpa y la herencia, pero también sobre el precio de conocer aquello que durante años permaneció oculto. Porque en este universo la verdad no aparece como una respuesta tranquilizadora: puede ser, también, el comienzo del abismo.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:: Ignacio Apolo
Actúan:: Ignacio Apolo, Junior Pisanu, Viviana Represas
Vestuario:: Gabriella Gerdelics
Escenografía:: Félix Padrón
Iluminación:: Félix Padrón
Música:: Gisle Kverndokk
Fotografía:: Akira Patiño
Diseño gráfico:: Selva Y Anabel Vanoni
Asistencia de dirección:: Maia Morosano
Dirección:: Ignacio Apolo

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

EL EXCENTRICO DE LA 18º
Lerma 420 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: +5491168016092
Web: https://elexcentricodela18.com/comunidad/
Entrada: $ 25.000,00 - Domingo - 17:00 hs - Hasta el 29/11/2026

DE ENCAJE BLANCO: LA HISTORIA BAJO SOSPECHA

2026-10-04T09:40:09.984-07:00

En De Encaje Blanco, Milagros Coll toma una figura emblemática de la historia argentina y la introduce en un territorio donde el prócer, el linaje y la aristocracia pierden toda solemnidad. Entre una Recoleta contemporánea y la llamada Campaña del Desierto, pasado y presente se contaminan para poner en evidencia la persistencia de una misma obsesión: conservar el poder, la pureza y los privilegios.

La obra construye su crítica desde el grotesco y el exceso. La descendiente de Roca, obsesionada con preservar su juventud y su estatus, convive con un Roca histórico atravesado por un deseo prohibido. El contraste entre el lenguaje refinado, los discursos sobre el linaje y las situaciones deliberadamente vulgares produce una comicidad incómoda, que apunta directamente a la hipocresía de una clase que intenta sostener sus símbolos aun cuando sus fundamentos se desmoronan.

La dramaturgia de Milagros Coll apuesta al delirio, al erotismo y a una ironía que no deja demasiado espacio para la reverencia. Florencia Galiñanes, Néstor Navarría, Graciana Urbani y Emilio Zinerón sostienen un juego actoral de marcado tono grotesco, donde los cuerpos y las voces exageradas contribuyen a desmontar la imagen monumental de los personajes históricos.

La música en vivo, las coreografías, el vestuario y una estética deliberadamente recargada completan ese universo de decadencia y artificio. La puesta no busca reconstruir el pasado con realismo, sino exhibirlo como una construcción llena de mitos, silencios y contradicciones.

De Encaje Blanco acierta cuando utiliza el humor como herramienta de demolición. Su blanco no es solamente Roca ni una familia aristocrática en particular, sino la persistencia de una mirada que convierte la violencia histórica en epopeya y el privilegio en mérito. Una comedia ácida que, detrás de su exceso y su irreverencia, invita a volver a mirar los relatos fundacionales y preguntarse quiénes fueron realmente sus héroes y quiénes quedaron fuera de la historia.

Dramaturgia: Milagros Coll

Actúan: Florencia Galiñanes, Néstor Navarría, Graciana Urbani, Emilio Zinerón

Diseño sonoro, composición musical y música en vivo:

Vanesa Ruffa y Lucía Besfamille

Diseño de escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics

Diseño escenográfico de estructuras: Lionel Pastene

Diseño de iluminación: Eduardo Pérez Winter

Fotografía: Agustina Sánchez

Diseño audiovisual: Alberto Martin

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Community manager: Milena Cáceres

Prensa: Adriana Yasky

Producción: Milagros Coll

Supervisión dramatúrgica: Ignacio Bartolone, Mariano Tenconi Blanco

Asistencia de dirección: Milena Cáceres

Dirección general y coreografías: Milagros Coll

Duración: 70 minutos

Género: Comedia

Entradas por Alternativa Teatral

UNA VIDA ENTRE FOTOGRAFÍAS

2026-10-03T12:56:53.757-07:00

Lo que comienza como una búsqueda sobre la trayectoria de Annemarie Heinrich termina convirtiéndose en algo mucho más íntimo: la exploración de una familia y de las huellas que el tiempo deja sobre aquello que intentamos conservar. Mariana bucea en el archivo personal de su bisabuela, recupera fotografías, documentos y testimonios de familiares y colegas, y encuentra allí mucho más que el retrato de una pionera de la fotografía argentina.

El documental se construye en ese diálogo entre pasado y presente. Las imágenes de Heinrich no funcionan únicamente como documentos de una época: también son fragmentos de una vida que Mariana intenta reconstruir mientras registra la suya propia. El archivo deja entonces de ser un depósito de recuerdos para convertirse en una materia viva, capaz de revelar secretos, vínculos y zonas que permanecían fuera de cuadro.

Uno de los mayores aciertos de la película está en no quedarse en la dimensión biográfica. La figura de Annemarie se expande hacia preguntas sobre la vejez, la familia, Buenos Aires y las distintas formas de conservar la memoria. También aparece, inevitablemente, el cine como urgencia: filmar antes de que desaparezcan las personas, las voces, los relatos y los pequeños detalles que construyen una historia familiar.

La cámara de Mariana busca a su bisabuela, pero en esa búsqueda termina encontrándose con ella misma. Entre fotografías y testimonios, el pasado deja de ser algo cerrado y comienza a dialogar con el presente. La película entiende así que toda memoria es también una construcción, hecha de imágenes, olvidos, relatos y miradas.

La pregunta que atraviesa el documental —¿de qué está hecha una vida?— no encuentra una respuesta definitiva. Quizás esté hecha precisamente de esas imágenes que otros conservan de nosotros, de las historias que logramos transmitir y de aquello que, incluso cuando parece perdido, todavía puede volver a ser mirado.

CON

Annemarie Heinrich

Alicia Sanguinetti

Ricardo Sanguinetti

Dennis Connors

Úrsula Heinrich

Graciela Borges

Mirtha Legrand

Título original: ANNEMARIE
Duración: 74 min.

Idioma: Español
País: Argentina

Año: 2026

Calificación: G (Audiencia General)

EQUIPO TÉCNICO

Dirección & Guion

Mariana Sanguinetti

Producción

Paloma Torras

Dirección de Fotografía

Ignacio Aveillé

Cámara

Ignacio Aveillé & Lucas Palacios

Montaje

Ana Godoy

Dirección de Sonido

Zub Sonido: Marcos Zoppi

Sonido directo

Emiliano Castillo

Posproducción de Sonido

Zub Sonido: Marcos Zoppi & Emiliano Biaiñ

Posproducción de Imagen

Ignacio Aveillé

Asistencia de dirección

Hernán Kacew

Distribución

Vías Cine

Prensa

Julieta Bilik & Erica Denmon

LAS GRATITUDES: CUANDO LAS PALABRAS TODAVÍA PUEDEN SALVARNOS

2026-10-03T07:55:56.862-07:00

En Las gratitudes, una mujer empieza a perder las palabras. No es solamente un deterioro de la memoria: es también la amenaza de perder aquello que nos permite nombrar a los otros, reconstruir nuestra historia y decir lo que todavía necesitamos decir. Michka está internada en un geriátrico y, junto a Marie y Jerónimo, emprende un recorrido por recuerdos, silencios y deudas afectivas.

