Pipoca Livre

Memórias de um Assassino e Mother: construindo narrativas

2020-07-11T22:31:00.004-03:00

Sim, estou de volta. Admito que é estranho voltar a escrever para o blog depois de quase 3 anos, muita coisa mudou, tempo se tornou algo escasso, mas no meio dessa quarentena consegui espaço para arriscar escrever um pouco.

Vencedor de inúmeros festivais, foi o primeiro filme coreano a vencer a Palma de Ouro (mais de uma década depois de Oldboy quase ter conseguido) e, o mais inimaginável dos fatos no mundo do cinema, o primeiro filme em língua não-inglesa a vencer o Oscar de Melhor Filme. Foi uma edição no mínimo emocionante, principalmente considerando que a justiça foi feita. Parasita é, sem sombra de dúvidas, um filme que nasceu como um clássico e o tanto de prêmios que venceu apenas aumenta o alcance de uma obra sensacional como essa.

Até então, meu único contato com o diretor Bong Joon-ho havia sido o excelente sci-fi Expresso do Amanhã. Sinceramente, para mim Parasita e o mesmo tem muitas semelhanças, apesar das ambientações distintas. Com duas obras de peso assim, resolvi me aprofundar mais nas obras do diretor e o que posso dizer é que o mesmo possui um dos portfólios mais invejáveis possíveis. Tendo em vista isso, hoje irei tratar não só de um filme do diretor, mas de dois: Memórias de um Assassino (Salinui chueok) e Mother - A Busca Pela Verdade (Madeo).

Pra preparar o clima, fiquem com a belíssima trilha sonora de Salinui chueok, composta por Taro Iwashiro, famoso pela trilha sonora dos OVAs de Rurouni Kenshin:

Primeiro, vou introduzi-los aos dois filmes, evitando spoilers a princípio (os mesmos ficarão reservados para o final do artigo).

Memórias de um Assassino (Salinui chueok)

Salinui chueok foi o segundo filme de Bong Joon-ho (o primeiro foi a comédia Cão que Ladra não Morde, de 2000), lançado em 2003. Para muitos, mesmo após Parasita, essa se trata de sua melhor obra. Pessoalmente discordo, mas é totalmente compreensível e aceitável colocá-lo nesse patamar. O filme adapta uma peça de teatro de mesmo nome lançada em 1996 que, por sua vez, se baseia no caso do primeiro serial killer registrado na Córeia do Sul, o qual cometeu uma série de estupros e assassinatos na cidade de Hwaseong entre 1986 e 1991.

Os protagonistas do filme são Park Doo-man (Song Kang-ho, pai da família pobre em Parasita) e Seo Tae-yoon (Kim Sang-kyung), ambos detetives. O primeiro, residente da região dos assassinatos, com mais tempo de carreira e o segundo vindo de Seul, mais novo, mas acostumado a criminosos mais lógicos, diferente dos bêbados e deficientes mentais da pequena cidade.

No filme, que se passa próximo ao fim do regime militar sul-coreano, vemos inicialmente como é a rotina dos detetives da cidade de Hwaseong, aonde casos de estupro e assassinato eram corriqueiros, tendo sempre o mesmo perfil de, ora drogados e bêbados, ora deficientes mentais. Quando uma mulher é encontrada morta com sinais de estupro, parecia-se apenas mais um desses casos. Com pouco cuidado com as evidências, conforme o culpado não aparecia, achar um bode expiatório para incriminar era a prioridade e, quando um deficiente se encaixa como primeiro suspeito, após horas de tortura, forçam o mesmo a se confessar culpado.

Eis que outro caso similar é descoberto, assim como outros que prosseguem. Conforme se nota as coincidências que são apresentadas, os detetives são obrigados a aceitar que não estão mais lidando com um simples criminoso que teve seu momento de surto, mas sim alguém meticuloso, mais parecido com os famosos casos ocidentais como Jack O Estripador e o Zodíaco.

A partir daí novos suspeitos são identificados, com quase todas as vezes havendo violência policial por horas para que os suspeitos confessem o crime, até o momento em que a violência não possui mais serventia e começam a lidar com uma pessoa que não está disposta a se incriminar por medo.

O filme é bastante comparado com o filme Zodíaco de 2007, dirigido por David Fincher (Clube da Luta, Se7en, Garota Exemplar) o qual, assim como Memórias de um Assassino, trata, de forma realista, a busca de detetives por um dos maiores serial killers dos EUA e, também como no filme coreano, demonstra como as limitações tecnológicas impediram uma investigação mais detalhada dos casos.

Memorias de um Assassino de início varia bastante entre tons dramáticos e de comédia, até se assumir como um thriller tenso, prosseguindo até um final desnorteante.

Mother - A Busca Pela Verdade (Madeo)

Madeo ou Mother (não confundir com mother! do Darren Aronofsky, que também merece um artigo) é um filme de 2009, também dirigido por Bong Joon-ho e também do gênero thriller. Assim como Memórias de um Assassino, se encontra no top 1 de vários fãs do diretor e com motivos aceitáveis. Diferente do outro filme, esse é uma ficção e, ao invés de se focar nos detetives, se foca na mãe de um suspeito.

A protagonista do filme é uma mãe sem nome interpretada por Kim Hye-ja que vê seu filho Yoon Do-joon (Won Bin), o qual sofre de deficiência mental, ser preso pela polícia pelo assassinato de uma adolescente. Na cena do crime havia uma bola de golfe que o mesmo havia roubado mais cedo, durante um incidente no qual tinha sido detido após tentar se vingar por ter sido atropelado. Além disso, o crime coincide com o horário no qual saiu de um bar completamente bêbado, falando safadezas para a filha da dona do bar.

A mãe então parte em uma jornada para livrar o filho da cadeia. O mesmo, após tortura policial confessou o crime e encenou o modo como havia assassinado a garota (conforme a polícia o havia orientado). A personagem de Kim Hye-ja vai atrás de um advogado que aceite o caso mas, vendo que o profissional não acreditava na inocência do rapaz, busca por conta própria evidências que provem a inocência de seu filho ou que ao menos sirvam para culpar outro suspeito.

A protagonista, conforme vai a fundo no caso, começa a descobrir várias facetas sobre os envolvidos com seu filho e com a vítima, descobrindo motivos que poderiam ter levado a armarem para seu filho e até mesmo para matarem a garota.

Dentre os filmes de Bong Joon-ho, Mother deve ser o filme mais sério do diretor, dando muito pouco espaço para momentos cômicos. Assim como a mãe se aprofunda no caso, o diretor faz com quem assiste também se adentre aos mistérios da trama, com a revelação sobre o real assassino sendo algo no mínimo interessante, principalmente no que envolve a consequências causadas pela investigação.

Resolvendo as coisas no “diálogo”

Como deu para ver, em ambos os filmes o diretor faz questão de alertar sobre a violência policial e como a mesma pode ser utilizada para manipular a conclusão de um crime o qual, sem a confissão de um bode expiatório, levaria a custos de tempo e dinheiro e poderia colocar a eficiência dos departamentos de investigação em xeque. Um caso mundialmente famoso pela tortura policial ter levado a punição incorreta de não só um como de vários envolvidos foi o dos Guildford Four e dos Maguire Seven, no qual a polícia obrigou que os suspeitos a confessassem envolvimento num atentado terrorista realizado pelo IRA em 1974. No final dos anos 80 foram descobertas provas de que evidências haviam sido forjadas pelos investigadores. O caso foi retratado no excelente drama Em Nome do Pai, de 1993, protagonizado por Daniel Day-Lewis.

Voltando aos filmes coreanos, Mother retrata justamente o que aconteceria se, diferente do que se prosseguiu em Memórias de um Assassino, não houvessem outros casos e não houvesse alguém realmente interessado dentro da polícia de buscar evidências concretas sobre o caso. Em Mother vemos a perspectiva de quem está sendo punido sem uma investigação plena, enquanto em Memórias seguimos a narrativa da polícia agressora, questionando as atitudes violentas que os mesmos tomam em busca de uma glória em frente aos jornais.

Para nós que estamos assistindo, fica claro a tentativa de manipulação mas, na vida real, quantos casos como esse compramos a verdade que é vendida para nós (principalmente quando o suspeito já está morto)?

O thriller no cinema

Eu diria que o gênero thriller/suspense é o que mais abre portas para extremos, ou ser muito surpreendente, ou ser muito decepcionante. São vários os casos de filmes que conseguiram grande destaque e outros que ficaram fadados às listas de piores filmes. M. Night Shyamalan deve ser o principal exemplo de altos e baixos. Depois de ter disputado o Oscar por O Sexto Sentido, o mesmo emendou com o também respeitado Corpo Fechado. Com o passar dos anos suas tramas começaram a ficar batidas e o mesmo seguiu fracasso atrás de fracasso, conseguindo destaque novamente com Fragmentado.

Mas o que leva um suspense a ser bom ou ruim? Há uma receita de bolo? Sinceramente, não. Thrillers muitas vezes desandam pelo ritmo e pela forma como as coisas são contadas. A falta de realismo (até mesmo em tramas paranormais) também prejudica.

Vamos ao exemplo de O Silêncio dos Inocentes, praticamente o único suspense a vencer o Oscar até a chegada de Parasita (o filme tem vários gêneros mas creio que thriller seja o principal). O filme, assim como o livro, toma uma atitude não muito comum em tramas de detetive. Ainda no início da película somos revelados ao Buffalo Bill, como ele é e como ele comete seus crimes. Na mão de um mal escritor, roteirista ou diretor, isso poderia ser desastroso. Ora, você perdeu a chance de manter toda uma trama levando o leitor ou telespectador a descobrir quem está cometendo os crimes. Já eu, sinceramente, acho que esse tipo de trama é problemática, principalmente em casos policiais, e mais pra frente vou citar um exemplo controverso.

Voltando a Silêncio dos Inocentes, o que torna, tanto o livro quanto o filme tão bons? Primeiro, construção de personagens. Construir bons personagens deveria ser regra para qualquer obra mas admito que há gêneros que não necessitem de tanto enfoque nisso. Suspense com certeza não é esse caso. Construir um personagem profundo e com várias camadas é essencial. O grande charme da obra fica na relação entre o canibal, já preso, Hannibal Lecter, e a detetive Clarice Starling, protagonista da ficção.

Aqui temos, como o lado da lei, uma até então novata, buscando um serial killer perigoso, que mata justamente aquelas de mesmo sexo que ela. Do outro lado, temos alguém que está há anos na cadeia por ter devorado suas vítimas. Hannibal sabe como um assassino pensa e Clarice utiliza esse fator para que o mesmo possa ajuda-la. Nota-se que aqui temos em conjunto duas mentes muito inteligentes, ambos com memórias cruéis, cada um lidando de uma forma. Em resumo, o que torna a obra tão boa é a forma como Clarice vai atrás de Buffalo Bill, descobre quem ele é e seus motivos. Ou seja, nós, que somos um personagem externo, sabermos como o assassino é e como ele atua não prejudica a saga da protagonista, o fato apenas nos deixa curioso para saber como ela chegará até lá.

O já citado Zodíaco é outro bom exemplo. Zodíaco é um filme bem semelhante a Memórias de um Assassino, demonstrando de uma forma realista a busca por um serial killer. Memórias utiliza a perspectiva de primeira pessoa para mostrar como os crimes são cometidos, enquanto Zodíaco demonstra os crimes na terceira pessoa, com o bandido mascarado ou coberto pela sombra, sempre interpretado por atores diferentes. Nesses casos, sabemos como o bandido age mas não sabemos sua face. Inclusive, abre-se a brecha para que seja mais de um criminoso, que também um ou outro caso tenha sido agregado à conspiração de forma incorreta.

O caso do Zodíaco já foi contato em uma série de filmes mas, além da obra de David Fincher, o segundo filme mais famoso sobre o caso é Perseguidor Implacável ou apenas Dirty Harry (1971), protagonizado por Clint Eastwood. Assim como Silêncio dos Inocentes, o filme decide revelar a face do assassino ainda nos primeiros momentos. Mais do que isso, o encontro entre Harry e Scorpio (que na prática é uma cópia do Zodíaco) não tarda muito na trama. Claro, o filme possui um tom muito mais de ação do que de suspense, mas o desenrolar da narrativa possui um fator interessante que também se assemelha ao que Bong Joon-ho utiliza em Salinui chueok, assim como Fincher em Zodíaco: Como provar que o assassino é o assassino? Até onde sua convicção está acima dos juízes e da justiça? Evidências. Evidências.

Assim como Dirty Harry, os detetives de Memórias de um Assassino e a mãe de Mother entram no aspecto de fazer com que suas narrativas sejam as verdadeiras. Ou seja, temos a narrativa que os protagonistas desejam, a narrativa que acreditamos que seja a real, a narrativa do diretor e, nos casos em que é adaptado um crime real, a narrativa da realidade.

Prez, da DC Comics, é um dos vários personagens obscuros e esquecidos que Neil Gaiman resolveu utilizar em Sandman. Em um determinado capítulo, conta-se a história do mesmo em uma realidade aonde o rapaz foi o mais jovem presidente dos EUA, um retrato do sonho americano. Não chega a ser um grande spoiler, mas ao final do capítulo Prez morre sem que ninguém tenha certeza como, apenas sabem que morreu. Cada cidadão tem sua ideia de como o mesmo morreu e, numa situação sem evidências, todas aquelas situações imaginadas existem.

Claro, Sandman é uma obra fantástica e o poder dos sonhos e realidades paralelas são elementos da mesma, mas, ao mesmo tempo, refletem algo que ocorre em nosso mundo. A história é reescrita de tempos em tempos, tendendo para lados políticos diferentes e claramente sendo influenciado por aqueles que governam. As vezes essas mudanças demoram séculos, as vezes apenas décadas, o que acaba causando conflitos de gerações.

Como já deu para notar, o enfoque desse texto é sobre narrativas e perspectivas e, meus amigos, Bong Joon-ho é claramente uma das mentes mais precisas ao saber lidar e discutir sobre o assunto. Não me limito aos dois filmes que estamos discutindo, mas também a praticamente todas as suas obras.

Verdades à força

Aqui já aviso que vou entrar num belo terreno de SPOILERS. Entre as obras que vou discutir o final vão estar os 2 filmes principais, assim como Dirty Harry, Se7en e Zodíaco. Particularmente, sobre Memórias de um Assassino e Zodíaco, spoiler é relativo, já que são fieis em muitos aspectos ao desenvolvimento real das situações, as quais discutirei também.

Primeiro, vamos ao Zodíaco. O serial killer Zodíaco até hoje é um mistério. Nunca prenderam o responsável pelos assassinatos e pelo tempo pouco se crê que o mesmo ainda está vivo. Assim como demonstrado no filme, houve um forte suspeito, Arthur Leigh Allen. Arthur cumpriu pena de 3 anos por molestar crianças e, segundo testemunhas, apresentava comportamentos e falava coisas compatíveis ao modo como o Zodíaco agia. Arthur morreu em 1992, quase na mesma época em que foi identificado um sobrevivente de um de seus crimes, o qual indicou Allen como tento traços e voz similares ao matador. O caso nunca foi concluído devido a isso.

O assassino de Hwaseong entra em uma situação parecida. No filme, temos um sujeito fictício, Park Hyeon-gyu, que é justamente o suspeito que mais foge dos padrões dos restantes. Não demonstra nenhum surto de loucura, não possui costumes pervertidos, é claramente racional e inteligente, pouco se deixando levar pela violência que sofre. Nesse ponto a polícia nota que nenhuma tortura levaria o mesmo a confessar algo. O caso ocorreu no fim dos anos 80, num momento que a Coréia do Sul estava no fim de seu governo militar e era um país muito abaixo dos EUA em tecnologia. Devido a isso, os fluídos encontrados em uma das vítimas, que seriam a prova para incriminar o suspeito foram para o outro lado do globo. Após um surto violento do detetive Seo Tae-Yoon, que até então era o mais calmo e sensato, no qual tenta matar o suspeito, Park Doo-man trás um exame inconclusivo do material coletado. Assim, a moral fala mais alto e soltam o possível assassino pra vagar pelo mundo.

Na vida real, quem acabou preso foi Yoon Sang-Yeo, o qual permaneceu preso até 2009, rodeado de indícios que foi mais uma das narrativas armadas pela polícia para concluir o caso, mesmo que o preso tenha sido condenado apenas pelo assassinato da oitava vítima. Os outros casos ficaram em aberto, até a identificação do real criminoso no ano passado (2019), Lee Choon-jae. O serial killer já cumpria prisão perpétua desde 1994, por ter estuprado e matado sua cunhada. O mesmo, após ter sido descoberto através de um exame de DNA realizando comparando amostras que haviam sido guardadas das roupas íntimas das vítimas, assumiu todos os assassinatos, assim como mais de 30 estupros.

Vamos agora voltar a duas outras obras. Dirty Harry e Se7en. Dirty Harry segue toda uma proposta de visão republicana, de como a justiça acaba se pondo a defender um criminoso (no filme, não é deixado espaço para dúvidas de que aquele é o Scorpio). Ao fim do filme, após o serial killer se pôr como vítima de tortura policial, colocando a credibilidade de Harry em cheque, o personagem de Client se cansa e acaba matando o criminoso, sendo ele, como um Juiz Dreed, polícia, juiz, júri e executor. O filme termina com Harry jogando seu distintivo no rio, se negando a prosseguir a atuar em algo que não acredita mais (o que não impediu uma série de sequências que ignoram esse fato e até mesmo a perspectiva política do primeiro filme).

Se7en é o tal caso controverso que iria citar. Particularmente gosto do filme mas acho a revelação do criminoso fora de ritmo e muito de repente. Isso as vezes pode cair bem em determinadas histórias mas, para mim, rola uma quebra no que desenvolvia até então.

Apesar disso, Se7en se mantém como um clássico do gênero, principalmente pelo seu final. Novamente, assim como em Dirty Harry e Memórias de um Assassino, vemos o protagonista perder o controle, nesse caso matando o serial killer. Como ocorre em Salinui chueok, o protagonista, até então alguém racional e calmo, perde o controle após ver que a última vítima era alguém próximo de si. Nisso, quem teve sua narrativa como vencedora foi John Doe, que concluiu a sequência dos sete pecados, levando o herói exalar sua ira.

E conhecereis a verdade e a verdade vos libertará?

Agora temos Mother que, dentre todos os citados, é o único que não se passa na perspectiva dos detetives (Zodíaco divide o protagonista entre um detetive e jornalistas investigativos), mas sim do suspeito e da pessoa que mais deseja que o mesmo seja solto. E bem, como havia citado anteriormente, é Bong Joon-ho mostrando seu melhor, entregando um terceiro ato destruidor.

A mãe busca a qualquer custo livrar o filho da cadeia, querendo que sua narrativa seja a real, se importando ou não que o suspeito que ela encontre seja o real assassino. Durante o filme, a protagonista começa a descobrir que a adolescente morta se prostituía e tirava fotos de seus clientes, o que seria motivo o bastante para que houvesse uma vingança. Entre vários adolescentes violentos, a mesma encontra um senhor catador de lixo, que estava no local do crime no momento do ato.

Quando chegamos nesse ponto, assim como a protagonista, todos somos levados a crer que finalmente chegamos à conclusão, encontramos o assassino. Aí vem o grande plot-twist. O catador de lixo não era o assassino, mas sim a única testemunha. Yoon Do-joon, o filho da protagonista, foi o real assassino.

Durante todo o filme é explorado a doença mental do filho, até ser descoberto que o mesmo teve suas atividades neurais prejudicadas após ter sido envenenado pela mãe ainda jovem, pois ambos passavam fome e estavam no extremo da pobreza (o tema, relacionando pobreza a doenças mentais, é regra nos filmes de Bong Joon-ho). O veneno não matou o garoto, mas o tornou diferente dos demais, sofrendo bullyng pelo resto da vida.

Sua mãe sempre o orientou a revidar agressões verbais. Justamente por isso, Yoon Do-joon cometeu o assassinato. Após ser chamado de retardado e recebido uma tentativa de pedrada, o mesmo revidou, acertando a pedra diretamente na cabeça da garota. Se sentindo mal, sem saber direito o que fez, arrastou o cadáver até um local visível. Por conta da bebedeira, não se lembrava do que houve naquela noite.

Como foi possível notar nos exemplos anteriores, com exceção de Zodíaco, todos terminar com o protagonista chegando a seu extremo e Mother segue a mesma linha. Após se perder na história que conta para o catador de sucata, informando que iriam soltar o jovem preso por terem descoberto algum real culpado, o senhor decide que ligará para a polícia impedir que tomem uma decisão errada. A mãe então mata o senhor e ateia fogo em sua casa.

Como se isso já não fosse um final insano o suficiente, eis que a polícia chega com as “boas notícias”. Encontraram o “verdadeiro” culpado, um rapaz, também deficiente mental, que possuía sangue da vítima em suas roupas. O mesmo informou que apenas havia contratado os serviços da garota e a mesma acabou derramando sangue do nariz. Uma história difícil de acreditar, mas que a mãe sabia muito bem que era verdade. Ao final, seu filho é solto, um inocente é preso e, após tudo isso, a mesma se vê obrigada a apagar sua própria memória.

Por fim, temos um dos roteiros mais irônicos possíveis, o qual lida justamente sobre criar uma narrativa. Se a mãe tivesse simplesmente aceito a confissão do filho, e aguardado, a mesma teria sido agraciada com a liberdade do filho e a descoberta de que o assassino foi outra pessoa. Nada disso seria verdade, mas seria a verdade oficial, aquela para a polícia, aquela para o filho, aquela para o preso que possuía dúvidas de sua culpa e, principalmente, a verdade para ela.

O filme mother! que citei no início, é uma grande metáfora a Bíblia Cristã mas, é em Mother de Bong Joon-ho, que vemos de uma forma tão caótica quanto, o resultado de comer do fruto proibido e dos perigos que o conhecimento pode trazer para a mente. Até que ponto ter “onisciência” dos fatos é vantajoso? É realmente melhor saber a verdadeira verdade, ou aceitar a verdade que é nos dada?

Infinitas narrativas

Por fim, esse foi um artigo para discutir, não só sobre narrativas de qualidade, mas sobre o talento de narrar sobre narrativas o que é algo ainda mais complexo. Como o final de Metal Gear Solid 2 previa para a sociedade do século XXI, hoje estamos em um mundo repleto de informação, a qual a maioria está relativamente de fácil acesso (em comparação a tempos em que a maioria não sabia ler e documentos ficavam apenas com a elite) e, como é possível ver, estamos em momentos aonde existem inúmeras narrativas sobre todos os assuntos. Cada vez mais temos verdades próprias e não mais verdades compartilhadas, fazendo com que a brincadeira que Neil Gaiman fez com a morte de Prez ser muito mais profunda do que parece.

Mais do que isso, esse artigo tem como motivo acender uma chama em quem está lendo a buscar mais obras asiáticas. Como disse, Bong Joon-ho tem um trabalho invejável e as conquistas que conseguiu por Parasita valem por todo seu histórico. E claro, o mundo oriental não se limita a ele, Park Chan-wook, Ang Lee, Wong Kar-Wai, Takeshi Kitano, Nagisa Ōshima, entre outros grandes nomes do cinema oriental estão aí para terem seus trabalhos apreciados.

É, por hoje acho que é isso. Como disse, longos 2 anos se passaram e muita coisa mudou, assim como não era tão fácil achar tempo para escrever, duvido que isso mude mas, talvez, por conta da quarentena, possa haver um período mais livre para isso (procrastinando outras tarefas, rs).

Au revoir

TOP 10 | O Melhor de 2017 (sem super-heróis)

2017-12-26T22:44:00.000-02:00

Depois de quase 3 meses parado finalmente algo para esse blog. Já cheguei a comentar na page, mas reforço aqui: Estou em replanejamento sobre o blog, então qualquer tipo de sugestão e feedback para o blog é extremamente útil, seja sobre novos tipos de artigos (como esse de agora) ou algum tema para se comentar, é tudo bem vindo. Deixando de lado isso, vamos para o top então.

Desde já, deixar claro o que já está no título: Nada de super-heróis.

“Ah, mas tá menosprezando o gênero?”

Não, não tô, ao contrário, sou mega fan de filmes desse tipo, mas a verdade que hora ou outra todo mundo vê esses filmes, então não preciso tirar espaço de outros ótimos filmes para colocar Logan e Mulher-Maravilha, que sem dúvida estariam no top. Ah, também sem Star Wars (será que estaria no top? Uma hora faço algo sobre) e nem filmes dessa temporada de premiação que ainda não saíram em cinemas normais, assim como os filmes da temporada do Oscar do começo do ano, que já falei até demais deles. Então também, nada de La La Land e afins, ou Call Me By Your Name e afins também.

Ah, e também é tudo baseado simplesmente na minha opinião do que eu vi, então obviamente vai tá faltando coisa que eu não vi, então não sintam falta de John Wick 2, Cidade Perdida de Z e outros até mesmo nas menções honrosas, é que simplesmente ainda não tive a oportunidade de assistir. Agora sem enrolações, vamos logo pra esse bendito TOPPER TEN.

10 – Jogo Perigoso (Gerald’s Game)

Esse foi um ano bem especial para os gêneros de terror e suspense. Mais ainda para as adaptações de livros do Stephen King (claro, houveram os Torre Negra da vida). Já começo esse top com um filme que me surpreendeu bastante, produção original da Netflix. Inspirado no livro clássico de mesmo nome de 1992, esse filme de Mike Flanagan (O Espelho, Ouija 2) conta a história de um casal (Carla Gugino e Bruce Greenwood) que após mais de uma década de matrimônio decide ir para uma casa isolada para terem um tempo para si mesmos e até mesmo apimentar a vida sexual.

A grande verdade é que qualquer comentário além disso é um tanto arriscado, apenas podendo dizer que uma brincadeira sexual acaba dando errado e dando início a um caso bem estranho que faz a esposa se envolver nas lembranças de seu passado traumático. O filme poderia muito bem estar lá nas primeiras posições se não fosse um final de 10 minutos absurdamente explicativo e desnecessário. Nem sempre tempo à mais é algo bom.

9 – Fragmentado (Split)

Por muitos o retorno triunfal de M. Night Shyamalan, indicado há quase 2 décadas ao Oscar por O Sexto Sentido, Fragmentado foi também outra ótima surpresa desse ano. Sendo um filme com o ideal de ser um parque de diversões para James McAvoy se esbaldar com todo tipo possível de atuação, temos como personagem principal e vilão Kevin, um homem com uma completa crise de identidade que possui 23 personalidades distintas, podendo trocá-las e até mesmo fazer uma manipular a outra, como se realmente fosse várias pessoas. Após um surto envolvendo essas personalidades, ele acaba sequestrando três garotas sem planos aparentes para elas.

Enquanto vemos a rotina e vida de Kevin, também acompanhamos a outra protagonista, Casey (Anya Taylor-Joy), uma das sequestradas, que enquanto planeja fugir, começa a ter flashes de memória sobre seu passado e os motivos dela ser bem mais reclusa que as outras duas sequestradas.

Famoso por seus plot-twists, Shyamalan inova e com uma ideia bem mais diferente de seu usual, que a maioria já deve saber o que é. Para quem não sabe, acho interessante manter a surpresa, mesmo não sendo nada que realmente interfira na trama.

8 – T2: Trainspotting

Já tem review aqui no blog, então vou ser até meio breve. Para quem não conhece, Trainspotting é um clássico britânico da segunda metade dos anos 90, dirigida por Danny Boyle (mais de uma década depois, levaria o Oscar por ‘Quem quer ser um Milionário?’). Após anos de adiamentos, finalmente houve a reunião de todo o pessoal do filme original para um sequência, levemente baseada na sequência do livro o qual o filme original era inspirado.

