Plegarias a Mercurio

Oda a la mejor peor serie de superhéroes ... O algo así

2024-12-31T18:59:00.001-05:00

Un gran poder conlleva una gran responsabilidad... Pero, ¿Qué pasa cuando ni siquiera eres responsable de tus poderes?
Doom Patrol o: Porque nadie dijo que ser héroe fuera super.

Y... Se acaba el año y con él, por fin, me permití ver la última temporada de DOOM PATROL. Una serie que, probablemente, nunca escucharon y si la escucharon, ni la recuerden. Pero, para mí, la mejor p*ta serie de antihéroes de la vida. Un grupo de marginados que, como su nombre lo dice, están condenados: al fracaso, al desastre y a la autocompasión.

Una colección de superpoderes random que jamás funcionan cuando se les necesita y una dinámica de equipo que brilla por su total descoordinación, especialmente a la hora de enfrentarse a su galería de villanos, cada uno más improbable, de mal gusto y hasta cómico que el anterior.

No obstante, es en medio de todo ese espiral de fracasos constantes que resalta la mayor virtud de este grupo: su resiliencia. Sí, esa palabra tan sobre exprimida hoy en día, pero que genuinamente representa lo que es la Doom Patrol. Porque a pesar de sus falencias, miedos y estrepitosos fallos, de alguna forma, encuentran la motivación necesaria para seguir.

Y es así como en vez de presentarnos unos héroes perfectos que luchan contra amenazas externas, vemos un conjunto de seres rotos que luchan más con su interior que con cualquier otra cosa. La falta de identidad, el autorrechazo, la dismorfia corporal, y la depresión; son solo algunos de los tropos que se cuelan en una serie aparentemente superficial y que terminan generando una inevitablemente y genuina empatía por estos personajes.

Aunque la serie sobresale por su humor surrealista son las escenas como ésta en las que se nos muestra el corazón de la misma, a través de los oscuros trasfondos de cada persona y su lucha por encontrar el sentido de sus nuevas vidas.

Debo decir que cada final de temporada se sentía más frustrante que el anterior, no por su falta de calidad, sino porque la trama quedaba abierta para nuevos embrollos que continuaban la espiral infinita de aventuras destinadas a un cuestionable éxito, con grandes sacrificios en medio. Pero el final de la serie se sintió increíblemente satisfactorio. Sin pretender hacer spoilers solo he de decir que el cierre de cada personaje se siente tan orgánico y entrañable que a veces cuesta creer cómo se desarrolló en solo un episodio.

Descubrir que nunca se trató de ser perfectos, sino de darse la oportunidad de trabajar para mejorarse a sí mismos para así poder ayudar a otros es un mensaje tan poderoso como simple que resuena fuertemente en este espectador que lloró tanto como rio a lo largo de cuatro temporadas con este grupo, quien siempre tuvo a la felicidad como su meta más inalcanzable.

Creo que pocas series logran mantener su calidad tan bien y un cierre tan satisfactorio, aunque prácticamente nadie la haya visto. Pero para aquellos que la vimos y disfrutamos, no deja de ser una hermosa invitación a reconocer que a pesar de nuestras heridas y complejos, de los miedos y frustraciones; siempre habrá espacio para mejorar y seguir intentando, fallar, aprender y continuar. Y quién sabe, tal vez en el camino encontremos a otros que se atrevan a querernos y aceptarnos, aunque nosotros mismos aún sigamos en el proceso de hacerlo cuando nos vemos al espejo.

Barbie: rosa, plástico y existencialismo pop

2023-07-28T23:06:00.021-05:00

Amada y odiada por igual, lo cierto es que, durante más de medio siglo, Barbie ha sido un icono de la cultura popular
y nuestra percepción de ella cambia conforme cambia nuestra sociedad.

Life in plastic... Is fantastic? Esa es la pregunta que se hace Barbie en la primera película live action del personaje, dirigida por Greta Gerwig y protagonizada por Margoth Robbie en el papel principal y Ryan Gosling como su fiel ~~compañero~~ accesorio, Ken. Y es, sin duda, la pregunta que deja en la audiencia al final de un viaje que empieza en rosa, avanza en un satírico blanco y negro, pero termina en una gama de grises tan variados como la vida misma.

Aquí asistimos a la aventura de la "Barbie estereotípica", en sus propias palabras: "Lo que todos piensan cuando alguien dice: '¡piensa en Barbie!'". Una muñeca perfecta y reluciente como el plástico que constituye su mundo. La protagonista indiscutible de un matriarcado idílico donde los Ken son poco más que un accesorio más. Un edén mágico que día a día repite el ciclo ideal de ser perfectas en el mundo perfecto de "Barbieland".

Pero, ¿Qué pasa cuando la perfección no es suficiente?, ¿qué pasa cuando las grietas se asoman entre las cortinas y el sueño amenaza con acabar?

Advierto que, a partir de acá, habrán spoilers (espero que sólo los necesarios, ya que casi todo todo se evidencia en el tráiler). Para empezar, debo decir que lo que más me impresionó de la cinta, es Barbie. No estamos ante una "Encantada" que se las ingenia para armar su propio cuento de hadas en el mundo real; ni ante una "Legalmente Rubia" que logra sobreponerse a las expectativas, siendo quien siempre fue. Esta es una muñeca que inicia rehusándose al llamado: "No soy la Barbie Aventurera, sólo soy la Barbie Estereotípica", dice; mientras el pánico de alejarse de su mundo perfecto la horroriza.

Su eslogan ha motivado a generaciones de niñas a "ser lo que quieran ser".

Ahora su película plantea la pregunta: ¿Es Barbie lo que quiere ser?

Sin opción, accede a ir al mundo real para solucionar todo y volver a ser quien siempre fue. Simple, sencillo, perfecto. No. El mundo real no es "Barbieland", el mundo real no es de plástico perfecto y rosa. Está lleno de grises, de matices, de emociones. Al llegar, Barbie se enfrenta al patriarcado (de lo que hablaremos más adelante), pero sobre todo se enfrenta a la humanidad. Ve a gente alegre, pero también triste, gente riendo, gente con depresión y gente llorando. Y justo cuando se descubre a sí misma con una lágrima en la mejilla, gira su cabeza para ver, por primera vez, a una mujer anciana.

Y quiero detenerme en esto, porque el simbolismo es simple pero maravilloso. En un extremo tenemos a la muñeca rubia, perfecta, siempre joven, siempre dispuesta, siempre sonriente. Y en el otro a una humana, mayor, con arrugas y canas. Una mujer real que ha vivido una vida entera. No un día siempre igual, de sonrisas y fiestas; una con días buenos, malos, maravillosos y horribles. Y la reacción de Barbie al verla es decirle: "Eres tan hermosa" y recibe como respuesta un "Lo sé". Que desata una risa cómplice entre ambas. Y ahí está.

Algo cambió en nuestra protagonista quien, aún no está segura de por qué pero, cuando intentan volverla a poner en la caja bajo la promesa de que "todo volverá a ser como antes", se rehúsa sutilmente antes de salir huyendo. ¿Podemos mencionar la metáfora de una mujer siendo incitada a entrar en la caja de la "Barbie Estereotípica" por un grupo de figuras de poder masculino?. En este punto no tendría sentido seguir narrando la película, puesto que las palabras no le hacen justicia a las actuaciones, el diseño de producción y las constantes sátiras (tanto sutiles como descaradamente directas); que hacen que las dos horas de duración del largometraje no se hagan pesadas en ningún momento.

–No sé quién soy sin ti.

–Eres Ken.

–Pero somos "Barbie y Ken". No existe "sólo Ken".

Pero vamos al tema álgido de Barbie: La Película, aquel que tiene a cientos en internet vomitando su odio hacia la cinta, acusándola de promover una "agenda misándrica" y de querer "acabar con cualquier rastro de masculinidad en el universo": Ken. El adorable rubio playero que existe por y para la mirada de la muñeca rubia; y cuyo único propósito es ser notado por ella, para así, conseguir la aprobación y admiración de los otros Kens (porque sí, así como hay más de una Barbie, también hay más de un Ken, especialmente desde el lanzamiento de la colección de "Fashionistas", en 2016).

Así como ella tiene una revelación de humanidad al llegar al mundo real, él lo tiene también; específicamente sobre el patriarcado y cómo, gracias a un par de libros convenientes y varios videos de stock, descubre que los hombres controlan el mundo. Aquí lo valoran y respetan sólo por ser hombre y decide replicar este modelo en Barbieland. Dando así paso al momento más polarizante de la película en donde la sátira se centra en el patriarcado y los tópicos masculinos exagerados que, seamos sinceros, realmente dan risa por cómo se evidencian cayendo en el ridículo.

Pero, y esta es la parte que la mayoría de los ofendidos parece ignorar, al final Ken y Barbie tienen una conversación acerca de lo que han pasado y de los objetivos de su existencia. Con Barbie diciendo una de las líneas que condensa todo el significado de la película: "Tú no eres tu novia, no eres tu casa, (...). Tal vez todo lo que creías que formaba la persona que eres tú, no es, en realidad, tú.". Abriendo así la puerta para que ambos descubran que son más que la etiqueta que les pusieron al fabricarlos, más que una "Barbie Estereotípica" o "Sólo un Ken".

Y así, sin spoilear el final (dijo el que ya contó toda la película ja, ja, ja), quiero terminar este escrito. ¿Es acaso Barbie, una película revolucionaria que plantea algo nunca antes visto? No, no lo creo. ¿Es acaso un bodrio "feminista" que busca adoctrinar a las niñas en el odio a los hombres? Definitivamente, no. Creo que, al final, es sólo una comedia satírica con un humor que raya en lo absurdo, pero muy bien ejecutada. Tanto así que hoy nos tiene a todos hablando sobre temas como el patriarcado, el feminismo, los estereotipos, las crisis existenciales, y lo que significa ser humanos... Todo por una muñeca y su life in plastic.

"Creo que olvidé cómo ser feliz.

Algo que no soy, pero algo que puedo ser.

Algo que espero.

Algo para lo que estoy hecha"

La Importancia de la Emancipación de Harley Quinn

2020-02-11T21:36:00.000-05:00

Gotham City es una ciudad dominada por hombres, pero eso está a punto de cambiar gracias a la intervención menos esperada de todas:
Harley Quinn y un improbable equipo de chicas con mucho potencial

Después de mucha anticipación, finalmente se estrenó Birds Of Prey (and the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn). Una cinta sobre la que, honestamente, no tenía muchas expectativas. Aunque me encantó el personaje en Suicide Squad (2016), no entendía cómo harían encajar a Harley Quinn en un grupo de superheroínas y los primeros posters promocionales, que parecían hechos en paint, no hicieron mucho por aumentar mi emoción.

Aún así, fui al estreno de la película y salí de la sala... ¡Encantado! Birds of Prey (BOP) cumple lo que promete: una película amena, comedia en gran medida y buenas secuencias de acción. Una premisa sencilla, tanto que con tan sólo cambiar los nombres de los personajes podría ser una película de acción cualquiera, pero es justamente ahí donde radica su particularidad: sus personajes.

Narrada en primera persona, con saltos temporales arbitrarios, y un interés amoroso encarnado por un sándwich de huevo; una combinación casi caótica que odiaría en cualquier película pero que aquí funciona porque nos permite entender el universo hilarante y desordenado de Harley Quinn. Y sí, es la dueña y señora de la historia y casi todo gira en torno a ella, pero en ningún momento cansa.

Explora sus distintas facetas y se quita, por mérito propio, el perfil plano en el que muchos la han querido encasillar. Nos adentra en su mundo y nos hace empatizar con su alegría, su rechazo y su dolor; y al final da una pequeña vuelta de tuerca que nos recuerda por qué es Harley "la maldita" Quinn.

La psiquiatra Quinzel, la asesina psicópata o la loca Harley. Margot Robbie ofrece todos los matices que Quinn tiene para ofrecer
y demuestra que ama al personaje y nació para interpretarlo.

Pero no está sola, sus compañeras de elenco, quienes dan vida a las Aves de Presa, también poseen, aunque en menor medida, su momento para brillar. Cada una tiene una leve pero importante evolución a lo largo de la trama y al final nos deja con ganas de ver más sobre lo que estas mujeres tienen para mostrar en la gran pantalla.

Los hombres, los antagonistas, también sobresalen de una forma muy particular. El Roman Sionis (Black Mask) de Ewan McGregor no sólo es frívolo y violento, también se llega a mostrar sensible, vulnerable e incluso crédulo, y en conjunción con Victor Zsasz representan la pareja más adorable de toda la película. Y es que sí, aunque a algunos les gustaría ignorarlo, Zsasz no es sólo un crudo asesino serial, es también la típica "mujer objeto" que en algunas escenas sólo está ahí para escuchar los planes malvados, aliviar la tensión del antagonista y cumplir su caprichos al satisfacer su ego cada que se siente herido. La deliciosa pero sutil ironía que plasman estos dos estoy seguro no es fortuita y ameritaría una publicación entera sólo para analizarlo a fondo.

¿Acción? Sí, por favor. ¿Feminismo? No, gracias.

No obstante, desde su anuncio, la película ha sido criticada por su tono "feminista". Palabra que a algunos sectores parece generarles escozor con sólo ser nombrada y amerita ataques a cualquier proyecto que la incorpore en su descripción, aún antes de desarrollarse. Pero ¿Es BOP realmente feminista? La verdad... Sí .

Es feminista porque muestra el proceso de una mujer por liberarse de una relación tóxica y encontrarse a sí misma en el camino. Es feminista porque habla de una chica que no necesita intermediarios para vengar a su familia,. Es feminista porque retrata a una policía empeñada en limpiar a la ciudad aunque su institución no la respalde. Y así podría seguir nombrando todo lo que hace a BOP una película feminista pero, sobretodo es feminista... por Karen.

De la euforia de Doja Cat y Normani, a la melancolía de Charlotte Lawrence y Lauren Jauregui,
Birds of Prey tiene un grupo de lujo que hace de la música el complemento ideal de la película.

