La canción que estaban interpretando era “Salitre” de Quique González. Aquellos chicos desconocidos eran Los Apaches de París; recreaban los temas de este compositor, como los de Nacho Vegas, Love of Lesbian, Ryan Adams, Neil Young y otros tantos, dejando su personalidad marcada en cada frase. Siendo músicos del sXXI, su particular expresividad me recordó a las épocas doradas de la música, a los buenos cantautores; a aquellos que poseen la excepcional capacidad de decir grandes cosas con palabas simples, con unos pocos acordes de guitarra y una armónica.

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Tengo que ponerme en contacto con ellos como sea, pensé. Dicho y hecho. Dos semanas después de cruzarnos por la calle, los señores Apaches tuvieron la amabilidad de invitarme a su piso a charlar de Santiago, de la calle, de la vida y de la música.

Sergio (1987) y Xácome (1990) son estudiantes de filología con alma de músicos. Entre sus influencias destacan figuras como Dylan o Cohen y afirman con rotundidad que “ser artista es la forma de vida más elevada que hay de todas las que hay. Incluso puedes ser artista y no llegar nunca a crear nada.” Comienzo pregúntandoles, como es lógico, por el nacimiento del grupo. Mejor dicho, por su nacimiento como músicos, un comienzo muy ligado a Compostela y a sus espacios.

“En primer lugar recalcar que no somos un grupo… un dúo como mucho. ¡Como el dúo dinámico! Nos juntamos básicamente por afinidad. Hay ligeras diferencias pero no vamos a encontrar a otra persona con la que nos sintamos tan identificados. La afinidad es bestial en todos los aspectos, pero en lo musical es excepcional.

Los Apaches empezaron este año, antes eramos unos pringados. Ahora lo seguimos siendo, pero tenemos un papel más glamuroso y nos lo tomamos más en serio. Nos gusta tocar aquí, Santiago nos encanta. Si tuvieramos que pasarnos la vida en esta ciudad lo hariamos sin ningún problema. Aunque se piense que en Madrid o Barcelona es donde está el cotarro, aquí hay grupos como Novedades Carminha o Triángulo de Amor Bizarro que han crecido un montón y dentro de lo que cabe están siendo conocidos a nivel peninsular. Y hay también grupos de gente joven como Agoraphobia o Sinestesia. Santiago tiene mucho movimiento cultural y hay un montón de locales donde hacer música. Tocar en la calle, como hacemos nosotros, es más complicado porque la política municipal es muy estricta. Pero lo cierto es que estar en el Franco nos encanta”.

Cuando les pregunto más en concreto cómo les dió por ponerse a cantar Xácome me responde entre risas… “No aprendimos. Es aquello de “incluso en mi lecho de muerte no me canso de aprender”. Uno aprende siempre. Quiero decir, no damos el cante pero tampoco hacemos maravillas con la voz”.

La presencia de estos dos chicos está llena de humor, sinceridad y una sensibilidad especial. También de una melancolía más propia del romanticismo que de la frenética sociedad actual.

Aunque no cabe duda de que por su ingenio y extravagancia podrían ser personajes salidos de una película de Woody Allen, actuando dentro de su particular escenario: las calles compostelanas. Esas que han acogido y acogen a decenas de intrumentistas, cantantes, pintores, malabaristas, fotógrafos… artistas de todo tipo. ¿Cómo es ser un músico de la calle?

“Es maravilloso. Nos encanta tocar en la calle. Para nosotros es el summun de la expresión artística. Ves a la gente pasar, hay personas que se quedan y lo hacen de manera sincera, porque realmente les has transmitido algo. Estás más cerca del público, puedes conocerlo. Estar en contacto con las personas de esa forma es una de las mejores sensaciones de ser músico, un ambiente mágico. Es una lástima que el Concello tenga esa política tan restrictiva… no la entendemos muy bien. ¿Porqué no se puede tocar en el Franco?”

¿Y en qué momento se encuentra la música a día de hoy? ¿Como veis el panorma español?

S.: Creo que estamos viviendo una de las mejores etapas de la música. Hay una cantidad impresionante de buena música hoy por hoy. Con más medios de gravación y distribución es asequible hacer música. En Inglaterra y Estados Unidos hay un número amplísimo de artistas de buena calidad que quizás si hubieran gravado en los 60 o los 70 serían dioses… nunca ha dejado de haber buena música. No hay duda que The Doors o Led Zeppelin fueron impresionantes, sus canciones son eternas, pero los grupos tienen fecha de caducidad. Hay que reinventarse, aunque la esencia del rock, el blues, el pop, el jazz o el folk siempre estará ahí. Es probable que no vuelvan a nacer grandes géneros musicales, pero lo importante es seguir creando buenas melodías y buenas letras.

Es más, yo creo que musicalmente en este país hay muchas cosas. Aunque no se valora el ser músico y falta mucho reconocimiento. Si Aute, Sabina o Serrat fueran americanos o franceses, serían mundialmente conocidos. Pero en este país sí que hay, a día de hoy, muy buenos músicos.

X.: sí, otra cosa es que se valoren en su justa medida. Cuando supe que Love of Lesbian emepezaron a vivir de la música hace cinco años, a partir del disco de 1999, flipé. Es jodido pensar que el Señor Chinarro trabajó en una fábrica de bollicaos. A mí esas cosas me chocan.

¿Y cómo lleváis lo de tocar en público? ¿Preferiríais no tener que hacerlo y tocar sólo para vosotros mismos?

S.: a mí me gusta tocar para el público, soy un poco vanidoso. Poder compartir con otra persona una canción… que esa persona pueda llegar a sentir lo mismo que tú estás sintiendo cuando tocas es una conexión única. Una canción deja de ser sólo una parte de ti para pasar a ser una parte de la vida de los demás también. Y es lo que merece la pena del arte, compartirla; lo dice Nacho Vegas en una entrevista, “cuando compartes una canción con otra persona la música crece”.

