Lançado no início de 2017 pela Red Candles Game, o jogo Detention (返校 em chinês: Retorno à escola) teve um início humilde e como muitos jogos indies, demorou um pouco para engrenar. Mas quando engrenou, tornou-se viral entre vários streamers. 

A história tem como protagonista a estudante Fang Ray-shin. Na década dos anos 1960, durante a Lei Marcial em Taiwan, a garota fica na escola até depois do horário em detenção. Ela acaba caindo no sono e quando desperta a escola não parece mais a mesma. E agora ela deve enfrentar criaturas assustadoras saídas da mitologia asiática enquanto tenta escapar da escola. O jogo é um side-scrolling que muitos poderiam classificar como survival horror ou simplesmente um jogo de aventura de horror com alguns momentos de perigo. Seja como for, sua atmosfera assustou um bocado de gente e sua história mostra alguns temas que não são tão comuns na maioria dos jogos de horror.

O jogo se tornou um sucesso imenso em sua terra natal e gerou até mesmo um filme, lançado em 2019. E isso catapultou o nome do estúdio para o estrelato. Eles retornariam pouco tempo depois com um segundo jogo que… bem… foi envolvido em uma controvérsia que falaremos em um post futuro.

Seja como for, o jogo trouxe um sopro de ar fresco para outros temas que são pouco abordados e desviou um pouco o foco de obras de horror que, quando se falava em Ásia, imediatamente se pensava apenas no Japão. O folclore de todo o continente asiático é extremamente rico e o jogo Detention mostrou que existe muita coisa legal (e macabra!) para ser explorada.

O jogo está disponível na Steam por menos de 25 reais, e nas plataformas Playstation, Xbox e Nintendo. Vale a pena ser jogado, sobretudo para dar apoio à cena indeia de videogames quando eles fazem um ótimo trabalho. Mas para quem não pode adquirir o jogo agora, ou tem medo de jogar jogos de horror, apreciem o gameplay completo de Detention nos videos logo abaixo.

Os desenvolvedores Gabriel Olivato e Gabriel Bardy pensaram! E transformaram esta temática simples, porém instigante, em uma pequena aventura experimental de terror!

Que Jogo é Esse?

Criado em 2019 durante uma Game Jam (evento onde desenvolvedores de games tentam criar jogos num período curto) os dois desenvolvedores brazucas resolveram homenagear a Estação Liberdade com uma aventura de terror que lembra o famoso jogo P.T. de Hideo Kojima.

Pois não é que o resultado ficou bom? O game foi feito num curtíssimo periodo de tempo, apenas 24 horas, e mesmo assim é lindo! E você pode ter acesso a este jogo gratuitamente, na página da itchi io do jogo! Só baixar e jogar!

Abaixo, você pode conferir um gameplay completo!

Em suma, você acha que o cenário brasileiro, ou mesmo a própria Estação Liberdade, poderia ser palco de mais histórias de terror? Você tem alguma pra contar? Deixe a sua história aí nos comentários!

Segredo

Pouco antes e durante sua estreia no Japão, muito mistério foi colocado em volta da trama deste filme. Houve pouca divulgação, trailers ou marketing promocional do longa. Até onde se sabe, todo essa preservação foi intencional.

Segundo a Variety, ainda em 2023, foi uma decisão feita pelo próprio estúdio. A ideia era de que os fãs tivessem o primeiro contato diretamente nas salas de cinema.

Enredo

Atualmente trailers foram divulgados, e a sinopse junto a promoção do filme finalmente viram a luz do dia, pelo menos aqui no ocidente. Mas caso queira ter a experiência completa do filme, fica a recomendação para pular essa parte do resumo do filme, embora haverá cuidado para não acabar com possíveis surpresas.

Na história acompanhamos Maki Mahito, um garoto que após perder a mãe doente em um incêndio no hospital é levado por seu pai para sua nova casa, nova rotina e nova mãe.

Nesse novo lar o protagonista é confrontado por uma garça selvagem que vive nas proximidades e que guarda uma misteriosa natureza. A trama se desdobra em uma aventura fantástica, digna de Miyazaki, onde Mahito terá que se conectar com a sua vida no presente e lidar com as perdas do passado.

Como eles vivem

A história se comparada ao longa antecessor, Vidas Ao Vento. Compartilha de peculiaridades semelhantes, como o toque autobiográfico de Miyazaki, que em “O Menino E A Garça “ pode ser observado desde seu protagonista ao pai e seu trabalho na construção de peças para aviões, e o ambiente cercado por natureza.

A história, por outro lado, parte para uma abordagem mais fantasiosa sem abandonar o conflito do protagonista em lidar com a perda da mãe, que se desenha envolta nas sombras de uma guerra, e lidar com sua nova vida e de sua aproximação com Natsuko, sua tia e agora mãe adotiva.

Miyazaki tenta uma abordagem mais modesta e familiar ao brincar com linhas do tempo e realidades alternativas durante sua narrativa, discutindo assim os conflitos internos de seus personagens e trazendo em pauta uma visão sobre ancestralidade e tradição.

O filme é bastante contemplativo até mesmo para os padrões do diretor, ainda assim reserva bons momentos para ação em situações de se prender o fôlego. Se fosse possível comparar com obras anteriores seria uma mistura curiosa de Totoro e Castelo animado.

A animação reserva momentos brilhantes. A introdução do filme com nosso protagonista correndo em direção às chamas é impecável, toda fauna e criaturas apresentadas, incluindo a tal garça, é de um capricho tanto em aspectos de animação quanto de design, e a trilha sonora fecha com chave de ouro.

Vida, Morte, Cegonhas E Periquitos

Efemeridade é algo que volta e meia se torna uma discussão nesse filme. Fala sobre a natureza da vida, os laços com sua família e com quem você realmente é, e de como tudo isso pode ser passageiro, ao passo que depois de olhar para trás e pensar o que poderia ter sido, ou de como tudo vai acabar, possa se olhar para frente e continuar preservando os momentos. O último filme de Miyazaki não é o seu último e foi emocionante o suficiente para nos contentar ou para esperar por um próximo.

Em um certo dia, Sang-woo, por ser muito certinho, acaba dedurando os colegas que não ajudaram no trabalho da faculdade. Com a consciência limpa e sem sentir nenhuma culpa, o programador logo esquece os colegas e procura se concentrar na criação de seu jogo. Porém, a designer parceira dele teve que desistir desse projeto, então ela acaba recomendando um outro colega, o Jang Jae-young.

Eles se encontram na biblioteca e, apesar de o colega chegar atrasado, algo que deixa o Sang-woo irritado, Jae-young consegue impressionar o programador com suas habilidades e o convence a trabalharem juntos. Tudo parecia dar certo até que aquilo aconteceu. 

Quando Jae-young pegou o celular de Sang-woo para salvar seu contato, seu número já estava salvo como “Folgado 3”! A verdade é que Jae-young era um dos colegas que não contribuiu com aquele trabalho e acabou sendo exposto pelo programador. Como Jae-young nunca veio às aulas, Sang-woo também não sabia como ele era. Sem saber seu nome e seu rosto, ele topou conhecer o designer, mas se soubesse quem ele era, jamais teria aceitado se encontrar com ele na biblioteca. 

Enfim, depois desse encontro, Jae-young começa a perseguir e provocar Sang-woo. Pois graças a ele, Jae-young teve que repetir aquela disciplina e não conseguiu se formar. É divertido ver Jae-young implicar com o programador de várias formas criativas, enquanto as tentativas de Sang-woo de impedi-lo eram sempre frustradas pela imprevisibilidade do designer e por sua própria incapacidade de entender o outro.

O relacionamento dos dois começou como uma rivalidade boba até que algo mais especial começou a rolar entre eles. E as coisas ficam mais intensas quando, em um certo dia, Jae-young sussurra no ouvido de Sang-woo para irem ao cinema juntos. 

Amor e Desejo 

Uma discussão muito presente na obra é sobre a relação entre “amor” e “desejo sexual”. Os personagens pensam constantemente se o que sentem pelo parceiro é só atração sexual ou um amor mais profundo. 

Os dois sempre querem tocar no corpo do outro. Cada movimento do parceiro é um motivo para sentir um desejo forte de querer despi-lo. Cada ação do outro é sensual e sexy. Ver o outro manobrar o carro é excitante. Só olhar para seu pescoço já estimula o libido. Por sentirem esse desejo ardente, eles tem muitas dúvidas sobre quais seriam suas intenções com o outro. 

Em Semantic Error, estar apaixonado é sentir um forte desejo de querer tocar no parceiro. Porém, em algumas ocasiões, os personagens também sentem uma necessidade de saber um pouco mais sobre o outro, como quando Sang-woo fica olhando o perfil da rede social de Jae-young ou quando Jae-young enrola para desligar o telefone e faz um monte de perguntas para o programador, até mesmo qual o tamanho do seu pé! Esses detalhes revelam que existe certa curiosidade em conhecer melhor o companheiro, demonstrando interesse no parceiro para além da atração sexual. 

Aqui “desejo” e “curiosidade” parece ser a fórmula para o “amor”. Eles se encontram várias vezes para trabalharem no jogo juntos, às vezes fazem outras atividades como ir ao cinema, jogar basquete ou ir ao shopping comprar roupa. Aos poucos eles vão se conhecendo e sua relação vai evoluindo para algo mais. Segundo uma matéria da Revista Galileu, fazer coisas legais juntos pode construir amor entre os dois. Além disso, quando se ama alguém, você gosta de conversar e procura saber mais sobre a outra pessoa. É nisso que J Soori parece acreditar também.

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Porém, apesar de gostar das sacanagens e dos pensamentos “obscenos” que um tem pelo outro, eu senti que em alguns momentos não precisava disso. Um desses momentos, por exemplo, foi na cena em que Jae-young faz cócegas em Sang-woo. Mais uma vez, o designer pensa em sacanagem. Também tem alguns momentos em que os dois estão trabalhando no jogo e um deles tem pensamentos “impuros” sobre o outro. Enfim, o que quero dizer é que, em algumas cenas, poderiam ter pensamentos mais inocentes ou ser uma simples admiração pelo parceiro, sem que todo movimento ou ação do companheiro levasse o outro personagem a pensar em sacanagem.