La adaptación de Juan Tupac Soler y Federico Martínez, basada en la novela de Delphine de Vigan, elige la contención antes que el golpe efectista. La historia avanza a través de las voces y de los vínculos, y encuentra en esa aparente sencillez su mayor potencia. El pasado de Michka, marcado por la guerra y por quienes alguna vez la protegieron, se entrelaza con el presente de dos jóvenes que intentan acompañarla y, al mismo tiempo, comprender qué significa agradecer.

Beatriz Spelzini compone una Michka vulnerable sin convertirla en una figura de compasión. Su pérdida de palabras se vuelve progresivamente también una lucha corporal: pausas, gestos, miradas y silencios empiezan a decir aquello que el lenguaje ya no consigue. Javier Lorenzo y Antonia Bengoechea construyen con ella una relación que se transforma de la asistencia al afecto, hasta configurar una familia elegida.

La puesta sostiene esa intimidad sin sobrecargarla. El espacio y la actuación privilegian el encuentro y permiten que el espectador complete aquello que queda fuera de escena. La dirección entiende que el verdadero conflicto no está en lo que sucede, sino en aquello que corre el riesgo de no llegar a ser dicho.

Las gratitudes habla de la memoria y del olvido, pero sobre todo de la necesidad de reconocer a quienes, en algún momento, nos ayudaron a seguir viviendo. Y deja una pregunta sencilla y perturbadora: ¿cuántas palabras importantes postergamos hasta que puede ser demasiado tarde para pronunciarlas?

FICHA TÉCNICA

LAS GRATITUDES de Delphin de Vigan.

Adaptación y dirección: Juan Tupac Soler y Federico Martínez

Actúan: Beatriz Spelzini, Javier Lorenzo y Antonia Bengoechea

Escenografía: Santiago Badillo

Iluminación: Diego Becker

Vestuario: Paola Delgado

Música original Ismael Pinkler

Fotografía: Nacho Lunadei

Gráfica Martín Gorricho

Comunicación en redes: Bushi contenidos

Prensa: SMW

Producción ejecutiva: Luciano Greco

Producción general: Sebastián Blutrach

TEATRO PICADERO

Teatro Picadero. Pasaje Santos Discépolo 1857. CABA

Jueves 20 hs y viernes 22 hs

Entradas en www.plateanet.com o en boletería del teatro

TODO ARDER : IMAGINAR LA REVOLUCIÓN

2026-10-03T07:31:56.373-07:00

En Todo arder, Nicolás Goldschmidt plantea una pregunta que excede la anécdota de un grupo revolucionario dispuesto a destruir los centros de comunicación tecnológica: ¿qué ocurre cuando la voluntad de transformar el mundo deja de pertenecer a quienes la iniciaron?

La obra construye una ficción política atravesada por la tecnología y por la necesidad de imaginar otras formas de organización social. El ataque a los satélites funciona como punto de partida para poner en tensión comunicación, poder y control, pero también para cuestionar la posibilidad de sostener una revolución cuando las ideas comienzan a circular por fuera de sus propios protagonistas.

La puesta trabaja con distintos lenguajes y suma la presencia del video, la cámara y la música en escena. Estos recursos no aparecen solamente como apoyos visuales, sino que forman parte de una dramaturgia que interroga aquello mismo que la obra pone en discusión: cómo nos comunicamos, qué imágenes producimos y quién controla esas imágenes.

El elenco sostiene una dinámica coral, necesaria para una historia donde lo colectivo ocupa el centro. Hay en las actuaciones una energía que alterna entre la acción directa, el discurso y momentos de mayor introspección, mientras la iluminación y el vestuario contribuyen a construir un universo reconocible pero deliberadamente desplazado de la realidad cotidiana.

Como parte del díptico que completa 1%, Todo arder propone una mirada sobre la persistencia de las luchas y sobre el deseo —siempre incómodo— de imaginar que el mundo podría organizarse de otra manera. Más que ofrecer respuestas, la obra instala una pregunta política y teatral: qué estamos dispuestos a hacer cuando aquello que parecía inevitable deja de serlo.

Ficha técnico artística

Idea:: Nicolas Goldschmidt
Actúan:: Ana Cecilia Arcuri, Pía Chianea, Lucia Hochstetter, Helena Pascual Tubert, Rocío Passarelli, Rosa Rivoira
Actuación en video:: Maria Pia Ferreyra, Ernesto Luis Frias, Nicole Kaplan Amaral, Beto Novellis
Diseño de vestuario:: Cecilia Turnes
Músico En Escena:: Pía Chianea
Cámara:: Tomas Pedersen
Diseño De Iluminación:: Facundo David
Asistencia de vestuario:: Tamara Kaztman
Asistencia de dirección:: Daniela Alas
Producción general:: Nicolas Goldschmidt, Micaela Irina Zaninovich
Dirección:: Nicolas Goldschmidt

Participaciones

Este espectáculo forma parte del evento: Díptico

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Web: https://www.instagram.com/espacio_callejon/
Jueves - 20:00 hs - Hasta el 15/10/2026

LAS ADORO: UNA MEMORIA QUE VUELVE A ESCENA

2026-09-29T09:59:32.056-07:00

José y Herminia Adoro tienen más de ochenta años y una vida entera dedicada al teatro. Convocados a una última audición para una película, comienzan a ensayar y a recuperar escenas de un pasado que, poco a poco, se mezcla con el presente. Un llamado desde su pueblo natal, con un pedido de socorro, interrumpe ese juego de recuerdos y abre otra dimensión de la historia.

En Las Adoro, Juanse Rausch construye una ficción que dialoga con la tradición de las grandes duplas de hermanos de la escena argentina, entre ellas Aída y Jorge Luz, sin intentar reconstruir sus vidas. El homenaje aparece más bien en el vínculo entre los personajes, en el oficio compartido, en las canciones y en esa manera de hacer del escenario un lugar donde la memoria todavía puede cobrar cuerpo.

Lucía Adúriz y Mariano Saborido sostienen la obra con actuaciones precisas, atravesadas por el humor, la ternura y cierta melancolía. Sus cuerpos envejecidos no aparecen como una limitación, sino como parte esencial de la dramaturgia: cada gesto, cada pausa y cada canción parecen contener una historia anterior.

La escenografía, el vestuario, las pelucas, la iluminación y el sonido acompañan los desplazamientos entre ensayo, recuerdo y representación. Así, Las Adoro propone una reflexión sobre el paso del tiempo y sobre un oficio que se resiste a desaparecer. La última audición termina siendo, en realidad, otra oportunidad para volver a escena y entregarse, una vez más, al público.