Apesar de ter ficado em um certo limbo quando foi lançado, é um filme muito bom e digno do original, algo muito difícil nos dias de hoje. É impossível não reconhecer a personalidade dos personagens, que possuem um amadurecimento e envelhecimento previsível, com destaque por ser focado muito mais nos outros 3 amigos do que em Renton (Ewan McGregor), o principal do primeiro filme, dando muito mais desenvolvimento a todos os personagens.

7 – Terra Selvagem (Wind River)

Arrisco dizer que é o mais subestimado dessa lista, eu mesmo não apostava em nada para o filme quando vi seu trailer no cinema, mas foi uma grata surpresa. Mais um suspense (como falei, esse ano foi extremamente fértil pro gênero), agora do estilo policial. No filme, temos o caçador Cory (Jeremy Renner), genro de indígenas, encontrando o corpo morto e congelado da melhor amiga de sua filha, com marcas de agressão e estupro. Para a situação acabam chamando o FBI, que manda apenas a detetive Jane (Elizabeth Olsen) para analisar o cadáver. Por uma questão envolvendo a perícia, que constatou que a morte foi pelo frio e não pela violência sofrida, Jane fica impossibilitada de chamar reforços para a investigação, decidindo agir sozinha ao lado de Cory para achar o culpado.

Inspirado em um caso real, o filme discute bastante sobre o esquecimento governamental norte-americano com povos nativos, que sofrem preconceito até perante a lei. A obra é o primeiro trabalho como diretor de Taylor Sheridan, famoso por escrever os roteiros de Sicario e A Qualquer Custo, também sendo o roteirista desse.

6 – Bingo: O Rei das Manhãs

Outro que já possui review aqui no blog. O único nacional dessa minha lista, infelizmente já foi recentemente cortado dos possíveis indicados ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, assim como vem tendo uma recepção um tanto morna da crítica internacional. Uma ficção baseada em fatos reais, Bingo é o filme de um palhaço de mesmo nome, claramente inspirado no Bozo e no seu principal ator, Arlindo Barreto, que aqui se torna Augusto Mendes (Vladimir Brichta).

Adaptando não só a história do ator, que saiu do cinema erótico para as telas do SBT atrás da figura de um palhaço, entrando de cabeça nas drogas conforme o sucesso crescia, o filme de Daniel Rezende (indicado ao Oscar pela edição de Cidade de Deus) também é um breve retrato dos anos 80 do Brasil, trazendo figuras como Gretchen e versões genéricas de Xuxa e Rede Globo.

5 – It: A Coisa (It)

Olha só, mais um terror/suspense, e mais uma adaptação de obra de Stephen King. Talvez a obra mais famosa do autor, It já havia sido adaptado para as TVs em 1990, com o palhaço Pennywise sendo interpretado por Tim Curry. Nessa nova versão dirigida por Andy Muschietti (Mama), temos Bill Skarsgård interpretando o palhaço mais famoso do terror. Diferente do trabalho de 1990, aqui temos uma adaptação apenas da parte do passado do livro, contando a história das crianças que decidiram confrontar a entidade.

Apesar de classificado como terror, o filme é num geral bem leve e divertido, com uma pegada extremamente anos 80, remetendo bastante justamente aos trabalhos de King e suas adaptações. O filme aproveita muito do sucesso de Stranger Things para trazer justamente uma atmosfera retrô nos anos 80 muito parecida, com direito a trazer Finn Wolfhard por elenco.

4 – Blade Runner 2049

Outra sequência de um clássico, aqui a distância é mais longe, se tratando de uma continuação do cultuado cyberpunk dos anos 80 dirigido por Ridley Scott, aqui só na produção. A direção agora foi para as mãos de Denis Villeneuve, indicado ao Oscar no início do ano por A Chegada, outro ótimo sci-fi. Na história, ambientada no ano que está no título (assim como na vida real, 3 décadas após o original), temos um novo blade runner protagonista, o replicante K (Ryan Gosling). Logo com isso já é possível notar que as clássicas ironias e conflitos típicos de contos cyberpunk estão presentes (alguém que caça seres da mesma raça), algo ainda mais reforçado com sua esposa Joi (Ana de Armas), uma acompanhante virtual holográfica.

O filme mantém o tom filosófico do original, trazendo conflitos sobre raça e sociedade enquanto K, resolvendo um caso, acaba tendo que ir atrás de informações sobre Deckard (Harrison Ford), desaparecido desde 2019.

3 – Planeta dos Macacos: A Guerra (War for the Planet of the Apes)

Mais um com review, aonde vai estar melhor comentado. O fim da nova trilogia dos primatas que, durante décadas, só teve o filme original realmente aclamado com a crítica. Mas desde Planeta dos Macacos: A Origem, reboot que tinha tudo para dar errado mas que foi totalmente ao oposto das expectativas pessimistas, se tornou a saga que mais soube se mantem em alto nível, podendo facilmente entrar na lista de melhores trilogias já feitas.

Nesse terceiro filme, ainda dirigido por Matt Reeves, temos César tendo que lidar com a pressão humana tentando destruir sua tribo, tentando guiar seu povo para uma espécie de terra prometida, aonde poderiam viver em paz. Recheado de metáforas religiosas (assim como Blade Runner 2049 e o próximo da lista), é um dos melhores terceiros filmes já feitos (considerando a famosa maldição do terceiro sempre ser o pior ou ruim), também sendo de longe o melhor da saga.

2 – mãe! (mother!)

Sem sombras de dúvidas o filme mais polêmico e controverso perante o público esse ano, à frente do último Star Wars, o novo filme de Darren Aronofsky é um verdadeiro ame ou odeie. Para muitos um filme completamente pretencioso, confuso e herege, para outros um filmaço absurdamente criativo e maluco. Pela posição fica óbvio que fico no segundo time.

mãe! (com letra minúscula e ponto de exclamação mesmo), evitando spoilers, se trata sobre um casal que mora de forma solitária em uma casa. A mulher, além do padrão de dona de casa, se mostra como a faz tudo, inclusive obras, enquanto o marido é um poeta em busca de inspiração para seu novo projeto. Mesmo com tudo parecendo pacífico, uma série de visitas inesperadas começaram a rolar e a sensação de claustrofobia só aumenta. É um filme realmente confuso a primeira vista, mas à partir de certos momentos é possível compreender todas as metáforas e o filme se torna bem mais claro.

1 – Em Ritmo de Fuga (Baby Driver)

Para mim, a verdadeira masterpiece desse ano. Um filme inesperado mas uma verdadeira experiência divertida motivada pelo capricho e talento expostos no filme. Dirigido por Edgar Wright (Scott Pilgrim contra o Mundo), é para mim o filme mais bem dirigido e editado do ano e, infelizmente, deve passar batido pelas premiações (assim como o anterior). O filme tem um plot até que simples: Um garoto que é um piloto super talentoso especializado em fugas de assaltantes, mas é justamente nessa simplicidade que o filme acerta.

O grande diferencial do filme está no uso da trilha sonora, toda licenciada, utilizando dezenas de clássicos de forma absurdamente criativa e milimétrica, com uma sincronia perfeita entre cenas e músicas, que condizem com as situações expostas. Além disso, a ação é algo absurdamente bem feito, sendo o tipo de filme que te faz terminar de ver com um sorriso no rosto.

Menções Honrosas

Aqui vão alguns que não couberam no MEU top 10, mas que valem a pena. Sei que tem realmente bastante coisa boa que para muitos eu deveria ter colocado no top, mas como falei, é top pessoal mesmo.

Corra! (Get Out)

Olha aí mais ponto de exclamação. Apesar de ter pessoalmente dado nota inferior aos outros possíveis indicados ao Oscar, se mantém como meu favorito por enquanto. É até estranho eu dizer isso e ele não estar no top, mas realmente faltou um tchan pra mim gostar ainda mais. Mais um terror, esse com uma ideia bem inesperada envolvendo racismo. Acho que qualquer coisa que contar a mais que isso pode prejudicar a experiência.

A Ghost Story

Esse é um filme bem alternativo e indie, pra deixar claro, então não é pra qualquer um, pois a chance de decepção é grande. É mais um com uma leve pegada terror/suspense, mas que se encaixa mais no drama. Sem estragar a surpresa inicial, só posso dizer mesmo que se trata de um fantasma (de lençol) observando sua casa e quem vive nela. É um filme calmo e silencioso, com umas situações marcantes e uns toques malucos que remetem até levemente a 2001: Uma Odisseia no Espaço (tirando o fato de ambos darem sono).

O Rei do Show (The Greatest Showman)

Filme que está em cartaz atualmente, se vendeu bastante por ser um musical com mesmos compositores de La La Land, mas acabou levando uma flopada até grande da crítica (mesmo sendo indicado ao Globo de Ouro 2018). Num geral, tá longe de ser realmente ruim, é um musical bem competente e bem coreografado, com um roteiro básico. A grande polêmica se encontra por também se tratar de uma biografia de P. T. Barnum, famoso dono de circo que possui um certo passado sujo, então acabou gerando conflitos sobre passar pano sobre certas coisas e idolatrá-lo. Pessoalmente, levo em conta que não dá pra considerar uma biografia fiel aonde todos começam a cantar do nada, então acho que basta levar o filme como uma ficção inspirada em certas coisas pra não ver problemas que nem do filme são.

Dunkirk

Também com review aqui, o mais novo filme do Nolan saiu lá pelo meio do ano e é um dos favoritos ao Oscar. Um filme sobre a batalha de Dunkirk da Segunda Guerra Mundial, seguindo três perspectivas. O filme é um verdadeiro balé de efeitos técnicos, coisas dignas e tão competentes como Titanic. Infelizmente, não sai muito disso, servindo muito mais como um filme de experiência (principalmente em salas de cinema IMAX) do que qualquer coisa. Dos 3 arco, tanto eu como amigos concordamos que o arco do Tom Hardy é de longe o mais divertido, seguido por o dos garotos tentando ir embora da praia (com bastante conflitos) e por último o famigerado arco do barco indo para o resgate, que faz valer o termo “cringe” de tão ruim que é.

O Estranho que nós Amamos (The Beguiled)

Dirigido por Sofia Coppola (que levou prêmio de melhor diretora em Cannes pelo filme), é remake de um clássico dos anos 70 com Clint Eastwood. Aqui temos uma casa repleta de mulheres e crianças durante a guerra civil americana. Uma das garotas acaba encontrando um combatente machucado e acaba o trazendo para casa. Apesar do receio geral, aos poucos todas começam a admirar o soldado, até que rola uma reviravolta que muda o filme completamente.

Atômica (Atomic Blonde)

Filme que ficou conhecido como “John Wick mulher” por ser dirigido por David Leych (um dos diretores do primeiro John Wick), é um farofão ótimo pra qualquer hora. Um típico filme de ação (e bota ação) envolvendo espiã fodona (Charlize Theron, como não) que precisa roubar documentos que podem causar o caos no mundo. Ambientado na Alemanha do fim dos anos 80, usa e abusa de neon e músicas da época (bait simples pra mim).

A Bela e a Fera (Beauty and the Beast)

Por muitos um filme ótimo, por outros nem tanto, o remake de A Bela e a Fera é um tanto competente, seguindo bastante o original a risca, fazendo algumas mudanças para tornar levemente mais realista. A grande verdade é que se você é fã do original, acabará gostando desse, mesmo ele possuindo mudanças que, na minha opinião, são bem positivas.

A Vigilante do Amanhã (Ghost in the Shell)

Fechando com um caso polêmico. Todos sabemos que adaptações de animes normalmente saem uma caca, não se aproveitando quase nada. O projeto do filme de GiTS sempre foi polêmico pelas questões de utilizar Scarlett Johansson interpretando uma personagem japonesa (mesmo ignorando o fato da mesma ser um ciborgue) e acabou flopando um tanto na crítica e na bilheteria. De qualquer modo, pessoalmente o filme está longe de ser ruim e é justamente uma das, se não a única boa adaptação de mangá/anime do ocidente. O filme é uma adaptação em vários momentos bem fiel ao filme em anime de 1995, com várias cenas praticamente copiadas. O plot é mais ou menos mantido, adicionando coisas envolvendo o passado de Major, além de realmente se perder um tanto do lado filosófico.

Por hoje é isso. Tirando um ou outro filme que possa ser um pouco mais difícil de assistir, praticamente todos são ótimas pedidas para se ver. Normalmente o público acaba vendo mais os blockbusters como filmes de heróis, Transformers, Star Wars, Velozes & Furiosos e afins, ou decide ir mais pro lado cult, esperando os períodos de temporada de premiação e no meio desses dois extremos sempre há material interessante para ser assistido. Se tiver mais alguma sugestão de bom filme que viu esse ano, comenta aí embaixo ou na page, recomendações sempre são boas. Até mais, tchau!

Review | Metropolis (2001)

2017-10-12T00:42:00.001-03:00

O filme alemão Metropolis de 1926, dirigido por Fritz Lang e escrito por Thea von Harbou, é para muitos o melhor filme da história. Obviamente, não é uma unanimidade, mas sua importância para a cultura é indiscutível.

Um dos primeiros filmes de ficção científica e o primeiro que envolvia robôs e clonagem, Metropolis é um clássico à frente do seu tempo com bastidores tão interessantes quando o filme em si. Para começar, um filme expressionista alemão lançado em épocas de ascensão do Partido Nazista, sendo um dos favoritos de Adolf Hitler. Anos depois, o divórcio de Lang e Harbou, um que seguiu rumo aos EUA para fazer filmes anti-nazismo e outra que se filiou ao partido fazendo propagandas pró-Hitler, uma verdadeira história de cinema. Já não bastasse essa curiosa situação, o filme, por fazer parte desse período conturbado da Alemanha, acabou quase sendo esquecido eternamente, já que boa parte de suas cópias acabou destruída, salvando-se poucas cenas de um filme de mais de duas horas.

Por sorte, ao passar dos anos rolos de filme com trechos da obra acabaram sendo encontrados, sendo hoje possível ter uma boa ideia do filme, apesar de ainda incompleto. A mais famosa versão, com cerca de 80 minutos, dos anos 80, foi produzida pelo compositor Giorgio Moroder e reapresentou essa fantástica obra ao público.

Num resumo básico, o filme lida com uma sociedade futurista no ano de 2026 em uma cidade chamada Metropolis. Nessa cidade, o proletariado em geral vive numa área baixa e térrea, enquanto os ricos vivem em enormes arranha-céus num nível superior da cidade, com máquinas voadoras e pontes entre torres. Um dia Freden, o filho do magnata e líder da cidade Fredersen, acaba indo para a parte baixa da cidade disfarçado de operário em busca de Maria, uma plebeia com quem encontrou na parte superior da cidade. Após uma série de fatos, Maria, que era uma narradora de contos bíblicos e seguida pelas crianças da parte baixa (o conto mais contado, Torre de Babel, sendo uma clara analogia a grande torre de Fredersen em busca de desafiar Deus), é raptada pelo cientista Rotwang, que a clona, passando sua imagem para a robô Maschinenmensch, a tornando a chamada “Fake Maria”. Após essa clonagem, surge todo um caos envolvendo as duas partes da cidade, acarretando um caos entre classes. Essa história, assim como o livro 1984, acabou se tornando a referência base para qualquer ficção científica de distopia, sendo uma delas o mangá Metropolis, de Osamu Tezuka que, ironicamente, nunca viu o filme, apenas se baseou num pôster do filme para elaborar toda a ideia.

Capa original do mangá

Considerando que Tezuka pouco sabia da obra alemã, é bem fácil imaginar que é tudo diferente. Ambientado simplesmente no século XX, o mangá de 1949 apresenta também uma realidade futurista, com foco principalmente na evolução da raça humana. No mangá temos como grupo vilão o Partido Vermelho, liderado pelo Red Duke, que busca a criação de um humano artificial com poderes para ajuda-los em suas conquistas. Lawton, o cientista que é ordenado a criar o ser, dá sua criação como morta, mas a esconde como seu filho, dando-lhe o nome de Michi, com a trama depois se desenvolvendo após Michi descobrir ser um robô. Num geral, o mangá soa muito mais como protótipo do clássico Astro Boy (maior criação de Tezuka, lançado anos depois), do que algo relacionado ao clássico de 1926.

Mas eis que no ano de 2001 no Japão é lançado o filme mais conhecido como Osamu Tezuka’s Metropolis, que é o que iremos realmente tratar aqui (após esse prólogo de 5 parágrafos). Apesar desse nome, o filme está longe de ser uma simples adaptação do mangá de Tezuka, mas sim uma nova obra original, mas influenciada tanto pelo filme de Lang quanto o mangá de Osamu. Dirigido por Rintaro (um dos principais diretores da Madhouse) e escrito por Katsuhiro Otomo (simplesmente o criador de Akira), o filme mistura elementos de roteiro e visual do filme com o mangá e adiciona uma atmosfera cyberpunk a tudo isso, mesmo em um visual colorido e otimista.

Pra começar, o filme se aproveita da atmosfera do filme, o mesmo estilo de arquitetura, com grandes torres e uma grande torre central, mas com elementos mais cyberpunk, mais adequados a visão futurista atual, o mesmo para a parte baixa da cidade, que ao invés de serem simples casinhas teatrais, são grandes favelas coloridas, muito para reforçar o tom de esperança, algo que será tratado aqui mais adiante.

Da parte do Tezuka, se aproveita alguns dos personagens, principalmente o Red Duke que aqui assume um papel igual ao de Fredersen no filme alemão. O Partido Vermelho aqui se torna os Marduks, um grupo de vigilantes caçadores de robôs defeituosos liderados pelo filho adotivo de Duke, Rock. Red Duke é o grande mandante de Metropolis apesar de haver um prefeito por lá, e atualmente tem como grande projeto o Ziggurat, um misterioso arranha-céu que para Red Duke funciona com o mesmo ideal da Torre de Babel. Enquanto isso, vem do Japão o detetive Shunsaku Ban e seu sobrinho Kenichi (também presente no mangá) com a intenção de prender o cientista Laughton, acusado de estar envolvido de tráfico de órgãos e partes humanas.

Logo vemos que Laughton está trabalhando para Red Duke em um projeto secreto, no caso a criação da androide Tima, que seria uma cópia perfeita da filha morta de Duke e que teria papel essencial para os planos do Ziggurat envolvendo o domínio da energia do sol (ideia também apresentada no mangá). Após uma série de problemas envolvendo ciúmes de Rock, o laboratório de Laughton acaba destruído e Tima acaba desaparecida pelas favelas de Metropolis ao lado de Kenichi.

A ideia de misturar Maria e Michi para a criação de Tima é excelente, criando uma personagem totalmente nova mas com elementos dos outros dois personagens, sem falar em todo o respeito geral do filme pelas duas obras. Obviamente, a narrativa aqui é muito melhor trabalhada que nas outras duas versões, até pelas mesmas terem sido lançadas ainda na primeira metade do século XX, sem falar em toda a evolução tecnológica no mundo todo nos 50 anos seguintes e principalmente às inúmeras obras de sci-fi lançadas e que servem também como base para esse filme. Não é difícil em alguma cena se lembrar de algum momento de Akira ou até mesmo do subestimado Brazil, indo muito mais além do que ser um simples remake.

O visual do filme é espetacular. A mistura e o contraste de cores consegue deixar tudo mais alegre, apesar da cidade as vezes reforçar mais o cinza ou o dourado (a noite) por causa das grandes torres. Toda a parte do mapeamento da parte superior da cidade é feita em computação gráfica que, apesar de limitada pela época, não chega a incomodar em nenhum momento justamente pela beleza artística. Como já dito, as favelas remetem muito ao cyberpunk clássico, com vários toques futuristas ao mesmo tempo que tudo se assemelha a situações de vida de pessoas de classe baixa e miserável da nossa realidade. Apesar de tudo, ainda mantem o visual colorido do filme todo, com destaque aos feixes de luz que passam através dos telhados das casas, simbolizando a esperança daquele povo de algum dia conseguir alcançar os mesmos benefícios das classes superiores, aonde magistralmente reforçado em cenas silenciosas com Tima abaixo dessa luz.

Vale o destaque que aqui robótica não é nenhum mistério, então Tima está longe de ser um diferencial como é Maschinenmensch apenas por ser artificial. A grande diferença está mais no fato da semelhança quase perfeita à um humano, com todos os órgãos feitos artificialmente, diferente dos outros robôs que possuem uma aparência clássica de máquinas. É por essa incrível semelhança que em vários momentos é debatido sobre até onde Tima não é uma pessoa, já que ela se parece e tem os mesmos sentimentos de uma garota normal, algo que sempre foi debatido na literatura sci-fi (principalmente com Asimov) e mais especificamente no cinema com Blade Runner.

Ainda lidando com o visual, muito da valorização do nome de Tezuka no filme se deve ao design dos personagens. Todos são feitos com o traço característico do mangaká (obviamente apenas o traço, já que o mesmo faleceu em 1989). Ou seja, é tudo com um traço bem infantil, com tudo meio exagerado, como pernas e braços largos e narizes enormes, isso no meio de um roteiro que lida com assuntos mais pesados e até mesmo com violência, o que causa um enorme contraste.

A trilha sonora original é composta por Toshiyuki Honda, totalmente voltada ao jazz (o que entra na parte das semelhanças com Brazil). A trilha casa muito bem com o estilo alegre do filme e serve para dar contraste com as partes mais fortes. Além da trilha original, o filme possui a clássica I Can’t Stop Loving You de Ray Charles, musica presente durante alguns momentos do filme e que acaba sendo tocada na integra durante toda uma cena, dando uma carga muito mais dramática à cena.

Lançado no mesmo ano de A Viagem de Chihiro, Metropolis é uma obra que acabou passando despercebida na época que foi lançada (já não bastasse o menor foco do mercado a filmes de língua não americana), acabando muitas vezes passando em branco em listas de grandes clássicos da animação japonesa, até por um certo preconceito de ser um remake. De qualquer modo, Metropolis de 2001 é uma verdadeira obra prima, um show de enquadramentos perfeitos e de direção de arte, com um uso magnífico da computação gráfica apesar das limitações, um roteiro excelente e uma trilha sonora magistral.

Review | Bingo: O Rei das Manhãs

2017-08-28T15:44:00.002-03:00

Infelizmente o grande número de filmes de qualidade pífia do cinema nacional acabam abafando o lançamento de filmes realmente bons produzidos por brasileiros e que muitas vezes nem entram em circuito comercial. Por sorte, há alguns projetos que fogem disso é conseguem suporte de grandes produtoras, assim proporcionando apresentações de trabalhos de grande qualidade para o grande público e Bingo é um desses célebres casos.

Vamos ser sinceros, Bingo vinha sendo um filme com expectativas bem baixas, aparentando ser mais uma de várias cinebiografias comuns sem um grande diferencial, junto ao problema da falta de licenças para utilização do nome Bozo e menos ainda de manter o nome de personagens. Por ironia do destino, são esses detalhes que tinham tudo para prejudicar ainda mais o filme que o consagram.

Esse é o primeiro trabalho como diretor de Daniel Rezende, esse que está longe de ser um iniciante no cinema. Trabalhou por mais de uma década como editor, com um currículo invejável, editando filmes como Cidade de Deus, os dois Tropa de Elite, o indicado ao Oscar de Melhor Filme e vencedor da Palma de Ouro A Árvore da Vida, O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias, Diários de Motocicleta, Ensaio sobre a Cegueira, entre outros projetos relevantes. Pelo primeiro filme citado, foi indicado ao Oscar e vencedor do BAFTA, uma enorme glória para um brasileiro. Depois de tantos anos trabalhando ao lado de Meirelles, Salles, Padilha, Hamburger e até mesmo Malick, Rezende decidiu se arriscar como diretor e, fazendo jus aos seus trabalhos na edição, demonstra ser um diretor de mão cheia.

O filme adapta bem livremente a história do ator Arlindo Barreto, no filme Augusto Mendes (interpretado por Vladimir Brichta), terceiro ator do palhaço Bozo no Brasil. Isso mesmo, terceiro, diferente do que é proposto na trama, aonde Augusto é o primeiro, no caso, palhaço Bingo. Desde esse ponto podemos interpretar o filme realmente como uma ficção, mas com leves inspirações em situações reais.

No filme, Augusto, filho da atriz Marta Mendes (interpretada por Ana Lúcia Torre e que na vida real era Márcia de Windsor), vive de sucessos no cinema da Pornochanchada, filmes pornográficos típicos da década de 70 e 80 do nosso país. Pai de Gabriel e ex-marido da atriz Angélica (interpretada por Tainá Muller), sucesso na TV Mundial (versão genérica da Globo), Augusto começa a ficar incomodado com sua carreira pornográfica e após fracasso na Mundial, resolve participar de um teste para uma nova novela na TVP (SBT) mas que no meio dos corredores de testes decidiu ir para a fila de atores que estavam tentando ser um novo palhaço, sucesso nos EUA que iria apresentar um programa infantil, chamado Bingo. Claro, o papel é conquistado por ele e assim a história se inicia.

Apesar de haver um grande foco nos bastidores da TV e em como foi desenvolvido o programa infantil, o maior destaque da trama escrita por Luis Bolognesi (Bicho de Sete Cabeças) fica para os vícios e loucuras de Augusto, em uma vida repleta de noitadas recheadas de prostitutas, álcool, cocaína, LSD e outras imoralidades. Conforme seu sucesso aumenta entre as crianças, o ator vai perdendo a admiração de seu filho e seu rumo na vida, se afundando nas drogas e no caos interno de não poder usufruir do sucesso como Augusto, apenas como Bingo.

Como falei, há sim um foco para os bastidores da TV que são bem interessantes, principalmente no que se trata da rivalidade entre Globo e SBT, no caso Mundial e TVP, principalmente no horário da manhã com o programa da Xuxa (Lulu no filme) de um lado e do Bozo (Bingo) do outro, aonde fica forte a presença da produtora e diretora Lúcia (Leandra Leal). O filme, como obviamente já ficou claro, é para um público adulto e não tem medo de brincar sobre o uso de sensualidade em programas infantis, sendo o uso de Gretchen (única personagem que mantiveram o nome real e que é interpretada por Emanuelle Araújo) um ponto chave nesse aspecto.

O filme, além de lidar muito bem tanto com a parte dos bastidores da TV quando do ápice e declínio de Augusto, também possui alguns sub-plots como da mãe do protagonista, abandonada pela televisão após se tornar idosa, o que conversa com o plano geral do filme envolvendo sucesso e glória e o quanto eles duram.

Daniel sabe muito bem montar trechos de plano sequência, abusando disso e apresentando sua própria cara logo em sua estreia. A fotografia de Lula Carvalho, acompanhado da direção de arte de Cássio Amarante ajudam em muito para o embelezamento das cenas e da fidelidade de cenários e clima da época.

Há ainda um aproveitamento da história para também lidar um pouco com a sociedade e o clima brasileiro nos anos 80, na pegada da redemocratização e da busca por liberdade em excesso. Com isso, aproveita talvez o que há de melhor nessa época que é as músicas, utilizando de grandes sucessos sejam nacionais como Roupa Nova e Tokyo ou internacionais como Nena, DEVO e Echo & The Bunnymen. Na trilha original, composta por Beto Villares (Abril Despedaçado) também mantem esse clima, utilizando apenas de sintetizadores, numa pegada bem semelhante a utilizada na série Stranger Things.

Em um mundo moderno com vlogger e web-celebridades agindo de forma caricata em busca de views e sucesso, um filme ambientado nos anos 80 conversa muito bem com o presente. Mesclando bem esse aspecto com um drama envolvendo fracasso familiar e abuso de drogas com direitos a bad trips (não tão loucas como em Trainspotting mas ainda sim bacanas), Bingo: O Rei das Manhãs pode ter talvez o poder de dar uma mudada no cenário nacional do cinema. Desde os Tropa de Elite não havia um filme de circuito comercial com uma combinação de boas ideias e práticas melhores ainda, logo é um filme mais do que obrigatória para quem possui interesse em dar chance para os bons filmes do nosso cinema.

