Professor Laert

Ei... Entrega o vídeo do PROVE por aqui!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 14 Sep 2019 19:42:00 +0000

Sem horas e sem dores!

Terminamos nossa oficina de vídeo e espero que tenham aproveitado bem o tempo, aprendendo e se divertindo. Mas agora é o momento de enviar o último vídeo.

Prove - resumo das regras

Gravar vídeo de no máximo cinco minutos
Não será possível a substituição de estudantes em caso de ausência de algum componente.
Os vídeos estudantis podem ser inscritos com até cinco (05) estudantes figurando como autor, diretor, produtor, roteirista e etc.
Os vídeos podem ser interpretados por estudantes que não os tenham criado.
As criações fílmicas devem ser originais e em língua nacional e a trilha sonora deverá ser, necessariamente, com as canções do Face ou de domínio público, encontradas no site www.dominiopublico.gov.br ou similares para evitar, problemas relativos à autoria, sobretudo quando da transmissão e divulgação dos mesmos.

Critérios de avaliação

Originalidade
Criatividade
Roteiro3

Conheceu mais as regras? Já fez o vídeo? Agora é só enviar:

Eu vou enviar o meu vídeo.

Vamos nessa, o clip é nosso!

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 16 Aug 2019 01:28:00 +0000

Michael Jackson revolucionou o mundo da música e da dança, mas não foi só isso: o audiovisual ganhou muito com isso também, pois os seus clips mudaram a indústria musical. O cara foi um mito!!!

Não precisa ser um M. Jackson e nem uma Madonna neste trabalho, seja você ou quem você quiser. Escolha aquele clip que você e seus amigos gostam de ouvir, assistam e observem os detalhes. O próximo passo é discutir qual será a releitura de vocês sobre o clip para, somente então, pensar nos detalhes técnicos. Vocês podem usar fotografias, um clip somente de vídeos próprios de vocês, mesclar entre cenas do clip original e seus vídeos ou fotografias. Vamos lá, não há limite para as opções e para a criatividade.

Gravaram, editaram e finalizaram o arquivo? Agora é só clicar aqui para abrir o formulário e entregar o seu vídeo. Estou ansioso para assistir essa produção.

Atividade - Criação de histórias estimuladas por Tarot

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 28 Jul 2019 21:48:00 +0000

Desta vez a atividade foi desafiadora: criar a sinopse de uma história a partir de estímulos arquetípicos de cartas de Tarot.

As cartas de Tarot carregam significados arquetípicos

Carl Gustav Jung

Para entendermos melhor o que são arquétipos veja abaixo uma das definições encontradas pela internet e alguns links para entender melhor sobre o assunto.

O conceito de arquétipos, do jeito que conhecemos hoje, surgiu em 1919 com o suíço Carl Gustav Jung. Segundo ele, os arquétipos são conjuntos de “imagens primordiais” originadas de uma repetição progressiva de uma mesma experiência durante muitas gerações, armazenadas no inconsciente coletivo.

Os arquétipos da Morte, do Herói e do Fora de Lei são exemplos de algumas figuras que todos nós temos no imaginário desde criança. Independente de onde fomos criados, do país que vivemos e das nossas religiões e crenças, essas imagens são muito parecidas para todos.

É por isso que os arquétipos estão presentes nos mitos, lendas e contos de fadas. São eles que dão o verdadeiro significado para as estórias que passamos de geração em geração. Afinal de contas, as pessoas criam estas estórias para externar o que existe no inconsciente. Hoje os arquétipos podem ser encontrados nos filmes, na publicidade e em quase tudo que está ao nosso redor.

Links sobre o assunto:
SBCOACHING - Arquétipo: o que é, tipos e como se aplicam
O Arquétipo - O que é arquétipo?
Gestão Educacional - Arquétipo – O que é? Como surgiu? Tipos e Exemplos

Sem mais delongas, agora é o momento de utilizar o formulário abaixo para entregar a atividade de sua equipe.

Fotografia - O cotidiano escolar visto com outros olhos - Entrega de atividades

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 29 May 2019 14:01:00 +0000

A fotografia não é apenas uma forma de registrar um momento, um lugar, uma pessoa ou uma situação. Ela vai muito mais além! Ela pode revelar aspectos do nosso cotidiano antes nunca percebido por nós, quando, através de um olhar artístico e fotográfico, passar a observar o nosso cotidiano.

Essa atividade faz o aluno descobrir possibilidades estéticas antes não percebida no seu cotidiano, exercita o olhar fotográfico e a criatividade, além de estimular a tomada de decisões no trabalho em equipe.