ENTRADAS: https://www.plateanet.com/obra/35240?obra=LAS-ADORO

Ficha técnico artística

Dramaturgia:: Juanse Rausch
Actúan:: Lucía Adúriz, Mariano Saborido
Diseño de maquillaje:: Adam Efron
Diseño de pelucas:: Alejo Moises
Diseño de vestuario:: La Polilla
Diseño de escenografía:: Gonzalo Cordoba Estevez
Diseño De Sonido:: Teodoro Gryner
Redes Sociales:: BORIA AUDIOVISUAL
Música:: Teodoro Gryner
Diseño De Iluminación:: Facundo David
Fotografía:: Irish Suarez
Diseño gráfico:: Karina Hernandez
Asistencia De Producción:: Ayelen Ahumads, José Frezzini
Asistencia de dirección:: Lola López Menalled
Prensa:: Varas & Otero
Producción:: Alejandra Menalled
Producción general:: Nünproduce, Maru Belli, Karina Hernandez, Sandra Srolovich
Dirección:: Juanse Rausch

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

EL GALPÓN DE GUEVARA
Guevara 326 (mapa)
Chacarita - CABA - Argentina
Web: http://www.galpondeguevara.com
Lunes - 19:00 hs y 21:30 hs - Del 05/10/2026 al 26/10/2026, Del 02/11/2026 al 30/11/2026 y 07/12/2026
Sábado - 16:00 hs - Del 24/10/2026 al 31/10/2026
Domingo - 16:00 hs - Del 25/10/2026 al 01/11/2026

298Opiniones del público

LA SEÑORA MACBETH

2026-09-28T11:59:23.946-07:00

Griselda Gambaro toma el mito de Lady Macbeth y desplaza el centro del conflicto: ya no es solamente la ambición de poder la que mueve a la protagonista, sino un amor llevado hasta sus últimas consecuencias. En esta versión, Macbeth está ausente y, sin embargo, ocupa todo el espacio. Es una presencia construida por las palabras de ella, por su deseo y por la necesidad de justificar aquello que resulta cada vez más difícil de sostener.

La obra se mueve en una zona inquietante donde razón, culpa y conveniencia se confunden. La protagonista intenta reconstruir una realidad que se desarma frente a sus ojos y termina siendo, al mismo tiempo, víctima y cómplice de un discurso que la domina. Gambaro convierte así la tragedia en una reflexión sobre la identidad y sobre los mecanismos mediante los cuales el poder puede instalarse también en los vínculos íntimos.

La puesta de Jorge Sánchez Mon apuesta por una atmósfera contenida, casi claustrofóbica. El espacio escénico y el vestuario contribuyen a crear un universo despojado, mientras la iluminación de Fernando Díaz y el diseño sonoro y la música original de Fede Corna acompañan las zonas más oscuras del relato.

El elenco construye un trabajo coral en el que los cuerpos y los desplazamientos tienen un peso particular. El diseño de movimientos de Florencia Laval permite que la tensión no dependa exclusivamente de la palabra: también está en las miradas, las pausas, las aproximaciones y las distancias.

La señora Macbeth no busca repetir a Shakespeare, sino discutirlo desde otro lugar. En la escritura de Gambaro, el amor puede ser una forma de sometimiento y la identidad, algo que se pierde lentamente cuando se vive a través de otro. Una obra que, bajo la apariencia de una tragedia íntima, vuelve a interrogar la relación entre deseo, poder y responsabilidad.

Ficha técnico artística

Actúan:: Maru Andrada, Florencia Laval, Solana Pastorino, Eduardo Pérez Bordalejo, Erica Sposito
Vestuario:: Jorge Sánchez Mon
Espacio escénico:: Jorge Sánchez Mon
Diseño De Sonido:: Fede Corna
Redes Sociales:: Melanie Groisman
Música original:: Fede Corna
Operación de luces:: Ariel Irratti
Operación de sonido:: Gabriela Arata
Diseño De Iluminación:: Fernando Díaz
Fotografía:: Melanie Groisman
Asistencia de dirección:: Gabriela Arata
Producción:: Marcelo Franceschini
Diseño de movimientos:: Florencia Laval
Dirección:: Jorge Sánchez Mon
Agradecimientos:: Clara Pizarro

Duración: 75 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

PATIO DE ACTORES
Lerma 568 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: 4772-9732
Web: http://www.patiodeactores.com
Entrada: $ 22.000,00 - Domingo - 20:30 hs - Hasta el 11/10/2026

HOTEL JULIO CÉSAR

2026-09-27T11:44:07.150-07:00

En un hotel de la Costa Atlántica, Julio vive junto a su madre Carmen, atrapado en una rutina construida a lo largo de toda una vida. La llegada del Carnaval, unos familiares que hacía tiempo no veía y una mujer desconocida alteran esa aparente calma y hacen regresar recuerdos que habían permanecido ocultos.

Laura Otermin construye una obra sobre la memoria, el deseo y los vínculos familiares, donde el hotel funciona como un espacio cerrado, cargado de secretos. Carmen, con su excesivo afán de protección, ha moldeado la vida de su hijo hasta convertir el amor en una forma de control. Julio deberá entonces enfrentarse no solo con aquello que había olvidado, sino también con una identidad construida a partir de las expectativas ajenas.

El Carnaval funciona como contrapunto de ese mundo opresivo. La fiesta, el cuerpo y la posibilidad de transgredir amenazan el orden establecido por Carmen y permiten que aquello silenciado comience a emerger.

Ana María Castel construye una Carmen dominante e inquietante, mientras Guido D’Albo transmite la fragilidad de un hombre que intenta recuperar su propia voz. La dirección de Patricio Azor, junto con la escenografía y vestuario de Alejandro Mateo y la iluminación de Lucas Orchessi, acentúa el clima claustrofóbico del hotel.

Hotel Julio César encuentra su mayor fuerza en mostrar cómo un amor llevado al extremo puede terminar anulando al otro. Y mientras afuera el Carnaval libera cuerpos y deseos, puertas adentro Julio comienza, finalmente, a recuperar su propia identidad.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Laura Otermin

Actúan: Ana María Castel, Guido D’Albo, Sebastián Dartayete, Laura Otermin, Alcira Serna

Escenografía y Vestuario: Alejandro Mateo

Iluminación: Lucas Orchessi

Realización de escenografía: Omar Paez

Diseño gráfico: Patricio Azor

Fotografía: Martín Siccardi

Edición de sonido: Sergio Gomez

Asistente de escenario: Emiliano Rasumoff

Prensa: Natalia Bocca

Producción: Claudia Quinteros

Asistente de dirección: Talia Acosta

Dirección: Patricio Azor

“HOTEL JULIO CESAR” de Laura Otermin

DESDE EL 12 DE SEPTIEMBRE!

SABADOS A LAS 17:00hs.