X.: a mi me gustan las dos cosas. Sí es verdad que me pone más tocar para un público. Pero siempre seguiré tocando para mi mismo… tocar para las paredes está genial, es la ostia, aunque en cierta manera, aún estando solo, te imaginas tocando para alguien más.

Me hablan de tocar, de la música y de lo que para ellos representa y en sus caras veo escaparse tímidas sonrisas de ilusión y felicidad. Tirando un poco más del hilo empezamos a conversar sobre qué debe tener una buena composición para que le pueda decir algo a ese público…

Decía Chopin que “no hay nada más odioso que la música sin significado oculto”. ¿Qué opinais vosotros?

X.: está claro, lo bonito es que falte algo en la historia. Como dice Sabina “una buena canción es una buena letra, una buena melodía, un buen acompañamiento… y algo más”. A mi me repatea cuando le piden a un artista que explique la letra de una canción. No está bien que te lo den todo hecho. Está bien que quien esté escuchando se imagine en su propia cabeza lo que puede significar esa canción. Una buena composición sí que debe de tener un significado oculto.

S.: la música evoca a la vida. Lo bonito de una canción justamente es que evoque algo de tu propia vida. Y en ese sentido creo que la música tiene que tener un significado y un mensaje. La música y cualquier manifestación artística. Creo que el arte por el arte, es de pringados.

X.: una canción tiene que transmitirte algo, lo que sea. ¿Qué hay que hacer para componer? Tener algo que decir. Y decirlo. Una letra y una melodía.

¿Y Los Apaches tienen algo qué decir?

Muchas cosas, creemos que unos cuantos ya lo han dicho mucho mejor que nosotros, pero aunque el mensaje se repita, aunque el fondo no cambie porque es la eterna canción de la amistad, la muerte, la soledad, la justicia o el amor, la forma de transmitir esos mensajes sí puede ser diferente. Ahora mismo necesitamos tiempo para componer, hacer una buena canción es difícil. El potencial está ahí y esperamos ponernos pronto. Pero no creemos demasiado en la inspiranción; si Cohen tarda cinco años en componer una canción es por algo.

Los vasos se van quedando cada vez más vacíos. Ha pasado más de una hora y estamos llegando al final de la conversación: vamos por fin al corazón de la cuestión. Lo que nos reunió aquella noche y lo que seguramente os haya traído a vosotros, lectores, hasta este punto. ¿Porqué necesitamos la música para vivir? ¿Qué nos proporciona la música que no nos da otra cosa?

La música no nos da dinero, no nos da reconocimiento ni fama mundial pero nos aporta algo… cuesta definirlo. De alguna manera es… estar vivo. Y no nos referimos sólo a interpretar, a veces escuchar una canción te hace volver a la vida y ver que el mundo tiene sentido. La música puede ser redentora, es un bálsamo para las heridas.

Fin de la entrevista. Hora de dejar aquellos acogedores sofás azules y aquel penetrante olor a alcohol. Cuando la puerta se cerró tras mis espadas, me dí cuenta: había pasado unas horas inolvidables con auténticos artistas. Pude encontrar en el aparente caos de pensamientos, sentimientos y sonidos la lógica musical de esta entrañable pareja. Sergio y Xácome forman parte de ese grupo de invisibles héroes cotidianos que nos ayudan a escapar de vez en cuando de la realidad y que nos devuelven con su música la creencia en lo más puro y fundamental de la vida, la alegría, el dolor, el arte, la poesía o el amor.

Los Apaches de París forman en sus interpretaciones una armonía rebelde, dulce y carismática que se funde con la ciudad. Dejémonos envolver por las calles, los bares, las esquinas y los soportales… porque los grandes músicos también nacen en un piso de estudiantes de Santiago de Compostela.

Para saber más sobre Los Apaches de París: http://www.facebook.com/pages/Los-Apaches-de-Par%C3%ADs/125346344291285?fref=ts

Para escucharlos en sus vídeos de You Tube: http://www.youtube.com/feed/UCVa7xkSQSAtSro3ZTo_O9nQ

Fermín Muguruza por Brais Seara

Desde que Fermín Muguruza fue a ver un concierto de The Clash en Donosti en 1980, tuvo claro que su futuro sería expresarse a través de la música. Cuatro años después, fundaba Kortatu junto a su hermano Íñigo, uno de los grupos más revolucionarios de la escena vasca, pionero del ska y el dub en Euskadi y en el Estado español, dentro del movimiento que se dio en llamar “rock radical vasco”. Desde entonces, Muguruza hizo historia muchas veces, tanto con esta banda en los ochenta cómo en los noventa con Negu Gorriak, y a partir de 1999 en solitario, con discos louvados por crítica y público y múltiples premios y reconocimientos, además de colaboraciones y amigos por todo el mundo.

La música de Fermín Muguruza es una explosión de ska, reggae, dub, punk, ritmos latinos, folklore vasco, rock, hip hop, funk, soul, drum and bass y jazz, toda una coctelera de sonidos explosiva que garantiza fiesta y celebración de la vida allá por donde ve, como sucedió la madrugada del pasado sábado dentro de la primera de las tres jornadas del festival Reperkusión, que a lo largo de todo el fin de semana se celebró en Bemposta (Ourense). Como el año pasado, los terrenos de Bemposta, la Ciudad de los Muchachos del mítico Padre Silva, sirvieron de recinto ferial para numerosas actividades: ecologismo, mercadillo de artesanía, talleres, comidas, teatro, circo, humor, y sobre todo mucha música. No en vano el Reperkusión se hace llamar “festival multidisciplinar”. Múltiples facetas que conforman en conjunto un estilo alternativo de vida, caracterizado por la autogestión y el respeto al medio ambiente. Una autogestión que estuvo más cerca después de que el ayuntamiento de Ourense rechazara apoyar económicamente el evento y la Xunta ni siquiera sacara sus ayudas a festivales.

