No funcionaba del todo bien y se lo dejó en manos de su colaborador, William Kennedy Laurie Dickson, quien perfeccionó el sistema y acabó obteniendo lo que llamaron el kinetoscopio. A mitad de 1891 hicieron una demostración pública y en 1894 empezaron con exhibiciones comerciales. El kinetoscopio se hizo tan famoso que lo más probable es que los hermanos Lumiére se inspiraran en él para inventar el cinematógrafo.

Pero dejemos la historia de cómo empezó el cine y centrémonos en la segunda pregunta y en la figura de Edison. Su mala fama comienza con muchos estudios que dicen que fue su ayudante, William, quien realmente inventó el kinetoscopio y Edison sólo lo impulsó y comercializó. Cuando los hermanos Lumiére sacaron el cinematógrafo, éste catapultó la industria del cine y se comenzaron a obtener beneficios muy altos. Edison, que era todo un experto en el tema de las patentes, se hizo con el control de la mayor parte de patentes relacionadas con el cinematógrafo, creando compañías que figuraban como “concesionarios de Edison” y que abarcaban la mayor parte del mercado cinematográfico. Comenzaba el monopolio de Edison.

El paso siguiente, y después de muchísimos juicios, fue la fundación de la Motion Pictures Patents Company, que reunía en un sólo organismo a las compañías cinematográficas más importantes y donde la Edison Company seguía teniendo muchísima influencia. Las patentes de Edison obligaban a todos a pagarle royalties por su uso. El monopolio que había formado estaba pasando a ser una tiranía que originó una gran guerra en su contra y donde Edison firmó acuerdos de exclusividad con fabricantes para que sólo vendieran productos a cámaras patentadas por su compañía. La industria cinematográfica del momento pasaba a través de las manos (y bolsillos) de Edison.

El monopolio terminó en 1915 cuando la Fox ganó un juicio contra “el faraón”. Esta victoria obligó a que muchos productores independientes, odiados por Edison, huyesen a tierras donde no alcanzara su dominio. Fue cuando se dirigieron al Oeste, dando lugar a Hollywood. Puede parecer que el nombre venga de alcanzar ese lugar deseado de libertad cinematográfica pero la cosa tiene menos historia: se llamaba así de antes. Se lo puso la esposa de Harvey Henderson Wilcox, dueño de un rancho en esa zona, porque una amiga tenía una casa con ese nombre y le gustaba. Curioso, ¿verdad?

Post rescatado del ya desaparecido CitizenMcGuffin, el blog de cine de What The Blogs. Originalmente publicado el 11/12/2008.

Qué debes saber para parecer un cinéfilo – Jesús Palacios

Esto no es algo nuevo ni tampoco novedoso como muchos piensan, pero se juntaron una serie de factores que han hecho que ese concierto haya marcado un antes y un después. Vamos a hacer un breve repaso al universo de la holografía, su funcionamiento, la evolución del mismo en el mundo musical y sacar conclusiones de qué es lo que podría cambiar en los próximos años.

¿Cómo funciona un holograma?

La holografía es una técnica fotográfica que permite crear imágenes tridimensionales jugando con ese gran aliado de los magos: la luz. Los hologramas existen por todos lados, por ejemplo en tu DNI o tarjeta de crédito, lo que ocurre es que son muy básicos pero puedes ver diferentes estados o ángulos dependiendo de la posición de tu tarjeta. Este tipo de hologramas se graban mediante un láser en una película fotosensible la cual, al recibir la luz en una cierta perspectiva, devuelve una imagen, creando la sensación de un objeto tridimensional. Esta técnica fue inventada en el año 1947 por el físico húngaro Dennis Gabor, quien recibió el Premio Nobel de Física en 1971 por eso.

En el gráfico anterior se puede ver el proceso de grabación de un holograma, físicamente parecido al de una cámara fotográfico salvo por dos aspectos: por un lado se necesita dividir la señal de luz al principio del proceso y al final se necesita una película holográfica. Por supuesto, este es el proceso básico y si pensamos en vídeo, el proceso tiene que ser distinto.

