Piraporinha Filmes

"Tomaram sua Liberdade. Agora é Hora dele Tomar o Controle! "

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Wed, 18 Feb 2015 10:43:00 +0000

Django Livre

Existem filmes que quando você sai da sala do cinema, está mais eufórico do que quando estava com vontade de assisti-lo. "Django Livre" pode ser mais um considerado desse estilo, pois a vontade que se tem, mesmo sabendo que não deve fazer, é de ao final da sessão levantar e aplaudir de pé a obra prima que Quentin Tarantino conseguiu nos mostrar. Posso falar que já vi muitos filmes, mas nenhum pode ser comparado ao que temos nessa obra completa de bom roteiro, maravilhosa direção e excelentes atuações que somado tudo temos um filme genial.

O longa nos mostra que Django é um escravo, comprado pelo caçador de recompensas alemão Dr. King Schultz para auxiliá-lo em uma missão. A dupla acaba fazendo amizade e, após resolver os problemas do caçador, parte em busca por Broomhilda, esposa de Django. Para isso, eles devem enfrentar o vilão Calvin Candie, proprietário da escrava.

Aqui diferentemente de seus últimos filmes, Tarantino opta por não fazer um longa dividido em capítulos, o que na minha concepção ficou bem mais interessante sem termos interrupções e com isso tivemos um ritmo mais cadenciado que faz toda a passagem desde Django sendo liberto até a busca por sua amada, e com isso envolvendo várias histórias no meio do caminho. O que é bacana que a história mesmo sendo bem longa(165 minutos), ela é contada de uma forma tão gostosa de se assistir que passa voando. Claro que por ser um filme de Tarantino não espere nem um pouco por economia em sangue, pois tudo é altamente explodido pelos tiros de forma que se alguém for meio fraco pode até passar mal. Os ângulos escolhidos para capturar as cenas são um show a parte, pois a cada momento a câmera está num lugar nos colocando como se estivéssemos junto dos protagonistas em cada cena. Maravilhosa a mão do diretor tanto para escrever a história quanto para escolher a melhor forma de filmar.

No quesito atuação, sempre tem algum personagem que você não vai gostar, isso ocorre em todos os filmes, mas aqui não tem como, pois todos sem falsa modéstia estão dignos de serem indicados à prêmios. Começando por Jamie Foxx que faz um bom protagonista, não diria que chamou a responsabilidade do longa pra si, mas as expressões que faz em muitos momentos mostram que não foi escolhido ao acaso, extraindo de seu personagem uma força visceral para tratar com ódio tudo que faz, e nas cenas que "humilha" os de sua cor é notável em seu olhar a dor interna. Christoph Waltz é o cara, podemos definir ele como o homem que caiu na mão de Tarantino leva todos os prêmios possíveis, e não é pra menos, seu personagem se coloca a frente de forma perfeita, cadenciando as cenas, dando interpretação e deixas para os demais personagens, volta e faz tudo com a interpretação máxima que alguém poderia dar, é literalmente perfeito em todas as cenas, fazendo com que piadas e momentos sérios sejam totalmente confundidos e linkados de forma adequada. Leonardo DiCaprio finalmente faz um papel que merecia ser seu embora seja novo demais para o personagem, assume uma outra faceta e decola dando carisma para um "vilão" que passamos a gostar ao invés de odiar, suas interpretações soam gostosas e bem divertidas em todos os momentos. A grande surpresa do longa fica com Samuel L. Jackson, que sempre atuou da mesma forma em seus 138 filmes anteriores, consegue vir com um personagem perfeito, com trejeitos dignos de ter sido indicado à prêmios, fazendo a cada momento que esteja presente em cena que queiramos que fique ali o restante do longa e se duvidar pediríamos para que aparecesse antes, pois é excelente o que faz. Dos demais personagens, todos estão muito bem encaixados e com diálogos concisos sempre deixando para que os protagonistas finalizem as pontas e agradem, o destaque feminino desses personagens embora não se expresse muito falando é Kerry Washington, mas quando mostra interpretação corporal, faz muito bem.

Outro destaque entre os coadjuvantes está na pontinha que o próprio diretor faz para brincar e como disse para alguns amigos que foram junto na sessão eu colocaria a cena no final para acabar com ela(melhor não falar mais nada para não dar spoilers).

A arte do longa está impecável retratando os western spaghetti de forma brilhante porém com toques tarantinescos, dando aquele ar de loucura que só o diretor tem, mas em cenários grandiosos e bem colocados pela direção de arte. Como já disse temos sangue e vísceras para todo gosto, voando tudo a cada tiro dos revólveres, pode até parecer meio exagerado em algumas cenas, mas confesso que gostei bastante. A fotografia trabalhou com cores mixadas, puxando para o sépia em alguns momentos, afinal estamos falando de um longa do gênero western, mas sem exagerar, e sempre recaindo no vermelho devido claro à alta quantidade de sangue em cena. Sempre é visto as sombras bem trabalhadas e isso acho bom demais, pois recai a premissa de que algo vai acontecer sem precisar dizer.

A trilha sonora escolhida para o longa é outro festival de músicas perfeitas, daquela que com certeza você tem de ter em casa e aonde estiver, contando com trilhas de Ennio Morricone apenas para degustar, mas com muito mais canções cantadas que agradam na medida passando desde os tradicionais acordes westerns, passando por canções pop numa levada diferente e colocando até um hip hop com a batida western ao fundo, ficou muito bacana de ouvir e todas sem dúvida encaixaram perfeitamente no longa. Como disse vale muito escutar tanto na forma original para ver como foi bem encaixada na trama, quanto ouvir depois em casa.

Enfim, um filmaço com todas as honras possíveis, que deve ser visto e revisto muitas vezes no cinema e claro ter na prateleira para conferir mais quantas vezes quiser. Recomendo muito que se veja legendado, pois fizeram todas as legendas, aberturas e transições escritas da forma original que eram os western, e novamente nos impressiona com tudo escrito no nosso idioma usando as fontes inclusas nos originais todas desenhadas e trabalhadas. Bem é isso o que tinha para dizer sem lotar vocês de spoilers sobre o filme, pois a história para se contar contaria muita coisa importante, então recomendo que vejam e depois comentem aqui para discutirmos mais horas a fundo. E eis que sai o nosso primeiro 10 coelhos do ano, se bem que queria dar 11, mas não possuímos essa nota. Abraços pessoal, estamos apenas começando essa semana que promete ser bem recheada, e até bem breve.

Por :Valter Andrade

The Avengers Os Vingadores

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Fri, 10 May 2013 17:11:00 +0000

A sinopse não poderia ser mais sucinta, pois o filme é embasado completamente nisso, mas o desenvolvimento do roteiro, aí sim entra um grande fã das HQs chamado Joss Whedon para esmiuçar tudo na mais perfeita forma de não deixar que nenhum herói fosse jogado de lado na trama tendo todos ótimas interpretações e diálogos para falar em cena, tendo trabalhado desde o lado dramático de cada um até pontos extremamente cômicos que fazem a platéia vibrar e aplaudir. Decididamente deu pra ver os olhos de cada um dos fãs que estavam na sala brilharem e saírem em estado de orgasmo como raramente se vê em um filme baseado em uma HQ e só por isso o diretor e roteirista já merece um respeito capaz de colocá-lo no topo dos diretores de ação.

No quesito atuação, todos sem exceção estão na sua melhor forma de atuação e como já disse o diretor soube mensurar dignamente cada parte do filme para que nenhum ficasse apagado pela sombra do outro. Robert Downey Jr. com toda sua ironia cativa a cada cena que está enquadrado seja na pele de Tony Stark ou Homem de Ferro. Chris Evans com seu Capitão América, que teve um filme mediano, agora vem com toda a força e características que conhecíamos do desenho. Chris Hemsworth nem pareceu ser o mesmo Thor que assistimos no filme e parecia ser algo ridículo, agora vem mostrar toda sua potência que só o Deus do Trovão pode ter. Scarlett Johansson volta a fazer um bom papel e se mostra dinâmica em suas acrobacias como Viúva Negra. Jeremy Renner se mostra um bom Gavião Arqueiro disparando tiros certeiros com seu arco e declamando frases curtas mas bem ditas. Samuel L. Jackson como sempre bem em cena, ditando sua voz em alto e bom tom sempre chamando a cena pra si quando precisa. Tom Hiddleston faz um Loki um pouco mais apagado que no filme do Thor, que lá sim tinha mais textos, mas mesmo assim faz bem seu papel e impõe a mesma boa postura que vimos no filme anterior. Mas sem dúvida alguma as duas melhores cenas cômicas que fizeram o cinema ruir com a interpretação e o diálogo mais bem colocado das histórias dos quadrinhos está com Mark Ruffalo e o seu Hulk, e na minha opinião com certeza daria o destaque do filme pra ele, que faz muito bem o papel embora esteja lotado de computação gráfica em cima de suas interpretações. Os demais personagens são todos coadjuvantes, e como num bom filme não atrapalham nem incrementam muito as cenas como é o dever de toda a equipe de figuração com fala.

Já que entrei na questão de computação gráfica, o filme está perfeito e não deixa a desejar nem um pingo de falta de ação, todos os detalhes de explosões, lutas, tiros, flechadas, vôos estão esmiuçados de forma a sufocar de tantos efeitos bem feitos, que infelizmente por ser tão grandioso acabamos até perdendo muitas coisas vendo apenas uma vez, e com isso terei de ver mais uma vez para prestar mais atenção em tudo. Enfim temos um longa de 142 minutos que só se desliga realmente após a cena pós créditos, ou seja, como em todos os demais filmes da Marvel, aguarde os primeiros créditos para ver algo a mais que já deixará o gostinho para o próximo filme.

Continuando no quesito gráfico, se alguém quiser falar mal do 3D do filme fale justificando muito bem, pois a imersão dada nas cenas de ação é como se você estivesse presente na cena sem tirar nem por, claro que vão falar da falta de coisas saindo da tela, mas mesmo assim a quantidade de coisas saindo não em um plano exagerado para fora, está de bom tamanho.

Pra falar do figurino e da direção de arte, basta que você compre um quadrinho qualquer dos Vingadores e com toda certeza você verá toda a transmissão de essência que foi passado para o filme, tudo está exatamente da forma que é conhecido no papel, tudo tem seu toque, seu traço visto dimensionalmente na tela grande do cinema. Uma reconstrução de cenografia impecável com grandes cenários e muita computação bem colocada para agradar a todos.

A fotografia poderia ser um pouco mais clara em alguns momentos, mas acredito que seja devido ao óculos 3D, mas não atrapalha e conseguimos observar com detalhes praticamente tudo que é capaz de ser visto na alta velocidade dos planos alternados entre detalhes dos rostos e mais abertos em batalhas, sempre num dinamismo ímpar de se ver.

O filme também conta com boas trilhas de ação compostas por Alan Silvestri que conseguiu transmitir todas as sensações que um filme de ação deve passar para o espectador e com isso o filme tem um ritmo frenético que você com toda certeza se não for um fã completo do filme sairá literalmente cansado de uma batalha com tudo que é passado em cena junto da trilha.

Enfim, escrevi demais hoje, mas espero ter passado tudo que consegui analisar do filme de uma forma técnica de quem não é um fã de quadrinhos e adorou o que viu, recomendando com toda certeza para todos sem tirar nem por, é um filme de ação como poucos podemos ver nas telas do cinema. Claro que se você que está lendo isso for um fã, já deve ter visto o filme e saído da sala pulando como vi vários fazendo hoje e irá rever incontáveis vezes no cinema e depois em casa. Portanto se você que não é fã e for assistir com um fã, vá preparado para aplausos, pulos e tudo mais. Não vou dizer que é o melhor filme do ano, porque temos muita coisa ainda pra rolar, e ainda fico dividido com minha paixão por "Hugo", então apenas coloco como um dos melhores do ano dando a nota que vou dar. Fico por aqui hoje, mas essa semana ainda tem mais 3 filmes atrasados por aqui, então abraços e até breve pessoal.

Sinopse e detalhes

Loki (Tom Hiddleston) retorna à Terra enviado pelos chitauri, uma raça alienígena que pretende dominar os humanos. Com a promessa de que será o soberano do planeta, ele rouba o cubo cósmico dentro de instalações da S.H.I.E.L.D. e, com isso, adquire grandes poderes. Loki os usa para controlar o dr. Erik Selvig (Stellan Skarsgard) e Clint Barton/Gavião Arqueiro (Jeremy Renner), que passam a trabalhar para ele. No intuito de contê-los, Nick Fury (Samuel L. Jackson) convoca um grupo de pessoas com grandes habilidades, mas que jamais haviam trabalhado juntas: Tony Stark/Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Steve Rogers/Capitão América (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Bruce Banner/Hulk (Mark Ruffalo) e Natasha Romanoff/Viúva Negra (Scarlett Johansson). Só que, apesar do grande perigo que a Terra corre, não é tão simples assim conter o ego e os interesses de cada um deles para que possam agir em grupo.

Direção:

Joss Whedon

Roteiro:
Zak Penn, Joss Whedon

Elenco:
Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Tom Hiddleston, Clark Gregg, Cobie Smulders, Stellan Skarsgård, Samuel L. Jackson, Gwyneth Paltrow, Paul Bettany, Alexis Denisof, Tina Benko

Nota:

Á Beira do Caminho

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Sun, 05 May 2013 15:31:00 +0000

Nunca tive uma relação afetiva com Roberto Carlos. Conheço e gosto de algumas canções, da Jovem Guarda principalmente, e lembro dos versos grudentos daquelas lançadas em clipes no Fantástico - como "Coisa bonita, coisa gostosa/ Quem foi que disse que tem que ser magra pra ser formosa?" ou "Não tire esses óculos/ Use e abuse dos óculos". O que torna o "Rei" soberano na música brasileira, contudo, permanecia um mistério para mim.

Logo, assistir À Beira do Caminho, um filme baseado nas músicas de Roberto Carlos, configurava um desafio. Porém, o diretor Breno Silveira, segue o mesmo caminho de 2 Filhos de Francisco, sendo capaz de levar sua história além do material que a inspira. A trama é universal: um homem, o caminhoneiro João (João Miguel), calejado por uma tragédia, se torna amargo e fechado. Sua realidade se transforma com a chegada de uma figura inocente e aberta à vida, o menino Duda (Vinícius Nascimento), órfão de mãe que sonha em encontrar o pai em São Paulo. O Rei e suas canções aparecem discretamente, apenas pontuando as mudanças na vida do seu protagonista, um fã declarado do cantor.

Das 12 canções inicialmente pensadas por Silveira para o filme, Roberto Carlos liberou apenas quatro. A restrição acabou por dividir o roteiro, escrito por Patrícia Andrade (parceira do diretor em 2 Filhos de Francisco e Era Uma Vez...) em quatro atos, sensivelmente marcados pelas letras. "Tanto tempo já passou e eu não te esqueci", de "A Distância", que mostra o amor perdido de João; "Às vezes em certos momentos difíceis da vida, em que precisamos de alguém para ajudar na saída", de "Amigo", onde a inocência de Duda começa a conquistar o caminhoneiro; "Você foi.../ O melhor dos meus erros/ A mais estranha história/ Que alguém já escreveu", de "Outra Vez", quando João começa a acertar as contas com o seu passado; e a redenção, "Eu voltei!/ Agora prá ficar/ Porque aqui!/ Aqui é meu lugar", de "O Portão".

Entre os atos, surge a estrada. Silveira faz da sua homenagem a Roberto Carlos um road movie, onde pequenas cidades e riachos à beira do caminho são belamente retratados pela fotografia de Lula Carvalho (Tropa de Elite, Paraísos Artificiais) e marcam o trajeto do Nordeste ao Sudeste do Brasil. Percurso assinalado também pela sabedoria dos para-choques, revelando lições pertinentes como "Para quem não tem nada, metade é o dobro" e "Espere o melhor, prepare-se para o pior, e aceite o que vier".

