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Carcassonne a través de la mirada de Stendhal

2026-09-04T19:52:06.325+02:00

Acceso por la Puerta del Aude con la Torre de la Justicia y la silueta del castillo al fondo

En la primavera de 1838, un viajero singular recorría el sur de Francia rumbo a Narbonne, procedente de Toulouse. Era Henri Beyle, universalmente conocido como Stendhal. Equipado con su afilada ironía y esa mirada crítica, cáustica y profundamente observadora sobre el entorno y la sociedad de su época, se detuvo durante dos días en Carcassonne. Maestro consumado del arte del flâneur —aquel caminante que finge sorpresa, desinterés o bien perderse para que sus descubrimientos destilen autenticidad puramente literaria—, Stendhal vio en Carcassonne una fortaleza que parecía luchar por no desmoronarse.

Puerta de Aude y Castillo Condal. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Aquella Carcassonne que el escritor descubrió dista abismalmente de la estampa monumental que hoy conocemos y que la han convertido en el tercer destino turístico de Francia. La ciudad medieval de Carcassonne, el Casco Histórico conocido como la Cité, era un enclave decadente, de casas miserables, calles estrechas y cuya pobreza se reflejaba, por ejemplo, en el uso de papel aceitado en las ventanas en lugar de cristales. Stendhal solía lamentar la escasa apreciación por el patrimonio y solía quejarse del mal gusto de sus contemporáneos. Y no andaba mal encaminado, ya que hubo quien quiso demoler aquella empobrecida ciudad de Carcassonne.

Puerta de Aude. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Sin embargo, en las páginas de su libro «Voyage dans le midi de la France», la pluma de Stendhal supo capturar con maestría la atmósfera de un lugar que valía la pena salvar. En su crónica inmortalizó rincones muy concretos de la ciudad: la misteriosa Vieille Ville, las orillas lúgubres, sucias y miserables del Aude, la coqueta —aunque seca en aquel momento— Fontaine de Neptune y la sobria elegancia de la Iglesia de Saint-Nazaire. Un grito de alerta literario que evidenciaba el alarmante estado de deterioro del monumento y la urgente necesidad de rescatarlo del olvido antes de que fuera demasiado tarde. La silueta de Carcassonne que hoy vemos es el resultado de una de las restauraciones más titánicas del siglo XIX.

Las murallas con el cementerio en primer plano. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

La Cité —con sus tres kilómetros de murallas y cincuenta y dos torres— estuvo a punto de desaparecer bajo una estricta orden de demolición, simplemente porque querían acabar con los robos y la inseguridad que protagonizaban sus habitantes, en su mayoría familias muy pobres, que vivían en construcciones adosadas a la muralla. Fue gracias a la intervención de dos hombres: el historiador local Jean-Pierre Cros-Mayrevieille (1810-1876) y el inspector de monumentos históricos Prosper Mérimée (1803-1870), que lograron concienciar a la corte de Napoleón III del valor de la Ciudadela de Carcassonne.

El pasaje abovedado de la Porte Narbonnaise. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Con el tiempo, lograron catalogarla como patrimonio histórico en 1850 y salvarla de la destrucción. Los trabajos de restauración se iniciarían en 1853, primero por el famoso y controvertido arquitecto Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879) y, tras su muerte, continuaría con el proyecto su alumno Paul Boeswillwald (1844-1931), que las terminaría en 1911. Para rescatar de la ruina esta ciudadela medieval y devolverla a su esplendor original, despejaron los muros de las casas que cubrían las murallas y reconstruyeron las secciones en ruinas; principalmente los tejados y las almenas.

Vista general de Carcassonne. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Inscrita desde 1997 en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, la Cité despliega un doble recinto amurallado que visitan millones de personas cada año. Para comprender la formidable ciudadela de Carcassonne, he decidido hacerlo acompañada por este «turista ilustrado» —un término que Stendhal ayudó a popularizar—. Su crónica de 1838 será mi brújula; las fotografías de Gustave Le Gray anteriores a la restauración de Viollet-le-Duc —conservadas en el Museo de Orsay y en la Biblioteca Nacional de Francia— y las postales antiguas completarán la mirada para descubrir qué ha cambiado y qué permanece inalterable después de tanto tiempo.

El río Aude y el Canal du Midi

Postal antigua restaurada con IA de La Cité, el Pont-Vieux y el río Aude

Esta ruta comienza como la del escritor francés, en las inmediaciones del río Aude. Stendhal escribiría en su crónica: «El Aude —un río más bien pequeño atravesado por un puente de diez a doce arcos— fluye extramuros de Carcassonne». El viajero actual tiene la fortuna de poder explorar el Aude y el Canal du Midi realizando un crucero fluvial, donde el tiempo parece fluir más despacio. Lo sorprendente del Canal du Midi no es solo la belleza; se trata de una de las obras de ingeniería más fascinantes de Europa, declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO.

Crucero por el Canal du Midi desde Carcassonne

En el Kioske Chénier se adquieren los billetes de los cruceros por el Canal du Midi

El sistema hidráulico del Canal du Midi, adelantado a su época, estaba pensado hasta el último detalle, y la evidencia está en que el transporte fluvial se ha mantenido durante siglos. Si quieres vivir esta experiencia, una de las opciones económicas es subir a bordo de los barcos de la compañía Lou Gabaret. Salen desde el Port de Carcassonne, situado frente a la estación de tren (SNCF), y los billetes se adquieren fácilmente en el Kioske Chénier, situado en la Square André Chénier, junto al Pont Marengo. Todos sus cruceros por el Canal du Midi son comentados por una guía en francés, inglés y español, lo que permite entender bien la historia que rodea a esta obra de ingeniería.

La embarcación de Lou Gabaret lista para iniciar el crucero guiado por el canal

Lou Gabaret dispone de cinco cruceros distintos, según lo que te apetezca hacer o descubrir:

Dirección Toulouse: Los cruceros Détente (Descanso), Nature (Naturaleza) y Pique-Nique (Picnic).
Dirección Narbonne: Los recorridos Cité (Ciudad Medieval) y Cité + Pont-Canal (Ciudad Medieval + Puente Canal).

Los precios oscilan entre los 10 € para los recorridos cortos de hora y media, hasta los 13,50 € para las rutas más largas de 2 horas y 45 minutos. Es recomendable reservar tu plaza con antelación. Un consejo de oro: llega con puntualidad a la hora indicada, ya que, al igual que hace un siglo, el barco no espera. Como diría Stendhal: «Por fin me acerco al puente, que es muy estrecho. Lo principal es no verme aplastado por los pesados carros que bajan por él mientras yo subo; son tirados por yuntas de cuatro o cinco mulos»

Las fortificaciones de la Cité desde el oeste. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Aquel Aude, que Stendhal veía con estas palabras: «Camino en línea recta; había olvidado el Aude; llego a la orilla de este torrente y diviso el puente —cuya mole me resulta grata en medio de un paisaje tan desolador y bajo un tiempo aún más aciago—. Sin duda, el efecto habría sido muy distinto en verano. Dejo que mi alma se sacie de melancolía» es para nosotros el punto de partida para descubrir Carcassonne desde otra perspectiva. A bordo de la embarcación, los árboles dibujan sombras sobre el agua, las esclusas marcan el ritmo de paso (con el Croisière Cité se cruzan dos) y el paisaje se despliega sin prisa, como si cada tramo tuviera algo que contar.

Postal antigua restaurada con IA donde puede verse una barcaza surcando el Canal du Midi

Es curioso, pues hace casi dos siglos, el propio Stendhal ya valoraba esta forma de viajar: «He pasado el día en el canal; el paisaje se contempla igual de bien —si no mejor— que desde una diligencia. No sé por qué me había imaginado lo contrario». Y ahí está la clave: no se trata de llegar, sino de dejarse llevar. Porque en el Canal du Midi, el verdadero destino es el trayecto. Puedes ver el vídeo que grabamos de nuestra experiencia por el Canal du Midi o leer más sobre su historia en mi artículo de viaje dedicado a ello: Una semana navegando por el Canal du Midi.

El Puerto de Carcassonne

Postal antigua restaurada con IA del Puerto de Carcassonne

El canal no siempre estuvo aquí. Stendhal lo notó enseguida, quejándose de lo que a él le parecía obvio: «Me parece una desventaja para la nueva Carcassonne que el río Aude no atraviese su centro». Tenía razón. En sus inicios, el canal pasaba a 5 kilómetros al norte, lo que impidió que la ciudad pudiera aprovechar el gran dinamismo comercial que el canal aportó a la región durante el siglo XVIII. Fue gracias a la petición de un nuevo trazado para acercar el agua a la bastide (la Ciudad Baja) como la ciudad dio un impulso definitivo a su comercio y economía, sentando las bases para que hoy podamos disfrutar de este apacible entorno.

Este bello tramo arbolado marca el punto de retorno hacia el puerto

Subidos en la embarcación de Lou Gabaret, atravesamos la primera esclusa, la Écluse de Carcassonne, y navegamos hasta la Écluse de Saint Jean. Es justo ahí, cuando se vislumbra uno de los tramos más bellos del Canal du Midi que pude descubrir durante mi semana navegando por el Canal du Midi, donde una hilera de árboles recibe a los navegantes. Aquí parece que el sonido de los pájaros se agudiza y el viento juega con las hojas; lamentablemente, en este punto es donde damos media vuelta para regresar al puerto de Carcassonne.

El puerto de Carcassonne, inicio y meta de nuestra apacible travesía fluvial

El Canal du Midi, con sus 240 kilómetros de longitud, ofrece multitud de rutas para hacer. Ya sea navegando, a pie o en bicicleta, cada viajero puede elegir la distancia y el ritmo de viaje; se trata de disfrutar del camino. Si tenéis opción, os recomiendo el «Croisière Cité + Pont-Canal», que permite navegar junto al camino de sirga bordeado de cipreses centenarios y llega hasta el imponente puente-canal sobre el río Fresquel, una obra de ingeniería de 50 metros de largo y 30 de ancho que te dejará sin palabras.

El espectáculo de la barcaza Europ’Odyssée

Su casco, cubierto de grafitis, convierte la barcaza en una muestra de arte urbano flotante

Si buscas profundizar en la historia de esta maravilla, justo en la Promenade du Canal, al lado del puerto de salida de los cruceros, encontrarás la barcaza Europ’Odyssée. Se trata de un sencillo espectáculo inmersivo instalado en una barcaza histórica construida en 1931 que, tras navegar por media Europa, ha encontrado su puerto definitivo en Carcassonne. Es una experiencia sensorial de 25 minutos donde, a oscuras, la historia del canal cobra vida a través de los "genios" que lo hicieron posible.

La proyección interior sumerge al visitante en la historia y creación del canal

Es un formato que empieza a encontrarse en muchos lugares, donde una serie de personajes en una película explican los detalles de su construcción con un juego de proyecciones en las propias paredes de la barcaza.

Información de utilidad:

Idioma: El espectáculo está disponible en varios idiomas, incluido el español (consultad los horarios en su página web, donde también es posible reservar).
Nota especial 2026: Este año es muy significativo, ya que el Canal du Midi celebra el 30º aniversario de su inscripción en el Patrimonio Mundial de la UNESCO. Para conmemorarlo, durante todo 2026, esta experiencia en la barcaza es gratuita, sumándose a una agenda repleta de conciertos, talleres y exposiciones.

La Ciudadela de Carcassonne

Vista general de las murallas orientales. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Dejando atrás la Ciudad Baja, la Cité cambia por completo lo visto en la ciudad, revelando su alma medieval. Como bien señaló Stendhal al observar la disposición urbana: «Más allá del puente, el casco antiguo de Carcassonne se alza sobre una pequeña colina. Cuando la «benevolencia» del dominio feudal dejó de infundir temor a los habitantes de Carcassonne, en lugar de elegir un emplazamiento para la nueva ciudad junto a la antigua, optaron por fundarla a la distancia de un disparo de cañón».

Doble recinto amurallado

Las lizas altas flanqueadas por las fortificaciones exteriores (izda.) y las interiores (dcha.)

Hoy, cruzar hacia esa colina nos lleva a adentrarnos en un prodigio de la ingeniería militar: un doble recinto amurallado —considerado el primer conjunto de fortificaciones medievales de Europa— que esconde en su interior seis hectáreas de calles estrechas y secretos medievales. El espacio que separa las dos murallas, conocido como lizas, es un pasillo defensivo que permitía engañar al enemigo. Fue nivelado para crear un foso seco que hiciera la ciudad inexpugnable.

Tour Crémade (izda.) y Tour Saint-Martin en primer plano (dcha.), vistas desde el camino de ronda

Pasear hoy por estas lizas es toda una experiencia y muy pocos visitantes se atreven a rodearla por completo. Mientras camináis, fijaos en los detalles: veréis secciones de la muralla galorromana del siglo III conviviendo con las fortificaciones del siglo XIII que Eugène Viollet-le-Duc salvó de la ruina en el siglo XIX. La hilera de torres, las cuatro barbacanas y las cuatro puertas que se alzan ante nosotros son las estructuras que han permitido a Carcassonne resistir el paso de los siglos.

Tour Crémade (izda.), Tour du Grand Brulas (fondo) y Tour Saint-Nazaire (dcha.)

Consejo de ruta: Perdeos por las lizas. Es el mejor lugar para observar la evolución de la arquitectura militar y, sobre todo, para disfrutar de unas vistas privilegiadas de la Bastida de Saint Louis (la Ciudad Baja) y de las montañas que rodean el Aude. Al recorrerlas a pie, tienes el privilegio de explorar con detalle cada rincón de este «doble abrazo» de piedra que, afortunadamente, sigue en pie para que podamos disfrutarlo.

La fortaleza gris de Stendhal

Vista general de Carcassonne. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Stendhal llegó a Carcassonne el 27 de abril de 1838, azotado por el viento y el frío. Su descripción es la de un observador que descubre una reliquia en el horizonte, casi como una aparición. Al aproximarnos hoy, la Cité se despliega con majestuosidad. Sin embargo, resulta inevitable mirar la piedra y evocar el paisaje que se encontró el escritor antes de que la ciudad fuera reconstruida. Carcassonne se presentaba ante sus ojos como «un pueblo rodeado de murallas grises, él mismo gris, enclavado en medio de la vegetación (ciertamente algo monótona) de una colina desprovista de árboles». Para Stendhal, «Esa singular fortaleza gris en lo alto de la colina atrapa y retiene mi mirada. Parece una ciudad vista a vista de pájaro, de esas que a veces se ven en los cuadros».

Murallas, torre del Obispo en el centro y castillo al fondo. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Y añadía, con su habitual severidad al contemplar el perímetro: «Las murallas, encaramadas sobre la roca y alzándose a una altura de treinta o cuarenta pies, resultan imponentes y austeras». Es sobrecogedor leer estas líneas viendo lo que hoy vemos. Donde Stendhal percibía una villa gris camuflada en la colina y una fortaleza luchando contra el abandono —recordemos que aquellas piedras aún sufrían los estragos del tiempo antes de la gran intervención de Viollet-le-Duc—, nosotros hoy encontramos un monumento meticulosamente recuperado.

Barbacane Saint-Louis (Barbacana de la Puerta de Narbonne)

Barbacane Saint-Louis, frente a la Porte de Narbonne y a la derecha del puente levadizo

Situada a levante para proteger la monumental Puerta de Narbonne, la Barbacane Saint-Louis destaca por su diseño militar en forma de arco y abierto hacia el interior, lo que permitía a la guarnición defender el puente levadizo mientras exponía a los intrusos al fuego directo de la muralla principal. Esta estructura ocupa el solar de una fortificación de madera destruida tras el asedio de 1240, liderado por el vizconde Raimond-Roger Trencavel contra el rey Luis IX (San Luis).

La Barbacane Saint-Louis protegiendo el puente levadizo frente a las torres de la Porte de Narbonne

Tras el fracaso del ataque, y como castigo por la colaboración de los habitantes de los arrabales con el bando atacante, sus viviendas fueron incendiadas. Siete años más tarde, el monarca les permitió reconstruir sus hogares al otro lado del río Aude, dando origen a la actual Ciudad Baja (Bastide Saint-Louis). Precisamente para protegerse de la dudosa lealtad de estos habitantes, el rey ordenó levantar de nuevo el recinto exterior y esta barbacana que lleva su nombre.

La Porte Narbonnaise y sus imponentes torres gemelas

Porte Narbonnaise y Tour du Trésau. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

La inmensa mayoría de los visitantes que se aproximan a la Cité, hoy en día, en coche particular, deben dejarlo en el aparcamiento exterior habilitado frente a la Porte Narbonnaise. Situada en el flanco oriental y orientada estratégicamente hacia Narbonne. Esta espectacular puerta es una obra maestra erigida alrededor de 1280 por orden de Felipe III el Atrevido con un claro propósito: reflejar la magnificencia y el poder inquebrantable de la corona francesa. Convirtiendo a Carcassonne en el bastión fronterizo más importante de Francia frente a los dominios de la Corona de Aragón.

Estatua de la Dame Carcas en un pilar situado junto al puente de acceso a la Porte Narbonnaise

De todas las puertas conservadas en Carcassonne, es sin duda la que exhibe un mayor despliegue de elementos defensivos, pero también ornamentales —como lo atestigua la hornacina con un arco de tres lóbulos que resguarda una estatua de la Virgen del siglo XIV que preside el acceso, o la imagen de la legendaria Dame Carcas, cuya estatua original se encuentra en el interior del museo del Castillo Condal—. El acceso a este gigante de piedra exigía atravesar un foso seco concebido para inutilizar las torres de asedio enemigas.

Puente levadizo de la Puerta de Narbonne añadido durante la restauración de Viollet-le-Duc

En este punto debo aclarar que el puente levadizo que salva el desnivel en la actualidad, por muy molón que parezca, es una construcción moderna que no existía en época medieval. Originalmente, este paso exigía sortear un châtelet exterior (una pequeña construcción a modo de castillito), un sistema de cadenas diseñado para frenar cualquier carga de caballería, dobles puertas de madera con potentes barras de refuerzo y hasta tres rastrillos cuyo mecanismo de contrapesos y poleas todavía se adivina en los márgenes interiores de la puerta.

Las torres están construidas con bloques de gres almohadillado

El núcleo de esta defensa recae sobre las dos enormes torres gemelas de veinticinco metros de altura que flanquean esta entrada principal. Sus paramentos están reforzados con proas o espolones que permitían desviar los arietes, mientras que su formidable grosor hacía frente a las minas enemigas. Por dentro, las torres se convertían en una auténtica ratonera para cualquier asaltante: cuentan con sótanos excavados, plantas bajas y falsas escaleras diseñadas para desorientar a los intrusos.

Defensas de la Porte Narbonnaise. Dibujo de Viollet-le-Duc recreado con IA

Los primeros pisos abovedados estaban dotados de chimeneas y hornos propios, pero también de almacén de alimentos y cisterna de agua. Además, su sistema defensivo combinaba niveles de matacanes fijos de piedra en la mampostería con cadalsos —estructuras voladas de madera con tejadillos protectores que se instalaban de forma temporal en tiempos de guerra—, y que permitía descargar una lluvia implacable de piedras, fuego y flechas a quemarropa. Para rematar este complejo defensivo, el camino de ronda no se interrumpe aquí. Cruza por la parte posterior de la puerta, por encima del pasaje, uniendo ambas murallas de forma continua, pero estrictamente controlada desde los interiores de las torres.

La leyenda de la Dama Carcas que dio nombre a la ciudad

Dama Carcas engañando al ejército de Carlomagno. Imagen generada con IA

No se puede cruzar el umbral de la Cité sin antes invocar a su protectora más insigne. Cuenta la leyenda que, durante la ocupación sarracena, Carlomagno mantuvo la ciudad bajo un asedio que se prolongó durante cinco años. Tras la muerte del rey Balaack, fue su viuda, Dama Carcas, quien tomó las riendas del destino de su pueblo frente a la hambruna y el cerco imperial. Cuando el asedio se hizo insoportable, el ingenio inagotable de Carcas recurrió a maniquíes de paja para simular una guarnición numerosa.

Para demostrar su abundancia, los defensores lanzan un cerdo cebado. Imagen generada con IA

En un último golpe de efecto, alimentó a su último cerdo con el último puñado de trigo que les quedaba para seguidamente arrojarlo desde lo alto de la muralla. Al caer, el animal reventó ante el ejército enemigo, que supuso que la ciudad tenía grano en abundancia. Carlomagno, convencido de que la fortaleza tenía víveres de sobra para alimentar incluso a sus cerdos, levantó el asedio. Cuando las campanas de la ciudad repicaron para celebrar la victoria, alguien exclamó: «¡Carcas sonne!» (¡Carcas repica!). Así, entre el eco de las campanas y la astucia de su señora, nació el nombre de Carcassonne.

Litografía de Carcassonne realizada por Thierry Frères (1835)

Llegados a este punto, con la imponente fachada de la Porte Narbonnaise frente a nosotros, toca tomar la primera gran decisión en la ruta por la ciudadela de Carcassonne. Podemos cruzar el umbral de la puerta y adentrarnos de inmediato en el laberinto de callejuelas estrechas de la Cité —subiendo por la Rue Cros-Mayrevieille— (te dejo esa posible ruta escrita más abajo), o bien sumergirte en el doble recinto amurallado que ha visto pasar dos mil quinientos años de historia. La ruta por el foso defensivo se puede iniciar desde varios puntos, pero si optas por empezar desde la Porte Narbonnaise y recorrer las lizas en sentido contrario a las agujas del reloj, las torres que iremos descubriendo de forma consecutiva son:

Tour du Trésau (La Torre del Tesoro)

Torre del Tesoro. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

La primera gran estructura que te habrá llamado la atención, integrada en el flanco de la muralla interior, es la Tour du Trésau (también conocida como Tour du Treshaut, du Tresaut, de Tressan, du Trésor o Tour de la Cendrino). Se trata de una magnífica obra de finales del siglo XIII, caracterizada por su refinada estructura de piedra almohadillada. Construida para blindar las defensas de la puerta principal, su función táctica primordial consistía en impedir que el enemigo pudiera avanzar hacia el norte por el interior de las lizas.

La Tour du Trésau protegía el flanco norte de la entrada principal

Su posición y envergadura eran puramente estratégicas: por el lado de la ciudad, con una fachada plana de treinta metros de altura y con un impresionante hastial escalonado de estilo flamenco, flanqueado por dos altas atalayas cuadradas y numerosos ventanales. Con unos impresionantes muros de cuatro metros de espesor y una planta redondeada por el lado de las lizas, esta torre dominaba por completo la campiña, la ciudad y la meseta circundante. Más allá de su cometido militar, la torre albergó en su día el Tesoro Real y, ya entrado el siglo XIV, se encargó de proteger los fondos del senescal. En su interior, la Torre del Tesoro se dividía en cuatro niveles diferenciados:

La Tour du Trésau vista desde el interior del recinto amurallado de la Cité

· Nivel inferior: Unas bodegas subterráneas y un piso excavado bajo el propio terraplén de la ciudad.
·   Segundo nivel: Situado casi a ras del suelo del recinto interior.
·   Tercer nivel: Una planta cubierta originalmente por un suelo de madera desmontable.
·  Cuarto nivel: El piso superior bajo el tejado, configurado como la última cámara de vigilancia y defensa bajo la estructura de la cubierta.

El camino de ronda no atraviesa la torre, sino que la rodea por el lado que da a las lizas. Como testimonio tangible de la profunda estratigrafía del lugar, en su base y a lo largo de la alta muralla interior todavía hoy se conservan claramente visibles los vestigios de las antiguas murallas galorromanas y no es el único lugar donde vamos a encontrar esas huellas.

Tour de Bérard

A la derecha, en primer plano la Tour de Bérard y detrás la Tour du Trésau

A continuación, a la derecha, nos encontramos con la Tour de Bérard (también conocida como Tour de Barrar o Tour de Saint-Bernard), que marca el ángulo noreste mediante una inteligente dualidad arquitectónica: es redonda por el lado que mira hacia los fosos y de planta cuadrada en la fachada orientada hacia las lizas.

Tour de Bérard (izda.) tras la de Bénazet; arriba, las torres de Trésau, Moulin du Connétable y Vieulas

En su interior, la torre contaba con dos niveles provistos de molduras diseñadas específicamente para sostener los pavimentos móviles. La parte superior estaba rematada por un almenado con su propio camino de ronda, mientras que el acceso al piso inferior se realizaba a través de una escalera en ángulo recto, estratégicamente defendida por cinco saeteras, manteniendo su sección superior abierta hacia el interior de las lizas para un control visual absoluto.

Tour du Moulin du Connétable (Torre del Molino del Condestable)

En el centro destaca la torre del Moulin du Connétable integrada en la muralla interior

Siguiendo el trayecto por las lizas, un poco más adelante a nuestra izquierda nos aguarda la Tour du Moulin du Connétable. Su denominación responde a que el condestable, el comandante de la compañía de los «Mortes-Payes» (los soldados encargados de la guardia y custodia permanente de la plaza), disponía de su alojamiento privado en este sector de la Cité. Esta torre destaca por ser un auténtico compendio arquitectónico que resume de golpe la compleja evolución milenaria de la Ciudadela de Carcassonne. Su perfil es un fascinante collage histórico: desde la piedra menuda en los cimientos galorromanos, el cuerpo de la torre que exhibe el característico aparato visigodo con hiladas alternas de ladrillo y piedra hasta la mitad de su altura.

Tour du Moulin du Connétable, con su estructura ligeramente inclinada hacia la izquierda

Por encima de esta sección histórica se alza la fábrica medieval, que destaca por el empleo de grandes piedras talladas lisas y regulares, y por el almohadillado utilizado en la época de Felipe III el Atrevido, culminando en un camino de ronda almenado que fue rigurosamente restaurado en el siglo XIX. En su interior, la estructura esconde una original bóveda en forma de cúpula —muy similar a la que encontramos en las torres de la puerta del castillo—, la cual sirve de soporte para el primer piso. El nombre de la torre delata además su posterior e ingeniosa reconversión: esta formidable estructura defensiva fue aprovechada desde 1464 y adaptada para albergar y hacer funcionar un molino de viento, demostrando cómo la arquitectura militar de la fortaleza supo reinventarse a lo largo de los siglos.

Tour de Bénazet

En primer plano, la torre de Bénazet protege el flanco oriental de la muralla exterior

Continuando el trazado, mirando hacia la muralla exterior, la Tour de Bénazet presenta una planta circular cerrada en su parte posterior por un muro plano dotado de lucerna. Al igual que otros bastiones de este frente, interrumpe deliberadamente el camino de ronda para fragmentar el espacio táctico y aislar a los asaltantes entre dos puntos de fuego cruzado.

Tour du Vieulas

La inclinada Torre de Vieulas, cuyo nombre occitano alude a su carácter vetusto

Siguiendo nuestra ruta por la muralla interior, a la izquierda nos encontramos con la Tour du Vieulas (también conocida como Tour Vieusac). Esta estructura muestra con crudeza las consecuencias del violento asedio de 1240: sus cimientos fueron gravemente debilitados por las tácticas de zapa y excavación de los atacantes, lo que provocó una marcada inclinación hacia adelante que todavía hoy testimonia la brutalidad de aquel combate.

Tour de la Marquière

A la izquierda, la Tour de Notre-Dame; a la derecha, Tour de la Marquière

A poca distancia, su compañera, la Tour de la Marquière (o Tour de Marquié), nos presenta una situación análoga, aunque en su caso su acusada inclinación la orienta hacia la izquierda, tras sufrir los mismos ataques de penetración por los ejércitos enemigos. Ambas torres fueron completamente reedificadas en posición vertical durante el siglo XIII, mostrando en una sola construcción la herencia romana de la base, el desastre de la guerra medieval y la restauración gótica que hoy nos permite contemplar ambas estructuras en pie.

Tour de Notre-Dame (Torre de Nuestra Señora)

Tour de Notre-Dame en el centro, flanqueada por sus lienzos de muralla

Continuando con el recorrido, a la derecha encontramos la Tour de Notre-Dame (también conocida como Tour de Rigail, Tour de Rigual o Tour de Rigal). Concebida para blindar el acceso a la histórica Porte de Rodez, esta sólida estructura de planta semicircular combina un camino de ronda almenado con cadalsos y una batería de nueve saeteras, complementada por una poterna lateral que permitía un acceso directo y controlado hacia los fosos.

Porte de Rodez

La Porte de Rodez flanqueada por la Tour de la Marquière a su izquierda

Situada estratégicamente entre la Tour de la Marquière y la Tour de Samson, la Porte de Rodez era el acceso principal del norte. Abierta originalmente en el recinto de los visigodos durante el siglo XII y profundamente reparada en el siglo XIII, esta entrada adquirió un protagonismo legendario al ser citada expresamente por el senescal Guillaume des Ormes en las crónicas del célebre asedio de 1240.

Detalle del doble arco de medio punto de la Porte de Rodez

A diferencia de los grandes complejos monumentales como la Puerta Narbonnaise, esta abertura no contaba con dispositivos defensivos complejos propios en su estructura. Sin embargo, su seguridad dependía de un sistema exterior complementario, ya que estaba precedida originalmente por una obra avanzada con poterna que quedaba rigurosamente protegida bajo la vigilancia de la torre de la barbacana de Notre-Dame.

Tour de Samson (Torre de Sansón)

A la izquierda, la torre de Samson; a la derecha, la torre del Moulin d'Avar

Continuando nuestro recorrido, a la izquierda nos encontramos con la Tour de Samson, un bastión cuya reconstrucción parcial se ejecutó siguiendo rigurosamente el estilo visigodo original. Su sólida base cuadrada fue objeto de reparaciones durante la Edad Media y, en algunos tramos, aún se aprecian antiguos vestigios de construcciones visigodas. La torre carece de saeteras ya que este recurso defensivo se popularizaría siglos más tarde en la arquitectura feudal para disparar desde cubierto. Adosadas a esta fortificación, hacia el lado de la ciudad, se construyeron además algunas viviendas que completaban el entramado urbano de este sector de la Cité.

Tour du Moulin d’Avar (Torre del Molino de Avar)

En la parte superior derecha podemos ver la Tour du Moulin d’Avar

Siguiendo nuestro avance por el perímetro, llegamos a la Tour du Moulin d’Avar, un bastión de origen galorromano que fue cuidadosamente reparado en el siglo XIII. Al igual que ocurriera con otras torres de la fortaleza, funcionó como molino de viento ya entrado el siglo XIX. En el ángulo noroeste se oculta una curiosa poterna formada por imponentes bloques de piedra que, según los indicios, funcionaba probablemente como una de las puertas laterales del antiguo Castellum romano. Justo encima de esta poterna, sobre el almenado del lienzo de muralla, se alza un “montacargas” reconstruido que evoca de manera muy gráfica la intensa actividad logística de la fortificación.

Tour de Mouretis y Tour de la Glacière

Restos de la torre de Mouretis integrados en el recinto defensivo exterior

Las torres Tour de Mouretis (o Tour de Moretis) y Tour de la Glacière comparten un diseño cilíndrico coronado por un camino de ronda almenado y provisto de cadalsos. Su brillantez táctica radicaba en la independencia de sus niveles, separados por suelos de madera que podían retirarse o destruirse con rapidez si el enemigo lograba tomar una de las plantas inferiores, evitando así que el atacante avanzara hacia los pisos superiores.

Tour de la Charpentière (Torre del Carpintero)

La torre de la Charpentière destaca en el ocaso, bañada por los tonos dorados del sol poniente

Continuando nuestro recorrido perimetral, también a la izquierda nos topamos con la Tour de la Charpentière (o Tour de la Charpenterie), cuya sólida base galorromana se eleva a unos dos metros sobre el suelo, firmemente sostenida por los trabajos realizados durante el siglo XIII. Su nombre actual guarda memoria de su antiguo uso y vecindad, ya que se hallaba junto a los talleres y almacenes de madera dedicados a la fabricación y mantenimiento de las defensas de la ciudadela.

Tour de la Porte-Rouge (Torre de la Puerta Roja)

Tour de la Porte-Rouge. Dibujo de Viollet-le-Duc recreado con IA

Mirando otra vez a la derecha, encontramos la Tour de la Porte-Rouge, que destaca por una magistral solución arquitectónica para vencer los desniveles del terreno. La estructura contaba con dos pisos inferiores fuertemente reforzados e independientes, comunicados entre sí por escaleras internas discretamente integradas en el propio muro; un diseño que permitía a los defensores mantenerse a salvo y organizar contraataques por sorpresa, incluso en el supuesto de que los niveles superiores o los tejados fueran inutilizados durante un asedio.

La torre de la Porte-Rouge sirvió de modelo arquitectónico para las torres del recinto exterior

Al avanzar más allá de la Tour de la Porte-Rouge, nuestro recorrido por las lizas se aproxima al Castillo Condal (Château Comtal). Cabe mencionar que, para los visitantes que deseen completar su experiencia desde otro ángulo, el castillo ofrece varias opciones de itinerario (según la duración) para recorrer sus caminos de ronda elevados. Desde esta altura privilegiada, se puede disfrutar de excelentes vistas panorámicas que permiten divisar gran parte de las torres y puertas que hemos descrito a lo largo de este artículo y las que vienen a continuación.

Vista de las torres defensivas del castillo a lo largo del flanco oeste de la muralla

Dicho esto, y dado que el Castillo Condal es el gran icono de Carcassonne y su principal atractivo turístico —la visita obligada de todo visitante—, y que ya cuenta en Planeta Dunia con un artículo propio exclusivo, he decidido no incluir en este texto la explicación detallada de las torres que lo protegen específicamente (la Tour de la Chapelle, la Tour de la Poudre, la Avant-porte del Château y la Tour Peinte). De este modo, retomamos nuestra ruta por las lizas, continuando hasta la siguiente torre de la muralla interior.

Tour de la Justice (Torre de la Justicia)

La Tour de la Justice vista desde el nivel inferior de las lizas

La Tour de la Justice, erigida bajo el reinado de Luis IX sobre los restos de una antigua torre galorromana situada entre dos lienzos de muralla de la misma época, atesora una profunda carga histórica al haber sido sede de la Justicia del Rey y, posteriormente, del mismísimo Tribunal de la Inquisición. Más allá de su temible función judicial, la hermosa sala de su primer piso cumplía también cometidos puramente tácticos como puesto de guardia para vigilar las fortificaciones.

Porte de l'Aude (Puerta del Aude)

Aún son visibles los círculos concéntricos de la anamorfosis de Felice Varini creada en 2018

Antiguamente conocida como Porte de Toulouse, la Porte de l'Aude es el acceso principal del flanco oeste de la fortaleza, situada estratégicamente entre la Torre de la Justicia y la Torre Visigoda. Perforada originalmente en el muro visigodo durante el siglo XII, todavía conserva en su exterior el arco de medio punto, que por su aparejo y materiales fue característico de esa época. Justo a la izquierda de la puerta se alza un fascinante vestigio de la arquitectura civil de los siglos XI y XII: un antiguo edificio residencial cuyo muro exterior aún exhibe tres pequeñas ventanas ajimezadas, divididas por esbeltas columnillas de mármol con capiteles esculpidos.

Varias rampas en zig-zag conducen a la Porte de l'Aude

Franquear esta puerta exigía superar un recorrido diseñado como una auténtica trampa para cualquier intruso. Los atacantes debían ascender por una rampa de fuerte inclinación que realizaba un giro en ángulo cerrado, obligándoles a desviar su trayectoria de forma abrupta. Este trayecto estaba implacablemente protegido tanto por la imponente Torre de la Justicia y la Torre Visigoda contigua como por la Gran Barbacana y el gran muro de enmascaramiento, recibiendo además la defensa cenital de los matacanes visibles desde el adarve o camino de ronda.

Detalle del matacán y el châtelet de la Puerta del Aude coronados con merlones

El acceso exigía superar una primera puerta en forma de simple barrera y una segunda puerta defensiva provista de almenas. Esta última estaba fuertemente custodiada por una robusta estructura transversal o châtelet que coronaba el paso con una plataforma y merlones, cuya base albergaba un vano que comunicaba directamente con las lizas del sudoeste. Aunque la puerta carecía de foso o puentes levadizos, el espacio comprendido entre ambas murallas quedaba protegido por todos los flancos, y este sector se sellaba herméticamente en tiempos de guerra.

La Puerta del Aude quedaba protegida por todos los flancos

Las lizas a ambos lados también podían cerrarse por completo; la puerta superior, hábilmente abierta en un ángulo entrante, permitía un flanqueo defensivo devastador y estaba precedida por un pequeño puesto de control. En tiempos de guerra, este bastión exterior quedaba totalmente aislado, permitiendo únicamente las comunicaciones internas de la guarnición mediante el uso de tablones móviles colocados sobre ménsulas de piedra. Por su aspecto típicamente medieval y su imponente atmósfera, la Puerta del Aude ha servido de escenario para numerosos rodajes cinematográficos, entre los que destacan Los Visitantes (1993), Robin Hood: Príncipe de los ladrones (1991) y El hombre del Cadillac (1965).

Tour Wisigothe (Torre Visigoda)

La Tour Wisigothe desde el camino de ronda accesible en la visita al castillo

Continuando nuestra ruta por Carcassonne, nos encontramos con la Tour Wisigothe (también conocida como Tour du Four Saint-Nazaire —Torre del Horno de Sant Nazario—). Entre esta torre y la vecina Torre de la Inquisición se extiende un lienzo de muralla donde se distingue con total nitidez la confluencia de dos épocas constructivas bien diferenciadas: la fábrica galorromana junto a la Torre Visigoda, y la factura del siglo XIII junto a la Torre de la Inquisición.

Interior de la Tour Wisigothe

El punto exacto de separación entre ambas fábricas tiene una enorme relevancia histórica, ya que de esta línea divisoria partía originalmente el antiguo trazado del recinto galorromano de la antigua Carcaso que Felipe III el Atrevido mandó demoler para levantar el baluarte del suroeste que se conserva en la actualidad. Carcaso fue una etapa esencial y estratégica en la ruta comercial que unía Narbonne con Burdeos. Conquistada por los romanos en el año 122 a. C., la ciudad experimentó una notable prosperidad impulsada fundamentalmente por el comercio del vino.

Tour de l’Inquisition (Torre de la Inquisición)

Parte superior de la Tour de l’Inquisition (izda.) y de la Tour du Petit Canissou (dcha.)

Llegamos a la Tour de l’Inquisition, también llamada Torre redonda del Obispo, en cuyo interior se descubrió un sombrío calabozo provisto de un pilar central todavía guarnecido con sus cadenas originales. Entre esta torre y la Tour de Cahuzac se extiende el tramo de muralla que forma parte del gran saliente construido en 1280 por orden de Felipe III el Atrevido. Estos lienzos de muralla están provistos de magníficas saeteras abiertas bajo arcadas con asientos, diseñadas específicamente para combatir tanto en las lizas como en los caminos de ronda del recinto exterior. Un fascinante documento histórico permitió fechar con absoluta precisión esta sección de la muralla que formó parte del antiguo obispado.

Tour du Petit Canissou (izda., muralla exterior) y Tour de l’Inquisition (dcha., muralla interior)

En agosto de 1280, estando en París, el rey Felipe III el Atrevido concedió al obispo Isar (o Garsier, Gaucelm o Isarn) de Carcassonne el permiso para abrir cuatro ventanas enrejadas en el lienzo de muralla adosado al palacio episcopal. Eso sí, tras consultar al senescal y bajo la condición estricta de que debían ser tapiadas en tiempos de asedio. El acuerdo estipulaba además que el monarca financiaría los desagües para la evacuación de las aguas del obispado a través de la muralla, mientras el prelado conservaría el uso de los pisos de la llamada Torre del Obispo hasta las almenas.

Tour du Petit Canissou

A la izquierda, la Tour du Petit Canissou desde las lizas, y arriba a la derecha, la Tour de l'Inquisition

Continuando nuestro recorrido por el recinto, a la derecha veremos la Tour du Petit Canissou (también conocida como Tour du Petit Canitou o Tour du Petit Canillou). De planta semiredonda y cerrada en su base, esta torre destaca por contar con un camino de ronda y almenado en su primer piso. Su valor estratégico era fundamental, ya que su ubicación está concebida para comandar y vigilar de cerca la subida a la emblemática Puerta de Aude, asegurando el control sobre uno de los flancos más transitados y singulares de la fortaleza.

Tour de l’Évêque (Torre del Obispo)

Sus torrecillas de observación permitían defenderse de ataques externos o internos

La Tour de l’Évêque (o de l’Évêché) es la única torre cuadrada que cruza transversalmente las lizas, interponiéndose entre los sectores norte y sur para seccionar por completo el paso por el corredor de las lizas. El acceso exigía forzar dos puertas y un pasaje protegido por dos matacanes interiores. Sus salas abovedadas quedaban reservadas para el uso exclusivo del obispo de Carcassonne, integrándose en el gran saliente fortificado construido por Felipe III el Atrevido, en 1280.

Tour de Cahuzac

La Tour de Cahuzac vista desde el recorrido por la muralla interior

Continuando el trazado de las fortificaciones, nos detenemos a la izquierda ante la Tour de Cahuzac, que presenta una disposición arquitectónica singular y muy poco habitual en todo el recinto. A diferencia de otros bastiones, en esta torre el camino de ronda gira a su alrededor por completo y se encuentra totalmente resguardado bajo una estructura cubierta en forma de pórtico.

Tour du Grand-Canissou

La Tour du Grand-Canissou desde el recorrido a pie por las lizas

Mirando hacia la derecha, desde el camino de ronda, encontramos la Tour du Grand-Canissou (también conocida como Tour du Grand Canitou o Tour du Grand Canillou), construida por orden de Luis IX. Junto a esta estructura se aprecian todavía los antiguos orificios de desagüe de la cloaca que Felipe III el Atrevido permitió que se construyera para evacuar las aguas del Palacio Episcopal a través de la muralla.

Tour Miprade

La Tour Miprade vista desde el camino de ronda

También conocida como Tour de Mi-Padre, Tour de Charlemagne, Tour de Durban o Tour du Coin (de la esquina), esta torre destaca por su completa distribución interior, que incluye dos pisos abovedados y dos pisos entre plantas; además, estaba equipada con una chimenea y un horno. La única puerta de acceso a esta torre, que no interrumpe el paseo amurallado, se encuentra situada en el lado este y estaba originalmente asegurada con robustos cerrojos y una barra empotrada en la pared.

Interior de la Tour Miprade, equipado con asientos de piedra para los turnos de guardia

Al igual que ocurre en las demás torres de este sector del recinto, el último merlón de la muralla se eleva en el punto exacto donde se une a la torre —allí donde se ubican las puertas—, y la última almena estaba provista de contraventanas diseñadas para proteger tanto a quienes entraban o salían como a los centinelas apostados en los accesos. Como detalle constructivo característico de este tramo, para pasar del camino de ronda a las torres casi siempre es necesario salvar unos pocos escalones, acompañando el trazado ascendente de las almenas.

Tour du Grand Brulas

Vista trasera de la Tour du Grand Brulas desde la muralla interior

Mirando hacia la derecha, encontramos la Tour du Grand Brulas (también conocida como Tour du Vent). Situada estratégicamente en la marcada esquina sudoeste de la muralla exterior, esta torre destaca por sus bastiones dotados de espolones salientes, un diseño defensivo concebido específicamente para desviar los impactos y proteger este ángulo especialmente vulnerable de la fortaleza que no contaba con defensas naturales.

Tour d’Ourliac

Vista de la Tour d’Ourliac, una de las torres defensivas del recinto fortificado

A continuación, en el flanco derecho se alza la Tour d’Ourliac. Esta estructura fue diseñada específicamente con un sistema especializado para controlar el tránsito a lo largo de la fortificación, permitiendo seccionar e interrumpir el paso por el camino de ronda. Mediante unas puertas diseñadas estratégicamente, se bloqueaba el avance del enemigo y se protegía con mayor precisión uno de los puntos más vulnerables de este sector.

Tour du Moulin du Midi (Torre del Molino Sur)

Tour du Moulin du Midi y el Théâtre Jean Deschamps

Situada a los pies del antiguo claustro, en el flanco izquierdo de la muralla, la Tour du Moulin du Midi es un bastión construido de forma retranqueada (está situada a una cierta distancia hacia atrás) respecto a la línea del almenado. Al igual que otras torres, también fue adaptada en su día como molino de viento. Como contraste fascinante entre la historia medieval y la vida cultural contemporánea, a los pies mismos de esta torre, se despliega el escenario del Théâtre de la Cité, conocido desde 2006 como Théâtre Jean Deschamps, un enclave emblemático que integra magistralmente las artes escénicas en el corazón de las piedras milenarias de la fortaleza de Carcassonne.

Tour Saint-Nazaire (Torre San Nazario)

La Tour Saint-Nazaire, una de las pocas torres de planta cuadrada de la Cité

Al sur, el acceso principal es la imponente torre-puerta de Saint-Nazaire, uno de los enclaves más notables del conjunto fortificado y el punto de acceso inmediato a la basílica homónima, cuya construcción se prolongó entre 1096 y 1321. Este bastión de planta cuadrada funcionaba con total autosuficiencia gracias a sus recursos internos, albergando un pozo de agua que abastecía tanto a las lizas como al primer piso, además de un horno de pan que garantizaba la supervivencia de su guarnición durante los asedios.

Puerta de acceso y saeteras en la parte inferior de la Porte de Saint-Nazaire

La puerta situada en la base y orientada hacia las lizas se abría de forma lateral, quedando hábilmente enmascarada por el saliente de una garita en ángulo. Su umbral se elevaba a más de dos metros sobre el nivel del suelo, obligando a utilizar escaleras o un plano inclinado de madera para poder entrar o salir. Una vez superado este primer obstáculo, el interior imponía un recorrido en diagonal que exigía girar en ángulo recto para franquear la segunda puerta, un paso estrecho e impracticable para la caballería que exclusivamente permitía el tránsito de infantería.

La Tour Saint-Nazaire desde el camino de ronda, con sus característicos sillares almohadillados

Ambos accesos contaban con defensas independientes compuestas por rastrillos, matacanes y robustas hojas de madera. El mecanismo del primer rastrillo se accionaba desde la sala del primer piso, mientras que el segundo se manejaba directamente desde el camino de ronda, emulando la sofisticación técnica de la Puerta Narbonnaise. Al tratarse de uno de los puntos más elevados de la Cité, la cima de la torre estaba coronada por una plataforma provista de una doble línea de almenas y flanqueada por garitas. La Torre San Nazario estaba rematada por una atalaya destinada a la vigilancia lejana y diseñada específicamente para soportar el peso de un motor de guerra como un mangonel: un tipo de catapulta para lanzar proyectiles.

Tour Crémade (Torre Quemada)

A la izquierda, Tour Saint-Nazaire; a la derecha, la Tour Crémade

En nuestra ruta a pie llegamos a la Tour Crémade, que actúa como barbacana defensiva de la Poterna de Saint-Nazaire, vista anteriormente. Su amplio diámetro la convertía en un bastión idóneo no solo para la defensa, sino también para cubrir salidas estratégicas o protegerse de contraataques desde los flancos. Al igual que otras estructuras del recinto, esta torre carecía de techo y conectaba directamente con el camino de ronda, funcionando prácticamente como una prolongación lateral del mismo.

Interior de la Tour Crémade a la altura del camino de las lizas

Justo al lado de esta barbacana se encontraba una poterna: una puerta trasera baja y estrecha que daba a un foso poco profundo en ese sector. Su diseño incluía una medida de seguridad brillante para tiempos de asedio: podía cegarse con absoluta facilidad simplemente rellenando de tierra la empinada escalera que conectaba su umbral con las lizas. Como detalle de su astucia militar, la cercana Torre San Nazario estaba concebida de tal forma que resultaba completamente imposible para los atacantes situados fuera del recinto sospechar que el muro albergaba una poterna oculta.

Tour Saint-Martin (Torre San Martín)

Vista de la Tour Saint-Martin desde el interior de la muralla

A continuación, en el flanco izquierdo, se alza la Tour Saint-Martin, que oculta a muy corta distancia una poterna vulnerable. Este bastión es similar a la Torre Miprade o la Puerta Narbonnaise, al quedar reforzado en su exterior por un espolón o proa saliente. Su distribución interior comprendía dos pisos abovedados y dos niveles intermedios con suelo de madera, elevándose airosa por encima del camino de ronda. A partir de este punto del recinto interior, los vestigios de las antiguas murallas visigodas reaparecen con claridad en las secciones inferiores de los lienzos de muralla y torres, prolongándose de forma ininterrumpida hasta la Tour de Saint-Sernin.

Parte superior y tejado de pizarra de la Tour Saint-Martin desde el recorrido del camino de ronda

Toda esta vasta porción de la muralla fue profundamente reparada y reconstruida en parte por Felipe III el Atrevido, erigiéndose sobre los cimientos visigodos y romanos, evidenciando una vez más la superposición de épocas que define la arqueología de la Cité. Finalmente, en el lienzo de muralla que se extiende entre la Tour Saint-Martin y la Tour des Prisons se oculta una poterna que durante las profundas reformas del siglo XIII fue clausurada y transformada por completo en una simple saetera, sellando definitivamente una de las antiguas vías de paso de la fortificación.

Tour des Prisons (Torre de las Prisiones)

De izda. a dcha.: Poterne de Razés, Tour Saint-Martin, Tour des Prisons, Tour Castéra y Tour Cautières

Avanzando hacia el tramo final que reconecta con el sector oriental, nos encontramos primeramente con la Tour des Prisons, que se alza sobre los cimientos de torres primitivas, presentando un diámetro notablemente más reducido frente a las torres monumentales del siglo XIII. Su arquitectura interior, de tan solo dos plantas, carece de bóvedas de piedra y se organizaba mediante sencillos forjados de madera sobre la mampostería visigoda. A partir del siglo XIV, algunas de las torres de la Cité se convirtieron en prisiones para encarcelar a ladrones, bandoleros y vagabundos, a los que seguirían cátaros y, dos siglos más tarde, encerrarían a los hugonotes.

Tour Cautières

Vista de la Tour Cautières en el frente defensivo de la muralla exterior

Actuando como protección de la Poterna de San Nazario encontramos la Tour Cautières (también denominada Tour Cautière o Tour Cautier). De planta amplia y abierta hacia el interior —una característica distintiva de las torres de la muralla exterior para evitar que, en caso de ser tomadas, el enemigo no pudiera refugiarse en ellas—, esta estructura conectaba directamente con el camino de ronda. Su posición era vital para garantizar que cualquier intento de aproximación a la poterna fuera detectado y batido inmediatamente.

Tour de Castéra

Postal antigua restaurada con IA donde puede verse en primer plano a la izquierda, la Tour de Castéra

Continuando la ruta, a la izquierda se alza la Tour de Castéra, que destaca por sus singulares soluciones interiores para salvar las alturas y resolver los problemas de espacio: unas estrechas escaleras de caracol. Asimismo, este diseño introduce una singularidad funcional que condicionaba por completo el movimiento a lo largo de la fortificación, ya que estas torres interrumpen de forma abrupta la circulación continua del camino de ronda de los lienzos de muralla, obligando imperativamente a atravesar su interior para poder transitar de un paño de muralla al siguiente. En la postal antigua podemos observar algunas de las construcciones adosadas a la muralla a principios del siglo XX.

Tour Pouléto

A la izquierda, Tour des Prisons; a la derecha, Tour Pouléto

A escasos metros encontramos una nueva torre, la Tour Pouléto (también conocida como Tour de la Pouloto o Tour Pauleto). Al igual que su vecina del lienzo de muralla, presenta un diámetro generoso y una planta abierta. Lo que hace a esta torre especialmente interesante es que se ha conservado el sistema de garitas (échauguette), elementos defensivos que sobresalían del muro y que permitían a los vigías controlar los fosos y las lizas con ángulos de visión prácticamente totales. Estas torres, junto con sus pasarelas de madera, creaban una red de vigilancia exhaustiva que hacía del sector suroeste un terreno extremadamente difícil para cualquier asaltante.

Tour du Plô

Postal restaurada con IA donde puede verse en primer plano a la derecha, la Tour du Plô

Siguiendo nuestro recorrido por las murallas, llegamos a la Tour du Plô. Este bastión ejemplifica a la perfección la superposición cronológica que define a gran parte de la fortaleza, ya que, en su parte inferior y orientada hacia las lizas, exhibe con claridad los vestigios de sus antiguos cimientos romanos. Sobre esta sólida base se alza el cuerpo de la torre de origen visigodo, el cual queda finalmente coronado y rematado por la fábrica y los elementos constructivos propios del siglo XIII.

Tour de Balthazar (Torre de Baltasar)

Atardecer frente a la Tour de Balthazar

La Tour de Balthazar fue la única torre reconstruida íntegramente por orden de Felipe III el Atrevido. Esta intervención dotó a la estructura de un espesor considerable y de un marcado espolón saliente en su cara exterior. Su altura no fue fruto del azar, sino una necesidad funcional imperativa: debía elevarse lo suficiente para dominar visual y defensivamente la Tour de la Vade; un torreón avanzado y absolutamente independiente que tenía la misión de controlar la meseta que se extiende frente a este sector de la fortaleza.

Vista de la Tour de Balthazar desde la Rue du Plô

En la cara del muro que mira hacia el interior de la ciudad, durante mucho tiempo hubo viviendas adosadas. Además, en el ángulo derecho del lienzo de muralla que conecta con la propia Torre de Baltasar, se abre una poterna que facilitaba la comunicación directa con esa defensa externa que es la Tour de la Vade, permitiendo el despliegue de tropas entre ambos baluartes.

Tour de la Vade

Tour de la Vade. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Llegamos a uno de los enclaves más fascinantes del recinto: la Tour de la Vade (también conocida como Tour du Papegay). Aunque técnicamente pertenece a la muralla exterior, esta estructura funcionaba como un baluarte avanzado totalmente independiente, diseñado para dominar por completo toda la meseta oriental que, antes del reinado de Luis IX, albergaba un próspero suburbio. Su interior se organizaba en tres plantas espaciosas cubiertas por bóvedas de ojiva, cuyas claves estaban delicadamente adornadas con figuras esculpidas de época medieval.

A la izquierda, Tour de la Vade; a la derecha, Tour de la Peyre

Más que una simple torre, era un verdadero mini-bastión autosuficiente que contaba con su propio pozo de agua y un horno para cocer pan, garantizando la independencia logística de la compañía de soldados del rey formada por doscientos veinte hombres. Para asegurar el enlace con el corazón de la fortaleza, la torre conectaba con una poterna ojival equipada con rastrillo, la cual es visible en el ángulo oeste de la cercana Torre de Baltasar.

Tour de Davejean

Postal restaurada con IA donde puede verse en primer plano a la izquierda, la Tour de Davejean

La Tour de Davejean (también conocida como Tour de Davejan, Tour de Dabéja o Tour de Daréja) se erige sobre una impresionante subestructura romana compuesta por grandes bloques de piedra perfectamente encajados y carentes de mortero. Originalmente, este zócalo debió soportar una torre de planta cuadrada, pero los visigodos, buscando una forma más robusta, decidieron adaptar la construcción golpeando las aristas salientes con mazas hasta redondear la mole, que se conserva hoy como un macizo compacto de mampostería.

Atardecer frente a la Tour de Davejean

Al examinar las elevaciones realizadas durante el siglo XIII, se aprecia la astucia de los ingenieros medievales en su diseño. Estos dotaron a la parte cilíndrica exterior de una gran espesura para garantizar la resistencia defensiva, mientras que, en el lado orientado hacia la ciudad, donde la torre se cierra con un piñón, los muros presentan un grosor sensiblemente menor. Esta diferencia de dimensiones respondía a una necesidad pragmática: liberar el máximo espacio interior posible para alojar con comodidad los puestos de vigilancia y a la guarnición.

Tour Saint-Laurent (Torre de San Lorenzo)

Postal antigua restaurada con IA donde puede verse en primer plano la Tour Saint-Laurent

La Tour Saint-Laurent es otro de los bastiones que evidencia la larga ocupación y transformación del recinto amurallado de Carcassonne. De origen galorromano, esta estructura fue objeto de reparaciones y adecuaciones durante el siglo XIII, integrándose así en las labores de fortalecimiento y modernización que caracterizaron las campañas constructivas de esa época en toda la fortificación, adaptando las bases milenarias a las exigencias defensivas medievales. En la postal antigua de la parte superior, puede verse algunas de las viviendas que durante años ocuparon las lizas de Carcassonne.

Tour de la Peyre

Tour de la Peyre en la muralla exterior de la Cité, concebida para el control táctico de las lizas

La última torre a la derecha que encontramos en el perímetro defensivo del recinto exterior es la Tour de la Peyre (o Tour de Lapeyre). Esta estructura se encontraba casi intacta —a excepción del tejado— antes de las restauraciones decimonónicas realizadas por Eugène Viollet-le-Duc. Al igual que el resto de las torres de este recinto exterior, su parte superior estaba abierta hacia el interior de la ciudad para evitar que pudiera ser utilizada como bastión hostil si caía en manos enemigas, permitiendo a la guarnición mantener el control absoluto desde la pasarela superior.

Postal antigua restaurada con IA donde se ve la estructura entre las torres Saint-Laurent y Trauquet

Entre la Torre de San Lorenzo y la Torre de Trauquet se alza una construcción saliente que albergaba originalmente una escalera de madera, concebida para descender hacia una vasta red de pasadizos subterráneos. La salida exterior de este complejo sistema se sitúa junto a la Torre de la Peyre, exactamente al nivel del fondo del foso. Esta poterna desempeñaba una función táctica de enorme relevancia, al permitir poner los caminos de ronda superiores en comunicación directa y fluida tanto con las lizas como con el exterior. En el ángulo de la Torre de la Peyre se abre una amplia sala subterránea abovedada con capacidad suficiente para acuartelar a cerca de cuarenta hombres armados.

Tour de Trauquet

Tour de Trauquet vista desde el puente levadizo de la Puerta de Narbonne

La Tour de Trauquet comparte idénticas disposiciones constructivas y arquitectónicas que las torres de Prisons, Castéra, Plô, Davejean y San Lorenzo. Responde a esa tipología tradicional de torres de menor diámetro que se levanta sobre cimientos primitivos, prescindiendo de bóvedas de piedra y estructurándose mediante sencillos forjados de madera. Sus escaleras de caracol interiores —que ocupaban un espacio considerable— condicionaban la circulación, ya que obligaban a interrumpir el paso continuo del camino de ronda para atravesar obligatoriamente el interior de la torre antes de alcanzar el siguiente paño de muralla.

Tour de Saint-Sernin (Torre de San Saturnino)

Ventana ojival del siglo XV en la Tour de Saint-Sernin

La Tour de Saint-Sernin (o Tour du Sacraire de St. Sernin) hunde sus raíces en la época galorromana y destaca por haber formado parte del ábside de la antigua iglesia parroquial de Saint-Sernin, demolida en 1793. En su estructura sobresale una elegante ventana ojival abierta en el siglo XV para dotar de mayor luminosidad al templo. Su configuración, integrada en la torre circular, sugiere una fascinante hipótesis histórica: al tratarse del templo más antiguo de la Cité, este espacio pudo albergar la capilla del castillo original anterior a la reforma del siglo XIII, precisamente en el emplazamiento donde hoy se yerguen las torres de la Puerta Narbonnaise. En esta torre finaliza nuestra ruta por las lizas de Carcassonne; es el momento de adentrarnos en la ciudadela.

Rue Cros-Mayrevieille

Joven con gafas de realidad virtual. © Vincent Photographie. Gentileza de la Oficina de Turismo

La Rue Cros-Mayrevieille es una de las calles más transitadas y turísticas de Carcassonne; aquí encontrarás establecimientos de toda clase de venta de recuerdos, helados, galletas, cosmética, ropa, etc. También se encuentra aquí la Oficina de Turismo de Carcassonne de la ciudad medieval. Además de servir de orientación y de ayuda, encontrarás en su interior la película de realidad virtual: ¡Carcassonne, qué historia!

Fotograma de la película de realidad virtual de VrShow. Gentileza de la Oficina de Turismo

Te será imposible quedarte quieto en la silla; gracias a unas gafas de realidad aumentada podrás ver lo que ocurre delante y detrás de ti, sin olvidar lo que viene por tu lado o por encima. Formarás parte de la construcción de las murallas de Carcassonne o quedarás atrapado en medio del asedio, una experiencia perfecta para quienes quieran vivir la historia de Carcassonne. ¿Estás list@ para seguir visitándola?

Rue Cros Mayrevielle, dedicada al historiador que impulsó la salvación de la Cité

Si subes desde la Porte Narbonnaise por la calle principal de la Rue Cros Mayrevielle, llegarás hasta la barbacana del castillo condal, pero si dispones de tiempo, es decir, vas a estar más de un día en Carcassonne, te recomiendo que te desvíes a mano izquierda por la Rue St. Sernin, hasta llegar a la Place Marcou. No te olvides de buscar con la mirada la parte posterior de la Porte Narbonnaise.

Place Marcou

Fuente con el busto de Théophile Marcou en la Place Marcou

En el corazón de la Place Marcou, aunque es una plaza muy turística llena de restaurantes y terrazas donde tomar algo, se levanta el monumento dedicado a Théophile Marcou, el alcalde que, en 1872, transformó para siempre la Cité al instalar su primera red de distribución de agua corriente. Su monumento, obra del escultor Théophile Barrau, fue inaugurado en 1901 y consta, en cada cara del pedestal, de una fuente de cuatro pilas semicirculares decoradas con mascarones. Remata el conjunto el busto en bronce de Théophile Marcou.

Los pozos milenarios de la Cité

El pozo medieval del Petit Puits (siglo XIV) tiene más de 21 metros de profundidad

Carcassonne es una excelente ciudad para callejear y adentrarnos en los rincones más pintorescos de la Cité, por ejemplo, hasta la Place du Petit Puits. Este rincón alberga un pozo modesto que formaba parte del sistema de abastecimiento cotidiano de la ciudad y nos recuerda la importancia crucial del agua para la subsistencia. Siguiendo nuestro paseo por este entramado de callejuelas —saliendo del castillo a mano izquierda y recorriendo la rue Viollet-le-Duc— alcanzamos la Place du Grand Puits, donde se localiza el hermano mayor de este sistema hídrico.

En la Place du Grand Puits se encuentra el pozo más antiguo de la Cité

Considerado el pozo más antiguo de la Cité, su imponente bordillo de piedra se remonta al siglo XIV, mientras que las elegantes columnas y la característica herrería que lo coronan son ya aportaciones del Renacimiento. Sobre este emblemático pozo gravita además una fascinante leyenda popular que asegura que en sus profundidades se oculta un fabuloso tesoro. Un mito tan extendido que provocó que, en el año 1910, se llevaran a cabo excavaciones arqueológicas con la esperanza de dar con el botín; sin embargo, las pesquisas resultaron por completo infructuosas, dejando el misterio reducido al encanto del relato.

El Campamento Medieval de Carcassonne

El trovador Kaami te explicará algunas de las particularidades de vivir en el medievo

Hablando de encanto, en el 27 de la rue du Plô encontrarás un espacio didáctico y gratuito para sumergirte de una forma muy divertida en la vida medieval. Se trata de un Campamento Medieval donde encontrarás media docena de tiendas (de ahí lo de campamento) con escenas que explican temas tan interesantes como la higiene, la medicina, la música y los trovadores, pasando por los torneos, las armas y la guerra, entre otras facetas de la vida cotidiana en la Edad Media. Puedes leer el artículo completo dedicado al Campamento Medieval de Carcassonne, en el blog de viajes de Planeta Dunia.

La Basílica de Saint-Nazaire

Transepto norte, catedral de Saint-Nazaire. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Tal y como le ocurrió a Stendhal y él mismo dejó escrito, la sorpresa dio paso a un deleite absoluto cuando, mientras vagaba sin rumbo por las callejuelas de la Cité, preguntó por la iglesia y «una joven de hermosos ojos me condujo hasta ella». El propio escritor dejó constancia de su asombro: «Quizás nunca antes había sentido con tanta intensidad la encantadora elegancia del estilo gótico». La actual Basílica de Saint-Nazaire —catalogada como monumento histórico desde 1840 y Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1997— es un magnífico ejemplo de coexistencia armónica entre dos estilos arquitectónicos radicalmente diferenciados: el lado izquierdo corresponde a la sobria nave románica, mientras que el derecho acoge el crucero y la imponente nave gótica.

Una doble alma: Del románico austero al gótico radiante

El flanco sur exterior de la basílica de Saint-Nazaire destaca por su arquitectura gótica

Los cimientos del templo hunden sus raíces en los albores del milenio. El primer documento auténtico que menciona la iglesia data del año 925, aunque fue el 12 de junio de 1096 cuando el papa Urbano II visitó Carcassonne para bendecir la primera piedra del edificio románico. De esta etapa primigenia se conservan la cripta —el vestigio más antiguo, que corresponde al ábside original— y la imponente nave románica de la primera mitad del siglo XII, caracterizada por sus robustas bóvedas de cañón y sus pilares alternos coronados con capiteles esculpidos.

El coro gótico de la basílica destaca por su gran altura y la luminosidad de sus vidrieras medievales

Sin embargo, el contraste estalla al alzar la vista hacia la cabecera. A finales del siglo XIII, en plena efervescencia tras la conquista de la ciudad por los cruzados y el dominio real, el obispo y el cabildo impulsaron la ampliación del templo. A pesar de la estrechez del terreno, en 1269 obtuvieron el permiso para invadir la vía pública y levantar un imponente coro gótico. Construido a partir de 1275 bajo las directrices del gótico radiante, este espacio deslumbrante hizo que la iglesia fuera bautizada popularmente como «la Sainte-Chapelle del Sur».

Antigua catedral de Saint-Nazaire. Fotografía de Gustave Le Gray (1851)

Sobre esta dualidad arquitectónica, Stendhal sentenció con absoluta precisión: «El coro de Saint-Nazaire —nombre de la iglesia, según supe una hora más tarde por un sacerdote de Saint-Vincent—, o más bien el interior de dicho coro, es una obra maestra del gótico elegante, realzada por el trasfondo románico de la nave».

Un relicario de luz, color y música

Rosetón sur presidido por el Cristo en Majestad rodeado por los símbolos de los cuatro evangelistas

Al no poder desarrollar un deambulatorio clásico con capillas radiales debido a las limitaciones del espacio, el maestro de obras diseñó un transepto coronado por un gran ábside y seis capillas contiguas. Sus muros, ahuecados y reforzados con tirantes metálicos, otorgan al conjunto una transparencia excepcional, rematados por estructuras ojivales coronadas con una delicada balaustrada perforada de hojas lanceoladas y lóbulos redondeados, bajo cuyos cornisones desfila una expresiva fila de modillones esculpidos con cabezas de temática variada.

Detalle de la vidriera del Árbol de la Vida con la representación de Adán y Eva

Este auténtico relicario de vidrio alberga algunas de las vidrieras más bellas del sur de Francia, que narran la historia de Cristo, de San Pedro y San Pablo, de los patronos locales y muestran la excepcional representación del Árbol de la Vida con Adán y Eva como protagonistas. Muy pocos saben que estas impresionantes vidrieras sirvieron de valiosa prueba técnica para realizar con posterioridad los grandes vitrales de la catedral de Notre-Dame de París. El interior se completa con uno de los órganos históricos más importantes de la región de Occitania.

Rosetón norte presidido por la Virgen María con el Niño rodeada por ángeles y santos

A lo largo de los siglos, el templo ha cambiado de rango y funciones: constituyó el corazón del barrio episcopal y actuó como catedral de la diócesis hasta que, en 1801, perdió dicho estatus en favor de la iglesia de Saint-Michel, situada en la Bastida. Casi un siglo después, en 1898, el papa León XIII le concedió el título honorífico de basílica. Como sede episcopal, el templo de Saint-Nazaire conserva en su interior las tumbas de tres de sus obispos: Pierre de Rochefort, Guilhem Razouls y Gérard du Puy.

La salvación de la ciudadela

Virgen con el Niño (izda.) y La Piedad de la Capilla de Santa Ana (dcha.)

El templo que hoy admiramos con tanta fascinación estuvo a punto de perderse para siempre. A mediados del siglo XIX, la iglesia se encontraba en un estado ruinoso y alarmante. Fue la meticulosa y titánica labor de restauración de la iglesia dirigida por Eugène Viollet-le-Duc, a partir de 1844, la que devolvió el esplendor a sus muros. Su intervención fue la clave que desató el reconocimiento general de la importancia de salvar la Cité de Carcassonne y dio inicio a su recuperación monumental íntegra.

Campanario gótico de la Basílica de Saint-Nazaire

Hoy en día, con entrada libre y gratuita, visitar Saint-Nazaire permite conectar con la historia viva de Carcassonne. Eso sí, al terminar el recorrido es fácil comprender el estado físico con el que el célebre escritor cerraba su crónica de viaje, recordándonos el esfuerzo que implica patear cada rincón de esta fortaleza: «Este relato habría sido profundamente conmovedor de haberlo escrito allí mismo, en Saint-Nazaire; pero estoy agotado, extenuado, empapado en sudor, y hace frío».

La casa más bonita de Carcassonne

Casa medieval con entramado de madera y cuerpo en voladizo en la Place Auguste Pierre Pont

Frente a la basílica de Saint-Nazaire, en la Place Auguste Pierre Pont, se encuentra mi rincón favorito de la Cité, la que considero, sin duda, la casa más bonita de Carcassonne. Con una silueta singular y atípica, caracterizada por un cuerpo superior en voladizo que sobresale a ambos lados y su estructura de madera, a modo de maison à colombages, en los laterales. Este edificio, que desprende un encanto único a Edad Media, antaño albergó el restaurante Chez Saskia, y hoy acoge la tradicional Boulangerie de la Cité. Desde este rincón entrañable, retomamos nuestra ruta por las bulliciosas Rue Saint-Louis y la Rue de la Porte d'Aude —plagadas de terrazas y comercios que invitan a detenerse— hasta desembocar finalmente en la animada Place du Château.

Place du Château

Monumento a Jean-Pierre Cros-Mayrevieille

El monumento con busto situado en la Place du Château está dedicado a Jean-Pierre Cros-Mayrevieille, el ilustre historiador, arqueólogo natural de Carcassonne cuya labor fue absolutamente decisiva para evitar que la fortaleza fuera borrada del mapa. Cros-Mayrevieille fue el gran pionero que, junto al inspector de monumentos históricos Prosper Mérimée, luchó con ahínco en el siglo XIX para paralizar la orden de demolición que pesaba sobre la Cité, logrando que el conjunto fuera catalogado oficialmente como monumento histórico.

Detalle del friso circular en relieve que representa la Ciudadela de Carcassonne

Sin su persistencia y sus detallados estudios sobre el valor arquitectónico de las murallas, la restauración que posteriormente acometió Eugène Viollet-le-Duc jamás habría tenido lugar. El monumento a Jean-Pierre Cros-Mayrevieille de 1911 consta de una columna que sostiene un busto de bronce esculpido por Jean Rivière. Como detalle de gran valor simbólico, la estructura está rodeada por un friso en relieve que dibuja una panorámica circular de las propias murallas de la ciudadela, diseñado por el arquitecto y restaurador Paul Boeswillwald.

Visitantes cruzando el puente de piedra hacia el imponente Castillo Condal de Carcassonne

Y ahora ya sí, tras este apasionante recorrido por la Cité de Carcassonne, estamos listos para visitar el Castillo de Carcassonne, el broche de oro que te invito a descubrir en detalle en el artículo publicado en el blog de viajes de Planeta Dunia: Castillo de Carcassonne: Recorrido de la visita.

Castillo de Carcassonne: Recorrido de la visita

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Vista de la entrada al castillo de Carcassonne y su puente sobre el foso

El castillo es la edificación más imponente de la Ciudadela de Carcassonne; es el testigo de piedra de una compleja transición política. Erigido sobre el punto más alto del espolón rocoso, este castillo define la silueta de la fortaleza medieval y actúa como la última línea de defensa de la ciudad. Recorrer sus estancias permite comprender cómo una residencia señorial del siglo XII se transformó, a través de la estrategia militar y el poder real, en una fortaleza inexpugnable. Para entender la singularidad de este castillo, es necesario mirar más allá de sus murallas y comprender la convulsión histórica que lo moldeó durante el siglo XIII.

