(Recita: Ana María Olivares)

GARCILASO DE LA VEGA

Pocos autores han alcanzado con tan poca obra poética tanta fama. Escribió tres Églogas, dos Elegías, una Epístola, cinco Canciones, cuarenta sonetos, breves composiciones en metro tradicional y tres Odas en latín.

Garcilaso de la Vega nació en Toledo y aunque se barajan varias fechas, se cree que pudo ser en 1501 en el seno de una familia noble. Se educa en la Corte y entra de paje del rey Carlos I. Su actividad guerrera es temprana y participa junto a Boscán en varias campañas como la defensa de la Isla de Rodas y la contienda de Navarra contra los franceses.
Después de ser nombrado caballero de la Orden de Santiago, contrae matrimonio con Doña Elena de Zúñiga, en lo que se denomina una boda amañada. Su amor verdadero llega en 1526 cuando conoce a la portuguesa Isabel Freyre, dama de compañía de la reina Isabel de Portugal.
Su vida comienza a girar alrededor de este amor no correspondido, de hecho Isabel se casa en 1529 con Antonio de Fonseca, perdiendo nuestro autor toda ilusión por alcanzarla. Tras este hecho, regresa a la Corte y comienza a plasmar sus sentimientos escribiendo poemas. Cultiva el verso endecasílabo y tiene cierta afinidad con Petrarca. El desengaño amoroso, el sentimiento no correspondido, queda reflejado en sus sonetos, hechos al modelo petrarquesco, quizás por la similitud que guardaba ya que Petrarca amaba a Laura y tampoco ésta le correspondía.

Garcilaso de la Vega no escribe poesía épica sino que analiza sus propias emociones en versos individualistas. Sus temas son el amor y el desengaño que lo trunca; escoge como refugio de la realidad el mundo pastoril (églogas) recreándose en la naturaleza.
En 1531 sufre destierro en la Isla del Danubio donde escribe bellas composiciones identificando el paisaje con sus sentimientos; la suavidad, la soledad y el reposo son ideas siempre presentes en Garcilaso. Según Margot Arce, el mundo poético de nuestro autor no coincide con la realidad, se eleva sobre ella llevándola a un plano estético. En noviembre de 1532 abandona su lugar de destierro y se instala en Nápoles donde su cultura clásica se acrecienta de forma extraordinaria, escribe en latín y se acerca a la mitología. En 1535 Garcilaso participa en el asedio de la Goleta y de Cartago en donde resulta herido. Un año después vuelve a las armas para expulsar en tierras italianas a los invasores franceses. En octubre es trasladado malherido a Niza y allí muere prematuramente en brazos del marqués de Lombay, el futuro San Francisco de Borja.

Garcilaso de la Vega no publicó en vida ni un solo poema, su gloria en la lírica castellana se inició siete años después de su muerte cuando la viuda de su gran amigo Juan Boscán, doña Ana Girón de Rebolledo editó en 1543 Las obras de Boscán y algunas de Garcilaso de la Vega repartidas en cuatro libros, obteniéndose un gran éxito lo que se tradujo en que la obra se imprimiese en veinte ocasiones. Las Églogas de Garcilaso son una de las composiciones más perfectas de su lírica. La Égloga II, la primera de las que se escribió, es una composición dramática muy extensa estructurada a lo largo de 1.885 versos en forma de poema dialogado carente de hilo narrativo. Se habla de las desgracias del pastor Albanio cuyo amor es rechazado por la pastora Camila, y en una segunda parte, se desarrolla a través de otro personaje, el pastor Nemoroso, la historia épica sobre la carrera del duque de Alba. La relación entre la locura amorosa de Albanio y la vida heroica del duque, sugieren en su contraste temático una especie de sublimación erótica a través de la vida militar.

