Periódico El Duende

EFECTO PROUST

2026-11-06T02:15:50.584-08:00

Efecto Proust aborda una pregunta universal: ¿es posible recuperar un amor a través de los En Efecto Proust, Daniel Cano García propone un encuentro atravesado por el amor, la distancia y la persistencia de los recuerdos. En un bar de Madrid, Matías, un joven escritor, vuelve a encontrarse con Romina, el gran amor de su vida, para cumplir un pacto que ambos hicieron antes de que ella decidiera partir de Argentina. Lo que parece una cita se transforma en un viaje hacia aquello que el tiempo no consiguió borrar.

La obra toma como punto de partida el llamado efecto Proust: esa capacidad de los sentidos para despertar recuerdos que creíamos olvidados. Un aroma, un sabor o una sensación pueden devolvernos de pronto a un momento vivido, con toda su carga emocional. Desde ese mecanismo, la dramaturgia explora cómo la memoria reconstruye el pasado, pero también cómo lo modifica, lo idealiza y lo convierte en refugio.

Con las actuaciones de Mario Mahler, Fiorella Orellano y Facundo Lambert, la puesta dirigida por Sebastián Monti (Monshy) se apoya en los vínculos y en la tensión entre lo que los personajes fueron y aquello en lo que se han convertido. El desafío interpretativo está en sostener la intimidad de un encuentro donde los silencios, las evocaciones y las palabras adquieren tanto peso como los acontecimientos.recuerdos o aquello que añoramos pertenece ya a una versión irrepetible de nuestra historia? Una propuesta sobre la fragilidad de los vínculos y el poder de la memoria, capaz de devolvernos por un instante aquello que creíamos perdido, aunque no necesariamente pueda hacerlo regresar.

Ficha técnico artística

Autoría:: Daniel Cano García
Actúan:: Mario Mahler, Fiorella Orellano, Facundo Lambert
Asistencia De Producción:: Agostina Tallarico
Asistencia de dirección:: Lucila Miranda Allué
Producción:: Facundo Lambert
Dirección:: Sebastián Monti (Monshy)

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Jueves - 20:00 hs - Del 05/11/2026 al 26/11/2026

RELÁMPAGOS DE LO INVISIBLE: OLGA OROZCO, LA POESÍA HECHA CUERPO

2026-11-04T13:37:06.340-08:00

En Relámpagos de lo invisible, Fabiana Rey se interna en el universo poético de Olga Orozco para construir una experiencia escénica donde la palabra abandona la página y adquiere presencia física. A partir de los textos de la poeta pampeana, la propuesta explora un territorio poblado de visiones, presagios, rituales y misterios, en el que lo cotidiano parece abrirse hacia una dimensión desconocida.

La voz y el cuerpo de Rey son el centro de esta travesía. Lejos de plantear una lectura convencional, la actriz convierte la poesía en materia teatral: los gestos, los silencios, las modulaciones de la voz y la relación con el espacio construyen imágenes que evocan las obsesiones y los mundos interiores de Orozco. La palabra se vuelve movimiento, invocación y presencia; el cuerpo funciona como vehículo de aquello que no puede explicarse racionalmente.

La penumbra, los símbolos del oráculo y el diseño espacial contribuyen a generar una atmósfera de misterio e intensidad. Con asesoramiento artístico y espacial de Esteban Meloni e iluminación de Matías López Stordeur, la puesta acompaña ese tránsito entre lo visible y lo oculto, sin buscar traducir literalmente los poemas, sino recuperar su potencia evocadora.

Con concepción, dramaturgia y dirección de la propia Fabiana Rey, la obra encuentra su mayor riqueza en la posibilidad de acercar la poesía al lenguaje teatral sin despojarla de su enigma. El desafío de un unipersonal de estas características está en sostener la intensidad de la palabra y evitar que el misterio se convierta en una sucesión de imágenes ilustrativas. La propuesta apuesta, en cambio, a la sensibilidad del espectador y a su capacidad de dejarse atravesar por lo que sucede en escena.

En el marco del proyecto El camino del fuego. Tríada poética, que recupera figuras fundamentales de la cultura argentina, Relámpagos de lo invisible invita a reencontrarse con Olga Orozco desde una experiencia sensorial y poética. Una ceremonia teatral de 50 minutos en la que la palabra se hace cuerpo y aquello que permanece oculto encuentra, por un instante, una forma de manifestarse.

Ficha técnico artística

Texto:: Olga Orozco
Actúan:: Fabiana Rey
Diseño de luces:: Matías López Stordeur
Administración De Sala:: Julian Smud
Fotografía:: Nora Lezano
Asesoramiento En Espacio Escénico:: Esteban Meloni
Asesoramiento artístico:: Esteban Meloni
Asistencia técnica:: Manuel Brener
Asistencia de dirección:: Soledad Tapia
Dramaturgista:: Fabiana Rey
Dirección:: Fabiana Rey

Duración: 50 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Sábado - 22:30 hs - Del 07/11/2026 al 28/11/2026

LO QUE NO JUNO ME APASIONA

2026-11-02T10:53:01.311-08:00

En Lo que no juno me apasiona, Gabriela Romeo construye un universo extraño, atravesado por el mandato familiar, las creencias, la degradación ambiental y los secretos que parecen condenados a permanecer ocultos. La acción transcurre en Diosleguarde, una fábrica de sombreros ocupada y cercada por el Paraná, donde el tiempo parece haberse detenido y las aguas oscuras del río se convierten en una presencia inquietante.