Review | Garoto Nota 10

2017-08-10T15:00:00.000-03:00

É sempre interessante assistir os primeiros filmes das carreiras de atores populares nos dias atuais e Starter for 10 é um prato cheio para isso. Com um elenco que seria invejável para os dias de hoje, a simples comédia de 2006 abriu as portas para muitos nomes do cinema britânico atual.

Em Garoto Nota 10 temos como protagonista o jovem Bryan Jackson (James McAvoy), um adolescente nerd que passou sua infância assistindo ao popular programa University Challenge, famoso pela frase “Your starter for 10”, de onde saiu o título original do filme. Após toda uma infância e juventude em uma cidade pobre da Grã-Bretanha, Bryan consegue uma vaga na Bristol University.

Logo após ingressar a universidade, Jackson começa a se enturmar com novas pessoas como seus companheiros de quarto festeiros e a jovem Rebecca (Rebecca Hall), uma militante de todas as causas de minorias possíveis. Também logo se inscreve para participar do grupo de estudantes que participa do University Challenge, que sempre foi seu maior sonho. No grupo, liderado pelo estranho Patrick Watts (em uma atuação incrível de Benedict Cumberbatch), Bryan conhece a bela Alice (Alice Eve) que o deixa gamado desde a primeira vista.

Ambientado em 1985, o filme segue um caminho seguro inspirado nas comédias românticas dos anos 80. Possuindo aqueles dilemas clássicos do adolescente apaixonado pela loira que não dá bola pra ele deixando a amiga morena (que claramente parece mais compatível com ele) na zona da amizade, é uma trama de romance obviamente clichê, mas que é contada de forma divertida.

James McAvoy, apesar de ter começando no cinema no fim dos anos 90, só foi ter um importante papel um ano antes desse filme em Nárnia, sendo o único ator jovem daqui já com uma bagagem de cinema boa até. Já para Benedict Cumberbatch, que já possuía um bom currículo com telefilmes (interpretou Stephen Hawking em uma adaptação respeitada), só foi ter sua primeira chance no cinema com esse filme (já havia feito figuração anos antes, nada relevante). Rebecca Hall e Alice Eve (que tiveram personagens criadas de forma bem criativa, não?) começaram no cinema naquele ano também. Dominic Cooper, que interpreta o melhor amigo de Jackson, Spencer, também estava em seus primeiros anos, chegando a ser nomeado em premiações como ator revelação.

O filme possui um desenvolvimento leve e divertido, mostrando como um jovem inteligente pode entrar em declínio nos estudos e socialmente pelo abalo causando por paixões adolescentes. É uma trama que mesmo genérica te prende por ser bem apresentada, até pela pegada oitentista que o filme possui. Mesmo sendo básico, o filme dá espaço para bons momentos de atuações, como quase todas as cenas de Cumberbatch e as cenas com McAvoy interpretando seu personagem chapado de droga (momentos que lembram sua atuação maluca em Fragmentado, desse ano).

Como a maioria dos filmes britânicos passados nos anos 80, à exemplo de Billy Elliot e Sing Street, o filme faz sérias críticas a crise econômica que abalou a população durante esse período, com alto índice de desemprego. Há alguns momentos que o filme usa isso como motivo de conflito, além de sempre cutucar o governo Tatcher.

Por se passar em 1985, o filme aproveita para utilizar uma ótima seleção de músicas da época, usando e abusando principalmente de The Cure (há 4 músicas da banda no filme), além de Yazoo, Motherhead, Bananarama e outras bandas da época.

Starter for 10 é um filme bacana que cumpre sua proposta. Com momentos divertidos, boas atuações e a revelação de nomes de peso, é trabalho com um “q” de Sessão da Tarde que vale a pena assistir para aproveitar o tempo.

Review | Planeta dos Macacos: A Guerra

2017-08-08T14:00:00.000-03:00

Qual o direito de dominar outra espécie? Em que momento se está no direito de atacar a paz alheia? Até que ponto os problemas de um grupo são culpa de outro? Realmente não há espaço para a coexistência de espécies durante o processo evolutivo? Desde a década de 60 esses são tópicos discutidos pela franquia Planeta dos Macacos, que durante anos vem sendo metáfora parada desde o abuso de animais a conflitos raciais e religiosos. Planeta dos Macacos: A Guerra finaliza a saga de César (Andy Serkis) iniciada em Planeta dos Macacos: A Origem (2011), fechando com chave de ouro uma das trilogias mais bem desenvolvidas da história do cinema, principalmente do século XXI.

Após o ataque vingativo de Koba aos humanos no filme anterior, a guerra entre a raça humana e os macacos estourou e se tornou algo de importância evolutiva mais do que clara. César se vê obrigado a manter forte suas tropas contra os humanos, em uma guerra que ele sempre tentou evitar. O filme começa com os humanos finalmente encontrando a fortaleza de César à fim de exterminá-lo, mas os homens acabam derrotados, sendo reservado a eles retornar a seu coronel para mandar o recado de paz de César. E não só de homens é formado o exército humano, desertores de César, antigos seguidores de Koba, se juntaram aos inimigos em forma de vingança pela morte de seu líder.

O espírito de paz de César morre com poucos minutos de filme, com aquele macaco pacifista que conhecemos nos 2 filmes anteriores dando de cara com a pior crueldade que poderiam ter feito a ele, assim deixando sua fúria e seu ódio se exaltarem em busca de vingança ao Coronel (interpretado por Woody Harrelson). Enquanto seu povo segue em direção à uma terra prometida que seria o lar definitivo para se manterem em paz, César sai em uma caçada inicialmente solitária no que parece ser sua derrocada para se tornar o que Koba era.

O ponto da história apresentado aqui já é de um apocalipse humano quase iminente. Os resultados do vírus símio voltam a ser questionados e a aparente inversão de virtudes e habilidades dos primatas e dos humanos incita que o aguardado momento que a Terra se tornará o planeta dos macacos está bem próximo.

Recheado de referências bíblicas, Planeta dos Macacos: A Guerra é uma metáfora símia à uma mistura das histórias de Moisés e Jesus Cristo, com a santificação de César como salvador de sua raça sendo colocada à prova, com os embates entre macacos e humanos sendo facilmente colocado em paralelo às guerras santas.

E nem só de inspiração bíblica Matt Reeves e Mark Bomback utilizam, usando de clara influência cinematográfica de filmes de Segunda Guerra Mundial e Guerra do Vietnã, além de filmes de holocausto. As homenagens à Apocalypse Now chegam a ser óbvias, com momentos de explicita referência.

A impossibilidade de coexistência entre grupos diferentes em um mesmo espaço é desenvolvida nesse filme ainda mais do que nos anteriores, fazendo alusões óbvias ao momento o qual passamos, fazendo paralelos a questão de imigração, refugiados e ocupação de espaço e poder de um povo sobre outro. Não só da questão de latinos e islâmicos se aproveita, também claramente comparando a situação dos símios à dos negros durante os últimos séculos e aos judeus durante vários períodos chave da história mundial como a era nazista.

O filme é o mais melancólico e frio da trilogia, com uma carga dramática forte e tocante, algo impressionante considerando o uso de captura de movimentos acompanhada de computação gráfica. Por sinal, a atuação e emoção expostos atrás do CG se mostram mais impactantes e tocantes que muitas representações feitas puramente em live-action. Andy Serkis, agora interpretando um César mais evoluído e com fala mais desenvolvida, carrega o filme nas costas apresentando uma atuação magnífica e assustadora.

Apesar da amargura do tom do filme, há leves espaços para humor que ficam a cargo do personagem Bad Ape / Macaco Mal (Steve Zahn) que apresenta momentos divertidos seja com seu jeito desajeitado ou por sua expressão boba. Apesar disso, é um personagem que no fundo desse tom mais leve possui uma carga também melancólica.

A trilha sonora sempre foi um ponto forte da franquia e aqui se sobressai. Composta por Michael Giaccino (que também faz um bom trabalho em Homem-Aranha: De Volta ao Lar), possui uma mistura de sons mais indígenas usando tambores e batidas, enquanto reserva para momentos mais dramáticos leves sons de piano e violão, com tudo sendo encaixado perfeitamente nos momentos adequados.

Em um misto de metáfora religiosa, guerra e western, Planeta dos Macacos: A Guerra é um dos finais de trilogia mais magníficos produzidos para o cinema em uma saga que se superou a cada filme. Mesmo com uma deixa de espaço suficiente até mesmo para uma nova trilogia, o filme termina de forma que facilmente pode ser conectado ao clássico de 1968. Em uma direção primorosa de Matt Reeves com uma cinegrafia belíssima de Michael Seresin e a atuação deslumbrante de Andy Serkis, o terceiro ato da saga de César pode facilmente ser classificado como um novo clássico cinematográfico.

Review | Dunkirk

2017-08-06T19:31:00.001-03:00

Todo novo filme de Christopher Nolan é antecedido de muita expectativa desde O Cavaleiro das Trevas. Nolan conseguiu indicação de Melhor Filme no Oscar para A Origem anos depois e depois veio o fechamento da trilogia Batman e seu pretencioso projeto Interestelar. Pessoalmente acho O Cavaleiro das Trevas Ressurge um filme com algumas derrapadas feias, já o mesmo não penso de Interestelar, filme que acho excelente, diferente de uma grande parcela que não gostou do filme. De qualquer modo, Nolan, após apostar em um sci-fi espacial, decidiu se arriscar em um filme de guerra, baseado na fuga da praia de Dunkirk durante a Segunda Guerra Mundial.

Dunkirk mostra para nós as últimas horas antes do resgate das tropas britânicas da cidade francesa Dunquerque, narrando a história dos três protagonistas. O arco “Molhe” mostra o jovem Tommy (Fionn Whitehead) e outros que encontra pelo caminho tentando arranjar um modo de voltar para a Inglaterra. No arco “Mar” vemos o médico Sr. Dawson (Mark Rylance) indo com seu barco pessoal acompanhado de seu filho e um jovem amigo à Dunquerque ajudar no resgate dos soldados britânicos. Já no arco “Ar”, protagonizado pelo piloto Farrier (Tom Hardy) dando apoio aéreo junto à sua equipe para abater aviões do Eixo que estão bombardeando a praia repleta de soltados esperando por socorro.

Desde já vale deixar claro que o filme não possui um roteiro muito bem construído. Christopher Nolan, agora sem parceria com seu irmão Jonathan, faz apenas o simples para manter uma narrativa, nada além disso. O foco do filme está completamente na direção, representando da forma mais fiel possível duelos e modos de sobrevivência durante a Segunda Guerra.

O filme durante boa parte do tempo nos remete ao último ato de Titanic (1997), com foco na destruição de embarcações, afogamentos, claustrofobia e pânico, mas diferente da obra de Cameron, aqui não é deixado espaço para romance ou duelos morais enquanto todos estão à beira da morte.

Sabe-se que dirigir cenas aquáticas é um dos maiores desafios para qualquer diretor. Aqui Nolan demonstra um domínio absurdo em dirigir cenas nesse tipo de ambiente. O modo como é retratado os barcos afundando (com soldados dentro), sem falar no óleo seguido de fogo sobre o mar é algo desesperador e ao mesmo brilhante aos olhos, causando uma situação forte de imersão.

Outro tipo de situação complicada de ser retratada nos cinemas também é a de voos e principalmente batalhas aéreas. Raramente algum filme consegue passar um bom dinamismo nesse tipo de combate e principalmente tornar compreensível para o telespectador o que está acontecendo, já que a geografia nesse tipo de situação é no mínimo caótica. Novamente, um ponto que Nolan se supera e consegue manter com maestria, tornando esse provavelmente o melhor arco do filme (acompanhado por aquela velha estranha situação de achar carismático um personagem do Tom Hardy que mal fala e fica de máscara o filme todo).

Apesar de como eu já ter dito o roteiro ser algo pouco interferente no filme, ainda há momentos interessantes, todos no arco dos sobreviventes. Aqui é dado alguns conflitos morais envolvendo a sobrevivência e de como a ameaça de morte pode tornar todos selvagens com a mínima compaixão pelo próximo. Nisso temos o personagem Alex (Harry Styles) que, em um de seus poucos momentos relevantes, apenas gera ira de quem assiste.

A trilha sonora de Hans Zimmer é boa como sempre, mas menos marcante do que de costume. Aqui o objetivo é mais a sincronia com a ação, usando toques repetitivos e aparentemente intermináveis, mas quase sem o seu famoso uso de órgãos. Ainda falando do som, a mixagem do mesmo foi algo comentado bastante no lançamento do filme, principalmente pelo som alto dos tiros e explosões. Não se trata de nada muito absurdo, são sons fortes quando precisam e mais fracos quando não, é uma ferramenta de imersão que funciona de forma ótima.

Infelizmente, nem tudo são flores. O arco de Mark Rylance é bem fraco e fica abordando dramas pouco emotivos e que apenas soam de desequilíbrio para o filme. Enquanto os 2 outros arcos focam em algo mais frio, aqui Nolan tenta causar um drama desnecessário e apenas prejudicial à trama. Também é possível sentir falta de um roteiro mais bem elaborado, com a falta de Jonathan Nolan sendo fácil de notar. Claro, o objetivo do filme é ser frio e mais realista, mas considerando a existência do arco de Rylance, seria possível uma história mais elaborada para os outros personagens, por mais simples que fosse.

Dunkirk é um filme quase perfeito tecnicamente. Provavelmente desde Avatar nenhum filme teve um poder de impacto tão forte para os cinemas como esse. A imersão proporcionada pelo forte som acompanhado de um belo uso do IMAX, que permite uma total noção geográfica do filme, deixa em cheque a necessidade do 3D, que o próprio James Cameron, que o popularizou, pretende não usar mais. Nolan faz um trabalho notável como diretor de cenas grandiosas de cenas de ação, mas talvez pudesse ter dado apenas uma dose bem feita dos dramas que costuma inserir em seus filmes, por mais criticado que seja por alguns nesse aspecto.

Twin Peaks: Um pouco sobre o ícone cult

2017-06-24T21:03:00.002-03:00

Pode parecer 25 anos, mas o blog só tá parado há alguns meses, mesmo assim parece uma eternidade. Essas pausas longas me irritam completamente, mas infelizmente tempo é algo em falta (não que eu necessariamente possua tempo agora, mas a falta de escrever ia acabar me matando).

Em cerca de 8 meses de blog ainda não tinha conseguido a oportunidade para falar de séries aqui (nem de HQs, mas isso fica mais pra frente) e, por coincidência, há uma deixa perfeita para escrever sobre durante esse e os próximos meses. No final do mês passado o canal Showtime realizou o sonho de milhares de fãs e trouxe de volta, após 2 décadas e meia, uma das séries mais cultuadas da história: Twin Peaks. Criada pelo renomado (e completamente maluco) cineasta David Lynch, a série que foi um sucesso do início dos anos 90 retorna agora trazendo de volta as doideiras da série original, agora com a oportunidade de ser mais explicita.

Tá, uma boa parte de quem está lendo deve ainda estar se perguntando o que diabos é essa série. Ela nunca chegou a ser muito popular por aqui (por sorte, alguém talvez tenha tipo a oportunidade de ver no Canal Viva há uns anos atrás, ou quando estava disponível na Netflix), na época sendo exibida nas noites de domingo toda picotada na Globo (alguns anos mais tarde na Record), enquanto passava na ABC nos EUA (também um canal aberto, algo que vale destacar desde já). Mesmo assim, é uma série com fanbase relevante por aqui, apesar de bem menos que entre os americanos. De qualquer modo, deixo claro que é uma série bem no padrão “ame ou odeie”.

Na trama original, tudo começa quando é encontrado o cadáver de Laura Palmer (Sheryl Lee) enrolado em saco plástico na beira de um rio em Twin Peaks. Laura era provavelmente a aluna mais popular da escola em que estudava, o que também queria dizer que quase todos daquela pequena cidade, na fronteira com o Canadá, conheciam. Como é de se imaginar, esse tipo de crime era no mínimo incomum na cidade, causando um impacto geral, principalmente se tratando de alguém querido pela maioria. O crime logo trás o agente especial do FBI Dale Cooper (Kyle MacLachlan) à cidade para investigar o caso.

A história poderia se desenvolver como um thriller qualquer, vários suspeitos, cidade pequena, achar pistas... Mas é o do Lynch que a gente tá falando e, quando se fala dele dá pra se esperar muita coisa fora da casinha e bem, isso já começa a ficar claro desde o terceiro episódio e... O ANÃO DANÇANTE.

Twin Peaks é uma série que vai perdendo a noção do crível a cada episódio e é isso que a torna tão especial. Pouco a pouco vamos descobrindo quem matou a Laura e vemos que isso é apenas um começo para as maiores revelações. De praxe, a imagem de santa boa moça de Palmer começa a cair por água abaixo e vemos o quão perdida e morta por dentro ela já estava antes de ser assassinada.

O trabalho de David Lynch com o co-roteirista Mark Frost se destaca muito mais pela criação da mitologia da série do que pelo desenvolvimento de trama. Seja no modo bem construído que é apresentado os personagens, seja na parte mística que vai se revelando aos poucos.

A série a todo momento fica vagando num emaranhado que mistura suspense, terror e comédia, sendo nesse terceiro aspecto que a série consegue se manter durante boa parte do tempo. Apesar dos temas tensos que a história lida, o que não falta são personagens engraçados. A verdade é que Twin Peaks É UM GRANDE NOVELÃO! Tem o núcleo mais focado na trama, o núcleo do casal adolescente chato, o núcleo do marido que não gosta da esposa, o núcleo do corno, o núcleo dos comédia, o núcleo do casal de trambiqueiros, só não tem o núcleo do bar da Dona Jura.

Vamos analisar os personagens. Pra começar, o protagonista, Dale Cooper. Ele é um personagem que vai evoluindo com o tempo e se tornando mais sério conforme os problemas graves surgem, mas de início, principalmente na primeira temporada, temos um investigador no mínimo galhofa. O cara é o clichê absoluto de policial, pagando de certinho, viciado em donnuts, torta de cereja e CAFÉ. Sim, muito café! Na maior parte da série a xícara de café parece estar colada na mão do Cooper, sendo a marca registrada dele além do terno, o gravador (“Diane...”) e o JOINHA! Sem falar nas brisas envolvendo Tibet e no modo como segue sua intuição (que por algum diabo de motivo sempre está certa).

Se não bastasse um protagonista com grande forte no humor, temos ainda núcleos com foco só nisso como do Andy com a Lucy (que se resume a um romance de dois idiotas exagerados) ou da Nadine ou do Ben Horne birutas (qualquer coisa dita além disso já vira spoiler). Sem falar que ao longo da série surgem amigos de Cooper tão carismáticos quanto ele como o sempre mal-educado Albert, ~~a velha surda da Praça é Nossa~~ o surdo Gordon Cole (interpretado pelo próprio David Lynch) e Denise que, mesmo se tratando de uma transexual, é cómico sem em nenhum momento ser lidado de maneira homofóbica ou transfóbica.

Claro, temos outros personagens interessantíssimos, como Audrey (e suas danças sem sentido em situações quaisquer), o maluco doutor Jacoby, o velho que trabalha no hotel, o gigante, Maddy (a prima de Laura, também interpretada por Sheryl Lee), a doce Annie (Heather Graham, provando que deve ser uma vampira por aparentar a mesma idade após 25 anos), a também linda Shelly e o malandro do Bobby (filho do misterioso Major Briggs, um dos melhores personagens da segunda temporada). Leeland Palmer então, um caso a parte.

Quando a merenda é boa e ~~você morre~~ só pode um prato por pessoa

Apresentar trejeitos e características específicas é algo que poucos sabem fazer bem feito, e Twin Peaks manda bem demais nisso. Não é difícil achar cosplayers de Mulher do Tronco ou a associação de Cooper ao café e a torta. Símbolos como a sala vermelha, o anel verde e o símbolo presente no mesmo anel são praticamente marcas registradas, sendo facilmente motivos de homenagens em inúmeros lugares como Scooby-Doo, Apenas um Show, Max Payne...

Tá, nem tudo é vantajoso nesse padrão novela da série, e isso fica claro na segunda metade da segunda temporada, aonde enfiaram muita coisa desnecessária para encher linguiça e, se há um problema novelístico na série, se chama Donna e James. Os dois no começo te chamam a atenção e tals, você até espera algo interessante mas... Pqp, chega uma hora que dá nos nervos, casalsinho meloso do caramba.

Agora vamos voltar a falar de coisa boa. Além da comédia já citada, a série tem um grande talento no que se refere a suspense e terror. O mistério de quem matou Laura Palmer é até bem popular, mas seu assassino nem tanto, até pela complexidade do caso. Laura tinha a ficha mais suja que fim de festa e é quase como se tivesse vários culpados, apesar de um principal que ainda continua sendo complexo. Vale destacar que o assassino é revelado ainda antes da metade da segunda temporada, o que acaba resultando naqueles problemas novelísticos. Depois desse caso o foco se volta mais ao Cooper e à demônios de seu passado, uma trama que, apesar de começar meio lenta, vai ficando bastante interessante até o fim da série.

Agora destacando o tal do terror, ele está quase que todo presente só nos episódios dirigidos pelo Lynch (diferente da nova temporada, David dirigiu apenas alguns, com direito a Diane Keaton atrás das câmeras em um dos outros). Normalmente os momentos de terror costumam ocorrer no fim de alguns episódios, geralmente possuindo algumas cenas com gritos e flashs assustadores, principalmente no que envolve Bob, personagem central da série. E claro, o episódio final da segunda temporada consegue trazer uma dose forte de terror, seja psicológico, seja no que se refere a sustos. A complexidade da série ainda é algo pra se ver em outro artigo, mais focado no lore.

TRAZ ÁGUA BENTA!!!

Depois de uma primeira temporada bem popular e uma segunda que decaiu de popularidade no meio, Twin Peaks foi encerrado com alguns dos cliffhangers mais safados da história. Na verdade, a primeira temporada também termina assim e a grande verdade é que Lynch não queria continuar desde ela, ou seja, as pontas soltas são mais por ~~filhadaputagem~~ luxo do criador do que por motivo de cancelamento. De qualquer modo, em 1993 foi lançado Twin Peaks: Fire Walk With Me, que foi lindamente traduzido pra cá como “Os Últimos Dias de Laura Palmer”. Pô, nem imagino do que o filme fala. Mas como tá descarado aí, o filme conta o que rolou com a Laura antes de virar um rocambole de saco plástico no rio. Além disso, também conta o caso do primeiro assassinato que estaria ligado ao de Laura, investigado pelos agentes Desmond (Chris Isaac) e Sam Stanley (~~Jack Bauer~~ ~~Venom Snake~~ Kiefer Sutherland), o que nos apresenta a um certo anel que tem total importância pro lore da história. Além disso, também temos alguns acontecimentos pós-final da série, sem falar de uma situação inusitada envolvendo um agente desaparecido da CIA chamado Phillip Jeffries (David Bowie).

Fire Walk With Me foi o primeiro filme de Lynch após Coração Selvagem, filme com Nicholas Cage e Laura Dern que deu ao diretor o prêmio Palma de Ouro em Cannes. Nesse momento David estava mais do que em alta, já com 2 indicações ao Oscar, vitória no Globo de Ouro, indicações ao Emmy, além de outros prêmios. Eis que a prequela de Twin Peaks é apresentada em Cannes e... É vaiada pra caramba! Foi e é até hoje é um dos casos mais polêmicos e famosos do festival, considerando todos os fatores que citei. A galera avacalhou o filme criticando a ordem um tanto bagunçada das coisas além de ser difícil de entender pra quem não conhecia a série (aí já é pedir demais, né?). A verdade é que o filme, apesar de ser bom, claramente tem seus problemas, parece que faltam coisas (e realmente faltam, já que Lynch filmou cerca de 5 horas de filmes, reduzidas pra 2), e é aí que entra o segundo “filme”.

Em 2014 a série foi finalmente remasterizada e lançada num box maravilhoso de blu-ray (que saiu custando uma facada por aqui, apesar de uma promoção louca que rolou no Submarino uma vez). Além de trazer toda a série e o filme, também trazia “The Missing Pieces”, o tal segundo filme que disse. O disco traz uma série de cenas deletadas de Fire Walk With Me, unidas na forma de um filminho mesmo, em ordem cronológica com 1 hora e meia de material (maior que muito filme por aí, por isso muitos os classificam como um). Missing Pieces é um acompanhamento mais do que necessário pra se ver logo após FWWM, cobrindo várias pontas além de esclarecer várias coisas como o personagem já citado do Bowie (que no filme original aparece cerca de 1 minuto apenas, aqui possuindo bem mais destaque). De sobra, blu-ray bônus é finalizado com uma versão estendida da cena final da série, pra deixar mais do que claro o que ocorreu.

De Fire Walk With Me até esse box de blu-ray foram mais de 2 décadas, com Lynch sempre se recusando a propostas de continuar a série, até por possuir planos envolvendo o cinema. Quase voltou para a TV como Mulholland Dr., série de 1999 que mal passou do piloto e que acabou sendo regravado em 2002 como o filme Cidade dos Sonhos (que resultou a volta da glória do diretor em Cannes, com prêmio nesta categoria, sem contar a indicação ao Oscar). Nessas 2 décadas Twin Peaks foi se tornando cada vez mais cult, com mais fãs pedindo para o retorno, sempre negado por David, que chegou a proibir uma HQ que começou a ser produzida para dar sequência à trama. Mas depois que foi lançado Missing Pieces as teorias sobre uma provável terceira temporada começaram a ficar fortes, o que se confirmou 1 ano depois.

Twin Peaks: The Return está indo ao ar todos os domingos de noite no Showtime dos EUA, saindo por aqui na Netflix na segunda-feira seguinte. O grande mérito para essa nova temporada é ser toda dirigida por Lynch, o que mantém um padrão em todos os episódios, além de tornar todos eles ainda mais estranhos. Também vale lembrar que a grande maioria dos atores retornaram, o que torna a sensação de assistir ainda mais bacana. O objetivo da trama atual está se revelando aos poucos, sendo uma série bem creepy que a antiga, até por não ser mais em canal aberto, o que permite classificação mais alta. As cenas de humor envolvendo gente andando devagar ou pausas silenciosas em conversas agora são ainda mais comuns, sem falar nos atores famosos que foram chamados, como Amanda Seyfried, Michael Cera e Laura Dern. Ah, e todo episódio temos uma apresentação musical na Roadhouse, com bandas em maioria indies, tendo como futuros convidados confirmados Eddie Vedder do Pearl Jam (ou seria um personagem? Ainda não se sabe) e a cantora da série clássica, Julee Cruise. Provavelmente rola artigo sobre essa temporada logo que acabar.

Por hoje é isso, espero que tenham gostado. Pretendo continuar trazendo materiais com mais frequência pro blog, de preferência artigos, além de tentar melhorar a cara da casa. E sobre Twin Peaks, se ainda não viram, deem um jeito de verem para não ficarem perdidos com a nova temporada sendo exibida.

Sendo otimista, essa é a previsão pro próximo artigo

BYE!

Quiz | Você sabe tudo sobre o Oscar?

2017-05-01T16:15:00.000-03:00

Em quase um século da principal premiação do cinema vários foram os indicados, premiados e esquecidos pela Academia. Para iniciar uma nova fase do blog, um quiz com 10 questões sobre alguns fatos dessa premiação.

Review | T2 Trainspotting

2017-04-07T12:50:00.001-03:00

Lá se vão 21 anos desde que a obra de Danny Boyle baseada no livro de Irvine Welsh deu às caras nos cinemas causando alvoroço por seu conteúdo polêmico. A vida dos amigos malucos e drogados escoceses era um cutucão forte à sociedade da época, ironizando o modo padrão de vida e ao mesmo tempo mostrando o quanto era desorientada a vida dos jovens na época. Décadas se passaram e Trainspotting ainda é um filme muito atual, o que não torna a sequência desnecessária.

