Piazza Delle Note

Intervista (italian/english) a DAVE BROCK (HAWKWIND), " Spero noi tutti apprendiamo dagli errori del passato, rendendo il futuro più piacevole."

2012-10-31T08:12:00.002+01:00

Per molti sono i padri dello Space Rock e tra i migliori esponenti del rock psichedelico che hanno portato avanti dal 1969 fino ad oggi, attraverso decine e decine di album. La loro discografia è lunga come la "Recherche" di Proust. Loro sono gli Hawkwind. Sono la band in cui è nato Lemmy dei Motörhead, dove si sono alternati musicisti dall'inventiva di altri mondi e che ha collaborato con lo scrittore di fantascienza Michael Moorcock. Questo pezzo di storia della musica rock è ancora guidato classe '41 Dave Brock, ormai unico elemento rimasto dei fondatori e sempre presente dal 1969 ad oggi. La possibilità di intervistarlo è l'annuncio della pubblicazione di un suo lavoro solista, dal titolo “Looking for Love in the Lost Land of Dreams”, e di “Stellar Variations”, firmata come Hawkwind Light Orchestra, con lo stesso Brock, RichardChadwick e Niall Hone.

(L'intervista è stata pubblicata da Metalhead.it)

(versione italiana) (english version)

ONE OF MY TURNS, A TRIBUTE TO PINK FLOYD, "Compreresti mai un album tributo composto da artisti sconosciuti? Credo proprio di no"

2012-10-07T19:58:00.002+02:00

Non è facile mettere insieme un tributo di qualche artista o band, perché i singoli partecipanti pensano autonomamente al risultato finale e come arrivarci, di conseguenza un tribute è una release mai uniforme e che presenta diverse
idee, personalità e chiavi di lettura. “One of My Turns, a Tribute to Pink Floyd" è stato realizzato con i contributi di diversi artisti e band alternative del panorama italiano. Ideato da Marco "C'est Disco" Gargiulo, il tribute è scaricabile gratuitamente su Bandcamp

Marco spiega la genesi del progetto e la crescita, fino alla sua conclusione, la quale è arrivata attraverso la partecipazione degli artisti indicati di seguito e con le relative canzoni della storica band inglese.

(Ripreso da Metalhead.it)

Ropsten - Echoes, Part 2

Sara Ardizzoni (Pazi Mine) e Giorgio Canali - Pigs (Three Different Ones)

A Violet Pine - Embryo

Mondo Naif - Have a Cigar

Desert Wizards - Childhood's End

DUNE - Astronomy Domine

Ka Mate Ka Ora - If

OfeliaDorme - Bike

Furious George - Grantchester Meadows

Unmade Bed - Crying Song

Senzafissa Dimoira - Remember a Day

Dani Male & the Dead - Jugband Blues

Fabio Zuffanti - Julia Dream

The Child of a Creek - Breathe

NUT - Set the Controls for the Heart of the Sun

Il progetto, si legge, lo hai ideato e curato tu. "Ideato", in che senso?
Significa che l’idea è partita da me e l’ho poi elaborata fino al risultato finale. Mi occupo, da solo, di tutto ciò che ruota attorno all'organizzazione di un tributo, tranne le grafiche, la tracklist (un vero dramma!) e la masterizzazione. È un lavoraccio, ma è pieno di soddisfazioni.

Chi ha scelto le band e dietro questa scelta c'è stato un criterio?
Ho postato un annuncio su Facebook, e con mia sorpresa hanno risposto in molti. L’unico artista che ho cercato personalmente è stato The Child of a Creek. Nessun criterio specifico, solo l’amore per i Pink Floyd.

Perchè il tributo è in download gratuito?
È in streaming e download gratuito perché deve essere alla portata di tutti. Compreresti mai un album tributo composto da artisti sconosciuti? Credo proprio di no. Quindi, il free download è utile per chi si avvicina incuriosito: lo ascolta/scarica e se gli piace può acquistarne una copia, com’è accaduto finora con tutti i tributi prodotti.

Dai tu un giudizio alle mi...CONTINUA A LEGGERE QUI

Vincent Crane, diventare ciò che si è

2011-11-13T19:11:00.014+01:00

Vincent Rodney Cheesman nacque a Reading nel 1943. A tutti è stato noto come Vincent Crane. Il tastierista si formò presso il celebre Trinity College of Music, luogo che ha dato i natali a direttori d'orchestra, compositori, lirici e autori contemporanei come A.R. Rahman. Vincent Crane inizia
la sua ascesa con Arthur Brown esibendosi nell'album "The Crazy World of Arthur Brown", pubblicato nel 1967 e rivelatosi come uno dei capisaldi del rock psichedelico di matrice britannica. La collobarozaione con Brown iniziò l'anno precedente e l'album denota apertamente il tocco di Crane. Il contributo del tastierista è al massimo grado e lo si evince anche dal celebre hit "Fire". Esibirsi con Brown significava anche essere coinvolti in fantasmagorici show che il genio inglese abitualmente realizzava, come quelli presso l'UFO Club di Londra. Nel film "The Comitee" (con colonna sonora dei Pink Floyd) Vincent viene inquadrato di spalle mentre ritma con sapienza la tastiera del suo organo, in quel tipico movimento cadenzato che ha sempre espresso nel suonare.

Quando Drachen Theaker lascio` il gruppo per unirsi ai Rustic Hinge, al suo posto arrivò Carl Palmer. Era il 1969 e durante una tournee americana Crane e Palmer salutarono definitivamente Brown per fondare un nuovo progetto, gli Atomic Rooster. L'instabilità emotiva (problemi depressivi) che segnarono la vita di Vincent Crane, ebbe un ruolo determinante in questo gesto.

La band nasce il 13 giugno del 1969, l'anno del gallo nel calendario cinese e Crane parlò addirittura per una collaborazione con Brian Jones dei Rolling Stones, ma la sua morte pose fine a questa possibilità.

La prima esibizione pubblica della band fu di spalla ai Deep Purple, mentre nel 1969 iniziano le registrazioni per l'omonimo esordio pubblicato l'anno seguente.

"Atomic Rooster" è intriso di melodia, la musica galoppa, scansionata dalla millimetrica e snella precisione di Carl Palmer. Vincent Crane è la cristallina fiumana di note che traccia percorsi graziosi e solidi, con tratti si classici, ma non irreggimentati, ad esempio, in un virtuoso come Keith Emerson. Nick Graham si cimenta con la voce, il flauto e il basso, seguito a ruota dall'eterno John Du Cann. "Atomic Rooster" è melodico, è rock, ha il seme del folk, del progressive e suona come qualcosa di unico per quegli anni.

Il 1970 è anche l'anno della separazione da Carl Palmer, il quale confluì negli Emerson Lake & Palmer, ma è anche la volta di una nuova release: "Death Walks Behind You".

Mentre il primo album è puro e bello come un diamante lavorato, "Death Walks Behind You" è la fusione perfetta di Du Cann, Crane e Paul Hammond alla batteria. E' una gemma grezza che brilla con spaventosa nitidezza. Hammond ha un altro tocco, ma uno stile che non si allontana molto dal suo predecessore. L'album è un lavoro selvaggio, come testimonia "VUG", "Seven Lonely Streets" e "Gershatzer", ma anche progressive docile e disinvolto. La titletrack ne è la prova.

La musica della band progredisce, ma il carattere di Crane è sempre più spigoloso e minato dai suoi instabili umori, che lo porta ad avere conflitti con gli altri musicisti. "Hearing of Atomic Rooster" è del 1971 e racchiude altri capolavori, su tutti "Decision/Indecision". Gli Atomic Rooster si avvalgono della voce di Peter French, ma una volta pubblicato l'album Du Cann e Hammond lasciano a ridosso di un tour con gli Who.

Il 1971 è anche un anno difficile per Crane, a causa dei suoi malesseri psichici. In questo periodo si narra di una sua partecipazione al primo album di Rory Gallagher, anche se non è mai stata ufficialmente provata.

Nel 1972 è la volta di "Made in England" e l'anno successivo di "Nice 'n' Greasy". Il primo vede i primi stravolgimenti nel sound tipico degli Atomic Rooster, del resto la formazione è totalmente cambiata (C.Farlowe alla voce, S.Bolton chitarra, R.Parnell, poi con New Trolls e altre band italiane, alla batteria). Non è un brutto album, ma appare pretenzioso e la spontaneità è blanda. "Nice 'n' Greasy", con alla chitarra J.Mandala (meglio noto come John Goodsall), ha inclinazioni verso il blues, il jazz e il funky, insomma il sound si complica e diventa meno fruibile e, lentamente, poco interessante.