Em suma, Semantic Error apresenta o amor de forma bastante intensa (e deliciosa ), com alguns excessos em enfatizar o desejo sexual, mas que não chegam a atrapalhar a história por completo. 

Além disso, a obra conta com três cenas de sexo muito boas, com bastante descrição dos toques e das sensações e poucos diálogos durante o ato. 

Falando em diálogos, eles são engraçados sem serem constrangedores. Não são comentários como “olha como você fica lindo com minha porra em você”, que mais parece ter sido escrito por um(a) amador(a). Se tem uma coisa que eu não gosto é desses comentários que tentam ser engraçado ou erótico, mas só causam constrangimento.  

Porém, felizmente, em Semantic Error existem poucos diálogos durante a cena de sexo, e os que têm são bem divertidos. Alguns ainda servem para aquecer ainda mais aquele momento, geralmente ditos por Jae-young para excitar o outro. 

Então quando estes dois estão juntos, tudo fica mais quente

Go Go Power Rangers é uma HQ canônica com a clássica série de TV Mighty Morphin Power Rangers (1993) expandindo e continuando as aventuras dos cinco jovens com garra, Jason, Kimberly, Trini, Billy e Zack. Sob as ordens de Zordon, eles enfrentam forças nunca antes vistas enviadas por Rita Repulsa enquanto ainda precisam manter suas vidas escolares. Com roteiro de Ryan Parrott (Rogue Sun, Star Trek: Manifest Destiny, Saban’s Power Rangers: Aftershock) e o ganhador do prêmio Russ Manning, Dan Mora (Klaus, WWE) na arte, essa é uma forma inédita – e familiar – de curtir as aventuras dos Power Rangers!

A HQ está sendo publicada no Brasil pela editora IndieVisivel Press e agora pode ser adquirida a pré-venda na Amazon!

Fazendo a pré-venda de Go Go Power Rangers pela Amazon, a edição é enviada no dia do lançamento, utilizando o Prime o frete sai grátis (Além das vantagens como acesso ao Prime Vídeo, Music e Reading), a cobrança ocorre apenas no dia do envio e a garantia de sempre pagar o menor preço disponível!

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O ano de 2023 foi cheio de incríveis produções que renovaram os nossos conceitos do quão alto a qualidade dos animes pode chegar e ao mesmo tempo nós mostrou o quanto essa indústria tem que melhorar para dar a esses profissionais responsáveis por nos encantar com seu trabalho melhores condições de vida.

Entre figurinhas carimbadas de que já seriam grande sucesso e gratas surpresas que vieram ao longo do caminho, convido a vocês a, por mais um ano, acompanharem o meu top 3 animes de 2023 de cada temporada!

Sempre lembrando que essas escolhas seguem o meu gosto e são apenas uma amigável sugestão para você que por acaso deixou escapar alguns desses títulos durante o ano ou até mesmo não teve tempo de conferir os hits e aqui encontrará um guia rápido. Não se preocupe, não haverá grandes spoilers sobre os animes citados, a ideia é justamente indicar e dar a oportunidade para vocês conferirem!

Vamos começar!

Inverno 2023

Buddy Daddies (Crunchyroll)

Se existe um padrão a ser seguido na indústria de animes é quando algum projeto é super inédito e original, dá certo e isso faz uma verdadeira onda de outros projetos tentando pegar uma fatia do bolo para sí. Nesse contexto acredito que surgiu Buddy Daddies, um anime original do estúdio P.A. Works (com sucessos consagrados em seu catalogo como Angel Beats, Ya Boy Kongming e Uma Musume) que navegou na onda que Spy X Family iniciou da temática “anime de família formada em condições absurdas”. Só que agora em vez de termos uma esper, um espião e uma assassina, temos uma dupla de amigos mercenários e uma menininha super fofa e inocente que cai de paraquedas na vida dos dois.

Somos apresentados a pequena Unasaka Miri, que na véspera de Natal vai parar em Tóquio, sozinha e está em busca do pai. Guiada miraculosamente pelas luzes de Natal, ela vai parar no meio de uma operação orquestrada por Kurusu Kazuki e Suwa Rei, dois mercenários e assassinos profissionais que estavam prestes a matar um importante chefe da Máfia, que vinha a ser o pai da Miri. Após muita confusão, os dois acabam adotando a menina e assumindo a responsabilidade de levar uma vida dupla cheia de ação e perigos enquanto aprendem a ser pais responsáveis e versões melhores de sí mesmos.

Esse anime a principio pode só parecer um copy paste básico de Spy X Family com o twist de ser uma dupla de rapazes como pais da menina (e um pouco de queer bait), mas ele consegue trazer uma comédia agradável e ter sua própria identidade apesar da clara origem e referência. Se quiser dar boas risadas, com uma boa dose de ação e ainda sair com o coração quentinho. É um ótimo anime.

Tomo-chan IS a Girl! (Crunchyroll)

De todos os animes que vi esse ano (e foram mais de 40!!!) esse foi o que logo de cara pensei que não iria dar sequência. Sempre procuro assistir pelo menos ao primeiro episódio de cada lançamento e daí tirar minhas conclusões se sigo ou não. Apenas uma oportunidade de me conquistar. A primeira impressão foi meio… turva.

Começando pela sinopse, essa é uma história de romance de dois amigos de infância, só que os nossos pombinhos tem um pequeno empecilho: Kubota “Jun” Junichirou ao ouvir a declaração de amor de sua amiga Aizawa Tomo, não interpreta como amor romântico e acha que ela está só reafirmando a amizade, isso por que Jun não vê Tomo-chan como uma menina, mas sim, Tomo-chan É uma menina! (Eita! É o titulo do anime!) Assim começa a jornada de Tomo em provar para o seu interesse romântico que ela é feminina e fazer seus sentimentos chegarem ao (estupido) amigo.

Apesar da sinopse inocente, o anime, como esperado, é carregado de fanservice que pode ser neutro a uns ou incomodo a outros, mas a principio o que me levantou uma pequena red flag foi toda a coisa de “A Tomo é uma menina masculina” e como iriam tratar esse assunto. Para o meu alivio, não é um problema e fui agraciado com uma ótima comédia romântica, com momentos adoráveis e que até conseguiu arrancar umas lágrimas no decorrer dos seus 13 episódios. O elenco de apoio ao nosso casal protagonista é muito bom e agregam a história não deixando tudo apenas centrado nos dois.

Esse anime também está disponível inteiro dublado e está com ótima qualidade! Recomendo assistir mais assim do que até no idioma original.

Gridman Universe

Não é uma lista do Vilson se não enfiar alguma coisa de Tokusatsu no meio.

Quando faço esse rank eu tenho a regra auto-imposta de evitar colocar sequencias, afinal é meio chato dizer que um dos melhores foi a parte 3 de uma franquia e ficar implícito que antes de ver a indicação a pessoa tem que consumir 2 coisas antes. Mas quando a coisa é boa, não tem como, merece estar aqui.

Gridman Universe é a grande conclusão da franquia que fez o revival da série de Tokusatsu de 1993 da Tsuburaya Productions, a criadora do Ultraman, Denkou Choujin Gridman. Começando com o anime SSSS. Gridman em 2018 e seguido por SSSS. Dynazenon em 2021, as duas séries foram sequencias diretas do Tokusatsu e agora elas se unem para uma produção definitiva e espetacular.

O filme se passa 1 ano depois dos eventos de SSSS. Gridman e Dynazenon, o mundo está em paz e apenas os amigos de Hibiki Yuuta, Takarada Rikka e Utsumi Shou, se lembram de tudo o que aconteceu e a batalha contra Shinjou Akane e Alexis Kerib. O próprio Yuuta apesar de informado de seus feitos, não se lembra de nada. Quando um novo Kaiju aparece na cidade, é a oportunidade de Yuuta voltar a se fundir com Gridman e lutarem juntos acompanhados de toda a trupe de Dynazenon para salvar não só a cidade, mas o universo.

Dificilmente vou conseguir comentar algo sem entregar algo importante da história. É importante ser familiar desde a série de tokusatsu de ’93 até as duas séries de anime subsequentes. Ajuda também ficar em dia com a adaptação americana de Gridman, Super Human Samurai Syber Squad, que foi muito popular aqui no Brasil nos anos 90. Tudo está conectado.

Sendo uma produção do Studio Trigger, já podem esperar uma qualidade absurda de animação, cenas de ação e um roteiro significativo e profundo tal qual foram seus antecessores.

Infelizmente o filme não está, ainda, disponível oficialmente para ver no Brasil, mas assim que estiver, se vier, esse post será atualizado, mas por enquanto, somos obrigados a recorrer aos meios “Gokaiger” para assistir essa preciosidade que não só é um dos melhores animes dessa temporada, mas com um dos melhores do ano mesmo.

Primavera 2023

Oshi no Ko

Esse aqui eu tive muita resistência em assistir após o desnecessário episódio inicial de 1 hora. Não pela história, mas pela 1 hora. Frescura minha? Talvez. Mas não deixou uma boa primeira impressão, apesar de impactante. Acabei insistindo um tempo depois e acabei assistindo o anime até fora de sua temporada, mas assisti e fiquei encantado. Admiti e reconheci todos os elogios que essa produção recebeu e não é para menos sendo um produto derivado da mente criativa de Akasaka Aka, criador de Kaguya-sama: Love is War e do ilustrador Yokoyari Mengo, tendo como trabalho mais famoso o próprio Oshi no Ko, somado a isso a produção de altíssimo nível trazido pelo estúdio Doga Kobo que já tinha meu selo de confiança por ser o responsável de alguns animes favoritos meus como Sing Yesterday for Me, Majestic Prince, Asteroid in Love e Shikimori’s Not Just a Cutie.