Entre mercurio, aire enrarecido y un paisaje contaminado, los personajes se enfrentan a una realidad donde lo sagrado y lo profano, la maldición y la bendición, conviven en permanente tensión. Las preguntas sobre la fe, los dones espirituales y el destino se mezclan con la búsqueda de una caja de dinero y las referencias a una causa nacional. El humor, inesperado y corrosivo, se filtra en medio de ese clima enrarecido y desarma cualquier solemnidad.

La dramaturgia de Romeo apuesta por un lenguaje singular, cargado de imágenes, frases enigmáticas y resonancias populares. Los diálogos avanzan entre lo absurdo y lo poético, construyendo un territorio donde los personajes parecen debatirse entre aquello que conocen y lo que no logran comprender. La frase que da título a la obra condensa esa contradicción: apasionarse por aquello que no se termina de entender.

El elenco integrado por Alen Hutton, Vero Marcovsky, Esteban Navarro y Gabriel Zuccarini transita este mundo de tensiones y desmesuras, sostenido por un espacio escénico de fuerte impronta simbólica. La música original de Sergio Vainikoff y el diseño lumínico de Horacio Chino Novelle contribuyen a configurar una atmósfera inquietante, en la que el río, aunque no se vea, parece estar siempre presente.

Con dirección y dramaturgia de Gabriela Romeo, Lo que no juno me apasiona propone una experiencia teatral singular, que combina grotesco, humor y poesía para hablar de la memoria, los mandatos y las heridas de un territorio. Una obra que encuentra en lo extraño una forma de interrogar lo conocido y deja resonando una pregunta: ¿qué sucede cuando aquello que debería darnos vida se transforma en amenaza?

Ficha técnico artística

Dramaturgia:: Gabriela Romeo
Actúan:: Alen Hutton, Vero Marcovsky, Esteban Navarro (Tban), Gabriel Zuccarini
Espacio escénico:: Lo Que No Juno Me Apasiona
Diseño de luces:: Horacio Chino Novelle
Realización de vestuario:: Titi Suárez Adrover
Música original:: Sergio Vainikoff
Fotografía:: Gianni Mestichelli
Diseño gráfico:: Mariana Rovito
Asistencia de dirección:: Santino Caradonna
Prensa:: Marcelo Oliveri
Dirección:: Gabriela Romeo

Web: https://www.instagram.com/loquenojunomeapasiona.obra/

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Domingo - 20:30 hs - Hasta el 29/11/2026

AHORA CAROLA

2026-11-01T05:00:52.487-08:00

En Ahora Carola, Amarella construye un personaje atravesado por la urgencia. Carola hace listas, organiza tareas, responde demandas, trabaja y se anticipa a cada imprevisto. Su vida parece sometida a una carrera permanente por cumplir con todo, hasta que ese ritmo comienza a desajustarse y deja al descubierto el agotamiento de quien intenta controlar cada minuto.

Con dramaturgia de Amarella y Guido Zappacosta, y dirección de Noralih Gago, la obra propone una comedia sobre las exigencias de la vida contemporánea y la dificultad de habitar el presente. A través de un unipersonal de 60 minutos, Amarella asume el desafío de dar cuerpo a esa aceleración cotidiana, transformando las pequeñas obsesiones, las contradicciones y las tensiones de Carola en materia escénica.

La puesta cuenta con una escenografía de Rodrigo González Garillo, vestuario de Shirley Bentancor y diseño de luces de Gustavo Lista, elementos que acompañan la construcción de un universo donde la organización y el desorden conviven. La edición de video de Fernando Sánchez suma otro recurso a esta propuesta que articula distintos lenguajes escénicos.

El humor funciona como vía de acceso a una problemática reconocible: la presión por estar disponibles, producir y responder a todo, aun cuando esa exigencia nos aleja de nosotros mismos. La comicidad no oculta el malestar, sino que lo vuelve visible y permite reconocer en Carola algo de nuestra propia experiencia.