En verdad no quiero hacer spoilers pero no puedo hablar de esta película sin mencionar la escena de Karen: uno de los momentos más incómodos de ver que he notado en el cine de superhéroes actual. Sin entrar en muchos detalles, aquí vemos como Black Mask desahoga su frustración sobre una chica, Karen, y cómo un vestido se convierte en un símbolo de supremacía que ostenta quien decide si puede o no usarse, cómo y cuando.

Una escena que no aporta mucho a la trama, es cierto, pero que da un mensaje contundente. No es una discurso de media hora ni una pelea épica hecha con CGI, es una mujer siendo humillada por un hombre, con algo tan simple como un vestido. Y es que la fuerza de esta escena radcia precisamente en eso, en plasmar el machismo en su peor faceta: la cotidiana.

Y es que sí, esa Karen indefensa frente a una multitud ante el poder incuestionable del Señor Sionis, puede ser cualquier amiga, prima, hermana o hija. Cualquiera podría sentirse identificada. Cualquiera pudo sufrirlo en silencio y así como el Joker (2019) nos hizo hablar sobre salud mental, Karen debería estarnos haciendo hablar sobre violencia de género y su normalización en la sociedad, pero por alguna razón eso no está pasando.

Así pues, BOP es una acertada apuesta de entretenimiento para quien quiera pasar un buen rato en el cine, pero también contiene muchos elementos que cualquiera que desee hilar más fino puede encontrar interesantes. Porque estamos ante la emancipación de mucho más que de una Harley Quinn.

Aquaman: Un mar de posibilidades que se queda en la superficie.

2018-12-26T23:26:00.001-05:00

Jason Momoa encarna a Aquaman en su primera película en solitario.
Una cita cargada de acción e increíbles efectos visuales

Poco más de un año tuvimos que esperar para volver a ver el logo de DC en la gran pantalla y la expectativa no era poca. Después de los resultados dispares de Justice League, la película en solitario del Rey de Atlantis era la siguiente gran apuesta. ¿Valió la pena la espera? ¿Es la ola refrescante que esperabamos o sólo se hunde en otro intento fallido?

Empecemos por el principio: La película tarda bastante en su inicio, no obstante es entendible ya que deben presentar personajes y contextos hasta ahora desconocidos para justificar la historia que se quiere contar. No obstante, el carisma de Nicole Kidman en pantalla lo solventa con facilidad.

Y hablando de carisma, no puedo seguir sin alabar el de Jason Momoa, suficiente como para hacer graciosos los chistes más flojos a la par que le da todo el perfil de tipo duro a su personaje. Se acabaron las bromas sobre el tipo que habla con los peces.

Visualmente la cinta es un deleite, secuencias como el descenso a la fosa o la batalla final son épicas en cada detalle, Atlantis es un universo entero lleno de criaturas y lugares sorprendentes que dan mucho potencial para futuras secuelas. Pero, siendo justos, en las escenas en las que los personajes sólo dialogan bajo el agua, su movimiento corporal se siente forzado.

Las escenas de combate son constantes y bien logradas aunque la mayoría siguen un mismo estilo, lo cual puede hacer que lo que en un principio era innovador termine siendo repetitivo. Probablemente sea la película del DCEU con más secuencias de acción que haya en su filmografía hasta ahora. Realmente se siente la esencia del cómic plasmado en pantalla.

En cuanto a la dirección se nota la proveniencia de James Wan del cine de terror pues acierta en sorprender interrumpiendo las escenas más románticas y casuales con explosiones o ataques. Y aunque hay chistes bastante simples, no son demasiados, lo cual se agradece.

El guión es bastante sencillo y predecible, los trasfondos filosóficos, los giros inesperados o las subtramas quedaron completamente fuera en esta ocasión. Logrando así tener un héroe rudo, serio y verosímil; pero quedándose en la zona segura que no necesita de una segunda revisión para ser entendida.

En conclusión, Aquaman es una buena película, tiene su objetivo claro y sabe llevar el ritmo a pesar de las 2 horas que dura, con escenas épicas y clichés por parte y parte. Ciertamente dejará contentos a los espectadores casuales, pero a los que seguimos al DCU nos quedará faltando un poco más de "profundidad" en una historia con tanto potencial.

Aún así, parece que DC y Warner Bros. finalmente encontraron su camino para establecer un universo cinematográfico estable y duradero, así que ya veremos qué nos traerá la marea...

La Liga de la Justicia: El encuentro que queríamos, pero no el que esperábamos

2017-11-22T19:51:00.000-05:00

Batman, Superman, Mujer Maravilla, Aquaman, Flash y Cyborg finalmente
se unen en una de las cintas de superhéroes más esperadas de la historia.
¿Valió la pena la espera?

Imposible es mencionar a la Liga de la Justicia y no remontarse años atrás, a las magníficas apariciones de la Liga animada en televisión. Y es que no es necesario haber sido un obsesivo de los cómics para identificar nombres como los de Superman y Batman con capuchas y capas de colores. Ellos fueron el primer grupo de superhéroes en la historia y su incursión en la gran pantalla un evento esperado por generaciones.

Aún así, con los conocidos traspiés que tuvo Warner Bros. con las anteriores adaptaciones del universo de DC Comics, las expectativas aumentaban en igual proporción que los miedos a un desastre. Finalmente la película ha llegado a los cines de la mano de dos directores (recordemos que Joss Whedon tomó la batuta luego de que Zack Snyder tuviese que dejarla por una tragedia familiar), y el resultado es algo ambiguo. Ciertamente no es un desastre pero tampoco es lo mejor que pudo haber sido.

Empezando porque Justice League (2017) es una reunión de superhéroes de los que no sabemos prácticamente nada en este universo cinematográfico, a excepción de la trinidad conformada por Wonder Woman, Batman y Superman; los nuevos integrantes son completamente desconocidos. Aquaman, Flash y Cyborg habían aparecido en cameos, pero su trasfondo era un misterio.

No obstante, funcionan. Jason Mamoa logra imprimirle personalidad a su personaje volviéndolo rudo, poderoso e incluso vulnerable. Atrás quedaron los chistes de hablar con peces. Ezra Miller nos da a un Flash carismático, entretenido e inocente, cuyas acotaciones cómicas funcionan la mayoría de las veces. Y Ray Fisher es un Cyborg conflictuado con su nueva naturaleza de hombre/máquina pero que logra ser un engranaje de gran utilidad para la Liga. Aunque de éste último hay que decir que si bien no se siente «de relleno», es el que menos desarrollo tiene y su función va poco más allá de ser el «super hacker» de turno.

La caracterización de los personajes es uno de los aspectos sobresalientes
de la cinta, cada miembro del cast funciona tanto en solitario como en equipo.

El acople de los nuevos héroes con la trinidad está muy bien logrado y su desempeño como equipo funciona en pantalla, especialmente en las escenas de acción. En tanto Gal Gadot hace lucir, nuevamente, a su personaje de Diana Prince, convirtiéndolo en uno de los puntos más fuertes de la película. El Batman de Ben Affleck, por el contrario, se percibe falto de motivaciones y resignado, incluso con tintes suicidas que dejan muy por debajo al hombre murciélago de su homólogo en el cómic o en películas anteriores. Y en cuanto a Superman parece que, por fin, está realmente consciente de su rol en el mundo, no duda al usar sus poderes y regresa triunfal a derrotar al villano Steppenwolf (tal vez con demasiada facilidad, puesto que da la sensación de que el resto de la Liga es innecesaria a su lado).

Infortunadamente, el anticipado regreso de Superman se siente algo simple y facilista; gastando, sin mayor trascendencia, uno de los arcos narrativos más emblemáticos en la mitología del personaje y dejándonos la impresión de que hubiese sido mucho más efectivo de haberse usado en futuras secuelas, cuando el cariño del público por el personaje que encarna Henry Cavill se hubiese afianzado.

No obstante, el fallo más grande en este universo cinematográfico sigue estando en los villanos. En este caso: Steppenwolf, quién aún con un ejército de parademons, no trasciende de ser un villano acartonado con ansias de apoderarse del mundo, cuyas motivaciones no son del todo claras y que es detenido justo cuando su plan malvado está a punto de concretarse. Realmente nunca se siente como una amenaza épica que sólo pueda ser enfrentada juntando a los mejores superhéroes de la historia... Aunque gracias a él tenemos unas excelentes secuencias de acción: primero contra amazonas, atlantes, linternas y humanos en la antiguedad; y luego contra la reina Hippolyta y su corte de mujeres guerreras.

Al final, Justice League cumple con ser una buena continuación de la historia de DC en el cine, pero falla en ser la gloriosa cinta que habíamos deseado por décadas. A pesar de los cortes, cambios y regrabaciones que sufrió; sigue siendo un buen relato sobre el poder del trabajo en equipo y la confianza. Una luz esperanzadora para las siguientes películas, porque la mayoría de sus errores pueden pulirse fácilmente en las siguientes apariciones. Pero, a la vez, es una reiteración del mal manejo que Warner Bros. le está dando a la franquicia, la falta de confianza en sus creadores y el afán por alcanzar a la competencia, aunque eso signifique seguir mostrando títulos que se sienten inacabados y mal estructurados.

En conclusión, Justice League es una buena película, pero que llega cuando todos esperábamos una película excelente. Una cinta disfrutable tanto por fans como por espectadores casuales, pero que deja la sensación general de «esperaba más...».

La edad de los héroes ha vuelto, y aunque no ha sido perfecta,
aún queda mucho camino por recorrer.

It: El espeluznante regreso del payaso de las cloacas

2017-09-26T19:59:00.002-05:00

Pennywise, el payaso que aterrorizó a toda una generación y se convirtió en un ícono del terror, regresa
a las pantallas en 2017 y es mucho mejor de lo que esperabamos.

Hablar de It (Eso) (2017) es meterse en terreno delicado, pues hay varios factores en juego a la hora de hablar del payaso bailarín Pennywise: la obra original de Stephen King, por supuesto, la miniserie que marcó la infancia de varios milenials y con ella la recordada actuación de Tim Curry. Así, a primera vista, It no es más que otro remake innecesario dentro de la larga lista de títulos reciclados, que la falta de creatividad en Hollywood aumenta cada año. Por fortuna, y prueba de que los dioses del celuloide existen, ésta es lo que la mayoría de readaptaciones prometen, pero casi ninguna logra cumplir: una nueva y refrescante visión de un clásico que da por bien servidos tanto a nuevos espectadores como a amantes del original.

¿Cómo es posible? Pues bien, con It se hizo lo que no con Carrie (2013): revisar el libro, entender la historia y contextualizarla para conservar su esencia adaptándola en un marco actual. Carrie se pierde en un intento de emular a la primera versión (casi que en cada toma, en los encuadres, la narrativa y hasta el tipo de fuente retro con que aparecen los créditos iniciales) recurriendo a la nostalgia, excesivos efectos especiales y un par se super estrellas en los papeles protagónicos para asegurar la mayor cantidad de público objetivo; dejando de lado lo importante del relato, la esencia de los personajes y, con ello, cualquier posibilidad de hacer una película impactante e innovadora, quedándose como una copia acartonada y olvidable de la primera adaptación.

It, por su parte, nos presenta a un personaje terrorífico pero no invencible, que se vale del miedo de sus víctimas para hacerse fuerte, pero que conoce sus limitaciones y sabe cuando corre peligro. Y, aunque usualmente toda la atención de este tipo de cintas suele recaer sobre el malvado antagonista, lo cierto es que en esta película es imposible pasar de largo sobre sus protagonistas: siete niños peculiares que deciden bautizarse a sí mismos como "The Losers Club" (El Club de los Perdedores). He aquí uno de los mayores aciertos del film: se da tiempo de mostrarnos, entre chistes y anécdotas, las relaciones que forjan los chicos; nos permite empatizar con su amistad y ver por qué se unen, por qué pelean y, más importante aún, por qué deciden arriesgar sus vidas y enfrentar sus peores fobias para salvar a un miembro del equipo.

El director Andy Muschietti logra tomar un proyecto caótico y plasmarle
una visión acertada y efectiva que gustó hasta al mismo Stephen King.

El apartado técnico es otro punto que resalta, puesto que a pesar de ser una superproducción, la mayoría de las veces el uso de recursos visuales es medido y corresponde al momento en que la cinta la amerita, dándonos dosis moderadas pero suficientes de Pennywise. Vemos como la horrible criatura se vale más de un terror psicológico que de agresiones físicas para atormentar a los chicos, cambiando de forma según sus fobias particulares. Así, por ejemplo, la impactante escena de Beverly en el lavabo, donde ve cubierta la intimidad de su baño con una inundación de sangre, invisible para su padre; se convierte en una grotesca pero efectiva metáfora de la menstruación venidera que a ella tanto le inquieta pero, irremediablemente, deberá enfrentar.

Y si cedemos a la tentación de comparar, el final de esta nueva versión supera con creces al de su predecesora noventera. No sólo en el aspecto visual, en el que se nota el presupuesto invertido y los años de diferencia entre una y otra. También porque se desarrolla de forma dramática pero pausada, aún después de haber entrado a la casa de los sustos, nunca antes mejor dicho, nos revela teatralmente al Pennywise danzarín, en donde la actuación de Bill Skarsgård al interpretar un sencillo pero frenético baile es realmente escalofriante. De igual forma, nos da el catalizador perfecto para la confrontación en el momento en el que el valiente Bill finalmente acepta la pérdida de su querido hermanito, Georgie.

Por último, hay que resaltar, quién iba a creerlo, que la película del payaso asesino nos da una lección de valores al mostrarnos un final que resalta el poder de la amistad, el trabajo en equipo y el empoderamiento personal que se desprende del enfrentar los miedos y descubrir que todo su poder no radica en ellos sino en el poder que les damos. Así la película finaliza insinuando el inminente regreso de "Eso", no con una misteriosa escena final, sino con un grupo de chicos que hace un pacto de sangre para sellar su amistad y su compromiso de volver a enfrentarse a lo que sea necesario, con tal de no permitir que ningún otro niño sea raptado por la criatura de las cloacas.