Oshi no Ko vem com a proposta de jogar no ventilador o lado mais podre e sombrio do mundo do entretenimento, para isso damos palco a Hoshino Ai, uma adolescente de 16 anos e uma Idol em ascensão que está grávida. Ela conhece o médico ginecologista Amemiya Gorou que fica responsável por cuidar dela e secretamente é um grande fã da idol. A gravidez de Ai é um segredo, mas mesmo assim um fã fanático consegue stalkear a idol até o hospital e numa tentativa de protege-la, Gorou acaba morrendo em um acidente. Para sua surpresa, ela renasce como um bebê, filho de ninguém mais, ninguém menos que a própria Hoshino Ai e com todas as lembranças da sua vida anterior. Agora ele irá usar essa segunda oportunidade de vida para vingar sua mãe, que é eventualmente brutalmente assassinada por um fã fanático que não aceitava que ela havia tido filhos.

Critica social somado a um incrível thriller de investigação e arco de vingança pessoal. Oshi no Ko entrega uma verdadeira novela global cheia de reviravoltas, tensões e personagens que vão te marcar e talvez fazer você até mesmo se identificar. Claramente um dos animes que mais marcou o mundo em 2023 e vai continuar marcando em 2024 com a 2° temporada já confirmada e anunciada. Se ainda não pode assistir, faça agora!

My Home Hero (Crunchyroll)

Falando em novela, em 2023, esse anime FOI a minha novela!

My Home Hero é a adaptação do mangá de mesmo nome criado pela dupla Asaki Masashi (arte) e Yamakawa Naoki (roteiro), com produção do anime pelo estúdio Tezuka Production. Além disso também recebeu duas adaptações em live-action como um dorama de 3 episódios e um filme.

Tantas formas de aproveitar esse título e todas corretas. Mais que merecido, afinal esse aqui foi o anime que mais me fez sentir como se fosse infartar a cada episódio. Para quem gosta de um drama policial/máfia que te deixa na beirada da cadeira com aquele cliff hanger absurdo que aluga um triplex na sua mente por uma semana inteira até o próximo episódio, então esse é o anime para você.

Acompanhamos Tosu Tetsuo, um humilde pai de família, típico salaryman japonês e amante de romances policiais que vê a ficção que tanto admira virar realidade diante dos seus olhos ao descobrir que o namorado de sua filha está planejando fazer crueldades com ela além de aplicar um golpe. Antes que isso aconteça, ele encontra o delinquente que faz parte da Yakuza e o mata por acidente. Agora ele tem que fazer todo o possível para proteger a sua família contra a máfia, a policia e quem mais aparecer em seu caminho.

Quando eu assistia a My Home Hero eu esquecia que estava vendo a um anime. Era tão intenso e interessante que só conseguia definir ele como uma novela dramática e adoro quando um anime atinge esse patamar pra mim. Não é sempre que assisto a algo desse gênero e fico feliz quando apareceu um excelente. O anime também está disponível dublado na CR além das versões live-action estarem disponíveis na Netflix. Não contente, o mangá ainda está sendo publicado no Brasil. Vocês têm todos os motivos para assistir a essa história, é só escolher como.

Mobile Suit Gundam: The Witch from Mercury 2° Temporada (Crunchyroll)

Mais uma vez, eu evito por sequencias, mas se eu não colocasse esse na lista eu estaria mentindo para mim mesmo, para vocês e entraria em combustão espontânea.

O que falar de G-Witch que já não tenha sido dito?

Não é surpresa para ninguém o quanto eu amo a franquia Gundam e em textos anteriores já deixei claro a importância que G-Witch teve para a mesma. A primeira protagonista feminina para uma série de TV, uma série altamente representativa e diversa em seu elenco de personagens e até mesmo um casal LGBTQ+ muito bem desenvolvido na figura de Suletta Mercury e Miorine Rembran (ou SuleMio para os íntimos). G-Witch se tornou uma obsessão que mesmo a quase ano depois de sua conclusão, sigo encantado e fascinado com tudo o que ele apresentou.

Nessa segunda temporada acompanhamos os eventos após o chocante final da parte 1 e o relacionamento de Suletta e Miorine está em risco. Além de tudo a tensão entre a Terra e o espaço está cada vez mais sensível e todas as peças estão se movendo para uma conclusão nada feliz. Nossas protagonistas vão fazer de tudo para reconciliar não só o seu romance, mas como também desvendar os mistérios que envolvem a Gundam Aerial que pode ser a chave para a resolução de todos os conflitos.

Há muitas discussões sobre o quão de fato “bom” foi G-Witch. Existem respostas para muitos dos questionamentos como uma produção feita as pressas, uma tentativa de renovação da franquia então havia um pouco de receito de até onde levar e claro, o talvez mais popular de todos, a polêmica em torno do final da série que houve um desentendimento entre a Bandai/Sunrise, detentora dos direitos de Gundam, e as pessoas de fato envolvidas com a produção como diretores, roteiristas e desenhistas. Gerando até mesmo uns eventos inacreditáveis como a união do staff em lançar um artbook não oficial, mas ao mesmo tempo oficial, só para contradizer “aquelas” palavras ditas pelos cabeças da Bandai/Sunrise.

Polemicas a parte (que inclusive já estão até mesmo resolvidas) G-Witch foi um marco para a indústria, para Gundam e para a minha vida e de muitos outros que viram aqui uma porta de entrada excelente para conhecer o universo de Gundam e também perceber que a franquia, apesar dos pesares, está sim disposta a se reinventar e evoluir para os tempos atuais.

Lembrando que G-Witch também está disponível dublado na CR!

Verão 2023

Bleach: Thousand-Year Blood War – The Separation (Disney +)

Realmente esse ano vai ficar difícil manter minha regra pessoal pra esses rankings.

Yada yada, meme do Vilson ser o último fã de Bleach do planeta, mas sejamos justos, o Studio Pierrot está entregando um belo exemplo de como não só adaptar um clássico shonen de lutinha, mas como melhorar ainda mais a experiencia tanto para quem já havia acompanhado o mangá, assim como quem está familiarizado apenas com o anime antigo. A direção de Tagushi Tomohisa (Persona 4: The Golden Animation, Digimon Adventure: Last Evolution Kizuna e Digimon Adventure 02: The Beginning) trouxeram uma camada artística estupenda que faz com que cada episódio seja memorável por sí só, dando vida a momentos icônicos da história que antes só podíamos imaginar como eram em cores e movimento. Somado a isso temos o próprio Tite Kubo de perto acompanhando e supervisionando cada passo da produção, tendo agora a oportunidade de completar a história que é o apogeu de sua carreira.

E o que acontece nessa temporada? Pegamos nossos heróis se recuperando da surra que levaram do “NaziJesus” Yhwach e todos tem um tempo para se preparar para a nova invasão dos Quincy. Ichigo, Renji, Rukia e Byakuya vão para a base do Esquadrão Zero para se recuperar e treinar. Os outros shinigamis fazem o que podem para enfrentar a maior ameaça que já viram sem sua principal arma, suas Bankais, que os Quincy têm a habilidade de roubar e usar contra eles.

Muitas pessoas estão mudando de ideia sobre Bleach com esse arco, que está sendo muito mais épico e significativo do que outros que vieram antes. Somado a isso com uma animação de tirar o folego e lutas que vão ficar para a história dos animes. Mesmo que você não tenha visto Bleach antes, vale a pena assistir nem que seja só esse arco final da história.

Minha Crush Esqueceu os Óculos (Crunchyroll)

Vou confessar uma coisa. Quanto mais velho vou ficando, por algum motivo, esses animes de romances colegiais me conquistam cada vez mais. Antes eles me incomodavam e até me irritavam, mas agora deu um 360° na minha visão sobre eles e tem sido o gênero que mais tem me trazido risadas e relaxamento. É bem reconfortante e divertido ver os jovens em suas inocências perseguindo seus sentimentos românticos e eu fico aqui genuinamente apoiando e torcendo pelo seu sucesso, ocasionalmente dizendo para tela algo como “que bonitinho as crianças vivendo a vida, aproveitem, curtam, pois logo a vida adulta vem e VAI FICAR TUDO UMA M****”

E assim esse anime sobre um jovem adolescente vivendo uma paixão por sua colega de classe que, como indica o título, vive esquecendo seus óculos, acabam desenvolvendo um belo relacionamento de amizade, confiança e até algo a mais. Isso por si só já serve como uma boa sinopse sobre o que vamos ver no anime. De alguma forma a Mie Ai, a crush do nosso protagonista, Komura Kaede, vai perder seus óculos e sem eles ela é praticamente cega, gerando várias confusões e no processo ambos vão depender um do outro para seguir com suas vidas cotidianas.

Eventualmente, Mie passa até a esquecer de proposito os óculos por que ela quer que o Komura tenha mais proximidade e cuide dela, assim como o Komura precisa muito trabalhar sua mente que vai a mil por hora exagerando situações muito simples e adquirindo mais autoconfiança para lidar com o sexo oposto. É fascinante ver a evolução do relacionamento dos dois nos pequenos momentos e sinais verdes que um permite ao outro de se aproximarem cada vez mais.

É mais um daqueles animes “quentinho no coração”, com uma boa dose de comédia. Além disso temos um trabalho primoroso do estúdio GoHands (K, Seitokai Yakuindomo) que elevaram demais a qualidade de sua produção com técnicas de animação que vão te deixar impressionado.

Baki Hanma 2° Temporada (Netflix)

Surpreso comigo mesmo por esse aqui ter chegado até aqui.

Nunca fui fã de Baki. Já havia assistido a temporadas anteriores e até a animações mais antigas e nunca havia me conquistado, até agora.

Nessa temporada o homem mais poderoso da Terra é descoberto. Seu nome é Pickle e ele é um homem das cavernas que foi revivido em tempos modernos. Sua existência por sí só desperta o interesse de todos os lutadores mais fortes do planeta que querem se colocar a prova contra o homem pré-histórico que lutava diariamente contra as criaturas mais poderosas que já houveram no planeta, os dinossauros. Eles se enfileiram por uma oportunidade de trocar socos contra Pickle. Dispostos até mesmo a virar alimento do mesmo caso sejam derrotados. Além disso a temporada se encerra fechando o arco de Baki e seu pai Yuujirou, que finalmente irão se confrontar e responder a pergunta: Será que eles podem ser uma família normal?