Resumo da atividade:

Dividir a turma em equipes de 5 alunos
Utilizando celulares cada equipe deverá tirar, no mínimo, 20 fotografias de objetos, plantas e qualquer outra coisa que não sejam pessoas. Essa atividade deverá estar limitada ao ambiente escolar, não permitindo a saída da escola.
Após o retorno, os alunos deverão ser orientados a selecionar apenas 10 fotografias para produzir um vídeo curto, utilizando um trecho de uma outra música selecionada.
Entregar o vídeo produzido.

Agora é o momento de entregar o vídeo.

Entrega das atividades

Pop Arte - O dia-a-dia na arte

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 02 May 2019 03:06:00 +0000

Pop Arte - O dia-a-dia na arte

A Pop Art é um movimento de arte que começou no início dos anos 1950, mais exatamente em Londres, Inglaterra.

Embora houvesse um trabalho de arte que lembrava a Pop Art anteriormente, o movimento é considerado como tendo surgido de uma comunidade colaborativa de artistas em Londres chamada de Grupo Independente. Alguns dos artistas mais importantes que fundaram o movimento Pop Art antigo são Eduardo Paolozzi e Richard Hamilton, que foram membros do Grupo Independente de 1952 até o seu encerramento em 1955. Esses primeiros artistas organizaram exposições na Grã-Bretanha que exibiram alguns verdadeiros exemplos de obras Pop Art moderna. Mais tarde o seu trabalho influenciou fortemente a direção do movimento, eventualmente produzindo um movimento Pop Art similar nos Estados Unidos mais tarde nos anos 60.

Andy Warhol - Marilyn Monroe Original (1967)

Logo que o movimento se espalhou para os Estados Unidos, artistas como Andy Warhol e Roy Lichtenstein contribuiriam para este movimento de "found art", produzindo trabalhos que eram muitas vezes derivados de obras existentes, ou que eram representações pintadas de fotografias retratadas em meios de comunicação de massa. Podemos dizer que Andy Warhol é o artista ícone do movimento, em seu trabalho ele produziu telas de celebridades e criou paródias de muitos anúncios comuns de TV. O estilo americano de Pop Art tendia a ter um efeito dramático, enquanto o estilo britânico era mais engraçado e sutil, porque os americanos tendiam a ser bombardeados pelos meios de comunicação de massa e pelo comercialismo de forma muito mais enfática, e assim a arte derivada dessa mídia necessitava de muito mais exagero para ter um efeito expressivo.

Uma das características importantes para o movimento na história da arte foi a mudança no que os artistas consideraram ser material de fonte importante. Enquanto os artistas anteriores tendiam a se inspirar no sublime - da natureza e da religião -, os da Pop Art inspiravam-se nos aspectos mundanos da vida cotidiana, na TV, no cinema e nos comerciais repetitivos. Foi um movimento que procurou conectar a arte com as massas e envolveu o uso de imagens que as pessoas comuns pudessem reconhecer e relacionar. As latas de sopa de Warhol são um exemplo bastante interessante desse foco no mundano e no cotidiano, e de fato o próprio Warhol alegou que ele as pintou porque a sopa de Campbell é o que ele normalmente teria para o almoço.

Outra características importante que distingue a arte pop de outros movimentos artísticos é o foco em que se deriva a obra. A maioria das obras de Pop Art, em vez de derivar da interpretação do artista de algum aspecto da realidade, deriva da interpretação artística da arte que já existe. Muitas das pinturas de Warhol, por exemplo, eram réplicas quase exatas de anúncios existentes, e algumas eram impressões em Silk Screen de fotografias que haviam sido tiradas por outros. O trabalho de Roy Lichtenstein consistia quase inteiramente em cópias ligeiramente alteradas da arte original de outros, de seus painéis de revistas em quadrinhos a suas reinterpretações de obras famosas de arte.

O movimento Pop Art continua popular até nos tempos modernos, e as telas de Andy Warhol são algumas das mais valiosas do mundo.

Trabalhos principais

Richard Hamilton - O que é que torna as casas de hoje tão diferentes, tão atraentes? (1956)

Criada em 1956, esta colagem é considerada o catalisador da proliferação do Pop Art no Reino Unido. O artista britânico Richard Hamilton fez o trabalho para This is Tomorrow, uma exposição especial na Whitechapel Art Gallery, em Londres, que apresentou as interpretações da modernidade feitas pelos artistas contemporâneos e suas previsões para o futuro.

O que torna as casas de hoje tão diferentes, tão atraentes? incorpora vários temas relacionados à comunicação preventivamente debatidos por Hamilton. Estes incluem: “Homem, Mulher, Comida, História, Jornais, Cinema, Aparelhos Domésticos, Carros, Espaço, Quadrinhos, TV, Telefone, Informação.” Usando recortes de revistas americanas, ele criou uma cena baseada nesses motivos, literalmente criando um obra de arte de peças da cultura popular e comentando “as várias influências que estavam começando a moldar a Grã-Bretanha do pós-guerra”.