El Método Kairós

El Salvador 4530. CABA

Entrada general: $26.000

A la venta en Alternativa teatral o en boleterías del teatro

Duración: 90 minutos

ABRAZO DE FRÍO AZULEJO

2026-09-26T09:19:59.872-07:00

Hay recuerdos que no desaparecen: se instalan en el cuerpo y vuelven, una y otra vez, como una piedra que alguien debe cargar. Abrazo de frío azulejo, la piedra que siempre vuelve, de Fernando Alegre, toma el mito de Sísifo como punto de partida para construir un unipersonal sobre la memoria, la vulnerabilidad masculina y la necesidad de enfrentarse con aquello que durante demasiado tiempo permaneció silenciado.

Daniel Dibiase pone el cuerpo a un personaje que atraviesa una deconstrucción íntima y fragmentaria. No se trata solamente de contar una historia, sino de hacer visible aquello que permanece enquistado. El cuerpo se convierte así en territorio de memoria: guarda, resiste, repite y finalmente intenta transformar lo que lleva dentro.

La condición de artista plástico del personaje no es un dato accesorio. Las herramientas del arte se convierten en instrumentos para explorar una identidad que se desarma frente al espectador. La escena funciona como taller, espacio de exposición y territorio de búsqueda, mientras distintos lenguajes se entrecruzan para construir una experiencia que excede la palabra.

La escenografía y las luces, diseñadas por Alegre, adquieren especial importancia en esta propuesta. Los objetos, las texturas y el espacio no funcionan únicamente como marco, sino como prolongaciones del conflicto interno. El diseño sonoro de Manuel Pérez Vizán completa una atmósfera que por momentos se vuelve opresiva y por otros profundamente contemplativa.

La dirección de Fernando Alegre y Stella Matute acompaña ese recorrido sin apresurarlo. Hay una apuesta por el silencio, por las pausas y por aquello que se expresa cuando las palabras resultan insuficientes. Esa decisión permite que la vulnerabilidad masculina aparezca sin discursos explicativos, encarnada en un cuerpo que intenta recuperar aquello que alguna vez debió callar.

La referencia a Sísifo encuentra entonces una nueva dimensión: la roca no es únicamente el peso de un destino inevitable, sino también aquello que el artista intenta modificar. El arte aparece como posibilidad de transformación, aunque nunca como solución definitiva.

Abrazo de frío azulejo propone una experiencia íntima, de una intensidad que no depende del exceso sino de la capacidad de hacer visible lo que suele permanecer oculto. Una obra sobre la memoria, pero también sobre el difícil acto de mirarla de frente. Porque quizá transformar la piedra no significa dejar de cargarla, sino encontrar otra manera de llevarla.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:: Fernando Alegre
Actúan:: Daniel Dibiase
Vestuario:: Titi Suárez
Escenografía:: Fernando Alegre
Diseño De Sonido:: MANUEL PÉREZ VIZÁN
Luces:: Fernando Alegre
Comunicación visual:: Pablo Hulgich
Producción ejecutiva:: Dalevamos, Sergio Rower
Dirección:: Fernando Alegre, Stella Matute

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Web: https://www.instagram.com/espacio_callejon/
Viernes - 20:00 hs - Del 02/10/2026 al 16/10/2026

RETRATO DE UN PIANISTA , la música como forma de memoria

2026-09-26T08:59:02.787-07:00

Hay películas que se acercan a un artista para registrar su obra y otras que intentan descubrir qué hay detrás de ella. Retrato de un pianista, de José Luis Nacci y Elena Konieczny, elige este segundo camino. El protagonista es Antonio Formaro, pero el verdadero tema del documental parece ser aquello que sostiene su vínculo con la música: el tiempo, la memoria, los afectos y una búsqueda que excede el escenario.

La cámara acompaña al pianista en una cotidianeidad que alterna ensayos, clases, programas radiales, encuentros familiares y conciertos. Entre esas actividades aparece una dimensión más íntima: sus caminatas frente al mar, momentos de pausa que contrastan con la concentración exigida por la interpretación. El paisaje funciona entonces como contrapunto de la música y como espacio de reflexión.

Uno de los aspectos más interesantes del documental es la búsqueda de pianos perdidos en distintos pueblos. El recorrido hasta el Teatro Brazzola de Chascomús permite que el instrumento deje de ser simplemente un objeto musical para convertirse en depositario de historias. Algo similar sucede durante su viaje a Chile, cuando Formaro visita el Museo Claudio Arrau y rinde homenaje al célebre pianista. El documental establece así una cadena de maestros, instrumentos y memorias que conecta distintas generaciones.

La película encuentra su mayor potencia cuando observa esos momentos sin apresurarse a explicarlos. Los ensayos, las manos sobre el teclado, los silencios antes de un concierto y la relación física del intérprete con el instrumento adquieren una dimensión casi contemplativa. La música de Formaro, además, no aparece como simple banda sonora: forma parte de la estructura narrativa y acompaña el recorrido del protagonista.

El concierto en el Teatro Argentino de La Plata junto a la Orquesta Estable funciona como uno de los puntos culminantes del relato. Después de acompañar durante buena parte del film la preparación y el esfuerzo que preceden a la escena, la presentación permite comprender la dimensión pública de una pasión que, hasta entonces, habíamos observado fundamentalmente en su intimidad.

Nacci y Konieczny construyen un retrato afectivo, más interesado en acompañar que en explicar. En ese sentido, Retrato de un pianista evita convertirse en una biografía convencional y propone algo más cercano a un viaje: el de un músico que se desplaza entre ciudades, teatros, pianos y recuerdos, siempre detrás de aquello que la música todavía puede revelar.

Y cuando, después del concierto, Formaro regresa nuevamente al mar, el gesto adquiere un sentido circular. La búsqueda no termina con el aplauso. El próximo desafío, como la música, vuelve a comenzar.

PROTAGONISTAS
Antonio Formaro
Elena Konieczny (En off)
Eduardo Chino Orueta
Maximiliano Coria
Eduardo Gato Peña
José Luis Nacci (En off)
Javier Soto Persus Nibaes
José Miguel Ramos Fuentes (En off)
Gladys Pierpauli
Maestro Marcelo Balat
Marisa Formaro
Eduardo Formaro
Santiago Espíndola
Orquesta Estable del Teatro Argentino
Lucía Zikos

FICHA TÉCNICA
Dirección, Guion y Producción: José Luis Nacci ,Elena Konieczny
Dirección de Fotografía: Florencia Velozo, Luciano Nacci
Cámara: Luciano Nacci, Florencia Velozo,
Santiago Fernández Grassi, Luciano Romano
Diseño de arte: Santiago Cánepa
Sonido: Lucho Corti
Montaje: Luciano Nacci
Música: Antonio Formaro

Año: 2025
Duración: 68 min.
Género: Documental
País: Argentina
Formato de Rodaje: 4k
Formato de exhibición: Digital Cinema 2K (2048 horiz. por 1556 vert. Pixeles)
Sonido: (Stereo, Mono, Dolby digital 5.1) Dolby digital 5.1
Relación de aspecto: Real

Distribuye: Km Sur Distribución

SANTOS VEGA : UN REGRESO A LA GAUCHESCA

2026-09-25T10:19:08.775-07:00

Volver a Santos Vega es volver a una de las matrices del teatro argentino. La figura del payador que desafía al diablo atraviesa la tradición popular y literaria, pero en esta nueva versión presentada en el Teatro Nacional Cervantes la leyenda funciona, sobre todo, como una puerta de entrada a un imaginario que todavía forma parte de nuestra memoria colectiva.

