Para que conozcáis un poco mejor a estos dos magníficos profesionales que han dedicado su vida a formar a personas con discapacidad os dejamos una entrevista realizada por el equipo de Artya!:

¿Desde cuándo trabajáis con personas con discapacidad? ¿Cómo surgió la idea de dedicaros a la formación plástica dirigida a este colectivo?

Empezamos en el año 1982 en el Taller Ocupacional Bellasvista de Alcorcón, T.O.B.de la Asociación APANSA  de  Alcorcón.

Pertenecíamos al colectivo Taller Malasaña dedicado a la artesanía artística y a la escenografía teatral y fuimos contactados por la asociación APANSA para la creación de un taller ocupacional de juguetes educativos y artísticos. Tras la realización de programaciones formativas y productivas, se decidió aplicar unos programas creativos para que los  usuarios crearan los diseños. La última exposición » Un tren para todos» -1995, se realizó en el Museo del Ferrocarril.

¿Cuándo comenzó el proyecto del CO de Ajalvir?

Tras unos años dedicados a la creación de talleres artísticos y formación de monitores para el Cabildo de Tenerife, «Os Malmequeres de Leiria (Portugal) y Cooperación Internacional en Mostar (Bosnia), somos requeridos por la Fundación CAMPs para la creación de un Taller Ocupacional de Artes Plásticas  en su centro Miguel Montalvo inaugurado en 1999.

¿Cómo surgió la idea de trabajar acerca de Jardines Impresionistas?

Dentro de nuestro método de trabajo está la visita a museos y exposiciones y tras la realizada con nuestros usuarios a dicha exposición, Museo Thyssen – Caja Madrid, se detectó que las obras contenían  características afines al gusto y trabajo de nuestro taller (amor a la naturaleza, paisaje, luz, color…) nos pusimos a trabajar sobre el tema.

¿Qué tipo de chicos son los que han realizado los trabajos?

Usuarios de edades comprendidas entre los 24 y 60 años, de diversos niveles y algunos con discapacidades asociadas.

Cuántas obras habéis expuesto en Moda Shopping? ¿De qué géneros? ¿Cuántas se vendieron? ¿Los artistas cobran algo?

Un total de 78 obras de paisajes realizadas en relieves de madera, acrílicos, collage y técnica mixta, de las cuales se han vendido 56.

Una vez cubiertos gastos, los beneficios se reparten entre los artista, según su nivel de participación.

¿Qué otros trabajos habéis desarrollado anteriormente?

Se ha trabajado sobre diverso pintores, Van Gogh, Expresionismo alemán, Matisse, Goya, Escher… Temáticas propias como el entorno rural y urbano de Ajalvir, el árbol y el bosque, la dehesa, la figura humana en parejas y grupos,… que han dado pie a la participación en diversos concursos y a la realización de nuestras exposiciones.

¿En qué estáis trabajando ahora?

Estamos trabajando sobre el tema del Paraíso creando obras originales documentadas en diversas culturas y estilos artísticos.

Es inapelable el compromiso que Eguía muestra por las técnicas del grabado y el dominio que tiene sobre ellas, aunque también es tangible su necesidad de introducir materiales e instrumentos de otras profesiones como la joyería y la carpintería como medio de expresión artística en su obra, este es el caso de la serie “Las Horas”, su producción más reciente, en la cual se percibe la evolución del artista en cuanto a representación de temas etéreos y a la vez cotidianos.  Esta carpeta consta de aguafuertes que plasman el gozo por la contemplación del paso del tiempo y del silencio como música interior.

Frecuentemente la obra de Román Eguía nos lleva a la abstracción e introspección por medio de obras cargadas de fuerza narrativa; ambas series muestran claramente una investigación a priori  y un exquisito criterio estético.

By colaboradora artyana: Norma Hernández Vanegas

Creo que erróneamente mucha gente confunde ser coleccionista con tener muchos ceros en la cuenta bancaria o ser un snob petulante. El coleccionismo tiene distintas escalas y niveles y no tiene o no debería tener su razón de ser en la especulación, eso mejor dejárselo a fondos de inversión.

Aunque suene cursi, la esencia del coleccionismo está en el enamoramiento, un flechazo a primera vista que nos atraviesa la retina y nos impide dejar de mirar esa obra, objeto de nuestro recién encontrado deseo. Lo bueno es que si nos la podemos llevar a casa, podremos disfrutar nosotros y los que nos acompañan de ella el resto de nuestra vida.