Historia del castillo condal: De los Trencavel a la corona real

El castillo de Carcassonne fue el más moderno de su época

La historia del castillo de Carcassonne está intrínsecamente ligada a la poderosa dinastía de los Trencavel —vizcondes de Béziers y Carcassonne—, quienes durante el siglo XII dominaron la región. En esta época de prosperidad, dotaron a la ciudad de un palatium, la residencia que constituye el núcleo original del actual castillo. Los Trencavel lograron mantener un delicado equilibrio de poder frente a los condes de Toulouse y Barcelona, consolidando su autonomía en la zona.

Soldados defendiendo la fortaleza desde el interior de un cadalso. Imagen generada con IA

Sin embargo, esta estabilidad se truncó con la cruzada contra los albigenses (1209-1229). El 15 de agosto de 1209, tras un asedio de 15 días, la Ciudadela cayó y el vizconde Raymond-Roger Trencavel fue depuesto, dando paso a Simon de Montfort. Como líder militar de la cruzada, este personaje se convertiría en el ejecutor de una política de terror, tristemente célebre por el episodio de Béziers, donde profirió la terrible orden: “Matadlos a todos, Dios reconocerá a los suyos”. Un suceso brutal que relato con más detalle en mi escapada de fin de semana a Béziers.

Cuando Luis IX mandó reparar la muralla, algunas partes tenían ya mil años

En 1226, el vizcondado se integró formalmente en el dominio real francés. Fue bajo el reinado de Luis IX (San Luis) cuando el antiguo palacio de los Trencavel sufrió su transformación más radical: se convirtió en un castillo-fortaleza, sede del senescal del rey. Como figura principal de la administración real, el senescal era el encargado de impartir justicia en nombre del rey, recaudar los impuestos reales y, fundamentalmente, asegurar que este bastión estratégico permaneciera bajo el control férreo de Francia, disuadiendo cualquier intento de rebelión en un territorio que, durante décadas, había mantenido su propia independencia.

Planta del castillo de Carcassonne. Imagen generada con IA

La planta del castillo es rectangular y está flanqueada por torres almenadas, las cuales desvelan el avance técnico logrado por los arquitectos reales desde la época de Felipe II de Francia, más conocido como Philippe Auguste (1165–1223). Al observar los lienzos de muralla, se distingue claramente el sector que corresponde a la época medieval, situado a mano izquierda, al oeste. Por otro lado, a mano derecha, al norte, se encuentra el lienzo de muralla que preserva la esencia galorromana del siglo IV.

Vista panorámica del castillo y su potente sistema defensivo medieval

Se trata de los vestigios galorromanos que representan la capa defensiva más antigua de toda la Ciudadela de Carcassonne, sobre cuya base se asentó posteriormente la fortificación medieval. Es fascinante observar cómo, en este punto preciso del castillo, las torres en forma de «U»—características de la fortificación galorromana original, con su lado redondeado orientado al exterior— conviven con todo lo construido o modificado bajo el mandato de los reyes de Francia (especialmente Luis IX), demostrando que la técnica romana siguió siendo eficaz siglos después.

Barbacana del castillo

Los muros de la barbacana protegían el acceso fortificado

La primera estructura defensiva que sale a nuestro encuentro es la barbacana, una trampa estratégica diseñada para diezmar a cualquier atacante. Erigida durante el siglo XIII y reparada por Felipe III, «el Atrevido», esta fortificación avanzada tenía como misión principal proteger el acceso al castillo de Carcassonne. De planta semicircular, la obra se encuentra flanqueada por caminos de ronda y un coronamiento almenado, exponiendo al enemigo a un espacio confinado y vulnerable ante la defensa superior, protegida por un conjunto de saeteras —abertura estrecha y alargada en un muro, diseñada específicamente para que los arqueros o ballesteros pudieran disparar hacia el exterior, mientras quedaba protegido el arquero, ya que el hueco era lo suficientemente pequeño como para que fuera difícil acertarle desde fuera—.

Sistema exterior defensivo concebido para retrasar y hostigar el avance enemigo

El piso superior de esta barbacana estaba completamente abierto hacia el lado del castillo. De este modo, si los atacantes lograban rebasar los accesos y tomar esta plataforma, quedaban atrapados en un callejón sin salida. Al carecer de protección por la retaguardia, les resultaba imposible utilizarla como bastión fortificado desde el cual defenderse, ya que la guarnición los podía aniquilar por completo desde la seguridad del recinto interior. A pesar de su carácter marcadamente militar, se trata de una construcción notable, de excelente factura.

La barbacana se levanta delante del foso seco

Tras superar la barbacana, el siguiente obstáculo crítico era un foso seco excavado directamente en la roca en el siglo XII. Se extendía a lo largo de tres de sus lados, para aislar y proteger el castillo, que sería ampliado en el siglo siguiente. Salvar este abismo exigía cruzar un sofisticado sistema defensivo que, durante la Edad Media, combinaba un puente de piedra que terminaba a dos metros de la puerta de entrada, a la que solo se podía llegar añadiendo un puente de madera desmontable. El puente original fue sustituido por el actual puente de piedra que data del siglo XVII.

Entrada principal del castillo

La puerta principal estaba custodiada por dos imponentes torres defensivas

La entrada principal del castillo de Carcassonne constituye una espectacular pieza de ingeniería defensiva flanqueada por dos torres gemelas, cuya protección se estructuraba en varios niveles de seguridad. En los dos primeros pisos, las defensas frontal y posterior se articulaban mediante un matacán —la abertura cenital de piedra destinada al lanzamiento de proyectiles sobre los atacantes— y un sistema de reja levadiza. En la planta baja, una puerta doble reforzaba el cierre hacia el interior, mientras que el tercer piso, dotado de un suelo de madera, permitía a los defensores el acceso directo a las almenas para las operaciones de combate.

Detalle del tejado cónico de pizarra que rematan las torres del acceso principal

Las torres albergan dos niveles abovedados, perforados por saeteras, mientras que los dos pisos superiores se encontraban separados por forjados de madera. Ambas torres están unidas por una construcción sobre un arco de medio punto que cubre la puerta con un matacán. La puerta se cerraba por un rastrillo; ese tipo de puerta enrejada que tiene forma de peine y que sale en todas las películas medievales, cerrándose siempre en el último segundo. Al que le seguía una puerta con armazón de hierro, seguido de otro rastrillo. El acceso a este espacio se realizaba a través de una escalera de madera dispuesta contra la pared plana de la puerta, orientada hacia el patio, o bien a través de los caminos de ronda de los lienzos de muralla.

Sala de guardia en el interior de las torres de la entrada

Un detalle arquitectónico curioso es que, si bien las torres presentan una forma cilíndrica desde el exterior, sus niveles superiores tienen un interior de planta poligonal con ángulos cortados. Esta decisión respondía a una necesidad técnica, ya que resultaba mucho más sencillo y eficiente diseñar la carpintería de las techumbres sobre esta traza geométrica que sobre uno circular, que habría exigido maderas curvas y ensamblajes complejos.

Patio de honor

Núcleo central del palacio condal alrededor del cual se estructuraban las dependencias

Cruzado el umbral de la entrada, accedemos al patio de honor del castillo (cour d'honneur), un espacio situado al oeste, sobre un promontorio que domina el cauce del río Aude —el antiguo Atax de los romanos—. El primer castillo feudal de la alta Edad Media, ya mencionado en el siglo XI como residencia habitada, albergaba un gran salón, cocinas y establos, contaba con una torre de vigilancia y una imponente torre del homenaje, que podemos ver frente a nosotros tras cruzar la puerta de acceso al patio.

Plano del Palacio Real de Carcassonne. Imagen generada con IA

Los dos edificios residenciales principales se distribuyen en forma de «L» partiendo de la torre del homenaje. En su fachada todavía se perciben los contornos del antiguo palacio feudal, mientras que a la derecha se extienden los cuerpos de edificio que conformaban el corazón del palacio de los Trencavel en el siglo XII. Este núcleo residencial también experimentó profundas modificaciones para mejorar la comodidad y facilitar las funciones de la administración real.

Detalle ornamental en un muro del antiguo palacio condal

Sin embargo, con el declive de la ciudadela y la preferencia de la monarquía por la ciudad baja, el castillo perdió su estatus residencial para convertirse en un cuartel militar. La función castrense mantuvo ocupadas sus dependencias hasta bien entrado el siglo XX y dejó algunos añadidos sobre las fortificaciones medievales. Fue gracias a las intensas labores de restauración acometidas en el siglo XIX cuando el complejo recuperó la silueta del castillo real propia de los siglos XIII y XIV que contemplamos hoy.

Sala de proyección Viollet-le-Duc

Espacio audiovisual dedicado a la ambiciosa restauración decimonónica del conjunto monumental

Para continuar la visita, ascendemos por la gran escalera situada a la izquierda de la entrada al patio, que nos conduce directamente hasta el segundo piso. Nos encontramos en el ala residencial del castillo, que se extiende justo detrás de las torres de entrada. Antaño se ubicaban los aposentos de los señores, una gran sala y, en los sótanos, las cocinas. Hoy en día, este espacio alberga la Sala Viollet-le-Duc, donde se proyecta a lo largo de toda una pared «Tras los pasos de la Cité», un cortometraje subtitulado de once minutos de duración. La filmación explica la evolución histórica del monumento, detallando las etapas clave de su restauración.

Sala de la maqueta

Reproducción a escala que detalla la compleja morfología de la fortaleza defensiva

Siguiendo el recorrido, la visita nos conduce hasta la Sala de la maqueta. Este espacio expone una minuciosa maqueta de madera a escala 1/100 que reproduce con total fidelidad las fortificaciones de la Ciudadela y su basílica. Fue realizada por el artesano local Louis Lacombe (1856-1933), cariñosamente apodado «Cigalet», quien dedicó cuarenta años de su vida a esta obra, declarada monumento histórico en 1961.

Vista cenital que ayuda a comprender la topografía de la Ciudadela de Carcassonne

La maqueta engloba los recintos amurallados, el castillo, la iglesia de Saint-Nazaire e incluso la desaparecida gran barbacana occidental. No obstante, al no haberse reconstruido el interior de la ciudad, la maqueta ofrece la falsa impresión de un núcleo deshabitado, una imagen casi profética si tenemos en cuenta que hoy en día la ciudad histórica fortificada de Carcassonne apenas cuenta con una veintena de habitantes. Los paneles informativos completan la visita explicando el declive de la fortaleza tras perder su valor fronterizo en el siglo XVII y su posterior renacimiento monumental.

Gran barbacana exterior del castillo

Restos de la Grand Caponniére y línea almenada con saeteras

A la salida de la Sala de la Maqueta podemos ver donde se encontraba la gran barbacana exterior del castillo y, justo allí, la Iglesia de Saint-Gimer, una de las tres iglesias diseñadas por Eugène Viollet le Duc, cuya construcción se prolongó entre 1849 y 1859. Esta imponente obra defensiva, erigida bajo el reinado de Luis IX, contaba con dos rangos de saeteras y rampas fortificadas, como la llamada “Grand Caponniére”, un camino cubierto que conectaba el conjunto directamente con la fortaleza. Que podemos ver aquí tras la línea almenada donde se puede ver los merlones tallados con aspilleras.

Desde 1850, la iglesia de Saint-Gimer ocupa el lugar de la gran barbacana

Demolida en 1816 para construir una fábrica textil (Usine de l'Île), hoy apenas subsisten en el suelo de la Place Saint-Gimer los cimientos documentados por el propio arquitecto. Este vestigio hoy desaparecido era un formidable dispositivo encargado de controlar el flanco occidental junto al río Aude. Se sospecha que tal vez estuviera conectado de forma subterránea con el molino fortificado del rey para asegurar una vía de escape de la guarnición hasta el agua en caso de necesidad.

Tour Pinte: la atalaya principal de la fortaleza

La Tour Pinte en el Cour du midi

Tras la sala de la maqueta, el itinerario nos guía hacia la izquierda para atravesar la Tour Pinte, la torre más alta del castillo, concebida para vigilar el horizonte y emitir señales estratégicas (Tour de Guet). Con sus treinta metros de altura, esta construcción del siglo XII destaca de inmediato por una singularidad arquitectónica: es la única torre de planta cuadrada del castillo y la segunda de toda la ciudad medieval, un rasgo atípico que en el pasado llevó a suponer erróneamente un origen árabe.

Viollet-le-Duc dictaminó que la Tour Pinte era románica

Alzada sobre una sólida base galorromana, su interior se presenta insólitamente diáfano, careciendo de bóvedas. Antaño solo contenía unas escaleras de madera para acceder a sus diez plantas con suelos de madera. Abierta hacia el paisaje del Aude, la torre conserva intacto su coronamiento original, donde se ven los huecos destinados al cadalso —la estructura defensiva de madera adosada al exterior de los muros para que los defensores pudieran disparar o arrojar objetos sobre los atacantes, sin estar expuestos—. Se disponían muy próximos entre sí para soportar con firmeza los fieros vientos de la región.

Cour du midi

Vista del Cour du midi, el camino de ronda y la Tour Saint-Paul

Al salir de la torre, el itinerario prosigue en altura por un camino de ronda que resigue el espacio al aire libre formado por el patio sur o cour du midi. Este rincón del castillo atesora vestigios materiales de su intensa actividad residencial y administrativa. Entre los siglos XIII y XV, una parte de este patio estuvo ocupada por una sala de recepciones o salón de estado, cuyo suelo de madera reposaba sobre sólidos pilares y ménsulas de piedra, y que contaba con una chimenea y un ventanal gótico.

Las marcas del suelo y las paredes indican las grandes remodelaciones góticas

Justo bajo el emplazamiento de esta antigua sala, abierto en el suelo del patio, aún hoy se distingue claramente el profundo pozo del castillo, testimonio indispensable para el abastecimiento de agua de la guarnición. Desde este enclave elevado, la panorámica nos muestra la muralla medieval situada al oeste y se abre de forma excepcional sobre el territorio, ofreciendo una perspectiva privilegiada del corredor natural que discurre entre la Montagne Noire al norte y las Corbières y los Pirineos al sur.

Vistas de la muralla medieval del tramo occidental

La mirada abarca todo el valle del Aude y pone de relieve la incalculable posición geopolítica de la fortaleza, erigida para vigilar estrechamente la ruta histórica que conectaba el reino francés con los dominios de la Corona de Aragón. Al otro lado de la frontera, estos mismos pasos eran observados de cerca desde el Palacio de los Reyes de Mallorca en Perpiñán, el bastión que cerraba el paso hacia el sur.

Tour Saint-Paul

Elemento defensivo del flanco estratégico que protege los puntos más vulnerables

Tras recorrer todo el muro cortina del lado sur, el camino de ronda nos conduce hasta el ángulo sureste, donde se alza la Tour Saint-Paul (Torre de San Pablo). Esta torre forma parte del entramado de torres feudales del siglo XII —junto con las torres de la puerta del castillo, la Tour des Casernes, la Tour du Major y la Tour du Degré— que protegían el castillo, del lado de la ciudad, por sus frentes sureste, este, noreste y norte, respectivamente.

Estructura defensiva levantada durante las obras de ampliación del castillo en 1226

Todas estas torres comparten una cuidada estandarización defensiva: pequeñas salas abovedadas con cúpulas hemisféricas, idéntica disposición de almenas, saeteras, cadalsos y características cubiertas piramidales. Sin embargo, la Torre de San Pablo —al igual que la Tour du Major— presenta una notable excepción arquitectónica: es una de las pocas que cuenta con escaleras de caracol de piedra en su interior.

Cadalso con saeteras y matacanes en el camino de ronda almenado

Continuando por el camino de ronda, pasamos por el segundo piso del châtelet de la puerta principal del castillo. A medida que avanzamos por este tramo del paseo de la muralla, resulta de gran interés fijarse en las ménsulas que sobresalen de los paramentos; estas fuertes protuberancias de piedra o madera estaban concebidas precisamente para soportar el peso de las vigas estructurales, las cornisas y los armazones en voladizo. El trayecto por las galerías de madera reconstruidas por Viollet-le-Duc nos lleva hacia la Tour des Casernes.

Tour des Casernes

Vista de las galerías de madera voladizas destinadas al combate vertical

Al continuar nuestro avance por el camino de ronda desde las torres de la puerta principal del castillo, nos adentramos de lleno en los sistemas de defensa activa de la fortaleza. Es el tramo de la Tour des Casernes (Torre de los Cuarteles) se comprende la verdadera función de los cadalsos: las galerías o andamios de madera que se montaban en voladizo sobre el coronamiento de los muros y torres, en caso de inminente asedio. Al sobresalir hacia el exterior de las murallas, estas plataformas permitían a los defensores proteger la base de los muros. A menudo eran temporales y se instalaban solo durante un asedio.

Estructura militar destinada al acuartelamiento y defensa del perímetro occidental

Desde ellas, la guarnición podía disparar flechas y ballestas en ángulo vertical y arrojar pesados proyectiles de piedra a través de las aberturas practicadas en el suelo, impidiendo que el enemigo se acercara a minar los cimientos o colocara escalas y torres de asedio. Aunque su eficacia táctica era inmensa, el gran talón de Aquiles de estos cadalsos de madera era su absoluta vulnerabilidad frente a los proyectiles incendiarios de los asediadores. Este ingenioso sistema defensivo en picado fue el precursor directo de los matacanes de piedra, que ofrecerían la misma capacidad defensiva, pero con resistencia al fuego. La visita continúa por el camino de ronda hasta llegar a la siguiente torre: la Tour du Major.

Tour du Major

Torre angular del siglo XII provista de una escalera de caracol interna de piedra

Gracias a los recientes trabajos de adecuación y seguridad, una pasarela permite recorrer también el tramo que discurre hacia el sur desde la Tour du Major (La Torre Mayor), avanzando a través de la Tour du Degré y la Tour de la Chapelle hasta conectar de manera natural con la Tour de la Poudre. Situada en la esquina noreste del conjunto, la Tour du Major es una notable construcción feudal del siglo XII.

Cadalso en dirección a la Tour du Major

A diferencia de las torres de flanqueo secundarias, esta torre de ángulo presenta un saliente mucho más pronunciado, un diseño concebido estratégicamente para blindar los puntos más vulnerables de la fortaleza. Su complejo sistema defensivo incluye saeteras, salas abovedadas en cúpula hemisférica y un coronamiento almenado con tejado piramidal. Además, posee una singularidad arquitectónica muy destacada: junto con la torre Saint-Paul, es la única del castillo que contiene en su interior una escalera de caracol de piedra.

Tour du Degré

Atardecer frente a la Tour du Degré

El recorrido prosigue hasta alcanzar la Tour du Degré (los españoles, que son muy dados a castellanizar todo lo que tocan, la han llamado la Torre del Escalón o incluso Torre Escalonada). Desde este punto de observación, la panorámica se abre hacia el norte. Históricamente, la ciudadela de Carcassonne dominaba desde esta posición privilegiada las rutas comerciales de minerales, mármol y oro procedentes de la Montagne Noire. Una parte del remate y de los paramentos interiores pertenece a la época galorromana (finales del siglo III y principios del siglo IV).

Torre intermedia del recorrido amurallado situada entre la zona norte y sur

Estas antiguas torres romanas, levantadas muy próximas entre sí para garantizar una cobertura y protección mutuas, se distinguen claramente por su morfología —planas en su fachada posterior y semicirculares hacia el exterior—. Constructivamente, están edificadas con pequeñas piedras combinadas con hileras horizontales de ladrillo, y sus sólidas bases macizas las dotaban de una resistencia excepcional. Su interior disponía de dos niveles defensivos para los soldados, perforados con vanos y aberturas diseñados para el lanzamiento de jabalinas o pilum y piedras mediante hondas.

Tour de la Chapelle

Vista de la Tour de la Chapelle (a la izquierda) y Tour du Degré (a la derecha)

El itinerario avanza hasta alcanzar la última torre del recorrido del segundo piso: la Tour de la Chapelle (Torre de la Capilla). El conjunto del castillo y sus murallas cuenta con nueve torres, de las cuales dos conservan un origen visigodo: esta misma torre y la Tour Pinte. Formando parte del dispositivo defensivo orientado hacia el flanco del río Aude, sus muros exteriores muestran un paramento provisto de una puerta y una saetera, coronado por una plataforma almenada, que sella y protege los accesos directos al recinto. A este punto elevado se accedía mediante una escalera de piedra situada en el ángulo de la torre.

Torre histórica vinculada al emplazamiento original de la antigua capilla románica

La torre toma su nombre de su estrecha relación con la desaparecida Chapelle Sainte-Marie. Aunque hoy ya no se levanta en pie, las marcas trazadas sobre el suelo del patio señalan su emplazamiento exacto. Se trataba de una capilla románica, dedicada a la Virgen María, erigida hacia 1150 por la dinastía Trencavel en el ala norte de su residencia como prolongación del palacio. Aquella edificación, que conformaba un conjunto en forma de «U» en torno al patio central, fue trágicamente destruida durante la Revolución Francesa (1789-1799).

Tour de la Poudre

Vista de la Tour de la Poudre desde el patio de honor

Continuando nuestra visita por el camino de ronda, alcanzamos la Tour de la Poudre (Torre de la Pólvora); cruzando a través de ella se accede directamente a la primera planta del castillo. Esta construcción fue levantada en el siglo XIII bajo el reinado de Luis IX sobre el emplazamiento de una torre del recinto primitivo galorromano. A los pies de su estructura exterior se abre un interesante vestigio arquitectónico, una puerta de trazo ojival. Hoy está completamente tapiada y parcialmente sepultada bajo el nivel del suelo de las lizas.

El Museo Lapidario del castillo: Sala Pierre Embry

Exterior del Museo Lapidario que alberga piezas arqueológicas clave de Carcassonne

Descendemos hasta la primera planta del castillo para visitar la Sala Pierre Embry, el primer espacio expositivo del museo lapidario. Este museo reúne una rica colección arqueológica procedente de Carcassonne y su comarca, con obras en piedra que abarcan desde la Antigüedad hasta el siglo XVII, organizándose cada sala en torno a un periodo histórico más o menos específico. La primera sala del museo lapidario custodia dos tesoros originales que fueron rescatados de su ubicación exterior para garantizar su conservación y sustituidos allí por réplicas.

Virgen de la Porte Narbonnaise y Dame Carcas

Por un lado, destaca la majestuosa Virgen de la Porte Narbonnaise, una escultura de 1,55 metros que estuvo policromada en su día —aún se aprecian restos de rojo y azul en los pliegues del manto— y que presidía la puerta principal para proteger la ciudadela de Carcassonne. Aunque el Niño Jesús ha desaparecido con los siglos, todavía se adivina uno de sus pequeños pies sobre la cadera de la Virgen. La sala también exhibe las cinco piezas de piedra originales que componen el famoso busto de la legendaria Dame Carcas.

Dame Carcas arroja el último cerdo a las tropas de Carlomagno. Imagen generada con IA

Esta escultura sirve para recordar la célebre leyenda que envuelve a la heroína y que, según la tradición popular, dio nombre a la ciudad. La ciudad de Carcassonne estuvo asediada durante cinco largos años por las tropas de Carlomagno. Cuando las reservas de alimentos empezaron a agotarse, la reina sarracena que defendía la Cité prácticamente sola —con apenas unos pocos soldados— ideó una última estratagema: alimentó al último cerdo que les quedaba con el poco trigo disponible y lo arrojó por encima de las almenas a los pies de los invasores.

Al estrellarse contra el suelo ante el campamento franco, Carlomagno creyó que los defensores desperdiciaban tal cantidad de comida porque debían de tener provisiones inagotables, lo que le convenció de levantar el asedio. Al ver huir al enemigo, la reina mandó que repicaran todas las campanas de la ciudad, momento en el que un caballero exclamó: «¡Dame Carcas sonne!» (¡Señora Carcas hace sonar [las campanas]!), bautizando la ciudad para la posteridad como Carcassonne.

Ménsulas de época medieval

Otra de las piezas interesantes que custodia este espacio son los modillones escultóricos, ornamentos que se colocaban bajo las cornisas y que en este caso inmortalizan los rostros de los hombres y mujeres que vivieron en la ciudad medieval de Carcassonne. Lejos de idealizaciones cortesanas, estas piezas reflejan quienes eran los artesanos y comerciantes locales. Con este testimonio del arte y la sociedad medieval, el itinerario nos invita a continuar hacia la siguiente sala del museo.

Sala de los Arcos

Arcada de la antigua casa Grassalio

Esta sala reúne un notable conjunto de elementos arquitectónicos y escultóricos rescatados de diversos enclaves históricos de la ciudad. El elemento más imponente es una arcada gótica del siglo XIV con tres ventanas de arenisca, procedente de la antigua casa Grassalio de la ciudad baja —un edificio derribado en 1902—, en cuyas intersecciones de arcos destacan delicadas cabezas esculpidas.

Bajorrelieve medieval con seis personajes expuesto en el museo

El espacio también custodia valiosos vestigios procedentes de la catedral de Saint-Nazaire, datados igualmente en el siglo XIV, como un friso con motivos vegetales sostenido por ocho canecillos con rostros humanos y varios capiteles de decoración naturalista, junto a un expresivo bajorrelieve de seis personajes. La visita a este espacio se completa con una bella escultura en piedra de Santa Basilisa, también del siglo XIV.

Sala Gótica

Clave de bóveda de San Pablo y San Pedro (s. XIV)

Continuamos nuestro recorrido por el museo lapidario para adentrarnos en la Sala Gótica. Este espacio reúne un valioso repertorio de elementos arquitectónicos y artísticos que documentan la vida y la estética de la época: capiteles, claves de bóveda (una de las cuales con la efigie de San Luis), lápidas, fragmentos de esculturas, balas de cañón de piedra, una pila de agua bendita y delicadas vidrieras góticas procedentes de una mansión privada de la vecina Bastide Saint-Louis.

Talla funeraria medieval que representa la efigie de un noble caballero

Sin embargo, la pieza que acapara todas las miradas es el imponente caballero yacente de finales del siglo XIII. Tallada en arenisca y procedente de la histórica Abadía de Lagrasse —fundada por el propio Carlomagno—, la estatua representa al noble recostado en su descanso eterno, con su espada ceñida a la izquierda y un animal (probablemente un león, símbolo de valor y fidelidad) a los pies. Su indumentaria ofrece una lección magistral de equipamiento militar de la época.

Detalle del sepulcro esculpido con los atributos militares propios del difunto

Viste cofia y una larga cota de malla protectora, cubierta exteriormente por la sobreveste decorada con su escudo de armas heráldico. Esta magnífica escultura funeraria nos evoca la evolución de la figura caballeresca en el medievo: si en sus orígenes el caballero era ante todo un guerrero a caballo al servicio de un señor, con los siglos aquella función estrictamente militar terminó por institucionalizarse, consagrándose como el estamento por excelencia de la nobleza medieval.

Torre del Homenaje

Escenas de combates caballerescos que reflejan los ideales cortesanos del siglo XII

El recorrido nos lleva ahora al corazón político del antiguo palacio de los vizcondes de Trencavel: la torre del homenaje, cuya imponente mole vimos al acceder al Patio de Honor. Como principal bastión y símbolo supremo del poder señorial, esta torre constituía el centro administrativo de los señores feudales de Carcassonne. En su interior se esconde la sala abovedada de la cámara —la elegante camera rotunda donde se celebraban las reuniones de gobierno, se ratificaban los documentos cruciales y se dispensaba hospitalidad a trovadores y juglares—.

Fragmentos de policromía medieval que ornamentan las estancias privadas de la torre

Este ambiente cortesano y caballeresco cobra vida gracias a los extraordinarios restos de pinturas murales románicas que decoran sus muros. Descubiertas en 1926 por el propio Pierre Embry bajo una gruesa capa de cal, estas pinturas datan de finales del siglo XII y ofrecen una escena principal de gran dinamismo: un enfrentamiento épico entre caballeros cristianos de blanco contra sarracenos con escudo redondo. La obra podría estar inspirada en las canciones de gesta del medievo o bien podría hacer referencia a cuando Bernardo Aton IV Trencavel, fundador de la dinastía que luchó contra los infieles en Tierra Santa.

El Calvario de Villanière destaca por su cuidada decoración en bajorrelieve

Presidiendo este espacio se alza el Calvario de Villanière, una notable obra en piedra arenisca de finales del siglo XV procedente de la iglesia de Villanière que alcanza los tres metros de altura. Su original y compleja estructura se compone de un pilar central en forma de cruz que actúa como eje principal, flanqueado por dos robustos bloques laterales profundamente esculpidos tanto en su parte frontal como posterior.

Relieve que muestra a Pilatos presentando a Cristo y a la derecha sus verdugos

Por el anverso, el conjunto narra los episodios de la Pasión. En la parte superior del fuste octogonal se representa a Cristo crucificado, coronado de ángeles y acompañado a sus pies por María Magdalena, con la Virgen María a la izquierda y San Juan a la derecha. En la base, flanqueando la columna, dos bloques escultóricos completan la escena: a la izquierda, Poncio Pilatos (cuya figura ha perdido la cabeza) presenta al pueblo a Cristo con la corona de espinas; a la derecha, un grupo de ocho verdugos y soldados romanos contempla la escena con gestos de burla.

Escultura superior del calvario con la Virgen y el Niño flanqueados por santos

Por el reverso, la temática cambia para centrarse en la Anunciación y la devoción mariana. La parte superior muestra a la Virgen y el Niño flanqueados por dos santos, mientras que a los pies de la estructura se sitúan las figuras de la escena principal: el Ángel de la Anunciación a la izquierda y la Virgen María a la derecha, esta última conservando todavía restos de su policromía original. La visita avanza hacia el siguiente espacio: la sala románica.

Sala Románica

Sarcófago paleocristiano del siglo IV

Esta sala exhibe un fascinante repertorio de piezas medievales, entre las que destacan capiteles decorados con bestiarios fantásticos, esculturas románicas, características cruces discoidales de los siglos XII y XIV y un sarcófago paleocristiano del siglo IV decorado con hojas de parra. Entre todas las piezas expuestas sobresale una auténtica obra maestra: la fuente de abluciones de mármol blanco, tallada en la segunda mitad del siglo XII y procedente de la histórica abadía de Fontfroide.

Fuente de abluciones empleada antiguamente para rituales de purificación y limpieza litúrgica

El exterior de la pila despliega una delicada decoración de zarcillos, racimos de uva, flores y pájaros, mientras que el agua fluía antaño a través de doce mascarones con rostros humanos y de león. Esta pila era utilizada por los monjes benedictinos o cistercienses para lavarse en ella como medida de purificación y limpieza antes de las comidas y de acceder al interior de la iglesia. Tras contemplar este testimonio del monacato medieval, el itinerario avanza hasta la última sala del museo, dedicada a los vestigios de época romana.

Sala Romana

Miliario, ánforas y muelas de piedra

Esta sala alberga una fascinante colección de vestigios de la Antigüedad clásica, que incluye sarcófagos, miliarios —marcadores de piedra que señalaban las distancias a lo largo de las principales vías en millas romanas, equivalentes a unos 1460 metros—, ánforas, tejas (tegulae), piedras de molino portátiles y cabezas esculpidas. Entre estas piezas destaca con luz propia el cipo funerario (una pequeña estela funeraria adornada con inscripciones) de Caius Julius Niger (natural de Carcassonne, c. fines del siglo I a. C. - Maguncia, c. 40 d. C.).

Cipo funerario de Caius Julius Niger y exvoto galorromano del siglo I

Hijo de Caius y perteneciente a la tribu de los volcas, se enroló en el ejército romano, al igual que muchos otros soldados. Sirvió durante diecisiete años en la II Legión Augusta —creada en el año 43 a. C.— y falleció a los cuarenta y cinco años a orillas del Rin. Su conmovido epitafio se compone de dieciséis líneas grabadas en latín. En ellos se alternan los recuerdos de la estancia de la legión en la Alta Germania antes de su marcha a Britania con la expresión sincera de la nostalgia y las penalidades de la vida en los campamentos militares.

Sarcófago de Tournissan decorado con relieves

Cabe destacar que el original de esta pieza fue descubierto en Maguncia (Alemania) y lo que vemos en el museo lapidario del castillo de Carcassonne es solo una reproducción en yeso de la misma. Otra de las joyas del museo lapidario es el Sarcófago de Tournissan, una pieza paleocristiana de mármol blanco datada en el siglo V. Sus paredes muestran diversas escenas bíblicas talladas tanto en ambos laterales como en su cara principal. En esta última, destaca un medallón central rodeado de figuras que alberga el retrato esculpido de una pareja, probablemente los difuntos a quienes estaba destinado el sepulcro.

Dos tramos de muralla

Adarve y torres medievales en el sector occidental de la muralla

Una vez concluida la visita al interior del castillo de Carcassonne y a sus salas museográficas, desde el propio edificio es posible acceder directamente a dos tramos diferenciados de las murallas exteriores, de una duración aproximada de 1 hora y 15 minutos cada uno. Por un lado, se encuentra el tramo norte de la muralla galorromana, al que se accede desde el Patio de Honor y que recorre el camino de ronda desde la Tour de la Charpentière hasta la Tour du Trésau. Por otro lado, está el tramo oeste de la muralla medieval, accesible desde el Patio del Sur y que se extiende desde la Tour de la Justice hasta la torre-puerta de Saint-Nazaire.

Más información: Castillo de Carcassonne. Dirección: 1 Rue Viollet-le-Duc, 11000 Carcassonne. Entrada: 19 €. Es necesario reservar con antelación. Hay servicio de audioguía en varios idiomas, entre ellos el español, por 5 €. Horario: de octubre a marzo, de 9:30 a 17 h. De abril a septiembre, de 10 a 18:30 h. Web: Castillo de Carcassonne.

Campamento Medieval de Carcassonne: actividad gratuita

2026-08-17T01:49:26.973+02:00

El Campamento Medieval ofrece una interesante visita histórica totalmente gratuita

Entre las múltiples experiencias que ofrece Carcassonne, es gratificante encontrar lugares que preservan un carácter educativo y accesible. El Camp Médiéval (Campamento Medieval) es una de esas paradas obligadas para quien busca entender (o enseñar) la historia de la Edad Media, ¡y además de forma gratuita! Ideal tanto para niñas y niños como para los que ya no lo son. Se trata de un espacio honesto y pedagógico, perfecto para quienes viajan en familia y desean integrar momentos de aprendizaje en su itinerario sin coste alguno, permitiendo disfrutar de una faceta más sosegada y auténtica de la Cité. ¡Las familias numerosas lo agradecerán!

Junto al espacio de la taberna se encuentra el Escape Room de Carcassonne medieval

Si buscas una experiencia divertida que te transporte de lleno a la Edad Media más allá de las grandes murallas, la Cité esconde un rincón único que merece una visita. Situado en el número 27 de la rue du Plô, el Campamento Medieval ofrece un espacio a cubierto y al aire libre que puedes visitar a tu ritmo, sin entradas ni complicaciones. Este espacio está concebido como una inmersión en la vida cotidiana medieval; entre sus atractivos cuenta con una taberna medieval —perfecta también para eventos y banquetes de empresa— donde solo te servirán productos que ya se conocieran en la Edad Media.

La taberna medieval es el espacio perfecto para banquetes y eventos especiales

En el Campamento Medieval ofrcen una variada agenda de talleres para los más pequeños de la familia: desde tiro con arco, caligrafía y heráldica hasta la elaboración de tocados y bailes, trabajo en cuero, un curso acelerado de caballero o un divertido Escape Room. Para participar en los talleres medievales es necesario hacer reserva previa, ya sea a través de este correo electrónico accueil@carcassonne-tourisme.com, teléfono: +33 468 102 430 o página web. Precio de los talleres: 7 €.

El trovador Kaami nos recibió y explicó muchas historias en perfecto castellano

Durante nuestra visita, tuvimos la fortuna de ser recibidos por el trovador Kaami, quien nos abrió las puertas de este campamento y nos guio a través de las distintas tiendas que lo componen. Cada una de ellas representa una escena detallada con maniquíes, herramientas y utensilios que recrean la Edad Media, acompañados de carteles informativos trilingües (francés, inglés y castellano). A través de estas recreaciones, el campamento desentraña temas tan diversos como la higiene en la Edad Media, el impacto de la peste negra, quiénes ejercían la medicina, el arte de los trovadores y la música, la crueldad de los torneos, los códigos de la moda, las tácticas de guerra y las distintas armas de ataque y defensa o los secretos de los antiguos oficios.

La higiene y el cuidado personal

El aseo personal dependía estrictamente de la clase social

Derribando el persistente mito de que la Edad Media fue una época de absoluta suciedad, la primera parada del campamento nos adentra en las costumbres de aseo de la época. A través de una escena protagonizada por un maniquí sumergido en un barreño de madera, descubrimos que la higiene variaba drásticamente según la clase social. Mientras los señores feudales y caballeros disfrutaban de baños calientes en barricas forradas de tela para evitar astillas —protegidos por cortinas para preservar la intimidad—, las clases populares debían apañarse con el agua fría de los ríos y las fuentes.

El aseo medieval incluía jabón casero y remedios naturales contra el olor

Más sorprendentes eran los baños públicos urbanos, verdaderos centros sociales donde se compartía espacio, se jugaba a las cartas, se comía sobre las propias tinas e incluso se alternaba con prostitutas. El recorrido también nos descubre curiosidades cotidianas: el jabón para el cuerpo se elaboraba con ceniza y grasa animal (el mismo que para la colada); el aliento se refrescaba masticando hinojo o cardamomo, y la depilación ya recurría a la cera de abeja o cremas a base de cal, dejando las temidas extracciones dentales en manos de barberos y herreros.

La sombra de la Peste Negra

Escena que evoca el devastador impacto de la Peste Negra

Si la escena anterior mostraba la intimidad del aseo, esta segunda tienda nos adentra de golpe en el capítulo más oscuro de la Europa medieval. A través de la impactante figura de un maniquí yacente en el suelo, junto a una sencilla jarra y una cazuela, que nos recuerda el devastador paso de la peste negra. Todo empezó en plena Guerra de los Cien Años, tras el simple atraque en 1347 de un navío en Marsella que transportaba ratas y pulgas infectadas por la bacteria Yersinia pestis; esta pandemia cambiaría el curso de la historia.

Detalle de los utensilios que recrean escenas cotidianas medievales

En pocos años, la plaga segó la vida de veinticinco millones de personas —un tercio de la población del continente europeo—, alcanzando Carcassonne en marzo de 1348 y diezmando el número de habitantes. El cartel detalla cómo la virulencia se duplicaba con la combinación de la peste bubónica (famosa por la inflamación de los ganglios o "bubas") y la letal peste pulmonar, transmisible por vía aérea, dejando un rastro de terror y desolación, ya que causaban la muerte de todas las personas infectadas.

Boticarios, hierbas y cirujanos improvisados

Los boticarios y barberos realizaban rudimentarias curas y sangrías cotidianas

En la tercera tienda se recrea el universo de la farmacia y la medicina medieval a través de una rústica estantería con frascos, cestas con hierbas medicinales, una balanza metálica y diversas herramientas rudimentarias a modo de “bisturí” sobre una mesa. La información nos sumerge en un panorama donde la enfermedad era considerada a menudo una prueba divina bajo el estricto control de la Iglesia, y de la que no siempre se salía vivo.

Herramientas quirúrgicas rudimentarias que ilustran el panorama médico de la época

Ante la escasez de médicos universitarios titulados, los enfermos dependían principalmente de dos figuras: el boticario —antepasado del farmacéutico que combinaba la venta de especias y azúcar con la preparación de ungüentos, mixturas y pociones curativas— y el cirujano. Tras prohibirse a los clérigos practicar la cirugía en el Concilio de Tours de 1163, fueron los barberos, herreros y sacamuelas quienes asumieron las operaciones cotidianas, las sangrías y la curación de heridas, mientras que la apertura de nuevas rutas gracias a las Cruzadas comenzó a enriquecer el conocimiento anatómico y farmacéutico de la época y dejando atrás a los alquimistas y los astrólogos.

Los trovadores: Música, poesía y la voz de la resistencia

Los trovadores difundieron el amor cortés y la resistencia poética

La cuarta tienda nos traslada al universo festivo y musical de la mano de dos maniquís ataviados como trovadores. Tras una mesa dispuesta para que los visitantes puedan tocar instrumentos musicales —como una pandereta o una tradicional carraca de madera que emite sonido al accionarla con la mano—, el espacio rinde homenaje a estos poetas que surgieron a finales del siglo XI. Protegidos por el mecenazgo de los señores feudales, los trovadores se convirtieron en los grandes difusores del fin'amor o amor cortés, un género que ensalzaba la lealtad, la gallardía y la pasión imposible hacia una dama de clase superior.

Los visitantes pueden tocar estos instrumentos tradicionales

Los trovadores podían proceder tanto de familias de la alta aristocracia, como lo fue Guillermo IX de Aquitaine (abuelo de Leonor de Aquitania) hasta humildes autores o incluso, las llamadas trobairitz (mujeres trovadoras como la condesa de Día, también llamada Beatriz de Die). Asimismo, la muestra explica cómo la irrupción de la Cruzada Albigense en 1209 transformó su poesía en un altavoz de resistencia y protesta a través de los sirventès, quienes denunciaban los estragos de la guerra antes de que la desaparición de las cortes señoriales apagara su voz en el siglo XIV.

Torneos y justas medievales

Los torneos eran el gran espectáculo caballeresco de la Edad Media

Esta quinta tienda traslada al visitante al mundo de los torneos a través de las figuras de dos caballos ataviados con gualdrapas características de las justas, una lanza reposa sobre el lomo esperando al caballero capaz de empuñarla. Descubrimos la fascinante evolución de estas prácticas, nacidas a mediados del siglo XII como violentos enfrentamientos en descampados donde los nobles se entrenaban para la guerra y buscaban fortuna capturando rivales, caballos y botines (lo que provocó duras condenas por parte de la Iglesia).

Las justas caballerescas combinaban deporte, entrenamiento militar y espectáculo visual

A partir del siglo XIII, la disciplina se transformó: los campos de combate se redujeron y ganaron popularidad las llamadas justas (combates singulares a caballo con lanza), un espectáculo donde los caballeros buscaban impresionar a las damas bajo los códigos del amor cortés y la heráldica. Este esplendor deportivo y cortesano se prolongó hasta el trágico año de 1559, cuando la muerte accidental del rey Enrique II a causa de una lanza puso fin de forma fulminante a la edad dorada de los torneos en Francia.

La moda en la alta sociedad medieval

La indumentaria distinguía claramente a la nobleza de las clases populares

Dejando atrás el campamento de tiendas al aire libre, seguimos la visita en un espacio interior para asomarnos a la intimidad de una cámara señorial. La escena recrea una estancia noble presidida por una cama con dosel, en la que hay sentada una mujer y a su lado un hombre en pie, ambos elegantemente ataviados. En la pared puede verse un pequeño tapiz inspirado en la famosa serie de La Dama del Unicornio y sobre el suelo una alfombra de piel de vaca.

La indumentaria medieval también permitía identificar el oficio de cada persona

Así en este espacio se aborda entre otros temas el fascinante mundo de la moda en la Edad Media, un campo donde la indumentaria funcionaba como un riguroso espejo de las clases sociales. Mientras la inmensa mayoría de la población —campesinos y artesanos— se conformaba con prendas toscas de lino, cáñamo o lana (con colores apagados y lavadas apenas un par de veces al año), las élites convertían el vestir en un auténtico despliegue de poder y riqueza.

Los trajes reflejaban la procedencia geográfica o nación de cada individuo

La nobleza lucía tejidos importados de Oriente, terciopelos y sedas adornados con hilos de oro y pedrería, complementados con suntuosas pieles de armiño, marta cibelina o ardilla para los pudientes (frente al gato, la liebre o la cabra del pueblo llano). También durante muchos siglos el color de las prndas señalaba el estatus social, sin olvidarnos de los códigos estéticos muy estrictos de la época, como la obligación de que las mujeres casadas ocultaran su cabello bajo un tocado, reservando el pelo suelto únicamente para las más jóvenes.

Armas y tácticas en el campo de batalla

Armaduras, yelmos y espadas letales para sobrevivir en el frente de batalla

En otro de los rincones de esta sala interior, la atmósfera se vuelve marcadamente belicosa. Un maniquí ataviado con una armadura medieval empuña con firmeza una gran espada, flanqueado por un caballete en el que se exhiben diversas lanzas, cascos y armas blancas de formas y tamaños dispares. Gracias a la puesta en escena, nos sumergimos de lleno en cómo eran las guerras en la Edad Media, un escenario de brutales combates cuerpo a cuerpo donde la supervivencia dependía tanto de la destreza con las armas como del equipo disponible.

Yelmo dotado de una estrecha abertura ocular y orificios respiratorios

Como es de imaginar los enfrentamientos solían ser extremadamente sangrientos, ya que la inmensa mayoría de los soldados apenas contaban con protección. Elementos defensivos como la cota de malla o el pesado yelmo de acero —el emblemático casco cerrado con placa facial agujereada para ver y respirar que sustituyó al clásico casco cónico— estaban reservados casi en exclusiva para los caballeros nobles.

Peto de cuero grabado con la emblemática cruz de Occitania

Las dos técnicas fundamentales de combate aprendidas desde la infancia en la Edad Media eran: el corte, enfocado en seccionar las zonas corporales descubiertas con el filo de la hoja para provocar graves hemorragias, y la estocada, orientada a perforar los órganos vitales o la cabeza utilizando la punta del arma. Para ello, el arsenal medieval desplegaba una variedad letal y dolorosa que iba desde el contundente mangual de bolas con púas y el versátil mandoble de doble filo, hasta herramientas tácticas tan sofisticadas como la alabarda suiza o el hacha berdiche rusa, capaces de cortar y perforar las armaduras y desmontar a los jinetes enemigos.

**El silencio del scriptorium: La labor de los monjes copistas**

Los monjes copistas preservaron el saber antiguo con pluma y pergamino

En otro rincón de esta sala interior, la figura de un monje nos introduce en la recreación dedicada a la transmisión del saber. Vemos en una mesa sobre un atril un libro de tapas adornadas con detalles metálicos que parece sacado directamente de un monasterio medieval. Este rincón rinde homenaje a los monjes copistas, auténticos salvadores de la herencia cultural de la Antigüedad y del pensamiento medieval. En una época en la que la lectura y la escritura eran privilegios de unos pocos, estos calígrafos y lingüistas pasaban horas interminables en el scriptorium de su abadía.

Fragmento de la Canso de la Crozada

Armados con plumas de oca y tinta negra, copiaban incansablemente textos sagrados, contratos y obras eruditas sobre pergamino —la gran revolución que sustituyó al papiro gracias a su durabilidad y manejabilidad en formato de códex—. También descubrimos una reproducción de la célebre «Canso de la Crozada» (La Canción de la Cruzada), redactada en lengua de Oc con caligrafía gótica meridional por Guillermo de Tudela. Entre sus páginas se relata con crudeza el asedio de la propia Ciudadela de Carcassonne por parte de los cruzados a principios del siglo XIII y se ilustra de forma sencilla el momento. El manuscrito original del siglo XIII permanece custodiado en la Biblioteca Nacional de Francia.

Disfrutamos con su música y sus amenas explicaciones sobre la Edad Media

Ya sea para completar una ruta cultural en familia por Carcassonne o simplemente para buscar una perspectiva más humana y cercana de la Edad Media, el Campamento Medieval se revela como una de las sorpresas mejor guardadas de la Cité. Una pausa didáctica, accesible y cuidada que, más allá del imponente castillo y las fortificaciones inexpugnables, pone rostro, matices y costumbres a quienes habitaron entre estas murallas hace siglos, convirtiendo una pequeña visita en un viaje en el tiempo ameno y divertido. ¡Hasta pronto Kaami!

Más información: Camp Médiéval. Dirección: 27 rue du Plô, 11000 Carcassonne. Horario: sábados y domingos de 10:15 a 13 h y de 14 a 17:45 h. Y diariamente durante las vacaciones escolares. Entrada: Gratuita, acceso libre. Web: Camp Médiéval.

Lourdes a través de la mirada de Émile Zola

2026-08-03T18:26:47.497+02:00

El santuario mariano de Lourdes. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En 1894, el escritor francés Émile Zola publicó Lourdes, una obra nacida a raíz de las grandes peregrinaciones iniciadas en 1873. Más allá del debate teológico, Zola realizó una radiografía etnográfica y urbanística casi fotográfica de este enclave pirenaico que nos sirve para constatar que en algunos aspectos nada o muy poco ha cambiado este centro de peregrinación mariana.

La Cruz de los Bretones presidiendo el acceso a la gran explanada del Santuario

Hoy en día, pasear por Lourdes es recorrer las huellas de aquel choque entre la tradición montañesa de los primeros pirineístas que ya vimos en Luchon y el nacimiento del turismo religioso de masas. Te propongo una ruta histórica y narrativa por los escenarios que retrató el célebre autor naturalista, contrastando la experiencia del viajero de 1890 con la vibrante realidad que descubre el viajero de hoy al recorrer las calles de Lourdes.

La experiencia viajera en la época de Zola

Llegada del Tren Blanco a la Estación. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

A finales del siglo XIX, la llegada a Lourdes era un acontecimiento multitudinario y agotador. Los «trenes del dolor» desembarcaban a miles de peregrinos, enfermos y devotos tras jornadas interminables de viaje. Zola describe la explanada de la estación como un hormiguero humano envuelto en una atmósfera de devoción febril, cansancio físico y esperanza contenida, donde el aire matinal de los Pirineos contrastaba con el fervor de la multitud.

La Peregrinación Nacional

Llegada de un tren de peregrinos. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Cada mes de agosto, la denominada «Peregrinación Nacional» ponía en marcha una logística monumental que duraba tres días con destino a Lourdes. Se trataba de un engranaje colosal financiado en gran parte por la caridad —en la época de Zola se llegaron a recaudar más de doscientos cincuenta mil francos en limosnas para costear una expedición (el equivalente aproximado a un millón de euros actuales)— donde la Iglesia ofrecía una cobertura integral.

Embarque de Enfermos. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Los enfermos más desfavorecidos solicitaban por escrito su hospitalización, lo que los eximía de cualquier gasto de viaje y estancia; eran recogidos en la puerta de sus domicilios y devueltos allí al finalizar la peregrinación, de modo que su única preocupación consistía en llevar algo de comida para el camino. Gracias a los acuerdos firmados con las compañías ferroviarias, se expendían billetes a precios muy reducidos. Sin embargo, la diferencia era abismal para quienes decidían viajar de forma particular por su cuenta fuera del amparo parroquial.

Los hospitales rodantes

Desembarco de un enfermo grave. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En un solo día podían ponerse en marcha hasta catorce trenes extraordinarios dedicados en exclusiva a la peregrinación, coordinados al margen de la circulación habitual. Entre todos ellos, la partida del célebre «tren blanco» constituía siempre el momento de mayor emoción e interés: en sus vagones viajaban los enfermos más graves, los tullidos y los desahuciados por la medicina que la fe popular consideraba los predilectos de la Virgen, los candidatos elegidos para presenciar o encarnar el milagro.

El Tren Blanco. Transporte de enfermos. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Aquel despliegue sobre raíles no era otra cosa que una red de verdaderos «hospitales rodantes» que el propio Zola bautizó como el «tren del sufrimiento y de la fe». La extrema gravedad y la mezcla de dolencias que albergaban los vagones hacían obligatoria la presencia constante de un sacerdote a bordo, pertrechado a todas horas con los Santos Óleos y listo para administrar la extremaunción a los moribundos. Y no era una precaución en vano: cada año, indefectiblemente, la muerte se cobraba vidas en mitad del camino en esos vagones que Zola describe «de la miseria y del sufrimiento».

Desembarco de enfermos del Tren Blanco. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Las cifras y la organización del tráfico ferroviario resultaban sobrecogedoras. Solo en los vagones destinados al transporte de los enfermos más graves se hacinaban en torno a trescientos enfermos y quinientos peregrinos. Para gestionar semejante marea humana desde la capital, los convoyes que partían de París eran bautizados con nombres de colores. Zola rememora con estremecimiento el paso del «Tren Gris» y el «Tren Azul», que precedían al sobrecogedor «Tren Blanco» —el convoy lamentable de los mayores padecimientos—, al que seguían a su vez el Tren Verde, el Amarillo, el Rosa o el Anaranjado. De un extremo a otro de la línea, salía un tren a cada hora.

Camilleros bajando del tren a los enfermos. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

A esta red parisina se sumaban los convoyes que ese mismo día partían simultáneamente desde Orleans, Le Mans, Poitiers, Burdeos, Marsella o Carcasona. Francia entera quedaba surcada en todas direcciones por estos trenes gemelos, transportando de golpe a más de treinta mil enfermos y peregrinos a los pies de la Virgen. Pero Zola recordaba que no solo Francia se ponía en marcha, sino Europa y el mundo entero; en los años de mayor efervescencia religiosa, las vías llegaron a canalizar entre trescientas mil y quinientas mil almas. Sorprendentemente, y a pesar de esta saturación incesante de vías y horarios, jamás llegó a registrarse un accidente ferroviario grave.

Llegada de un tren que transporta enfermos. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Dentro de los vagones recalentados por el verano, el ambiente era casi claustrofóbico. Zola retrata con realismo atroz la asfixia y la atmósfera enrarecida y emponzoñada en la que se convivía entre gritos desgarradores de dolor y el eco constante de los rezos. Aquella muchedumbre, a la que a menudo se referían despectivamente o con resignación como la «carne de milagro», encarnaba la desesperación del dolor humano en busca de alivio.

Peregrinos asistiendo a Misa. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Para sobrellevar la angustia y el cansancio de un trayecto que desde París a Lourdes prolongaba su agonía durante más de veintidós horas —con una única parada de media hora en Poitiers—, el tiempo dentro del tren quedaba estrictamente pautado por una retahíla de oraciones y cánticos recitados a horas fijas. El Magnificat, el Ángelus, el Ave María y el Pater Noster (o Padre Nuestro) marcaban el ritmo de las horas, convirtiendo aquellos vagones de madera en verdaderos monasterios itinerantes sobre raíles.

La estancia de los peregrinos enfermos

Hospicio Municipal. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Si el traslado en tren era un calvario sobre raíles, la estancia en la ciudad no ofrecía tregua. Zola describe con pulso naturalista la llegada y distribución de los trescientos o cuatrocientos enfermos más graves: los hombres al Hospital de la Salud y las mujeres al Hospicio de la ciudad. Cada uno con su «tarjeta de hospitalidad» del color de su tren, indicando su nombre y número de orden, al que se le añadía a su llegada el nombre de la sala y el número de cama, en un sistema de una eficiencia casi militar.

Enfermos y camilleros en el patio del hospital. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En aquel laberinto de jergones hacinados, el autor retrata la paradoja más dolorosa del fenómeno de Lourdes: la ausencia total de tratamiento y personal médico. La ciencia se suspendía lógicamente durante la peregrinación porque todos eran enfermos desahuciados que ya no esperaban nada de la medicina de los hombres, sino el «flechazo del prodigio».

Enfermos en el hospital. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Sin médicos a su cuidado, la atención recaía en más de doscientas enfermeras voluntarias procedentes de la alta sociedad y la burguesía —donde el celo piadoso se mezclaba a menudo con una pizca de vanidad—, sometidas a cinco días de fatiga abominable, durmiendo apenas dos horas entre el hedor, los gemidos de pesadilla y espectáculos de dolor terribles.

Hospital Notre-Dame-des-Douleurs. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Incluso en mitad de aquel infierno, las convenciones sociales de la época imponían sus reglas: el estricto reglamento prohibía tajantemente la entrada a las jóvenes no casadas en las salas de enfermos para evitar que presenciaran «cosas indecorosas y demasiado espantosas». Una pincelada más de esa mentalidad decimonónica que Zola diseccionó como nadie, mostrando cómo Lourdes era, al mismo tiempo, la última trinchera de la desesperación y el espejo de todas las contradicciones de su tiempo.

El escaparate social en el Lourdes del siglo XIX

Procesión de mujeres. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Más allá del fervor religioso y el trasiego de enfermos, Zola no dudó en retratar las motivaciones estrictamente terrenales que movían a otra parte de los peregrinos. Lourdes se convirtió también en un escaparate social donde la aristocracia y la alta burguesía acudían a dejarse ver. Para muchas familias, era un lugar idóneo donde entablar contactos o encontrar un «buen partido».

Excursión en autobús. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Un claro ejemplo de esta práctica lo encarna en el libro de Zola el personaje de Gérard de Peyrelongue, un joven aristócrata arruinado que acude a la peregrinación para encontrar una rica esposa y que acaba cortejando a Raymonde de Jonquière. Aprovechando el marco de las labores caritativas, Gérard busca ganar la aprobación de la familia de la joven demostrando su devoción e integración entre la buena sociedad. Para él, como para tantos otros, Lourdes no era un centro de milagros, sino un trampolín de ascenso social.

Pareja posando en un parque. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Sin embargo, tras esta fachada de piedad y etiqueta social, Zola expone en Lourdes la trastienda de las pasiones y tragedias humanas. El caso más descarado que recoge en la novela es el de Madame Volmar: una joven atrapada en un matrimonio asfixiante, aterrorizada por su suegra y víctima de un marido violento e infiel. Para ella, la peregrinación a Lourdes no era una búsqueda de sanación ni un acto de fe, sino la única rendija de libertad posible para escapar durante tres días de su infierno doméstico y vivir una historia de amor prohibida.

**El Vieux Lourdes contra la Ciudad Nueva**

Place Monseigneur-Laurence. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Cuando Émile Zola llegó a Lourdes a finales del siglo XIX, le impactó la profunda fractura que dividía a la villa en dos mundos opuestos. Por un lado, se alzaba la Ciudad Nueva (La Cité Nouvelle), un núcleo emergente, nacido al amparo de las peregrinaciones que, como retrató el escritor, «reía entre el verdor con las fachadas blancas de sus hoteles, de sus casas de huéspedes y de sus hermosos almacenes». Esta urbe moderna se volcaba a una vorágine de avenidas amplias diseñadas para encauzar a las masas y que quedaba conectada mediante un puente nuevo construido por las autoridades religiosas para enlazar la Gruta directamente con la estación de ferrocarril y la vorágine de grandes hoteles y comercios de recuerdos.

El Puente Viejo sobre el Gave. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Por otro lado, permanecía la Ciudad Vieja (Le Vieux Lourdes) o Ciudad Alta, la ciudad histórica acurrucada tras la masa rocosa del castillo. Esta modesta villa montañesa contemplaba con impotencia cómo la Ciudad Vieja quedaba postergada mientras la Ciudad Nueva no cesaba de crecer y prosperar a sus expensas. Entre ambas realidades, el río Gave discurría como una frontera natural arrastrando el fragor de sus aguas límpidas, verdes y azules: profundas al pasar bajo las piedras del Puente Viejo y encrespadas al cruzar bajo la flamante pasarela de la modernidad.

Librería du Sacré-Cœur. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En las páginas de Zola, esa frontera urbana era una brecha sangrante alimentada por el rencor. El escritor describió con crudeza la angustia de la «antigua y pobre ciudad de las montañas» viendo cómo la Ciudad Nueva crecía a sus expensas con «casas grandes como palacios a donde iba toda la vida, todo el lujo, todo el dinero». En aquel combate desigual, el Vieux Lourdes se negaba a morir: intentaba forzar el reparto abriendo tiendas y alojando peregrinos, pero la fortuna solo sonreía a quienes se instalaban cerca de la Gruta; los comerciantes de objetos religiosos de la Ciudad Vieja no lograban allí ni la mitad de las ventas que se hacían en la Ciudad Nueva, y a sus calles desiertas, donde crecía la hierba, solo acudían los peregrinos más humildes, convirtiendo a ambas mitades en dos enemigas irreconciliables.

La tranquilidad cotidiana del Vieux Lourdes

Hoy en día, esa diferenciación física y social sigue estando presente, pero la antigua villa histórica ha sabido convertir su histórica resistencia en su mayor encanto. El Vieux Lourdes continúa reivindicando su lugar primigenio y llamando la atención del viajero para invitarlo a subir por sus calles estrechas y empinadas. Quien se anima a alejarse unos pasos del bullicio del Santuario descubre un reducto menos masificado y con una calidad de vida notablemente superior: un espacio auténtico, tranquilo y cotidiano donde se respira la verdadera vida local, y que hace más de un siglo ya fascinaba a Zola.

El Chemin de Bernadette: tras la pastora en el siglo XXI

Panel informativo con código QR del Chemin de Bernadette

El itinerario del Camino de Bernadette (Chemin de Bernadette) invita a recorrer los rincones que marcaron la historia íntima, familiar y espiritual de la joven pastora. El recorrido señalado en el suelo con unas placas metálicas redondas con el rostro de Bernadette y con carteles en los puntos señalados con unos QR que ofrecen una experiencia “inmersiva”. Desde casa, también puedes disfrutar de la experiencia, haciendo clic en este enlace. En las páginas de Lourdes, Émile Zola reconstruye con minucia naturalista algunos de estos puntos clave.

La Maison du Jambon de Pierre Sajous en Rue de la Grotte

Rue de la Grotte. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En las páginas de Zola, la actual Rue de la Grotte era recordada por los ancianos como el antiguo Camino del Bosque: un paraje desierto e impracticable donde no se levantaba ninguna casa. Fue precisamente en esta calle donde el autor situó el Hôtel des Apparitions, el alojamiento de su protagonista y de otros personajes en la novela. Hoy, la metamorfosis de este eje urbano no podría ser más radical.

Maison du Jambon de Pierre Sajous, en el número 2 de la rue de la Grotte

En el número 2 de la Rue de la Grotte abrió sus puertas en 2023 la Maison du Jambon. Este espacio y boutique de degustación se ha convertido en una parada imprescindible para descubrir el célebre Porc Noir de Bigorre AOP, una de las joyas gastronómicas de la región. Se trata de una raza autóctona y ancestral que se cría en libertad por los Pirineos y que estuvo al borde de la extinción. Hoy, convertida en un producto de culto por su textura e intenso sabor con matices de frutos secos, es una de las delicias gastronómicas que te recomiendo probar.

Interior del comercio Maison du Jambon

Detrás del proyecto de la Maison du Jambon se encuentra el saber hacer de Pierre Sajous, una auténtica eminencia de la charcutería francesa. Miembro de la Académie Culinaire de France, Disciple d’Escoffier y condecorado como Caballero de la Orden del Mérito Agrícola, Sajous proviene de una estirpe de carniceros de la zona y cuenta en Beaucens con uno de los poquísimos talleres homologados por la exigente AOP del Cerdo Negro.

Cata-degustación de embutidos elaborados con Cerdo Negro

Con un ambiente acogedor y un aroma a jamón que abre el apetito al cruzar el umbral, la Maison du Jambon es el lugar perfecto para hacer un afterwork, una pausa en pareja o un picoteo de calidad entre amigos. En su espacio puedes comprar embutidos artesanales o acomodarte para disfrutar de sus espectaculares tablas de embutidos (20 €) acompañadas por una buena copa de vino A.O.C. Madiran (4 €).

Jamones de Cerdo Negro macho y hembra

Imprescindibles en la cata-degustación: No te vayas sin probar su jamón de Porc Noir curado pacientemente durante 24 meses, su salchichón tradicional o sus delicias artesanas más auténticas, como las rillettes y las terrinas elaboradas según las recetas de siempre.

Más información: La Maison du Jambon de Pierre Sajous. Dirección: 2 rue de la Grotte, 65100 Lourdes. Horario: Abierto de martes a sábado, de 9 a 13 h. y de 15 a 19 h. Web: Pierre Sajous.

Église Paroissiale du Sacré-Cœur: La iglesia del Padre Peyramale

La nueva iglesia parroquial en obras. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Al pasear por el centro histórico de la Ciudad Vieja, el viajero se topa con la imponente Iglesia del Sagrado Corazón (Sacré-Cœur), un monumento cuya construcción encierra una de las historias más intensas del Lourdes del siglo XIX. Tras las Apariciones de 1858, la antigua parroquia de San Pedro —estropeada por un incendio y desbordada por la marea de peregrinos— quedó pequeña para acoger a tantos fieles. Fue el célebre abad Dominique Peyramale quien impulsó en 1875 la construcción de este nuevo templo. Aunque al principio se mostró muy escéptico ante las visiones de la joven Bernadette, terminó convirtiéndose en su mayor defensor y en una pieza clave para el reconocimiento oficial de las Apariciones.

Detalle del campanario de 65 metros de altura de la Iglesia parroquial del Sacré-Cœur

Cuando el protagonista de la novela de Zola camina frente al edificio a finales del siglo XIX, contempla con sobrecogimiento las obras paralizadas de la mole: un esqueleto de piedra de Angoulême invadido por la vegetación, arruinado por deudas e intrigas tras la muerte del párroco en 1877. Aunque abrió de forma parcial al culto en 1888, hubo que esperar al cambio de siglo para reanudar los trabajos y que el templo pudiera abrir sus puertas en 1903, un proceso lento que culminó definitivamente con la elevación de su majestuoso campanario de piedra pirenaica en 1936.

Nave central y columnas de mármol de Campan

Hoy, la iglesia destaca por su imponente porche monumental con arcos. Diseñada en estilo neorrománico con planta de cruz latina y tres naves, el templo impresiona por sus proporciones: 56 metros de largo, 26 metros de ancho y más de 21 metros de altura, sosteniendo su nave principal catorce columnas monolíticas de mármol polícromo de Campan. En las alturas, la luz se filtra a través de las vidrieras superiores instaladas en 1986, obra ejecutada por el célebre taller del maestro vidriero Jacques Loire de Chartres.

Pila bautismal de granito pirenaico donde fue bautizada Bernadette Soubirous en 1844

En su interior se guardan algunas piezas vinculadas a la vida de Bernadette como, por ejemplo: la tumba del abad Peyramale en la cripta, su antiguo confesionario y la sobria pila bautismal de granito de los Pirineos donde Bernadette Soubirous fue bautizada el 9 de enero de 1844, rescatada de la desaparecida iglesia de San Pedro. Como curiosidad, el templo alberga además una estatua de la Virgen de Montserrat regalada por la Hospitalidad de Barcelona en 1956; un homenaje que recuerda cómo, desde tiempos remotos, los propios habitantes de Lourdes y de la región partían en peregrinación hacia los santuarios de Nuestra Señora de Montserrat, el Pilar de Zaragoza y Santiago de Compostela.

Ambón contemporáneo en forma de águila, obra en cristal creada por el artista Aristide Najean

El interior de este templo destaca además por su interesante arte sacro contemporáneo. El presbiterio alberga un monumental políptico firmado por el pintor Philippe Pujo —inaugurado en 2025 junto a su Vía Crucis de 2021—, integrado en el ambicioso conjunto en cristal de Murano diseñado por el artista Aristide Najean. Éste incluye la gran corona de gloria suspendida sobre el altar, las luminarias entre las columnas de la nave y un imponente y precioso ambón en forma de águila.

La Brûlerie Lourdaise: el aroma del mejor café

Terraza al aire libre y entrada a la tienda de Torréfaction Lourdaise

En la obra de Émile Zola, la Place de l'Église era un rincón cotidiano y humilde donde las mujeres solían tender la ropa para que se secara al sol. Hoy en día, la plaza se ha transformado en una preciosa zona peatonal de ambiente acogedor. Justo al lado de la iglesia del Sacré-Cœur, en el número 5, se ubica uno de los refugios más tentadores del casco histórico: La Brûlerie Lourdaise, un tostadero artesanal y cafetería que constituye un auténtico templo para los amantes del buen café.

Té frío de frutos rojos en la Brûlerie Lourdaise

Detrás de este rincón se esconde una fascinante historia familiar. Todo comenzó en 1959 cuando Michel Crauste, legendario capitán de la selección francesa de rugby apodado «le Mongol», se instaló en Lourdes junto a su esposa Angèle, de profesión telegrafista. Fue el hermano de Michel, tostador en Mont-de-Marsan, quien contagió a Angèle la pasión por el café. En 1966, tras 18 años trabajando para el servicio postal, Angèle decidió dar un giro a su vida y fundar este tostadero.

Detalle de la tostadora de café

El negocio pasó de generación en generación —con su hijo Jean-Michel a la cabeza desde los noventa y más tarde sus nietos— hasta que recientemente, en 2024, dos amigos apasionados, Guillaume y Felipe, tomaron el relevo para mantener viva esta mítica institución local. Hoy, los envolventes aromas de sus granos recién tostados siguen inundando la plaza diariamente, invitando a hacer una pausa reconfortante en cualquier época del año.

Selección de tés a granel a la venta en Torréfaction Lourdaise

El local cuenta con una cuidada selección de orígenes de todo el mundo que tuestan de forma artesanal en el propio establecimiento, y su equipo ofrece siempre un asesoramiento personalizado a quienes buscan llevarse café en grano o molido a casa. Además, disponen de una agradable terraza al aire libre junto a la fuente de piedra de Arudy, un lugar privilegiado para ver pasar la vida local mientras se paladea una taza recién hecha.

Café con selección de postres en la Brûlerie Lourdaise

Para quienes prefieran el té, la carta ofrece cerca de un centenar de variedades a granel para degustar allí mismo (4 €) o comprar, tanto en caliente como en refrescantes versiones frías. La propuesta se completa con una deliciosa repostería casera, crêpes y gofres hechos al momento, además de helados artesanales de la región; un alto en el camino perfecto para un brunch, un tentempié a mediodía o una merienda con auténtico sabor local.

Más información: Brûlerie & Torréfaction Lourdaise. Dirección: 5 Place de l'Eglise, 65100 Lourdes. Horario: Abierto de martes a sábado de 8:30 h a 18 h.

Le Cachot: la prisión de miseria extrema de la familia Soubirous

Le Cachot. (Postales de época restauradas y coloreadas digitalmente)

Dentro del entramado histórico del Chemin de Bernadette, una parada imprescindible es Le Cachot. Cuando los personajes de Émile Zola visitan este lugar —el doctor Chassaigne y el joven cura Pierre—, retrata con precisión de cirujano la «tristeza de una callejuela tortuosa» bordada de muros ciegos y fachadas sombrías, donde el acceso a la vivienda familiar parecía el descenso a una bodega oscura y resbaladiza.

Entrada y salida al edificio del Cachot

Zola se maravilló y rabiaba a la vez ante este rincón ahogado entre paredes húmedas, enlosado con piedras rugosas y apenas iluminado por la luz verdosa que filtraba un estrecho patio interior, donde «para leer a pleno mediodía habría hecho falta una vela». Aquel espacio no era otra cosa que un tugurio miserable de poco más de cuatro por tres metros al que la extrema pobreza y la mala fortuna habían empujado a los Soubirous.

Llave expuesta en Le Cachot

Tras la quiebra del molino de Boly, la familia Soubirous cayó en una espiral de falta de trabajo, precariedad y desahucios que los llevó al aislamiento social. Sin recursos ni apoyos, su último refugio fue esta habitación. Ubicado en la Rue des Petits Fossés y propiedad hoy de las Hermanas de la Caridad de Nevers, el habitáculo había servido como calabozo de la antigua cárcel de Lourdes hasta su clausura en 1824.

Habitación donde vivió la familia Soubirous. (Postal de época restaurada digitalmente)

Allí se hacinaron, desde mayo de 1856 hasta mediados de septiembre de 1858, los seis miembros de la familia: François Soubirous, su esposa Louise y sus cuatro hijos, Bernadette (de 14 años), Toinette (11), Jean-Marie (7) y el pequeño Justin (3). El mobiliario se reducía a lo mínimo indispensable para sobrevivir: una mesa, algunas sillas, un baúl para la ropa y dos camas. A causa de la extrema necesidad, en septiembre de 1857 Bernadette fue enviada durante cinco meses a Bartrès con su antigua nodriza, Marie Laguës, para ayudar en las tareas domésticas.