En conclusión, lo que pudo ser una película facilista llena de momentos clichés que asustara sólo a los adolescentes, se convierte en un largometraje sólido en contenido, historia y personajes; que no necesita de una segunda parte pero que nos hace desearla. Quedamos con ganas de adentrarnos nuevamente en este fascinante y aterrador universo para saber qué pasará con aquellos "perdedores" cuando el pasado regrese para atormentarlos y la amenaza de Pennywise vuelva a cernirse sobre el pequeño pueblo de Derry, 27 años después...

Wonder Woman o cómo hacer una buena película de superhéroes

2017-06-15T15:09:00.000-05:00

Guerrera amazona, primera superheroína de la historia, ícono de la cultura pop, y... finalmente,
protagonista de su propio largometraje: Wonder Woman

75 años han pasado desde que apareció por primera vez el personaje de Wonder Woman (Mujer Maravilla) en las páginas de un cómic y 75 años tuvimos que esperar para verla hacer su aparición en la gran pantalla. Bajo la producción de Zack Snyder y la dirección de Patty Jenkins, en 2017 llega a las salas de cine la princesa Diana de Themyscira encarnada por la israelí Gal Gadot.

Muchas eran las expectativas que se tenían sobre Wonder Woman: La película. Los fans esperaban una película épica que le hiciera honor al icónico personaje; el estudio esperaba una película rentable en taquilla, pero que no fuese destrozada por la crítica; y los espectadores casuales esperaban una película entretenida que pudiesen disfrutar sin tener que haberse visto una larga lista de films anteriores para entender la trama. Demasiado peso para una sola cinta... Pero, increíblemente, lo logró.

Así es, Wonder Woman es un largometraje que deja un buen sabor de boca, tanto a los seguidores de toda la vida como a los que apenas vienen a descubrir al personaje. Una producción sencilla pero bien lograda que se aleja del tono oscuro que venían manejando Warner Bros y DC Comics en sus proyectos anteriores, pero sin perder la seriedad que buscan plasmar en sus protagonistas. La mejor producción de superhéroes que se ha visto en el siglo XXI.

No es la primera, pero sí la mejor

No son pocas las veces en que nombres como los de Superman o Batman han aparecido exitosamente en cartelera. No obstante el caso de las superheroínas ha sido radicalmente opuesto, siendo películas como Supergirl (1984), Catwoman (2004), o Elektra (2005), títulos fácilmente olvidados o, peor aún, siendo mencionados sólo para recordar las pésimas críticas que tuvieron.

Al parecer, enfundar a la actriz de moda en un sensual atuendo de látex no era suficiente para lograr el éxito en el celuloide. Así, entre dudas y proyecciones negativas, llegó Patty Jenkis a la dirección. Famosa por haber dirigido el drama Monster (2003), y siendo una gran admiradora de Wonder Woman, parecía la indicada para llevar a buen puerto el largometraje, y lo fue.

Los videos promocionales de Wonder Woman nos dan cuenta de lo que podemos esperar de la historia:
drama, acción y algo de humor.
Probablemente la primera película del DCEU cuyo resultado final cumple con las expectativas del trailer.

Representar a un ícono del feminismo en una isla llena de atléticas mujeres semidesnudas no era tarea fácil, pero Jenkins lo logró magistralmente. En ningún momento la cámara se vuelve una máquina voyerista que busca el mejor ángulo para observar los atributos físicos de Diana o sus hermanas amazonas. Por el contrario, es su rostro el que se roba más de una toma, para mostrarnos la fuerza que desprende la determinación en su mirada.

Y así llegamos a la otra gran mujer responsable de esta nueva versión de Wonder Woman, aquella que le da vida en pantalla, la actriz Gal Gadot. Bastante criticada al principio por ser demasiado delgada y sin experiencia para encarnar a una figura de semejante calibre, desde su primera aparición en Batman v Superman (2016), dejó a todos con la boca callada y en su película en solitario demuestra, sin lugar a dudas, que fue la mejor elección para el papel.

Su visión de Diana se siente clara y coherente de principio a fin. Desde la ingenua princesa amazona hasta la guerrera imparable que enfrenta ejércitos enteros, Wonder Woman se presenta como un personaje completo, verosímil y lleno de matices, que nos hacen sentir empatía por ella y nos deja con ganas de ver más historias suyas en futuras secuelas.

Es una gran película... De superhéroes

Muchos fueron los sorprendidos por las críticas tan positivas que obtuvo la película, ya que el DCEU solía salir bien librado en taquilla, pero no iba muy bien con su recepción ante los expertos. Algunos incluso lo consideran exagerado, ya que este film es en realidad bastante sencillo en su trama y su estructura nos presenta la fórmula del viaje del héroe sin mayor alteración. Pero, es justo ahí donde radica su mérito.

Los anteriores largometrajes del género solían estar cargados de referencias a cómics, películas o historias que aunque visualmente eran interesantes, hacían lucir a la cinta lenta y pretenciosa. Sus tramas se esforzaban por dotar de seriedad a los personajes envolviéndolos en argumentos excesivamente complejos y con una acelerada resolución al final, que tornaban necesario más de un visionado para entender todo el relato.

Lo anterior, molesto de por sí, se volvía más insoportable con la reciente tendencia de presentar cada cinta como si fuese sólo un paso, muy lento, para llegar a la siguiente historia. Es decepcionante sentir que todo el relato gira en torno a acontecimientos o personajes que aparecerán en futuros títulos. Una carrera por llegar a la siguiente etapa sin darse tiempo para disfrutar de la presente. Desesperante.

Patty Jenkis toma las riendas de su película y nos brinda un gran producto.
Cosa que no debería sorprendernos, pues ella ha intentado materializar este proyecto
desde hace más de una década. Al final, valió la pena la espera.

Ésta es una historia de origen: nos cuenta quién es Diana, de dónde salió y cómo termino convirtiéndose en Wonder Woman. Punto. Nos muestra desde su mirada cómo la humanidad se ha olvidado de valores como la solidaridad o la justicia, para ser consumida lentamente por la guerra. Invita a la reflexión de manera sutil y efectiva sin recurrir a complejos giros en la trama ni referencias innecesarias.

Siguiendo la misma línea, Wonder Woman es un film sobre su protagonista, es decir que no está plagada de referencias a Batman, Superman, la Liga de la Justicia ni a ningún otro personaje externo a su universo. Ni siquiera en una escena postcréditos, y no lo necesita. Así se da tiempo de conocer mejor a figuras de apoyo en la historia, como Antíope, Steve Trevor e incluso a algunos secundarios como Sameer y "El Jefe", quienes tienen pocos diálogos, pero lo suficientemente efectivos y contundentes para justificar su aparición. Esto ayuda a disfrutar más la cinta y a quienes aparecen en ella, sin que sea necesario ser un experto en cómics o haber visto todas las películas de superhéroes que se han filmado hasta ahora.

Patty Jenkins entendió que menos es más, y que la grandeza de una cinta épica radica en saber contar una historia en vez de saturarla de personajes o subtramas. Por ende, probablemente Wonder Woman no sea recordada como uno de los largometrajes más innovadores de la historia, pero ciertamente es una de las mejores películas de superhéroes hasta ahora y, por mucho, la mejor estelarizada por una superheroína, la cual, ojalá, inspire a las siguientes para que se preocupen por resaltar la personalidad de la protagonista más que su escote.

No todo es tan bueno

Si bien, hasta este punto se han destacado los aciertos del largometraje, tampoco ha de decirse que es perfecto pues tiene sus fallas, que aunque pocas, merecen ser notadas para que de llegar a hacer eco en las productoras sean tenidas en cuenta para mejorar aún más las franquicias de superhéroes.

Primero: Ares, el poderoso dios de la guerra que se erige como una sombra terrible que corrompe el corazón de la humanidad y al que Diana pasa toda la cinta buscando encontrar y vencer. Lo cierto es que las expectativas sobre el antagonista de Wonder Woman son altas desde que Hippolyta cuenta cómo destruyó a los dioses y posteriormente es desterrado. Toda la película ansiamos la épica batalla entre él y la amazona más poderosa, pero cuando finalmente llega se siente muy precario para lo que se esperaba.

Aunque es interesante que se presente a Ares como un ser inteligente cuyo poder radica más en la estrategia que en la fuerza bruta. Su plan final es bastante simplón y predecible. El que, se supone, debería ser el momento cumbre de la proyección, no logra equipararse con otros momentos, como la primera aparición de Diana en las trincheras, por ejemplo. Y la forma en la que es derrotado es poco impactante y nada memorable.

Doctor Poison, la otra villana que hace acto de presencia, aunque con gran potencial, es aún más desperdiciada que Ares. Su labor consiste en ser la secuaz, proveedora de armas químicas y aparentemente enamorada en secreto del General Ludendorff. Sus motivaciones, más allá del querer complacer a su general, nunca son explicadas. Además se acentúa su apariencia de mala con una prótesis facial y aunque en un momento vemos las cicatrices que esconde tras ella, tampoco se nos revela el origen de las mismas o las consecuencias que han tenido en el personaje. Y, finalmente, su huida en el último acto es bastante sosa, sin siquiera una amenaza de venganza cliché o una toma que nos haga pensar en su posible regreso. Nada.

Es curioso que en títulos como Man of Steel o The Dark Knight, los villanos sean los que roban gran parte del protagonismo, pero en este film sean de lo menos sobresalientes, limitándose a ser los malos de turno que al final son derrotados sin más. Esperemos que en las próximas apariciones de Wonder Woman, sus enemigos nos brinden los momentos épicos que ella merece, escenas dignas de ser recordadas, no solamente vistas.

Mención especial merecen la banda sonora de la película compuesta por Rupert Gregson-Williams
y el tema principal interpretado por Sia cuya letra y tono complementan la fuerza del film.

En conclusión, Wonder Woman es una cinta que merece ser vista y que se ha ganado a la crítica y al público con razón. Es una gran introducción al cine para un personaje emblemático que ha estado presente en la cultura pop desde hace casi un siglo. Una película sencilla, pero emotiva. Con momentos intensos de pelea, diálogos interesantes, una protagonista espectacular y un gran mensaje. Un magnífico aporte femenino a la constelación cinematográfica iniciada en los cómics y una inspiración para las nuevas generaciones. Una película de maravilla.

La Nocturna, una telenovela colombiana que sí representa a los colombianos de verdad

2017-06-01T21:44:00.000-05:00

Parece que, por fin, la fórmula de traquetos y prepagos empieza a desgastarse y la televisión colombiana está apostando, poco a poco, por historias donde priman los personajes del común con buenos valores y ganas de salir adelante. En esa línea, Caracol TV ya nos cautivó el año pasado con Las Hermanitas Calle y Cuando Vivas Conmigo, mientras RCN apuesta por la nostalgia noventera con una nueva temporada de Francisco el Matemático y el drama de oficina con La Ley del Corazón.

Pero es la nueva propuesta del canal que "nos mueve la vida" la que motiva estas palabras: La Nocturna. Producción que se sitúa en una universidad nocturna de la capital (sí, de ahí el nombre), en la que confluyen las vidas de diez personajes, ocho alumnos y dos profesores, de diversas procedencias, edades y motivaciones; pero con un fin en común: mejorar su vida a través del estudio.

Bajo el eslógan: los sueños nunca duermen, la serie nos muestra la vida y desventuras de estos desconocidos que empiezan por ser compañeros de clases pero que en el camino descubren amistades, enemistades, amores y desamores. Porque sí, claro que hacen presencia las escenas de drama propias de la telenovela latinoaméricana, pero hay algunos elementos que buscan cambiar la fórmula y ahí radica lo interesante.

Primero, como ya se dejó claro, son varios los protagonistas e historias que se nos presentan. No estamos ante una particular y empalagosa historia de amor prohibido que deberá superar la censura social hasta llegar a un predecible "vivieron felices por siempre". O si llega a haberla, recordemos que apenas estamos en los primeros capítulos, no será el eje principal de la trama.Cada estudiante de La Nocturna tiene algo que contar y con lo que el espectador fácilmente podría identificarse.

Segundo, y muy importante, es que los escritores recordaron que Colombia es un país rico en regiones, acentos y culturas; no sólo existen los paisas y los costeños cuando de foráneos en la capital se trata. Así se presentan en esta ocasión a una pareja de tolimenses y a un joven boyacence, que si bien aún conservan algunos elementos estereotípicos, como el mal genio y la ingenuidad; trascienden rápidamente ese nivel para convertirse en personajes tridimensionales que atraen por su forma de ser y se sienten auténticos aunque sin perder el toque de humor.

Y tercero, la serie busca reflejar a sus espectadores: colombianos de clase media que día a día buscan ganarse la vida a punta de trabajo duro pero honrado. Sí, así de sentimental y coloquial como suena, porque así somos los colombianos, de barrio, de pueblo, de vecinos y amigos; y es eso lo que se nos muestra en pantalla.

Claro, no estamos ante una epifanía de la pantalla chica que viene a revolucionar el primetime en Colombia pero sí se siente refrescante ver una propuesta que busca hacer que el televidente se sienta identificado con sus sueños y esperanzas reales, que lo haga sentir orgulloso de ser emprendedor y de luchar por triunfar a pesar de las dificultades que un país tercermundista pone a casi cualquiera que quiera mejorar su vida y la de su familia.

"Los sueños nunca duermen", aquellos sueños que buscan la felicidad en terminar una carrera universitaria, en superar los impases de la vida en compañía de los amigos, en progresar a través del trabajo en equipo. Sueños reales, sueños loables, no en ser un aspirante a narcotraficante con más dinero que valores, o una "muñeca de la mafia" cuyo principal valor es el precio del plástico que (de)forma su cuerpo.

En conclusión, La Nocturna no es algo nunca antes visto pero sí es algo que deberíamos ver si es que buscamos una opción decente dentro de la parrilla de programación de los canales privados. Como televidentes demostremos que apoyamos este tipo de programas y su contenido, que merecen ser vistos y tenidos en cuenta. Devolvámosle a la televisión colombiana, al menos un poco, su dignidad.

Britney Spears: Glory | Wallpaper + FB Covers

2016-09-08T20:30:00.000-05:00

El noveno trabajo discográfico de Britney Spears ya está disponible en todo el mundo y no son pocos los que han quedado sorprendidos al escucharlo. Glory es un trabajo maduro e interesante en el que comprobamos, una vez más, por que Britney es la única e inigualable Princesa del Pop.