O primeiro filme foi lançado em 1996. Desde então houveram várias conversas sobre uma sequência, principalmente baseada agora no livro “Pornô”, lançado em 2002. Anos se passaram e surgiram algumas desavenças entre atores e diretor, somadas às carreiras que cada um seguiu. Na época, Danny Boyle ainda era um iniciante que havia conseguido um destaque com Cova Rasa, protagonizado já por Ewan McGregor. Os outros atores também não possuíam nenhum enorme destaque, ou seja, eram iniciantes nessa carreira de cinema. Agora em 2017 a situação é outra. Jonny Lee Miller agora faz sucesso sendo Sherlock Holmes na série Elementary, assim como Robert Carlyle em Once Upon a Time. Ewen Bremner faz alguns coadjuvantes em filmes de sucesso, enquanto a garota Kelly Macdonald agora é uma mulher de sucesso em Hollywood. Ewan conseguiu seu destaque se eternizando em Star Wars como Obi-Wan, assim como conseguiu manter uma carreira em alta. Já o Oscar de Danny Boyle por “Quem quer ser um Milionário?” fala por si só. Após tantos desencontros, finalmente todos conseguiram entrar em acordo e finalmente gravar uma sequência.

Assim como na vida real, se passaram duas décadas desde que Renton traiu seus amigos e fugiu com a grana da venda dos pacotes de heroína. Eis que após algumas complicações em sua vida ele resolve finalmente botar os pés novamente na Escócia pela primeira vez desde aquilo. Em uma época toda diferente ele retorna à sua cidade de juventude e nota que apesar de tudo as coisas não mudaram tanto. Spud continua desorientado, ao mesmo tempo em que Sick Boy ainda continua com seus planos mirabolantes para conseguir dinheiro. Ao mesmo tempo Begbie vem passando um bom tempo na prisão. Obviamente ele é recebido da pior forma possível já que, assim como aquela última história ficou marcada para ele, para os outros ficou ainda mais, somado à um acumulo de rancor pela traição de um dos membros daquela irmandade. Nem mesmo Spud, que recebeu sua parte naquela situação, recebe bem o amigo, até pelo dinheiro deixado ter servido apenas para sustentar seu vício exagerado.

Apesar das intrigas iniciais, Mark vai conseguindo reatar a amizade com seus antigos parceiros. Logo vai compreendendo como foi a vida de seus amigos nesse tempo e como suas tentativas de formar família fracassaram. Ao mesmo tempo Sick Boy vem planejando um modo de passar a perna em Renton para se vingar e conseguir abrir um grande prostíbulo para chefiar ao lado de sua namorada Veronika (Anjela Nedyalkova). Para completar, Begbie conseguiu fugir da cadeia e agora tenta voltar a carreira de crimes ao mesmo tempo que tentar lidar com as diferenças com sua esposa e seu filho.

Apesar da carreira já consolidada de Boyle como diretor, aqui ele resolve dar uma arriscada e tomar um modo de dirigir mais estilizado e diferente. Talvez para manter a identidade louca do primeiro filme, ele utiliza posicionamentos de câmera normalmente em movimento, complementados por frames travados que já existiam no primeiro. Ao mesmo tempo, há um abuso de cortes bruscos de cenas, que no início soam bem incômodos mas aos poucos ocorrem com menos frequência e de forma mais compreensível. Há agora um apelo para adereços visuais, como efeitos ao estilo Snapchat nos rostos, numerações no lado de fora de prédios, conversas de celular expostas no ar, assim como outros atrativos para dar um ar mais moderno e descontraído.

A história do filme segue um modo parecido com o primeiro, sem se prender numa trama de objetivo fixo, com ela se desenvolvendo aos poucos com maior foco nas relações entre os personagens. Mesmo assim há aqueles pontos mais centrais para cada um no filme como a tentativa da criação do prostibulo de Sick Boy, a melhora sexual de Begbie e a busca por um hobbie de Spud. O filme também traz um grande foco para o passado dos personagens, indo mais longe que o filme anterior, lidando com o início deles no mundo das drogas ou até mesmo a infância deles na escola demonstrando o quão ligados todos sempre foram desde pequenos. É algo provavelmente inspirado no terceiro livro, “Skagboys”, lançado em 2012. Esse aprofundamento é totalmente positivo, aumentando de forma caprichada o lore dos personagens de forma a compreender mais os mesmos.

O filme usa e abusa do fan-service. Ao longo de todo o filme vemos fotos provavelmente tiradas em bastidores do filme antigo, assim como trechos do filme original, muitas vezes para comparar momentos parecidos. Há coisas completamente mantidas como o quarto de Renton, assim como há sempre alguma piada que só é possível de entender caso já tenha assistido o primeiro, como um vazo completamente sujo. Para alguém de primeira viagem é apenas uma cena de segundos, mas para quem já conhece o primeiro, sabe o significado e a referência daquilo. O filme também traz outros personagens do filme anterior como Diane (Kelly Macdonald), Mikey (Irvine Welsh) e Gail (Shirley Henderson), mostrando como as coisas ainda se parecem bastante mesmo depois de tanto tempo.

É interessante notar como a ideia do filme combina totalmente com os personagens. No primeiro, principalmente Renton e Sick Boy eram dois nostálgicos, essencialmente por coisas que mal viveram, como a grande fase de George Best ou o rock dos anos 70. Aqui, estão todos com seus mais de 40 anos, tendo seus motivos para serem nostálgicos, agora relembrando também aquela fase dos anos 90, a música eletrônica e o alto consumo de droga. Falando nisso, há uma preocupação menor nesse filme sobre denunciar os males das drogas, ao mesmo tempo em que o filme possui talvez uma carga dramática mais forte que o primeiro, principalmente na nova versão do monólogo "Choose Life” que, dessa vez, termina de forma bem depressiva, mostrando um lado conturbado da mente de Mark e de como ele se arrepende de decisões que tomou.

Um dos grandes atrativos do primeiro filme era a trilha sonora e aqui não poderia ser diferente. Na soundtrack temos uma boa variedade de músicas, desde as mais antigas às mais atuais. Temos “Radio Gaga” do Queen, “Relax” de Frankie Goes to Hollywood, “Dreamers” de Blondie assim como remixes de Lust for Life e Born Slippy do primeiro filme. De quebra, a música “Sink” do Wolf Alice, presente no primeiro trailer, também toca. O filme sabe usar muito bem as músicas, sendo muito comum cenas que logo trocam de uma para outra ou ficam intercalando ou rolando um breve mash-up.

T2: Trainspotting pode não ser uma obra prima igual ao original mas mesmo assim consegue honrar o primeiro filme. É um filme que respeita completamente a essência dos personagens e daquele universo, expandindo ainda mais sobre o passado do grupo de amigos e de como eles se relacionam. Mesmo com um começo cheio de cortes estranhos, o filme engrena bem ao passar do tempo, sendo extremamente divertido e mantendo aquela essência maluca, alegre e repleta de humor negro.

Os Favoritos e Esquecidos do Oscar 2017

2017-02-26T13:33:00.000-03:00

Enfim estamos naquela época de fevereiro cheia de festas, alegria e de muita briga e discussão. É, estou falando do nosso amado (ou odiado) Oscar, o Academy Awards. É a mais das famosas premiações para filmes, sendo o ápice para qualquer membro do ramo ganhar um prêmio destes no evento. Claro, há quem sempre prefira valorizar os prêmios de festivais como Cannes ou ache que os britânicos do BAFTA possuem melhor bom gosto. De qualquer modo, aquele prêmio que todo estúdio adora colocar na capa de seus filmes para home video sempre vai ser o Oscar, e dificilmente isso irá mudar.

Ultimamente o Oscar veio passando por situações que vem gerando debate. De um lado, as sempre discordantes escolhas de melhor filme, que cada vez mais passam longe das apostas populares e, até mesmo, das próprias premiações da Academia, com o vencedor do prêmio principal vencendo cada vez menos outros prêmios, chegando ao ápice no ano passado, com Spotlight levando apenas roteiro original. De outro lado, o polêmico “Oscar so White”, crítica à falta de representantes negros na premiação. Agora, indo de oposto às duas últimas decisões, além de já haver um favorito a melhor filme (mas que obviamente não é nenhuma certeza), voltamos a ter grandes representantes negros. Não, não foram abertas “cotas” (caso alguém queira polemizar), simplesmente agora, após essa pressão, os estúdios estão dando mais chances para os negros, além dos filmes envolvendo grupos de negros tenham ganhado maior destaque.

Esse ano é o primeiro ano com o blog no ar que teremos o Oscar, e realmente espero que seja o primeiro de muitos. Justamente por isso decidi pela primeira vez fazer um esforço maior para ver os principais filmes da premiação, e aqui apresentar breves opiniões, os grandes favoritos, os meus favoritos e, bem, aqueles que acho que deveriam ter sido indicados, mas foram completamente esquecidos. Já adianto que não consegui ver tudo, então categorias aonde vi apenas um ou outro vou preferir não comentar (o que inclui animações, assim como alguns aspectos técnicos, que acho que não estou em caráter de comentar. Caso em alguma situação haja um ou dois candidatos que não tive a oportunidade de ver, eu destaco e apenas deixo uma sinopse ou coisa do tipo.

PS: Ainda não tive a oportunidade de ver Silêncio do Scorsese, então vai ser “esquecido” até da lista dos esquecidos. Sorry!

Melhor Fotografia

Bradford Young (A Chegada): O primeiro representante negro da nossa lista, Bradford em A Chegada conseguiu apresentar um trabalho ainda mais competente que no filme Selma, apresentando uma sensação de paz e ameaça, com aquele grande quase vazio e a grande nave alienígena ali centrada. O posicionamento da câmera, que é quase simétrico durante as entrevistas dentro da nave, é de encher os olhos.

Linus Sandgren (La La Land): Responsável por Joy e Trapaça, Linus aqui apresenta um trabalho bem mais belo, ressaltando principalmente as entradas e saídas de locais na rua, usando uma perspectiva que observa os personagens de perfil, sem contar a cena final que é um excelente trabalho da parceria dele com Chazelle.

Greig Fraser (Lion): No mesmo ano em que também trabalhou com Rogue One, Greig apresenta um trabalho fantástico, principalmente no que envolve mostrar as grandes multidões indianas, o que aumenta a sensação claustrofóbica do filme, além de se destacar nos momentos de reflexão na praia, gerando belos quadros.

James Laxton (Moonlight): Sem dúvida, além das atuações, o ponto mais forte do filme é a fotografia. O filme utiliza bem filtros para ressaltar tonalidades de cores e o brilho e, mesmo com a câmera quase sempre em movimento, quando ela resolve se estabelecer, é para apresentar belos enquadramentos muito para ressaltar sensação de solidão ou de algum momento de desenvolvimento, principalmente no que envolve a praia.

Rodrigo Priesto (Silêncio): Grande nome já responsável por O Segredo de Brokeback Mountain, Babel, Argo, O Lobo de Wall Street e ainda no último ano Passageiros. Não tive a oportunidade de ver seu trabalho.

Esquecidos:

Stéphane Fontaine (Jackie): Após vários trabalhos em sua maioria apenas no cinema francês, Fontaine no último ano foi responsável por Capitão Fantástico, além de conseguido maior destaque esse ano por Elle. Mesmo assim seu trabalho em Jackie é algo praticamente perfeito, com um enorme esmero nos enquadramentos, posicionamentos e combinações de cores. O filme acaba se parecendo com uma pintura em movimento, com destaque para os momentos no cemitério durante a chuva. O verdadeiro merecedor desse prêmio.

Seamus McGarvey (Animais Noturnos): O mesmo responsável pela fotografia de 50 Tons de Cinza, aqui apresenta um trabalho extremamente competente, sabendo muito bem exibir a imensidão do deserto do Texas, ao mesmo tempo que consegue mostrar os detalhes das salas e prédios, além de a combinação de cores ter um toque bem chamativo, talvez por grande envolvimento do diretor e estilista Tom Ford. Outra direção de arte melhor que todas as cinco indicadas.

Melhor Atriz Coadjuvante

Octavia Spencer (Estrelas Além do Tempo): É um trabalho competente de Octavia, fazendo uma das três personagens principais, apesar de apenas uma sendo considera protagonista. Não é nenhuma atuação de grande destaque, sinceramente, sendo as duas companheiras bem mais competentes em tela.

Michelle Williams (Manchester à Beira-Mar): Michelle faz a ex-esposa do protagonista interpretado por Casey Affleck. Ela realmente pouco aparece, possuindo uma atuação competente nos flashbacks, por mais que tenha sido indicada apenas por uma cena dramática de uns 2 ou 3 minutos.

Nicole Kidman (Lion): Nicole faz um trabalho competente, mas apenas isso. Assim como Octavia, parece que foi mais indicada por nome ou algo do tipo e, assim como Michelle, parece que conseguiu a indicação graças a uma cena de diálogo dramática.

Naomi Harris (Moonlight): A primeira que realmente irei elogiar o trabalho. A caracterização e a atuação de Naomi no filme estão muito bem, com ela interpretando um personagem a todo tempo odiável mas digna de pena, sendo um dos grandes pontos altos do filme ao lado Mahershala Ali.

Viola Davis (Um Limite Entre Nós): Considerado por muitos a protagonista do filme ao lado de Denzel, ainda a considero coadjuvante. Bem, é mais uma das várias atuações acima da média de Viola, passando uma enorme carga emocional e sendo sempre convincente. Provavelmente agora é finalmente seu momento.

Esquecidas:

Janelle Monáe (Estrelas Além do Tempo/Moonlight): Em meio a uma disputa com apenas dois nomes realmente fortes, a falta de Janelle é um tanto incompreensível. A cantora resolveu estrear nos cinemas ano passado, justamente com esses dois filmes indicados ao Oscar. Enquanto no primeiro ela faz uma personagem extremamente divertida e carismática, em Moonlight ela faz uma das personagens de maior destaque, demonstrando de forma leve seu carinho pelo protagonista, sendo a segunda mãe dele. Qualquer uma das duas atuações seriam dignas de indicação.

Amy Adams (Animais Noturnos): Muitos podem considerá-la a protagonista, mas considerando seu pouco tempo em tela, poderia muito bem ser indicada a coadjuvante. No filme ela está muito mais para expressar sensações com poucas palavras, refletindo o que sente ao ler o livro de seu ex-marido. Como disse, é uma disputa não muito forte, então Amy cairia muito bem em alguma das vagas.

Melhor Ator Coadjuvante

Dev Patel (Lion): Um tanto quanto injusto nessa indicação, considerando que ele interpreta o personagem principal, aparecendo apenas um pouco menos que o ator mirim de Saroo. Deixando esse ponto de lado, é uma atuação incrível que encarna muito bem as emoções do protagonista e, com um bom tempo de tela apenas para ele, tem mais tempo para mostrar seu trabalho.

Jeff Bridges (A Qualquer Custo): Outro com seu nome sendo o primeiro creditado no filme e nos pôsteres, mas que aqui ainda consegue dividir bem a tela para conseguir esse posto de coadjuvante. É uma atuação muito boa, com Jeff atuando na sua boa e velha forma natural, sendo um personagem bem divertido que te faz rir de suas piadas de mau gosto.

Lucas Hedges (Manchester à Beira-Mar): Dos indicados, o único que não faço ideia do motivo de estar aqui. É uma atuação bem simples e que eu diria que até sequer corresponde ao que deveria, passando muita pouca carga emocional ao filme. Só funciona ao lado de Casey Affleck, por ele segurar as rédeas.

Mahershala Ali (Moonlight): Sem dúvida, o grande nome do filme. Apesar de aparecer apenas no primeiro ato, é o personagem mais forte e mais memorável do filme. Ele interpretando um líder do tráfico que ao mesmo tempo soa como um bom homem é bem convincente, sendo um verdadeiro personagem de apoio e de molde para o protagonista.

Michael Shannon (Animais Noturnos): Realmente sua atuação em Animais Noturnos é muito boa, apresentando um policial extremamente carismático, com um enorme senso de justiça, que muitas vezes soa de forma engraçada além de ser um tanto maluco.

Esquecidos:

Aaron Taylor-Johnson (Animais Noturnos): Indicado para a maioria das premiações, acabou esquecido pela Academia, sendo “substituído” por Shannon. Seu personagem no filme possui muito mais destaque, sendo um bandido completamente insano e memorável, o qual sempre se espera o imprevisível. Em caso de indicação, disputaria pau a pau com Mahershala Ali.

Hugo Weaving (Até o Último Homem): Uma atuação muito pouco comentada, mas de grande qualidade. Hugo interpreta o pai do protagonista, um alcoólatra perturbado pela primeira guerra. Apesar de aparecer poucos minutos ainda na primeira metade, é uma atuação muito acima da média, provavelmente a melhor do filme.

Melhor Atriz

Emma Stone (La La Land): Mia já pode ser considera uma das personagens mais memoráveis do cinema, com poucas dúvidas. É a boa e velha Emma Stone dos filmes de comédias que aprendemos a amar, mas com toques bastante equilibrados de drama, ao mesmo tempo que é absolutamente divertida e carismática. Sendo imparcial, é para quem estou torcendo (o que não se reflete em quem acho que mereça).

Isabelle Huppert (Elle): Isabelle já é uma atriz veterana, com uma grande carreira na França e agora conseguiu destaque internacional. Sua personagem, uma chefe de um estúdio de video-games vítima de estupro, é completamente carismática, muito por ser um tanto desequilibrada e por possuir um senso de humor incorreto, além de não ter medo algum de ser considerada “babaca” por seus comentários.

Natalie Portman (Jackie): A interpretação de Natalie como Jackie Kennedy é algo deslumbrante. O esforço da atriz para personificar a ex-primeira dama é louvável, conseguindo moldar o tom de sua voz para se assemelhar à verdadeira Jackie. Ela consegue passar completamente a carga emocional da personagem, transmitindo o desequilíbrio da mesma ao lidar com seu emocional e com suas ações. Arrisco dizer que é uma atuação ainda melhor que em Cisne Negro.

Meryl Streep (Florence: Quem é Essa Mulher?): Em sua vigésima indicação ao Oscar, Meryl Streep interpreta nessa cinebiografia a infame cantora americana Florence Foster Jenkins. Não tive a oportunidade de ver o filme.

Ruth Negga (Loving): No filme Ruth Negga interpreta Mildred, uma mulher que está sendo vítima das leis anti-casamento inter-racial, ao casar-se com um homem branco, Richard, em uma época aonde isso era visto com maus olhos e como crime em vários estados americanos. Também não tive a oportunidade de assistir.

Esquecidas:

Amy Adams (A Chegada): Novamente Amy Adams presente, agora por Arrival. Quando a lista do Oscar saiu, a maior surpresa sem dúvida foi a falta de Amy Adams. A mesma já havia sido indicada a quase todas as premiações, até mesmo ao Globo de Ouro aonde o filme teve poucas indicações. É ela que carrega quase todo o filme, interpretando uma inteligente professora que, enquanto tenta fazer contato com alienígenas, tem que lidar com seu passado triste e perturbado.

Taraji P. Hanson (Estrelas Além do Tempo): A principal personagem dessa comédia dramática biográfica, sendo uma mulher negra matemática na NASA em pleno anos 60 consegue te prender no filme. Hanson consegue passar um ar bem leve e divertido a personagem que, mesmo sofrendo opressão aonde trabalha, não desiste em nenhum momento, demonstrando seu esforço para se destacar. É uma atuação que merecia ser mais lembrada.

Melhor Ator

Andrew Garfield (Até o Último Homem): Interpretando o soldado real da segunda guerra Desmond Doss, esse que foi para a guerra ser armas, Andrew mostra que realmente possui um grande talento para atuação. Apesar do mesmo soar muitas vezes chato e estranho, quando vemos a entrevista com o verdadeiro Desmond ao fim do filme, notamos o quão fielmente encarnado o soldado foi.

Ryan Gosling (La La Land): Apesar de muitos questionarem sua presença entre os indicados, foi um dos que mais me agradaram. Ele consegue ser bem convincente como Sebastian, sendo ao mesmo tempo sério um cara bem carismático, além do ator possuir um ótimo timing de humor e uma química perfeita com Emma Stone.

Casey Affleck (Manchester à Beira-Mar): Interpretando um personagem solitário, frio e calado, Casey manda muito bem. Ele tenta a todo momento encarnar alguém realmente perturbado por dentro, não sabendo mais agir socialmente, de forma semelhante à de DeNiro em Taxi Driver.

Denzel Washington (Um Limite Entre Nós): Buscando sua terceira estatueta, Denzel praticamente tem um filme inteiro de mais de duas horas para mostrar seu talento, praticamente não calando a boca em nenhum momento. Ao mesmo tempo que ele demonstra o quão incrível é atualmente, soa como algo absurdamente forçado em busca de prêmios.

Viggo Mortensen (Capitão Fantástico): Em uma atuação em um filme de menor destaque, Viggo interpreta um pai completamente alternativo, tentando ensinar a seus filhos a ter uma vida livre das rotinas questionáveis de nossa sociedade. É um personagem totalmente carismático, com Viggo conseguindo demonstrar uma leveza para interpretar um personagem divertido.

Esquecidos:

Sunny Pawar (Lion): Já que Dev Patel foi indicado a melhor ator coadjuvante, nada mais justo que Sunny para ser considerado protagonista. Apresentando uma atuação totalmente fofa e carismática, Pawar merecia uma indicação muito mais que o interprete de Saroo na fase adulta, sendo um dos maiores destaques infantis dos últimos anos.

Jake Gyllenhaal (Animais Noturnos): Cada vez mais parece que há algum problema entre Jake e os votantes da Academia. Há anos o ator vem fazendo ótimas atuações e é sempre esquecido. Dessa vez conseguiu até mesmo indicação ao BAFTA, mas novamente esquecido aqui. Interpretando dois personagens, um autor em crise no passado e um pai que foi vítima cruel de uma gangue de bandidos, era uma atuação mais do que merecida para uma indicação.

Ryan Reynolds (Deadpool): Apesar de ser um tema polêmico, a indicação de Ryan por sua interpretação de Wade seria totalmente válida. Após uma série de problemas interpretando personagens de quadrinhos, até mesmo o Deadpool no primeiro filme do Wolverine, aqui ele encarna fielmente o mercenário tagarela, sendo um dos principais motivos do filme funcionar completamente, com suas piadas sempre em um bom timing, além do enorme carisma que ele dá ao personagem.

Melhor Roteiro Adaptado

Eric Heisserer (A Chegada): Baseado em um conto do livro A Story of Your Life, de Ted Chiang, o roteiro do filme é incrível. Possuindo um ritmo lento, mas que ainda te prende à trama, tem grande destaque em seu modo de narrativa que, ao ser explicado, já seria um grande spoiler.

August Wilson (Um Limite Entre Nós): Vale destacar desde já que August já faleceu há 12 anos e o que acontece é que o roteiro do filme é EXATAMENTE o mesmo da peça teatral Fences. É algo meio diferente de se lidar, mas vale destacar que o roteiro se encaixa muito bem como filme.

Allison Schroeder e T. Melfi (Estrelas Além do Tempo): Baseado no livro Hidden Figures de M. Shetterly, livro esse que foi lançado praticamente junto ao filme. É um roteiro bem competente e dinâmico, mas já soube que algumas das situações tiveram certa liberdade, como a história do banheiro, aonde a personagem real apenas ia no “banheiro das brancas” sem se rebaixar, o que soa como um pretexto para dar destaque ao personagem de Kevin Costner, o que acaba sendo no mínimo chato ao pensar que a proposta do filme era valorizar os negros, sem contar outras coisas não muito fiéis.

Luke Davies (Lion): Baseado no livro escrito pelo próprio Saroo Brierley ao lado de Larry Buttrose, o filme adapta de forma bem fiel os fatos, seja das lembranças do passado de Saroo, assim como sua busca nos tempos atuais, assim como consegue manter um bom ritmo de evolução do personagem.

Barry Jenkins (Moonlight): Baseado no roteiro da peça cancelada In Moonlight Black Boys Look Blue de T. McCraney, o roteiro contém coisas da vida pessoal de ambos. É uma história realmente muito boa para ser contada no cinema, mas que nas telas acaba sendo apresentada de um modo não muito agradável, deixando faltar períodos extremamente relevantes para o desenvolvimento do protagonista. Parece que o filme se prende bem mais a uma narrativa de teatro do que Fences que é um port puro, sendo que uma hora a mais de filme para contar a história poderia ter sido benéfico. Pessoalmente não sei se indicaria para essa categoria.

Esquecidos:

Tom Ford (Animais Noturnos): Adaptado do livro Tony & Susan de Austin Wright, o roteiro de Tom Ford possui uma narrativa bem interessante, mantendo o enfoque do livro de mostrar Susan lendo intrigada o livro de seu ex, sabendo bem manter a história “real” e a história do livro bem conduzidas e a fazer paralelos bem claros.

Rhett Reese e Paul Wernick (Deadpool): Baseado no personagem criado por Rob Liefeld e Fabian Niciesa em New Mutants #98 de 1991, eles se inspiram mais nas fases mais modernas do personagem, principalmente a de Joe Kelly, sendo uma adaptação dos quadrinhos quase que perfeita, mantendo todo o humor negro e a quebra da quarta parede, sem falar nas auto-referências ao universo dos quadrinhos e dos filmes de heróis.

Melhor Roteiro Original

Taylor Sheridan (A Qualquer Custo): Contando a história de dois irmãos que assaltam bancos para pagar a hipoteca do rancho da família, o roteiro é muito bom, mostrando de forma equilibrada o lado dos bandidos e dos policiais, nos fazendo criar afeto por ambos os lados, mesmo sabendo que um vai colidir com o outro. A história faz várias críticas ao sistema econômico atual, soando como algo anarquista.

Damien Chazelle (La La Land): O diretor aqui também escreve a história, mostrando um casal que fica dividido entre o amor e seguir os rumos em busca de seus sonhos. Apesar de musicais não precisarem de um roteiro muito elaborado, Chazelle apresenta um roteiro bem redondinho, um belo feijão com arroz de comédia romântica.

Kenneth Lonergan (Manchester à Beira-Mar): Outro diretor também roteirista. Contando a história de um personagem sofrendo um drama, ao mesmo tempo que é atormentado por outro do passado possui um ritmo lento e melancólico. Ao mesmo tempo que é bem interessante, não é muito fácil de ser apreciado.

Yorgos Lanthimos e Efthymis Filippou (O Lagosta): A história sobre uma sociedade aonde as pessoas são obrigadas a achar alguém para casarem e, caso isso não ocorra, são mandados para acampamentos com outros “desajeitados” para de forma forçada conseguir alguém. Ainda não tive a oportunidade de assistir.

Mike Mills (Mulheres do Século 20): Passado no fim dos anos 70, a história de uma mãe tentando cuidar de um filho e ajudar na busca de respostas para as vidas de suas duas jovens amigas. Também ainda não tive a oportunidade de assistir.

Esquecidos:

John Carney (Sing Street): Baseado levemente na vida do diretor e roteirista, conta a história de jovens irlandeses tentando montar uma banda seguindo a vertente do new wave, isso durante um período de crise no Reino Unido.

Melhor Diretor

Barry Jenkins (Moonlight): É uma direção bem diferente, mantendo a câmera sempre em movimento ao redor dos personagens, dando uma sensação de algo mais pessoal. Ao mesmo tempo parece ainda possuir alguns problemas com timing para contar a história, pelos pontos que já destaquei no roteiro. De qualquer modo é ótimo dirigindo atores e é um nome com enorme potencial para o futuro.

Damien Chazelle (La La Land): Em um trabalho belíssimo, consegue manter muito bem o romance da trama assim como os grandes números musicais muito bem trabalhados, mesmo em menor espaço, com a cena final sendo algo magnífico. Mas ainda considero Whiplash um trabalho melhor.