En el gráfico anterior se muestra un proceso de cómo sería la generación de un holograma en vídeo. Lo que tenemos es un proyector que emite una señal de vídeo contra una superficie reflectante que lo devuelve a una superficie holográfica. Por supuesto, todo está pensado para que se vea desde un punto en concreto, que puede ser muy amplio como el de un público en un concierto, pero obviamente no hablamos de algo que se pueda ver en 360 grados.

La holografía y los conciertos

Los hologramas han formado parte del universo musical desde hace varios años, por eso la aparición de 2Pac no ha sido algo novedoso para algunos. Os dejo algunos ejemplos.

Gorillaz (2006)

El genial y enigmático grupo Gorillaz ha estado jugando con holografías desde hace mucho tiempo. Dado que sus personajes son animados, ha tenido que ingeniárselas para poder dar conciertos y han hecho de todo: desde proyecciones planas, recreaciones en 3D y holografías. Por ejemplo, mirad esta actuación con Madonna en el 2006. Un detalle a tener en cuenta es cómo Madonna pasa por delante de algunos hologramas y por detrás de otros, generando una sensación de volumen total.

Elvis y Celine Dion (2009)

La primera “resurección” holográfica que recuerdo (corregidme en los comentarios si me equivoco) es la de Elvis Presley con Celine Dion en el programa de American Idol. En ella, cogieron el vídeo de una actuación de Elvis del 68, le quitaron el fondo, grabaron con un doble ángulos que no existían y lo proyectaron para que cantase con Celine Dion. Obviamente, al ser un programa grabado, se usaron trucos televisivos de cara a que todo quedase perfecto, no era algo que se podía hacer live.

Hatsune Miku (2010)

El concierto Hatsune Miku en Japón fue una gran revolución en el mundo de la holografía en los conciertos. El resultado es similar al que ya habíamos visto 4 años antes con Gorillaz, quizás con muchísima más calidad, pero gracias al público japonés consiguió una grandísima repercusión. Después de mucho investigar no he conseguido averiguarlo pero estoy casi seguro que en directo había una persona controlando los movimientos de Hatsune. Es decir, no era una grabación proyectada sino que alguien, como podéis ver en la fase de grabación del vídeo de making of, estaba transmitiendo los movimientos en directo.

Black Eyed Peas (2011)

Otra acción memorable fue la de Black Eyed Peas quiénes quisieron engañar al público haciéndoles creer que dos de sus integrantes eran reales aunque realmente eran hologramas. De esta forma podrían generan un final impactante donde éstos se desintegraran. El resultados es una pasada.

Antes de llegar al concierto de 2Pac han habido más intentos como el de Mariah Carey o el de Carrie Underwood, pero ninguno ha causado un impacto tan grande como este último.

El futuro de los conciertos

Como veis, la forma en la que funcionó el concierto de 2Pac no ha sido distinta a lo que ya habíamos visto años antes pero hay que tener en cuenta algunos detalles. En este concierto se juntaron varios hechos: se trajo a la vida a uno de los raperos más míticos de la historia, con una tecnología que permitía verlo en directo (no una grabación), con una reconstrucción impresionante del rapero de la mano de AV Concepts y Digital Domain, la ganadora de un Oscar por Avatar; y me jugaría algo a que había una persona generando los movimientos de 2Pac en directo. Si no la hubo, la habrá.

Este conjunto de factores ha hecho que esta actuación marcase un antes y un después. La industria musical ha visto una nueva posibilidad de explotación económica: montar conciertos de artistas míticos. ¿Quién no iría a ver un concierto de The Beatles o Jimi Hendrix o incluso de Queen o Nirvana al completo? Ya está cerrada la gira de 2Pac y parece que la de Michael Jackson también. Contando con que el coste de una producción así no es muy elevado (400.000€ de media) estoy seguro que pronto empezaremos a ver bastantes acciones de este estilo.

Por supuesto, no estoy diciendo que esté de acuerdo con todo este “engaño”. En el fondo, no estás viendo a Kobain sino a una réplica de su imagen manejada por alguien que ha estudiado muy bien sus movimientos. Soy muy poco fan del 3D en los cines pero me pareció que estaba bien empleado en Avatar. No digo que no vaya a asistir a una experiencia holográfica de The Beatles pero como se empiece a convertir en algo de moda, se perderá la poca magia que parece que podría tener.

Hay una postura que me parece interesante y es reconstruir de forma holográfica conciertos míticos de grandes bandas. Crear una experiencia totalmente distinta a la que da un Blue-Ray, poder experimentar parte de la magia que se vivió en esos momentos.