Mais do que uma bela homenagem a um cantor que, goste ou não, é parte essencial cultura brasileira, À Beira do Caminho é um bom filme. Sua realização mostra um diretor obstinado, não apenas em levar aos cinemas a música popular, mas em revelar o povo que a escuta. Suas escolhas abrem um novo universo para o espectador, muito além do "Melô das Gordinhas" da minha infância

Sinopse

A emocionante história de João, um homem que encontra na estrada uma saída para esquecer os dramas de seu passado. Por acaso ou sorte, seu caminho se cruza com o de um menino em busca do pai que nunca conheceu. A partir desse encontro, nasce uma bela relação que movimentará o delicado equilíbrio construído por João para enfrentar seus fantasmas. De Breno Silveira, o diretor de 2 filhos de Francisco, à beira do caminho evoca e se inspira em letras de sucesso de Roberto Carlos.

Trailer

Por : Valter Andrade

Na Natureza Selvagem

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Thu, 23 Jun 2011 22:54:00 +0000

Sean Penn é um ator ousado, que não tem medo de arriscar na hora de compor um personagem. Como todo mundo, às vezes erra, mas quando acerta, o resultado enche tanto os olhos quanto as telas. Como diretor, carreira que vem desenvolvendo sem pressa, ele entrega agora o seu melhor filme, e tudo isso seguindo à risca a ousadia que o tornou conhecido.

Na Natureza Selvagem (Into The Wild, 2007) é inspirado no livro homônimo, escrito por Jon Krakauer, sobre a vida de Chris McCandless. Aos 22 anos, o jovem largou sua estável vida de bom aluno e classe média-alta para partir em busca de liberdade e aventura. Deixou para trás também a sua própria identidade, rebatizando-se Alexander Supertramp. Com um destino em sua mente, o longínquo e desabitado Alasca, ele foi cruzando o continente e as vidas de muitas pessoas que lhe davam carona, casa ou um emprego temporário.

Além de criar um road movie, gênero típico das descobertas e reflexão do personagem, Penn vai também mostrando um pouco do seu país tanto nos aspectos geográficos - passando por corredeira, deserto e neve - quanto humanos. Supertramp vai vendo e entendendo os diferentes níveis de relacionamento que podem haver entre as pessoas, como os hippies Rainey (Brian Dierker) e Jan (Catherine Keener) e o solitário veterano de guerra Ron Franz, papel que rendeu uma justíssima indicação ao Oscar a Hal Holbrook.

Para ajudá-lo a mostrar as paisagens, é imprescindível a participação do diretor de fotografia Eric Gautier (Diários de Motocicleta), que passa o filme equilibrando a importância do protagonista com as paisagens ao seu redor. E para acentuar este trabalho, entra ainda a bela e emotiva trilha sonora criada por Eddie Vedder, vocalista do Pearl Jam, em seu primeiro projeto solo.

Mas nada disso teria a mesma força sem o ator certo. Para interpretar toda essa catarse física e psicológica enfrentada pelo protagonista, Penn escalou Emile Hirsch. Mais conhecido pelos papéis de adolescentes que fez recentemente em Alpha Dog, Os Reis de Dogtown e Show de Vizinha, Hirsch amadureceu junto com seu personagem e inicia agora uma nova fase na sua carreira, como adulto. Torçamos para que as cores e a velocidade enfrentadas no Speed Racer dos irmãos Wachovsky não o façam perder o bom caminho que já o levaram tão longe.

Machete

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Sat, 02 Apr 2011 16:59:00 +0000

“Deus tem piedade. Eu não!” frases de efeito como essa estão por toda parte em “Machete”, filme de Robert Rodriguez que nasceu de um trailer do projeto Grindhouse, de Quentin Tarantino e do próprio Rodriguez. O projeto, uma homenagem às sessões duplas de filmes B exibidas em antigos cinemas nos EUA, consistia em um média metragem de Tarantino, “À Prova de Morte”, e um média de Rodriguez, “Planeta Terror”. Entre eles,

trailers de falsos lançamentos, como este “Machete”, “Hobo with a Shotgun” (“Mendigo com uma Espingarda”, numa tradução livre), “Mulheres Lobisomens da SS” (será que nesse caso seriam “Lobimulheres”?), “Não” e “Dia de Ação de Graças”. Apesar do projeto Grindhouse em si ter sido um fracasso, forçando os produtores a lançarem os dois médias separadamente em versões estendidas, os trailers que os separavam começam a dar frutos. Além de “Machete”, de Rodriguez, o diretor Jason Eisener pretende lançar nos cinemas em 2011 o seu primeiro longa, “Hobo with a Shotgun”. Curioso sobre a sinopse? A tradução que sugeri do título dá uma boa ideia da trama.
”Machete” é estrelado pelo mexicano Danny Trejo (“Um Drink no Inferno”, entre outros), que encarna um agente federal mexicano, com uma sangrenta predileção por machetes, que é obrigado a fugir para os EUA depois que o líder do tráfico no país mata sua família. Já nos EUA, ele é intimidado a assassinar um senador americano que pretende criar leis mais duras contra imigrantes, mas descobre tarde demais que tudo é uma grande armadilha. Enquanto foge (e desmembra), ele é ajudado por uma mexicana, líder de um grupo de imigrantes ilegais, e uma agente da polícia americana, que investiga o tráfico de pessoas na região. Pode parecer apenas mais um Trash qualquer, com um coadjuvante famoso talvez passando por uma fase decadente. Mas não é bem assim quando se trata de Robert Rodriguez, grande amigo de Quentin Tarantino e um dos diretores Trash mais badalados de Hollywood. O elenco de Rodriguez conta com: Robert De Niro no papel do senador; Lindsay Lohan como filha do senador; Jessica Alba no papel da policial que ajuda Machete; Michelle Rodriguez liderando o grupo de imigrantes; Cheech Marin como padre; e Steven Seagal como chefe do tráfico e inimigo mortal de Machete.
“Machete” é uma comédia que não deve ser levada a sério. Nem por um segundo. Homenageia um gênero de cinema que está quase morto, mas que ainda encontra ocasionais representantes, como o hilário “Black Dynamite”, de Scott Sanders. E consegue ser brilhante no seu objetivo: fazer rir.

A trama de ”Machete” pode soar clichê e bastante gratuita... na verdade, “Machete” é tremendamente divertido por ser as duas coisas. Danny Trejo não mede esforços para incorporar o herói durão, conquistador, violento e cheio de frases de efeito (a minha favorita é “Machete não manda mensagem” dita após nosso herói ser perguntado porque não informou onde estava). Manobrando suas machetes ou qualquer outra lâmina que tenha nas mãos, o personagem de Trejo é uma máquina ambulante de sangue jorrando, apesar de eu ter sentido falta de um pouco mais de decepações (sim, eu tenho tomado meus remédios). Quando algum bandido não está na sua mira, ele rapidamente consegue alguma bela mocinha para lhe fazer companhia, por mais incoerente que isto seja para o resto da trama. Mas Trejo, apesar de ser a alma, ou melhor, as vísceras do filme, não é o único que merece elogios. A participação do veterano Cheech Marin rende as melhores cenas do filme que contam com diálogos hilários. Jessica Alba faz uma boa participação, mostrando que pode fazer cinema de forma competente quando suas qualidades de atriz não são muito cobradas; e Michelle Rodriguez comprova mais uma vez que nasceu para o gênero de ação. Surpreendentemente, a participação de De Niro não fica deslocada, mostrando que até um grande ator pode aprender a relaxar e se divertir em uma ação escrachada. Melhor vê-lo como senador em um Trash de Rodriguez, do que tentando fazer um médico sério em bombas como “O Amigo Oculto”. Quem decepciona mesmo é Seagal, que aparece pouco e tem um duelo final com Machete bem aquém do resto do filme. E Lindsay Lohan... digamos que ela agora interpreta ela mesma. Os anos de álcool e drogas não trataram bem o rosto de uma das grandes promessas adolescentes de Holyywod.

Top Secret! Superconfidencial

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Tue, 16 Nov 2010 16:49:00 +0000

SHHH...NÃO SE ATREVA A COMENTAR COM NINGUÉM SOBRE ESTE FILME...

Este é aviso que aparece na capa do filme e daí dá pra imaginar o que vem pela frente.
Pois é os escritores e diretores Jim Abrahams, David Zucker e Jerry Zucker depois de ‘’Apertem os Cintos o Piloto Sumiu’’ aprontaram mais uma de suas loucuras criando em 1984 a comédia Top Secret – Super Confidencial! Lançado pela CIC vídeo.

O tema do filme é a luta da resistência francesa contra ocupantes nazistas. Daí você pensa, mas é um filme de guerra ou comédia, e eu diria que é uma guerra de risos, porque em todas as cenas os absurdos são constantes e inesperados, aliás, diga-se de passagem, a marca registrada dos irmãos Zucker.

O galã roqueiro Nick Rivers (Val Kilmer) é contratado para cantar em um grande show na Alemanha, estratégia que os alemães utilizaram para desviar a atenção do mundo contra ataques de submarinos aliados. Nessa confusão toda, ele acaba conhecendo Hillary Flamond (Lucy Gutteridge) onde acaba se apaixonando, mas mal sabe ele que ela pertence a resistência francesa

Ela pede ajuda a Nick para poder resgatar seu pai que é cientista e está em poder dos alemães e conta também com a ajuda do detetive Cedric (Omar Sharif) que só se mete em enrascadas Nick se vê em apuros para defendê-la, indo parar na cadeia por ter agredido um dos policiais alemães. Ao tentar fugir da cadeia Nick encontra com o pai de Hillary, Dr. Paul Flammond (Michael Gough). Nick é solto para realizar mais shows pela Alemanha e informa a Hillary que encontrou seu pai na cadeia. Hillary conta a Nick que teve um caso com Nigel (Cristopher Villiers) e aí em flash back vemos a cena dos dois em uma ilha deserta onde cresceram juntos... lembraram né, o filme satiriza a Lagoa Azul.

A partir daí eles contratam os soldados mais pirados para a missão de capturar o pai de Hillary das mãos dos alemães. Entre eles estão,Du Quois (Harry Ditson), Deja Vu (Jim Carter), Chocolate Mousse (Eddie Tagoe)e o imortal Latrine (Dimitri Andreas), mas para surpresa de Hillary o grupo é liderado por um misterioso Tocha que nada mas é que Nigel. O reencontro dos dois provoca ciúmes em Nick.

Ao chegarem até o presídio montam um esquema para passar pelos guardas usando um disfarce de vaca, porém alguém já viu uma vaca de botas e fumando. Só aí que se descobre que Nigel é um traidor e obriga seu companheiro a religar a energia elétrica do gerador que haviam cortado para adentrarem no presídio. O restante dos soldados conseguem capturar o Dr. Flammond, mas Nigel seqüestra Hillary e a missão de Nick agora é salvar a mocinha das mãos do bandido. Tudo acaba bem com Hillary encontrando seu pai e conquistando o amor de Nick, mas o que tem haver a despedida de Hillary com o espantalho do Mágico de Oz??? antes dela partir no avião. Estes são os imprevistos que a imaginação louca dos irmãos Zucker podem criar.

Tive que começar minha primeira análise de filmes, por um que marcou minha infância: TOP SECRET! (com ponto de exclamação mesmo!). Acho que foi um dos filmes que mais vi e revi na minha vida.

Besteirol completo baseado em filmes de espiões como 007, misturando Lagoa Azul, filmes de guerra e até Mágico de OZ (Quem não se lembra da despedida do Espantalho, chorei muito naquela cena). Uma misturada que resulta num filme engraçado e non sense total.

Por: Valter Andrade

When Youre Strange

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Sat, 13 Nov 2010 16:04:00 +0000

Será que já foi tudo dito sobre os Doors? Parece que não, pelo menos é isso que quer levar a pensar o realizador deste documentario Tom DiCillo.
O filme teve o apoio do antigo elemento da banda Ray Manzarek (teclista) que segundo ele "este é a verdadeira historia dos Doors", ele que juntamente com os restantes elementos consideraram o filme de Oliver Stone "The Doors" de 1991 com Val Kimmer uma distorção da verdade.

Eu devo confessar que des da minha adolescência sempre fui um grande fã dos Doors, alem de ter todos os seus álbuns tinha lido livros sobre o grupo e sobretudo sobre Jim Morrison. Para mim Jim representava a rebeldia própria da adolescência, um incompreendido que ao mesmo tempo era um génio e um louco alcoólico. Ou seja eu estava a espera de ver alguma novidade neste documentario que ainda não soubesse sobre a banda.

Para mim este documentario não trouxe nada de novo, alias é bastante curto, uns 80 minutos, é super monótono, mesmo com a voz do Johnny Deep como narrador não deixa de ser insosso. Os elementos da banda tanto criticaram o filme de Oliver Stone e agora apoiam um documentario muito menos conseguido.

"Para quem conhece pouco ou nada dos Doors aqui esta um documentario para iniciar-se no tema, agora para mim que já os conheço de há muito tempo ele não trouxe nada de especial."

http://whenyourestrangemovie.com/

O diretor de When You're Strange, Tom DiCillo, contou em seu blog que o documentário sobre a banda The Doors, que é narrado por Johnny, teve uma indicação ao Emmy! Leia o post do diretor:
Citar:
Bem, recebi um louco e-mail esta manhã de um dos produtores, me informando que When You're Strange foi indicado a um Emmy.

Parece que o episódio de American Masters da PBS em que When You're Strange foi exibido, foi indicado a "Excepcional Conquista em Série de Não-Ficção" (Outstanding Achievement in a Non-Fiction Series).
É um pouco indireto, mas diabos, realmente ótimas notícias.
Além disso, o filme continua indo bem na Europa. França expandiu o lançamento para 100 cópias. Só para colocar as coisas em perspectiva, em seu ponto máximo, Estados Unidos teve 8 cópias.
Alemanha, Noruega e Suécia estão indo muito bem. Nada definido no Reino Unido ainda. Acho que o Japão está no horizonte.

Sinopse: Em 1965, na praia de Venice, na Califórnia, Jim Morrison e Ray Manzarek, então colegas da escola de cinema da UCLA, fundaram a banda The Doors, cujo titulo ecoava o romance The Doors of Perception, do poeta William Blake. Morrison ocuparia os vocais e Manzarek, o teclado. Pouco depois, conheceriam John Densmore e Robby Krieger, que se tornaram baterista e guitarrista da banda, respectivamente. Seis anos mais tarde, os Doors já eram considerados uma das bandas mais influentes do Estados Unidos. Mas, nesse mesmo ano, Morrison morreria tragicamente em Paris. Documentário narrado por Johnny Depp, foi exibido nos festivais de Berlim e Sundance em 2009.