La Égloga I establece una doble trasposición de la vida del poeta: un pastor, Salicio, se lamenta de los desdenes de su amada, Galatea; mientras que otro pastor, Nemoroso, llora la muerte de Elisa, así como el autor pudo llorar la boda de su amada Isabel Freyre y su posterior muerte producida al dar a luz a su tercer hijo. Por último, la Égloga III presenta las tragedias amorosas de Orfeo y Eurídice, Dafne y Apolo, Venus y Adonis, junto con la de Elisa y Nemoroso.

En cuanto a las dos Elegías que compuso junto a la Epístola podríamos decir que tienen un tono ensayístico o más bien filosófico. En la Epístola dirigida a Juan Boscán, Garcilaso utiliza los endecasílabos sueltos para disertar sobre el tema de la amistad y en la Elegía II también dirigida a Boscán, el poeta aborda el tema de los celos. La Elegía I, dedicada al duque de Alba, Garcilaso hace una llamada a la fortaleza del espíritu y da cuenta de su especial sensibilidad frente al dolor.

Centrándonos ahora en los Sonetos que escribió, apreciamos la importancia que poseen, puesto que nos permiten seguir la evolución de nuestro poeta. En los primeros todavía se aprecia una cierta imaginería conceptista típica de la tradición lírica castellana que poco a poco va depurándose hasta alcanzar su forma renacentista. El sentido concreto de la imagen va ligado al tema de los sonetos que giran en torno al amor (amor no correspondido), sin embargo, el soneto no está tratado a la manera medievalista o tradicional castellana del romance, sino como un concepto lírico abstracto, de ideal de belleza, de creación artística. Su maestría reside en una aparente sencillez y naturalidad conseguida por las formas métricas, las rimas suaves, las metáforas delicadas, las paradojas, los juegos conceptistas que crean una atmósfera de nostalgia en la que el poeta puede sincerarse. Las cinco Canciones que escribió Garcilaso siguen girando en torno a su pasión amorosa; de ellas destaca la cuarta y la quinta, llamada “Oda ad florem Gnidi”, cuyo primer verso, ” Si de mi baja lira…” dio nombre a la estrofa utilizada en la canción por vez primera en castellano.

La poesía de Garcilaso de la Vega fue decisiva para la poesía castellana de los siglos XVI y XVII. Los valores de su poética, la sutileza de su lenguaje, el orden y la claridad, fueron incorporados, frente a la tradición barroca, por algunos poetas españoles del siglo XX, especialmente por Luis Cernuda para quien Garcilaso, según sus palabras, representaba el mayor de los clásicos castellanos y era más contemporáneo que cualquiera de los poetas españoles de su tiempo. Sin lugar a dudas, Garcilaso de la Vega es el poeta de la elegancia del que tantos otros y grandes se sentirán en deuda, desde Luis de Góngora hasta Rafael Alberti, Juan Ramón Jiménez o el propio Gustavo Adolfo Bécquer.

JORGE MANRIQUE

(Recita: Ana María Olivares)

Aunque existen dudas sobre su lugar de nacimiento, lo más probable es que Jorge Manrique naciera en Paredes de Navas (Palencia) en 1440, en lugar de Segura de la Sierra (Jaén) como piensan algunos estudiosos de este autor.

Intervino activamente en la política de su época y luchó al lado de Isabel la Católica en contra de la Beltraneja. Manrique se movía con inseguridad en los ambientes cortesanos y en el mundo femenino. Se casó con Doña Guiomar, hermana de la tercera esposa del Maestre, pero el matrimonio no fue demasiado feliz dada la frialdad con que ambos se trataban. Por su doble dedicación a las armas y a las letras y por haber muerto en plena juventud, su vida ha sido comparada con la de Garcilaso de la Vega, que fue poeta y hombre de armas como él.