Diréis que ese flechazo lo habéis sentido en museos a los que habéis visitado ante obras celebérrimas (imposible llevárnoslo a casa), pero si habéis visitado galerías o ferias seguro que también lo habéis experimentado. El factor precio os habrá puesto los pies sobre la tierra en más de una ocasión, pero no todas las galerías son la Gagosian, ni todas las ferias son Art Bassel. El arte emergente – y no tan emergente- nos sorprendería si conociésemos sus precios; mucho más asequibles y a la altura de nuestros bolsillos.

A pesar de ello, muchos sostienen que el arte es de todos, ha de ser compartido y abogan por su gratuidad. Eso está bien como concepto cuasi filosófico, pero hasta que la fundación X o el museo Y lleguen a comprar la obra de ese artista que empezó siendo emergente y ha acabado dando el campanazo, de algo tendrá que vivir la criatura artista y la criatura galería que apuesta por ella.

Por eso tengo que decir que me indigna cuando veo a gente joven (y no tan joven) que dice interesarse por el arte y hasta se enamoran de una obra, pero es reticente a comprar arte por el mismo precio por el que sí se comprarían unas deportivas último modelo o un ipad en tiempos de crisis.

Cada cual es muy libre de emplear su dinero en aquello que más le plazca, pero no vale entonces poner excusas para coleccionar arte esgrimiendo que es un lujo que no nos podemos permitir.

By artyana: Laura García Aranda

Sin embargo, este post no va de lo bien o mal que lo hagan en prensa de La Caixa. Siempre que la ocasión lo merece, más allá del copia-pega a las notas de prensa hay vida.  Por eso, siempre que hay noticia, todavía se encuentran artículos firmados por un periodista que busca un ángulo diferente desde el que contar las cosas.

Por suerte para el público y por desgracia para los corporativismos que rehúyen de polémicas, hay medios que han ido un poquito más allá y ofrecen otras visiones, otras declaraciones… otros titulares. ¡Aún hay esperanza para el periodismo! o sencillamente cuentan con gente suficiente como para asistir a estos saraos y darle luego a la tecla a todo meter.

Entre estos últimos medios con titulares divergentes, me ha llamado la atención el de Ángeles García de El País Cultura que titula: Asins, Alvear y Lorenzo, tres pioneras en nombre de la cultura. Sólo el título hace alusión a dos aspectos que definen estos premios de manera  clave: mujeres y cultura. El resto del artículo en el que se habla de la polémica sobre la necesidad de un ministerio de cultura separado de educación y deporte es un buen gancho que liga con la actualidad política en materia cultural, pero que a mi modo de ver está metido un poco con calzador; algunos dirán que con cierto tinte ideológico. Ahí ya no me meto.

Sea como fuere, artículos firmados como éste demuestran que la cultura aún es noticia, incluso objeto de polémica y lo que es aún más importante: premiar el arte es un valor en alza.

By artyana: Laura García Aranda

Acabo de terminar de leer la novela de Michel Houellebecq, ganadora del premio Goncourt, uno de los premios literarios franceses más prestigiosos y, por las reseñas que aparecen en la contraportada, saludada por la crítica internacional con entusiasmo,  mi primera reflexión es que esta novela son muchas novelas en una.

¿Una novela sobre el arte del siglo XXI? Sí.

¿Una novela policíaca? Sí.

¿Una obra futurista? También.

¿Un homenaje laudatorio, bastante ególatra por cierto, del autor? También.

Así que, la primera conclusión a la que llego, es que se trata de una obra plural, en cuanto a sus líneas narrativas, algunas más desarrolladas que otras, pero que, en conjunto,  peca en mi humilde opinión, de intentar abarcar demasiados temas para una obra de menos de 400 páginas.

Podría decirse que esta novela  contiene el germen de, al menos, tres novelas distintas:

El policía y su relación con el mundo del crimen; el futuro de Francia como paraíso turístico, incluyendo el turismo sexual y; la evolución final de nuestro artista protagonista, Jed Martin, que el autor despacha en unas pocas líneas, pero cuya obra (de la que nada se dice) acaba colgada ni más ni menos que en el MOMA.

Ciñéndonos a la parte de la novela que más puede interesar a los lectores artyanos, la que trata de Jed como artista, mi opinión es que:

• Houellebecq conoce en profundidad las técnicas fotográficas, pero no valora la fotografía como medio de expresión articular.

• La pintura, más aún, la pintura figurativa, es para este autor el paradigma del Arte: Jed se valora como Artista (con mayúsculas) sólo cuando abandona la fotografía y se pasa a la pintura.