Elenco:
Johnny Depp ... Narrador (voz)
Jim Morrison ... Ele mesmo (arquivo)
John Densmore ... Ele mesmo (arquivo)
Robby Krieger ... Ele mesmo (arquivo)
Ray Manzarek ... Ele mesmo (arquivo)

Por:Valter Andrade

Um Sonho de Liberdade

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Thu, 04 Nov 2010 12:19:00 +0000

Um sonho de Liberdade nada mais é do que uma ode a esperança e a perseverança em não deixar morrer dentro de si a vontade de mudar. Uma história de coragem, luta e amizade em um dos cenários mais inóspitos para que isso ocorra, uma prisão corrupta, violenta e decadente. O filme é baseado em um conto de Stephen King onde o terror é substituído por um horror psicológico, em uma trajetória onde um homem sobrevive as selvagerias de um mundo preparado para lhe arrancar todos os sonhos.
Em 1946, Andy Dufresne (Tim Robbins), um jovem e bem sucedido banqueiro, é injustamente condenado a cumprir prisão perpétua por ter assassinado sua mulher e o amante dela, indo parar em Shawshank, uma penitenciária que irá modificar a sua vida completamente. Lá conhece várias pessoas com quem irá dividir seu dia-a-dia, inclusive um grande amigo chamado Ellis Boyd Redding (Morgan Freeman), um prisioneiro que cumpre pena há 20 anos e é responsável por um mercado negro no presídio.
Passo a passo Dufresne vai colhendo frutos de suas idéias, de seu carisma e, acima de tudo decorrentes de sua competência. Esses resultados positivos vão aos poucos mudando a vida na prisão. Fato que ocorre de modo positivo, como o incentivo dado a cada um de melhorar seu grau de instrução e que ocorre também de modo negativo, como a corrupção.
Assim, Dufresne vai vivendo sua vida em um lugar completamente diferente do seu universo burguês, tendo como seus melhores amigos proscritos banidos pela sociedade por seus crimes. Juntos formam uma irmandade, "Você não sabia? Em Shawshank ninguém é inocente".
Uma cena que vale aqui citar por ser marcante; quando Andy é preso por colocar uma ópera de Mozart nos auto-falantes da prisão, sendo depois enclausurado na solitária por uma semana, ele sai do castigo com um sorriso nos lábios e em perfeito estado de saúde mental: "Eu não estava sozinho, explica ele. Estava com Mozart".

Ambos atores principais estão ótimos. Morgan Freeman, certamente venceria o Oscar se não tivesse esbarrado em Forest Gump (genialmente interpretado por Tom Hanks) e Tim Robbins tem momentos sublimes.

O filme se passa 99% dentro de uma prisão, o que ajuda a ressaltar as interpretações e o roteiro. Com completa ausência de efeitos especiais ou de qualquer elemento extra que não seja as dependências da penitenciária, somos brindados por uma história cativante, brilhantemente dirigida, interpretações únicas e como resultado um dos melhores filmes feitos até hoje.
Um Sonho de Liberdade foi o primeiro filme dirigido por Frank Darabont, numa estréia fantástica visto que o filme recebeu 7 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Melhor Ator (Morgan Freeman), Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Fotografia, Melhor Edição, Melhor Trilha Sonora Original e Melhor Som. Além de receber 2 indicações ao Globo de Ouro: Melhor Ator - Drama (Morgan Freeman) e Melhor Roteiro.

Por: Valter Andrade

Terra Fria

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Wed, 03 Nov 2010 17:30:00 +0000

"Tudo o que ela queria era fazer a vida. Acabou fazendo história."

É fácil traçar um paralelo entre este “Terra Fria”, drama estrelado por Charlize Therón, e “Erin Brockovich – Uma Mulher de Talento”, oscarizado sucesso com a talentosa Julia Roberts. Ambos trazem como protagonistas mulheres de espírito forte, decididas, que não abaixam a cabeça frente aos vários obstáculos de suas vidas. As duas protagonistas são mulheres separadas que batalham com a falta de dinheiro para cuidarem sozinhas de seus filhos. As duas não aceitam uma grande injustiça contra um grupo de pessoas e carregam sozinhas a briga contra uma mega empresa norte-americana. Briga esta que, ainda por cima, acaba sendo nos dois casos baseada em um processo real que aconteceu nos EUA.

Mas antes que a palavra “remake” passe pela sua cabeça, o drama que aflige a vida da personagem de Charlize Théron é muito mais pessoal e em nada tem a ver com os crimes ambientais do filme de Roberts. “Terra Fria” se passa no estado de Minnesota, nos EUA, quase na fronteira com o Canadá. Josey (Theron), após fugir de um marido que lhe batia, retorna para sua cidade natal, uma gelada cidade de mineração.

Querendo ganhar dinheiro suficiente para sustentar seus dois filhos ela aceita um emprego na mineradora da cidade, para desespero de seu pai, empregado da empresa há décadas e um dos muitos funcionários que não aceitam mulheres em seu trabalho. A resistência do pai é insignificante perto do tratamento que Josey e suas colegas recebem dentro da mineradora, onde são tratadas como inimigos pelos outros funcionários.

Mesmo Glory, a amiga de Josey que lhe conseguiu o emprego, não consegue resolver as brigas internas como representante das mulheres no sindicato. Sofrendo todo tipo de abusos, inclusive de um ex-namorado que agora é seu chefe, Josey não aceita a indiferença da companhia e resolve procurar a justiça americana em busca de melhores condições para ela e as colegas. Mas ela tem de lutar sozinha, já que as companheiras têm medo de represálias e de ficarem sem emprego.

Um drama emocionante, “Terra Fria” chama a atenção pelo ótimo elenco e o território frio e inóspito que dá nome ao filme. Além de Theron, a atriz Frances McDormand brilha como a amiga Glory, tanto que recebeu uma indicação ao Oscar de melhor atriz coadjuvante pelo papel. Sua personagem serve tanto como a voz da experiência quando Josey se sente ameaçada pelos colegas de trabalho, como também dá mais profundidade ao filme ao atravessar um doloroso drama pessoal.

Também no elenco estão nomes de peso como Woody Harrelson, Sean Bean e Sissy Spacek, entre outros. No quesito cenográfico, o elenco e a equipe de produção tiveram de enfrentar uma média de temperaturas de -7 ºC durante as filmagens de “Terra Fria”, já que este conta com diversas tomadas externas filmadas em Minnesota. Junto às cenas dentro da mineradora, que foram feitas em duas minas no Novo México, uma abandonada e outra em funcionamento, o cenário do filme dá mais um toque de realismo ao drama apresentado.

E como toque final, as músicas de protesto de Bob Dylan compõem parte da trilha sonora do filme com maestria, apesar de também haver trilhas instrumentais que passam totalmente despercebidas durante a projeção.

Este é um emocionante drama da diretora de “Encantadora de Baleias”, Niki Caro. Emocionante, “Terra Fria” consegue conquistar o público. Sobre o livro em que “Terra Fria” é inspirado, trata-se de “Class Action: The Story of Lois Jensen and the Landmark Case That Changed Sexual Harassment Law”, das escritoras Clara Bingham e Laura Leedy Gansler.

Por:Valter Andrade

Tropa de Elite 2

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Wed, 03 Nov 2010 13:03:00 +0000

"Capitão Nascimento para presidente!”, foi o que escutei ao sair de uma das muitas exibições que lotaram os cinemas país afora. Exageros a parte, Capitão Nascimento está de volta, não mais como capitão, mas agora como Coronel. Nessa continuação, Nascimento terá de lidar com os resultados de uma operação fracassada em Bangu I, que acaba tendo efeito contrário e o levando a esfera política da secretaria de segurança do estado do Rio de Janeiro.
Paralelamente a isso, tem de lidar com o filho afastado, que pouco reconhece a profissão do pai, e o professor de história Fraga, com um discurso esquerdista de deixar qualquer caveira revoltado. Como subsecretário de segurança, Nascimento transforma o BOPE em uma máquina de guerra e começa a dizimar o tráfico na cidade. Mal sabia ele que o problema estava só começando.

Aguardando o início do filme, uma coisa não saia da minha cabeça; “será mais do mesmo?”. Não tinha como dar errado: O primeiro foi um sucesso; O personagem principal já é um ícone da cultura pop; O crime organizado não acabou. Nada mais fácil que recrutar de volta o Wagner Moura e criar mais situações de conflito urbano entre traficantes e o BOPE. Correto? Errado. Em vez de escolher o caminho fácil, “Tropa de Elite 2” trilha novos rumos, se tornando uma continuação diferente, que reforça, mas não copia o primeiro filme. “O Inimigo Agora é Outro”, diz o desnecessário subtítulo.
Com o personagem principal promovido, também foi promovido o foco da ação, que antes se passava na ponta mais baixa do crime organizado e agora demonstra a conivência e os interesses das mais altas esferas políticas. Se “Tropa de Elite” já colocava o dedo na ferida aberta da sociedade, T2 cutuca o leão com vara curta. É de se admirar a coragem dos produtores em tocar em um tema tão delicado. Aliás, tocar não. É uma marretada mesmo.
A estética do filme também é destaque. A câmera está sempre viva, respira com a ação. Isso confere um clima de urgência em cada cena. Cenas aliás, com ótima direção de arte e efeitos visuais convincentes, escassos em filmes nacionais. O elenco também está bom; Além de Wagner Moura, que nunca desaponta, mostra um Capitão Nascimento mais humano, mais complexo que no primeiro filme; Outro grande personagem, que surge, é o deputado Fraga, uma figuraça defensora dos direitos humanos, brilhantemente interpretado por Irandhir Santos.

Consciência política a parte, “Tropa 2” também é um show de frases de efeito de deixar “Comando para Matar” com inveja: “Vocês engordaram o porco, agora nóis vai assar.”; “Quer me foder? Então me beija.”; “Agora é Fifty fifty!”; geniais.
Com um roteiro consistente de Bráulio Mantovani, direção precisa de José Padilha, montagem esperta de Daniel Rezende e ótimo elenco preparado por ninguém menos que Fátima Toledo; “Tropa de Elite 2” é um conjunto de acertos técnicos e artísticos difícil de encontrar. Parece que tudo deu certo na produção, e o resultado é um filme que destrincha todas as pontas do crime organizado e da violência urbana sem perder o entretenimento esperado. Obrigatório

Por: Valter Andrade

Quem Quer Ser um Milionário?

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Sat, 23 Oct 2010 13:58:00 +0000

O pernambucano Paulo Freire, um dos grandes expoentes da pedagogia na América Latina no século XX, desenvolveu uma teoria chamada Pedagogia da Libertação – também conhecida como pedagogia do oprimido. Com esta teoria, Freire propõe educar/alfabetizar o oprimido a partir das experiências acumuladas por ele ao longo da vida. A educação libertadora surge na obra de Paulo Freire como um contraponto do que ele classifica como “educação bancária”, na qual os professores depositam conhecimento no aluno sem interagir com este. Para esta educação os alunos devem esvaziar-se de toda experiência e conhecimento próprio antes de entrar na sala de aula. E é justamente isso que a educação libertadora busca repelir. A Pedagogia de Libertação não acredita em depósito de saber, mas em troca de saber.

Citar Paulo Freire para tratar de um filme inglês rodado na Índia pode parecer loucura, mas o que “Quem Quer Ser um Milionário?” busca mostrar é justamente o que é preconizado pelo educador, ou seja, que a educação não é só a da sala de aula. No filme, Jamal, que participa de uma espécie de “Show do Milhão” indiano, demonstra que suas experiências de vida são responsáveis por lhe conceder um conhecimento que lhe permite permanecer na disputa pelo prêmio final no jogo.
Dirigido por Danny Boyle (“Trainspotting - Sem Limites”), “Slumdog Millionaire” (no original) vem sendo apontado como um “Cidade de Deus” indiano, mas esta classificação é injusta, com ambos os filmes. O filme de Fernando Meirelles é, digamos, mais frenético e dá mais importância à violência.

Já o de Boyle romantiza mais algumas situações, apesar de em outras ser tão cru quanto “Cidade de Deus”. As semelhanças existem, e Boyle nem busca negar isso, fazendo até uma clara referência ao longa de Meirelles (mostrando uma galinha correndo pelos becos da favela), mas não se trata de uma cópia ou refilmagem.
Esqueça tudo o que a novela de Glória Peres lhe ensinou sobre a Índia. Deixe Juliana Paes e Márcio Garcia de lado e vá conferir “Quem Quer Ser um Milionário?”, que é um retrato muito mais fiel deste país.

É curioso que para buscar um diálogo entre Hollywood e Bollywood, Boyle tenha negado características marcantes destes mercados. De Hollywood deixa de lado os atores famosos e a edição a lá videoclipe, enquanto de Bollywood ignora o figurino extravagante e as cenas musicais. Apenas ao final do filme podemos conferir uma sequência de dança, que não deixa de ser uma forma de Boyle brincar com as peculiaridades do cinema indiano.

Ao conferir “Quem Quer Ser um Milionário?” é fácil compreender porque o filme tem sido apontado como o melhor filme de 2008 por boa parte dos profissionais envolvidos com cinema. Além de conquistar vários prêmios de associações de críticos, o longa recebeu o Globo de Ouro de melhor filme e prêmios dos sindicatos de atores, produtores, diretores, roteiristas, editores, figurinistas e por aí vai. Trata-se de uma produção pequena que vem encantando por sua sinceridade e simpatia.
É raro que um título de um filme consiga representar mais do que a trama, mas a própria essência da produção. Afinal, após todos esses prêmios não seria incorreto classificar o filme como um “cachorro favelado milionário” (tradução literal de “Slumdog Millionaire”)

O filme é lindo! Apesar de ser um filme que relata a história de dois meninos pobres, mostrando as dificuldades pela qual os garotos passaram. É um filme diferente que tem conteúdo, mostra que a vida também ensina, pode-se apreender em qualquer ambiente, a persistência o amor, faz com que as pessoas conquistem seus objetivos. Enfim eu amei o filme.

Direção: Danny Boyle
Roteiro: Simon Beaufoy
Baseado na Obra de: Vikas Swarup (Q & A)

Elenco:

Dev Patel (Jamal Malik)
Freida Pinto (Latika)
Anil Kapoor (Prem Kumar)
Irfan Khan (Inspetor)
Madhur Mittal (Salim)

Por: Valter Andrade

Sin City - A Cidade do Pecado

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Thu, 21 Oct 2010 12:22:00 +0000

"Vá até o beco certo em Sin City e poderá encontrar de tudo..."

Até pouco tempo atrás era inconcebível se pensar em uma adaptação para o cinema de “Sin City”, graphic novel criada por Frank Miller. Dentre os principais motivos vigora o fato de que seria muito difícil transpor o universo da “Cidade do Pecado” para as telonas, tendo em vista o estilo peculiar de criação de Miller, com muita violência e sexo. Ou seja, seria necessário que um estúdio se dispusesse a lançar uma adaptação de quadrinhos com classificação de 18 anos. Mas mais do que isso, seria necessário que Miller topasse vender os direitos de adaptação para o cinema.

Após ter seus quadrinhos dilacerados em telas de cinema (vide “Demolidor O Homem sem Medo” e “Elektra”), Miller avisou à Hollywood que não cederia mais direitos de adaptação de quaisquer de seus trabalhos nos quadrinhos. E aí que surge Robert Rodriguez. Querendo adaptar nada menos do que a “menina dos olhos” de Frank Miller, o diretor de “Era Uma Vez no México” rodou por conta própria um curta-metragem baseado em uma das histórias da série, como tentativa de convencer o autor a autorizar o projeto. Como podem ver deu certo, e vocês podem conferir o tal curta no início de “Sin City - A Cidade do Pecado”

Fã confesso dos quadrinhos, Robert Rodriguez considerava o estilo visual de Miller tão importante que fez questão que ele atuasse como co-diretor no longa. Isso acabou causando o desligamento de Rodriguez do Director`s Guild of America, tendo em vista que este não aceita a existência da função de co-diretor. A partir do ponto que já estava fora do Sindicato dos Diretores, Rodriguez decidiu ir além e chamou Quentin Tarantino para assumir a função de diretor em uma cena. Como Tarantino pagou mísero um dólar para Rodriguez compor a trilha de “Kill Bill - Volume 2”, ele aceitou receber o mesmo valor para dirigir a cena. A seqüência em questão é a envolvendo os personagens de Benicio Del Toro e Clive Owen dentro de um carro. Acredite, é bem fácil de notar a direção de Quentin, com o zoom típico presente em seus filmes.
A grande vantagem desta adaptação talvez seja também seu único problema, ou melhor, probleminha. Trata-se da mais fiel adaptação de H.Q. da história do cinema. E é tão fiel, tão fiel que algumas vezes não parece cinema. Para terem uma idéia, Robert Rodriguez e Frank Miller rodaram suas cenas usando as próprias revistas de “Sin City” como storyboard. Mas isso nem de longe atrapalha o resultado final do filme, tendo em vista que o próprio Rodriguez afirmou que não se trata de uma adaptação e sim de uma tradução das H.Q.s.
Três histórias de “Sin City” foram adaptadas (ou traduzidas) no filme: “Cidade do Pecado”, “A Grande Matança” e “O Assassino Amarelo”. Das três a mais bem sucedida é a primeira, “Cidade do Pecado”, que é protagonizada de forma brilhante por Mickey Rourke (sim, ele mesmo) e traz de forma surpreendente Elijah “Frodo” Wood como o vilão. No segmento “O Assassino Amarelo” o destaque vai para: a atuação convincente de Bruce Willis, como o último policial honesto (o que não significa que ele é bonzinho), John Hartigan; a beleza estonteante de Jessica Alba, como a ex-franzina Nancy Callahan; e a “amarelice” de Nick Stahl.