Vincent Crane continua ad eseere vittima di crolli nervosi, ricoveri in ospedale, oltre a distinguersi per atti eccentrici, come nel 1973 quando fuggì con l'incasso delle date italiane. Negli anni gli Atomic Rooster verranno sciolti e riformati con una certa facilità da Crane. Nel 1975, gli Atomics si fermano di nuovo e Crane si esibisce con Peter Green, un chitarrista mai debitamente celebrato e vittima negli anni a seguire di un autoisolamento. Si ricongiunge addirittura con Arthur Brown per l'album "Faster Than the Speed of Light".

Nel 1980 Crane rimette in piedi gli Atomic Rooster, i quali realizzano un album omonimo, essenzialmente distante dalle produzioni del decennio precedente. Dal vivo i Roosters si esibiranno con Ginger Baker. Nel 1983 è la volta di "Headlines", un album stanco e per niente risollevato dalla presenza di David Gilmour dei Pink Floyd.

Era l'ultima volta in cui la band realizza qualcosa. Crane si dedicò al progetto Katmandu con Peter Green, Ray Dorset, Jeff Whittaker e altri. Nel 1985 viene ingaggiato per l'album "Don't Stand Me Down" dei Dexys Midnight Runners e successivo tour. Poi Vincent Crane parlò a lungo con l'ex compagno Du Cann per riformare nuovamente gli Atomic Rooster, in cantiere c'era anche un tour, ma i suoi problemi personali resero difficili le cose e tutto svanì il 14 febbraio del 1989 a causa di una overdose di psicofarmaci.

Link consigliati
Tutto sui vari Roosters, QUI
Jeannie, la moglie di Crane, QUI
Atomic Rooster.com

Crass, non è solo punk! (p.2)

2011-10-04T21:49:00.000+02:00

CRASS, la discografia

*The Feeding of the 5000 (1978) La piccola Small Wonder Rec. di Pete Stennett decide di ricavare dal demo tape dei Crass un’album. Un lavoro pregno di tematiche rivoluzionarie, arrabbiate
e furiose, ma fredde e razionali nell’esposizione, il quale si ritrovò oggetto di una campagna denigratoria da parte dei media. Addirittura alcuni negozi che vendevano l’album vennero perquisiti dalla polizia. Tutta pubblicità gratuita! Il mondo istituzionale li massacrava e la gente comprava i loro dischi. La stampa dell’album non ebbe un parto semplice: gli operai dello stabilimento che dovevano stamparlo ritennero blasfemo il contenuto del brano “Reality Asylum” (indicata poi nell’album come “Asylum”), di conseguenza sostituito dai 2’ di silenzio di “The Sound of Free Speech”. Questo episodio indusse i Crass a creare una propria etichetta.

*Stations of the Crass (1979) L’album che conferma la sovversione anrachica dei Crass. “Stations of the Crass” fu anche l’azione immediata per finanziare una nuova ristampa di “The Feeding of 5000”, con all’interno il tanto discusso “Reality Asylum”. L’album porta il punk su altri livelli, criticandolo e rivedendolo con slogan corrosivi e musica essenziale per un totale di 19 canzoni. Non manca, musicalmente, la parodia stessa del punk, con “Crutch of Society” e “Fun Going On”, oppure di quella pop con “Walls (Fun in the Oven)”.

*Penis Envy (1981) E’ un manifesto femminista, declamato con sole voci femminili, ovvero quelle di Eve Libertine e Joy De Vivre. Spesso accusati di machismo, i Crass decidono per tanto di scrivere testi che affrontano la repressione femminile nella società. La musica riceve più attenzione, è meno aspra e grossolana, prova ne è la latino-caraibica “Berkertex Bribe", la sperimentale “What The Fuck?”, la nenia di “Health Surface”, l’inno “Dry Weather” e il noise di “Where Next Columbus?”. Il brano “Our Wedding” fu allegato ad una rivista adolescenziale, proposta con l’inganno come canzone adatta per il “felice giorno del matrimonio”. L’offerta delle canzone venne fatta sotto il nome di Creative Recording And Sound Services -notato le iniziali delle quattro parole?-. Il brano invece si rivelò essere una sfacciata critica all’istituto del matrimonio e alcuni dirigenti della rivista furono costretti a dimettersi. L’ inganno dei Crass andava oltre la “truffa del rock ‘n roll”!

*Christ the Album (1982) Arriva il momento di un album doppio per questa band che ha sempre tanto da dire e da fare. “Christ the Album” è la bibbia dei Crass, un manifesto di 40 pezzi, divisi tra un disco in studio e un altro, detto "Well Forked - But Not Dead", con pezzi live. Il mondo non va e non regge. Un mondo che infrange gli animi umani, con folli eventi come la guerra delle Falkland. Mostrando il loro dissenso verso l’operato del governo britannico, ricevettero dalla Camera dei Comuni un ammonimento. Ma l’evento eclatante fu un nastro montato ad arte e inviato a tutti gli organi di stampa, il quale simulava una telefonata tra Regan e la Tatcher, dove saltava fuori la responsabilità diretta del Primo Ministro nell’affondamento delle navi General Belgrano e Sheffield. Il Tatchertape, un volta scoperto, rese i Crass famosi, ma ancor più esposti agli attacchi del sitema di potere, non solo inglese. Nonostante ciò li pose in evidenza anche per l’impegno politico-sociale.

*Yes Sir, I Will (1983) L’ultimo album dei Crass si rivolge senza pietà a Margaret Tatcher e al suo governo. L’album è realizzato con un’unica traccia, suddivisa sulle due facciate del vinile; il testo di “Yes Sir, I Will” sorge da “Rocky Eyed”, una poesia di Penny Rimbaud (batteria e voce), ma il titolo è pura ironia e s’ispira ad una conversazione tra il Principe del Galles Carlo e un soldato ustionato reduce dalle Falklands. Il Principe gli dice "Rimettiti presto" e il soldato risponde "Sissignore, lo farò".

Crass, non è solo punk! (p.1)

2011-10-01T22:17:00.000+02:00

I WARN YOU, THE NATURE OF YOUR OPPRESSION IS THE AESTHETIC OF MY ANARCHY

“They said that we were trash, well the name is Crass not Clash”

Parlare dei Crass non è solo raccontare di una
band, ma di un collettivo. Esprimere il concetto di musica che sottende all’arte dei Crass, significa farlo con la consapevolezza e l’assunto per cui la musica è stata per loro una delle varie forme d’espressione usate. Certamente il mezzo con il quale hanno iniziato per veicolare le proprie idee.
Parlare dei Crass significa anche dover parlare di perquisizioni, polizia, critiche dai tabloid e ostruzionismo di ogni sorta (di loro si occupò anche l’MI5 e l’FBI), verso una punk band divenuta da subito una comune e un gruppo di attivisti anarco-pacifista. Il punk fu l’inizio di tutto, ma prima di allora nel 1975 in Inghilterra una crisi economica tremenda portò il National Front ad essere il terzo partito del paese. Resisi conto che il punk era solo un’altra moda che foraggiava abilmente le case discografiche, i Crass smisero di colpo nell’essere una semplice band, decidendo di oltrepassarne il concetto canonico per fare molto di più.
I Crass sono stati protesta prima e sovvertimento ideologico poi. Decisero di essere contro tutto: lo stato, la religione, il patriarcato, il sessismo e tutte le manifestazioni di codeste “istituzioni”. Purificare la società e indirizzarla verso forme di libertà e non di costrizione, sottomissione e autoritarismi di sorta che invece la infestano. Lotta senza retorica, ma con ironia, lucidità, coerenza e azioni, dove tutto converge nei loro album, concerti e pubblicazioni stampa. Crass è stata una faccia dell’anarchia, in versione ideologica e non un’utopica. Non potevano essere utopici viste le numerose “attenzioni” che polizia, stato e media hanno loro riservato per osteggiarli sistematicamente. In particolare i tantissimi concerti, in ogni luogo possibile, mirati a diffondere i propri messaggi e raccogliere fondi per una qualche iniziativa alla quale offrire sostegno.
La stessa idea di anarchia nacque per l’esposizione della “A” cerchiata nelle loro esibizioni, per smentire le accuse di estremismo (di destra e sinistra, a seconda dei casi) piovutegli sul capo dalla stampa. Criticarono la scena punk - celebre il motto: “We’re Crass, not Clash!”- e a loro volta bersagliati decisero di spiegare le proprie idee con la pubblicazione "International Anthem". Produssero da soli i propri album, per imporre un prezzo di copertina più basso rispetto al mercato. Lo fecero per non essere attirati nell’orbita del malaffare case discografiche-giornalisti, un binomio ipocrita e di asservimento reciproco.
Gli album contenevano musica, ma anche immagini in bianco e nero e tanti testi. Copertine apribili, allegati, poster, flyer e tanto materiale d’informazione. Non solo album, dunque.
Avevano una parola, consolidata da profonde opinioni, per tutto e tutti. Parole pronunciate sempre frontalmente, a viso aperto e con qualche sorriso di disprezzo.
Si esibivano con abiti neri e qualche capo paramilitare (nell’aspetto e nel rivoluzionare suoni e parole quasi ti ricordano i Velvet Underground), ma le loro idee andavano oltre l’aspetto.
I Crass vanno ascoltati per capire l’ampiezza delle loro intenzioni.