• La idea que tiene  Houellebecq del mercado del arte es, cuando menos, pintoresca, y parece inspirada en los cuentos de las mil y una noches.

Por otra parte, hay que decir que la novela se lee muy bien, que la traducción es excelente y que, salvo por las excesivamente numerosas referencias a la “intelectualidad” francesa, demostración del chauvinismo del autor, el lenguaje es, al mismo tiempo, sencillo y culto.

Leedla si podéis y contrastemos opiniones.

Saludos Artyanos.

Posted by artyano: Luis Torralba

Sea la colección de arte contemporáneo de Charles Saatchy, sea la de barbies de mi amiga, el coleccionismo no se limita a ser una actividad con la que acumular “tesoros” de un tipo u otro. Quedarse sólo en eso es decir que el coleccionista es una especie de enfermo de Diógenes, un gólum en constante búsqueda del último Damien Hirst o de la edición limitada de Barbies por Christian Louboutin.

El coleccionismo denota una manera de pensar, de sentir y por supuesto una manera de definir la belleza. Decía Oscar Wilde que todo arte es completamente inútil y que la única disculpa de haber hecho
una cosa inútil es admirarla intensamente. Pues eso, si el arte es inútil y tan sólo es perdonable en la manera en que se admira intensamente, el verdadero coleccionista es aquel que admira hasta el extremo su colección. Lanzarse al coleccionismo pensando únicamente en la revalorización de la obra o el ahorro en impuestos, eso tiene otro nombre (¿especulación?), pero desde luego poco tiene que ver con el espíritu del coleccionista que admira y se sobrecoge ante su colección.

Posted by: artyana Laura García Aranda

Haz clic para ver el pase de diapositivas.

ADVERTENCIA: 

“La exposición que está a punto de disfrutar le acercará hasta un mundo imaginario del que no podrá volver.

La fuerza de las obras y los personajes que allí se representan, pueden atrapar al ser humano en un viaje sin retorno. Esta pequeña muestra produce efectos secundarios tales como: desarrollo de la imaginación, deseos de renovar su viejo juego de tazas de café pero sobre todo, un ansia incontrolable por saber más de la obra de Patricia Hernández y Román Eguía”.

Gracias a esta exposición, compuesta por un total de 22 grabados, podrá conocer la obra de dos artistas mexicanos de prestigio, aunque primerizos en las salas de exposiciones de España.

Patricia Hernández participa en la exposición con 10 obras pertenecientes a su serie de grabados “El bestiario de Alacena”. En esta serie, la artista coloca seres imaginarios, o quizá no tanto, en un espacio indefinido con reminiscencias a tiempos pasados como la Edad Media. Teteras con patas de rana, gatos con prismáticos o una espectacular  taza con unas piernas de vértigo son algunos de los protagonistas en las obras de Hernández.

Román Eguía, premio nacional de grabado de México 2011, participa en esta  muestra con un total de 12 obras, 8 de ellas pertenecientes a la serie “Saamakundra”.

El virtuosismo técnico de este artista sumado a su preocupación por el detalle, otorga a estos grabados de  seres “imaginarios” la apariencia de ilustraciones científicas.

De indudable calidad, la obra de Román Eguía fue realizada para ilustrar una novela fantástica ambientada en el SXVIII. Por este motivo, la técnica utilizada por el grabador mexicano muestra un absoluto apego a las técnicas de grabado del SXVIII.

El pasado 3 de enero, se desataba la polémica tras las declaraciones del pintor británico David Hockney (74 años) a la revista Radio Times en las que califica los métodos de su compatriota, el artista Damien Hirst, de un “insulto a los artesanos”. Si a esto le sumamos la frase que reza en el cartel de la actual exposición de Hockney en Londres: “All the works here were made by the artist himself, personally.» (Todos los trabajos aquí están hecho por el mismo artista personalmente); ¡para qué queremos más!.

Para aquellos artyanos que no hayáis seguido el asunto de cerca os ponemos en antecedentes:

La primera noticia del año en la que los nombres de Hockney y Hirst compartían titular se refería a sus respectivas muestras en solitario en la ciudad de Londres; Hockney actualmente en la Royal Academy, mientras Hirst lo hará en abril en la Tate Modern, siendo ésta su primer solo en la city.  La oferta artística en Londres parecía empezar con fuerza, pero esto era tan sólo el principio.