A formula de Baki é simples: abrace o exagero. É isso que ele é e nunca mentiu. Quando me impus esse mindset, finalmente ele clicou comigo e principalmente nessa temporada foi quando as melhores coisas da série aconteceram. O Pickle se tornou meu personagem favorito e o arco final com a luta do Baki e o pai é perfeito. O ápice do que Baki tenta ser.

Se está disposto a apenas desligar o cérebro e curtir um pouco de shonen de lutinha non-sense, Baki é um prato cheio.

Outono 2023

Frieren: Beyond Journey’s End (Crunchyroll)

Essa temporada foi a de longe mais difícil de escolher apenas 3 títulos para indicar aqui, mas de todos os animes, esse foi o primeiro que não havia duvidas que seria escalado.

Muito antes do anuncio do anime, Frieren não era um estranho para mim. A muito tempo ouvia falar desse mangá criado por Yamada Kanehito (roteiro) e Abe Tsukasa (arte) e cabei lendo pelo menos o volume 1 da obra. Sabendo que a adaptação animada iria ocorrer, decidi esperar ainda mais sabendo que o estúdio responsável seria a Madhouse que dispensa apresentações.

A história que acompanhamos é da elfa milenar Frieren e como ela começa uma nova jornada de redescoberta após ela junto com o grupo de heróis terem derrotado o grande Rei Demônio. Como ela tem um tempo de vida muito maior que a maioria das criaturas, sua noção de tempo é bem deturpada e ela percebe que não apreciou como deveria a companhia dos amigos Himmel, Eisen e Heiter que passou mais de 10 anos até vencerem o Rei Demônio, apenas depois da morte de Himmel, por idade avançada, é que ela decide ter uma segunda aventura agora na companhia dos discípulos de seus companheiros, Fern, uma humana maga que virou aprendiz de Freiren após ter ficado sob a tutela de Heiter e Stark, um humano guerreiro, aprendiz do anão Eisen. Seu objetivo agora é chegar ao “Céu”, um local cuja lenda diz que é possível encontrar com heróis do passado e ela ter uma reconciliação com Himmel.

Frieren é diferente de tudo que eu vi. Sua estética é como uma pequena campanha de RPG, mas sua temática é como se fosse o New Game +, você já fez tudo o que tinha que fazer, agora é hora de aproveitar o mundo. A principal discussão do anime é o tempo. A percepção distorcida de tempo de Frieren nos faz refletir sobre a nossa percepção de tempo e o quanto devemos dar mais valor ao pouco tempo que temos nessa vida. 10 anos para ela são como 10 minutos para a gente. Nós vamos aprender junto com ela a importância de tirar o máximo de valor do nosso tempo de vida, seja você um humano simples ou um elfo que pode viver por milhares, senão centenas de milhares de anos.

Mais um que digo com tranquilidade, não só um dos melhores animes dessa temporada, mas um dos melhores animes do ano.

OVERTAKE! (Crunchyroll)

Estava faltando um anime de esporte nessa lista, não é mesmo?

Na mesma temporada tivemos dois animes com temática de corrida de carros, esse e MF Ghost, a sequência da franquia Initial D, um dos animes mais icônicos da história. Para meu espanto, quem fez o pódio acabou sendo Overtake! Não que MF Ghost não seja um bom anime, mas Overtake também se provou excelente e sendo bem honesto, foi o anime em 2023 que mais me fez chorar. Espero que curtam um bom drama e já separem a caixinha de lenços, vão precisar.

O protagonismo nessa série é dividido entre Madoka Kouya, um fotografo jornalístico fracassado que não consegue tirar fotos de pessoas e Asahina Haruka, um jovem piloto de F4 (uma categoria inferior da popular F1) que luta com sua singela equipe Komaki Motors para conseguir destaque e quem sabe um dia chegar no pódio.

Trauma, depressão e ansiedade geralmente não são os tópicos que você espera ver ao dar de cara com um anime sobre uma equipe vivendo nas tabelas da categoria mais baixa do mundo das corridas competitivas, mas é isso que Overtake vem oferecer. Kouya tem um trauma profundo de um backlash que recebeu após a publicação de uma foto em que ele registrou o momento exato em que uma garotinha era engolida por um tsunami, com as pessoas acusando que em vez de tirar a foto, ele poderia ter ido lá ajuda-la e por consequência do trauma, ele perdeu a habilidade de tirar fotos de outras pessoas. Haruka almeja alcançar o patamar que seu pai, também um corredor de F1, deixou, mas infelizmente veio a falecer após um acidente na pista. Um quer chegar ao pódio por seu próprio esforço e talento o outro quer ter sua alma e trauma curados para poder registrar o momento em que Haruka é um vencedor. Você jamais esperaria que esses dois tivessem tanto para acrescentar na vida um do outro, mas aqui estamos.

Pluto (Netflix)

Ozamu Tezuka e Naoki Urasawa. Não tem como dar errado uma combinação dessas.

Não vou pagar de cult. Não sou tão consumidor assíduo nem de Tezuka e nem Urasawa. Conheço os clássicos, já passei o olho em algumas coisas, mas reconheço a grandiosidade de uma dupla dessas. Ambos são milestones para o mundo dos mangás e toda essa pompa pode ser admirada nessa adaptação mais do que especial de um dos mangás mais elogiados de todos os tempos.

Pluto é uma adaptação de Tetsuwan Atom (Ou Astro Boy como popularmente conhecido), mais especifico a adaptação do que é considerado o melhor arco da história do pequeno robozinho. O traço mais tradicional e “cartoonesco” de Tezuka é substituído pelo belíssimo desenho de Urusawa fazendo uma releitura da história como só a mente por trás de clássicos como Monster e 20th Century Boys conseguiria fazer.

Acompanhamos a história do detetive robô Gesicht que fica encarregado de investigar o assassinato do super popular e carismático robô Montblanc, um herói de guerra aposentado. Muitas coisas estranhas rodeiam esse caso e acaba envolvendo os considerados robôs mais poderosos da Terra, entre eles, Atom. Tudo converge de que o culpado de uma série de assassinatos de robôs e humanos seja um robô chamado Pluto e sua existência irá trazer à tona verdades que Gesicht será colocado no limite.

Já tinha sim ouvido falar sobre Pluto, é impossível estar nesse meio e não conhecer um clássico como esse. Fiquei grato de uma adaptação animada de tão alta qualidade ter sido feita e me sinto privilegiado de estar vivo para testemunhar esse evento. O que vou falar agora pode soar com um sacrilégio para alguns, mas algo que me desanima de buscar clássicos do Tezuka é justamente o estilo de arte dele. Longe de mim questionar sua importância e tudo mais, entretanto nunca foi o maior dos chamarizes para mim o seu traço super característico, então ter a pegada do Urasawa dando uma modernizada em todo o conceito me ajudou demais a emergir na história. Eu acredito que nunca mais foi esquecer os sentimentos e sensações que tive ao assistir o episódio 2 de Pluto (a história do North #2), uma obra de arte que com certeza só me marcou por estar nesse formato.

Para não dizer que tudo está perfeito, confesso que os episódios de uma hora ou até mais são um pouco exaustivos dada a carga dramática e emocional que te conduzem e foi difícil maratonar, tendo que assistir quase que obrigatoriamente um episódio por dia ou a cada 2 dias para poder absorver tudo como deveria. Cada um dos 8 episódios adapta um volume inteiro do mangá que se baseia. Ficaria feliz se tivéssemos talvez o dobro de episódios, mas eles fossem mais dosados e pausados, mas isso é só a minha experiencia da coisa toda. Para outros pode não ter sido algo tão relevante. De toda forma, se você tiver que escolher só um anime dessa lista toda que fiz para assistir, sem dúvidas Pluto é o que coloco como maior prioridade.

Menções honrosas.

Como já mencionado, esse ano assisti mais de 40 animes diferentes entre as temporadas e claro que há muito mais tesouros a serem descobertos além dos top 3 citados.

Aqui uma lista rápida com alguns que deixo em aberto a recomendação que me marcaram tanto quanto os escolhidos antes.

– Aggretsuko: 5° Temporada (Netflix) A grande conclussão da jornada de trabalho e libertação da nossa panda vermelha favorita.

– Hell’s Paradise (Crunchyroll) Um battle shonen sobre o governo japones usando perigosos presidiarios para acharem o elixir da vida eterna em uma ilha mágica e misteriosa.

– Skip and Loafer (Crunchyroll) Um slice of life super fofo sobre uma menina do interior que se mudou para Tóquio e está em busca de fazer novas amizades.

– Magical Destroyers (Crunchyroll) Uma cómedia non-sense sobre um orgão do governo cujo único objetivo é destruir a cultura otaku e o Otaku Hero junto com seu grupo de Garotas Mágicas vão defender o direito de ser… otaku?

– A Veterana Pitica da Firma (Crunchyroll) Uma romcom sobre um novo funcionário em uma firma de publicidade que se apaixona pela sua supervisora que é super baixinha, mas com um coração enorme.

– Bastard!! – Heavy Metal, Dark Fantasy – Hell’s Requiem Arc (Netflix) Doideira, ação e muito rock’n rolll.

– Gamera Rebirth (Netflix) Pela primeira vez a tartatura kaiju amiga das crianças está sendo adaptada em anime.

– Shy (Crunchyroll) Acompanhamos a herói novata Shy, uma menina super tímida, lutando contra um inimigo que quer destruir o mundo como o conhecemos dando liberdade para todas as pessoas (???)

– Scott Pilgrim Takes Off (Netflix) A tão aguardada adaptação animada do clássico moderno Scott Pilgrim. De gibi, para filme e agora para anime, mas com um pequeno twist que pode te pegar de surpresa.

