En su cumpleaños, Henrik Vanger (Christopher Plummer), director ejecutivo en retiro de las Industrias Vanger, recibe una flor prensada en el correo de un remitente anónimo e inmediatamente llama por teléfono al también retirado inspector de policía Gustavo Morell (Donald Sumpter).

Co-propietario de la revista Milenio, Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es rodeado por los periodistas al salir de un tribunal después de haber perdido una demanda por difamación dirigida contra él por el corrupto empresario Hans-Erik Wennerstrom (UlfFriberg). Con su reputación destruida y sin dinero, Blomkvist regresa a la oficina y le informa a su co-propietariode Erika Berger (Robin Wright), quien también es su amante, con el único fin de presentar su renuncia.

Dirch Frode (Steven Berkoff), el abogado de Henrik Vanger, se reúne con Dragan Armansky (Goran Vijnic) en la sede de Milton Security, después de haber solicitado una revisión de antecedentes de Blomkvist. Armansky ha hecho arreglos para Lisbeth Salander (Rooney Mara), su mejor investigador y hacker, para que venga y personalmente informe el resultado de su investigación sobre el periodista.

En Navidad, Blomkvist recibe una llamada telefónica de Frode para agendar una reunión cara a cara con Henrik Vanger en su finca ubicada en la isla Hedeby en Hedestad. A su llegada, Henrik explica que él está interesado en contratar a Blomkvist para investigar el asesinato de su sobrina Harriet Vanger, quien desapareció de la isla hace más de cuarenta años. Antes de su desaparación, Harriet le regalaba a Henrik una flor presanda el día de su cumpleaños, una tradición que él cree que ha sido continuada por quien cree es el asesino de su sobrina. Convencido de que alguien de la familia fue el autor del crimen de Harriet, Henrik permitirá a Blomkvist llevar a cabo su investigación en una casa de campo en la isla, con el pretexto de escribir un libro de memorias sobre la vida de Henrik. Blomkvist se resiste a aceptar, hasta que Henrik le ofrece pruebas incriminatorias que validar sus demandas judiciales en contra de Wennerstrom.

Lisbeth hace una visita a su tutor legal Holger Palmgren (Bengt C.W. Carlsson) y descubre que ha tenido un ataque cerebral. Determinada legalmente como incompetente durante su infancia, Lisbeth está bajo la tutela del Estado y ahora es asignada su tutela al Nils Bjurman (Yorick VanWageningen), que toma el control total de sus finanzas y la obliga a realizar actos sexuales a cambio del acceso que le permite hacer uso de sus finanzas. Una noche, cuando le pide dinero para alimento, su nuevo tutor le pide a Lisbeth venir a apartamento, donde ata sus manos con esposas a la cama y se procede a violarla sexualmente y sodomizala, sin saber que ella ha grabado en secreto el crimen utilizando una cámara secreta dentro de su mochila.

Después de habitar la casa de campo en la isla, Blomkvist comienza su investigación de Harriet, teniendo especial interés en un cuaderno de Harriet que contiene una lista de cinco nombres y su correspondiente número de cinco dígitos para cada uno de ellos. Hablando con Morell, el detective que fue llamado cuando Harriet desapareció, Blomkvist se entera de que se trata de números de teléfonos locales al azar porque no corresponden a los nombres en la lista. Pero una visita sorpresa de su hija, conduce a resultados inesperados, y descubre que los nombres pertenecen a las víctimas de casos de asesinatos no resueltos y los números se refieren a determinados versículos de la Biblia en el Libro del Levítico que cada uno representa a los diferentes métodos utilizados en cada asesinato.

Cuando su equipo de computo se daña durante un intento de atraco en el que golpeó salvajemente a su posible atacante, Lisbeth va al apartamento de Bjurman para obtener dinero para un reemplazo. Al llegar y él abrir la puerta, lo electrocuta con un aparato antiasaltos. Lisbeth lo tortura y revela que grabó la violación de la noche anterior y se propone liberar los videos a través de Internet si no le permiten controlar sus propias finanzas y solicitar al Estado que su estado de incompetencia legal sea rescindido. Antes de irse, ella escribe en su pecho un tatuaje que dice: ” Soy un cerdo violador”. Al final le advierte que si vuelve a llevar otra mujer a su apartamento, lo matara.

Justo cuando Blomkvist comienza a sospechar que él está tras la pista de un asesino en serie, Henrik cae enfermo y Blomkvist ahora debe responder a Frode y Martin Vanger (Stellan Skarsgaard), el padre y hermano respectivamente de Harriett y actuales consejeros de IndustriasVanger que también resultan vivir en isla . Blomkvist solicita un asistente para su investigación y Frode le recomienda Lisbeth, revelando que él pagó por una verificación de antecedentes de Blomkvist, que exige ver. Después de revisar el archivo, Blomkvist se da cuenta de que Lisbeth hackeo su computadora y presiona a Dragan Armansky para darle la dirección en la que vive para tener una reunión en persona.

Lisbeth es inicialmente sospechosa cuando Blomkvist aparece en su puerta, algo molesta a la vez porque es despertada después de haber estado en la cama con una chica que conoció la noche anterior en un club nocturno. Al final el periodista revela que él necesita su ayuda en la búsqueda de un asesino en serie de las mujeres y que no le interesa que haya hackeado su computadora para obtener información. Ella está de acuerdo en ayudarle y juntos continúan la investigación.

Mientras que él está esperando a Lisbeth para que llegue a la campo, Blomkvist da un paseo por la isla y es atacado con un disparó por una persona desconocida, haciendo que regrese a su cabaña donde es recibido por Lisbeth que se encontraba instalando cámaras de vigilancia. Después de tratar su herida en la cabeza, Lisbeth se desnuda y los dos de ellos tienen relaciones sexuales, a pesar de su negación inicial hacia Blomkvist.