Bernadette Soubirous rodeada por las Hijas de María

Regresó a Lourdes en enero de 1858 para asistir a las clases para niños pobres impartidas por las Hermanas de Nevers. Sería de esta misma celda de donde saldría Bernadette, la mañana del 11 de febrero de 1858 junto a su hermana y una amiga, para recoger leña a orillas del Gave; una jornada cotidiana que desembocaría en la primera de las apariciones marianas. Al cruzar hoy la puerta de este diminuto espacio, el viajero puede experimentar exactamente la misma sobrecogedora sensación que los visitantes del siglo XIX.

Icónico capulet blanco tradicional de los Pirineos occitanos expuesta en Le Cachot

Conservado con cierto rigor histórico, Le Cachot permite comprender de golpe la humildad radical de los orígenes de Bernadette. Su desnudez contrasta de forma brutal con la opulencia monumental de las basílicas del Santuario. La visita actual al Cachot refleja la angustia espacial del lugar: es un habitáculo tan pequeño y estrecho que el recorrido exige entrar por una puerta y salir por otra.

Zueco de madera expuesto en Le Cachot

La primera estancia custodia, tras vitrinas de cristal, valiosas reliquias: una enorme llave metálica de portón, un zueco de madera, un rosario y el tradicional capulet de lana blanca: una toca pirenaica característica de las mujeres de la zona que, además de resguardar del frío de la montaña, denotaba por su color blanco la juventud y soltería de quien lo vestía. En una de las paredes, un gran plano presenta el Lourdes de 1858 y traza con una línea exacta el itinerario que recorrió la niña desde esta celda donde nos encontramos hasta la Gruta de Massabielle aquella mañana de febrero.

Habitación donde vivió la familia Soubirous

El recorrido concluye en la estancia contigua, el espacio real donde malvivió la familia Soubirous durante las dieciocho apariciones, conservado en su desnudez original con la chimenea de la época y un sobrio banco de madera. No sería hasta septiembre de 1858 cuando pudieron abandonar finalmente el calabozo para alojarse en la Place Marcadal, en la vivienda del pastelero Deluc, cuya esposa era prima de la madre de Bernadette. Un modesto paso hacia adelante que marcaría el fin del capítulo más oscuro de sus vidas.

Más información: Le Cachot. Dirección: 15 Rue des Petits-Fossés, 65100 Lourdes. Horario: Abierto todos los días, del 1 de abril al 31 de octubre, de 9 h a 12 h y de 14 h a 18 h. Del 2 de enero al 31 de marzo y del 1 de noviembre al 31 de diciembre, de 15 h a 17 h. Durante las vacaciones escolares, abierto de 10 h a 12 h. Entrada gratuita.

El Castillo Fortificado de Lourdes

El Castillo Fortificado. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Elevándose sobre el escarpe rocoso que articula el perfil de la ciudad de Lourdes, se alza el Château Fort, la imponente fortaleza militar que Zola contemplaba presidiendo el horizonte. En las páginas de su novela, la fortaleza aparece como un centinela inmemorial que dividía la modesta villa histórica —recostada al otro lado del peñón— del nuevo imperio sagrado que emergía junto al río Gave.

Acceso al Castillo Fortificado y Museo Pirenaico de Lourdes

Zola evocaba con admiración esa «roca solitaria, coronada por la torre y los muros desmoronados del antiguo castillo», recordando que en otro tiempo aquel baluarte de perfil negro «de antigua fortaleza fiera» y altas murallas había sido la llave temible de los siete valles del Lavedan, el gran guardián defensivo de las montañas. Hoy en día, el Castillo Fortificado es el nexo perfecto entre ese pasado medieval y la ciudad actual, además de un espacio cultural verdaderamente fascinante.

En una de las salas del museo se ha representado la cocción del gâteau à la broche

Cruzar sus murallas es adentrarse en las dependencias del Musée Pyrénéen, cuya colección etnográfica destaca por un nivel de detalle asombroso: desde herramientas agrícolas hasta minuciosas reconstrucciones de estancias tradicionales donde no falta un solo utensilio en las cocinas, pasando por salas dedicadas al arte de la tejeduría con telares antiguos, la cerámica local o la indumentaria típica.

Un jardín botánico que no te esperas encontrar

Es una inmersión completa en la vida cotidiana y el alma de los Pirineos, que abordaremos con el detalle que merece en un futuro artículo dedicado en exclusiva a su colección y los diferentes espacios expositivos. Todo ello con el encanto extra de subir a las viejas almenas y regalarse con la misma panorámica majestuosa que sobrecogió al escritor francés.

Más información: Château Fort. Dirección: 25 Rue Du Fort, 65100 Lourdes. Horario: Abierto todos los días de 9 h. a 17 h. Entrada: 8 €. Web: Castillo Fortificado - Museo Pirenaico de Lourdes.

La Casa Paterna de Bernadette (Moulin Lacadé)

Moulin Lacadé en una postal de época restaurada y coloreada digitalmente y en la actualidad

Es la vivienda a la que se trasladó la familia Soubirous en 1865. Tal como narra Zola, fue la mediación de Monseñor Laurence, obispo de Tarbes, lo que permitió a la familia abandonar la miseria extrema del viejo Cachot (la antigua cárcel) y recuperar la dignidad, instalando al padre de Bernadette en este molino donde pudo volver a ejercer su oficio.

Libro de plegarias de Bernadette Soubirous

Hoy en día, la visita a la casa de los padres de Bernadette ofrece un emotivo viaje en el tiempo en la vida cotidiana de los Soubirous. Las salas de la exposición custodian valiosos recuerdos familiares y personales: retratos de sus padres y hermanos, el árbol genealógico —que conecta la estirpe hasta los familiares vivos de la actualidad—, cartas manuscritas, un pañuelo a cuadros, su libro de plegarias y hasta una maqueta de la Gruta realizada por la propia Bernadette.

El faldón de bautismo expuesto en el Moulin Lacadé fue bordado por Bernadette

No obstante, una de las piezas con la historia más impactante es el faldón de bautismo, que según nos explica la encargada de cobrar las entradas, fue cosido por la joven para sus hermanos: una vestidura que, tras más de un siglo y medio, la familia sigue sacando de la vitrina para bautizar a los bebés de las nuevas generaciones, como atestiguan las fotografías de los recién nacidos que acompañan a la prenda.

Un viaje en el tiempo a la vida familiar de Bernadette

Rincón del Moulin Lacadé con la antigua pila de piedra

A través de mamparas de cristal que protegen las estancias sin restarles visibilidad, el recorrido se adentra en la antigua zona de trabajo de François Soubirous. Allí se exhibe el viejo molino con sus piezas sueltas, cedazos, la piedra de moler y las arcas de madera donde se depositaba el grano y se recogía la harina. A continuación, se pasa a la cocina, dominada por la chimenea en el centro y una pequeña ventana que ilumina la pila sin grifo con su jarra de zinc.

La antigua mesa de madera en la cocina del Moulin Lacadé

Sobre la mesa de madera reposa un bonito cuenco de cerámica vidriada amarilla junto a cubiertos antiguos y dos sillas sin asiento, mientras en la pared cuelgan sartenes y cacerolas de la época. En esa misma cocina, en la pared opuesta a la ventana, se ubica la cama donde falleció en 1866 la madre de Bernadette, junto a una mesita de noche. En la pared pueden verse pequeñas placas de mármol a modo de exvotos con mensajes de agradecimiento («MERCI a N. D. de LOURDES») en letras doradas.

Instalaron a la madre de Bernadette en la cocina al no poder subirla al dormitorio

Un cartel sobre una silla recuerda el dramático instante en que Bernadette, al despedirse de este hogar, cayó desmayada en brazos de su madre. Una figura de metro y medio que representa a la joven rezando custodia los pies de la cama. Unas estrechas y empinadas escaleras de madera conducen al piso superior, donde se conserva otro humilde dormitorio con dos camas individuales separadas por una mesilla de noche, en una de las cuales falleció el padre de la visionaria en 1871.

Réplica del mausoleo de Nevers con la figura yacente de Bernadette

Tras pasar junto a otra cama protegida tras el cristal y rodeada de más placas de agradecimiento, la última sala exhibe una urna de cristal que recrea el mausoleo de Nevers, con la figura yacente en cera de Bernadette vestida con el hábito de monja y el rosario entre sus manos. La visita desemboca directamente en la tienda de recuerdos, regentada por los propios descendientes de Bernadette Soubirous.

Más información: Moulin Lacadé. Dirección: 2 Rue Bernadette Soubirous, 65100 Lourdes. Horario: Abierto de lunes a sábado, del 1 de abril al 31 de octubre, de 9:30 h a 12:15 h y de 14:15 h a 18:30 h. Entrada: 2,50 € (a partir de 11 años).

La Casa Natal de Bernadette Soubirous (Moulin de Boly)

Casa natal de Bernadette. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Zola retrata este molino como un remanso de dicha y prosperidad, escenario de los primeros años de felicidad de la familia Soubirous. Alquilado por François, el padre de Bernadette, fue el hogar familiar antes de que los contratiempos y la mala fortuna arruinaran a sus padres, obligándoles a iniciar un doloroso peregrinaje de pobreza que culminaría en la sórdida celda del Cachot.

Lugar de nacimiento de Bernadette Soubirous. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Bernadette nació el 7 de enero de 1844 en el Molino de Boly en el seno de una familia humilde pero unida. Fue la mayor de nueve hermanos de los cuales solo cuatro alcanzaron la edad adulta. Cuando apenas contaba con unos meses de vida, su madre sufrió graves quemaduras que le impedían amamantarla, por lo que la pequeña fue confiada a Marie Laguës, una nodriza del cercano pueblo de Bartrès.

Cocina del Molino de Boly. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Permaneció allí entre noviembre de 1844 y abril de 1846, fraguando un profundo afecto por Laguës, a quien siempre recordaría como su «segunda madre». Tras ese paréntesis, Bernadette pasó sus diez primeros años de vida en este molino a orillas del arroyo de Lapacca, un hogar entrañable que ella misma bautizaría cariñosamente como el «Molino de la Felicidad».

Molino de Boly. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Al cruzar el umbral de la vivienda, la primera sala da la bienvenida con grandes paneles informativos que contextualizan el universo de la joven: los rostros de las personalidades clave del Lourdes de 1858, un árbol genealógico enfocado en sus abuelos, padres y hermanos, y los registros con las fechas y lugares de su bautismo, comunión y confirmación. Un mapa cronológico completa el recorrido inicial mostrando el itinerario de los diferentes lugares donde residió Bernadette desde su nacimiento en 1844 hasta su marcha a Nevers y posterior fallecimiento en 1879.

Cuna de madera con balancín

Subiendo a la primera planta, el itinerario muestra la vivienda familiar. Una de las estancias alberga una chimenea revestida de madera —muy probablemente una restauración o añadido posterior para la conservación del espacio— frente a la cual reposa una emotiva cuna de madera con balancín. En la sala común, un cartel sobre la repisa indica que era en ese espacio donde la familia vivía, acogía a los suyos y rezaba unida.

Detalle de la estancia principal del Molino de Boly

Allí se expone una mesa de madera con tres sillas, dos platos y sus cubiertos, junto a una pila de piedra situada bajo la ventana y un aderezo de época compuesto por quinqués, cestas, botes de cerámica, zuecos de madera sobre la alfombra y una antigua plancha de hierro. A la izquierda destaca un sobrio mueble de madera sobre el que descansa una jarra, mientras que a la derecha se ubica una cama, custodiada en la pared por un enorme rosario de madera.

Detalle del viejo molino de madera de la casa natal de Bernadette

El descenso por una segunda escalera conduce directamente a la infraestructura hidráulica del viejo molino de madera, conservado aquí de forma mucho más completa que en Lacadé. En sus carteles descriptivos es posible identificar con precisión sus piezas históricas originales restauradas en 2012: la tolva (trémie), el canalizo (auget), la piedra de moler (meule), el pico vertedor (bec verseur), el arca de la harina (coffre à farine) y la turbina (turbine).

El Molino de Boly, lugar de nacimiento de Bernadette Soubirous en 1844

Colgado de la pared otro cartel en francés sintetiza el dramático punto de inflexión de la familia Soubirous: «Tras 10 años de vida aquí, los Soubirous debieron abandonar este Molino de la Felicidad para vagar de molino pobre en molino más pobre, hasta acabar en el reducido espacio del Cachot».

Más información: Moulin de Boly. Dirección: 12 Rue Bernadette Soubirous, 65100 Lourdes. Horario: Abierto todos los días, del 1 de abril al 31 de octubre, de 9 h a 12 h y de 14:30 h a 17:30 h. Del 2 de enero al 31 de marzo y del 1 de noviembre al 31 de diciembre, de 15 h a 17 h. Durante las vacaciones escolares, abierto de 10 h a 12 h. Entrada gratuita.

La Plaza del Mercado: El corazón de la Ciudad Vieja

Mercado de ganado en Le Champ Commun. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

La Ciudad Vieja es un casco urbano lleno de vida, con puntos neurálgicos como la animada plaza del mercado, que en época estival se transforma en un escenario al aire libre para conciertos y veladas musicales. Zola la dibuja como una amplia plaza de planta triangular, el enclave más animado y lujoso del casco histórico, donde se concentraban los mejores cafés, las farmacias más concurridas y los comercios más distinguidos. Entre todos aquellos establecimientos, el escritor se recrea en una tienda que llamaba poderosamente la atención de cuantos por allí pasaban.

Mercado de ganado en Le Champ Commun. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Era una elegante barbería pintada de un vistoso verde claro, ornamentada con altos espejos de cristal y coronada por un llamativo letrero en letras doradas que anunciaba: Cazaban, peluquero. El ritmo de este espacio cambiaba según los días de la semana. Entre semana, el movimiento era pausado y eminentemente local: apenas unas amas de casa apuradas haciendo los recados o algunos jubilados que paseaban a la sombra de los árboles. Había que esperar al domingo o a las jornadas de feria para ver la plaza estallar de vida.

Puesto de flores en el mercado de la Place du Champ Commun

Esos días, la población local se vestía con sus mejores galas de fiesta y se mezclaba con las multitudes de ganaderos que bajaban de las lejanas mesetas y valles pirenaicos guiando a sus animales. Hoy en día, la Place du Champ Commun y sus inmediaciones conservan intacto ese espíritu de punto de encuentro auténtico. Sigue siendo el lugar ideal donde el viajero puede escapar del bullicio del circuito de los Santuarios para disfrutar de un café en sus terrazas, saborear la gastronomía local y sentir el verdadero latido de la vida pirenaica.

Les Halles: el corazón gastronómico de la ciudad

Vista de la plaza y el mercado. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Aunque Émile Zola no llegó a incluirlo en las páginas de su novela, el mercado cubierto de Lourdes (Les Halles) es una parada imprescindible para tomar el pulso a la vida cotidiana de la ciudad y comprender su patrimonio del siglo XIX. Su precioso edificio de estructura metálica es un ejemplo perfecto de la arquitectura industrial de la época.

El edificio del Mercado Cubierto de Lourdes

Curiosamente, la estructura no se construyó originalmente aquí: formaba parte del emblemático Marché de la Pierre en Toulouse, hasta que el Ayuntamiento de Lourdes lo compró, en 1892 por 140.000 francos (el equivalente a unos 700.000 euros actuales), lo desmontó y lo trasladó pieza a pieza para reconstruirlo en su ubicación actual, la Place du Champ Commun.

Puesto de carnicería en el mercado

Hoy en día, este espacio histórico se ha convertido en el verdadero corazón gastronómico de Lourdes. Es el lugar perfecto en el centro de la ciudad para mezclarse con la gente local, tapear y descubrir los sabores auténticos de la cocina pirenaica. Entre los imprescindibles que todo viajero debe probar (o meter en la maleta) destacan:

Truchas frescas de los Pirineos en el mercado

El famoso e imprescindible Porc Noir de Bigorre (el mítico cerdo negro de la región), el sabroso cordero de Barèges y las distintas especialidades derivadas del pato. La trucha de los Pirineos, el tradicional queso Tomme des Pyrénées y los célebres haricots tarbais (las alubias locales, ingrediente estrella de la reconfortante garbure pirenaica que pudimos probar en Luchon), además de mieles y mermeladas artesanales.

Selección de quesos a la venta en el mercado

La visita no estaría completa sin pasar por sus puestos tradicionales para degustar el icónico gâteau à la broche —un pastel artesanal de fiesta elaborado capa a capa al asador, parecido al kürtőskalács húngaro— o una jugosa tourte des Pyrénées. Para regarlo todo, nada mejor que un vino de las A.O.C. Madiran o Jurançon, o una buena cerveza artesana de los valles.

Un alto en el camino: Restaurante Le Palacio

Detalle del interior del restaurante Le Palacio

Tras recorrer una parte de la memoria literaria de Zola, llega el momento de recuperar fuerzas y reconectar con el pulso cotidiano de la ciudad. Y ya que estamos frente a sus emblemáticas y bulliciosas Halles (el mercado central), el mejor lugar para hacerlo es el Restaurante Le Palacio. Este restaurante de la Ciudad Vieja es una dirección gastronómica a tener en cuenta para quienes buscan platos de la cocina tradicional francesa con un toque bistronómico joven.

Poke bowl vegetariano

Desde el año 2002, dos generaciones de la misma familia unen su talento en los fogones para rendir un homenaje directo al patrimonio culinario del Suroeste francés, trabajando exclusivamente con producto fresco «de la tierra a la mar». En su carta conviven propuestas informales —como pizzas artesanas (de 9 € a 14 €), ensaladas o pastas (14 €)— con grandes joyas gastronómicas de la región: desde el auténtico cassoulet o el legendario Porc Noir de Bigorre AOP hasta el tierno cordero pirenaico, los patos grasos o los famosos haricots tarbais. Los amantes del pescado encontrarán trucha de los Pirineos procedente de acuicultura sostenible y capturas frescas del día.

Queso Tomme des Pyrénées con confitura de cerezas negras

Ya sea en su cálido salón interior o disfrutando del ambiente nocturno en su gran terraza, adaptan sus platos a necesidades alimentarias o dietas específicas, con opciones vegetarianas, platos sin sal y gestión rigurosa de alérgenos. Mi elección para cenar: Un apetitoso Poke bowl vegetariano (14,50 €) y, como broche imprescindible de la zona, un corte de queso Tomme des Pyrénées acompañado con una confitura de cerezas negras (6 €). ¡Sencillamente delicioso!

Más información: Le Palacio. Dirección: 28 Place du Champ Commun, 65100 Lourdes. Horario: De jueves a lunes de 12 a 14 h. y de 18:30 a 21:30 h. Miércoles cerrado. Web: Le Palacio.

Entrada al Santuario de Nuestra Señora de Lourdes

Puerta de San Miguel. Entrada al Santuario. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Para preparar la visita al Santuario de Nuestra Señora de Lourdes, basta un dato: sus 52 hectáreas de recinto albergan 22 lugares de culto, lo que invita a coger aire antes de cruzar la Puerta de San Miguel. En las páginas de Lourdes, Émile Zola describía con maestría el ambiente febril que rodeaba los bulevares de entrada y la nueva avenida «soberbia» que bordeaba el río Gave —erigida «a fuerza de dinero en la ribera salvaje donde antaño pastaban los puercos»—.

Vendedores de leche de cabra. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En su época, la masa de peregrinos invadía los puestos al aire libre donde se freían patatas o se guisaban carnes baratas con cebolla. También se vendían ristras de salchichones, jamones y embuchados, caldo, leche o tazas de café y panes por dos sueldos —es decir, 10 céntimos de franco, lo que hoy equivaldría a unos 0,45 euros— que se podían devorar en las mesas dispuestas sobre las aceras.

Vista de la explanada y la Virgen Coronada. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Curiosamente, si entonces eran las vendedoras de cirios y ramos de flores quienes abordaban a los transeúntes, hoy son pedigüeños y pedigüeñas que, como en la India, pueblan las esquinas y los puentes pidiendo limosna. Pese a los cambios, la gran Explanada sigue siendo la que Zola describió: un jardín con césped central bordeado por dos paseos paralelos que llega hasta la célebre imagen de la Virgen Coronada mirando hacia las basílicas.

La Basílica de Nuestra Señora del Rosario

Bendición de los enfermos. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Interrumpiendo la explanada principal, se alza la Basílica de Nuestra Señora del Rosario, obra del arquitecto Leopold Hardy, completada en 1889. En las páginas de la novela, Zola la retrataba como una «iglesia achatada y redonda, tallada a medias en la roca» al fondo del gran jardín, custodiada por los «brazos inmensos» de sus rampas en arco. La arquitectura de este templo de estilo neobizantino fue analizada con agudeza por el escritor francés, a quien le llamaron especialmente la atención esas majestuosas rampas monumentales diseñadas en suave pendiente para articular el flujo de las grandes procesiones.

Donde acaba la Basílica de Nuestra Señora del Rosario, empieza la Inmaculada Concepción

Con su sutil ironía, Zola señalaba la picardía de su trazado curvo, que permitía a las multitudes descender y volver a subir «girando en el sitio» dentro del propio perímetro del Santuario, canalizando la devoción sin necesidad de que los fieles se desviaran hacia la antigua parroquia del pueblo. En la gran puerta de entrada se armonizan con suma belleza las riquezas de su ornamentación en mosaico.

Tímpano esculpido por Henri-Charles Maniglier en la Basílica de Nuestra Señora del Rosario

Destaca sobre el tímpano el notable grupo esculpido por Henri-Charles Maniglier, de París, que representa a la Santísima Virgen con el Niño Jesús haciendo entrega del rosario a Santo Domingo. La obra está enmarcada por la inscripción latina «Quasi rosa plantata super rivos aquarum fructificate» (Floreced como rosa plantada junto a las corrientes de las aguas) y, justo debajo, la invocación «Regina Sacratissimi Rosarii, ora pro nobis».

Detalle del mosaico de la Anunciación en la fachada de la Basílica de Nuestra Señora del Rosario

Asimismo, en los ángulos de la fachada lucen dos grandes medallones en mosaico —regalo del Papa León XIII— con los retratos de Su Santidad y de monseñor Schoepfer, por entonces obispo de Tarbes. Hoy en día, despojadas de la polémica decimonónica, la imponente amplitud de su fachada y la riqueza de sus grandes mosaicos siguen constituyendo el telón de fondo más icónico de Lourdes. Es un espacio que alcanza su cima de emotividad al caer la noche, cuando la plaza se llena de luz y silencio durante la célebre Procesión de las Antorchas.

La Procesión de las Antorchas

Procesión de las Antorchas ante la basílica. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

La vivacidad de la devoción nocturna también ha mutado con el paso del tiempo. Instituida en el año 1872, Zola inmortalizó la emblemática Procession aux flambeaux (Procesión de las Antorchas) describiendo lo que llegó a definir como «el espantoso desfile, aquella corte de los milagros del sufrimiento humano». En sus páginas, el escritor contempló fascinado cómo cada asistente avanzaba sosteniendo un cirio resguardado por un cucurucho de papel blanco, que lucía impresa en tinta azul la imagen de Nuestra Señora de Lourdes, formando una descomunal «serpiente de fuego» reptando en la noche.

Basílica de la Inmaculada Concepción iluminada durante la Procesión de las Antorchas

Hoy en día, de abril a noviembre y de forma completamente libre y gratuita para todo el mundo, el rito se celebra a diario a las 21:00 h, manteniendo el mismo itinerario que en el siglo XIX: la multitud recorre el largo paseo recto que se abre al cruzar la Puerta de San Miguel, bordea el prado girando en la Cruz de los Bretones y regresa por el paseo opuesto frente a las majestuosas rampas de la Basílica de Nuestra Señora del Rosario.

Paso de la Virgen durante la Procesión de las Antorchas

La procesión congrega hoy a un número sensiblemente menor de peregrinos y devotos frente a las riadas humanas y a la sobrecogedora masa de tullidos, llagados y dolientes de gravedad extrema que retrató Zola en su época. La estampa actual muestra una realidad médica bien distinta, con una presencia notablemente menor de enfermedades famélicas o de miembros retorcidos. Otra diferencia reveladora es la ausencia de aquellos miles de cucuruchos iluminados de antaño; hoy son muy pocos los que portan una vela en la mano y, de esos pocos, la mitad prefiere no encenderla para conservarla intacta y llevársela a casa como recuerdo.

Fieles portando velas encendidas en la Procesión de las Antorchas

Es el reflejo silencioso de una creciente mezquindad que parece impregnarlo todo. Al contemplar la penumbra del recinto, uno comprende que no es la falta de fe ni la disminución en el número de creyentes lo que debería darnos miedo hoy en día; es la progresiva falta de misericordia, una cualidad que parece haber ido desapareciendo de nuestras vidas cotidianas sin darnos cuenta.

La Basílica de la Inmaculada Concepción (Basílica Superior)

Las Basílicas junto al Gave. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Levantada sobre la mismísima Gruta de Massabielle, la Basílica de la Inmaculada Concepción se construyó exteriormente con piedra del país, mientras que para su interior se empleó la elegante piedra blanca de Angoulême. Bendecida en 1871 y consagrada en 1876, esta iglesia de estilo neogótico fue retratada por Zola como un templo que «se lanzaba hacia arriba, un poco esbelta y frágil, demasiado nueva, demasiado blanca, con su estilo estilizado de joya fina, brotada de las rocas como una oración».

Santuario a orillas del Gave

Dominando el valle con sus agujas apuntando al cielo, el templo encarnaba el triunfo rotundo de la nueva fe monumental. Las dos agujas que flanquean los laterales fueron añadidas en 1908 por monseñor Schoepfer, obispo de Tarbes, con motivo del cincuentenario de las apariciones. En la época del escritor, lo habitual era recibir entre cien mil y doscientos mil peregrinos al año; sin embargo, en hitos históricos como la gran coronación de la Virgen en 1876, la afluencia rozó el medio millón de fieles, con jornadas memorables donde «cien mil peregrinos acudían y treinta y cinco obispos vestidos de oro hacían radiante la Basílica».

Altorrelieve de Cristo Pantocrátor esculpido en el nártex

Al cruzar la nave actual, el viajero ya no encuentra los exvotos que tapizaban sus paredes, testigos de la incesante afluencia de peregrinos que el autor describía a finales del XIX, pero descubre un espacio imponente cuyos impresionantes vitrales narran con un colorido único la historia de la Virgen María, la proclamación del dogma de la Inmaculada Concepción por el papa Pío IX en 1854 y las Apariciones de 1858. Un detalle en la visita: ¡Fíjate bien al entrar! Sobre el acceso a la cripta se conserva un gran medallón que rinde homenaje al propio Pío IX, una huella histórica del pontífice que impulsó el dogma.

Las fuentes de agua de Lourdes: el «Santo Grial» de la fe

Mosaico del Milagro de Bernadette en la Basílica de Nuestra Señora del Rosario

Todo cambió aquel 25 de febrero de 1858, durante la novena aparición. Ante la mirada atónita de la multitud, una joven Bernadette Soubirous comenzó a escarbar en la tierra lodosa al fondo de la Gruta y a beber el agua embarrada que brotaba de forma espontánea y limpiándose el rostro. Seguía una orden de la Virgen que solo ella podía escuchar: «Vayan a beber a la fuente y a lavarse».

Botellas llenadas de agua mineral de Lourdes en las fuentes del Santuario

Días después comenzaron a registrarse las primeras curaciones milagrosas. Aunque los análisis científicos nunca han hallado propiedades químicas especiales en el agua, para el creyente la fe lo es todo. Como decía la propia Bernadette: «¡Una sola gota basta! ¡Es la fe lo que se necesita!». Si se piensa bien, esta fuente es el verdadero milagro de Lourdes: un agua mineral pura, transparente y helada —idéntica a la que fluye de las altas mesetas pirenaicas— que el propio Zola no dudó en afirmar que «ni una enfermedad del estómago resiste, todas desaparecen al primer vaso».

Envasado de agua de la Gruta. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Para quienes no podían acudir en persona, Zola documentó la visita de su personaje principal al modesto almacén donde un obrero llenaba a mano, una a una, las botellas de vidrio desde una cuba de zinc arrastrada desde la Gruta, para encajonarlas después entre capas de viruta y enviarlas por un franco con setenta —lo que equivalía exactamente al salario de media jornada de trabajo de un obrero de la época (o unos 8,50 euros actuales)—.

Peregrinos bebiendo el agua milagrosa. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En la época del escritor francés, la fuente constaba de una construcción baja de doce caños protegida por un muro de piedra rematado con molduras talladas. Zola narraba con fascinación una fuente asediada a todas horas por una abigarrada multitud que acudía con cántaros de gres y, sobre todo, con llamativos bidones de hojalata de uno a diez litros —algunos neutros y otros estampados con la imagen de la Virgen en azul— que «añadían una alegría al gentío con su brillo de hojalata nueva y su claro tintineo de cacerola, llevados en la mano o colgados en bandolera».

Mujer llenando una botella de agua en las fuentes del Santuario

Poco ha cambiado el ritual del agua en el siglo XXI, más allá de la modernización del diseño de las fuentes y el material de los envases. Quienes no llevan botella para llevarse el agua de Lourdes a sus lugares de origen, se acercan para beber directamente, lavarse las manos y el rostro, recreando el gesto original de purificación que se lleva realizando desde 1858. En el fondo, hasta el más escéptico de los visitantes desea rendirse por un instante a la ilusión del milagro, anhelando con terca certeza que esa misma agua divina que Zola vio brotar a finales del siglo XIX siga estando allí de forma gratuita para aliviar y curar a la humanidad.

Las antiguas piscinas y el "fango humano"

Las piscinas fueron construidas en 1892. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Antes de llegar a la Gruta, el visitante del siglo XIX se topaba con las casetas de las piscinas, el lugar donde se llevaba a cabo uno de los ritos más sobrecogedores de Lourdes: la inmersión de los enfermos. Hoy en día este espacio ha desaparecido por completo y no queda rastro físico de aquellas casetas, pero las páginas de Zola conservan una radiografía exacta de su distribución.

Las piscinas. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En su época, el espacio le pareció bien acondicionado en lo estructural: constaba de una sala de espera común, una estancia pavimentada y sobria amueblada únicamente con un banco y dos sillas. Allí, los enfermos se desnudaban y vestían a toda prisa, dominados por el pudor. Desde esta antesala se accedía a tres departamentos independientes con tres bañeras a las que se bajaba por unos peldaños de piedra, separadas entre sí por tabiques y resguardadas en la entrada por una sencilla cortina de lona que se corría para aislar al enfermo durante el baño.

Enfermos frente a las piscinas. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Según detallaba una guía de Lourdes de 1908, la instalación se dividía meticulosamente en tres departamentos: los dos primeros estaban reservados a mujeres y hombres respectivamente, y un tercero estaba equipado con pilas específicas para infantes, baños de asiento y pediluvios. Para sumergirse en las piscinas de Lourdes, los enfermos debían presentar un certificado firmado por un médico de su país de origen. Al cuidado de estas instalaciones y del trato con los enfermos se encargaban los miembros de la «Hospitalidad de Nuestra Señora de Lourdes».

Interior de las piscinas. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Sin embargo, tras esta disposición arquitectónica se escondía una realidad sanitaria estremecedora. Por temor a que el caudal del manantial no fuera suficiente para reponer el estanque de forma continua, los sacerdotes a cargo de la Gruta únicamente renovaban el agua de las bañeras dos veces al día. Teniendo en cuenta que por la misma agua sumergían a cerca de un centenar de personas por turno, el agua milagrosa terminaba convertida en un caldo dantesco.

Esperando para entrar en las piscinas. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Zola describe con crudeza atroz cómo en aquella masa líquida se concentraba un «espantoso consomé de todos los males»: hilos de sangre, restos de piel, costras, vendajes y retales de hilaza flotando en la penumbra. Parecía un auténtico caldo de cultivo de gérmenes y contagios, un compendio de todas las podredumbres humanas donde, a ojos del escritor naturalista, el verdadero e imprevisto milagro residía en el simple hecho de salir con vida de aquel fango humano.

La Gruta de Massabielle: donde todo comenzó

Reconstrucción de la Primera Aparición. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Nada del milagro de Lourdes existiría sin la Gruta de las Apariciones (Grotte de Massabielle). En 1858, este rincón a orillas del río Gave era un paraje oscuro e insalubre conocido localmente como La tutte aux cochons (El refugio de los cerdos). Sin embargo, todo cambió el 11 de febrero, cuando la joven Bernadette Soubirous fue a recoger leña, notó una repentina ráfaga de viento y contempló a la Señora en la roca: fue la primera de sus 18 apariciones. Zola describió con minuciosidad la fisonomía de esta oquedad natural, de dimensiones relativamente reducidas —apenas 5 metros de altura, 7 de longitud y poco más de 6 metros de profundidad—, que se sitúa en la mismísima base del peñón, sobre la que se alojaba en una hornacina ojival la estatua de la Virgen.

Peregrinos rezando en la Gruta de Massabielle. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Dicen que los primeros peregrinos terminaron por arrancar de raíz el rosal silvestre original que crecía en la cavidad. Durante algún tiempo, sobre la roca desnuda siguió extendiéndose una alfombra silvestre de hiedra, avellanos y zarzas de colgantes ramajes, hoy desaparecidos. Hacia ese hueco fluía, como un torrente incesante, lo que el autor calificaba como el «flujo abominable de la pobreza y del dolor humanos». Durante las tardes, la muchedumbre se organizaba en un desfile perpetuo: los fieles entraban por la izquierda y salían por la derecha, persignándose, depositando ramos y cirios, besando la piedra o frotando en ella rosarios y medallas para bendecirlos.

Gesto devocional: el contacto con la piedra como acto de petición y fe

Aquel fervor incesante dejó huella física en la materia. Zola retrató cómo la piedra aparecía desgastada, pulida con el brillo lustroso y suave del mármol pulido por los millones de labios ardientes que se posaban sobre ella con vehemencia. Por las noches, resplandecía llameante por el fuego de miles de cirios, erigiéndose en un deslumbrante «faro de esperanza y de ilusión». El negocio de los cirios en Lourdes alcanzaba proporciones astronómicas. Según relata Zola, los había para todos los bolsillos: desde las piezas más humildes de cinco sueldos (unos 25 céntimos de franco, equivalentes a 1,15 € actuales) —capaces de arder durante apenas tres horas— hasta descomunales velas de sesenta francos (alrededor de 270 €) pensadas para mantenerse encendidas sin interrupción a las puertas de la roca durante todo un mes.

Gruta de Massabielle. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Enfrente de la gruta, numerosos bancos de roble se alineaban al aire libre para acoger a la muchedumbre; aunque hoy en menor número, aún se encuentran unos bancos para sentarse frente a la roca y contemplar en silencio el conmovedor espectáculo de devoción que acontece en ella o ver cómo un empleado retira la cera de los cirios consumidos, insistiendo en que no se pueden depositar de nuevos hasta nueva orden. Zola refleja cómo para Marie, la joven tullida protagonista de la novela, el deseo más ardiente era obtener el codiciado permiso para pasar la noche entera en vela ante la Gruta y «dormir con la Virgen».

Un enfermo es llevado a la Gruta. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Aquella no era una concesión al alcance de cualquiera: las autoridades del Santuario otorgaban este privilegio con cuentagotas, reservándolo casi en exclusiva a personas influyentes o bien recomendadas. Entre los detalles singulares que documentó el escritor figura la costumbre de arrojar cartas a través de las verjas de hierro de la Gruta, instaladas desde las primeras apariciones de la Virgen. Las autoridades eclesiásticas debían recogerlas y clasificarlas en invierno antes de destruirlas, pues muchas contenían, además de ruegos desesperados, monedas de diez o veinte sueldos y sellos de correos.

Interior del refugio para peregrinos. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Desprenderse de esa suma no era un gesto menor: en una época donde el salario medio de un trabajador industrial oscilaba entre los 3 y 4 francos por jornadas de hasta 12 horas, aquellos diez o veinte sueldos equivalían al fruto de dos a tres horas de duro trabajo. Era el enorme sacrificio económico de quien lo entregaba todo a cambio de un milagro. En este contexto, Zola recoge la entrañable anécdota de una humilde campesina que, tras volcar sus penas en el papel, añadió una posdata en su carta aclarando que adjuntaba un sello a la espera de recibir una pronta respuesta de la Virgen.

La imagen de la Virgen de la Gruta

Creyentes haciendo fila para entrar en la Gruta de Massabielle

Hoy, la Gruta conserva ese carácter recogido y silencioso. Los visitantes continúan haciendo fila para entrar al habitáculo rocoso, tocar la piedra con devoción y rezar al ritmo ralentizado de los pasos. Si se mira hacia arriba a la derecha, a dos metros de altura, se contempla la icónica estatua de la Virgen, esculpida en mármol de Carrara por Joseph-Hugues Fabisch (profesor de la Escuela de Bellas Artes de Lyon). Fue un regalo de las hermanas Lacour, de la diócesis de Lyon, valorado en 7.000 francos (unos 35.000 euros actuales). Sin embargo, su creación esconde un fascinante proceso de «fidelidad» a la visión.

La Virgen de Lourdes, tallada en tiempos de Bernadette, preside la Gruta

El propio Fabisch viajó a Lourdes en septiembre de 1863 para entrevistarse con Bernadette, quien llegó a imitar ante él los ademanes de la Señora con una gracia que sobrecogió al escultor. Aun así, cuando el artista envió la fotografía del primer modelo en arcilla para su aprobación, la joven no dudó en ejercer de implacable crítica. Bernadette encontró deficiente la obra que todos alababan: el rostro no era lo bastante joven ni risueño, las manos debían estar más juntas, el velo caía de forma distinta sobre los hombros y el vestuario no resultaba lo bastante recatado. Como escribió el propio párroco Peyramale al escultor: «Sometí la fotografía al Aristarco, a quien usted teme más que a los miembros del Instituto [...] Para Bernadette es otra cosa, dudo que al ver su estatua exclame "¡Es ella!"».

El abad Dominique Peyramale y Bernadette Soubirous

Pese a las objeciones de la joven visionaria, la imagen terminada llegó a Lourdes el 30 de marzo de 1864 y se colocó en la hornacina de la Gruta el 4 de abril. Su bendición congregó la primera gran procesión solemne con más de 40.000 peregrinos y doscientos sacerdotes. Una jornada festiva en la que, por un amargo giro del destino, no pudieron participar ni el párroco Peyramale ni la propia Bernadette: ambos se encontraban en ese momento gravemente enfermos. Sin embargo, el viajero actual notará una ausencia respecto a lo que relata Zola: ya no cuelgan de las paredes los miles de exvotos ni las muletas abandonadas que en el siglo XIX tapizaban la roca y la Basílica Superior.

Paralítico en busca de sanación. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Cabe preguntarse si esta transformación responde a los extraordinarios avances de la medicina moderna —que hoy previenen y curan dolencias antes irreparables— o si es que hemos perdido la capacidad de esperar un milagro. En el fondo, Zola articuló toda su novela precisamente sobre ese dilema a través del cura Pierre Froment: la lucha constante entre la razón y el deseo desesperado de creer. El protagonista no acude a Lourdes a juzgar con arrogancia; llega atormentado porque ha perdido la fe, pero desea con todas sus fuerzas recuperar esa capacidad de creer y hallar un milagro que lo salve del abismo de la razón pura.

La Oficina de Constataciones Médicas

Oficina de Constataciones Médicas. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Uno de los rincones más curiosos que retrata Zola en su obra —y que hoy ya no existe bajo aquella forma original— es la Oficina de Constataciones Médicas. En pleno auge del positivismo científico a finales del siglo XIX, las autoridades del Santuario intentaron dotar a los sucesos de la Gruta de un rigor metódico que pudiera resistir el escrutinio del mundo académico. Para ello, cada enfermo que participaba en la peregrinación acudía a Lourdes provisto de un detallado expediente personal.

Oficina de Constataciones Médicas. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

En su carpeta no faltaba casi nunca el certificado de su médico de cabecera, diagnósticos firmados por distintos especialistas, boletines de ingreso hospitalario y todo el historial clínico que documentaba el avance de la dolencia. De este modo, cuando alguien aseguraba haber experimentado una sanación súbita y se presentaba en la oficina, la comisión examinadora solo debía recurrir a su expediente, repasar los certificados de entrada y someter a la persona a un nuevo examen para verificar si, en efecto, los síntomas o las lesiones físicas habían desaparecido.

Oficina de Constataciones Médicas. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Sin embargo, detrás de aquel parapeto de registros, estetoscopios y fichas médicas, lo que palpita en el relato de Zola es una desgarradora lucha psicológica. Ante diagnósticos con mal pronóstico, los enfermos y sus familias se aferraban al veredicto divino como a una última tabla de salvación. ¿Cómo resignarse a la muerte simplemente porque la ciencia de los hombres los hubiera desahuciado? Zola describe el profundo rechazo que despertaba cualquier intento de desmantelar el milagro mediante explicaciones lógicas.

El Dr. Boissarie en la Oficina de Constataciones (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Los enfermos se indignaban ante la mera posibilidad de que un médico intentara arrebatarles esa «alegría de la quimera», esa bendita ilusión de sanación que era, en definitiva, lo único que los mantenía con vida en mitad de tanto sufrimiento. Fundada en 1882 y ubicada bajo los primeros arcos de la rampa del Rosario frente al Gave, tuvo como primer presidente al doctor Dunot de Saint-Maclou. A su muerte en 1891, le sucedió el doctor Boissarie, un hombre de profunda fe y vasta ciencia.

Constatación de un Milagro. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

La institución funcionaba bajo un principio de transparencia insólito para la época: todos los facultativos, sin importar su nacionalidad e incluyendo abiertamente a los médicos incrédulos o no creyentes, tenían acceso libre para examinar a los enfermos y verificar las actas. Entre finales del siglo XIX y principios del XX, desfilaron por sus dependencias más de 2.700 médicos de todo el mundo —muchos de ellos de gran renombre— para cotejar los certificados previos y atestiguar, con rigor clínico, el estado real de los peregrinos que afirmaban haber sido sanados por un Milagro.

El «Mercado de la Fe»

Comercio regentado por Jean-Marie Soubirous. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Zola documentó con ojo crítico el naciente «Mercado de la Fe»: la gigantesca maquinaria comercial y hostelera que floreció al calor de la «lluvia de millones» que llegaban a Lourdes de todas las diócesis del mundo. En las páginas de la novela, esta industrialización de lo sagrado impregnaba cada rincón. Se manifestaba tanto en la cotidianeidad del peluquero Cazaban —quien decoraba su vivienda alquilada con imágenes marianas para atraer clientes— como en la tienda del hermano de Bernadette.

Figuras de la Virgen a la venta en la tienda de recuerdos del Moulin Lacadé

De hecho, hoy en día, pegada al célebre Molino de Boly, el viajero encuentra una tienda regentada por una descendiente de la propia familia Soubirous, en cuyas paredes luce con orgullo el árbol genealógico familiar: un guiño vivo a esa herencia oportunista y comercial que ya retrataba el escritor francés. La mirada del autor se vuelve verdaderamente mordaz al entrar en el bazar religioso abierto por el matrimonio propietario del hotel de las Apariciones, los Majesté.

Les Grands Magasins du Vatican. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Al frente del comercio se encuentra su sobrina Apoline, quien catalogaba con minuciosidad un inventario casi infinito: desde humildes rosarios de veinte peniques la docena hasta ejemplares de lapislázuli con cadenas de oro; medallas de todas las materias; Vírgenes de yeso pintadas en colores vivos con ligeras modificaciones para «garantizar la propiedad intelectual del editor»; y una avalancha de souvenirs atestando casilleros de «cincuenta céntimos» con hueveras, servilleteros, petacas y pipas de madera con la imagen esculpida de la Virgen.

La fe y la iconografía de la Virgen de Lourdes adaptada a la era digital

Esta profusión de mercancías provocaba la desolación del arquitecto M. de Guersaint, quien condenaba aquel «arte falsamente bonito, penosamente infantil y sin sinceridad alguna», extendiendo su disgusto a la propia arquitectura del Santuario: el afeamiento de la Gruta, la monstruosidad de las rampas y las desproporciones de las basílicas. Zola dejaba escrita una sentencia lapidaria: «La fe ha muerto para siempre en un pueblo cuando este ya no la pone en las iglesias que construye ni en los rosarios que fabrica». En su diagnóstico más severo, el escritor veía a Lourdes transformado en un «lugar de abominación donde todo se vendía: las misas y las almas».

La iconografía de la Virgen de Lourdes adaptada al siglo XXI

En la actualidad, el comercio de objetos religiosos sigue siendo un motor económico indiscutible en las arterias adyacentes al recinto del Santuario, como el Boulevard de la Grotte o la Avenue Bernadette Soubirous. Ese gigantesco bazar que tanto sobrecogió a Zola —documentado en la proliferación de tiendas de cirios, estampas y embotellado del agua de la fuente— ha cambiado muy poco en pleno siglo XXI. El modelo de negocio simplemente ha actualizado su oferta por alfombrillas de ratón, carcasas para móvil o cojines con la estampa de la Santísima Virgen que siguen abarrotando los escaparates.

Dónde dormir en Lourdes: Grand Hôtel Gallia & Londres ****

Rue de la Grotte y el Hôtel de la Chapelle. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Para sumergirse de lleno en la atmósfera de la Belle Époque sin renunciar al confort actual, la elección ideal es alojarse en el Grand Hôtel Gallia & Londres (el antiguo Grand Hôtel de la Chapelle). Ubicado estratégicamente en la avenida Bernadette Soubirous, a solo unos pasos de las puertas del Santuario, este icónico establecimiento encarna como ningún otro la tradición de hospitalidad y lujo que floreció en Lourdes a finales del siglo XIX.

Salón del Grand Hôtel Gallia et Londres. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Detrás de sus muros se esconde la impronta de una mujer visionaria: Benoîte Soubirous. En 1872, Benoîte dejó la granja familiar para casarse con Jean Soubirous —molinero de la ciudad y primo de la propia Bernadette—. Lo que comenzó como una modesta casa de huéspedes para peregrinos se transformó, tras reuniones con banqueros en París, en el monumental Hôtel de la Chapelle.

Fachada posterior del Hôtel de la Chapelle. (Postal de época restaurada y coloreada digitalmente)

Entre 1870 y 1880, el edificio contaba con tres plantas —una menos que en la actualidad— y ya destacaba como el establecimiento más exclusivo y distinguido de toda la avenida. Para la década de 1890, el complejo vivió una ambiciosa expansión con un elegante estilo londinense, que incorporó un vasto comedor de lujo exuberante y se convirtió en un referente pionero de la vanguardia tecnológica.

Habitación actual en el Grand Hôtel Gallia & Londres

Dotaron a todas las habitaciones de chimenea propia e iluminación de gas y contaba con agua caliente ilimitada. Con el tiempo, el hotel instaló su propia central hidroeléctrica privada —la primera de los Pirineos— para dotar a las estancias de luz eléctrica, además disponían de un coche de caballos propio para recoger a los huéspedes en la estación de tren y con el tiempo, un automóvil.

Recepción del Grand Hôtel Gallia & Londres

La fisonomía del edificio alcanzaría su altura definitiva en 1912, cuando se añadió la cuarta planta que luce hoy en día. Durante la Belle Époque, sus salones fueron el epicentro de la alta sociedad. Por sus pasillos desfilaban miembros de la realeza, nobles italianos y rusos, divas y magnates industriales que combinaban la devoción religiosa con una vibrante vida social.

Lobby del Grand Hôtel Gallia & Londres

Tras las jornadas en la Gruta, las noches del hotel se animaban con arias de ópera, recitales de piano, veladas teatrales y demostraciones novísimas para la época, como el cinematógrafo, el fonógrafo o sesiones de mesmerismo. Hoy en día, el hotel conserva intacto ese encanto histórico y su decoración «Grand Siècle». Alojarse aquí permite disfrutar de su ubicación cercana al Santuario y descansar tras la jornada de visitas.

Bar del Grand Hôtel Gallia & Londres

El bar Les Salons d'Eugénie —con su atmósfera dorada y roja adornada con frescos napoleónicos y majestuosos espejos— invita a relajarse o disfrutar de su terraza con vistas al Castillo Fortificado. Una experiencia que se completa por las mañanas con un desayuno buffet que homenajea los sabores locales y donde destacan las mermeladas artesanales, los croissants calientes y los quesos de los Pirineos.

Más información: Grand Hôtel Gallia & Londres ****. Dirección: 26 Avenue Bernadette Soubirous, 65100 Lourdes. Teléfono: +33 (0)5 62 94 35 44. Web: Grand Hôtel Gallia & Londres.

Toda la información generada en Redes Sociales durante mi viaje a Lourdes puede consultarse a través del hashtag #TourismeLourdes.

Musée Narbo Via: el legado romano de Narbona renace

2025-11-06T08:00:00.001+01:00

Cabeza de bóvido (prótomo) con guirnaldas, bloque lapidario de Narbo Martius

En la ciudad de Narbona, antigua colonia romana de la Galia conocida como Narbo Martius, un museo de arquitectura contemporánea acoge hoy el espléndido patrimonio arqueológico de su pasado. El Musée Narbo Via reúne por primera vez las colecciones que antes se encontraban repartidas entre dos espacios del centro urbano: el museo lapidario, instalado en la Iglesia de Notre-Dame de Lamourguier, y el museo arqueológico de Narbona, ubicado en el Palais des Archevêques.

Fragmento de argamasa pintada con máscara teatral (segunda mitad del siglo I a. C.)

A este valioso conjunto se suman numerosas obras que hasta ahora permanecían sin exponerse o que proceden de recientes excavaciones realizadas en los antiguos puertos romanos de la ciudad. El resultado es una colección que permite recorrer la historia de Narbona desde su fundación hasta su época de esplendor. El museo, inaugurado el 11 de diciembre de 2021, tras la colocación de su primera piedra en noviembre de 2015, ofrece un recorrido permanente de 2.600 m² y una sala de exposiciones temporales de 500 m².

El Musée Narbo Via: una obra de Foster+Partners

Edificio del Musée Narbo Via, museo de la antigua Narbo Martius

El Musée Narbo Via es una creación del prestigioso estudio británico Foster+Partners, responsable de obras emblemáticas en Occitania como el Viaducto de Millau o el Carré d’Art de Nîmes. Concebido como un edificio monumental a la entrada de Narbona, en un emplazamiento contiguo al Canal de la Robine y junto a unos jardines inspirados en la tradición francesa y en la casa romana.

El recorrido del Musée Narbo Via

Mapa con ciudades romanas, entre ellas Narbo Martius, en el vestíbulo del museo

La creación del Museo Narbo Via dio lugar a un enorme trabajo de revisión y restauración de las colecciones arqueológicas de Narbona. El resultado es un recorrido permanente que presenta los tesoros de una colección de casi 10.000 piezas. Entre sus puntos destacados se encuentran los 1.500 bloques lapidarios, uno de los conjuntos más importantes de Europa; una serie excepcional de pinturas murales y mosaicos procedentes de lujosas viviendas romanas; y los hallazgos subacuáticos del DRASSM (Departamento de Investigaciones Arqueológicas Subacuáticas y Submarinas).

Bajorrelieve con armas y escudos romanos en la Galería Lapidaria

El museo permite revivir la antigua Narbo Martius, capital romana cuyo esplendor apenas se percibe hoy en el paisaje urbano. A través de fragmentos recuperados en excavaciones realizadas durante más de siglo y medio —y de hallazgos recientes en el centro de la ciudad y en los antiguos puertos romanos—, el visitante puede reconstruir la historia de una urbe que fue clave en la Galia romana.

Gracias a las recreaciones 3D podemos trasladarnos a la antigua Narbo Martius

El recorrido, de carácter espectacular e inmersivo, sigue un eje cronológico y temático que abarca seis siglos, desde la fundación de la colonia romana hasta el dominio visigodo en el año 462. Las salas invitan a descubrir todos los aspectos de la vida en Narbo Martius: su arquitectura, su organización política y religiosa, su vida doméstica y su actividad portuaria. Dispositivos digitales y recreaciones en tres dimensiones acompañan la visita, ofreciendo una experiencia que combina el rigor científico con la reconstrucción de una ciudad desaparecida.

Una gran galería lapidaria

La colección lapidaria del museo Narbo Via es única en Europa

El recorrido del Musée Narbo Via comienza en una imponente galería lapidaria que devuelve a la antigua Narbo Martius toda su monumentalidad. A lo largo de 76 metros de largo y 10 metros de altura, un muro reúne 760 bloques romanos de piedra, vestigios de templos, monumentos y necrópolis que recuerdan el esplendor de la capital de la provincia de Galia Narbonense. Las piezas de este espectacular muro pueden desplazarse mediante un transelevador, único en el mundo museístico, lo que permite a los arqueólogos y científicos estudiar los bloques directamente en el espacio expositivo.

Numerosos fragmentos de Narbo Martius fueron utilizados para levantar las murallas medievales

A través de frisos, inscripciones y relieves —máscaras de teatro, motivos vegetales o armas—, la galería ofrece distintos niveles de lectura apoyados por dos pantallas integradas e interactivas táctiles que permiten visualizar reconstrucciones tridimensionales y conocer el origen de cada fragmento. Este muro monumental actúa como el hilo conductor del museo: evoca las antiguas vías romanas junto a las necrópolis y los muros de la ciudad medieval que reutilizaron los bloques antiguos, preservados durante siglos en la Iglesia de Notre-Dame de Lamourguier antes de su traslado definitivo al nuevo museo de Narbo Via.

Descubriendo la ciudad de Narbo Martius

Acrotera decorada con un busto de Hércules

Al final de la galería lapidaria, el visitante accede al recorrido permanente del Musée Narbo Via, estructurado en seis secciones cronotemáticas que narran la evolución de Narbo Martius desde su fundación en el siglo II a. C. hasta la llegada de los visigodos en el siglo V. Cada sala combina piezas originales con recursos digitales inmersivos que permiten recorrer seis siglos de historia y redescubrir la grandeza de la primera colonia romana fundada fuera de Italia.

El auge de la colonia: desde su fundación al reinado de Augusto

Lingote de plomo con el sello Minuciorum y Ap(pi) lun(ii) Zeth(i) (siglo I d. C.)

La primera ciudad colonial de Narbo Martius permanece aún oculta bajo la urbe moderna, y por ello sigue siendo una de las etapas menos conocidas de su historia. Sin embargo, las fuentes y los hallazgos arqueológicos confirman la importancia de su actividad portuaria y comercial, que situó a la colonia en un punto estratégico para el tráfico de mercancías entre Italia, Hispania y el oeste de la Galia.

Inscripción del liberto Titus Voltilius Antiochus (finales del siglo I a. C. - principios del siglo I d. C.)

Esa posición privilegiada le otorgó también un papel militar esencial durante la guerra de las Galias (58-50 a. C.), al convertirse en base logística para el abastecimiento de los ejércitos de Julio César. En el 45 a. C., el propio César emprendió la refundación de Narbo Martius, repartiendo tierras entre los veteranos de la Décima Legión como recompensa por su servicio.

Bajorrelieve que representa a un navío en piedra caliza. Alto Imperio

Pocos años después, en el 27 a. C., el emperador Augusto confirmó la relevancia de la colonia al convocar en la ciudad la asamblea general de toda la Galia, destinada a organizar la administración provincial, el censo y el catastro. En reconocimiento a su papel político y simbólico, concedió a Narbo Martius un privilegio excepcional: que la provincia de la que era capital llevara su nombre, la Galia Narbonense.

Los orígenes de la colonia romana

Moneda del oppidum de Montlaurès

La primera sección está dedicada a los inicios de Narbo Martius, fundada en el año 118 a. C. como puerta de entrada de Roma en la Galia. Su posición estratégica, en el cruce de las vías Domitia y Aquitania, permitió su rápido desarrollo. Aquí se presentan inscripciones antiguas, monedas procedentes del oppidum de Montlaurès y fragmentos arquitectónicos que evocan los primeros templos y edificios públicos de esta “pequeña Roma” naciente.

Narbo Martius, primera colonia romana de la Galia

Moneda de bronce con el perfil de Octavio (40 a. C.)

En el 125 a. C., la ciudad griega de Massilia, aliada de Roma, solicita ayuda ante los ataques de la tribu gala de los saluvios. El Senado romano envía entonces a sus ejércitos, dirigidos por Cneo Domicio Enobarbo y Quinto Fabio Máximo, para intervenir en el conflicto. En pocos años, los romanos logran someter a los principales pueblos del sur de la Galia hasta los Pirineos, asegurando así el control de un corredor estratégico entre la península itálica y Hispania, que ya se encontraba parcialmente bajo dominio romano. Esa nueva autoridad sobre el territorio se materializa con la construcción de una gran vía de comunicación, la Vía Domitia, que conectaba Italia con la península ibérica a través de la Galia meridional.

Moneda de bronce donde puede verse la proa de un barco (40 a. C.)

Para consolidar esta posición y garantizar la protección de sus intereses, el Senado ordena en el 118 a. C. la fundación de Narbo Martius, la primera colonia romana fuera de Italia. Situada en la parte baja del valle del río Aude, cerca del oppidum galo de Naro (Montlaurès), la colonia acoge a unos dos mil ciudadanos romanos procedentes de Italia. Su creación responde a varios objetivos: proteger un enclave estratégico frente a las tribus galas, controlar las rutas comerciales y los recursos naturales —en especial los minerales de la Montagne Noire (Montaña Negra) y las Corbières— y repartir tierras entre los colonos italianos.

La ciudad monumental: el urbanismo y los grandes monumentos

Placa de mármol con águilas sujetando una guirnalda (primera mitad del siglo II d. C.)

La segunda parte del recorrido explora el urbanismo de Narbo Martius y su riqueza arquitectónica. Los fragmentos de mármol y relieves permiten imaginar una ciudad de monumentos majestuosos que reflejaban su prosperidad. La escenografía evoca la monumentalidad de la urbe en su apogeo, destacando especialmente los restos del Capitolio, el mayor templo conocido de la Galia, verdadero símbolo del poder y la fe romana.

Los monumentos de Narbo Martius

Fragmentos arquitectónicos de diversos monumentos públicos de la ciudad romana de Narbo Martius

“Yo te saludo, Narbona, rica en salud, digna de contemplar por la belleza de tu ciudad y campo, con tus murallas, tu gente, tu extensión, tus comercios, tus puertas, tus pórticos, tu foro, tu teatro, tus santuarios, tus capitolios, tus casas de cambio, tus termas, tus arcos [...]. Orgullosa en medio de tus ciudadelas casi arruinadas, testigos de rastros gloriosos de la antigua guerra, tus calles erigidas a base de golpes.”

— Sidonio Apolinar, Epistulae, IV, 3

La ciudad que evoca el poeta Sidonio Apolinar, ya en el año 465, es una urbe antigua y en parte en ruinas, pero todavía marcada por la riqueza y el esplendor de su conjunto monumental, testimonio de su pasado político y cultural de primer orden.

Estatua de águila en mármol, posible acrotera (finales del siglo I a. C.–inicios del I d. C.)

Narbo Martius alcanza su edad de oro durante los dos primeros siglos de nuestra era, cuando la colonia llega a extenderse sobre unas 240 hectáreas, incluidas las necrópolis. La ciudad se desarrolla a lo largo de la orilla norte del actual canal de la Robine, antiguo cauce del río Aude, y presenta una trama urbana ortogonal que organiza el espacio en manzanas regulares. En ellas se alzan los grandes monumentos característicos de toda capital romana: foro, templos, anfiteatro, termas y mercado, mientras que las actividades artesanales se concentran en los márgenes y las necrópolis se sitúan a lo largo de las vías de acceso.

La ornamentación de los monumentos

Fragmentos de los numerosos monumentos de Narbo Martius

Ningún edificio romano ha llegado completo hasta nuestros días, pero los numerosos fragmentos arquitectónicos conservados —frisos, capiteles, cornisas— dan cuenta del esplendor que debió mostrar Narbo Martius en su apogeo. La influencia directa de Roma es evidente: sus promotores adoptaron modelos arquitectónicos romanos y, en ocasiones, recurrieron a artesanos y canteros de la capital imperial.

El estilo corintio predomina en todos los fragmentos que se conservan de Narbo Martius

El estilo más representado es el orden corintio, heredero de la tradición griega, que concede protagonismo a los motivos vegetales, especialmente a las hojas de acanto. Durante el reinado de Augusto, este lenguaje decorativo adquirió un sentido ideológico: exaltaba la paz, la abundancia y la prosperidad de la nueva era que el emperador pretendía instaurar, al tiempo que afirmaba la continuidad cultural de Roma con la civilización helénica. Con el tiempo, el orden corintio se convirtió en un símbolo duradero de la majestuosidad y del poder romano.

El Capitolio: de la excavación a la reproducción en 3D

Proyección que recrea visualmente el Capitolio, el mayor templo conocido de la Galia

A lo largo del recorrido, el visitante encuentra cuatro espacios temáticos que invitan a adentrarse en el trabajo de los arqueólogos y a descubrir las últimas investigaciones sobre Narbo Martius. Estos espacios, combinan vídeos, proyecciones y reconstrucciones en 3D. A mano izquierda de la sala II dedicada a la ciudad y sus monumentos encontramos las dos primeras. En una podemos ver una reconstrucción tridimensional del Capitolio, elaborada a partir de los datos científicos disponibles.

El redescubrimiento de la ciudad antigua

Proyección que recrea visualmente el urbanismo de la antigua ciudad romana de Narbo Martius

Enfrente, otra sala muestra una proyección de unos cinco minutos de duración que nos presenta el redescubrimiento del urbanismo de Narbo Martius, a partir de las excavaciones realizadas en la ciudad. Con imágenes simuladas de la ciudad y también de la parcela de viviendas que ocupaba 1915 m² la Domus del Clos de la Lombarde que incluía dos casas de los siglos I y III d.C., un complejo termal y una zona dedicada a la fabricación artesana.

La sociedad narbonense

Altar de la Paz Augusta en mármol dedicado a Augusto (posterior al siglo I a. C.)

En esta sección, el museo Narbo Via invita a conocer la vida social, política y religiosa de los habitantes de Narbo Martius. A través de esculturas, bajorrelieves, inscripciones funerarias y honoríficas, se descubren los rostros y nombres de quienes habitaron la ciudad hace dos mil años. Los objetos expuestos ilustran las jerarquías sociales, las prácticas cívicas, los cultos, los juegos y los espectáculos que formaban parte de la vida cotidiana de esta activa colonia romana.

El culto imperial en Narbo Martius

Base en mármol dedicada al Numen de Augusto, copia de un texto del siglo I

El culto imperial era una de las expresiones más visibles de la lealtad hacia Roma: un rito compartido por todos los pueblos del Imperio que honraba tanto a los emperadores divinizados tras su muerte como al genio protector del emperador reinante. En Narbo Martius, la devoción hacia la figura de Augusto se manifestó muy pronto. Una inscripción dedicada a su numen o fuerza divina, datada en el año 11 d. C., demuestra la temprana adhesión de la colonia al nuevo orden instaurado por el primer emperador.

Fragmento en bronce de la Ley del Flamen que regulaba el culto imperial (siglo I d. C.)

Durante la época flavia (69-96 d. C.) se levantó el santuario provincial, espacio central de la vida religiosa y política de la provincia de Galia Narbonense. Allí se celebraban las reuniones anuales del consejo provincial de Narbo Martius, que congregaba a los representantes de cada ciudad para rendir homenaje al emperador y renovar los lazos de fidelidad con Roma. El culto estaba confiado a sacerdotes locales, encargados de presidir las ceremonias y rituales oficiales, aunque las familias más influyentes de la ciudad también solían consagrar altares y estatuas a los soberanos, en un gesto de prestigio y piedad cívica.

Los emperadores de Narbo Martius

Inscripciones en mármol dedicadas a Lucio Vero, Julia Domna y los Lares Augustales

La ciudad mantuvo vínculos estrechos con varios emperadores. Augusto se alojó en Narbo Martius en el año 27 a. C., y un siglo más tarde Adriano la visitó durante su viaje por la Galia (121-122 d. C.). Además, Narbo Martius fue probablemente la ciudad natal del emperador-soldado Marco Aurelio Caro (c. 224-283) y de sus hijos Marco Aurelio Numerio Numeriano (c. 253-284) y Marco Aurelio Carino (c. 250-285), quienes heredaron brevemente el trono durante un periodo de inestabilidad política a finales del siglo III.

El retrato romano

Retratos romanos en mármol que reflejan la diversidad y el realismo del arte imperial

En Narbo Martius, como en todo el mundo romano, los retratos esculpidos formaban parte esencial de la vida cotidiana. En los hogares de las familias aristocráticas, los retratos de los antepasados mantenían vivo el culto familiar y se exhibían durante los ritos públicos o las procesiones fúnebres. En las tumbas, el difunto era representado mediante estatuas o bajorrelieves, con el fin de preservar su memoria y perpetuar su presencia. En el espacio público, las estatuas honoríficas exaltaban la figura de benefactores, magistrados o emperadores, reforzando así los valores de identidad y prestigio cívico.

Estatua acéfala de una mujer vestida en mármol (siglo I d. C.)

Para los romanos, el rostro encarnaba la personalidad: sus rasgos se reproducían con un realismo minucioso, siguiendo a menudo los modelos impuestos por los retratos de la pareja imperial reinante. El atuendo y los atributos de cada figura señalaban su rango social, su condición o su función pública. El tipo más habitual era el retrato togado (togatus), que mostraba al ciudadano vestido con toga, símbolo de la ciudadanía romana, mientras que la matrona, su esposa, aparecía con una estola (stola), prenda larga y plisada, ceñida a la cintura, reflejo de su estatus dentro del ideal femenino romano.

La ciudad y el emperador

Cipo funerario de Titus Vettius Loripes en piedra caliza (principios del siglo I d. C.)

Como capital de la Galia Narbonense, Narbo Martius albergaba la sede del gobierno provincial, presidido por el gobernador y su administración, en contacto directo con Roma y el emperador. La vida política local se organizaba en torno a una asamblea de notables, la orden de los decuriones, que se reunía en la curia, un gran edificio público situado en el foro. De entre los decuriones se elegían los magistrados municipales, cuyos nombres han llegado hasta nosotros gracias a numerosas inscripciones funerarias.

Friso de armas en piedra caliza que combina armas legendarias y trofeos de guerra (siglo I d. C.)

Su carrera seguía las etapas reglamentadas del cursus honorum o carrera de los honores: los ediles se ocupaban del mantenimiento de las calles, los edificios públicos, la organización de los juegos y el abastecimiento de los mercados; los cuestores administraban las finanzas; los pretores impartían justicia; y los duunviros (duumviri), dos magistrados elegidos anualmente, ejercían de forma colegiada la máxima autoridad de la ciudad.

Una sociedad muy organizada y llena de rituales

Estela funeraria en piedra caliza del panadero Marcus Careieus Asisa (primera mitad del siglo I d. C.)

Los bloques antiguos conservados en el Musée Narbo Via ofrecen un testimonio excepcional de la vida social y cultural de la antigua Narbo Martius. A través de sus inscripciones funerarias, el visitante puede descubrir las historias personales de quienes habitaron la ciudad: desde ciudadanos distinguidos hasta artesanos, médicos, peluqueros o comerciantes, pasando por libertos y extranjeros integrados en la vida cotidiana de la colonia. Solo los esclavos permanecen ausentes de estos registros, un reflejo de las jerarquías sociales de la época.

Fragmento de friso ornamentado con una máscara de teatro y guirnaldas (siglo I d. C.)

La sociedad romana era, ante todo, profundamente jerarquizada. El poder de las clases acomodadas se manifestaba tanto en la disposición de las necrópolis, donde los mausoleos monumentales se alzaban junto a tumbas más humildes, como en las gradas de los espectáculos, donde el público se distribuía rigurosamente según su estatus y fortuna. Como capital de la provincia, Narbo Martius mantenía una relación estrecha con el aparato político e imperial, regida por un calendario cívico y religioso que articulaba el ritmo de las festividades, los sacrificios y los ritos dedicados a los dioses del panteón romano, a los antepasados y al propio emperador.

La muerte en el mundo romano. Ritos y creencias

Estela en piedra caliza en bajorrelieve de Lucius Sergius Gallicanus (siglos I-II d. C.)

La relación de los romanos con la muerte estaba marcada por una mezcla de superstición, religiosidad y pragmatismo. Los vivos y los muertos ocupaban esferas separadas, pero era esencial garantizar una transición ordenada entre ambas. Los funerales variaban según el rango social: desde procesiones solemnes y banquetes hasta ceremonias más modestas, siempre presididas por el respeto a los ritos purificadores. Tras la cremación, las cenizas del difunto se depositaban en una urna funeraria acompañada de ofrendas; de este modo, el espíritu podía unirse a los manes, las almas divinizadas de los antepasados protectores del hogar.

Juegos y espectáculos

Bajorrelieve en piedra caliza que muestra a un gladiador (siglo I d. C.)

El ocio desempeñaba un papel central en la vida cotidiana romana. Los notables de Narbo Martius organizaban espectáculos públicos que reforzaban los lazos entre el poder y la ciudadanía. Aunque aún no se han localizado con certeza el teatro ni el circo de la ciudad, su existencia resulta muy probable. En el anfiteatro, los narbonenses habrían asistido a combates de gladiadores, cacerías con animales exóticos —osos, leones, tigres, panteras o toros— y exhibiciones de luchadores profesionales.

Bajorrelieve en piedra caliza que representa las carreras de carros (siglo I d. C.)

El circo acogía las carreras de carros, el espectáculo más popular del mundo romano: los aurigas guiaban sus cuadrigas durante siete vueltas a la pista, en una competición que desataba pasiones colectivas. En el teatro, compañías de actores, músicos y bailarines ofrecían representaciones de comedias, tragedias, danzas y piezas musicales, reflejo de una cultura urbana refinada que hacía de Narbo Martius un vibrante centro de la vida artística y festiva de la provincia.

Las domus y la vida cotidiana

Mosaico de Baco ebrio en piedra y pasta de vidrio (siglo II o principios del siglo III d. C.)

El visitante se adentra en el centro de la exposición de Narbo Via, en un simbólico atrio de una domus, que permite acceder a cualquiera de las salas inmersivas. En el centro de la sala, destaca un gran mosaico dedicado a Baco, mientras las paredes muestran pinturas murales comparables a las de Pompeya, procedentes del sitio arqueológico del Clos de la Lombarde, descubierto en 1973. Junto a ellas, esculturas y objetos cotidianos permiten reconstruir el refinamiento y la intimidad de las viviendas aristocráticas de Narbo Martius.

Las viviendas romanas

Dos fragmentos de trapezóforos (soportes de mesa) en mármol (siglo I a. C.)

Como toda colonia fundada bajo el dominio de Roma, Narbo Martius acoge una población llegada de Italia que reproduce, en suelo galo, el estilo de vida característico de la metrópoli. La ciudad se organiza siguiendo una trama ortogonal, con calles que se cruzan en ángulo recto y delimitan manzanas de casas agrupadas en barrios con funciones específicas. Entre los testimonios más reveladores del modo de vida romano destacan las domus, residencias urbanas de las clases acomodadas, ricamente ornamentadas con mosaicos, esculturas y pinturas murales.

Retrato del emperador Caracalla en mármol (212-217 d. C.)

Su disposición sigue el modelo de las casas de Pompeya y Herculano, articuladas en torno a un atrio —espacio central y de representación— y un peristilo, patio porticado que rodea el jardín y organiza la vida privada y familiar. Aunque las excavaciones han revelado sobre todo viviendas aristocráticas, se sabe que Narbo Martius albergó también casas más modestas, hoy aún poco documentadas, que completaban la diversidad social de la ciudad romana.