Aqui se encerra mais uma humilde lista de recomendações de animes de 2023. Foi um ano incrível para se apreciar tantos bons títulos e que em 2024 tenhamos muito mais coisas ótimas para assistir.

Até a próxima!

Se voltarmos no tempo, com os primeiros heróis da cultura pop americana, matar era uma coisa assustadoramente normal.  Começando pelos famosos livros de detetive, o personagem Sherlock Holmes influenciou uma onda de livros a popularizar pelo mundo, embora esse conhecido personagem não matasse seus inimigos, os escritores acabavam pedindo por trabalhos mais hardcore para o público da época que pedia algo a mais, assim nasceu o famoso gênero do detetive noar. Esse tipo de livro envolvia assassinatos, depravação, traição e todo tipo de tema considerado mais “Adulto” e também os famosos atos de “Heroísmo”, afinal  ainda era sobre um protagonista enfrentando caras maus.

Em seguida veio o percursor do gênero de quadrinhos de heróis, os “Quadrinhos Western”. São histórias nas quais pistoleiros baleiam inimigos ou indígenas. Esse tipo de quadrinho era muito popular pelo público infantil, afinal séries e filmes de Cowboys e todo outro tipo de mídia era o que dominava a cultura popular da época. As crianças pegavam arminhas de brinquedo e brincavam de balear seus coleguinhas na escola. Um estereótipo que remete bem essa época é o personagem Mike Teavee no famoso livro A Fantástica Fábrica de Chocolate ( Charlie and the Chocolate Factory), um garoto vestido de pistoleiro, agressivo, que ama a violência afinal era com ela que ele crescia, então idolatrava.

Agora vamos um pouco mais no futuro, os chamados “Quadrinhos de herói”, um dos maiores ícones desse gênero é o famoso Batman.  Esse conhecido personagem nasceu sob influência dos dois gêneros que citei anteriormente, o Detetive Noar e o  Cowboy Weastern. Batman era um detetive, mas também andava com seu parceiro Robin (um clichê comum no gênero weasterm). Ele espancava os caras maus, desvendava assassinatos e também matava. Sim, ele matava.  Era comum nos primeiros quadrinhos vermos o Batman enforcando seus inimigos ou até mesmo baleando e ele não era o único herói a fazer esse tipo de coisa.

Com o tempo, graças as reclamações do público (e também pelo próprio personagem), uma lei foi implementada nos heróis da seguinte década, a “Regra de não matar”. Heróis não matam.  Os personagens de quadrinhos ainda resolvem as coisas com os punhos, mas matar nunca. Matar é coisa de vilão, matar é antiético, matar é anti-cristão e isso não deve ser normalizado. Porém, é claro que os vilões não vão deixar de morrer na ficção. Não podemos deixar o público achar que quem comete atrocidades pode sair impuni. Por isso nos clássicos da Disney (o maior exemplo da época de filmes para o público infantil, que gerou uma base para esse tipo de produção que continua até hoje) os vilões quase sempre acabavam morrendo no final, não assassinados pelo heróis mas caindo por acidente de algum penhasco. O clichê do vilão caindo de algum lugar pela própria desatenção é muito comum em produções infantis e isso pode refletir até em filmes de heróis.  No filme Batman de 1989 (só um ano pra ser considerado um  filme dos anos 90 aliás) o herói simplesmente deixa o personagem cair para morrer. Nos filme do Homem Aranha, começados em 2002, todos os vilões morrem de forma similar: Doende Verde é perfurado por acidente por sua própria lamina, Doutor Octopos se sacrífica para impedir sua própria maquina, Venom pula em uma explosão;  todos exemplos de vilões cometendo praticamente suicídio. Desde que não seja causado pelo herói está tudo bem matar o vilão.

Boa parte da mentalidade de não matar acaba vindo de valores de uma sociedade cristã (das leis também, mas estou me referindo ao conceito de banir essa ideia em todo lugar como um todo e não o ato em si), assim como os conceitos de herói do ocidente que são influenciados pelo herói cristão, tendo como base Jesus Cristo, por isso tantas analogias com o auto sacrifício pelo bem maior desse tipo de herói (Superman é um dos heróis com maior número de analogias a Jesus).

Estou falando sobre produções americanas, não é? Mas e as japonesas? Os heróis ocidentais, assim como seus vilões, seguem a ideia cristã do anjo e do demônio, do bem e do mau, do certo e do errado, do céu e do inferno. A divisão de moralidade é muito mais clara, enquanto os heróis japoneses nem tanto. Se formos considerar, a maioria dos heróis japoneses podem ser considerados anti-heróis no ponto de vista ocidental. Na abertura do Tokusatsu Jiraiya  existe um trecho no qual a versão brasileira canta “Ele luta pela vida” e tem uma cena de um carro de vilões explodindo. Um dos exemplos antigos é o personagem Black Jack de Osama Tesuka, que mata o filho de um homem rico para proteger um garoto pobre logo em sua primeira história.  Os exemplos são muitos, matar seus inimigos foi o padrão de mangás em geral, principalmente na década de 80 e 90. Um dos mangás mais populares da época na Shonen Jump (uma revista para garotos jovens) era Hokuto no Ken, a história de um homem musculoso em um mundo pós-apocaliptico, em que explode seus inimigos de dentro para fora de maneira brutal. Nessa mesma época tínhamos Goku assassinando vários membros da patrulha vermelha e Seya matando cavaleiros de ouro com suas mãos. Tudo aceitável para passar na televisão e crianças assistirem.

Nos anos 80 e 90 eram bastante populares pelo público adulto filmes de ação de homens agressivos assassinando um monte de inimigos, como Robocop e Rambo. E embora, sim, sejam filmes direcionados para o público adulto, eram bastante populares entre as crianças (citei esses dois em específico por que ambos receberam desenhos para o público infantil, embora a violência tenha sido removida isso ainda é uma decisão questionável). Um personagem famoso entre o público infantil da época era Conan o Bárbaro. A Mattel queria vender brinquedos do personagem ao público infantil, um dos personagens mais brutais da ficcção, e assim veio o surgimento do personagem He-Man.

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Muitas produções violentas na época eram populares com o público infantil. O ocidente continuava faturando com isso, mas claro fazendo uma versão mais censurada desses personagens. Mas e quanto ao Japão?  O Japão não se importou em fazer mangás nesse estilo sem censura , afinal se funcionou lá funcionaria aqui não é? O gênero de mangá violentos se popularizou no Japão, com Dragon Ball passando de um mangá de comédia para um mangá de lutas sangrentas e Saint Seya tendo uma adaptação em anime com litros de sangue na tela. Uma década de tanta violência criaria um padrão de gênero e para cada gênero pré-estabelecido vem a sua desconstrução.

O Herói Pacifista dos anos 2000

Os anos 2000 foram a década em que o jogo virou no mundo Shonen. Passamos de heróis que resolvem tudo na base da violência para heróis que preferem conversar e resolver as coisas pacificamente. Embora nos dias de hoje, depois de mais de uma década, com tantos heróis pacifistas isso virou motivo de memes (o clássico Naruto e seu discurso no jutsu), era  um caminho natural a se seguir, afinal até violência cansa. Nessa década tivemos personagens como Naruto que resolve as coisas na conversa, Yoh de Shaman King que não gosta de lutar, Samurai X e muitos outros.

Mas claro mesmo os personagens sendo anti-guerra e pacifista vemos eles matando vilões constantemente. Naruto já matou um membro da Akatasuki que estava sendo enganado pela organização e Kakuzo, por exemplo. Mas a diferença é que agora os personagens tentam evitar matar ao máximo. De todos os personagens pacifistas dessa época, um em específico que eu acho mais interessante é o Vash, o Estouro da Boiada (sim vou usar a tradução da dublagem) do anime Trigun.

Trigun um anime que fala sobre o valor da vida

Embora o mangá tenha sido lançado em 96 e o anime em 98, vou considerar como um anime dos anos 2000, afinal segue muito o clichê de mangás dessa época e foi lançado no Brasil nessa época. Também vou deixar claro que me refiro a versão animada pelo estúdio Madhouse no ano de 98 e não a versão original em mangá. Existem diferenças entre uma versão e outra, o mangá vangloria mais a violência que sua versão animada, o que foge bastante da ideia que quero discutir nesse post. Vou falar sobre o anime de 98 e o porquê de ele se diferenciar de outros animes que abordavam esse tema de não matar de forma superficial. Deixando claro que terão alguns spoilers a partir daqui.

O início do anime tem um clima diferente do que viria em sua segunda metade. Começa com duas funcionarias de uma agência de seguros seguindo um lendário pistoleiro chamado Vash, O Estouro da Boiada, pois esse pistoleiro, além de ter uma recompensa enorme em seu nome, é dito como responsável por uma série de desastres. Como mencionei anteriormente, um dos gêneros mais famosos nos Estados Unidos era o Western violento; e a ideia de ser um mangá japonês se passando em um universo Western retro futurista e abordar o tema da violência (que eu discuti no inicio desse post, esse começo não foi filler) é muito interessante. Afinal esse é justamente um dos gêneros que começou os quadrinhos de herói e influenciou os mangás em geral. O anime começa como uma série de comédia na qual o nosso protagonista tenta evitar situações que podem resultar em assassinato.  É um mundo onde a maioria das pessoas usam armas de fogo, uma ferramenta de matar. Nosso protagonista é um dos seres com maior poder destrutivo desse mundo, mas mesmo assim ele tenta dominar essa ferramenta para evitar que ela seja mau usada pelas outras pessoas.

É um anime em que sabemos que o protagonista tem um poder destrutivo muito maior que a maioria dos personagens, com força para furar uma lua. Ainda por cima tem uma habilidade excepcional com armas de fogo e mesmo assim conseguimos sentir tensão em cada cena. Existem muitos mangás em que o protagonista tem mais poder que seus antagonistas, Isekais ou o famoso One Punch Man por exemplo. Mas esse tipo de história ou é tratado como puro auto-insert (como no caso dos Isekai) ou o lado do humor (como em One Punch Man ou Assassination Classroom), afinal muito poder remove a tensão na narrativa. No caso de Trigun é diferente, a questão não é vencer, é vencer sem matar.