Ahora Carola plantea una paradoja tan sencilla como inquietante: mientras su protagonista corre para llegar a tiempo, la vida ya está sucediendo. Una invitación a detenerse y preguntarnos cuánto de ese tiempo que intentamos administrar estamos realmente viviendo.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:: Amarella, Guido Zappacosta
Actúan:: Amarella
Vestuario:: Shirley Bentancor
Escenografía:: Rodrigo González Garillo
Peinados:: Amancay Molina
Diseño de maquillaje:: Amancay Molina
Diseño de luces:: Gustavo Lista
Edición de video:: Fernando Sánchez
Fotografía:: Cleo Bouza
Diseño gráfico:: Lima La Imagen De Lxs Artistas
Asistencia de dirección:: Agostina Viglietta
Prensa:: Natalia Bocca
Producción:: Dos Lunas Productora
Colaboración artística:: Pablo Fusco, Mayra Homar, Julian Lucero, Carolina Molini, María Agustina Ruiz Barrea
Jefe técnico:: Agustín Rijana
Dirección:: Noralih Gago

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

NÜN TEATRO BAR
Juan Ramirez de Velasco 419 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: 4854-2107
Web: http://www.nunteatrobar.com.ar
Sábado - 20:30 hs - Del 07/11/2026 al 28/11/2026

ESPEJISMOS DEL TIEMPO

2026-10-31T19:08:18.030-07:00

En Mirages du temps – Espejismos del Tiempo, Fernando Ferrer propone una experiencia escénica donde la danza y el teatro se funden para construir un relato que prescinde de las palabras y encuentra en el cuerpo su principal lenguaje. Dos intérpretes, una persona que debe partir y un ser extraño, se encuentran en un territorio incierto, donde las identidades se confunden y los límites entre realidad, recuerdo y espejismo se vuelven difusos.

La obra se despliega como una reflexión sobre el tiempo, la pérdida y la finitud. Un friso cronológico, semejante a un pergamino, funciona como soporte simbólico de una historia que se escribe y se borra mientras sucede. El pasado no aparece como algo definitivamente concluido, sino como una presencia que persiste y condiciona la posibilidad de imaginar el futuro.

María Eugenia Carnevali y Willem Meul construyen, a través del movimiento, un vínculo de aproximaciones y distancias. Sus cuerpos alternan peso y liviandad, tensión y delicadeza, en una coreografía que parece responder a una lógica propia: trayectorias que se cruzan, se separan y vuelven a encontrarse, como cuerpos celestes en una órbita imprevisible. La expresión física transmite aquello que las palabras no alcanzan a nombrar: la soledad, el desconcierto y también la ternura que puede abrirse paso en medio de la dureza.

Con dramaturgia, coreografía, diseño de iluminación y dirección de Fernando Ferrer, la propuesta apuesta a una poética visual y corporal en la que cada gesto adquiere valor narrativo. Su mayor fortaleza reside en esa capacidad de sugerir más que explicar, aunque su lenguaje simbólico exige del espectador una disposición a dejarse llevar por las imágenes y los climas antes que por una historia lineal.

En sus 55 minutos, Mirages du temps invita a contemplar el tiempo como una materia viva, hecha de huellas, encuentros y despedidas. Una pieza sensible que encuentra en el cuerpo un archivo de lo vivido y en el movimiento una forma de interrogar aquello que todavía nos acompaña.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:: Fernando Ferrer
Danza:: María Eugenia Carnevali, Willem Meul
Diseño De Iluminación:: Fernando Ferrer
Producción:: Compañía Estro
Coreografía:: María Eugenia Carnevali, Willem Meul
Co-producción:: Compañía Projet 26
Dirección:: Fernando Ferrer

Duración: 55 minutos
Clasificaciones: Danza, Danza - Teatro, Teatro, Presencial, Adultos

ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Web: https://www.instagram.com/espacio_callejon/
Entrada: $ 32.000,00 - Viernes - 20:00 hs - 30/10/2026
Entrada: $ 32.000,00 - Sábado - 17:30 hs - 31/10/2026

VENADO TUERTO, GALPÓN DEL ARTE

Miércoles 4 de noviembre, 21.30 h: ESPEJISMOS DEL TIEMPO

Jueves 5 de noviembre, de 14 a 16 h: Curso: creación escénica, cuerpo y dramaturgia

Chacabuco 1071, Venado Tuerto, Santa Fe

EL MOVIMIENTO. EL PASADO NO SE DETIENE

2026-10-30T11:16:25.826-07:00

En El movimiento. El pasado no se detiene, Javier Daulte vuelve a explorar los pliegues de la memoria y las formas en que el pasado irrumpe en el presente. La acción comienza en una agencia de publicidad que prepara una campaña sin conocer todavía el producto que debe vender. La llegada de una clienta, portadora de una historia vinculada con la guerra de Malvinas, altera esa aparente normalidad y abre una dimensión inesperada.

Daulte construye una dramaturgia en la que los tiempos se superponen y la realidad cotidiana comienza a adquirir otros sentidos. El ámbito publicitario, con sus mecanismos de persuasión y su necesidad de producir mensajes, se convierte en un espacio propicio para interrogar qué sucede cuando una experiencia histórica intenta encontrar palabras para ser transmitida. Malvinas aparece así no como un episodio clausurado, sino como una herida cuya resonancia continúa actuando sobre el presente.

El título propone una clave de lectura: aquello que parece haber quedado atrás no permanece inmóvil. Hay historias que siguen desplazándose, transformándose y reclamando ser escuchadas. En ese territorio, el teatro funciona como un espacio capaz de alterar la percepción del tiempo y de poner en contacto lo íntimo con la memoria colectiva.