Y para celebrar el lanzamiento del álbum, en esta ocasión me permito compartirles un fondo de pantalla y algunas portadas para Facebook promocionales que he diseñado inspirado en el estilo gráfico del disco. Espero sean de su agrado, que las usen y las compartan.

Fondo de Pantalla:

Portadas Para Facebook:

La tragedia con sabor a gloria de Britney Spears

2016-09-05T19:20:00.000-05:00

Hay quienes dicen que para ganarse el cielo primero hay que atravesar el infierno,

y si hay alguien que tenga mérito por hacerlo en medio del frívolo mundo del espectáculo, es Britney Spears.

Hace algunas semanas, cuando se reveló que el título del nuevo trabajo discográfico de Britney Spears sería Glory, no fueron pocas las perspicacias que generó. Y cómo no, si la gloria musical hacía años que no la acompañaba, su último disco Britney Jean (2013) dividió incluso a sus fans, quienes consideraron que aunque tenía algunas canciones interesantes, en conjunto sonaba caótico y forzado; y a pesar de que se vendió bajo la premisa de ser "el disco más personal de Britney" lo cierto es que en cada pieza se sentía mucho más la mano de will.i.am que la suya.

Sin embargo, la industria musical nunca detiene su engranaje y la llamada Princesa del Pop decidió volver al ruedo con Make Me..., un inesperado mid-tempo en compañía del nuevo joven promesa del rap G-Eazy. La canción tomó por sorpresa a todos los que estábamos acostumbrados a verla inaugurar sus discos con un primer sencillo fabricado expresamente para poner a vibrar las discotecas con su ritmo rápido y sonidos electrónicos.

La premisa desgastada de "algo nuevo y sorprendente" parecía retomar sus fundamentos e hizo eco entre los fans, quienes dieron su voto de confianza a la cantante para que llevara sus oídos al éxtasis y callara bocas con una renovada versión de sí misma. Sin embargo, lo que sucedería distaba mucho de ser un inicio feliz, la gloria prometida estaba por desatar un pandemónium sin precedentes.

Si bien es cierto que Britney Spears ya había caído en desgracia ante el público en general, los medios de comunicación e incluso ante su familia (casi perdiendo la custodia legal de sus hijos y teniendo que ser demandada por su propio padre para controlar sus excesos); había un último círculo del infierno que parecía imposible para ella: el rechazo de sus fans.

Luego de haber estado al borde del colapso en 2007, de rapar su cabeza y hacer una polémica presentación en los VMAs, sus seguidores siempre estuvieron apoyándola sin importar qué, incluso años después. Se mantuvieron firmes como el más recio de los ejércitos (no en vano se ganaron el apodo de "B-Army") y nada parecía poder terminar con el idilio de sus admiradores por ella. Nada, excepto la misma Britney.

Britney en su presentación en los VMAs 2016 rodeada de manos oscuras que se apartan ante el resplandor que desprende su figura.
¿Alguien más ve una metáfora aquí?

Sí, ella misma con su falta de promoción y su incapacidad de llenar las expectativas en los últimos años, socavó una pequeña grieta que silenciosamente se abrió paso hasta, aparentemente, derrumbar la paciencia de los fanáticos con el decepcionante video de Make Me... Mucho se esperaba del primer video musical grabado en años por Spears y el visionaro David LaChapelle, pero éste nunca vería la luz.

Las fotos publicadas en sus redes sociales sólo fueron superadas por los gifs animados que se filtraron días antes del lanzamiento, todo prometía traernos una de las grabaciones más sensuales de la artista en años. Pero al lanzarse finalmente el video oficial, la ira de todos estalló cuando se nos dieron cuatro minutos con cincuenta y cuatro segundos de metraje completamente alejados de lo que se nos había prometido.

Una producción sin mucho sentido y evidentemente terminada con prisas, provocó lo que nunca antes nada pudo: que la rechazasen sus más fervientes admiradores. Incluso se inició una petición en la página change.org que reunió más de quince mil firmas virtuales, pidiendo la versión original del video. Que falte todo en la carrera de Brit, menos el drama de sus seguidores. Aún así, el 26 de agosto de 2016 el noveno álbum de Spears, Glory, se lanzó oficialmente y Oops!... Lo hizo otra vez.

Como si del flautista de Hamelín se tratase, nadie pudo resistirse a las nuevas canciones de la Srta Spears. Y no es para menos, su nuevo trabajo discográfico realmente es algo nuevo en su repertorio, con arreglos que van desde el reggae, en Love Me Down hasta el motown en What You Need, sin dejar de lado el R&B del primer sencillo, Make Me... y obviamente la esencia pop que le dio su título de realeza, el cual resalta en esta obra con canciones como Man On The Moon y Just Luv Me. Todo elegantemente explotado por los registros vocales más frescos y vibrantes que la cantante nos ha brindado en mucho tiempo, haciendo que muchos entusiastas se pregunten, por primera vez en casi diez años, si acaso estamos ante el mejor álbum de Britney Spears.

«Glory es la bienvenida de una verdadera visionaria del pop que nadie pensó que resistiría más allá de su tercer disco,

muchos menos un noveno. ¿Alguna estrella ha tenido tanto éxito en sus regresos como Britney?

Para esta chica, los discos que no son un regreso son la excepción, porque mucha gente ha insistido en descartarla».

– Rolling Stone

La respuesta aún es pronto para darse por certera, lo que sí es innegable es que Britney Spears está pasando por un momento increíble, en sus propias palabras: glorioso. Tanto así que aceptó volver al escenario al que pensamos jamás regresaría a presentarse, el de los VMAs. Mucho era lo que se esperaba de este regreso y cómo no podía ser de otra forma, la intérprete los usó para abrir la puerta a la polémica ¿Acaso bailó con algún reptil sobre los hombros? ¿Acaso volvió a darle un beso francés a Madonna? ¿Acaso cantó en vivo? Pues... No, no y, probablemente, no.

¿Lo necesitó? No. Y es aquí donde se nos revela la magia de Miss Spears. Aunque pudo hacer gala de los 20 bailarínes que la acompañan en Las Vegas, aunque pudo hacer un increíble show con luces led o incluso iniciar su presentación desde el espacio sideral, optó por un sencillo montaje de sombras chinas, cuatro bailarinas y su compañero de fórmula G-Eazy en una presentación de cuatro minutos.

Amada u odiada por su sencillez, lo cierto es que la suya fue una de las presentaciones más comentadas de la noche y el despliegue de energía y actitud que tuvo en el escenario fueron suficientes para dejarnos claro que ésta no es la misma chica a la que casi vimos partir en 2007.

Si algo nos queda claro es que Britney Spears es como un fénix que no se cansa de renacer de sus cenizas, y uno que nos cansamos de ver; porque para mal o para bien su nombre es un referente obligado en la cultura pop, un gancho irresistible que siempre nos hará leer los titulares. Vivimos ansiosos por saber cuál será su próximo paso o su siguiente caída, lo que sea no nos será indiferente. En la gloria o la desgracia, siempre será... Britney, bitch!

«Yo no lo veo como un regreso, porque creo que en realidad nunca me fui.
Lo veo como una reinvención de mí misma y sólo un momento diferente en mi vida,
un momento realmente bueno, ¡Glorioso!».
–Britney Spears

Salvar el día también es cosa de niñas: Las DC Super Hero Girls

2016-04-14T20:51:00.000-05:00

Las chicas de DC vienen para demostrar que los comics y los superpoderes no son sólo cosa de hombres.

Batman, Superman, Ironman, Captain America... y cada vez más. Muchos son los superhéroes que se mudaron de las páginas de los comics a las pantallas. Sin embargo, en esta lista en constante extensión, pocos son los nombres femeninos relevantes que podemos encontrar. Black Widow (Marvel) y Wonder Woman (DC), aparecen como parte de un equipo, aunque su protagonismo, hasta ahora, esta supeditado al acompañamiento de sus compañeros, usualmente en escenas de acción.

Así pues, en un panorama saturado de superhéroes, es fácil imaginarse a los niños crecer soñando con capas y antifaces, pero ¿y las niñas?... Como dije, son pocos los referentes que, hasta ahora, podrían encontrar a la hora de buscar un disfraz para halloween o simplemente para interpretar en un juego con sus amigos del barrio.

Claro, existen superheroínas en los cómics, pero su aparición en otros medios tristemente no se compara a la de sus homólogos masculinos, y menos en los productos dirigidos al público infantil. Pues bien, recientemente la compañía DC Comics, y la Warner Bros. Animation en asociación con Mattel, se decidieron a abarcar este sector tan olvidado del mercado con el lanzamiento de las DC Super Hero Girls.

¿De qué se trata? Como nos avisa su nombre, nos encontramos ante un proyecto centrado en versiones infantiles de algunos de los personajes femeninos de DC. En primer momento, una colección de muñecas en busca de crear una franquicia apoyada por una aplicación móvil y una serie web.

La historia se nos cuenta a través de webisodios que, en su primera temporada (13 capítulos), nos narra la llegada de una joven Wonder Woman a la Escuela de Superhéroes; los problemas que tiene para adaptarse y, esencialmente, cómo logra sobreponerse a las adversidades gracias a la amistad de sus compañeras de clases.

Las figuras de las DC Super Hero Girls en sus dos versiones.

La serie nos muestra algunas de las caras más emblemáticas de DC, como lo son Wonder Woman, Harley Quinn, Poison Ivy e incluso Supergirl (quién hasta ahora no ha aparecido en ningún capítulo, pero, al parecer, será quién protagonice la segunda temporada); además de introducir a unos menos conocidos como Bumblebee y Katana.

En cuanto al contenido y la temática, debo decir que está muy bien lograda. Como se puede suponer, todo gira en torno a las chicas DC, siendo los personajes femeninos los más relevantes y abundantes, siendo incluso la Directora una mujer (nada más y nada menos que Amanda Waller). Los valores como la responsabilidad y el compañerismo son exaltados en cada capítulo, bajo premisas como "lo importante es no rendirse" o "todo es mejor cuando se trabaja en equipo".

El dibujo tampoco se queda atrás, siendo una agradable presentación de las superheroínas que evoca sus trajes clásicos, pero con una versión más propia al público infantil (es curioso que al final de la primera temporada, incluso Wonder Woman cambia su traje por uno con pantalones). Todo en un marco de colores variados aunque en tonos suaves, decisión que agradece el ojo del espectador al no llenar la pantalla de tonos contrastantes y saturados como suele hacerse en los clásicos dibujos de superhéroes.

Como fan de DC Comics y como hermano mayor de un par de hermanitas, sinceramente recomiendo una revisión a este material. La historia, aunque sencilla, condensa muy bien el espíritu de una superheroína: una constante búsqueda por la justicia, la hermandad y el uso de las habilidades personales para un bien mayor, por mencionar algunas.

En un universo en el que las niñas crecen con modelos como la Barbie o las Princesas de Disney, es importante resaltar una alternativa que motive a las mujeres a resaltar su individualidad y soñar con ser una princesa, una guerrera, o incluso mejor: ¡Una princesa guerrera!

Acá puedes encontrar la primera temporada completa de las DC Super Hero Girls

Batman V Superman | Fondo de Pantalla

2016-03-03T02:19:00.003-05:00

Superman, Wonder Woman y Batman.
Una escena que los fans hemos esperado años para ver, finalmente se hará realidad en Marzo de 2016

Hace más de 75 años que el Hombre de Acero y el Hombre Murciélago aparecieron en las páginas de los cómics para ganarse un lugar indiscutible en la cultura popular. Muchos altos y bajos han pasado desde entonces, pero ellos han sabido reinventarse y ganar un público fiel en todos los medios de la historia reciente; desde el programa radial de Superman en la década de los 40, hasta el último videojuego de Batman para Xbox One.

No obstante, la idea de verlos a ambos compartir créditos en la pantalla grande se mantuvo en el aire por décadas, tambaleando entre las intenciones del estudio y los rumores de internet. No sería sino hasta el 2013 que finalmente se hizo oficial la producción de una película protagonizada por el par de icónicos superheroes motivada, entre otros, por el éxito de la trilogía de Christopher Nolan sobre El Caballero de la Noche y la creciente competencia que representaba la unión de Marvel/Disney en el cine.

Mención aparte merece Wonder Woman (o Mujer Maravilla, como la conocemos por estos lares), quien fue completamente ignorada en la gran pantalla. Aunque tuvo una serie de televisión en los 70 y un intento de remake en el 2011, nada comparado con las más de 10 películas que suman Batman y Superman hasta la fecha. Si ver una película de Batman y Superman parecía difícil, pensar en una para Wonder Woman se antojaba imposible. Las películas de superheroínas no han sido muy bien desarrolladas en el séptimo arte, por no decir que todas han sido un asco.

Sin embargo, cuando Warner y DC finalmente anunciaron el lanzamiento de Batman V Superman para 2016, aprovecharon para poner todas sus cartas sobre la mesa y anunciar el inicio de un universo cinematográfico que planea extenderse hasta el 2020 e incluirá no sólo a la trilogía anteriormente mencionada, sino también a toda la Justice League: Desde Acuaman hasta Flash. Las plegarias de todos los nerds del mundo fueron escuchadas.

Así pues, luego de varios meses de expectativa, varios trailers provocativos y algunas imágenes impactantes, finalmente estamos a menos de un mes de ver (¡por fin!) al Hijo de Kripton y al Murciélago de Gotham, acompañados de la Princesa Amazona, en una película que no dejará a nadie indiferente. Una obra cinematográfica que reunirá a grandes y chicos, a los de las viejas y nuevas generaciones para dejar volar la imaginación y vivir un sueño tejido entre capas y superpoderes que promete nunca acabar.

Por ello, he decido dejarme llevar por la emoción y hacer un par de fondos de pantalla alegóricos a la película y la insuperable combinación de Superman, Wonder Woman y Batman. Una versión obscura de los héroes entre escombros, al calor de la batalla; y otra que pretende ser una apología a los tres en su esplendor, rodeados de destellos de luz. Ambas obras con el logo de la película en medio. Esperando sean de su agrado, las comparto mientras cuento las horas para el gran día del estreno.