Mientras que Lisbeth se encuentra fuera recopilando información sobre cada uno de los asesinatos, Blomkvist descubre las fotos de un desfile que Harriet asistió el día de su desaparición. En ella ve un rostro de miedo por lo que él deduce que vio algo que la asustó. Es entonces que visita a una mujer que también estuvo presente en el desfile, Blomkvist buscando en las fotografías se da cuenta de que tiene una imagen oscurecida de un misterioso hombre que miraba a Harriet del otro lado de la calle y cree que es el asesino. Una vez que Lisbeth llega a la isla y presenta su información de cada asesinato, Blomkvist pide Frode y Martin que les den acceso a sus archivos corporativos, con la esperanza de encontrar una conexión entre la empresa y las diferentes sitios donde ocurrieron cada asesinato.

Al buscar en los archivos que datan de la década de 1940, Lisbeth descubre que Gottfried Vanger, el fallecido hermano de Enrique, estaba en la misma ciudad que cada una de las mujeres durante el momento en que fueron los asesinados, con la excepción de una víctima que murió dos años después de que Gottfried murió ahogado en el lago que esta frente a su casa en la isla.

De vuelta a la isla, Blomkvist hace una visita a Harald Vanger (Per Myrberg), un ermitaño que es rechazado por el resto de la familia por ser un nazi, y le pide ver algunas fotos que tomó desde los días después de que Harriet desapareció. Una foto en particular le llama la atención, porque la persona en la foto lleva el uniforme de la escuela que el misterioso hombre del desfile. Blomkvist pide a Harald identificar a este hombre y dice que se trata de Martin cuando era sólo un adolescente.

De vuelta en la oficina de archivos de las industrias Vanger, Lisbeth comienza a notar que Martín es visible en el fondo de recortes de prensa cuando Gottfried visitaba cada una de las ciudades por asuntos de negocios. Luego descubre que la víctima final, asesinada dos años después de la muerte de Gottfried, estudió en la misma escuela que Martin, lo que lleva a creer que él tomó el lugar de su padre como asesino.

Sin poderse comunicar con Lisbeth, debido a una mala recepción del teléfono celular, Blomkvist decide entrar sin permiso en la casa de Martin solo para buscar pistas, pero él es capturado y llevado a punta de pistola por Martin a un sótano secreto en el que es golpeado hasta quedar inconsciente y dejando colgado por una cadena al cuello. Martin pone de manifiesto que aquí es donde todos sus asesinatos tienen lugar y que incluso tuvo una chica en cautiverio cuando él, Blomkvist, y Frode tuvieron una reunión en su casa un par de días. Pero cuando Blomkvist sugiere que mató a Harriet, Martin se pone furioso y admite que él también tiene ni idea de lo que sucedió a Harriet. Justo cuando está a punto de matar a Blomkvist, Lisbeth aparece detrás de él y golea a Martin en la cara con un palo de golf, después de haber comprobado por las las cámaras de vigilancia instaladas en la cabaña que Martin estaba en la búsqueda de Blomkvist. Martin huye en su coche y, después de cortar Blomkvist suelto, Lisbeth le da persecución en su motocicleta, provocando que él un accidente en la carretera que hace que se voltee el vehículo y después morir en la explosión resultante.

Con Martin muerto, Blomkvist hace una visita a Anita Vanger (Joely Richardson) en Londres, quien fuera la mejor amiga de Harriet, pero al recibir la noticia, no se ve afectada del todo. Es entonces que Blomkvist decide interrogarla y descubre que ella es en realidad Harriet. Cuando era una adolescente, su padre Gottfried en repetidas ocasiones abuso sexualmente de ella y eventualmente Martín comenzó a hacer lo mismo. Después de luchar con su padre una noche hasta ahogarlo en el lago, Harriet pensó que la pesadilla había terminado, hasta que vio a Martin en el desfile, mirándola fijamente desde el otro lado de la calle después de salir de la escuela. Es entonces que decidido huir. Harriet buscó ayuda de Anita , quien la escondió hasta que el puente de la isla estuviera funcional para transportarla a salvo dentro de la cajuela de un automóvil. Para evitar ser descubierta, Harriet asumió la identidad de soltera de Anita y por completo cuando ella falleció. Harriet ha sido la persona responsable de enviar flores a Henrik, con la intención de que sean una señal de que se encuentra bien.

Después de Harriet regresa a la isla para una emotiva reunión con Henrik, Blomkvist descubre que la evidencia de Henrik contra Wennerstrom es inútil, al haberse prescrito los crímenes y ya no tener vigencia. Pero Lisbeth revela que ella se ha introducido en su ordenador y ofrece Blomkvist las pruebas que necesita y que él utiliza para convencer a Erika Berger para publicar otro artículo exponiendo a Wennerstrom. Cuando Wennerstrom se da a la fuga una vez que las acusaciones y las pruebas se hacen públicos, Lisbeth viaja a Europa en disfraz y los convierte a todos sus fondos en bonos que ella toma para sí, haciéndolo parecer como si él hubiera vaciado sus propias cuentas. Sus socios criminales al no estar contentos por lo sucedido, en cuestión de días, las noticias informan que Wennerstrom ha sido encontrado muerto.

Una vez hecho todo esto por Blomkvist, Lisbeth tiene intención de declarar su amor por él mediante un obsequio de una chaqueta que vió en una vieja fotografía en su ordenador. Pero, cuando llega a su apartamento,Lisbeth lo ve feliz caminando con Erika, haciendo que lance el regalo en un contenedor de basura y luego marcharse en su motocicleta.

Uno pudiera pensar que este tipo de películas ya no tienen nada más que ofrecernos y de repente llega un director que cambia nuestra percepción para bien.

Desde los primeros instantes somos expuestos a un saludable suspenso que permiten mantenernos atentos a lo que sucede en la pantalla, lo sorprendente es que todavía no conocemos a nuestro protagonista y ya nos estamos preocupando por su futuro. Un don que no es muy fácil de adquirir en estos días.