Dennis Villeneuve (A Chegada): Um trabalho bem interessante, apresentando um modo bem pessoal de lidar com uma trama de invasão alienígena. Acho ele melhor em Prisoners, por exemplo, mas ainda é um trabalho de destaque.

Kenneth Lonergan (Manchester à Beira-Mar): É uma direção bem simples, apesar de conseguir passar bem as emoções dos personagens. Diria que as melhores partes são mais um trabalho da direção de fotografia, que não foi indicada (não que merecesse).

Mel Gibson (Até o Último Homem): Com um primeiro ato que homenageia bastante o cinema clássico, com um romance belo e inocente, o segundo é algo totalmente visceral e violento, com enormes doses de mutilações e sangue para todos os lados, passando uma carga de medo e apreensão a todo momento.

Esquecidos:

Tom Ford (Animais Noturnos): Apesar de não possuir uma carreira muito grande no cinema, o estilista faz um trabalho muito bom no filme. Repito tudo que disse no roteiro, adicionando a carga emocional dos personagens que ele consegue transmitir muito bem e, assim como Jenkins, sabe bem dirigir atores.

Garth Denis (Lion): Diretor iniciante e que já demonstra ter um enorme talento. Consegue manter o ritmo da história a todo momento sem se perder, sabendo dirigir perfeitamente os momentos de Saroo na Índia, dando um toque de medo e insegurança a todo momento.

Melhor Filme

A Chegada: Ficção Científica de alta qualidade, homenageando os clássicos contos literários do gênero, dando uma perspectiva diferente às invasões alienígenas e nos fazendo refletir sobre ciclo da vida e sobre linguagens.

Um Limite Entre Nós: Um drama de uma família negra durante um período de evolução nos direitos civis, liderados por um pai retrogrado que, mesmo mantendo seu conceito de honra, se demonstra alguém totalmente desagradável e que não consegue manter sua família nos eixos. Um filme que tem bastante da pegada teatral da obra original, mas que não agrada muito.

Até o Último Homem: Uma grata surpresa envolvendo dramas biográficos e filmes de guerra, apresentando de forma feliz e também cruel os lados da guerra, além de, como já disse, abusar completamente da violência, um prazer para quem ama filmes com carnificina.

A Qualquer Custo: O filme sobre os dois irmãos ladrões é um dos melhores entre os indicados, mostrando uma sociedade descontente com os abusos bancários e que agora pouco veem problema em quem fere esses mesmos bancos.

Estrelas Além do Tempo: Um filme biográfico bem divertido, mostrando bem os problemas raciais até os anos 1960, de uma forma leve e fácil de compreender, sendo uma grata surpresa.

La La Land: Após um longo período sem grandes musicais, temos um trabalho belíssimo visualmente e sonoramente, misturando grandes músicas com uma história divertida e envolvente com dois personagens carismáticos.

Lion: Provavelmente o meu grande favorito entre os 9 indicados, sendo a mais grata das surpresas. Uma história real bem envolvente mostrando o drama de uma criança indiana que se perdeu da família e anos depois ele tentando achá-los com a ajuda da internet.

Manchester à Beira-Mar: Um drama bem melancólico mostrando um homem perturbado tendo que tomar conta do filho de seu recém falecido irmão. Apesar da ótima atuação de Casey Afleck, não me agradou tanto.

Moonlight: Por muitos o grande favorito, o drama sobre a vida de um negro gay envolvido no mundo do crime tinha extremo potencial e, apesar de contar uma boa história, a quebra de ritmo sempre que o filme engrena acabou me desagradando. O que destaco é, novamente, a excelente fotografia e os atores coadjuvantes que estão muito bem.

Esquecidos:

Animais Noturnos: Um grandioso thriller, mas que acabou desagradando boa parte da crítica. Tendo como grande destaque o livro de mesmo nome presente no filme, a história da busca de vingança de um pai contra uma gangue de bandidos ao lado de um policial em fim de carreira empolga completamente, com as reações da personagem de Amy Adams ao livro sendo um show à parte.

Deadpool: Filme que foi para o lado oposto dos filmes de super-heróis, apostando em algo violento, apelativo e repleto de humor negro, mas que funcionou de forma inovadora e que consegue agradar seja como filme pop ou analisando de forma mais técnica.

Sing Street: A história sobre a banda dos jovens irlandeses liderados por um garoto apaixonado tentando conquistar uma garota é algo fofo e adorável, homenageando fortemente clássicos dos anos 80, além de apresentar uma incrível trilha sonora.

Finalizando...

Bem, essas foram minhas opiniões sobre as principais categorias e os principais candidatos. Sei que foi algo publicado bastante em cima da hora, mas foi o mais rápido de consegui para ver esses filmes. Espero que tenham gostado e opinem sobre seus favoritos e para quem apostam no espetáculo de hoje à noite. BYE!

Review | Lion

2017-02-25T16:11:00.001-03:00

Entre todos os 9 indicados a melhor filme para o Oscar 2017, assumo que Lion: Uma Jornada para Casa era um dos que menos me parecia interessante, além da recepção em geral dele ter sido bem abaixo dos outros concorrentes. De forma surpreendente, acabei me deparando com aquele que para mim é o melhor dos indicados ao grande prêmio da Academia.

Lion é um drama biográfico dirigido pelo iniciante Garth Denis e roteirizado por Luke Davies, baseado no livro A Long Way Home, de Saroo Brierley (nosso protagonista) e Larry Buttrose. O filme, como acabei de destacar, conta a história de Saroo, um garoto indiano que ainda muito jovem acabou se perdendo de sua família e, ao passar por enormes dificuldades, acabou sendo adotado por uma família australiana. Décadas depois, com a ajuda do Google Earth, ele iniciou uma busca por sua família de sangue, para enfim reencontrar sua mãe e irmãos.

O filme se inicia mostrando a rotina de Saroo (Sunny Pawar) e seu irmão Guddu (Abhishek Bharate), roubando pedras de carvão de um trem para poderem comprar leite para sua família, liderada apenas pela mãe, a qual trabalhava de carregar pedras. Um dia Saroo decidiu ir com seu irmão ir procurar algum trabalho em outra cidade. Ao chegar cansado na estação de trem, Saroo acabou dormindo em um banco da estação após seu irmão ter ido atrás das pessoas que estavam oferecendo serviço. Ao acordar, o garoto encontrou a estação vazia e acabou entrando em um vagão de trem para procurar seu irmão e, ao não o encontrar, acabou dormindo. Ao acordar, o trem já estava em movimento, só parando várias estações à frente de onde seu irmão estaria, chegando a uma região da Índia que não falava a mesma língua que ele, iniciando uma busca completamente difícil de voltar para casa.

Na primeira uma hora do filme é mostrada toda essa fase como criança de Saroo, mostrando todas suas dificuldades na Índia, até seus primeiros momentos como filho adotivo do casal australiano John (David Wehham) e Sue Brierley (Nicole Kidman) e adoção de seu irmão Mantosh. Ao apresentar essa estabilidade na vida do protagonista, avançamos 25 anos, para o ano de 2011, agora com um Saroo adulto (Dev Patel) totalmente familiarizado com os padrões australianos e com uma vida bem mais descomplicada que na sua infância na Índia, apesar das desavenças com seu irmão Mantosh, o qual sofre de problemas mentais.

Essa parte do filme inicialmente parece algo mais parado, tanto que o ritmo do filme fica um pouco mais leve, mostrando os relacionamentos sociais de Saroo e seu namoro com Lucy (Rooney Mara). Acontece que, após uma crise de memórias que voltaram à tona, Saroo começa a ficar perturbado e a querer respostas sobre como está sua família de sangue, sendo apresentado ao Google Earth para tentar buscar possíveis rotas que se assemelhassem às do trem em que acabou se perdendo.

O filme consegue apresentar uma história real de forma cativante e emocional. A primeira uma hora do filme, focada na fase infantil de Saroo possui uma carga de dúvidas e situações estranhas que em nenhum momento são explicadas, justamente por mostrar a perspectiva da criança naquela situação. A atuação de Sunny Pawar é uma das mais belas dos últimos anos envolvendo jovens, possuindo um enorme carisma e nos fazendo sentir dó dele em todas as situações das quais ele passa, ainda mais considerando que a vida do personagem não era fácil nem mesmo quando convivia com sua família. Creio que para o mercado americano esse início possa ter sido incomodo, já que é quase uma hora de diálogos apenas em línguas da Índia, com o inglês só sendo introduzido com a apresentação do casal Brierley. Mas bem, assim como assistimos filmes na língua deles, eles podem muito bem assistir filmes que não sejam totalmente em inglês.

Na segunda parte, apesar do início morno, o filme volta a apresentar forte carga dramática, agora nas mãos de Dev Patel que consegue representar muito bem a sensação de perturbação do personagem, que aos poucos vai quase enlouquecendo com seus pensamentos e se distanciando de todas suas pessoas queridas para conseguir manter seu foco na busca.

A direção de Garth Denis que, como eu disse, é um iniciante em longa metragens, é extremamente competente, sendo um dos nomes de maior potencial para grandes prêmios no futuro (particularmente acho que deveria ter sido indicado ao Oscar de melhor diretor no lugar de Kenneth Lonergan). Ele sabe dar um bom dinamismo à trama, não nos fazendo cansar em nenhum momento do que está acontecendo, seja na primeira fase (que se se sustenta por si só), seja na segunda (colocando mais momentos do passado, em forma de lembranças, ou então de possibilidades pensadas por Saroo). Claramente soube lidar bem com os atores, com todos possuindo atuações competentes, com claro destaque ao garoto Sunny Pawar e aos já veteranos Dev Patel e Nicole Kidman (indicados ao Oscar como coadjuvantes, sendo bem questionável no caso de Patel, por ser claramente o protagonista). Isso, combinado à excelente fotografia de Greig Fraser (Rogue One) traz uma experiência completamente satisfatória.

Outro grande destaque do filme é a trilha sonora, composta por Dustin J. O'Halloran e Volker Bertelmann, com maiores enfoques no violino e no piano, conseguindo aumentar o tom de sensibilidade das cenas, marcando bastante presença durante todo o filme. A trilha ainda possui como música tema a popular Never Give Up, da cantora Sia, que acabou não conseguindo espaço no Oscar.

Com uma narrativa dinâmica e cativante, atuações de grande nível, o grande carisma de Sunny Pawar, uma brilhante fotografia e uma enorme carga dramática presente desde o início até a emocionante cena final, Lion: Uma Jornada para Casa é uma grata surpresa entre os filmes dessa temporada, merecendo maior destaque do que vem recebendo e, quem sabe, receber o grande prêmio na noite de amanhã no Oscar. O que resta aguardar é um futuro promissor para o encantador garoto indiano e para o talentoso diretor Garth Denis.

Review | LEGO Batman: O Filme

2017-02-11T19:43:00.001-02:00

Apesar de ter sido esnobado em várias premiações, Uma Aventura LEGO (The LEGO Movie) foi uma das animações mais aclamadas de 2014 e, com poucos rivais de peso, pode muito bem ser considerado o melhor filme do gênero daquele ano. Três anos se passaram e esse ano a Warner nos traz mais dois filmes desse universo aos cinemas: The LEGO Batman Movie e The LEGO Ninjago Movie. Nessa última quinta-feira, foi lançado o do homem-morcego.

Desde já é bom destacar que LEGO Batman: O Filme não faz parte da mesma cronologia dos outros filmes de LEGO Batman, esses lançados diretamente para TV ou home-video, ou então aos três games dele. O filme é uma sequência/spin-off de Uma Aventura LEGO, mantendo o visual, personalidade e dublador (Will Arnett) daquele Batman, agora em seu Universo LEGO da DC.

O filme começa já revelando seu estilo desde a introdução. Batman narrando o filme desde as intros da Warner e de outras empresas, fazendo citações filosóficas, comentando seu físico, entre outras coisas. Em seguida vemos um avião cheio de explosivos pedindo permissão para sobrevoar Gotham City, fazendo questão de destacar que aquela é a cidade mais perigosa do mundo. Após já ficar claro o tom absurdamente irônico do filme, Coringa (Zack Galifianakis) invade o avião e bota em ação mais um de seus típicos planos, esses também ironizados, pelo fato de sempre fracassarem por culpa do Batman.

Como previsto, Coringa faz aquele típico carnaval, Batman aparece, derrota todos e salva o dia, isso após o mesmo menosprezar sua rivalidade com o Coringa, deixando claro para o mesmo que ele não é nada em sua vida. Após a vitória do dia, Batman volta para casa, em sua rotina solitária e melancólica com Alfred (Ralph Fiennes), que mais do que nunca atua como o pai adotivo de Bruce.

Logo após esses acontecimentos iniciais, temos a grande festa de aposentadoria do Comissário Gordon, que dará lugar à sua filha Bárbara (Rosario Dawson), essa que logo em sua estreia apresenta a proposta de dar fim aos justiceiros (vulgo Batman) e fazê-los se unir de forma legal à polícia. Na mesma festa, um jovem órfão chamado Dick Grayson (Michael Cera) pela primeira vez se encontra com Bruce Wayne, assim como Coringa toma uma atitude completamente inesperada.

A partir dos acontecimentos dessa festa o filme se desenvolve, com desde o modo egoísta de Batman em transformar Dick no Robin até o grande plano de Coringa para provar que é realmente o arqui-inimigo do morcego.

Como comentei no início, o filme possui uma enorme veia irônica e cômica. O filme durante suas quase 2 horas faz piada com tudo e todos daquele universo de Gotham, assim como de outros pontos do Universo DC. Tudo aquilo que, numa visão real, é absolutamente ridículo em HQs, desenhos e filmes do Batman se torna humor, como a mente psicótica de Bruce, os vários vilões esquecidos, a criminalidade interminável em Gotham (mesmo com um dos maiores heróis vivendo lá), as coincidências nas narrativas, entre outras coisas.

Não se privando ao universo em si, ele tira sarro de todo o cânone da franquia Batman, fazendo piada sobre todas as suas fases, seja a atual do Zack Snyder, do Nolan, a fase dos bat-mamilos, a fase gótica, a fase do Frank Miller e obviamente a fase dos anos 60, que é o maior motivo de risos do filme todo. O filme sempre faz piada sobre os mais de 70 anos do personagem, da Liga da Justiça, e como o personagem vive de crises que o fazem mudar totalmente de personalidade. E é unificando tudo isso que o filme se torna um grande presente aos fãs, unindo o humor de Batman ’66 com o visual do uniforme inspirado no Batman interpretado pelo Michael Keaton, além da Gotham colorida e exagerada, como nos filmes do Joel Schumacher, assim como a grande rivalidade do personagem com o Superman, como no último filme e em Dark Knight Returns.

Apesar do filme ser vendido para um público infantil, um proveito pleno do filme só é possível com uma certa maturidade, ou com um bom conhecimento do personagem. Além dos vários aspectos que já citei de várias versões do personagem, o filme sempre cita ou possui easter eggs de coisas menores, como o ridículo spray anti-tubarão, citação ao Prince (que fez o tema principal do filme de 1989) ou o Duas-Caras dublado e com a aparência de Billy Dee Williams, eterno Lando Calrissian, mas que também interpretou Harvey Dent no filme de 1989, bem antes de Tommy Lee Jones. Também é possível destacar algumas insinuações visuais ou nos diálogos ironizando as famosas piadas sobre a sexualidade do Batman e a relação dele com o Robin e o Coringa. Ah, e há piadas ironizando até mesmo a qualidade de Esquadrão Suicida. Um ótimo trabalho que se deve provavelmente ao diretor Chris McKay, que já trabalhou com Frango Robô.

Nem só de auto referências o filme vive, trazendo para tela, assim como no filme anterior, personagens de outras franquias, como Doctor Who, Senhor dos Anéis, Matrix e Harry Potter, isso sem falar nas piadas com filmes românticos como Escrito nas Estrelas. Apesar do filme ser autocontido, ele em breves frames mostra o buraco infinito e o Emmet, presentes em Uma Aventura LEGO, assim como Batman dizer ser um construtor, mesmo que em nenhum momento cite o plot-twist do filme, mesmo deixando subentendido quando explicam a estrutura da ilha de Gotham.

O filme possui uma narrativa bem leve e dinâmica, que em nenhum momento cansa. Ele sabe lidar bem com o drama e a mensagem que tenta passar, sobre como é necessário trabalhar em equipe e cultivar família e amigos. Todos os personagens possuem carisma, se relacionando bem. O visual dos personagens é bem caracterizado e inspirado nos dubladores originais, tudo em CG de qualidade surpreendente, muito superior aos filmes home video de LEGO. Aproveitando a deixa sobre os dubladores, o trabalho nacional é de extrema qualidade, trazendo os dubladores oficiais de todos os personagens, além de saber muito bem adaptar os diálogos, em uma pegada bastante semelhante a Yu Yu Hakusho, com várias piadas regionais, que em nenhum momento comprometem a qualidade do filme.

A trilha sonora é um show à parte. Além das músicas bem bacanas feitas apenas para o filme, o mesmo apresenta uma trilha totalmente “brega” e oitentista, que combina perfeitamente com o clima e o humor do filme. Temos (I Just) Died in Your Arms, Never Gonna Give You Up, Wake Me Up Before You Go-Go, entre outros hits clássicos.

Sendo um filme ainda melhor que seu antecessor, LEGO Batman: O Filme não só já ganha vantagem como provável melhor animação do ano (que novamente está pouco competitivo, com base no que já foi anunciado), como dá um novo gás à Warner e à DC, finalmente lançando um filme de super-heróis para o cinema que é indiscutivelmente ótimo, com quase nenhum porém (e no caso dos filmes recentes, os “porém” são bem grandes) e nos fazendo torcer para que o filme, em alguns aspectos, sirva de exemplo para alguns dos futuros live-actions. Em um plano geral, é a melhor adaptação da DC para os cinemas desde Cavaleiro das Trevas, de 2008.

Review | La La Land

2017-02-05T20:08:00.000-02:00

Com esse tanto de reviews sobre filmes envolvendo música, o que viria estava bem óbvio. Hoje finalmente vamos falar sobre o absoluto favorito ao Oscar, o verdadeiro xodó do público e da mídia esse ano. Dirigido e roteirizado por Damien Chazelle (Whiplash), La La Land é um musical estrelado por Emma Stone e Ryan Gosling.

O filme se inicia com uma cena completamente exagerada e surreal, com um grande engarrafamento na entrada de Los Angeles (ou L.A.), quando de uma hora para a outra todas as pessoas decidem sair de seus carros para dançar e cantar. Aparentemente todos menos Mia (Stone) e Sebastian (Gosling), que estão com pressa e logo num primeiro momento trocam xingamentos no trânsito. A partir daí o filme resolve mostrar o caminho de Mia até que encontre Sebastian novamente, assim podendo voltar para a cena inicial e mostrar agora o seu caminho até este mesmo momento. Com isso o acaso começa a parecer cada vez mais comum, com os dois se cruzando em pontos diferentes de Los Angeles, gerando aos poucos uma amizade e uma atração mutua.

Mia foi para Los Angeles com o sonho de se tornar atriz, sendo comuns seus testes precedidos de pequenos desastres que rendem inúmeras rejeições, isso enquanto trabalha em uma cafeteria e divide uma casa com suas amigas. Já Sebastian tem como grande sonho “salvar” o jazz, já que para ele o mesmo está morrendo com os anos, com bares de jazz cada vez mais vazios ou fechados, isso enquanto arranja bicos de pianista para manter vivo o objetivo de abrir seu próprio bar. O amor de Mia pelo cinema clássico e de Seb pelo jazz “raiz” acaba os unindo, já que apesar das diferenças de personalidade e temperamento, ambos são simples sonhadores que parecem estar longe de seu lugar ao sol.

O romance entre Mia e Sebastian tem um ar natural e simples, sem grandes feitos para um conquistar o outro, ou coisas do tipo. O fato de serem amigos é o mais importante, algo bem reforçado pelos diálogos entre os dois enquanto caminham (nada do tipo Jesse e Celine da trilogia Before, mas ainda convincente). Há uma química extremamente bem-humorada entre os dois, muito se devendo ao fato de Emma e Ryan já terem contracenado juntos em duas oportunidades e terem uma boa afinidade.

Sem dúvida o que mais fez La La Land ganhar forte destaque foi o fato de ser um musical. Chazelle, como já foi bem dito no review de Whiplash, já trabalhou com música, sendo um amante do Jazz. Aqui Damien traz novamente música às telas, mas agora com uma pegada muito mais semelhante ao cinema clássico. Os números musicais são extremamente bem trabalhados, com coreografias perfeitas, além de visualmente coloridos e deslumbrantes. Mesmo assim, o filme aos poucos vai se distanciando disso, e deixando esses momentos mais pontuais e menos exagerados.

Exagero esse que deve ser comentado e deixado a um critério de opinião. Claro, musicais sempre são exagerados, pois demonstram situações que jamais ocorreriam no cotidiano. Apesar disso, se comparado a outros filmes do gênero, como Hairspray, o filme parece passar um pouco da conta por, principalmente os dois primeiros números musicais, serem situações muito mais parecidas com espetáculos de um circo, sem algo que ainda prenda ao momento. Ok, isso pode ser argumentado até mesmo com o título “La La Land”, termo que significa “Lugar fictício onde as pessoas vivem fora de contato com a realidade e ideias absurdas surgem; muitas vezes, utilizado, de forma sarcástica, a alguém que está desatento ou aficionado com algo”, bem semelhante ao “mundo da lua” que utilizamos no Brasil. Usando isso de base, é possível aceitar que em La La Land tudo possa acontecer, ao mesmo tempo que esses exageros se firmem mais nos dois primeiros musicais, parecendo mais uma demonstração de talento do diretor para depois encaixar essas situações de forma mais suave para não atrapalhar o romance. E claro, apesar de ir longe, sem dúvida Chazelle alcançou o objetivo de qualquer diretor antigo de musicais, caso houvesse tecnologia e grandes planejamentos para isso na época.

Aproveitando a ponta sobre o talento de Chazelle, é impossível tratar do filme sem elogiar o trabalho excepcional do diretor. Responsável por uma direção arrasadora em Whiplash, Damien novamente mostra que é extremamente promissor no cinema, mandando muito bem tanto nas cenas “normais” quanto nos números musicais. Sua marca característica, que é a de a câmera apontar rapidamente para o devido foco e ficar alternando está mais aprimorada, além de saber trabalhar mais o foco. E claro, merece também seus créditos pelo trabalho no casal protagonista, que sempre soa bem real, assim como Andrew e Fletcher em seu filme anterior (aliás, J. K. Simmons faz uma ponta no filme). Também vale destacar a cena final que, novamente, é forte e emocionante, feita de forma inteligente e que consegue afetar o interior emocional de quem assiste.

Pessoalmente, o maior destaque realmente do filme está no humor. Todo o filme se mantem pelas piadas e pelas cenas engraçadas que, novamente, devem ser creditadas a Emma e Ryan. Ambos já possuem uma carreira forte em comédias, principalmente Stone, e aqui eles conseguem trazer isso de uma forma natural e carismática. As feições de Gosling acompanhadas das caretas e do humor visual de Emma Stone são uma combinação perfeita.

💗💗💗💗💗💗

Claro, não dá para falar de um musical sem falar de suas músicas. Novamente temos Justin Hurwitz nas composições, que agora estão muito mais presentes. São letras bacanas (escritas por Pazek & Paul), acompanhadas de um ritmo envolvente, com uma pegada muito mais voltada ao jazz, possuindo um grande brilho. Há uma determinada melodia que toca em várias das músicas do filme, e que possui uma magia envolvente e que realmente sabe gerar um toque peculiar às músicas. O esforço de Gosling e Stone para cantar merece parabéns, até por convencerem bem e não haver uma sensação de desapontamento. Claro, não possuem o mesmo talento para o canto do que John Legend (que interpreta Keith), mas agradam. Audition e City of Stars foram merecidamente indicadas ao Oscar, sendo que outras poderiam facilmente abocanhar as outras 3 vagas da disputa (principalmente Someone in the Crowd, minha favorita).

Mesmo com uma história em alguns momentos previsível, e não muito distante de outras dezenas de filmes, La La Land possui seu charme. O talento de Stone e Gosling está fortemente representado no filme, assim como Chazelle e toda a equipe técnica. Pode ser um filme de difícil degustação para quem não está acostumado ao gênero, realmente podendo incomodar fortemente certos exageros. Também possui algumas quedas de ritmo no meio do filme, mas nada que incomode tanto. No mais, é um filme que certamente possui um impacto no cinema, com suas 14 indicações ao Oscar (recorde) simbolizando bem isso. Não é nenhuma reinvenção da roda ou um filme revolucionário, mas é um trabalho competente e divertido.

O Ápice e a Ruína da Nintendo no Brasil Parte III: O Fim?

2017-01-28T23:06:00.001-02:00

Sim, sim, eu sei, faz um tempo relativamente grande desde a parte II do artigo. Não, eu não esqueci dele, apesar de ter dado mais foco para os vários reviews que fiz nesse meio tempo. Finalmente, apresentar a última parte PRINCIPAL desta série. Sim, como já sugeri anteriormente, haverá mais artigos, esses comentando outras coisas da Nintendo por aqui, não necessariamente games. Não sei se manterei o mesmo nome, mas o foco é expandir as informações sobre a presença da Nintendo em terras tupiniquins (estou falando igual jornalista de site de games...), como desenhos, HQs e bem... Há certos bichinhos bem famosos que talvez mereçam um foco à parte também ;)

LINK DA PARTE I

LINK DA PARTE II

A parte de hoje vai se focado nesse fim provisório (ou não) da Nintendo oficialmente no país. Eu mesmo tive que atualizar bastante coisa dessa parte (como já disse, isso aqui era de 2015), principalmente agora que estamos à poucos dias do lançamento do Nintendo Switch. Pra hoje, essa OSTzinha marota:

Esperanças de retorno quase nulas, até que...

Na última parte comentei que, com a queda da Nintendo no mercado internacional, somado a pirataria e à crise econômica que nosso país passava, a Gradiente encerrou a parceria com a Big N, o fim de uma grande era dos games no nosso país.

Bem, anos se passaram e nada de Nintendo no Brasil. Claro, ela em si estava bem apagada no mundo inteiro, até que em 2004 ela lança o Nintendo DS, o sucessor do GameBoy Advance. O sucesso do DS foi inacreditável, conquistando mercado de forma espetacular e, mesmo com o lançamento do PSP, talvez o único rival à altura que a Nintendo já teve nos portáteis, ainda tomava as rédeas da indústrias de vídeo games de bolso. Só para se ter ideia, o Nintendo DS e o PlayStation 2 disputam até hoje a vaga de video game mais vendido da história. Enquanto isso as informações sobre Nintendo no Brasil eram essas daqui:

É, não pareciam sinais muito positivos.

Mais tarde, em 2006, eis que a Nintendo entra de vez na sétima geração, junto ao Playstation 3 e um ano depois do Xbox 360. O console agora era o Wii, esse com um hardware bem ultrapassado, pouco superior ao Game Cube, mas que tinha como enorme atrativo seu sensor de movimento, algo que levou “leigos” no assunto de vídeo games a adotar um console desses como um aparelho para sua sala. O Wii sem dúvida foi um sucesso imbatível, tanto que há poucos anos, mesmo com ele vendendo pouquíssimo e quase sem lançamentos, era necessário juntar as vendas de PS3 e Xbox 360 para chegar a um número próximo dos do Wii. Enquanto isso, no Brasil:

É, tava fácil não.

Bem, e a vida assim seguia no Brasil: Xbox 360 liderando disparado em vendas, com produção nacional e jogos devidamente legendados e dublados (apesar da superioridade nas vendas ser pela pirataria mesmo) e PS3 e Wii vendidos através de importação por lojas, esses com preços exorbitantes. A Sony as vezes comentava que planejava chegar oficialmente no Brasil (algo que sabemos que aconteceu), já a Nintendo não falava um “a”. Mas eis, que do nada, surgem comerciais de Nintendo DS e Wii na televisão brasileira. Aí estaria marcada a volta da Nintendo para o Brasil. Os consoles agora chegavam com muito mais facilidade nas lojas, provavelmente pela Nintendo facilitar sua importação, e assim foi indo por alguns anos.