Del uso de hologramas en conciertos se pueden derivar una infinidad de usos y os dejo con uno de ellos: las imágenes holografiadas en directo. Los festivales musicales están muy limitados por la disponibilidad de las bandas, si están tocando en un lugar no podrían hacerlo en otro… ¿O sí? Os dejo un vídeo que explica técnicas que permiten generar hologramas con vídeo en tiempo real, pudiendo ver en un mismo escenario a personas que estén en sitios muy dispares o experimentar un mismo concierto en varios escenarios a la vez. Sin duda alguna, otra fuente muy interesante de explotación musical.

Y vosotros, ¿qué pensáis de todo esto?

Facebook lo que hace es recoger las primeras etiquetas del tipo IMG y te las muestra para que elijas la correcta. Puede ocurrir que porque haya funciones javascript que carguen el contenido o impidan su lectura, no pueda mostrarlas. Debido a esto lo mejor es especificar la imagen que quieres que salga en los metadatos de Facebook. Supongo que conocéis los metadatos HTML, etiquetas que deben ir en la cabecera de las páginas HTML, necesarios de cara al SEO y que indican el título, la descripción, tipo de contenido… Pues existen unos equivalente para Facebook: Open Graph Protocol. Al igual que los metadatos HTML deben ir en la cabecera e indican información para que Facebook pueda obtener el título, la descripción o la imagen de los posts, por ejemplo en los compartir.

WordPress

Si usas WordPress la solución es muy sencilla: un plugin. Facebook Like Thumbnail es un plugin que te genera dinámicamente estos metadatos y los prepara para que Facebook no tenga ningún problema. Incluso en la configuración puedes definir un thumbnail por defecto cuando un post no tiene ninguna imagen.

HTML

Si tienes que escribirlo “a pelo” en HTML, puedes ver todos los metadatos de Facebook en OGP pero el único que debes cargar para la imagen es el siguiente:

Recuerda que debes ponerlo dentro de las etiquetas <head></head>. Por supuesto, si haces esto siempre te mostrará la misma imagen para todos los posts. Si quieres algo dinámico, dependiendo de cómo esté programada tu web o el CMS de tu blog, puedes usar funciones para que carguen diferentes imágenes. Si tenéis algún problema específico, ponlo en los comentarios e intentaré resolverlo.

Posibles problemas

En muchas ocasiones me he vuelto loco para intentar que funcionaran los thumbnails, estando todo bien por mi parte, y es que Facebook tiene muchos errores, problemas de caché, formatos que no le gustan… Por eso os dejo una lista de posibles problemas y herramientas:

• A Facebook no le gustan los PNGs, usa siempre JGP o GIF.
• A Facebook no le gustan los espacios en las URLs ni tampoco cuando hay variables después de la imagen.
• Si te estás volviendo loco porque no sale el thumbnail, usa Lint, la herramienta de debug de Facebook. Introduce la URL de un post y verás la información que Facebook detecta, avisos y errores.
• Otra curiosidad es que en algunos casos funciona cuando compartes una URL sin http://www. y la / final, por ejemplo: pisitoenmadrid.com/blog/2012/05/los-mejores-dibujos-de-draw-something.

Facebook y sus misterios Si tenéis problemas con algo, ¡coméntalo!

Al principio la aplicación no ofrecía una opción para guardar los dibujos pero era lo mejor de la aplicación. En versiones posteriores lo añadieron, pero ya desde el principio la gente sacaba capturas de pantalla de sus dibujos y las colgaban. Surgieron sitios como Art of Draw Something o Best of Draw Something donde recopilan los dibujos que van encontrando en la Red. Después de mucho buscar y rebuscar, os dejo una selección con los mejores dibujos de Draw Something que he visto. Es sorprendente lo que dibujan, mirando la palabra, y cómo lo dibujan.

Podéis encontrar más en las webs recopilatorias o en posts como Wildammo o 9gag. Entre mis amigos hay mucha adicción a este juego y hay algunos que dibujan de maravilla. Os pongo algunos dibujos de @hablamedetweet, que además tiene el handicap de dibujarlo en iPhone y sin lápiz.