El responsable de hacer que nos interese el filme es Ryan Gosling, quien sin duda ha tenido un excelente año al tener nominaciones de asociaciones de críticos en todas las películas en las que ha participado. Es por eso que es injusto que no haya sido reconocido en los grandes premios de la Academia, aunque no los culpo al tener puro peso completo nominado en la categoría, algo tenía que ceder y ese fue Gosling. Pienso que por tratarse de una historia tan común que ya hemos visto un buen número de ocasiones, no fue suficiente para obtener el reconocimiento que muchos fanáticos hubieran deseado, por eso resulta una grosería la única nominación en mejor edición de sonido como si se tratara de una cinta del montón.

El personaje de Gosling es un témpano de hielo andando que no emana sentimiento alguno con facilidad y sin ningún nombre al que podamos tener como referencia. Su principal fuente de expresión es su rostro que mira fijamente a la carretera como si fuera su único propósito para vivir. No le importa salir volando por los aires como doble en una película o ser el chofer de unos delincuentes que acaban de asaltar un negocio, queda claro que el sólo quiere manejar su automóvil. Es entonces que “Drive” te cuestiona a cada instante quien este personaje, siguiendo sus aventuras con atención hasta conocer quien es realidad.

El director Nicolas Winding Refn se hizo famoso en 2008 por el filme “Bronson”, al mostrarnos la naturaleza del prisionero estrella del sistema carcelario del Reino Unido. Su estilo se basa en escenas que permiten la introspección del personaje al mismo tiempo que magnifica los escenarios en donde se encuentra. No escatima en el uso de la banda sonora para frenar la acción, otorgándonos momentos de aparente paz, seguidos por una explosiva escena que cambia cualquier percepción que pudiéramos tener. Es así como “Drive” continua con ese estilo propio del director, para convertirse en una serie de escenas que en apariencia no brinda muchas emociones, pero que conforme transcurre la cinta se han acumulado a tal grado que explotan en nuestro rostro.

Es injusto decir que todo el peso de la película recae en los hombros de  Ryan Gosling, quien al igual que él, su compañera de elenco Carey Mulligan también se la pasa recolectando reconocimientos por la crítica especializada. Su interpretación de la vulnerable Irene no tendrá demasiado atractivo al representar la típica diosa del amor por la cual un caballero esta dispuesto a luchar, pero lo que la hace tan especial es que a diferencia de “Driver”, ella si expresa sus sentimientos de afecto y tristeza por lo que le ocurre. Su inocente rostro en medio del peligro que la acecha, se vuelve un personaje del cual buscamos lo mejor y por lo tanto con peso para las decisiones que Driver esta dispuesto a tomar.

No puedo olvidar al talentoso trío de actores Albert Brooks, Bryan Cranston y Ron Perlman, que con sus breves apariciones no sólo demandan nuestra atención, si no que permiten darle importancia a la película. Pero quien se lleva mi mayor aprecio es el gran Sr. Brooks con su despiadada interpretación de Bernie Rose, que sin exagerar provoca temor cuando se trata de “negocios”. Es por eso que aún tratándose de las mismas historias de siempre, el gran equipo actoral borra cualquier impresión de que ya hemos visto esto anteriormente, para darnos una cátedra porque son profesionales en su medio.

Si lo suyo son las escenas de acción, entonces “Drive” lograra satisfacer su necesidad de adrenalina con varias secuencias de persecuciones de autos a cientos de kilómetros por hora en las horribles calles de Los Ángeles. Lo mejor es que se deja atrás el uso de los efectos digitales al darnos una experiencia a la antigüita con expertos haciendo uso de sus capacidades.

La cinta tiene una característica parecida a una olla de presión que se contiene hasta comenzar ha explotar con varias secuencias violentas que van aumentando en escala. Solo que es en los últimos veinte minutos cuando llega a su clímax y por lo tanto el resto llega a perder el suspenso que nos mantenía atentos en nuestro asiento. Con escenas de ultraviolencia como herramienta para mantener el impacto es como se sostiene el desenlace que se niega a ser predecible, cuando resulta serlo. El guión de Hossein Amini mantiene un detalle crucial en el anonimato para recuperar esa zozobra pérdida, resultando en un desesperado final feliz.

Con tantas versiones de esta misma historia: de alguien que se topa con la mafia y que no acepta pasivamente su destino. Lo que hace diferente a “Drive ” no es precisamente el guión o sus escenas de acción, si no la forma en que el director Nicolas Winding crea escenas poéticas de la violencia que se desencadenan en la pantalla. Es por eso que vale la pena reconocer su esfuerzo, aunque sean los fanáticos y no un grupo de Hollywood otorgándole una estatuilla dorada.

Calificación: ★★★★☆ 

Trailer Drive El Escape

Por lo que he leído de sus comentarios sobre la nueva versión de “La Chica del Dragón Tatuado”, existe descontento de la obra de David Fincher. Quizás porque fuimos expuestos a la versión sueca y por lo tantos su efecto no es el mismo al volver a presencial el mismo material, resulta menos impactante y por lo tanto inferior.

Lo que no pude evitar cuando miraba la película es notar las diferencias que existen en los filmes, es por eso que he creado un listado para entender dos formas ver la misma historia.

Creo que es necesario advertir que contiene spoilers.

1.-Blomkvist conoce a Salander porque necesita una asistente y no porque “hackea” su computadora. Mientras que en ese aspecto se mantiene fiel a la versión literaria, me ha gustado más el hecho de que  Lisbeth sea reconocida por sus habilidades y no porque sea la recomendada de Dirch Frode para el puesto. La desviación permite darnos a conocer de lo que es capaz la chica, además de recortar algo de tiempo en lo que es la investigación de los números secretos de Harriet Vanger.

2.-¿Dónde está la luz? Mientras que el director Niels Arden Oplev optaba por escenarios naturales de Suecia, con bellos paisajes boscosos dignos de la tundra escandinava. Su colega David Fincher opto por lo contrario, al ofrecernos más oscuridad de la requerida, fue como si quisiera opacar cualquier indicio del país en el que estaba filmando. Un ejemplo fue el intento de asesinato a Blomkvist mientras trotaba en el bosque. ¿Quién hace eso durante la noche? Por supuesto que logra crear una atmósfera de aparente suspenso, solo que se les olvido hacerlo con sus personajes y no con los escenarios.