…continua

Grace Slick, la voce dei sogni

2011-07-08T11:00:00.000+02:00

Il 1980 è il momento per Grace Slick di realizzare il proprio secondo album da solista. Non viene affatto da un periodo di riposo o inattività la cantante dei, ormai defunti, Jefferson Airplane; nel 1978 realizzò “Earth” con i Jefferson Starship nei quali vi ritornerà l’anno dopo per l’album “Modern Times”.

Per “Dreams” la Slick decide di affiancarsi musicisti non coinvolti con i Jefferson Starship e in particolare
è la supervisione di Ron Frangipane la vera mossa azzeccata; infatti il produttore si occuperà di supervisionare ma anche dirigere le orchestrazioni di alcuni brani, e suonare i synth spesso spalmati in alcune delle nove canzoni. In totale però, contando Grace Slick, saranno in 22 a suonare in questo album tra percussionisti, chitarristi, violino, batteria, direttori d’orchestra, sax e altro ancora.

Il risultato finale di “Dreams” è quello di avere evidenziato la voce di Grace Slick. Nei pezzi le note si fondono e ricalcano il ritmo della voce, così la cantante dell’Illinois non è mai costretta a dover seguire la musica, ma avviene il contrario e questo le consente di esprimersi in modo libero e totale, sospingendo agli estremi confini della bellezza la sua voce.

L’apertura è affidata alla titletrack, un brano fatto di voce e orchestra, a seguire è "El Diablo" dove una chtarra acustica spagnoleggiante è affiancata dall’elettrica che sorregge il tema melodico portante. "Face to the Wind" ritrova di nuovo l’acustica che accompagna le variazioni della canzone, la quale è costruita sulle progressioni intrecciate di chitarra elettrica e batteria. La Slick però domina su tutto, per poi cedere spazio al lungo e intenso assolo di chiusura della chitarra. Tracce folk si ritrovano in “Seasons”, mentre "Do It the Hard Way" è tranquillamente indebitata con il soul. La prova migliore di Grace Slick è in “Let It Go”, dove la sua voce è l’assoluta protagonista, mentre strumenti e orchestrazioni restano placidamente sullo sfondo. Nella conclusiva "Garden of Man" l’incipit barocco e fiabesco si evolve in vette drammatiche, sulle quali poi Grace Slick diventa il vento che s’innalza con impeto attraverso quelle cime.

Pink Floyd e quel che ne resta 6

2011-05-15T23:37:00.000+02:00

La notizia era nota già da qualche mese, la conseguente attesa è stata magnificamente ripagata. A Londra il 12 maggio presso l’O2 Arena, in una delle date del Tour di The Wall, messo in piedi da Roger Waters, in “Comfortably Numb” alla fine del verso “Can you show
me where it hurts”, cantato dallo stesso Waters ha visto lo stesso voltarsi verso il muro alle sue spalle e volgersi con lo sguardo e le mani verso l’alto. A quel punto si è affacciato, come ai vecchi tempi, dalla cima del muro David Gilmour. La voce del chitarrista ha esordito con “There is no pain, you are receding...” e il tripudio si è levato all’interno della O2 Arena.

Al di là dell’esibizione di David Gilmour con Roger Waters, come detto già annunciata da tempo e per quella canzone solatnto, l’apice della serata è forse arrivato alla conclusione dello show, quando al momento di tirare le somme di “The Wall”, suonando la conclusiva “Outside the Wall”, Waters ha prima presentato Gilmour e poi per una “strana coincidenza”, come ha ironicamente dichiarato, Nick Mason.

Gli ultimi tre Floyd rimasti erano lì sorridenti, con Waters su di giri e letteralmente commosso, pronto a ricordare lo scomparso Rick Wright, ma anche sinceramente felice di ammettere che anni fa lui aveva un pessimo carattere, e su questo David ha confermato sorridendoci sopra. “Ma ora tutto è cambiato” ha continuato Waters e forse la guerra è finita per sempre.

Dik Mik e l'elettronica dello spazio

2011-04-11T20:10:00.000+02:00

Uno dei motivi per i quali gli Hawkwind sono state tra le band più importanti della psichedelia e dello space rock, è stata la loro attitudine elettronica capace di produrre suoni ai limiti degli effetti naturali e di tipo spaziale, robotico e
cibernetico. Tali suoni non furono solo generati da effetti applicati ai canonici strumenti, ma anche grazie all’ausilio delle tastiere e alle diavolerie elettroniche di Dik Mik.

Dik Mik, nato come Richard Michael Davis nel nel Surrey, Inghilterra, nel 1943. Quando gli Hawkwind non erano ancora tali, ma una semplice jazz-dance band denominata Group X, lui era un addetto al mixer e aiutava, con Nick Turner – altro futuro pilastro- la band negli spostamenti. Dave Brock, il padre degli Hawkwind e amico d’infanzia di Dik, tenne da subito in conto l’abilità al sax di Turner e le tastiere e l’interesse per l’elettronica e l’impiego di questa nella musica manifestate da Dik Mik. Nel mentre la band passa a chiamarsi Hawkwind Zoo, per diventare poi semplicemente Hawkwind. Dik era già presente nel demo, realizzato come Group X, che attirò l’attenzione della Clearwater Productions.

Dik Mik è accreditato sugli album “Hawkwind”, come Dikmik, “In Search of Space”, “Doremi Fasol Latido” e su alcuni singoli, in particolare "Silver Machine" / "Seven By Seven" (3° posto nella chart inglese).

Dik Mik ha creato un sound fatto di echi, feedback, storpiature armoniche, laceranti suoni dall’altrove che erano un tappeto continuo nei pezzi degli Hawkwind, ma soprattutto capace di condizionare e influenzare il sound degli altri musicisti.

Dik Mik è anche il traghettatore nella band di Lemmy Kilmister, diventato famoso poi con i Motorhead. Gli Hawkwind dovevano tenere un concerto al Powis Square di Notting Hill Gate a Londra, ma ironia della sorte quel giorno non diede notizie di se il bassista Dave Anderson e Nik Turner chiese ai presenti chi sapesse suonare il basso. Dik Mik additò l’amico in quel momento presente, il quale gli ricambiò un cortese “bastardo” sottovoce. Lemmy non era un bassista, ma un chitarrista. Turner gli disse “fai del rumore in mi, il pezzo s'intitola 'Shouldn't do That”. In realtà il pezzo col quale attaccarono non fu quello, ma poco importa. Lemmy suonò nella band per quattro anni.

Nel maggio del 1971 gli Hawkwind erano in Scozia e Dik Mik con due roadie e alcune ragazze presero col furgone una curva troppo larga e il furgone impattò contro un auto per poi capovolgersi. Il conducente dell’auto morì e anche gli occupanti del furgone subirono pesanti traumi. Dik è costretto a fermarsi e il suo posto verrà rilevato dal tecnico del suono di allora, Del Dettmar, altro sperimentatore furioso.

Dik ritorna nella band nell’agosto del 1971 e per due anni condividerà sintetizzatori, tastiere, generatori e apparecchi elettronici con Dettmar. I due creeranno quelle folli e epiche tempeste presenti “In Search of Space” e “Doremi Fasol Latido”.

Dik Mik abbandona gli Hawkwind nell’agosto del 1973, e dopo questa data certezze e notizie su di lui non se ne avranno più. Ricompare il 21 ottobre del 2000 a Brixton in occasione del concerto reunion per il trentennale degli Hawkwind, insieme a circa 20 membri del passato e attuali.

E’ stato anche accreditato, ma in maniera improbabile, come bassista e chitarrista per un album degli Exciter del 1986.