Até mesmos personagens pacifistas de Shonen recorrem a matar quando não se tem escolha – Goku em Dragon Ball Z se recusava a matar diferente de sua versão clássica, mesmo assim já matou diversos vilões. Vash é diferente, ele jamais trai sua ideologia. Mesmo sendo baleado, mesmo vendo pessoas inocentes morrendo em sua frente ele não mata, isso é a principal questão desse anime: se isso é certo ou hipócrita?

Quantas vezes já vemos alguém se questionando o porquê do Batman não matar o Coringa e, embora seja abordado as vezes nos quadrinhos, por serem histórias cíclicas essa questão vai ser ignorada nas histórias do morcego uma hora ou outra. Dai vem a grande vantagem da narrativa linear dos mangás, você poder abordar as consequências de cada decisão dos personagens.

Vemos o sacrifício que Vash tem que lidar por seguir essa ideologia em um mundo que não se adequa a ela. Não é um mundo cristão, não é um mundo com leis claras. A única coisa que motiva esse protagonista a se sacrificar para evitar mortes é o valor a vida, que foi ensinado a ele por sua mãe adotiva.

Vash tem, como todo Shonen, um companheiro/rival, Nicolas Wolfwood, um padre de óculos escuros que carrega uma cruz gigante cheia de armas. Esse tipo de personagem mais sombrio que acompanha o protagonista é muito comum como Sasuke, Vegeta, Shadow, uma versão Anti-herói do protagonísta. Eu gosto como esse estereótipo de personagem é usado aqui para discutir essa questão. Eesse é um herói como o protagonista mas ele mata quando necessário, ele não vai deixar alguém morrer para poupar a vida do vilão. Acho interessante esse personagem ser justamente um padre cristão porquê ele segue justamente o protagonista herói cristão na ficção, ele diz ser contra violência mas mata quando não tem escolha. E, claro, é o tipo de personagem que o público geral mais aceita. Sua morte é uma das mais bonitas do mundo dos animes aliás, com uma música bíblica tocando de fundo e ele repetindo a frase “Não quero morrer”. A maioria das mortes heroicas em ficção acabam com o personagem aceitando a própria morte no fim. Mas dai vem o peso dessa cena, o personagem não aceita.

Pra finalizar vou falar de seu antagonista. Embora a versão em anime seja um personagem unidimensional, que parece querer matar humanos porque sim, ele funciona como antagonista nessa história.  Ele é o irmão gêmeo do protagonista, seu nome é Knives. Ele segue a ideia de morte enquanto o protagonista segue a de vida, simples assim. É simples, mas funciona. Existem pessoas que seguem esse tipo de pensamento simples na vida real. Tentar aprofundar de mais nesse aspecto (como o remake do anime lançado no início desse ano fez) só faz o personagem perder a sua ideia central. Não é sobre o personagem enfrentando um outro vilão, é sobre uma ideologia enfrentando a outra.

O anime termina com um duelo entre os dois e como sempre o protagonista ganha, mas o anime não chega a dizer que o jeito que o protagonista vive é o correto nem que todos devem seguir essa ideologia. Isso é que eu acho mais genial sobre esse anime. Não se trata sobre a mensagem que o anime tem para o público, é sobre o próprio personagem e o caminho que ele vai lutar para atingir.  O anime mostra os lados pró e contra de sua ideologia e não vangloria suas atitudes, mostrando que tem momentos que não se tem escolha. Uma das cenas mais triste do anime é quando Vash é obrigado a matar pela primeira vez para salvar suas amigas, mostrando que sim tem vezes que essa ideologia não funciona mas a questão não é sobre ela é sobre o personagem em sim.

Não vou falar mais porque esse anime tem muito a se discutir e não quero um post excessivamente grande. Tem o mangá que ainda tenho que finalizar. Deixando claro que não acho o mangá inferior, só que por mostrar a violência de forma mais explicita acaba seguindo um caminho diferente do anime e abordando outras questões. Quando finalizar o mangá faço uma matéria discutindo o mesmo. Esse é o fim do post “Amor e paz” ( “Love and Piece”).

o anime esta disponível no Crunchyroll

Digimon Adventure foi lançado no Brasil nos anos 2000 com uma ótima campanha de marketing o que fez com que a franquia tivesse um sucesso enorme no nosso país. Tazos, bolachas, pastas de dente, figurinhas, brinquedos, quadrinhos originais feitos no Brasil, uma abertura cantada pela famosa Angelica, reprises imparáveis no canal Fox Kids. A campanha de marketing fez com que a franquia tivesse um sucesso ainda maior que seu concorrente Pokemon ( Embora o primeiro filme de Pokemon ainda seja o filme de anime com maior bilheteria no país).  Mas Digimon é uma franquia conturbada, embora fosse mais linear ou madura que sua concorrente Pokemon, sofria por ser escrita por diversos roteiristas. O que em uma série episódica como Pokemon pode funcionar, mas uma linear como Digimon levava a diversas inconsistencias na narrativa. O elenco do protagonistas as vezes mudava de personalidade dependendo do roteirista, algumas tramas eram deixadas de lado, personagens como Taichi eram mais definidos pelo seu brazão que sua personalidade em si, sendo medroso, corajoso, intelingente ou burro dependendo do episódio e não de forma coerente, isso, assim como a qualidade de animação muito baixa que me fizeram depois de adulto, embora gostar, não considerar o melhor anime da franquia.

Adventure começou como um filme piloto feito pelo diretor Mamoro Hosoda baseado em um brinquedo chamado V-Pet. Nos anos 90 eram muitos famosos os brinquedos Tamagoshi nos quais você devia criar um bichinho, alimentar e cuidar como se fosse um animal de estimação real. A mesma empresa criou V-Pet como uma alternativa desse brinquedo para competir com Pokemon. Você ainda limpava seu coco, ainda cuidava de seu bichinho mas você treinava e botava para lutar. O brinquedo acrescentou uma mecanica interessante na qual você evoluia seu bichinho em diferentes linhas evolutivas dependendo de como você o criava.

Hosoda nesse filme piloto colocou todos os elementos do brinquedo original, com crianças encontrando seus Digimons e cuidando como bichinhos. Desse piloto Digimons são criaturas agressivas assim como nos brinquedos originais e adoram lutar. Todos os conceitos do piloto de Hosoda foram descartados com a chegada do anime Digimon Adventure (embora o filme seja considerado canonico no universo do anime) e ao invés disso um novo diretor assumiu, Hiroyuki Kakudõ. Esse diretor veio com novas ideias: E se tivessemos um elenco maior de protagonistas? E se eles evoluissem com o poder da amizade ao invés de treinamento? E se seguissem evoluções lineares? E se eles voltassem a ser fofinhos? Kakudõ modificou varios elementos da franquia a ponto de ela ficar irreconhecível. Os Digimons ao invés de terem seus visuais agressivos como no material original agora eram fofinhos, agora falavam e não eram mais bichinhos de estimação, eram amigos (o que vai contra toda ideia da franquia ser chamada V-Pet). Kakudõ dirigiu duas séries de Digimon, Digimon Adventure e Digimon Adventure 02, na época sem ter pesquisado a fundo sobre a franquia por isso ter ficado como ficou. Anos depois dirigiu o filme elogiado pela crítica Digimon X Evolution, dessa vez sim pesquisando sobre o lore da franquia. Mas desde então não tem retornado para a franquia com excessão de ser supervisor no game baseado em Digimon Adventure para PSP.

Coloquei o contexto no paragrafo anterior para mostrar o quanto as produções novas de Adventure foram prejudicadas. Hosoda não retornou nessas continuações e nem Kakuzõ. Embora Kakuzõ tenha feito uma má adaptação da franquia, todos os conceitos que ele criou o público gostou, tanto que permaneceram em todas as séries de Digimon desde então. Remover o príncipal diretor do Adventure nessas continuações, querendo ou não, as fazem parecer mais fanfics do que continuação por assim dizer. Os ovas Digimon Tree se sentinham assim, os personagens não batiam com suas personalidades de Kakuzõ. Os Digimons, embora em dialogos são ditos como melhores amigos dos protagonistas, raramente interagiam com os mesmos com o decorrer da história, sem falar de elementos inventados como Digimons morrer porque sim depois de um tempo. As ultimas continuações de Adventure foram realmente ruins mas será que essa mantem esse mesmo padrão de qualidade ?…

Por sorte não, de todas as continuações de Adventure é a que mais se sentiu fiel ao anime original, o que pode ser uma coisa boa ou ruim. Adventure 02 é uma das temporadas mais criticadas da franquia, graças a inconcistencias nas personalidades dos personagens, tramas ótimas que são deixadas de lado, narrativa perdida e muitas outras coisas. Eu particularmente gostei mais do que Adventure, o protagonista é mais ativo que Taichi, começa com um inimigo realmente aterrorizante e muitos conceitos de evoluções por armadura ou fusões são bem criativos. O problema é que em sua segunda metade não sabe onde ir e muitas coisas aleatórias aparecem. Mas em fim falemos do filme.

O filme pelo menos se sente como 02, diferente de todas as continuações de Adventure. Os personagens tem a personalidade que tinham em seu respectivo anime, os Digimons dessa vez interagem com os personagens ao invés de só ficarem parados com preguiça ou fome. Veemon e Daves interagem mais nesse filme que Tai e Agumon em todos os ovas e filmes de Adventure, dessa vez realmente sentimos que esses humanos e Digimons são amigos. Eu realmente fiquei emocionado  com a música do 02 passando no cinema, porque Buterfly (Abertura do Adventure) passou centenas de vezes no filme e nos ovas e essa música nunca passou no Brasil, enquanto  a abertura de 02 sim passava na TV. Mas ai que está o grande problema desse filme embora eu tenha elogiado esses elementos  o filme entrega pouco deles.