3.-Alianzas estratégicas. En la nueva versión Henrik Vanger se vuelve socio de la revista Millenium para estar más acorde a las secuelas de los libros. Aquí esto ni es bueno , ni es malo. Es sólo como un relleno para algunas conversaciones y nuevas escenas que no proponen nada.

4.-Más contenido. Creo que no hubo mesura por recortar algunos detalles y en su intento por ser respetuosos al material la visión de Fincher resulta ser más extensa, lo cual no es del todo negativo. Estoy agradecido por conocer las circunstancias en que Lisbeth llega a tener el peor guardián legal de la historia y como lleva a cabo su operación contra los ingresos millonarios de Wennerström en el extranjero al estilo “Misión Imposible”.

5.-Relación de Blomkvist con la víctima. Esos recuerdos de la infancia con Harriet Vanger daban un propósito personal por encontrar al culpable. Muy lejos de la motivación por datos financieros que inculparan a Wennerström en actividades ilícitas. En cada momento en que descrubriamos los terribles asesinatos en serie, se volvia más doloroso el saber que Harriet habría sufrido una terrible muerte en manos de su asesino.

 6.- Conocemos un poco del pasado de Salander. El mayor enigma es porque la chica del tatuaje se ve tan perturbada ante la vida y en cierta forma las escenas extras de Lisbeth visitando a su madre en el hospital nos dan una idea del porque “odia a los hombres”. Una escena tierna, sincera y demostrativa; sin mucho impacto que digamos. Mientras que en la versión sueca se nos vendió la idea de lo que esta mujer es capaz de hacer al incendiar un auto con su padre dentro, lo cual cobra gran importancia al momento en que Martin Vanger tiene tan desafortunado accidente en carretera.

7.-¿Dónde está el peligro? El actor Michael Nyqvist se me hizo más vulnerable cuando es atacado por Martin Vanger, además que su rostro reflejaba cierta sensibilidad al caso que estaba investigando. Es por eso que el sentimiento de peligro era permanente, en cualquier instante un asesino podía salir detrás de su espalda y asesinarlo.

8.- Blomkvist va a la cárcel. Han de haber mejorado las leyes suecas, porque el periodista no pisa la cárcel en la versión de Fincher.  Pudiera uno pensar que nos ahorramos tiempo en la visita a tan distintivo lugar, pero ocurre todo lo contrario cuando el libreto sigue al pie de la letra el libro de Stieg Larsson.

9.- ¿Lo mato? Creo que eso fue lo que menos me gusto de la interpretación de Rooney Mara, la falta de sutileza al momento de expresar sus sentimientos, siempre se encuentra a un instante de explotar en mil pedazos. El colmo fue que le pidió permiso a Blomkvist para matar a Martin, como si lo necesitara.

10.- El gato. ¿Deberás era necesario asesinar a Tjorven? Entiendo que se encuentra en el libro para humanizar a Blomkvist, pero el grito que exclama Daniel Craig es más de molestia al estar manchado el piso con sangre.

La magia si existe y se encuentra en la nueva película del director Martin Scorsese. El artista mejor conocido por sus películas sobre la violencia, nos ha dado una cátedra de como se debe de realizar un filme familiar y en tercera dimensión. Lo interesante es que nunca había realizado una cinta como ésta.

No se dejen engañar por la idea que es un producto dirigido para el público infantil. Esto trasciende cualquier barrera impuesta por la edad para involucrarnos en una aventura que se puede definir como un nuevo clásico del cine. Son quizás los niños quienes no entiendan del todo y puede que encuentren una mayor distracción en los asientos.

El libreto está basado en la novela escrita por Brian Selznick,  que  relata la vida de Hugo (Asa Butterfield), un huérfano que vive  entre los pasadizos secretos de la estación Montparnasse en Paris, arreglando los gigantescos relojes  y tratando se huir constantemente del inspector de la estación (Sacha Baron Cohen). Cuando Hugo no está robando comida para sobrevivir,  se dedica a tomar partes mecánicas del taller de Papa Georges (Ben Kingsley), quien se dedica a reparar juguetes en uno de los tantos negocios de la estación. Un día George lo atrapa y confisca un libro con apuntes que describe a un autómata que el padre de Hugo (Jude Law) estaba intentando reparar.  Es a partir de ese momento que inicia una aventura por recuperar tan preciados apuntes, que lo llevaran a descubrir la fabulosa vida de un artista que hizo historia.

Se habrán dado cuenta que no soy fanático del 3D, se me hace innecesario y sólo un pretexto para cobrar de más el boleto del cine, pero lo que ha hecho Scorsese al utilizar dicha técnica con indudable elegancia, sin duda llega a competir con lo que Avatar intento ofrecernos. Aquí no pretende saturarnos con dicha novedad, sabe cuando utilizarlo y por lo tanto se mezcla de una forma más natural que otros directores han intentado incluir por la fuerza. Tampoco pretende vender más su película por utilizar la extra dimensión, si no que tiene un propósito muy noble al momento de rendir tributo al mismo género al que le debe su fama.

La joven pareja de actores Asa Butterfield y Chloë Grace Moretz son los encargados de llevarnos a través de su búsqueda por conocer los orígenes de un enigmático autómata. A través de su inocencia es como vemos  desenvolverse la película y transformarse a la vez en algo más allá de un simple cuento. Sus interpretaciones son de dos niños curiosos con el adecuado sentido de curiosidad que nos hacen sentir alegres de acompañarlos a la aventura, nada que ver con los típicos fastidiosos que buscan llamar nuestra atención con frases o sonrisas falsas.

En lo que parece un giro de 360 grados para la carrera del actor Sacha Baron Cohen, nos demuestra que es capaz de mantener mesura para lo que de seguro será su personaje más accesible para sus hijos. Tampoco perderán de vista a Frances De La Tour, Helen McCrory y Richard Griffiths, quienes podrán distinguir como actores que participaron en la saga Harry Potter. Creo que a quien no reconocerán con tanto pelo facial es a Christopher Lee, como uno de los comerciantes encargado de una librería. Aún con tales actores de renombre, sus personajes resultan ser pasajeros y el único que forma parte sustancial quiera o no es Cohen.