Se conservan unas 50 composiciones, la mayoría de las cuales; a excepción de las Coplas y 3 pequeños poemas burlescos; son composiciones al estilo trovadoresco provenzal tan del gusto de la época. De no haber escrito Manrique más que estas poesías, no pasaría de ser uno más de los muchos poetas que aparecen en el Cancionero de su tiempo. Jorge Manrique debe su fama imperecedera a sus conocidas “Coplas a la muerte de su padre, el Maestre Don Rodrigo”, que son una de las creaciones más profundas y bellas de nuestra literatura; con ellas, quiso rendir tributo de admiración a quien había sido un ejemplo constante en su vida y así, inmortalizando al héroe, se inmortalizó a sí mismo.

El poema consta de 40 estrofas de pie quebrado, llamadas también “coplas manriqueñas” en honor a su creador. La métrica es la siguiente: Doble sextilla octosílaba. Dos semiestrofas con terminación quebrada en cada una de ellas y con 3 rimas consonantes correlativas, abc: abc. Son estrofas, por tanto, de 12 versos, teniendo en cada sextilla el 1º, 2º 4º y 5º octosílabos y los versos 3º y 6º tetrasílabos. Su formula métrica sería:
8a 8b 4c 8a 8b 4c / 8d 8e 4f 8d 8e 4f. El verso octosílabo es el verso por excelencia de la lírica y el más cercano al estilo coloquial. Las Coplas de Jorge Manrique se dividen en varias partes: La primera comprendería desde la estrofa 1ª hasta la 13ª inclusive. En ella se habla sobre la fugacidad de la vida pero tratada de una manera general, sin ninguna particularización. El autor hace una exhortación al hombre para que considere su condición mortal. La segunda parte iría desde la estrofa 14ª a la 24ª inclusive; aquí, todo lo que se ha dicho en la parte primera se ilustra con ejemplos. Por último habría que distinguir una tercera parte (estrofas 25ª hasta 40ª), que a su vez se dividiría en otras dos: en la primera hace su aparición el Maestre Don Rodrigo y Manrique hace un elogio de las virtudes y hazañas de su padre y una segunda parte donde aparece la Muerte, que mantiene un diálogo con el Maestre; aceptando éste con actitud tranquila, resignada y serena su tránsito final.

Los temas tratados en Las Coplas de Jorge Manrique se corresponden con lo que se ha venido llamando las tres vidas: La vida terrena, mortal y perecedera; el “Tempus fugit irreparabile” (fugacidad). El presente no existe ya que se puede capturar y el futuro se transforma en sucesivos presentes; al final todo se reduce al pasado. La vida de la fama, que según Manrique, vence al tiempo y sobrevive a la Muerte, sin embargo, es también efímera porque la vence el olvido, por lo tanto, lo imperecedero es la vida eterna, que sería la tercera vida reflejada en Las Coplas.

La Muerte es un tema primordial en Las Coplas de nuestro autor, con sus corolarios fundamentales; la fugacidad del tiempo y de los bienes de fortuna, tiene una larga tradición literaria, aparece en el “Vanitas, vanitatem” del Eclesiastés, en el “Consolatione filosofal” de Boecio y en “Contemptu Mundi” de Inocencio III. Estos libros estaban muy difundidos y nos consta que Jorge Manrique los tuvo muy a la mano en la biblioteca de su tío; pero también el autor de Las Coplas contaba en la literatura castellana con modelos muy próximos: “El Rimado de Palacio” del Canciller de Ayala, los poemas de Gonzalo de Berceo, “El diálogo de Bías contra la Fortuna” de Santillana y las “Coplas al señor Don Diego Arias de Ávila” de su tío Gómez Manrique. Como vemos pues, el tema que desarrolla Manrique no es nada original. Su originalidad radica, no en la invención del tema sino en la sinceridad con que el poeta los hace suyos. Las Coplas son una obra de arte por la auntenticidad con que el autor escribe y por el perfecto equilibrio entre el fondo y la forma.

Del lenguaje utilizado en las Coplas no hay mucho que decir; en la época en que se escriben, el español abandona su tono latinizante característico de la lengua en la primera mitad del siglo XV. Los versos constituyen una unidad que coincide, salvo en muy pocos casos, con la unidad sintáctica, por lo que apenas si hay encabalgamientos.