Comerciaizinhos bem chinfrins adaptados dos gringos, mas que davam pro gasto.

Agora é a vez da Gaming

Alguns anos se passam e, em 2011, a Nintendo anuncia que sua nova distribuidora nacional seria a Gaming do Brasil (não me perguntem qual era a antiga, porque essa fase de 2008 a 2011 foi bem “escura”, sem saber ao certo o que estava ocorrendo). Com isso é anunciada a volta TOTALMENTE OFICIAL da Nintendo no Brasil, agora com modelos de Wii com caixas e manuais devidamente traduzidos, chegando pelo preço salgado de MIL reais (entre 2011 e 2013 Wii recebeu uns 5 ou 10 jogos por ano, para se ter noção). Ah, e claro, com isso mais comerciais bacanudos (ou não):

É essa qualidade que tem pra hoje

Típicas moradias e cidadãos brasileiros, sem dúvida

Em 2011 a Nintendo lança no mundo o sucessor do Nintendo DS: Nintendo 3DS. O portátil, bem semelhante ao DS, surge com a adição de um analógico, melhores gráficos, uma tela superior maior e a possibilidade de se jogar em 3D sem óculos especiais. O portátil foi lançado em fevereiro no Japão e em Março para América do Norte e Europa.

Eis que com o 3DS ocorre o maior milagre de consoles Nintendo no Brasil. 3DS foi lançado em Julho do mesmo ano aqui. Foi o lançamento mais rápido de um console da Big N aqui, já que mesmo na época da Gradiente costumava ocorrer uma demora de 1 ano. Esse foi o primeiro console da Nintendo a ser traduzido totalmente para o português (tanto no Brasil quanto em Portugal), já que até então o menu dos consoles ainda era todo em inglês. Junto ao 3DS também surgiu a eShop para o Brasil, loja virtual da Nintendo. A versão XL do console, lançada em 2012, também chegou rapidamente para o mercado brasileiro.

Em 2012, a Nintendo resolve lançar o sucessor do Wii: o Wii U. O console chegou com má fama desde o início. Assim como o Wii, o Wii U era aquele com o hardware mais fraco, agora em relação aos seus futuros concorrentes, o Xbox One e o PlayStation 4 (que já estavam encaminhados para o ano seguinte), mas agora o GamePad, controle com um “tablet” embutido (não tão atrativo quanto os Wii Remotes).

O início do Wii U foi desastroso, e os anos seguintes já sabemos pelo lançamento repentino do Switch. Mesmo assim Nintendo possui sua fanbase fiel, que pedia que o console chegasse no Brasil, mas o tempo passava e nada. Eis que, 1 ano depois, o console é lançado por aqui, agora já com seus concorrentes devidamente lançados nas datas mundiais. Tudo bem, chegou atrasado (já estamos acostumados), mas o problema foi o preço: R$1900,00. O preço foi realmente uma facada, ainda mais considerando o fracasso do console, e com versões importadas por fáceis de achar por R$1200,00. Claro, o Xbox One chegou por R$2200,00 e o PS4 pelo infame valor de R$4000,00, mesmo assim era um valor muito caro por um console que com 1 ano tinha poucos jogos (e até hoje não tem muitos).

O ano de 2014 vai passando e a Gaming continua a lançar os jogos exclusivos da Nintendo de forma boa nas lojas, mas com um porém: Nenhum possuía sequer legendas em português, sendo que até mesmo dublagem já era algo comum nos consoles rivais. Mesmo assim a situação foi indo. Durante a metade do ano, claramente havia uma boa parcela mais interessada no Wii U graças a E3, aonde a Nintendo fez as melhores apresentações, prometendo o próximo The Legend Of Zelda já para 2015 (não, eu não vou corrigir isso do texto), além dos Amiibos, bonecos interativos vendidos como acessórios do Wii U e 3DS. Os meses passam e a situação continua normal e, mesmo com alguns atrasos como o de Super Smash Bros. For Wii U, todos os jogos foram devidamente lançados, mas nada de Amiibos.

Eis que, após a virada de ano, para a surpresa de todos, Bill van Zyll, diretor e gerente geral da Nintendo da América Latina, envia, no dia 8 de janeiro de 2015, um comunicado para a imprensa:

“O Brasil é um mercado importante para a Nintendo e lar de muitos fãs apaixonados. Mas, infelizmente, desafios no ambiente local de negócios fizeram nosso modelo de distribuição atual no Brasil mais insustentável. Estes desafios incluem as altas tarifas sobre importação que se aplicam ao nosso setor e a nossa decisão de não ter uma operação de fabricação local. Trabalhando junto com a Juegos de Video Latinoamérica, iremos monitorar a evolução do ambiente de negócios e avaliar a melhor maneira de servir nossos fãs brasileiros. Somos profundamente gratos pelo trabalho duro e pelas muitas contribuições feitas por cada valioso membro da Gaming do Brasil. Nos últimos anos, trabalhamos juntos para apresentar os consoles Wii U e o Nintendo 3DS para os fãs brasileiros, assim como no lançamento de títulos populares como Super Smash Bros. para Wii U e Nintendo 3DS, Mario Kart 8, The Legend of Zelda: A Link Between Worlds, Donkey Kong Country: Tropical Freeze e muitos outros.”

IT'S BEEN A LONG DAY, WITHOUT YOU MY FRIEND...

Basicamente o tal diretor da Nintendo disse que os impostos do Brasil são muito altos e por isso eles iriam dar no pé daqui. Sem dúvida foi uma facada no peito dos fãs da Nintendo logo no começo daquele ano, e muito se foi discutido sobre de quem realmente foi a culpa. É, 2 anos se passaram, ainda estamos em crise, já rolou impeachment e outras mil e uma coisas e o que dá pra dizer é que essa "vazada" foi uma bela mistura de uma empresa cheia de problemas com um console igualmente problemático comercialmente, com um país tentando fugir do fundo do poço economicamente. E bem, a situação não parece que melhorou tanto, considerando que hoje em dia qualquer lançamento sai na faixa dos R$250,00 pra cima (e sim, amigos, numa época próspera lá por 2012, raramente um lançamento custava R$180,00).

Em uma série de entrevistas feitas pela Nintendo World ao Bill van Zyll na época, ele disse que a saída da Nintendo obviamente não seria definitiva, mas não havia qualquer data prevista para o retorno da Big N pra cá. Segundo ele, possivelmente a Nintendo iria tentar voltar através da Video Latinoamérica, essa que atualmente distribui os produtos Nintendo no resto da América Latina, e que tinha a Gaming como um “braço” no Brasil. O que sobrava eram os consoles importados pela Gaming nas lojas, até os estoques acabarem. Ah, e ele também havia prometido eShop brasileira no Wii U. Vale destacar que na versão original deste artigo (num trecho de rage) eu ironizei falando isso:

"E a droga da eShop do Wii U, cadê?! Bem, segundo Bill van Zill, estão tentando trazer a eShop do Wii U o mais rápido possível (sim, eu me segurei pra não rir quando li isso) e que, mesmo sem a distribuição física dos jogos exclusivos, UM DIA, em um futuro distante, provavelmente depois do lançamento de Kingdom Hearts III e The Last Guardian, teremos os jogos de forma oficial, mas só via online. Do jeito que tá indo sai o sucessor do Wii U e a eShop não sai."

Eu e minha língua (sai logo KH3).

Ah, e nem me peçam pra que eu poste essa parte de rage, é horrível, além de que minha visão até mesmo politica mudou bastante desde aquela época. O que dá pra resumir bem daquilo, e que não mudou muito, é que penso que ela usou apenas uma desculpa que a Sony também usou pra meter 4 mil no preço do PS4 naquela época, e jogar toda a culpa na crise não era argumento pra dar no pé, ou seja, foi muito mais por fatores deles do que nossos. Na época também houve muita "dózinha" dela, sendo que a maioria tinha esquecido da tonelada de vacilos que ela tava cometendo, não só no Brasil, e aproveitaram a febre do Mario no McLanche Feliz (a maioria lembra como foi da primeira vez) pra matar o que restava nos estoques dela com saudosistas e dar tchau sem um beijinho de despedida.

Como sabemos, daqui poucos meses vem o sucessor do Wii U, o Switch (até poucos dias atrás conhecido como NX) e ainda nada dela ter voltado, e as perguntas de quando vai ser isso voltaram a tona. Praticamente a única informação que tivemos foi do Reggie Fils-Aime após o evento de apresentação do Switch, que disse que o preço e a data de lançamento do console na América Latina será em breve. O problema seria saber se o Brasil estaria no "América Latina", já que não possui mais representantes. O que sabemos é que houve contatos recentes da Nintendo com estudos brasileiros de dublagem, ou seja, ela está ao menos cogitando lançar jogos dublados em PT-BR (chutaria logo o Breath of the Wild, agora que Zelda terá dublagem). Ah, vale destacar que o Miitomo (Android e iOS) e o Super Mario Run (iOS), jogos de celulares, já possuem tradução oficial em português brasileiro. Apesar de ser apps bem simples, já vale (considerando que Mario nunca possuiu muito texto e mesmo assim não tem tradução...).

Bem, é isso. Como disse no começo, esse artigo encerra a trilogia principal desta série, mas planejo comentar sobre a febre Pokémon, os desenhos, as revistas, entre outros produtos da Nintendo que já tivemos no Brasil em outros artigos. Realmente espero que tenham gostado e... Divulguem, creio que seja o tipo de material útil para quem também possui interesse por esses dados sobre a Nintendo no mercado Nacional. E claro, que a Nintendo volte logo. BYE!

Review | A Liberdade é Azul

2017-01-20T18:49:00.000-02:00

Talvez esse seja o primeiro filme com um verdadeiro status de cult que apresento no blog. A Liberdade é Azul faz parte da glorificada Trilogia das Cores, do diretor polonês Krzysztof Kieslowski, um dos maiores nomes da história do cinema europeu.

Chamada de Trois couleurs na França, a Trilogia das Cores é formada pelos filmes Bleu (A Liberdade é Azul), Blanc (A Igualdade é Branca) e Rouge (A Fraternidade é Vermelha). Como fica claro, os títulos fazer referência a bandeira francesa, que tem suas cores baseadas no lema da Revolução Francesa (os três conceitos colocados nos títulos brasileiros, sendo uma das melhores adaptações de títulos já feitas, sem dúvida).

Considerada a obra prima de Kieslowki, a trilogia foi seu último trabalho antes de se aposentar e falecer. Trilogia das Cores tenta representar os três conceitos do lema francês, cultuados em toda a Europa, em histórias pessoais de cidadãos europeus num continente que vem passando por várias reformas econômicas e sociais, tentando trazer uma união entre os países após o fim da União Soviética (deixando claro que o assunto em nenhum momento é realmente tratado, mas fica subentendido, principalmente no segundo filme).

Arte de Victo Ngai

A Liberdade é Azul é o primeiro filme, lançado em 1993, estrelado por Juliette Binoche (que 3 anos depois ganharia o Oscar por sua atuação em O Paciente Inglês), também contando com os atores Benoît Régent, Florence Pernel e Emmanuelle Riva (recentemente a atriz mais velha indicada ao Oscar, por Amour). Assim como os outros dois filmes, possui Kieslowski na direção e no roteiro, com apoio de Krzysztof Piesiewicz, além de Zbigniew Preisner na trilha sonora.

O filme se inicia com um casal e sua filha passeando de carro. Sem nenhuma apresentação dos personagens, logo em seguida vemos o carro bater numa árvore, com o filme cortando diretamente para a mulher acordando em um hospital, recebendo a notícia de que seu marido e sua filha morreram no acidente. De forma lenta vamos entendendo que a mulher é Julie, esposa de Patrice de Courcy, um dos maiores compositores da Europa, que estava compondo o tão esperado Concerto de Unificação da Europa, esse que seria tocado simultaneamente em vários países europeus, celebrando o fim da Guerra Fria.

Logo ao sair do hospital, Julie, que também é compositora, já se vê pressionada a terminar o trabalho de seu marido, mostrando a pouca sensibilidade da mídia em relação ao estado emocional da mulher. Após essa pressão, aos poucos vamos vendo Julie se desfazendo de tudo relacionado a Patrice e sua filha, incluindo a casa e os trabalhos incompletos do esposo. Como um modo de se ver livre de tudo e de todos, ela resolve ir morar longe de todos aqueles que a conhecem.

Bleu é, de toda a trilogia, o filme com a maior carga dramática, e o mais difícil de se “consumir”. De narrativa lenta e silenciosa, ele se passa apenas na perspectiva de Julie. O que ela realmente está moldando para si mesma nunca é jogado na lata, sendo sempre necessário interpretar aquilo que está sendo feito por alguém desequilibrada e ao mesmo tempo fria.

Julie busca a liberdade plena, sem relações relevantes com ninguém, o que não é tão fácil quanto parece. No caminho em que ela busca essa liberdade, ela aparenta muito mais se isolar consigo mesma, isso pelo afeto e pela empatia que, como ela mesmo diz, são armadilhas que podem prendê-la e, obviamente, tirar sua liberdade.

Aos poucos Julie começa a notar que essa tentativa de ser livre não está dando certo, a partir do momento em que começa a ter uma amizade com uma stripper, volta a dar sua atenção à mãe que vive no asilo e ao trabalho de seu marido, além de vasculhar sobre a vida do mesmo. Ela começa a notar que sua liberdade plena acaba quando a do outro se inicia, sendo assim praticamente impossível ser totalmente livre. De um podo crítico Kieslowski demonstra que o ideal de liberdade só é realmente bom quando faz bem a quem o busca.

A Liberdade é Azul muitas vezes soa como um filme experimental do que qualquer coisa. Apesar de ter sua trama bem construída, como eu bem disse, possui um clima pesado, em todos os sentidos. É uma obra muito mais focada em momentos de quase nenhum diálogo, com música forte ao fundo, além de grandes e belos quadros. O filme trabalha muito bem com uso de luz, muitas vezes mostrando apenas o rosto de Julie com feixes de luz em sua face, sem mostrar o que está segurando, isso durante longas cenas. É um modo de causar mistério com pequenas coisas, assim como a própria vida da protagonista, que tem seu passado revelado aos poucos de forma natural. Destaque também para a cena do reflexo no olho, ainda nos minutos iniciais, que é de uma perfeição esplêndida.

Outro detalhe interessante, que une todos as três obras, são cenas com os personagens dos outros filmes. Nunca há diálogos entre eles, apenas cenas em que um aparece no fundo do quadro ou coisas do tipo. Bleu possui um trecho que é exatamente no começo de Blanc, mas pela perspectiva de Julie. Há também uma cena de uma idosa tentando colocar uma garrafa no lixo, essa que se repete com outros idosos nos outros filmes.

A música é um dos elementos chave do filme todo. A trilha sonora de Zbigniew Preisner é perfeita, apresentando de forma completa o tal Concerto de Unificação da Europa, em duas versões alternativas, que demonstra justamente a diferença da visão musical de cada compositor. Um dos fatores mais interessantes é quando a música toca conforme é mostrado nas notas que são exibidas pela câmera, sendo de total genialidade o momento quando as folhas com rascunhos são jogadas fora e o som se contorce totalmente. É um método de misturar o cinema e a música de uma forma extremamente criativa.

Trois couleurs: Bleu não é um filme fácil de ser apreciado. Possui um clima e uma narrativa pesada, com poucos diálogos, além de ser um filme que entrega as coisas aos poucos, deixando com que quase tudo seja interpretado por quem assiste, sem em nenhum momento explicar o que se passa pela cabeça de Julie. É um filme de maior enfoque artístico, sendo menos acessível que os filmes seguintes. De grande destaque, o filme possui uma atuação magistral de Juliette Binoche, que pelo papel conseguiu holofotes na América sendo indicada ao Globo de Ouro, abrindo as portas para esse mercado e conquistando o Oscar pouco depois. Apesar de difícil, é um excelente começo para uma trilogia que apenas melhora ao passar dos filmes.

Review | Whiplash

2017-01-13T00:08:00.000-02:00

E aqui estamos com o primeiro post de 2017 no blog. Passada algumas semanas desde o último review, que podemos chamar de um pequeno período de férias, vamos discutir sobre um dos filmes mais elogiados dos últimos tempos: Whiplash.

Whiplash é um filme independente de 2014 e que teve a honra de disputar o Oscar de melhor filme em 2015. É dirigido e roteirizado por Damien Chazelle, esse que está novamente sob holofotes com o prestigiado La La Land. Nascido de um projeto de curta-metragem de 2013, conseguiu financiamento do Instituto Sundance para se tornar o longa-metragem apresentado nos cinemas.

O drama musical é estrelado por Miles Teller (série Divergente, reboot do Quarteto Fantástico) que protagoniza o filme com o personagem Andrew Neiman, um baterista estudante de jazz com grandes ambições de futuro. Ainda sendo um dos novatos da escola, ele consegue uma chance de ouro que é participar da banda da escola, que tem como professor e maestro Terence Fletcher, interpretado de forma magistral por J. K. Simmons (Homem-Aranha, The Closer).

O filme poderia seguir um padrão de simplesmente mostrar as dificuldades da vida para alcançar seus objetivos. E bem, é isso o filme, mas de uma forma menos convencional. A maior pedra no sapato de Andrew parece ser justamente seu professor, Fletcher, esse com métodos aparentemente extremos. Com uso de violência verbal e até mesmo física, Terence leva seus alunos ao limite psicológico, os aterrorizando até que se enquadrem perfeitamente em seu “tempo”.

Enquanto Andrew tenta se manter na orquestra da escola, lidando com temperamento de Fletcher, ele ainda tem que lidar com suas relações pessoais. De um lado sua família, que completamente o desmotiva para sua carreira, menosprezando a profissão de músico. Ao mesmo tempo ele tem Nicole, interpretada por Melissa Benoist (Supergirl), sua namorada, a qual o mesmo não sabe lidar muito bem, muitas vezes a menosprezando.

É de caráter notável o fato de o protagonista estar longe de ser alguém perfeito. Ao contrário, é um jovem completamente falho, anti-social, que muitas vezes soa egoísta e metido, tudo por uma busca implacável pela perfeição. Durante todo o filme ele se mostra alguém completamente exagerado, passando dos limites físicos e psicológicos para alcançar seus objetivos. Não são raros momentos de sangue pingando na bateria, pelo excesso de treino e prática para se aperfeiçoar. Ponto positivo para Miles Teller, que consegue representar bem a instabilidade do personagem de uma forma realista, ao mesmo tempo que consegue causar empatia em quem assiste, mesmo com atitudes erradas.

Apesar de Andrew ser um personagem extremamente bem trabalhado, o grande destaque sem dúvida é Fletcher (algo que se refletiu nos mais de 30 prêmios que Simmons conquistou pelo papel). Um personagem que age de forma aparentemente insana, que consegue mudar de personalidade de uma forma rápida, natural e fria. Os berros, xingamentos e tapas na cara são elementos que representar perfeitamente de forma visual a raiva que Simmons tenta passar ao personagem. Ao mesmo tempo em que o personagem poderia possuir uma quantidade suficiente de características para ser odiável, é possível notar uma humanidade em Terence, que ao mesmo tempo que maltrata demais seus semelhantes, também possui carinho e afeto. Fletcher parece fazer de tudo em nome da música, da mesma forma que Andrew.

Damien Chazelle, mesmo estando em um de seus primeiros trabalhos, se mostra incrivelmente acima da média, seja no quesito de roteiro ou direção. Enquanto que ele consegue narrar bem a história e explorar a personalidade explosiva dos personagens, atrás das câmeras eles consegue dar um dinamismo impressionante, deixando quem assiste tenso, aflito, mantendo muitas vezes um ritmo frenético que te prende em cenas longas. Ele consegue passar um realismo impressionante em Andrew tocando bateria, demonstrando a tensão de como seria estar no lugar dele e sofrendo por qualquer atraso ou adiantamento que possa dar errado. Chazelle passa para tela algumas de suas próprias experiências, já que o mesmo já teve que lidar com um professor abusivo ao estudar bateria.

Mesmo sendo um filme com enfoque na música, a trilha sonora fica mais marcada pelas "Caravan" e "Whiplash" de Juan Tizol e Hank Levy, respectivamente, do que pela trilha original de Justin Hurwitz. Essas duas músicas tocam diversas vezes durante o filme, o que acaba trazendo uma familiaridade com elas, assim como deve ser na cabeça dos personagens que já sabem de cor as mesmas.

O filme deixa a critério do telespectador analisar e interpretar qual seria a mensagem do filme. Se seria que é necessário um grande esforço para se alcançar objetivos, mesmo que isso signifique se abalar de vários modos, sendo necessário as vezes métodos mais agressivos, ou se isso representado no filme seria uma grande crítica ao excesso, tanto de esforço, tanto de tentativa de ensino. A grande verdade é que o filme parece tentar passar uma mensagem envolvendo esses dois “lados”, reforçando que é sempre necessário mais e mais esforço para sempre melhorar, mas que há certos exageros que são malignos.

Whiplash sem dúvida alguma se trata de uma obra excepcional do cinema norte-americano. Ao mesmo tempo que se trata de um filme que envolve abuso psicológico em busca de objetivos, algo presente em vários bons filmes, ele consegue se manter com identidade. Se tratando de um projeto praticamente independente, o mérito é ainda maior. Com um dinamismo impressionante e um final eletrizante e espetacular, é uma obra com esmero tanto no roteiro, quanto na direção e nas atuações, sendo, sem questionamentos, um dos melhores filmes dessa década.

Review | Rogue One: Uma História Star Wars

2016-12-22T23:02:00.001-02:00

Desde que a Disney comprou a LucasFilm em 2012 os fãs do cinema e principalmente da franquia Star Wars ficaram bem curiosos pelo que estaria por vir com essa mudança de gestão, sem interferência de George Lucas. A franquia já parecia bem fechada, com seus 6 filmes já lançados, como já era a ideia desde os anos 70, apesar de haver várias obras expandindo a série, inclusive após O Retorno de Jedi. Eis que a maior surpresa foi que a Disney simplesmente resolveu “jogar fora” mais de duas décadas de material do universo expandido da franquia, o tornando “Legends”, mantendo apenas a segunda série animada de Clone Wars ainda no cânone dos filmes (assim como quadrinhos e livros derivados).

A ideia foi justamente para esquecer principalmente de coisas pós Episódio VI, como a Trilogia Thrawn, os filhos dos protagonistas, entre outras criações, para poder pensar de novo sobre esses temas, como Kylo Ren em O Despertar da Força. Ao mesmo, um novo universo expandido foi sendo desenvolvido, com novos livros, novos personagens, novo desenho (Rebels) e, surpreendentemente, filmes, esses sem a necessidade de fazer parte da série principal episódica. Rogue One é o primeiro deles, sendo seguido pelo filme do Han Solo em 2018.

Rogue One: Uma História Star Wars, dirigido por Gareth Edwards (Monsters e Godzilla de 2014), tem como proposta contar a história do grupo rebelde que roubou os planos da Estrela da Morte. Isso até então era resumido por um parágrafo na introdução de Uma Nova Esperança, sendo até então a maior vitória da Aliança. Se passando dias antes de Luke conhecer R2-D2 e companhia, o filme tinha um potencial enorme para ser um desastre, ou ao menos bagunçar muita coisa do cânone da série, até pela proximidade da história. Surpreendentemente, o filme, diferente da trilogia prequel (que apesar de pessoalmente considerar boa, fez surgir algumas incoerências na série), não só deixa o cânone sem alterações como também explica muita coisa considerada sem sentido ou até mesmo acrescenta detalhes que agradam qualquer verdadeiro nerd.

O filme, apesar de ter como seu grande e maior foco a missão e, justamente, a Guerra nas Estrelas, é protagonizado por um grupo de seis personagens, sendo a principal Jyn Erso (Felicity Jones), filha de Galen Erso (Mads Mikkelsen), um dos principais engenheiros da Estrela da Morte. Jyn foi separada de sua família ainda criança e passou sua adolescência sendo criada por Saw Guerrera (Forest Whitaker), um líder extremista (apresentado em Clone Wars) que se opõe ao Império. Anos mais tarde, Jyn é pega pela Aliança Rebelde com o objetivo de encontrar Guerrera e seu pai, por serem peças fundamentais para os objetivos da organização.

Os outros cinco personagens são Cassian Andor (Diego Luna), um capitão da Aliança, K-2SO (Alan Tudyk), um dróide imperial reconfigurado pelos rebeldes, Bohdi Rook (Riz Ahmed), piloto que abandonou o Império, Chirrut Îmwe (Donnie Yen), um guerreiro cego que diz ser um dos Guardiões dos Whills e seu amigo Baze Malbus (Jiang Wen), um mercenário. Do lado dos vilões, temos Orson Krennic (Bem Mendelsohn), diretor imperial responsável pela Estrela da Morte, assim como seus, já conhecidos, líderes Tarkin (um Peter Cushing de CGi) e Darth Vader (ainda dublado por James Earl Jones).

O grupo principal, diferente do que poderia se esperar, é formado aos poucos, assim como os objetivos iniciais estão longe de ser o de buscar os planos da arma imperial. Apesar de se conhecerem de repente, a química entre todos é incrivelmente convincente, além de todos possuírem seu nível de carisma. As amizades de Cassian e K, assim como de Chirrut e Baze, são bem semelhantes à de Han e Chewie da trilogia clássica. Jyn, apesar de possuir um elo com o império através de seu pai, está muito longe de um Luke, Anakin ou Rey, nem mesmo de uma Padmé ou Leia. Ela é uma personagem que inicialmente pouco liga para a causa rebelde, sendo muito mais semelhante a Han Solo no Episódio IV. Todos eles possuem o nível de carisma necessário, apesar de K-2SO e Chirrut ainda roubarem um pouco mais a cena. Krennic é um bom vilão, respondendo bem ao poder que ele possui no Império. Apesar de conhecer todos agora, gera-se um carinho por boa parte deles.

O filme foi várias vezes vendido como uma obra que não necessita do conhecimento do resto da franquia. Não chega a ser uma mentira, pois a forma narrativa se difere um pouco dos demais (texto de introdução...), assim como os arcos dos personagens tem começo, meio e fim no próprio filme. Ao mesmo tempo, o que se aparenta assistindo é justamente ao contrário. Enquanto O Despertar da Força tinha um enfoque maior de apresentar a franquia para uma nova geração (requentando o primeiro filme), esse é o filme com maior material de fanservice da franquia até hoje, fazendo referência às duas trilogias e até mesmo ao Episódio VII.

Rogue One se encaixa bem como uma obra de universo expandido. Ele, apesar de possuir cameos de personagens queridos, não possui nenhum destaque a eles (com exceção de Vader), sendo muito mais focado no universo da franquia. Olhos detalhistas notam bem as referências tanto na narrativa quando nos ambientes, como “figurantes” conhecidos, jogos, naves, entre outras coisas que já estiveram no cinema e aqui fazem parte do detalhamento. Aqui pela primeira vez vemos os cristais Kyber, usados para a construção dos sabres de luz, algo bem antigo na franquia, mas nunca citado nos filmes. O planeta Jedha também é bem intrigante, pelas enormes estátuas de jedis soterradas.

Assim como o nome da arma Starkiller (primeira versão de “Skywalker” nos roteiros de Lucas) no Episódio VII, Rogue One faz referências às ideias iniciais de Star Wars, a maioria envolvendo o personagem Chirrut. No caso, a maior homenagem está na frase que o mesmo diz para as pessoas na rua: “May the Force of others be with you” (“Que a Força dos outros esteja com você”). A frase nada mais é do que a versão inicial da clássica “May the Force be with you” (“Que a Força esteja com você”) e que pode ser vista na HQ “The Star Wars” (que resume os roteiros originais da série).