El atrio

Simulación digital de la decoración de las paredes del atrio

El atrio, reconstruido en el museo Narbo Via, evoca el corazón simbólico y funcional del hogar. La abertura cenital del techo permitía la entrada de la luz y del agua de lluvia, que se recogía en un estanque (impluvium). Para las familias influyentes de Narbo Martius, este espacio era además un marco de prestigio social: allí se exponían los lares (deidades protectoras del hogar y la familia), los retratos de los antepasados y los documentos que demuestran el pasado ilustre de la familia. En el tablinum (despacho), abierto al atrio, el pater familias (padre de familia) despachaba los asuntos políticos y administrativos y recibía a sus clientes.

El triclinio o comedor

Pinturas del triclinio de la Casa de los Pórticos (finales del siglo II - principios del siglo III d. C.)

El recorrido doméstico culminaba en el triclinio, o comedor, uno de los ambientes más suntuosos de la casa. En la llamada Casa de los Pórticos, este espacio conserva un espléndido conjunto pictórico del siglo III d. C. que combina la elegancia de los fondos rojos con figuras alusivas a la victoria y la prosperidad: una Victoria alada en la parte central, un Genio o divinidad con el cuerno de la abundancia y una pátera o recipiente para las ofrendas líquidas.

Bóveda pintada del triclinio (finales del siglo II - principios del siglo III d. C.)

A la derecha, se puede ver un soldado con armadura apoyado sobre su lanza, está coronado por un busto de Apolo laureado, divinidad tutelar del emperador desde la época de Augusto. El programa decorativo, se complementa con un friso de soldados armados y una bóveda pintada poblada de divinidades, refleja el vínculo entre la esfera doméstica y el culto imperial, probablemente patrocinado por un sevir, sacerdote del emperador.

La construcción romana

Mosaico con grifos de una de las casas más antiguas de Narbo Martius (siglo I a. C.)

La arquitectura de Narbo Martius refleja las técnicas y materiales característicos del Mediterráneo romano. Los constructores emplean madera, ladrillo, piedra y tierra cruda, pero la gran innovación técnica es el mortero de cal, que actúa como aglutinante y permite levantar estructuras más sólidas y duraderas. En los edificios públicos y privados, los muros de piedra se refuerzan con capas de mortero, y los suelos se recubren con distintos tipos de pavimentos.

Pavimento de Clos de la Lombarde en opus sectile con mármoles de colores (siglo I d. C.)

El opus spicatum, con ladrillos dispuestos en forma de espina de pez; el opus sectile, elaborado con fragmentos de piedra cortada; o los mosaicos, que combinan teselas de mármol o cerámica para crear motivos geométricos y figurativos. El dominio técnico romano se extiende también al suministro y la gestión del agua. Un acueducto abastece la ciudad, distribuyendo el agua mediante conducciones de plomo hacia fuentes, termas y viviendas privadas.

Estatua de un joven Hércules, copia romana de un original griego en mármol (siglo I d. C.)

Las cisternas y estanques se impermeabilizan con un revestimiento compuesto de cerámica triturada y mortero de cal, garantizando su estanqueidad. Las paredes y techos, por su parte, se cubren con argamasa pintada, en la que los pigmentos minerales proporcionan una gama de colores duraderos. Aunque el uso del oro es limitado, la policromía contribuye a dotar de vida y prestigio tanto a los espacios públicos como a las residencias privadas. Estas técnicas y motivos, difundidos por todo el Imperio, son una muestra tangible de la unidad cultural romana, capaz de integrar las tradiciones locales dentro de un lenguaje artístico común.

Murales romanos

Fragmentos de argamasa pintada. Segundo estilo pompeyano (siglo I a. C.)

Las pinturas murales son uno de los testimonios más brillantes de la estética doméstica romana. Las paredes de las casas se cubren con colores intensos y composiciones que combinan arquitectura en trampantojo, figuras humanas, animales fantásticos y motivos vegetales, creando un universo visual entre lo real y lo imaginario. Gracias a la excepcional conservación de las viviendas de Pompeya, los arqueólogos del siglo XIX pudieron establecer, a partir de 1880, una clasificación en cuatro estilos pictóricos.

Panel con decoraciones de ortostatos e hilera de óvalos. Segundo estilo pompeyano (siglo I a. C.)

Estas reproducciones se muestran en una proyección mural del museo. El primer estilo, de inspiración helenística, reproduce en relieve las fachadas monumentales de la arquitectura griega, imitando mármoles y molduras. El segundo estilo introduce la ilusión de profundidad mediante trampantojos arquitectónicos, abriendo muros ficticios hacia paisajes y escenas mitológicas. El tercer estilo, en reacción al anterior, simplifica la composición: elimina las perspectivas, estiliza los elementos arquitectónicos y convierte el muro en una superficie decorativa más abstracta.

Decoración de techo que representa una cabeza de Medusa (siglo I d. C.)

Finalmente, el cuarto estilo sintetiza los dos precedentes, combinando la apertura espacial del segundo con la ornamentación refinada del tercero. En las provincias romanas, como en Narbo Martius, la pintura mural sigue las principales líneas de esta evolución, aunque incorpora variantes regionales que reflejan la identidad artística local dentro del amplio marco del gusto imperial.

Las casas del Clos de la Lombarde

Detalle del mosaico de la Casa de los Pórticos, piedra y pasta de vidrio (siglo I d. C.)

El yacimiento del Clos de la Lombarde, descubierto en 1973 durante las obras de construcción de un edificio administrativo, reveló una manzana completa de época romana, delimitada por cuatro calles y ocupada por dos grandes domus —la Casa de los Pórticos (975 m²) y la Casa del Gran Triclinio (700 m²)—, además de una pequeña zona artesanal y termal. Bajo las viviendas modernas, los arqueólogos desenterraron progresivamente este conjunto urbano, activo entre el siglo I a. C. y el siglo III d. C., hasta su abandono y posterior ocupación, a finales del siglo IV, por una basílica paleocristiana.

Genio o divinidad con el cuerno de la abundancia de la Casa de los Pórticos

Durante tres décadas de excavaciones, el sitio ha proporcionado una valiosa cantidad de elementos decorativos —pavimentos, pinturas murales, esculturas—, así como numerosos objetos domésticos que ilustran el día a día de sus habitantes. El Clos de la Lombarde constituye, así, un testimonio excepcional de la vida de los notables de Narbo Martius, permitiendo reconstruir con precisión la organización, el confort y la estética de las viviendas urbanas durante los tres primeros siglos de nuestra era.

Un día en el Clos de la Lombarde

Sileno ebrio, estatua de mármol (siglos I-II d. C.)

Entre los habitantes identificados destaca Marcus Clodius Aestivo, propietario de la Casa del Gran Triclinio, cuyo nombre aparece en un altar doméstico dedicado a la diosa Tutela. Su ejemplo nos permite imaginar el ritmo cotidiano de una familia acomodada hacia el año 200. Aestivo se levanta al amanecer y dedica la mañana a sus asuntos públicos y privados en el tablinum, donde revisa las cuentas y recibe a sus clientes, a quienes entrega la sportula, una donación simbólica en dinero.

Decoraciones encontradas en el Clos de la Lombarde

Mientras tanto, sus hijos asisten a la escuela y su esposa, ayudada por una sirvienta, supervisa el servicio doméstico antes de ir al mercado. Al mediodía, la familia toma una comida ligera y, tras la siesta, la tarde se reserva al ocio y al bienestar: Aestivo acude a las termas, los niños juegan en la calle y el vecindario se llena de vida. Por la noche, los anfitriones reciben a sus invitados en el triclinio, donde degustan los platos preparados por el personal de servicio. Las conversaciones, las risas y el vino animan la velada hasta que, con la débil luz de las lámparas de aceite, la familia se retira temprano a descansar.

La familia romana

Herma de tema dionisíaco con ménade y sátiro coronados de pámpanos en mármol (siglos I-II d. C.)

En la sociedad de Narbo Martius, como en todo el mundo romano, el individuo no se concibe de manera aislada, sino como parte de un clan o linaje —la gens—, cuyos miembros comparten un ancestro común y un mismo nombre familiar. Dentro de cada gens, las distintas ramas se organizan en familiae, término que en latín designa no sólo a los parientes de sangre, sino a todos aquellos que conviven bajo un mismo techo.

Disco ornamental con Júpiter Amón barbudo con cuernos de macho cabrío junto a Juno en mármol

La familia romana incluye así al padre, la madre y los hijos, pero también a los esclavos y a sus propios descendientes, integrados en la vida doméstica del hogar. Este microcosmos refleja el orden jerárquico de la sociedad romana: en la cúspide se encuentra el pater familias, figura de autoridad absoluta a la que todos deben respeto y obediencia. Responsable de los bienes y del prestigio del linaje, preside los cultos domésticos y representa públicamente a la familia.

Utensilios romanos en bronce: simpulum (cucharón) y colador con mango en forma de cuello de cisne

A su lado, la matrona, su esposa legítima, encarna la virtud y la estabilidad del hogar. Dirige las tareas domésticas, la educación de los hijos y la organización del servicio, que recae en manos de los esclavos. Estos, considerados jurídicamente como propiedad de sus amos, carecen de derechos propios, aunque forman parte esencial de la estructura cotidiana de la casa.

El puerto y el comercio

Epitafio en piedra caliza de Philomusus, vendedor de frascos (finales del siglo I a. C.)

La quinta sección se dedica a la actividad económica y portuaria de Narbo Martius, uno de los grandes centros comerciales de la Galia meridional. Las vitrinas muestran ánforas, cerámicas, minerales y estelas de comerciantes, testimonios de un tráfico intenso de mercancías —vino, aceite, sal, garum o metales— que transitaban por los muelles del puerto romano. Algunos bloques tallados con representaciones de barcos completan esta visión del dinamismo mercantil que conectaba Narbo Martius con todo el Mediterráneo.

Narbo Martius, centro del comercio marítimo romano

Ánforas romanas de aceite y vino. Producción y comercio entre Bética, Galia, África y Quíos

Entre el siglo I a. C. y el siglo I d. C., Narbo Martius se consolida como el gran punto de redistribución de los productos mediterráneos en la Galia. Sus dársenas reciben sin cesar vino y vajilla itálica, cargamentos que, con el cambio de era, se diversifican con productos de la Hispania romana y mercancías procedentes del Mediterráneo oriental, como los vinos de Grecia. A partir del siglo I d. C., los flujos comerciales se intensifican y el tráfico marítimo alcanza su apogeo en el siglo II.

Bajorrelieve en piedra caliza que representa un buque mientras se está cargando. Alto Imperio

Desde el puerto narbonense se exportan hacia Italia los vinos galos y la cerámica local, mientras los navíos transportan también piedra de las canteras cercanas, minerales extraídos de las Corbières y la Montaña Negra, trigo y la indispensable sal de la laguna. Narbo Martius se convierte, además, en el principal puerto de tránsito del aceite y las salmueras que llegan del sur de la península ibérica con destino a Italia y Ostia, el puerto de Roma.

Las embarcaciones y sus representaciones

Bajorrelieve en piedra caliza que representa la carga de un barco. Alto Imperio

Las actividades portuarias de Narbo Martius dejaron huella no solo en su economía, sino también en su iconografía funeraria. En los bajorrelieves que decoraban las tumbas de comerciantes y armadores se representaban embarcaciones, símbolo de prosperidad y orgullo profesional. Estas imágenes permiten hoy identificar los tipos de barcos que atracaban en el puerto y testimonian la relevancia del comercio marítimo en la vida de la colonia.

Bajorrelieve en piedra caliza con escena de llenado de ánfora (siglos I a. C.–I d. C.)

Los navicularii —armadores que fletaban las naves— desempeñaban un papel esencial en el transporte de mercancías. Gracias a ellos, Narbo Martius se convirtió en un punto neurálgico del comercio entre Hispania, Italia y la Céltica. Estrabón, en el siglo I a. C., ya destacaba la intensa actividad del puerto, donde se concentraban numerosas sociedades mercantiles dedicadas tanto al tráfico marítimo como al comercio local. Algunos comerciantes vendían sus productos directamente, mientras que otros dependían de patronos o de compañías más amplias.

Bajorrelieve en piedra caliza de un barco y busto de una mujer con velo. Alto Imperio

Los tipos de embarcaciones eran variados y se adaptaban a las condiciones de navegación. La corbita, de gran tamaño y casco redondeado, era idónea para largas travesías por alta mar; la actuaria, más ligera y de propulsión mixta, se destinaba a la navegación costera; y la horreia, de menor calado, se empleaba para el transporte dentro del puerto o por los ríos. Este conjunto de naves aseguraba el flujo constante de bienes que abastecía tanto a la colonia como a Roma.

En el centro de las excavaciones del puerto antiguo

Proyección que recrea el sistema portuario de Narbo Martius

A la izquierda de la sala dedicada al puerto comercial de Narbo Martius encontramos las otras dos salas inmersivas. La primera dedicada a las investigaciones que se están llevando a cabo en la actualidad sobre el sistema portuario de la antigua colonia y que están aportando nuevos datos y piezas sobre el periodo romano. Los estudios recientes permiten imaginar la magnitud de su sistema portuario, estructurado en torno a un conjunto de antepuertos en la laguna, complementado por un puerto fluvial comunicado con la ciudad a través de un brazo del Aude.

Lingote de estaño con el sello L(ulius) Valer(ius) Aug(ustae) I(ibertus), a com(mentariis) (siglo I d. C.)

En la Isla de Saint-Martin, los capitanes maniobraban sus barcos antes de descargar las mercancías en los almacenes de Port-la-Nautique, situados al norte de la laguna. A finales del siglo I, esta zona fue sustituida por las nuevas instalaciones de Mandirac, en la desembocadura del Aude antiguo, donde dos diques monumentales de más de dos kilómetros canalizaban el río y facilitaban el transbordo de las cargas hacia la ciudad.

Un gran puerto comercial mediterráneo

Ancla marina de madera y plomo encontrada en el muelle antiguo de La Nautique (siglo I d. C.)

El poeta Ausonio, en el siglo IV, evocará su esplendor describiéndola como una ciudad donde confluyen las mercancías del mundo entero: “A ti te enriquecen las mercancías del Mar Eoo y los mares ibéricos; a ti, las flotas del mar Líbico y del profundo mar Siciliano; y lo que a través de ríos y barcos de rutas diversas se trae; para desembarcar en ti, desde todo el orbe se navega...”. Narbo Martius se inscribe así entre los puertos más ilustres del Imperio, junto a Arelate (Arlés), Massilia (Marsella) y Lugdunum (Lyon), floreciendo gracias a un comercio de distribución alimentado por su posición geográfica privilegiada en la encrucijada de las vías marítimas que unían Italia, Hispania y África, y de las grandes rutas terrestres de la Vía Domitia y la Vía Aquitania.

Navegar sobre el Mediterráneo romano

Proyección sobre la navegación romana con maquetas de navíos romanos

En la sala de enfrente, una proyección de unos diez minutos de duración permite conocer los navíos romanos y las técnicas de navegación romanas. En la sala pueden verse cuatro maquetas de barcos como el Ponto “Juppiter” un gran barco de tres mástiles para navegar en alta mar, mientras en las paredes se proyectan planos y medidas. También hay una representación de la Corbita “Thalia”, el barco comercial más representado en la marina romana o la Scapha, pequeñas embarcaciones con capacidad para 11 marineros al servicio de los grandes veleros.

De Roma a los visigodos: la Narbona tardoantigua

Sarcófago en mármol llamado «del Buen Pastor». Taller narbonense (siglos IV-V)

La última sala aborda la transformación de la ciudad entre los siglos III y V d. C. Bajo la influencia del cristianismo y ante las invasiones, Narbona se protege tras nuevas murallas y levanta templos dedicados al nuevo culto. Muchos edificios antiguos, incluido el Capitolio, fueron desmantelados para reutilizar sus materiales. Este periodo de transición se refleja en sarcófagos esculpidos, altares, monedas votivas y objetos litúrgicos que ilustran el paso de una metrópoli romana a una capital cristiana bajo el obispo Rusticus.

Narbo Martius en la Antigüedad tardía

Fragmento de un sarcófago paleocristiano en mármol (siglo IV)

A partir del siglo III, Narbo Martius atraviesa un periodo de inestabilidad económica y militar. Aunque conserva su condición de puerto destacado, el desarrollo del eje comercial entre Italia y la Galia del Norte, con Arelate y Lugdunum como nuevos polos de atracción, reduce su influencia en las rutas mediterráneas. A esta pérdida de protagonismo se suman las incursiones de los alamanes, que obligan a fortificar la ciudad hacia el año 270 con una sólida muralla. La reforma administrativa impulsada por Diocleciano a finales del siglo III mantiene a Narbo Martius como capital provincial, aunque ahora de una circunscripción más reducida: la Narbonense Primera, extendida entre el Ródano y los Pirineos.

Sarcófago en mármol de estilo aquitano (siglo V)

El siglo V marca un nuevo capítulo en la historia de la ciudad. Las migraciones germánicas desbordan las fronteras del Imperio, y los visigodos se convierten en protagonistas del panorama político. Tras el saqueo de Roma en el 410, el rey Ataúlfo entra en Narbona tres años más tarde en calidad de aliado, y su matrimonio con Gala Placidia, hermanastra del emperador Honorio, simboliza una paz efímera. El acuerdo de 418 devuelve temporalmente la ciudad al Imperio, pero en el 462 el poder romano la cede definitivamente a los visigodos, ya asentados en Aquitania.

El cristianismo en Narbona

Pie de altar en mármol con inscripción conmemorativa del sacerdote Hilarius (486 d. C.)

Durante este tiempo de transformaciones, la ciudad experimenta una intensa renovación religiosa. Narbo Martius, abierta al Mediterráneo y receptiva a las nuevas corrientes espirituales, adopta tempranamente el cristianismo. Pablo, su primer obispo, figura entre los siete enviados por Roma a evangelizar la Galia a mediados del siglo III, y su tumba dio origen a la Basílica de Saint-Paul. Con la oficialización de la nueva fe, la ciudad se convierte en metrópolis cristiana de la provincia Narbonense Primera, y los testimonios arqueológicos reflejan el cambio: las inhumaciones sustituyen las cremaciones, las inscripciones funerarias incorporan símbolos cristianos y los sarcófagos se adornan con escenas evangélicas.

Rusticus, obispo fundador de Narbona en el siglo V

Dintel en mármol de la catedral con inscripción conmemorativa del obispo Rusticus (445 d. C.)

La ciudad también se transforma físicamente. Las dificultades del siglo III provocan el abandono de barrios periféricos y la concentración de la población en un núcleo fortificado. En los siglos siguientes, surgen iglesias en los suburbios, acompañadas de áreas de enterramiento cristiano, como en el Clos de la Lombarde o en Saint-Félix. Dentro de la muralla, se erige una primera catedral en el siglo IV, reconstruida tras un incendio en el 445 gracias al obispo Rusticus.

Detalle del sarcófago en mármol llamado «de la orante» (siglo IV)

Este influyente prelado, al frente de la diócesis entre 427 y 461, impulsa la construcción o restauración de varias iglesias y se convierte en una figura esencial de la vida religiosa y política de la ciudad. Su labor pastoral y su correspondencia con personalidades como San Jerónimo o el papa León I evidencian su papel de mediador y protector. A su muerte, Narbona contaba ya con seis iglesias, signo de una comunidad cristiana plenamente consolidada.

Más información: Musée Narbo Via. Dirección: 2 Avenue André Mècle, 11100 Narbonne. Horario: De martes a domingo, del 1 de octubre al 30 de abril, de 10 a 18 h. Del 2 de mayo al 30 de septiembre, de 10 a 19 h. Entrada: 9 €. Web: Musée Narbo Via.

Qué más ver cerca

Si te apasiona seguir las huellas de Roma, no te pierdas mi artículo sobre la Vía Domitia, centrado en el legado romano de la región: Ensérune, Loupian, Ambrussum y el Pont du Gard, hitos de la primera calzada romana construida en la Galia.

Ruta por Osor: el encanto escondido de Les Guilleries

2025-11-01T08:00:00.008+01:00

En Osor te puedes trasladar a la época medieval paseando por sus calles y puentes

Osor fue una de las poblaciones más bonitas y frescas que visitamos este agosto en la comarca gerundense de La Selva. Allí disfrutamos de un día de pícnic marcado por el ritmo pausado de nuestros pasos y el clic de las cámaras fotográficas. Dejamos el coche en un aparcamiento gratuito junto a la Riera de Osor, frente a la Plaça de la Vila, punto de partida de nuestro recorrido a pie por la población. El itinerario nos llevó a descubrir los dieciséis lugares de interés cultural e histórico, además de varios rincones con un encanto muy particular.

Plaça de la Vila

Un buen rincón donde descubrir la vida cotidiana de Osor

Nuestra ruta comienza en la Plaça de la Vila. Durante el franquismo, entre 1939 y 1979, la plaza pasó a llamarse Plaza Borell, y algo similar ocurrió con el actual Passeig del Borrell, conocido entonces como Paseo Borrell. Este paseo formaba parte del antiguo Barrio Vidal, un conjunto de casas donde destacaban cal Xarpant, cal Cisteller y can Banyadret. El Barrio Vidal fue, además, el primer lugar de Osor donde se disfrutó de agua potable, gracias a la Font del Borrell, que abasteció al vecindario en la década de 1920.

Can Vidal

La fachada del Passeig del Borrell conserva su aspecto primitivo

En la Plaça de la Vila se alza Can Vidal, también conocida como Can Barraca y antiguamente como Ca l’ Emília. Es una de las casas más notables de Osor. El edificio presenta dos fachadas principales: una orientada al Passeig del Borrell —la más antigua— y otra que da a la Plaça de la Vila, de construcción posterior, probablemente del siglo XVII. En la planta baja se abre un portal cuadrangular y dos pequeñas ventanas con dintel monolítico y montantes de piedra robustos.

Ventana gótica de siete arcos conopiales labrada en piedra arenisca en la fachada de Can Vidal

En el primer piso hay dos vanos: a la izquierda, una ventana rectangular con dintel y montantes de piedra; a la derecha, una magnífica ventana gótica con siete arcos conopiales, labrada íntegramente en piedra arenisca. En las impostas laterales se aprecian grabados: a la izquierda, pequeños cuerpos circulares, y a la derecha, dos instrumentos de difícil identificación. El segundo piso actúa como buhardilla o galería, rematado por un gran alero de madera prominente.

Portal adovelado y escudos familiares en la fachada que da a la Plaça de la Vila

La fachada que da a la Plaça de la Vila muestra una factura posterior. En la planta baja destacan un portal adovelado de arco de medio punto, con dovelas rústicas pequeñas, y una ventana rectangular con dintel monolítico y alféizar. En esta misma planta se conservan dos escudos de piedra con inscripciones: “Ad Honorem Feminarum / 1193–1964 / De Vallescar” (En honor a las mujeres de Vallescar 1193–1964) y “Persevero et vinco/ 1193–1964 / De Vallescar” (quizás un lema familiar: Persevero y venzo).

Font del Borrell

La Font del Borrell es la más conocida de Osor, data al menos del siglo XVIII

La Font del Borrell es el primer punto del recorrido que vemos señalizado con carteles algo oxidados y antiguos por el paso del tiempo, pero que ayudan al visitante a comprender el pasado de Osor y seguir el itinerario patrimonial. Se trata de la fuente más conocida del municipio, cuya existencia está documentada al menos desde el siglo XVIII. El conjunto está formado por dos paredes, un depósito, una pequeña mesa de soporte y una arcada poco profunda de medio punto donde se encuentra el caño de la fuente.

Imagen antigua de la Font del Borrell de Osor

Su imagen actual corresponde a la remodelación de 1994, aunque ya había sido restaurada en varias ocasiones durante los siglos XIX y XX. El agua de Osor siempre ha gozado de gran fama local, y la de la Font del Borrell es especialmente apreciada. No solo es la fuente más popular del pueblo, sino también la que proporcionó el primer suministro de agua potable al Barrio Vidal en la década de 1920.

Carrer del Verger

Callejuela empedrada que invita a descubrir el alma medieval de Osor

El recorrido en forma de U nos lleva a adentrarnos en la población por el Carrer del Verger, una de esas calles donde empieza a percibirse la magia de las callejuelas empedradas y las casas de piedra que caracterizan Osor. La calle desemboca en la Plaça del Verger, que en su corto recorrido luce una buena colección de bellas casas de piedra, cada una con su propio encanto. En este punto aparece uno de los elementos más singulares del casco antiguo: la Torre dels Recs, que asoma imponente entre los tejados.

Plaça del Verger

Vista de la Torre dels Recs desde la Plaça del Verger

La Plaça del Verger ha cambiado de nombre a lo largo del tiempo. Desde el siglo XIX aparece documentada como Vergés, aunque durante el franquismo se dividió entre la Plaza de España y la Calle Verdaguer. En noviembre de 1936, pasó a denominarse Plaza de la República. En este espacio se encontraba Ca les Hermanes —también conocida como Ca les Monges o la Joieria—. Este antiguo convento del siglo XVI, funcionó como escuela regida por las Hermanas Carmelitas desde finales del siglo XIX hasta la Guerra Civil.

La Plaça del Verger está rodeada de casas de piedra

El edificio servía como parvulario y escuela de niñas. Hasta 1925, existió además una Escuela Parroquial para niños, dirigida por el cura del pueblo. Ambas eran escuelas privadas, pero con matrícula gratuita. Tras la guerra, el centro no volvió a abrir, en parte porque durante el conflicto el local se había convertido en el ayuntamiento y en una cooperativa.

Cartel de la película donde puede verse a los protagonistas, el Pont Vell y a habitantes de Osor

Un hecho curioso marcó la historia del lugar: en 1957 la plaza fue escenario del rodaje de la película “Juanillo, papá y mamá”, dirigida por Julio Salvador y Juan Alberto Soler. El film, con guion de José Suárez Carreño —Premio Nadal— y Giovanni de Eramo, transformó a Osor en la ficticia localidad de Bellomonte. La historia narraba la vida de un niño huérfano y pobre que acababa siendo adoptado por una familia rica.

Los protagonistas de la película “Juanillo, papá y mamá” filmada en Osor

El rodaje despertó gran expectación: muchos vecinos participaron como figurantes, compartiendo escenas con Conrado San Martín, Lina Rosales, Juan Capri y el joven Miguel Ángel Rodríguez. La película culminaba con una fiesta final rodada en la Plaça del Verger, en la que intervino buena parte del pueblo, en una producción inspirada en el éxito de Marcelino, pan y vino.

Torre dels Recs

Vista de la Torre dels Recs adosada en un extremo a una vivienda

La Torre dels Recs, también conocida a lo largo del tiempo como Torre de Medinaceli, de la Cárcel, de Sant Joan o de Osor, se alza entre el Carrer Sarsanedes y la Plaça del Verger, justo frente a la iglesia parroquial. Se trata de una torre de defensa de planta cuadrangular con cuatro plantas, de unos 7 metros de lado y 15 de altura, construida en 1439 por Violant de Recs, esposa de Ramon de Vilanova. La obra se levantó con la autorización de las señoras del Valle de Osor, Sancha Ximenis e Isabel de Cabrera, como recompensa por los servicios prestados por el padre de Violant, Bernard de Recs.

Aspillera en la planta baja de la Torre dels Recs

El permiso concedía incluso agujerear la muralla de la villa para edificar una torre, ya fuera redonda o cuadrada, con techo, ventanas, almenas, falsas puertas y agujeros para bombardas, pensada para la defensa del pueblo. El nombre de la familia Recs (derivado del latín Reig) está documentado en Osor desde el siglo XIV, y su residencia era la actual Can Roure. Con el tiempo, la torre pasó a manos de los Medinaceli, de quienes tomó otro de sus nombres históricos.

El hecho de que la construyera Violant de Recs le dio el nombre

Construida pocos años después de los terremotos de 1427, se cree que se reutilizaron materiales procedentes de edificios dañados, lo que explicaría la diversidad de piedras y acabados en su fábrica. Está levantada con mampostería desbastada y grandes sillares en las esquinas, y conserva ventanales góticos trebolados, aspilleras —algunas diseñadas para armas de fuego— y conserva restos de almenas en la fachada sur.

Interior de la Torre dels Recs, con un asiento de piedra junto a la ventana gótica trebolada

Mientras que las aberturas del sur son de arco de medio punto, las del norte presentan canecillos y arcos trebolados, y las esquinas están perfectamente talladas. Durante el siglo XIX la torre fue utilizada como prisión municipal, origen del nombre de Torre de la Cárcel. En 1932, su primer piso acogió un depósito de agua potable con capacidad para más de 50.000 litros. El proyecto, que costó 725 pesetas, introdujo los primeros contadores de agua en Osor, con un precio de 40 céntimos el metro cúbico. El depósito fue retirado durante las obras de restauración.

Es una torre de defensa de cuatro plantas, de aspecto robusto y fachada de piedra

Actualmente, la puerta de acceso principal se encuentra en la planta baja, aunque originalmente se abría a la altura del primer piso de la fachada norte. Un ingenioso sistema de abertura permite el acceso a la Torre de forma gratuita. Sólo tienes que registrarte en su página web a través de un QR situado junto a la puerta y te enviarán un código para abrir la cerradura electrónica. La Torre dels Recs sigue siendo uno de los símbolos más reconocibles de Osor, testimonio de su pasado medieval.

Església de Sant Pere

Vista exterior de la Església de Sant Pere

La Església de Sant Pere de Osor es el principal edificio religioso de la población y uno de los más antiguos del valle. La primera mención del lugar data del año 860, cuando se registra una donación de un alodio del Valle de Osor al monasterio de Amer. La parroquia de Sant Pere aparece documentada por primera vez en el año 922, compartiendo entonces jurisdicción con Sant Hilari y Solterra. La iglesia original, situada en una colina, era una pequeña construcción prerrománica que fue sustituida hacia 1125 por un templo románico consagrado por el obispo de Vic, Ramon Gaufred.

Arcuaciones lombardas y lesenas del antiguo templo románico

De aquella edificación románica se conserva el muro meridional, con nueve arcuaciones lombardas, lesenas en los extremos y un ventanal. Los terremotos de 1427 y 1430 causaron graves daños en el templo, los puentes y buena parte del pueblo. Según fuentes antiguas, todas las casas del valle y de Osor fueron derribadas. La iglesia fue reconstruida con aires barrocos a partir de mediados del siglo XV, manteniendo la estructura del templo románico. Entre los siglos XVI y XVIII se añadieron varios altares laterales, dedicados a la Verge del Roser, Sant Crist, Sant Roc y Sant Sebastià.

Fachada de la iglesia de Sant Pere donde puede verse el rosetón y el ojo de buey

A finales del siglo XVIII, la iglesia se hallaba muy deteriorada y fue objeto de amplias reformas y ampliaciones hasta 1833, año en que se dio por concluida la obra. La fachada actual, datada en 1798, presenta una orientación inversa con respecto a la iglesia románica original. En 1977, tras el derribo de construcciones anexas, apareció parte del crucero románico empotrado en el muro barroco, lo que confirmó que la iglesia primitiva contaba con una nave y tres ábsides orientados a levante, dedicados a Sant Joan, Sant Pere y Sant Tomàs.

El templo fue reconstruido tras los terremotos de 1427 y 1430

El edificio actual, de estilo barroco con elementos neoclásicos, tiene una única nave con cuatro capillas comunicadas a cada lado. Su portal adovelado de arco rebajado, hecho con bloques de granito, luce grabada la fecha de 1798 en la dovela clave. Sobre la puerta se abre una hornacina vacía, un gran rosetón con malla de hierro y un óculo bajo el alero de teja y baldosa.

Vista del posible esconjuradero, usado para proteger las cosechas de tormentas y plagas

A la derecha de la fachada se alza una torrecilla rectangular, identificada por los investigadores locales como un antiguo esconjuradero o comunidor (en catalán). Estas construcciones, frecuentes entre los siglos XVI y XVIII, se ubicaban en las iglesias para realizar rituales destinados a proteger las cosechas de tormentas, plagas u otros peligros. Aunque son habituales en el Pirineo aragonés y Castilla y León, en la comarca de Les Guilleries y el Montseny también se conservan algunos ejemplares.

Campanario cuadrado de la iglesia de Sant Pere de Osor

El campanario, de planta cuadrada, está construido con grandes sillares rojizos en las esquinas. Presenta una puerta de acceso con arco rebajado, ventanas geminadas de medio punto —dos por fachada, salvo en la de levante que tiene sólo una, tapada— y almenas escalonadas de ladrillo añadidas probablemente en el siglo XIX. En sus muros aún se aprecian los huecos de los soportes de los andamios originales.

Detalle de la parte superior del campanario

En 1805, un robo documentado en las actas municipales describe la sustracción de objetos litúrgicos de plata de su interior, entre ellos dos bordones (bastones altos llevados en procesiones o actos solemnes), la cruz gorda (la cruz procesional principal), la Vera Cruz, los incensarios, la naveta (recipiente en forma de barco donde se guarda el incienso) y cuchara del incienso y dos paces (objetos con una imagen sagrada, que se ofrecían para besar en señal de paz durante la misa).

Imagen antigua de Osor donde puede verse, a mano izquierda, la iglesia

En 1936, durante la Guerra Civil, el templo sufrió graves destrozos: se destruyeron las imágenes, el altar mayor y desaparecieron tres campanas. Durante la contienda, el edificio fue utilizado como almacén y taller. Hoy, la Església de Sant Pere se alza sobre una gran terraza con vistas a la riera de La Noguerola. Su estructura barroca, unida al campanario y la torreta, recuerda que esta iglesia ha sobrevivido estoicamente a terremotos, guerras y reformas.

Can Roure

Can Roure es una casa señorial de los siglos XIV y XV

Entre el Carrer Major y el Pont Vell, en la confluencia del Carrer de la Riera, se levanta Can Roure, una de las casas más notables del casco antiguo de Osor. Este edificio señorial, de tres plantas y patio amurallado, conserva elementos arquitectónicos de gran valor como un ventanal gótico flamígero del siglo XV y un portal adovelado de medio punto realizado en piedra caliza.

En la segunda planta pueden verse aberturas cerradas de las antiguas almenas con aspilleras

La casa perteneció originalmente a la familia Recs (siglo XIV) —una de las familias más influyentes de la villa durante la Edad Media— y más tarde pasó a manos de los Vilanova (siglo XV) y de los Llavari. Se cree que el edificio sufrió graves daños durante los terremotos de 1427, por lo que su configuración actual corresponde, al menos en parte, a una reconstrucción de la segunda mitad del siglo XV.

Bello ventanal gótico de Can Roure

El ventanal gótico, formado por dos arcadas treboladas separadas por una columnilla con capitel de decoración floral, guarda similitud con otros ejemplos contemporáneos en el vecino municipio de Anglès (como Can Verdaguer). Sobre la fachada, de aspecto enlucido y hoy en mal estado, aún se distinguen restos de almenas con aspilleras, tres en la fachada principal y seis en la lateral.

Tras su portal puedo imaginarme el aire noble de otras épocas

En la planta baja se abre el gran portal adovelado, y a su izquierda, una escalera exterior —añadida probablemente en el siglo XIX— que conduce al piso superior. El patio delantero está delimitado por un pequeño murete. Aunque actualmente está deshabitada, Can Roure sigue siendo uno de los ejemplos más representativos de la arquitectura civil tardomedieval de Osor, testimonio de la prosperidad que vivió la villa entre los siglos XV y XVI.

Pont Vell

Este puente de piedra del siglo XV era de grandes proporciones para la época

El Pont Vell de Osor, documentado desde el siglo XV, es una de las imágenes más reconocibles de la población y un símbolo de su pasado medieval. Su función era unir los dos márgenes del pueblo, separados por la riera de Osor, comunicando las actuales calles del Carrer del Pont y del Carrer de França. El puente se levantó tras los terremotos de 1427-1430, que destruyeron buena parte de la villa y su antigua estructura de paso, probablemente un puente románico.

Aunque solo es visible una gran arcada, cuatro más pequeñas permanecen ocultas

Desde entonces, ha sido reconstruido en varias ocasiones, pero conserva su trazo original de piedra, con un gran arco central que domina el paisaje. Aunque hoy solo se distingue una arcada principal, bajo las casas adosadas al puente aún permanecen ocultos los restos de cuatro arcos menores, testimonio de la amplitud que tuvo en origen. La base del arco del lado del Carrer del Pont conserva también vestigios de un doble tajamar, elemento destinado a frenar la fuerza del agua durante las crecidas.

Vista del Pont Vell desde el Carrer del Pont

El empedrado del paso, con ligera forma de lomo de asno, está formado por lombardas de piedra caliza de tamaño medio y pequeño, bien conservadas pese al paso de los siglos. El pretil, irregular y tosco, se compone de grandes bloques de piedra, totalmente irregulares. El Pont Vell ha inspirado a pintores y fotógrafos, que han encontrado en su silueta de piedra y en el rumor de la riera uno de los rincones más evocadores de Osor.

Corredor de la riera

Los corredores permiten el acceso directo, desde las casas o calles, hasta el agua

En épocas pasadas, la riera de Osor era el eje de la vida del pueblo, por lo que los corredores que llegan hasta sus aguas fueron esenciales. Servían para acceder al agua, ya fuera para lavar ropa o dar de beber a los animales. Algunos corredores conservan muros y escalones de piedra centenarios, testigos del ingenio popular, y forman hoy un recorrido pintoresco donde perderse por un momento en el pasado.

Riera de Osor

Este curso fluvial nace en las Guilleries y desemboca en el Ter

La riera de Osor es el eje natural que atraviesa la población y da forma al valle. Tras nacer, entre los términos de Espinelves y Sant Hilari Sacalm, la riera desciende con fuerza, formando desfiladeros estrechos y escarpados, rodeados de peñascos y vegetación densa, que permiten la aparición de saltos de agua y tramos de gran belleza natural. A medida que se acerca a Osor, su curso se suaviza, dibujando meandros sinuosos antes de unirse al río Ter.

Cauce natural que serpentea entre vegetación y viejos molinos

Su longitud total es de unos 25 km entre Sant Hilari y el puente que separa Anglès de la Cellera. Hidrológicamente, destaca como el curso fluvial más caudaloso de los que nacen en las Guilleries. A lo largo de los siglos, la riera ha sido aprovechada para riego agrícola, movimiento de ruedas de molinos, generación de electricidad y actividades de industria textil y minera.

La Riera de Osor atraviesa el pueblo y da vida al paisaje urbano

Actualmente, es posible recorrer un itinerario llano de 2,1 km a lo largo de la Riera de Osor que discurre cerca del pueblo. Este paseo de baja dificultad ofrece la oportunidad de observar flora y fauna de ribera, disfrutando de un tramo de gran belleza paisajística y de la tranquilidad que proporciona el agua. En verano se convierte en un excelente refugio climático.

Lavadero de Ca n'Aubreda

El Lavadero de Ca n’Aubreda aprovechaba el agua de la acequia del Molí d’en Serra

En la primera mitad del siglo XX, para evitar bajar hasta la riera a hacer la colada, los vecinos aprovecharon la acequia del Molí d'en Serra para construir un lavadero público donde lavar la ropa. Se llenaba con el agua procedente de la Font de Ca n’Aubreda. Bajando unas escaleras se llega hasta las antiguas piedras que forman el lavadero y a una pequeña tajadera de piedra bastante bien conservada, aunque con exceso de vegetación salvaje alrededor.

Font de Ca n'Aubreda

La Font de Ca n’Aubreda está documentada desde el siglo XIX

La Font de Ca n’Aubreda, documentada desde el siglo XIX, toma su nombre del antiguo linaje Albereda. El aspecto que hoy se puede contemplar data de 1869, cuando se llevó a cabo una reparación que cubrió parcialmente el torrente. En un poema popular de mediados del siglo XX dedicado a las fuentes de Osor, se dice de ésta: “La de Can Aubreda es molt bona / si no regan gaire estona” (La de Can Aubreda es muy buena / si no riegan mucho rato).

Carrer de França

El Carrer de França es la calle empedrada más larga de Osor

El Carrer de França es la calle más larga empedrada con adoquines de Osor. Anteriormente, se había llamado Carrer de Nostra Senyora del Coll, ya que, de hecho, forma parte del antiguo camino Real que se dirigía hacia este santuario. Durante el franquismo se conoció como Calle de los Mártires, y en 1978 se propuso renombrarla Carrer Guilleries. A lo largo de esta calle se conservan varias casas donde aún pueden verse dinteles de piedra de los siglos XVI, XVII y XVIII, testigos de la historia y antigüedad de Osor.

Casas con dinteles de los siglos XVIII y XIX bordean el pintoresco Carrer de França

Una curiosa historia oral explica el origen del nombre del Carrer de França. A finales del siglo XIX o principios del XX, vivía en esta calle un francés conocido como “l’avi Pierre”, instalado en la casa que hoy se identifica como Can Pones. Por motivos políticos de la época, se dice que pudo colocar la bandera de su país en el balcón, lo que le granjeó cierta simpatía entre los vecinos, que empezaron a llamar a la calle “del Francès”.

Imagen antigua del Carrer de França de Osor

Esta calle también nos recuerda una tradición artesanal de Osor ya perdida. En 1926, se trasladó aquí el taller de alpargatas de Lluís Pons, que alternaba este trabajo con el de barbero, y donde ya se había instalado otro artesano, Quimet Espardenyer, en la casa conocida actualmente como Can Lluís. Ambos hacían a mano alpargatas catalanas con suela de yute o cáñamo. Con el tiempo, su hijo Antonio mecanizó el taller, introdujo la producción de suela de goma y llegó a vender al por mayor.

Hornacina de Can Toni

Hornacina de Can Toni con imagen de San Antonio, en el Carrer de França

La hornacina de Can Toni, situada en la fachada del Carrer de França, es un testimonio del pasado religioso y decorativo de Osor. En ella puede verse una imagen de San Antonio, patrón de los animales y protector del hogar, enmarcada con decoración de cerámica catalana. Estas hornacinas, habituales entre los siglos XVIII y XIX, se colocaban en las fachadas como signo de devoción y para invocar la protección del santo sobre la familia y sus bienes.

Molí Sarsanedes

Maria Sarsanedes pidió permiso para producir electricidad para uso privado

El Molí Sarsanedes se ha conocido también como Molí de Cercenedes, Molí de la Mata, de Mirapeus o d’en Vila, y se tiene constancia de que ya existía en 1746. Está formado por un conjunto de edificios de una planta, construidos en mampostería, piedra y cubierta de baldosa, con aberturas rectangulares enmarcadas en ladrillo. Su importancia histórica va más allá de la arquitectura. En 1910, gracias a la iniciativa de Maria Sarsanedes, se produjo electricidad por primera vez en Osor utilizando la energía hidráulica de este molino.

El Molí Sarsanedes produjo por primera vez electricidad en Osor en 1910

En junio de 1911, el concejal Antoni Pons propuso extender el alumbrado público al municipio, instalándose veintidós farolas de doce bujías que funcionaban desde las últimas horas de la tarde hasta la madrugada. No fue hasta 1916 que la electricidad llegó a los domicilios cercanos a la línea, marcando el inicio de la electrificación de Osor. Desde este punto del recorrido deshacemos el camino hasta el Pont Vell y, tras dejar atrás Can Roure, giramos a la izquierda por el Carrer Major.

Pont de Can Vidal

Puente medieval de una sola arcada sobre la riera de la Noguerola

Situado entre el Ayuntamiento de Osor y la Iglesia de Sant Pere, encontramos el Pont de Can Vidal, también conocido como Pont de la Noguerola. Este pequeño puente de piedra medieval de una sola arcada, ligeramente apuntada, servía como paso del antiguo camino de Anglès a Sant Hilari Sacalm. Se alza unos 4 metros de altura sobre la riera de la Noguerola y se construyó con piedra, guijarro y mortero.

El Pont de Can Vidal unía por el antiguo camino Anglès con Sant Hilari Sacalm

Como las crónicas indican que tras los terremotos de 1427 y 1430 no quedó ningún puente en pie, su reconstrucción probablemente data de la segunda mitad del siglo XV, aprovechando la estructura de un puente anterior, posiblemente de origen románico. Hoy se encuentra en desuso, pero forma un rincón muy pintoresco que resulta muy fotogénico.

Reloj del Ayuntamiento

Reloj de 1878 de la empresa Garnier de París, procedente de la estación de Peralada

Nuestra ruta a pie por Osor concluye frente al Ayuntamiento, donde se conserva una singularidad histórica: en la fachada podemos ver un reloj de la empresa Paul Garnier de París, que data de 1878 y proviene de la antigua estación de tren de Perelada, que quedó fuera de servicio a principios de los años 90. En la esfera del reloj podemos ver el escudo de Osor y el nombre de la población.

Qué más ver cerca

Si te apasionan las localidades con historia y encanto, no te pierdas Girona, situada a sólo 27 km de Osor. Su trazado medieval y sus murallas bien valen una escapada.

BOZAR: El Palais des Beaux-Arts Art Déco de Victor Horta

2025-10-27T08:00:00.003+01:00

El edificio se integró en un gran proyecto urbanístico que transformó Mont des Arts

El Palais des Beaux-Arts de Bruselas representa la última gran obra pública de Victor Horta y el único edificio plenamente Art Déco de su trayectoria. Tras la Primera Guerra Mundial, el arquitecto abandonó las formas sinuosas del Art Nouveau que lo habían consagrado y adoptó un lenguaje más sobrio y geométrico, acorde con el espíritu de los nuevos tiempos.

Una de las puertas de entrada con perfil de acero de la Rue Ravenstein

En este edificio monumental, Horta sustituyó los motivos orgánicos por líneas depuradas, simetrías y volúmenes claros, empleando materiales como la piedra azul, el granito o el mármol con una ornamentación contenida. El resultado fue una arquitectura moderna y racional, donde la luz, la proporción y la funcionalidad reemplazaron al ornamento exuberante, marcando así el punto final de su evolución artística y el inicio de una nueva era estética en Bélgica.

Los orígenes del “Palacio de las Artes”

Palais des Beaux-Arts proyectado por Alphonse Balat en la Rue de la Régence (1926)

La idea de erigir en Bruselas un “templo dedicado a la música y las artes plásticas” surgió con fuerza en los albores del siglo XX, impulsada por la realeza belga y la élite cultural. Ya en el siglo XIX se pensó en un edificio para grandes conciertos y exposiciones de arte; en 1874 se inauguró el Palais des Beaux-Arts proyectado por Alphonse Balat en la Rue de la Régence, pero pronto fue ocupado por colecciones artísticas y dejó de cumplir su función original.

Vista de la planta inferior, donde Horta organizó una red de salas y pasillos subterráneos

Varias ubicaciones fueron propuestas en vano, hasta que en 1913 el rey Alberto I y la reina Isabel expresaron al alcalde Adolphe Max su deseo de tener en la ciudad un “Palacio de las Artes” digno de la capital belga. Ese mismo año, el arquitecto François Malfait presentó un diseño de estilo clásico para un complejo en la recién trazada Rue Ravenstein, pero la I Guerra Mundial detuvo las obras.

Escalera de acceso a uno de los niveles inferiores

Terminada la contienda, el proyecto volvió a cobrar vida en 1919 bajo el auspicio del ministro Édouard Anseele y del influyente senador socialista Émile Vinck. Vinck, conocedor de la obra de Victor Horta, invitó al arquitecto a asumir la dirección del nuevo “Palacio de las Artes”, desechando así la propuesta del arquitecto público Georges Hano. La ciudad cedió generosamente un terreno irregular entre la Rue Royale, la Rue Ravenstein, la Rue Terarken y la Rue de la Bibliothèque (hoy Rue Baron Horta).

Rue Baron Horta. Fuente "Najade", obra del escultor Jacques Marin (c. 1920)

En 1920, el gobierno solicitó al Parlamento fondos para la obra, pero la crisis económica de posguerra llevó al Senado a recortar el crédito a 100.000 francos. Finalmente, el propio Émile Vinck promovió la creación de una asociación privada, combinando apoyo público y privado para financiar la construcción. En abril de 1922, la nueva sociedad —presidida por el burgomaestre Adolphe Max, con miembros como el banquero melómano Henry Le Bœuf y el propio Vinck— dio luz verde al inicio de las obras.

Victor Horta y el estilo Art Déco

Pabellón Belga de la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París (1925)

Victor Horta (1861-1947), célebre creador belga del Art Nouveau, afrontó este ambicioso encargo con una visión moderna. Después de la guerra su estilo derivó hacia formas geométricas que anticipan el Art Déco: ya lo había demostrado en 1925 en el Pabellón Belga de la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París, donde utilizó un lenguaje abstracto inspirador (con ecos de Frank Lloyd Wright y hasta de arquitectura minoica o maya).

Este complejo de salas de exposiciones y conciertos fue diseñado por el arquitecto Victor Horta

En el Palais des Beaux-Arts también introdujo esa ornamentación geométrica en las fachadas, combinándola con elementos clásicos como las imponentes columnas dóricas de la rotonda de entrada. Aunque fue criticado por los arquitectos de vanguardia —que veían sus formas como tradicionales—, la modernidad del proyecto se percibe en su programa mixto y en los materiales elegidos.

Acceso a las plantas inferiores donde se encuentran las salas de conciertos

Horta concibió el edificio como una “Ciudad de las Artes” en miniatura: un complejo cultural con dos grandes áreas complementarias. Por un lado, diseñó un centro de espectáculos con una gran sala de conciertos, una sala de música de cámara y una sala de proyecciones cinematográficas. Por otro lado, destinó la mitad del edificio a un centro de exposiciones artísticas con varias salas: una sala para escultura monumental, dos circuitos expositivos amplios para pintura y escultura, un circuito menor para fotografía y una gran sala para las artes decorativas.

Eje de circulación interior que conecta las principales salas de conciertos del Palais des Beaux-Arts

A todo ello sumó oficinas, restaurantes, espacios de recepción y comercios integrados en la fachada. Esta estructura de música y exposiciones plásticas era inédita en Europa, semejante en cierto modo a los centros culturales utópicos de la época, y reflejaba la idea de un lugar donde las diferentes artes convergieran con una cierta dimensión social.

Desafíos de diseño para Victor Horta

Los niveles son casi invisible gracias a las numerosas salas subterráneas

El emplazamiento en el Mont des Arts presentaba retos colosales. El solar de forma irregular tenía unos 8.000 m² y una pendiente pronunciada entre la calle más alta de la Rue Royale y la más baja de la Rue Terarken. Justo a media altura se cruzaba con la nueva Rue Ravenstein (construida sobre una plataforma de hormigón entre 1911 y 1913), de modo que el edificio debía articularse en tres niveles diferentes.

Espacios de descanso que rodean la Gran Sala de Conciertos

Además, la normativa urbanística imponía una serie de límites: había una servidumbre visual que protegía la vista desde el Palacio Real hacia el barrio bajo, lo que prohibía cualquier construcción que superara su altura. Por si fuera poco, el Ayuntamiento exigió que se habilitaran locales comerciales a lo largo de la Rue Ravenstein, para dinamizar aquel sector aún poco desarrollado y obtener a cambio renta por los arrendamientos.

Puerta de entrada con vidriera de diseño geométrico al Salón Real

Horta resolvió este panorama con gran ingenio: desarrolló cinco versiones del proyecto entre 1919 y 1922, siempre acomodando el complejo a la topografía. El edificio explotaba al máximo las cotas del terreno: preveía nada menos que seis entradas diferentes en distintos niveles (Rue Terarken, Rue de la Bibliothèque, Rue Villa Hermosa, Rue Ravenstein y Rue Royale). Las entradas principales, de carácter monumental, se ubicarían en la Rue Ravenstein y la Rue Royale, cada una enmarcada por un pórtico tetrástilo de columnas dóricas.

El Salón Real estaba reservado originalmente para la familia real y personalidades invitadas

En el interior, un gran eje de circulación conectaba esas entradas entre sí, recorriendo todos los circuitos de exposición y pasando junto a la sala de conciertos. De este modo, Horta logró integrar armoniosamente el edificio en una geografía compleja, como una “Ciudad de las Artes” escalonada en la ladera. Aun así, hubo concesiones: un gran vestíbulo real comunicaba la entrada de honor con el Palco Real.

Palco Real, situado frente al escenario, símbolo del esplendor y la elegancia del auditorio

Como anécdota, se proyectó incluso una pequeña entrada privada para el monarca, que daba acceso al Salón Real y al Palco Real frente al escenario. El resultado fue una silueta masiva, pero sin exceder las alturas límites: las fachadas conservaban la elegancia neoclásica dominante en el barrio del Palacio Real, enriquecida con elementos decorativos Art Déco. La planta intermedia, accesible desde la Rue Ravenstein, alberga la entrada principal y el gran vestíbulo que distribuye el flujo de visitantes hacia las distintas salas del Palais des Beaux-Arts.

Gran vestíbulo de acceso por la Rue Ravenstein

En este espacio se colocó en 1936 el monumento a Henry Le Bœuf, decorado con dos figuras de bronce esculpido por Victor Rousseau, como homenaje al impulsor de la institución. Este hall monumental, concebido como un punto de encuentro entre las artes y el público, se mantiene de acceso libre, fiel al espíritu democrático que inspiró a Horta y a los fundadores del edificio.

Gran Sala de Conciertos

Vista del escenario y el órgano de la Gran Sala de Conciertos de BOZAR

La Gran Sala de Conciertos (aprox. 1.200 m²), con su planta ovalada, su acústica cuidadosamente estudiada y sus planos inclinados, fue diseñada con una capacidad para 2.200 espectadores e inaugurada en 1929. Horta la concibió muy abierta y escultórica, respondiendo a exigencias económicas —una cantidad mínima de espectadores para cubrir costos— y artísticas —que el público rodeara al intérprete, según deseaba el violinista Eugène Ysaÿe—.

Interior de la Gran Sala de Conciertos, concebida por Horta como un espacio envolvente

Ocupaba la mitad sur y toda la altura del edificio, con una escalera cuadrada al norte, y fue bautizada como Salle Henry Le Bœuf en honor al mecenas que impulsó el proyecto. Su forma ovoide se articulaba en una platea y tres niveles de graderíos (balcón, palcos y galería), presididos en el centro por el Palco Real. El techo abovedado, con una parte central acristalada y calada decorativamente, contribuía tanto a la luminosidad como a la calidad acústica.

Busto de Victor Horta obra de Adolphe Wansart, en el vestíbulo de la Gran Sala de Conciertos (1950)

El gran órgano, instalado por la firma J. Stevens de Duffel, completaba la majestuosa composición del escenario. En 1976, la sala fue remodelada por los arquitectos E. de Felici y R. Delers, que actualizaron su estructura sin alterar su carácter original. Alrededor del auditorio, amplios pasillos de circulación con planos inclinados facilitaban el acceso a los diferentes niveles. En el vestíbulo de la sala principal de conciertos se erigió, en 1950, el monumento a Victor Horta, con un busto esculpido por Adolphe Wansart, como homenaje al genio que concibió este emblemático espacio del arte y la música en Bruselas.

Sala de Esculturas: el espacio expositivo de BOZAR

Gran bóveda de cristal del Hall Horta, antigua Sala de Esculturas del Palais des Beaux-Arts

La Sala de Esculturas fue uno de los espacios más impresionantes del Palais des Beaux-Arts. Concebida por Horta como una sala de cinco naves y dos niveles, estaba cubierta por una gran bóveda de cristal sostenida por una estructura de hormigón armado, lo que permitía una iluminación natural tamizada y una sensación de amplitud monumental. Su destino original era acoger las obras de escultura de gran formato, integrando la luz, la escala y el movimiento del visitante en una experiencia arquitectónica única.

Las exposiciones siguen siendo uno de las principales actividades de BOZAR

Apenas dos semanas después de la inauguración del edificio, el 18 de mayo de 1928, la sala de alrededor de 1.900 m² fue estrenada por los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev con una representación de La Sílfide, un acontecimiento que subrayó la versatilidad del espacio. Poco después, tras la exposición dedicada al escultor Antoine Bourdelle, la gran sala dejó de utilizarse para exhibiciones de escultura monumental y comenzó a acoger eventos culturales y sociales de todo tipo.

Una amplia escalera y un atrio columnado conecta con las salas expositivas

Desde el célebre Banquete Ensor durante la inauguración de su exposición el 10 de febrero de 1929, hasta fastuosos salones del automóvil organizados por General Motors, que transformaron el recinto en un escenario de modernidad y prestigio. Entre 1969 y 1971, el espacio experimentó una profunda transformación bajo la dirección del arquitecto Lucien Baucher, que lo convirtió en una sala de exposiciones polivalente.

Sala con columnas del actual espacio expositivo, antiguas salas de Arte

Para ello, instaló un podio metálico desmontable y un sistema de galerías y pasarelas que conectaban con una amplia escalera hacia las tres salas de Arte Monumental, mientras que la planta superior quedaba flanqueada por la Gran Galería. Esta remodelación, pensada para adaptarse a las nuevas formas de arte contemporáneo, modificó profundamente la percepción del volumen original, pero mantuvo el carácter dinámico y escénico que Horta había concebido desde el principio: un espacio vivo, capaz de transformarse al ritmo de las artes y de la ciudad.

Algunas de las barandillas interiores son originales de 1928 y muestran el estilo Art Déco

Desde el comienzo, Horta se inspiró en la idea de una asociación de entidades artísticas. Cada arte (música, pintura, escultura, arquitectura, artes decorativas) tendría su espacio propio y hasta su entrada particular. Esta visión multifuncional dotaba al Palais des Beaux-Arts de Bruselas de un carácter único: no era solo un museo ni solo un teatro, sino un híbrido de centro cultural en el que artes plásticas y artes escénicas convivían bajo el mismo techo.

Evolución del proyecto

Victor Horta diseñó los planos del Palacio de Bellas Artes poco después de la I Guerra Mundial

Tras firmar el contrato con el Ministerio de Obras Públicas en noviembre de 1919, Horta presentó los primeros planos y los fue perfeccionando durante el permiso de obra. Inicialmente, propuso en la Rue Ravenstein un acceso triangular de gran amplitud, pero el Ayuntamiento rechazó en 1920 esa solución por razones urbanísticas. En respuesta, Horta dividió la entrada monumental en dos accesos menores: uno en la Rue de la Bibliothèque para las salas de exposición y otro en la Rue Ravenstein para la sala de conciertos.

Las obras del Palais des Beaux-Arts de Bruselas comenzaron a principios de 1923

En esa tercera versión del proyecto quedó más clara la estructura bipolar del edificio: la sala de conciertos, que antes era central, se movió hacia la esquina noreste, mientras que la Sala de Esculturas quedaba junto a ella, separada por un gran vestíbulo. Durante la construcción hubo varias tensiones. En 1923, al empezar las obras, el industrial Armand Blaton (encargado del edificio) insistió en que toda la estructura se hiciera con hormigón armado, a diferencia de lo previsto por Horta que pensaba en utilizar acero en la sala de conciertos.

Monumento a Henry Le Bœuf, con dos figuras de bronce esculpidas por Victor Rousseau en 1936

Horta cedió y aprovechó el cambio para rediseñar por completo el auditorio. Este conflicto fue solo una de las decisiones críticas durante el proceso: el mecenas Henry Le Bœuf, desde 1921, exigió estudios comparativos de acústica basados en salas europeas y pidió la opinión de expertos (finalmente el francés Gustave Lyon dio su visto bueno en 1925). También hubo disputas con el Senado por los sobrecostes: la obra se estimó finalmente en 25 millones de francos.

La antigua Sala de Esculturas se ha convertido en el Hall Horta

Horta negoció su honorario varias veces, invocando el enorme desafío técnico que tuvo que afrontar (acondicionamiento de cimientos, contención del terreno y de las construcciones vecinas, drenaje de aguas pluviales, etc.). A pesar de las previsiones iniciales de terminar en 1920, la construcción tardó 7 años desde la obtención del permiso hasta la finalización de la sala de conciertos, debido precisamente a estas complejidades del terreno inclinado.

Materiales y decoración Art Déco

Juego de volúmenes y relieves simétricos que aportan ritmo y sobriedad al conjunto exterior

La elección de materiales fue otra revolución. Horta apostó por el hormigón para la estructura. Inicialmente, quería dejarlo a la vista para mostrar su “honestidad”, emulando su propia práctica en el Art Nouveau de no ocultar los materiales. Una audacia para los años 20, pues la mayoría de los arquitectos modernistas revestían sus muros con estuco para ocultarlo. Sin embargo, las imperfecciones del hormigón de entonces lo llevaron a recubrir las fachadas con un fino enlucido blanco, lo que disimuló el gris original.

Interiores sobrios y refinados donde luce con maestría el parqué de madera en espiga

En el interior sí se utilizaron acabados de forma más lujosa. Horta pintó las salas con tonos ocres y dorados (colores que hoy prácticamente han desaparecido), armonizados con los suelos de mármol en la Sala de Esculturas, en el Salón Real y en los pasillos del palco; con parqué de madera en espiga en las salas de exposiciones; e incluso con una combinación de granito y resina imitación mármol en las rampas y pasillos de la sala de conciertos.

Vidriera de diseño geométrico Art Déco

Todos estos detalles ornamentales, junto a las esculturas y pinturas que se incorporaron después, daban al Palais des Beaux-Arts de Bruselas un ambiente rico y acogedor, demostrando la intención de Horta de integrar la arquitectura y la decoración en una experiencia unificada. La fachada principal de la Rue Ravenstein (tras varios cambios de proyecto) terminó mostrándose en estilo Art Déco sobrio: vanos rectangulares regulares, algunos bajorrelieves geométricos y las elegantes columnas dóricas que flanquean la entrada mayor y que comunican con la columnata curvada del vestíbulo interior.

Horta cambió las líneas onduladas del Art Nouveau por las líneas geométricas del Art Déco

El conjunto conserva la simetría y majestuosidad que se esperaba en aquel entorno señorial, pero aporta modernidad en el uso del espacio y de la luz cenital (a través de los patios interiores) en las salas de exhibición. En suma, el Palais des Beaux-Arts se convirtió en un claro ejemplo del Art Déco en Bruselas, aun bajo la firma de un arquitecto famoso por el Art Nouveau; su geometría estricta y su monumentalidad elegante anunciaban la arquitectura moderna inmediata mientras rendían homenaje a la tradición clásica de la ciudad.

La Rotonda monumental

Este espacio se ha transformado en la actual Rotonde Suzanne Bertouille

En el extremo de la fachada, sobre la entrada principal, Victor Horta concibió una de las piezas más elegantes y emblemáticas del Palais des Beaux-Arts: la Rotonda monumental. Diseñada inicialmente como salón de té, fue pensada como un espacio de descanso y sociabilidad, donde el público pudiera prolongar su experiencia artística en un ambiente refinado. Su perímetro circular, marcado por una sucesión de columnas adosadas, crea un efecto rítmico que acompaña las escaleras curvas situadas a ambos lados de la entrada.

Este espacio circular iluminado por un gran ventanal fue concebido como salón de descanso

El conjunto está rematado con un techo imponente de ocho metros de altura y una gran lámpara de araña central, que inunda de luz y elegancia el espacio. En la actualidad, la Rotonda Suzanne Bertouille se utiliza como salón para banquetes, permitiendo celebrar eventos y recepciones en uno de los espacios más distinguidos concebidos por Horta en el Palais des Beaux-Arts.

La rotonda del extremo izquierdo de la fachada, sirve de entrada a BOZAR

La fachada exterior, de composición alargada y ligeramente angular, está decorada con una ornamentación geométrica basada en patrones simétricos y en la acentuación del relieve, elementos característicos del lenguaje decorativo de Horta en su etapa final. El equilibrio entre la sobriedad y la monumentalidad se refuerza por la disposición arquitectónica: la fachada luce una rotonda esquinera en el extremo izquierdo y una torre angular cuadrada en el extremo derecho, que enmarca la fachada del edificio.

Detalles geométricos de la fachada en piedra azul, ejemplo Art Déco de Victor Horta

El revestimiento de piedra azul de gran tamaño, cuidadosamente labrada, confiere al conjunto un aire solemne y robusto, mientras que el granito, utilizado con discreción en los marcos de las ventanas y en los alféizares de la planta superior, añade un matiz de refinamiento. En la rotonda, el uso de granito pulido, flanqueado por pesadas pilastras y dividido en tres tramos verticales, subraya la idea de orden y equilibrio que impregna todo el edificio.

El Palais des Beaux-Arts abre sus puertas y evoluciona

La reina Isabel y el rey Alberto I en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas

Pese a los retrasos, el Palais des Beaux-Arts se inauguró oficialmente el 4 de mayo de 1928, en presencia de la familia real y numerosos dignatarios. Desde entonces, cobró rápido prestigio internacional como foro cultural de primer orden. El complejo funcionó durante décadas con esa doble misión artística: por un lado, se ofrecían conciertos sinfónicos y recitales en sus auditorios; por otro, se organizaban grandes exposiciones de pintura, escultura, artes aplicadas y fotografía en sus salas dedicadas.

Lámpara de techo con diseño geométrico que evoca las líneas del estilo Art Déco

El propio Henry Le Bœuf, administrador delegado de la sociedad gestora, aseguraba llevar una programación ambiciosa y variada. A mediados del siglo XX, el Palais des Beaux-Arts de Bruselas sufrió transformaciones importantes. Entre 1956 y 1959, Constantin Brodzki y Corneille Hannoset adaptaron el antiguo Studio en una sala de proyección de cine con el nombre Cinématek, con graderíos inclinados y cabina de proyección adaptada al color.

Entrada con diseño geométrico en la Rue Baron Horta

Más tarde, en 1962, se creó formalmente el Museo del Cine (Congrès du Cinéma), que en 1967 ocupó la gran Sala de Artes Decorativas. Este museo contaba inicialmente con una sala de cine (ampliada a dos en 1982) y disponía incluso de una entrada propia en la Rue Baron Horta. La adaptación cinematográfica supuso una ruptura con la concepción original de Horta: se desmontaron los decorados de la Sala de Artes Decorativas para instalar la exposición permanente del museo.

Motivos lineales y ángulos marcados en la fachada de la Rue Baron Horta

El proyecto ganador, de los arquitectos Lucien Jacques Baucher, Michel Draps y Marc Libois, propuso en 1971 la construcción de un “foro” modular en la Sala de Esculturas, con estructura tubular de acero y asientos móviles. Este foro, instalado a partir de 1969, se convirtió en un espacio polivalente de menor tamaño (uso de madera y metal tubular similar al Centre Pompidou de París) que alojó debates, performances y conciertos improvisados.

Este guardarropa con reminiscencias antiguas nos recuerda el uso de sombreros y bastón

Sin embargo, su colocación fragmentó la volumetría original del pabellón de Horta, tapando gran parte de la sala. Con el tiempo, la multiplicidad de asociaciones culturales que trabajaban dentro del Palais des Beaux-Arts de Bruselas llevó a una excesiva compartimentación interna: para mediados de los 90 ya eran evidentes filtraciones de agua, lejanía entre espacios y deterioro del patrimonio original.

El renacimiento de Bozar

Interior de una exposición en BOZAR

Ante las dificultades financieras y de gestión, el Palais des Beaux-Arts de Bruselas pasó a depender del Estado belga a partir de 1971. En 1984 la gestión se convirtió en organismo público y en 1999 el complejo adoptó formalmente la denominación BOZAR (abreviatura fonética de Beaux-Arts). A partir de 2004 se emprendió un ambicioso plan de restauración dirigido por la arquitecta Barbara Van der Wee, con el objetivo de recomponer los espacios originales de 1928 y al mismo tiempo actualizar el edificio a las normas actuales.

Techo sinuoso con domo central y moldura luminosa que resalta la amplitud del auditorio

Así, el «foro» añadido en la Sala de Esculturas fue desmantelado, recuperando su volumen de crucero. Se trasladaron las oficinas (incluida la Cinemateca) fuera del edificio principal, liberando toda el ala este. En el remodelado, la Sala de Artes Decorativas volvió a ser una sala diáfana con sus columnas vistas y se añadieron dos salas de cine subterráneas.

Vista del auditorio con sus niveles escalonados y el emblemático Palco Real frente al escenario

Otros trabajos incluyeron la restauración de los dos circuitos expositivos de Horta (los recorridos por la Rue Ravenstein y por la Rue Royale). Se integró la luz natural en techo y sistemas de climatización invisibles para adaptarlos a exigencias museísticas. El nivel comercial de la Rue Ravenstein fue ocupado por el Café Victor, un moderno café cultural proyectado por Robbrecht & Daem, devolviendo al lugar su vocación social original.

El Palacio de Bellas Artes es el único testimonio importante del último periodo de Horta

Se repintó la rotonda cercana a la entrada de la Rue Royale en sus tonos ocres originales, y se recuperaron los techos planos de las alas a lo largo de la Rue Ravenstein y Baron Horta (que Horta concibió como salas al aire libre). Gracias a estas intervenciones, hoy el Bozar luce en gran medida la visión de Horta: la monumental circulación central que atraviesa el edificio y une las exposiciones con los conciertos.

Escalera de acceso a la actual Rotonde Suzanne Bertouille

Los materiales originales (columnas de mármol, escalones de piedra) se han restaurado, y la riqueza de los espacios interiores ha quedado de nuevo a la vista. El “Palacio de las Artes” de Horta se mantiene como un referente del Art Déco belga, mientras sirve de escenario cultural completo donde conviven conciertos, exposiciones y conferencias, exactamente como sus promotores imaginaron hace más de un siglo.

Más información: BOZAR. Dirección: Rue Ravenstein 23, 1000 Bruselas. Teléfono: +32 (0)250 78 430. Web: BOZAR.

Comer en Bozar Café Victor

Interior del Bozar Café Victor

En la planta baja del Palais des Beaux-Arts, se encuentra el Bozar Café Victor, un espacio donde el arte, la arquitectura y la gastronomía dialogan con naturalidad. Este café-restaurante ocupa el local de la antigua librería del Palais des Beaux-Arts, transformado por los prestigiosos arquitectos Robbrecht & Daem, especialistas en intervenir con respeto en edificios históricos. Lejos de considerar las limitaciones de un monumento protegido como un obstáculo, los arquitectos las interpretaron como un punto de partida para crear un entorno en perfecta sintonía con la obra de Victor Horta.

Elegancia en negro, verde y dorado que evoca la sofisticación Art Déco

El resultado es un universo arquitectónico íntimo y moderno, donde cada detalle remite a la estética original del edificio. El interior combina materiales nobles y referencias directas al lenguaje de Horta: el granito verde y los asientos de cuero evocan el linóleo y el granito que el maestro integró en los pasillos del Palais des Beaux-Arts. En el suelo, los círculos de granito reproducen un pequeño planetario simbólico de amaneceres y atardeceres, mientras las lámparas redondas, los espejos circulares y las mesas grabadas en latón con motivos de instrumentos musicales convierten cada detalle en una obra de arte funcional.

Ensalada César con pollo de granja cocinado a baja temperatura (26’2 €)

El Café Victor es hoy un vibrante punto de encuentro en el corazón de Bruselas, frecuentado tanto por visitantes de exposiciones y conciertos como por quienes buscan disfrutar de una pausa gastronómica en un entorno excepcional. Dispone de un acogedor comedor interior y de una terraza a pie de calle, donde tuve ocasión de degustar una ensalada César con pollo de granja cocinado a baja temperatura (26,20 €). Bozar Café Victor prolonga el espíritu del Palais des Beaux-Arts: un lugar donde las artes —plásticas, escénicas y culinarias— se viven también a través de los sentidos.

Más información: Bozar Café Victor. Dirección: Rue Ravenstein 23, 1000 Bruselas. Teléfono: +32 (0) 22 131 919. Web: Bozar Café Victor.

Toda la información generada en redes sociales durante mi viaje a Bruselas, puede consultarse a través del hashtag #PDBruselas

Qué más ver cerca

A poco más de dos kilómetros se encuentra otro icono del diseño y la arquitectura de los años 30: el edificio Flagey, la “fábrica del sonido” de Bruselas. Este edificio Art Déco, originalmente sede del Instituto Nacional Belga de Radiodifusión (INR), sobresale por su fachada de ladrillo amarillo y sus estudios diseñados con precisión técnica para la radiodifusión.