Llevaba seis años sin dar un concierto en tierras gallegas y no defraudó. El histórico cantante y compositor de Kortatu y Negu Gorriak salió al escenario poco después de las doce de la noche y ofreció poco más de hora y promedio de concierto pero sin tregua, repleto de energía e intensidad, tocando temas de su último álbum Asthmatic Lion Sound Systhema, un optimista al tiempo que comprometido álbum de reggae ampliado con muchos otros estilos derivados (dub, breakbeat, trip hop, dubstep) que seduce tanto por sus explosiones como por sus medios tiempos (Shoot the singer; Balazalak, Ezin Thesi Berlin). Muguruza se decantó por los primeros, intercalando temas de toda su carrera y viajando en el tiempo por Euskal Herria Jamaika Clash (Yalah Yalah Ramallah) In-komunikazioa , con la canción del incluso nombre, FM 99.00 Dub Manifest (Big Beñat y el tema tocayo), y Brigadistak Sound System (Urrun, Newroz, dedicado al pueblo kurdo) hasta llegar la Negu Gorriak (Huera Herria) y Kortatu (un Lana línea de él Frente revisitado a ritmo de reggae, Etxera! y Sarri Sarri como arroja para finalizar la fiesta en el clímax absoluto para los fans del guipuzcoano).

Durante gran parte del concierto, el músico irundarra enarboló una bandera estreleira gallega, como prueba de sus simpatías por el nacionalismo gallego de izquierda, y sobre todo por deferencia hacia sus admiradores, que llevaban banderas por las más variadas causas. Porque Fermín siempre lo tuvo muy claro políticamente: se define cómo de izquierdas, abertzale e internacionalista. De ahí también la riqueza y multiculturalidad de sus influencias, o los guiños la otros pueblos oprimidos: Palestina, Kurdistán… Muguruza es sobre todo un artista coherente politica y personalmente hablando, lo que muestra tanto en su obra como en la forma de dirigirla: desde hay más de veinte años apuesta por la autoxestión. Una banda muy cohesionada y un directo vibrante hacen que las actuaciones de Muguruza sean memorables.

Antes de él, por el escenario de día pasaron, gratis, Padre Merino, Peter Punk y Fanfarria Taquikardia, acercando una avalancha de humor, música y circo. A las diez y promedio comenzaron los conciertos de pago en el escenario grande, que se encargaron de abrir Skarallaos. Banda gallega de Culleredo (A Coruña), estos seis jóvenes se caracterizan por la energía positiva, la fiesta y las problemáticas sociales y de la vida cotidiana, que llenan sus letras, empleando así las canciones como medio de liberación y expresión. La conjunción de sonidos ska, reggae, punk, latinos y balcánicos desde una perspectiva gallega y en gallego, los ritmos exóticos y las letras realistas, junto con el compromiso social que imprimen a su música, hacen esta banda muy interesante.

Artistas del Gremio por Brais Seara

Y después de él, los aragoneses Artistas del Gremio, una especie de cover band punk que pasa por la máquina ska temas de todos los tiempos (desde un Bailando de Alaska y Pegamoides, hasta el incluso Sarri Sarri de Kortatu), apelando constamente, case provocadoramente al público, e invitándolo a bailar de forma desenfrenada. Diversión garantizada por estos artistas de pachanga que hacen de su concierto una auténtica performance donde puedes hacer de todo menos aburrirte. A continuación, Shazalakazoo, dúo formado por un DJ y un músico de los Balcanes que dieron a conocer el folk-step, música electrónica mezclada con ritmos balcánicos trepidantes, para los más resistentes de la noche. quien aun al final pudieron disfrutar de otro tándem heterodoxo: Supertumbaduo, fruto de la unión de otro disc-jockey con un percusionista, haciendo un viaje por distintos lugares del planeta: ritmos africanos, latinos, brasileños, hindúes, balcánicos…

Fuel Fandango en el sonorama 2012

     A Fuel Fandango, los escuche y ví por primera vez en el FIV del 2012, en esa ocasión los vi desde la barra, bueno los empecé a ver desde la barra pidiendo un birra y acabé por verlos casi desde primera fila, pues me iba gustando y llamando la antención lo que iba escuchando, tanto que me quedaron una ganas enormes de verlos otra vez.

     Los volví a ver a los pocos meses en el Portamérica, y gracias a este blog los vi desde el Foso, y como ya os comenté en esa ocasión, me quede prendando de la energía de Nita en el escenario y de la atractiva propuesta músical que fusionaba el Flamenco, con el funky, la electrónica, el Soul….Por último los volví a ver en el Sonorama, y me volvieron a encantar.

    Por lo dicho, me moría de ganas de escuchar nuevo material de este dúo canario-cordobés, y el 23 de Abril del 2013, publicaron nuevo disco Trece Lunas, en el que nos volvemos a encontrar esa original propuesta, de darle al flamenco que destila Nita por los cuatro costados un contexto, digamos, más moderno.

     En Trece lunas vemos una evolución en su música, como dice Ale Acosta “Este disco tiene estructuras más pop, el primero era más de baile, más buscando un groove. Este tiene más canciones”, esa es una de las causas de incluir en la fórmula de Fuel Fandango a Duncan Mills, productor, entre otros, de Florence and the Machine. “Al plantearnos el nuevo disco pensamos que necesitábamos oídos externos, la otra vez estábamos solos y es mucha presión. Así que nos ayudó mucho en las mezclas y a que todo fuera más directo” dice Nita.