¡Un crack! ¿Alguien le regala un iPad? El fenómeno de dibujo en dispositivos como iPad o iPhone está empezando a aflorar. Aplicaciones como Paper o el pincel de Sensu apuesta por él y le auguran un largo recorrido. ¿Alguien conoce otras aplicaciones de dibujo?

Geniales. Curiosamente, he descubierto que Ji Lee era un viejo conocido gracias a su web Famous Objects from Classic Movies que ya nombré en su momento.

Fubiz

La cerveza comercializada en barriles contiene ciertas cantidades de nitrógeno (N2) así como de dióxido de carbono (CO2). La alta presión del gas disuelto permite que se formen pequeñas burbujas y al servirse se genere la espuma característica de la Guinness. Mientras que en las bebidas espumosas tipo cava las burbujas van hacia arriba, en las pintas de Guinness las burbujas parecen ir hacia abajo, porque en realidad lo que hacen es circular por todo el vaso en el sentido de las agujas del reloj.

No era para menos. Descubrieron que las burbujas de la Guinness se comportan de la misma manera de cualquier burbuja: subiendo hacia arriba de manera rápida. Pero cuando estas burbujas con su fuerza llegan hasta la densa cabeza de la espuma, al no poder pasar, fluyen hacia los lados, hacia los bordes del cristal. Cuando chocan con el cristal, entonces se crea una corriente descendente por los bordes de la copa. (Fuente)

… Steve Jobs vestía jersey negro de cuello alto por Akio Morita, presidente de Sony?

En un viaje a Japón en la década de 1980, Jobs le preguntó al presidente de Sony, Akio Morita, por qué todos en las fábricas de la compañía llevaban uniformes. Le dijo a Jobs que después de la guerra nadie tenía ropa, y empresas como Sony tuvo que dar a los trabajadores algo que ponerse para cada día. Con los años, los uniformes fueron adquiriendo su propio estilo de marca, sobre todo en empresas como Sony, y se convirtió en una forma de vincular entre sí a los trabajadores de la empresa. “Yo decidí que quería ese tipo de vínculo para Apple”, recordó Jobs.

Sony, con su gusto por el estilo, había contratado al famoso diseñador Issey Miyake para crear su uniforme. Era una chaqueta hecha de nylon ripstop con mangas que se podían quitar para convertirla en chaleco. Así que Jobs llamó a Issey Miyake y le pidió el diseño de un chaleco para Apple. Jobs recordó, “volví con algunas muestras y les dijo a todos que sería genial si todos llevásemos esos chalecos. ¡Madre mía, fui abucheado! ¡Todo el mundo odiaba la idea!”

En el proceso, sin embargo, se hizo amigo de Miyake y lo visitaba con regularidad. También le gustó la idea de tener un uniforme para sí mismo, tanto por su comodidad diaria (la razón según él) como la capacidad para transmitir un estilo definido. “Así que le pedí a Issey algunos de sus jerseys de cuello negro que me gustaban, y me hizo como un centenar de ellos.” Jobs se dio cuenta de mi sorpresa cuando me contó esta historia, por lo que me mostró los jerseys apilados en el armario. “Eso es lo que me pongo”, dijo. “Tengo suficiente como para que me dure para el resto de mi vida”. (Fuente)

… una de las grandes atracciones indias era el Maut ka kuan, el pozo de la muerte?

El Maut ka kuan, también conocido como “el pozo de la muerte”, solía ser una atracción muy común en las ferias y exposiciones a través de las aldeas indias durante casi medio siglo. Se trata de un espectáculo fenomenal, una mezcla de habilidad circense y Cúpula del Trueno a lo Mad Max, en la que los jóvenes deben correr con sus motocicletas alrededor de una suerte de foso de madera de 6 metros de profundidad y 15 metros de diámetro.

Después de ser una atracción que casi se extingue hace una década por la evidente peligrosidad que conlleva, el Maut ka kuan ha vuelto a renacer de sus cenizas gracias a la incorporación de coches al ruedo, que mezclados con las motocicletas dan si cabe más espectáculo. (Fuente)

… SIRI fue concebido como un proyecto de la Agencia de Defensa Avanzada de Estados Unidos?