Acueducto de las Aguas Libres de Lisboa: Arquitectura y leyendas

2025-10-21T08:00:00.001+02:00

Vista parcial del Acueducto de las Aguas Libres de Lisboa

Lisboa ha recibido la influencia de griegos, fenicios, lusitanos, romanos, visigodos, árabes, judíos y cristianos. Los romanos, que la llamaron Felicitas Iulia Olisipo, fueron los primeros en organizar un sistema de captación y distribución de agua, construyendo un acueducto en el siglo III d. C.

Chafariz de El-Rey (c. 1570-80)

Durante la Edad Media, la ciudad continuó desarrollando fuentes y manantiales, especialmente en el barrio de Alfama, como el Chafariz de El-Rei, la primera fuente ornamental pública de Lisboa de la que existen registros que datan de 1220, o el Chafariz de Dentro, ubicada dentro del antiguo recinto amurallado construido por el rey Fernando I de Portugal en 1373.

Camino peatonal interior del Acueducto de las Aguas Libres

A lo largo de los siglos, diferentes monarcas, como Manuel I de Portugal, Sebastián I de Portugal y Felipe II de España, intentaron mejorar el suministro de agua, pero fue bajo el reinado del rey Juan V de Portugal, a comienzos del siglo XVIII, cuando se planificó finalmente el ambicioso proyecto del Acueducto de las Aguas Libres, (en portugués, Aqueduto das Águas Livres) una obra que transformaría el abastecimiento de agua de Lisboa.

Aqueduto das Águas Livres. Museo da Água

Entrada a la sección principal del acueducto

El Acueducto de las Aguas Libres está considerado el último gran acueducto clásico construido en el mundo. Encargado por el rey Juan V de Portugal y construido entre 1731 y 1799, su financiación fue posible gracias a un impuesto sobre bienes esenciales como el aceite, el vino y la carne. La obra, promovida por el Senado Municipal para mejorar el abastecimiento de agua a Lisboa, se convirtió en una de las mayores infraestructuras hidráulicas del mundo occidental.

Camino de acceso al Acueducto de las Aguas Libres

Tres figuras fueron fundamentales en su diseño y en el desarrollo del urbanismo y la arquitectura portuguesa del siglo XVIII: Manuel da Maia, responsable de la planificación urbana del acueducto; Custódio Vieira, encargado de la ingeniería; y Carlos Mardel, quien dirigió la arquitectura y el diseño urbano del monumento.

Galería interior del Acueducto de las Aguas Libres iluminada con lucernarios

Con una fusión del estilo barroco de Europa Central y el estilo sobrio de los ingenieros militares portugueses, Carlos Mardel aportó elegancia y refinamiento, reforzando la arquitectura simbólica del poder mediante detalles como la colocación de lucernarios clásicos a lo largo del acueducto en el Valle de Alcântara, el Arco das Amoreiras y el Chafariz do Rato, creando una unidad estética en todo el recorrido del acueducto por Lisboa.

Arquitectura del Acueducto de las Aguas Libres

Galería interior del Acueducto de las Aguas Libres

Construido con bloques de piedra caliza procedentes de la región de Lisboa, el Acueducto de las Aguas Libres es una obra maestra de la ingeniería barroca portuguesa. Su estructura principal, conocida como el Acueducto General, consta de una sección principal de 14 kilómetros de longitud, a los que se suman unos 32 kilómetros de acueductos secundarios fuera de Lisboa y 12 kilómetros adicionales de galerías subterráneas que abastecían las fuentes de la ciudad.

Llave en el interior de una de las galerías del Acueducto de las Aguas Libres

En total, el sistema hidráulico alcanzaba unos 58 kilómetros de extensión. En su diseño interior se observa la proporción vitruviana, con techos que combinan bóvedas de cañón a lo largo del recorrido y bóvedas de arista en las salidas sin lucernarios. Su tipología constructiva revela la variedad de técnicas empleadas, desde la sillería y la albañilería de piedra irregular hasta la mampostería de ladrillo macizo, muestra del dominio técnico de sus constructores.

Vista antigua de la Serra da Estrela - Chafariz de El-Rei

La planificación del acueducto respondía a dos objetivos principales. En su tramo inicial, desde los manantiales de Sintra hasta su llegada a Lisboa, primaba la función utilitaria: transportar el agua, almacenarla en el depósito final y distribuirla por las diversas fuentes de la ciudad. Ya dentro de Lisboa, el recorrido adquiría un valor simbólico y monumental, convirtiéndose en un emblema arquitectónico y urbano del poder y la prosperidad del siglo XVIII.

El Acueducto de las Aguas Libres a su paso por el Valle de Alcântara según J. Clark (1809)

El tramo más emblemático corresponde al conjunto de arcos que cruza el Valle de Alcântara, una estructura de 941 metros de longitud finalizada en 1744. Su arco ojival central, de piedra, es el mayor del mundo construido en un solo vano, con 65 metros de altura y 29 de anchura. Tras el devastador terremoto de Lisboa de 1755, que arrasó gran parte de Lisboa, el acueducto apenas sufrió daños, perdiendo solo tres de sus dieciséis claraboyas de esta arcada, lo que confirmó su extraordinaria solidez estructural.

Agua e Ingeniería del Acueducto de las Aguas Libres

Vista antigua de los arcos y Reservatório da Mãe d’Água das Amoreiras

El Acueducto de las Aguas Libres nace en el manantial de Mãe d’Água Velha, en Sintra, y finaliza en Lisboa, en el Depósito de la Mãe d’Água (en portugués, Reservatório da Mãe D’Água das Amoreiras). Se abastecía de 58 manantiales distribuidos por los municipios de Sintra, Odivelas, Amadora, Oeiras y Lisboa, transportando el agua tanto en superficie como bajo tierra, aprovechando la fuerza de la gravedad y un ingenioso sistema de vasos comunicantes.

En esta vista del Acueducto de las Aguas Libres pueden verse los pilares rectangulares (c. 1908)

Para atravesar los valles más profundos —como los de Carenque, Reboleira, Damaia y Alcântara—, la infraestructura hidráulica se compone de una sucesión de arcos de medio punto, que en ciertos tramos adoptan formas rebajadas o apuntadas para adaptarse a la topografía del terreno. El tramo más largo del acueducto discurre al aire libre, con arcos apoyados sobre pilares rectangulares que refuerzan su estabilidad estructural en los puntos de mayor desnivel.

El acueducto atraviesa tanto zonas rurales como urbanas de cinco municipios diferentes

En el Valle de Alcântara, catorce de los treinta y cinco arcos presentan forma apuntada y cruzan la parte más profunda del valle sin necesidad de un segundo nivel. Este tramo incluía además dos caminos peatonales: uno de ellos, conocido como Ponte das Arcos, que fue utilizado por personas y animales para entrar y salir de la ciudad de Lisboa hasta 1852, convirtiéndose en una vía de tránsito esencial entre la ciudad y su entorno rural, y que se transformó en el escenario de una de las historias más inquietantes del Acueducto de las Aguas Libres, protagonizada por un bandido que marcaría la memoria colectiva de Lisboa: Diogo Alves.

Diogo Alves, el asesino en serie del acueducto

Diogo Alves según litografía de J. L. Caldeira (1840)

Cuando cae la noche sobre Lisboa y el viento sopla entre los arcos del Acueducto de las Aguas Libres, aún hay quien asegura oír pasos en lo alto de los arcos del Valle de Alcântara. No son los de un viajero despistado, ni los de un guardia tardío, sino los ecos de un fantasma condenado: el de Diogo Alves, el bandido gallego que convirtió el acueducto en escenario del horror. Nacido en 1810 en Lugo, en el seno de una familia humilde, Diogo fue uno de los muchos jóvenes gallegos que a comienzos del siglo XIX cruzaron la frontera buscando un futuro mejor en Portugal.

Imagen de un antiguo boleeiro de la ciudad de Lisboa (entre 1825 y 1850)

Como tantos compatriotas suyos, comenzó trabajando como boleeiro, cochero al servicio de las familias lisboetas, y durante años se le consideró un hombre trabajador y honesto. Nadie hubiera imaginado que aquel muchacho obediente acabaría grabando su nombre en la historia negra de Lisboa. El cambio se produjo, según cuentan los viejos folletos populares, cuando conoció a Gertrudes Maria, apodada a Parreirinha, una tabernera portuguesa separada del marido y madre de dos hijos que regentaba una tasca en la ruela das Águas Boas.

Vista panorámica del Acueducto sobre el Valle de Alcântara. Grabado a color de T. Bowles

Su taberna, dicen, era sombría, mal ventilada y frecuentada por gentes de dudosa reputación. Los autores de la época la describieron como una mujer vulgar, de carácter fuerte, tan peligrosa como fascinante. Diogo se enamoró de ella, y aquel amor lo arrastró a una espiral de juego, bebida y violencia. Perdió su empleo, su reputación y, finalmente, la cordura. Desde entonces, Lisboa conoció al hombre que el pueblo bautizó como O Pancada, el golpeado, el desdichado. Entre 1836 y 1839, Diogo descubrió en el Acueducto das Águas Libres su escenario perfecto para cometer 709 crímenes.

Detalles de altura y anchura del Arco Grande en el Acueducto de las Aguas Libres

Con una llave falsa —nadie sabe de dónde la obtuvo— accedía a una de las galerías interiores del acueducto y aguardaba a los transeúntes solitarios que cruzaban el “caminho dos arcos” desde los barrios de Benfica hacia el centro. Su método era tan cruel como sistemático: los asaltaba, los robaba y, para no dejar testigos, los arrojaba desde lo alto del arco principal al Valle de Alcântara. Durante seis meses, los cuerpos comenzaron a aparecer destrozados en el fondo del valle, pero las autoridades no sospechaban que fueran asesinatos: creían que se trataba de una ola de suicidios.

Diogo Alves y sus compañeros asesinando a la familia del doctor Andrade. Litografía (1840)

Nadie imaginaba que Lisboa tenía su propio asesino en serie. Su reinado de terror terminó años más tarde, no por los crímenes del acueducto, sino por otro robo —el asalto a la casa del médico Andrade en la Rua das Flores— por el que finalmente fue capturado. En febrero de 1841, Diogo Alves fue condenado a muerte y ejecutado en la horca junto a uno de sus cómplices, António Martins. La leyenda lo recuerda como el último ajusticiado en la horca en Portugal, aunque algunos documentos indican que otro bandolero, Francisco de Matos Lobo, fue ejecutado en 1846. Sea o no exacto el dato, el mito popular ya había nacido: Diogo sería para siempre el último ahorcado del país.

Representación del cráneo de Diogo Alves, estudiado en el siglo XIX para buscar señales de su maldad

Pero la historia no terminó allí. Su cabeza fue conservada en formol en la Facultad de Medicina de Lisboa, donde todavía hoy puede verse, intacta, con los ojos cerrados y el gesto endurecido por el tiempo. Los médicos del siglo XIX querían estudiar en su cráneo las señales del crimen, convencidos de que la maldad podía descubrirse en los rasgos físicos. Su cabeza se convirtió así en el símbolo macabro de una época que creía poder medir el alma con un calibrador.

Fotograma de la película "Os Crimes de Diogo Alves" dirigida por João Tavares en 1911

En los pliegos de cordel que circularon después de su ejecución, Gertrudes Maria fue retratada como la encarnación del mal, la “musa inspiradora” de todos los delitos de Diogo Alves. Los escritores moralistas del siglo XIX la describieron como “felina y corruptora”, la mujer que arrastró al buen hombre a la perdición. Su figura fue usada para advertir a la juventud sobre los peligros del vicio y las malas compañías, reforzando la visión machista y religiosa que convertía a la mujer libre en símbolo de pecado.

Portada del libro "Diogo Alves e a sua quadrilha" de Belo Redondo y Tome Vieira

La tradición popular, sin embargo, fue más ambigua: algunos la imaginaron como una bruja moderna, otros como una víctima de su propio entorno. Pero todos coincidieron en que, sin ella, O Pancada jamás habría existido. En la memoria lisboeta, el eco de sus pasos aún resuena entre los arcos del Acueducto de las Aguas Libres. Dicen que, en las noches de luna llena, cuando el aire sopla entre las piedras del acueducto, puede oírse un murmullo que sube desde el valle: el lamento de quienes fueron arrojados al vacío…o quizás la voz de Diogo Alves, condenado a repetir para siempre el camino de sus crímenes.

Reservatório da Mãe d’Água das Amoreiras

Fachada cuadrangular del Reservatório da Mãe d’Água

El conjunto monumental de Amoreiras incluye el Arco das Amoreiras, construido entre 1746 y 1748 y diseñado por Carlos Mardel. Su arquitectura combina elementos barrocos y neoclásicos: un portal dórico con frontón triangular, y un cierto orden neoclásico, un lucernario barroco con ventanas en cada una de sus cuatro caras, replicado a lo largo del acueducto para crear unidad conceptual.

Espacio interior del depósito, con bóveda de crucería evocando una iglesia

Una serie de diez arcos de medio punto conducen al Depósito de la Mãe d’Água, concebido inicialmente como un espacio artístico y completado posteriormente por Reinaldo dos Santos con un estilo más austero. El edificio exterior, de forma cuadrangular y líneas sobrias, armoniza pilares y aberturas, mientras que en el interior se percibe un espacio amplio, luminoso y casi sagrado, evocando la sensación de una iglesia.

El agua fluye desde esta boca de delfín en el Reservatório da Mãe d’Água

El agua fluye desde los manantiales a través de una boca de delfín y una cascada construida con piedras de los manantiales de Belas y Carenque, hasta un tanque de 5.500 metros cúbicos. De este tanque emergen cuatro columnas que sostienen una bóveda de crucería y una terraza panorámica con vistas a Lisboa. Además de su función hidráulica, el depósito se utilizó como lugar de recreo, siendo escenario en octubre de 1862 de las celebraciones de la boda del rey Luis I de Portugal y María Pía de Saboya, que duraron tres días.

Más información: Museu da Água - Aqueduto das Águas Livres. Dirección: Calçada da Quintinha 6, 1070-225 Lisboa. Teléfono: +351 218 100 215. Entrada: 4 €. Visita guiada: 6 €. Web: Museu da Água - Aqueduto dasÁguas Livres.

Toda la información generada en redes sociales durante mi viaje a Lisboa, puede consultarse a través del hashtag #PDLisboa

Qué más ver cerca

Si te interesa seguir explorando el legado histórico y arquitectónico de Lisboa, no te pierdas la visita al Museo del Tesoro Real, una exposición fascinante que revela las joyas y objetos más valiosos de la monarquía portuguesa.

Qué ver en Millau: un viaje entre historia, artesanía y paisajes

2025-10-17T17:12:00.002+02:00

El Beffroi de Millau encarna la memoria medieval de la ciudad

En el corazón del Aveyron, Millau combina el encanto de una ciudad pequeña con un pasado vibrante. Su centro histórico, con su ambiente medieval, invita a pasear por calles adoquinadas y descubrir su patrimonio único. Desde la Torre de los Reyes de Aragón (siglo XII) con sus vistas panorámicas ofrece una perspectiva inigualable de la ciudad. La Plaza Foch, con sus terrazas sombreadas por plataneros, es el lugar perfecto para disfrutar de un aperitivo o de un día de mercado.

La historia de Millau está íntimamente ligada al curtido de pieles y la guantería

Millau también es conocida por su tradición artesanal. En la rue Droite, se encuentran talleres de guantería, marroquinería y cuchillería, reflejo de un saber hacer transmitido de generación en generación. No olvides visitar el Musée de Millau et des Grands Causses para profundizar en la historia de la región y el Site du Viaduc de Millau para descubrir en profundidad esta obra de la ingeniería moderna.

Hôtel de Galy

Hôtel de Galy desde la Place Emma-Calvé

Frente a la Torre de los Reyes de Aragón y el campanario, se erige el Hôtel de Galy, una construcción que reúne casi un milenio de historia. Sus muros conservan vestigios del siglo XI y del XVII, reflejo de una residencia señorial y que, a comienzos del siglo XIX, el barón de Galy adquirió la propiedad para transformarla en una escuela de niñas, confiada a una comunidad de religiosas en 1826.

El Hôtel de Galy combina la sobriedad medieval con la elegancia renacentista

A finales del siglo XX, tras una cuidada restauración, el Hôtel de Galy pasó a albergar la sede de la Communauté des Communes de Millau Grands Causses, para albergar en la actualidad, la Oficina de Turismo. La parte nororiental conserva todavía valiosos vestigios medievales. El Hôtel de Galy está formado por dos cuerpos principales: uno se extiende a lo largo de la Rue Droite, y el otro se abre en ángulo hacia la Place Emma-Calvé, formando una elegante L.

Puerta de entrada en la Rue Droite junto arcos románicos

Las fachadas conservan un repertorio arquitectónico que combina la sobriedad medieval con detalles decorativos posteriores. Ventanas con arcos de medio punto y molduras góticas, arcadas y muros de caliza azul cuidadosamente labrada. En su interior, el visitante puede reconocer todavía la disposición original de las salas abovedadas. Bajo el nivel actual del suelo se conserva una bóveda de cañón que probablemente formó parte de la bodega original del edificio.

Más información: Office de Tourisme de Millau Grands Causses. Dirección: 1 Place du Beffroi, 12100 Millau. Teléfono: +33 (0) 565 600 242. Web: Office de Tourisme de Millau GrandsCausses.

La Torre de los Reyes de Aragón y Le Beffroi de Millau

Sobre la Torre cuadrada de los Reyes de Aragón se alza Le Beffroi o campanario

A pocos pasos del Hôtel de Galy se levanta uno de los monumentos más emblemáticos de Millau: la Torre de los Reyes de Aragón, coronada por Le Beffroi —un campanario comunal—. Juntas, ambas construcciones narran más de ochocientos años de historia, finales del siglo XII, esta torre ha sido testigo de la dominación aragonesa, la Cruzada albigense y la incorporación de Millau al reino de Francia.

Un símbolo de poder aragonés

El origen de la torre se remonta al siglo XII, cuando Alfonso II mandó construir su palacio en Millau

El origen de esta torre se remonta a finales del siglo XII, cuando Alfonso II de Aragón (1157-1196), conde de Barcelona y marqués de Provenza, decidió levantar un palacio real en Millau, entonces una de las plazas más importantes de sus dominios en el Rouergue. Un texto del año 1187, firmado en Girona, testimonia su vínculo con la ciudad: el monarca concedía a los habitantes de Millau un Consulado y un sello común, emblemas de autogobierno bajo la autoridad aragonesa.

Espacio interior de la Torre de los Reyes de Aragón, donde aún se percibe su carácter defensivo

De aquel palacio quedan hoy la torre cuadrada, una sala anexa y el vestigio de una pequeña corte interior. Austera por fuera, la torre sorprende por la sofisticación de su arquitectura románica, con muros de más de tres metros de grosor y una estructura cuidadosamente ensamblada en caliza local, difícil de tallar, pero de una solidez imponente. Mide unos 20 metros de altura y 10,5 de lado, y está dividida en tres niveles abovedados.

Vestigio del pasado medieval, una letrina esculpida en piedra

El acceso original se encontraba en el primer piso, al norte, y se realizaba por una pasarela que la unía a la sala contigua, garantizando su seguridad. En su interior se conservan letrinas esculpidas en piedra, comparables a los del castillo templario de Sainte-Eulalie-de-Cernon, así como una archera mural de grandes dimensiones, testimonio de su doble función: representativa y defensiva.

Del olvido al campanario comunal

El Beffroi en una imagen antigua (1958)

Con el paso de los siglos, la función palaciega de la torre se desvaneció. A comienzos del siglo XVII, en plena época de las Guerras de Religión, los cónsules de Millau —entonces de mayoría protestante— compraron la antigua torre real para construir un nuevo campanario, después del derrumbe del de la iglesia de Notre-Dame. Así nació, entre 1613 y 1617, el Beffroi de Millau, una torre octogonal de piedra que se eleva sobre el viejo bastión aragonés.

La visita a la Torre de los Reyes de Aragón y Beffroi permite disfrutar del mejor mirador de Millau

Más tarde, tras la Paz de Alès (1629) y el retorno del poder católico, la torre fue reutilizada como prisión, función que mantuvo durante siglos. La campana “Espérance”, instalada y bendecida en 1873, resuena aún desde la altura del campanario. El Beffroi cuenta con cuatro niveles, de los cuales dos conservan su estructura original de madera, y una escalera de caracol encajada en la torrecilla lateral que asciende hasta la plataforma superior, rodeada por una balaustrada de piedra.

Vista panorámica de Millau desde lo alto del campanario

En 1931, la Torre de los Reyes de Aragón y el Beffroi de Millau fueron declarados Monumento Histórico. Desde sus 42 metros de altura, el viajero puede disfrutar de una vista panorámica de Millau que abarca la ciudad, el valle del Tarn y los Causses que la rodean: un paisaje que parece unir el poder medieval con la calma contemporánea del sur de Francia.

Más información: Beffroi de Millau - Tour des Rois d'Aragon. Dirección: 16 rue Droite, 12100 Millau. Teléfono: +33 (0) 565 670 463. Horario: De jueves a domingo de 14 a 17:30 h. Entrada: Desde 3’6 €.

El Hôtel de Tauriac, la noble vecindad del campanario

Junto a la torre se alza el Hôtel de Tauriac, residencia señorial del siglo XVII

En el siglo XVII, poco después de la construcción del Beffroi, el châtelain Jacques de Tauriac adquirió la casa vecina a la torre para levantar allí su residencia señorial. Este nuevo edificio, conocido como Hôtel de Tauriac, se integró en el conjunto urbano que rodeaba el antiguo palacio aragonés. Su fachada de piedra y su escalera interior reflejan la elegancia de la arquitectura civil del Grand Siècle, contrastando con la sobriedad románica de la torre contigua.

Les Halles: el mercado de Millau estilo Baltard

El mercado cubierto de Millau está inspirado en el estilo de Victor Baltard

A finales del siglo XIX, el metal se convirtió en el nuevo emblema del progreso. Flexible, ligero y resistente, el hierro fundido y el acero ofrecían a la arquitectura una transparencia inédita. Inspiradas en el modelo de las Halles centrales de París de Victor Baltard, el mercado de Millau reflejan esta revolución constructiva que transformó la estética urbana bajo el Segundo Imperio.

Su estructura metálica y grandes ventanales reflejan la revolución industrial de finales del XIX

El 14 de marzo de 1885, el Consejo Municipal de Millau aprobó la creación de una gran plaza destinada a acoger el nuevo mercado cubierto. Las obras de la Place des Halles culminaron en 1899, año en que la ciudad inauguró su mercado cubierto de estilo Belle Époque. Con su estructura metálica, sus amplios ventanales y su cubierta de vidrio, las Halles de Millau celebraban la modernidad industrial y la vida urbana.

Más información: Les Halles. Dirección: Place des Halles, 12100 Millau. Horario: miércoles y viernes de 7 a 12:30 h. Jueves, sábado y domingos solo de julio y agosto de 8:30 a 12:30 h.

L’Atelier du Gantier

Millau es la capital histórica de la guantería francesa

Entre las calles peatonales del casco antiguo, se encuentra L’Atelier du Gantier, un pequeño taller-boutique fundado en 1989 por Chantal y Christian, dos artesanos que decidieron perpetuar la tradición más emblemática de la ciudad: el guante de piel. En Millau, el arte de la guantería se remonta a la Edad Media, cuando los talleres aprovechaban las pieles finas del entorno —en especial las de cordero— para producir guantes de una suavidad reconocida en toda Europa.

Aquí el cuero se transforma en elegancia mediante procesos artesanales que han perdurado siglos

L’Atelier du Gantier continúa hoy este legado, elaborando sus piezas de forma artesanal y con piel de agneau plongé, término francés que se refiere a un proceso de curtido de pieles por inmersión. Este cuero flexible y ligero conserva el tacto natural del material. Cada guante pasa por una serie de etapas tradicionales: el humedecido de la piel para darle elasticidad, el dépeçage o estirado manual, la selección de las zonas sin imperfecciones y la decoupe à la main de fer, una técnica heredada de los maestros guanteros del siglo XIX.

Cada guante cuenta una historia de paciencia, precisión y savoir-faire

Aunque las colecciones se diseñan y ensamblan en Millau, parte de la producción se realiza en colaboración con dos talleres europeos de larga tradición: uno familiar en Portugal, especializado en guantes cosidos a mano, y otro en Hungría, donde se domina la técnica del piqué anglais un proceso de costura manual de hace más de 150 años.

L’Atelier du Gantier perpetúa la tradición artesanal del guante francés

Además de sus líneas clásica y fantasía, el taller ofrece una colección personalizable, en la que cada cliente puede encargar un par de guantes a medida, fiel a la costumbre artesanal que caracteriza a Millau desde hace siglos. Visitar L’Atelier du Gantier no es solo descubrir un comercio local, es adentrarse en la memoria viva de un oficio que definió la identidad de la ciudad, y que aún hoy se ejerce con la misma pasión y precisión que antaño.

Más información: L’Atelier du Gantier. Dirección: 20 Rue Droite, 12100 Millau. Teléfono: +33 565 608 150. Horario: De lunes a viernes de 9 a 12 h. y de 14 a 19 h. Abierto los sábados de diciembre.

Centre Commercial La Capelle

Centre Commercial La Capelle

Si tras recorrer el casco antiguo te apetece hacer una pausa o realizar alguna compra, el Centre Commercial La Capelle (2015) ofrece tiendas, cafeterías y restaurantes al aire libre, además de un aparcamiento subterráneo con una hora gratuita. En este mismo espacio se encuentra la Médiathèque du Sud-Aveyron, un moderno centro cultural que organiza exposiciones y actividades, aportando una nota contemporánea al corazón histórico de Millau.

Más información: Centre commercial La Capelle. Dirección: Place de La Capelle, 12100 Millau. Horario: Abierto de lunes a sábado de 9:30 a 19 h.

Château de Sambucy

Cuerpo central del Château de Sambucy

Situado en pleno centro de Millau, el Château de Sambucy es un tesoro arquitectónico del siglo XVII que sorprende tanto por su interior como por sus jardines. Aunque se encuentra en el corazón de la ciudad, este hôtel particulier permanece resguardado de las miradas, y los habitantes de Millau lo llaman “castillo” porque realmente lo parece. A sus magníficos jardines a la francesa se suman sus estucos y frescos, que hacen de la visita un recorrido por el arte clásico.

Ala occidental del Château de Sambucy

Durante mucho tiempo el lugar permaneció cerrado al público, pero hoy en día es posible descubrirlo con visitas semanales de abril a septiembre. En el interior se pueden admirar tres salones decorados en el siglo XVII con techos pintados: el Salón de la Gloria, el Salón de Diana y el dormitorio de Mademoiselle de Fontanges, que —según una leyenda local— habría sido decorado en honor a la joven favorita de Luis XIV, aunque no existe constancia documental de su paso por Millau.

Un hôtel particulier declarado Monumento Histórico

Ala oriental del Château de Sambucy

El edificio fue construido entre 1672 y 1679 por encargo de Jacques Duschêne, maestro de aguas y bosques en Rouergue durante el reinado de Luis XIV. Concebido como residencia noble, se levantó extramuros, lejos de las calles estrechas del casco urbano, y pronto se convirtió en una de las residencias más notables de Millau. A principios del siglo XVIII, el Château de Sambucy pasó a manos de Marc-Antoine de Sambucy (1695-?), abogado en el Parlamento de París.

Patio interior del Château de Sambucy

En 1720 contrajo matrimonio con Antoinette de Laverne, hija de Edme de Laverne, conde de Gamache, y de Mademoiselle Duschêne (hija del primer propietario del Château de Sambucy). En 1745, Marc-Antoine de Sambucy fue elegido capitoul (funcionario municipal) de Toulouse y recaudador de impuestos en Millau, convirtiéndose en el primer miembro de la rama familiar de Sambucy de Sorgues. Desde entonces, la familia Sambucy de Sorgues conserva el castillo y sus jardines.

Arquitectura señorial

El Château de Sambucy refleja la elegancia barroca del reinado de Luis XIV

El château presenta una planta en forma de U, articulada entre el patio y el jardín, con un cuerpo central y dos alas laterales. Construido en piedra de sillería y tejado de pizarra, su ornamentación refleja el gusto barroco francés del reinado de Luis XIV. El decorado interior fue realizado por artistas del Languedoc y de Italia. Las molduras del piso noble son obra de Jean Sabathier, escultor de yeserías del siglo XVII.

Orangerie del Château de Sambucy

Las pinturas murales —con temas mitológicos y alegóricos donde aparecen Apolo, Diana, Juno o Poseidón— se atribuyen al pintor Joseph Pugeol, activo en Rodez. El Salón de la Gloria, está decorado con estucos que representan emperadores romanos y virtudes como la Caridad, la Templanza o la Justicia. En el Salón de Diana, un rico repertorio vegetal enmarca querubines y figuras de la diosa cazadora. En 1853 se construyó una orangerie (invernadero), bajo la dirección del arquitecto Étienne-Joseph Boissonnade (1796-1862), autor también del Palais de Justice de Millau.

Los jardines: del clasicismo francés al romanticismo inglés

En los jardines del Château de Sambucy se celebra un Festival de jazz en julio

El primer jardín a la francesa, diseñado tras la finalización del edificio, estaba estructurado alrededor de un estanque con surtidor. En 1820, se transformó en un jardín inglés siguiendo la moda paisajística del momento, con caminos sinuosos y especies exóticas—como los cedros del Atlas— que aún se conservan.

El elegante jardín francés del Château de Sambucy

En 2000, los jardines recuperaron parte de su trazado original, combinando hoy la geometría del clasicismo francés con el encanto natural de un parque romántico del siglo XIX. Los jardines del Château de Sambucy están distinguidos con el sello nacional Jardin remarquable, que reconoce su valor histórico y estético.

Una herencia familiar viva

Jardines distinguidos con el sello Jardin remarquable

La familia Sambucy de Sorgues sigue siendo propietaria del castillo y sus jardines desde hace más de tres siglos. El actual descendiente del linaje ha abierto este lugar que forma parte del patrimonio más emblemático de Millau, y que acoge visitas guiadas, conciertos y eventos artísticos. Los jardines —accesibles para personas con movilidad reducida— y las salas parcialmente adaptadas permiten disfrutar de más de tres siglos y medio de historia.

Más información: Château de Sambucy. Dirección: 22 Boulevard de l'Ayrolle, 12100 Millau. Entrada: 8 €.

Maison Fabre: un siglo de arte en la piel

Colección de guantes y bolsos en la tienda de la Maison Fabre

En Millau, la capital histórica de la guantería francesa, el arte de transformar el cuero en elegancia tiene nombre propio: Maison Fabre. Fundada en 1924 por Étienne Fabre, un antiguo gendarme que cambió el uniforme por el delantal de artesano. Esta empresa familiar celebra un siglo de excelencia en la fabricación de guantes de lujo. A lo largo de su historia, la casa ha vestido manos célebres.

Cuatro generaciones después, la pasión en Maison Fabre sigue intacta y la tradición continúa viva

Grace Kelly lució sus guantes en el cine, Madonna los eligió para un videoclip y Daft Punk los convirtió en parte de su identidad artística. Cada par de guantes es el resultado de un trabajo meticuloso que combina el saber hacer tradicional con la creatividad contemporánea. Durante nuestra visita al taller de Maison Fabre, pudimos asistir en directo a las diferentes etapas del proceso artesanal.

Un taller donde la tradición perdura

Una vez completamente humedecida, la piel se enrolla sobre sí misma durante el proceso de secado

Nada aquí es producto de la prisa: cada gesto responde a un conocimiento transmitido de maestro a aprendiz, como de padres a hijos. El proceso comienza con la elección de las pieles, cuidadosamente clasificadas por tipo, tamaño y tonalidad. Una vez seleccionadas, las pieles se humedecen para ganar flexibilidad, una operación que los guanteros llaman le prêtant: ese momento mágico en que el cuero se prepara para ajustarse a la mano como una segunda piel.

La "mano de hierro" es la herramienta esencial del maestro guantero

Después llegan el estirado y la colocación sobre la “main de fer”, un cortador metálico con forma de mano que define los dedos y el pulgar bajo la presión de una prensa hidráulica. A continuación, el artesano perfila los bordes con precisión milimétrica, en una tarea conocida como le raffilage, antes de pasar a la costura.

Piqué inglés y detalles a mano

El piqué inglés evita así las costuras que sobresalen

El ensamblaje con piqué inglés, reconocible por garantizar una resistencia perfecta y mejorar el ajuste y la comodidad del guante. Si el modelo requiere bordados, nervaduras o lazos decorativos, estos se realizan a mano, pieza por pieza, antes de coser el conjunto. Finalmente, se inserta la costura interior, que se ajusta con la ayuda de un molde en forma de mano y se fija con una costura invisible en cada dedo.

El control, garantía de perfección

Los talleres de Maison Fabre son un viaje al corazón del lujo y la maestría artesanal

Cada guante pasa por una serie de controles de calidad que forman parte del ritual de excelencia de Maison Fabre. Durante el baguettage, se introducen pequeñas varillas en los dedos para comprobar la tensión de las costuras. Luego, los guantes se colocan sobre manos de acero calientes que los moldean y planchan a la vez, devolviéndoles su forma perfecta antes del control final y el appairage, la unión definitiva de los dos guantes de un mismo par.

Un legado que se lleva en las manos

En cada costura, la Maison Fabre perpetúa la excelencia que hizo célebre a Millau en el mundo

En Maison Fabre, la tecnología apenas se asoma; son las manos, las herramientas y la memoria del oficio las que dictan el ritmo. En un mundo dominado por la producción en masa, esta empresa familiar encarna la resistencia del verdadero lujo: el que se mide en horas de trabajo, en paciencia y en respeto por la materia.

El proceso de corte es un paso emblemático para lograr un resultado de alta calidad

Hoy, Maison Fabre no solo fabrica guantes, sino que también ofrece visitas guiadas a su taller, permitiendo descubrir de cerca un arte que ha hecho de Millau un nombre legendario. Entre el olor del cuero, el sonido de las tijeras y la destreza de los guanteros, se percibe claramente que aquí cada par de guantes cuenta la historia de un siglo de elegancia hecha a mano.

Más información: Maison Fabre. Dirección: 20 Av. Gambetta, 12100 Millau. Teléfono: +33 565 605 824. Web: Maison Fabre.

Place Foch: la vieja plaza de Millau

La Place Foch ha sido escenario de actos públicos, ceremonias y mercados desde la Edad Media

La Place Foch, centro neurálgico de Millau, conocida antiguamente como Place Mage, Place d’Armes, Place du Vieux Marché o Place de l’Hôtel-de-Ville, ha sido para muchos de los habitantes de Millau, simplemente la Place Vieille, en oposición a la Place Nouvelle (actual Place Emma Calvé). Desde la Edad Media, este espacio abierto fue el lugar donde se celebraban los actos públicos más importantes: donaciones feudales, proclamaciones, predicaciones y hasta ceremonias de caballería.

En 1944 se convirtió oficialmente en la Place du Maréchal Foch

En 1416, San Vicente Ferrer predicó durante cinco días ante una multitud tan numerosa que ninguna iglesia podía albergarla. Durante las guerras de Religión, la plaza fue escenario de iconoclasias: el 17 de enero de 1562, los calvinistas quemaron o destruyeron las estatuas religiosas tomadas de las iglesias de la ciudad. Más tarde, en plena Revolución Francesa, se erigió aquí un “árbol de la libertad” en sustitución del antiguo calvario, y se realizaron las célebres "quemas" de títulos feudales, donde se quemaban públicamente los documentos del Antiguo Régimen.

Los soportales acogieron el antiguo mercado tras cinco grandes puertas con rejas de hierro

Su arquitectura de planta cuadrangular, abierta en sus cuatro esquinas durante el siglo XVIII, conserva casas con pisos en voladizo y soportales de piedra conocidos como couverts. Estos pórticos, con pilares procedentes de antiguos claustros destruidos durante las guerras de Religión, ofrecían abrigo a los comerciantes. Uno de ellos lleva grabada la fecha de 1611, testimonio de una remodelación temprana.

La fuente de los leones

La fuente de los leones preside la Place Foch

En el centro de la Place Foch se alza la Fontaine des Lions, una obra de 1835 que sustituyó a la antigua cruz que ocupaba este mismo emplazamiento. Su construcción corrió a cuenta de los propios vecinos que ofrecieron financiarla. El presupuesto ascendía a 784 francos, y el acuerdo municipal especificaba que debía tener una forma monumental. Tuvo tanto éxito que el pueblo de Cornus mandó erigir una réplica idéntica diez años después.

Imagen antigua de la Fuente de los Leones (c. 1920)

La fuente de estilo Imperio consta de una pila circular, un pilón central cuadrado de piedra coronado por una columna cuadrangular con cuatro surtidores en forma de grifos, cada uno protegido por dos leones de bronce que dieron nombre al monumento. En su origen, el pavimento de la plaza estaba formado por guijarros del Tarn y rodeado por doce bornes que delimitaban un pequeño paso poligonal de protección.

Hôtel de Pégayrolles: el Museo de Millau (MUMIG)

El Hôtel de Pégayrolles es un elegante hôtel particulier del siglo XVIII

En la Place Foch se alza el Musée de Millau et des Grands Causses (MUMIG), instalado en el elegante Hôtel de Pégayrolles, un hôtel particulier del siglo XVIII. Este majestuoso edificio fue mandado construir hacia 1738 por Jacques Julien de Pégayrolles, consejero en el Parlamento de Toulouse y miembro de una influyente familia de magistrados de Millau. En 1791, en el convulso contexto revolucionario, el edificio fue incendiado por los vecinos y quedó abandonado durante años hasta que, ya en el siglo XIX, fue reconstruido y ampliado.

El museo ofrece un viaje completo por la evolución de Millau y sus Grands Causses

En 1856 pasó a ser sede del ayuntamiento de Millau, sustituyendo al antiguo Hôtel de Tauriac. Un siglo después, en 1937, el consistorio se trasladó a un edificio más moderno y el Hôtel de Pégayrolles albergó una biblioteca y, desde los años 1980, el museo. El edificio conserva su estructura en forma de U con patio central y jardín posterior, una elegante escalinata con barandilla de hierro forjado y varias salas abovedadas en el sótano, donde aún se aprecian los restos de una capilla gótica con claves esculpidas.

Las colecciones del museo

Cerámica neolítica de la Edad de Cobre

El MUMIG propone un recorrido completo por la historia natural y humana del territorio de los Grands Causses, desde el Cambriense hasta la época contemporánea. La sección de Paleontología exhibe fósiles y huellas de reptiles y anfibios prehistóricos, entre los que destaca el Occitanosaurus tournemirensis, un elasmosaurio del Jurásico descubierto en 1986 en Tournemire.

Piezas de cerámica sigillata de la Galia romana

La Protohistoria se ilustra con cerámicas, hachas y objetos de adorno que documentan la evolución de la metalurgia y la organización social entre el 2300 y el 50 a.C. El apartado de Antigüedad gallorromana conecta el museo con su sitio arqueológico asociado, la Graufesenque (Condatomagus), donde se produjeron millones de piezas de cerámica sigillata exportadas por todo el Imperio Romano.

En este museo se recorre la historia natural y humana del territorio

En el museo pueden verse tanto estas cerámicas rojizas, brillantes y decoradas con relieves, como los utensilios domésticos y objetos votivos hallados en las excavaciones. La Edad Media y la época moderna están representadas por sarcófagos de piedra, cerámicas vidriadas y esculturas policromadas que testimonian el desarrollo de la ciudad tras el abandono de Condatomagus y su paso por manos aragonesas y tolosanas.

Algunas salas del MUMIG están dedicadas a la historia del guante de Millau

Otro de los ejes del museo se dedica a la mégisserie (oficio de preparar y tratar pieles de animales pequeños, como corderos, ovejas y cabras, para convertirlas en cuero) y la guantería, dos oficios que marcaron la identidad industrial de Millau. Se explica el proceso de curtido y teñido de pieles finas, distinto del del cuero grueso, y cómo la ciudad se convirtió en la capital francesa del guante a comienzos del siglo XX.

Emma Calvé, la voz de Millau

La exposición del museo rinde homenaje a Emma Calvé, la célebre soprano francesa

Entre las secciones más queridas por los visitantes figura la dedicada a Emma Calvé (1858–1942), la gran soprano de la Belle Époque, natural del Rouergue. El museo conserva fotografías, discos, partituras, joyas y trajes de escena de la artista, famosa por su interpretación de Carmen, papel que representó más de mil veces en los escenarios de todo el mundo.

El sitio arqueológico de La Graufesenque

Reconstrucción del interior de un horno para la cocción de cerámica sigillata

A menos de dos kilómetros del centro, el sitio arqueológico de la Graufesenque, declarado Monumento Histórico, permite comprender el alcance de la antigua Condatomagus, uno de los principales centros productores de cerámica sigillata de la Galia romana. Entre los restos visibles destacan los hornos de alfareros, los almacenes y los canales de distribución de agua.

Más información: Musée de Millau et des Grands Causses. Dirección: Place Maréchal Foch, 12100 Millau. Teléfono: +33 565 590 108. Web: Musée de Millau et des Grands Causses.

El Viaducto de Millau: el orgullo suspendido sobre el Tarn

El Viaducto de Millau fue el puente más alto del mundo en el momento de su inauguración

Durante años, Millau fue conocido por ser el “agujero negro” de la autopista A75. La carretera que debía conectar Clermont-Ferrand con Béziers y Narbonne se interrumpía en este punto del valle del Tarn, obligando a los conductores a descender por sinuosas curvas y volver a subir. En verano, los atascos podían prolongarse durante horas, y atravesar el valle se convertía en una pesadilla.

La monumental obra de Norman Foster y Michel Virlogeux trajo prosperidad y renombre a Millau

La solución llegó con una de las obras más ambiciosas de la ingeniería contemporánea: el Viaducto de Millau, inaugurado en diciembre de 2004. Diseñado por el arquitecto británico Norman Foster y el ingeniero francés Michel Virlogeux, el puente atirantado conecta las mesetas del Causse Rouge y del Causse du Larzac, salvando el valle del Tarn con una elegancia que parece desafiar la gravedad.

El Viaducto de Millau, lejos de herir el paisaje, parece flotar sobre él elegantemente

Con 2.460 metros de longitud y una altura máxima de 343 metros sobre el valle, el viaducto supera incluso la altura de la Torre Eiffel. Sus siete pilares de hormigón y acero, el mayor de 245 metros, convirtiéndolo en el pilar de puente más alto del mundo. 154 cables de amarre sostienen un tablero de 32 metros concebido para resistir vientos de hasta 250 km/h y soportar un tráfico diario estimado entre 10.000 y 25.000 vehículos.

Quienes deseen acercarse aún más al coloso pueden seguir el Sentier des Explorateurs

El proyecto no estuvo exento de controversia. Como recordaba una guía local durante mi visita, muchos habitantes de Millau se oponían inicialmente a la idea de ver toneladas de acero y hormigón alzarse sobre el paisaje. “Pensábamos que sería el fin de la ciudad —explicaba—, que nadie volvería a venir a Millau”. Sin embargo, el tiempo ha demostrado lo contrario. El viaducto transformó la vida de la región.

El Viaducto de Millau sigue siendo una referencia de la ingeniería moderna

El Viaducto de Millau facilitó la comunicación, atrajo visitantes y convirtió a Millau en un destino asociado a la audacia arquitectónica y a la maravilla estética. Al atravesarlo, los conductores tienen la sensación de flotar entre las nubes, con vistas panorámicas del valle y las gargantas del Tarn. Desde los miradores que lo rodean, se comprende por qué esta obra, más que alterar el paisaje, parece elevarlo.

Le site du Viaduc de Millau

El Site du Viaduc de Millau ofrece una experiencia inmersiva a quienes visitan la Viaduc Expo

Más allá de la experiencia que supone atravesar el Viaducto de Millau, el lugar invita a detenerse y descubrirlo con calma. El Site du Viaduc de Millau combina gastronomía, arquitectura y divulgación, ofreciendo la posibilidad de comprender la magnitud de esta obra. El centro de acogida se ubica en una antigua granja caussenarde restaurada.

La Viaduc Expo permite descubrir la historia de la construcción del Viaducto de Millau

En su interior, una exposición permanente recorre la historia de la construcción del puente y su integración en el entorno, con maquetas, audiovisuales y recursos interactivos que explican cómo se levantó el viaducto más alto del mundo. El espacio museográfico, conocido como Viaduc Expo, ocupa 220 m² y ofrece una escenografía moderna que permite contemplar la estructura desde distintos ángulos.

Vista panorámica desde el mirador del Site du Viaduc de Millau, con el valle del Tarn al fondo

A pocos pasos, los miradores del recinto permiten admirar el viaducto en toda su extensión, suspendido sobre el valle del Tarn. Desde el belvédère, accesible a pie y abierto durante todo el día, se obtiene una vista panorámica de las mesetas del Larzac y del Causse Rouge, mientras que el mirador junto al gran cartel “AVEYRON” se ha convertido en el punto preferido para quienes buscan la fotografía perfecta al atardecer.

Caminar bajo el tablero del viaducto para ver los imponentes pilonos es una experiencia única

Quienes deseen acercarse aún más al coloso pueden seguir el Sentier des Explorateurs, una visita guiada organizada por la empresa Eiffage que permite caminar hasta los pies de los pilonos del viaducto, bajo el tablero suspendido, descubriendo de cerca la dimensión técnica y humana de la obra. El acceso al sitio es gratuito y se puede llegar fácilmente desde la autopista A75 (entre las salidas 45 y 46) o desde el centro de Millau por la carretera D911.

Más información: Site du Viaduc de Millau. Dirección: Aire du Viaduc de Millau, accesible por la autopista A75 o fuera de la autopista, en dirección «Site du Viaduc de Millau». Teléfono: +33 565 616 154. Horario visita guiada organizada: Diariamente a las 11 h, 14 h, 16 h y 17 h. Tarifa: 6 €. Web: Site du Viaduc de Millau.

Dónde comer o cenar en Millau

Restaurant Des Potes au Feu

Tulipe Gourmande de la Mer

El Restaurant Des Potes au Feu combina la tradición culinaria francesa con una propuesta fresca y contemporánea. En nuestra visita probamos: la Assiette estivale (17 €)—una deliciosa combinación de tomates, melón y burrata—, la Tulipe Gourmande de la Mer (18 €), el Pot-au-feu de la Mer con su alioli casero (26 €) y el pescado del día a la plancha (24 €). Sus platos resumen el espíritu de su cocina: productos de calidad, preparaciones cuidadas y respeto por el sabor.

El pescado del día con arroz, espárrago verde y una deliciosa salsa

Su menú del día, disponible fuera de temporada alta y los fines de semana, ofrece opciones equilibradas entre 15 y 21 euros, en los que se puede encontrar una selección de entrantes, carnes y pescados cocinados a la plancha. Entre los platos más sugerentes se pueden encontrar el Tataki de ternera con salsa chimichurri (18 €), la Parrillada de pescado (26 €) o el Magret de pato (25 €).

Delicioso postre con albaricoques

Para terminar, los postres mantienen el nivel con propuestas como la Verrine Eton Mess (10 €) o el Lingote de chocolate con corazón de frambuesa (10 €). Acompañamos el menú con un vino blanco de Domaine de Pellehaut, L'Été Gascon 2023, de la Famille Béraut, elaborado en Côtes de Gascogne. Este maridaje de 80 % Gros Manseng y 20 % Chardonnay ofrece un equilibrio perfecto entre dulzor y frescura, ideal para maridar con pescado o disfrutar como aperitivo.

Más información: Restaurant Des Potes au Feu. Dirección: 20 Boulevard Richard, 12100 Millau. Teléfono: +33 565 690 130.

Restaurant Au Jeu de Paume

El Restaurant Au Jeu de Paume ofrece platos tradicionales del Aveyron

El Restaurant Au Jeu de Paume ofrece una inmersión deliciosa en la gastronomía tradicional del Aveyron. Situado cerca de la Place Foch, este establecimiento combina el encanto de la comida a la brasa cocinada en su chimenea con una carta que apuesta por los productos locales. Durante mi visita probé de primero Le Galedou, un queso de oveja fundido servido con pan tostado y ensalada.

Le Galedou

Como plato principal, me pedí un Aligot Saucisse, preparado con una salchicha a la parrilla y el clásico aligot elaborado con un tercio de tomme fresco de l’Aubrac. Lo acompañamos con un vino tinto “Louradou” 2021 del Domaine du Vieux Noyer (Appellation d’Origine Protégée Côtes de Millau). Este vino, mezcla de Syrah, Gamay y Cabernet Sauvignon, envejecido en barricas de roble, ofrece notas potentes y afrutadas que armonizan con los platos de carne y el queso.

Aligot Saucisse

La carta del restaurante —que propone fórmulas entre 30 y 36 euros— refleja una cocina regional de generosas porciones. Entre sus especialidades figuran los escargots en focaccia provenzal, el mouton à l’Aveyronnaise (chuletas de cordero a la parrilla con confit de ajo) o el magret de canard, todos cocinados a la parrilla, como dicta la tradición. Para finalizar, los quesos de oveja del Larzac, el nougat glacé o el craquant chocolat praliné prolongan el placer del menú.

Interior del restaurante Au Jeu de Paume

El restaurante Au Jeu de Paume invita a disfrutar de un momento culinario y de relax. Su autenticidad seduce tanto por la cocina como por el ambiente: carnes a la parrilla, pescados a la plancha y una copa de vino en un entorno que evoca la arquitectura del pasado. En las noches de verano, su patio se transforma en un pequeño paraíso con una vista privilegiada sobre los arcos, vestigios de la antigua pista del juego de pelota que da nombre al restaurante.

Más información: Restaurant Au Jeu de Paume. Dirección: 4 Rue Saint-Antoine, 12100 Millau. Teléfono: +33 565 602 512. Horario: Abierto de lunes a sábado a partir de las 19 h. Web: Au Jeu de Paume.

Espace Gourmand del Viaducto de Millau

El Espace Gourmand del Viaducto de Millau se ubica en una antigua granja caussenarde restaurada

El Espace Gourmand del Viaducto de Millau ofrece una pausa gastronómica singular en un entorno excepcional. Situado en una antigua granja caussenarde restaurada, este espacio invita a disfrutar de productos locales y sus especialidades más conocidas: los capucins, una especie de crêpes en forma de cono elaborados con harina de trigo sarraceno. Aunque la masa resulta algo áspera y menos sabrosa de lo esperado, el concepto sorprende por su originalidad y su homenaje a la cocina regional.

Capucins de trucha ahumada con mostaza antigua

Los hay fríos, como el de foie con confitura de higos (16 €) o el de trucha ahumada con mostaza antigua (15 €), y calientes, como el de jamón blanco trufado (9 €), pollo con aligot (10 €) o morcilla trufada de cerdo Galabart (10,5 €). Esta creación del célebre chef Michel Bras ha sido retomada desde abril de 2024 por el chef Stéphane Camberlin, que continúa reinterpretando la receta con respeto y creatividad.

Más información: Espace gourmand du viaduc. Dirección: Brocuéjouls, 12100 Millau. Teléfono: +33 565 754 012. Horario: de martes a viernes de 9 a 18 h. Lunes, sábados y domingos de 8:30 a 18 h. Web: Espace gourmand du viaduc.

Dónde dormir en Millau: Domaine Saint Estève

El Domaine Saint Estève ofrece chalets confortables en plena naturaleza

El Domaine Saint Estève es un complejo hotelero *** que combina confort y entorno natural. Es ideal para estancias en familia, entre amigos o incluso viajes de negocios. Ofrece 72 chalets totalmente equipados, desde acogedores estudios para cortas estancias hasta amplios alojamientos para grupos. Cada chalet dispone de terraza privada, climatización y todos los servicios necesarios para disfrutar del silencio y la belleza de las 5 hectáreas de naturaleza que rodean el dominio.

Piscina infinita del Domaine Saint Estève

El complejo cuenta con chalets adaptados para personas con movilidad reducida. Además, el Domaine Saint Estève acepta mascotas, con kit de bienvenida y acceso a todas las zonas comunes. En cuanto a servicios, los huéspedes pueden disfrutar de un restaurante y bar con vistas al Viaducto de Millau y piscina de borde infinito. Cada mañana se sirven desayunos tipo buffet continental y se pueden encargar pan y bollería fresca.

Desayuno con vistas en el Domaine Saint Estève

El entorno invita a la aventura y al descubrimiento: parapente, canyoning, escalada, vía ferrata, senderismo por los GR, equitación, VTT y canoa-kayak. La cercanía con Millau y las Gargantas del Tarn permite combinar deportes al aire libre con visitas culturales, rutas gastronómicas y escapadas a los pintorescos pueblos del Aveyron, como La Couvertoirade.

Más información: Domaine Saint Estève. Dirección: Av. de Millau Plage, 12100 Millau. Teléfono: +33 565 691 212. Web: Domaine Saint Estève.

Toda la información generada durante mi viaje a Millau puede consultarse a través de los hashtags #ExploreMillau y #Aveyron.

Qué más ver cerca

A unos 42 km al sureste de Millau encontramos La Couvertoirade, una ciudad templaria que resiste al paso de los siglos. Aquí no necesitas imaginación: todo está a la vista, desde las casas de piedra del siglo XV hasta la muralla, torres y castillo de los Caballeros del Temple.

Château Capitoul: un hotel de lujo entre viñedos

2025-09-15T22:00:00.002+02:00

El Château Capitoul es un lugar donde el lujo se combina con la autenticidad de una finca vinícola

En el corazón del Languedoc, muy cerca de Narbonne, se encuentra el Château Capitoul, una finca vinícola milenaria que combina historia, naturaleza y lujo contemporáneo. Rodeado de viñedos centenarios, lagunas de flamencos y los imponentes acantilados del macizo de La Clape, el castillo y su aldea de villas ofrecen un refugio único para quienes buscan una escapada de lujo que une confort, gastronomía de primer nivel y una conexión directa con la naturaleza.

Horizontes verde y azules en Château Capitoul

Desde el cuidado de sus jardines mediterráneos hasta la exquisitez de su bodega y restaurantes, cada rincón de Château Capitoul refleja la pasión de sus propietarios por la historia, la viticultura y la sostenibilidad. En este artículo, comparto mi experiencia recorriendo sus espacios, explorando sus villas, disfrutando de la piscina infinita, degustando los sabores de su restaurante a la parrilla Asado, y descubriendo la riqueza de su bodega y tienda de vinos.

Historia del Château Capitoul

Vista desde el castillo, con los viñedos extendiéndose hasta el horizonte

La historia del vino en el Languedoc se remonta muy atrás en el tiempo. Introducida por los griegos en el siglo V a. C. y desarrollada por los romanos tras la fundación de la Colonia Narbo Martius (Narbonne) en el 118 a. C., la viticultura convirtió a esta región en una de las más prósperas de la Galia. Desde la Colonia Narbo Martius partían barcos cargados de vino, miel y otros productos hacia todo el Imperio Romano.

Dos de las villas frente a la piscina, integradas en el paisaje mediterráneo

En aquella época, La Clape era una península que se adentraba en el Mediterráneo, salpicada de lagos, de ahí su antiguo nombre de Insula Lacquis. Se cree que los primeros viñedos de la zona surgieron gracias a los legionarios a quienes César recompensaba con tierras fértiles tras sus victorias. La primera mención documentada de la finca como productora de vino aparece en un pergamino latino del 26 de mayo de 1324, lo que confirma la longevidad de esta tradición.

Salón de la villa nº 21, con acceso directo a la terraza

Durante siglos, el vino estuvo estrechamente ligado al poder de monasterios y órdenes religiosas, esenciales tanto para la economía como para la liturgia. En el siglo XV, Capitoul pasó a ser propiedad de los canónigos de la Catedral de San Justo, visible desde las ventanas del castillo, y probablemente en ese momento adoptó su nombre derivado del latín Capitulum.

Salón, comedor y cocina integrados diseñados para la comodidad y el disfrute de la luz natural

La auténtica edad de oro llegó en la segunda mitad del siglo XIX, cuando la industrialización disparó la demanda de vino en Francia. El Languedoc vivió entonces su propio “El Dorado del vino”, beneficiándose incluso de la crisis de la filoxera gracias a suelos resistentes y a los injertos de vides americanas. En ese contexto, la familia Rivière encargó entre 1898 y 1900 la restauración de la finca, que adquirió el aspecto arquitectónico que aún conserva hoy.

Segundo dormitorio de la villa nº 21, elegante y acogedor

Pero el esplendor fue efímero: la sobreproducción, las importaciones de vino argelino, las guerras mundiales y el cambio de hábitos de consumo llevaron a un largo periodo de decadencia. En 1962, la finca fue adquirida por Fernand Aupecle y permaneció en su familia hasta 2011, cuando pasó a manos de la familia Bonfils. Convencidos de su potencial enoturístico, impulsaron la renovación de los viñedos y de la bodega, y más tarde se asociaron con Domaine & Demeure, especialistas en reconvertir fincas vitivinícolas en destinos turísticos de primer nivel.

La terraza privada de la villa nº 21 dispone de tumbonas, sombrilla, mesa, sillas y barbacoa

Las obras de restauración comenzaron en 2018, dando lugar al renacimiento de Château Capitoul como un espacio donde la autenticidad vinícola convive con el lujo contemporáneo. Hoy, junto a Les Carrasses, que visitamos con anterioridad, y St Pierre de Serjac, forma parte de un trío de dominios vitivinícolas convertidos en hoteles únicos, que permiten a sus visitantes sumergirse en la historia, la naturaleza y los vinos del sur de Francia.

El Castillo: elegancia neogótica convertida en hotel

El castillo neogótico del siglo XIX, emblema de Château Capitoul

El edificio principal de la finca es un castillo neogótico del siglo XIX, transformado en un refugio de lujo donde se respira arte e historia en cada rincón. Sus techos altos, la restauración meticulosa y una atención casi obsesiva al detalle transmiten una sensación de elegancia serena que acompaña al viajero desde el primer momento.

La luminosidad y los tonos neutros crean un ambiente sereno en las habitaciones del castillo

En la planta superior se encuentran las ocho lujosas habitaciones del hotel, bañadas por la luz del sur de Francia y abiertas a vistas espectaculares de los viñedos y de la laguna. Cada estancia combina piezas de distintas épocas: lámparas Art Déco y Art Nouveau, espejos antiguos, sillones de terciopelo, detalles de estilo imperio y mobiliario de mediados del siglo XX, todo adaptado con naturalidad a las necesidades contemporáneas.

La elegante escalera de acceso a las plantas superiores

Las paredes, en tonos grises, muestran litografías originales, documentos de archivo, fotografías de artistas como Karl Blossfeldt o Tom Baril, e incluso las obras en gran formato del fotógrafo narbonés Patrick Chanteloup. Nada se ha dejado al azar: grandes firmas de diseño acompañan la decoración de estas habitaciones de gran tamaño con camas king size, mientras que los baños despliegan un juego cromático en azul cristalino con vetas doradas, completados con grifería Art Déco y bañeras esmaltadas.

Muebles Art Déco y litografías Art Nouveau conviven con obras contemporáneas

La combinación de terciopelos, aromas elegidos con cuidado y piezas de anticuario francesas e italianas convierten cada habitación en un espacio íntimo, elegante y acogedor. El Château Capitoul encarna así un universo de confort y refinamiento, donde cada detalle refleja la pasión de sus propietarios, Karl O’Hanlon y Anita Forte por el arte, las antigüedades y el diseño de interiores. Una puesta en escena elegante que da vida a un castillo con alma propia.

Las Villas de la Aldea

Una de las villas con jacuzzi privado en el jardín

Para quienes buscan independencia y confort durante su estancia en Château Capitoul, las 44 villas privadas, totalmente independientes, son la opción ideal, tanto en pareja como con amigos o en familia. La mayoría cuenta con terraza y jardín, y en 26 de ellas se añade el privilegio de una piscina privada con vistas al paisaje vitivinícola.

Entrada a nuestra villa privada con terraza y jardín

El conjunto ha sido concebido como una auténtica aldea mediterránea, con callejones bordeados de muros de piedra seca que se abren hacia la laguna, refugio de flamencos y aves migratorias. Inspiradas en la arquitectura local, las villas combinan el carácter tradicional del Languedoc con un estilo contemporáneo que prioriza la luminosidad, el espacio y la eficiencia energética.

Uno de los dos dormitorios con baño en suite: elegancia y serenidad en cada detalle

Materiales nobles y naturales —tejas de terracota, vigas de roble, contraventanas de madera o azulejos antiguos— se mezclan con soluciones modernas como ventanales panorámicos y piscinas de bajo consumo. Cada villa es diferente, pero todas transmiten una sensación de serenidad gracias a sus tonos neutros, muebles de madera y objetos antiguos cuidadosamente integrados.

Amplio salón con ventanales panorámicos: luz, confort y vistas que conectan con la naturaleza

Las cocinas totalmente equipadas, los amplios salones con tecnología de alta fidelidad y los dormitorios con baño en suite convierten cada estancia en una experiencia de confort absoluto. Al caer la tarde, el sol se oculta tras los viñedos y el horizonte se tiñe de dorado: un momento perfecto para disfrutarlo desde la terraza o el borde de la piscina privada, en plena armonía con el entorno natural del macizo de La Clape.

Un enclave privilegiado en el Languedoc

Los viñedos de Château Capitoul se extienden hacia la laguna, integrando paisaje y viticultura

El Château Capitoul se encuentra a solo cinco minutos de Narbonne y del puerto pesquero de Gruissan, entre viñedos y acantilados, en plena reserva natural del macizo de La Clape. Su localización ofrece lo mejor de ambos mundos: la tranquilidad de un paisaje protegido y, al mismo tiempo, fácil acceso a playas secretas, pueblos costeros, mercados tradicionales o restaurantes con estrellas Michelin. El castillo está bien comunicado por carretera —a través de la red de autopistas A9, A61 y A75—, tren de alta velocidad desde Narbonne y hasta siete aeropuertos europeos rodeando la región: Toulouse, Montpellier, Béziers, Perpignan, Carcassonne, Girona y Barcelona.

Jardines que se funden en el paisaje

Jardines mediterráneos diseñados por James Basson y Olivier Filippi, integrados en el paisaje

El renombrado paisajista James Basson, en colaboración con el botánico Olivier Filippi, diseñó unos jardines capaces de integrarse con la naturaleza árida del macizo. Con más de 65.000 plántulas y 300 árboles de especies mediterráneas, este paisaje seco prospera sin fertilizantes, pesticidas ni riego, en un ejercicio de sostenibilidad ejemplar. Encinas, pinos carrascos, arces silvestres y árboles de Judea comparten espacio con escultóricas euphorbias, lavandas y romeros que cambian con las estaciones, realzando la metamorfosis natural de La Clape.

Un refugio de biodiversidad

Viñedos de Château Capitoul integrados en un ecosistema rico en biodiversidad

La finca y sus alrededores son hábitat de una extraordinaria diversidad: se contabilizan aquí al menos 400 especies de aves de las 950 presentes en Europa Occidental. Flamencos rosados, cigüeñas, garzas, águilas y alcaudones sobrevuelan los viñedos, mientras murciélagos, reptiles y pequeños mamíferos encuentran refugio en los muros de piedra seca, diseñados como auténticas cajas nido. La filosofía del Château es clara: convertirse en protector temporal de un ecosistema que debe preservarse para las generaciones futuras.

Experiencias en plena naturaleza

Cada planta y árbol contribuye a un ecosistema vivo

Además de la contemplación, Capitoul invita a vivir el entorno. Desde los jardines y la piscina infinita con vistas a la laguna hasta las pistas de tenis o petanca, el descanso se combina con actividad. Se organizan retiros de yoga, tours gastronómicos, rutas en bicicleta eléctrica y observación de aves. Y para los más aventureros, el macizo de La Clape despliega 15.000 hectáreas de senderos, paredes de escalada y rutas ciclistas que conducen, en menos de diez minutos, hasta las playas mediterráneas.

La piscina infinita

Treinta metros de agua climatizada que se funden con el horizonte azul del mar

Entre la aldea de villas y el edificio principal del castillo se abre paso un auténtico oasis: la piscina infinita de 30 metros, climatizada desde principios de abril hasta finales de septiembre. Su horizonte azul se confunde con el cielo y las aguas del estanque de Bages, regalando la sensación de bañarse en plena naturaleza. Bajo la sombra de los olivos que actúan como sombrillas naturales, los días transcurren entre chapuzones refrescantes.

El solárium está listo para disfrutar del sol mediterráneo, con vistas al viñedo

En una planta superior encontramos un solárium que invita a tomar el sol mientras se disfruta de un cóctel en el bar o de la inmesidad del horizonte. Frente a los viñedos, la mirada se pierde en un paisaje mediterráneo que invita a la calma, al sosiego y al disfrute sin prisas. Las tumbonas están listas para refugiarse del sol o en una inocente siesta.

Dos restaurantes: uno de alta cocina, y el otro un asador

Buffet del desayuno en Asado, con productos frescos y locales para un buen inicio de jornada

La experiencia en Château Capitoul también se saborea. La finca cuenta con dos propuestas gastronómicas que celebran los productos del Mediterráneo y la tradición de la buena mesa: el restaurante gourmet Méditerranéo situado en la planta baja del castillo, que propone una experiencia más íntima y refinada. Aquí, la gastronomía se convierte en arte y cada bocado refleja un equilibrio perfecto entre rusticidad y elegancia, y el restaurante a la parrilla: Asado.

Asado: fuego, vistas y hospitalidad

Acceso al restaurante Asado, donde la brasa y el vino son protagonistas

Ubicado en las antiguas bodegas del castillo, Asado respira autenticidad y carácter. El chef Heber González trabaja detrás de un imponente mostrador que huele a leña, donde el fuego realza los sabores de los mejores productos de la región: carnes jugosas, pescados frescos y mariscos que desprenden aromas irresistibles al contacto con las brasas de parra y carbón.

La terraza panorámica de Asado regala atardeceres inolvidables sobre viñedos

El espacio, con una gran terraza panorámica, regala una puesta en escena que combina gastronomía y paisaje. Al caer la tarde, los viñedos y la laguna se tiñen de tonos dorados mientras el olor de la parrilla invita a disfrutar de un ambiente relajado y vibrante. Sin embargo, durante la temporada de verano, los mosquitos pueden ser numerosos, y la sensación puede resultar intensa si no se va bien protegido. Recomendamos llevar repelente y ropa ligera de manga larga para disfrutar plenamente de una cena en el exterior sin molestias.

Nuestra cena en Asado comenzó con una apetecible ensalada césar con pollo

Durante nuestra estancia pudimos probar algunos de los platos de la carta: una ensalada césar abundante (20 €), un filete de ternera del Aubrac perfectamente sellado y acompañado por brócoli y patatas asadas a la brasa y una pequeña ensalada verde (35 €). La carne de vacuno de la región de Aubrac es famosa por su terneza. Como broche final, una deliciosa tarta de higos con sorbete, con almendras tostadas, nueces trituradas e higos (12 €) que cerró la cena con una nota fresca y dulce. La mañana siguiente regresamos para desayunar, disfrutando de un amplio y variado buffet.

Filete de ternera del Aubrac, tierno y jugoso, directo de la parrilla de Asado

Además de la excelencia gastronómica, los restaurantes de la finca se comprometen con la sostenibilidad. La cocina utiliza productos de huertos propios y de los castillos hermanos, cultivando verduras y hierbas aromáticas orgánicas de temporada, mientras que se priorizan los productos locales y, siempre que es posible, orgánicos. Todos los envases de vidrio, madera y cartón empleados son reciclados.

Deliciosa tarta de higos, servida con sorbete, almendras tostadas e higos frescos

El huerto de Château Capitoul, 100% orgánico y cultivado siguiendo técnicas de permacultura, provee frutas, verduras, plantas aromáticas y flores comestibles. Es un verdadero tesoro para los chefs, que encuentran allí ingredientes como romero, tomillo, salvia, hinojo y espárragos silvestres, entre otros. Así, cada plato servido es un homenaje al entorno natural y al patrimonio de la finca.

La bodega y la tienda de vinos

La antigua bodega de Château Capitoul atesora la historia de los vinos de La Clape

En Château Capitoul, el vino es más que una tradición: es parte de su alma. La antigua bodega, meticulosamente restaurada por la familia Bonfils, guarda hoy espacios de cata y una tienda especializada junto a la recepción. Allí, los visitantes pueden recorrer con una copa en la mano, un universo de 25 variedades de vinos tintos, blancos y rosados, todos elaborados en la finca.

La tienda de vinos ofrece una cuidada selección de tintos, blancos y rosados producidos en la finca

Entre ellos destacamos el que probamos en la cena, el Château Capitoul Parcelle Cayenne, un vino tinto excepcional que nos llevamos a casa en una caja para prolongar la experiencia. Este vino proviene de la parcela Cayenne, situada en las laderas sur del viñedo, con suelos de limo, arcilla y cantos rodados, rodeada de romero y tomillo, y bañado por la brisa marina de la laguna de Bages.

Barricas en la bodega de Château Capitoul

Elaborado con Garnacha (40%), Syrah (30%) y Cinsault (30%), el vino se cosecha de noche, con doble selección en viñedo y bodega, y una maceración de 4 a 5 semanas que asegura taninos suaves y redondos. La Syrah y la mitad de la Garnacha se crían durante un año en barrica antes del embotellado, y el vino reposa al menos un año en la bodega antes de salir al mercado.

Château Capitoul Parcelle Cayenne: intenso, generoso y lleno de carácter mediterráneo

En copa, el Château Capitoul Parcelle Cayenne presenta un rojo profundo y un aroma intenso, con notas de frutos rojos maduros como moras y grosellas, acompañadas de matices especiados de romero y tomillo y un elegante final yodado. Un vino redondo, generoso y pleno, ideal para maridar con carnes marmoleadas o un camembert al horno, servido a 16-18 °C, con potencial de guarda de hasta seis años.

Descubrimos la autenticidad de una finca vinícola en pleno corazón del Languedoc

Capitoul, que representa cerca del 10 % de la producción de la denominación, es hoy la bodega insignia de los Vignobles Bonfils, una de las compañías vinícolas independientes más respetadas de Francia. Bajo la guía del enólogo Florian Chollet, cada degustación se convierte en un viaje sensorial por el Languedoc, descubriendo los matices de una región que ha alcanzado reconocimiento mundial por su vinificación de excelencia.

Más información: Château Capitoul. Dirección: Route de Gruissan, 11100 Narbonne. Teléfono: +33 (0)4 30 17 322. Precio por habitación de hotel en el Château Capitoul: desde 149 € por noche hasta 699 € (según temporada y tipo de habitación). Precio por villa: desde 325 € (en una villa de dos habitaciones con jardín privado) hasta 1395 € por noche (en una villa de cuatro habitaciones y piscina privada). Web: Château Capitoul.

La Ciudad de las Abejas: el mundo apícola de la familia Morlière en Génos

2025-08-27T08:00:00.045+02:00

La Ciudad de las Abejas en Génos, un viaje al fascinante mundo de la apicultura familiar Morlière

La historia de la Ciudad de las Abejas comienza mucho antes de que existiera como tal, allá por 1963, cuando Henri y Adèle Morlière iniciaron la aventura apícola en Muret, donde residían. En 1969, se trasladaron a Génos para aprovechar la flora melífera de los Pirineos, instalando allí 200 colmenas. Años después, en 1983, se incorpora su hijo Maurice, seguido en 1992 por su nuera Ghislaine. Ambos son los encargados de recibirnos y guiarnos en la visita de este curioso lugar.