Durante la primera mitad de la cinta se pueden ver indicios de grandeza con la bella fotografía que nos permite admirar las estación de tren en toda su majestuosa gloria, ya sea en los oscuros pasillos de los impresionantes relojes o el agradable ambiente que se siente en la sala de espera, no puedes dejar de admirar tan buen trabajo. Pero aún no me hacían gritar a los cuatro vientos que es una obra de arte. Debo de advertir que aún cuando no es para aburrirse en esta parte, la trama se toma algo de tiempo en llegar a lo más importante. Después de tantas desviaciones en buscas de pistas, subtramas de los personajes que habitan la estación de tren y ninguna respuesta clara a tanto misterio, nunca me imagine que este se transformaría en una de las mejores películas que haya visto. Lo que ha hecho Scorsese es más que digno de reconocimiento, es una obra de arte.

Es indudable el amor que tiene el director al cine se ve más que reflejado en la pantalla. No sólo logra transmitirnos tan noble sentimiento con efectos visuales que simulan la primera reacción del público a una pantalla de cine, si no que a través de sus personajes llega el ingrato hacernos llorar. Es precioso vivir la nostalgia de toda una época que sólo puede ser conocida a través de los libros y con el sentido visual que maravilló a la gente en su tiempo.

Si estoy siendo escaso en los detalles es porque no quiero arruinarles la sorpresa. Sinceramente ahora entiendo lo que muchos han sentido con “Medianoche en Paris” y que uno por ignorancia no logra valorar, lo sorprendente es que no es necesario el conocimiento de la historia para entender el cariño con el que esta obra fue concebida.

Crean que las nominaciones que ha recibido por parte de la Academia son merecidas, es sin duda una de las mejores del año, si no es que la mejor.

Calificación: ★★★★★ 

Trailer a Invención de Hugo Cabret 

Antes de empezar esta crítica he de dejar en claro dos puntos fundamentales que necesito expresarles. El primero es que me considero seguidor y admirador de la filmografía de Steven Spielberg, al menos de la filmografía que vale la pena, y no de esos productos mal hechos con el simple afán de ganar dinero o complacer un capricho del llamado “Rey Midas” de Hollywood. El segundo punto que quisiera remárcales, el principal de echo, es que Caballo de guerra, es un libro infantil y por ende la adaptación cinematográfica es sumamente parecida, familiar, me refiero, por ello les pido que no esperen una película ni violenta ni mucho menos cruel. Habiendo aclarado eso, empecemos.

Cómo bien sabrán Caballo de guerra esta basada en la novela del mismo nombre escrita por el británico Michael Morpurgo, durante la primera guerra mundial, y publicada en el lejano 1982, y hoy, tres décadas después, al menos en México, recordemos que se estreno en los Estados Unidos a finales del año pasado, el director Steven Spielberg decide llevarla a la gran pantalla, y con ello marcar un retorno, honroso y digno de su talento, al cine. Un talento que le hizo filmar joyas cómo Tiburón, personalmente su mejor película, o La lista de Schindler, por mencionar solo un par. Luego del fracaso que supuso la cuarta película de Indiana Jones, allá en el 2008, Spielberg desapareció por un tiempo, para finalmente regresar con dos títulos bajo la manga, de uno ya hablamos, y ahora nos toca el siguiente.

Caballo de guerra nos cuenta la relación de amistad que sostienen un joven ingles, de familia humilde, llamado Albert Narracott, interpretado por Jeremy Irvine, y un caballo de nombre Joey. Una amistad que se fortalece aun más debido a las dificultades familiares de Albert y también con la inminente llegada de la primera guerra mundial, motivo por el cual, Joey es vendido a la caballería británica y separado de su mejor amigo. Desde ese momento la historia toma dos caminos y puntos de vistas diferentes, además de diversas subtramas que pretenden enriquecer la trama o eje principal de la historia.

Spielberg sabe lo que quiere contar, y eso se nota apenas empieza la película, sin embargo también cae en el error de imprimirle un sello de sentimentalismo que podría rayar en lo inverosímil, pero que afortunadamente nunca lo sobrepasa. Con la excusa de que es una película infantil y enfocada a la familia, a Spielberg nunca se le pasa la mano y procura no enseñar los horrores de la guerra, tal cómo si lo hizo con anterioridad con El imperio del Sol, La lista de Schindler y Rescatando al Soldado Ryan, donde su postura contra la guerra quedo más que clara: la odia. Ahora era el turno de mostrar la visión de éste lamentable acto humano através de los ojos de un animal, un caballo, pero un ser vivo a final de cuentas.

Creo que todos estarán de acuerdo que el alma y motor fundamental para que esta película se mantenga de pie, es el caballo Joey, magnifica criatura que se roba la película cada vez que sale a cuadro. Si bien la relación del animal con los distintos personajes de esta aventura pretende ser interesante, cómo los dos hermanos alemanes o la niña y su abuelo francés, y que deberían reforzar y aportar algo fundamental y emotivo a la trama, acaban por ser intranscendentes ya que Spielberg no les da ni el tiempo ni el peso que requerían, una lastima. Para fortuna de él, de Spielberg me refiero, Joey esta ahí para salvarlo. Es tal la ternura y carisma que trasmite esta criatura, que el público se identificara con él de manera inmediata.

Pero Joey no es el único que sobresale aquí, el equipo técnico, y de cabecera, de Spielberg le da las herramientas para lucirse. Desde una fotografía hermosa de Janusz Kaminski, pasando por la siempre emotiva, y perfecta, música de John Williams, hasta el montaje sumamente bien cuidado de Michael Kahn. Así con todos estos engranes funcionales, Spielberg tenía medio trabajo ya hecho, lo demás recaía en su talento y en sus actores “humanos”, mismos que salen bien librados, pero que no sobresalen en particular, toda la película es de Joey, y de él nadamas. En ese aspecto Spielberg logra su cometido, no tengo nada que reprocharle.