     El disco se abre con “City“,donde intuimos ese giro hacía el pop del que hablaba anteriormente, llama la atención la guitarra flamenca que se asoma en la canción sin acabar de entrar,  y que nos recuerda un poco a Florence and the machine, será la influencía del nuevo productor, no es la única canción donde se nos aparece la imagen de Florence and the machine, siendo “Read my lips” y “Little Pain“ las más evidentes. Florence Welch y los suyos estaría encantadas de firmar ambas canciones, las más rockeras del disco

     ”New Life”  es la canción que más nos recuerda a las del primer disco, canción muy pegadiza y bailable, gracias a ese ritmo de piano del estribillo, única parte de la canción cantada en castellano. En “Tell Me” vemos esa evolución del los fandago hacía el pop, con uno inició de tintes soul, donde destaca la versatilidad vocal de Nita, y ese estribillo lleno de fuerza.

    En “Nature” y “Fighters“ vemos la evidente evolución sonora de Fuel Fandango, canciones  con cambios de ritmo, una composición musica mucho más compleja y rica que en el disco anterior pero sin olvidar en ningún momento la influencia flamenca.

      “Fragile”  es la canción mas bonita del disco, con cierto aire épico, donde destacan los sonidos graves que dotan a la canción de mayor emotividad. “13 lunas”, el segundo single del disco y la que da nombre al disco. Junto a “New life”, es la que más nos recuerda al primer disco, con un marcado y pegadizo estribillo “cami -nito del tiempo, sendero del que yo vengo”.

     ” En Trece lunas casi todo son primeras tomas, no queríamos sobreproducir. Retocamos durante meses las maquetas, pero grabamos las guitarras y bajos en tres días y las voces en otros tres”. En total, pasaron menos de dos semanas en el estudio de Punta Paloma (Cádiz) y cinco días en Madrid, nos comenta Acosta. Y esto se nota a lo largo del disco, pues son canciones que nos evocan sus directos, esa fuerza vocal de Nita, y esa instrumentación que dota de mayor empaque a las canciones.

    En Resumen, 13 lunas es un disco mucho más completo que su antecesor, Fuel Fandango, donde destaca el todo, y no canciones suelta, y donde podemos ver una evolución sonora que nos hace esperar grandes cosas de estos chicos, ahora falta ver como lo defienden en directo, pero seguro que eso lo bordan.

1.City
2.New Life
3.Tell Me
4.Nature
5.Read My Lips
6.Fighters
7.Fragile
8.Little Pain
9.Maze
10.13 Lunas
11.Thai

     Antes de ponerme a críticar el disco, me gusta hacer una pequeño resumen de la biografía de la banda, y en este caso de lo primero que me he enterado es que acaban de fichar por Subterfuge, luego que son de murcia, y sobretodo que Family Plot no es un disco actual, sino que es del ¡2011¡. Que carallo estaría haciendo yo todo este tiempo para no enterarme, y lo digo porque desde que el verano pasado que los ví en el palco Biofrutas del  Sonorama, me enamoraron y intente no perderle la pista, de hecho escuche su disco anterior Plastic Heaven en su Bandcamp, en el mismo que esta colgado este disco, y es imposible que lo hubiera escuchado, porque una vez que escuchas Family Plot, no lo puedes olvidar.

      Pues bien, la historía de Neuman es la siguiente, contada por Paco Román, el guitarrista y vocalista del grupo en una entrevista en imusicate “Neuman en principio fue un proyecto en solitario que comencé tras finalizar con “La Fabrica De La Luz” en 1999, fue forjándose con distintos bajistas y baterías durante estos años, pero no funcionaba, hace un año y medio conocí a Fernando Lillo (Piano) y al poco tiempo llego Raúl Frutos (Batería).”

     En 2010 publicaron su primer disco Plastic Heaven, y un año después este excelente disco, Family plot, ah¡ y se llaman Neuman por el perro de Paco Román. También  dice en la entrevista que os comente anteriormente que tiene entre sus influencia a David Bazán, y es que alguien que tiene entre sus músicos favoritós al frotman de Pedro the Lion solo puede hacer buena música. Vamos al lío. 

     El disco empieza con un piano y la voz de Román,Lovers,la canción que habré el disco, es una preciosa canción donde nos muestran lo mejor que saben hacer estos murcianos, jugar con las emociones y dotar a su música de una intensidad que te provoca que se te encoja el corazón. Ben Gun destaca por el violín intermitente que dota a la canción de un aire melancólico. Siempre me ha parecido que el Violin es el instrumento perfecto para representar el llanto, y esta canción es un ejemplo perfecto de eso. 

     Jane, es mucho más trepidante que las dos anteriores,donde destaca el riff a mitad de la misma, y ese cambio de atmósferas que realizan con total naturlidad. Al igual que en sus canciones, el tracklist esta perfectamente elegído, y como si fuera una canción más del disco, va jugando con los ritmos y las intensidades, un par de canciones lentas y sosegadas, ahora una canción mucho más rápida,y ahora que estas animado y moviendo el pie , Zas¡ Wonderland, una de las canciones, más bellas del disco, la única cantada en castellana, y con un aire melancólico muy marcado, donde toda la canción es un lamento, un precioso y emotivo lamento, que se escenifica perfectamente en esos coros finales.

      My dad, es una canción principalmente instrumental, donde desarrollan ese post-rock que llevan dentro y donde después de un inicio, tranquilo, con una marcada atmósfera oscura, se desatan, como si de un grito de desesperación se tratará, la batería coge el protagonismo,  y la intensidad sube. Ingrid empieza con una batería perezosa, una sutil guitarra que junto a la nostálgica voz de Paco Román, dotan a la canción de un sentimiento de añozara, sentimiento que se acrecienta con la aparición del violín a partir del 2º minuto de canción y con esa preciosa guitarra acústica del final.