Con un elenco numeroso, la puesta articula las actuaciones con el diseño de movimiento de Vero Pecollo, el espacio escenográfico de Alicia Leloutre y José Escobar, la iluminación de Matías Sendón y el diseño sonoro de Lolo Micucci. La propuesta exige un trabajo de conjunto en el que los cuerpos, los desplazamientos y los cambios de clima acompañan el tránsito entre lo cotidiano y lo extraordinario.

Tercer espectáculo de la Compañía Callejón, El movimiento. El pasado no se detiene plantea una pregunta que excede el relato de sus personajes: ¿qué permanece cuando creemos que una historia terminó? Daulte vuelve a confiar en el teatro como lugar de encuentro con aquello que todavía no ha podido decirse del todo. Porque el pasado no es una imagen detenida: sigue moviéndose, y sus consecuencias continúan formando parte de nuestro presente.

Elenco (por orden alfabético)

Ani / Mimí Vale Camino
Braian / Sergio Bermúdez Ramiro Delgado
Érika / Vero / María Müller Julia Gárriz
Mario / Roly Jorge Gentile
Cin / Claudia joven Luciana Grasso
Claudia Silvina Katz
Bellu / Gabriela Paula Manzone
Yuls / Sargento / Sergio Jr. Agustín Meneses
Pol / Ochoa / Otto Müller William Prociuk
Sánchez / Chichita / Ingrid Müller María Villar

Diseño de movimiento Vero Pecollo
Colaboración artística Zoilo Garcés
Diseño sonoro Lolo Micucci
Diseño de iluminación Matías Sendón
Diseño de vestuario Ana Markarian
Asistencia de vestuario Jor Pineda
Diseño de escenografía Alicia Leloutre / José Escobar

Dirección general Javier Daulte

Producción TNC Anabella Zarbo Colombo
Asistencia de dirección TNC Alejandro Pellegrino

Teatro Nacional Cervantes

Libertad 815

fsdaf

ESPERANDO A GODOT

2026-10-29T07:30:27.689-07:00

Hay obras que atraviesan el tiempo sin perder su capacidad de interpelarnos. Esperando a Godot, de Samuel Beckett, es una de ellas. Bajo la dirección de la española Helena Pimenta, el clásico del teatro del absurdo regresa a Buenos Aires con una pregunta que permanece abierta: ¿qué hacemos mientras esperamos aquello que nunca termina de llegar?

Vladimir y Estragón aguardan a Godot en un lugar indeterminado. Entre conversaciones triviales, discusiones, juegos, silencios y reiteraciones, ambos intentan darle sentido a una existencia suspendida. La espera se convierte en una forma de vida, un mecanismo que permite sobrellevar la incertidumbre y postergar el encuentro con un mundo que parece no ofrecer respuestas definitivas. En ese universo, el humor convive con la angustia y lo absurdo deja al descubierto la fragilidad de los vínculos humanos.

La dirección de Pimenta recupera la potencia de una dramaturgia que se construye tanto a través de las palabras como de los cuerpos, los gestos y los tiempos muertos. La repetición, lejos de ser un recurso meramente formal, expresa el encierro de los personajes en una rutina de la que no logran escapar. El desafío de una puesta de este clásico consiste en evitar que esa circularidad se vuelva mecánica y sostener, en cambio, la tensión entre el desconcierto, la comicidad y el desamparo.

Con Daniel Aráoz, Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro y Pablo Seijo, el elenco se enfrenta a personajes atrapados en una existencia donde cada gesto de esperanza parece convivir con la posibilidad de una nueva decepción. La interpretación exige encontrar el equilibrio entre el registro cómico y la dimensión trágica de una humanidad que continúa esperando, aun cuando ignora qué espera exactamente.

Estrenada originalmente en la década de 1950, la obra conserva una inquietante actualidad. La incertidumbre, la necesidad de creer en una promesa y el temor al vacío no pertenecen a una época determinada. En ese sentido, Beckett no ofrece respuestas tranquilizadoras: expone la espera como una condición humana y deja que el espectador complete el sentido de aquello que permanece inexplicado.

Esta nueva versión de Esperando a Godot invita a volver sobre una pregunta esencial: si la llegada de Godot nunca se concreta, ¿es la esperanza lo que nos mantiene en pie o aquello que nos condena a permanecer inmóviles?

La puesta se presenta en el Teatro Presidente Alvear, avenida Corrientes 1659, de miércoles a sábados a las 20 y domingos a las 19. La duración es de 120 minutos.

Un elenco de lujo

La producción cuenta con las actuaciones de destacados referentes de la escena local como Daniel Aráoz (Estragón) quien manifestó su entusiasmo por encarar este clásico: “Este teatro es una maravilla y hacer una obra de Beckett, que es muy ' fuertona' , porque por momentos es insoportable, pero es una metáfora de la realidad y del mundo”.