Merecidamente opta por el titulo de película del 2011, pues a pesar de sus errores y quizás de una visión infantil de la guerra (cómo la escena del alambre de púas), logra el objetivo de emocionarnos y hacernos sentir el sufrir de éstos animales, y del hombre también, cuando se habla de guerra. El mensaje es claro y contundente: la guerra destruye todo, pierdes todo lo que amas y jamás vuelves a ser el mismo. Ahora bien, más allá de eso que acabo de decir, la película sobresale también por meritos propios y por el cine que desborda en ciertas secuencias, cómo la primera batalla de ingleses con alemanes, el monologo de las palomas de guerra (simplemente sublime), la batalla de Albert, la muerte de dos amigos(los que la vean sabrán de que hablo), o la impresionante y poderosa cabalgata final de Joey, através de un campo de guerra. Si esta ultima secuencia de la cual les hablo no es cine puro, entonces no se que lo es.

Finalmente para terminar, me he extendido mucho, he de recomendarles ampliamente esta hermosa historia de amistad que gana en emoción pero que quizás sufra en profundidad. Al final del día son más los aciertos que los errores y es por ello que bien vale la pena visualizarla en una sala de cine al lado de toda tu familia, tus amigos o tu novia(o). Es junto con Hugo de Scorsese, lo mejor en cartelera, y de lo mejor que nos ha llegado en muchos años. Ojala y el cine siempre fuese así, que salieses de la función con una sonrisa en los labios, o en éste caso, prepárense, con lágrimas en los ojos.

Calificación: ★★★★☆ 

Con los premios Oscar a la vuelta de la esquina, el 26 de Febrero es la cita, los últimos galardones de cara a los prestigiosos cabezones de oro eran los Screen Actors Guild Awards, que es algo así cómo los premios que el gremio de actores en Hollywood otorgan a lo que a su consideración fueron las mejores interpretaciones actorales del 2011 en cine y televisión. En resumidas cuentas, son premios entre amigos. Pero que a final de cuentas nos van dando más o menos una idea clara de lo que podría pasar próximamente en los premios Oscar y de los posibles ganadores.

Cómo es bien sabido, The Artist de Michale Hazanavicius es la clara favorita a ser elegida la película del 2011, pero al menos tendrá unos serios competidores en esa, hoy, corta carrera. Por lo menos esta noche se llevó el premio a Mejor actor para Jean Dujardin,  por encima de George Clooney, mientras que The Help, la cual va cobrando mayor fuerza, se llevó tres premios, el de mejor actriz para Viola Davis, mejor actriz de reparto para Octavia Spencer y el premio gordo de la noche, mejor elenco en una película.

Mientras tanto Christopher Plummer se alzo con el premio a mejor actor de reparto por su papel de homosexual en Beginners, y al parecer no habrá quien le arrebate su Oscar, a no ser que haya sorpresas. Esto fue todo en lo concerniente a cine, si quieren consultar el apartado de televisión les invito a que ingresen a la pagina oficial de los premios. Acá abajo les dejó el link.

http://www.sagawards.org/awards/nominees-and-recipients/18th-annual-screen-actors-guild-awards

Luego de la tibia recepción tanto en crítica cómo en taquilla que tuvo Scorsese con su anterior trabajo, me refiero a La isla siniestra, una maravilla en mi opinión, el oriundo de Queens, Nueva York se dedico de lleno a un nuevo trabajo, esta vez más personal y conmovedor, y lo más interesante es que sería filmado completamente en 3D, una técnica que usada correctamente te puede brindar excelentes resultados. La historia en cuestión que Scorsese llevaría a la gran pantalla era la adaptación de la novela La invención de Hugo Cabret, escrito por Brian Selznick, y que narra a grandes rasgos la relación de un niño de doce años, huérfano, con el dueño de una juguetería. En esencia y  apariencia, esa es la trama, pero obvio, que hay mucho más de por medio. Una historia emocionante, romántica y hermosa acerca del cine y lo que significa para cada persona ese increíble arte.

No les quiero contar la trama de la película, que en esencia es la del libro, debido a que perdería el factor sorpresa y la magia que nos brinda esta increíble historia. De hecho, hasta cierto punto es muy curioso que durante los primeros treinta minutos de la película no sabemos absolutamente nada, ni de que va la historia. Pero cuando se descubre la portentosa, y romántica, historia principal, el clímax, la película va en crescendo hasta dar lugar a una de las escenas más conmovedoras y hermosamente filmadas en muchos años, esto respaldado por el 3D, que aquí es fundamental y que posee una fuerza dramática que sin él, no sería posible.

Olvídense del trailer y las imágenes que han podido ver de la película, ya que ni por asomo le hacen justicia a lo que presenciaran en sus butacas durante poco más de dos horas. Una historia que el propio Scorsese ilumina con su dirección tan personal pero a la vez tan perfecta, demostrando una vez más que es una de los directores más talentosos de su generación y de la historia del cine. Además se consagra cómo un director de actores en plena forma y carácter, al saber manejar a la perfección a los protagonistas de éste relato, que son dos niños, ambos esplendidos en sus roles. Tanto Asa Butterfield, dando vida a Hugo, cómo la estrella juvenil Chloë Moretz, en la piel de Isabelle, abordan con carisma y personalidad sus papeles, esto también, apadrinado por la dirección de Scorsese y por el respaldo actoral de un monstruo cómo lo es Ben Kingsley, el cual da vida a un personaje memorable e icónico de la filmografía mundial, el cual no les diré. Lo siento.

Sacha Baron Cohen, mejor conocido cómo el irreverente Borat, brinda también aquí, sorpresivamente, una actuación muy divertida y sincera, en el papel de un inspector de seguridad, responsable del cuidado de la estación de trenes, donde Hugo vive. Y hablando de la estación principal, donde se desarrolla toda, o la mayor parte, de la historia, no queda más que aplaudir la labor titánica del equipo de arte, para poder recrear la estación, sino también sus alrededores, así cómo el Paris de los años 30`s. Una delicia el solo contemplar la torre Eiffel con esa nieve tan blanca cayendo ante nuestros ojos.