     Llevamos 3 canciones de ritmo sosegado y melancólico, por lo tanto le corresponde el turno a una canción mucho más “rockera” y efectivamente hay tenemos Doggy, la cual es sin duda la canción más inmediata del disco, con ese aire de rock épico, que tan de moda pusieron los canadienses Arcade Fire, donde la guitarra toma el timón y  provoca que esta canción sea la más animada y “más pinchable”.

     Hammond, a lo largo del todo el disco, la voz de Román me recuerda mucho a otro músico, al que me cuesta recordad, hasta que llego a esta canción y me doy cuenta de que me recuerda mucho al Portugués David Fonseca. No es que su música tenga mucho que ver, pero esta canción que es, principalmente, voz y guitarra, si que podría ser suya perfectamente. Pues tiene esa dicotomía de ser una canción triste, pero animada y alegre a la vez, tan característica del gran Fonseca.

    En  Friends, al igual que en My dad, lo más destacable es ese final instrumental, donde la batería marca el ritmo y la guitarra se te se te clava en el alma, Amay es otra sencilla, pero preciosa y triste canción, donde deberíamos resaltar ese agradable piano. El disco termina con Family plot, canción que da nombre al disco, y que es el nombre de una película de Hitckcok, pelicula cuya banda sonora podría ser perfectamente este disco. Family plot es el cierre perfecto del disco, pues es una especie de resumen, o trailer de lo nos encotraremos en el disco. Es la canción más larga, casi 10 min, y la cual podemos dividir en dos partes. La primera mitad donde de una manera tranquila sosegada los murcianos nos trasportan a esa atmósfera oscuro, desasosegante, de la que Hitchock era un maestro, parón y un bukake musical con el que termina el disco, terminado en el punto más álgido de los 64 minutos del disco y los 9 de la canción

    Neuman se caracteriza por componer canciones largas que suelen ir de más a menos, terminando en su punto más intenso, y a lo largo del desarrollo de la canción van jugando un poco con las emociones, con tus emociones, van creando diferentes atmósferas, y transportándote de una a otra con pasmosa facilidad. Eso lo notamos a lo largo del todo el disco, donde el juego con las intensidades y las emociones es perfecto, todo hecho con una delicadez y un buen gusto exquisito, pero donde realmente se aprecia esa maestría para engacharte a sus canciones y hacerte sentir lo que ellos quieren es en sus directos, así que si Neuman pasan por tu ciudad no dudes ni un segundo en comprar la entrada e ir a verlos.

Os dejo el enlace a su Bandcamp, para que escuchéis el disco, el cual también esta en la lista de SpOculta, aunque eso si, tendré que quitarlo de mi lista de los mejores discos del 2013,ups, y pasarlo a la de mejores discos de 2011. 

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Como ultimamente tengo poco tiempo para dedicarle al blog,  he decidido traeros un disco cada 15 días. Eso ya lo sabíais. Pero como es obvio yo escucho y disfruto muchos más discos a la quincena, y como el objetivo de que escriba en esta web es que conozcáis nuevos grupos, he decidido crear una lista de Spotify la SPOculta, donde iré colgando los discos que más me gusten del año, y de los que de algunos haré críticas, es decir no de todos los disco que comparta en la lista escribiré, por falta de tiempo, no de ganas, pero si todos los discos de los que haga una crítica estarán en la Lista.

Así que aqui os dejo la lista de mis discos del año, que irá actualizando cada vez que me cruce con un buen disco.

PD: os recomiendo el disco de Neuman, disco del que haré mi próxima crítica, y por el momento mi disco del año.

      California Wives se formó en Chicago hace cuatro años por; Dan Zima, Hans Michel, O’Connor y Joe Kramer Jayson. En este tiempo se fueron haciendo un hueco en su ciudad de origen, mediante actuaciones en directo y la grabación de un EP, lo que les llevó a firmar con Vagrant Records. Ahora,un ciclo electoral después, tenemos su primer Lp, el ambiciosamente titulado Art History.(Publicado en; US: 2 Oct 2012; UK: 2 Oct 2012; Online : 25 Sep 2012)

     El sonido del álbum no debería ser una sorpresa, siendo de  Chicago, ciudad  de grandes bandas del rock alternativo y de grandes bandas de indie-pop electrónico (The Sea and Cake, Ok Go, Joan Of Arc,Ezra Furman & the Harpoons) aunque no sean influencias directas, si que contribuyen en gran medida a la creación de su propio sonido.

     ”Blood Red Youth” canción que inicia el disco y nos indica el camino que seguirá el resto del disco, con su ritmo contenido, con ráfagas de una guitarra luminosa, voces apagadas y optimismo tranquilo. “Tokio“, donde sintetizadores de los 80 y guitarras cálidas y difusas  te envuelven en un manto de sonidos relajantes o ”Purple” donde la banda deja de lado la electrónica y buscando un sonido parecido al de Phoenix o The Killers, donde destaca una guitarra punzante, que aparece de vez en cuando y el ritmo sólido y plomizo de la batería.El resto del disco sigue esta plantilla – donde quiera que mires hay luces, colores, grandes ciudades y  esas cosas que la vida te enseña cuando eres un veinteañero.(Twenty Three).

     No os quiero llevar al engaño, las canciones de Art History, son canciones de rápida digestión, pero de vez en cuando apatece un hamburguesa del McDonald’s. Todo el disco destila una sensación de optimismo y posibilidad que devuelven a tus años de universidad – joven, independiente e ingenuo. Para California Wives, el mundo es un objeto brillante, brillante y listo para ser explorado. De hecho, Art History es el perfecto compañero de viaje para esas largas travesías en coche con el sol en el cielo, un festival en el horizonte, y el Instagram en el móvil.