María Rosa Lida señala cómo una larga serie de cultismos usados en Las Coplas han dejado de serlo porque todos ellos se han incorporado a la lengua común; no hay en Manrique una acumulación tan grande de cultismos como en Santillana y Mena, y el hecho de que esos cultismos se hayan incorporado a la lengua popular, contribuye a dar al lenguaje de Las Coplas sensación de juventud y de actualidad. En esta época se generaliza el uso de la -h inicial en lugar de -f, así como el uso de la -d final que antes alternaba con la -t; sin embargo, continúa la vacilación en el timbre de las vocales y desparece la colocación del posesivo entre el artículo y el sustantivo. Se utiliza mucho la anáfora para insistir en el núcleo fundamental del tema que es la Muerte y hay una ausencia casi total de adjetivación.

Las Coplas de Jorge Manrique gozan de fama universal y han merecido la alabanza de muchos poetas, entre ellos, Lope de Vega decía que Las Coplas merecían estar escritas con letras de oro. y Antonio Machado dice textualmente en su poema “Glosa”…”Entre los poetas míos/ tiene Manrique un altar…”.

Jorge Manrique murió un 24 de Abril de 1479. Su cuerpo fue trasladado al Monasterio de Uclés y enterrado junto a su padre Don Rodrigo. Sobre su tumba se puede leer:” Aquí yace Jorge Manrique, el que hizo Las Coplas”.

Recita: Ana María Olivares

Titulo: RIMAS

http://rimas.librodepoesia.com

Autor: Gustavo ADOLFO BÉCQUER

Prólogo: Ana María Olivares

Editorial: Poesía eres tú

http://www.poesiaerestu.com

 Colección: Poesía

 ISBN-13: 978-84-15006-19-0

Depósito Legal: M-3714-2011

 P.V.P.- 5 Euros

 Puedes adquirirlo aquí.

Gustavo Adolfo Bécquer (Sevilla, 1836 – 1870), figura cumbre de la lírica española del siglo XIX, marca el comienzo de la poesía moderna. Escribió en pleno auge del Realismo, sin embargo, su obra se nutre del clima romántico tardío.

Su breve obra poética se recoge en sus famosas Rimas, publicadas en el Libro de los Gorriones, un año después de su muerte. Su vinculación con la pintura y la música se deja entrever en la armonía, sensibilidad y cadencia de las mismas.

El misterio, el amor, la mujer, la traición, el dolor y la soledad, marcan el lirismo íntimo que Bécquer vierte de forma sencilla, desnuda de retórica en sus célebres Rimas, cuya lectura conmovedora y silenciosa, crea un nexo profundo entre poeta y lector.

EL GRAN ROMÁNTICO: BÉCQUER

“No digáis que agotado su tesoro,

de asuntos falta, enmudeció la lira,

podrá no haber poetas, pero siempre.

¡habrá poesía!

Si se le pregunta a cualquier analista literario por la figura de Gustavo Adolfo Bécquer, responderá que es el romántico español por excelencia que define una época literaria, junto con Campoamor, aunque desde distintos momentos, de la España menos realista, si entendemos como Realismo el movimiento literario surgido en cualquier época, incluso con anterioridad al Barroco hasta nuestros días, pues, como su propio nombre indica, es la descripción de un periodo histórico planteando su problemática en toda su extensión y minuciosidad. Y esto es lo que Bécquer representó en aquellos años en los que su obra literaria no había sido tenida en cuenta, ni siquiera publicada, a no ser en algún periódico local o en alguna gacetilla literaria. Sin embargo, el poeta no dejó a un lado su impronta manifestación poética, y siguió creando, como diría Antonio Machado, “esa estremecida pureza de unas pocas palabras verdaderas”, refiriéndose a sus Rimas, manuscrito que se perdió antes de ser editado y que gracias a su memoria y a la ayuda de sus amigos recopiló en el “Libro de los gorriones”. En la actualidad dicho manuscrito se encuentra en la Biblioteca Nacional en Madrid.