A tal cena dirigida por Tarantino encontra-se no segmento “A Grande Matança”, que além de Del Toro e Owen apresenta:

Brittany Murphy,(Que recentemente Morreu) que é praticamente a única que aparece nas três histórias; Rosario Dawson, que pela primeira vez na carreira desempenha uma atuação convincente; e Michael Clarke Duncan, atuando como o habitual brutamontes. É importante destacar que as história não são contadas de forma linear, o que só dá mais destaque a edição de Robert Rodriguez, que é digna do Oscar que ela não vai levar. Completam o elenco do filme: Josh Hartnett, Michael Madsen, Jaime King, Carla Gugino, Arie Verveen, Rutger Hauer, Scott Teeters, Alexis Bledel e Devon Aoki.
Utilizando um processo semelhante ao de “Capitão Sky e o Mundo de Amanhã”, “Sin City - A Cidade do Pecado” foi inteiramente rodado sob uma tela verde, com os atores contracenando e a ambientação sendo incluída depois através de computadores. O único cenário montado para o filme foi o bar em que Jessica Alba realiza sua dança (e que dança!).
Não deixem de conferir “Sin City”, o filme mais visualmente fantástico da história. Orçado em US$ 45 milhões, o longa faturou mais de US$ 70 milhões só nos Estados Unidos, o que é muito para um filme com selo de censura R (a segunda mais rigorosa). O sucesso de critica e público foi tanto que Miller e Rodriguez já deram início à pré-produção de “Sin City 2”, que irá adaptar, dentre outras a serem escritas ou escolhidas, a história da revista “A Dama Fatal”, que nos apresenta a Dwight McCarthy (Clive Owen).

Direção: Robert Rodriguez, Frank Miller , Quentin Tarantino
Roteiro: Robert Rodriguez, Frank Miller

Por: Valter Andrade

Entre o Céu e o Inferno

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Wed, 13 Oct 2010 14:33:00 +0000

Lembra de Christina Ricci, aquela que fez Vandinha em "A Família Addams" e participou de "Gasparzinho". Pois é, ela cresceu, filmou com Woody Allen e fez até terror. Ponto. Esqueça os papéis anteriores da atriz e imagine-a loira, devassa, ninfo-maníaca e nua em inúmeras cenas de uma história narrada à base de muitos blues e lições do lendário Son House (1902-1988).
"Entre o Céu e o Inferno" ("Black Snake Moan", 2006) tem tudo isso, uma boa dose de drama e tem também Samuel L. Jackson em grande interpretação na pele de um velho bluesman traído pela mulher amada e pelo próprio irmão. Sem tocar há anos e deprimido, ele descobre sua "missão" ao se deparar com Rae (Ricci), menina que sofreu abusos na infância e não consegue ficar cinco minutos sem transar com o primeiro sujeito aparecer pela frente.
Ao ver o namorado (o cantor Justin Timberlake em sensível performance) partir para a guerra, a garota cai de cabeça em transas, festas e acaba esmurrada por um "amigo" do namorado. Desmaiada no meio de uma estrada, com poucas roupas, ela é encontrada pelo guitarrista, que decide salvá-a, com métodos dignos de exorcismo. Correntes para prendê-a e banho gelados para acabar com o "fogo" dela.
A história no começo pode soar mais uma obra caricata mergulhada em apelação, mas o diretor e roteirista Craig Brewer (de "Ritmo de Um Sonho") trata de dar à trama sensibilidade, e por mais que risadas de canto de boca possam surgir quando Ricci "devora" os homens, o expectador acaba se senbilizando com a situação da personagem.
E quanto a "salvação" imposta por Jackson, é bom saber que o texto não prega a religião. Quem der uma rápida estudada na história do blues logo vai perceber que os negros do Mississipi e seus ancestrais eram religiosos intensos, leitores da bíblia, e que depositavam muito disso até em suas composições. Em relação ao fato de, em certo momento, Jackson ameaçar matar o próprio irmão, não há nada de forçado ou mentiroso. Antigos bluesmen matavam e morriam por amor, baby.

O próprio Magic Slim, que recentemente esteve no Brasil em turnê, carrega uma bala no quadril, vítima de uma discussão cujo motivo foi uma mulher. Não cabe a nós julgar.
E quando todos podem achar que alguma tragédia se aproxima, o enredo dá um giro de 360º e termina de forma sensível e tocante

Infelizmente, por suas cenas "pesadas", o filme não passou nos cinemas brasileiros e chega direto em DVD. Destaque para a trilha sonora repleta de belas canções de blues (incluvise com Samuel L. Jackson competente quando é encarregado de tocar e cantar), na ótima ambientação de época e os figurinos (a cena do show no bar é um retrato fiel dos shows de blues no Mississipi, com todo o suor e animação dos presentes) e as imagens de arquivo de Son House ensinam bastante sobre esse gênero musical padrinho do rock.

No final, "Entre o Céu e o Inferno" tem vários paralelos com o blues. É uma obra sobre redenção, espiritualidade e amor, em que as pessoas precisam espantar seus "demônios" ou simplesmente seguir em frente e conviver com eles.

Ao som do blues sulista, Entre o Céu e o Inferno (Black Snake Moan / 2006) conta com um roteiro diferente e uma trilha sonora maravilhosa.
O nome do filme por si só já bastaria. À medida que se vai mergulhando nos acontecimentos marcantes na vida dos personagens, o longa se mostra muito mais incrível do que se pode imaginar.
Lazarus (Samuel L. Jackson), ou Laz como é chamado pelos amigos é um músico temente a Deus e está sofrendo porque sua mulher o abandonou para ficar com seu amigo. Encontra Rae (Christina Ricci), uma garota cheia de problemas, usuária de drogas e ninfomaníaca que está jogada nestrada toda machucada

No intuito de ajudar, Laz a leva para casa e, no decorrer do filme, uma forte amizade começará a ser estabelecida enquanto o velho homem tenta ajudar a jovem a encontrar um caminho. Entre conversas e brigas Laz se revela um homem do blues e ao som do ritmo sulista, o filme tem seu desenvolvimento.

Apesar do excesso de sexo e drogas Rae tem um amor. O jovem Ronnie (Justin Timberlake), um jovem soldado que está indo para a guerra no Iraque.
Cada momento do filme é singular, não apenas pelos acontecimentos, mas também pelas atuações. Craig Brewer acertou ao escolher Samuel L. Jackson e Christina Ricci. No final, o gosto que fica é que realmente “Everything is hotter down south”.

Por: Valter Andrade

Os Fantasma se Divertem

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Tue, 12 Oct 2010 13:22:00 +0000

Vocês tem um filme de infância? Aquele filme que, mesmo não sendo ótimo, você acaba tendo um carinho especial por te trazer boas lembranças? Entre os meus filmes de infância, que me fazem lembrar várias coisas boas, eu incluiria vários clássicos Disney (principalmente A Bela e a Fera), Convenção das Bruxas, A Lagoa Azul, Abracadabra e até Gasparzinho. Entre vários outros.

Esses são alguns filmes que me trazem lembranças engraçadas. Mas acho que o melhor filme da minha infância, e um dos filmes que me fez mudar o olhar sobre o cinema, é Os Fantasmas se Divertem. Se você me perguntasse uma frase inesquecível do filme, eu não pensaria Beetlejuice, e sim Besouro suco. Óbvio, o filme passava na sessão da tarde, dublado. Por isso que eu sou totalmente a favor das dublagens. A maioria dos críticos, profissionais e “entendedores” de cinema são contra filmes dublados porque eles “desmerecem o talento dos atores”. E como ficam as crianças? Elas só devem assistir filmes infantis e desenhos? Claro que não. É de infância que vem o amor pelo cinema, pelo menos no meu caso, e se não fossem as dublagens, com certeza eu não teria esse fascínio todo.

Os Fantasmas se Divertem é o primeiro longa do Tim Burton, um dos meus diretores favoritos. O cara tem estilo, isso não dá pra negar. Me fala alguém que mostraria os fantasmas de uma mulher com os pulsos cortados, de um homem todo queimado (que, ironicamente, vive fumando) e de outro amassado por rodas de um caminhão, num filme infantil? O longa é cheio de duplos sentidos, ironias, e o melhor do humor negro com toques de bizarrice. É perfeito!

Pra mim uma das mensagens do filme é: os vivos são muito mais estranhos do que os mortos. Quer dizer, o casal de fantasmas é completamente normal. Usam roupas normais, conversam como pessoas normais, lêem livros e fazem coisas normais do cotidiano. Diferente da família de vivos que se muda para sua casa. Eles são muito estranhos. A filha é uma rebelde que janta com um chapéu de enterro (sabe aqueles com um pano meio transparente cobrindo o rosto?) e vive falando que vai se mudar daquela família quando ouve barulhos suspeitos do quarto dos pais. Os pais são mais estranhos ainda. A mãe se muda para a nova casa e já contrata um decorador (também esquisito, só pra variar) para mudar o visual da antiga casa do casal de falecidos. Os dois saem andando pela casa pichando as paredes. Além disso, ela é uma artista que faz esculturas bizarras. Óbvio que o simpático casal de fantasmas se irrita quando aquela família se muda para sua casa, e resolvem pedir ajuda de um “exorcista de vivos”, Besouro suco.

Percebe-se que o filme já tem todas as características que as obras futuras do Burton viriam a ter. Primeiro, a bizarrice e o humor negro. Seus filmes sempre tem um contraste do super colorido com o preto e branco. Por exemplo, a mansão onde mora Edward é escura e a cidade onde ele passa a viver é colorida, em Edward, Mãos de Tesoura. Além também da fábrica de chocolate, hiper colorida, diferente da cidade e da casa de Charlie. Aqui, surpreendentemente, o mundo dos mortos é colorido, enquanto os vivos se vestem de preto ou cores sem... vida. Sentiu a ironia? É esse tom que cerca toda a película.
O filme contém uma das cenas mais engraçadas da história do cinema, na minha humilde opinião. Aquela cena do jantar, quando, involuntariamente, os convidados começam a dançar uma espécie de conga, me faz rir como eu só ria quando era criança. Adoro essa sensação.

Recentemente o ator Glenn Shadix morreu aos 58 anos, nos Estados Unidos. Ele sofreu uma queda em sua casa, no estado do Alabama, bateu a cabeça e acabou morrendo.
Glenn, que ultimamente se locomovia apenas com cadeira de rodas, trabalhou com Tim Burton na animação O Estranho Mundo de Jack (1993) e em Planeta dos Macacos (2001).

Informações Técnicas
Título no Brasil: Os Fantasmas Se Divertem
Título Original: Beetlejuice
País de Origem: EUA
Gênero: Comédia / Suspense
Classificação etária: Livre
Tempo de Duração: 92 minutos
Ano de Lançamento: 1988

Por: Valter Andrade

A Tempestade Do Seculo

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Sun, 10 Oct 2010 12:20:00 +0000

Imagine ser morador de uma pequena cidade localizada em uma bela ilha. Ter uma rotina agradável ao lado de amigos e familiares que, assim como você, vivem felizes neste lugar. Tal clima de tranqüilidade é quebrado repentinamente quando, junto com uma forte nevasca, chega ao local um estranho homem que conhece os mais profundos segredos de todos os moradores. Os dias passam e o sujeito repete incessantemente a frase "Dê-me o que quero e eu irei embora". Criado por Stephen King, A Tempestade do Século (Storm of the Century, 1999) pode ser considerado um dos melhores trabalhos criados pelo mestre do sobrenatural, que escreveu uma história de terror psicológico capaz de prender a atenção de quem a assistir durante suas mais de quatro horas de duração.

O cenário da história é a pequena ilha pertencente ao Estado norte-americano do Maine, chamada Little Tall, onde os moradores estão se preparando para enfrentar a pior nevasca dos últimos anos. Nesse mesmo período, chega à cidade um estranho chamado Andre Linoge (Colm Feore, de O Exorcismo de Emily Rose, 2005).
O sinistro sujeito conhece todos os segredos dos habitantes, incluindo os mais obscuros, gerando uma situação de desconforto e, posteriormente, de controle perante as pessoas. O visitante provoca medo nos moradores, que presos pela tempestade, não têm como fugir dele.

Escrita por Stephen King, A Tempestade do Século foi produzida como uma mini-série de três capítulos para a rede de televisão ABC, sendo depois lançada em vídeo e como livro homônimo. Nada de monstros sobrenaturais feios, assassinos psicopatas, mortes horrendas ou pessoas mutiladas vivas. Aqui, temos a história centrada em um suspense muito bem construído que provoca, nos moradores do local, sentimentos de tensão, angústia e anseio, onde o medo é construído através da dúvida do que pode acontecer no desenrolar da trama.

A Tempestade do Século não possui trilha sonora pop ou elenco jovem de seriado da moda. O ótimo roteiro conduz a história que vai se tornando cada vez mais sufocante até a sua conclusão. O telespectador começa então a se sentir como um dos moradores da ilha: ameaçado, fraco e apavorado pela realidade que tomou conta do lugar. A frase repetida pelo estranho ser pode parecer insignificante, mas com o desenrolar do filme, começa a se tornar aterrador escutar tais palavras sendo proferidas.

Aliás, a resposta para esta sinistra sentença será chocante e quebrar tal mistério significaria assassinar o filme. Os moradores da ilha deverão pagar caro ao forasteiro, senão permanecerão presos em uma tempestade que não tem fim. King faz nessa conclusão um dos finais mais perturbadores de todas as suas obras, onde algo amado deverá ser sacrificado para o bem maior de todos, embora isso signifique tomar decisões das quais não se pode voltar atrás. Trata-se de mais um ponto alto da produção.

A direção de A Tempestade do Século ficou por conta de Craig R. Baxley (A Casa Adormecida, 2002), que não apenas respeitou grande parte do trabalho criado por King, como conseguiu transportá-lo para as telas com louvor. Lembrando que apesar de ter sido criado como série para televisão, o lançamento em vídeo da obra foi feito na íntegra, o que manteve um tempo de duração de 257 minutos e mesmo assim, o filme consegue prender a atenção do início ao fim sem se mostrar cansativo em nenhum momento.
O elenco está muito à vontade, conseguindo transmitir medo e angustia através de simples olhares e falas. Incrível como alguns dos momentos mais tensos do filme são justamente baseados nos eficientes diálogos. Se demais produções do gênero se concentrassem em melhorarem seus roteiros, em função de usar a atriz peituda do momento ou sangue em excesso, talvez tivéssemos menos filmes ruins lançados anualmente.