En el apartado técnico todo es sobresaliente, desde la fotografía tan espectacular de Robert Richardson, uno de los mejores operados de la actualidad, hasta la música, sublime, por parte de Howard Shore. El diseño sonoro, los efectos visuales, el vestuario, el diseño de arte, todo, todo aquí tiene una mezcla y engranaje perfecto cual reloj funcional. Todas las piezas funcionan aquí, haciendo de esta maquina, un maravilloso trabajo. Quizás el único punto débil, cómo vagamente lo comente párrafos arriba, sean sus primeros minutos, ya que no nos dan a conocer con claridad de que trata esta historia. Pero fuera de eso, todo marcha a la perfección y seremos testigos de un homenaje al cine cómo el que no se ha visto en años.

Cómo consejo, en caso de que los agarren desprevenidos, les diré que la historia que narran aquí es meramente de ficción, me refiero a la trama de la película, pero en lo que respecta al eje principal y fundamental de la historia, es completamente real. Todo lo referente al personaje de Kingsley y en lo que respecta al cine, es cierto, pueden buscarlo en cualquier parte. Otro motivo por el cual se le debe aplaudir a Scorsese es también el atrevimiento y visión que tuvo al hacer esta película, más en éstos tiempos de era digital y con el cine de antaño algo olvidado. Más que merecida su nominación a mejor película del 2011, pues se lo gana con creces.

Aun no he tenido la oportunidad de ver el nuevo trabajo de Fincher, La chica del Dragón tatuado, ni el drama bélico de Spielberg, Caballo de guerra, ambas en cartelera, pero por el momento, y de lo que he visto, Hugo es la mejor opción en cartelera y una de las películas más bellas y conmovedoras en muchos años, sin duda alguna de las mejores películas del año pasado y de éste comienzo de año. Más que recomendable para ver en familia y con tus amigos, y en 3D. No se decepcionaran ni mucho menos, si son tan románticos del cine, cómo yo, esta película les encantara y maravillara. Al llegar los créditos finales no quedara más que aplaudir ante lo que acabas de ver. No es broma, en la sala donde me toco verla, los aplausos no se hicieron esperar. Bien Scorsese, muy bien.

Calificación: ★★★★½ 

Se dice que es la primera gran película del año. ¿Será?

Eso de que te estén persiguiendo lobos grises por la tundra, suena más a una película de terror que a cualquier contendiente potencial del Oscar.

Ya me entran dudas cada vez que veo en el elenco a Liam Neeson. Últimamente se ha vuelto más común sus participaciones en el cine y aún cuando se conoce que no es tanto por el ingreso económico su excesiva carga de trabajo, las películas han sido de lo más palomeras.

Hasta el momento es más interesante el drama  se encuentra detrás de cámaras , con grupos ecologistas en contra de la mala imagen que se proyecta de estos animales recién rescatados de la lista de peligro de extinción.

La película se estrena en México el 30 de marzo.

Esto es lo que pasa cuando ya no hay nada que relatar y uno de los actores se niega a aparecer de nuevo en la saga.

Es evidente que el tercer filme “La rebelión de los Lycans” fue sólo para tapar los huecos dejados por sus antecesoras, al no haber nada más que ver sobre el legado Corvinus. Por eso ahora no hay rastro de los guionistas Len Wiseman y Danny McBride. Esto es un intento por recuperar una franquicia que le proporciona una buena cantidad de dinero a la casa productora, que por supuesto está en todo su derecho de continuar perpetuamente con la historia de “Inframundo”, sólo que con algo de dignidad si es que la tiene.

Con sólo los despojos de lo que alguna vez fue una mitología entre vampiros y licántropos, se pretende construir nuevas bases de lo que seguro será otra serie de secuelas. Al negarse a participar en esta ocasión Scott Speedman como el eterno compañero de aventuras de la vampiresa, entonces todo el peso del filme recae completamente en la actriz Kate Beckinsale. En realidad no es tan malo, porque aún logra mantenernos atentos a cada uno de sus explosivos combates a muerte con solo su mirada.

Los primero minutos prometían un cambio en la balanza de la guerra entre inmortales. Ahora los humanos estaban enterados de la presencia de estos seres y por lo tanto realizaron una erradicación masiva para protegerse. Inmediatamente Michael y Selene son perseguidos con terribles consecuencias que involucra el despertar de nuestra vampiresa 12 años después.  Al estilo “Resident Evil” y hasta “Alien 4″, nuestra vampiresa debe de descubrir que es lo que ha pasado durante su ausencia y la terrible conspiración que existe contra los de su especie.

En su lucha contra el mal, Selene conoce a una niña con extraordinarios poderes, un nuevo galán que suple la ausencia de Michael y un humano demasiado comprometido en la causa de la “ojitos azules”. El problema es que no te importa ninguno de ellos. Quiero pensar que los nuevos actores para rellenar las vacantes no fueron lo suficientemente aptos, porque de lo contrario me hace dudar de la capacidad del guionista J. Michael Straczynski, quien algunos de ustedes reconocerán por ser el responsable de la serie de ciencia ficción “Babylon 5″  y una buena cantidad de historietas de “El Hombre Araña”.  Admito que en lo poco que se puede llamar de trama, trato de devolver los elementos de familia entre los personajes, pero sinceramente los actores son planos y tan faltos de intensidad, que se vuelven oportunidades perdidas. Prefiero mil veces las sobreactuaciones de  Bill Nighy (Viktor) y Michael Sheen (Lucian), al menos lograban que mantuviéramos la atención.

Cualquier mitología que había mantenido a flote a “Inframundo”, ahora ha sido reemplazada con una gran cantidad de escenas de acción que apenas y logran llenar el perfil de los 88 minutos de duración. Esto será demasiado grato para quienes esperan una buena dosis de batallas con ametralladoras, sangre por montón y una buena carnicería, porque eso es lo único que queda de lo que se puede llamar entretenimiento. No puedo negar que las secuencias tienen su encanto, son las más dinámicas de toda la saga al hacer uso del 3D como principal atractivo. Y eso esto todo lo que tiene esta cinta.