A atuação de Felicity Jones é boa e convincente e, apesar de algumas falhas (algo bem comum até com bons atores como ela na franquia), ela faz bem o seu serviço, assim como sua personagem. Jyn foge muito do que foi visto com Rey em O Despertar da Força, essa que, apesar de ser uma boa personagem, muitas vezes soa como forçada, por já ser a terceira “The Chosen One” da série, sendo talvez a com mais poderes forçados até hoje. Jyn é apenas uma mulher com boas habilidades com armas e ágil, nada muito acima disso, com fraquezas claras e com um alto nível de coragem. Em um mundo tão fantástico e grandioso, uma garota simples como Enso sendo protagonista soa como um bom equilíbrio para a série que talvez já estivesse um pouco saturada ou exagerada nesse ponto.

Apesar do medo de alguns, o tom de humor é em um nível ideal. Diferente do já saturado humor imposto pela Disney nos filmes da Marvel, com momentos cada vez mais forçados, aqui é algo bem balanceado, mais leve que em O Despertar da Força. São piadas aqui e ali, envolvendo mais o K-2SO, honrando bem o humor da franquia envolvendo dróides.

Vale também destacar que o filme dá explicações e novas perspectivas para coisas que já conhecemos, como a falha na Estrela da Morte, os poderes da mesma, assim como era por dentro da Aliança Rebelde, com desavenças entre seus membros, além de um lado sujo da mesma, mostrando que na guerra não existem santos.

Pela primeira vez temos um filme de Star Wars sem o lendário John Williams na trilha sonora. No lugar dele temos Michael Giacchino, esse com grande legado na série Medal of Honor, nos primeiros Call of Duty’s, além de vários filmes da Disney e da Pixar como Up e Os Incríveis. Apesar de uma situação no mínimo complicada de honrar as sempre grandiosas OSTs da série, ele consegue fazer muito mais do que esperado. Pode ser até meio perigoso dizer isso, mas o trabalho de Giacchino parece melhor e mais criativo que o de Williams no Episódio VII. Michael utiliza várias referências das músicas clássicas, além de obviamente encaixar a marcha imperial nas cenas com Vader, mas ele consegue apresentar novas músicas de forma agradável e impactante, com destaque ao tema principal. As músicas muitas vezes parecem ser algumas das clássicas, mas de repente se apresentam algo bem diferente, sendo uma ideia bem criativa para homenagear aquilo já existente e inovar.

Aproveitando a deixa, vamos falar de Vader. Sem dar muitos spoilers sobre sua participação, ele é totalmente honrado nesse filme. Seu lore consegue ser expandido, mesmo com pouquíssimos minutos do filme o envolvendo, assim como seu poder é demonstrado como nunca antes nos filmes, de uma forma que só a tecnologia atual poderia proporcionar. Temos a melhor cena até hoje do personagem, fazendo algo impactante no meio de outras cenas grandiosas, mostrando a real força que o personagem possui não só no cinema como na cultura pop, com sua simples presença de coadjuvante sendo algo impactante.

O filme divide com A Vingança dos Sith o melhor terceiro ato de toda a série. É uma completa homenagem à vários icônicos momentos de ação da série, além de honrar o “Wars” no título da franquia. A ação do filme é incrível, com claras homenagens à filmes de guerra, principalmente os de Segunda Guerra Mundial. Ainda tratando os aspectos técnicos, temos dois personagens refeitos em computação. Enquanto o já citado Tarkin possui um CGi mais parecido com uma cena de videogame, o outro personagem, até por aparecer bem pouco, é até convincente.

Rogue One não possuía obrigação nenhuma de ser o melhor filme da franquia, e nem realmente é, mas chega perto. O filme não poderia ser considerado o melhor simplesmente por suas melhores qualidades dependerem fortemente dos outros filmes, mas ao mesmo tempo ele consegue dar um ar um tanto diferente à série, fugindo de jedis e batalhas de sabre, mas mantendo um tom divertido, com personagens carismáticos, grandes cenas de ação e uma grande jornada. Rogue One é o primeiro passo do universo expandido nos cinemas e, por incrível que pareça, parece um rumo mais interessante do que a contínua saga agora protagonizada por Rey. Que venham mais contos de Star Wars.

"I am one with the Force and the Force is with me."

Review | Amor à Queima-Roupa (True Romance)

2016-12-18T16:52:00.000-02:00

Quentin Tarantino é sem dúvida alguma um dos principais diretores na nossa atual geração. Não possui só talento atrás das câmeras, homenageando obrar antigas com toque modernos, mas também tem outra grande característica que é seu enorme talento em roteiros, que são sempre dele em seus filmes, talvez sendo sua verdadeira maior qualidade, tanto é que seus dois Oscares foram por roteiros (Pulp Fiction e Django Livre). O que poucos sabem é que, antes de apresentar para o mundo sua primeira grande obra, Cães de Aluguel, ele já havia vendido alguns roteiros para estúdios, sendo o primeiro deles True Romance, ou Amor à Queima-Roupa.

O roteiro é baseado em um texto escrito em 1985 pelo roteirista amigo de Tarantino, Roger Avery (co-roteirista de Pulp Fiction), esse chamado The Open Road. O texto falava do casal Clarence e Alabama, sendo que Clarence nesse texto resolve criar um roteiro sobre Mickey e Mallory, uma dupla de serial killers. O casal acabou indo para True Romance, enquanto a história de Mickey e Mallory foi para Assassinos por Natureza.

True Romance foi lançado em 1993, entre Cães de Aluguel e Pulp Fiction (esses dirigidos por Tarantino), tendo como diretor o renomado Tony Scott (Top Gun, Dias de Trovão). O filme é um dos grandes casos de elencos de grandes estrelas que, na época, não eram tão famosos. Os grandes nomes do filme eram Christopher Walken, Dennis Hopper e Val Kilmer (numa participação em que nem mostra o rosto), além de Gary Oldman que estava iniciando seu ciclo de sucessos após Drácula. Já entre os atores não tão famosos na época, tínhamos Christian Slater (Mr. Robot), Patricia Arquette (Boyhood), Brad Pitt, James Gandolfini (Sopranos) e Samuel L. Jackson. Todos sem dúvida nenhuma formariam um dos elencos mais caros possíveis nos dias de hoje.

O protagonista da história é Clarence (Christian Slater), um funcionário de uma comic-shop de Detroit que, em seu aniversário, faz sua rotina de todos os anos, que é ir ao cinema, no caso para ver a trilogia Street Fighter, de Sonny Chiba. No cinema, ele acaba conhecendo Alabama (Patricia Arquette), que depois de saírem pra comer e para visitar a loja aonde ele trabalha, eles acabam na cama. Após a transa, Alabama revela para Clarence que ela é uma prostituta e que foi contratada pelo patrão dele, o dono da loja de quadrinhos, como presente de aniversário. Ela conta que acabou de entrar para a profissão e que se apaixonou por ele. Clarence sente o mesmo por ela, até por ser um cara bem solitário. Com esse sentimento mútuo, os dois acabam se casando no dia seguinte.

Os problemas começam quando Clarence, após uma conversa com uma versão imaginária de Elvis Presley (Val Kilmer) no banheiro, resolve acertar as contas com Drexl (Gary Oldman), o cafetão de Alabama. Clarence vai até o bordel de Drexl, acaba gerando uma confusão, mas vai embora com a mala de roupas de Alabama, a qual ele foi buscar. Ao chegar em casa, o casal resolve abrir a mala e, ao invés de haver roupas, ela está cheia de pacotes de cocaína. Parecendo ser uma chance de ouro, os dois resolvem fugir de Detroit e ir para Los Angeles para tentar vender a droga lá, aproveitando que o amigo de Clarence, Dick (Michael Rapaport), tentava carreira de ator. Obviamente a situação não era tão simples, e o casal acaba sendo caçado por um grupo de mafiosos liderado por Vincenzo Coccotti (Christopher Walken).

Temos aqui um filme que gosta bastante de brincar com a cultura pop. Desde a influência de Elvis nas atitudes de Clarence, até o mesmo se inspirar em seus heróis de ação para tomar atitudes. É como se ele fosse um típico cara nerd, que adora muita pancadaria e violência, mas ao invés de apenas ter vontade de fazer aquelas coisas, ele realmente faz, chegando a um certo ponto de quase insanidade do mesmo pra tentar ser um verdadeiro badass.

Os personagens em geral possuem uma mentalidade bem fútil, mas ela parece ser muito mais uma crítica à sociedade em geral do que uma pobreza de roteiro ou direção. É possível ver sonhos bestas, além de piadas racistas e preconceituosas que, como nos outros filmes de Tarantino, sempre soa como ironias e um padrão característico das sociedades que ele apresenta.

O filme lida com mortes de maneira totalmente natural, sendo basicamente situações que ocorrem e... Fim. Sem dramatizações ou coisa do tipo, morte é algo normal e não há grande romantismo, assim como é na vida real. Isso já era possível de ver em Cães de Aluguel e, em Pulp Fiction, fica mais impressionante com o plot twist que ocorre no meio do filme.

O filme pode não ser dirigido por Tarantino, mas muitas de suas marcas estão no filme através do roteiro. O protagonista Clarence parece uma versão fictícia do próprio Quentin, sendo um completo nerd, que trabalha no comércio do que gosta (Tarantino era balconista de locadora), sendo aficionado por cinema de ação oriental e por rock clássico. Além disso temos um alto de nível de violência e sanguinolência, além das cenas de banheiro terem uma importância específica assim como em Pulp Fiction (aonde sempre ocorria algo ruim quando Vincent ia ao banheiro).

Longos diálogos, outra grande marca do roteirista, já estão presentes nesse filme, havendo uma cena de interrogação de cerca de 10 minutos, recheado de curiosidades que ninguém se interessa muito, além de piadas próximas ao humor negro. Em compensação, diferente do comum nos filmes de Tarantino, a narrativa é linear, apesar do roteiro original não ser. Tony Scott, após escolher adaptar True Romance (ele teve que escolher entre ele e Cães de Aluguel), resolveu “organizar” a cronologia do roteiro que possuía 3 atos fora de ordem, além de mudar o final, esse que, apesar de Tarantino não concordar muito, respeita pela visão de Scott.

Outro ponto bacana de se destacar é que o filme, apesar de não ser um dos 8 filmes de Taratino, faz parte de seu universo compartilhado. A teoria de que seus filmes teriam ligações, após várias discussões na internet, já foi confirmada pelo mesmo. Duas conexões que se pode ver do filme com outros é o fato de Mr. White, em Cães de Aluguel, dizer que trabalhou com uma mulher chamada Alabama (o que se encaixaria bem com o final original de Tarantino), além do sobrenome do Urso Judeu, Donny Donowitz (de Bastardos Inglórios), ser o mesmo de Lee Donowitz, um produtor de cinema presente em Amor à Queima-Roupa.

Saindo das babações em cima do Tarantino, vamos falar da trilha sonora. As músicas originais do filme são compostas pelo famoso Hans Zimmer, além de possuir outras músicas licenciadas, como alguns rocks e músicas eletrônicas. O tema principal do filme, “You’re So Cool”, de Zimmer, possui um ar bem feliz e alegre, que funciona muito bem nas cenas mais leves e tranquilas no meio de cenas mais pesadas de ação.

A direção de Tony Scott é excelente. Ele pode não ser tão ousado com o trabalho, mas ele sabe contar a história muito bem. São lindas as cenas de paisagens ou de carros passando, além dele saber bem conduzir batalhas pesadas e violentas. A sacada envolvendo as cenas de Elvis é excelente, além da naturalidade em que a maioria das cenas de brigas e diálogos ocorre.

Amor à Queima-Roupa é um filme obrigatório para qualquer fã de Tarantino. É o início de seu trabalho, assim como Cães de Aluguel. E, para quem não é tão fascinado pelos trabalhos do mesmo, também deveria dar uma chance. Apesar de ser a base de muito do que veio depois pelo mesmo, ainda é um filme mais normal, até pela narrativa que não inova, sendo a clássica linear. É também uma boa para quem acompanha hoje em dia o trabalho dos atores que citei (principalmente para os fãs de Mr. Robot verem um dos primeiros filmes de Slater) e ver como evoluíram em atuação. True Romance é um bom filme pipoca para quem curte uma boa história e um cinemão anos 90.

Review | Um Cadáver para Sobreviver (Swiss Army Man)

2016-12-12T17:31:00.001-02:00

Eu realmente esperava escrever um review bem formal, assim como fiz com o último de Prisoners mas, após assistir o filme que irei falar hoje, concluí que era melhor levemente dar uma descontraída, respeitando a essência do filme. Mesmo assim, recomendo que leiam tudo, do começo ao fim. Apesar da história do filme poder gerar estranheza, a obra é muito mais profunda do que parece.

Primeiro vou deixar claro, Swiss Army Man (acho que sequer saiu no Brasil pra poder ter uma adaptação de título ruim*), filme desse ano, é um trabalho independente de “baixo” orçamento, com um elenco minúsculo (incluindo figurantes, possui apenas 11 atores, segundo o IMDB), dirigido por diretores novatos no cinema. Não se trata de um filme muito comercial ou coisa do tipo, mas também tem potencial para desagradar muita gente que procura filmes diferentes.

*Pouco depois desse review o filme foi lançado pela Netflix como "Um Cadáver para Sobreviver". É, até que não ficou ruim. Também atualizado no título do review.

Os diretos são os “Daniels”, dupla formada por Daniel Kwan e Daniel Scheinert. Apesar de ser sua estreia no cinema, os dois já tiveram alguns trabalhos de curta metragem, clipes musicais (incluindo para o Foster the People) e comerciais. O maior trabalho de destaque da dupla é o clipe da música Turn Down fo What, de DJ Snake com Lil Jon, música de sucesso imenso em 2014 (tema de vários memes, por sinal). O clipe talvez não seja tão conhecido quanto a música, mas ganhou um destaque entre as premiações. É um clipe extremamente retardado, de certo mau gosto para muitos, mas que, numa visão imparcial, é possível notar que possui uma direção espetacular.

Sim, a garota é a Trenton do Mr. Robot

Swiss Army Man (que em uma tradução seria algo como “Homem Canivete Suíço”), conta a história de Hank Thompson, um náufrago em uma ilha deserta que está com uma corda no pescoço para se suicidar. Ele claramente não está seguro da atitude que irá tomar, até que simplesmente surge um corpo (Daniel Radcliffe) na praia, atraindo sua curiosidade. Ao verificar o corpo, ele tenta reanimar o homem, mas o máximo que consegue é fazer o mesmo peidar. Após uma segunda tentativa de suicídio, ele novamente fica olhando para o cadáver, esse que não para de peidar e que sai flutuando no mar. Hank, numa situação de insanidade, corre atrás do cadáver e sobe nele, usando o corpo como um barco, fazendo o mesmo peidar mais para gerar impulsão.

Os dois acabam indo parar em uma praia, finalmente chegando a um lugar habitável. Hank acaba, num modo de gratidão, levando o cadáver consigo pela floresta que encontrou. Com o passar dos dias, ele vai achando utilidades no cadáver, até o momento em que o mesmo começa a aprender a falar. Numa situação inusitada, Hank começa a utilizar Manny (nome que ele deu para o cadáver) como uma ferramenta para várias utilidades, como cortar madeira, atirar, bússola, entre outras coisas incríveis (daí o nome do filme), ao mesmo tempo que começa a criar uma amizade com o mesmo.

O filme possui um grande exagero de piadas envolvendo fracasso, sexo, masturbação, peidos, ereção, entre outros temas não muito aceitos. Apesar dessa descrição fazer parecer que o filme é um besteirol qualquer, é justamente esses elementos que tornam a mensagem do filme ainda mais forte.

A obra, através dos diálogos e das ações, de uma certa forma critica a forma como coisas naturais e comuns muitas vezes são abominadas ou as pessoas fingem que não ocorrem, a começar pelo cadáver peidando. Alguns devem saber que um cadáver tem que soltar aquilo que tá dentro dele depois de morto e, apesar de a situação de um cadáver peidando ser constrangedora, é algo real. O mesmo pode ser visto ao tratar do tema da masturbação, por exemplo, que é outra situação absolutamente normal e de conhecimento de todos, mas é sempre visto com maus olhos pela sociedade de forma hipócrita, já que boa parte pratica o ato achando que ninguém sabe disso.

Swiss Army Man também trata de problemas de relacionamento, cada vez mais típicas. Hank na floresta tenda mostrar para Manny como é uma situação de se apaixonar e coisas do tipo. Ele mostra como uma situação pode ser fácil de ser resolvida agindo, ao mesmo tempo em que fica óbvio que ele mesmo não consegue tomar essas atitudes simples. A falta de autoconfiança, acompanhada de negativismo, mantém alguém solitário preso a si mesmo não conseguindo se soltar. É uma situação infelizmente comum e é realmente complicada de se lidar.

Questões envolvendo a felicidade e o sentido da vida são sempre pontos que o filme toca. Hank se demonstra alguém com tendências suicidas, ao mesmo tempo que é uma pessoa que apenas quer ser feliz, e sabe aonde estão as coisas felizes da vida, vivendo nessa briga consigo mesmo. As vezes se toca no assunto sobre como é limitada a vida em uma sociedade, sendo privado de várias coisas por serem consideradas erradas ou estranhas.

O filme, como já disse, possui um elenco extremamente limitado. Ainda assim, dos pouquíssimos atores, apenas dois são realmente atuantes em 90% do filme, que são Paul Dano e Daniel Radcliffe. Paul Dano consegue interpretar alguém com instabilidade emocional sem aparentar afetado ou coisa do tipo, realmente fazendo crer que o personagem sofre de uma solidão. Enquanto isso, Daniel atua igualmente bem, sabendo ser extremamente engraçado usando expressões bem limitadas, interpretando alguém semi-morto, e lançando frases pesadas e impactantes com uma simplicidade fenomenal.

A trilha sonora é um caso à parte, com várias músicas feitas à capela pelos próprios atores no meio do filme, isso incluindo o tema do Jurassic Park. Também é possível notar instrumentais perfeitamente sincronizados com diálogos de uma forma incrivelmente caprichada. As canções cantaroladas pelos personagens também servem para narrar os acontecimentos durante os avanços de tempo, tudo de uma forma bem-humorada.

Swiss Army Man é um filme extremamente estranho e várias vezes sem sentido. Pode ser que haja mais mensagens no filme, já que o mesmo é muito ambíguo em alguns momentos. É um filme incrivelmente interessante e de forma surpreendente é um dos melhores que assisti esse ano. Apesar de poder não agradar muita gente, é um filme que recomendo fortemente e que merece uma chance.

Review | Os Suspeitos (Prisoners)

2016-12-11T22:44:00.001-02:00

O que você faria se sua filha simplesmente desaparecesse após provavelmente ter subido em uma van, essa que tem como motorista um jovem com graves problemas mentais? E ainda, se o mesmo fosse logo solto como inocente e te dizendo coisas estranhas sobre sua filha? É com essa situação que iniciamos essa que é provavelmente uma das maiores obras de thriller dessa década: Prisoners (ou Os Suspeitos, com a péssima adaptação do título original).

Dirigido por Denis Villeneuve, o diretor de O Homem Duplicado, Sicario, e de um dos favoritos ao Oscar 2017, A Chegada, e roteirizado por Aaron Guzikowski, criador da série The Red Road, Prisoners é um thriller de 2013. É estrelado por Hugh Jackman (X-Men, Os Miseráveis), Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, O Homem Duplicado) e Paul Dano (Swiss Army Man, 12 Anos de Escravidão). Possui trilha sonora composta por Jóhann Jóhannsson (A Chegada, A Teoria de Tudo).

O filme, ambientado na Pensilvânia, inicialmente apresenta Keller Dover (Hugh Jackman), um pai de família, casado com Grace (Maria Bello) e com dois filhos, Ralph e Anna. A família toda vai passar o dia de ação de graças na casa de seus vizinhos, formados pelo casal Franklin (Terrence Howard) e Nancy (Viola Davis) e pelas filhas Eliza e Joy. Tudo ocorre como um dia feliz e normal, até a hora em que Anna e Joy pedem para ir à casa dos Dover para procurar um apito vermelho. Considerando que a proximidade e o ambiente pacato, elas são autorizadas. As horas passam e elas simplesmente não retornam. Após uma longa procura notam que as duas desapareceram e consideram como primeira suspeita o motorista de uma van a qual as duas estavam mexendo algumas horas antes e que havia sumido do bairro.

Do outro lado da trama temos o detetive Loki (Jake Gyllenhaal), esse que é acionado a procurar a van logo após a denúncia dos pais das crianças. O mesmo acaba cercando a van e capturando o motorista, Alex Jones (Paul Dano). Jones apresenta um QI de uma criança, além do veículo não possuir evidências das meninas. Após tudo dar a entender que Alex não teve ligação ao sequestro, ele é liberado de volta para a casa de sua avó Holly (Melissa Leo).

À partir daí o filme se separa em duas jornadas: A de Keller, que quer a todo custo saber aonde sua filha está, com a completa certeza de que foi Alex quem cometeu o sequestro (principalmente após uma frase estranha dita pelo mesmo), fazendo de tudo para conseguir informações do paradeiro das crianças; E a de Loki, esse que cumpre sua função de detetive e fica tentando identificar outras possíveis pessoas que poderiam ter cometido o crime, investigando tendências pedófilas de cidadãos da cidade. A visão de ambos se opõem, levando aos dois a se confrontarem várias vezes, apesar do mesmo objetivo.

O filme consegue ter a melhor qualidade para um suspense, que é a dúvida. Até os minutos finais do filme, as pistas, apesar de fortes, sempre deixam em dúvida a culpa de Alex ou não. Apesar de várias coisas que levem a ele, ele realmente parece não saber de nada ou ter noção do que está acontecendo. O que ocorreu com as crianças também só é revelado nos momentos finais, com o filme sempre apresentando várias situações possíveis. É uma revelação que ocorre de repente, mas não é de forma jogada. Quando tudo é revelado, você nota como todas as pontas realmente levavam para lá, mas as várias possibilidades apresentadas te desviam desse foco, tudo de uma forma bem inteligente.

Aqui em Prisoners somos apresentados a duas representações de desequilíbrio emocional que levam a fúria, tanto em Keller quanto em Loki.

Ao mesmo tempo em que Keller se torna completamente insano, chegando aos pontos mais absurdos de violência e ódio, ele ainda se apresenta como alguém fraco emocionalmente, que realmente ama sua filha e está fazendo tudo possível por ela, sendo moralmente correto ou não. Ele demonstra uma típica hipocrisia religiosa, rezando Pai Nosso nos seus intervalos de insanidade, representando bem seu total desequilíbrio. Hugh Jackman está simplesmente sensacional no papel, em uma de suas atuações mais primorosas no cinema. É a selvageria em nível de Wolverine, mas muito maior do que já foi apresentado nos filmes do carcaju. A fúria é clara tanto na voz, quanto no rosto, quanto nas atitudes, ao mesmo tempo em que o ator consegue apresentar bem o lado fraco e perdido na tristeza que Keller possui.

Já no lado de Loki temos um detetive que tenta manter sua reputação de sempre concluir seus casos. Não se trata de manter seu sucesso, mas sim por uma busca por justiça, mais do que tudo. Ele segue obviamente os caminhos da lei e as conclusões as quais ele e o resto da polícia conseguem, apesar da visão de Keller também o tocar. Ele é um cara completamente calmo em boa parte do filme, mas chega em determinado momento em que ele já está tão envolvido com a história que o mesmo começa a ter ataques de fúria e violência. É doloroso apenas ver e ouvir os empurrões e socos que ele dá em suas interrogações, realmente parecendo que foi uma violência real e não uma atuação. Jake Gyllenhaal, assim como de costume em sua galeria de atuações, apresenta uma interpretação magistral, conseguindo manter o seu tipo de atuação mais famosa, aquela aonde muda da normalidade para a insanidade em questão de segundos em forma completamente natural e crível.

Apesar de outros grandes nomes como Viola Davis e Terrence Howard, a outra grande atuação do filme é de Paul Dano. Sua interpretação é totalmente convincente como a de alguém com problemas mentais e dificuldade de raciocínio. Ele consegue manter o ar misterioso do personagem do começo ao fim, fazendo surgir as suspeitas pobres, mas suficientes para criar cada vez mais teorias sobre o crime. Você realmente fica num misto de prazer e pena nas cenas nas quais ele está envolvido, num misto de empatia e antipatia completamente estranha e sensacional.

O roteiro de Aaron Guzikowski, esse que começou a ser escrito em 2007, é de um capricho incrível já que, como já foi dito, sabe fazer bem as melhores coisas de um bom thriller, que são a dúvida e o mistério. A trilha sonora de Jóhann Jóhannsson é de ótima qualidade, mas é o silêncio a grande marca do filme, algo que pode ser creditado ao diretor Dennis Villeneuve. O trabalho de Villeneuve, junto a Roger Deakins (premiado diretor de fotografia, responsável por Sonho de Liberdade e pela cinegrafia da maioria dos filmes dos Coen) é de ótima qualidade, sabendo manter um bom serviço básico com vários elementos bacanas, como câmeras paradas em algum ponto específico, perspectiva perseguindo o personagem, visões borradas, entre outras características próprias do trabalho de Villeneuve e Deakins, isso sem falar no exímio capricho envolvendo sons de violência e a agonia apresentada, isso até o minuto final do filme.

Os Suspeitos é uma incrível obra da atual década, sendo uma pena sua baixa popularidade na época em que saiu (e o fato de ter sido pouco lembrado nas premiações principais). É um trabalho de grande equilíbrio entre direção e atuações, que recomendo fortemente, sendo uma ótima experiência para quem procura suspenses de qualidade e para quem ficou curioso pelo trabalho de Villeneuve após assistir Arrival.

Guia de Artigos do Blog Mil

2016-12-09T22:38:00.004-02:00

Esse post não se trata de um artigo nem nada do tipo. Na verdade é um guia completo com tudo que escrevi para o Blog Mil. É um modo de facilitar as coisas para quem tiver interesse no que já escrevi ou vou vir a escrever. Claro, eu divulgo minhas publicações de lá na página do Facebook, mas nem sempre aparece na timeline sua. Por esse motivo (e por merchan gratuito, rs), resolvi fazer esse post, que vai ficar fixado no canto do blog.

Irei atualizar sempre esse artigo conforme eu for publicando mais coisa por lá. Também acho bacana isso pois eu posso dar sequência a um ou mais desses artigos, que não possuem mais tanto motivo de terem sequência lá (e porque Parte 2 lá é um mito, incluindo vindo de mim, rs).

Policenauts: Altas Confusões com Dois Tiras do Barulho no Espaço

27 de Dezembro de 2014

Metal Gear 1 & 2: Um pequeno salto gráfico, mas um grande salto para o que estaria por vir

31 de Dezembro de 2014

Marvels: A Era das Maravilhas!

18 de Fevereiro de 2015

Interstella 5555: Quando a música substitui as falas

3 de Abril de 2015

Slam Dunk: Uma verdadeira aula teórica de basquete

23 de Abril de 2016

Refletindo sobre os aspectos filosóficos de How I Met Your Mother

18 de Novembro de 2016

Snatcher: A Distopia de uma cidade corrompida

8 de Dezembro de 2016

Macross: Contatos Imediatos com a Protocultura

5 de Abril de 2018

Franquia Shenmue: Qual o Preço de Revolucionar o Mercado?

6 de Julho de 2020

O Ápice e a Ruína da Nintendo no Brasil Parte II: É Nintendo ou Nada!