La propuesta de Daniel Casablanca no intenta reconstruir arqueológicamente aquel teatro gauchesco de fines del siglo XIX. Por el contrario, recupera sus formas —la música, la danza, el canto, la payada, el humor y los personajes populares— para convertirlas en una experiencia escénica de gran vitalidad. El resultado es un espectáculo coral, de ritmo sostenido, donde la tradición aparece menos como una pieza de museo que como una materia viva capaz de dialogar con el presente.

La puesta apuesta decididamente por lo colectivo. Un numeroso elenco ocupa el escenario y construye una sucesión de escenas, canciones y cuadros que remiten a fiestas populares, enfrentamientos, romances y tragedias. La música original y los arreglos de Diego Pérez y Fernando Fefo Sellés, junto con las coreografías de Gustavo Carrizo, tienen un papel central: no funcionan como mero acompañamiento sino como motor dramático.

También resulta significativo el trabajo sobre el cuerpo. Los intérpretes construyen un universo en el que el gesto, el desplazamiento, el zapateo y la danza recuperan códigos de la tradición rural y los transforman en lenguaje teatral. La escenografía de Paola Delgado y Ariel Vaccaro, el vestuario de Analía Cristina Morales y el diseño de iluminación de Sandro Pujia colaboran en esa construcción de un espacio que es al mismo tiempo histórico y simbólico.

La versión de Guadalupe Bervih, Daniel Casablanca y Andrés Sahade se permite condensar y reordenar el material original para privilegiar el carácter de espectáculo. En esa decisión hay tanto una virtud como un riesgo: la abundancia de recursos y la sucesión de cuadros pueden, por momentos, privilegiar la exuberancia visual y musical por sobre la profundidad dramática de la historia.

Pero es justamente en esa celebración colectiva donde la propuesta encuentra su identidad. Santos Vega no pretende solamente contar la leyenda del payador vencido por el Diablo; busca recuperar una forma de hacer teatro que nació estrechamente ligada al público y a la cultura popular.

El Cervantes se convierte así en escenario de un regreso a las raíces, pero no para quedarse en ellas. La tradición gauchesca vuelve a escena transformada en música, danza, palabra e imagen. Y el viejo Santos Vega, entre payadas, malambos y fantasmas, vuelve a preguntar qué queda de aquello que alguna vez llamamos propio.

Ficha técnico artística

Autoría:: Luis Bayón Herrera
Versión:: Guadalupe Bervih, Daniel Casablanca, Andrés Sahade
Intérpretes:: Rosario Albornoz, Gonzalo Amor, Rosario Ascencio, Paraná Berreta, Gabriela Biebel, Fabricio Blanco, Camilo Carabajal, Martha Humbert Dunoyer, Federico LLambí, Emiliano Luna, Soledad Mangia, Yacaré Manso, Pedro Maurizi, Florencia Mendizabal, Roberto Monzo, Guido Napolitano, Mariana Ortiz Losada, Mariela Passeri, Solsiré Pinto, Gimena Riestra, Maia Roldán, Alejandro Segovia, Fernando Fefo Sellés, Rodrigo Vallejos, Eliana Vazquez, Alejandro Viola
Diseño de vestuario:: Analía Cristina Morales
Diseño de escenografía:: Paola Delgado, Ariel Vaccaro
Diseño sonoro:: Pablo Minici
Diseño Audiovisual:: Franco Gregoris
Música original:: Diego Pérez
Diseño De Iluminación:: Sandro Pujia
Fotografía:: Mauricio Caceres
Coaching De Baile:: Adrián El Pola Verges
Asistencia de dirección:: Pablo Lopez, Marcelo Mendez, Alejandro Pellegrino
Arreglos musicales:: Fernando Fefo Sellés
Producción:: Silvia Oleksikiw
Coreografía:: Gustavo Carrizo
Coreografía Asociada:: Rosario Ascencio
Coach Vocal:: Katie Viqueira
Dirección musical:: Fernando Fefo Sellés
Co-Dirección:: Guadalupe Bervih, Andrés Sahade
Dirección general:: Daniel Casablanca
Composición Musical:: Diego Pérez, Fernando Fefo Sellés

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos, Musical, Artes Escénicas

TEATRO NACIONAL CERVANTES
Libertad 815 (mapa)
San Nicolas - CABA - Argentina
Teléfonos: 4816-4224
Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/
Domingo, Jueves, Viernes y Sábado - 20:00 hs - Hasta el 13/12/2026

A CIELO ABIERTO, cuando el amor se encuentra con las ideas

2026-09-25T09:29:59.795-07:00

Una noche de invierno. Una casa modesta. Dos personas que alguna vez se amaron y que ahora se encuentran paradas en veredas ideológicas diferentes. Sobre esa situación aparentemente sencilla, David Hare construye en A cielo abierto un intenso duelo verbal en el que el amor, el deseo y las convicciones entran permanentemente en conflicto.

Luis, un empresario exitoso, llega dispuesto a recuperar algo de aquello que quedó pendiente con Ana, una maestra de escuela pública. Pero el reencuentro rápidamente abandona cualquier posibilidad de nostalgia. Las diferencias sobre la forma de entender el mundo aparecen en cada conversación y convierten el espacio doméstico en un campo de batalla donde cada argumento puede transformarse en una herida.

La versión de Paula Reca y Eliseo Barrionuevo consigue acercar el texto al presente sin perder su carácter de drama de ideas. La traducción busca naturalidad y permite que los extensos intercambios verbales no se conviertan en discursos abstractos: detrás de cada discusión hay una historia afectiva que todavía permanece abierta.

Paula Reca construye a Ana desde una firmeza que no excluye la vulnerabilidad. Su personaje defiende sus elecciones y su compromiso social, pero también debe enfrentarse con aquello que todavía siente. Luis Bermejo, por su parte, compone a Luis desde una seguridad que progresivamente comienza a resquebrajarse. Felipe Saade completa el triángulo y funciona como una presencia que modifica la intimidad del encuentro.

La dirección de Mey Scápola apuesta a que el conflicto surja principalmente de los cuerpos y las palabras. El espacio cerrado potencia la sensación de encierro: no hay escapatoria posible cuando cada argumento devuelve al otro hacia aquello que preferiría no mirar. La tensión crece justamente porque ninguno de los dos puede abandonar completamente sus ideas ni sus sentimientos.