En la tienda de la Ciudad de las Abejas se pueden adquirir las mieles de Ruchers Sainte-Marie

Tras el fallecimiento de los fundadores, el joven matrimonio tomó el relevo y en 2005 se sumó Cyril, su hijo, consolidando así la tercera generación de apicultores. Con ellos tres, la empresa no ha dejado de prosperar: en 2010 inauguraron una nueva mielería. Hoy, más de sesenta años después de que Henri y Adèle empezaran con 160 colmenas, la familia Morlière cuida de un millar repartido entre distintos territorios. Sus colmenas trashumantes recorren desde Génos, Bayona, Narbona, Valencia y la región de Toulouse.

Spiraea japonica, arbusto ornamental cuyas flores atraen a las abejas

“Este museo es, ante todo, nuestra historia”, confiesa Maurice, orgulloso de un legado que hoy se abre al visitante bajo el nombre de Ciudad de las Abejas. El ecomuseo se despliega en un parque de casi una hectárea sembrado de flores melíferas y la vegetación más apreciada por las abejas como acacias, tilos, árboles frutales y un sinfín de flores silvestres que sostienen la biodiversidad del paisaje.

Chalets temáticos y paneles explicativos guían al visitante por la apicultura tradicional y moderna

Una docena de chalets temáticos invitan a descubrir diferentes aspectos del fascinante mundo apícola, mientras los paneles explicativos ayudan a comprender la importancia de estas plantas, verdaderas aliadas de las abejas. “Queremos que quien venga aquí descubra que la miel no es otra cosa que un regalo de la naturaleza y que pueda acercarse al mundo de la apicultura a través de nuestra propia historia.”

La Vida de la Abeja

Mapa de la Ciudad de las Abejas indicando la ubicación de los doce chalets temáticos

En el chalet temático de La Vie de l’Abeille (La Vida de la Abeja) se despliega un recorrido que condensa la esencia misma de la apicultura: desde un rudimentario extractor de miel hecho con una cesta tejida y troncos de madera hasta un apicultor encaramado en una escalera, intentando alcanzar un panal suspendido de un árbol. En una de las paredes, un mapa de la Ciudad de las Abejas muestra la ubicación de cada chalet.

Primer coche familiar de Henri Morlière, símbolo de los humildes comienzos apícolas

También puede verse un Citroën 2CV, aquel primer coche familiar conducido por Henri Morlière, que recuerda los modestos inicios. En la pared cuelgan viejas fotografías de la familia, donde aparecen las tres generaciones: Adèle Morlière, la abuela; un joven Maurice; y Cyril de niño. También se conserva la imagen de colmenas destrozadas por un oso en mayo de 2007, un episodio que pudo haber puesto fin al sueño, y refleja la resiliencia que ha acompañado a la familia Morlière hasta hoy.

El Vídeo de la Ciudad de las Abejas

Escenografía de un apicultor en busca de miel

En La Vidéo se proyecta un vídeo corto donde Maurice, Ghislaine y Cyril, cuentan la historia de cómo comenzó todo, acercando la historia familiar al visitante. En 1903, un conocido le pidió al padre de Maurice, Henri Morlière, construir una colmena para hacer una prueba. Como eran amigos, le sugirió fabricar dos: una para cada uno. A partir de ese gesto sencillo nació una afición que fue creciendo hasta convertirse en oficio. Con el tiempo, su padre dejó su oficio y pasó a ser apicultor profesional: llegó a tener alrededor de 150 colmenas y comenzó a vivir de ellas.

Fotografía antigua de la familia Morlière en casa con su Citroën 2CV

Maurice recuerda que, de niño, empezó a acompañar a su padre con apenas cuatro o cinco años: subido al camión, en los trayectos en coche a los mercados, incluso junto a las colmenas. Así prendió también en él la misma pasión por el mundo de la apicultura. La actividad de su padre se mantuvo hasta alrededor de 1980; entonces fue cuando Maurice y su esposa Ghislaine tomaron el relevo. El joven matrimonio compró otra explotación y, en esa nueva etapa, pudieron seguir viviendo todos de la apicultura.

Colmenas tradicionales de madera para preservar la memoria de la apicultura

Más tarde, Cyril, el hijo de Maurice, se subió al camión para continuar la empresa familiar. Después, en ese mismo vídeo, escuchamos el testimonio de Cyril, que hoy tiene cuarenta años y representa la tercera generación de apicultores de la familia Morlière. Cuenta que nació rodeado de colmenas y que, desde muy pequeño, acompañaba a sus padres al mercado. La apicultura se convirtió para él en algo natural, una pasión transmitida primero por su abuelo y después por su padre.

La miel es un producto natural que, tras la extracción, se filtra, sin sufrir ningún proceso especial

“Espero que dentro de otra generación alguien más continúe este camino”, afirma con convicción. La proyección continúa con una explicación sencilla del proceso: la miel no sufre transformaciones especiales. En cuanto se extrae, se filtra y se deja en decantación durante unas ocho horas; después se almacena en bidones. Hoy el trabajo cuenta con maquinaria que mejora las condiciones de los apicultores, pero la calidad del producto sigue siendo la misma desde hace tres generaciones.

Botellas de vinagre de miel artesanal, de la familia Morlière, disponible en su tienda

A continuación, interviene Ghislaine. Trabaja codo con codo con Cyril y Maurice y se ocupa de la comercialización: cuando ellos han terminado la extracción, ella gestiona el envasado y la venta. Durante el año acude a mercados semanales, participa en pequeñas ferias, y distribuye en tiendas de productores y pequeños comercios de Occitania. En invierno mantiene el contacto con los clientes particulares conocidos en verano y vende directamente por internet.

Ruche de Sologne, ejemplo de colmena tradicional de paja que inspira la pasión apícola familiar

Finalmente, vuelve el turno a Maurice, quien en el vídeo comparte una reflexión cargada de futuro: “Hoy nos encontramos en un momento de relevo. Pensamos en transmitir la empresa a Cyril, pero junto con ella queremos transmitir también nuestra pasión. Una pasión que ya venía de mi padre, que coleccionaba antiguos utensilios de apicultura, y que yo continué guardando. Con Cyril decidimos dar un paso más: crear la Ciudad de las Abejas.”

Las Colmenas de Madera

Colmenas tradicionales hechas con troncos de árbol ahuecados

En el espacio dedicado a Les Ruches en Bois (Las Colmenas de Madera) se despliega la tradición más antigua y sólida de la apicultura. Desde troncos de árbol ahuecados, de castaño o de alcornoque, hasta las ingeniosas colmenas landesas, trenzadas en castaño o construidas con planchas piramidales, el visitante descubre cómo la naturaleza misma proporcionaba los refugios para la miel.

El Arnal fue usado desde hace más de 3.000 años hasta finales del siglo XX

Entre las piezas más singulares se encuentra la réplica exacta de un colmenar tradicional del norte de Aragón, conocido como Arnal. Se trata de una pequeña estructura en cuyo interior se conservaban colmenas horizontales de tubos de mimbre ligeramente troncocónicos, colocadas sobre travesaños de madera y cerradas con piedras. En el frontal se daba entrada a las abejas y la parte trasera era para que el apicultor pudiera inspeccionar y recolectar la miel.

El Vivero

Uno de los enjambres del vivarium, con la Abeja Reina marcada con un punto verde

Otro de los chalets temáticos es Le Vivarium, un espacio concebido como un vivero donde se puede observar de cerca la actividad de una colmena viva, descubriendo el incesante ir y venir de las obreras y, con un poco de paciencia, incluso localizar a la majestuosa Abeja Reina. Este lugar funciona como un observatorio didáctico: las paredes transparentes permiten asomarse al interior del mundo de las abejas sin perturbarlas, mostrando la extraordinaria organización de la colonia y el papel fundamental que desempeñan en la naturaleza.

La Trashumancia apícola

Las abejas aprovechan el día para polinizar, por eso la trashumancia se realiza de noche

En el chalet temático de La Transhumance se explica cómo se trasladan las colmenas en busca de floraciones óptimas y permitiendo a los apicultores obtener varias cosechas al año y una gran diversidad de mieles. Durante el día, las abejas están dispersas por la naturaleza polinizando y el calor hace imposible el viaje. Al caer la noche, cuando todas las abejas han regresado a la colmena, se cargan en los camiones.

Peugeot 202 U junto a colmenas de madera, empleado por la familia Morlière en la trashumancia

Se conduce hasta el amanecer, momento en que se deben descargar y dispersar en praderas cercanas para evitar que se asfixien. Cada camión transporta cientos de colmenas, y en cada una de ellas viaja un enjambre impresionante de cincuenta mil abejas. Si circulan de día hay que tapar la piquera de la colmena (una pequeña puerta o abertura que hay en las colmenas, para que las abejas puedan entrar o salir) o hay que poner una malla encima del camión para que no se escapen.

Miel de acacia, delicada y suave, recolectada por la familia Morlière

Para que os hagáis una idea, la familia Morlière hace 25 mil kilómetros con el camión únicamente para mover colmenas. La Trashumancia apícola no es una práctica nueva: hace miles de años los egipcios ya transportaban sus colmenas en barcos por el Nilo, y estas viajaban río arriba al ritmo de la floración. En primavera las colonias se trasladan a los bosques de acacias y a los campos de lavanda, en zonas como el Gers y el Lot-et-Garonne.

Es esencial renovar las colmenas y hacer nuevos enjambres aprovechando el mejor clima

Cuando llega el verano, las colmenas se instalan en la montaña, donde florecen el tilo, el castaño y el brezo. Cada año en noviembre llevan sus colmenas a Gandía para que las abejas pasen el invierno. Además, como la primavera llega antes que en Génos, porque el clima es diferente, pueden empezar a trabajar dos meses antes que en Francia. Buscando el mejor clima para hacer enjambres y renovar las colmenas, la familia Morlière aprovecha y hace miel de naranjo.

Fotografía antigua de la familia Morlière haciendo la trashumancia apícola con su camión Citroën HY

También trasladan las abejas a Cataluña y Aragón para la producción de miel de romero. La familia Morlière tienen un colmenar cerca de Génos, arriba en la montaña, otro a la salida de la población. Y los otros colmenares están alrededor de 40 o 50 kilómetros de la zona. Cada colmenar tiene cien colmenas en cada campo, lo que significa que la familia Morlière gestiona casi mil colmenas.

Camión Citroën HY, protagonista de la trashumancia y símbolo de la apicultura moderna

En este espacio veremos un antiguo camión Citroën HY, protagonista de la trashumancia de las abejas y símbolo del inicio de la apicultura moderna para los Morlière. Este robusto vehículo permitió trasladar las colmenas a largas distancias, facilitando la producción de miel en distintas floraciones y haciendo posible la trashumancia nocturna que aún hoy practica la familia. El camión HY reemplazó al modesto Citroën 2CV que perteneció a Henri Morlière.

La Tienda de Miel

Antigua máquina para elaborar caramelos de miel

Acto seguido entramos en La Boutique donde el visitante se sumerge en la tradición comercial de la familia Morlière. Una antigua máquina de elaboración de caramelos de miel, permite comprender el proceso artesanal de moldear la miel para convertirla en caramelos, mientras las fotografías en las paredes capturan la actividad en los mercados y la venta directa de tarros de los “Ruchers Sainte-Marie” cuidadosamente etiquetados.

Tienda “Au Miel des Pyrénées”, fundada en 1919, con su cartel original

También se expone una representación histórica de una vendedora de pan de especias, evocando los sabores y aromas de los productos artesanales. El aparador y la puerta de madera de la tienda “Au Miel des Pyrénées”, casa fundada en 1919, con un detallado cartel de sus productos: Miel Surfin, cera, hidromiel, dulces y pan de jengibre, nos recuerda que algunas de estas piezas pertenecieron a una colección única del museo de Saint-Faust que la familia Morlière ha adquirido para que no se pierdan en el olvido.

La Extracción de Miel

Varias generaciones de extractores de miel

Mientras que en el chalet de L’Extraction (La Extracción) se explica el proceso de obtención de la miel y pueden verse los utensilios utilizados antiguamente y cómo la apicultura moderna se consolidó en el siglo XIX con la invención de las colmenas de cuadros, que permiten extraer la miel sin sacrificar a las abejas, a diferencia de las colmenas tradicionales. La observación de las abejas y el desarrollo de técnicas de cría de la “mosca de la miel” se remontan a la Antigüedad, pero fue a partir del siglo XVIII cuando se produjeron avances decisivos.

Prensa tradicional para opérculos, utilizada para extraer cera de los panales de manera artesanal

Tras ahumar la colmena para calmar a las abejas, el apicultor extrae los cuadros llenos de miel madura, cubiertos por finas láminas de cera llamadas opérculos. Con una ligera brocha se retiran las abejas, y los cuadros se colocan en un extractor centrifugo, que expulsa la miel hacia las paredes del aparato. Luego se filtra y se deja decantar de dos a ocho días antes de envasarla para el consumo o la venta. Los opérculos se conservan para obtener la cera más pura, fundiéndolos al sol en un clasificador para formar bloques de cera.

Extractor de miel casero antiguo, fabricado en metal para separar la miel de los panales

Además de la miel y la cera, los apicultores han descubierto la importancia de la cosecha de polen, otro tesoro de la colmena que completa la riqueza de la producción apícola. El polen, recolectado por las abejas en las flores y transportado en sus patas posteriores en forma de pequeñas bolitas, constituye una fuente esencial de proteínas, vitaminas y minerales, tanto para la alimentación de la colonia como para el ser humano.

La Cera de Abeja

Fabricante de velas trabajando artesanalmente con cera de abejas

El chalet de La Cire (La Cera) está dedicado a la cera y sus usos, especialmente para la elaboración de velas. Descubrimos que hasta finales del siglo XIX, la cera era el producto más codiciado de la apicultura. Producida por las glándulas cereras de las abejas, inicialmente blanca, se tornaba amarilla y finalmente marrón con el paso del tiempo. Por ello, se exponía la cera al sol sobre grandes telas para blanquearla, antes de destinarla a usos domésticos y litúrgicos.

Molde de velas metálicos, usado para crear velas con cera pura

La cera servía principalmente para fabricar velas y cirios, empleando técnicas como la vela hilada o la vela a cucharilla. Este material estaba reservado a los hogares acomodados y a fines religiosos: en la liturgia católica simbolizaba la pureza del cuerpo de Cristo. Incluso se creía en la virginidad de las abejas, y numerosas representaciones de la Natividad las muestran volando alrededor de la Virgen.

Argizaiola tradicional, vela de cera utilizada en ceremonias en el occidente pirenaico

En la tradición popular, las velas de cera tenían un papel divinatorio y ceremonial, apareciendo en momentos cruciales de la vida como nacimientos, bautismos o primeras comuniones. Su uso se mantuvo especialmente en el occidente pirenaico, donde la cera era considerada un puente entre lo cotidiano y lo sagrado. En las vitrinas pueden verse varios ejemplos de Argizaiola, una tablilla de madera sobre la que se enrollaba una larga mecha de cera que se mantenía encendida sobre las tumbas en las iglesias y que había visto referenciadas en Euskadi.

Las Colmenas de Paja

Ruche de Corrèze, colmena tradicional francesa elaborada con paja y técnicas artesanales

La paja y el centeno fueron durante siglos materiales esenciales en la apicultura tradicional. En Les Ruches en Paille (Las Colmenas de Paja) se pueden ver colmenas confeccionadas con estos recursos humildes, como la Colmena de Sologne, las Colmenas Lombard, ligeras y portátiles, de forma cilíndrica u ovalada, y las Colmenas Corrèze, más robustas y protegidas con techos de paja de centeno, que protegía a la colonia del frío y la lluvia.

Ruche Béarnaise, colmena campesina de paja y castaño, utilizada para consumo familiar

También destaca la Ruche Béarnaise, fabricada por los propios campesinos para el consumo familiar. Estaban formadas con un armazón de castaño trenzado con clemátide, una planta trepadora silvestre de tallos largos y flexibles, perfecta para trenzar. La colmena estaba recubierta con arcilla mezclada con estiércol de vaca, lo que proporcionaba aislamiento y resistencia frente a la humedad y los cambios de temperatura.

Las colmenas de paja fueron el modelo más extendido en Europa gracias a su bajo coste

Estas colmenas de paja, de uso estrictamente doméstico, podían variar de simples cestas a construcciones más elaboradas y se destinaban sobre todo a obtener miel como endulzante natural y cera para uso doméstico. La apicultura de cada lugar está profundamente ligada a los recursos del entorno. En la Ciudad de las Abejas veremos la diversidad de colmenas dentro del territorio francés, pero también ejemplos de colmenas africanas.

Los Ahumadores

Chalet temático dedicado a los ahumadores en la Ciudad de las Abejas

En Les Enfumoirs, descubrimos la historia de un invento clave en la apicultura moderna: el ahumador. Su creador, Moses Quindy (1810-1875), fue uno de los primeros apicultores modernos y contribuyó significativamente al conocimiento científico de las abejas. Gracias a su invención, un ahumador con fuelle que permitía manejar las colmenas con mayor seguridad, calmando a las abejas al enmascarar las feromonas que alertan a la colonia.

Maniquí de apicultor con traje, máscara y un ahumador de fuelle, listo para manipular colmenas

Maurice nos explica, con pasión, los secretos de su oficio, por ejemplo, para poder tocar a las abejas sin riesgo, utilizan ahumadores donde queman hierba, un método que reemplaza los antiguos combustibles como estiércol, cartón o espinas de pino. “No se puede tocar una colmena sin humo. Para los apicultores es como llamar a la puerta de la colmena”, dice. Las abejas sienten el humo, se asustan porque creen que hay un incendio, y corren a alimentarse para poder escapar con alimentos para poder formar una nueva colmena. Debido a esto, su estómago o buche melario está tan lleno y están tan ocupadas, que impide que piquen.

Colección de ahumadores de distintas épocas y estilos

Desde su concepción, el ahumador ha evolucionado mucho: en Marruecos se fabricaba con barro cocido, mientras que hoy combina hierro, madera y cuero, e integra un fuelle, una caldera y un pico. En la Ciudad de las Abejas se pueden ver varios modelos, incluidos los de Layens, Lombard o Fourmilier, que ilustran la diversidad regional de esta herramienta. Tras la visita del apicultor, las abejas ventilan vigorosamente la colmena para purificar el aire.

Las Colmenas Modernas

Las colmenas modernas, con cuadros móviles, permiten extraer la miel sin destruir la colmena

También hay un chalet temático dedicado a la apicultura contemporánea es el de Les Ruches Modernes, donde descubrimos la colmena italiana Tonelli, un ejemplo de cómo la apicultura ha evolucionado hacia modelos más eficientes. Esta colmena se distingue por su limpieza automática del piso, gracias a la forma ojival de su gran marco que concentra el calor de la colmena.

La apicultura contemporánea utiliza colmenas de madera o materiales sintéticos

Los marcos respetan parcialmente la forma natural de los panales construidos por las abejas, garantizando que la colonia pueda trabajar de manera orgánica dentro de un diseño moderno. Con el tiempo, la colmena Tonelli se ha adaptado para convertirse en una colmena divisible, sustituyendo el cuerpo principal por dos alzas, facilitando así la gestión y la expansión de la colonia sin perturbar a las abejas.

Tienda de productos de Ruchers Sainte-Marie

Exterior de la tienda de la familia Morlière, ubicada junto al Ecomuseo de la Ciudad de las Abejas

Finalmente, nos vamos a ver la zona de manipulación y envasado de miel de la empresa familiar “Ruchers Sainte-Marie” donde en esos momentos están desoperculando, es decir, retirando con un cuchillo la delgada lámina de cera con la que las abejas han cubierto y sellado las celdas del panal de miel. Tenemos la suerte de ver de cerca uno de esos paneles chorreando el sabroso néctar.

Miel de flores de los Pirineos y miel de tilo de Ruchers Sainte-Marie

En la tienda además de ofrecerte la posibilidad de hacer una cata de miel, podrás comprar todos los productos elaborados con miel y alguna de los catorce tipos de miel que te puedes llevar a casa. Entre las mieles, encontrarás la de azahar y acacia, la intensa de brezo y castaño, la fresca de primavera y la de romero, así como variedades más singulares como la de trigo sarraceno, tilo o girasol cremoso, sin olvidar la tradicional miel en panal.

Productos de miel de Ruchers Sainte-Marie disponibles en la tienda de la Ciudad de las Abejas

Para quienes buscan combinaciones creativas, la familia Morlière elabora preparados con miel y limón, albaricoque, café, frambuesa o avellana. En la tienda también podrás adquirir una botella de delicada hidromiel o vinagre aromatizado, hasta los caramelos de miel y los pasteles elaborados con el néctar de los Pirineos. También se pueden encontrar polen, jalea real, propóleo, jabones en pastilla y velas de cera de abejas.

Más información: Le Musée La Cité des Abeilles. Dirección: 31510 Génos. Se recomienda reservar las visitas a través de su web o en el teléfono: +33 (0) 561 796 804. Horario: De marzo a junio, septiembre y octubre, martes, jueves y sábados de 14 a 18 h. En julio y agosto, de lunes a sábado de 14 a 18 h. Entrada: 7 €. Web: Le Musée La Cité des Abeilles.

Toda la información generada durante mi escapada a la Ciudad de las Abejas puede consultarse a través de los hashtags #pyrenees31 y #TourismeHG.

Qué más ver cerca

Prolonga la experiencia adentrándote en una ruta de senderismo por los valles y cascadas que rodean Luchon. Desde paseos tranquilos hasta itinerarios más exigentes, estas rutas permiten recorrer paisajes de montaña, praderas salpicadas de flores silvestres y descubrir cascadas y lagos.

Ruta por Collioure: anchoas, vino y gastronomía catalana

2025-08-22T19:35:00.002+02:00

Vista de Collioure desde el mar, con el campanario de Notre-Dame-des-Anges dominando el paisaje

Collioure huele a mar, a viñedos soleados y a cocina mediterránea. En sus calles estrechas pavimentadas de guijarros se descubren historias centenarias, como la tradición de las anchoas que ha dado fama a la villa y que aún perdura gracias a Anchois Roque, o el vino que madura entre terrazas mirando al mar y que acabará religiosamente en el Cellier Le Dominicain.

La gastronomía de Collioure refleja la creatividad de los nuevos chefs

Hoy, la gastronomía local combina la herencia catalana con nuevas propuestas que sorprenden al paladar: desde los sabores renovados del restaurante La Mamma, hasta la cocina catalana del Restaurant Le Jardin de Collioure. Esta ruta por Collioure es apta para cualquier amante de la buena cocina y los vinos de calidad, acabando con un merecido descanso en la refinada quietud de La Casa Païral.

Anchois Roque: 150 años de tradición con un pequeño pez azul

Las barcas catalanas salían de noche iluminadas por lámparas para faenar

En Collioure, la anchoa es un símbolo cultural heredado de hace siglos, cuando este puerto catalán contaba con una intensa actividad pesquera con cerca de 200 barcas. Junto a la viña, la pesca sustentó a la población durante siglos. Hoy, de aquella flota de “barcas catalanas” apenas quedan unas pocas embarcaciones, más como símbolo que como herramienta de trabajo.

Anuncio de Anchois Roque en Rue de la Démocratie

Anchois Roque fue fundada en 1870 por Alphonse Roque, el tatarabuelo del actual propietario, que fabricaba barriles de madera para la salazón de pescado. La empresa ha pasado por cinco generaciones y sigue siendo 100 % familiar: hijos, sobrinos, hermanos y cuñados trabajan codo con codo con Florent Roque, que nos recibe amablemente en una visita-degustación en el taller. En 2020, Anchois Roque celebró su 150 aniversario recibiendo el prestigioso sello estatal “Entreprise du Patrimoine Vivant”, que distingue la excelencia artesanal francesa.

Cómo se elaboran las anchoas y boquerones

Miembros de la familia Roque en el taller de elaboración de anchoas (c. 1950)

Históricamente, la salazón fue el método de conservación por excelencia, no solo de la anchoa, sino también de las sardinas y el atún. La producción en Anchois Roque mantiene el método artesanal de antaño: filetes enteros, sin centrifugado, secados y madurados lentamente a baja temperatura para desarrollar aroma y consistencia. Aquí se descarta la maduración rápida y salada que se practica en otros países como Marruecos.

La tradición y el saber hacer siguen intactos en Anchois Roque

El proceso sigue siendo manual y minucioso: tras seis meses de maduración en sal, a baja temperatura (8 °C), las anchoas pasan por las manos expertas de las fileteadoras, en un proceso artesanal donde los filetes se limpian, se secan con papel absorbente y se envasan en aceite de girasol u otro aceite neutro, como el de colza, para no alterar su sabor. Bien conservadas a menos de 15 °C, mantienen mejor su aroma y textura hasta 18 meses. Cada año se procesan unas 200 toneladas de pescado fresco para obtener menos de 100 toneladas de producto final.

Degustación de boquerones en Anchois Roque

La destreza de las anchoieuses, que trabajan a mano desde el salado hasta el envasado, se mantiene intacta en la Maison Roque, la salazón más antigua de Francia aún en activo. Una sobadora de anchoas puede elaborar ocho kilos de filetes en cuatro horas. El boquerón, de sabor más suave y fresco, se prepara de forma muy distinta a la anchoa: el filete fresco de boquerón se marina una noche en vinagre y aceite. Se debe conservar a menos de 4 °C y consumirse en un plazo de 5‑6 meses.

Los retos actuales y la IGP

Gran parte de la materia prima procede de las costas atlánticas

El principal reto ahora mismo es la materia prima. Desde los años 2000, la escasez de anchoa en el Mediterráneo por la falta de fitoplancton nutritivo, da lugar además a ejemplares adultos más pequeños. Lo que obliga a importar desde hace 20 años parte de las anchoas del Cantábrico, Portugal y, puntualmente, de Argentina, aunque siempre procesando el pescado en Collioure. En 2003 se reconoció la IGP “Anchois de Collioure”, pero las normas han quedado desfasadas. Requisitos como la maduración a 25 °C chocan con la legislación sanitaria francesa, haciendo inviable la certificación.

Taller de salazón de anchoa en la primera mitad del siglo XX

A mediados del siglo XX Collioure contaba con una treintena de salazoneras que empleaban a unas 2.000 personas; hoy en Collioure solo quedan dos que mantienen viva esta tradición más que centenaria de la salazón de anchoa, Anchois Desclaux y Anchois Roque, ambas en lucha por adaptar la denominación a la realidad actual. Su producción se destina casi en exclusiva al mercado francés, mientras que en Catalunya la anchoa de L’Escala, muy similar en sabor y tradición, domina el mercado local.

El presente de Anchois Roque

Pequeños caprichos de la tienda de Anchois Roque que nos llevamos a casa

En la tienda de Anchois Roque, verdadero templo del sabor marinero de Collioure, se despliega una amplia gama de productos que van desde las conservas de pescado —anchoas a la sal, filetes en aceite, boquerones en vinagre, cremas untuosas como la anchoïade y aceitunas rellenas— hasta especialidades regionales como la tapenade o el corail d’oursin (huevas de erizo). A ello se suma una cuidada selección de productos de la tierra: vinos, aceite de oliva y el célebre vinagre de Banyuls.

Colocando las anchoas sobre papel absorbente, paso clave de su elaboración artesanal

Justo encima de esta auténtica despensa gourmet se encuentra el taller pedagógico donde los visitantes pueden ver de cerca el arte de la elaboración de la anchoa, mientras escuchan las historias y secretos de este pequeño tesoro azul. Por desgracia, la demanda ha convertido a la anchoa en un producto casi de lujo, aunque en Roque defienden que debe seguir siendo popular: un placer para ocasiones especiales, pero accesible.

La Anchoa de Collioure

Anchoa de Collioure, curada artesanalmente según una tradición centenaria

En la mesa, las anchoas son protagonistas de la gastronomía catalana: en tapas, sobre pan tostado o acompañadas de vinos locales como el Collioure o el Banyuls. Más que un simple producto, las anchoas son un pedazo de historia de aquí, que los viajeros pueden llevarse en un tarro, con el sabor intenso y la paciencia de una tradición centenaria. Aunque Collioure es célebre por su luz y su historia milenaria, fue un pez mucho más modesto, la anchoa mediterránea, el que le dio prosperidad.

La Salade de Collioure

Durante siglos, las barcas catalanas faenaron de noche, y a finales del siglo XIX y principios del XX, la salazón de este pescado se convirtió en una verdadera industria que puso a Collioure en el mapa gastronómico. Maison Roque recomiendan degustar La Salade de Collioure; anchoas acompañadas de pimiento rojo escalivado, huevo duro y aliñarlo con un buen aceite de oliva, ajo, perejil y un poco de vinagre de Banyuls, una combinación que suaviza la salinidad y realza los matices de las anchoas.

Más información: Anchois Roque. Dirección: 17 Route d’Argelès, 66190 Collioure. Teléfono: + 33 (0) 468 820 499. Horario de las visitas y degustaciones gratuitas: De lunes a viernes de 8:15 a 11:45 y de 14:05 a 16:45 h. Web: Anchois Roque.

Restaurante La Mamma

Pescado del día con espárragos verdes y rebozuelos

En Collioure, el restaurante La Mamma ha cambiado de chef y la transformación en sus platos ha sido radical. Adiós a la gastronomía italiana y hola a la filosofía locavore: cocinar con productos de proximidad, frescos y de temporada, apoyando a productores locales y reduciendo al mínimo la huella ecológica.

Magnífica vista de Collioure desde el restaurante La Mamma

La Mamma se ha convertido en un templo gastronómico con sus terrazas abiertas al Mediterráneo y a la mejor panorámica de Collioure, donde ahora comer bien y sorprenderte será casi un ritual al alcance de todos los paladares. Al frente, el chef Florian Rossignol crea platos que celebran el producto catalán más fresco, combinando toques de mar y montaña con combinaciones creativas espectaculares.

Albóndigas de cordero con calamar rojo y guisantes

La carta cambia con frecuencia, siempre fiel a la estacionalidad y al sabor auténtico de los productos. La experiencia se completa con una bodega que, apuesta por vinos de pequeños productores de la Catalunya Nord y Sud, además de un bar que sirve cócteles clásicos y creaciones exclusivas inspiradas en ingredientes locales.

Anchoas de la casa marinadas con vermut

Entre los platos que pudimos degustar, se llevaron las mejores críticas las anchoas de la casa marinadas con vermut (14 €), los delicados buñuelos de pescado con mayonesa de miso y salsa verde (15 €), el sorprendente pulpo de Ardeles con sobrasada y albaricoques (21 €), el atún rojo con agua de zanahoria y pimienta de Sichuan que aporta ese toque cítrico, floral y cosquilleo característico (19 €).

Raviolis de langosta en caldo de carcasas con albahaca tailandesa

En mi caso, me decanté por unos deliciosos raviolis de langosta en caldo de carcasas con albahaca tailandesa (24 €). Las explosivas combinaciones siguieron también en los segundos platos con combinaciones tan audaces como albóndigas de cordero con calamar rojo y guisantes (34 €), o pescado del día con espárragos verdes y rebozuelos (35 €).

Helado de frambuesas con stracciatella catalana y gaufrette de vainilla

Para el final, postres que reinterpretan la tradición catalana, como la crema catalana con fresas y Byrrh (13 €), os dejo un enlace por si no conocéis este aperitivo francés creado en 1866 en Thuir, helado de frambuesas con stracciatella catalana y gaufrette de vainilla (13 €), la mezcla golosa del chocolate con praliné de cacahuetes y hierbas marinas (14 €) o el queso del día (12 €).

Más información: La Mamma Restaurant. Dirección: 15 Route de Port-Vendres, 66190 Collioure. Teléfono: + 33 (0) 411 300 755. Web: La Mamma.

El convento de los dominicos frente al mar

Grabado de 1668 con el convento de los dominicos a la derecha de St. Elme

A finales del siglo XIII, Collioure vivía un momento de esplendor: la pesca, la agricultura y el comercio marítimo convertían la villa en un lugar próspero y diverso. En este contexto, el joven reino de Mallorca favoreció la fundación de un convento de frailes dominicos. En 1290, se concedieron los permisos para la instalación de la orden en Collioure, gracias a la donación de una casa y terrenos en el barrio del Port d’Avall por parte de Guillaume Puig d’Orfila, allegado del rey Jaime II.

Convento de los dominicos, con la letra K, en el plano de Collioure de Pontault de Beaulieu (c. 1668)

El Convento de los Dominicos se levantó fuera de las murallas, al pie de la montaña, donde convergen dos riachuelos, y muy cerca del Mediterráneo. Los planos del siglo XVII muestran una iglesia con campanario y un edificio cuadrangular adyacente que probablemente fue su claustro. Alrededor de la iglesia se extendían las dependencias conventuales, delimitadas por un muro de cierre que protegía la vida monástica. La primera comunidad estuvo formada por catorce frailes y dos conversos.

La iglesia de los dominicos

La iglesia de los dominicos de Collioure fue levantada a orillas del Mediterráneo

La iglesia de los dominicos de Collioure, construida entre finales del siglo XIII y comienzos del XIV, nació como parte de este ambicioso conjunto monástico que miraba al mar. Aunque su estado original se ha perdido, aún conserva huellas de su grandeza medieval. Su cabecera, orientada de forma poco común hacia el sur, se reduce hoy a un muro de mampostería. En su origen contaba con dos portales en mármol blanco de Céret, reconocible por sus vetas grises.

Cabeza sobre el arco apuntado del portal principal de la iglesia dominica

El portal principal, al norte, orientado hacia el corazón de la villa, fue tallado hacia la primera mitad del siglo XIV. De arco apuntado y doble arquería, mantiene una decoración discreta: una moldura sencilla recorre el intradós y descansa sobre ménsulas esculpidas con hojas estilizadas. Aunque su deterioro impide identificarlo con precisión, sobre el arco, se ve un rostro masculino añadido en el siglo XVIII. El contraste entre el mármol blanco y los muros de esquisto oscurecidos por el tiempo realza la fuerza visual de esta entrada gótica.

Nichos funerarios junto a la entrada principal de la iglesia de los dominicos

El otro más pequeño situado al oeste, está ubicado entre dos contrafuertes, que comunicaba directamente con el claustro. Junto al portal se abren dos nichos funerarios de arco apuntado, tallados en mármol de Baixas, un material de tonos azulados. Estos nichos conservan escudos heráldicos de las familias que aquí fueron enterradas, entre ellos blasones ondulados y cruces flordelisadas. Algunos investigadores han identificado en ellos posibles referencias a linajes locales como los Ribes, Ribera o Aulomar, mencionados en documentos del siglo XIII y XIV.

Los jacobinos durante la Revolución Francesa se instalaron en el convento de los dominicos

Otros escudos muestran símbolos vinculados a apellidos de la región, como un búho (òliba) o un árbol, alusiones que remiten a nombres comunes en la época: encina (alzina), alcornoque (garric) u olmo (om). Documentos del siglo XVII relatan cómo sus capillas se enlucían o cómo algunas se transformaban en almacenes de harina o depósitos militares a principios del siglo XVIII.

Claustro del antiguo convento dominico, hoy testimonio de un pasado desaparecido

La primera mención conocida del alquiler de locales en el recinto del convento data de esa época, parte del convento de los dominicos fue alquilado al ejército francés para albergar carruajes de artillería (1702-1704), y también para almacenar madera y otros materiales, e incluso se instaló una forja (1717). Con la Revolución Francesa llegó la desamortización. Después de cinco siglos al servicio de la religión, la iglesia fue desconsagrada y utilizada como almacén, mientras el convento se desintegraba en ventas en lotes a particulares y derribos.

Galería del antiguo convento de los dominicos en el Museo de Arte Moderno de Collioure

La transformación definitiva llegó en 1926, cuando la antigua iglesia fue subastada y adquirida por los viticultores de Collioure para instalar la cooperativa que hoy conocemos como Cellier Le Dominicain. Algunos restos del claustro, formado por cuatro galerías de arcos apuntados sobre columnas finas, también sobrevivieron a las vicisitudes del tiempo: dos fueron destruidas tras la Revolución Francesa, otra saqueada por traficantes de arte sin escrúpulos.

Anuncio en Le Figaro del 19 de agosto de 1952 de la subasta del claustro en el Château Brindos

La cuarta galería acabó arrancada piedra a piedra y vendida en 1931 a un acaudalado inglés, Reginald Wright, quien deseaba añadir algunas piezas antiguas a su flamante propiedad en el lago Brindos, en Anglet, cerca de Biarritz. No fue hasta 1995 que esta última galería regresó a Collioure, donde fue reconstruida en los jardines del Museo de Arte Moderno en 1998. Otros restos como ménsulas, arcos y portales de mármol quedaron ocultos en viviendas y edificios levantados sobre el solar del convento.

La nave

Arcos transversales y cubierta de madera en la nave de la iglesia de los dominicos

La nave de la iglesia dominica de Collioure, de una sola planta, impresionaba por sus dimensiones: unos 43 metros de longitud y cerca de 20 metros de altura, que, sumados al ábside, posiblemente poligonal, alcanzaban casi 50 metros. Las capillas laterales, abiertas entre los contrafuertes, siguen un modelo habitual en las órdenes mendicantes desde el siglo XIII, donde cofradías o familias encargaban pequeños espacios privados de oración.

La tienda del Cellier Le Dominicain está situada en una de las capillas de la iglesia de los dominicos

Se han conservado cinco capillas (dos al este y tres al oeste), aunque se cree que pudieron existir algunas más de distintos tamaños. Este diseño, con una nave única, capillas laterales y un ábside del que hoy apenas queda el arco triunfal, inscribe a la iglesia de los dominicos en el contexto del gótico meridional. Con el paso del tiempo, el interior sufrió transformaciones radicales. La más evidente fue la instalación de dos niveles para almacenar las cubas y barricas de la cooperativa vinícola.

Decoración escultórica de las ménsulas de las antiguas capillas

El volumen único de la nave desapareció, pero aún hoy, desde la galería superior, es posible distinguir los arcos de crucería, los canecillos esculpidos de las capillas laterales y la techumbre de madera. En las vigas más cercanas al antiguo coro sobrevive incluso una delicada decoración pintada: flores de ocho pétalos inscritas en círculos alternan con las armas heráldicas de Collioure —un castillo de tres torres—, restos de la policromía original del edificio.

Ventana y clave de bóveda de la antigua iglesia

La decoración escultórica de la iglesia de los dominicos de Collioure es sobria, casi discreta, en consonancia con el ideal mendicante: las ménsulas son tipo cul-de-lampe (consola saliente en voladizo), mientras que algunas claves de bóveda conservan motivos vegetales, como las hojas de roble dispuestas en roseta, o escudos lisos que habrían estado pintados. En bases e impostas aparecen relieves de cabezas humanas, ornamentos vegetales y escudos.

Ornamentos vegetales que recuerdan tréboles de tres hojas

Si nos fijamos en los rostros femeninos llevan velo, a veces acompañado de cofia con cinta o birrete, sujetado con un tocado típico de damas nobles y burguesas entre finales del siglo XII y el XIV llamado barbette: una tira de tela que pasaba bajo el mentón y sujetaba el tocado o velo femenino.

Ménsula de la primera capilla oriental, hoy en la recepción del Cellier Le Dominicain

Los rostros masculinos llevan media melena, de puntas rizadas o lisas, en corte degradado propio hacia 1300. Aunque de modelado simple, los rostros —con ojos saltones, narices anchas y bocas apenas perfiladas— revelan diferencias de estilo que permiten reconocer al menos tres autores distintos, activos entre finales del XIII y la primera mitad del XIV.

El Cellier Le Dominicain: de convento a bodega cooperativa

Entrada al Cellier Le Dominicain

Desde 1926, la antigua iglesia dominica de Collioure se convirtió en la cooperativa vinícola del pueblo. Así nació el Cellier Le Dominicain, nombre que rinde homenaje a los frailes que levantaron este espacio monumental, hoy animado por el esfuerzo de unos 130 viticultores. Dicen que es la bodega más bella de la Costa Bermeja y razón no les falta. Aunque el interior fue completamente transformado para adaptarlo a las necesidades de la bodega: se levantaron cubas de cemento, se añadió un segundo piso y se instalaron prensas y depósitos de acero y plexiglás, hay cierto aire espiritual conservado entre estas paredes.

En la antigua iglesia de los dominicos, reposan las barricas del Cellier Le Dominicain

Aquí nacen dos denominaciones de origen únicas: Banyuls, célebre vino dulce natural con denominación reconocida en 1934 (aunque su tradición es mucho más antigua), y Collioure, con tintos (1971), rosados y blancos, elaborados en suelos de esquisto que otorgan mineralidad y carácter. El Banyuls se obtiene gracias a la técnica de la mutación, descubierta en la Edad Media por Arnau de Vilanova: durante la fermentación se añade alcohol vínico neutro, interrumpiendo el proceso y conservando el azúcar natural de la uva.

Antigua postal del viñedo de Collioure donde se menciona la bodega Veuve Jh. Banyuls

La garnacha —en sus variantes tinta, blanca y gris— domina el 70 % de la producción, acompañada por variedades como syrah, monastrell o vermentino. En total, los socios cultivan unas 140 hectáreas en terrazas de esquisto que descienden abruptamente hacia el mar. El trabajo es duro y artesanal: las laderas escarpadas impiden la mecanización, de modo que la vendimia se hace a mano, racimo a racimo, cargando las cestas a hombros entre terrazas asomadas al Mediterráneo.

Herramientas tradicionales de la vendimia en el pequeño museo del Cellier Le Dominicain

La cooperativa mantiene un espíritu colectivo a pesar de que tres o cuatro viticultores concentran el 60% de la producción. “Aquí todos remamos en la misma dirección”, dicen con orgullo, incluso en tiempos difíciles. La sequía, que desde hace cuatro años castiga la región, ha reducido drásticamente los rendimientos: de los 40 hectolitros por hectárea que exige el reglamento de la denominación de origen, apenas se alcanzan entre 10 y 15.

Antigua prensa de uva, testigo del trabajo artesanal en la bodega

Durante nuestra visita al Cellier Le Dominicain, pudimos descubrir de primera mano cómo se trabaja la uva que llega de los viticultores, muchos de ellos propietarios de pequeñas parcelas heredadas de sus abuelos o abuelas. Cada día se dedica a una variedad distinta: un lunes puede entrar la garnacha, el martes la syrah, el miércoles el monastrell… Todo se registra con precisión en un cuaderno. La vendimia se pesa, se mide el grado de azúcar y, desde allí, la uva se envía por largas mangueras hasta la prensa, situada al fondo de la bodega.

Barricas de Cru de Banyuls en el Cellier Le Dominicain

Tras eliminar impurezas como raspones, hojas o pepitas, la uva pasa directamente a la cuba, según el tipo de vino que se vaya a elaborar. En el caso de los tintos, el grano se fermenta entero con su piel: es el contacto de la pulpa blanca con la piel lo que aporta color y taninos, un proceso conocido como maceración pelicular. Así, un rosado no es más que un vino tinto al que se le retira la piel poco después, para que no adquiera demasiado color.

Bóvedas ennegrecidas por los vapores del vino: la “parte de los ángeles”

Descubrimos bajo las bóvedas ennegrecidas por los vapores del vino —la llamada “parte de los ángeles”—. Aquí reposan barricas donde algunos Banyuls y Collioure maduran pacientemente. En algunas de ellas se conserva un vino viejo que sirve de base para el Banyuls Hors d’Âge. Cada vez que se embotella, se extrae un 20 % de esa mezcla y se completa con vinos más jóvenes, siguiendo el sistema de solera. El resultado es un vino sin edad, complejo y profundo, considerado un auténtico postre.

Aquí se crían los Banyuls ambré, cargados de historia y paciencia

Mientras, al otro lado, las damajuanas de cristal reposan bajo el sol para criar los Banyuls ambré, vinos blancos que tras tres años de oxidación natural se convierten en líquidos de ámbar brillante. Los visitantes españoles, al saborear un Banyuls, suelen decir entre risas “¡Se parece al vino de misa!”. Quizá —bromeamos en la bodega— el espíritu de los dominicos siga elaborando vino... y luego cada uno celebrará su misa en casa.

Cata de vinos en el Cellier Le Dominicain

Edición especial de botellas del Cellier Le Dominicain

Entre muros cargados de siglos, donde aún se adivina la pureza de la arquitectura gótica, se elaboran los vinos de Collioure y los vinos dulces Banyuls que perpetúan la tradición vinícola de esta tierra. Así damos inicio a la cata de vinos en el Cellier Le Dominicain:

Le Dominicain Padreils Collioure

Imagen antigua de la vendimia cerca de Collioure

Comenzamos la cata con Le Dominicain Padreils Collioure 2023, un blanco con denominación de origen protegida que lleva el nombre de un paraje natural de Collioure donde se cultivan sus viñas. En estas terrazas de esquisto, abiertas entre el mar y la montaña, maduran las variedades que componen este cuvée Collioure Blanc: 60 % garnacha blanca, 20 % garnacha gris, 15 % vermentino (también llamada "Rolle") y un toque de 5 % de roussanne.

Le Dominicain Padreils Collioure es perfecto para acompañar el aperitivo, pescados o mariscos

El vino nace de vendimia manual y se cría en cubas de cemento hasta su embotellado en marzo. El resultado es un vino blanco de color dorado, con un aroma sutil a flores blancas y cítricos que se prolonga en boca con frescura, equilibrio y una nota mineral ligeramente avainillada. Perfecto para un aperitivo, revela toda su armonía con pescados a la plancha o marisco fresco. Además, sorprende por su excelente relación calidad-precio: 12 € en bodega.

Le Dominicain Saint Dominique Collioure

Representación de Santo Domingo por Lucas van Leyden (1512-1516)

El segundo vino de la cata nos conecta directamente con la historia del lugar: Le Dominicain Saint Dominique Collioure, un tinto que rinde homenaje a Santo Domingo de Guzmán (1170-1221), fundador de la orden dominica en 1216. Se trata de un coupage de 70 % syrah y 30 % garnacha negra, criado durante 12 meses en barricas de roble nuevas. A la vista muestra un profundo color granate con reflejos casi negros.

Le Dominicain Saint Dominique Collioure es ideal para acompañar platos de carne

En nariz, Saint Dominique despliega una intensidad marcada de grosella negra, cacao y un delicado toque de vainilla. En boca es amplio y sedoso, con un equilibrio perfecto entre la madera y la fruta roja madura, que se prolonga en una final elegante y delicioso. Un tinto de alta gama, ideal para acompañar un magret de pato o un buen filete de buey, que refleja la unión entre tradición e innovación de la bodega. Disponible en la cooperativa a 26 € la botella.

Le Dominicain René Perrot Banyuls blanc

René Perrot (1958)

El tercer vino de la cata nos lleva al universo de los vinos dulces naturales con Le Dominicain René Perrot Banyuls blanc (AOP Banyuls 2023). Su etiqueta rinde homenaje al artista René Perrot (1912-1979), pintor y ceramista francés que descubrió Collioure en 1945 y que plasmó en 1954 una imagen inusual del pueblo cubierto de nieve. La cooperativa perpetúa así su colección dedicada a los pintores que vivieron en Collioure y se dejaron inspirar por la luz mediterránea.

Le Dominicain René Perrot Banyuls se recomienda servir frío

Elaborado con 60 % de garnacha blanca y 40 % de garnacha gris, este Banyuls blanco ofrece una brillante tonalidad amarillo pajizo y aromas intensos de cítricos y miel de acacia. En boca es delicado y sedoso, con la dulzura justa para acompañar servido frío, desde el aperitivo, un foie gras o un queso de cabra o un queso de oveja, hasta postres como una crema catalana, sorbete de mandarina o tarta de manzana, pera o melocotón. Un vino dulce con carácter propio, que se encuentra en la cooperativa a 14,50 € la botella.

Le Dominicain. Saint Vicent Ferrier

Representación de San Vicente Ferrer (S. XVIII)

El cuarto vino que probamos fue Le Dominicain Saint Vincent Ferrier Banyuls Ambré (AOP Banyuls 2020). Su nombre rinde homenaje a Vicente Ferrer (1350-1419), célebre dominico conocido por sus predicaciones públicas. Este Banyuls ambré, elaborado con 70 % garnacha blanca y 30 % garnacha gris, se distingue por su peculiar crianza: la mitad del vino envejece en barricas de roble, mientras que la otra lo hace en damajuanas de cristal expuestas al sol durante tres años.

Le Dominicain Saint Vincent Ferrier Banyuls Ambré notas de naranja y frutos secos

El contacto con los rayos UV da como resultado un vino de color ámbar brillante con reflejos dorados, elegante en boca con aromas frutales en brandy y un final con un toque de naranja confitada, sorprendentemente versátil. Puede servirse a 12-14 °C y marida perfectamente con un queso de cabra sobre tostada caliente, un foie gras o la clásica tarta tatin. Su precio en bodega: 17 €.

Le Dominicain. Cuvée Augustin Hanicotte

Augustin Hanicotte, artista que inmortalizó la luz y el paisaje de Collioure

El quinto y último vino de la cata fue Le Dominicain Cuvée Augustin Hanicotte Banyuls Hors d’Âge (AOP Banyuls), un vino viejo y de carácter único. Su nombre rinde homenaje al pintor Augustin Hanicotte (1870-1957), gran amante de Collioure, cuyas obras también ilustran las etiquetas de esta colección dedicada a los artistas. El guiño se completa con las iniciales AH (Augustin Hanicotte) y HA (Hors d’Âge).

Trijntje Spaander, esposa de August Hanicotte, en Collioure

Elaborado con 70 % garnacha negra, 20 % garnacha gris y 10 % cariñena, es la máxima expresión de la paciencia y la tradición. Este Hors d’Âge (sin edad) no está ligado a una añada concreta: se alimenta de una base de vinos de más de 40 años, conservados en viejas barricas de crianza antiguas de roble húngaro que jamás se vacían, a la que se van añadiendo vinos más jóvenes ya criados. El resultado es un Banyuls de profunda complejidad, envejecido durante al menos 5 años. Su color es un oscuro color rojo teja, color café.

Le Dominicain Cuvée Augustin Hanicotte Banyuls Hors d’Âge

En nariz es intenso y rico en notas de frutos secos, higos, tabaco rubio y moka. En boca es untuoso y generoso, con recuerdos de higo, combinados con ciruela pasa y cacao que lo hacen inolvidable. Servido entre 12 y 14 °C, resulta un compañero ideal para postres de cacao o moka, pero también puede disfrutarse solo, lentamente, como vino de meditación… o incluso junto a un buen libro. Su precio en bodega: 25,5 €.

Más información: Cellier Le Dominicain. Dirección: Place Orphila, 66190 Collioure. Teléfono: +33 (0) 468 820 563. Horario: De abril a septiembre, de lunes a sábado, de 9 a 12:30 h y de 13:30 a 18:45 h. Domingo, de 10 a 13 h y de 15 a 18:45. De octubre a marzo, de lunes a sábado, de 9 a 12 h y de 13:30 a 18 h. Cerrado los domingos. Visitas guiadas todo el año bajo reserva previa. Web: Cellier Le Dominicain.

Restaurante Le Jardin de Collioure

Huellas del convento dominico, visibles en el jardín de Le Jardin de Collioure

Donde antaño se alzaba parte del monasterio de los dominicos, hoy se encuentra el restaurante Le Jardin de Collioure. Son especialistas en caracoles y parrilladas, tanto de pescado como de carne. El restaurante cuenta con un espacioso jardín, un entorno singular donde verás una serie de esculturas. Pero quizás lo que más impresionan son los vestigios del antiguo convento del siglo XIII, que incluyen además de los muros de piedra, varios arcos apuntados originales.

Tapenade (olivada) de aceitunas negras de Le Jardin de Collioure

La carta es amplia y tentadora, con mariscos recién traídos del mar y recetas que rescatan los productos locales y también platos de la gastronomía catalana. No hace falta decir que la bodega de vinos del restaurante Le Jardin de Collioure cuenta con las variedades de Cellier Le Dominicain, a los que nos tiramos de cabeza.

Assiette de Collioure con ensalada, anchoas, pimiento y berenjena escalivados y huevo duro

Nuestra elección para los primeros platos comienza con la Assiette de Collioure (14,5 €), que se compone de ensalada verde acompañada de anchoas en vinagre, huevo duro, pimiento rojo y berenjena escalibada, acompañada por una tapenade de aceitunas negras, elaborada con alcaparras y anchoas, un guiño a la tradición provenzal que se ha integrado en la cocina catalana de los Pirineos Orientales.

Mejillones gratinados al vino viejo de Banyuls

Le siguieron unos mejillones gratinados al vino viejo de Banyuls (14 €), una receta cargada de carácter que refleja el vínculo entre el mar y los viñedos de la región. El festín continuó con diez gambas rojas a la plancha (22 €), sencillas pero irresistibles, preparadas únicamente con aceite de oliva y flor de sal.

Gambas rojas a la plancha, al aceite de oliva y a la flor de sal

Entre los platos que forman parte de las especialidades de Le Jardin de Collioure, podemos degustar una zarzuela de la casa (35 €), una mariscada real flambeada al Armagnac con gambas, calamares, navajas, mejillones, almejas y centollo (35 €) o la tradicional Cargolade de 30 o caracoles a la brasa (22-30 €).

Lasaña de dorada royal con colmenillas

Como plato principal me decanté por una lasaña de dorada royal con colmenillas (28 €). Las colmenillas (en francés morilles) son setas muy apreciadas en la gastronomía, aunque no son tan conocidas como los champiñones o los boletus. Su sabor intenso aporta un toque de sofisticación que realza la receta.

Milhojas con frambuesas

La carta de postres ofrece una amplia selección que va desde helados servidos en copa (10 €), hasta recetas tradicionales catalanas como la crema catalana (8,5 €) o un profiterol gigante (10 €). Entre tanta tentación, me decidí por un delicado milhojas con frambuesas (8,5 €), un postre delicado donde las capas crujientes de hojaldre se combinan con la frescura ácida de la fruta roja.

Flambeando una crêpe suzette con Grand Marnier

La icónica, Crêpe Suzette flambeada al Grand Marnier (12,5 €), un postre clásico de la gastronomía francesa, preparado ante nuestros ojos con un ritual que nunca pasa de moda. Una fina crêpe bañada en una salsa a base de mantequilla, azúcar, zumo de naranja y Grand Marnier (licor de naranja), que sorprende cuando se flambea en el momento de servir.

Más información: Le Jardin de Collioure. Dirección: 4 Route de Port-Vendres, 66190 Collioure. Teléfono: + 33 (0) 468 951 252. Horario: Abierto diariamente de 9 a 22 h. Disponen de un pequeño aparcamiento privado. Web: Le Jardin de Collioure.

La Casa Païral

La Casa Païral: de hogar familiar a refugio con encanto

En nuestro viaje a Collioure nos alojamos en el Hotel Casa Païral (en referencia a la casa familiar catalana heredada por el primogénito varón de la familia, donde antiguamente vivían tres o cuatro generaciones de la misma familia en la misma casa), construida hacia 1870 por M. Espériquette, un catalán que tenía un saladero de anchoas y estaba enamorado del pueblo.

Postal antigua de la Casa Païral

De hecho, venía a pasar aquí los veranos con su familia y en la habitación número 3 nacieron sus hijos. Conocida entonces como “el château”, fue la primera vivienda de Collioure con tejado de zinc. Aislada del bullicio, ya entonces su jardín y el gran magnolio ofrecían un refugio íntimo y silencioso.

Mi habitación en la Casa Païral

Convertida primero en pensión y, más tarde, en hotel, la propiedad fue adquirida en 1970 por Guy Lormand. Fue él quien, junto a amigos y a sus propios hijos, excavó a mano la piscina que hoy se esconde en el patio, inaccesible a las máquinas. La mansión se transformó en un hotel con 27 habitaciones, dos de ellas suites, situadas en el espacio donde antaño la familia Espériquette tendía la ropa.

Salón de lectura de la Casa Païral: lámparas de época y cómodos sillones que invitan a soñar

Nada, o casi nada, ha cambiado en 155 años. El nombre, Casa Païral, resume bien su espíritu: no es tanto un hotel como una casa familiar que parece detenida en el tiempo. Los muebles de los años 30 y 40, la llamada “chambre de grand-mère” con su decoración pulida y acogedora, el gran salón de lectura con lámparas de los años 30 y cómodos sillones, invitan a una hospitalidad de otra época.

Magnolio centenario de la Casa Païral, emblema del jardín y su historia

Aquí se respira un aire de casa de huéspedes, que recuerda con cariño a la casa de la abuela cuando la visitábamos de pequeños. El auténtico corazón de la Casa Païral late en su jardín. Desde la escalera adornada con azulejos de peces y flores, se desciende hacia un magnolio de 120 años, árbol tutelar del lugar, tantas veces pintado o descrito por los huéspedes que se ha convertido en emblema vivo del hotel.

Fachada cubierta de jazmín estrellado en el segundo edificio de la Casa Païral

Bajo su sombra se mezclan margaritas, hortensias, jazmines y glicinas centenarias, componiendo un auténtico oasis escondido en pleno centro de Collioure, a dos pasos del puerto y del castillo real. También destaca una impresionante pared verde de jazmín estrellado que cubre por completo la fachada del segundo edificio del hotel, construido en la década de 1950, donde me alojo.

Fuente del jardín de la Casa Païral rodeada de flores

La Casa Païral es, en definitiva, una de esos alojamientos donde sientes que nada ha cambiado y todo sigue de moda. Aquí uno puede permitirse ser niño, pintor o poeta, o simplemente dejarse llevar por el letargo de no hacer nada, tan solo contemplar, escuchando el sonido de los pájaros, el rumor del agua en la fuente o intentar adivinar el perfume de las flores que se encuentran en el jardín.

Piscina climatizada de la Casa Païral, un oasis de relax en pleno centro de Collioure

Del jardín nos trasladamos a la piscina; el paseo sobre un camino de grava culmina junto a una hilera de tumbonas bajo una glicina centenaria, que ofrece sombra y un delicado perfume. A un lado, una alameda de bambúes convierte el acceso desde el aparcamiento en un pasaje casi secreto. La piscina, de 1,08 a 1,70 metros de profundidad, está climatizada a 27 °C, invitando a sumergirse en el relax y el aturdimiento.

Rincones llenos de historia y elegancia en la Casa Païral

Un rincón donde dejar que el tiempo se esfume mientras se escucha el murmullo del agua y se contempla la danza de la luz entre las hojas y las flores. La piscina, rodeada de vegetación y calma, es un remanso de tranquilidad. La verdadera belleza del hotel Casa Païral reside en su capacidad de combinar historia, naturaleza y descanso en perfecta armonía.

Más información: Hôtel Casa Païral ****. Dirección: Impasse des Palmiers, 66190 Collioure. Teléfono: + 33 (0) 468 820 581. Disponen de aparcamiento privado, algo muy recomendable en esta ciudad. Web: Hôtel Casa Païral.

Toda la información generada en redes sociales sobre esta escapada a Collioure puede consultarse a través de los hashtags #visitPO #ToutEstIci #PyrénéesOrientales y #PaysCatalan.

Qué más ver cerca

Anse de Paulilles: Explora la “explosiva” bahía de Paulilles y adéntrate en el taller de barcas catalanas cerca de Port-Vendres.

Canet-en-Roussillon: A tan solo 20 km de Collioure, este encantador pueblo costero ofrece una playa de 9 km de fina arena, y el innovador acuario Oniria.

Flagey, la Fábrica del Sonido Art Déco de Bruselas

2025-08-14T13:43:00.005+02:00

El edificio Flagey, antigua sede del Instituto Nacional Belga de Radiodifusión

Para los entusiastas de la arquitectura y el diseño, Bruselas es un tesoro de sorpresas; algunas muy poco conocidas como el edificio Flagey. Originalmente concebido como el Instituto Nacional Belga de Radiodifusión (INR), la Maison de la Radio, en el vibrante barrio de Ixelles, se erige un emblemático edificio que representa un hito en la historia de la radiodifusión y un icono indiscutible del estilo Art Déco.

Una respuesta a la expansión de la radio

Instituto Nacional Belga de Radiodifusión (INR) y la Iglesia de la Santa Cruz

A comienzos de los años 30, la radiodifusión belga entró en una nueva fase: la duplicación de las horas de emisión obligó al INR a replantearse su infraestructura. Tras asumir las instalaciones de S.A. Radio Belgique en Bruselas y Velthem, la institución necesitó un centro especialmente diseñado, aislado y equipado para dar respuesta a una actividad que crecía de forma exponencial.

Diseño de Joseph Diongre para el vestíbulo de entrada (1933)

La construcción de un edificio capaz de acoger un servicio moderno de radiodifusión se volvió urgente: no bastaban locales prestados, ni soluciones provisionales. El gobierno convocó un concurso internacional en 1933 para levantar la “Maison de la Radio” (Casa de la Radio), un proyecto que uniera innovación técnica y un diseño representativo para una era pionera.

Joseph Diongre y la “Fábrica del sonido”

El edificio combinaba una impecable funcionalidad acústica con un estilo sobrio y monumental

Tras ganar el concurso público, el arquitecto Joseph Diongre (1878-1963), de Uccle, —con asesoramiento técnico de Raymond Braillard y F. Mortiaux— fue encargado de trazar los planos de un edificio que integrara investigación arquitectónica y exigencias acústicas y técnicas. El resultado combinó delicadeza decorativa, elección de materiales y mobiliario adaptado, caracterizado por la sobriedad, líneas limpias y elegancia funcional del Art Déco.

En el vestíbulo de entrada se encuentra la escalera de acceso a las oficinas

Las soluciones técnicas también fueron revolucionarias para ofrecer una calidad acústica sin precedentes: por eso pronto se le apodó la “Fábrica del sonido”. La construcción de Joseph Diongre en la Place Eugène Flagey comenzó el 7 de junio de 1935 y se completó en septiembre de 1938.

Un diseño innovador para una era pionera

Desde la Place Flagey, Flagey evoca la proa de un gran barco

El mejor modo de describir Flagey es imaginar un transatlántico en medio de la ciudad. Esta comparación no es casual; los espacios de circulación internos, con sus paneles de madera y finas luminarias tubulares, evocan los lujosos pasillos de los grandes barcos de la época. Y la solución visual de neones en los techos para indicar el sentido del recorrido, un guiño de modernidad.

La piedra azul adorna la planta baja y enmarca las entradas principales y ventanales

La fachada alterna ladrillo amarillo tipo Venloo y piedra azul en la planta baja, con un marcado ritmo horizontal producto de franjas completas y bandas acristaladas. La torre esquinera escalonada con cuatro niveles circulares de tamaño decreciente, estaba concebida para integrar la antena de la incipiente televisión y contribuir a la imagen monumental del conjunto.

Imagen antigua del Instituto Nacional Belga de Radiodifusión (INR)

El edificio se eleva con seis niveles en la Place Sainte-Croix y siete hacia la Place Flagey. La planta baja estaba rematada por una marquesina de hormigón y ladrillos de vidrio. Contaba con dos entradas principales: una pública hacia la Place Sainte-Croix, iluminada por tres grandes tramos enmarcados en piedra azul, y otra administrativa hacia la Place Flagey, distinguida por un mirador redondeado que abarcaba toda la altura de la fachada.

Grabación de un radioteatro en el Instituto Nacional Belga de Radiodifusión

El proyecto integró avances técnicos inéditos en Bélgica. La funcionalidad fue el alma del diseño. Su planta se organizó en torno a dos torres acústicas independientes, núcleo del complejo, que estaban unidas por pasillos diseñados para minimizar vibraciones y donde se distribuyeron doce estudios de grabación diseñados con proporciones trapezoidales (5:2:3) consideradas óptimas para la acústica.

Estudio para transmisiones habladas (1949)

Estas salas, que variaban en tamaño, podían acoger desde 20 hasta 500 personas, gracias al profundo estudio técnico realizado. Las paredes de ladrillo, de hasta 1,25 metros de grosor, y las “zonas de silencio” actuaban como barreras para impedir que el sonido viajara de un estudio a otro. Los estudios estaban aislados con complejos sistemas de amortiguación, y las salas de control se situaban estratégicamente para optimizar el trabajo técnico.

Vestíbulo y entrada a los estudios del Instituto Nacional Belga de Radiodifusión (c. 1950)

Se usaron materiales absorbentes (alfombras, cortinas, paneles de fibra, y —en la época— amianto y corcho) y técnicas de aislamiento vibratorio (bloques de corcho bajo los forjados, juntas elásticas, etc.). Los técnicos hicieron miles de experimentos (las cifras hablan de unas 40.000 pruebas de laboratorio) para calibrar resonancias, ecos y absorciones.

La decoración y el diseño de interiores

Oficina del director, amueblada con muebles originales Art Déco de la década de 1930

El interior del Flagey es un reflejo de la atención al detalle y la funcionalidad que caracterizó el proyecto de Diongre. El arquitecto no solo diseñó la estructura, sino también el mobiliario que la complementaría. La Oficina del director y el salón ejecutivo, por ejemplo, estaban amueblados con elegantes muebles de madera de estilo Art Déco. Para los músicos, se utilizaron sillas tubulares fabricadas en serie y atriles de estilo modernista.

Proyecto de iluminación Sociedad de Electricidad y Mecánica (SEM)

Para las oficinas y áreas de servicio, Diongre encargó a la firma belga "Les Métaux Galler" muebles tubulares y elementos de acabado con líneas modernistas y, sobre todo, funcionales. La iluminación de los pasillos principales, con luces de neón en los techos que indicaban la dirección, era una obra maestra de diseño.

Estudio 4: la obra maestra sinfónica

El Estudio 4 fue el auditorio sinfónico más grande del mundo

Un ejemplo de la excelencia técnica alcanzada fue el Estudio 4, el más grande del edificio y, en su momento, el auditorio de radio más grande del mundo con 15.000 m³, era la obra maestra de la Maison de la Radio. Estaba diseñado para albergar grandes orquestas sinfónicas (con o sin coros), y su acústica fue meticulosamente estudiada.

El órgano diseñado para el Estudio 4 fue inaugurado en 1940

Su equipamiento incluía varios micrófonos móviles suspendidos, dos balcones para técnicos y presentadores y —sobre todo— un órgano monumental fabricado por Maurice Delmotte. Este colosal instrumento contaba con cuatro teclados manuales, 95 registros y 8125 tubos, midiendo 20 m de largo por 12 m de alto (y entre 3 y 5 m de profundidad).

El sistema de 47 columnas hexagonales giratorias variaba la resonancia

También destacan soluciones tan ingeniosas como las 47 columnas hexagonales del Estudio 1 (0,80 m de diámetro y 4,5 m de alto), con caras de madera lacada y caras absorbentes de amianto, accionadas por motores para cambiar la resonancia en 35 segundos; y el uso de persianas y cortinas correderas en otros estudios para modular la acústica.

Funcionalidad y confort

Postal comercial de las alfombras orientales de Vanderborght Frères

La instalación adoptó una arquitectura descentralizada: cada estudio disponía de su anexo técnico con equipos de transmisión, y la central se limitaba a establecer las conexiones (como una central telefónica). El sistema de aire acondicionado fue diseñado para ser silencioso: conductos separados por estudio, recubrimientos absorbentes y soluciones para evitar la transmisión de ruido a través de tuberías o cables. En oficinas y zonas administrativas se usaron revestimientos prácticos y elegantes: linóleo, paneles y alfombras instaladas por Établissements Vanderborght Frères.

Del deterioro al Renacimiento Cultural

Imagen antigua de la Central eléctrica expuesta en Flagey

Desde su inauguración en 1938, Flagey fue un centro audiovisual de excelencia que fue sede de radio, grabación y emisión de conciertos de música clásica, jazz y música contemporánea, y en 1953 fue testigo del nacimiento de la televisión belga. Durante más de tres décadas, fue un epicentro cultural y tecnológico que atrajo a músicos de renombre internacional.

En el antiguo espacio de la Central eléctrica se ha instalado un comedor de empresa

Con el crecimiento televisivo se quedó pronto pequeño: la radio y la televisión se trasladaron en 1973 a la Cité de la Radiotélévision en Reyers. El edificio comenzó un período de deterioro y pasó a ocupaciones esporádicas, cerrando definitivamente en 1995. A pesar de haber sido protegido como monumento histórico en 1994, fue incluido en la lista de la UNESCO de los edificios más amenazados del mundo en 1997.

La Sociedad Anónima Maison de la Radio Flagey emprendió una profunda restauración

Afortunadamente, en 1998, una iniciativa conjunta de los sectores público y privado, liderada por figuras como Robert Delville, Manfred Loeb y Piet Van Waeyenberge, logró adquirir el edificio a través de la Sociedad Anónima Maison de la Radio Flagey. Por primera vez en Bélgica, treinta empresas privadas se unieron para rescatar este patrimonio arquitectónico.

El nuevo Flagey: espacio cultural de referencia

Imagen antigua del Estudio 1

Bajo la dirección del estudio Samyn & Partners, se emprendió una importante campaña de rehabilitación y reestructuración del edificio del Instituto Nacional Belga de Radiodifusión, con el desafío principal de eliminar el amianto y adaptar el edificio a sus nuevas funciones, respetando rigurosamente el patrimonio arquitectónico y acústico.

Patio de butacas del Estudio 1

El Estudio 4 fue ampliado con balcones para aumentar su capacidad, y se instalaron sistemas de iluminación, sonido e imagen de última generación. El Estudio 1 fue restaurado a su estado original, y otros estudios se transformaron en una sala de cine (Estudio 5) y un estudio de televisión (Estudio 6 para TV Brussels).

El vestíbulo presidido por el logo del Instituto Nacional Belga de Radiodifusión

En 2002, el edificio Flagey reabrió sus puertas. Hoy, es un importante centro cultural que acoge festivales de música, conciertos, películas, debates y una amplia gama de eventos. La zona de recepción se ha modernizado y ampliado. El Flagey ha recuperado su esplendor, ofreciendo un espacio cultural de primer nivel que mantiene el carácter y la majestuosidad de la obra original de Joseph Diongre, adaptándose a las exigencias del siglo XXI.

Más información: Flagey. Dirección: Place Sainte-Croix, 1050 Bruselas. Web: Flagey.

Dónde comer: Le Variétés, sabor belga en clave Art Déco

Interior Art Déco del restaurante Le Variétés

En la planta baja del Flagey, junto a la Place Sainte-Croix, se encuentra Le Variétés, una brasserie-rotisserie que combina el encanto de la gastronomía belga con la elegancia del estilo Art Déco. Su terraza al aire libre invita a disfrutar de un café o una cerveza con vistas a la plaza, pero es en el interior donde la atmósfera cautiva por completo: paredes revestidas de madera de zebrano, mobiliario original de los años 30 y una luminosa sala en forma de “L” que se abre al bar y a la cocina.

Deliciosas croquetas de queso caseras de Le Variétés

La carta rinde homenaje a los clásicos de la cocina belga y a las especialidades de la casa, con mención especial para la carne a la brasa, verdadero emblema del lugar. Entre los entrantes destacan las deliciosas croquetas caseras rellenas de queso (15 €), que anticipan una experiencia culinaria reconfortante y sin artificios. El resultado es un espacio que, al igual que el propio edificio Flagey, mantiene intacto su espíritu original, ofreciendo al visitante una fusión perfecta de historia, diseño y sabor.

Más información: Le Variétés. Dirección: Place Sainte-Croix 4, 1050 Bruselas. Teléfono: +32 2 320 10 00. Horario: Diariamente de 12 a 14:30 y de 19 a 22:30 h. Web: Le Variétés.

Toda la información generada en redes sociales durante mi viaje a Bruselas, puede consultarse a través del hashtag #PDBruselas

Qué más ver cerca

Si te apasiona el estilo arquitectónico y decorativo de los años 30, a solo 6,4 km encontrarás la Basílica Nacional del Sagrado Corazón de Koekelberg, el mayor templo Art Déco del mundo.

El Museo del Tesoro Real de Lisboa

2025-08-10T12:59:00.003+02:00

La caja fuerte más grande de Portugal custodia el Tesoro Real

Inaugurado en 2022, el Museo del Tesoro Real de Lisboa guarda más de 20.000 piedras preciosas, joyas deslumbrantes, valiosas piezas de plata e incluso varias pepitas de oro, que relucen en la penumbra de sus once salas. Para garantizar su protección, las salas de exposición se encuentran dentro de una gigantesca caja fuerte: ¡una de las más grandes del mundo! En sus tres plantas blindadas se despliega el esplendor y la riqueza de la monarquía portuguesa, que usó estos objetos fastuosos como símbolos de poder y prestigio.