DIRETO PARA A TV

Grande parte da qualidade da trama também se deve ao fato de ter sido realizada pelo próprio Stephen King para a televisão, diferente da maioria de suas obras, que são escritas como livros para depois serem adaptadas para o cinema ou o mercado de vídeo. Apesar do vasto currículo literário, com mais de 50 romances publicados, entre histórias longas e contos, passar a obra de King para o cinema não é tarefa das mais fáceis. O próprio King já declarou não gostar do resultado de alguns de seus trabalhos transformado em película.

Destacam-se entre os grandes sucessos do autor no cinema, produções como Carrie, a Estranha (Carrie, 1976), O Iluminado (The Shining, 1980), Cemitério Maldito (Pet Sematary, 1986), Eclipse Total (Dolores Claiborne, 1995), O Aprendiz (Apt Pupil, 1998), entre outros. Existem obras que deixam de lado o suspense que consagrou o escritor, mas que também geraram ótimos filmes, como Conta Comigo (Stand By Me, 1986), Um Sonho de Liberdade (The Shawshank Redemption, 1994) e A Espera de um Milagre (The Green Mile, 1999).
O sucesso em Hollywood também teve efeito colateral para parte da obra de King gerando inúmeros trabalhos sem qualidades, dos quais destacam-se filmes fracos como Cujo (Cujo, 1983), Sonâmbulos (Sleepwalkers, 1992), The Tommyknockers (1993), A Maldição de Quicksilver (Quicksilver Highway, 1997), O Apanhador de Sonhos (The Dreamcatcher, 2003) entre vários outros.

Um elemento interessante relacionado às histórias de Stephen King é o fato do autor inter-relacionar alguns enredos e personagens, através de citações e de homenagens. Em A Tempestade do Século por exemplo, a ilha onde a ação acontece, Little Tall, é a mesma do filme Eclipse Total (Dolores Claiborne, 1995). Durante outra passagem, um dos moradores fala sobre a cidade de Derry, local onde se passa a história do livro Insônia (Insomnia, 1994). Ainda em A Tempesatde... é possível ver um personagem lendo a obra literária "The Little Pig", que é uma das favoritas do garotinho de O Iluminado (The Shinning, 1980).

Apesar de ser um excelente filme, A Tempestade do Século teve fraca divulgação quando lançado no Brasil. O tempo de duração também não ajudou em um maior interesse pelas fitas, que eram duas. Como ainda não foi lançado nacionalmente em DVD e com a maioria das locadoras de VHS fechadas, o filme começou a desaparecer, o que deve ser considerado uma grande perda para um gênero. Se você tiver a sorte de achar esta preciosidade em algum bazar de vídeos ou locadora que tenha falido e esteja vendendo seu estoque por R$ 2,99, não pense duas vezes e o compre. Ou então você pode baixar o mesmo pela internet ou até importar o DVD. Desta forma, quando os seus amigos forem fazer aquela sessão de cinema na sua casa, pode ter o orgulho de dizer que vão assistir um dos melhores filmes de suspense da história.

Por: Valter Andrade

O Golpista do Ano (I Love You Phillip Morris)

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Fri, 08 Oct 2010 14:24:00 +0000

A vasta filmografia de Jim Carrey inclui grandes clássicos da comédia, onde ele podia exercitar suas micagens excessivas e até um pouco forçadas, o que nos fez enxergá-lo sempre como um fanfarrão.

Em suas nuances de humor, tentou mostrar talento em filmes densos como Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças e O Show de Truman, entre outros; mas, infelizmente, ver Jim Carrey sério, tentando nos fazer acreditar que é um cara de talento dramático, foi sempre um tiro saído pela culatra. O bom dele é o exagero, é a expressão demasiada absurda para determinadas situações. Aquilo que talvez tenhamos vontade quando alguém nos fala algo ridículo: torcer nariz, boca, mostrar a língua, bem ao estilo O Máscara

Em I Love You Phillip Morris, que no título em português ficou O Golpista do Ano Jim Carrey vem mais amadurecido no drama.

Não há caras e bocas, não há trejeitos exacerbados, mas há o talento de um ator que após anos de estrada consegue nos convencer de que é um astro.
Não costumo, quando comento um filme, falar demais do roteiro, dando indicações do que o filme tem pra mostrar. Gosto de dar uma opinião geral, uma crítica que não desvenda totalmente a história, para que assim, quem ler, tenha interesse e vontade de assistir ao filme.
A participação de Rodrigo Santoro é a melhor da sua carreira internacional. Ele se mostra simpático, com um bom inglês e, no momento certo, dramático e convincente.

Ewan Mcgregor é o “protagonista” que divide a cena com Jim e leva o nome do filme. Ewan é Phillip, na construção de um personagem gay perfeito.

Suas reações e trejeitos, seus olhares e sorrisos mostram um cara simples, homossexual reservado e ciente de suas condições junto à sociedade. Em alguns momentos do filme ele demonstra a temeridade de ser gay num mundo tão preconceituoso de homens violentos.

Mas a Jim Carrey temos que dar os parabéns pela convincente interpretação de uma personalidade verdadeira. A história é baseada em fatos reais e, claro, o verdadeiro Steven Russell deve ser tão cara de pau como Jim, mas dificilmente suas expressões são tão boas e cômicas.

É gratificante ver um ator do qual gostamos atingindo um patamar importante de sua carreira. I Love You Phillip Morris, para quem espera um clássico filme gay, é frustrante. Apesar de alguns apelos em determinadas cenas, o filme se concentra na capacidade do personagem Steven de conseguir driblar os mais altos executivos, policiais, médicos e até juízes. Se assim o fez na vida real, foi admirável a capacidade de Steven Russell de ludibriar a máquina do Tio Sam

Como a própria história mostra, as falcatruas de Steven nunca fizeram mal a ninguém, além dele mesmo; nunca causou tragédias, apenas o beneficiou de uma forma “ilegal” que seja, mas que o tornou uma lenda. Não há onde crucificar o personagem, já que o que fez foi única e exclusivamente para proporcionar a ele e aos que o cercavam uma vida de glamour nos padrões que jamais conseguiria sendo um honesto trabalhador americano. Não que aqui faça apologia à falta de caráter, mas como na arte cinematográfica a licença poética é que vale, deixemos Steven Russell amar Phillip Morris da forma como conseguiu.

Vale a pena conferir. Sem expectativas, o filme fica melhor.***

Por: Valter Andrade

Batman - O Cavaleiro das Trevas

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Tue, 05 Oct 2010 17:22:00 +0000

O universo das adaptações de quadrinhos para os cinemas jamais será o mesmo após “Batman - O Cavaleiro das Trevas”. Que as histórias do Homem-Morcego são mais sombrias do que as de heróis como Super-Homem, Homem-Aranha e X-Men todo mundo já sabia, mas jamais um filme baseado em HQs havia se arriscado em trazer a tona o que há de mais escondido na mente do homem. “Ou se morre como herói, ou vive-se o bastante para se tornar o vilão”, diz Harvey Dent (Aaron Eckhart) em frase que basicamente resume o filme.
Diferentemente do que se podia esperar após a última cena de “Batman Begins”, com Gordon mostrando ao herói uma carta de baralho, Batman e Coringa não monopolizam “O Cavaleiro das Trevas”. A figura do promotor Harvey Dent é tão importante quanto a dos personagens mencionados. Dent é o novo rosto da lei e da ordem em Gotham, é o herói que não precisa usar máscaras para combater o crime. E é justamente o fato de não usar máscaras que fará com que Bruce Wayne/Batman apóie o promotor de forma irrestrita, passando por cima inclusive do ciúme que sente do namoro de Dent com Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal substitui Katie Holmes no papel).

Batman vê Dent como o herói que Gotham precisa e cujo sucesso na luta contra o crime poderia levar a sua aposentadoria. Mas os planos do herói em levar uma vida normal serão adiados com o surgimento de um vilão nada usual, que não segue regras. Coringa é um elemento do caos, um vilão que não quer ganhar dinheiro, mas sim ver o circo pegar fogo. Com origem desconhecida, o vilão comandará uma onda de violência que aterroriza toda Gotham. Sua anarquia é tamanha que chega a deixar o próprio Batman sem saber o que fazer. “Não quero matá-lo. Por que faria isso? Para voltar a matar criminosos de rua e gângsters? Não, isso é muito chato”, diz Coringa ao Homem-Morcego.
O Coringa apresentado em “O Cavaleiro das Trevas” é justamente o dos quadrinhos, aquele que ao mesmo tempo em que gargalha deixa todos aqueles ao seu lado aterrorizados. Muito diferente do trazido por Jack Nicholson em “Batman - O Filme”, de Tim Burton. O desempenho de Nicholson foi marcante, mas aquele personagem era muito mais o “Coringa por Jack Nicholson” do que o vilão dos quadrinhos. O Coringa de Heath Ledger, que morreu alguns meses antes de ver seu trabalho concluído, é indescritível.

A performance do ator australiano entra para a história como uma das melhores e mais impactantes atuações como vilão da história do cinema. O desempenho de Ledger foi tão marcante que logo após as primeiras sessões do filme para a imprensa iniciou-se uma campanha para premiá-lo com um Oscar póstumo, o que não seria nada injusto.

A emoção em torno da perda de Heath Ledger não pode tirar o foco também da atuação de Christian Bale. O ator, que já havia arrasado em “Batman Begins”, aparece ainda mais seguro neste segundo filme. A armadura do Homem-Morcego caiu como uma luva em Bale, nos fazendo esquecer das performances vexatórias de Michael Keaton, Val Kilmer e George Clooney. Em “O Cavaleiro das Trevas”, Bale mostra ao público pela primeira vez na franquia aquilo que Rachel destacou no final de “Begins”, que Bruce Wayne e Batman não são um só, que existe o sujeito mascarado e o playboy. O ator desenvolveu, inclusive, um tipo de tom para cada personagem. É notável a diferença na voz de Bruce para a de Batman.

Além de marcantes atuações de Bale,
Ledger e Eckhart, e da boa e bela presença de Maggie Gyllenhaal, o elenco do longa conta ainda com as voltas de Gary Oldman como o comissário Jim Gordon, Michael Caine como o mordomo Alfred, Morgan Freeman como Lucius Fox, e Cillian Murphy como o Espantalho.

A direção ficou mais uma vez sob a responsabilidade de Christopher Nolan, que também assina o roteiro ao lado do irmão Jonathan Nolan e de David S. Goyer. Nolan representa para o Homem-Morcego o que Bryan Singer representou para os X-Men, ou seja, um diretor de dramas elogiados que de uma hora para a outra resolveu realizar uma adaptação de quadrinhos. Assim como Singer, Nolan sabe mesclar momentos de entretenimento puro com sérios conflitos pessoais. Torcemos apenas para que Nolan não faça como Singer e abandone a franquia antes de um desfecho final, o que, felizmente, parece que não irá acontecer uma vez que tanto o cineasta quanto Bale já revelaram o interesse em seguir na franquia.
Um dos principais acertos de Christopher Nolan em “O Cavaleiro das Trevas” foi optar por não criar Gotham dentro do estúdio, como ocorre em “Batman Begins”. O cineasta preferiu filmar Chicago como Gotham, aumentando as opções de ambientes

Acabou aquilo de praticamente só mostrar um prédio, a Torre Wayne, como acontece no anterior. No novo filme, a cidade é quase uma personagem, cuja felicidade vai acabando. O longa começa com a cidade numa claridade jamais vista na franquia e com o decorrer do tempo vai ficando mais sombria, assim como alguns personagens.
“The Dark Knight” (no original) é um filme que merece ser visto e revisto nos cinemas e posteriormente ser adquirido em DVD ou Blu-ray. A única coisa a se lamentar é o fato de nós brasileiros não podermos conferir o longa em salas IMAX, uma vez que a primeira sala neste formato no país ainda está em construção, em São Paulo.

Seis seqüências de “Batman - O Cavaleiro das Trevas” foram rodadas com câmeras IMAX, inclusive os seis minutos iniciais.

Esta foi a primeira vez que um filme de grande orçamento foi filmado parcialmente com câmeras IMAX. Só para esclarecer, a IMAX Experience® será exibida em IMAX DMR (letterbox), enquanto as cenas filmadas com câmeras IMAX em filme de 15/70 mm se expandirão verticalmente para preencher a tela do IMAX inteira, com até oito andares de altura, para gerar uma experiência inesquecível no cinema.

Este segundo “Batman” D.C. (leia-se, depois de Christopher) foi o último trabalho finalizado por Heath Ledger. O brilhante ator poderá ser conferido ainda em “The Imaginarium of Doctor Parnassus”, de Terry Gilliam, mas não chegou a concluir o projeto, sendo substituído por Johnny Depp, Colin Farrell e Jude Law (você não leu errado, os quatro atores interpretaram um só personagem). O Coringa de Ledger passa todo o filme querendo “colocar” um sorriso na cara dos demais personagens, mas no final quem sai sorrindo é o espectador.

Por:Valter Andrade

O ASSASSINATO DE JESSE JAMES PELO COVARDE ROBERT FORD

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Mon, 04 Oct 2010 15:10:00 +0000

MATEI JESSE JAMES (1949) é uma das melhores estréias de um diretor em longa-metragem. E começar a ver os filmes de Samuel Fuller justamente pelo seu primeiro filme me deixou bastante entusiasmado para ver seus outros trabalhos. A estória de Robert Ford, que - diz a lenda - matou o parceiro Jesse James pelas costas e entrou para a história como um covarde, enquanto o lendário fora-da-lei ganhou notoriedade de herói, me fascinou. Principalmente pela maneira como Fuller descreve a angústia e o desgosto de Robert Ford.

Em O ASSASSINATO DE JESSE JAMES PELO COVARDE ROBERT FORD (2007), de Andrew Dominik, que saiu em dvd recentemente pela Warner mas que eu ainda tive a chance de ver no cinema, conta basicamente a mesma história, mas dando um "desconto" nos motivos de Ford ter matado James, além de mostrar de forma mais descritiva o quanto Ford era fascinado por James e o quanto ele já havia se tornado uma lenda do velho oeste, tendo, inclusive, livros de aventura publicados sobre seus feitos. Alguns desses livros, obviamente, não procuravam ser realistas, preferindo abraçar a lenda.

Quanto a Robert Ford, ele acreditava que, mais cedo ou mais tarde, Jesse o mataria. E apesar de o filme ter esse jeitão comtemplativo e um andamento mais lento do que o habitual, tratam-se de quase três horas de duração, isto é, há muito mais tempo para desenvolver o personagem de Jesse James, interpretado com brilho por Brad Pitt. Mas é Casey Affleck, como o desconfiado, frágil e meio venenoso e invejoso Robert Ford quem rouba a cena, sem fazer muito esforço. O filme se caracteriza por dar grande importância ao visual, à bela fotografia, que valoriza não apenas os cenários exteriores, mas também a cenografia dos interiores, sobretudo, nas cenas na casa de Jesse James. Há também uma narração em off em voz pausada, uma escolha arriscada pelo diretor, o que contribui para que as grandes platéias possam achar o filme chato e cansativo.

Por isso, fiquei impressionado com o fato de um trabalho tão ambicioso como esse ter sido dirigido por um cineasta novato. Além de alguns videoclipes e comerciais para a televisão, o único filme do currículo de Dominik foi o pouco visto CHOPPER - MEMÓRIAS DE UM CRIMINOSO (2000). A longa duração (160 minutos) e o andamento lento são dois aspectos que só se costuma ver em filmes americanos produzidos com a intenção de alcançar os indicados ao Oscar.