Rozz Williams, maledetto per sempre

2011-02-20T20:09:00.000+01:00

Pensate al dark. Pensate a caso ad un personaggio importante di quella scena. Scommettiamo che tra i primi a venirvi in mente non c’è Rozz Williams?Roger Alan Painter, il suo vero nome, era un’icona. Prolifico, discograficamente parlando, shockante, nel suo lato artistico, tormentato, nella vita, ma sempre magnifico e credibile.

Nacque il 6 novembre del 1963 da una osservante famiglia anabattista californiana, eppure non te lo aspetteresti da uno che cantò dal vivo crocifisso, che lanciava brandelli di animali addosso al pubblico e che all’età di 17 anni visse in casa, della sua famiglia, con il più che amico Ron Athey.

Rozz Williams diede la scintilla vitale ai Christian Death. Grazie al proprio estro e alla collaborazione con Rikk Agnew, ex chitarrista della punk band californiana Adolescents, il suono dei Christian Death fiorì sulle ceneri del punk, della new wave e di tutto ciò che poteva essere gotico. Dopo il primo album i Christian Death si sciolsero e la droga s’impossessò di Williams. Fu la proposta della francese L’invitation au Suicide di pubblicare quell’album, “Only Theatre Of Pain”, in Europa a rimettere in moto Williams. Reclutò Valor Kand, David Glass e Gitane Demone ovvero i Pompeii 99, e il bassista Constance Smith, e così i Christian Death, nel 1983, sbarcarono in Europa imponendosi all’attenzione del pubblico. Rozz nel Vecchio Continente subì anche il fascino del Dadaismo, dei poeti francesi e del Surrealismo. Elementi che contribuirono ad arricchirne la sua arte, idee e percezioni. Valor Kand e Rozz Williams ebbero un legame artistico profondo e di qualità, ma non tale da sfociare nella dipartita di Williams dai Christian Death nel 1985. Un evento che da prima portò Williams a non agire legalmente per l’attribuzione del nome, cosa che divenne in seguito necessaria anni dopo.

Non vi furono però solo i Christian Death, prima di loro, durante e dopo Williams diede vita ai Premature Ejaculation, al progetto di istallazioni artistiche denominato Happier Place on Earth, con Chuck Collison, gli Shadow Project, Daucus Karota - nome pensato per andare in Europa nel 1983 con i C’Death-. Progetti che diedero vita ad album, ma anche a lavori pubblicati solo su nastro e ai quali spesso partecipò, anche nei Christian Death, Eva Ortiz divenuta nel 1987 sua moglie, dalla quale si separò in seguito.

La storia dei Christian Death in totale non è possibile esporla in queste pagine ridotte, però è doveroso chiarire che Rozz Williams non ha mai smesso di fare musica, da quando cominciò a circa 16 anni. Con i Christian Death realizzò album, EP, singoli, diversi live e raccolte sia con Valor Kand e dopo la causa legale; inoltre ci sono i lavori griffati Daucus Karota, Heltir, EXP, con Gitane Demone, e quelli solisti. Senza contare le pubblicazioni postume. Nel 1998 insieme a Nico B. realizzò l’esperimento filmico “Pig”, una sorta di filmato assurdo e surrealista intriso di nudità, sesso, torture, sadismo e feticismo.

Rozz Williams venne da sempre circondato dall’eroina, dall’alcol, dai farmaci e imprigionato dalle sue ossessioni e sofferenze. Continuava a concepire progetti, con Eva, con la quale stava riallacciando i rapporti, aveva in cantiere un nuovo album come Shadow Project. Ryan Gaumer coinquilino e uno dei suoi ultimi collaboratori artistici, lo trovò impiccato in casa il 1° aprile del 1988.

Pink Floyd e quel che ne resta 5

2011-02-18T21:13:00.000+01:00

Virgin TV ha annunciato [27 gennaio 2011] che le date del tour The Wall Live di Roger Waters alla O2 Arena di Londra saranno tutte filmate. A quanto pare David Gilmour suonerà in quelle serate, durante il brano "Comfortably Numb".

Il 7 marzo 2011 Ron Geesin pubblicherà, attraverso Tonefloat Records, un nuovo album dal titolo "Roncycle 1: The Journey of a Melody".

L'album conterrà 16 brani e verrà pubblicato in versione CD nel formato in versione mini album sleeve. E' prevista anche una versione limitata di 330 copie su vinile da 180 grammi con incluso il CD.

Di seguito la track list:

01. tuning crystals

02. under the heat

03. agreeable disagreement

04. a) low flight

b) over the edge

05. foggy forest

06. chatter line

07. whether the weather

08. wispy mist

09. cellar fall

10. radio fume

11. presenters’ song

12. disagreeable intrusion

13. a musing

14. gathering strands

15. home, jimmy

16. caught

Abramakabra, magie e dissonanze

2010-09-14T21:37:00.000+02:00

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Immaginate un campo di fiori che prenda fuoco. Le fiamme si levano alte a lambire l'azzurro del cielo. La loro possente violenza incenerisce petali delicati e profumati. Un'apocalisse. Probabilmente un immagine del genere aderisce perfettamente al sound dell'album "The Imaginarium" di Abramakabra.

Steven Abram, creatore del progetto, si avvale della collaborazione di musicisti noise americani e sforna un lavoro ai limiti dello sludge/stoner/doom. Insomma, il discorso dei Sunn o))), Electric
Wizard, della psichedelia alla Hawkwind portato alle estreme conseguenze. <<... dico che chi ascolta Cathedral, Saint Vitus, Hawkwind, Neurosis, Opeth, Mastodon, Baroness, Goblin, Electric Wizard, Sunn o))), Black Sabbath e Kyuss potrebbe trovare in Abramakabra qualcosa di molto interessante e convincente!>>

Pezzi lunghi e acidi, dove la realizzazione ha visto <<Due mesi per registrare il tutto, in uno studio mobile come ormai avviene per la stragrande maggioranza dei dischi. Ci sono registrazione in presa diretta, improvvisazioni (“buona la prima”), samples, e molte sovraincisioni. A volte ci sono sette chitarre e due bassi che girano contemporaneamente!>>.

Riff che si stratificano nel corso di ogni singolo brano dove tutto si ammassa e poi si dilata fino all'esapserazione. Les Paul che marciscono e qualche invenzione col pc: perchè ad essere sinceri <<Davvero con poco si riesce a creare il sound più marcio e devastante che si possa pensare. Uso anche il computer, ovviamente. Mi permette di lavorare comodamente e senza lo stress da studio che personalmente odio. Un mix di studio e home-studio>>.

Steven Abram ha il tempo di rendere ancora più inquietante "Behind My Camel" dei Police, <<è un pezzo a firma di Andy Summers, chitarrista dei Police, ed è un pezzo allucinato già di suo! Io ho cercato di renderlo ancora più cupo e distorto! >>. Probabilmente la concezione più sinistra di un pezzo altrui arriva con "The Shock" dei Libra, ovvero un brano tratto dalla colonna sonora dell'omonimo film di Mario Bava, il quale <<è un film che mi ha colpito molto e la sua musica mi ha raggelato il sangue, da qui l’idea di riproporla come cover>>.

Sovraincisioni che cassano le precedenti. Suoni che si propagano sinistri e catatonici; la perfetta sintesi tra il doom e lo stoner viene creata in un album, appunto "The Imaginarium", dove c'è solo spazio per gli incubi, i malesseri, le paure ma anche la volontà di trasfigurare il reale per portarlo ad una dimensione diversa.

"The Imaginarium" di Abramakabra è soltanto musica dissonante e rumorosa oppure è anche di più. Resta all'ascoltatore pregno delle sue tensioni stabilire se è musica o la trasposizione dell’animo malinconico dell'uomo.

Si ringrazia www.disintegration.it per gli stralci dell’intervista QUI.

Pink Floyd e quello che ne resta 4

2010-08-27T12:53:00.000+02:00

Si ritorna a parlare di Pink Floyd. Ormai nota la toruneè mondiale di Roger Waters che porterà sui palchi di tutto il mondo la rappresentazione di "The Wall". Le date per l'Italia sono l'1/2/4 e 5 aprile, tutte a Milano con le prime tre esaurite e la quarta prossima allo stesso destino. Biglietti a 138€, 115€, 57,50€, ma ormai introvabili su Ticketone si può ripiegare su altri canali, legali, ma con prezzi da furto e questo già dopo poche ore dal termine delle scorte sul canale ufficiale.