Este apunte apareció sin firma en una columna, entre un anuncio y una nota de sociedad, lo que en la época era bastante corriente leer en el reverso de cualquier hoja de almanaque, o en una revistilla de escasa importancia. No debemos olvidar que la época estaba marcada por el prosaísmo más influyente, aunque en medio de esa indiferencia poética, surgió el sentido tradicional del Romanticismo en la figura de Bécquer, llegando a ser incluso el punto de referencia en la evolución de la lírica española del siglo XX, con Unamuno, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez, Rafael Alberti, Luis Cernuda, o Lorca, entre otros muchos. No olvidemos, también, que nuestro poeta era, a la vez, romántico y realista, como nos lo indican sus Rimas, inseparables de las leyendas “Maese Pérez el organista”,  “El Rayo de luna”, o “Cartas desde mi celda”,  de menos fortuna que sus versos pero que están exentas de falsas retóricas, y que introduce a Bécquer en el panorama literario denominado Realista, aunque sólo lo hayamos conocido como el poeta de las Rimas que marcó el principio de la Generación del 27 y, con anterioridad, la del 98.

El amor es el eje fundamental de las mismas, pero un amor, que nunca es correspondido, el Yo en las Rimas de Bécquer es un hombre enamorado, sin embargo, el Tú, es la mujer inalcanzable, el sueño anhelado, la quimera. El poeta dice: “…Yo soy un sueño, un imposible, / vano fantasma de niebla y luz; / soy incorpórea, soy intangible; / no puedo amarte. ¡Oh, ven, ven tú”!

Así mismo Bécquer en sus Rimas antepone el sentimiento a la razón, su romanticismo, tal vez, influenciado por la poesía alemana (Heine), al que imitó en algunos de sus versos, pero imprimiendo siempre su propio sello; es todo un derroche de pesimismo y fatalidad que le sume en la más absoluta desesperanza.

La mayor producción becqueriana se sitúa entre los años 1861 a 1865 escribiendo la mayor parte de sus Rimas, los artículos periodísticos  y las “Cartas Literarias a una mujer”.

Gustavo Adolfo Bécquer se define perfectamente en la Rima LX. Toda la frustración del poeta, su vacío, el drama que le acompañó durante su corta vida y una lírica depurada, sirven para mostrar al lector el sufrimiento que le provocaba la búsqueda incesante de aquello que nunca lograba alcanzar:”Mi vida es un erial/ flor que toco, se deshoja/ que en mi camino fatal/ alguien va sembrando el mal/ para que yo lo recoja”.

 Sabemos del autor que nos ocupa, que contrajo matrimonio con Casta Esteban, con la que esperaba encontrar un hogar feliz y la tranquilidad necesaria para escribir, pero no fue así, y el poeta se refugió en su trabajo, haciendo cortos viajes a Toledo acompañando a su hermano Valeriano que viajaba mucho debido a su profesión de pintor. Las Rimas de Bécquer son la prueba fehaciente de que el gran amor de su vida fue Julia Espín, amor que no fue recíproco, lo que le ahondó en la más terrible desesperación, quizás por ello, en sus Rimas (inspiradas en su totalidad por su gran amor) la técnica es menos depurada, se asemeja a la del cantar popular, apenas emplea la rima consonante sino la asonante. Él mismo lo reconoce y dice: “Prefiero la rima pobre, /la asonancia indefinida. /Cuando nada cuenta el canto,/acaso huelgue la rima”.