E é claro que havia a intenção por parte dos produtores de o filme conseguir sucesso na Academia. Mas o máximo que conseguiram foram duas indicações: uma para melhor ator (Casey Affleck) e outra para diretor de fotografia (Roger Deakins, que assinou também o excelente ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ, dos irmãos Coen). Curiosamente o filme de Dominik foi completado em 2005, teve o lançamento agendado para 2006 e depois adiado para 2007. Entre os coadjuvantes importantes, destacam-se Sam Rockwell, no papel de Charley Ford, e Sam Shepard, como Frank James.

Ass: Valter Andrade

Watchmen o filme

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Mon, 04 Oct 2010 13:49:00 +0000

Heróis sem super poderes e de moral duvidosa. Justiceiros deprimidos, lunáticos, psicopatas, hostilizados pela população e peões de um governo inescrupuloso. Não, estes não são os super-heróis que você está acostumado a ver. Bem-vindo ao mundo de “Watchmen”

Entre os anos de 1986 e 87, o premiado Alan Moore criou esta série de 12 revistas em quadrinhos publicadas pela DC Comics, que mudaria a cara do gênero. O nome de Alan Moore sempre foi associado a duas coisas no mundo dos quadrinhos: bons trabalhos e brigas com a DC Comics. Autor de obras elogiadas como “Do Inferno”, “A Liga Extraordinária”, “V de Vingança” e sua re-invenção do título “O Monstro do Pântano”, Moore tem como seu trabalho mais premiado a mini-série “Watchmen”, que ainda conta com ilustrações de Dave Gibbons e colorização de John Higgins (a série recebeu um Prêmio Hugo, importante premiação no gênero de ficção e fantasia). E boa parte deste trabalho foi pontuada por diversas brigas do escritor com sua editora, com quem brigava constantemente pelos direitos da série. Depois de cortar relações com a editora e passar por processos contra a mesma, Moore ainda viu alguns de seus trabalhos vendidos pela DC para o cinema. A péssima adaptação de “Do Inferno”, com Johnny Depp, só colocou Moore ainda mais avesso a qualquer uso que a editora pudesse ter de seus trabalhos anteriores.

E finalmente chegou a vez de “Watchmen”. O aniversário de 20 anos de sua publicação quase coincidiu com o anúncio de Zack Snyder de dirigir a versão cinematográfica da revista. Snyder passava por uma ótima fase devido ao sucesso de “300”, outra adaptação de quadrinhos que impressionou pela capacidade do diretor em reproduzir a exuberância visual criada por Frank Miller. Mas dirigir o que muitos consideram “a Bíblia dos quadrinhos” (fãs podem ser bastante exagerados) trouxe o ceticismo de alguns e imediato preconceito de muitos.

Seria Snyder capaz de capturar toda a complexidade emocional da série? Dois anos depois a resposta é sim .
O assassinato de um herói mascarado leva um paranóico colega de profissão a uma investigação atrás de possíveis assassinos de mascarados, reencontrando antigos combatentes do crime que tomaram os mais diversos rumos em suas vidas depois que o governo proibiu sua atuação. Os acontecimentos são catalisados pelo risco cada vez mais claro de um ataque nuclear dos soviéticos aos EUA, que sob a liderança de Richard Nixon venceram a Guerra do Vietnã. Tudo que impede o ataque dos russos é Dr. Manhatan, único super-herói com poderes reais, que trabalha para o governo americano e garantiu a vitória dos ianques no Vietnã. Mas este ser de poderes assombrosos parece cada vez mais indiferente aos acontecimentos do mundo.

A complexidade da trama e a extensão eram os principais desafios para se fazer um único filme que reunisse toda a história de “Watchmen”. As revistas não eram lineares e para o filme manter a fidelidade ao original este teria de ter uma edição genial e a coragem para remover alguns de seus elementos. O filme consegue as duas coisas: reunindo muito do conteúdo que servia de pano de fundo da trama em uma abertura maravilhosa, o filme consegue remover flashbacks que acabariam por aumentar em muito sua já extensa duração (163 minutos). Também foi removida a história paralela contada através das revistinhas de um garoto na banca de jornal e o final foi modificado. Sim, é isso mesmo, Zack Snyder colocou-se à mercê da fúria dos fãs e mexeu no final da obra-prima de Alan Moore. Mas sua explicação alternativa para os fatos funciona tão bem quanto o original, além de economizar um bocado de tramas paralelas. Na prática, o final é tão surpreendente e tão fantástico quanto o original. E com um conteúdo que cabia em aceitáveis 2 horas e quarenta minutos, o filme então pôde ser fielmente inspirado nos quadrinhos. Tudo está lá: as anotações do diário do psicótico Rorschach, as memórias da vida do Comediante, o saudosismo da primeira Espectral e do primeiro Coruja, os monólogos frios e analíticos do Dr. Manhatan. Os diálogos foram mantidos, a perspectiva de muitas das cenas, nem mesmo a violência e a crueza de boa parte da trama foram suavizados
. “Watchmen” era uma história para adultos e para adultos ela continuou sendo. Talvez a sátira política tenha sido aquela que mais perdeu espaço, mas com 23 anos muitas das referências da época da Guerra Fria não teriam mais espaço no cinema. Até a lanchonete, a banca de jornais e as propagandas das indústrias Veidt foram mantidas. O filme também merece elogios por escapar da armadilha falsa de criar uma história de ação. O apelo de intermináveis seqüências de ação era forte para agradar o público do cinema, mas “Watchmen” se mantém fiel ao tom introspectivo do original.
A ação está presente nos momentos certos, como numa excelente seqüência no presídio, mas é apenas a necessária e corresponde ao conteúdo da revista. O visual dos cenários é outro exemplo de grande detalhamento, mostrando uma década de 80 suja e decadente. O figurino dos heróis chama atenção especialmente ao criar o movimento da máscara que dá nome à Rorschach. Em cima de tudo isso, o filme ainda adiciona um elemento impossível aos quadrinhos e que surpreende: uma trilha sonora excelente, com sucessos da música americana (temos de Bob Dylan a Simon & Garfunkel, passando por Leonard Cohen). E os efeitos sonoros não ficam para trás.
Apesar de não se destacarem as atuações de Carla Gugino (que faz a estonteante Espectral) e de Patrick Wilson (o Coruja), Jackie Earle Haley mostra que sua escolha como Rorschach foi na mosca. E enquanto a voz rouca e triste é o trunfo de Rorschach, Billy Crudup acerta com o oposto, transmitindo a idéia da personagem fria que é o Dr. Manhatan. Jeffrey Dean Morgan é outra boa escolha no elenco, fazendo um violento Comediante, mas Matthew Goode parece um pouco franzino para assumir o papel de Adrian Veidt, o que ele compensa com boa atuação

”Watchmen” pode não agradar o grande público devido à sua trama muito dinâmica e mergulho na psicologia de personagens de moral nem sempre clara. Mas para quem não tem medo de um filme complexo, profundo e que sabe combinar ficção com suspense e um visual absolutamente espetacular, então veja, reveja, decore, maravilhe-se com o fantástico “Watchmen”.

Direção: Zack Snyder

Roteiro: David Hayter, Alex Tse

Baseado na Obra de:

Dave Gibbons (Watchmen)

Alan Moore (Watchmen)

Elenco:

Jackie Earle Haley (Walter Kovacs / Rorschach)
Jeffrey Dean Morgan (Edward Blake / Comediante)
Billy Crudup (Jon Osterman / Dr. Manhattan)
Matthew Goode (Adrian Veidt / Ozymandias)
Carla Gugino (Sally Jupiter / Espectral)
Malin Akerman (Laurie Juspeczyk / Espectral II)
Patrick Wilson (Dan Dreiberg / Coruja II)
Stephen McHattie (Hollis Mason / Coruja)
Matt Frewer (Edgar Jacobi / Moloch)
Niall Matter (Mothman)

Por: Valter Andrade

Bill & Ted Uma Aventura no Tempo & Dois Loucos No Tempo

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Sat, 02 Oct 2010 12:22:00 +0000

Taí mais um filme que marcou a minha infância/adolescência. Bill e Ted são dois jovens apaixonados por Rock n' Roll e que não querem saber de estudar. Mas quando o pai de Ted ameaça lhe mandar para um colégio militar caso não passe na avaliação final de história, os dois amigos precisam encontrar uma maneira de aprender em apenas um dia tudo o que foi ensinado durante o ano todo. Misteriosamente, surge um homem que diz ser do futuro, acompanhado de... Bill e Ted do futuro! Eles oferecem uma ajuda inusitada: Os dois poderão viajar pelo tempo (dentro de uma cabine telefônica...) e conhecer todos os personagens históricos que serão tema da prova final de Ted. É um filme extremamente bobo, com uma história que acontece rápido demais... mas eu adoro! Em que outro filme temos a chance de ver o Rock n' Roll acabando com a fome, trazendo a paz mundial e unindo os povos do Universo??? Em 1991 o filme teve uma continuação: Bill & Ted's Bogus Journey, que curiosamente aqui no Brasil foi lançado com o mesmo título do primeiro... Foi um sequência com um orçamento menor, efeitos especiais piores (como conseguiram??) e personagens ainda mais toscos... nessa aventura a dupla não viaja no tempo, e sim tentam derrotar dois robôs que vieram do futuro para lhes matar e tomar seus lugares. Pra conseguir derrotar os impostores, eles jogam Twist com a Morte, vão paro o inferno, brigam com o diabo, e até falam frente a frente com Deus! Pra quem não lembra, o filme também rendeu uma série em desenho animado que passava nas manhãs da Globo, a muiiito tempo atrás

Resolvi escrever sobre esses filmes pois na entrega do Oscar, Keanu Reeves falou a um repórter sobre a possibilidade de voltar ao papel de Ted, em um terceiro filme da série! Será??? Ele ficou o tempo todo rindo enquanto falava isso, o repórter da MTV até perguntou se era sério, e o Keanu confirmou... mas ficou difícil de acreditar.

Keanu Reeves disse que está trabalhando com o elenco original de Bill & Ted - Uma Aventura Fantástica e Bill & Ted - Dois Loucos no Tempo, clássicos da Sessão da Tarde, na esperança de fazer uma continuação da franquia de comédia.

O companheiro de Reeves no filme, Alex Winter, disse recentemente que as negociações estavam encaminhadas para um terceiro filme, depois do próprio Keanu ter admitido que estava "tentando" trazer a dupla de volta para a telona.
Agora, o ator de 46 anos disse ao MTV News que ele e Winter estavam conversando com os roteiristas Chris Matheson e Ed Solomon sobre o possível projeto. "Estamos tentando. Alex e eu continuamos amigos e estamos nos falando e também com Chris e Ed. Eles vão tentar escrever alguma coisa",revelou.

"Eu adoraria repetir o papel. Adoraria trabalhar com Alex e Chris e Ed novamente. Vamos ver o que eles podem fazer. Estou encontrando pessoas agora - eles mostraram o filme para seus filhos. Nós só queremos entreter", comentou.

Os filmes de Bill & Ted contam a história de dois adolescentes da Califórnia que viajam no tempo em uma cabine telefônica depois de descobrir que sua banda Wyld Stallyns é a chave para a felicidade futura do mundo

Vamos torcer para que der tudo certo!
Para quem gosta de uma comédia bem despretensiosa, este filme é um prato cheio, especialmente se você já for um iniciado no mundo do Rock n’ Roll. Várias tiradas só serão entendidas se assistido em inglês, por exemplo, quando os dois arrumam uma encrenca no século 15 e são condenados à morte na Donzela de Ferro (Iron Maiden, nome de um instrumento de execução medieval). Quando eles ouvem que vão para o “Iron Maiden”, ficam extremamente empolgados, sem a mínima idéia do que estaria para lhes acontecer.

.
Logicamente no final tudo acaba bem, e enquanto Bill e Ted estão tocando uma música horrorosa, Rufus fala diretamente com o telespectador: “eles irão melhorar”.

Em 1991 foi lançada a continuação do filme, desta vez intitulado Bill & Ted: Dois Loucos no Tempo que, em minha opinião, supera seu predecessor. Seqüências hilárias, como quando Ted está nos portões do céu – após morrer – e, para conseguir entrar, precisa provar que é puro de coração. Ele não pensa duas vezes e manda o refrão de “Every Rose Has It’s Thorn”, do Poison garantindo, desta forma, sua livre passagem.
O final também é espetacular: os dois estão no palco da 4ª Batalha Anual de Bandas de San Dimas e precisam vencer para que sua influência no futuro seja garantida. O problema é que eles ainda não sabem tocar nada que preste, mas eis que a cabine telefônica entra em ação e, após sumirem do palco, retornam segundos depois, com barbas à la ZZ Top, após ano de curso intensivo de guitarra. O filme se encerra com os dois, acompanhados de suas namoradas – também integrantes da banda – tocando God Gave Rock n’ Roll To You II, do Kiss

Piraporinha Filmes indicado para quem quiser dar boas risadas ou apenas brincar de descobrir referências a músicas e bandas de Rock n’ Roll!

"Sejam legais uns com os outros"
1°

2º

Por: Valter Andrade

O Clube dos cinco

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Mon, 27 Sep 2010 15:43:00 +0000

Nenhum filme foi mais a fundo na mente adolescente do que "O Clube dos Cinco". Dirigido por John Hughes, o filme conta a história de cinco adolescentes completamente diferentes que por terem cometidos infrações, são obrigados a passar um sábado na escola e escreverem uma redação onde reflitam quem eles são. O grupo é compostos por Andrew (Emilio Estevez), o esportista; Claire (Molly Ringwald), a patricinha; John (Judd Nelson), o deliquente; Allison (Ally Sheedy), a estranha e Brian (Anthony Michael Hall), o cdf. Poucas vezes o cinema abordou de forma tão clara como os adolescentes vêem a sociedade e a família, através de seus medos e anseios (tão característicos dessa época). Entretanto, esses medos não são em vão. Tendo os pais como principal referência, o grupo de cinco se preocupa se acabarão como seus pais. Discutem a cobrança que sofrem para sempre serem os melhores ou como são ignorados pelos pais. De outro lado, Hughes mostra a visão dos adultos através dos diálogos entre o diretor da escola Richard (Paul Gleason) e o faxineiro Carl (John Kapellos). O grande clímax do filme é quando cada um expõe o real motivo de por quê estão ali. Os diálogos são o grande atrativo do filme. Seguem abaixo algumas frases:
"Os garotos não mudaram, você mudou". (Carl para Richard)
"Quando você se torna adulto, o seu coração morre". (Allison)
"Eu não vou tolerar nenhum perdedor em minha família". Andrew repetindo a frase dita por seu pai.

Frases para se pensar... Ao final, eles entregam a redação onde dizem que por mais que eles escrevam a redação pensando em quem eles realmente são, o diretor da escola sempre os verá da mesma forma como sempre viu, encerrando o filme ao som da clássica "Don't you forget about me" do Simple Minds. Se "Curtindo a vida adoidado" é o filme mais popular de John Hughes, com certeza "O Clube dos Cinco" é a sua obra-prima. Vale a pena ver e rever esse clássico!

Especialmente para o inicio do Ano 5 do Cine JP, que nesses ultimos meses continua subtamente dificil em questionamentos pessoais como falta de inspiração ou até mesmo a escassez de filme porém o principal é sempre a preocupação de entregar a vocês não só apenas uma opinião formada de um filme, mas um texto de qualidade e diferenciada, marca registrada desse blog. No ano passado, tive uma oportunidade de conferir um excelente filme que consegue exprimir não só apenas uma arquitetura calculada de qualidade exemplar, mas também uma representação verdadeira de uma geração que mesmo passado alguns anos desde seu lançamento, ainda continua atual e marcante para quem assiste. O filme escolhido é com certeza O Clube dos Cinco de John Hughes.