El mayor interés de A cielo abierto está en no convertir el enfrentamiento en una disputa donde exista una respuesta correcta. Hare pone en tensión dos formas de mirar la vida y deja que ambas se contradigan, se defiendan y también se contaminen. Porque cuando el amor reaparece, las certezas ideológicas dejan de ser tan sólidas.

Una obra sobre el deseo, pero también sobre el precio de sostener aquello en lo que creemos cuando la persona que tenemos enfrente todavía consigue conmovernos.

Autor David Hare

Traducción y adaptación Paula Reca, Eliseo Barrionuevo

Supervisión Javier Daulte

Dirección Mey Scápola

elenco

Luis Bermejo

Paula Reca

Felipe Saade

equipo artístico-técnico

Diseño de escenografía Gonzalo Córdoba Estévez

Diseño de vestuario Mariana Seropian

Diseño de iluminación Matías Sendón

Música original y diseño sonoro Diego Vainer

Colaboración artística Juan Branca

Asistencia de dirección Nacho Ciatti

Asistencia de escenografía Guadalupe Borrajo

Asistencia de iluminación Sergio Gillo

equipo CTBA

Coordinación de producción artística Mateo Milione

Coordinación de producción técnica Pablo Yurrebaso

Coordinación técnica de escenarios Cecilia Nuñez, Tomás Savino, Celeste Faillace

Coordinación de talleres de escenografía Guadalupe Borrajo

Coordinación de talleres de vestuario Camila Ferrín

Las funciones serán de jueves a domingos a las 20 horas. La duración del espectáculo es de 80 minutos y las localidades tendrán un valor de $18.000 (jueves $10.000) a la venta en www.complejoteatral.gob.ar.

Los días viernes 18, sábado 19 y domingo 20 a las 20 horas, A cielo abierto se presentará en el marco del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA).

Teatro Regio, Av. Córdoba 6056

EL MISTERIO DE UNA IDENTIDAD

2026-09-23T12:19:48.867-07:00

Un argentino llega a Nueva York en 1978 sin memoria, sin pasado y casi sin palabras. El señor Ramírez, confinado a una silla de ruedas, despierta la curiosidad de Larry, el joven encargado de acompañarlo. Entre ambos se establece una relación enigmática en la que las preguntas cambian de destinatario y el cuidador termina convirtiéndose también en interrogado.

A partir de la novela de Manuel Puig, escrita durante su exilio neoyorquino, Claudia Piñeiro y Marcelo Moncarz realizan una adaptación que recupera con eficacia algunos de los grandes temas del escritor: el desarraigo, la identidad, la memoria y la necesidad de reconstruir una historia personal atravesada por la historia política argentina.

Luis Campos compone a Ramírez desde la ambigüedad. Su personaje puede parecer vulnerable por su amnesia y su discapacidad, pero rápidamente revela una capacidad de manipulación que modifica el vínculo con Larry. Mateo Chiarino sostiene con naturalidad el desconcierto de un hombre que comienza intentando comprender a otro y termina exponiendo sus propias heridas. Luz Miraldi completa el elenco aportando diferentes matices a una trama que necesita de cambios de registro para avanzar.

La dirección de Moncarz evita el naturalismo y propone un espacio escénico abierto, donde el asilo y las calles de Nueva York se construyen mediante la iluminación, el sonido y el trabajo de los actores. La escenografía y el diseño lumínico de Ricardo Sica colaboran en esa atmósfera de extrañamiento, mientras la música y el diseño sonoro de Tom CL acompañan el carácter casi cinematográfico de algunas transiciones.

El hallazgo de los libros enviados desde Argentina funciona como detonante de una segunda historia: detrás del hombre amnésico hay un exiliado y, detrás del exilio, una experiencia que necesita ser recuperada. La memoria individual se encuentra entonces con una memoria histórica que todavía duele.

La obra no busca solamente descubrir quién es Ramírez. Su verdadero interrogante pasa por aquello que hacemos con nuestro pasado cuando recordar también significa enfrentarnos con aquello que quisimos olvidar. Y allí, en esa zona donde la intimidad se cruza con la historia, la vigencia de Puig vuelve a hacerse evidente.

Ficha técnico artística

Autoría:: Manuel Puig
Adaptación:: Marcelo Moncarz, Claudia Piñeiro
Actúan:: Luis Campos, Mateo Chiarino, Luz Miraldi
Escenografía:: Alejandro Mateo
Diseño de vestuario:: Alejandro Mateo
Diseño sonoro:: Tom CL
Realización escenográfica:: Geronimo Tiengo
Música original:: Tom CL
Diseño De Iluminación:: Ricardo Sica
Diseño gráfico:: Nahuel Lamoglia
Asistencia de dirección:: Glenda Aramburu
Prensa:: Valeria Franchi
Producción ejecutiva:: Adriana Yasky
Puesta en escena:: Marcelo Moncarz
Dirección:: Marcelo Moncarz

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Domingo - 18:00 hs - Hasta el 29/11/2026

SOY ELLA, una identidad en movimiento

2026-09-22T14:43:56.787-07:00

Soy ella se acerca a La Kalo, una mujer trans del conurbano bonaerense, desde una distancia poco habitual en el documental contemporáneo: la que se construye a partir del tiempo compartido, de la observación paciente y de una cámara que parece buscar menos explicar que acompañar.

La película transita entre dos espacios que se complementan y, a la vez, revelan distintas dimensiones de su protagonista: el escenario, donde La Kalo despliega su presencia y construye una identidad pública, y la vida cotidiana, allí donde aparecen los gestos mínimos, los vínculos y las zonas menos visibles de esa misma identidad. El contraste evita que el relato quede encerrado en una mirada exclusivamente social o testimonial.

Uno de los mayores aciertos del documental está en no convertir a La Kalo en un objeto de estudio. La cámara permanece cerca, pero no invade. En lugar de organizar su experiencia alrededor de explicaciones externas, permite que sea ella quien ocupe el centro del relato, con sus contradicciones, deseos, transformaciones y momentos de intimidad.

La identidad aparece así no como una categoría fija sino como un proceso. La película registra ese movimiento sin pretender clausurarlo con definiciones. Hay algo especialmente valioso en esa decisión: Soy ella no intenta decirle al espectador quién es La Kalo, sino acompañarlo en el descubrimiento de quién va siendo.

Entre el brillo del escenario y la intimidad de lo cotidiano, el documental construye un retrato sensible que encuentra su potencia justamente en aquello que no necesita subrayar. La Kalo no es presentada como una excepción ni reducida a una historia de superación: es una mujer cuya vida, como tantas otras, está hecha de búsquedas, elecciones, vínculos y transformaciones.

Soy ella encuentra en esa cercanía su forma de mirar y en el tiempo su principal herramienta narrativa. Un documental que entiende que acompañar también es una manera de contar.