DC's Trinity Dark Version

DC's Trinity Light Version

El largo aliento de Hilary Duff

2015-06-18T20:27:00.001-05:00

Desde que inició su carrera en Disney, Hilary Duff ha logrado sobresalir en la industria
del entretenimiento como actriz y cantante. Luego de una pausa de ocho años en su carrera,
regresa completamente renovada.

Es fácil sentirse viejo al enterarse de que Hilary Duff, la risueña adolescente que interpretó a Lizzie McGuire y jugó "20 preguntas" para conocer al príncipe en La Nueva Cenicienta, se acerca a los 30 años con hijo y matrimonio a bordo. Una de las primeras reinas de Disney y una de las pocas (tal vez la única) que brilló más por su talento que por sus escándalos. Nos enamoró con sus actuaciones de niña buena e incluso nos convenció de escucharla cantando, pero al igual que nuestra infancia, un día simplemente notamos que desapareció sin previo aviso.

Ocho años han pasado desde que escuchamos su último disco y luego de varias amenazas incumplidas, por fin, Hilary Duff nos revela su quinto trabajo discográfico Breathe In. Breathe Out. Una evolución del sonido electrónico que la hizo popular con Dignity, que se fusiona con algunos ritmos country para traernos una renovada faceta de la Srta. Duff. Un disco que desde la primera vez que se escucha nos hace recordar por qué extrañábamos la dulce voz de su intérprete y la facilidad de ésta para transitar de un ritmo a otro y (casi siempre) salir bien librada en el proceso.

Pop, Rock y Electrónica son los sonidos predominantes en la discografía de Hilary Duff.
Canciones como Wake Up, Fly, Come Clean y Stranger lograron conquistar a la audiencia joven
de principios de la década de los 2000

Desde el pop infantil con el que debutó en What Dreams Are Made Of hasta la chica mala que intentó vendernos en Reach Out, Hilary siempre ha buscado nuevas formas de cautivar a su público. Aunque ciertamente su encanto radica en su angelical sonrisa y su carita de niña buena. Por ello, luego de coquetear con el pop-rock en varias de sus canciones (algunas mejores que otras), para su regreso se decidió por el otro extremo del pop norteamericano y optó por un estilo más country. Anunciando su reaparición en la escena musical, nuevo álbum y nueva era, con su primera canción en años: Chasing The Sun. Un fracaso total.

Demasiada expectativa para una canción genérica y sin fuerza que no convenció a la crítica y desilusionó a los fans. Entonces All About You llegó al rescate, canción que transitaba el mismo sendero que su antecesora, pero un poco mejor lograda. Lastimosamente ni una ni otra lograron calar en los charts y más tardaron en ser publicadas que en ser olvidadas por el público. Debido a esto, Hilary y su equipo se encerraron en el estudio con la ayuda de Tove Lo, Ed Sheeran y el dúo de productores maravilla Bloodshy & Avant, para dar un giro de 180° a la dirección del álbum por algo más electrónico y movido. Cosa que agradecemos infinitamente.

Así pues, con un año de retraso, nuevos ritmos y nuevo color de pelo, llegó Sparks. Una canción bailable, de ritmo fresco y unos silbidos de fondo, que atrapa desde la primera vez. Un sencillo con madera de hit de verano que falló al entrar en las listas, seguramente por la demora en el lanzamiento del video o el pseudo documental-comercial que terminó siendo. Sin embargo, la carta de presentación que todos estábamos esperando para el regreso de Hilary Duff. Una melodía electro-pop pegajosa y alegre que nos recuerda a la Hilary de antaño pero con mayor dominio de su voz y una mejor producción.

Ante la inconformidad de sus fans por la primera versión del video de Sparks

(Debido al exceso de publicidad y las entrevistas sobre la pista),
Hilary decidió sacar una nueva versión inspirada en los videos de K-pop.

Seguramente nunca oiremos las canciones folk que grabó originalmente Hilary para su quinto disco, pero agradecemos que se haya tomado el tiempo de reinventarlo. Porque escuchar el resultado final es una experiencia más que placentera. Básicamente dividido en dos partes: la electro party que va desde Sparks hasta Arms Around a Memory, seguida de una breve transición con Stay In Love. Y otra más personal/country que inicia con Brave Heart y cierra majestuosamente con Night Like This. Aunque las canciones incluidas en la versión deluxe, Belong y Rebel Hearts, también merecen ser escuchadas; incluso se perdona que la última sea un plagio descarado de Avicii, porque la voz de Hilary le da un toque más suave y refrescante.

Un álbum pulido y bien logrado. Eso es Breathe In. Breathe Out. No en vano logró posicionarse como el N° 1 de iTunes en EE. UU. a pocas horas de su lanzamiento. Un trabajo que seguramente logrará arrebatarle a Dignity el título de "El mejor álbum de Hilary Duff", puesto que su evolución artística es innegable. Un deleite para ir de fiesta o dar una vuelta por la carretera, con un sin fin de material para (de una vez) posicionarse en las listas de lo mejor de la música pop este año. Puede que nos haya quitado el aliento durante ocho años, pero no queda duda de que amamos el nuevo aire de Hilary Duff.

Hilary Duff interpretando la versión acústica de Tattoo, una de las mejores baladas del disco

y que seguramente terminará siendo uno de los sencillos promocionales. Sencilla, dulce y encantadora.

La historia del Cirineo, el santo robado

2015-04-02T18:05:00.001-05:00

Rostro de El Amo Jesús. Con casi medio siglo de existencia, fue uno de los primeros pasos
que formaron las procesiones de Semana Santa en Silvia, Cauca.

Silvia es un pequeño municipio al suroriente del Cauca, Colombia. Su gente, cálida y fervorosa, se reune cada año en torno a la Semana Santa para conmemorar una de las fechas más importantes del catolicismo: La crucifixión y resurrección de Cristo. En esta crónica, se narra una de las historias más peculiares sobre este acontecimiento religioso, el anécdota tras uno de los santos más emblemáticos de Silvia.

«Fíjese que uno… muchas veces pasa el tiempo, pasa el tiempo, y no se tiene la precaución de algún recuerdo. Y últimamente se han necesitado muchas cosas del pasado». Reflexiona Don Gerardo, al no poder asegurar cuántos años lleva cuidando de El Amo Jesús, si cuatro o cinco décadas. «¡Uhh! ¿Cuánto hace?... años… años».

Gerardo Bolaños es un hombre de voz fuerte y cabello cano. Hay que hablarle casi a los gritos, pues la edad ha ido acabando con su oído. Más no ha podido menguar su sentido del humor ni algunos de sus mejores recuerdos. Desde que en su juventud dejó de cargar en el paso de San Juan para convertirse en uno de los síndicos de El Amo Jesús, ha dedicado su vida a cuidar y preservar aquella imagen que engalana las procesiones de la Semana Santa en Silvia, Cauca.

Años atrás —antes de la conformación de la Junta Permanente Pro Semana Santa o de los más de 28 pasos que salen actualmente—, existían las procesiones, aunque diferían bastante de las que presenciamos hoy en día. Los cargueros, usualmente seis, no usaban túnicas especiales pero sí sus mejores ropas; pulcras y planchadas. Tampoco existían los alcayeteros, aquellos niños que acompañan el paso y cargan el instrumento de madera del que deriva su nombre: la alcayata. No había estandarte ni mayor parafernalia. Eran sólo los hombres, el anda y la figura de madera o yeso que la adornaba. Un sencillo y fervoroso desfile acompañado de cristianos que alumbraban el camino a lado y lado con velas en mano.

Por aquél entonces Gerardo era un joven motivado e impetuoso. Trabajaba en un colegio de monjas cerca al templo principal del pueblo y acababa de ser nombrado por los “artesanos viejos” como uno de los cuatro síndicos de El Amo Jesús. «Junto al finado Napo Quijano, finado José Guevara y Ariel Fernández». Debían encargarse —como todo síndico—, de cuidar la figura del polvo y los insectos, de limpiar y preservar el anda, de mantener el paso listo en cada procesión, de conseguir los cargueros, y adornarlo con flores de un color específico cada procesión.

En un principio, como en toda sociedad, las manos unidas dieron fruto y juntos consiguieron hacer que El Amo Jesús estrenara anda: Un ancho soporte de madera en el que se posa alguna escultura alusiva a la pasión de Cristo. Una estructura cercada por candeleros y rematada a lo largo con barrotes, bajo los cuales posan los hombros de los cargueros en las procesiones. Un poco difícil de describir y un tanto más difícil de conseguir. Sin embargo, en aproximadamente un año y medio, por $80.000 de aquél entonces, lograron conseguir el anda que soportaría durante 27 años el peso de El Amo Jesús.

Gerardo Bolaños es uno de los síndicos más antiguos. Su compromiso y dedicación con los rituales
de Semana Santa son un incorruptible legado para su familia y un ejemplo para las nuevas generaciones.

«Muchachos, se van a llevar el anda, que la necesitan pa’ Usenda; que la necesitan pa’l Sepulcro. De modo que ustedes verán que van a hacer para un anda». Fue la advertencia que puso a Gerardo y demás síndicos a demostrar su compromiso con el santo. Un reto inesperado pero que no pudo con la obstinación de aquellos hombres. Se necesitó de un año más de esmerado empeño para conseguir un anda definitiva y mejorada. «El problema con la antigua, es que la cruz salía del cuadrante 50 cm». Ahora el tamaño era el ideal, «pero ninguno de nosotros tuvo presente un detalle: El Cirineo». Habían pasado por alto al hombre que según las santas escrituras fue el encargado de ayudar a llevar la cruz hasta el Gólgota, donde se llevaría a cabo la crucifixión más memorable de la historia.

El entonces joven Gerardo recordó que en el segundo piso del templo había una hilera de figuras de Santos —probablemente hechos en yeso—, que los “artesanos viejos” le habían mostrado. «Estos son Felipe y Santiago, los (patrones) fundadores del pueblo. Estos los trajo un tal Manuel Tombé, de Quito», le dijeron. Y con una idea en mente partió junto con Napo y Ariel buscando al párroco de Silvia.

—¡¿A ver, qué quieren los indios?! –Preguntó el sacerdote.
—Padre, los indios hemos venido a pedirle un favor. —Respondieron los síndicos.
—¡Yo no le hago favores a nadie, y a los indios menos! –Declaró tajantemente.

El particular acento sureño del párroco no menguó en absoluto la contundencia de sus palabras. Las cuales subieron aún más de tono al enterarse de que “los indios” venían a pedir prestado uno de los muchos santos que se guardaban en el segundo piso, para que acompañara en el anda al Amo Jesús. «¡Salgan de aquí¡ ¡¿Qué es que no se han ido?!», seguía vociferando el alterado sacerdote mientras los tres muchachos abandonaban el templo.

Mucho era el trabajo invertido en la imagen y muy poco lo que faltaba para que estuviese lista. Gerardo Bolaños quería un Cirineo para su Cristo y no iba a irse sin él, por mucho que al padre no le gustara. «Espérenme aquí», fue lo último que escucharon sus compañeros antes de verlo partir presuroso hacia el colegio. «¿Un talego? ¿Y para qué quiere un talego?», le respondió la Madre Nimbaya, cuando el joven trabajador se acercó a la cocina del colegio para pedirle un costal de los usados para guardar harina. «Bien planchadito, bien bonito», recuerda que se lo entregaron las monjas aún sin saber con qué fin sería usado. Más la evidencia de lo que sucedería aquél día hace décadas, aún hoy se puede apreciar cada año en Semana Santa.

Llegar al ático del templo parroquial no fue gran hazaña. Gerardo conocía el camino y la ubicación de los santos. La figura del quinto apóstol llamado por Jesús, seguramente no hubiese tenido tiempo de gritar, si estuviese viva, al sentir como en cuestión de segundos un hábil joven lo cubría de la cabeza a los pies, para luego sacarla en hombros por la puerta principal como si fuese un bulto cualquiera. El pequeño apóstol Felipe había abandonado la iglesia, pero pronto regresaría acompañando a su Señor.

Un vecino que pasaba cerca se ofreció a ayudar a Gerardo. «Siempre es que está pesadito», comentó al cargar el costal hasta la casa de Don Novarino; el mismo carpintero que construyó la nueva anda, ahora se encargaría de acomodar las imágenes sobre ella. «Aquí va el Amo Jesús… y aquí está su Cirineo». Puesta la cruz y marcada la base, ese sería su puesto de ahí en adelante.

Pero cuando todo parecía resuelto, la instalación del Cirineo y su acoplamiento al anda se vieron interrumpidas cuando un compañero agitado llegó gritando: «¡Gerardo! ¡Gerardo! ¡Ahí viene el padre!». Fue entonces cuando Felipe, por segunda vez en un mismo día, fue arrebatado por el síndico. Saltando por el solar de la casa y huyendo entre un maizal, el intrépido joven escondió la imagen tallada. A lo lejos se escuchaba el padre: «¡Pícaros! ¡Pícaros!... ¡A la cárcel se van!... ¡Ya sé que estos son los ladrones del santo!».

Aunque la pequeña figura se asemeja más a la iconografía clásica del Apóstol Simón,
para los pocos que conocen su historia es y siempre ha sido el Apóstol Felipe;
y desde hace más de cuatro décadas es para todos los silvianos: El Cirineo.

En el garaje de Don Miguel Sterling se guardó el anda hasta el martes en la mañana, el día de la procesión. En una esquina se organizó a El Amo Jesús y a su ayudante, no menos pulcros que sus síndicos y cargueros. «Pero sin sacerdote no hay procesión y antes de iniciar, había cosas por reclamar». Como era de esperarse, las amenazas de una condena en la cárcel fueron lo primero que profirió el párroco cuando encontró a Gerardo y sus compañeros. «Tranquilo padre, que la cárcel no se ha comido a nadie y si es de irnos, allá nos vamos», respondió un decidido Gerardo. Entre plegaria y plegaria, los reproches del sacerdote acompasaron toda la procesión. Mismos reproches que no cesaron ni siquiera ante la promesa de que el santo sería devuelto el viernes siguiente.