Intanto, per bocca di Waters, è probabile che David Gilmour suonerà "Comfortably Numb" in una delle date del Tour. Nel mentre i due hanno suonato insieme l'11 luglio nell'evento Hoping Foundation Benefit Evening a Kiddington nell'Oxfordshire. Una sorpresa per tutti vedere i due, accompagnati da Guy Pratt (basso e chitarra acustica), Harry Waters (tastiere), Andy Newmark (batteria), Chester Kamen (chitarra) e Jonjo Grisdale (tastiere), suonare "To Know Him Is To Love Him" di Phil Spector, "Wish You Were Here", "Comfortably Numb". Alla fine del set un facoltoso, tale Arpad Busson, ha offerto 50'000 dollari per sentire u altro pezzo. I due vecchi Floyd hanno suonato "Another Brick In The Wall pt. 2".

Intanto si parla di Pink Floyd anche per via di Syd Barrett: la EMI è pronta per pubblicare le ristampe degli album di Syd per i primi di ottobre. Nello stesso periodo uscirà anche "An Introduction To Syd Barrett", con David Gilmour produttore esecutivo e con Damon Iddins e Andy Jackson, i quali agli Astoria Studios hanno remixato per la raccolta cinque tracce: "Octopus", "She Took A Long Cool Look", "Dominoes", "Here I Go" e "Matilda Mother".

Nuclear Simphony

2010-02-13T21:04:00.000+01:00

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Questo post è un omaggio ad una delle band migliori che l’Italia Metal abbia mai creato: Nuclear Simphony. Loro non hanno storia perché sono una leggenda.

Inizi

I Nuclear Simphony si formano nel 1982 a Favara (Agrigento) con il nome di Galax. Il creatore della band è Gino “Dictator” Pecoraro, ovvero colui che sarà sempre la mente del gruppo siciliano. La formazione iniziale vede appunto Gino (chitarra e voce), John The Crash (batteria) e Totem (basso).

DEMO

Nel periodo che va dal 1982 al 1986 realizzano quattro demo tape “The First Battle”, “The Blood – Feud of the Dragon”, “The Dragon’s Death” e “Big Final”.

Proprio nel 1986 mutano il nome in Nuclear Simphony e registrano il quinto demo, “One Day We’ll Be All The Same”. Con la title track vengono inclusi nella compilation “Metalmaniac” prodotta da Mimmo Prantera, edita dalla Durium in collaborazione con la rivista H/M; presenti nella compilation anche band come Vanadium, Strana Officina, Skanners, Sabotage e Danger Zone. A marzo dello stesso anno esce un altro demo tape “The Reality… So Near…”, con l’aggiunta del chitarrista Ciro. A settembre è la volta del fortunato demo tape “Choir of the Desperation”. Le attività live sono intense e proficue, infatti risultano i più coinvolgenti alla manifestazione Hurlant Militia 86 a Reggio Calabria. Presenti ad Headcrusher, Tyrant Town, Loadstar, e Shining Blade.

“Choir Of Desperetion” aumenta l’attenzione di pubblico e critica attorno ai Nuclear Simphony e forte di questo, e del brillante lavoro svolto negli ultimi anni, Gino si reca nella natia Germania alla ricerca di un’opportunità discografica. Tale opportunità gli viene negata, ma ne avrà una in Italia grazie alla Metalmaster, etichetta nata dalla milanese Discomagic. Pur con la defezione di Totem, tamponata con Ciro a suonare le parti di basso, i Nuclear Simphony si recano tutti a Berlino presso i Music Lab Studios sotto la guida dell’esperto Harris Jones, famoso per le collaborazioni, tra gli altri, con Sodom, Voivod e Kreator.

E’ il 1989 e finalmente “Lost In Wonderland”, primo album dei Nuclear Simphony, esce per la Discomagic/Metalmaster. Nel 1990 i diritti vengono acquistati dalla tedesca SPV/Steamhammer, la quale ristampa l’LP anche nel formato cassetta e CD aggiungendo la bonus-track “Snoopies”. “Lost In Wonderland” ha una fantastica produzione e fonde stili epocali: il thrash metal, quello Bay Area e di scuola tedesca e, in parte, la NWOBHM.

LA FINE

I Nuclear Simphony si rafforzano con l’ingresso di Sergio, conosciuto nel reparto Neuro dell’Ospedale Militare di Palermo, e intraprendono una serie di concerti tra Italia e Germania, anche di spalla a band più note. Nonostante l’offerta di incidere un nuovo album per la SPV qualcosa di anomalo accade. Il gruppo si sfalda ma Gino resta solo con Sergio e grazie ad altri tre musicisti realizza un nuovo demo tape. Con Bizio alla voce, le sessions generano “Promo Tape 1991” che in realtà non verrà mai pubblicato eppure le copertine furono anche stampate. Il gruppo si sciolse ma nel 1994 Gino ci riprova con alcuni giovani musicisti, realizzerà di nuovo un demo ma anche questo non verrà mai messo in circolazione. E’ la fine.

Nel giugno 2009 la Markuee Records ha ristampato “Lost In Wonderland”

Fonti e Ringraziamenti

Giuseppe Peri (UR) The Krushers

Francesco Gallina "Raven"

Il Myspace dei NUCLEAR SIMPHONY

Syd Barrett Fund

2010-02-06T18:34:00.000+01:00

[Notizia ripresa dal sito della fanzine italiana sui Pink Floyd HEY YOU]

05.02.2010 - SYD BARRETT FUND E IL CITY WAKES

Il Syd Barrett Fund è nato nel 2008 per volere di Rosemary Breen, sorella del fondatore dei Pink Floyd, con l'obiettivo di ricordare la figura carismatica di Syd, scomparso il 7 luglio 2006. L'iniziativa gode dell'appoggio di Escape Artists, un'organizzazione benefica con sede a Cambridge che dal 2000 porta avanti un progetto a favore di senzatetto, persone con problemi mentali, carcerati, e soggetti con problemi sociali; l'obiettivo è quello di aiutare queste persone svantaggiate a rientrare nella società sviluppandone il naturale potenziale e le personali abilità.

Il Syd Barrett Fund è nato inizialmente grazie al ricavato di un'asta benefica con oggetti appartenuti a Syd, e successivamente grazie agli eventi legati al progetto City Wakes.

Quest'anno, il City Wakes farà tappa a Londra.

Il sito ufficiale
Il blog
Twitter
Il sito di Escape Artists

Oranssi Pazuzu, Metal Lisergico

2010-02-06T10:44:00.000+01:00

La promozione delle band al giorno d'oggi è qualcosa di fondamentale.

Senza di questa e senza che venga svolta in modo accurato e capillare la musica di una band o artista che sia rischia di essere registrata solo come un'uscita tra le tante o addirittura rimanere sconosciuta.
Dopo tanti mesi dall'uscita, aprile 2009, si inizia a parlare di "Muukalainen Puhuu" dei finlandesi Oranssi Pazuzu, i quali si dedicano a sonorità simil black metal contaminate da psichedelia e space rock. La ricetta sembra alquanto astrusa e forse improponibile ma ascoltandoli [ecco il MYSPACE] tutto diventa estremamente chiaro.
Il cantato di Jun-His, rigorosamente in finlandese, è uno screaming lacerante circondato da una chitarra che declama accordi cavernosi accompagnati da una chitarra che arpeggià con sonorità acide, stile psichedelia da weast coast. Inserti di synth e tastiere che dipingono
atmosfere psichiche e spaziali, mentre il drumming passa dalle ritmiche smaccatamente black a quelle di accompagnamento nelle fasi mistiche e neurotiche, ma sempre in modo sostenuto e a stenti blando.
Juho Vanhanen, è questo il vero nome di Jun-His, è in realtà un membro della band Kuolleet Intiaanit e lui ha spesso definito gli Oranssi Pazuzu
come una versione black dei primi. Muukalainen Puhuu è fusione, ricerca e introspezione. Lisergico e devastante, a volte ai limiti dell'industrial, è un album apprezzabile per chi ha uno spettro d'ascolto che dai '60 riesce a spingersi anche verso gli estremi confini del metal.
Ecco la lista dei pezzi, con traduzione inglese dei titoli:
1.Korppi 05:31(Raven)
2.Danjon Nolla 03:43(Danjo's Zero)
3.Kangastus 1968 04:00(Mirage 1968)
4.Suuri Pää Taivaasta 06:57(The Great Head from Heaven)
5.Myöhempien Aikojen Pyhien Teatterin Rukoilijasirkka 03:41(The Praying
Mantis of the Theatre of Latter-day Saints)
6.Dub Kuolleen Porton Muistolle 08:12(Dub to the Memory of a Dead Whore) (of Babylon)
7.Muukalainen Puhuu 03:42(Alien Speaks)
8.Kerettiläinen Vuohi 08:49(Heretic Goat)
Totale 44:35
Etichetta: Violent Journey Records
Distribuzione: Masterpiece Productions

Landhaus - “Darker City Lights”

2010-02-05T12:59:00.000+01:00

"Darker City Lights" è il debutto sulla lunga distanza dei Landhaus, un gruppo che fa capo a Matteo Landò, voce e chitarra, che ha realizzato la musica e i testi.