Argentina, 2026, 85 minutos

4K - DCP Flat - 1.90:1 - audio 5.1

Protagonista · Milena Kalo Navun

Dirección · Cecilia Pinotti

Producción · Cecilia Pinotti y María Fernández Aramburu

Dirección de fotografía · Virginia Rojas

Cámara · Cecilia Pinotti y Virginia Rojas

Foquista · Mariana Bruno

Asistente de cámara · Isadora Ardito Molina

Sonido directo · Juan José Suarez

Montaje · Cecilia Pinotti

Color · Boreal Color Studio, Guido Tomeo

Títulos · Gorky Films

Postproducción de sonido · La Oreja de Suarez

Diseño de sonido · Juan José Suarez

Editor de diálogos y mezcla · Miguel Kancepolsky

Mezcla · Francisco Pedemonte

Música · KRSSV, Rafael Krux

Corrección de subtítulos · Nina Kaelin

Diseño de poster · Neta Zeta

Distribución · Cinetren

Prensa · Julieta Bilik

FESTIVALES

FICPBA – Selección en Competencia de Largometrajes Bonaerenses

Festival Cine de las Alturas – Competencia Nacional Work in Progress (Premio a Proyecto Wip de las Alturas)

ÉRAMOS TAN FLACOS, cuando las imágenes vuelven a hablar

2026-09-22T14:22:13.830-07:00

Hay algo profundamente cinematográfico en volver a mirar unas imágenes filmadas hace treinta años. No solo porque el tiempo haya modificado aquello que muestran, sino porque también transformó la mirada de quien las registró. En la mitad de los años 90, un joven recorre La Plata con una cámara VHS y filma las movilizaciones estudiantiles contra la Ley de Educación Superior. Hoy, Carlos Castro recupera ese archivo personal y lo convierte en materia de un documental que interroga una época y, al mismo tiempo, el presente desde el que esa época es revisitada.

La película encuentra en la textura del VHS su primera y más poderosa marca estética. La imagen granulada, los encuadres espontáneos, los movimientos propios de una cámara que registra en medio de la acción construyen una proximidad que difícilmente podría reproducirse mediante una reconstrucción contemporánea. No estamos frente a imágenes que pretenden representar el pasado: son fragmentos concretos de ese pasado que sobreviven y regresan para ser interrogados.

El montaje de Pedro Barandiarán tiene entonces una tarea fundamental. Ordenar materiales heterogéneos —archivo personal, investigación y registros de otra naturaleza— sin neutralizar su potencia. El documental no se limita a ilustrar un episodio de la historia universitaria: establece relaciones entre aquellas imágenes y el clima político de los años 90, entre las consignas de entonces y las preguntas que todavía persisten.

En ese sentido, la película trabaja con una tensión interesante entre memoria personal e historia colectiva. Lo que comienza como el registro de un joven estudiante termina adquiriendo una dimensión generacional. Las calles de La Plata, las aulas y las movilizaciones dejan de ser únicamente escenarios de una protesta para convertirse en el territorio donde se formaron determinadas formas de participación política.

La cámara que alguna vez registró el presente sin saber qué lugar ocuparía en el futuro termina funcionando como una máquina de memoria. Y allí reside uno de los mayores aciertos del documental: comprender que el archivo no es un material muerto que simplemente debe ser recuperado, sino una imagen capaz de volver a producir preguntas.

Más que reconstruir una época, la película la hace regresar. Y en ese regreso, aquellas imágenes VHS adquieren una nueva dimensión: ya no son solamente el testimonio de lo que ocurrió, sino también la evidencia de que aquello que parecía clausurado —la discusión, el conflicto, la participación política— continuaba latiendo debajo de la superficie.

Una película de Carlos Castro

ESTRENO EN CINES:
24 de Septiembre de 2026
SALAS Y FUNCIONES
- Cine Gaumont: Funciones 24 y 25 de septiembre a las 20.30
- Cine Select - La Plata del 1 al 7 de octubre 18:30,
excepto domingo 4 a las 18:00.
- Cineclub Proyecciones Terrestres - La Plata: Domingo 4/10 - 19:00; Sábado 10/10 - 20:00; Jueves 15/10 - 19:00: Domingo 18/10 - 17:00;
Lunes 26/10 - 21:00; Viernes 30/10 - 20:00.
RECORRIDO POR FESTIVALES

3° FICPBA – FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES (2025)
Competencia de Largometraje Bonaerense
Ganador – Mejor Documental
Ganador – Mejor Dirección Documental
Ganador – Mejor Montaje (Premio EDA - Asociación de Editores Audiovisuales)
Mención Especial – Sonido (Premio ASA - Asociación Argentina de Sonidistas Audiovisuales)

21° FICDH – FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DERECHOS HUMANOS DE BUENOS AIRES (2025)
Ganador – Primer Premio RAFNA (Red Argentina de Festivales y Muestras Audiovisuales)
Ganador – Primer Premio Voto del Público

8° FESTIVAL DE CINE EN GRANDE (Tierra del Fuego, 2025)
Ganador – Mejor Montaje (Premio EDA - Asociación de Editores Audiovisuales)

20° FESAALP – FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO DE LA PLATA (2025)
Mención Especial – Mejor Película (Sección La Plata Filma)

BARCIF – BARCELONA INDIE FILM MAKERS FEST (España, 2026)
Nominación – Mejor Película
Nominación – Mejor Director

22° FESTIVAL DE CINE Y DERECHOS HUMANOS DE SAN SEBASTIÁN / GIZA ESKUBIDEEN ZINAMALDIA (España, 2025)
Selección Oficial
- Sala Lúcida: Función 22 de octubre a las 20:00

CALIFICACIÓN:
G (Audiencia General)

DURACIÓN:
81 min.

FICHA TÉCNICA

Guion y Dirección: CARLOS CASTRO
Montaje: PEDRO BARANDIARÁN
Producción General: ADRIÁN BERTUZZI, SILVINA HERMOSA
Producción Ejecutiva: TATIANA ZLATAR, CARLOS CASTRO
Jefe de Producción: MIGUEL D´ELIA
Investigación de Archivo: CARLOS CASTRO, PAULA ESPERANZA VALDEZ, ESTEBAN GIL GARCÍA, TATIANA ZLATAR, MARCO IANNARELLI
Investigación: ESTEBAN GIL GARCÍA, PAULA ESPERANZA VALDEZ
Cámara: SEBASTIÁN MIGLIO
Sonido: MATÍAS OLMEDO, HERNÁN BIASSOTTI, MÚSICA ORIGINAL, JUAN LUCESOLE, CARMEN SANCHÉZ VIAMONTE
Música Original: JUAN LUCESOLE, CARMEN SANCHÉZ VIAMONTE
Postproducción de sonido: CARLOS TANONI
Dosificación de Color: PEDRO BARANDIARÁN
Asistencia de producción: ARIEL OLIVARES
Asistencia de Edición: LAUTARO BARRAGAN

DATOS TÉCNICOS

País: ARGENTINA
Año: 2025
Duración: 80
Idioma: ESPAÑOL

LA IMAGEN PRESUNTA

2026-09-20T08:17:44.210-07:00

¿Qué queda de una persona cuando solo queda su fotografía? La imagen presunta, de Adriana Garibaldi, parte de esa pregunta para construir una pieza que recupera la fotografía analógica como objeto material, pero también como territorio de memoria, deseo y especulación. La luz y el tiempo, esas dos materias que John Berger señalaba como esenciales de la fotografía, se convierten aquí en materia teatral.