2016-12-04T18:02:00.002-02:00

Olá pessoal, tudo bem? Como prometido, mais uma parte sobre a série "O Ápice e a Ruína da Nintendo no Brasil". No episódio de hoje iremos ver todo o final da fase da Gradiente como distribuidora da Nintendo no país, desde o fim da Playtronic até o lançamento do Game Cube. Ah, e antes que achem que vou finalizar por aqui, já adianto que pretendo chegar até os momentos atuais, além de haver um ou dois capítulos "extras", que não sei se colocarei antes ou depois.

LINK DA PARTE I

OSTzinha de hoje é essa aqui:

Apenas a Gradiente se mantém no jogo

As coisas pareciam andar bem no projeto da Playtronic, até que, em 1996, simplesmente a Estrela abandona o barco por alguma razão desconhecida. A partir daí, a Playtronic fica conhecida como Gradiente Entertainment Ltda. Acabou que não houve nenhuma grande mudança com essa alteração, com tudo seguindo seu rumo, até mesmo evoluindo e melhorando.

Em algumas páginas de revista que deixarei pelo artigo vocês verão que, junto com a notícia da vinda da Nintendo pra cá, também havia sido anunciado o novo console da Nintendo, com espetaculares 64 bits. Três anos se passaram e esse projeto veio as lojas com o nome de Nintendo 64. O console veio a ser lançado um ano depois no Brasil, e talvez tenha sido uma das melhores fases da Gradiente.

Nessa época, na quinta geração, tínhamos 5 consoles. Os dois primeiros foram o Jaguar e o 3DO, esses que fracassaram antes mesmo de terem grandes rivais. Os outros três eram o já dito Nintendo 64, o PlayStation e o Sega Saturn. Vamos consideram apenas os 3 últimos. O PlayStation só era comercializado via mercado cinza e através de algumas poucas lojas grandes que resolviam importa-los. O Saturn, bem, ele foi quase que um fracasso nos EUA e Europa, tendo um sucesso mediano no Japão. Essa situação se refletiu no Brasil, aonde o console chegou por um preço exorbitante. Com isso o Nintendo 64 viu seu caminho livre “oficialmente”, já que muitos ainda preferiam mercado cinza só para ter o PlayStation.

"...é muito mais provável que a Nintendo opte pelos jogos em CD..." kkkk

O Nintendo 64 teve grande marketing em cima, com quase todos os acessórios americanos lançados oficialmente no Brasil, além do próprio console ter recebido uma série de modelos, baseado em “sabores”, os quais possuíam carcaças transparentes de cores diferentes, podendo assim você ter um Nintendo 64 diferente do seu amigo, por exemplo.

Mesmo sendo um portátil relativamente velho (lançado ainda na época do NES), o GameBoy, assim como no resto do mundo, teve uma grande vida útil. Ocorreu um grande apelo comercial para a venda do portátil durante a fase Gradiente, o que garantiu simplesmente o esquecimento do Game Gear, passando por cima da TecToy, que agora sofria com o Saturn também.

Sem dúvida, algo que melhorou MUITO na fase Gradiente foram os comerciais. Sem dúvida foram comerciais bem famosos e marcantes para a criançada da época, além de cravar um slogan ótimo que foi “Nintendo ou Nada”. O primeiro no caso foi o chamado "Filosofia de Uma Empresa de Sucesso", o qual destacava a busca por dificuldade nos jogos pra Nintendo, numa propaganda engraçada e até um tanto contraditória pros dias de hoje, rs

Além disso agora os comerciais eram 100% nacionais (como esse acima), ao invés de adaptações de comerciais americanos, como na fase Playtronic. Tem o famoso do casal de macacos, mas um destaque é para a atriz Marisol Ribeiro ainda criança no de Mario Kart 64.

Ok, ok, ainda haviam adaptações de comerciais gringos, mas a maioria dos comerciais eram mais simples, de puro texto mesmo.

(Tem um de 007 perdido por aí, gravado com uma câmera, mas não acho mais o vídeo sozinho)

Pokémon e os novos Game Boy

Durante os anos de 1998 e 1999 surgiram dois fenômenos: Pokémon (esse que já havia sido lançado em 1996 no Japão) e o GameBoy Color. Realmente essa foi uma dupla de sucesso, por uma série de fatores. O GameBoy Color era uma versão menor e mais potente do original, agora sendo possível jogar com cores seus jogos. Já Pokémon, iniciado em Red e Blue, eram jogos para o GAMEBOY ORIGINAL, logo, até mesmo quem não tinha condições de ter um GBC, podia jogá-lo em um GameBoy comum.

Além disso Pokémon surgiu como uma marca de ultra potencial, e a Nintendo sabia (e a inda sabe) como usar esse potencial. Vários spin-offs surgiram, tanto para GameBoy quanto para Nintendo 64, sequências eram lançadas, desenhos animados, cards, bonecos, brindes (Caçulinha), etc. Sem dúvida foi uma febre que durou anos, logo, material para OUTRA PARTE. Voltando ao GBC, mais uma jogada de marketing: assim como o Nintendo 64, o GBC também possui várias versões, várias cores, podendo ser normal ou transparente, se tornando um sucesso arrasador.

O Declínio da Nintendo

Anos se passavam e a situação começava a ficar mais morna. Pokémon ainda era super popular, o Nintendo 64 tinha incríveis clássicos como The Legend of Zelda: Ocarina of Time e Super Smash Bros., mas a situação estava ficando igual ao resto do mundo. A falta de outras grandes franquias como Final Fantasy e outros RPGs levava ao console um esquecimento do público, que preferia não ter garantia ou coisas do tipo, só para poder jogar PlayStation. Nem mesmo alguns multiplataformas como Resident Evil 2 salvavam a situação. No lado da TecToy também havia surgido o Dreamcast, que mesmo vendendo pouco, ainda pode ter influenciado negativamente o Nintendo 64, esse com hardware bem inferior. Outro fator que pesou, e ainda pesa para qualquer empresa, foi a pirataria.

Scan de uma revista Recreio minha de 2000. Preços até que interessantes pros dias de hoje, mas o salário na época não era grande coisa, rsrs

Em 4 de março de 2002, quase 1 ano após o lançamento americano, foi lançado o GameBoy Advance no Brasil. Foi um portátil até com boas vendas no Brasil, mas por ser mais caro, obviamente o público dava mais visibilidade para o GameBoy Color. No mesmo ano, no dia 23 de agosto, também quase um ano depois dos EUA, foi lançado o GameCube, por cerca de R$1200,00 e com jogos na casa de R$250,00 (hoje, com um salário bem maior, achamos esse preço um roubo, imagina na época). Bem, com preços assim, e a já conquista de mercado do PlayStation 2 e sua pirataria desenfreada, a situação claramente iria terminar mal.

Em 2003, alguns meses antes da parceria entre Nintendo e Gradiente completar 10 anos, a Gradiente anuncia o fim da produção de produtos Nintendo. Segundo a empresa, a distribuição de produtos Nintendo estava gerando muito prejuízo, e com alta do dólar a situação só estava piorando. Assim, ocorre o fim da primeira fase da Nintendo no Brasil. A grande parceria realmente gerou grandes frutos em mais de 9 anos, isso graças à um enorme investimento da Gradiente na causa, criando propagandas, comerciais e até mesmo websites para o Nintendo 64 e para a franquia Pokémon. Junto a Sega e TecToy, foi uma das parcerias mais lendárias já feitas, sendo de extrema importância para o mercado atual de games, mostrando erros e acertos para Sony e Microsoft serem o que são hoje no Brasil (ou até mesmo 3rd parties, como a Ubisoft).

Outra scan daquela mesma revista, sendo aqui possível ver antigos fan-sites de Pokémon, além das páginas oficiais de N64 e Pokémon do Brasil

E assim, mais uma parte se conclui. Já tenho muito material pronto, mas não sei exatamente em que ordem será colocada, mas já adianto que irei tratar até mesmo de animes, mangás, entre outras coisas, quem sabe até mesmo algo mais grandioso sobre Pokémon somente. Por hoje é só, espero que tenham gostado. Deem também sugestões, ou até mesmo, caso queiram, cooperem com mais material, como scans ou mais vídeos raros, dai qualquer coisa anexo ao artigo. Até a próxima!

O Ápice e a Ruína da Nintendo no Brasil Parte I: O impacto da Playtronic

2016-11-28T00:43:00.000-02:00

Adivinha? É, mais artigo velho. Tô falando, vocês nem imaginam o tanto de coisa que tenho guardada, e talvez esse seja o artigo que mais necessite de revisão. Ele foi escrito logo após a Nintendo ter vazado do país, quando a crise disparou, lá no começo do ano passado. Tinha até uma parte crítica sobre o assunto, mas provavelmente nem vai aparecer, até porque minhas opiniões obviamente mudaram com o tempo. Wii U aparentava ainda ter um mínimo de sucesso, e o NX, agora conhecido como Nintendo Switch, era apenas um rumor. Provavelmente isso daqui vai ser publicado em diversas partes, já que na época isso rendeu umas 27 páginas só de texto. É, foi coisa pra burro.

O foco do artigo aqui é na história da Nintendo no Brasil. É um assunto um tanto conturbado, por isso foi necessário uma baita pesquisa sobre o assunto, entre scans, comerciais, artigos, entre outros lugares. Como disse, isso daqui vai render, então no começo de cada artigo, uma OSTzinha marota da Nintendo pra ouvirem:

A Nintendo surgiu no Japão no dia 22 de setembro de... MIL OITOCENTOS E OITENTA E NOVE! SIM, A DOIDA AE TEM 127 ANOS! Sim, nessa época nosso imperador era Dom Pedro II e fazia cerca de um ano que não tínhamos escravos. Obviamente ela não começou fazendo video games até porque... NÉ? Ela trabalhava com card games, quase que Yu-Gi-Oh!’s da época, mas claro, você não invocava um dragão, capiroto, robô, cavalo, amendoim, geleia, sereia, cigarro, pastel ou essas viagens doidas da década de 1990 (sim, eu tenho certeza que exagerei ao comparar com Yu-Gi-Oh!, mas é mais engraçado que comparar com Magic). Era um jogo feito de modo artesanal chamado Hanafuda. No fim da década de 40 a Nintendo chegou a produzir cards da Disney.

Os cards, na década de 70 começaram a perdem mercado por causa de vídeo-games e mini-games da Bandai e da Atari, daí pra não falirem criaram uma série de mini-games chamados Game & Watch, esses que tiveram seu design como inspiração pro Nintendo DS. Também tentaram apostar em fliperamas, esses que não davam lucro, até que um japa louco chamado Shigeru Miyamoto criou, em 1981, um jogo doidera chamado Donkey Kong. O resto acho que todos já sabemos, né? O jogo fez um enorme sucesso, assim como suas sequências e seu “spin-off” (hoje chega a ser piada pensar que foi quase isso mesmo) chamado Mario Bros., levando a Nintendo, em 1983, a lançar o Famicom (o NES, lançado em 1985 nos EUA) e bem... Super Mario Bros., The Legend of Zelda, Metroid, Kirby... Pouco, não?

Guerras Clônicas

Agora vamos falar da nossa terrinha tanto amada: Brasil-sil-sil! Bem, quando o Famicom saiu, ainda estávamos no período de redemocratização. Bem, durante a ditadura existia um apelo pelo fortalecimento da indústria nacional, chegando a proibir, em certos setores, a importação de produtos. Em outras palavras, mesmo existindo um produto bom no exterior, você teria disponível para a compra apenas os produtos fabricados aqui, esses que muitas vezes eram extremamente mais caros e... com qualidade inferior. Um desses setores era a informática, com vídeo games inclusos. Então não tinha vídeo game no Brasil na década de 1980? NÃO! A questão é que essas regras abriam ENORMES brechas para quebras de patentes. Simplesmente uma empresa podia copiar as peças de um produto estrangeiro, botar numa carcaça nova e vender como um produto diferente e... Sim, o Nintendinho foi parar na brincadeira. Clones do NES eram populares no mundo todo, ainda mais em países no qual ele não era distribuído, como na Rússia.

Esses clones chegaram no Brasil em 1989... MAS PERA! Ditadura já tinha acabado, né? Mas acho que todos sabemos que aqui o “processo é lento e o bagulho é louco”, então ainda no mandato de José Sarney ainda tínhamos algumas leis da ditadura atuando no Brasil, mesmo que não tão fortemente, por motivos óbvios. Os primeiros clones que tivemos fomos Top Game VG-8000 da CCE, o Dynavision da Dynacom e, o mais importante e popular, o Phantom System, da Gradiente, console com quase o mesmo visual do Atari 7800, mas ao ver que o console estava fracassando, resolveu clonar o NES. Mas porque o mais importante? Bem, vamos ver a seguir.

Playtronic: Uma parceria revolucionária

Eis que, no começo dos anos 90, adivinha no mandato de quem ocorre uma mudada nessas leis relacionadas a informática? Fernando Collor de Mello (sério, eu tô com um coceira enorme pra fazer piada sobre Game Boy...). Com alterações nas leis, a Nintendo, vendo que o Brasil parecia ser um mercado promissor, mas que estava sofrendo de enorme pirataria, resolve pousar por aqui no ano de 1993 (já após Collor ser chutado), se unindo a Gradiente (produtora do Phantom System) e a Estrela (sem dúvida a maior empresa de brinquedos que atuava no Brasil) para formar a Playtronic. Mas antes disso a Nintendo já estava buscando se ajeitar aqui no nosso país desde 1991.

Desde o início ela sempre se focou em uma parceria com a Gradiente, mas com quase dois anos de processo, muito se supôs sobre alguma parceria com a Machine (empresa que controlava a Sharp na época) e a CCE. Aliás, enquanto não acertava uma parceria de produção nacional, o Game Boy, o NES e o Super Famicom (Super Nintendo) foram importados oficialmente para o Brasil, através da empresa C. Itoh.

Eu falei que não iria aguentar...

Sem dúvida um dos maiores motivos para a Nintendo resolver vir para o Brasil foi que sua maior rival, a Sega, estava oficialmente no Brasil desde 1989, tendo seus consoles produzidos por aqui, sem importação (logo, sem tantos problemas com as leis ainda vigentes). Talvez a maior surpresa foi o sucesso de vendas do Master System, que teve vendas pífias nos EUA, pelo sucesso imbatível do NES. A mesma Tec Toy chegou a lançar o Mega Drive e o Game Gear (primeiro portátil lançado no Brasil) meses após o lançamento oficial nos EUA, deixando a Sega com uma boa vantagem, algo refletido na conquista do mercado, aonde possuía mais de 60% dos vídeo-games vendidos, sendo que o Master System não representava nem 5%.

Sega tava devorando o mercado nacional de games...

O primeiro console que a Nintendo lançou no Brasil foi o Super Nintendo, até porque em 1993 o NES já estava mais do que ultrapassado (já tínhamos o Jaguar, console já em 3D, para se ter noção), mesmo que o Master System ainda tivesse enormes vendas (e isso só parou lá por volta de 2006, e olhe lá). Ele chegou em duas versões, sendo a mais barata a Control Set que vinha com o console e o controle e a Super Set, que vinha com 2 controles e o cartucho de Super Mario World (a minha versão, aliás, mesmo que o meu tenha sido comprado em 1998, com a caixa já atualizada com anúncios dos jogos mais “recentes”).

Além de Super Mario World tivemos mais onze jogos lançados junto ao lançamento nacional do console, que foram: Street Fighter II, Super Mario Kart, Star Fox, Super Soccer, Super Tennis, Vegas Stakes, NCAA Basketball, Pilotwings, SimCity e... A LENDA DE ZELDA: UM ELO COM O PASSADO! Sim, traduziram até mesmo o nome do jogo, algo digno de nota. Com isso fica óbvio que os manuais eram todos em português também, algo que a TecToy já fazia. Infelizmente foram poucos os jogos traduzidos por completo (a TecToy, por exemplo, traduziu Phantasy Star inteiro, além de trazer jogos exclusivos do oriente como Yu Yu Hakusho: Sunset Fighters), mas entre os traduzidos temos o clássico Super Copa, que na verdade era o game Tony Meola’s Sidekicks Soccer, que além dos idiomas português e espanhol, trazia anúncios de empresas famosas no Brasil como Adidas e Elma Chips.

Depois desses, ainda tivemos no lançamento os acessórios Super Scope 6’, uma bazuca com sensores infravermelhos que de brinde vinha com um cartucho com 6 jogos de tiro. Além dele também tivemos o clássico Mario Paint, esse que vinha com Mouse e Mouse Pad.

A Legenda de Zelda: Link vai Pastar

Curiosamente o Nintendo 8 bits chegou a ser comercializado poucos meses depois do Super Nintendo, de forma oficial no Brasil, quebrando o MITO de que o NES nunca saiu oficialmente no país. Infelizmente o console ficou disponível pouco tempo nas lojas, já que o preço pouco inferior ao do Super Nintendo o tornou um fracasso de vendas. Ele foi vendido em um Action Set, o qual vinha um controle o game Super Mario Bros. 3. Curiosamente esse era o nome de uma versão do NES americano que vinha com DOIS CONTROLES, uma pistola e um cartucho no qual vinham Duck Hunt e Super Mario Bros.

Aposto que a maioria nunca viu um desse na vida

Em abril do ano seguinte, 1994, foi lançado o Game Boy, como é possível ver nesta notícia perdida nos arquivos do site da Folha. O Game Boy foi lançado no Brasil para tentar roubar o lugar do Game Gear, que estava no Brasil há anos sem sequer um tipo de rival. Interessante é ver que a Playtronic, mesmo com menos de 1 ano no mercado brasileiro já havia lançado mais de 50 jogos para o Super Nintendo.

Um grande destaque da Playtronic em seu início foram as propagandas e comerciais televisivos. Já no primeiro comercial já tínhamos a clássico imagem do Mario com a bandeira do Brasil, com um comunicado sobre a vinda da empresa e que agora finalmente teríamos produtos oficiais dela. Também é possível achar anúncios de promoções e do clássico Killer Instinct.

Outra campanha de marketing bacana foi uma showroom chamada World of Nintendo, aonde era possível fazer visitas durante agosto de 1993 para testar o que estaria por vir nos próximos meses no Brasil.

Bem, com todas essas coisas, é claro que a Playtronic investiu bastante no Brasil, né? Bem, ela investiu bem, ATÉ DEMAIS. Sabem o motivo? Ela... Bem... LANÇOU O VIRTUAL BOY NO BRASIL! Sim, o infame “portátil” (ele era maior que um Wii!) foi lançado por aqui. Bem, acho que nem preciso dizer que foi um fracasso (se até no Japão que a galera compra qualquer coisa da Nintendo foi um fracasso, imagina aqui). Consegui achar umas poucas imagens de um desses nacional, mas sequer há algo comprovando que era mesmo da Playtronic.

Na Legenda dizia que era nacional, então vou acreditar...

O Fim por Hoje

Por hoje ficamos por aqui. Um resumo de como era o mercado brasileiro de games ainda no processo de redemocratização do país, até o último feito da Playtronic no Brasil (irão entender melhor isso na próxima parte. Espero realmente que tenham gostado e que acompanhem essa série que irei ficar publicando. Mais "históricos" e compilações de propagandas já são planejadas. BYE!

LER PARTE II

Review | Procurando Dory

2016-11-26T18:07:00.001-02:00

Ora, ora, não seria esse o primeiro artigo do Pipoca Livre? Talvez publicado até antes de uma introdução do blog, mas... Whatever, menos lenga lenga, mais conteúdo! Esse artigo foi escrito logo após sair do cinema e ter visto o filme, tava separado pra ir pro Blog Mil na época, mas não rolou. Bem, agora vocês podem ler, por coincidência na mesma época em que está saindo em DVD e Blu-Ray.

A última animação que realmente peguei pra ver foi justamente da Pixar, Divertidamente. Sinto que minha essência infantil vem se perdendo ao passar intervalos tão grandes ser ver animações, mas acho que é fase. Voltando... Eu resolvi novamente me arriscar nesse universo sombrio chamado “sessão de filme infantil no cinema durante as férias”.

Quem já entrou nesse desafio sabe do que eu tô falando, tanto é que teve até campanha de Facebook falando pra crianças não irem. Pra quem fez essa campanha, apenas indico meu dedo médio durante alguns minutos sem abaixar. Velho, não importa se o filme é uma sequência de outro de 13 anos atrás. Aposto que tem muita gente aqui que não era nascida quando saiu Rei Leão ou era extremamente novo, mesmo assim viu (se não viu, é algo realmente triste). E outra, criança não tem culpa que você é um marmanjo de barba que, pelo fator nostálgico, tá indo ver filme de peixinhos. Se só pudesse ver O Despertar da Força quem viu Uma Nova Esperança na época, só teria um bando de quarentões/cinquentões/sessentões nas salas, então... rsrs

Após esse leve desabafo, vamos voltar ao foco do texto, mas que nem foge tanto dele. Eu realmente lembro a primeira vez que vi Procurando Nemo. Foi logo na época do filme mesmo. Não foi no cinema, essa experiência só fui ter foi em 2005, com Madagascar, mesmo assim, era uma versão piratona de cinema. Devem estar lembrando dos saudosos DVDs de banca, antes da internet virar essas mil maravilhas, com pirataria full HD de um lado, e Netflix (e programas similares) de outro. Nesse caso não era bem DVD... Não, era um VHS MESMO. Eu já tinha DVD player na época e tals, mas alguns devem se lembrar que alguns aparelhos tinham treta pra ler DVD pirata né?

Lembro que esse VHS foi comprado num passeio com a minha mãe pra Campinas num dia chuvoso, chuva essa que danificou a fita, cagando no começo do filme. Digamos que isso só tornou aquele começo com a morte da mãe do Nemo ainda mais dark. Mas realmente focando no filme, lembro que realmente foi uma daquelas experiências ótimas. Sempre fui alegrado demais pelos filmes da Pixar, Monstros S.A. deve estar no meu TOP 10 geral de filmes. Infelizmente, como a maioria deve saber, a Pixar vem dando umas vaciladas feias ultimamente. Desde 2010, com Toy Story 3, que já se vende por completo pela nostalgia, fechando uma trilogia (essa que creio ser a mais bem aprovada no Rotten Tomatoes), quase nenhum filme dela empolgou. Nenhum pra mim chega a ser ruim (nem Carros 2), mas aquela essência tava se perdendo, até Divertidamente, esse que trouxe algo novo, a verdadeira cara da Pixar.

Eu realmente gosto de Divertidamente, mas acho que o povo exagerou demais no tal tratamento da mente no filme. Parecia ser algo realmente profundo pela boca do povo, mas acho que minhas expectativas passaram um pouco da casinha (quem mandou estar lendo Sandman na época?). O Bom Dinossauro? Deixei passar, assumo, mas ao que parece caiu nas mesmas pedras dos outros filmes recentes da Pixar. Mas e agora, com Procurando Dory? Outro filme derivado, O TERCEIRO NESSA DÉCADA! A verdade é que esse é um filme que a Pixar vem comentando a anos e, ao assistir, realmente notei um esmero muito acima de caça-níquel, como se o que é mostrado aqui, já estivesse bolado no “lore” desde 2003.

Pra começar, um dos grandes acertos do filme: Ele é uma sequência e uma prequela ao mesmo tempo. Parece que ao notar os problemas de aceitação de Carros 2 e Universidade Monstros, a Pixar decidiu unir as duas coisas e ver no que dava. O resultado: um acerto incrível. O filme começa mostrando as origens de Dory, desde ela pequena, até o momento que conheceu Marlin no primeiro filme. Depois disso, pulamos 1 ano, agora como uma sequência. Já vimos isso acontecer em MIL filmes, mas aí vai a grande sacada do filme.

Como todos devem se lembrar, o grande problema da Dory era a perda de memória recente, essa que era o maior alívio cômico do filme. Aí é que entra a genialidade da Pixar. Ela decidiu transformar aquilo que era apenas uma grande piada, em um verdadeiro drama, extremamente pesado, se for parar pra pensar bem. O começo do filme realmente é algo pesado pra quem é sentimental (não que eu seja, rs), logo notando essa mudança de tom. E aí vem outro detalhe: o passado da Dory não foi todo contado nesse início, com ele sendo mostrado durante flashbacks dela mesmo durante toda a jornada. É um verdadeiro drama psicológico, do tipo que o protagonista não sabe quase nada do passado e vai atrás de respostas no seu inconsciente, buscando coisas que o ajude a lembrar detalhes específicos.

A jornada se inicia com Dory tendo um devaneio sobre seus pais, os quais falavam um endereço. Com a ajuda de Marlin e Nemo, eles partem pro outro lado do oceano (dessa vez sem nenhuma grande jornada) atrás de onde estariam os pais dela. Logo ao chegar, Dory acaba sendo pega por um centro de animais marinhos, que é aonde a história toda se desenrola, tudo no meio dos humanos. Lá ela acaba conhecendo Hank, um polvo que prefere ficar exposto em aquários do que viver no oceano, esse que, por esses interesses, acaba a ajudando na jornada. Outros dois novos personagens relevantes são Destiny, uma tubarão-baleia, e Bailey, um baleia-branca.

Voltando aos aspectos de narrativa, vemos um preconceito maior com Dory por seu problema de memória. Como disse, no primeiro filme isso ficava muitas vezes como uma piada, mesmo com Marlin sendo rude com ela várias vezes por seu problema. Aqui ela claramente se sente uma incapaz, principalmente por ela só conseguir lembrar de seu passado aos poucos, através dos devaneios os quais comentei. O filme nunca joga na lata o que realmente aconteceu, prendendo a atenção, não só pelo que está acontecendo, mas também pelo passado.

Algo que ajuda demais na carga dramática do filme é a trilha sonora, sempre excelente nos filmes da Pixar, mas que nesse filme está claramente mais pesada, com tons bem mais emotivos, sendo bem colocada nos momentos mais importantes.

Outro detalhe, esse que reforça minha crença de que muito desse filme já estava bolado desde a época do primeiro, é o fato que ele explica muita coisa de Procurando Nemo, sem parecer forçado. Várias das coisas que a Dory faz no primeiro filme, que mais pareciam besteira, na verdade eram resquícios de seu passado que estavam perdidos na mente. Nada realmente parece forçado, e o fato de se passar apenas um ano após o primeiro filme ajuda bastante nisso.

Acho que por todo esse drama psicológico que, mesmo sendo de certo ponto de vista tenso, mas que possivelmente passa mais leve na visão das crianças, o filme trabalhe o lado emocional e mental de forma melhor que Divertidamente. Aqui não é uma retratação de crises no desenvolvimento de uma criança, passado por grandes mudanças, e até mesmo pela puberdade, mas sim de um caso que, se fosse um humano no lugar de um peixe, realmente seria um problema sério. Isso me dá boas expectativas para os próximos filmes dela, aonde dos 4 programados, APENAS 1 é original (Coco, programado pro ano que vem).

O filme deixa mais explícito o que representa a Dory no primeiro filme, sendo o oposto de Marlin. Enquanto ele é todo esquematizado, pensando muito antes de tomar as atitudes, ela simplesmente “continua a nadar”, faz as coisas sem pensar muitas vezes, de certo modo como uma criança. E, se fomos parar pra pensar, enquanto tudo levava a crer, racionalmente, que Nemo estava encrencado e que seria impossível resgatá-lo, a ousadia de Dory despercebida por ela mesma levou eles até P. Sherman, 42 Wallaby Way, Sydney.

Enquanto muita gente pensa demais antes de tomar uma atitude, examinando possibilidades e chances, perdendo algo tão importante quanto tudo isso que é o tempo, as vezes é melhor simplesmente arriscar, partir direto e fazer aquilo que você quer ou precisa fazer. Enquanto examinar possibilidades pode apenas te dar a certeza que você vai fracassar, te levando com auto estima péssima na hora de tomar a atitude, simplesmente ir lá e fazer te deixa numa situação simples de sucesso ou fracasso, sem enrolações, assim como uma criança, ou como a Dory. E claro, se não der certo, CONTINUE A NADAR.