El brillo de una historia recuperada

Hoy, un ala del Palácio Nacional da Ajuda, alberga un tesoro digno de leyenda

El nuevo museo no solo da visibilidad a un patrimonio artístico de primer nivel, sino que devuelve al Palácio Nacional da Ajuda su papel simbólico como espacio de representación del Estado y de la memoria histórica de Portugal. Las joyas, condecoraciones, plata y objetos litúrgicos expuestos son testimonio de una época, una estética y una identidad nacional. Y todo ello, en el mismo edificio que albergó los últimos aposentos reales de la dinastía Bragança.

Sala 1: Oro y diamantes de Brasil

A finales del siglo XVII, se descubrieron los abundantes yacimientos auríferos de Minas Gerais

La sala del oro y diamantes de Brasil muestra la riqueza que cambió la historia del Imperio portugués. Aunque los colonizadores llegaron a tierras brasileñas en 1500, el oro no apareció hasta finales del siglo XVII en una región que más tarde se conocería como Minas Gerais, atrayendo a los buscadores de fortuna. A inicios del siglo XVIII, el hallazgo masivo de diamantes revolucionó la joyería y el comercio de piedras preciosas. De esta época dorada provienen algunas de las piezas más fascinantes de la colección del Tesoro Real, como un diamante en bruto de más de 35 quilates y una gran pepita de oro.

La pepita de oro más grande que habrás visto

Una pepita de oro hallada en Goiás en el siglo XVIII, hoy brilla en el Tesoro Real

Procedente de Goiás, en la región central de Brasil, esta roca de más de 20 kilos está compuesta de oro aglomerado con cuarzo y óxidos de hierro. Su forma irregular y textura terrosa le valieron el apodo de torrão, que evoca un terrón de tierra. Según se cuenta, fue hallada en la segunda mitad del siglo XVIII, como otra similar que fue enviada a Lisboa por su rareza extraordinaria. Contra todo pronóstico, sobrevivió a las invasiones napoleónicas, y en 1876, el rey Luis I de Portugal (1838-1889) la mandó exhibir durante un baile en el Palacio da Ajuda.

Sala 2: Monedas y medallas de la Corona Portuguesa

El medallón de Felipe IV de España preside la colección de monedas

Las monedas de oro simbolizaban el poder real, mostrando retratos y mensajes políticos. Las medallas conmemorativas, auténticas obras de arte en miniatura, celebraban victorias, matrimonios o gestas dinásticas. La sala de monedas y medallas del Tesoro Real muestra cómo la numismática funcionó como propaganda, reflejando riqueza y alianzas. Destaca un medallón de Felipe IV, posiblemente acuñado en México en 1660, de oro macizo, 178 mm de diámetro y más de 2 kilos (2125 gramos), una de las piezas más colosales de su tipo, símbolo del poder y prestigio de la realeza portuguesa.

Sala 3: Joyas que brillaron en la corte portuguesa

Adorno de corsé europeo con diamantes, rubíes y granates, atr. Mariana Victoria de Borbón (s. XVIII)

La colección de joyas del Museo del Tesoro Real de Lisboa reúne piezas excepcionales, no solo por la calidad de los materiales, sino por el valor simbólico, político y afectivo. Muchas formaron parte del “Tesoro de la Corona” creado en 1827, propiedad del Estado pero reservado para uso de los monarcas hasta 1910. Además, el Museo del Tesoro Real exhibe joyas privadas de soberanos y familiares reales portugueses desde el siglo XVII hasta el XX. Estas vitrinas guardan el resplandor de siglos de historia, mostrando anillos, collares, broches y medallones que reflejan el prestigio y la tradición de la monarquía portuguesa.

Adorno de corpiño o corsé

Adorno de corpiño en diamantes y esmeraldas, perteneciente a Bárbara de Bragança

Este lazo de esmeraldas es uno de los tesoros más reconocidos de la colección, no solo en Portugal, sino más allá de sus fronteras. No se trata de un simple broche, sino de un imponente adorno de ramillete, es decir, una joya más grande que se usaba en el centro del pecho, lucido con orgullo por la realeza del siglo XVIII. Fabricado en España a mediados del siglo XVIII, combina esmeraldas colombianas de una pureza excepcional —dos de ellas consideradas “gota de aceptación”— con diamantes de impresionante tamaño, engastados en plata y plata dorada.

Retratos de Bárbara de Bragança y Maria Anna de Bragança (s. XVIII)

La mayor de las esmeraldas pesa 47,91 quilates, mientras que los 199 diamantes alcanzan los 253,53 quilates. Esta joya perteneció a la Reina consorte de España, Bárbara de Bragança (1711-1758), hija del rey Juan V, y fue heredada por su sobrina, la infanta Maria Anna de Bragança (1736-1813). La borla colgante que acompaña la pieza, es de diseño portugués y se añadió casi dos siglos después, entre 1944 y 1951, otorgando un aire de continuidad y respeto a esta joya emblemática.

Caja de rapé

La caja está considerada una obra maestra de la joyería francesa del siglo XVIII

Encargada por el rey José I de Portugal (1714-1777) tras el terremoto de Lisboa de 1755, esta pequeña caja en oro y plata de apenas diez centímetros fue creada en París entre 1755 y 1756 por los orfebres Jean Ducrollay (1710-1787) y Louis Roucel, bajo la dirección de Pierre André Jacqmin (1720-1773), orfebre de Luis XV. Decorada con 951 diamantes (proporcionados por el propio monarca), 240 esmeraldas y un diamante central de 29 quilates, destaca por su exquisitez rococó. Exhibida en Versalles ante la marquesa de Pompadour, fue un golpe de efecto de José I para mostrar que, pese a la devastación de Lisboa, su riqueza seguía intacta.

Joyero de la Maison Odiot

Joyero de la Maison Odiot, regalo de bodas para el príncipe Pedro I y María Leopoldina

Este magnífico joyero de plata, plata dorada, forrado en seda y decorado con motivos inspirados en la Antigüedad clásica, fue creado en París en 1817 por Jean-Baptiste Claude Odiot (1763-1850), uno de los orfebres más prestigiosos de Europa. Encargado por el rey Juan VI de Portugal (1767-1826) para celebrar el matrimonio de su hijo, el príncipe Pedro I de Brasil y IV de Portugal, (1798-1834) con la archiduquesa María Leopoldina de Austria, el cofre formaba parte de un lujoso conjunto de regalos destinados a la nueva pareja real. Heredado posteriormente por la reina María II de Portugal (1819-1853) y utilizado como joyero personal por la reina María Pía de Saboya (1847-1911).

Diadema y Collar de Estrellas

Diadema y collar en oro y diamantes, obra de Estêvão de Souza (s. XIX)

La diadema de estrellas, encargada por la reina María Pía de Saboya en 1868, fue concebida como una pieza excepcional: once estrellas engastadas en diamantes que no solo brillan, sino que vibran. Cada estrella está montada sobre un diminuto resorte que permite que tiemble al más leve movimiento, creando un destello hipnótico y perpetuo. Obra del orfebre lisboeta Estêvão de Souza (c. 1839–c. 1880), joyero del rey Luis I de Portugal y su esposa la reina María Pía de Saboya, la diadema se convirtió pronto en una de las piezas más emblemáticas del joyero real.

Retratos de María Pía de Saboya (1871) y Amélie d'Orléans (1901) con la diadema de estrellas

Fue modificada sucesivamente hasta 1908 y lucida por la reina Amelia de Orleans (1865-1951), como puede verse en retratos y fotografías históricas de principios del siglo XX. En la imagen de la derecha, Doña María Pía, Reina de Portugal, va ataviada con la diadema de estrellas, el manto real y las bandas de las órdenes honoríficas. A juego con la diadema, se encontraba un collar compuesto por una sucesión de estrellas de diamantes montadas en oro realizado en 1865 por Estêvão de Souza y que también puede verse en la visita al Museo del Tesoro Real de Lisboa.

Joyas de Castellani

Joyero romano en madera, seda y plata de Fortunato Pio Castellani (c. 1860-1862)

Cuando la princesa María Pía de Saboya contrajo matrimonio con Luis I de Portugal en 1862, las ciudades italianas quisieron rendir homenaje a su ilustre hija con ofrendas de valor excepcional. Entre ellas destacan dos piezas salidas del célebre taller romano de Fortunato Pio Castellani (1794-1865), máximo exponente de la orfebrería historicista del siglo XIX. El primero es este joyero encargado por el Ayuntamiento de Roma. Fabricado en madera recubierto de seda y adornos de plata, lleva grabada la dedicatoria: «Alla Principessa Maria Pia di Savoia il dì delle sve nozze: i Romani» (A la princesa María Pía de Saboya el día de su boda: [de parte de] los romanos).

Joyería de estilo romana antigua en oro, marfil, piedras preciosas y monedas clásicas

En su interior se conserva un tesoro de 33 piezas de joyería de estilo romano antiguo, muchas de ellas realizadas en oro, pero también en marfil, piedras preciosas y monedas antiguas griegas y romanas. Entre los regalos más notables de aquel enlace también figura un extraordinario broche de oro amarillo de 18 quilates ofrecido por la ciudad de Nápoles. Realizado también por Castellani y presentado con éxito en la Exposición Universal de Londres de 1862, esta joya sobresale por su calidad técnica y su simbolismo.

Broche de oro creado por Castellani con escena esmaltada de la Anunciación

De forma estilizada, representa una “M” en honor a la Virgen María, y alberga en su centro una delicada escena esmaltada de la Anunciación con las figuras de la Virgen y el ángel. Engastado con esmeraldas, rubíes, zafiros y perlas, el broche destaca también por su uso del esmalte plique-à-jour, una técnica de gran dificultad que permite que la luz pase a través del esmalte como si se tratara de una vidriera. El reverso está finamente decorado en filigrana y lleva el monograma de Castellani, dos letras C enfrentadas, que certifican su autenticidad como obra maestra del taller.

Colgante de corazón

Colgante en forma de corazón del orfebre João Marques da Silva

Procedente de Oporto y elaborado hacia mediados del siglo XIX, este colgante en forma de corazón impresiona por su tamaño y el detallado trabajo de orfebrería. Con sus 17,5 centímetros de altura, está realizado en oro y esmalte, y presenta un refinado equilibrio entre volumen y ligereza. Las marcas identificadas permiten atribuir su autoría, con gran probabilidad, al orfebre João Marques da Silva (1880--1960). Esta joya, cargada de simbolismo, responde a la tradición portuguesa de los corazones votivos, reinterpretada aquí con suntuosidad regia.

Colgante "Cruz de Malta"

Joya personal de la reina María Pía de Saboya

Decorado con delicadas flores pintadas sobre esmalte, esta joya en forma de Cruz de Malta fue realizada en Oporto entre 1863 y 1865. Se atribuye al orfebre José João Cardoso y perteneció a la reina María Pía de Saboya. El esmalte minucioso sobre el oro da vida a una pieza que combina espiritualidad, estética y maestría artesanal, al gusto de las joyas personales de la soberana.

Diadema y peineta de coral

Joyas napolitanas de coral del siglo XIX que pertenecieron a la reina María Pía de Saboya

El coral rojo tallado es el gran protagonista de este conjunto napolitano del siglo XIX, formado por una diadema y una peineta desmontable. Ambas piezas, pertenecientes a la reina María Pía de Saboya, fueron fabricadas en Nápoles y llevan marcas del Ducado de Parma. La diadema combina coral precioso, oro y algodón, mientras que la peineta está elaborada con coral, carey y metal dorado.

Reloj de escritorio de Fabergé

Obra maestra de la relojería y la orfebrería rusa, símbolo del lujo imperial

Obra maestra de la casa Fabergé, este reloj fue realizado en San Petersburgo hacia 1900 por el taller de Mijaíl Evlampievich Perkhin (1860-1903), uno de los principales colaboradores de Peter Carl Fabergé (1846-1920). Con sus inscripciones en cirílico “FABERGÉ” y su mecanismo firmado por Henry Moser & Cie., combina oro, plata, esmalte, diamantes, marfil y cristal. Fue regalado por el rey Víctor Manuel III de Italia a su tía, la reina María Pía de Saboya.

Los botones de diamantes del rey José I

43 botones del rey José I elaborados en plata y diamantes

Estos botones de diamantes brillaron en la Corte durante el siglo XVIII como parte de la levita, el chaleco y los calzones del rey José I de Portugal. Compuestos por 86 piezas, en 1834, la reina María II de Portugal ordenó transformar la mitad de estos diamantes en una espectacular tiara y un collar rivière. Este último, con 50 diamantes de talla brillante que alcanzaban los 177 quilates, y que acabó tristemente desaparecido en el robo de 2002 al Museo de Ciencias de La Haya.

El sable de Estado del rey Miguel I

Sable de Estado del rey Miguel I, fabricado en Lisboa en el siglo XIX

Majestuoso y solemne, el sable de Estado del rey Miguel I de Portugal (1802-1866) fue fabricado en Lisboa por el Arsenal del Ejército Real en el primer cuarto del siglo XIX y está decorado con oro, plata, plata dorada, diamantes y acero. El sable se acompaña tradicionalmente por una bandolera decorativa o talim confeccionada, en este caso, en seda e hilo de oro. Este sable de Estado es uno de los más opulentos y de mayor calidad de la colección de armas del Museo del Tesoro Real de Lisboa.

Los prismáticos de diamantes de María Pía

Prismáticos de la reina María Pía, reflejo del estilo y elegancia de la corte portuguesa

En 1888, la reina María Pía de Saboya adquirió estos singulares binoculares o prismáticos en París. Realizados en carey de tortuga Loira, engastados con diamantes blancos y rosas y decorados con oro y rubíes, los prismáticos combinan funcionalidad y sofisticación. Esta joya portátil acompañaba a la reina en ceremonias oficiales y espectáculos, como un preciado adorno exclusivo.

Un abanico en carey y plumas de avestruz

Abanico en carey y plumas de avestruz de la reina María Pía de Saboya

Ligero como el aire y lujoso como una joya, este abanico fue comprado en 1888 por la reina María Pía de Saboya en la prestigiosa Maison Boudet de París. Su estructura combina carey, oro, diamantes, rubíes y plumas de avestruz. En la parte superior de la guarda delantera puede verse el monograma “MP” (María Pía), y en el asta, un anillo de oro con diamantes engastados.

Joyas de luto: la belleza en negro

Joyas de luto de la realeza portuguesa, íntegramente negras

La etiqueta del luto imponía sobriedad, incluso en las joyas reales. Durante ese período, las piezas adoptaban materiales oscuros como el azabache, el ónix, el esmalte negro o el llamado “azabache francés”, un vidrio fundido y tallado. Las joyas de luto eran un complemento de la vestimenta ceremonial de quienes perdían a un ser querido. En la colección del Museo del Tesoro Real se conservan delicadas piezas que reflejan esa estética elegante y melancólica.

Tocado de luto con hematitas

Diademas de la reina María Pía llevadas durante su luto

Entre las joyas llevadas por María Pía de Saboya durante su luto se encuentra un conjunto francés, datado entre 1880 y 1910. Está compuesto por una diadema, un collar y un par de brazaletes realizados en metal, vidrio y hematita. Su diseño sobrio y su brillo contenido acompañaban con discreción los momentos más recogidos de la vida palaciega. Estas piezas, lejos de lo ostentoso, transmiten una belleza austera, cargada de significado.

Sala 4: Órdenes Honoríficas

Órdenes honoríficas, símbolos de prestigio y servicio, herederas de la tradición medieval

Antiguamente vinculadas a ideales religiosos y guerreros, las órdenes honoríficas surgieron en la Edad Media como hermandades de monjes caballeros, sometidas a la autoridad de un gran maestre y con funciones militares. Con el paso del tiempo, muchas de ellas, como ocurrió también en Portugal, pasaron al control de la monarquía y fueron perdiendo su autonomía original. A partir del final del Antiguo Régimen, su carácter fue transformándose hasta convertirse en distinciones puramente simbólicas.

Cruz al mérito militar

Las antiguas órdenes de caballería, los reconocimientos al mérito y las condecoraciones diplomáticas conforman hoy un sistema de honores que sirve para premiar los servicios prestados al Estado, ya sean civiles o militares. Cruz, insignia, banda o collar: cada elemento tiene su forma, su protocolo y su simbolismo, formando parte de un lenguaje ceremonial que ha perdurado hasta nuestros días.

Orden del Espíritu Santo (Francia)

Reservada a una élite de la nobleza, esta joya reflejaba la protección divina de sus miembros

Fundada en 1578 por Enrique III, la Orden del Espíritu Santo fue la más prestigiosa distinción del Antiguo Régimen francés. En el Museo del Tesoro Real se exhibe un conjunto, realizado hacia 1824 en París por el orfebre Coudray. El collar, trabajado en oro y esmaltes, está formado por una alternancia de llamas y flor de lis. De él pende el colgante esmaltado de una cruz de Malta de ocho puntas, esmaltada en blanco, que encierra en su centro la figura de la paloma descendente, símbolo del Espíritu Santo.

Orden de los Serafines (Suecia)

Cruz, insignia, banda y collar de la Orden de los Serafines

La Orden de los Serafines, instituida en 1748 por el rey Federico I de Suecia, es la máxima distinción sueca. En el siglo XIX, monarcas portugueses como Juan VI, Carlos I y Manuel II la recibieron como gesto de respeto entre casas reales. El collar ceremonial, de oro, alterna once cabezas de serafines con alas extendidas y once cruces esmaltadas en azul, con una venera octogonal de oro esmaltada en blanco, con serafines, cruces dobles y medallón central azul. La cruz o placa de la orden de plata, de ocho puntas, muestra serafines, cruces y la inscripción FRS (Federicus Rex Suetiae) en el reverso. Se acompaña de banda de seda azul celeste.

Orden de San Andrés (Rusia)

Cruz, collar y venera de la Orden de San Andrés

Instaurada en 1698 por Pedro el Grande, la Orden de San Andrés Apóstol el Primero Llamado fue la más alta distinción del Imperio ruso, símbolo de fidelidad y servicio a la corona. Constaba de tres insignias: la Placa; una estrella de ocho puntas en plata con el águila de San Andrés y el lema imperial “За Вѣру и Вѣрность” (Por la fe y la fidelidad). El Collar, de plata y oro con el águila de San Andrés, el monograma de Pedro I y águilas bicéfalas imperiales; la venera central con el apóstol crucificado; y la Banda de seda azul celeste, que portaba la misma venera. Su presencia en retratos oficiales la convirtió en un emblema del poder imperial ruso.

Orden de Kamehameha I (Hawái)

A la izq. puede verse la Orden honorífica de Kamehameha I

Entre las más singulares y exóticas distinciones diplomáticas del siglo XIX, la Orden Real de Kamehameha I, instituida en 1865 por el rey Kamehameha V en honor a su abuelo, unificador de las islas hawaianas. Fabricada en París hacia 1880 por el prestigioso joyero Kretly, combina oro, plata, plata dorada y esmalte. Su insignia muestra una cruz de ocho puntas con la efigie del rey Kamehameha y su lema: “E Hoʻoulu Lāhui” («Haz crecer a la nación»). Esta condecoración fue otorgada durante la gira diplomática del rey Kalākaua por Europa en 1881, tras recibir la Gran Cruz de Vila Viçosa en Lisboa.

El hábito más valioso de la joyería neoclásica portuguesa

Esta joya es una de las piezas más valiosas del museo del Tesoro Real

El Hábito de la Orden del Toisón de Oro, encargado hacia 1800 para el Príncipe Regente Juan VI de Portugal, es una joya deslumbrante realizada en Lisboa por Carlos José van Nes o José Luís da Silva. Con 1.741 diamantes de talla brillante —dos de ellos talla rosa—, 190 rubíes y un imponente zafiro central de casi 36 quilates, esta pieza de oro y plata mide 27 cm de altura y pesa más de 400 gramos. Fue la insignia más preciada del monarca dentro de la Orden del Toisón de Oro (rama española).

Retratos de los reyes Juan VI y Miguel I de Portugal con la insignia del Toisón de Oro

Esta joya, destinada por testamento a Miguel I de Portugal, quedó guardada en un cofre tras la guerra civil luso-brasileña (1832-1834). En 1943, el Estado portugués la adquirió de sus herederos. Formó parte del ajuar real que viajó a Brasil junto con la Corte huyendo de las invasiones napoleónicas. Al regresar, siguió ligada a la historia dinástica, convirtiéndose en una de las joyas más valiosas del patrimonio nacional. Hoy puede reconocerse en el retrato del monarca realizado por Domingos António de Sequeira, así como en el retrato de su hijo Miguel I de Portugal, que lucen con orgullo el emblemático Toisón de Oro.

Una insignia única con zafiro rosa

Insignia de la Orden del Toisón de Oro

El Toisón de Oro fue, sin duda, la más codiciada de las órdenes de caballería europeas. Entre las diversas versiones conservadas, esta insignia portuguesa del siglo XIX destaca por un detalle inusual: un gran zafiro rosa en el centro de la pieza, el único de su tipo expuesto en el museo. Las llamas doradas que coronan el carnero de oro —símbolo ancestral del vellocino mitológico— refulgen bajo la luz como testigo mudo de alianzas, favores reales y un linaje de poder que atravesó generaciones.

Sala 5: Insignias Reales

Sala donde se exponen las insignias reales de la monarquía portuguesa

Portugal no coronaba, consagraba o ungía a sus reyes. En lugar de una ceremonia de coronación, celebraba su “aclamación” o “levantamiento”. Sin embargo, los rituales reales contaban con todo un repertorio de objetos simbólicos que manifestaban el poder monárquico. Esta sección del museo exhibe esas insignias rituales: coronas, cetros, mantos y cepos, junto a elementos litúrgicos como el misal, el crucifijo, el cojín, el trono y el estandarte.

Las Tres Órdenes Militares

Insignias reales portuguesas de las Tres Órdenes Militares

En el universo de las insignias reales portuguesas, sobresale un conjunto de tres piezas vinculadas a las Órdenes de Cristo, Santiago y Avis. Creadas en Lisboa entre 1789 y 1790 por el orfebre David Ambrósio Pollet (1745-1822), reflejan el esplendor joyero portugués del siglo XVIII. A la izquierda, puede verse la Medalla de las Tres Órdenes Militares, de 16 cm, combina diamantes, rubíes, granates, crisoberilo y esmeraldas sobre oro y plata. Abajo, la Placa de las Tres Órdenes Militares, más discreta, presenta diamantes, rubíes, espinelas, granates y esmeraldas. A la derecha, un Hábito de las Tres Órdenes Militares con diamantes, rubíes y esmeraldas engarzados en plata y oro.

Orden Militar de la Torre y la Espada

La Orden Militar de la Torre y la Espada es la máxima condecoración de Portugal

La Orden Militar de la Torre y la Espada, la máxima condecoración portuguesa, destaca entre las insignias reales. La réplica de su placa, creada en 1949 por José Rosas Júnior (1885-1958), reproduce la original de 1808-1809, desmontada en el siglo XIX. Pesa casi 300 gramos, combinando diamantes, rubíes, esmeraldas, oro, plata y esmalte. Esta placa aparece en el retrato del rey Luis I de Portugal pintado por Eduardo Machado en 1871. El conjunto incluye también un collar elaborado en oro adornado con esmeraldas y plata adornada con diamantes, iniciado en 1825 por Antônio Gomes da Silva y completado entre 1940 y 1950 por José Rosas Júnior.

Orden Militar de Nuestra Señora de la Concepción de Vila Viçosa

A la dcha. puede verse el conjunto ceremonial de Nuestra Señora de la Concepción de Vila Viçosa

La placa de la Orden Militar de Nuestra Señora de la Concepción de Vila Viçosa, creada en 1818 en Río de Janeiro (Brasil) y atribuida al orfebre Antônio Gomes da Silva, es una pieza singular de la colección de Insignias Reales. Con 100,9 gramos de diamantes, oro, plata y esmalte, lleva la inscripción “PATRONOS DEL REINO”, reflejando su carácter protector y religioso. Completa el conjunto ceremonial una banda de seda y la cruz esmaltada, instituido por el rey Juan VI de Portugal en honor a la Inmaculada Concepción.

Tabardo y collar del Rey de Armas

Indumentaria heráldica en seda carmesí con brocados dorados y torres de plata

De la misma época, se conservan el tabardo y el collar del Rey de Armas, una rica indumentaria heráldica en seda carmesí con detalles en brocado rojo, hilos de oro y siete torres de plata dorada aplicadas en altorrelieve. A diferencia de las dalmáticas de los heraldos británicos o franceses, el diseño portugués omite el escudo de armas en favor de un simbolismo más abstracto, inspirado en los elementos arquitectónicos presentes en los blasones reales desde el siglo XVIII.

La última Corona Real portuguesa

La Corona Real portuguesa creada para la aclamación de Juan VI

Con sus 2.402 gramos de peso y una carga simbólica que trasciende al objeto, la Corona Real creada en Río de Janeiro en 1817 es un testimonio único del ceremonial monárquico portugués. Realizada en oro, plata, seda y algodón por António Gomes da Silva en el taller de Inácio Luís da Costa, esta joya histórica fue concebida para la aclamación de Juan VI de Portugal, celebrada un año después en Brasil.

Retrato de Juan VI de Portugal y fotografía del Rey Manuel II de Portugal, ambos con la Corona Real

Se trata de la última corona portuguesa y la única que ha sobrevivido hasta nuestros días. Desde que en 1646 el rey Juan IV de Portugal (1604-1656) consagrara el trono portugués a Nuestra Señora de la Concepción de Vila Viçosa, ningún monarca volvió a ser coronado. Por eso, esta pieza no se ciñó sobre la cabeza del soberano, sino que fue presentada sobre un cojín, según el ritual del Antiguo Régimen, en la que sería también la última ceremonia de aclamación en la historia de Portugal.

Sala 6: Piezas de plata de la corona portuguesa

Piezas de plata dorada de la Corona usados en las ceremonias reales más solemnes

Las piezas de plata de la Corona fueron creadas para acompañar las ceremonias más solemnes de la monarquía portuguesa —como los bautizos reales, la Aclamación del soberano o el tradicional Lavatorio de los Pies de los Pobres el Jueves Santo— estas 23 obras excepcionales reconstruidas tras el terremoto de 1755, combinan maestría artesanal con una muestra del poder y la magnificencia real.

Jarra barroca italiana y aguamanil renacentista alemán

Ambas piezas fueron concebidas para la exhibición en actos solemnes

Estas dos magníficas piezas de plata dorada, provenientes de la Casa de Abrantes, evocan el ceremonial cortesano de los siglos XVI y XVII. A la izquierda, una jarra barroca del último cuarto del siglo XVII atribuida al orfebre romano Arcangelo Fioravanti (c. 1670-1696), de imponente presencia y más de 2,5 kg de peso. A la derecha, un delicado aguamanil renacentista de Hans II Schweinberger († 1610), creado en Augsburgo, Alemania, entre 1559 y 1586.

Plato de Hans II Schweinberger

Plato ceremonial de plata dorada firmado por Hans II Schweinberger

Este magnífico plato en plata dorada, con un peso de 4.870 g y un diámetro de más de 54 cm, forma parte del conjunto ceremonial anterior. Firmado con las marcas del maestro orfebre: (HS) Hans II Schweinberger, maestro 1579. El plato luce una elaborada decoración heráldica que incluye los escudos rotos en adulación, con la heráldica de los Sás y sus alianzas matrimoniales. Cada escudo de armas de una dama a la izquierda está acompañado por el de su esposo a la derecha, y en el centro, el escudo completo de los Sás coronado por la corona ducal.

Jarras ceremoniales de plata

Jarras ceremoniales británicas con el escudo real portugués del siglo XVIII

Firmadas por los reconocidos orfebres Gabriel Sleath y Francis Crump, estas jarras de plata datan de entre 1755 y 1756 y fueron elaboradas en Londres. Con un tamaño imponente de 43,7 cm de altura y un peso de 1700 gramos, presentan el escudo con las armas reales portuguesas, elegantemente enmarcado en un cartucho y rematado por una corona real cerrada. Estas piezas reflejan la estrecha relación entre la Corona portuguesa y la orfebrería británica del siglo XVIII, destacando por su acabado fino y su importancia ceremonial.

Bandeja con palmeras

Bandeja de pan de oro del siglo XVI con motivos de fauna y flora africanas

Esta exquisita bandeja de pan de oro, realizada en un taller portugués del siglo XVI, está decorada con motivos inspirados en la fauna y flora africanas, un ejemplo único en el mundo. La riqueza y singularidad de su ornamentación convierten a esta bandeja en una pieza excepcional, testimonio de la influencia de los viajes portugueses al Nuevo Mundo y su presencia en África en el siglo XVI.

Sala 7: Colecciones particulares

Orfebrería reunida por Fernando II y Luis I, reflejo del coleccionismo real portugués del siglo XIX

El rey Fernando II de Portugal (1816-1885) convirtió la orfebrería en una de sus grandes pasiones, afición que compartió con su hijo, el rey Luis I de Portugal. Figuras claves del coleccionismo de arte en el Portugal del siglo XIX, a través de adquisiciones, tanto en Portugal como en el extranjero, junto con donaciones, reunieron un conjunto destacado de piezas. Estas valiosas colecciones, aunque reducidas tras las divisiones familiares y la instauración de la República en 1910, fueron repartidas entre diversos palacios y museos. Hoy, una selección representativa de ellas puede verse en el Museo del Tesoro Real de Lisboa.

Plato de virtudes y pecados

Plato en plata dorada, decorado con inscripciones de virtudes y pecados del siglo XVI

Entre 1495 y 1520, fue elaborado este plato portugués en plata dorada. Las inscripciones que lo adornan —“DILIGENCIA”, “CASTIDAD”, “HUMILDAD”, “CARIDAD”, “LUJURIOSO”, “IRA”, “ORGULLO”, “PEREZA” y otras virtudes y pecados— representan un interesante código moral que acompañaba a esta pieza funcional. Con los monogramas “MF” y coronas góticas que refuerzan su origen nobiliario, el plato mide 57,5 cm de diámetro y pesa 4’105 kg.

Nautilus de la colección privada real

Nautilus del siglo XIX de la colección real portuguesa

Entre las joyas de la colección privada del rey Fernando II de Portugal y su hijo Luis I de Portugal, el nautilus resalta por su singularidad y elegancia. Esta concha natural de Nautilus pompilius, montada en plata dorada, data de la segunda mitad del siglo XIX y proviene de Alemania, posiblemente de Lübeck. Con una altura de 36,5 cm y un peso de más de 1,5 kilos, sus delicados detalles y la fina orfebrería reflejan la pasión de los monarcas por piezas que combinan naturaleza y arte.

Cofres de Ciudadanía

Cofre de ciudadanía del Rey Manuel II de Portugal procedente de Londres

Estos cofres ceremoniales de plata y oro se entregaban como obsequios formales a reyes y personalidades distinguidas, guardando mensajes de bienvenida. El cofre exhibido, fabricado en Londres en 1909 por The Goldsmiths & Silversmiths Co. Ltd., fue un regalo al último rey de Portugal, el Rey Manuel II (1889-1932), durante su visita oficial a Inglaterra el 17 de noviembre de 1909. Decorado con diamantes, rubíes, zafiros y esmalte sobre una base de oro y plata, pesa más de 4 kilos e incluye inscripciones y monogramas que certifican su origen y destinatario.

Sala 8: Regalos Diplomáticos

Cofre de plata, marfil y palo rosa regalado al príncipe Luís Filipe durante su visita a Angola (1907)

La diplomacia ha sido fundamental en las relaciones internacionales, y los regalos diplomáticos reflejan alianzas, respeto y reconocimiento mutuo. Un ejemplo destacado en la historia de la diplomacia portuguesa son las relaciones del rey Juan V de Portugal (1689-1750) con la Santa Sede, que llevó en 1716 a la elevación de la Capilla Real a Iglesia Patriarcal y, en 1748, a que el papa Benedicto XIV otorgara el título de “Fidelísimo” al monarca portugués, consolidando su igualdad diplomática frente a los monarcas españoles, franceses y austriacos.

Sala 9: Tesoros litúrgicos de la Capilla Real

Tesoros litúrgicos de la Capilla Real, testigos del esplendor ceremonial

A lo largo de los siglos, las capillas reales fueron el epicentro de ceremonias solemnes que celebraban la devoción católica y reforzaban el poder de la monarquía. En ellas se conmemoraban fechas clave del calendario litúrgico y homenajes a miembros destacados de la realeza, acompañados siempre por ricos ajuares litúrgicos.

Ajuar de altar

Ajuar de altar en plata dorada del siglo XVIII, obra del orfebre lisboeta António Rodrigues de Leão

Entre las piezas más destacadas que han llegado hasta nuestros días se encuentra un suntuoso ajuar de altar realizado en Lisboa durante el segundo cuarto del siglo XVIII, por el orfebre António Rodrigues de Leão. Esta imponente obra en plata dorada, reforzada con hierro y madera, incluye una cruz de altar de 186 cm de altura y 28,5 kg de peso con la inscripción “INRI” y varios candelabros de diferentes tamaños; el mayor alcanza los 107 cm de altura y pesa 18 kg.

Mitra del siglo XVIII

Mitra romana del siglo XVIII en seda bordada con hilos metálicos y cuentas de vidrio

Otro objeto de excepcional delicadeza es una mitra romana de mediados del siglo XVIII, elaborada en seda bordada con hilos metálicos dorados y plateados, decorada con pequeñas cuentas de vidrio. De origen italiano, esta mitra fue concebida en Roma para coronar la cabeza de un prelado en las más solemnes funciones religiosas.

Crucifijos de cristal de roca del Rey Fernando II

Dos crucifijos de cristal de roca que pertenecieron al rey Fernando II de Portugal

Entre las muchas piezas reunidas por el rey Fernando II de Portugal, mecenas de las artes, destacan dos delicados crucifijos de cristal de roca. A la izquierda de la imagen, puede verse uno de posible factura italiana de mediados del siglo XIX, que fue importado a Bélgica entre 1831 y 1868. Está realizado en cristal de roca, con aplicaciones de plata y plata dorada. A la derecha de la imagen, procedente de Friburgo, Alemania, y datado a principios del siglo XVII, un crucifijo que combina el cristal de roca con cuarzo ahumado y plata dorada.

Sala 10: La Mesa Real con la vajilla Germain de plata

La puesta en escena de la Mesa Real con la vajilla Germain de plata es espectacular

En pleno siglo XVIII, el arte de la mesa no solo representaba el refinamiento del gusto, sino también el poder de una monarquía que se manifestaba en cada detalle del banquete. Tras el devastador terremoto del 1 de noviembre de 1755, que destruyó la mayor parte de la vajilla real de plata encargada por Juan V al famoso platero parisino Thomas Germain (1673–1748), su sucesor, el rey José I de Portugal, confió en junio de 1756 al hijo del célebre orfebre, François-Thomas Germain (1726-1791), una misión ambiciosa: crear un nuevo servicio de mesa digno de una corte que buscaba reafirmarse con esplendor tras la catástrofe.

Un ejemplo único de la vajilla más suntuosa del siglo XVIII

Nacía así una de las vajillas más fastuosas de Europa, compuesta por más de mil piezas ejecutadas entre 1757 y 1765, y concebidas para el ceremonial servicio “à la française”. Cada banquete real era una coreografía organizada en cuatro "Cobertas" o etapas que seguían un riguroso orden: cocidos, asados, entremeses y dulces. Con la precisión de una escenografía teatral, decenas de sirvientes colocaban y retiraban los sucesivos conjuntos de cuencos, soperas, salseras, especieros y candelabros, convertidos en auténticas esculturas de plata.

Aceitera de plata del siglo XVIII finamente trabajada por François Thomas Germain

El conjunto fue trasladado desde Francia en veinticinco cofres numerados, y hoy se conserva casi en su totalidad en el patrimonio nacional portugués. Tras heredar el taller de su padre en 1748, la platería encargada por el rey José I de Portugal —quien además envió la plata para su ejecución— representó el mayor encargo que François-Thomas Germain recibió de una corte extranjera.

Mostacera en forma de concha, reflejo del arte de François Thomas Germain

Cada pieza, desde las mostaceras y vinagreras hasta los platos con tapa, fue diseñada no solo para ser funcional, sino también para impresionar. Aunque el conjunto quedó inacabado por la quiebra del platero en 1774, la Vajilla Germain sigue fascinando como obra maestra de la platería, al servicio de una monarquía ilustrada.

Verdulera de plata

Las verduleras de la Vajilla Germain están coronadas con delicadas figuras alegóricas

Los cuatro recipientes para servir verduras, conocidos como verduleras, muestran la exquisitez y la atención al detalle características de la Vajilla Germain. Aunque presentan dos modelos distintos, la diferencia principal reside en las figuras que coronan las tapas: un cupido acompañado por un perro y otro cupido con dos palomas. Sus cuerpos y las bandejas que los acompañan son algo más cortos que las soperas, pero mantienen idéntica decoración, reflejando la armonía y la cohesión del conjunto.

Plato cubierto con tapa

Plato cubierto de François Thomas Germain (s. XVIII)

El plato cubierto “por los lados” o “de relevé” es un claro ejemplo de la maestría del orfebre François Thomas Germain. Fabricado en París entre 1756 y 1757, luce las marcas características del taller y exhibe el escudo coronado de armas de Portugal. Con una impresionante combinación de tapa y placa, este plato de plata destaca por su peso total, que alcanza los 4.613 gramos.

Vinagrera en forma de velero

En la vinagrera en forma de velero puede verse el Escudo de la Corona de Portugal

La angarilla o vinagrera de plata en forma de velero, de casi 5 kilos, es una de las piezas más singulares de la Vajilla Germain. Fabricada en París entre 1757 y 1758 por François Thomas Germain, muestra en sus extremos dos sirenas que sostienen coronas, simbolizando el poder marítimo de la Corona portuguesa. Sus tapas de plata, decoradas con ramas de olivo y de vid, representan el aceite y el vinagre y, se colocaban sobre las coronas sostenidas por pequeños tritones. Esta vajilla, parte de la Cuarta Coberta dedicada a los dulces, con sus motivos marítimos alude al descubrimiento de Brasil por la Corona portuguesa.

Recipiente para especias

Recipiente para especias de François Thomas Germain, de la vajilla real del siglo XVIII

Entre las piezas más delicadas de la vajilla, sobresale el recipiente para especias, destinado a contener pimienta u otras especias de temporada. Realizado en plata en 1761 por François Thomas Germain, este objeto está adornado con dos pequeños cupidos vestidos con trajes indios, que sostienen un cesto con una mano y una granada con la otra, evocando la exótica procedencia de las especias.

Jarra de aguamanil

La fluidez de sus formas rococó anticipa las tendencias neoclásicas

La jarra de aguamanil firmada por François-Thomas Germain en 1758 es una pieza que destaca tanto por su elegancia como por su simbolismo. Realizada en plata y con una inscripción grabada en su reverso que certifica su autoría y realización en las galerías del Louvre, esta obra ejemplifica la maestría del orfebre de la corte francesa. Con una altura de 27,5 cm, la ornamentación remite al elemento acuático, con un asa compuesta por cañas entrelazadas que enmarcan sutilmente el borde.

Sala 11: Viajes del Tesoro Real

Escritorio de viaje de D. Pedro, Duque de Bragança

Durante el exilio de la corte portuguesa en Brasil tras las Invasiones Francesas de 1807, Dom Pedro, Duque de Bragança, encargó en París un refinado escritorio de viaje a la casa Alphonse Giroux & Cie —proveedora de la realeza francesa—. Este maletín fabricado entre 1826 y 1831 en madera forrada en cuero repujado y adornado con bronce dorado, lleva el monograma imperial “P” coronado y la inscripción “Fundador del Imperio Brasileño”. Su interior, concebido como gabinete portátil, contiene instrumentos de escritura en nácar —pluma, tintero, sellos, cortador, estilete y escobilla—, bolsillos para sobres, superficie de escritura en cuero grabado con bordes grabados en oro y un planificador semanal con los días en francés.

Más información: Museu do Tesouro Real. Dirección: Calçada da Ajuda, 1349-021 Lisboa. Teléfono: +351 211 163 425. Horario de invierno: Del 1 de octubre al 30 de abril, diariamente de 10 a 18 h. Horario de verano: Del 1 de mayo al 30 de septiembre, diariamente de 10 a 19 h. Entrada: 11 €. Web: Museu do Tesouro Real.

Toda la información generada en redes sociales durante mi viaje a Lisboa, puede consultarse a través del hashtag #PDLisboa

Qué más ver cerca

Si te interesa descubrir más tesoros culturales en Lisboa, te invito a leer mi artículo sobre Los Murales de Almada Negreiros en las Estaciones Marítimas de Lisboa. Una obra fascinante que, al igual que el Museo del Tesoro Real de Lisboa, forma parte del rico patrimonio artístico de la capital portuguesa y te permitirá seguir explorando su historia y sus rincones menos conocidos.

Caves de Roquefort Société: visita a las bodegas del queso más famoso de Francia

2025-08-01T08:00:00.003+02:00

Las bodegas Société son un mundo subterráneo que preserva un saber ancestral

La visita a las Bodegas de Roquefort Société —conocidas en Francia como Caves Société— permite adentrarse en un mundo subterráneo donde descubro que el queso Roquefort nació de una herida en la tierra. Hace cerca de un millón de años, el macizo rocoso del Combalou se desplomó, creando un paisaje abrupto de rocas y fisuras sobre el pueblo de Roquefort-sur-Soulzon, en Aveyron.

Interior de una de las grutas recorridas durante la visita a las bodegas Société

Bajo ese caos geológico, surcado por un laberinto de fallas y grutas naturales, llamadas fleurines, se formó un sistema que regula de forma natural la temperatura y la humedad, creando las condiciones perfectas para que el Penicillium roqueforti prospere y dé vida a un queso mítico. El Roquefort es un titán de la gastronomía, un alimento nacido de la tierra que ha resistido el paso de los siglos, conservando intacto su carácter.

Imagen antigua. Sala de expedición con mujeres trabajando en el envasado del Roquefort

Su magia está hecha de ingredientes simples: leche cruda de oveja, cuajo, sal, una pizca de Penicillium roqueforti y el soplo de aire helado de las fleurines que ventilan las cuevas de afinado. Pero su verdadera esencia reside en el saber hacer de los hombres y mujeres que, desde tiempos remotos, trabajan en silencio bajo la frescura de las cuevas para transformar la materia prima en una joya culinaria.

La visita a las Caves Société®

Imagen antigua. Vista panorámica de Roquefort-sur-Soulzon desde el macizo de Combalou

El hombre ha sabido dialogar con la naturaleza, construyendo en este entorno salvaje las Bodegas de Roquefort, donde hoy se afina cada queso con la misma precisión artesanal de antaño. Algunas de estas cuevas, de origen medieval, están abiertas al público todo el año para desvelar los secretos de fabricación de este queso con AOP (Appellation d’Origine Protégée). Con más de 12.000 m² de galerías activas desde la Edad Media, las Caves Société son un lugar donde tradición y modernidad coexisten.

Entrada a las cuevas donde se encuentra la billetería

Cada año, más de 100.000 visitantes recorren las salas en las que el Roquefort sigue su lento proceso de maduración, en un escenario arquitectónico tan singular como el propio queso. La entrada a las cuevas y el punto de recepción (accueil) se encuentran bajo tierra. Para llegar al espacio donde se compran las entradas, es necesario bajar unas escaleras —aproximadamente la altura de un piso—, que conducen directamente al interior de la montaña. Este descenso marca el inicio del recorrido por el mundo subterráneo del Roquefort.

Sala de proyección 3D

Descubre los orígenes de la formación de las Caves Société a través de una proyección 3D

Con las entradas en mano, el recorrido comienza con un nuevo descenso hacia el corazón de las cuevas. Unas escaleras, equivalentes a la altura de un piso, nos conducen a la primera sala de la visita: un espacio de proyección 3D que explica cómo se formaron estas cuevas tras el derrumbe del Macizo del Combalou en la era cuaternaria, creando este ecosistema único. Entre imágenes impactantes y una narración envolvente, se muestra cómo nació este tesoro gastronómico.

La leyenda del Roquefort

Imagen antigua. Pastoreo en los Causses: un pastor con sus ovejas, cuna de la leyenda del Roquefort

Es imposible hablar del queso Roquefort sin evocar la leyenda que acompaña a su origen. La historia nos transporta a tiempos lejanos, cuando los pastores cuidaban sus rebaños en las laderas del Combalou. Cuenta la leyenda que un joven pastor, que cuidaba su rebaño en el Combalou, embelesado por la imponente belleza de las rocas que se alzaban ante sus ojos, decidió aventurarse entre las grietas y pasadizos de la montaña.

Imagen antigua. Ordeño a mano. Fotografía de la Société des caves de Roquefort

Fascinado por lo que veía, olvidó por completo su humilde comida en una cueva: un pedazo de pan de centeno y un pequeño queso elaborado con la leche de sus ovejas. Días después, el pastor regresó al mismo lugar para continuar con su exploración y encontró su comida, tal y como la había dejado. Pero notó que algo había cambiado: el queso, cubierto de la misma humedad y moho que el pan, mostraba un aspecto inusual, con vetas azuladas y una textura untuosa. Intrigado, y también hambriento, lo probó y lo que descubrió fue una delicia de sabor inigualable.

Un trozo de queso olvidado en una cueva, origen legendario del primer Roquefort

Con el tiempo, la leyenda adoptó tintes románticos: algunos dicen que el pastor, tras dejar en una cueva de la Roca de Combalou su pan de centeno y una cuajada de leche de oveja para protegerlos del calor, quedó hipnotizado por la visión de una hermosa joven, que pasaba por allí. La siguió sin descanso, caminando hasta perderla de vista. Cuando regresó, exhausto y hambriento, encontró su pan cubierto de mohos finos y la cuajada salpicada de vetas verdosas. La probó y descubrió, asombrado, que aquella humilde cuajada se había transformado en el primer Roquefort.

El interior subterráneo de las Caves Société

Un gran mural nos sitúa los espacios que veremos durante la visita a Caves Société

Al salir de la sala 3D, nos encontramos frente a una pared que revela un impresionante plano del edificio de las Caves Société. Este gran dibujo, como si fuera una vista en sección, permite apreciar la magnitud de la estructura subterránea. Podemos localizar los puntos exactos que recorreremos durante la visita y distinguir aquellas áreas no abiertas al público, donde se concentran los espacios de fabricación y las zonas técnicas. Este esquema ayuda a comprender que lo visible en el exterior es apenas una mínima parte de un universo subterráneo mucho más amplio.

**Las fleurines, el aliento de la montaña**

Las fleurines son fisuras naturales formadas tras el derrumbe del macizo de Combalou

Seguimos nuestra visita hasta el corazón de las Caves Roquefort Société, donde nos permiten asomarnos a una de esas grietas por donde la montaña “respira”. Descubrimos un fenómeno natural, tan discreto como esencial: las fleurines, el verdadero regulador del clima de las bodegas. A través de estas grietas o pequeños túneles, cuyo nombre proviene del occitano flarina —que significa “soplar”—, circula un aire fresco y constante, una especie de “ventilación” natural que airea las galerías y crea las condiciones perfectas para la formación del queso Roquefort.

Las fleurines son conductos naturales que conectan el interior de la cueva con el exterior

Cuando en el exterior hace mucho calor, el aire circula con mayor intensidad, manteniendo una temperatura constante en el interior. En invierno, en cambio, el flujo de aire se detiene porque no hay diferencia térmica entre el exterior y las galerías subterráneas. Para mantener el equilibrio perfecto, los maestros afinadores colocan puertas o compuertas frente a estos canales, regulando de manera artesanal tanto el flujo de aire como la temperatura, que oscila entre los 8 y los 19 °C según la época del año.

El arte de fabricar Roquefort

Aquí podemos ver la ubicación de la sala de proyección en el laberinto de cuevas de Société

Tras descubrir este fenómeno natural, el recorrido continúa hacia una sala de proyección donde se presenta, a través de un vídeo, el proceso de producción del Roquefort y la importancia de la leche de las ovejas y los ganaderos. A estas alturas de la visita seguimos en lo que podríamos llamar el nivel cero de la bodega. Las Caves Société se organizan en ocho niveles subterráneos, de los cuales cuatro están abiertos al público. Durante todo el año, la temperatura en el interior de las bodegas se mantiene entre los 8 y 10 °C, con una humedad constante cercana al 90 %, por lo que, sin importar la época del año en que se visite, se recomienda llevar una prenda de abrigo.

Ordeño mecánico de ovejas. Realizado por 1ª vez en Mas de Roquefort por la Société des Caves (1931)

En el vídeo seguimos el rastro de las ovejas Lacaune, que siguen pastando desde hace siglos en los Grands Causses, esas mesetas áridas y ondulantes del sur del Macizo Central francés. La producción de Roquefort está íntimamente ligada al ritmo de la naturaleza. La colecta de leche comienza en diciembre y se prolonga hasta finales de junio, coincidiendo con el período de ordeño de las ovejas. El resto del año no hay producción, ya que los rebaños entran en gestación y las bodegas de afinado permanecen vacías.

El mural muestra la superficie de las bodegas de afinado del Roquefort Société dentro de la montaña

La zona de recolección de leche se extiende en un radio de 120 kilómetros alrededor de Roquefort-sur-Soulzon y abarca varios departamentos. El queso se fabrica en el departamento de Aveyron, pero su afinado se lleva a cabo exclusivamente en el pueblo de Roquefort-sur-Soulzon, lo que confiere a esta denominación su carácter único. Hoy existen siete marcas de Roquefort, y Société es la más grande, responsable de aproximadamente el 60 % de la producción total.

Imagen antigua. Roquefort-sur-Soulzon. Recepción de leche. Société des Caves

En la actualidad, la leche destinada a la elaboración del Roquefort Société procede de 18 granjas de ovejas situadas entre los departamentos del Tarn y del Aveyron, donde la raza Lacaune sigue siendo la gran protagonista y garante de la calidad de esta denominación de origen. El nombre de Lacaune proviene de un pequeño municipio del Tarn, y su linaje es fruto de la unión de varias razas locales (Camarés, Larzac, Lauraguaise…) que, desde 1902, dieron forma a esta estirpe resistente y lechera.

Imagen antigua. Fabricación de quesos en la lechería de la Société des caves

Durante el verano, cuando el calor abrasa el altiplano de Larzac, las ovejas solo pastan de madrugada, entre las 5:30 y las 8:30, antes de resguardarse. Su alimentación, compuesta en un 80 % por forrajes, cebada, colza o soja, asegura una leche de calidad excepcional. Cada oveja consume unos 3 kg de alimento al día, lo que supone entre 800 y 1.000 kg de materia seca al año. Una oveja puede dar entre uno y tres corderos y produce alrededor de 250 litros de leche al año, pero esta producción no es uniforme.

Un ‘pan’ de Roquefort requiere entre 11,5 y 14 litros de leche de oveja

Entre diciembre y junio, el ordeño dura unos 180 a 200 días: en diciembre, cada oveja produce unos 3 litros diarios, mientras que en junio apenas alcanza medio litro. Para elaborar un solo “pan” de Roquefort se necesitan 12 litros de leche cruda y entera. En los inicios de la temporada se requieren hasta 14 litros, pero al final, cuando la leche es más rica en grasa, solo hacen falta 11,5 litros. Los quesos producidos al final de la campaña son más grasos y, por su menor capacidad de conservación, se consumen antes.

Con 5.000 litros de leche y 4 gramos de Penicillium se elaboran 400 Roqueforts

Antes de comenzar la transformación, en las Caves Société se verifica cuidadosamente que la leche esté limpia y libre de bacterias, un requisito fundamental para garantizar la calidad del queso. Para fermentar 5.000 litros de leche, se añade una dosis de apenas 4 gramos de Penicillium roqueforti, el hongo esencial para el característico veteado azul del Roquefort. Esta cantidad es suficiente para producir unos 400 quesos, cada uno de aproximadamente 3 kilos. Los quesos se moldean en recipientes de 10 centímetros de altura por 20 centímetros de diámetro.

Postales antiguas de Caves Société. Fabricación de quesos: moldeado (1950) y salado (1945)

Una vez moldeado, el queso pasa por prensas que le dan su forma definitiva. A continuación, se procede a la salazón, aplicando alrededor de 100 gramos de sal en la superficie, y se somete a un proceso de picado: una fase crucial en la que se introducen agujas largas y finas que atraviesan el queso de arriba a abajo para facilitar la circulación del oxígeno en su interior, fundamental para el desarrollo del Penicillium y el característico veteado azul. Este proceso dura aproximadamente ocho días, tras los cuales los quesos se trasladan a las bodegas para iniciar la fase de afinado y maduración.

En estas tablas de roble comienza la lenta transformación del queso en auténtico Roquefort

La metamorfosis silenciosa se realiza sobre tablas de madera de roble y al abrigo de la piedra, y en pocos días los “panes” de queso se transforman poco a poco en Roquefort, guiados por el ojo experto del maestro afinador. Aún hoy, estos maestros queseros confían en los soplos naturales de las fleurines para regular la temperatura y la humedad de las galerías. No hay máquinas ni tecnología sofisticada que sustituyan esta sabiduría, perfeccionada a lo largo de generaciones. Son las manos expertas y la intuición humana las que deciden si se abre o se cierra una fleurine, sabiendo que ello determinará el carácter único del queso.

La Cave Reynes: la bodega de Roquefort más antigua

Entramos en la bodega más antigua de Cave Société

Tras el vídeo sobre la producción del Roquefort, la visita continúa ascendiendo un tramo de escaleras y atravesando un estrecho túnel de piedra, donde la humedad y el frescor se hacen más palpables, hasta alcanzar la Cave Reynes: la más antigua de todas las bodegas de Cave Société. Sus paredes de piedra cuentan siglos de historia. Aquí se comprende por qué el Roquefort ha conquistado un lugar de honor en la mesa francesa, ganándose el título de “Rey de los quesos”.

La Cave Rue del nivel superior vacía de quesos Roquefort

La Cave Reynes nos enseña que este queso no es solo un producto gastronómico, sino un verdadero patrimonio vivo que sigue evolucionando en cada afinado. Durante nuestra visita también nos adentramos en la Cave Rue, otra de las bodegas donde se madura el queso Roquefort. El nivel superior de una superficie en planta de 590 m², tiene 1.020 m² dedicados al afinado (en las estanterías) y una capacidad para 33.000 panes de Roquefort.

El afinado y la maduración

Imagen antigua. Bodegas Roquefort Société. El Maestro afinador garantiza la calidad de los quesos

El afinado es la clave del Roquefort. Cada cueva cuenta con su propio maestro afinador, que necesita más de 15 años de experiencia para conocerla a fondo. Su trabajo consiste en regular con precisión las corrientes de aire de las fleurines, jugando con la temperatura y la humedad. Basta un grado de diferencia para alterar todo el proceso. En las Caves Société, los panes de queso reposan sobre tablas de madera recubiertas de plástico, que ayudan a mantener la higrometría perfecta.

Imagen antigua. Maduración de los quesos de Roquefort

A lo largo de 14 a 25 días, el Penicillium roqueforti va obrando su magia en un ambiente estable de 12 °C. Cuando el maestro afinador considera que el moho azul ha alcanzado su punto justo de desarrollo, los quesos se envuelven cuidadosamente y pasan a cámaras frías para continuar su lenta maduración. Desde el momento en que se fabrica, cada Roquefort requiere al menos 90 días para alcanzar su plenitud.

El Penicillium roqueforti, el alma azul del queso

En Caves Société cultivan sus propias cepas de Penicillium roqueforti

Hablar del Roquefort sin mencionar el Penicillium roqueforti sería como hablar de vino sin mencionar las viñas. Este hongo, que florece de forma natural en las cuevas del Combalou, es el responsable de las vetas azul verdosas que atraviesan el queso Roquefort y de los sabores intensos y complejos que lo hacen inconfundible. En las Caves Société, se seleccionan y cultivan cuidadosamente cepas propias de Penicillium roqueforti, adaptadas al carácter de cada cueva.

Placa de laboratorio que contiene un cultivo del hongo Penicillium roqueforti

No existe un único Roquefort: cada afinado es una obra única porque cada cueva emplea una cepa distinta del hongo, lo que da lugar a matices de sabor y aroma. Durante la visita descubrimos que Société trabaja con tres cepas distintas de Penicillium roqueforti, cada una asociada a una de sus cuevas (Roquefort 1863, Cave des Templiers y Caves Baragnaudes), lo que da lugar a tres Roqueforts únicos.

Cave Rue

La Cave Rue del nivel inferior llena de quesos Roquefort

Tras recorrer la Cave Rue en el nivel +1, que en el momento de nuestra visita en junio, estaba vacía, descendemos hasta el nivel -1 de la misma bodega. Aquí, el ambiente cambia por completo: las estanterías están repletas de “panes” de Roquefort en distintas fases de afinado. Este segundo piso, con 700 m² de superficie en el suelo y 780 m² dedicados al afinado, tiene capacidad para unos 23.700 quesos de Roquefort, lo que da una idea de la magnitud de estas galerías.

Las Caves Société, una de las primeras sociedades de Francia

Diplomas y exposiciones que reflejan el prestigio histórico de Société

La historia de Société comienza en 1842, cuando quince afinadores decidieron unir fuerzas para hacer frente a los desafíos de la Revolución Industrial. Esta unión daría lugar a la Société Civile de Roquefort, una de las primeras sociedades fundadas en Francia. Con el tiempo, esta alianza permitió mejorar la producción, perfeccionar los métodos de fabricación y garantizar la prosperidad tanto de grandes como de pequeños ganaderos.

Algunos de los logros de Étienne Coupiac que pueden verse en la sala de exposición

En 1851, la empresa se formaliza y, en 1863, Étienne Coupiac, su visionario director —apodado “Coupiac el rojo”— registra la marca “SOCIÉTÉ®” con su icónico sello ovalado. Coupiac revolucionó el trabajo en las cuevas, introdujo innovaciones como la máquina picadora para perforar los quesos y una cepilladora mecánica, multiplicando la eficiencia sin renunciar a la calidad artesanal. El crecimiento fue imparable: en 1882, Société producía ya 1.560 toneladas de Roquefort, cifra que aumentaría aún más con la llegada del ferrocarril.

Carteles publicitarios de Société del siglo XX

A finales del siglo XIX, la marca se democratiza. Coupiac lo resumió así: “El queso Roquefort es el rey de los quesos; ahora que este producto, hasta ahora aristocrático, va a estar al alcance de todos, de reaccionario se vuelve republicano”. En 1890 se crea el primer laboratorio de control de calidad, impulsando avances técnicos como las zonas refrigeradas para optimizar los stocks. Este espíritu de innovación permitió a Société atravesar sin problemas los retos del siglo XX.

El Roquefort fue el primer queso en obtener la AOP

Antiguos carteles publicitarios de Roquefort Société, testimonio de su legado centenario

En 1925, bajo la dirección de Émile Masclet, Société obtuvo la Appellation d’Origine Contrôlée (AOC), Denominación de Origen Controlada, siendo el primer queso del mundo en recibir este reconocimiento. En 1996, este reconocimiento se consolidó en Europa con la Appellation d’Origine Protégée (AOP), Denominación de Origen Protegida, que ha celebrado su centenario en 2025. Hoy, con casi dos siglos de historia y como parte del grupo Lactalis desde 1992, sigue innovando dando nueva vida al Roquefort en aperitivos, postres y recetas creativas.

La sala de degustación: un viaje de sabores

Una cata de queso Roquefort nos espera al final de la visita a las bodegas Société

La visita a estas bodegas de Roquefort culmina con una degustación de queso Roquefort AOP Société, cada uno con su carácter y matices propios. Antes de probarlos, la guía ofrece consejos sobre cómo conservar y servir este queso. El Roquefort debe protegerse en su embalaje original o envuelto en papel de aluminio. Conviene guardarlo en la parte baja del frigorífico y evitar los cambios bruscos de temperatura. El Roquefort debe “respirar” antes de servirse: lo ideal es sacarlo una hora antes, para que despliegue toda su textura, aroma y sabor.

El arte de la cata del Roquefort

Cada Roquefort revela el carácter de su Penicillium y entorno de afinado

La cata de las cuatro variedades de queso Roquefort Société nos permite descubrir cómo la cepa de Penicillium roqueforti y el entorno de cada cueva, imprimen su propio sello. Aunque el Roquefort es un tesoro gastronómico, no todos pueden disfrutarlo sin riesgos. Las autoridades sanitarias francesas desaconsejan su consumo a personas con un sistema inmunitario debilitado, mujeres embarazadas y menores de cinco años.

Roquefort 1863, el queso más emblemático de Société

Roquefort 1863: es el más emblemático de Caves Société y el de producción más amplia. Equilibrado, con un veteado discreto color marfil y una armonía perfecta entre fuerza y suavidad. Es el Roquefort “comodín” para utilizar en recetas y es el más fácil de encontrar en supermercados en España.

Un queso Roquefort ideal para tablas gourmet y maridajes delicados

Caves Abeille: reconocible al instante por su color marfil intenso y su veteado verde esmeralda delicado y armonioso. Es más suave y dulce que el Roquefort 1863. Este queso representa el equilibrio perfecto entre textura, sabor y carácter, heredero de la larga tradición de Société.

El Roquefort AOP Société Cave des Templiers combina perfectamente con carnes blancas

Cave des Templiers: su pasta blanca contrasta con un veteado profundo, casi negro, que le proporciona un sabor más pronunciado. Es el más intenso de la gama de quesos Roquefort de Société, con una textura más fundente y cremosa. Su rareza lo convierte en una joya para los amantes de sabores potentes.

El Roquefort Caves Baragnaudes es más untuoso y persiste más tiempo en la boca

Caves Baragnaudes: de color marfil y vetas verde pálido, es delicado y aromático. Primero sorprende su cremosidad y notas de miel o sotobosque, para luego desplegar una fuerza que persiste en el paladar. El Baragnaudes suele ser el preferido por los aficionados, considerado una joya que expresa el sabor más refinado de este queso legendario. Las variedades Templiers y Baragnaudes se comercializan exclusivamente en Francia, lo que las convierte en una tentación reservada para los paladares locales o para quienes visitan el país.

Maridajes que conquistan al Roquefort

Antigua postal publicitaria de Société con la receta de la tortilla de Lapeyrière

El Roquefort brilla junto a ingredientes como higos, peras, nueces, trufa o incluso pollo asado y tocino. Para los más atrevidos, se puede combinar con frutas frescas como piña o pomelo, o con verduras como el apio, el brócoli o la calabaza. En cuanto a bebidas, los maridajes clásicos son los vinos dulces como un Rivesaltes o un buen Oporto.

Antigua postal publicitaria de Société con la receta “Les Palets Prinsky”

Sin embargo, el célebre gastrónomo Curnonsky prefería combinarlo con grandes tintos secos, dependiendo de la maduración del queso. Para paladares curiosos, el Roquefort combina de forma extraordinaria con cerveza negra tipo Imperial Stout, de notas torrefactas de café y chocolate. O incluso con café de Brasil, creando una explosión de aromas tostados y frutales que realzan el carácter del Roquefort.

La sala de exposición: casi dos siglos de historia

La sala de exposición muestra la historia de la empresa Société

La última etapa de la visita nos sumerge en la memoria de Société, a través de imágenes, documentos históricos y objetos que cuentan más de un siglo y medio de historia. Las paredes están cubiertas con grandes carteles publicitarios de distintas épocas, desde los primeros carteles con ilustraciones artesanales hasta las campañas más recientes que han hecho del roquefort un icono gastronómico.

El óvalo de Société, emblema de la marca

Varias pantallas muestran un recorrido cronológico por los hitos de la marca: el depósito de la marca registrada en 1863, los croquis de la maquinaria pionera que revolucionó el afinado, y los diplomas y medallas obtenidos en Exposiciones Internacionales de ciencia e industria. En este espacio, es fácil comprender cómo Société ha sabido innovar sin traicionar sus raíces, manteniendo su carácter único y su lugar de honor en la gastronomía francesa y mundial.

Las bodegas de Roquefort Société, cuna del queso más famoso de Francia

Con su veteado inconfundible, aroma penetrante y sabor intenso, el Roquefort impone respeto. “Le Roquefort, c’est fort”, dicen en Francia, ¡y con razón! Su fuerza es su mayor virtud, un regreso al sabor auténtico que desafía la estandarización de los productos actuales. Claude Lévi-Strauss lo resumió con precisión: “No basta con que un alimento sea bueno para comer, también debe ser bueno para pensar en él”. Degustar Roquefort es mucho más que saborear un queso, es vivir una experiencia cultural que combina terroir, tradición y maestría. Y eso, a Planeta Dunia, le encanta.

Más información: Caves de Roquefort Société. Dirección: 2 Avenue François Galtier, 12250 Roquefort-sur-Soulzon. Teléfono: +33 565 585 438. La visita a las Caves Société® se encuentra en la parte alta del pueblo. Las oficinas de Caves Société están en 15 Avenue de Lauras, pero no están abiertas al público. Desde este punto, la entrada a las bodegas está a unos 550 metros (aprox. 8 minutos a pie). Dispone de un aparcamiento gratuito frente al acceso de entrada. Horario: En agosto, diariamente de 10 a 17:30 h. En septiembre, diariamente de 10 a 12 h y de 13:30 a 17 h. De octubre a julio, diariamente de 10 a 12 h y de 13:30 a 16:30 h. Entrada: Visita guiada a las bodegas de Roquefort Société y degustación de tres quesos Roquefort: 7’5 €. Web: Caves de Roquefort Société.

Toda la información generada durante mi viaje a las bodegas de Roquefort Société puede consultarse a través de los hashtags #Roquefort100Años y #Aveyron.

Qué más ver cerca

A tan solo 26 kilómetros al norte se encuentra Millau, una ciudad rodeada de paisajes espectaculares del Parque Natural Regional de Grands Causses. Además de su célebre viaducto, una obra maestra de la ingeniería moderna, Millau conserva un casco antiguo encantador, con calles empedradas, plazas animadas y talleres donde aún se elaboran los tradicionales guantes de piel que dieron fama a la ciudad.

Basílica de Saint-Just de Valcabrère: joya románica con huella romana

2025-07-28T08:00:00.004+02:00

Vista general de la Basílica románica de Saint-Just de Valcabrère

Enclavada a apenas 600 metros al este del antiguo asentamiento romano de Lugdunum Convenarum, la Basílica románica de Saint-Just de Valcabrère se alza como un singular testimonio de la historia europea. Construida en el siglo XII sobre un antiguo recinto funerario del siglo IV, esta basílica, declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO en 1998, junto con otros 68 monumentos del Camino de Santiago en Francia, combina con armonía los vestigios del mundo clásico con el arte románico.

Losa incrustada en el muro exterior, al lado izquierdo de la puerta de entrada

El lugar, que en época romana fue una necrópolis pagana y más tarde un cementerio paleocristiano, pronto se convirtió en un centro de devoción, quizá impulsado por la veneración de alguna tumba cristiana. Los peregrinos que recorrían la vía de Arlés hacia Santiago de Compostela encontraban aquí una etapa de descanso y oración, en plena encrucijada de caminos: la ruta de la montaña, la llanura que conectaba Dax con los Pirineos y la vía fluvial del Garona.

Bajorrelieve en mármol donde aparece un legionario con lorica segmentata

La originalidad de Saint-Just radica en el uso de materiales reutilizados procedentes de la antigua ciudad romana: bloques de mármol, columnas, capiteles y fragmentos de frisos que, lejos de desentonar, refuerzan el carácter atemporal y monumental del templo. Recorrer sus muros es viajar, piedra a piedra, por más de dieciséis siglos de historia.

Las etapas de la construcción

El elemento más tardío es el imponente campanario, levantado en el siglo XIV

La historia constructiva de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère no está del todo documentada, aunque los estudios coinciden en situar sus principales fases de construcción entre finales del siglo XI y comienzos del XIII. La única excepción es el imponente campanario, levantado en el siglo XIV, dotando de solemnidad al conjunto arquitectónico. De este largo proceso constructivo solo se conocen dos fechas con certeza.

Bajorrelieve en mármol blanco incrustado en el muro exterior de la basílica

La primera corresponde al año 1083, cuando Bertrand de L'Isle-Jourdain, obispo de Comminges —posteriormente canonizado como San Bertrán en 1309—, celebró misa en este lugar y residió cerca de la basílica, lo que sugiere la existencia de un culto ya establecido. La segunda, documentada con certeza, es octubre de 1200, cuando el obispo de Comminges Raymond-Arnaud Labarthe consagró el altar mayor, como lo atestigua un pergamino encontrado en su mampostería.

Nicho funerario del siglo XIV en la esquina derecha exterior de la basílica

En 1387, la basílica contaba con un capítulo de canónigos formado por cuatro miembros, una comunidad que continuó la tradicional función litúrgica y custodia del lugar. De esa misma época data el nicho funerario del siglo XIV situado en la esquina derecha exterior de la basílica, un vestigio que recuerda el papel del templo como lugar de enterramiento y la relevancia espiritual que alcanzó en la Edad Media.

El portal del cementerio

El arco del portal está rodeado por un friso

El portal del cementerio es lo primero que veremos, ya que sirve de puerta de acceso al recinto de la Basílica románica de Saint-Just de Valcabrère. Se trata de un montaje singular formado por elementos arquitectónicos heterogéneos, probablemente procedentes del antiguo convento franciscano de Valcabrère, (Couvent des Cordeliers), destruido tras la Revolución de 1789, o del claustro desaparecido de la basílica.

Crismón románico del portal del cementerio, símbolo de Cristo y la eternidad

A la izquierda del portal destaca un crismón románico tallado en piedra, uno de los símbolos más característicos del arte cristiano medieval. Este motivo, formado por las letras X (ji) y P (rho), iniciales del nombre de Cristo en griego (Christos), solía colocarse para recordar al visitante que estaba entrando en un espacio sagrado. A veces, los brazos de la cruz podían estar rematados por los símbolos de alfa (Α) y omega (Ω, ω), la primera y última letra del alfabeto griego, que aluden a Cristo como principio y fin de todas las cosas.

Placa funeraria romana del siglo I, reutilizada en el portal del cementerio

A la derecha del portal veremos una placa funeraria del siglo I d. C. con una inscripción conmemorativa encargada en vida por un liberto romano, Caius Iulius Atticus (anteriormente esclavo de Eros). El epitafio está dedicado también a su esposa fallecida, Iulia Saluiola, igualmente antigua esclava liberada, y a su hijo, Caius Iulius Victor, ciudadano romano, fallecido prematuramente a los 18 años.

Capiteles crochet con motivos vegetales en el portal del cementerio

El arco del portal, de medio punto, procede de algún edificio románico y muestra una arquivolta decorada con una moldura redondeada y otra de diseño en damero. Este conjunto descansa sobre dos capiteles crochet decorados con motivos vegetales en forma de gancho, que a su vez se apoyan en columnillas con base románica. Esta práctica de reutilización de piezas antiguas se aprecia en los numerosos detalles del conjunto.

La portada principal de la basílica

La portada principal, situada al norte, es una auténtica obra maestra del arte románico

La portada principal de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère, situada en el lado norte de la basílica, es una auténtica obra maestra del arte románico, pese a la sobriedad de la fachada, apenas adornada con algunos fragmentos antiguos. El protagonismo recae en el tímpano, las estatuas-columna y los capiteles historiados que enmarcan la puerta y que vamos a ver en detalle, a continuación.