Organizada en un prólogo y tres episodios —llorar, reír y pensar—, la obra cambia de registro sin perder su núcleo. En el primero, la fotografía aparece como sustituto afectivo de quien ya no está; en el segundo, el humor y el absurdo irrumpen alrededor de un estudio fotográfico donde un ladrón, una familia y un retrato aparentemente convencional terminan componiendo una situación desopilante. El tercero es quizá el más inquietante: cuatro mujeres encuentran fotografías abandonadas en la calle e intentan reconstruir, a partir de esas imágenes anónimas, las vidas que alguna vez estuvieron detrás de ellas.

Es allí donde La imagen presunta encuentra su dimensión más interesante. ¿Una fotografía registra la realidad o construye una versión de ella? ¿Qué información queda fuera del encuadre? Las mujeres inventan historias para esos rostros desconocidos y, al hacerlo, ponen en evidencia que toda imagen necesita de alguien que la mire, la interprete y complete aquello que no puede mostrar.

La puesta de Garibaldi trabaja con una diversidad de recursos —objetos, visuales, música, iluminación y una cuidada composición escénica— que dialogan con el universo fotográfico sin convertirlo en una simple ilustración. Los ocho intérpretes encarnan catorce personajes y sostienen una teatralidad que puede pasar de lo emotivo a lo grotesco, de la intimidad al humor, sin perder fluidez.

La imagen presunta propone finalmente un juego entre lo que vemos y lo que imaginamos. Porque una fotografía puede conservar un instante, pero nunca una vida completa. Tal vez por eso esas imágenes abandonadas resultan tan poderosas: frente a ellas, mirar también significa inventar y, de algún modo, rescatar del olvido aquello que ya no podemos conocer.

Ficha técnico artística

Autoría:: Adriana Garibaldi
Actúan:: Leticia Barbitta, Marcela Bea, Claudio Beltrán, Constanza Cilifrese, Lucía Correa Vazquez, Cecilia Labourt, José Toccalino, Maria Nydia Ursi-Ducó
Vestuario:: Gustavo Acevedo, Adriana Garibaldi
Escenografía:: Gustavo Acevedo, Adriana Garibaldi
Diseño sonoro:: Gustavo Popi Spatooco
Realización de objetos:: Sanchezplastik, Gota Converso
Violín:: Dante Spatocco
Visuales:: Leticia Barbitta
Música original:: Gustavo Popi Spatooco
Diseño De Iluminación:: Adriana Garibaldi, Carolina Oliva
Fotografía:: Leandro Ibáñez
Asistencia De Producción:: Nani Lopez
Asistencia de dirección:: Leticia Barbitta
Prensa:: Giacani- Lauro Comunicación
Puesta en escena:: Adriana Garibaldi
Co-producción:: Felisberto Teatro
Dirección:: Adriana Garibaldi

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

FELISBERTO
Yatay 112 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 1154738431 / 1165823993
Web: https://www.instagram.com/felisbertoteatro/
Sábado - 21:00 hs - Hasta el 31/10/2026

LA ESCRIBA

2026-09-20T07:20:41.016-07:00

En La escriba, Sandra Franzen y Anahí Gadda parten de una figura que escribe para preguntarse qué sucede cuando una mujer decide dejar de ser personaje y convertirse en autora de su propia historia. El litoral argentino funciona menos como paisaje que como territorio mítico: allí se cruzan memoria, violencia, relatos silenciados y figuras femeninas condenadas a permanecer en los márgenes.

La dramaturgia de Franzen no busca construir una narración lineal. Es, más bien, un tejido de imágenes, voces y transformaciones en el que Escriba, Mujer y Yarará se desdoblan y vuelven a encontrarse. Esa estructura puede resultar deliberadamente fragmentaria, pero encuentra su mayor potencia cuando abandona la explicación y deja que el cuerpo de Gadda sea quien articule los distintos estados de la protagonista.

La música es uno de los hallazgos de la puesta. Gadda no solo actúa: también interpreta instrumentos y convierte el sonido en una extensión de la escena. Hay momentos en que la música funciona como paisaje, pero también como una herida que irrumpe y modifica el sentido de lo que sucede. El trabajo corporal, la iluminación y una escenografía de fuerte carácter simbólico completan una teatralidad que apuesta más a la sugerencia que al realismo.

Gadda sostiene el unipersonal con una presencia que exige transitar distintos registros sin perder el eje. Su personaje se desplaza entre la vulnerabilidad, la sensualidad, la furia y una creciente conciencia política. La transformación no aparece como un discurso cerrado, sino como un proceso físico que se va haciendo visible ante el espectador.

La escriba tiene su mayor interés cuando entiende la escritura como un acto de insubordinación. Su verdadera revolución no consiste solamente en contar otras historias, sino en disputar quién tiene derecho a narrarlas. Allí la mujer romántica queda atrás y aparece otra figura: una mujer que ya no acepta ser escrita por otros.

Ficha técnico artística

Idea:: Sandra Franzen, Anahí Gadda
Dramaturgia:: Sandra Franzen
Actúan:: Anahí Gadda
Músicos:: Anahí Gadda
Creación:: Sandra Franzen, Anahí Gadda
Luthier:: Kumba Macaco, Junche Solo
Vestuario:: Paula Molina
Escenografía:: Micaela Sleigh
Caracterización:: Cassandra Chelini Vega
Maquillaje:: Cassandra Chelini Vega
Redes Sociales:: Paula Vautier
Música original:: Anahí Gadda, Gabo Illanes
Diseño De Iluminación:: Fabricio Ballarati
Fotografía:: Julián Athos Caggiano, Gustavo Gorrini
Diseño gráfico:: Andrés Mendilaharzu
Asesoramiento Actoral:: Tony Lestingi
Asesoramiento coreográfico:: Charlie Díaz Schillaci
Asesoramiento Corporal:: Doris Petroni
Asesoramiento Instrumental:: Inés López
Asistencia de dirección:: Cassandra Chelini Vega, Simón Vintrob
Prensa:: Natalia Bocca
Producción:: Compañía Anfysa
Dirección:: Sandra Franzen
Agradecimientos:: Apdea, El Mundo De Las Pelucas, Páramo Cultural, Ingrid Pelicori, Mercedes Torre

Web: http://anahigadda.com

Duración: 55 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Sábado - 18:00 hs - Hasta el 31/10/2026