Os protagonistas de Adventure não são protagonistas do filme

O filme teve a ideia de introduzir um novo personagem para o filme e 90% do filme não vamos ver os personagens que vimos na infancia depois de anos, vamos ver esse novo personagem que acabamos de conhecer, isso é um defeito enorme do filme. Embora o personagem novo tenha seu carisma, uma construção, um desenvolvimento e ele que resolve o problema no final, se a ideia é vender um filme com os personagens de 02 depois de anos é porque quer entregar ao público os personagens de 02, cada minuto que passei com esse personagem novo eu queria com os personagens de 02. Os ovas e filmes de Adventure mesmo não respeitando os personagens pelo menos mostravam eles como protagonistas, diferente desse filme. Destaque para a dublagem brasileira que fez eles realmente parecerem como vimos anos atrás, sem parecer forçado. A dublagem pode mudar totalmente a percepção de um produto.

Um filme de terror ?

Eu gosto como toda a primeira metade do filme é dirigida e construida como se fosse um filme de terrror, acho uma ideia genial você passar de um anime fofo que marcou a infancia de muita gente para um gênero mais adulto como é o terror e até incluir sangue explicito em tela. Essa primeira metade eu gostei muito, mas é uma pena que não foi além disso. A ideia de um anime de terror de Digimon não é nova, temos a franquia Ghost Game, mas direcionar esse tipo de coisa para o público adulto é uma coisa que gostei.  Já houve um mangá que tentou essa ideia (Shadow Star Narutaru) mas não foi bem executada. Digimon Tamers, um dos melhores animes da franquia, tentou ir por esse caminho e ficou muito bom. Infelizmente na segunda metade o filme se acovarda e tem um final exageradamente otimista e infantil, inconcistente com o que foi apresentado em sua primeira metade. Muda de um anime adulto de Digimon para um anime infantil de Digimon padrão, eu poderia da uma nota maior a essa filme se não fosse essa decisão. Mas eu entendo que pode ter muitas crianças assistindo ao filme no cinema e poderia dar problema seguir enfrente com isso mas dou um ponto pela tentativa.

Conclusão

De todas as continuações de Adventure essa eu considera a melhor em questão de ser um filme auto-conclusivo, é uma pena eu queria ver mais dos personagens. As lutas conscistem em enfrentar tentaculos, o que é meio sem graça mas pelo menos são muito bem animadas diferente do 02 original. Acho um filme bom, vale a pena ver no cinema como experiência. Poderia ser muito melhor se focasse mais nos protagonistas ou seguisse a ideia de ser mais adulto, mas não difere muito dos filmes do 02 de antigamente. E pela dublagem acho que vale a pena assistir, melhorou bastante a experiência.

No dia 22 de outubro, o dublador participou de um painel sobre dublagem no Animextreme, em Porto Alegre. Durante o evento, Briggs falou sobre como foi dublar o Brook, curiosidade sobre os bastidores de Mickey Mouse, sobre como seu pai o inspirou a ser dublador e também como ele conheceu seu ídolo Orlando Drummond (a voz do Scooby Doo).

Yo Ho Ho Ho

A primeira vez que Briggs conheceu Brook, o personagem de One Piece, foi quando chamaram ele para dublar o personagem. Mesmo conhecendo o anime, o dublador ainda não tinha chegado até esse ponto da história. Assim, esse foi seu primeiro contato com o Brook.  

Ele lembra de quando Glauco Marques, diretor de dublagem de One Piece, o convidou para fazer parte do elenco e lhe contou sobre o personagem. Havia achado o Brook um espetáculo logo de início, pois achava interessante uma caveira com um afro que era músico. Então começou a ler o mangá e assistir um pouco do anime para entender melhor o personagem. Briggs se impressiona com como ele aprofunda a personalidade, pois Brook tem uma parte de comédia, mas também tem a da tragédia, quando, por exemplo, ele sofre com a separação da baleia Laboon e com a morte dos seus companheiros.

Além disso, Briggs também comentou sobre Bink’s No Sake. O dublador chegou a se emocionar com a música. “Eu chorei um pouquinho, não tem como você não se emocionar”, disse ele.

Criatividade e “bobagens”

Às vezes os dubladores colocam falas e inventam brincadeirinhas que não estavam previstas originalmente. Briggs contou da vez que fez algo assim em Castores Pirados, desenho animado exibido em 1997 que conta a história de dois castores que saem de casa para levar a vida de solteirões na floresta. 

Nesse desenho, Briggs teve bastante liberdade criativa e pôde colocar um monte de “bobagens”. Em uma cena, por exemplo, ele faz o personagem cantar a música de Star Wars. Para ele, Castores Pirados foi seu trabalho mais divertido. Além desse desenho, Briggs se recorda que o diretor de Megas XLR também deu liberdade para ele colocar algumas brincadeiras.

Segundo Briggs, não é só ele que faz isso, tem vários outros dubladores que também improvisam algumas falas. “Os dubladores são muito criativos, todos os meus colegas são muito criativos”, disse ele.   

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Mas também existem limites. Ele não pode, por exemplo, fazer o Mickey falar palavrão. “O Mickey é o espírito e a marca da Disney, então tem algumas coisas que a gente tem que respeitar”, disse Briggs.  

Além disso, Briggs confessou que, às vezes, extrapolou um pouco durante as gravações de Mickey Mouse e o diretor teve que dizer para mudar. Durante os ensaios, ele, Anderson Coutinho (Pateta) e Cláudio Galvan (Pato Donald) falavam muita bobagem. “As pessoas passavam pela gente e falavam assim ‘ai vocês estão estragando a minha infância'”, contou ele rindo. Claro que essas bobagens não foram exibidas. 

“pai, eu queria fazer dublagem”

Quando era pequeno, aos 7-8 anos de idade, Briggs costumava brincar de rádio teatro com o seu pai. Eles faziam improvisos com um gravador, daqueles dos anos 70-80 que se colocava fita cassete.

Assim, Briggs sempre treinou muito com o seu pai. O dublador tem muito respeito e carinho por ele. “O meu pai era uma pessoa deliciosa de se conviver. Era muito criativo, muito engraçado, muito boa gente. Ele era uma pessoa maravilhosa, ele me inspirou muito”, disse Briggs.

Então um dia, chegou em seu pai e falou: “pai, eu queria fazer dublagem pra conhecer a voz do Scooby Doo”. Nem sabia quem era, mas o dublador gostava tanto e queria muito conhecê-lo. Briggs nunca esquece o que seu pai disse em seguida: “você vai ser dublador e vai conhecer a voz do dublador e ser amigo dele”. E aconteceu. Futuramente, Briggs chegou a conhecer e se tornar amigo de Orlando Drummond.

o momento mais incrível

Um dia, sentado em uma cadeira do estúdio, Briggs viu uma pessoa passar na sua frente e logo sentar ao seu lado. Então ele olhou para o homem e pensou “caramba, vai ser agora”. Afinal, ele não podia perder a chance de falar com Orlando Drummond, a voz do Scooby Doo que ele tanto queria conhecer. 

Então Briggs olhou para ele e falou “senhor”, mas em seguida foi interrompido por Drummond: “O senhor está no céu. Qual o seu nome, garotinho?”. Assim, Briggs se apresenta ao homem que tanto sonhou em conhecer. Segundo Briggs, foi uma conversa maravilhosa. Para ele, Drummond é um uma pessoa simples, humilde, meiga e doce. 

Drummond ainda pergunta para Briggs o que ele está achando de trabalhar com dublagem. De um jeito nervoso, Briggs responde “nossa não sei Drummond, eu posso te chamar de Drummond?”. No que Drummond responde: “pode, pode. Então com o tempo você vai se acostumando. É uma casa de loucos isso aqui, tem muita coisa estranha, muitos filmes malucos.”

E não parou por aí. Briggs ainda foi convidado por Drummond para ver ele dublar. O dublador do Scooby Doo pegou na sua mão e o levou até a sala de gravação. “Vem menino, vem comigo”, disse Drummond. Segundo Briggs, nesse momento ele já estava “ai meu deus”. No final, Drummond ainda pergunta “tá ficando legal?”. Briggs estava achando tudo lindo e maravilhoso. 

Rider = Piloto

Piloto Mascarado

Esse foi o conceito mais básico possível quando Ishinomori Shotaro idealizou o que viria a se tornar umas das maiores franquias de tokusatsu, lá em 1971. A história de um jovem que foi sequestrado e modificado por uma organização maligna e irá usar os poderes dados pela mesma para a destruir. Como característica, ele esconde sua identidade sob uma máscara e luta junto de sua poderosa moto, que muito mais que apenas um veículo, faz parte de sua estrutura e seus poderes.

Essa base se mantém até hoje. Todo Kamen Rider, independente da forma ou temática, sempre tem a sua moto e/ou veiculo para fazer jus ao Rider em seu nome. Em alguns casos até mesmo mais de um veiculo é vinculado ao Rider da vez. O famosíssimo aqui no Brasil Kamen Rider Black/RX tinha em seu arsenal diversas motos e até um carro, que anos depois viria a ser homenageado em Kamen Rider Drive, sendo o primeiro Rider a ter como veiculo base um carro ao invés de uma moto.

Porém, com o avançar dos anos e das produções, algo foi mudando. É de se esperar que uma franquia tão longínqua fosse se reinventando, não só no departamento criativo, mas o mundo ao seu redor. O Japão dos anos 80, não é o mesmo Japão dos anos 2000 assim como não é o mesmo Japão de 2023. Como qualquer outra produção cinematográfica, Kamen Rider é um show e precisa seguir regras, que com o tempo, são refinadas e atualizadas para se adequar a realidade dos tempos modernos. Uma das consequencias dessas mudanças foi que uma das principais características do Kamen Rider foi sendo cada vez mais colocada de lado: Sua moto (Ou Carro).

“Por que temos tão poucas cenas de moto em Kamen Rider hoje em dia?”