Por su parte, Luis Ziembrowski (Vladimir) se mostró desafiado por el proyecto, asumiendo que, cuando se trata del teatro del autor irlandés, “siempre implica iniciar un camino que nunca se sabe cómo va a terminar”.

Osvaldo Santoro (Pozzo) y Pablo Seijo (Lucky) completan el elenco de este clásico contemporáneo que finalmente pudo concretarse tras un largo proceso de planificación y coordinación institucional.

El equipo de este montaje está integrado por José Tomé (dirección de arte), Julieta Abriola (colaboración artística), Vanesa Abramovich (escenografía y vestuario), David Seldes (iluminación), Juan Pablo Galimberti (video), Nahuel Martínez y Miguel Álvarez (sonido) y Damián Malvacio (asesor de movimiento).

Y..... SE NOS FUE REDEPENTE

2026-10-25T15:33:28.755-07:00

Un velorio de barrio, una viuda desconsolada y un desfile de vecinas dispuestas a dar el pésame —y, de paso, a revelar secretos ajenos— son el punto de partida de Si yo les contara… Porque hay cada una más de cuatro!!!, un unipersonal que recupera algunas de las criaturas más emblemáticas creadas por Niní Marshall. En torno a la muerte de Don Pascual, el zapatero del barrio, aparecen Catita, Doña Pola, Mónica Bedoya, la Niña Jovita, Doña Caterina y Cándida, personajes que hicieron de la observación de las costumbres populares una forma de humor y crítica social.

Con texto de Marshall, el espectáculo se inscribe en la tradición del café concert y del humor negro, donde el duelo funciona como excusa para que afloren las hipocresías, los prejuicios y las pequeñas miserias de la vida cotidiana. Detrás de las frases hechas y los gestos de condolencia, cada personaje deja entrever una mirada mordaz sobre la sociedad, sus convenciones y esa irresistible inclinación a hablar de los demás.

Edgardo Rosini asume el desafío de encarnar a estas figuras femeninas de rasgos y voces reconocibles, en un trabajo que exige precisión vocal, expresividad corporal y capacidad para diferenciar caracteres sin perder el ritmo cómico. El vestuario, el maquillaje y los peinados resultan fundamentales para construir la identidad de cada criatura, mientras la voz en off de la propia Niní Marshall establece un vínculo con el legado de la artista.

La propuesta encuentra su principal atractivo en la vigencia de unos personajes que, aun surgidos de otra época, siguen permitiendo reconocer comportamientos y prejuicios persistentes. El riesgo de recuperar figuras tan arraigadas en la memoria popular consiste en quedarse únicamente en la imitación o la nostalgia; su potencia, en cambio, reside en volver a descubrir la mirada crítica que les dio origen.

Si yo les contara… invita a reírse de las miserias ajenas, aunque el espejo termine devolviéndonos una imagen bastante familiar. Porque, como sugiere el título, en todo barrio hay historias que merecen ser contadas… aunque después nadie quiera hacerse cargo de lo que dijo.

Ficha técnico artística

Texto:: Niní Marshall
Actúan:: Edgardo Rosini
Voz en Off:: Niní Marshall
Vestuario:: Marcelo Paradiso
Escenografía:: Marcelo Paradiso
Iluminación:: Sandro Mlynkiewicz
Peinados:: Sandra Zambanini
Maquillaje:: Sandra Zambanini
Redes Sociales:: Gonza Rossi
Edición de sonido:: Klaurecords Studios
Video:: Juan Pablo Caldarone
Sonido:: Claudio Favieri
Fotografía:: Juan Pablo Caldarone
Diseño gráfico:: Daniel Jaurechi
Asistencia De Producción:: Gonza Rossi
Asistencia de vestuario:: Sandra Zambanini
Prensa:: Gonza Rossi
Producción general:: Edgardo Rosini
Dirección general:: Claudio Favieri, Edgardo Rosini

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Humor, Teatro, Unipersonales, Presencial, Adultos

PARAJE ARTESÓN
Palestina 919 timbre 2 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 1132881008
Web: https://www.instagram.com/paraje_arteson/
Entrada: $ 28.000,00 / $ 25.000,00 - Domingo - 17:00 hs - Hasta el 29/11/2026

FRANCISCO, EL MUSICAL DEL FIN DEL MUNDO

2026-10-25T07:41:06.825-07:00

La vida de Jorge Mario Bergoglio, desde su infancia en el barrio porteño de Flores hasta su llegada al Vaticano, es el punto de partida de Francisco, el Musical del Fin del Mundo, una propuesta argentina que combina historia, espiritualidad y teatro musical. Con idea original y música de Nicolás Agustín Contrera Crespo, libro y letras de Leo Schmit y dirección general de María Luján Zalazar, el espectáculo recorre la trayectoria de una figura cuya dimensión religiosa se entrelaza con los conflictos sociales y políticos de su tiempo.