2003: DARPA premia a SRI con un contrato de 5 años para crear un “personalizable y duradero asistente cognitivo”. Para esto invirtieron $150 millones de dólares en el proyecto.
SRI bautiza al proyecto como CALO, que es un acrónimo de Cognitive Agent that Learns and Organizes (Agente Cognitivo que Aprende y Organiza). La meta principal fue: “Crear un sistema de software cognitivo, el cual pueda razonar, aprender de la experiencia, recibir órdenes de lo que debe hacer, explicar lo que hacen, reflejar su experiencia, y responder robustamente a las sorpresas.”

Enero 2008: Siri, que es un asistente visualizado en productos de consumo inspirado por el proyecto CALO, se independiza fuera de SRI como una empresa propia. Por lo tanto también queda fuera de DARPA.

13 de Octubre, 2008: Siri anuncia que ha recaudado $8,5 millones de dólares en fundaciones de Serie A, en una ronda de inversionistas de capitales de riesgo dirigida por Menlo Ventures y Morgenthaler Ventures.

24 de Noviembre, 2009: Siri anuncia que ha recaudado $15,5 millones en fundaciones de Serie B, en una ronda liderada por Menlo Ventures y Morgenthaler Ventures.

4 de Febrero, 2010: Siri lanza una app para el iPhone. Esta app te permite hablar al celular y conseguir que te encuentre y haga planes por tí. La app mejora automáticamente cuanto más uso se le daba (aprende) y te entiende mejor con el tiempo.

28 de Marzo, 2010: Apple adquiere a Siri por una cantidad no divulgada sólo a los dos meses que la app estuvo disponible públicamente. Algunos miembros del equipo de Siri se mudan a las instalaciones de Apple.

4 de Octubre, 2011: Apple anuncia Siri, un asistente personal y virtual para el iPhone 4S. (Fuente)

Podéis ver más fotografías de Jung en su perfil de Curioos.

Fubiz

Había oído hablar del método Montessori hace bastante tiempo pero me pasó como cuando escuchas una canción en un momento equivocado, no sabes apreciar su potencial, su belleza. El reencuentro me ha llenado de ideas, de deseos y de ilusiones. Estoy realmente quemado con el enfoque actual de la educación mundial y en especial la española. He tenido últimamente una infinidad de debates en los que concluyo que tenemos un temario obsoleto, una desmotivación del alumnado generada por un sistema público que fomenta “la ley del mínimo esfuerzo” por parte del profesorado, un sistema privado en el que si un niño no aprende es por culpa del profesor y no del alumno, una enseñanza que se detiene cuando el niño sale del colegio y entra en casa, una infinidad de material teórico que no vale para nada si no se orienta hacia las aplicaciones prácticas… Estudiamos física porque vivimos en un mundo regido por sus reglas, según eso ¿no deberíamos estudiar todos informática avanzada desde pequeños?

Están surgiendo muchos ejemplos de innovación en la educación, desde los TextBooks de Apple hasta el proyecto pionero ruso E-OK de Alex Shustorovich, pero sólo cambia el formato (algo es algo) pero no la filosofía. Un ejemplo radical de cambio es la enseñanza finlandesa, quiénes se jactan de tener el mejor sistema educativo del mundo (tenéis que ver el documental The Finland Phenomenon: Inside The World’s Most Surprising School System’). La enseñanza en el país nórdico se basa en la confianza, la transparencia, el respeto, enseñar a pensar y no a memorizar, herramientas educativas actualizadas (desde YouTube hasta aplicaciones de iPhone)… Curiosamente, todos son pilares básicos de Montessori.

Otro dato curioso es que los colegios tienen un grado de autonomía muy elevado, enmarcado en un sistema en el que la educación se concibe como algo gratuito e igual para todos. ¡Ni siquiera los niños pagan por el material, los libros o la comida! Obviamente esto se refleja en unos impuestos más elevados pero ¿no están justificados? ¿si os dijera que los profesores tienen un status muy elevado, de respeto y reputación? Sólo los mejores alumnos pueden llegar a ser profesores. Es su gran apuesta, la del estado y la de las familias que continúan con la formación en casa. Todo con un parón de verano de 3 meses y menos horas lectivas diarias que en casi todos los países del mundo. ¿Impensable, verdad?