El tímpano

El tímpano está ilustrado con una escena evocada en el capítulo IV del Apocalipsis de San Juan

El tímpano situado en la parte superior está enmarcado por un arco decorado con motivo de damero y otros tres arcos interiores, que muestran, en el centro, a Cristo en Majestad. Sentado en un trono de diseño antiguo, bendice con la mano derecha y sostiene con la izquierda el Libro de las Sagradas Escrituras.

Ángel con incensario sobre las cabezas de San Mateo y San Marcos

Cristo aparece con nimbo crucífero, un círculo luminoso con una cruz inscrita en su interior, dentro de una mandorla, símbolo de la gloria divina, sostenida por dos evangelistas: San Marcos con su león (izquierda) y San Juan con el águila (derecha). Los otros dos evangelistas ocupan los extremos del arco: San Mateo con el hombre (izquierda) y San Lucas con el buey (derecha). Sobre esta escena, dos ángeles portan incensarios en gesto de adoración.

Las estatuas-columna

Flanqueando el acceso de entrada se alzan cuatro estatuas de mármol de tamaño natural

A ambos lados de la puerta, las columnas esculpidas en forma de estatuas representan a los santos patronos San Justo (izquierda) y San Pastor (derecha), junto a San Esteban (en segundo plano a la izquierda) y Santa Elena (en segundo plano a la derecha). El estilo de estas esculturas, que recuerda al pilar de los evangelistas del claustro de San Bertrand de Comminges, ha permitido fechar la portada de Saint-Just de Valcabrère hacia finales del siglo XII.

San Justo y San Esteban

Las vestiduras de San Justo no se corresponden con su condición

San Justo, uno de los jóvenes patronos de la basílica, viste túnica larga y casulla, con la mano derecha levantada en señal de bendición mientras pisa un monstruo que simboliza a Satanás vencido. Tras él se alza la estatua de San Esteban, identificado gracias al acto de consagración de la basílica y a la escena de lapidación de su capitel.

San Pastor y Santa Elena

Santa Elena sostiene una cruz sobre su pecho junto a San Pastor, compañero de martirio de San Justo

San Pastor aparece vestido como diácono, aunque la iconografía no corresponde con la edad de los santos, que fueron ejecutados con apenas 7 y 9 años. Tras él se encuentra una figura femenina identificada en otros tiempos como Santa Clotilde o una condesa de Comminges. Identificada actualmente como Santa Elena, madre del emperador Constantino, reconocida por la tradición como la descubridora de la Santa Cruz, de la que esta basílica conservó un fragmento.

Capitel de San Justo

Capitel con la decapitación de San Justo

Los capiteles que coronan las figuras de la portada principal de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère muestran escenas de gran interés. El capitel que corona la figura de San Justo representa su decapitación, un momento culminante de su martirio. La escena está esculpida con gran fuerza narrativa, destacando el contraste entre la serenidad del santo y el dramatismo de su suplicio.

Capitel de San Esteban

Capitel con la lapidación de San Esteban

El capitel de San Esteban está decorado con la escena de su lapidación, el episodio más representativo de su martirio como primer mártir cristiano. Esta representación refuerza el vínculo entre la iconografía de la portada y la dedicatoria de la basílica. Aún se aprecian restos de los antiguos colores que decoraban estas esculturas, especialmente los tonos rojos, ocres y azules.

Capitel de San Pastor

Capitel con el arresto y el suplicio de San Pastor

En el capitel de San Pastor se relata su arresto y suplicio. Pueden verse varios personajes, entre ellos uno atado con cuerdas, simbolizando la captura y martirio del santo. Este relieve pone de manifiesto el destino común de los dos jóvenes hermanos, mártires españoles, ejecutados en Complutum (Alcalá de Henares) en el año 304, por orden del gobernador Daciano, durante la persecución del emperador Diocleciano.

Capitel de Santa Elena

Capitel de Santa Elena

El capitel de Santa Elena muestra una escena de viaje: una mujer con vestimenta de peregrina se dispone a montar a caballo, asistida por un sirviente barbudo que carga un tonel y porta un bastón. Escondido entre el follaje aparece un ángel que anima a los viajeros, una referencia alegórica al peregrinaje de Santa Elena a Tierra Santa.

Los herrajes de la puerta

Herrajes originales con roleos y un anillo de bronce en la puerta principal

La puerta de madera conserva sus herrajes originales, decorados con delicados roleos similares a los que se encuentran en el Rosellón. En el batiente derecho se distingue una herradura y, a modo de tirador, vemos dos anillos de bronce soldados en forma de asa. El cerrojo deslizante se acciona mediante un anillo de cobre adornado con pequeñas bolas guilloché, un motivo utilizado en la Grecia y Roma clásicas.

La nave central y las naves laterales

Nave central con arcos semicirculares románicos

La Basílica de Saint-Just de Valcabrère cuenta con una planta basilical, muy característica en la región de Comminges, que otorga monumentalidad a un edificio de proporciones relativamente modestas. La nave central, que conduce al coro, está cubierta por una bóveda de cañón sostenida por arcos semicirculares, mientras que las naves laterales presentan bóvedas de cuarto de cañón y desembocan en absidiolos cubiertos con bóvedas de horno.

Tabernáculo del siglo XVII en el absidiolo derecho

Estas naves se comunican con la central mediante arcos de medio punto apoyados en robustos pilares cuadrados construidos, en gran medida, con materiales reutilizados de la antigua ciudad romana, empleados en su estado original sin apenas modificaciones. La nave se divide en cuatro tramos desiguales.

Decoración de un arco de la nave lateral

Los tres tramos más alejados del coro destacan por su sobriedad, sin apenas decoración escultórica, con la luz filtrándose de manera tenue por pequeñas ventanas abiertas a gran altura. En algunos puntos aún se conservan restos de pinturas murales, testigos del colorido original del templo románico.

Columnas geminadas de la nave central

El primer tramo, próximo al coro, recibió un tratamiento más elaborado: columnas geminadas y fragmentos de columnas superpuestos de forma tosca, que coinciden con las columnas de la entrada al coro. Este tramo presenta cuatro arcos de igual altura, incluido el arco triunfal que da acceso al presbiterio, y que sostienen una bóveda elevada que sirve de base al campanario, erigido probablemente en el siglo XIV.

Detalle de la talla policromada del siglo XV de la Virgen

En la nave lateral izquierda, en el muro del fondo, puede verse una elegante composición de tres arcos de medio punto sobre columnas y una cornisa, un motivo ornamental que se repite también en el coro. En el absidiolo izquierdo puede verse la imagen policromada de la Virgen con el Niño, una talla en madera del siglo XV. La Virgen, coronada y sentada, sostiene al Niño sobre su pierna izquierda; la escultura, ahuecada por detrás para evitar deformaciones, conserva buena parte de su policromía original.

Los elementos romanos reutilizados

Capitel romano reutilizado para el agua bendita

La Basílica de Saint-Just de Valcabrère destaca por la extraordinaria reutilización de materiales de la Antigüedad, procedentes de la antigua ciudad romana de Lugdunum y de sus monumentos cercanos. Sus constructores románicos convirtieron estas ruinas en una cantera, incorporando columnas, capiteles, frisos, sarcófagos y grandes bloques de mármol en la estructura del templo.

Vestigio de pintura mural del siglo XIV con diseño geométrico en damero

Estos fragmentos fueron integrados con habilidad en la estructura del templo, no para ser contemplados, sino para quedar ocultos bajo enlucidos y pinturas con motivos geométricos o escenas bíblicas. La sobriedad actual del edificio oculta la riqueza cromática que tuvo en el pasado. De las pinturas murales originales sólo sobreviven algunos vestigios, como el fragmento del siglo XIV en uno de los pilares, donde aún se distingue la silueta de un profeta o apóstol, y un motivo geométrico en la nave lateral.

Friso con delicados motivos decorativos en forma de ramilletes

En el primer tramo de la nave central, próximo al coro, se aprecia la disposición de tambores de columnas, bloques cilíndricos y capiteles que sustentan el arco triunfal y los arcos de los absidiolos. La nave lateral norte, por su parte, conserva arquerías apoyadas en muros formados con losas de sarcófagos, cada uno cortado en cuatro piezas laterales (de unos 12 cm de grosor) y una pieza de fondo (de entre 20 y 25 cm).

Al fondo de la nave podemos ver esta copia de un fragmento de sarcófago

La progresiva escasez de materiales antiguos se hace evidente en los tramos más alejados del coro, donde los canteros emplearon piedras toscas e irregulares. Este detalle constructivo permite deducir que la construcción de la iglesia comenzó por la cabecera y avanzó hacia el fondo de la nave. Y es aquí donde veremos un fragmento de sarcófago romano, hallado en una tumba medieval del cementerio de Saint-Just-de-Valcabrère. El relieve representa una escena de ofrendas a una difunta recostada en una cama.

El coro y su conjunto monumental

Detalle de la arquería mural de once arcos de medio punto en el coro románico

El coro de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère es uno de los espacios más singulares del templo, tanto por su estructura como por su decoración. El coro se cierra con un ábside cubierto por una bóveda de cuarto de esfera (o cul-de-four), perforada por tres ventanales que bañan de luz el presbiterio. A su alrededor, una elegante arquería mural de once arcos de medio punto se apoya sobre un estilóbato, generando una sensación de ritmo y profundidad.

Columnas con fuste acanalado en el absidiolo norte

A ambos lados del coro se abren los absidiolos, de planta ligeramente en herradura —un poco más de la mitad de una circunferencia—, cubiertos por segmentos de cúpula que completan el conjunto. Esta disposición refuerza el carácter monumental del presbiterio, enmarcado por columnas con bases toroides y capiteles esculpidos. Una abertura de arco de medio punto comunica el ábside central con el absidiolo norte.

Detalle decorativo en la plataforma del ciborio

El corazón de este espacio lo ocupa el altar mayor, protegido por un delicado ciborio gótico que contrasta con la sobriedad del románico. Bajo el altar se encuentra una cripta abovedada, minúscula pero de gran valor histórico. Hoy en día, en este espacio se exhibe una imagen del pergamino de consagración del altar, hallado en 1885, uno de los descubrimientos más importantes de la historia del templo.

El altar mayor

Altar mayor consagrado en 1200 en honor de San Esteban, San Justo y San Pastor

El altar mayor está formado por un bloque macizo rectangular de piedra con mesa de mármol tallada de superficie ligeramente cóncava. Fue consagrado en octubre del año 1200, como lo certifica el pergamino encontrado en 1885 dentro de su propia mampostería. Este documento, fechado, firmado y sellado por Raymond-Arnaud Labarthe (obispo de Comminges entre 1188 y 1205), es el único testimonio escrito que permite fechar con exactitud la basílica.

Fotografía del pergamino original y transcripción en francés

El pergamino, que hoy se conserva en perfecto estado, señala que el altar fue consagrado en honor de San Esteban protomártir y de los santos Justo y Pastor, patronos del templo. La inscripción del pergamino incluye fragmentos de los Diez Mandamientos y el inicio de los Evangelios, terminando con estas palabras:

“Este altar mayor ha sido consagrado en honor de San Esteban protomártir y de los santos mártires Justo y Pastor, por el señor R., obispo de Comminges.”

Imagen antigua del hallazgo en el altar de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère

Junto al pergamino se hallaron varias reliquias: una urna cineraria de vidrio, lienzos con restos de sangre, una vértebra y otro hueso bien conservado, una pequeña ampolla sellada con restos orgánicos de origen indeterminado y un fragmento de tela dorada. Todo este conjunto estaba cuidadosamente guardado en el interior de un capitel hueco, integrado en la estructura del altar.

El ciborio

Ciborio gótico del siglo XIII con sarcófago y estatuas de San Justo y San Pastor

Detrás del altar mayor se alza un delicado ciborio gótico de dos niveles, construido en el siglo XIII. Su estructura, formada por arcos trilobulados profusamente ornamentados, enmarca un sarcófago de piedra vacío, cubierto por una tapa a cuatro vertientes. A ambos lados del ciborio se encuentran las estatuas policromadas de San Justo y San Pastor, patronos del templo, cuya veneración se remonta a los orígenes de la iglesia. Una escalera de doble tramo permite acceder al nivel donde se sitúa el sarcófago, aunque debe usarse con cuidado debido a la estrechez de los peldaños.

La cripta

Clave decorada en la bóveda de la cripta

Bajo el ciborio se encuentra una pequeña cripta abovedada, un espacio que en la Edad Media servía como lugar de recogimiento y oración. Los peregrinos acudían allí para impregnarse de la fuerza sobrenatural que emanaba de las reliquias de los santos allí custodiadas. Recordemos que la Basílica de Saint-Just de Valcabrère era una parada para los peregrinos que hacían el Camino de Santiago.

El órgano de Saint-Just de Valcabrère

Órgano de Gerhard Grenzing, integrado en la nave románica

El órgano actual de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère es una pieza contemporánea encargada al maestro organero alemán Gerhard Grenzing por el Festival de Comminges, que fue inaugurado el 3 de agosto de 1980. Este instrumento de 19 registros, con dos teclados y pedal, está concebido con una estética sonora de tradición nórdica, ideal para la música barroca alemana y, en particular, para las composiciones de Johann Sebastian Bach. La caja de castaño, sobria y proporcionada, se integra de forma natural con la sobriedad de la nave románica.

El claustro

Vista del muro exterior del claustro de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère

Al sur de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère se encontraba un claustro medieval, del que hoy apenas quedan algunos restos. Su galería norte se apoyaba directamente sobre el muro meridional del templo, donde aún se abre una pequeña puerta que debió servir de acceso a los canónigos. Entre la hierba se distinguen los vestigios de los antiguos muros interiores, mientras que el muro exterior, restaurado en diversas ocasiones, sigue en pie.

Vestigios del claustro medieval junto al lado sur de la basílica

Las excavaciones arqueológicas realizadas en 1943 y 1950 sacaron a la luz un conjunto de espacios rectangulares anteriores al edificio actual, que se prolongan bajo la basílica y son visibles entre los contrafuertes. Estas estructuras, construidas con piedras irregulares —morillos y cantos rotos— colocadas con sorprendente orden en la mampostería, se han datado entre la Antigüedad tardía y el siglo XI.

Muro meridional donde se apoyaba la galería norte del claustro medieval

En este sector meridional también se hallaron restos de muros prerrománicos, que permiten identificar la huella de un antiguo transepto, situado a la altura de los dos primeros tramos de la nave. Este transepto, que habría dado a la iglesia una planta en cruz latina, podría corresponder a un edificio de culto anterior al actual, probablemente levantado entre los siglos IX y X, en plena transición del mundo carolingio al románico. Estos vestigios confirman la prolongada historia del lugar como espacio de culto.

Antiguos sarcófagos de la necrópolis paleocristiana

La necrópolis asociada a este antiguo santuario ha revelado un importante conjunto funerario, con numerosos sarcófagos de piedra exhumados junto al muro de clausura y bajo el absidiolo norte. Algunos de estos sepulcros, encajados en los cimientos actuales, son anteriores a los siglos XI y XII, lo que evidencia una vez más la larga tradición de enterramientos en este lugar sagrado.

Fragmento de una máscara trágica reutilizada del teatro de Lugdunum Convenarum

Avanzando hacia la cabecera, en el último contrafuerte sur, podrás descubrir una hermosa máscara de teatro de época romana, sostenida por cintas, con un peinado alto y largas trenzas que enmarcan el rostro. Reutilizada como elemento decorativo, testimonio de la riqueza monumental de la antigua Lugdunum Convenarum.

La cabecera

En la cabecera se reutilizaron losas de sarcófagos y piedras talladas en mármol

La cabecera de Saint-Just de Valcabrère es una de las piezas más singulares del románico pirenaico, tanto por su ingenio técnico como por la riqueza de sus materiales. En su construcción se reutilizaron losas de sarcófagos en los muros y grandes bloques de mármol en contrafuertes y esquinas, lo que aporta al conjunto un aspecto poco habitual.

Cabecera con absidiolos poligonales y ábside central rectangular con contrafuertes

A diferencia del interior, donde los absidiolos son semicirculares, el exterior presenta un diseño poligonal para los absidiolos y rectangular para el ábside central. Este último está enmarcado por dos contrafuertes unidos por un arco de medio punto que forma una hornacina en cuyo centro se abre una ventana axial.

Campanario junto a la cabecera escalonada en tres niveles

El diseño de la cabecera se organiza en tres niveles de cubierta que generan una sensación de ascenso. Los tejados de los absidiolos forman el primer nivel; sobre ellos se eleva una segunda cubierta, marcada por la ondulación de las trompas que suavizan el paso entre planos; y, finalmente, la bóveda de horno del ábside central, coronada por un tejado a cinco vertientes, completa el conjunto. Este escalonamiento progresivo dirige la mirada hacia el campanario.

Cabeza de toro reutilizada en la cabecera de la Basílica de Saint-Just de Valcabrère

Este juego de volúmenes y alturas, concebido para corregir las irregularidades del plano original, se considera una auténtica proeza constructiva del arte románico pirenaico. Las falsas trompas y arcos exteriores cumplen una función tanto técnica, al facilitar la disposición de las cubiertas, como estética, creando una silueta armónica y sorprendentemente moderna.

Más información: Basílica de Saint-Just de Valcabrère. Dirección: Route du cimetière, 31510 Valcabrère (Francia). Teléfono: +33 561 954 906. Horario: En mayo y octubre, diariamente de 10 a 18 h. De junio a septiembre, diariamente de 10 a 19 h. De noviembre a abril, fines de semana y festivos de 14 a 17 h. Entrada: 3 €. Gratis para niños menores de 10 años. Audioguía disponible en la entrada y en el siguiente enlace.

Toda la información generada durante mi escapada a Basílica de Saint-Just de Valcabrère puede consultarse a través de los hashtags #pyrenees31 y #TourismeHG.

Qué más ver cerca

Saint-Bertrand-de-Comminges es uno de los pueblos más bonitos de Francia, coronado por la catedral de Sainte-Marie. Entre sus calles medievales se conservan varios monumentos declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Un día en Canet-en-Roussillon: navegando entre vida marina, gastronomía y cabañas de pescadores

2025-07-21T20:20:00.002+02:00

Mesoheros festae, una joya acuática en el Aquarium Oniria de Canet-en-Roussillon

Canet‑en‑Roussillon es una ciudad marítima con nueve kilómetros de playas de arena fina y es un destino ideal para una escapada de un día desde Cataluña. Hoy se presenta como un destino que combina tradición marinera con un puerto deportivo con 1.300 amarres y un centro náutico de referencia internacional. Canet, con su encanto mediterráneo, ofrece historia, naturaleza, gastronomía y experiencias únicas como navegar en catamarán, el Aquarium Oniria, un tradicional poblado de pescadores y una deliciosa gastronomía frente al mar.

Paseo por el mar con el Catamarán Navivoile

El Catamarán Navivoile en el puerto de Canet-en-Roussillon

Embarcar desde Canet-en-Roussillon a bordo del Navivoile es dejarse llevar por el viento en una experiencia marítima única. Este maxi catamarán ecológico, de 24,7 m de eslora y 220 m² de espacio en cubierta, ha sido diseñado para navegar de forma respetuosa con el medio marino. Su etiqueta High Quality Whale-Watching® certifica que cada salida se realiza bajo estrictos criterios de protección de la fauna marina.

Zonas amplias para relajarse al sol en el Navivoile

No hace falta recorrer el planeta para vivir el asombro de encontrarse con delfines, rorcuales o incluso cachalotes que se encuentran a menos de hora y media de navegación desde Canet. Entre las modalidades que ofrece el Navivoile, destaca la posibilidad de realizar salidas para la observación de estos cetáceos. Las aguas del Mediterráneo frente a Canet-en-Roussillon, especialmente en los alrededores del cañón submarino de Creus, se convierten en escenario de un espectáculo natural impresionante.

Vistas a las aguas cristalinas y ensenadas de la Costa Vermeille

Aquí, el rorcual común —la segunda ballena más grande del mundo— aparece con cierta frecuencia, al igual que los grandes delfines, cachalotes, globicéfalos negros, espadones, tiburones y tortugas bobas. El Navivoile ofrece diferentes modalidades de crucero para todos los gustos: desde paseos de una hora para disfrutar del mar bajo velas desplegadas, hasta travesías de día completo dedicadas a la observación de cetáceos.

El Navivoile surcando la costa desde Canet-en-Roussillon hasta Port-Vendres

Una de las salidas más populares es la que combina 10 horas de navegación y avistamiento de delfines por 59 €. También es posible embarcarse en excursiones con escala (37 €) en pintorescos pueblos marineros como Collioure o Port-Vendres, descubriendo la costa desde otra perspectiva. Por ejemplo, la “promenade à la voile” (paseo en vela) de una hora cuesta unos 11 € para adultos, y permite sentir el viento en las velas tras salir del puerto, con comentarios sobre náutica, geografía costera y biodiversidad marina.

Vista desde el Catamarán Navivoile

Para quienes buscan combinar mar y gastronomía, las travesías con barbacoa y baño “Grillade et baignade” permiten fondear en calas de aguas cristalinas, saborear parrilladas y productos locales a bordo, y darse un chapuzón en plena naturaleza. Los precios varían según la temporada, pero se pueden encontrar desde 61 €. Durante cualquier salida en catamarán, te aconsejo relajarte y conectar con la naturaleza: el silencio del mar, el oleaje suave y el encuentro con aves marinas o mamíferos.

Más información: Catamarán Navivoile. Dirección: Parking Bastia Avant Port, 66140 Canet-en-Roussillon. Teléfono: +33 (0) 468 403 221 / +33 (0) 623 206 976. Precio del crucero: desde 11 € por persona. Web: Catamarán Navivoile.

Comida en restaurante Can Marcel del Chef Christophe Perrin

Anchoas de La Escala en Can Marcel

Después del paseo en catamarán por el mar Mediterráneo, fuimos al restaurante Can Marcel, del chef Christophe Perrin, miembro de la Asociación de Toques Blanches du Roussillon, de la que otras veces hemos hablado, y gran apasionado de la cocina catalana. Este restaurante representa la sabiduría culinaria mediterránea y catalana, elaborada con mimo y basada en el producto fresco de temporada.

Mejillones gratinados con alioli

Su carta combina platos marineros tradicionales con guiños a la cocina local más auténtica, desde tapas sencillas hasta especialidades contundentes. La propuesta gastronómica del chef Christophe Perrin se construye a partir de una cocina honesta y cercana, donde los pescados recién llegados del puerto aseguran una frescura inigualable en cada preparación.

Las croquetas de jamón del chef Perrin en Can Marcel

A ellos se suman las verduras de temporada cultivadas en el Rosellón, que aportan matices auténticos y realzan los sabores locales. Todo ello se armoniza con una cuidada selección de vinos del Roussillon, pensados para acompañar cada plato y completar una experiencia culinaria profundamente arraigada en el territorio. Durante mi comida, abrimos boca con unas anchoas de La Escala (14,50 €), servidas en aceite y con todo el sabor del Mediterráneo concentrado en cada bocado.

Calamares a la plancha de Can Marcel

En una selección de tapas no pueden faltar nunca unas buenas croquetas, en Can Marcel son de jamón (8,50 €), crujientes por fuera y cremosas por dentro, ¡nadie es capaz de resistirse a una buena croqueta! Le siguieron unos calamares a la plancha (9,50 €) en su punto justo, y unos mejillones gratinados con alioli (11,00 €), intensos y sabrosos, que llegaron a la mesa dorados y aún humeantes.

La fideuá de Can Marcel, uno de los platos estrella del chef Christophe Perrin

Como plato principal, opté por una Fideuá Terre et Mer (29,00 €), una especialidad de la casa que combina rape, gambas, mejillones y butifarra catalana con una base de fideos gruesos, cocinados con un sofrito lleno de sabor y servidos con alioli. Una propuesta que mezcla los sabores del mar y la montaña en una más que generosa ración, y que resume la esencia de la cocina del Rosellón.

Selección de vinos Can Marcel, IGP Côtes Catalanes

La carta de Can Marcel incluye otras opciones tradicionales como la zarzuela de rape, gambas, langosta y mejillones; la parrillada de pescado fresco a la plancha; o la mariscada con almejas, navajas, mejillones y langosta, entre otros. Los productos del mar se sirven según disponibilidad, lo que garantiza su frescura y autenticidad. Además, el restaurante ofrece platos de carne, tapas, y una selección cuidada de vinos locales que armonizan con la propuesta culinaria.

Vistas al mar en la terraza de Can Marcel

En Can Marcel, el servicio es amable y el ambiente relajado, con terraza junto al paseo marítimo y un ritmo pausado que invita a alargar la sobremesa. Cada plato está pensado para reinterpretar lo tradicional sin artificios: texturas, presentaciones ligeras y sabores nítidos. Todo está pensado para disfrutar sin prisas, saboreando cada plato como si el tiempo se hubiera detenido junto al puerto.

Más información: Restaurante Can Marcel. Dirección: 101 Promenade de la côte Vermeille, 66140 Canet-en-Roussillon. Teléfono: +33(0) 468 806 455. Precios: Disponen de un menú del día válido solo para el mediodía, de miércoles (martes en verano) a viernes (excepto festivos). Menú del día (Entrante + Plato principal + Postre o Café): 25 €.

Visita al Aquarium Oniria

Acanthurus olivaceus y Heniochus, dos joyas tropicales en Oniria

Después de comer, nos dirigimos al Aquarium Oniria, situado en el puerto deportivo de Canet‑en‑Roussillon. Este acuario de última generación ocupa 3 500 m², cinco veces más que el antiguo acuario local, y alberga más de 3 500 criaturas marinas de unas 660 especies, distribuidas en 83 acuarios temáticos.

Medusas en el Aquarium Oniria, flotando con gracia en tanques iluminados

Entre ellas se encuentran desde peces tropicales de colores brillantes y majestuosos tiburones, hasta corales delicados y especies mediterráneas que revelan la riqueza del ecosistema que rodea Canet. La experiencia en Oniria va mucho más allá de un recorrido tradicional por un acuario.

A lo largo de la visita, el público se sumerge en hábitats inmersivos

Oniria es una experiencia sensorial y un relato visual que narra el ciclo del agua a lo largo de mil años: desde su nacimiento como nieve en la montaña hasta su regreso al mar y posterior evaporación. Este recorrido de Oniria se estructura a través de diez universos temáticos que recrean distintos ecosistemas naturales relacionados con el agua.

Truchas nadando en los ecosistemas de agua dulce de Oniria

Cada espacio ha sido cuidadosamente diseñado para que el visitante no solo contemple, sino que también escuche, sienta y participe. El recorrido comienza en la cima nevada del Canigó —montaña sagrada para los catalanes—, donde el agua nace en estado sólido. De ahí desciende hasta las entrañas del océano, atravesando cascadas, junglas tropicales, arrecifes de coral y fondos marinos profundos.

Uno de los tiburones que habitan en Oniria

En cada etapa, la ambientación transporta al visitante gracias a efectos visuales, sonoros y táctiles. En la zona tropical, la humedad se condensa en el aire y el murmullo de la selva envuelve al visitante en una atmósfera viva. Más adelante, los arrecifes del Indo-Pacífico estallan en una sinfonía de luz y color, hogar de peces exóticos que dan paso al enigmático mundo de los tiburones.

La Muraena helena (morena), dueña de los fondos rocosos

Otros espacios invitan a reflexionar sobre el impacto humano en los océanos. Y en el área “Viaje en el tiempo”, fósiles y maquetas nos recuerdan que muchas especies actuales son descendientes directas de criaturas prehistóricas. La visita culmina con el regreso simbólico de la gota de agua al puerto de Canet-en-Roussillon, donde se evapora para comenzar de nuevo su ciclo eterno.

Más de 80 maquetas navales ilustran la historia marítima

A lo largo del recorrido, la tecnología sensorial avanzada permite experimentar fenómenos como tormentas tropicales, vibraciones submarinas o cambios de temperatura. Esta apuesta por la inmersión se complementa con una sólida vocación educativa: talleres participativos, charlas sobre la conservación marina y una exposición permanente con más de 80 maquetas navales refuerzan el compromiso de Oniria con la divulgación y la sensibilización ambiental.

Pez payaso común (Amphiprion ocellaris) protegido entre las anémonas

El Aquarium Oniria ofrece además una amplia gama de actividades que enriquecen la experiencia para pequeños y mayores. Entre las actividades favoritas del público destaca la alimentación de los peces, un auténtico espectáculo donde algunas especies realizan coreografías naturales bajo el agua mientras se alimentan. Niños y adultos observan fascinados esta danza acuática, que añade un toque de asombro a una visita ya de por sí extraordinaria.

Experiencia interactiva con peces Garra rufa

Una de las experiencias más curiosas y memorables del recorrido por el Aquarium Oniria es el pequeño tanque interactivo con peces Garra rufa, conocidos popularmente como “peces doctor”. Estos diminutos peces utilizados en la práctica de la ictioterapia, realizan una suave exfoliación al succionar la piel muerta con su boca en forma de ventosa. No poseen dientes, por lo que no dañan la piel sana, y la sensación que provocan es sorprendentemente agradable, más cercana a un cosquilleo que a una mordida.

Reptiles y anfibios conviven en el terrario de la jungla de Oniria

En Oniria, esta interacción no tiene fines médicos, sino puramente sensoriales y de descubrimiento, ofreciendo a grandes y pequeños la oportunidad de experimentar un tipo de contacto directo con el mundo acuático que rara vez se vive en otros acuarios. Es el broche perfecto a un recorrido diseñado para despertar los sentidos, donde la vista, el oído, el tacto e incluso la imaginación se unen para crear una experiencia que se vive con todos los sentidos.

Más información: Aquarium Oniria. Dirección: 2 Boulevard de la Jetée, 66140 Canet-en-Roussillon. Teléfono: +33(0) 468 867 292. Horario: Abren a las 10:00 y cierra entre las 19:00 y las 21:00, según la temporada. Precios: Adultos (mayores de 11 años) 16 €. Menores de 3 a 10 años 12 €. Accesibilidad total para personas con movilidad reducida. Parking gratuito (de septiembre a junio). Web: Aquarium Oniria.

Descubrimiento del Village de Pêcheurs y las cabañas de pescadores

El Étang de Canet es un refugio de aves migratorias

Entre Canet-en-Roussillon y Saint-Cyprien Plage se extiende un vasto humedal de gran valor ecológico. Protegido bajo la red Natura 2000, este paisaje natural único combina, en un mismo encuadre, el mar Mediterráneo, por un lado, y la imponente silueta de los Pirineos nevados por el otro. Aquí, donde la tierra se encuentra con el agua, habita una extraordinaria biodiversidad que ha convertido el lugar en un auténtico santuario para miles de aves migratorias.

Sendero junto al Étang de Canet

Al borde de la laguna se ha habilitado un sendero de descubrimiento que permite explorar este entorno sin alterar su equilibrio. Siguiendo los caminos señalizados, se accede a zonas de observación perfectamente integradas en el paisaje, desde donde se puede contemplar la vida salvaje. El entorno natural del estanque acoge más de 246 especies vegetales y cerca de 200 especies de aves migratorias.

Barca junto al Étang de Canet

Entre las aves que se pueden observar en el Étang de Canet se encuentran garzas imperiales, flamencos rosas, martines pescadores y otras aves en plena estación de nidificación entre febrero y agosto, y numerosas especies de limícolas que descansan, se alimentan o anidan entre las aguas someras y los cañaverales. Se ruega no salirse de los caminos para preservar este ecosistema tan frágil como fascinante.

Las cabañas estuvieron habitadas desde el siglo XIX por familias de pescadores

Al atardecer, me dirijo al entorno natural e histórico del Village de Pêcheurs, junto al estanque de Canet. En medio de este paisaje se alza el Village de Pêcheurs, un pequeño conjunto de diez cabañas tradicionales construido con materiales naturales como madera arrastrada por el mar, sanils, (juncos marinos recogidos directamente del estanque), cañas de Provenza y madera de castaño, ideales para aislar del viento, la lluvia y el calor estival.

Un testigo vivo de la historia pesquera de la región desde el siglo XIX

Estas construcciones formaban parte del paisaje cotidiano desde el siglo XIX. Tras la Segunda Guerra Mundial fueron abandonadas; el último habitante se marchó en 1960 y en 1993 comenzó la restauración para preservar el patrimonio. Aún hoy se conservan como almacenes para las artes de pesca y siguen siendo utilizadas por un pequeño grupo de pescadores que faenan en el estanque, sobre todo en busca de anguilas y lubinas.

Cabañas tradicionales del Village de Pêcheurs

Las cabañas, de formas redondeadas, fueron diseñadas para resistir la Tramontana, ese viento del norte que sopla con fuerza sobre el Rosellón. Su interior se organizaba en tres espacios separados por paredes hechas con zarzos de caña: una habitación para dormir de manera austera, una zona común que servía como sala de estar y cocina, y una tercera destinada al almacenaje de redes, boyas y demás aparejos.

Redes de pesca extendidas en el suelo del Village de Pêcheurs

En torno a las cabañas, se plantaban cortavientos naturales que favorecían el crecimiento de higueras, laureles, cactus y otras plantas mediterráneas resistentes a la sal y al viento. En el corazón del conjunto se encontraba la Maison Commune, un espacio de encuentro donde los pescadores solían reunirse —y todavía lo hacen en ocasiones— para preparar la tradicional bouillinade de anguila, uno de los platos emblemáticos de la región.

Redes y barca tradicional aún empleadas por pescadores en el Village de Pêcheurs

En verano, una de las cabañas abre sus puertas al público y acoge visitas guiadas, talleres pedagógicos y pequeñas exposiciones que ayudan a comprender mejor este patrimonio cultural. Hoy, el Village de Pêcheurs es un sitio protegido que ofrece una visión auténtica de la vida tradicional marinera de Canet. Pasear entre estas humildes construcciones, con el sonido del viento entre los juncos y el reflejo de la laguna en calma, es viajar al pasado sin moverse del presente, sintiendo cómo el paisaje y la vida humana deben vivir en armonía.

Más información: Village de Pêcheurs. Dirección: Étang de Canet. Entrada gratuita.

Cena en el Restaurante del Club de Playa Naudo Beach Club

Naudo Beach Club, un rincón con estilo mediterráneo

Tras un día repleto de experiencias, la cena en Naudo Beach Club, frente al mar, es una forma perfecta de cerrar la jornada. Situado en la playa de Canet-en-Roussillon, este club-restaurante combina cocina fresca, ambiente relajado, música, tapas mediterráneas, platos de pescado y marisco, cócteles y vinos locales. Todo, con los pies en la arena y las vistas del atardecer como telón de fondo.

Selección de tapas pensadas para disfrutar con el Mediterráneo de fondo

La experiencia en Naudo Beach Club fue todo un homenaje al tapeo más clásico de nuestros bares. En su carta, que fusiona sabores mediterráneos y toques internacionales, encontramos clásicos irresistibles como los pimientos del padrón, servidos en su punto justo de sal y fritura, y unas croquetas cremosas que se deshacían en la boca. Las patatas bravas, con una salsa poco picante, pero sabrosa.

Selección de postres en Naudo Beach Club

Otro de los platos mejor valorados por los que cenamos allí, fue la ración de pescaíto frito crujiente, que nos recordó a los chiringuitos andaluces. Completaron el festín propuestas más frescas y ligeras como un delicioso humus y un tzatziki, ideales para compartir y equilibrar sabores. También probamos un pollo empanado, dorado y jugoso, que resultó ser una acertada elección.

Vista de la playa con sombrillas en Naudo Beach Club

La propuesta gastronómica de Naudo Beach Club es sencilla, sabrosa y pensada para disfrutar, quizás con un buen cóctel, una cerveza artesana o un vino refrescante. A cualquier hora del día, su terraza junto al mar invita a dejarse llevar por la brisa marina con una copa en la mano. Es el lugar ideal para una comida informal junto al Mediterráneo, una cena al atardecer o una pausa con música y buen ambiente. Naudo Beach es ese rincón donde el verano se vive bajo el sol del Rosellón.

Sendero que conduce a la playa donde las mascotas también disfrutan del Mediterráneo

Las playas de Canet-en-Roussillon gozan de una merecida reputación por su belleza natural y su ambiente acogedor. A lo largo de sus nueve kilómetros de litoral, se suceden espacios amplios donde descansar bajo el sol o entregarse a la práctica de deportes acuáticos. La serenidad del mar, de aguas claras y poco profundas, convierte este destino en un lugar ideal para familias con niños e incluso, con mascotas.

Más información: NBC Naudo Beach Club. Dirección: Plage du Mar Estang 1, Canet-en-Roussillon. Teléfono: +33(0) 468 734 744. Horario: Abierto diariamente de 10 a 2 de la madrugada.

Noche en el hotel Best Western Plus Hôtel Canet Plage

Zona común del Best Western Plus Hôtel Canet Plage

Pasé la noche alojada en el hotel Best Western Plus Hôtel Canet Plage, un elegante hotel de 4 estrellas situado justo frente al Mediterráneo. Su ubicación privilegiada, con acceso directo a la playa y al paseo marítimo, lo convierte en un punto de partida perfecto para quienes desean disfrutar del mar sin renunciar al confort.

Confort y vistas al mar desde el hotel en Canet-en-Roussillon

Las habitaciones destacan por su diseño contemporáneo y funcional, con grandes ventanales que inundan el espacio de luz natural. Muchas de ellas ofrecen vistas directas al mar o a los Pirineos, y algunas disponen de balcón, lo que permite contemplar el amanecer con una taza de café mientras las primeras luces tiñen el horizonte.

El mejor buffet de desayunos de la cadena hotelera Best Western

Uno de los puntos fuertes del hotel es su desayuno buffet, que se sirve en una sala amplia y luminosa con vistas al paseo marítimo de Canet. Su cuidada selección de productos locales y variedad, junto a su presentación impecable, le han valido el primer premio al mejor buffet de desayunos de la cadena hotelera Best Western.

Selección de quesos del desayuno buffet

El bar del hotel, con una carta de vinos regionales y cócteles, es el lugar ideal para relajarse tras un día de visitas o actividades al aire libre. Además, su ubicación en pleno paseo marítimo permite explorar fácilmente el puerto deportivo, el Aquarium Oniria, las playas de arena fina y se encuentra a 3’2 km del Village de Pêcheurs y las cabañas de pescadores.

Arena fina y mar en calma frente al hotel Best Western Canet Plage

El Best Western Plus Hôtel Canet Plage es una opción ideal para viajeros que buscan comodidad, estilo y una estancia frente al mar, con todos los servicios necesarios para disfrutar al máximo de esta ciudad costera del Rosellón.

Más información: Best Western Plus Hôtel Canet Plage. Dirección: 120 promenade de la Côte Vermeille, 66140 Canet-en-Roussillon. Teléfono: +33(0) 468 802 859. Habitaciones desde 109 €. Web: Best Western Plus Hôtel Canet Plage.

Toda la información generada en redes sociales sobre mi escapada a Canet-en-Roussillon puede consultarse a través de los hashtags #visitPO #ToutEstIci #PyrénéesOrientales y #PaysCatalan.

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Hotel Vall de Núria: escapada con encanto al corazón del Pirineo

2025-07-16T16:57:00.002+02:00

Panorámica del Hotel Vall de Núria, el Santuario y el lago

Llegar al Hotel Vall de Núria no es solo acceder a un alojamiento de montaña: es adentrarse en un paisaje protegido, ascender por una de las líneas ferroviarias más singulares de Europa y sumergirse en un rincón del Pirineo catalán donde historia, espiritualidad y naturaleza conviven desde hace siglos. Ubicado a 1.964 metros de altitud y rodeado por picos imponentes, este hotel invita tanto al descanso como a disfrutar del aire libre en plena naturaleza.

El Hotel Vall de Núria ***

El hotel ofrece una amplia gama de servicios pensados para todo tipo de visitantes

Dormir en el corazón de los Pirineos catalanes es una experiencia que va más allá del simple alojamiento. El Hotel Vall de Núria es accesible únicamente en tren cremallera, lo que acentúa su carácter remoto y singular. En invierno, la idea de que una tormenta de nieve te deje aislado se me antoja romántica, como si el mundo exterior pudiera dejara de existir y solo quedara la calidez de sentarse junto a la chimenea.

Vista del Hotel Vall de Núria, enclave privilegiado a 2.000 metros de altitud en el Pirineo catalán

Aquí donde el aire es más puro y el paisaje parece pintado con pinceladas de eternidad, se alza un edificio sobrio y acogedor que ofrece todo lo necesario para desconectar… o reconectar. El hotel se extiende junto al edificio histórico del Santuario de la Mare de Déu de Núria, y sus estancias comparten el mismo silencio envolvente que caracteriza a uno de los valles más impresionantes del Pirineo, tanto por su riqueza paisajística y espiritual como por la diversidad de vida animal y vegetal.

Habitación doble del Hotel Vall de Núria

Las habitaciones, algunas de ellas con vistas directas al lago o a los picos que lo rodean, están diseñadas con un estilo funcional y montañés, perfecto para el descanso tras una jornada de senderismo, esquí o contemplación. Pero el hotel no es solo descanso: es también un punto de encuentro para quienes buscan naturaleza, cultura y bienestar. A su alrededor se despliega una completa red de instalaciones y servicios.

La tienda de recuerdos de Vall de Núria ofrece productos locales y artesanales

Desde una cartoteca y biblioteca, hasta un auditorio o una sala de exposiciones, pasando por una tienda de recuerdos, un pequeño dispensario médico, consignas, cajero automático, servicios para personas con movilidad reducida e incluso una oficina de información y central de reservas para planificar escapadas por el entorno natural del Parc Natural de les Capçaleres del Ter i del Freser.

Actividades al aire libre en Vall de Núria

En Vall de Núria la naturaleza es el mejor parque de aventuras

En verano, la Vall de Núria se convierte en un escenario con múltiples posibilidades para todas las edades, pudiendo realizar actividades al aire libre que invitan a disfrutar en familia, en pareja o en solitario, sin prisas y en plena conexión con la naturaleza. Cuando el buen tiempo acompaña, el valle se transforma en un gran escenario al aire libre donde cada edad encuentra su espacio y cada ritmo tiene su recompensa.

El Parque Lúdico de Vall de Núria, un espacio para jugar y disfrutar al aire libre

El Parque Lúdico, situado a pocos pasos del hotel, es el reino de los más pequeños —y no tan pequeños—. Cuenta con karts de montaña, un circuito de patinetes, piscina sensorial, tirolina, rocódromo, castillo inflable, cintas transportadoras y juegos de equilibrio. El acceso puede contratarse por franjas de tiempo o para todo el día, y es uno de los espacios con más algarabía del valle durante el verano.

Minigolf en Vall de Núria, diversión para toda la familia en plena montaña

El Minigolf, ubicado detrás del hotel, ofrece una actividad tranquila y entretenida para toda la familia, mientras que el circuito de orientación pone a prueba el sentido de la dirección y la capacidad de leer el entorno natural con un mapa en la mano. Ideal para familias o grupos escolares, es una forma divertida de adentrarse en la geografía del valle. El embarcadero del lago es uno de los grandes atractivos de Vall de Núria durante el verano.

Es posible alquilar barcas para navegar en el lago de Núria

Aquí se pueden alquilar pequeñas barcas de remo, para hasta cuatro personas, y deslizarse suavemente por las aguas tranquilas, rodeadas de cumbres y un infinito cielo. La perspectiva desde el agua regala una visión distinta del santuario y del hotel, reflejados en la superficie como en un espejo, y acompañados por el vuelo ocasional de una alondra o el croar de alguna rana entre los juncos.

El lago de Vall de Núria ofrece la posibilidad de disfrutar de un tranquilo paseo en canoa

Para quienes prefieren una experiencia más activa o compartida, también hay disponibles canoas para dos personas, ideales para explorar con ritmo propio el contorno del lago y sentir de cerca la frescura del agua alpina. Remar entre montañas se convierte en un ejercicio de pausa y contemplación: cada remada ralentiza el tiempo, cada ola leve dibuja un surco efímero que desaparece como lo haría una preocupación.

En Vall de Núria se ofrecen paseos a caballo aptos para todas las edades

Para quienes prefieren el contacto directo con los animales, la hípica de montaña ofrece rutas a caballo adaptadas a todas las edades y niveles. Desde paseos en poni para los más pequeños (de 2 a 8 años), hasta bautizos a caballo y rutas de una o dos horas por itinerarios como el Camí de les Creus, el Bosc de la Verge o el Puente del Escudé, a partir de quince años. La experiencia conecta con la larga tradición pastoril del valle.

Espacio infantil donde los más pequeños se divierten aprendiendo en plena naturaleza

Pensado para niños de entre 4 y 10 años, El Cau de la Marmota es un espacio lúdico y educativo con actividades gratuitas para los huéspedes más pequeños del hotel y de los apartamentos. Funciona tanto en invierno como en verano, y ofrece talleres creativos, cuentacuentos, juegos, maquillaje infantil o cine nocturno. También se organizan salidas como paseos familiares, visitas a la ermita de San Gil o excursiones temáticas según la estación.

La pequeña granja de Vall de Núria permite a los más pequeños acercarse a los animales

Cada actividad es una forma distinta de descubrir Núria, de tocar la montaña con las manos y de volver a sentir que la naturaleza es un lujo cotidiano. Completan la propuesta de diversión, una pequeña granja con animales —gallinas, conejos, pavos, ocas— donde los más pequeños pueden conocer de cerca la vida rural, y en invierno, el paisaje se viste de blanco para acoger a los amantes del esquí y las raquetas de nieve.

Subida en teleférico

El Teleférico de Vall de Núria ofrece vistas panorámicas únicas ascendiendo al Pic de l’Àliga

El Teleférico del Pic de l’Àliga, incluido en el billete del tren cremallera, permite ascender cómodamente hasta el Pic de l’Àliga, a 2.120 metros de altitud. Las vistas desde lo alto son espectaculares, y el recorrido hasta la cima permite una panorámica completa del circo glaciar, del lago y del santuario. Es una forma fácil de ganar altura para iniciar alguna de las rutas de senderismo más emblemáticas.

Vista desde el Pic de l’Àliga

Desde aquí parten varias rutas de senderismo que recorren prados de altura, crestas y collados. Entre ellas, destaca el Camí Vell, uno de los itinerarios de montaña más característicos del Pirineo catalán, que une Queralbs con Núria a través de antiguos caminos de peregrinación. El recorrido, de unos 7 km y 900 metros de desnivel, permite llegar a Núria caminando en unas tres horas y veinte minutos, como se ha hecho durante siglos desde época románica.

El Albergue Pic de l’Àliga, junto a la estación superior del cremallera

En este lugar estratégico, donde el paisaje se transforma y se abre ante los ojos como un balcón natural sobre el Pirineo Oriental, se encuentra el Albergue Pic de l’Àliga, una opción ideal para grupos escolares, familias o senderistas que desean pernoctar a mayor altitud. El edificio ofrece alojamiento en habitaciones compartidas, servicios de restauración y una atmósfera montañesa que invita a la convivencia y al intercambio.

Vista del hotel y el Santuario de Núria desde el camino que lleva al Pic de l’Àliga

Desde sus ventanas, las vistas alcanzan los picos del Puigmal (2910 m), la cima más alta del Parc Natural de les Capçaleres del Ter i del Freser y una de las cimas más emblemáticas del excursionismo en Catalunya; el Torreneules (2711 m) con su silueta afilada que se eleva sobre las gargantas del Freser; o el Balandrau (2585 m), un pico que ofrece una panorámica de 360 grados sobre los valles glaciares y las principales cumbres del Ripollés.

Senderos que recorren paisajes únicos del Pirineo catalán

Es uno de los mejores puntos para observar la riqueza geológica y biológica del Parc Natural de les Capçaleres del Ter i del Freser, especialmente en primavera y verano, cuando la flora alpina está en su máximo esplendor. En estos meses, los prados y laderas se tiñen con el amarillo intenso de la azucena amarilla o narciso de los prados, los tonos lilas de la pastorcilla o los intensos colores de la manzanilla de pastor.

Los caminos de Vall de Núria invitan a descubrir la naturaleza en tranquilidad

También florece el matalobo azul, de vistoso color, aunque es muy tóxica, y habitual en las zonas húmedas del valle. En cuanto a la fauna, no es raro avistar rebecos entre los roquedos, así como muflones, jabalíes, zorros o liebres que cruzan los senderos al anochecer. Las marmotas silban desde sus madrigueras al paso de los excursionistas, y si se afina el oído, puede oírse el salto de una trucha en el río o el croar de la rana roja en alguna charca cercana.

Los animales más fáciles de avistar de Vall de Núria

En el cielo, planean las majestuosas águilas doradas, los quebrantahuesos, los cernícalos o los buitres, mientras más cerca del agua se pueden observar el mirlo acuático, la lavandera cascadeña o las golondrinas. Entre los matorrales alpinos también habita el armiño y los discretísimos topillos, completando así un mosaico de vida perfectamente adaptado a la alta montaña.

En los senderos de Núria pueden verse caballos pastando en libertad

Tanto si se busca un inicio de ruta como si se desea simplemente contemplar el paisaje, el teleférico permite llegar a lugares donde el horizonte se amplía. Mientras recorres algunos de los senderos, saldrán al paso caballos, a menudo en libertad, que pastan en los prados del entorno. Es habitual encontrarlos cerca del Albergue Pic de l’Àliga, donde también se inicia una de las rutas panorámicas más recomendables del valle.

El Hotel Vall de Núria está rodeado de caminos señalizados para hacer senderismo

Desde aquí, los caminos se abren hacia el Pic de Finestrelles (2829 m) o el camí del Refugi de Coma de Vaca, todos ellos perfectamente señalizados. La red de senderos forma parte del GR-11, el gran recorrido transpirenaico que une el Mediterráneo con el Cantábrico. En los días claros, desde los miradores más altos, es posible divisar cumbres francesas, valles profundos redibujados por la sinuosidad del río Núria, que serpentea hacia el fondo de la garganta.

Zona de pícnic en Vall de Núria, ideal para disfrutar del aire libre y la tranquilidad del valle

Alrededor del santuario existen varias zonas de pícnic con mesas y bancos de madera, repartidas entre prados y arboledas, que invitan a almorzar al aire libre, respirar hondo y dejarse llevar por la calma. Algunas de estas áreas se sitúan junto al lago, cuyas aguas puras y cristalinas acompañan con el chapoteo de los peces. En los días soleados, familias y excursionistas encuentran aquí el lugar perfecto para reponer fuerzas al abrigo de las suaves laderas del valle.

Fuente del Dr. Pere Tarrés

Además, hay fuentes de agua potable donde llenar la cantimplora y paneles informativos que explican la flora y fauna del entorno, convirtiendo el momento del pícnic en una oportunidad para la observación y el aprendizaje. La proximidad de estos espacios a los senderos facilita retomarlos sin prisa, con la sensación de haber hecho una parada en uno de los rincones más serenos del Pirineo.

Gastronomía en Vall de Núria

El restaurante principal ofrece una amplia variedad de entrantes fríos para abrir el apetito

En Vall de Núria, los sabores también son protagonistas. La oferta gastronómica se adapta a distintos momentos del día y tipos de viajeros, desde quienes buscan una comida ligera entre excursiones hasta quienes prefieren saborear la cocina local con calma y en una buena mesa. Durante mi estancia también tuve la oportunidad de disfrutar del bufé libre del restaurante principal del hotel, una opción que combina variedad, producto local y una ejecución cuidada.

Cada día, el bufé del restaurante del Hotel Vall de Núria ofrece una selección distinta de platos

Ubicado en el edificio de Sant Antoni, detrás de la recepción, este amplio comedor es el corazón gastronómico del complejo y ofrece una experiencia culinaria pensada tanto para excursionistas como para huéspedes que desean tomarse su tiempo frente a un plato bien servido. El menú del día, con un precio de 24,50 € (bebidas aparte), permite degustar a voluntad una selección de entrantes fríos y calientes, elaborados con ingredientes de proximidad y recetas tradicionales.

En todos los restaurantes del Hotel Vall de Núria, las vistas forman parte del menú

Entre los segundos platos disponibles aquel día, destacaban opciones tan reconfortantes como una sopa de pollo casera, la paella de montaña —con carne y verduras—, y los clásicos canalones gratinados, tanto de carne como de espinacas. También se ofrecía un estofado de lentejas con verduritas, codillo de cerdo con salsa de moscatel o filete de dorada al tempranillo, para quienes preferían sabores más suaves.

En el restaurante principal del hotel, algunos platos se preparan al momento

El rincón de cocina a la brasa completaba la propuesta con carnes a la plancha —bistec de ternera, butifarra, pechuga de pollo— y pescado como el atún, preparado al momento. El apartado de postres no se queda atrás, con una amplia selección de tentaciones dulces: tartas, helados, fruta, cremas, flanes y otros caprichos de repostería para cerrar la comida con un toque goloso.

Selección de tartas y pasteles del bufé libre del restaurante principal del hotel

El restaurante dispone también de menús infantiles (13,50 € para niños de 4 a 14 años) y menú baby para los más pequeños (6,00 €), además de opciones para vegetarianos y personas celíacas. Muchos de los productos provienen del Ripollés, lo que refuerza el compromiso con la gastronomía del territorio. Una propuesta sabrosa y práctica, ideal para reponer fuerzas entre excursión y excursión, con la comodidad de un servicio adaptado a todas las edades y necesidades dietéticas. Ofrece desayunos de 8:00 a 10:00, almuerzos de 13:00 a 15:30 y cenas de 20:00 a 22:00. Se recomienda reservar, especialmente en temporada alta.

Restaurant El Racó de la Vall

Restaurant El Racó de la Vall

En la planta baja del edificio hotelero, el restaurant El Racó de la Vall invita a una experiencia más íntima y centrada en la cocina catalana tradicional, también elaborada con productos locales. Abre todos los días de 13:00 a 16:00 (con cocina hasta las 15:30) y también requiere reserva previa. En mi caso, tuve ocasión de probar su menú, una propuesta generosa y bien equilibrada que combina producto local con recetas tradicionales reinterpretadas con gusto.

Selección de quesos de la comarca

Para empezar, llegaron a la mesa varios platos para compartir: una tabla de quesos del territorio, una parrillada de verduras con salsa romesco, que destacaba por el punto de brasa y el sabor tan característico de esta conocida salsa catalana; unos huevos del valle al estilo de los pastores, contundentes y reconfortantes; y unas originales croquetas de calamares en su tinta, de textura cremosa que estaban deliciosas.

Costillas de cordero a la brasa del menú del restaurant El Racó de la Vall

Como plato principal, me decanté por unas costillas de cordero a la brasa, una opción perfecta para quienes aprecian la carne a la parrilla. También se podía elegir ese día entre un entrecot de ternera ecológica o una fideuá con carrilleras, propuestas tentadoras que mantienen el listón gastronómico alto y que demuestran el compromiso del Hotel Vall de Núria con la calidad y la proximidad de los productos que sirven.

Pastel artesano de limón del restaurant El Racó de la Vall

Para el postre, elegí un pastel artesano de limón, un final dulce y fresco con sabor casero que remató la comida en el restaurant El Racó de la Vall con sencillez y acierto. El menú también ofrecía como alternativas mel i mató, un clásico catalán irresistible para los amantes del contraste dulce-salado, o un timbal de frutas de temporada, ideal para quienes prefieren una opción más ligera y saludable de postre.

El bar del hotel es un espacio más informal, ideal para comidas ligeras

Para una pausa informal, el bar del hotel, situado junto al Saló de l’Estatut, ofrece bebidas, cafés e infusiones desde las 15:00 hasta las 23:00, con cocina abierta de 20:00 a 22:00. Es un espacio acogedor, con sofás y amplios ventanales que permiten contemplar el paisaje incluso cuando el frío obliga a quedarse dentro. Es el lugar ideal para leer, repasar las rutas del día o simplemente disfrutar de una copa de vino, una cerveza artesana del Pirineo o una tisana caliente.

La Caseta del Llac es perfecta para una pausa con vistas al lago

Finalmente, si buscas un refrigerio junto al lago, La Caseta del Llac ofrece helados, bocadillos y bebidas en un entorno inmejorable. Abre todos los días de 11:00 a 17:00, siempre que el clima lo permita. La gastronomía en Vall de Núria es parte de la experiencia de viaje. Es una forma de conectar con el entorno, de acercarse a sus tradiciones y al ritmo pausado del valle, ideal para reponer fuerzas entre caminatas, excursiones y momentos de contemplación paisajística.

Un spa en plena naturaleza

El spa ofrece una carta completa de tratamientos para el bienestar físico y emocional

Entre las instalaciones del hotel, el Spa Vall de Núria combina lo mejor de la estética, la aromaterapia y una experiencia de relajación. Su carta de servicios es amplia y cuidada, pensada para quienes buscan desde un masaje descontracturante tras una jornada de actividad física, como para quienes desean dejarse envolver por un tratamiento de belleza o rituales sensoriales que envuelven todos los sentidos.

El Spa Vall de Núria invita a la desconexión total

Desde tratamientos faciales con vitamina C hasta sofisticadas terapias con algas, chocolate o pindas herbales. El masaje balinés, por ejemplo, conjuga presión, estiramientos y técnicas de acupresión para equilibrar cuerpo y mente. El drenaje linfático, con efectos terapéuticos y estéticos, ayuda a eliminar toxinas, mientras que la reflexología podal estimula el organismo a través de los puntos reflejos en los pies.

Masajes, terapias y rituales de bienestar para disfrutar en el spa del Hotel Vall de Núria

También destacan los tratamientos diseñados específicamente para el cuidado masculino, así como masajes con piedras calientes y velas aromáticas, ideales para combatir el estrés acumulado. Los rituales corporales combinan exfoliación, envoltura, hidratación y masaje. El spa está abierto todos los días, de 10:00 a 21:00 y ofrece sus servicios con reserva previa, lo que garantiza una atención dedicada y un ambiente íntimo.

Vall de Núria: naturaleza en estado puro

La típica imagen de postal del Hotel Vall de Núria

Enclavado en el corazón del Pirineo Oriental, la Vall de Núria es uno de esos paisajes que parecen esculpidos por la quietud y la eternidad. Rodeado de cimas que superan los 2.800 metros, este circo glaciar dibuja un anfiteatro natural donde la montaña no solo es un decorado: es la gran protagonista. Durante los meses más fríos, el valle se cubre de blanco y se transforma en una estación de esquí familiar.

En Núria, la naturaleza no es un telón de fondo, es el alma de todo lo que ocurre a su alrededor

Pero cuando la nieve se retira, deja al descubierto una alfombra de prados verdes, senderos señalizados, cascadas y una biodiversidad rica en flora y fauna alpinas. El lago, situado junto al santuario, refleja las montañas como un espejo, creando una imagen que muchos visitantes guardan como postal de recuerdo. Quien llega hasta aquí, lo hace buscando algo más que vistas: busca aire puro y esa conexión con la naturaleza que solo algunos lugares aún conservan.

La Creu d’en Riba, mirador con vistas privilegiadas al santuario y al entorno natural de Núria

Entre las actividades más populares se encuentran la ruta hasta la Creu d’en Riba (1983 m), situada en el llano de Núria junto a un excelente mirador, el camino hasta la Ermita de San Gil (1960 m), los paseos en teleférico hasta el Pic de l’Àliga o el sencillo recorrido por el bosque, ideal para familias con niños. Las panorámicas, en días despejados, permiten divisar desde el Puigmal hasta el Coma de l’Embut, revelando un mosaico de colores que cambia con las estaciones.

Ríos cristalinos y aire puro en un entorno protegido y salvaje

Vall de Núria es también una zona protegida. Su ubicación dentro del Parque Natural de les Capçaleres del Ter i del Freser garantiza que el entorno se mantenga con criterios de sostenibilidad y respeto al medio. No es casualidad que haya sido la primera estación de montaña europea en obtener la certificación ISO 14001 de gestión medioambiental para todas sus instalaciones.

La historia del Estatut de Núria

El Saló de l’Estatut, espacio histórico del Hotel Vall de Núria

Más allá de su belleza natural y espiritual, Vall de Núria ocupa un lugar destacado en la historia política de Cataluña. En junio de 1931, una comisión encargada de redactar el primer Estatuto de Autonomía de Catalunya subió hasta este rincón remoto del Pirineo, donde poder trabajar con libertad. Durante tres días, en la habitación 202 del hotel (hoy renombrada como 225), se elaboró el texto que sentaría las bases del autogobierno catalán.

En junio de 1931, se redactó el texto del llamado "Estatut de Núria"

Presidida por el abogado y diputado Jaume Carner, la comisión trabajó intensamente hasta redactar el documento que fue aprobado por la Diputación Provisional de la Generalitat, avalado por los ayuntamientos y sometido a referéndum el 2 de agosto de 1931. La participación fue del 75 % y el respaldo, abrumador: un 99 % de votos afirmativos. Aunque las mujeres aún no podían votar, más de 400.000 firmaron en apoyo al texto.

El ambiente cálido y acogedor del Saló de l’Estatut es ideal para hacer una pausa

El proyecto, conocido como el Estatuto de Núria, fue presentado a las Cortes españolas el 18 de agosto de ese mismo año. Su aprobación definitiva llegó más de un año después, el 9 de septiembre de 1932, con modificaciones sustanciales, y pasó a llamarse oficialmente “Estatut de 1932”. Hoy, este episodio se recuerda en el Saló de l’Estatut, un espacio dentro del hotel, abierto al público todos los días, entre las 18:00 y las 20:00.

El Santuario de la Mare de Déu de Núria

La iglesia actual comenzó a construirse en 1889 y fue inaugurada en 1911

Entre montañas que tocan el cielo y rodeada de naturaleza, el Santuario de la Mare de Déu de Núria se alza como un faro de espiritualidad en medio del paisaje pirenaico. El templo que hoy vemos es el resultado de siglos de fe, reconstrucciones y renovaciones que han dado forma a uno de los lugares de peregrinación más queridos de Cataluña. Construido entre 1889 y 1911, el templo actual sustituyó a la antigua iglesia barroca de 1642, demolida poco después de inaugurarse el nuevo edificio.

Antigua fotografía de una mujer realizando el ritual de la olla de Núria, vinculado a la fertilidad

Su silueta de piedra gris, con tejado a dos aguas y una esbelta torre cuadrada que se eleva sobre la entrada, se integra de forma armoniosa en el entorno montañoso. El estilo arquitectónico, sobrio y funcional, deja espacio para la espiritualidad sin alardes ornamentales. En su interior, la mirada se dirige inevitablemente hacia la imagen románica de la Virgen de Núria, venerada desde hace siglos.

Vidriera que representa a San Gil junto a la campana y la olla, símbolos de la tradición del valle

Su culto se asocia con la fertilidad, motivo por el cual muchas mujeres acuden con la esperanza de concebir, siguiendo el antiguo ritual que consiste en tocar la olla y hacer sonar la campana que, según la leyenda, dejó San Gil. El retablo principal del Santuario de la Mare de Déu de Núria, aunque moderno en su estructura, sirve como marco para una de las piezas más veneradas del románico catalán: la talla de la Virgen de Núria.

El 8 de septiembre, festividad de la Mare de Déu de Núria, el santuario acoge a cientos de personas

Esta escultura, realizada en madera de nogal y policromada, mide aproximadamente 56 cm de altura y data de finales del siglo XI o principios del XII. Representa a María como "Trono de Sabiduría", una iconografía común en el arte medieval, donde la Virgen sostiene al Niño Jesús en su regazo, simbolizando la enseñanza divina. Lo que distingue a esta imagen es su humanidad: María no lleva velo, sus cabellos están al descubierto, y su vestimenta incluye un mandil de pastora, detalles que aportan una cercanía inusual para la época. El Niño Jesús, por su parte, está representado con una mano levantada en señal de bendición y la otra sostiene un libro, enfatizando su rol como maestro.

En 1956, el papa Pío XII proclamó a la Virgen de Núria patrona principal de la diócesis de Urgell

Declarada patrona principal de la diócesis de Urgell por el papa Pío XII en 1956, la Mare de Déu de Núria no solo es símbolo religioso, sino también cultural y emocional. Incluso durante el franquismo, su figura adquirió un matiz simbólico: en 1967, la imagen desapareció misteriosamente para evitar su coronación canónica por un obispo no catalán, y no regresó hasta 1972.

Núria es lugar de peregrinación y espiritualidad

Cada 8 de septiembre, la explanada que rodea el santuario se llena de peregrinos que celebran su festividad entre el eco de las montañas. Hoy, el santuario y su entorno forman parte del alma del valle. El visitante puede acceder libremente, encender una vela, observar el retablo o simplemente sentarse en silencio, mientras las montañas custodian este rincón de espiritualidad suspendido en el tiempo.

La Ermita de San Gil: la cuna de la leyenda

San Gil llegó a Núria alrededor del año 700, huyendo de las persecuciones cristianas

Pequeña, discreta y profundamente evocadora, la Ermita de San Gil se encuentra a pocos pasos del lago, en un rincón cercano al hotel. Fue construida en 1615, en el mismo lugar, según recoge un manuscrito conservado por el Dr. Marés en 1666, donde vivió el monje ermitaño San Gil entre los años 700 y 704. Llegado desde Atenas, huyendo de persecuciones religiosas, hizo vida penitente en Núria, donde evangelizó a los pastores locales.

Según la tradición, la Ermita de San Gil se encuentra donde se encontró la imagen de la Virgen

Para enseñarles la fe cristiana, San Gil recurrió a tres objetos sencillos: una campana, que tocaba para reunir a los pastores repartidos por los valles de los alrededores; una cruz, el único objeto que conservaba de su herencia familiar; y una olla, donde preparaba una comida que compartían entre todos los pastores. Al verse amenazado, Gil escondió en una cueva la imagen de la Virgen que había tallado con sus propias manos, junto con la campana, la cruz y la olla, que cubrió con piedras y hierba antes de abandonar el valle.

Vidriera que representa la olla que San Gil usaba para preparar la comida a los pastores

Los objetos permanecieron ocultos durante siglos, hasta que, en el año 1079, un peregrino llamado Amadeo procedente de Dalmacia llegó a Núria guiado por un sueño. Cuenta la leyenda que un buey rojo comenzó a mugir sin cesar y a rascar el suelo con insistencia, y que dos zagales encontraron, bajo las piedras, la imagen de la Virgen y los tres objetos de San Gil, envueltos en una luz intensa y un dulce perfume. En ese mismo lugar se construyó la Ermita de San Gil y dio origen a la devoción mariana que ha perdurado hasta nuestros días.

Vidriera con la campana de San Gil, que forma parte de la leyenda de Vall de Núria

Arquitectónicamente, la ermita que conmemora estos hechos es un edificio modesto y encantador, de planta rectangular y tejado a dos aguas. Su fachada sencilla presenta una pequeña espadaña. El interior, austero y recogido, es un lugar esencial para quienes desean conectar con el origen legendario de Núria, en ese cruce entre historia y mito donde todo parece haber comenzado.

En 1079, unos pastores hallaron la imagen de la Virgen enterrada

Aquí se venera una copia de la Virgen de Núria, tallada en 1940 por un artesano suizo por encargo de Manuel Carreras i Martí. La talla original, de estilo románico, había sido sacada del santuario en 1936 por el cura Bonaventura Carrera para evitar su destrucción, y enviada a Suiza, al Obispado de Friburgo, donde fue protegida por Rafael Patxot i Jubert. Allí se realizaron dos copias: una quedó en Friburgo y la otra, guardada por la familia Carreras-Patxot, fue finalmente donada al santuario en 2017 por Núria Delétra-Carreras Patxot.

El singular trayecto en tren cremallera hasta Vall de Núria

El tren cremallera serpentea entre el paisaje de montaña de la Vall de Núria

Llegar al Vall de Núria es una experiencia única que comienza mucho antes de pisar el valle, ya que no se puede acceder en coche por carretera. El viaje o bien se realiza a pie por el “Camí Vell” de Queralbs a Núria, o se realiza en el histórico tren cremallera, una joya de la ingeniería que salva un desnivel de casi 1.000 metros en apenas 12 kilómetros, a través de un recorrido de gran belleza natural y técnica.

Viajar en el cremallera es disfrutar del ritmo pausado del tren entre montañas

El tren parte desde Ribes de Freser, donde se puede visitar la exposición del cremallera de Núria, o desde la estación de Queralbs (1180 m), y asciende serpenteando entre bosques de pinos y abetos, cruzando ríos y túneles que parecen abrirse paso en la roca viva. La locomotora, que en sus orígenes fue eléctrica y de la que se han conservado varios modelos de principios del siglo XX, arrastra los vagones.

La Estación de Núria es el punto de llegada del emblemático tren cremallera

La vía de este cremallera es única en su tipo, con un mecanismo de engranajes que se acopla a una cremallera central para evitar deslizamientos y garantizar la seguridad en las pendientes más pronunciadas. Durante el trayecto, los viajeros pueden deleitarse con panorámicas sobre el valle y las montañas circundantes, un preludio perfecto al encuentro con el paisaje de Núria. Las obras del cremallera se iniciaron en 1928 y el primer tren llegó a Núria el 30 de diciembre de 1930.

El cremallera ofrece vistas únicas durante su ascenso al valle de Núria

La línea de Núria se inauguró en marzo de 1931 y, desde entonces, ha sido el principal medio de acceso al valle. En 2006 se construyó el túnel del Roc del Dui, de 1.350 m de longitud, para mejorar la seguridad. Hoy, este viaje ferroviario es una experiencia en sí misma, una invitación a sumergirse en la historia y la naturaleza antes de descubrir el refugio del hotel y el santuario que aguardan al final del camino.

La Exposición del Cremallera de Núria en la estación de Ribes Vila

En la estación de Ribes Vila se puede visitar una exposición dedicada al cremallera de Núria

Antes de emprender la subida hacia Vall de Núria, la estación de Ribes Vila ofrece una parada obligada para los amantes de la historia ferroviaria y la ingeniería de montaña: la Exposición del Cremallera. Abierto todos los días de 8:30 a 20:00 horas, este pequeño museo reúne piezas únicas que cuentan la apasionante historia de esta línea tan singular. Como, por ejemplo, las locomotoras eléctricas originales de 1930, nombradas con evocadores nombres como Virgen de Núria, Obispo Guitart, José Rogent y Ramón Albó.

El coche salón Aaffw-51 todavía circula en ocasiones especiales

Estas máquinas, con su tecnología pionera y motores capaces de recuperar energía durante la bajada, reflejan la innovación y el esfuerzo que supuso conectar este valle inaccesible por carretera. Además, los visitantes pueden ver el elegante coche salón Aaffw-51, decorado con materiales nobles y utilizado aún en ocasiones especiales. No falta tampoco un quitanieves eléctrico, imprescindible para mantener la vía abierta en los meses de invierno.

“La Jorobada” fue la primera locomotora en llegar a Núria en 1930

Entre los protagonistas destacados están las locomotoras históricas, como la locomotora número 6, conocida como “Julian Fuchs” o “La Geperuda” (La Jorobada) por la inclinación inusual de su caldera, una adaptación necesaria para la peculiar vía del cremallera. Esta máquina, construida en Suiza en 1892, fue clave durante la construcción y los primeros años de la línea.

Este legado ferroviario ofrece un viaje tan emocionante como el destino

La exposición también alberga otros vehículos y herramientas que han servido a lo largo del tiempo para el mantenimiento y operación del ferrocarril y que forman parte de la historia ferroviaria del Pirineo catalán. Como veis, dormir en el Hotel Vall de Núria es más que pasar una noche en un hotel: es vivir una experiencia completa entre montañas, historia, leyenda y naturaleza.

Más información: Hotel Vall de Núria. Dirección: Estació Vall de Núria s/n, 17534 Núria (Girona). Teléfono: 972 73 20 00. Precio habitación doble: Desde 83.9 €. Precios Billetes Cremallera de Vall de Núria: Desde Queralbs, adulto (14 - 64 años) 30 € por persona. Infantil (4 - 13 años) 19,50 €. Desde Ribes de Freser, adulto (14 - 64 años) 33 € por persona. Infantil (4 - 13 años) 21,50 €. Se recomienda consultar los horarios del Cremallera de Vall de Núria. Web: Hotel Vall de Núria.