Lejos de limitarse a una sucesión de episodios biográficos, la obra se propone indagar en las contradicciones, las dudas y la humanidad de Bergoglio, así como en su compromiso con los sectores más vulnerables y su concepción del diálogo como herramienta de transformación. El desafío de llevar al escenario una figura contemporánea de semejante trascendencia consiste en encontrar un equilibrio entre la evocación histórica, la mirada espiritual y la construcción de un personaje dramático, sin caer en una idealización que simplifique sus complejidades.

La música original constituye uno de los ejes de la propuesta. La presencia de la Seagull Orquesta, integrada por doce músicos, aporta una dimensión sonora que sostiene el desarrollo del relato y amplía las posibilidades expresivas del género. A su vez, el trabajo coral, las coreografías, el vestuario y el diseño lumínico y visual contribuyen a construir un lenguaje escénico que busca conjugar lo íntimo con los grandes acontecimientos históricos.

Con un elenco numeroso y una puesta de ambición colectiva, Francisco, el Musical del Fin del Mundo aborda una historia argentina que alcanzó proyección universal. Su principal desafío es convertir esa trayectoria en una experiencia teatral que, además de emocionar, abra preguntas sobre el poder, la fe, la responsabilidad social y las tensiones entre las convicciones personales y las instituciones.

El espectáculo se presenta los sábados a las 21 en el Teatro Caras y Caretas, ubicado en Sarmiento 2037, Ciudad de Buenos Aires. Tiene una duración de 120 minutos.

Equipo Francisco…

Idea original y composición musical: Nicolás Agustín Contrera Crespo

Libro original y letras: Leo Schmit

Dirección artística general, puesta en escena y conducción integral: María Luján Zalazar

Dirección orquestal: Nicolás Agustín Contrera Crespo

Dirección coral: Joaquín de León

Dirección coreográfica: Juan Damián Benítez

Coreografías: Juan Damián Benítez

Arreglos y dirección coral: Joaquín de León

Arreglos orquestales: Franco Meik - Nicolás Agustín Contrera Crespo

Diseño lumínico y visual: Juan Damián Benítez, María Luján Zalazar y Sebastián Frías

Ingeniería de sonido: Agustín Domínguez

Diseño y realización de vestuario: Gastón Colman

Pelucas y caracterizaciones: Miguel Ángel González – MBSalón

Maquillaje: Lorena Maldonado

Utilería: Leo Schmit

Asistencia y coaching vocal: María Luján Zalazar y Joaquín de León

Asistencia de dirección: Leo Schmit y Juan Damián Benítez

ELENCO

Maximiliano Areitio· Santiago Eloy De Luca · Jimena Leyla Slame · Jerónimo Matías Quinteros · María Barci · Chiara Rodó · Joaquín de León · Diego Rey · Yamila Machuca · Matías Pitetti · Violetta Mattar · Sebastián Herner · Malena Gallesio · Martina Eder · Santino Marsicano · Luli Gayá · Dayra Yaconis · Nicolás Moreno · Gisela Sequeira · Gastón Colman · Gregory Preck.

SEAGULL ORQUESTA

Creada y dirigida por: Nicolás Agustín Contrera Crespo

Músicos: Franco Meik · Micaela Marfil · Carmina Aranda · Agustín Dalto · Daniel Cesano · Darío Asunto · Lorenzo Demartin · Anahí Rocha · Sofía Naccarto · Dolores Gotter Barros · Rocío Bousquet ·Daniela Schuster

PRODUCCIÓN

Producción integral: Seagull Orquesta

Producción ejecutiva: Maximiliano Areitio

Producción comercial: Nicolás Agustín Contrera Crespo, Fabián Salicio y María Rosa Ponce

Comunicación y redes sociales: Diego Galeano

Prensa: Giacani-LauroComunicación

FUNCIONES: sábados a las 21HS

Sala: Caras y Caretas – Sarmiento 2037, CABA

ESPUMAS DE ORIENTE

2026-10-24T14:19:14.285-07:00

Ambientada en la década del sesenta, la obra de Irene Almus recupera el universo del radioteatro, una forma de entretenimiento popular que marcó a varias generaciones y que comenzó a perder protagonismo con la expansión de la televisión. En ese escenario de transformación se encuentran Mecha Dalbón, una actriz consagrada, y Fernán Pelesucci, un joven provinciano que recién comienza su carrera. El vínculo entre ambos permite explorar las tensiones entre la experiencia y la juventud, la fama y el anonimato, mientras los cambios tecnológicos amenazan con modificar las reglas del oficio.

La dramaturgia entrelaza las historias de ficción que los personajes interpretan con sus propias vidas, borrando las fronteras entre lo representado y lo vivido. El radioteatro aparece así no solo como una evocación de época, sino también como un espacio de encuentro, imaginación y construcción de identidades. Detrás de las voces que llegan al público se despliegan deseos, frustraciones y conflictos que revelan la dimensión humana de quienes hacen del arte su profesión.

La dirección de Mariana Giovine acompaña este cruce entre memoria y representación, mientras los tangos cantados en vivo aportan una atmósfera que remite a la sensibilidad cultural de aquellos años. La música se integra al relato como un elemento expresivo que refuerza el clima nostálgico y el vínculo entre el espectáculo y una tradición artística profundamente arraigada en la cultura popular argentina.