Respondendo de forma direta a pergunta é por causa de novas regulamentações de trânsito no Japão. Querendo ou não, os veículos que os Kamen Riders usam são motos customizadas, não são veículos regulares que qualquer um pode pegar e pilotar sem problemas. Para usar tais veículos, principalmente em ruas, é preciso uma permissão especial e mesmo para a Toei, essa permissão não é tão fácil de se conseguir. Nos anos 70 até meados dos anos 2000, essas leis ou nem existiam ou não eram tão rigorosas, por isso era mais comum o uso de motos e veículos nas cenas e isso também agrega em reserva ou aluguel de locações. Cenas com veículos demandam muito espaço, se não forem feitos em um local apropriado, como uma pista de automobilismo, terão que ser gravados em espaços públicos e é complicado fechar vias e ruas por horas em um dia de trabalho comum para filmar as cenas. Locações externas ainda são usadas, mas quando são apenas os atores interagindo, usa-se um espaço mais contido e que possivelmente não vai atrapalhar o dia-a-dia das pessoas ao redor.

Um outro fator que também impacta bastante na redução dos veículos dos Riders é – para a surpresa de ninguém – venda de brinquedos. Sempre devemos lembrar que acima de tudo, tokusatsu em sua maioria não é nada mais nada menos que um comercial de brinquedo de 20min. Tudo o que um Kamen Rider usa na série é um merchandising. Seu uniforme, suas armas, seu cinto e claro, sua moto. Algo que foi notado é que a venda de brinquedos relacionado ao veiculo eram pequenas comparados com os cintos ou armas do herói, então isso incentiva a cada vez mais desapegar de que a moto merecia tanto tempo de tela quanto outros itens que são mais atrativos para o público alvo. Prova disso é a tendencia para que a moto da vez seja “fundida” com algum outro item, fazendo a “venda casada” de certa forma. Muitas vezes a moto não é só a moto, ela é um celular que pode virar uma moto ou algum outro apetrecho que é tanto útil em ser usado com a venda principal, o cinto, tanto quanto pode ser usado para complementar action-figures, por exemplo.

Aperta o cinto e bota o capacete.

Se tudo isso já não fosse o suficiente para justificar a decadência das motos em Kamen Rider, ainda vale citar um fator muito importante: Segurança.

Quando se acompanha tokusatsu desde suas origens podemos perceber um certo padrão em um “descaso” com a segurança dos dubles, suit-actors e atores durante as produções. O próprio Fujioka Hiroshi – o ator que interpretou Hongo Takeshi em Kamen Rider (1971) – ficou afastado da produção da série por um tempo após se acidentar durante as filmagens, fraturando a perna. Isso levou a introdução de um novo personagem, Ichimonji Hayato, um segundo Kamen Rider, fenômeno esse que acabou repercutindo em toda a franquia dali para frente, com o estigma de “guerreiro solitário” ficando cada vez menos frequente, já que os Riders sempre tinham companheiros e outros Riders para fazer companhia.

O caso de Fujioka não é o único, há diversos relatos de atores e dublês que ou se acidentaram ou tiveram que experienciar situações de trabalho que deixariam qualquer advogado de leis trabalhistas de cabelo em pé nos dias de hoje. Atualmente existem sindicatos e diversas leis que protegem os profissionais desse ramo de filmagens de ação que permitem sim que eles façam cenas arriscadas e ousadas, mas com muito mais garantias e seguranças, mas sem duvidas isso ainda é um grande limitador quando se planeja as possibilidades.

Com a tecnologia, muito dessa limitação está sendo substituída por CGi, não só em Kamen Rider, mas em outras franquias como Super Sentai e Ultraman, cenas de ação arrojadas e inovadoras são seguramente feitas com a ajuda da computação gráfica. Isso implica claro no caso de cenas com veículos. Ainda temos periodicamente cenas de ação com veículos, mas de forma alguma tão frequente. Imagina só ter que vestir aquelas roupas super elaboradas, seja de herói ou vilão, ter que pilotar um veiculo e ainda fazer stunts. Os riscos são altíssimos de um acidente acontecer, mas nada que um fundo de tela verde e planejamento para algo mais pontual não resolva. Por mais legal que fosse para nós, a audiência, ver cenas como o famoso episódio 4 de Kamen Rider Kuuga, hoje em dia é completamente impensável algo do mesmo gênero sendo feito “no seco”.

Seja um com a moto.

Com tudo isso em mente e entendendo os porquês da questão, só posso admirar uma das soluções que os Riders mais atuais têm tomado para não só manter a temática idealizada por Ishinomori, mas contornar a problemática de a moto ser uma parte integral do arsenal do Kamen Rider: E se ele FOR a moto?

Tecnicamente falando, podemos citar essa ideia lá em Kamen Rider Ex-Aid, quando um dos personagens, em sua forma Rider padrão, é literalmente uma moto. Kamen Rider Lazer acabou servindo tanto no papel como um dos Riders da série – e um dos meus personagens favoritos diga-se de passagem – como também servia para ser o veiculo do nosso querido pediatra gamer. Isso era a desculpa ideal para compreender que nem sempre seria possível o Rider título da série estar em cena na moto. – Principalmente depois do Natal. SE VOCÊ SABE, VOCÊ SABE. Game Over.

Agora na Era Reiwa os Riders tomaram um passo adiante, começando em Kamen Rider Revice (2021) tivemos algo parecido com a dinâmica de Ex-Aid, tanto Revi quanto Vice podiam mudar as formas de seus corpos e geralmente Vice assumia a forma de um veículo. Sendo um hovercraft (a moto da vez) ou um skate, ele estava lá tanto como herói e meio de transporte. Em Kamen Rider Geats (2022) – Que surpreendentemente teve uma contagem bem alta de cenas de moto se comparar aos Riders dos últimos 10 anos – chegou em um ponto em que a moto se fez desnecessária, afinal ele como Rider em uma de suas formas mais evoluídas era mais eficiente do que subir em uma. Agora estamos em Kamen Rider Gotchard, o Rider de 2023 e mesmo ainda não tendo sido exibido na série no momento que escrevo esse texto, em divulgações de produtos já foi revelado que uma das formas do Rider Alquimista será justamente… Ele fundido com a moto! Ao mesmo tempo que ela se faz presente como uma parte integral da dinâmica e identidade do Rider, não está sob os riscos contratuais e jurídicos das leis de trânsito japonesas ou sindicatos dos dublês. Win-win situation. Compreendo que talvez não seja a solução que a maioria gostaria de ver nas séries Kamen Rider, mas eu pelo menos, acho criativo e inovador.

Conclusão.

Com o olhar apenas de fã, é difícil as vezes perceber e admitir que nosso seriado de super-herói japonês por mais fantástico que seja está sujeito a coisas mundanas como leis de trânsito e segurança no trabalho, mas antes de tudo elas são produções envolvendo centenas de profissionais e devemos ficar gratos e aliviados que com o avanço vieram melhores condições de trabalho, menos riscos e mais qualidade de vida. Com isso só garantimos ter por muitos anos mais, mais séries e heróis para nos inspirar e maravilhar.

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SEMANA QUE VEM NÃO TEM ONE PIECE, ENTÃO DEIXAMOS BLEACH PRO PRÓXIMO SHONEN QUEST!

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O tímido estudante Tatara ainda não sabe o que quer ser no futuro. Quando conhece o dançarino profissional Sengoku, ele fica encantado pelo mundo das competições de dança de salão. Apesar de não ter dinheiro para pagar pelas aulas, Tatara pede a Sengoku que o ensine a dançar.

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Aoyama-kun é um jovem gênio do futebol, grande esperança do time de sua escola para conseguir vitórias. Curiosamente, ele também é maníaco por limpeza e joga de maneira a evitar se sujar a todo custo.

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Na Academia Hyakkaou, uma escola onde a jogatina é parte essencial do currículo, a aluna transferida Yumeko Jabami desafia Meari Saotome para um jogo com apostas incrivelmente altas.

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O estudante Masahiro Setagawa, infeliz e desanimado com sua vida, é capacho de um bando de delinquentes. Tudo muda com a interferência de Kousuke Oshiba, que se torna o seu “herói”. As coisas parecem melhorar um pouco, mas Setagawa ainda tem problemas a resolver.

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Hiraga Josef Kou e Robert Nicholas, são investigadores enviados pelo Vaticano a uma igreja na América Central para verificar a veracidade de um milagre que dizem ter acontecido ali. Durante a investigação, coisas estranhas acontecem.

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“O que é o Fechando a Porta?”, você se pergunta. Trata-se de uma série de podcasts do Anikenkai onde fazemos um REVIEW FINAL sobre as séries que assistimos. Se você não assistiu, não há problema. O primeiro bloco é inteiramente SEM SPOILERS e mais voltado para dar uma opinião mais geral e fazer vocês conhecerem o anime. Já o segundo bloco é dedicado àqueles que já assistiram pois vem COM SPOILERS para comentarmos alguns detalhes mais a fundo.

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• Os 50 epi do Anime Club, o falecimento de Daisuke Sato e o kickstarter de Mind Game — [00:00]
• Gundam Iron-blooded Orphans 2 – Epi. 49(24)  — [18:38]
• Shouwa Genroku Rakugo Shinjuu 2 – Epi. 12 (FINAL!) — [33:03]
• Little Witch Academia – Epi. 12 — [53:06]
• Watch Party: Outlaw Star – Epi. 19 a 21 — [01:02:22]

LINKS COMENTADOS NO PODCAST

• O Anikencast original
• Morreu o criador de High School of the Dead, Daisuke Sato.
• Kickstarter de Mind Game

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• Gundam Iron-blooded Orphans 2 – Epi. 48 (23)  — [08:13]
• Shouwa Genroku Rakugo Shinjuu 2 – Epi. 11 — [21:00]
• Little Witch Academia – Epi. 11 — [36:41]
• 3-gatsu no Lion – Epi. 22 (FINAL!) — [45:08]
• Watch Party: Outlaw Star – Epi. 16 a 18 — [54:55]

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