El método Montessori

La creadora de este método fue Maria Montessori, una educadora, científica, médica, psiquiatra, filósofa, psicóloga y otras tantas cosas. El Método Montessori es un método educativo alternativo basado en las teorías del desarrollo del niño, caracterizado por poner énfasis en la actividad dirigida por el niño y observación clínica por parte del profesor. Esta observación tiene la intención de adaptar el entorno de aprendizaje del niño a su nivel de desarrollo.

Si analizamos con cuidado el método, encontraremos los pilares fundamentales del mismo:

• La mente de los niños posee una capacidad maravillosa y única: la capacidad de adquirir conocimientos absorbiéndolos de forma natural. ¿Habéis escuchado la típica frase de que los niños son como esponjas? Esto es debido a que los niños aprenden de forma inconsciente, todo es nuevo, todo les motiva y por eso se empapan de cualquier conocimiento a una velocidad muy elevada. En esta fase tan importante de formación y aprendizaje, los niños necesitan ayuda por su naturaleza frágil pero no porque creativamente la necesiten. ¡Son unos fenómenos!




• Los períodos sensibles son períodos en los cuales los niños pueden adquirir una habilidad con mucha facilidad. El método contempla 6 grupos: de 0 a 3 años, de 4 a 6 años, de 7 a 9 años, de 10 a 12 años, de 13 a 15 años y de 16 a 18 años. Cada uno tiene una estructura de conocimiento determinada que potencia los conocimientos que mejor pueden absorber.




• De cara a que el método se cumpla, hay que crear un ambiente preparado y diseñado para fomentar el auto-aprendizaje del niño. Gracias a este “ambiente” los niños pueden desarrollarse (social, emocional, intelectual…) sin la asistencia y supervisión constante de un adulto. Libertad.




• El rol del adulto en el método Montessori es guiar al niño y darle a conocer el ambiente en forma respetuosa y cariñosa. El verdadero educador está al servicio del alumno y, por lo tanto, debe cultivar la humildad, para caminar junto al niño, aprender de él y juntos formar comunidad.




• Materiales didácticos auto-correctivos, que permitan a los niños saber que se han equivocado y corregir sus comportamiento. El fin educativo es la autonomía en todos sentidos: desde intelectual hasta social.

Como habéis podido ver, todo gira en torno a los niños en forma de triángulo: ambiente, materiales y protagonistas. El objetivo es aportar al niño de todos los elementos para que él aprenda y se desarrolle de forma autónoma.

Cuestionando el método y los protagonistas del sistema Montessori

El método Montessori tiene una sólida y fundamentada trayectoria desde hace más de 90 años, pero aún así sigue generando dudas y bastante polémica en cuanto a su efectividad. Los primeros periodos donde se aprende a hablar, escribir, contar… Son sencillos de comprender pero cuando entramos en materias más complejas y avanzadas, la libertad hay que tratarla con cuidado para que no pase al libertinaje y se siga manteniendo la motivación. Es curioso, pero en Social Noise hemos definido un plan de formación interno donde hemos estudiado bien los tipos de conocimiento y cómo deberían transmitirse. En el método Montessori se deberían matizar este tipo de detalles, aunque no me he informado en profundidad del enfoque en los periodos más altos, siendo la clave de todo: la motivación.

Es por eso que el papel de los maestros, ya sea en la escuela, sus padres o sus propios compañeros, es crucial. Montessori propone a los profesores una educación individual, sin imponer lecciones a nadie sino sirviendo de guía. Sin duda un enfoque acertado dada la idiosincracia del método pero que deberá complementarse con trabajos en equipo. La idea final de Montessori es que al niño hay que trasmitirle el sentimiento de ser capaz de actuar sin depender constantemente del adulto, para que con el tiempo sean curiosos y creativos, y aprendan a pensar por sí mismos.

Hoy en día este planteamiento es muy complicado de llevar a cabo. Los padres no se involucran en la educación de los hijos fuera de la escuela y eso provoca que los esfuerzos de los profesores no lleguen a ningún lado. Por otro lado, la incompetencia de los profesores y la falta de motivación, llevan a que los niños no se interesen por aprender. ¿Cuándo un libro que te obligaron a leer se convirtió en uno de tus favoritos? Finalmente están los compañeros, si ellos no están motivados arrastran a todos a la desmotivación y la picaresca del libertinaje.