Con Santiago Fracarolli, Juan Azar e Irene Almus en escena, la propuesta invita a reflexionar sobre la fragilidad de los mundos artísticos frente a los cambios de época. El paso del radioteatro a la televisión funciona, además, como una metáfora de las transformaciones que atraviesan los intérpretes cuando los lenguajes y los hábitos del público se modifican.

La obra recupera así un capítulo significativo de la historia del espectáculo y plantea una pregunta que trasciende su contexto: ¿qué permanece de un oficio cuando cambia el mundo que le daba sentido?

La pieza se presenta los viernes a las 21 en el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini, ubicado en avenida Corrientes 1543, Ciudad de Buenos Aires.

Autoría: Irene Almus.
Dirección: Mariana Giovine.
Elenco: Santiago Fracarolli, Juan Azar, Irene Almus.
Funciones: Viernes 21 hs.
Sala: Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (Av. Corrientes 1543, C.A.B.A.).
Fabi Maneiro (FM Prensa y Comunicación).

LOS PREMIOS AL TEATRO INDEPENDIENTE ANUNCIAN SU NOMINACIÓN

2026-10-24T07:38:10.253-07:00

La distinción reconocerá la producción teatral independiente de la Ciudad de Buenos Aires y del Conurbano Sur. La ceremonia de entrega de los premios se realizará el 1 de diciembre.

Los Premios al Teatro Independiente anunciaron la presentación de las nominaciones correspondientes a su edición 2026, que este año abarcará dos zonas: la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y el Conurbano Sur del Gran Buenos Aires. La iniciativa, creada en 2025 por Patricia Guillermina Rozas y Paula Lassaque, busca reconocer la diversidad artística, la creatividad y el compromiso de quienes sostienen y enriquecen la escena teatral independiente.

La entrega de las nominaciones tendrá lugar el lunes 16 de noviembre, a las 12, en el Teatro del Pueblo, ubicado en Lavalle 3636, en la Ciudad de Buenos Aires. La ceremonia de premiación, en la que se conocerán los ganadores de las distintas categorías, se realizará el 1 de diciembre.

La selección contempla a actores, actrices, dramaturgos, directores, diseñadores y compañías, con categorías destinadas a reconocer tanto las producciones y las interpretaciones como las diversas disciplinas artísticas y técnicas que intervienen en la creación de un espectáculo. De este modo, los premios buscan dar visibilidad al trabajo colectivo que caracteriza a un circuito esencial para la vida cultural porteña y bonaerense.

Como novedad, esta edición contará con un reconocimiento especial otorgado por la Escuela de Espectadores de Buenos Aires, dirigida por Jorge Dubatti, que distinguirá una obra seleccionada por la institución.

Los Premios al Teatro Independiente cuentan con el aval de la Asociación Argentina de Actores y Actrices, el Teatro del Pueblo, Argentores y el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini, entidades que acompañan una iniciativa orientada a fortalecer el reconocimiento y la circulación de las producciones independientes.

Con dos instancias de encuentro —la presentación de las nominaciones y la posterior ceremonia de premiación—, la edición 2026 se propone celebrar a quienes, desde distintos espacios y oficios, mantienen viva una escena caracterizada por la experimentación, la diversidad de lenguajes y la búsqueda artística.

LA GAVIOTA, ENSAYO ABIERTO

2026-10-23T10:47:51.835-07:00

¿Qué sucede cuando la ficción se quiebra justo antes de comenzar? La gaviota, ensayo abierto, con dramaturgia y dirección de Santiago Cortegoso y Neto Portela, parte de una contingencia teatral —la sustitución de las actrices principales a un día del estreno— para convertir el imprevisto en materia escénica. El ensayo deja de ser una instancia previa a la representación y se transforma en el espectáculo mismo, donde la obra de Antón Chéjov convive con las experiencias personales de quienes la interpretan.

Déborah Vukušić, Eugenia Alonso y Carmela Rivero construyen un encuentro entre tres mujeres que, a partir de los personajes de Nina y Arkádina, reflexionan sobre el oficio actoral, la identidad y las dificultades de sostener una vocación artística. El clásico ruso funciona como punto de partida y espejo: sus tensiones entre generaciones, sus frustraciones y sus deseos encuentran resonancias en las historias de las intérpretes, mientras los límites entre personaje y persona se vuelven deliberadamente permeables.

La propuesta apuesta al juego metateatral y a la exposición del artificio. Lo que habitualmente se oculta —la incertidumbre, los cambios de último momento, la fragilidad del trabajo escénico— se convierte aquí en motor dramático. Sin embargo, el desafío de este dispositivo consiste en que la anécdota del ensayo no se agote en su carácter circunstancial, sino que alcance una dimensión capaz de trascender el episodio que la origina.

La incorporación de actrices locales en cada etapa de la gira refuerza esa búsqueda: el teatro aparece como una práctica viva, atravesada por las voces, las memorias y las particularidades de cada territorio. Así, Chéjov no queda reducido a una referencia canónica, sino que se abre a nuevas lecturas y experiencias.