Tres días pasaron, y en una conversación casual con un vecino, Gerardo descubrió que la controversial imagen del apóstol Felipe era requerida para acompañar a la de Santiago. Pero no en su habitual residencia en el desván de la Iglesia, sino en la parte trasera de un carro. Aparentemente las intenciones del padre con ambas esculturas eran más comerciales que espirituales. Según comenta Don Gerardo, fueron varias las personas que se percataron de aquél suceso. Por ello, la noche misma de la procesión de El Amo Jesús, unos hombres se acercaron a los síndicos con una propuesta contundente: «Cuando acabe el desfile, no paren en la esquina. Ustedes sigan derecho y en cualquiera de sus casas guardan al Santo, al Cirineo». Y así se hizo.

Terminado el recorrido tradicional, los cargueros siguieron su camino hasta la casa más cercana. «Llegamos y lo primero que hicimos fue desmontar la cruz y bajar al Cirineo. Envolverlo en unos costales y echarlo al tumbado», recuerda Don Gerardo.

Unos pequeños monaguillos tocaron a la puerta. Justo en el momento en el que un auto pasó frente al lugar.

—Que manda el padre por el santo… –Anunciaron los jóvenes.
—Vea, en ese carro que va allá mandamos al Cirineo. –Se apresuró a responder Gerardo.
— ¿En ese lo mandaron?... ¿Sí? –Reiteraron incrédulos los acólitos.
—Sí –Respondió una última vez.

Y se fueron.

***

Cada Martes Santo el Amo Jesús es cargado desde la colina de Belén hasta el templo principal.

Sábado en la mañana y los amigos se encontraban departiendo «Donde la finada Ligia». Un par de tragos habían sido servidos, cuando un fuerte grito los hizo virar de inmediato: «¡Gerardo Bolaños! ¡Napo Quijano! ¡Ariel Fernández! ¡Se robaron el santo, pero a la cárcel se van!». No era difícil suponer quién profería tan particulares consignas; a las cuales Ariel, un poco entonado por el licor, respondió sin reparo: «¡Ve, este viejo huevón! El ladrón sos vos. Porque te robaste a Santiago y lo vendiste ¡Somos nosotros los que te vamos a denunciar!». No hubo más gritos, no hubo más reclamos. Las palabras de Ariel tuvieron un efecto inmediato en el párroco, puesto que sin pronunciar palabra, dio la vuelta y su silueta se perdió en el horizonte.

«Ese padre nos va a denunciar. Pedí permiso en el trabajo para ir a ver dónde va a demandarnos». Establecido el pacto, Gerardo llegó hasta la casa de Dolores Patiño, «una señora muy formal. Muy amiga de mi mamá». Quien una vez enterada de la situación, muy amablemente ofreció su casa para la labor de espionaje: «Bien puedan, éntrense. De aquí pueden chequear si el padre pasa derecho a la Alcaldía o entra acá al Juzgado».

Era el lunes posterior al Domingo de Pascua. Ya no habían procesiones, ni pasos, ni andas; pero la tensión generada en los días pasados aún se sentía en el aire. «Se nos llegaron las doce y media de la tarde… y nada. Vinimos a almorzar y volvimos a bajar por el río para no ser vistos. Se nos llegaron las cinco de la tarde… y nada». Cansados de esperar, los síndicos de El Amo Jesús, se dirigieron a la Alcaldía.

Con la determinación que los caracterizaba, lograron llegar hasta el despacho del Alcalde Pedro Nel Córdoba, quién escucho su versión de los hechos: Los ires y venires del Cirineo. «Déjenlo y váyanse tranquilos. Si el viene aquí, lo primero que le digo es que traiga al santo (Santiago) o lo demando yo a él». Misma posición que asumió Rufino Córdoba, encargado del Juzgado Municipal, al conocer la historia. «De ahí ya nos vinimos, pero no por el río, sino por la calle», dice orgulloso Don Gerardo.

Los síndicos bajaron en la tarde del día siguiente a la Alcaldía y luego al juzgado. Repitiendo la misma pregunta y recibiendo la misma respuesta:

—¿Ha venido el padre aquí?
—No.

Se perdió el padre.

«Por ahí como cuatro o cinco meses, pues que el padre se fue». Al año siguiente, José Guevara se retiraría del grupo, rehusándose a dar «cinco centavos» para arreglar la imagen. Napo Quijano tomaría la misma actitud poco después. Ariel Fernández seguiría firme hasta el día de su muerte. Desde que las velas para El Amo Jesús costaban 15 centavos, hasta hoy en día que cuestan $4.500, el ahora anciano Gerardo y su familia siguen encargándose cada año de lucir la imagen, ponerle flores y prepararlo para el desfile.

La figura del apóstol Felipe, el mismo que causó la discordia hace cuarenta o cincuenta años, sigue siendo el mismo que en la actualidad acompaña al Cristo a llevar la cruz. Así como llegó de Quito el siglo pasado, así mismo sale siempre. «Una vez le pusimos un gorrito de lana, pero se lo robaron en la iglesia», se ríe Don Gerardo.

El relato del pequeño Cirineo es sólo una de las muchas anécdotas que conforman la historia de la Semana Santa en Silvia.
Parte de la historia de un pueblo que cada año reúne a jóvenes y mayores en torno a una tradición. La cultura de la fe.

Por: José Luis Morales Zúñiga

¿Demasiado vieja para ser Madonna?

2015-03-08T18:24:00.001-05:00

Madonna siempre ha sido sinónimo de provocación. Cuenta con miles de admiradores y detractores en todo el mundo.
¿Debe la Reina seguir con su legado o retirarse estando en la cima?

La pasada entrega de los BRIT Awards seguramente hubiese pasado al olvido días después de su transmisión, no obstante, será recordada por varios años debido a un hecho bastante singular: Madonna se cayó en el escenario. La mítica diva del pop aterrizó sobre sus glúteos como cualquier mortal al caer de espalda. La cantante, por dignidad o profesionalismo, siguió con su actuación aunque notablemente afectada por el incidente.

Hasta ahí, todo normal. Incluso una consagrada artista que ha vendido más de trescientos millones de discos en el mundo puede tener un mal día y pasar vergüenza frente a muchos (o cientos, o miles...). Sin embargo, el plato de la polémica estaba servido y las redes sociales estaban listas a degustarlo. ¿Acaso se discutió sobre la vestimenta de Madonna?, ¿acaso la salud de la intérprete era el tema?, ¿había sido una estrategia publicitaria? No. El tema era: ¿es Madonna muy vieja para seguir con su carrera?

«Me llevaste al cielo y me dejaste caer / Ahora que todo ha terminado, voy a seguir adelante
Me levantaste, y me viste tropezar / Después de la angustia, voy a seguir adelante»
Irónicamente, la letra de la canción que interpretaba se convertiría en la profecía de su actuación.

Parece que 56 años es una edad que asusta a muchos y nadie esperaba tener a Madonna por tanto. Lejanos se ven los años 80's en los que una jovencita «con voz de negra» irrumpía en la escena musical con vestuarios estrambóticos, maquillaje recargado y un crucifijo más grande que el pecho sobre el que descansaba. La chica que cantaba sobre sentirse «como una virgen», ya no es una chica.

Ahora muchos se preguntan: por qué seguir cantando, sacando discos o presentándose en concierto; cuando ya se tiene todo el dinero, fama y reconocimiento que la mayoría podría desear. Yo me pregunto: ¿Y por qué no? Madonna ha pasado más de la mitad de su vida sobre un escenario, causando polémica y poniendo a bailar al mundo. Es lo que siempre ha hecho y lo que mejor sabe hacer. Tiene una envidiable condición física, un interesante álbum inédito y un ejército de seguidores dispuestos a pagar un ojo de la cara por verla. Una mujer como ella no es de las que se conforma con poco y no creo que empiece a hacerlo ahora.

«La sociedad no sufre sólo de discriminación racial y sexual, también sufre de discriminación por la edad.

Una vez que llegas a cierta edad ya no es bien visto ser aventurero, no es bien visto ser sexual.

Me pregunto: ¿acaso es una regla? ¿Se supone que ya solo debes morir?»
–Madonna

Claro, su caso es de relevancia mediática porque es la Reina del Pop pero ¿y el resto? Acaso existe algún jubilado que no haya padecido el síndrome de «¿Y ahora qué hago con mi vida?», porque el descanso siempre viene bien, pero como todo lo excesivo, cansa. Y sí en otras épocas ser mayor era signo de conocimiento y sabiduría; hoy en día, entre la nueva tecnología y las comidas rápidas, ser mayor significa: ser inútil.

O al menos eso es lo que se nos ha hecho creer. Dichosos los jóvenes que podemos comernos el mundo, desdichados los que ya llegaron a su «fecha de caducidad». O piensen ello. Ojalá hubiesen más «Madonnas» en el mundo. Personas dispuestas a demostrarnos que la vida acaba cuando acaba, no cuando nos dicen que debería acabar. Gente que nos recuerde que la edad la soporta el cuerpo, pero la juventud se lleva en el alma.

Living For Love, su más reciente video musical, nos muestra a una Madonna aguerrida, atlética y política.

Un deleite audiovisual como siempre ha sabido hacerlo. ¿El fin de Madonna? Yo no lo veo cercano...

Mi encuentro con el Águila Roja

2015-02-20T02:16:00.001-05:00

Gonzalo de Montalvo, ataviado en su imponente traje de Águila Roja. Un superhéroe renacentista que combina la inteligencia deductiva de Batman, la elegancia y sagacidad de El Zorro; y las habilidades en combate y manejo de armas de un Samurái.

Para mí, como para la mayoría de colombianos, las palabras "Águila Roja" remiten de inmediato a una reconocida marca de café molido... "Tomémonos un tinto, seamos amigos". O al menos era así hasta que, un jueves cualquiera, me encontraba cambiando canales, buscando algo entretenido en en la televisión (el famoso zapping) y me encontré con un desgarrado grito en marcado acento español. «¡No lo haga! No lo haga. (...) Le di a luz para que fuera feliz. No quiero que pase su vida deseando haber muerto».

Ante semejante declaración cualquiera queda conmocionado, y yo no era la excepción. Por un segundo tomé conciencia de lo que estaba haciendo y me devolví un par de canales para encontrar a la persona que profería aquellas súplicas. Gran sorpresa me llevé cuando vi a una hermosa mujer ataviada en un corsé propio del renacimiento, acompañada de un hombre de pelo cano y mirada severa. Discutían sobre el futuro de Nuño y la amputación de su brazo; mientras el joven al que se referían estaba atado a una mesa en el centro de un salón de estilo barroco.

No tenía la más remota idea de qué era lo que estaba viendo. Supuse que era una película por la calidad cinematográfica de la imagen, lo detallado de la escenografía y lo pulcro de los trajes. Infortunadamente, una emergencia académica –de esas tan comunes en la vida universitaria– me alejó rápidamente del televisor (y del resto del mundo). No sería hasta unas semanas después, finalizando octubre, que volví a cruzarme con aquellos personajes tan particulares. Me quedé esperando hasta el último de los créditos para conocer el nombre de la producción que tanto me había maravillado.

Saturno García (Javier Gutierrez), Margarita Hernando (Inma Cuesta), Gonzalo de Montalvo/Águila Roja (David Janer), Marquesa Lucrecia de Santillana (Miryam Gallego) y el Comisario Hernán Mejias (Francis Lorenzo)
Los personajes principales de la serie, cuyas pasiones, amores y temores alimentan cada capítulo. Roles que a lo largo de 6 temporadas han evolucionado, haciéndose cada vez más complejos e interesantes para el público

"Águila Roja". Así se titulaba, y no, no era una película, era una serie. ¡Y qué serie! Resultó ser la historia de un humilde maestro, que decide convertirse en un héroe enmascarado para vengar la muerte de su esposa; y luchar de manera anónima contra los atropellos que sufren los habitantes de la Villa, por parte de los despóticos aristócratas. Ambientada en la España del siglo XVII, Águila Roja transmite la magia de una historia épica, no sólo en su protagonista y su eterna cruzada en pos de la justicia. Sino también en los singulares personajes que conforman el relato. Desde un escudero fiel aunque imprudente, pasando por un sanguinario comisario de gran poder y pocos triunfos, hasta una majestuosa marquesa que poco se preocupa por el bienestar de algún ser humano que no sea ella.

Lo confieso, no suelo ver series porque siempre me pierdo algún capítulo o me olvido del horario de emisión –No soy tan despistado como creen... Soy peor–. Pero ésta, con sus capítulos de hora y media de duración, sus intrigantes argumentos, sus giros inesperados y sus actuaciones impecables; me atrapó sin dudarlo.

Una de "Las perlas de Satur". El fiel escudero de Águila Roja le da un imprescindible toque de humor a la serie
con su inagotable fuente de refranes y su forma tan particular de hablar

Un jueves de 2009 se estrenó esta arriesgada serie que terminó por convertirse en todo un fenómeno en su país de origen. Rompiendo récords de audiencia, siendo llevada a la gran pantalla y con adaptaciones en cómic, y aplicaciones móviles; lo cierto es que luego de 6 temporadas aún parece tener mucho por contar. La historia de Gonzalo de Montalvo y su alterego Águila Roja, es larga y ancha como para resumirla en un par de líneas —Más aún si tenemos en cuenta que me faltan varias temporadas por ver—. Pero aprovecho y los dejo con un muy buen video resumen, donde actores, productores, vestuariastas y coreógrafos, entre otros; cuentan la odisea que ha sido llevar a cabo ésta producción y el inimaginable impacto que ha tenido. Mientras tanto, me dispongo a seguir haciendo zapping en la televisión, esperando con ansias de niño el estreno de la nueva temporada.

Warrior Princess VS Amazon Princess

2014-08-01T22:40:00.000-05:00

Dicen que para hacer cualquier cosa en la vida sólo es necesario un poco de inspiración, y cómo no inspirarse al ver la primera imagen de Gal Gadot como Wonder Woman.