Educando hacia la TecnoCreatividad

Como ya comenté, he llamado TecnoCreatividad al conocimiento de la realidad tecnológica con el objetivo de reinventar su uso de forma creativa. En la misma hay tres puntos importantes. El primero es realidad tecnológica, algo que no se potencia en la educación actual, no está en focado a la realidad ni a la tecnología y os aseguro que el futuro que nos espera no puede ser más tecnológico. El segundo punto es reinventar, la acción de crear algo, ya sea desde cero o en base a otro algo pero en definitiva innovar. Esta innovación es lo que cambia de paradigmas, es lo que nos lleva a evolucionar, es lo que mueve el mundo. Nada más lejos que una enseñanza que sólo nos hace memorizar. Finalmente la creatividad, algo innato en todos nosotros esperando a que sea potenciado en cualquier ámbito: desde la medicina hasta la abogacía.

He visto en Montessori una forma de potenciar la tecnocreatividad, de unir ese hemisferio izquierdo racional, matemático, analítico y estratégico; con el derecho, creativo, pasional, caótico y artístico; aunque desde pequeños nos dividan en ciencias y letras. La especialización es independiente a ser multidisciplinar, tener un perfil enriquecido y todo se basa en la motivación. Si os digo la verdad, conjugué esas palabras, tecnología y creatividad, para definir mi perfil (y los perfiles que buscaba y busco para Digital Noise) en una palabra. Aunque no tuve una educación basada en este método, en muchos aspectos se parecía. Mis padres siempre me educaron en la humildad, en el respeto, en el amor y sobretodo en la libertad. Pasé por muchas etapas donde tuve todo tipo de facilidades (o ambientes preparados): apuntarme a un equipo de fútbol, a uno de natación, a clases de piano, a clases de inglés, poder viajar fuera de España desde muy pequeño, aprender a resolver problemas siendo el “chapuzas” de casa, conociendo el maravilloso mundo de la fotografía, viviendo un año fuera… Cada vez que dábamos un paseo, surgía de mis padres una infinidad de datos informativos: desde la música de Vivaldi que sonaba en el coche hasta la historia del Drago de Icod de los Vinos, siempre desde un punto de vista curioso, interesante. Incluso a nivel religioso (algo que, al igual que la política dejo fuera del blog) fui criado en total libertad aunque con un “ambiente preparado” del que aproveché todo lo que pude y no me tiembla la voz al decir que gracias a él, soy quien soy ahora.

Esto me llevó a una filosofía de “Think Outside The Box” que he aplicado a toda mi vida pero que me hubiera gustado que el colegio me acompañara. Y eso que tuve profesores geniales como Felipe de los que me llevé tanto. Aunque mi caso sea totalmente distinto al de Larry Page, Sergei Brin, Jeff Bezos o Jimmy Wales; todos discípulos del método Montessori, veo con claridad que este enfoque filosófico es la educación del futuro. Sé que se tienen que dar muchos factores para que funcione y que toda revolución exige un cambio radical, pero es necesario este cambio de paradigma, de mentalidad. TecnoCreativity is the next Generation.

Superhéroes

Star Wars

Los malos de Batman

Zombies

Johnny Depp

Harrison Ford

Bruce Willis

Tenéis muchas más en su set de Flickr y en su página web.

Podéis ver todos (y adquirirlos) en su página web

InspireFirst

En esta charla de TED, Godin habla sobre el estado del marketing actual y como no importa tener una patente muy innovadora, una fábrica muy eficaz o un producto que revolucionará el mundo, lo importante es que tengas la capacidad de hacer que esa idea se conozca, se expanda, se comparta, “Spread the idea”.

Como todos sabemos, el modelo televisivo o como lo llama Godin, TV-Industrial Complex, está muriendo, por lo menos en la manera en la que lo conocemos. Antes era muy sencillo: un producto salía en la tele y comenzaba a darse a conocer. Muchas marcas empezaban a bombardear a los televidentes y consiguieron dar a conocer sus productos. ¿Qué ocurre cuando todas las marcas lo hacen por igual? ¿Qué ocurre cuando los televidentes ya no están delante del televisor? ¿Qué ocurre cuando el target es inmune a este tipo de publicidad?