     Si ya conocéis California Wives, veréis que las mejores canciones del disco ya estaban en su EP, Affair (Blood Red Youth,Twenty Three, o Purple) junto con el single del disco “Tokyo”. Así que escuchen el disco, como lo que es; un disco, sin pretesiones, o mejor dicho, con la única pretensión de divertirse y aprender, Por lo que sin ser un gran albúm de indie-pop electrónico, si que es suficiente para mantener a California Wives en el radar y ver a donde van, porque hasta ahora nos han razones para creer en ellos … y tal vez alguna para saltar.

Blood Red Youth,
Tokyo,
Marianne,
The Fisher King,
Los Angeles,
Photolights,Purple,
Better Home,
Twenty Three,
The New Process,
Light Year

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   Si hace 15 días 3 semanas escribí un crítica sobre el último disco de Eels. la banda de Mark Everett, donde destacábamos la cantidad de incidentes que tuvo a lo largo de la vida y las incontables veces que su banda cambio de integrantes. Como contrapunto a esto podríamos poner a la banda protagonista de hoy, YO LA TENGO, los cuales destacan por su estabilidad, pues 35 años después de conocerse, Ira Kaplan y Georgia Hubley siguen siendo pareja y viviendo en Hoboken, New Jersey  y 1992 les acompaña el bajista James McNew como tercero en discordia.

     Hagamos un pequeño resumen de los inicios de Yo la Tengo, nombre que viene de una anécdota de Beisball, deporte del que Kaplan es seguidor. En 1984 Ira Kaplan y Georgia Hubley, formán la banda  junto a el guitarrista Dave Schramm y el bajista Mike Lewis, con los cuales sacaron su primera grabación The River of Water. En 1986 lanzan su primer LP llamado Ride the Tiger y Schramm y Lewis dejan la banda por lo que Kaplan pasa a ser la guitarrista. New Wave Hot Dogs de 1987 y President Yo La Tengo de 1989 les otorga una buena reputación entre los críticos de rock, a pesar de sus pobres ventas

     En 1990 lanzan Fakebook, un álbum orientado principalmente al folk, en el que se incluyen numerosas versiones de Gene Clark, Cat Stevens, The Flamin’ Groovies, The Scene Is Now , The Kinks, Daniel Johnston entre otros, y algunos temas propios de la banda. En 1992 publican May I Sing with Me e incluye James McNew ,como bajista. Desde esa fecha la banda no sufre ninguna modificación, siendo un ejemplo de estabilidad.

     En Enero de esta año a traves del sello Matador, publican Fade. Aprovechando que el Luenes 4 de Marzo tocan en capitol, os voy a contar mis impresiones sobre el disco, un de mis favoritos de lo que va de 2013.

    La grabación transcurrió en Chicago, «en un ambiente muy pragmático, así que todo fue muy rápido, más que en otras ocasiones», explica Kaplan. «Hay veces que un miembro de la banda tiene dudas sobre la dirección que va tomando el disco, pero con “Fade” sentimos que los tres (Georgia Hubley, batería, y James McNew, bajo) teníamos la misma meta: no pensar en mantener la identidad del grupo o romper con ella, sino únicamente dar rienda suelta a sus instintos, liberarlos por completo. De esa manera no hay planes a los que ajustarse, ni metas que cumplir y que te pueden causar frustración si no llegas a ellas. Sino solo sentimientos que dejar fluir. Hemos mantenido una larga carrera, hemos grabado con gente como Yoko Ono o Sun Ra , ¡así que es una forma de trabajar que nos funciona muy bien!»

      Y esta filosofía de grabar lo que surja, sin buscar nada más, se nota en todo el disco que sin tener homogeneidad en su sonido,
mantiene la coherencia a lo largo de sus 10 canciones. El disco empieza con “Ohm” :”Te escuché llamar desde lejos / Pensé que te oía llorar / No tenía fuerzas para tranquilizarte / Así que también lloré. (Ohm) una hipnótica canción donde se mezcla elementos corales y nítidos con  elementos ruidosos, desafinados provocando que Ohm, a lo largo de sus 7 minutos, sea una especie de resumen de lo que es y ha sido el indie rock desde los años noventa. Solos de guitarra, palmas, voces corales, todo muy bien empastado y armónico, todo muy “pop”. Sin duda una de las mejores canciones del disco.

     Continúa el disco la bonita Is that Enough, donde el piano, el violín que suena de fondo, y los los sutiles arreglos, junto con la armónica voz de Kaplan, dan a la canción un aire  melancólico pero sin llegar a sonar excesiva, sino ese toque sutil, equilibrado que Yo la tengo ha sabido manejar tan bién a lo largo de su carrera.

      Una la línea de bajo  marca todo el iter de  Well you Better , que a mi me recuerda a los primeros Eels, es una de las canciones más inmediatas y pegadizas del disco,  donde YLT sacan a relucir sus famosas guitarras distorsionadas.

    Le toca ahora el turno al primer single del disco, Stupid things, donde volvemos a oler ese aire ambiental, notándose la influencía del productor del disco, McEntire, (Tortoise).  La susurrante voz de Kaplan, y unas guitarras que parecen ir a su aire pero que, sin embargo, dotan a la canción de una profundidad y coherencia exquisita.

      A partir de aqui, Yo la tengo baja el ritmo y el disco lo colonizan los medios tiempos, pero no por ello se hace aburrido, todo lo contrario. Fade si se caracteriza por algo, es por se un disco amable, como esa personas que desde el primer momento te parece que lo conoces de toda la vida, pero a la vez tienes ganas de conocerlo mejor. Pues eso pasa con Fade, que en cada escucha descubres nuevos matices, en cada escucha cambia tu canción favorita, y en cada escucha tienes más ganas de volver a escucharlo.