Em um colégio de Illinois, tudo está vazio assim como o respecto dia. O sábado e o colégio é simbologia de um concreto vazio mas lembra também o descanso de um estudante. Bem, isso era ser. Entretanto em um sábado especial ou inglórioso, cinco jovens com personalidades distintas e peculiariedades únicas são punidos a ficarem dentro da biblioteca da escola e com uma tarefa em comum: Cada um fazer um ensaio de si mesmo.

Não vou me aprofundar muito em suas curiosidades ou o rumo dos atores e principalmente na carreira do diretor John Hughes que praticamente em vida e em seus filmes conseguiu imortalizar a questão do estilo dos adolescentes da decada de 80 e de quebra ditou modos e a mente de muitos jovens nas decadas seguintes e a prova disso é de como uma sessão de qualquer filme dele consegue ser não só apenas um escapismo mas sim uma obra de arte que conseguiu explanar a pulsação juvenil. Obrigado John Hughes por trazer para todos nós esse cinema tão interessante e inesquecivel.
Quem tem mais de 20 anos ou mais sabe o quanto o filme representa: um clássico inquestionavel para o que muitos consideram uma década perfeita onde se via de tudo e até hoje fica aceso em nossos corações. Crescemos vendo a fantasia sendo praticada com tanta perfeição com Spielberg, Lucas, Cameron e a cinesérie de James Bond; Vimos o medo sendo implantado ao mais profundo de nossos corações com os filmes de horror de John Carpenter, George Romero e as cineséries de Jason, Freddy e cia.; Também vibramos e sentimos a adrenalina explodir em nossas veias com os filmes de Stallone e Schwarzenegger. Mas o cinema de John Hughes executou a imagem do adolescente como um pintor mediante a sua obra máxima. E foi com essa visão sutil e inesquecível que O Clube dos Cinco é a representação máxima dessa juventude e talvez da nossa também.

O roteiro de Hughes transparece do inicio até o seu termino a efervencia jovial sintetizados em cinco adolescentes. Muitos dos jovens criticos que surgem no mundo ou aqueles que veem um filme como um produto industrializado veem esse filme como um cliche atrás do outro e alguns vêem como lixos atuais como High School Music, Malhação ou agora Quase Anjos como referencia juvenil. Hughes construiu cada personagem em uma maneira que gradaualmente o público se identifica ao ponto que não só apenas se identifica com um, mas sim com todos ao trazer temas comuns e verdadeiros da juventude como sexualidade, frustrações, reeprendimentos, alegrias, tristezas, ou seja, sentimentos que lembramos o quanto somos frágeis.

Mesmo sendo lançado a mais de 25 anos, consegue ser tão atual quanto a busca de novas emoções desconhecidas em um adolescente. O Clube dos Cinco é um filme tão essencial quanto a própria essencia da vida. Ficamos até surpreendidos que algumas obras tocam em uma maneira tão verdadeira, tão pertinente e tão especial quanto é esse filme de Hughes. Os filmes dele, os discos do Legião Urbana, os desenhos inesqueciveis foram e serão fatos que marcaram as nossas vidas que aqueles tempos vivenciamos ao máximo. Assim como a segunda feira, o dia que o clube tinha mais medo, também temos medo mas vamos deixar chegar e que nos contamine a saudade dos melhores tempos da nossa vida.

Podem berrar, espernear, apresentar teses e até me torturar. Não importa, eu sou uma rocha de convicção quando o assunto é Breakfast Club, ou melhor dizendo, Clube dos Cinco. Para mim este filme é um cult e pronto.

Vamos lá, minha gente, vamos ser camaradas e deixar os preconceitos de lado. Esqueçam o último filme da Jenifer Lopes, os filmes de Sessão da Tarde de cachorros e crianças choronas que nos dão náuseas, e também algumas adaptações baratas de alguns desenhos para o cinema. Esqueçam a Malandrinha, Férias Frustradas e o pentelho do tio Buck. Apenas aluguem esta belíssima fita, sentem numa poltrona de couro bem confortável e viajem para um mundo de cultura pop dos anos 80 ao som dos Simple Minds, sem julgar Clube dos Cinco pelo currículo do diretor.

O quê? quem tiver menos de 25 deve estar se perguntando. Tudo bem, serei mais específica. O filme foi lançado no auge dos polêmicos anos 80. Por aí já começam os preconceitos. Muita gente gosta de caracterizar estes anos como aqueles em que nada se produziu de bom. Que foram anos marcados pela cafonice e a falta de bom gosto. Mas quem fala isso ignora nomes como The Cure e Smiths, o auge da era Spielberg, o período em que o rock nacional mais produziu e o nascimento mundial da MTV e da revista Bizz, em terras tupiniquins.

Os anos 80 foram legais, mas eu não estou aqui para fazer apologia à época dos laços de tule, das bermudas balonê e dos vestidos trapézios. Só quero provar que são meros detalhes o diretor ser suspeito, a época do filme ser suspeita, os atores serem suspeitos... Nada importa. O que vale é a história dos cinco adolescentes que são confinados no colégio em um sábado por terem cometido pequenos delitos, tendo que escrever uma redação de mil palavras sobre o que eles pensam de si mesmos. O clímax do filme fica por conta do momento em que seus papéis estereotipados são quebrados, depois que eles fumam maconha, e passam a aceitar uns aos outros.

Hughes conseguiu unir neste filme a nata dos atores promissores da época, que enfeitavam nossos guarda-roupas e cadernos e por quem éramos capazes de matar por um pôster. Afinal, na época, essas coisas eram mais difíceis. Os nomes podem ser estranhos para muita gente, pois foram esquecidos num piscar de olhos, ops, quer dizer, num piscar de década. Não sei se eu estava viajando mas acho que cheguei a ver a Molly Ringwald, musa dos anos 80 criada por Hughes, fazer uma pontinha num dos trailers da série Pânico. Muito triste para alguém que um dia já foi a Garota Rosa-Shoking... Uma espécie de Cinderela moderna...
Bom, mas já disse que isso não importa. Os cinco eram: Molly Ringwald, que faz o papel de princesinha da turma, Judd Nelson, o rebelde, Emilio Estevez (irmão de Charlie Sheen e que teve um casamento tumultuado com Demi Moore – antes do Bruce Willis), que representa o esportista, Ally Sheedy, uma garota meio dark e Anthony Michael Hall, o garoto mais inteligente da turma, que traz o mistério da trama porque ninguém sabe porque ele está lá.

E é com estes atores, com estes personagens, que Clube dos Cinco tem um argumento simples, com um roteiro leve e profundo rodado em apenas dois meses. Sua beleza não está somente na mistura inusitada de drama e comédia, mas também por representar um momento feliz na carreira de Hughes e em nossas vidas adolescentes, pois não éramos insultados por fórmulas baratas e enlatadas. Talvez até porque seja Hughes que tenha dado origem a estas fórmulas desprezíveis, que apesar de se tornarem um clichê, foram, um dia, originais.

Temos muito que aprender com John Hughes, se considerarmos que ele foi o responsável por moldar o gosto de toda uma geração. Tanto que sustentava o título de Steven Spielberg do mundo adolescente pois foi também o criador de preciosidades como "Curtindo a Vida Adoidado", "Gatinhas e Gatões", e "Mulher Nota 1000". Todos moradores da eterna Sessão da Tarde e alimento da nossa nostalgia.

Depois de assistirem ao filme e lerem os meus argumentos, me digam, Clube dos Cinco é ou não um cult? ****

Por :Valter Andrade

Código de Conduta

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Tue, 07 Sep 2010 14:09:00 +0000

Conhecido por dirigir filmes de ação, como "O Negociador" e "Uma Saída de Mestre", F. Gary Gray é um dos diretores afro-americanos mais bem-sucedidos dos últimos tempos. Em seu mais recente filme de ação, "Código de Conduta," ele se volta para uma história de vingança, contando com o ator escocês Gerard Butler ("300") à frente do elenco.

Com roteiro escrito por Kurt Wimmer, responsável pelas histórias de "Reis da Rua" e "Equilibrium" (este último lançado diretamente em DVD), o filme desenvolve a história de Clyde Shelton (Gerard Butler), cuja esposa e a filha são assassinadas durante um assalto. Clyde estava presente e reconhece os criminosos, mas um detalhe jurídico contribui para que um deles, Darby, saia da prisão.

Quando vai pedir ajuda ao promotor público Nick Rice (Jamie Foxx, de "Ray"), alegando que o assaltante estuprou sua esposa, o viúvo percebe que houve um acordo, baseado em delação premiada. Assim sendo, não há nada mais a ser feito. Clyde parte, assim, para planejar sua própria vingança.
Dez anos se passam até ele começar o acerto de contas. O plano é fazer com que o sistema jurídico funcione a seu favor. Sistematicamente, Clyde passa a eliminar todas as pessoas responsáveis pelo inquérito que livrou Darby das acusações. Mas, por falta de provas conclusivas, ele não pode ser preso.

Assim, cabe ao promotor Nick Rice impedir as ações do homem, indo muito além de seu trabalho jurídico (já que promotores não fazem investigação em cenas de crimes). Mesmo contra a vontade, ele acaba entrando no jogo de Clyde, que se satisfaz em humilhá-lo publicamente.

O que mais incomoda nesta história não é a vingança em si, mas a inversão de papeis criada por Kurt Wimmer. Numa história em que não existe "mocinho", ele glorifica os desajustados e dá força a uma defesa do linchamento. Uma lógica perversa presente, aliás, em seus filmes anteriores.

Some-se a essa discussão o trabalho de Gray, que não consegue disfarçar as falhas estruturais da produção. Mesmo as cenas de ação não têm clímax, deixando a desejar num item que, em tese, seria o forte de "Código de Conduta." Apesar da boa dupla de atores Butler e Foxx, o filme não corresponde às expectativas que levantou.

A mulherada que já quis levar o escocês Gerard Butler (o Leônidas de “300?) pra casa, vai ficar em polvorosa de ver o o homem malvadão e peladão neste “Código de Conduta”. Sim, ele é impiedoso com suas vítimas no filme, mas vejam só, ele também foi bonzinho um dia. Levava uma vida tranqüila com a mulher e a filhinha, quando um bando de ladrões entraram em seu apartamento e mataram suas queridas.

Logo depois os malfeitores foram pegos, mas a polícia incompetente não soube fazer uma boa perícia no local do crime, e o promotor público (Jamie Foxx) negociou com os bandidos de tal forma, que um deles conseguiu amenizar sua pena.
Então o Gerard transtornado, perdeu o chão.
Ele queria justiça, mas as brechas do sistema o deixaram literalmente despido.
Achou curioso?
Mais interessante achei a forma como as motivações vão sendo ticadas como uma equação no filme. Porque o homem vira uma espécie de Jigsaw (o vilão da série “Jogos Mortais”), disposto a se vingar dos bandidos, dos policiais, do sistema jurídico, usando sempre armadilhas engenhosas.

Filme de ação e suspense para assistir grudado na poltrona e não conseguir desgrudar os olhos da telona.

Piraporinha filmes recomenda! Vale a pena!

Curiosidades:
» Frank Darabont ('O Nevoeiro') dirige e Kurt Wimmer ('Thomas Crown: A Arte do Crime') é responsável pelo roteiro.

Elenco:
Gerard Butler,
Jamie Foxx,
Michael Gambon,
Leslie Bibb,
Colm Meaney,
Theresa Randle,
Viola Davis,
Regina Hall,
Bruce McGill.

Direção: F. Gary Gray
Gênero: Ação
Duração: 108 min.
Distribuidora: Imagem Filmes
Estreia: 06 de Novembro de 2009

Por : Neidy e Valter Andrade

Paranóia

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Sun, 05 Sep 2010 17:06:00 +0000

D.J. Caruso já possui experiência em suspense, pois dirigiu em 2004 o filme "Roubando vidas", com Angelina Jolie. Agora em 2007 ele volta ao gênero com um filme adolescente que consegue ser descompromissado e, ao mesmo tempo, interessante. Estrelado por Shia LaBeouf (de "Transformers"), o longa é como uma versão adolescente de "Janela indiscreta".

Kale (LaBeouf) é um jovem que foi condenado a passar 3 meses em prisão domiciliar por ter agredido um professor de espanhol. Com um aparelho preso ao corpo, ele só pode ficar a 30 metros de distância da casa. Caso ele se distancie mais, a máquina chama automaticamente a polícia e ele vai pra prisão.

Mas ao contrário do que se possa imaginar, o protagonista não é um badboy e sim um garoto um pouco rebelde e traumatizado pela morte do pai. Entediado em casa, ele passa a espionar os vizinhos usando um binóculo. E duas coisas chamam sua atenção: a nova e curvilínea vizinha (Sarah Roemer, de "O grito 2" e um estranho morador (David Morse, de "Lembranças de um verão") que ele suspeita ser um assassino em série.

A história desenvolve variando entre a comédia teen e algumas cenas mais tensas. O resultado é positivo. Sem a preocupação de ser aterrorizante ou engraçado, "Paranóia" diverte quem procura um filme mais leve e com boas cenas de suspense! No elenco também está Carrie-Anne Moss (da "Trilogia Matrix" e "Amnésia").

A história bem doida, atores meio conhecidos/meio desconhecidos, binóculos e espionagens são alguns dos ingredientes que fazem a mistura desse filme.

Poucas vezes um filme conseguiu me deixar nervoso… hehehe… E esse conseguiu. Não assistam querendo ver o melhor filme do mundo, mas assistam com a intenção de se divertir, porque o filme consegue mesmo.

Slogan que dá tema ao filme ‘Paranóia’ lembra ‘Janela Indiscreta’, de Alfred Hitchcock.

E por aí vai. Os sustos e suspenses são moderados. Mas vale a atenção pela

releitura proposta da obra de 1954 e a contemporaneidade dos jovens e seus brinquedos tecnológicos. Assim como as possibilidades de atrocidades e perversões dos clássicos subúrbios americanos.

Direção: D. J. Caruso.
Roteiro: Christopher B. Landon e Carl Ellsworth.
Produção: Jackie Marcus, Joe Medjuck, Tom Pollock.
Edição: Jim Page.
Música: Geoff Zanelli.
Elenco:
Shia LaBeouf (Kale),
Sarah Roemer (Ashley),
Carrie-Anne Moss (Julie),
David Morse (Sr. Turner),
Aaron Yoo (Ronnie)
e Jose Pablo Cantillo (Oficial Gutierrez).
Distribuição: Em DVD pela Paris Filmes.

Por: Valter Andrade

Os Melhores filmes Musicais.(Biografias)

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Fri, 27 Aug 2010 13:39:00 +0000

Podemos começar falando que. Muitos artistas são
Lembrados das melhores formas possíveis.
Seja Numa musica marcante, ou numa foto. Só sei que quando eles são lembrados é claro que foram por que fizeram uma
grande diferença de muitos outros.
Bem, dessa vez vou lembrar de Bandas,
Cantores, Artistas e Pessoas que não são esquecidos nem quando não estão mas
entre Nos. Biografias dos maiores Artistas do mundo.
E é claro que eles não serão os únicos.

The Doors- O filme “The Doors”, dirigido por Oliver Stone, ganhou vida em 1991 e tem Val Kilmer no papel de Jim Morrison. Alguns defendem que o trabalho de Kilmer se aproxima da perfeição (concordo); outros dizem que o filme ofusca a presença dos outros integrantes do The Doors (concordo); outros tantos afirmam que o filme é uma difamação da figura de Morrison e de toda a banda (concordo). Bem, diante de posições tão diversas, só tenho a concordar com todas elas.
The Doors (Portugal: The Doors - O Mito de um Geração) é um filme de 1991 sobre Jim Morrison e os The Doors. Foi realizado por Oliver Stone, e teve Val Kilmer no papel de Morrison, Meg Ryan como Pamela Courson (companheira de Morrison), Kyle MacLachlan como Ray Manzarek, Frank Whaley como Robby Krieger, Kevin Dillon como John Densmore e Kathleen Quinlan como Patricia Kennealy.