La gaviota, ensayo abierto propone pensar el teatro como un espacio de transformación, donde la ausencia puede volverse presencia y el accidente, creación. Una experiencia que encuentra su interés en mostrar que, aun cuando la representación parece estar a punto de fracasar, el escenario puede descubrir otras formas de existir.

La obra, de aproximadamente 70 minutos, se presenta del 22 al 25 de octubre, a las 20, en el Teatro Sarmiento.

Elenco

Déborah Vukušić

Eugenia Alonso

Carmela Rivero

EQUIPO ARTÍSTICO TÉCNICO

Dramaturgia y dirección Santiago Cortegoso, Neto Portela

Diseño de espacio escénico e iluminación Centro Dramático Galego

Música original y diseño sonoro Jeff Hesney, Xosé Lois Romero

Diseño de vestuario Sarturna

Diseño de movimiento Rosy Timas

Diseño técnico, asistencia de iluminación y audiovisuales Amelia Poyato

Puesta de video Pablo Ramundo

Producción Equipo Colectivo 84, Crémilo

equipo CTBA

Coordinación de producción artística Daniela Cristóbal, Agustina Teseyra

Coordinación de talleres de realización escenográfica Florencia Quercity

Coordinación de talleres de vestuario Sofía Davies, Laura Parody

Coordinación de escenarios Ana Iglesias, Juan Cruz Muños López

MUSEO DE LA SUBVERSIÓN

2026-10-23T09:57:06.217-07:00

En Museo de la Subversión, el documentalista Francisco D’Eufemia recupera una historia tan perturbadora como reveladora: la existencia de museos clandestinos o poco conocidos en los que la última dictadura militar exhibía objetos incautados durante la represión ilegal y construía un relato triunfalista sobre su accionar. A partir de imágenes de archivo registradas en 1985, cuando un grupo de periodistas extranjeros recorre uno de estos espacios, la película expone la puesta en escena con la que el régimen buscaba legitimar la persecución, el exterminio y el disciplinamiento social.

El material recuperado constituye el núcleo de una investigación que va más allá de la rareza histórica. Las visitas guiadas, los objetos exhibidos y el discurso de quienes presentan aquel supuesto triunfo militar permiten observar cómo se fabricaba una narrativa destinada a justificar la violencia estatal y convertir a militantes, disidentes y guerrilleros en enemigos de la nación. El museo aparece así como un dispositivo de propaganda: un espacio donde la represión se transformaba en espectáculo y la apropiación de objetos, en prueba de una victoria que debía ser celebrada.

Con testimonios y documentos que amplían el contexto, D’Eufemia reconstruye las estrategias discursivas de la dictadura y sus intentos de prolongar su influencia más allá del régimen. La proximidad temporal de las imágenes —registradas durante los primeros años de la recuperación democrática— vuelve especialmente inquietante el material: la transición política no había borrado de inmediato las estructuras, los discursos ni las formas de legitimación del poder militar.

La película se apoya en el valor del archivo, que no funciona como una ilustración del pasado, sino como una evidencia capaz de interpelar el presente. Su potencia reside en dejar que esas imágenes expongan, con su propia crudeza, la lógica de un régimen que pretendió convertir la represión ilegal en una gesta patriótica.

Museo de la Subversión aporta una pieza significativa a la memoria colectiva y abre preguntas sobre la persistencia de los discursos autoritarios, las formas de construcción del enemigo y los mecanismos con los que el poder intenta imponer su propia versión de la historia.

El documental, de 70 minutos, se estrena el jueves 5 de noviembre en la Sala Leopoldo Lugones.

Museo de la subversión

70 min. / Documental / Color - B&N / Aspect 1:1.85 / Argentina

Dirección Francisco D´Eufemia (CdC)

Con testimonios de Pablo Llonto • Mariana Sirimarco • Rafael Calviño • Alejo Ponce de León • Yanina Toledo • Julia Risler

Narración Belén Blanco

Producción Ramón Irreal

Producción Ejecutiva Nadia Martínez

Productor Asociado Francisco Villa

Jefatura de Producción Samanta Bianucci

Archivo Laura Mattarollo

Guión Fernando Krapp • Francisco D´Eufemia • Julia Straface

Dirección de Fotografía Joaquín Neira (ADF) • Pablo Bernst

Foquista Lucía Somoza

Color Alejandro Armaleo

Director de Postproducción Anibal Kelvo

Coordinador de Postproducción Nicolás Rodríguez Fuchs (CdC)

Montaje Julia Straface (SAE) • Francisco D´Eufemia

Dirección de Sonido Natalia Toussaint

Música Original Jackson Souvenirs

Mezcla de Sonido Jorge Gutiérrez Jiménez

Sonido Directo Marilina Giménez

Diseño Gráfico Nicolás Rodríguez Fuchs (CdC)

Afiche Cecilia Jacob

Prensa Julieta Bilik

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