Per dieci pezzi, in quarantacinque minuti, si assiste a musica

evocativa che nasce da suoni puliti che generano un susseguirsi di introspezioni sonore volte a creare melodie semplici e dirette che risultano essere una vera narrazione.

Le coordinate stilistiche sono l'indie-alternative-rock oppure si deve parlare solamente di musica a tratti rock che cerca di non dare unti di riferimento nello stile. In realtà Landò è una specie di "cantautore indie" supportato da due compagni di avventura e due ospiti.

“Darker City Lights” è un lavoro immediatamente fruibile e piacevole.

Burzum: il Conte ritorna nell'oscurità

2009-12-13T09:34:00.000+01:00

Kristian Vikernes, altrimenti detto Count Varg Vikernes, fondatore e membro unico di Burzum ha annunciato per la prossima Primavera il nuovo album. Uscirà l' 8 Marzo 2010 per Byelobog Productions e dopo il titolo provvisorio "Den Hvite Guden", Il Dio Bianco, il nome scelto è "Belus", ovvero il Dio della luce che è
l'equivalente di Apollo, Baldr, Belenus, Belus, Bragi, Byelobog, Jarilo ecc.

In questo mese [DIC.2009] i comunicati di Vikernes sul proprio sito che annunciavano l'uscita del nuovo lavoro di Burzum sono stati due. Leggendoli si ha la totale percezione del nuovo materiale proposto in "Belus": sarà in parte composto da brani già scritti diversi anni or sono e, almeno per quanto scrive Vikernes, lo sile si avvicinerà a "Hvis Lyset Tar Oss" e "Filosofem" con 9 pezi metal e due strumentali, intro e outro. Con "Dauði Baldrs" e l'ultimo lavoro pubblicato nel 1999 "Hliðskjálf" l'uso totale del sintetizzatore suonato con poca maestria volta a creare nordiche e velleitarie ambientazioni portò Il Conte in un angolo della scena black metal, citato ormai più per le sue vicende giudiziarie che per il notevole contributo al genere estremo.

L'iniziale "Il Dio Bianco" sembra sia stato soppiantato per evitare problemi con la censura per via della parola "Bianco", un termine che poteva facilmente essere visto con un'ottica razzista. Del resto Vikernes è notoriamente un esponente di certa cultura "ariana" e politicamente discriminatoria.

Per maggiori informazioni QUI c'è il suo sito

The Fratellis 2005-2009

2009-12-06T17:49:00.000+01:00

Glasgow, Scozia, 4 marzo 2005 i The Fratellis si esibiscono nella loro città natale nel pub O'Henry's Bar. Inizia un fulmineo avvicinamento alla realizzazione del primo album e l'ingresso nelle charts inglesi e non. Jon Fratelli (John Lawler: voce e chitarra) Barry Fratelli (Barry Wallace: basso e chitarra) Mince Fratelli (Gordon McRory: batteria, banjo, chitarra e seconda voce)

formano un trio che suona un onesto e convincente alternative rock dalla forte matrice rock 'n roll. Il nome della band ha una origine, volutamente, ignota o forse nascosta in un famigliare del bassista Barry [cognome della madre? soprannome di suo fratello?].

Danno alle stampe l’ EP “The Fratellis” con la Normadic Music il 3 aprile del 2006 e la co-produzione di Owen Morris e Andy Miller, il primo è il produttore di Oasis e Verve e l’altro ha numerose esperienze come produttore e chitarrista. Il 12 giugno 2006 esce il singolo "Henrietta" e seguiranno una serie di apparizioni in alcuni festival inglesi che garantiscono loro visibilità. Il 28 agosto esce "Chelsea Dagger", singolo che precede l'uscita del primo album e crea l'attesa giusta perché è un pezzo costruito con un motivo orecchiabilissimo e supportato da un video accattivante. "Costello Music" è pronto l'11 settembre 2006 ed esce per la Fallout Rec. e con produzione di Tony Hoffer, proprio come nei due precedenti singoli. L'album riceve da subito i favori di critica e pubblico, per tre settimane resta al secondo posto nella classifica inglese.

Le soddisfazioni giungono anche nel 2007. La band viene premiata il 14 febbraio con il Britt Awards, ma non sarà l’unico riconoscimento. Suonano nei festival più importanti di Gran Bretagna, e partecipano come gruppo di supporto nel tour della reunion dei Police nel Nord America. Inoltre esce il dvd live “Edgy In Brixton”.

Nel 2008 i The Fratellis vincono il 27 gennaio il Best European Border Breaking Act e sfornano il 26 maggio il singolo “Mistress Mabel”, apripista al secondo album in studio per la Islands Rec. Il 9 giugno “Here We Stand” è nei negozi e l’album vende 300'000 copie in una settimana ma nonostante questo non riesce ad entusiasmare critica e pubblico come il precedente album.

I The Fratellis acquisiscono sempre più fama. La band ha quel modo di essere e comporre spontaneo e motivato. L’attrazione verso i tre scozzesi, al di là della loro simpatia e impegno nel sociale, è cementificata da un forte senso melodico e cantautoriale nelle canzoni, innestate su una struttura pop-rock che ha richiami nella tradizione musicale britannica.

Cosa accadrà ai promettenti The Fratellis non è ancora dato sapere.

A principio del 2009 si vociferava di una possibile doppia discografica, ma i The Fratellis si sono soltanto esibiti in giro in particolare con un tour in Giappone e Australia. A giugno si sono fermati e il cantante e chitarrista Jon insieme Lou Hickey forma i Codeine Velvet Club, un progetto parallelo che pubblicherà l’album di debutto il 28 dicembre, preceduto dal singolo “Vanity Kills”.

Royal Trux, la visione del disordine

2009-11-29T14:35:00.000+01:00

I Royal Trux sono una della band - in realtà un duo- più importanti dell'underground statunitense. I dischi dei Royal Trux son passati attraverso la pubblicazione di etichette indipendenti per poi finire alla major e ricadere ancora nel basso profilo underground.L'aspetto più interessante nella vita dei Royal Trux è l'assoluta rintracciabilità delle influenze all'interno del loro tessuto stilistico, ma sotto forma di generi o di strutture dei primordi del rock.
La band si forma nel 1987 per mano di Neil Hagerty, chitarrista che ha avuto i natali nei Pussy Galore di Jon Spencer, e della sua ragazza Jennifer Herrema, organo e voce. Il primo lavoro, 1988 per la Royal Records, prende il nome del duo ed è una manifestazione abile e graziosa di come la canzone possa essere strutturata senza la completa presenza di tutti i canonici stumenti ma basandosi principalmente sulla chitarra, estemporanee percussioni, la voce roca e suoni confusi. Abracciano il rock 'n roll, il rock-blues, il country, psichedelia e ancora altro . C'è tutto: Lou Reed, Hendrix gli Stones e tutta la libertà stilistica possibile, ma anche uno stile autonomo che si intravede e ancora non si esprime pienamente.
Nel 1990 arriva l' album doppio e (tanto) sperimentale "Twin Infinitives". Pubblicato per la Drag City il secondo lavoro di Hagerty-Herrema è una vera e propria decostruzione del rock 'n roll che tenta di ridurre la struttura classica della canzone in un flusso di coscienza sonoro ai limiti della riconoscibilità. Tanta chitarra e suoni di ogni sorta che passano attraverso il noise, il funky e quanto altro si possa dire. Un lo-fi cacofonico e a volte a-melodico. "Twin Infinitives" è, sostanzialmente, l'album che impone i Royal Trux nell'ambito underground eleggendoli allo status di cult-band. Eppure va riconosciuto al doppio lp una difficile assimilazione che forse è proprio la chiave di comprensione di come critica e pubblico lo abbiano amato da subito.
La Drag City nel 1992 distribuisce un altro album che non ha titolo, alcuni lo chiamano "Skulls" per via della copertina ma le discografie lo riportano, al pari del primo, come "Royal Trux". registrato nel Maryland in un periodo in cui l'eroina è ormai un problema ingombrante. "Skulls" è una sorta di omaggio al rock della west coast ma con un timbro fortemente lo-fi.Questa scelta di matrice "seventies" è anche la pietra angolare di "Cats and Dogs". Il 1993 è una sorta di rinascita per Hagerty ed Herrema: innanzitutto sono reduci da una ripulita dall'eroina e, manco a dirlo, ne risente proprio la musica. I Royal Trux si arricchiscono con la batteria di Ian Willers e la chitarra di Mike Kaiser e, ancora con la Drag City, inventano un omaggio ancora più profondo, rispetto al lavoro precedente, al rock e a band che ne hanno segnato la crescita.