Concuerdo con aquellos que señalaron de inmediato su parecido con la legendaria Xena: Warrior Princess. Sin embargo, antes de encender las antorchas y condenarla a la hoguera del plagio, debemos revisar el contexto:

«La Historia que conocemos de Diana (Mujer Maravilla), la princesa de Isla Paraíso, hasta ahora es la siguiente: Ella vivía con su madre Hipólita, en La Isla Paraíso, que es habitada por miles de mujeres guerreras conocidas como Amazonas, es una sociedad matriarcal, pues no existe ningún hombre, al parecer Diana es la única Amazona que nació en la Isla, pues el resto de ellas fueron guiadas a ese lugar por los antiguos Dioses Griegos.»

Para revisar la biografía completa de Wonder Woman, les recomiendo visitar el maravilloso blog de Lynda Marvila. Y ahora prosigamos con un repaso rápido del perfil de Xena:

«(La serie de TV) Cuenta las aventuras de la guerrera Xena (Lucy Lawless), que tras varios años como temible señora de la guerra, consigue redimirse de su pasado gracias al héroe Hércules. A partir de ese momento, Xena hará todo lo posible para luchar por el bien y la paz, peleando contra guerreros despiadados, dioses, demonios y hasta con la misma muerte. Para ello cuenta con la compañía de la barda que será su amiga fiel en todos sus viajes, Gabrielle (Renée O’Connor)»

Como se puede apreciar, aunque su origen es distinto, se evidencian elementos comunes: el título de princesas, la educación como guerreras, la lucha por la justicia, autonomía del patriarcado; y el contexto de la mitología griega. Así pues, la comparación entre ambas no es algo difícil ni tampoco algo nuevo.

Aún así, más que señalar las divergencias y similitudes entre ambas, creo (y espero) que la adaptación al cine de Wonder Woman —Así sea sólo como personaje secundario de la película de Batman y Superman—, sirva para recordarle a las grandes productoras que el poder de salvar a la humanidad no recae sólo en los personajes masculinos. Así como lo hicieron en su momento Lynda Carter o Lucy Lawless en la televisión, es hora de que las mujeres enfundadas en mallas le den un símbolo a las nuevas generaciones de chicas que buscan un referente digno en la sociedad de consumo.

Bueno, cosa tan rara en mí, me he ido por las ramas. Prometo hablar en futuras publicaciones sobre la relevancia cultural y las distintas adaptaciones y re-invenciones que han tenido éste par de icónicos personajes. Pero la intención ahora es mostrarles un poco mi felicidad por el regreso de la princesa Diana y unirla con su legendaria colega (gracias al siempre milagroso Photoshop).

A continuación les dejo la ilustración en su resolución original:

Y por si a alguno de los visitantes le ha gustado y desea adornar su perfil en redes sociales con ella; les dejo la imagen adaptada como portada de Facebook:

Esperando que éste diseño sea de su agrado, me despido hasta una próxima plegaria.

De la mano de Jorge por 'La Casa Grande'

2014-07-28T23:10:00.000-05:00

La Casa Grande por Pico en Vimeo.

La Casa Grande, así se titula la exposición del antropólogo y fotógrafo Jorge Panchoaga. Él se encuentra al fondo de la sala, conversa con algunos asistentes, «recibo muchas felicitaciones» dirá después.

Son las 4:10 p.m. es hora de comenzar la visita. Empecemos por el fondo. Mejor por el principio, e inicia. Éste es el trabajo ganador del IX Premio Nacional Colombo-Suizo de Fotografía. «Como su nombre lo indica, es el noveno». Jorge es un hombre alto, de tez blanca, cabello largo despeinado y una barba que hace juego. Su voz es pausada, parece que siempre está reflexionando sobre algo. Sus ojos son oscuros, pero siempre hay en un brillo en ellos. Al principio uno no nota aquel destello, pero cuando habla sobre su trabajo, cuenta algunas anécdotas, y habla sobre sus sueños; entonces se hace evidente.

Se propone hablar sobre la primera foto de La Casa Grande, pero llegan más personas. La sala se llena en un segundo. Estudiantes con cámaras ocupan gran parte del espacio, algunos profesores y un par de niños. «Con el permiso de los que ya la escucharon, volveré a dar la introducción».

20 imágenes conforman la colección. Los campesinos indígenas del Cauca, representados a través de sus casas, sus animales, sus rostros y sus montañas. «En realidad son más, pero para inscribirte al premio debían ser veinte». Y todo inició por la pregunta «¿Cómo se cepillan los dientes éstas personas?, Supongo que lo hacen igual que yo. Duermen en camas, sino en las mismas, unas muy parecidas. Y sueñan, pero sueñan cosas diferentes». Jorge mira a su audiencia. Unos le devolvemos la mirada, otros miran las fotografías. Frota sus manos contra los brazos. Aparentemente acaba de dar una simple explicación, pero en realidad ha tratado de resumir más de cuatro años de búsquedas personales, de recorridos por la tierra caucana y de trabajos fotográficos, en un par de frases.

«La primera foto la tomé en Calderas, eso queda en Tierradentro». Apreciamos una bella foto de una casa hecha con guadúas, cobijada por la noche y que emana desde el centro una intensa luz rojiza. El fogón. Desde la diminuta puerta se observa a una anciana cabizbaja, cruzada de brazos, de perfil al camarógrafo. «En realidad fue muy chistoso, porque al lado de esa pequeña casa había otra más grande, de ladrillo, donde estaba durmiendo el esposo de la señora. Todo eso no era más que la cocina. Pero no hace mucho, esa casa era la casa y todo giraba en torno al fogón».

Incluso el mismo Jorge ignoraba lo importante que serían las fotografías de casas para su trabajo. «Me encontraba haciendo otras series paralelas, pero descubrí que la casa era parte fundamental de eso, porque la casa es todo». El lugar donde se reúnen las familias, donde los abuelos cuentan a sus nietos sobre el maíz, las vacas, las siembras. «Esa es su cotidianidad, y es en esa cotidianidad donde se encuentra la verdadera resistencia».

«…Muestra el conflicto que actualmente viven las familias campesinas e indígenas (…) que han decidido permanecer en sus casas a pesar del conflicto en el municipio de Ambaló». Así describe la exposición de Panchoaga la página web del Ministerio de Cultura. «Esa es una de las lecturas» dice él, «pero a mí no me interesa retratar el conflicto y no lo hago. Mis búsquedas son sobre la unión, la identidad, el territorio y la familia».

Pasamos al siguiente cuadro. Giramos sobre los talones para encontrarnos con una fotografía sencilla en su composición pero densa en su simbolismo. «Como pueden ver, es la barriga de una mujer embarazada. Y estas líneas que la recorren, son las marcas del territorio». La emoción de Jorge se intuye en su esfuerzo por representar con las manos cada palabra que dice. Recorre suavemente la silueta de la mujer, serpentea con los dedos en las líneas. «¿Si se entiende?», pregunta un tanto ansioso. Y cómo no, si esa imagen pretende condensar toda una visión del mundo: «Ellos dicen algo así como que “por uno que muera luchando, nacerán miles”. Porque para ellos es ser, no nacer. Es como la predestinación a hacer parte de ese llamado ancestral. Siempre me impactó eso. Son como las cartas echadas».

El recorrido sigue, no sin antes sonreír al mencionar: «el viernes vino Johan, el niño que nació», señala la foto, «vino a ver su exposición».

Todas las fotos que se pueden apreciar en el pasillo fueron retratos con la misma técnica: «Desde que daba clases de fotografía en la Universidad Nacional, siempre estuve fascinado por las cámaras oscuras. Las hicimos con algunos chicos en los talleres, luego las llevamos por todo el Cauca y es un poco de ahí donde sale esto».

El siguiente segmento se encuentra escondido tras una pequeña abertura en la pared. No todos cabemos, no todos entramos. Tres fotografías de rostros —Una mujer, un anciano, una niña— se encuentran enmarcados entre un par de bombillos, la iluminación resalta a los personajes. «La verdad es que no me interesaba ponerles nombres a los retratos. No tienen nombre porque ellos son más que uno solo. Son una comunidad. No es Pepe, María, Juanita… es un poco tú o yo, o el que se sienta identificado con la foto».

Casi en todos los retratos aparecen las montañas representadas con curvas de nivel. Cruzan los rostros, se integran con ellos. «La familia, la casa, la comunidad, son parte del territorio». Siempre hace hincapié en ello. «Llegamos un día a mostrarles las cámaras oscuras a los chicos. Nos reímos, jodimos la vida un rato, y yo les dije: “¡Hey! Voy a tomarles una foto”. Y la idea un poco es esa: mostrar que el Cauca indígena es una familia muy grande… y lo que yo estoy haciendo es irme a criar un poco con ellos y aprender; compartir y hacer amigos. Y esas son mis motivaciones para tomar fotos».

En el centro de la sala de exposiciones hay fotos en cada pared. La Casa Grande te rodea hasta llevarte a una vitrina con pequeñas muestras de impresión, libretas con notas y borradores de lo que; en poco más de cuatro años, terminaría siendo aquella muestra fotográfica. El ganador del IX Premio de Fotografía Colombo-Suizo nos conduce a una esquina. Una fotografía llama la atención. En ella podemos ver un pequeño cuarto: «una cama tendida con una cobija “3 tigres”, un clásico», Un estante con algunos objetos personales y una tabla a modo de repisa, un poco más arriba. En las paredes de fondo, que se intuyen blancas, aparece el borroso reflejo invertido de una familia campesina.

«Tuvimos que esperar mucho para esa foto, porque el papá se tenía que ir a ordeñar, la hermana mayor no salía, se despertó el bebé… bueno, en fin». Jorge Panchoaga habla del poder de los sueños. «Ellos, al igual que nosotros, sueñan. Sólo que no sueñan con un carro, un penthouse en Miami o algunas de las cosas que nosotros sí. Ellos también sueñan con un mejor futuro para sus hijos, que sus vacas den más leche». La experiencia de vivir con las personas que fotografía le ha permitido conocerlas, habla con propiedad porque lo sabe bien: «Tienen una vida tranquila pero quieren una vida aún más tranquila… El problema es que por lo general solemos darle más importancia a nuestros sueños que a los de ellos».

Nos movemos un poco. Frente a nosotros tres fotografías: un niño, un cielo nocturno y un hombre de ojos cerrados. «Cuando caminábamos una noche, me di cuenta que el cielo que ahí veía no se veía en ninguna otra parte… Cada persona ve el cielo en el lugar que nace. Entendí que el cielo es parte del territorio y que esa foto debía ser parte de la serie». No es necesaria mayor explicación. En el reflejo del vidrio que cubre la foto, puedo ver que no soy el único que sonríe. Todos conocemos ese cielo. Para ninguno es el mismo, ni lo vemos con los mismos ojos, pero es el cielo de nuestro hogar.

La pared más grande del recinto, está decorada con un espiral gigante, bordeado con fechas históricas. Datos diversos: La fundación de Popayán en 1536, El nacimiento de Quintín Lame en 1880, la fundación del CRIC (Consejo Regional Indígena del Cauca) en 1971; entre muchos otros. «La espiral del tiempo, que refleja los procesos socio-históricos que tuvieron su mayor punto en alguna época. Está aquí para recordarnos que el presente y el pasado son uno y que para encontrar respuestas hay que mirar atrás». Camina hacia el otro lado del recinto, «La idea es darle un contexto a la serie. Que no sean un montón de fotos porque sí. Pero no la toquen, porque es tiza y se borra».

Jorge Panchoaga se detiene un minuto para explicar la siguiente imagen. «Siempre quise tomar la foto de alguien durmiendo, pero no así como está aquí». Rápidamente pasa por entre la multitud y extrae de la vitrina una de las libretas de apuntes. «Esto lo puedo hacer yo porque soy el autor. Pero no le digan a Lucho, el museógrafo, porque me regaña». Pone las hojas a la vista de todos. Cuenta cómo su deseo de tomar fotografías del territorio caucano, es mucho más antiguo que la convocatoria del concurso. Comparte las pequeñas notas metafóricas que acompañan cada dibujo. «Ésta foto siempre la he querido hacer, espero algún día poder hacerla… así hay muchas». Una pequeña anécdota de cómo la casualidad la llevo a tomar una de sus fotos favoritas, aunque no fuese ni parecida a la que siempre imaginó en sus anotaciones. Devuelve la libreta a la vitrina. Lucho no se enteró. Se ha salvado.

«Ya casi acabamos», advierte con tono amable. No sin antes preguntar de nuevo si alguien tiene dudas. «Yo trato de responderlas todas, y si me corchan pues igual les digo». Se acerca a una imagen de fondo azul, atravesada en el centro por una larga figura gris, que bien podría ser una anguila. «Esto es un machete. Mírenlo, parece que le han dado contra el mundo mil veces». Revela cómo en el libro que contiene la serie de La Casa Grande —Parte del premio del concurso Colombo-Suizo—, una metafórica transición entre páginas muestra al machete «cortando la noche. A la vez que la noche muestra los sueños y el trabajo». Dice mientras abre la página central y vemos como las fotografías se muestran en pliegues, complementándose entre sí, como un mágico rompecabezas.

«Finalmente: la noche, mis miedos». Se acerca a la última fotografía, en la que sólo se divisa un mar de montañas negras y en medio, como barcaza perdida, una pequeña casa fuertemente iluminada. «Ésta foto representa lo que temo. Lo que es el Cauca para mí: un montón de cosas que no puedo dominar… Le temo a lo que no conozco». Sabe que la exposición puede tener distintas lecturas, y que aquello que ha fotografiado las tiene también. «Lo que para mí es miedo, para ellos es cotidianidad. Dicen “¡Aquí me quedo!”, a pesar de todo. Esa es su resistencia. La mayor de todas y no es con armas”.

«Me interesaba también mostrar eso. La noche como cómplice, como complot e insurgencia. Porque fue así que pudieron recuperar muchas de las tierras que les robaron los terratenientes en la época de la colonia». Cada imagen es un relato, que a su vez hace parte de una serie: La Casa Grande; que también es parte de un proyecto más grande. «Mis búsquedas me han llevado a esto. Mi abuelo se crió allá. Entonces siempre me he preguntado ¿cómo hubiese conocido ese mundo?, ¿cómo hubiese vivido? Todas esas preguntas me motivan. ¿Qué va a pasar cuando acabe todas las series? Bueno, no sé… pero todo esto es el camino de retorno».