Me hubiera gustado otra visión para la continuación de la saga, había elementos que pudieron ser utilizados de otra forma. En especial ver la decadencia de los vampiros al extremo, al pasar de los lujos a  la miseria, una evolución más allá de los experimentos genéticos de los licántropos, una guerra entre híbridos, o simplemente mirar la erradicación de ambas razas, no que ver la ridiculez de “King Kong Lycan”  persiguiendo a Selene como una bola gigante de pelos.

Sinceramente esto ya no tienen nada que ver con el “Inframundo” que conocemos y no existe nada nuevo por lo que valga la pena.  Es una lástima porque al menos la trilogía tenía ambiciones épicas, ahora sólo se conforma con hacer explotar edificios.

Calificación: ★★☆☆☆ 

Trailer Inframundo: El Despertar 

 Hablar sobre la vida misma, y sus inexplicables caminos, es tarea ardua y muy frustrante, más aun en el cine. No es de extrañar que sea uno de los temas más abordados, y lamentablemente peor desarrollados, al momento de filmar y tratar de capturar lo más esencial de la vida humana, demasiada efímera, a mi parecer, cómo para detenerse en argumentos banales o irrelevantes que no llevan a ningún lado diferente, salvo el mismo : la inevitable muerte. La ultima parada de autobús que debemos hacer para finalizar lo que empezamos al nacer. Nada más. Eso es la vida, en esencia cruel y menos romántica de lo que el cine nos la ha hecho ver. O quizás si nos la muestra así, pero la adorna con ese sentimiento tan puramente humano, y por ende irracional e ilógico, cómo lo es el amor.

El amor pareciese mover todo a nuestro alrededor y al parecer, perdonadme si me equivoco, es lo único que vale la pena en nuestra trayectoria por la vida. La fugacidad de los recuerdos que viviste al lado de tus amigos, de tu primer amor, de tu familia, y muchas cosas más, quedarían vacíos y sin alma alguna, de no ser por el amor. No es de extrañar que desde que el hombre existe, siempre trata de comprender lo que ese sentimiento significa. Ha escrito historias, canciones, películas sobre ello, e inclusive lo ha vivido. Por eso tampoco me sorprende que las películas románticas, las de verdad, no las tonterías que nos llegan cada semana a las carteleras, pretendan emocionarnos y robarnos el corazón, eso siempre y cuando, seas un romántico empedernido.

Siempre el mismo día, o cómo su titulo en ingles refiero One day, esta basada en la novela escrita por David Nicholls, del mismo nombre, y que nos presenta la historia de dos simples personas, cómo tu o yo, llamados Emma y Dexter, esto, durante un lapso de tiempo de alrededor de veinte años, desde 1988 hasta el presente, que vendría siendo el año 2008. Por obvios motivos la adaptación fílmica, a manos de la estupenda Lone Scherfig, responsable ni más ni menos que de esa joya inglesa llamada An Education, en el 2009, traslada la historia hasta el 2011, algo que no afecta en nada a la trama, se los aseguro. Para los roles protagónicos se recurrió a actores generacionales, cómo Anne Hathaway, para dar vida a Emma, y a la joven estrella, un buen actor en lo particular, Jim Sturgess para ponerse en la piel de Dexter. Con estos elementos, y con Nicholls al frente del guión, la cosa parecía pintar muy bien.

Entonces, ¿que fallo aquí? Creo al visionar la película completa la conclusión pudiera llegar a ser la misma: emotividad. Scherfig se olvido que no es lo mismo una obra puramente literaria, sin restricción de tiempo, a una fílmica, donde el tiempo es importantísimo. El hecho de contarnos, a nosotros espectadores, la relación de amor-amistad entre un par de individuos a través de veinte años es algo complicado y muy difícil de hacer, pues para ello en primera instancia los personajes deben de simpatizarnos o al menos identificarnos. Algo que afortunadamente aquí se logra, en ello no tengo queja alguna, pero si la tengo en el tratamiento narrativo de esos veinte años.

Pareciera que por momentos, durante ese transcurso de tiempo, algunas cosas quedan inconclusas, cómo la relación de Dexter con sus padres, destacando la figura materna, muy importante al principio, pero desechable al final. Las historias de ambos protagonistas, sumergidos en la más absoluta tristeza, por no alcanzar lo que soñaron de jóvenes, son en parte bien tratadas, aunque después pierden el hilo y el interés. ¿Y porque recalco esto? Pues porque son piezas fundamentales para la formación y estructura de personajes, cada mínimo e insignificante detalle forma parte esencial del personaje, mismo que al igual que la vida misma debe sufrir buenos y malos momentos durante tu trayectoria final.

Para cuando nos llega el clímax final, que no les contara para no arruinarles la sorpresa, pareciera que todo paso muy rápido y ni nos dimos cuenta de la importancia de una relación de dos décadas.  No hay emoción alguna, solo incredulidad al ver ante tus ojos algo que tenía un potencial increíble, pero que fue desaprovechado. La escena final, que curiosamente forma parte del pasado, una idea muy romántica por cierto, logra hacer lo que todo lo demás no pudo: emocionarnos y entristecernos a la vez, recordándonos lo rápida que es la vida, sin piedad ni romanticismos, cruel. Solo estaremos aquí por un lapso de tiempo, quizás solo un día o quizás veinte días iguales, cómo nos sugiere Nicholls, siendo cada día, un año diferente, pero en esencia el mismo.

Finalmente sobre si les recomendaría esta película creo que mi decisión es acertada, y es que si. Pese a no lograr su objetivo principal y fallar en varios aspectos, todos narrativos, al menos lograra entretenerlos y a los más románticos, conozco varios, les sacara unas lagrimas y una que otra risa. Para verla en pareja, de hecho. No es ni la mejor ni la peor historia romántica, pero al menos vale la pena analizarla y tratar de comprenderla.

Calificación: ★★½☆☆