     I´ll be around es una preciosa canción, construída alrededor de unos delicados arpegios de guitarra española y de los lamentos de Kaplan. Cornelia and Jane es la primera de las canciones en la que la voz principal es la de Georgia y no la de Kaplan, y su tono dulce y profundo, dotan a la canción de una estremecedora fragilidad. Two trains, es una brumosa balada  donde vuelve a aparecer esa electrónica ambiental que tanto les gusta. The point of it es sutil y tierna.”Di que tenemos miedo. Di que la noche es fría. / Cariño está bien, está bien si envejecemos, si no somos tan fuertes / Si cuentan nuestra historia / Al fin y al cabo eso es lo que tiene ser amado“.

     El disco se cierra con Before we run, junto con Ohm la canción más larga del disco,  es un broche de oro para este gran disco  que termina con un tremendo arreglo de cuerda y viento que dan un épico  final a Fade.

     Mientras escucho Fade, no tengo prisa, ni horarios, ni problemas que resolver, me provoca esa calma interior tan necesaria en los tiempos que vivimos, Fade tiene esa dualidad en su sonido que te hace pensar esto ya lo he escuchado antes, pero sin embargo te mantiene contemplativo y silencioso,te mantien en paz contigo mismo.

01. Ohm
02. Is That Enough
03. Well You Better
04. Paddle Forward
05. Stupid Things
06. I’ll Be Around
07. Cornelia and Jane
08. Two Trains
09. The Point of It
10. Before We Run

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El prolífico Mark Everett , más conocido como Mr. E, ha estado escribiendo y grabando como Eels desde 1996, cuando debutó con “Beautiful Freak”  gracias al que consiguió reconociemiento por canciones como Novocaine for the Soul.

Wonderful, Glorious es el décimo albúm de estudio de Eels, algo que notamos desde la primera canción por la inconfundible voz de Everett y por el tono de sus canciones.En este disco nos encontraremos desde  E cascarrabias en  On the ropes( “I’m hurting bad and I’m fighting mad “) hasta el  Mark más optimista  en  New Alphabet,  (“You know what? I’m in a good mood today“) y pasando por un Everett  sincero y a la vez desafiante como en la Canción que abre el disco Bombs Away ( “ve had enough of being a mouse,” no-more-Mr-Nice-Guy message.”

El conocer sus nueve álbumes anteriores me hacen imposible escucharlos sin compararlos con sus discos anteriores. Y cuando digo “ellos” me refiero a “él” porque Eels, la banda, es a menudo simplemente E ,el músico, y algunas personas que pasan por ahi a tocar los instrumentos junto a él.En este albúm participan los guitarristas The Chet y P-Boo, así como el bajista Koool G Murder y el baterista Knuckles, todos ellos contribuyeron a crear las 13 canciones del disco.

Así “Original True” suena muy parecido a “If You See Natalie” de Blinking Lights and Other Revelations cambiando el piano
por la guitarra. “Open My Present” podría ser una de las canciones del gran disco rock de Hombre Lobo. “On the Ropes” utiliza el boxeo como metáfora de nunca darse por vencido, como hizo antes en “Prizefighter” o “Bus Stop Boxer ”. “‘Peach Blossom” compara una niña con las flores, un motivo lírico escuchado en canciones como “Lilac del Breeze’”de Hombre Lobo y “Daisies of the Galaxy” del álbum de mismo nombre, y también hay una línea  furtiva de teclado en el final de la canción que recuerda mucho a  Daisies of the Galaxy. La canción final, “Wonderful, Glorious“, es la clásica reflexión final  de Mark sobre el hecho de que la vida no es tan mala a pesar de  todo, al igual que ‘PS You Rock My World “o” Sr. Beautiful Blues”  y sobretodo en su gran bibiofrafía  Las cosas de la Nietos debe saber.

Eels se han reinventado tantas veces como es posible, por lo que  lo único que les faltaba es hacer malabares con todos los  sonidos de su discografía y  juntarlos, en lugar de explorar cada uno en detalle. Lo que estoy diciendo es que Wonderful, Glorious es básicamente su Hail to the Thief, o en un ejemplo más cercano su adelante Bonaparte.

A lo largo de sus álbumes, E ha escrito canciones tan personales que hacen que la lectura de su autobiografía parezca redundante. Si has oído Electro-Shock Blues sabes que en un corto plazo de tiempo su hermana se suicidó y su madre murió de cáncer, y si has escuchado Daisies of the Galaxy ya sabes cómo se enfrentó a eso y siguió adelante. Si escuchasteis  el doble albúm Blinking Lights and Other Revelations es posible que conozca toda su vida, desde los detalles de su nacimiento hasta su relación distante con su padre, un físico brillante que inventó el concepto de universos alternos. Cada nuevo álbum de Eels es sólo una manera de hacer un check in de como le va a Mr. E en la actualidad.

Everett utiliza las canciones como una sesión de terapia, la cual ha sido bendecida con la atención y admiración del sus fans,entre los que me incluyo, debido a su  encanto personal a provocado en nosotros cierta adicción, como si cada disco fuese un nuevo capítulos de esa serie que no te puedes quitar de la cabeza. Él tiene esa habilidad de escribir su banda sonora personal tirando abajo la idea de que la música es intrascendente o no importa.

La única gran diferencia que hay en Wonderful Glorious es que esta vez compartió la composición con su banda. La narrativa sigue siendo muy personal; un chico haciendo balance de su vida con el fin de comprender y aceptar su situación para que pueda seguir adelante.

El Disco Comienza con “Bombs Away” donde encontramos a un E harto y mentalmente agotado  ”as quiet as church mouse tiptoeing everywhere” y en un arranque de ira decide cambiar, ,ira que resalta con esa guitarra sucia y desafiante que acompaña toda la canción, recordándonos en muchos momentos a esa gran pareja que hacen Tom Waits y su guitarrista Marc Ribot.