El ejemplo que pone Godin es perfecto. Seguramente, la primera vez que íbamos por la carretera y vimos una vaca, nos paramos, nos bajamos del coche, sacamos fotos y montamos una fiesta. Hoy en día, nadie haría eso por ver una vaca pero ¿y si fuera violeta? ¡Claro! Siempre que percibamos algo como notable (me gusta la palabra remarkable) es cuando realmente lo notaremos. También me encanta otra palabra que usa Godin para situar este tipo de hechos: fringes. No solamente porque soy fan de la serie sino porque es un término que define perfectamnete algo que está en los límites, es nuevo, que causa ese efecto WOW o viral tan deseado.

Por supuesto, tenemos que saber hacia donde dirigir los esfuerzos. Si colocamos una vaca violeta en un campo de violetas, nadie lo verá. Esta es una parte muy complicada porque vivimos en un mundo muy cambiante y con muchas opciones. Existen revistas dedicadas al agua, Coca-Cola Japan lanza un nuevo producto cada 3 semanas, se hacen verdaderas piruetas para vender productos porque no se sabe qué es lo que va a funcionar. El problema es que los consumidores siguen al pie de la letra a Copérnico donde ellos son el centro del mundo. A los consumidores no les importa nada de lo que hay a su alrededor, tienen muchísimas opciones y muy poco tiempo para valorarlas. El resultado es ignorarlas.

Esto nos ha llevado a que todos los sectores trabajemos en el mundo de la moda (fashion business) y los que están acostumbrados a ello genial, pero los que no (la gran mayoría) tenemos que acostumbrarnos y aprender. Ya no podemos molestar a nuestro target con anuncios (aunque hoy por hoy sigue funcionando, va decayendo lentamente hasta que desaparecerá, como las llamadas de voz), no podemos dirigirnos al mass marketing donde se fabrican productos medios para gente media. ¿Por qué? Porque son los que más saturados están, son los que van a ignorarnos de una manera más efectiva. La publicidad contextual, la publicidad segmentada, la publicidad personalizada… Estas son las formas que están ganando terreno. Por supuesto, centrándonos en los nichos que antes no quería nadie, donde entra el “long tail” si hablamos de producto y los early adopters, geeks, influencers… si hablamos de consumidores. Esas personas son las que están ahí para escucharnos, que tienen la capacidad de recomendar, que tienen Otaku.

Otaku es un término japonés que define a las personas con fuertes intereses, en este caso con el anime, manga y videojuegos, pero es aplicable a cualquier cultura, marca o producto. La mayor parte de las “love brands” se han centrado en esto. Los productos de Starbucks son buenos pero quizás no tanto como un sitio especializado en café, y son más caros que cualquier bar, pero han construído una filosofía perfecta, orientada a un nicho de gente que ha empezado a expandir la palabra. Lo mismo pasa con Apple. Las Keynotes de Jobs eran vistas por 50.000 personas de forma íntegra pero luego sus productos son vendidos a millones. ¿Por qué? Porque esas personas están realmente involucradas (engagement). Son capaces de aguantar un “anuncio” de 2 horas y a partir de ahí comienzan a expandir la palabra. La combinación perfecta: spread the idea of ideas worth spreading.

Me quedo con una frase de Godin: lo más arriesgado que puedes hacer hoy es ser prudente. El batido de chocolate Silk triplicó ventas sólo por ubicar su producto en los supermercados donde no le correspondía. La gente no lo esperaba y lo compró por ser algo notable. Jeff Koons pasó a ser un artista de culto por llevar a cabo una escultura de un perro gigante en Nueva York, algo notable. Frank Gehry apostó por una arquitectura notable (Casa Danzante de Praga, Museo Guggenheim de Bilbao, Sala de Conciertos Walt Disney
de Los Ángeles) y triunfó. Para terminar, el mismo Godin pone un ejemplo en el que apostó por un formato musical, SACD, de altísima calidad para un nicho de gente de un alto poder adquisitivo (estamos hablando de aparatos musicales de 20.000€) y creó una firma discográfica para sacar nuevos grupos en ese formato. Cuál fue su sorpresa cuando vio que este tipo de gente NO compraba nueva música.

Mucho que pensar, mucho que reflexionar y mucho que asimilar. Siempre en un periodo de tiempo muy corto porque esto sigue cambiando, sigue evolucionando, y las vacas violetas pronto serán mainstream.