E' l'esplosione dei Nirvana più che la loro notorietà underground a farli approdare nel 1995 alla Virgin. "Thank You" è ancora più seventies di quanto avevano fatto fino ad allora; sempre più assonanti agli Stones e sempre più puliti, dolci e mansueti nei suoni anche se in un'ottica genuina e viscerale. "Thank You" si avvale di un nuovo batterista e un percussionista, un bassista e della produzione di David Briggs, storico produttore di Neil Young.

Due anni dopo è la volta di "Sweet Sixteen". Qualcosa non funziona però. La band riceve una certa attenzione e la Herrema fa anche da testimonial a Calvin Klein. "Sweet Sixteen" è un lavoro magnifico che denota una proverbiale e fresca maturità oltre ad un' attitudine lisergica e la stampa si interessa sempre di più a loro eppure la Virgin decide di scaricare i Royal Trux.

Nel 1998 esce "Accelerator", un lavoro dissonante e carico di effetti a volte densi in altri scheletrici e noise sempre e comunque saturi ma con un certa melodia di fondo. Un album intensamente arrabbiato e caotico. Nel 1999 è la volta di "Veterans Of Disorder" in cui i Royal Trux, grazie a vari session-man rimembrano l'idea della frammentazione del testo sonoro, evitando di portarlo alle estreme conseguenze. Le canzoni hanno una identità cassata da un blues di fondo bizzarro e espressivo.
"Pound For Pound" del 2000 è un lavoro in cui Hagerty mette in mostra la sua chitarra connotata da un suono corposo e una tecnica di tutto rispetto ma è soprattutto un album che offre un impressionante stato di forma dei Royal trux.
"Hand Of Glory" è del 2002, anzi fu impostato a San Francisco nel 1989 ma a metà della lavorazione l'eroina mise KO Hagerty ed Herrema e fu completato solo 13 anni più tardi.

The BREEDERS, non solo grunge

2009-11-24T17:00:00.000+01:00

Il grunge durante la sua epopea ha dato vita a diverse band, altre già esistevano e sono state inglobate in questa galassia. Questo processo ha permesso al genere di venire a conoscenza dei suoi progenitori. Melvins, Sonic Youth e Pavement sono un esempio. Anche i Pixies hanno dato molto al grunge e non solo stilisticamente ma generando da una propia costola i The Breeders una band dai contorni disomogenei e indefinibili.

Nel 1989 Kim Deal, bassista e coautrice di molte canzoni dei Pixies decide di dare vita alle Breeders per cercare uno svago alternativo all'impegnativa, e di li a poco claustrofobica per la sua inventiva, militanza nei Pixies. A darle una mano sin dalla prima ora è Tanya Donnelly, dei Throwing Muses, e Josephine Wiggs. Alla batteria Britt Walford -che suonerà sotto lo pseudonimo Shannon Doughton- e la violinista Carrie Bradley. "Pod" è del 1990 ed è un diamante grezzo. Ricco di suoni cristallini e secchi, con la produzione di Steve Albini che non tende a sporcare più del dovuto e rendere imperfetti gli strumenti. Contrariamente alle solite produzioni di Albini "Pod" sembra avere un tono decisamente più fluido. E' un modo diverso di essere alternativi e pop, è un modo diverso di essere sperimentali e cantautoriali. Le Breeders creano un sound eccellente e, soprattutto, fruibile. Basterebbe ascoltare come reinventano "Happines Is A Warm Gun" dei Beatles. Più di tutto è la capacità di costruire ritornelli e melodie che subito catturano l'attenzione, mentre malinconia e decadenza si agitano nel sottofondo della loro musica.
Nel 1990 i Pixies pubblicheranno l'album "Bossanova", un lavoro contraddistinto dalle idee autoritarie di Frank Black è l'inizio della fine della band la quale nonostante il successivo "Trompe Le Monde", 1991, con la Deal sempre più ai margini compositivi e il relativo tour giungerà allo scioglimento, ultimo atto dittatoriale voluto da Black.
A questo punto, dopo l'ep "Safari" e lo scioglimento dei Pixies, The Breeders troveranno la loro ragione di esistenza. Nel 1993 con la Wiggs al basso e la Bradley al violino e voce, arriva nella band alla chitarra Kelley Deal, sorella gemella di Kim, e Jim Macpherson alla batteria, viene pubblicato il secondo album "Last Splash" che sarà il lavro più apprezzato della band. Le caratteristiche sonore sono identificabili in punk-rock, suoni tra l'acido e la psichedelia, o semplicemente ipnotici che vengono portati ad un livello stilistico più intenso e se vogliamo "pulito". Kim ha sempre una voce sexy, avvenente e capace di cantare tematiche femminili con maestria senza urlare di rabbia come, in quegli anni, fanno altre band. "Last Splash" è grazioso e accattivante, ma la sua struttura è rocciosa e poderosa, i suoni densi e distorti. Un disco equilibrato e intelligente.
Nel 2002 arriva "Title Tk", album controverso registrato con Steve Albini e una band formata dall'ex Fear Richard Presley e Mando Lopez (chitarra e basso) e l'ex 22 Jacks Jose Medeles (batteria). Title Tk raccoglie numerose critiche ma anche lodi. E' un album dibattuto che di sicuro non riesce a garantire alla band i consensi di Last Splash. L'ascolto riesce pulito e scorrevole ma, per molti, non presenta una band con una scrittura dei pezzi evoluta o più matura rispetto a quanto fatto fino a quel momento. Kim Deal è se stessa e per alcuni "sempre" se stessa e lontana dal maturare compositivamente. Il suono è sempre poderoso e denso e la capacità di costruire melodie, nate da stili diversi che si conciliano, è da riconoscere alla Deal e soci.
Passeranno sei anni per un nuovo album. "Mountain Battles" viene registrato dalle sorelle Deal con il bassista Mando Lopez e il bassista Jose Medeles, tutto supervisionato dal sacerdote Albini. l'ultimo album è però pervaso da una certa stanchezza e solo innovazioni e trovate come la ballata messicana "Regalame Esta Noche", i suoni fuzz di "Overglazed" e il drum and bass di "Bang On" riescono a portare qualche momento di attenzione nell'ascolto.
Sono ancora attive [Nov. 2009] grazie all'EP "Fate To Fatal", con la stessa formazione di "Mountain Battles", e relativo tour.Download "Fate to Fatal" MP3 [clicca col destro sul link e seleziona "salva destinazione con nome"]

Pink Floyd e quello che ne resta 4

2009-11-09T11:29:00.000+01:00

Sezione aperta nel sito dei Pink Floyd per la pubblicazione del cofanetto "Oh By The Way".

Ash Ra Tempel "Join Inn", 1973

2009-11-09T10:55:00.000+01:00

Join Inn è il quarto album degli Ash Ra Tempel. La band tdesca registra nel dicembre del 1972 per poi vedere la pubblicazione del vinile nell'aprile dell'anno dopo. Join Inn ha una conformazione particolare tale da renderlo una sorta di manifesto di quello che è stata la psichedelia in Europa o di quello che poi è diventata.
Manuel Göttsching chitarra e synth, Harmut Enke al basso e Klaus Schulze batteria e synth e con Rosi Müller alla voce costruiscono due lunghe jam, una per lato, dai connotati ben diversi tra loro.
Nel primo lato con "Freak'n'Roll" si cimentano in una selvaggia improvvisazione, oltre diciannove minuti, di rock acid-psichedelico dalla cadenza in stile west coast, anche se la timbrica e il tocco paiono decisamente più marcati e meno densi rispetto allo stile americano.
La chitarra di Manuel Göttsching lavora bene senza troppi eccessi o inutili smarrimenti e il tutto è reso ancor più concreto dalla capicità di Shulze di seguire sistematicamente l'andamento del pezzo non solo nel ritmo, ma anche nei volumi. Enke diventa un tracciante di livelli melodici e ritmici e il pezzo scorre languido anche con fraseggi sintetici che, a piccole dosi, arricchiscono la jam.
Il secondo lato vede l'altra composizione del disco: "Jenseits" è una sorta di ambient nero, uno space rock poco dinamico dove i suoni si plasmano e formano grazie ad un continuo duellare di synth e con poca chitarra che interviene esclusivamente con arpeggi o piccole note esacerbate da effetti torvi. Il parlato di Rosi Müller è una narrazione adimensionale.
Grande, immenso e lodevole è il lavoro di Enke con il basso che diventa il giusto contappunto al lento marciare dei synth e dell'organo farfisa in questa lunga jam spaziale e messianica che solo nella vecchia Europa poteva prendere forma e non tra le lisergiche e troppo spesso inquinate da un R.'n' B. d'oltranza della wet coast americana.
Join Inn è davvero un manifesto che espone la maturazione di un certo sound che ascoltato e metabolizzato dalle band europee è stato poi ampliato. A questo punto Join Inn non è solo un disco krautrock ma l'espressione di un movimento, non solo teutonico, ma continentale e che presto varcherà ogni confine.