Tras las declaraciones de Hockney, la noticia corre como la pólvora. A partir de este momento se re-abren viejos debates en torno a: la autoría de las obras de Hirst o el uso abusivo de asistentes en las obras de un artista; el artista artesano versus el artista conceptual que apenas toca la obra final y se limita a idearla…También muchos recuerdan que Rafael de Urbino, como tantos otros grandes artistas del pasado ya contaba con un regimiento de asistentes sin que nadie haya puesto en duda la valía de sus obras o su autoría.

No es mi intención centrarme en estos temas de historiador artyano del arte, sino concentrarme en la dimensión y trascendencia comunicativa que han tenido las declaraciones del bueno de Hockney sobre el extravagante Hirst. La publicity (no confundir como traducción de publicidad en castellano), que no es sino vender una historia a la prensa para que ésta hable de nosotros, ha sido magistral y muy fructífera para tres entidades: la Royal Academy, la Tate Modern y no olvidemos tal vez el principal de los actores beneficiados, la revista Radio Times, que forma parte del grupo Inmediate Media, conglomerado de publicaciones, anteriormente conocido como BBC Magazines.

Sabiendo esto, ahora nos queda la duda de si las palabras de Hockney fueron premeditadas o no, de si el gabinete de la Royal Academy sugirió al artista que arremetiese contra los young British artists y especialmente contra Hirst (recordemos el lema que cuelga de la muestra de Hockney: “Todos los trabajos aquí están hecho por el mismo artista personalmente”). También nos queda la duda de si todo fue fruto sin más de una falta de preparación para la entrevista por parte del Hockney, quien bien pudo haber decidido ponerse ese día el mundo por montera y mandarle un bonito mensaje a Hirst por año nuevo.

Sea como fuere, es difícil saber a ciencia cierta qué posibilidad de las anteriores se corresponde con la realidad del asunto, pero lo que sí sabemos es que la periodista de Radio Times jugó muy bien sus cartas y sacó un “pedasho” de titular que ha dado la vuelta al mundo y en el que se menciona a la revista como fuente de la noticia. Por cierto, en cifras, Radio Times es la tercera revista más leída de todo Reino Unido y está dedicada al entretenimiento y el ocio… ¿Qué mejor lugar donde animar al público a ver una exposición, no?.

Posted by: artyana Laura García Aranda

En realidad, no sólo era la sección de libros de humanidades lo que hacía aguas, sino la misma disciplina de Historia del Arte. Un sentimiento de alegría y tristeza me embarga cuando pienso en ese momento; que la disciplina estuviese a punto de desaparecer de las universidades españolas parece haber sido una constante más habitual de lo que pensamos.

Casualidad o no, justo en el momento de la polémica, me encontré (o el me encontró a mí, quien sabe), con uno de mis libros favoritos: Historia y Crítica del Arte: Fallas (y fallos) de Juan Antonio Ramírez. No lo dudé, el trabajo de los zapotecas podía esperar un poco más.

Un libro pequeño, treinta y cuatro páginas, grande su autor…

Preguntas polémicas, respuestas de experiencia, un grito de esperanza y un sentimiento de ilusión que sentía perdido.

Esta “joyita” comienza con una presentación de la disciplina de historia del arte, con un resumen de lo que ha sido en España, continúa con su revisión crítica y finaliza con alternativas.

De cada apartado podría escribir varias citas de las que nada más leerlas resuenan en tu cabeza una y otra vez. Escribiré tres para animaros, amigos artyanos a que leáis el libro completo:

No cumplen nuestros departamentos universitarios su obligación de constituirse como laboratorios intelectuales de vanguardia, donde se acoja la novedad y se acepte la independencia intelectual […] En ella sólo se discute del escalafón y se alimentan ruines maquinaciones de carácter promocional. El verdadero saber se convierte ahí en algo casi clandestino: hay estudiosos que ocultan sus aportaciones a ciertos colegas para no fomentar más la oscura inquina que provoca en estos últimos la producción intelectual.

Exploremos las grietas, las fallas, las tierras de nadie. Se trata de desbordar el horizonte de lo artístico y de instalarnos provisionalmente en los bordes, porque sólo desde ellos (el monte) se ve  mejor la naturaleza del centro.

Es preciso inculcar ilusión, sobre todo a lo más jóvenes, por trabajar hacia una necesaria renovación.[1]

Un libro pequeño, treinta cuatro páginas, grande su autor…

Leo Castelli y Una Teoría del Arte desde América Latina pueden esperar hasta el siguiente post, como esperaron los zapotecas un día cualquiera de aquella tarde, en la que J.A.R me devolvió la ilusión…

Posted by: artyano Ignacio Olavarría Berenguer