Otra  faceta, un tanto desconocida, de Gustavo Adolfo Bécquer, es la de haber sido un magnífico dibujante, quizá espoleado por el buen hacer de su hermano Valeriano,  lo que, posiblemente, influyó en Gustavo Adolfo para matricularse en la Escuela  de Arte, donde aprendió a manejar el lápiz y el carboncillo con la maestría suficiente para ser admirado por sus seguidores, hasta el punto que sus trabajos periodísticos, sobre todo las leyendas publicadas en los periódicos locales, estaban ilustradas con magníficos dibujos al carbón, cuya autoría se encontraba firmada con el nombre de Adolfo García, seudónimo con el que se dio a conocer en otra faceta, poco conocida, como es la de dramaturgo, en asociación con su amigo Luis García Luna. En esta época y ya afectado de la grave enfermedad comienza a escribir uno de sus mayores fracasos literarios, “La Historia de los templos de España”,  publicado sólo el primer tomo,  viéndose obligado a emplearse como colaborador en los periódicos El Porvenir, el Correo de la moda y en La España musical y literaria. En este periodo escribe sus dieciocho leyendas, publicadas en un volumen póstumo en 1871. Todas las leyendas, como ya se ha dicho, tienen el sello becqueriano del romanticismo, si bien, algunas de ellas, están revestidas de misterio, como: “Los ojos verdes”, “La Corza Blanca” y “El Rayo de Luna”. Otras presentan al lector escenarios de ultratumba como “Maese Pérez el organista”, “El Miserere” o “El Monte de las Ánimas”. Otras tienen el sello medieval y toledano, ciudad donde ambientó algunas de sus leyendas, como  “Rosa de Pasión” o “El Cristo de la Calavera”. Y, finalmente, no olvidaremos citar las leyendas de espíritu hindú tales como “La creación” y “El caudillo de las manos rojas”.

El verdadero nombre de nuestro poeta tiene su origen en la familia  de pintores sevillanos llamados Domínguez del siglo XIX a la que pertenecía Gustavo Adolfo Claudio Domínguez Bastida, conocido como Bécquer en el mundo literario; lo ha heredado, al parecer, de un familiar alemán llamado Bécker, del que no recibió ninguna influencia cultural –ni siquiera hablaba el alemán–, pero sí obtuvo la influencia de su Sevilla natal de la que heredó la gracia de su versificación, aunque algunos analistas han dejado dicho que Bécquer, en ocasiones, ha olvidado la voz poética española acercándose al ritmo germánico, y, en otras, a la poesía inglesa, con influencias de Byron, quizás atraído, en el primer caso, por la música de compositores alemanes, (Schumann y Wagner, fundamental-mente) y, en el segundo, por la ironía del poeta y dramaturgo Lord Byron, pero con cierto sonsonete, como indican los siguientes versos, de rima asonante, característica también bequeriana, en contra del estilo perfeccionista de don Ramón de Campoamor, tenaz aficionado a las rimas consonantes. Otra divergencia literaria que lo desmarcaba de su coetáneo en el mundo de las letras.

            Así los barqueros pasaban cantando

            la eterna canción,

            y al golpe del remo saltaba la espuma

            y heríala el sol.

Presintiendo su fin cercano, un día fue a ver a su gran amigo Narciso Campillo, al que le encomendó la corrección de sus versos y prosas, para que éste las editara si así lo estimaba conveniente después de su defunción.

 La muerte de su hermano Valeriano en 1870 lleva al poeta a un estado de ánimo depresivo dada  la constante relación y colaboraciones que ambos habían mantenido en distintos acontecimientos artísticos, entre ellos el haber trabajado juntos en la revista “La Ilustración de Madrid, dirigida por Gustavo A. Bécquer, y como ilustrador Valeriano Bécquer, lo que llevó al poeta a un decaimiento físico y psíquico hasta caer en la terrible enfermedad que lo llevaría, poco tiempo después, a su fallecimiento en Madrid en 1870.

Murió sin ver publicada su obra. Con él, se apagó la voz de un excelente lírico, a quien Antonio Machado (gran admirador suyo) definió como “el ángel de la verdadera poesía”. Hoy se le reconoce como el gran precursor de la lírica moderna, gracias a sus ya célebres, sencillas y conmovedoras Rimas.