O filme dos The Doors esteve em desenvolvimento durante quatro anos em diferentes estúdios. Durante bastante tempo, John Travolta era o mais apontado para o papel de Jim Morrison

La Bamba- Narra a história do cantor estadunidense Ritchie Valens, que teve uma carreira meteórica no final dos anos 50 embalada com grandes sucessos como "Donna", uma balada romântica composta para uma garota pela qual se apaixonou nos tempos de colégio, Donna Ludwig, e a mais famosa e título do filme, "La Bamba", música tradicional mexicana, transformada em rock and roll por Valens, até o trágico acidente aéreo de 3 de Fevereiro de 1959, que matou Valens, com apenas 17 anos, Buddy Holly e The Big Bopper, o qual ficou conhecido como o dia em que o rock morreu.

La Bamba é um filme musical estadunidense dirigido por Luis Valdez, do gênero drama biográfico, lançado em 1987
.
Ray- lançado no Brasil e em Portugal sob o título original, é um filme norte-americano de 2004 baseado na vida do famoso cantor de R&B/soul Ray Charles. Ele foi dirigido por Taylor Hackford e estrelado por Jamie Foxx.
O filme recebeu dois prêmios Oscars: melhor actor para Jamie Foxx e melhor som.
O filme mostra fases que mudaram a vida de Ray Charles, como quando um problema de glaucoma o deixou cego aos 7 anos de idade, suas várias amantes, seu filho fora do casamento, o envolvimento com drogas e a composição de suas canções mais conhecidas.
Control - A história de Ian Curtis- O Joy Division foi formado em Manchester, no final dos anos 1970, em meio a shows de David Bowie, Sex Pistols e Buzzcoks, referências presentes no filme. Com a morte do vocalista, aos 23 anos, a banda deu origem ao New Order. Com diálogos mínimos e trilha sonora no máximo, o filme em preto e branco Control narra a curta vida de Ian Curtis, enquanto ele se equilibrava entre a banda britânica Joy Division, sua mulher Debbie e sua amante Annick.
Curiosidades:
» No filme, Corbijn optou por uma fotografia em preto e branco com forte contraste. A encenação é sóbria e elegante.
Tina - A Verdadeira História de Tina Turner - A história da famosa cantora de rock´n roll, Tina Turner. Tina é Anna Mae Bullock, uma garota do interior com uma voz especial que se apaixona por Ike Turner. Juntos, conquistam o sucesso no mundo da música. Mas quando perdem o controle de suas vidas, a volta à realidade provoca um choque inevitável. Do fundo do poço ao mais alto nível, o filme relata todos os altos e baixos da carreira de Tina.
Selena- É um filme estrelado por Jennifer Lopez, que interpreta o papel da cantora tex-mex Selena Quintanilla Perez, assassinada por sua produtora em 31 de março de 1995. Dirigido por Gregory Nava, o filme foi lançado em 1997, sob as críticas de que a família da cantora estavam apenas querendo lucrar com a tragédia, pois começou a ser rodado 15 meses após a morte da estrela. Foi o filme responsável por projetar e transformar Jennifer Lopez em uma grande estrela mundial. O filme foi o grande responsável também por tornar a cantora Selena mundialmente conhecida, sendo que, antes de sua trágica morte, seu sucesso se limitava basicamente ao México e Texas, atingindo em sua maioria a colônia latino-americana.
Johnny e June - Em 1955, um guitarrista magro e arredio que chamava a si mesmo de J.R. Cash entrou naquele que logo seria o famoso Sun Studios, em Memphis. E foi um momento que deixara marcas profundas na cultura americana. Com a fúria de seus acordes na violão, uma intensidade de aço e uma voz tão profunda como a noite, Cash cantava canções sobre dores de amores e sobrevivência que eram cheias de energia, cheias de vida, e algo nunca ouvido antes.
Aquele dia deu início a eletrizante carreira de Johnny Cash. Como pioneiro de um som hipnótico e original que abriria o caminho para as futuras estrelas do rock, country, punk, folk e do rap, Cash começou também sua agitada transformação pessoal. No período mais volátil de sua vida, ele passou de um destrutivo pop star ao famoso ícone representado pelo "Homem de Preto", enfrentando seus próprios demônios, lutando pelo amor que o reabilitaria e aprendendo a andar sobre o fio da navalha que separa a redenção da destruição.
» O filme é produzido por Cathy Konrad (Citizen Ruth, Beautiful Girls, Scream, Cop Land, Girl Interrupted, Identidade) e James Keach (The Stars Fell on Henrietta), e foi desenvolvido durante sete anos com a colaboração conjunta de Johnny Cash e June Carter Cash antes de suas mortes em 2003.

Sid & Nancy o Amor que Mata- Baseado em fatos reais, o filme mostra os últimos meses de vida de Sid Vicious, baixista da banda punk inglesa "The Sex Pistols": o romance alucinado com Nancy Spungen, regado a drogas pesadas e álcool, com trágico fim do casal. A trilha sonora inclui números do "The Sex Pistols". Gary Oldman e Chole Webb interpretam o casal. Ganhou o prêmio dos críticos no Festival de Cinema de São Paulo em 1986. O diretor Alex Cox tem um curioso fascínio pelo movimento punk, tendo filmado "Repo Man" (1984) sobre um ataque a um supermercado pelos punks.

Notorious B.I.G Nenhum Sonho é Grande Demais-Comentando e contando a vida extraordinária de Christopher "Notorious B.I.G." Wallace, Notorious B.I.G. - Nenhum Sonho É Grande Demais acompanha a vida do jovem rapper (também conhecido como Biggie Smalls) desde a vida dura nas ruas do Brooklyn até as alturas do estrelato e reproduz suas reações às exigências crescentes da paternidade, do casamento e da carreira musical. Em meio ao caos e às controvérsias, o notável talento de Biggie e sua tenaz determinação ajudam a consolidar seu legado como um dos maiores nomes do hip-hop.

Cazuza O Tempo Não Para- Filme brasileiro de 2004, do gênero drama biográfico, dirigido por Sandra Werneck e Walter Carvalho, e com roteiro baseado na vida do cantor e compositor Cazuza.
O roteiro foi escrito por Fernando Bonassi e Victor Navas, é baseado no livro Cazuza, Só As Mães São Felizes, escrito pela mãe do cantor, Lucinha Araújo, e pela jornalista Regina Echeverria.
O filme retrata a vida do compositor e cantor Cazuza desde quando começou a carreira, atuando na peça Pára-quedas do Coração, no Circo Voador, o sucesso com o Barão Vermelho e sua carreira solo até sua morte em 1990, em decorrência de complicações causadas pela AIDS.

Não Estou lá-Bob Dylan, ícone musical, poeta e porta-voz de uma geração. Sempre viveu em constante mutação ao longo da vida, especialmente durante os anos 60. Musicalmente, fisicamente, psicologicamente, as alterações do seu personagem público dialogaram com acontecimentos sociais e ocasionaram múltiplas repercussões culturais. De jovem menestrel a profeta folk, de poeta moderno a roqueiro, de ícone da contracultura a cristão renascido, de caubói solitário a popstar. Interpretado por seis atores diferentes, Bob Dylan emerge de seu mundo caleidoscópico como um artista em fluxo.

Esta é uma jornada nada convencional dentro da vida das várias fases de Bob Dylan. Seis atores diferentes retratam o artista em uma série de personalidades que oscilam, indo desde um Dylan público ao privado e ao fantasioso - é um rico e colorido retrato desse sempre alusivo ícone americano. Poeta, profeta, um marginal, fora-da-lei, um dissimulado, um astro, mártir do rock & roll e um cristão renascido - sete identidades trançadas juntas. Sete órgãos vibrando e explodindo na história de uma única vida. Um filme tão vibrante quanto à era na qual foi inspirado.Vencedor em VENEZA 2007 - Melhor atriz para Cate Blanchett e Prêmio Especial do Júri Indicado ao Oscar 2008 de Melhor Atriz Coadjuvante - Cate Blanchett.

Piaf Um Hino Ao Amor- A vida de Edith Piaf (Marion Cottilard) foi sempre uma batalha. Abandonada pela mãe, foi criada pela avó, dona de um bordel na Normandia. Dos 3 aos 7 anos de idade fica cega, recuperando-se milagrosamente. Mais tarde vive com o pai alcoólatra, a quem abandona aos 15 anos para cantar nas ruas de Paris. Em 1935 é descoberta por um dono de boate e neste mesmo ano grava seu primeiro disco. A vida sofrida é coroada com o sucesso internacional. Fama, dinheiro, amizades, mas também a constante vigilância da opinião pública.

Elvis O Início de uma Lenda-Quatro horas dramáticas sobre a vida do mito Elvis Presley, sua elétrica e tumultuada história - do humilde começo até a sua meteórica ascensão à fama. Uma viagem cronológica com detalhes pessoais que o tornaram uma estrela, seu reinado como o rei do rock and roll e a sua devastadora decadência devido às drogas e aos excessos da fama. O filme traz gravações reais de alguns dos maiores hits de Elvis Presley, em sua trilha sonora. A Universal lança o DVD do Rei do Rock n´Roll - Elvis - O Início de Uma Lenda - com a biografia de um dos personagens da história da música, mais imitados e idolatrados que já existiram.

Esse ai são todos os filmes que vi e achei muito bom!
São filme e artistas que deixarão saudades e que serão sempre lembrados
E não é só isso ai não...
Vamos ver muitos daqui para frente.
"Fiquei sabendo de alguns"
Músicos que serão lembrados como
Raul Seixas,Renato Russo, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, Aaliyah, 2Pac Shakur, Kurt Cobain, Bob Marley e até O Ozzy Osbourne Esta com Filmes Previsto a ser lançado
Agora é só aguardar e ver esses filmes
Pode conferir A lista dos filmes que estão para vim aqui!

Super Biogrtafias

Por Valter Andrade

Wood & Stock: Sexo, orégano e rock'n'roll

noreply@blogger.com (Sr Andrade) — Sun, 22 Aug 2010 02:41:00 +0000

Tão falando disso aí agora. Você já tem mais ou menos uma idéia do que esperar? Pois imagine: artistas gigantes que frequentam as paradas da Billboard e tem uma ou outra música tocando em rádios que você só ouve quando pega táxi + artistas que permitem quarentões pais de família que usam camisa pra dentro da calça no trabalho se comportar como adolescentes (usar camiseta preta! gritar em público! ficar bêbado! sair com os amigos ouvindo som alto no carro!) em shows feitos em estádio + aquelas bandas sub-Barão Vermelho (como se o Barão Vermelho por si só já não fosse um grande sub) que em algum lugar entre as orelhas de executivos de gravadora são o mais perto de rock’n'roll que pode ser consumido pelo público-médio brasileiro comprador de discos.

O que boa parte do público de um evento desses tem em comum é só a criação de uma espécie de ideal rock’n'roll na cabeça de gente que nunca gostou de rock ou que tem um CD do Phil Collins no carro pra quando quer parecer mais “descolado”. Justamente - é gente que usa esse tipo de termo, o “prafrentex” dos anos 00. E não é etário - o cara que tem idade pra ter ido ao Woodstock original devia estar reclamando dos hippies em 69 e o cara não tem idade para ter ido ao primeiro festival simplesmente nunca deve ter ouvido as bandas que tocaram lá - e, se ouvir, vai chamar de “porraloca” ou “mutcholoco”, apertando a voz pra ironizar na marra, enquanto entorna mais uma latinha de Bavária. No meio deles, um monte de meninas gritando “êêêêêêêêêêê” - como sempre tem, seja no show do Cordel, numa “festa rave”, na Pachá ou num “é bailão, é rodeio” da vida. E os próprios Wood & Stock do Angeli juntando os poucos trocados pra pagar centenas de dinheiros pra ver bandas que, saberão ao final do evento, desonraram toda uma geração. Se bem que o Wood vai aproveitar pra encoxar umas gatinhas.

Mas se meterem o Rage Against the Machine no elenco, vai rolar a descida ao inferno. Afinal não é todo dia que o Led Zeppelin da sua adolescência toca no seu país. O mais perto disso que podia acontecer era se o Red Hot (não o Chili Peppers, sou da geração que aprendeu o que era overdose de drogas com a morte de Hillel Slovak) viesse fazer um show tocando o BloodSugar de cabo a rabo.

Não custa lembrar, né. Vai que tem quem ainda não conheça…

Wood & Stock: Sexo, Orégano e Rock 'n Roll é um filme brasileiro de animação do ano de 2006, com base nos personagens de Angeli.
Em uma festa na virada para 1972, na casa de Cosmo, estão os jovens Wood, Stock, Lady Jane, Rê Bordosa,
Rampal, Nanico e Meiaoito, que vivem intensamente o barato do flower
power ao explodir dos fogos de ano novo. Trinta anos se passam e nossos
heróis, agora carecas e barrigudos, enfrentam as dificuldades de um
mundo cada vez mais individual e consumista. Família, filhos, trabalho,
contas a pagar e solidão são conceitos que não combinam com o universo
inconseqüente desses "bichos-grilos perdidos no tempo. O jeito é dar ouvidos à voz sábia de Raulzito e ressuscitar a velha banda de rock'n'roll.

Elenco:

•Zé Vítor Castiel - Wood

•Sepé Tiaraju - Stock

•Rita Lee - Rê Bordosa e Lady Jane

•Júlio Andrade - Overall (filho de Lady Jane e Woody)

•Tom Zé - Raul Seixas

•Geórgia Reck- Purpurina (amiga de Overall)

Trilha Sonora:

1.Um Lugar do Caralho - Júpiter Maçã

2.Woody Woodpecker - Arnaldo Baptista

3.Um Oh! e um Ah! - Tom Zé

4.Quando Você Me Disse Adeus

5.Marchinha Psicótica de Dr. Soup - Júpiter Maçã

6.Hulla-Hulla - Rita Lee

7.Canção para Dormir - Júpiter Maçã

8.Ferro na Boneca - Os Novos Baianos

9.1 Paranormal - Matheus Walter

10.Querida Superhist X Mr. Frog - Jupiter Maçã

11.As Mesmas Coisas - Jupiter Maçã

12.Chão de Estrelas - Panflute Simion Luca

13.The Freaking Alice - Júpiter Maçã

14.Eu Vou Me Salvar - Rita Lee

Wood & Stock são dois personagens hippies criados pelo cartunista paulistano Angeli.
As histórias retratam a vida de dois vagabundos ripongas que passam o dia ouvindo Jimmy Hendrix, Janis Joplin e Beatles enquanto lembram do passado nostálgico regado a muito sexo, drogas e rock'n'roll

A animação inicialmente se passa em uma festa na virada para 1972, na casa de Cosmo, onde estão os jovens Wood, Stock, Lady Jane, Rê Bordosa, Rampal, Nanico e Meia Oito, que vivem intensamente o barato do flower power ao explodir dos fogos de ano novo. Trinta anos se passam e nossos heróis, agora carecas e barrigudos, enfrentam as dificuldades de um mundo cada vez mais individual e consumista. Família, filhos, trabalho, contas a pagar e solidão são conceitos que não combinam com o universo inconseqüente desses "bichos-grilos perdidos no tempo. O jeito é dar ouvidos à voz sábia de Raulzito e ressuscitar a velha banda de rock'n'roll.

Além do longa homenagear Raul Seixas ele também conta com vozes de ninguém menos que Rita Lee dublando Rê Bordosa e Tom Zé que dubla Raulzito.
A animação ainda tem uma trilha sonora que inclui a própria Rita Lee, Novos Baianos, Jupiter Maçã e Arnaldo Baptista.