La linea de bajo, muy pegadiza, es lo que más llama la antención de “Kinda Fuzzy”,  en la que también experimentan con sonidos distorsionados y varios cambios de ritmo siendo una de las canciones más inmediatas del disco,y una de mis favoritas. Y es que ya lo dijo  Everett en la presentación del disco: “La única regla que tuvimos fue ‘intentémoslo’. Si alguien traía una idea, la que fuera, la intentábamos” algo que se nota, sobretodo en estas dos canciones.

“Accident Prone” es la primera canción lentas del disco,  y una de las más emotivas (“a happy accident, me running into you/Who do I have to thank, to what do I owe?”) Y nos recuerda que a veces sólo se necesita guitarra y voz para mover una montaña.El disco continúa con “Peach Blossom“,que es cuando Mr E comienza a darse cuenta de algunas de las cosas buenas que lo redean: “Open the window and smell the peach blossom, the tiger lily, the marigold … you gotta love what’s happening here, there ain’t nothing to fear” (Abre la ventana y oler la flor de durazno, el lirio de tigre, la caléndula … tienes que amar lo que está pasando aquí, no hay nada que temer.) y ese cambio de actitud se traduce musicalmente en cambios de ritmo muy sutiles, y con esa guitarria destorsionada tan habitual en Eels, esa batería de ritmo alegre y unas marcas de fondo, que dotan a toda la canción de una felicidad contagiosa.

“On the Ropes”, es otra canción lenta y tierna, la voz de E asume un tono gris debido a las preocupaciones de un cantante de country ,como él dice, con una melancolía resignada de su «cansado corazón”. Es la clásica canción de lucha, con todas las metáforas del boxeo; Estar contra las cuerdas…. Musicalmente es muy sencilla, solamente guitarra, piano y una bateria muy sutil,  como ‘I’m On Fire’ del Born In The USA de Springsteen.

The Turnaround’, suena como a la épica Supertramp en “School’”  de su gran disco Crime Of The Century. Donde destaca sin duda la intensidad que va adquiriendo la canción, terminando en lo más alto. Mi favorita.”New Alphabet” comienza con un blues sucio y  sonidos orquestados recordando a Neil Young, con las guitarras distorsionadas y un sonido de maracas es de las canciones mejores logradas del disco.”Stick Together” Tiene un ritmo de batería muy característico, me imagino perfectamente a Jim Carrey y su “máscara” bailando a su compás.”True Original” nos recuerda a los primeros Eels a canciones como “Dead Of Winter” y “Ant Farm” from Electro-Shock Blues.

“Wonderful, Glorious” que no solo termina el disco, sino que también le  nombre y donde vemos a un E desvergonzadamente eufórico “My love is beautiful and it’s here for the taking / It´s strong and pure / And utterly earth shaking / My love has brought me here to show you it’s true / A wretch like me can make it through.” para lo cual regresan al sonido mostrado en la primer canción, es una excelente forma de cerrar el disco y dejarte con ganas de más, solo espero que no tarden tanto tiempo en sacar otro gran disco.

Puede ser que este Wonderful Glorious no sea el mejor punto de partida  para los recién llegados al trabajo de Everett (yo os recomiendo Beautiful Freak o Souljacker), este es un álbum en el que los seguidores de Eels encontramos muchas coanciones con las que disfrutar y donde M. Everett sigue con paso firme su gran carrera, con la innovación por Bandera.

Maniaks es un poderoso dúo formado por el ourensano afincado en adrid Dj Inim y el músico y productor Dak. Años de dedicación, campeonatos, shows en importantes clubs en la escena nacional como Twist en la Sala Marco Aldany de Madrid, giras y trabajos profesionales son lo que ahora conforma en ellos una actitud persistente y revulsiva en lo que a la escena de la música electronica española se refiere.

Fusionan electro y dubstep con rock y metal, melodías cargadas de eclecticismo, scratch y sonidos agresivos que no dejan ni un ápice de duda a pensar que los Maniacos vienen para quedarse. Conscientes del contexto, y la situación musical en la que vivimos, Maniaks ofrece una alternativa a todo lo ya estipulado, sin olvidar el deseo de la gente en volcar su atención en algo que verdaderamente consideran que es bueno. Su nuevo single se llama On the Rocks y lo podéis escuchar y descargar en su Soundcloud.

Dentro de nada pondrán fecha de salida a su nuevo EP, llamado Food 4 Haters. En Pista Oculta estaremos atentos para contároslo.

     El pasado viernes acudí a la sala Mondo a ver a Crooked Fingers, banda de folk americano. Sobre las 10 en una sala Mondo prácticamente vacía, seríamos unos veinte afortunados. Se subieron al escenario Eric Bachman y  una tímida Liz Durret con la única ayuda de sus guitarras, deleitándonos con su Folk sureño, aunque en realidad son de Carolina del Norte.

     Durante la hora y media que duró el concierto, Eric Bachman dió un repaso a su dilatada carrera. Empezó el concierto con dos canciones de su disco en solitario To the Races: “Man o´war ” y “Genie, Genie“. Continuó con “Bad Blood“, mi canción favorita de su último disco Break  in the Armor,  y «Carrion doves», canción que podéis encontrar en el video, del disco Red devil Dawn.

     Pudimos observar a lo largo de todo el concierto la naturalidad con la que se movía Eric encima del escenario y por ello, a los pocos que allí estábamos, nos regaló una versión unplugged de “your control“. También nos dió las gracias por el Licor Café, que según él le «da calorcito en el corazón».

    Eric y Liz acabaron el concierto bajando del escenario y tocando, rodeados por los asistentes, los bises entre los que se encontraba la preciosa “you must build a fire”, como si de un concierto callejero se tratara, porque  le «gusta más así“. Grande Eric.   

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