Un par de preguntas para finalizar. Ambas muy técnicas. Respuestas concretas. «¿Alguna más?»… Silencio en la sala. «Bueno, pues muchas gracias». Jorge sonríe complacido mientras retumban los aplausos. «La exposición ha sido muy bien acogida» responde cuando le preguntan los reporteros del canal local. Reflexionando un poco: «Venir a ver La Casa Grande no es un asunto de venir a conocer los indígenas de Ambaló… es un poco conocernos a nosotros mismos».

Por: José Luis Morales Zúñiga

La Wicca, camino y elección

2014-07-18T01:08:00.000-05:00

La nueva versión del paganismo

Foto: Encuentro Alianza Pagana 2014
A pesar de ser un país mayoritariamente católico, en Colombia se vienen visibilizando grupos de personas con propuestas religiosas alternativas. Entre ellas la Wicca, una religión neopagana que adora a los antiguos dioses y los espíritus de la naturaleza. Esta es la historia de Merkurioh, un joven wiccano que habla de la religión desde su experiencia personal.

Merkurioh* revisa en su armario; saca unas cuantas velas, una daga, un caldero, inciensos y otros instrumentos como una campana y un libro de pasta blanca. «Este es mi libro de las sombras, acá tengo anotado el ritual que realizo siempre para Mabon, la época en que el Dios se prepara para morir y luego renacer».

Merkurioh es creyente de la Wicca, una religión neopagana que se basa en las creencias de antiguas religiones precristianas, especialmente del norte de Europa. Se consolidó en 1.954, luego de la publicación del libro Witchcraft Today (Brujería Hoy) del funcionario público inglés y brujo auto confeso, Gerald Gardner. La Wicca es considerada también como una forma moderna de brujería y la mayoría de sus rituales están dirigidos a la adoración de una divinidad dual: un Dios de la cacería, la muerte y los animales; y una Diosa madre, Diosa de la fertilidad, y de la renovación de la vida.

Sus adeptos creenen el respeto y la adoración por la naturaleza, la reencarnación, la magia ritual y el karma. Esta religión no se considera politeísta (adoradora de varios dioses) sino panteísta, puesto que sus practicantes reconocen y alaban el poder de La Gran Madre Tierra como fuerza creadora.

«La Wicca, está muy ligada a la magia, entendida como una conexión espiritual y física con la naturaleza para lograr cambios positivos, para nosotros y quienes nos rodean», explica Merkurioh en relación a lo que pretende lograr cuando realiza un ritual. «Todos poseemos el poder de dirigir y transformar la energía que nos rodea, pero estamos tan perdidos entre el mundo material que lo olvidamos y es por eso que algo que es sencillo y natural termina siendo percibido como oculto y sobrenatural», asegura mientras prepara sus herramientas y las guarda en un bolso para luego dirigirse a un campo descubierto, a la luz de la luna.

Foto cortesía: Guro Silva
En la Wicca se usan herramientas simbólicas para canalizar las energías, tales como pentáculos, velas e inciensos

Aunque su premisa fundamental es «haz lo que quieras, a nadie dañes» en varias ocasiones los wiccanos han sido estigmatizados puesto que, por desconocimiento, suele asociárselos con prácticas satánicas. Según el padre Iván Molano, párroco de Cristo Resucitado, «muchas culturas han creado sus dioses. Lo importante de una religión es que alabe a Dios y el amor al prójimo» y enfatiza: «Sin embargo el Señor nos conmina a que lo honremos según su santa palabra, es decir, la Biblia». Al respecto opina Santiago Alarcón, brujo wiccano de la ciudad de Medellín: «La gente, desde siempre, tiene la mala costumbre de estigmatizar lo que no conoce o lo diferente. Justamente ésta es la razón de los grandes problemas del mundo: las guerras religiosas, el racismo, etc.». A razón de esto, muchos paganos han preferido mantener sus creencias religiosas en secreto e incluso practicar en solitario, también por falta de espacios o personas semejantes cerca a su lugar de residencia.

Tal es el caso de Merkurioh, un joven estudiante universitario que conoció la Wicca hace aproximadamente cuatro años y que desde entonces la estudia y practica. Él asegura haber pasado por una etapa de «vacío espiritual» hasta que encontró éste camino. «Desde niño estuve muy inquieto por la religión, fui muy católico, incluso fui monaguillo en la iglesia… pero al crecer, las respuestas que me brindaba ya no eran suficientes. Entonces decidí buscar respuestas en otra parte y pasó mucho hasta que finalmente encontré a la Wicca. En ese momento supe que había encontrado mi camino y por primera vez en mucho tiempo me sentí pleno con mi religión».

Éstas declaraciones se asocian a lo expresado por el antropólogo Germán Polanía cuando dice: «En cualquiera de las religiones o sectas, siempre ha existido una necesidad de creer en algo o alguien, más en esta sociedad que se basa en el existencialismo más que en el materialismo, y en ese mismo sentido la creencia no solamente se basa en una figura divina o demoníaca, sino en prácticas, objetos».

Los wiccanos practican rituales de adoración, en donde se conmemora a las divinidades, celebrando los ciclos de la naturaleza. Sobre esto explica Merkurioh, «la gente suele sorprenderse e incluso asustarse cuando les hablas de dioses, rituales a la luna y demás, pero esto no es algo nuevo, en su mayoría son practicas milenarias que muchos pueblos en todo el mundo realizaban para bendecir sus cosechas y atraer la prosperidad. Que el cristianismo los haya hecho ver como algo maligno y hayan caído en desuso es otra cosa…».

Por otra parte Elena Fernández**, Intérprete de música cristiana, asegura: «Creo que la Wicca es una de las tantas sectas en las que las personas acuden para tratar de arreglar algún estilo de vida que les incomoda». Y agrega «Cuando las personas entran a este tipo de sectas se adaptan a unas normas, que afectan con el tiempo de forma negativa en la familia y la sociedad. Todo siempre es lo mismo, ya que la maldad, solo puede atraer más maldad».

Un largo camino, y lo que queda por recorrer

El Vuelo por Guro Silva
La cultura popular y los medios masivos han ligado siempre a la brujería con la imagen de la mujer,
pero existe también una gran cantidad de hombres que se dedican a ésta práctica y filosofía

El frío de la noche cala en los huesos, la mayoría de las luces de casas cercanas están apagadas. La gente ya se encuentra durmiendo. Merkurioh se acerca al lugar propicio para su ritual; acompañado sólo por el incesante canto de los grillos, el crujir de la madera al ser pisada y los esporádicos ladridos de algún perro en la lejanía.

«Yo soy un wiccano solitario. No es que me guste andar solo ni que sea un antisocial, es que como la mayoría de la gente no comparte lo que hago, evidentemente no querrá acompañarme. Aunque conozco muchos otros wiccanos en Colombia y Suramérica el problema es que viven muy lejos, así que comparto con ellos pero virtualmente».

En Colombia la llegada de la Wicca no ha sido documentada formalmente, por lo que la información que se tiene de ella es basada en los testimonios de los paganos más antiguos en el país. Ellos afirman que la religión llegó a éste territorio a mediados de los años 60 de la mano de extranjeros, de cuyo establecimiento se formaron las primeras tradiciones neopaganas que aún se conservan; aunque muchas prefieren mantenerse en el anonimato.

Recientemente, el 1 de mayo del 2009 un grupo de wiccanos decidió unirse de manera formal y establecer la Alianza Pagana Colombiana (APACOL) con el fin de reunir a los creyentes del paganismo en el país y divulgar positivamente sus creencias, conocerse entre ellos y fomentar puntos de encuentro.

Sin embargo, la creación de dicha Alianza no fue tarea fácil e incluso existen wiccanos que están en manifiesto desacuerdo con ella, tal es el caso de krumss lebwick* quien cuenta: «Siempre estuve en contra y los fundadores de la alianza pagana lo saben. He sido, por así decirlo, la piedrita en el zapato». Explica «me he opuesto por la razón de que sólo lo hacen por hacerse conocer, supuestamente dar clase. Un montón de principiantes novatos que van a escuchar a personas que a veces ni saben lo que dicen».

Foto: Encuentro Alianza Pagana 2014
Los altares se adornan con distintos elementos según la festividad, siendo 8 los sabbats principales

Krumss lebwick también afirma que «la mayoría de personas que son wiccanos lo son por moda, o porque se sienten discriminados. Quieren ser supuestamente diferentes, en fin». Al respecto Merkurioh confirma: «Claro, hay mucha gente que se mete por querer tener súper poderes, o algo así. Es algo molesto, naturalmente a nadie le gusta que tomen su religión como un chiste. Pero yo no me preocupo porque creo que estas personas al final se terminarán aburriendo. La Wicca un camino serio y profundo y por tanto sólo quienes así lo vean continuarán en él».

Sobre la Wicca son varios los autores que han escrito. En América del Sur sobresale Claudiney Prieto, quién además de escribir «Wicca - A Religião da Deusa» el libro más vendido en Brasil sobre la temática wiccana; también es el organizador del Mystic Fair el mayor evento sobre paganismo y esoterismo en dicho país, que en su primera edición en 2010 reunió a más de 1.2000 personas de toda Latinoamérica.

Merkurioh finalmente llega al lugar deseado, reza en silencio, limpia un poco el suelo y luego saca de su bolsa un recipiente con sal. Camina formando un círculo y suavemente recita un conjuro de purificación mientras riega la sal tras de él.

«No nos interesa ser la religión dominante ni volver a todos wiccanos, si así fuese estaríamos traicionando nuestros propios principios. Yo me preocupo por mi evolución personal, habrá varios que se opongan otros tantos que se unan, pero creo que nuestra historia apenas se está escribiendo y muchas cosas pueden pasar». Concluye Merkurioh antes de organizar cuidadosamente sus herramientas en un recién levantado altar.

Levanta su índice apuntando hacia el oscuro cielo de la noche, donde sólo se divisa una enorme luna llena que lo ilumina. Recorre con su dedo el círculo que anteriormente había trazado con sal, invoca a los espíritus de los cuatro elementos, enciende las velas y les ora a un dios cornudo y a una diosa de la fertilidad. Su ritual mágico ha empezado.

*Nombre mágico que usa este personaje en sus rituales y prácticas religiosas, y que pidió se utilizara en este escrito en lugar de su nombre común.

** Nombre asignado por el escritor, puesto que ésta persona solicitó mantener su identidad en secreto.

Por: José Luis Morales Zúñiga

Mi 'exótico' amor: Priyanka Chopra

2014-07-17T21:00:00.002-05:00

Priyanka Chopra en la filmación del video Exotic

Corría el año 2012 y mi encanto por Bollywood estaba en pleno auge. Las intensas historias de amor, las increíbles coreografías y la magnífica actuación de Shah Rukh Khan en casi todas sus películas; habían consolidado mi gusto por el cine de la India.

Sin embargo, cuando pensé que no había nada más por descubrir, me senté a ver Fashion y lo que encontré me dejó boquiabierto. La película cuenta la historia de una chica de pueblo que sueña con convertirse en súper modelo y lo logra a costa de vender su alma a la industria de la moda. Priyanka Chopra, interpreta a la joven Meghna de una forma magistral. Su transformación de niña ingenua a diva de las pasarelas es un deleite por ser imperceptible. No es sino cuando ella se da cuenta de lo mucho que ha cambiado que el espectador lo nota también.

Poster promocional de Fashion, película en la que se muestran algunos de los sacrificios
que deben hacer las modelos para ingresar en la industria de la moda

Bien merecidos tiene los más de ocho premios a mejor actriz que ganó por aquél personaje. Y desde entonces, para mí, no ha hecho más que crecer como actriz. Con papeles cada vez más arriesgados y exigentes, desde una joven que desprecia la vida en Anjaana Anjaani, hasta una niña autista en Barfi. Sobresale particularmente su rol protagónico en 7 Khoon Maaf, donde interpreta una mujer que busca el amor a lo largo de su vida y cree encontrarlo en 7 hombres, cada uno con un encanto irresistible... y una muerte horripilante.

La versatilidad de ésta mujer no para de sorprenderme, por eso cuando supe de su lanzamiento como cantante corrí a escuchar su canción debut. Reconozco que seguramente no se convertirá en la siguiente reina del pop, pero tampoco puedo negar que su música es una alegre invitación a bailar que rara vez puedo rechazar.

Aprovecho hoy, día en el que se celebra su cumpleaños número 32 -y el nacimiento de éste blog-, para agradecerle por lo mucho que me he entretenido con sus películas y regocijado con su música. Deseando que haya Priyanka para rato, me despido hasta una próxima plegaria.

Una hoja en blanco y mucha tinta

2014-07-17T14:28:00.000-05:00

Mercurio
Pierre et Gilles
2001

Internet es una incubadora de blogs cada vez más grande. Personas de todo el mundo abren su espacio para decir algo: "Las tendencias de vestidos para el verano", "Por qué el libro siempre será mejor que la película"; o "Mira mi hermoso gatito". ¿Para qué abrir un blog más? Bueno, esa es la misma pregunta que me he planteado varias veces antes de decidirme a publicar la entrada que ahora lees.

La respuesta, según lo veo, es más un reto personal que otra cosa: Porque solo yo veo, sueño y pienso lo que yo veo, sueño y pienso. Y plasmar aquello en un medio que puede ser valorado por otras personas es algo que me emociona. Claro, puede sonar pretencioso pero ahí radica el reto: Hacer que valga la pena.

Un poco de labor periodística –amén de hacer justicia a mis estudios en comunicación social–, otro tanto de mis aventuras en la edición de imagen, audio y video; y un poco de "Yo opino del mundo". Básicamente eso es lo que me propongo traer. Con algo de dedicación, entusiasmo y varias ideas en la cabeza; me pongo frente al teclado para iniciar mis plegarias a Mercurio.

¡BIENVENIDO!