Il sito degli Ash Ra Tempel è interessante, ben fatto ed esauriente. Ad esempio è interessante leggere che ...Founding of ASH RA TEMPEL, Manuel Göttsching (guitar), Harmut Enke (bass) and Klaus Schulze (ex-Tangerine Dream) (drums), after purchasing Pink Floyd's sound equipment in London. !!!!

Harmonia

2009-11-09T10:35:00.000+01:00

Quando le cose sono strane di solito capita sempre qualcosa, invece con gli Harmonia si finisce sempre col parlarne come se fossero il lato colto, raffinato ma allo stesso tempo ombroso e di passaggio nella costellazione del krautrock.
Tutto ebbe inizio nel 1974 con Il disco "Musik Von Harmonia" edificato da Michael Rother - ex Kraftwerk e Neu!- e dal duo Hans-Joachim Rodelius e Dieter Moebius, ovvero i Cluster. Rother è in un periodo difficile della sua carriera e produttività artistica; divisosi da Klaus Dinger -con il quale formava i Neu- si rifugiò tra le lande astrali dei Cluster e in mezzo alla campagna tedesca diedero vita a questo dolmen dalle architetture delicate e tranquille. La struttura compositiva fu molto semplice e libera, grazie a lunghe session dove la chitarra di Rother accompagnava, abbelliva o si limitava a sostenere le espressione sintetiche e tecnoligiche dei Cluster.
Suoni mai freddi ma sempre sentimentali e poetici come in "Hausmusik" e "Dino". In "Watussi", marcia sequenziale e free form, si ha il massimo splendore del trio che comunque riuscirà a ripetersi nella mastodontica "Sonnenschein".
Un complesso monumentale di otto pezzi che innalzano blocchi di granito affusolati verso il cielo dove nemmeno le nuvole riescono ad addensarsi intorno. Musik Von Harmonia è l'estrapolazione di suoni soavi e granitici da strumenti sconosciuti e da idee canoniche. Nello stesso anno a seguito del tour i due Cluster pubblicano l'eterno "Zuckerzeit", mentre Roether torna da Dinger per dare vita all'album Neu!'75 -ultima release dei '70- "Deluxe" è il secondo album del trio. Pubblicato nel 1975 e prodotto da Conny Plank, storico produttore della scena tedesca, con l'aggiunta del batterista dei Guru Guru, Mani Neumeier, rappresenta un passo avanti verso quello scenario architettonico morbido e megalitico.
I suoni risultano molto più puri e l'intreccio tra tecnologia e strumenti "rock" è ulteriormente sviluppato. Si coglie ancora l'idea di scenari pulsanti che marciano nel tempo e nello spazio. A questo punto Harmonia è disarmonia vera. Rarefazione della band che si disperde nel tempo: "Tracks and Traces" è del 1976 ma verrà dato alle stampe solo il 4 novembre 1997. Brian Eno arricchì la formazione dando un grosso contributo ma ricevendone in cambio una influenza stilistica e di idee ben rintracciabili nella sua produzione futura. "Tracks and Traces" è già una dilatazione dello spesso tessuto sonoro degli Harmonia, i morbidi cristalli sospesi nelle note piovono come una neve silenziosa e variopinta. Più dolcezza e malinconia sembrano diffondersi da queste nove composizioni.
Cosa accadde dopo? Gli Harmonia ritornano, Moebius, Rodelius, Eno, Rother, il 27 novembre 2007 a Berlino nel Worldtronics Festival; prima ancora i Cluster con Eno si daranno ancora da fare insieme mentre Rother si divide tra Neu! e lavori solisti. Ascoltare la loro musica è come assistere all'occupazione di spazi con strutture che mattone dopo mattone su note tempestose si adagiano frementi.

Brainbombs

2009-11-09T10:29:00.000+01:00

Sono svedesi, pubblicano il loro primo lavoro nel 1986 su una
demo-compilation. Nel 1988 la Cold Meat Industry pubblica un loro 7" e ne seguiranno altri su diverse etichette, oltre a lavori su compilations.
Finalmente, nel 1992, pubblicano l'album Burning Hell. I Brainbombs pubblicano altri lavori, tra cui segnalo la cover degli Hawkwind "Time You Left (This World Today)", inserita nella tribute compilation "Assassins of
Silence", l'ultimo è datato 2004 ed è un 7", ovvero The Grinder.
Spesso etichettati come no-fi thrash, ma le loro chitarre sature di overdrive a volte arricchite da wah-wah o flanger psicotici dimostrano di avere un andamento selvaggio e lento sorrette da una sezione ritmica ossessiva e dinamica, ricordano sonorità anni 70 e post-grunge. Il loro stile sembra una totale improvvisazione senza schemi prefissati, nonostante ripetano fino all'ossessione le sequenze melodiche e le ritmiche; nn amano i cambi di tempo e, soprattutto, la pulizia dei suoni.
http://anka.dyndns.org/brainbombs/

Zone Six, Psichedelia E Sopravvivenza

2009-11-08T17:50:00.000+01:00

La prima pubblicazione in studio, che prende il nome del gruppo, è del 1998 per la Early Birds, ramo della Pandora´s Box di Berlino. Un lavoro che è la testimonianza di un gruppo di musicisti, provenienti dai Liquid Visions, dedito a lunghe improvvisazione di matrice Hawkwind, primi Pink Floyd , Tangerine Dream e comunque di tutto quello che concerne il genere space-rock. E'questo lo stile immutabile della band: ipnotiche improvvisazioni che sembrano lanciarsi verso pianeti e stelle ignote. Un vero trip acido e sognante.

I Zone Six pubblicheranno nel 2003 Any Noise Is Intended, ma i brani furono incisi nel 2000, e nel 2004 Psychedelic Scripture che presenta la rielaborazione di materiale datato anch' esso 2000. La loro produzione musicale conosce altri lavori che sono testimonianze di concerti: Live at Burg Herzberg open-air 2006, Live Wired 2004 (2cd), Live at Schlachthof in Lahr 2004; Live at Immerhin, Wuerzburg del 2004; Live at Cafe Cairo, Wuerzburg, 14.10.2004; Live at Haus Forellental in Zwiefalten-Gossenzugen ed altri ancora fino ad arrivare a date del 1998.

I tedeschi, e berlinesi, Zone Six iniziano il loro cammino musicale nel 1997 suonando in diversi festival, nella prima incisione in studio presentano una formazione con voce femminile e musicisti impegnati a suonare selvagge e libere improvvisazioni allucinate per 13 brani. In Any Noise Is Intended la formazione si estende inglobando due nuovi elementi ma perdendo la cantante e l'uso del cantato: i pezzi saranno 5 e la loro durata si dilaterà fino a toccare i 20 minuti in Score Track mentre nel successivo Psychedelic Scripture i pezzi incisi saranno tre con la durata per due di loro di 14 minuti e dell'altro di 21.

Sono tutte tracce di come l'attitudine e lo stile sia tipico di un gruppo che si rifà a schemi, musicali, e di vita propia, formazione e materiale inciso molto tempo dopo, a situazioni simili a quelle di band space-rock e psichedeliche dei primi settanta. Lo sono anche per i loro lightshow: luminosi, vorticanti, isterici, colorati, lisergici. Un trip! Ovviamente non c'è da cercare originalità ed il mai sentito, ma l' impressione di ascoltare un sano e onesto stile "spaziale" e psichedelico soddisfa pienamente gli amanti del genere.

http://www.zonesix.de/