Andy Warhol, 32 Sopas (1962)

Em 1962, o artista norte-americano Andy Warhol explorou pela primeira vez o seu famoso tema “lata de sopa”. 32 Soup Cans é composto por 32 telas pintadas à mão e estampadas à mão, cada uma representando um sabor diferente da Sopa Campbell's. Warhol, um artista pop pioneiro, escolheu este assunto porque captou o foco do Pop Art na produção em massa e seu próprio interesse artístico na repetição. “Eu costumava beber. Eu costumava fazer o mesmo almoço todos os dias, por 20 anos, eu acho, a mesma coisa várias vezes.”

Andy Warhol - Campbell's Soup Cans (1962)

Logo depois de pintar essa coleção de telas, Warhol continuou experimentando o tema da lata de sopa com a ideia de múltiplos. No entanto, com esses trabalhos posteriores, ele mudou seu processo de pintura para serigrafia, um método de impressão usado apropriadamente na produção comercial de anúncios publicitários.

Roy Lichtenstein, Whaam! (1963)

Conhecido por suas pinturas coloridas inspiradas em histórias em quadrinhos, o artista Roy Lichtenstein deu uma reviravolta animada e energética na Pop Art. Whaam!, uma de suas composições mais conhecidas, adapta uma cena de All American Men of War , uma popular série publicada pela DC Comics entre 1956 e 1966.

Painel original de Irv Novick para 'All-American Men of War' da DC Comics, nº 89 (fevereiro de 1962)

Uma reminiscência de uma revista em quadrinhos aberta, Whaam! é renderizado em 2 painéis. No lado esquerdo do díptico, uma aeronave dispara em outro avião, que - junto com a exclamação "WHAAM!" - ocupa todo o lado direito da peça. Enquanto a composição é muito semelhante à representação original, Lichtenstein mudou vários detalhes: ele alterou os designs das aeronaves, omitiu uma bolha de fala e mudou o esquema de cores.

Essas pequenas mudanças falam do objetivo maior de Lichtenstein, que era personalizar essas obras de arte produzidas em massa. “Eu não desenho uma imagem para reproduzi-la - eu faço para recompor”, explicou ele. "Eu faço todo o caminho desde o meu desenho quase como o original até o final.".

Robert Raucshenberg, Retroactive II (1964)

Famoso por sua abordagem única de materiais, Robert Rauschenberg contribuiu para o movimento Pop Art com suas combinações e colagens. Uma peça particularmente inspiradora da cultura pop é Retroactive II , uma pintura serigráfica criada em 1964.

Robert Raucshenberg, Retroactive II (1964)

Reminiscente de uma colagem, o Retroactive II apresenta imagens importantes do período, incluindo um retrato de John F. Kennedy e um astronauta da NASA. Além da atual iconografia inspirada em eventos, a composição ocupada da peça, a inspiração fotográfica e a paleta de cores artificiais capturam perfeitamente a estética da Pop Art.

David Hockney, A bigger splash (1967)

Na segunda metade da década de 1960, o artista britânico David Hockney revisitou um tema único em suas pinturas populares inspiradas na cultura: a piscina. Inspirado por uma viagem à Califórnia, ele gostava das linhas limpas, da estética moderna e da popularidade suburbana dos equipamentos.

David Hockney, A Bigger Splash (1967)

Na primavera de 1967, ele completou sua pintura de piscina mais conhecida: A Bigger Splash. Apresentando apenas uma casa modernista, uma cadeira dobrável e 2 palmeiras ao fundo, o ponto focal da peça é a piscina. Uma prancha de mergulho simplista paira acima da superfície elegante da água, que é obstruída por um respingo. Este assunto, juntamente com a paleta de cores e estética gráfica da composição, evoca os interesses explorados pelo Hockey e seus colegas artistas pop durante o período.

Claes Oldenburg e Coosje Van Bruggen, Spoonbridge e Cherry (1985-1988)

Os artistas Art Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen trabalharam em conjunto e foram celebrados por suas enormes esculturas ao ar livre. Entre seus trabalhos mais famosos está Spoonbridge e Cherry, uma escultura com uma cereja vermelha brilhante sobre uma colher estilizada.

Claes Oldenburg e Coosje Van Bruggen, Spoonbridge e Cherry (1985-1988)

Localizada no Minneapolis Sculpture Garden do Walker Art Center , esta escultura dá um toque artístico a objetos aparentemente comuns. Ao brincar com escala e escolher temas tão simples, Oldenburg e van Bruggen transformam os objetos produzidos em massa em uma obra de arte peculiar.

Keith Haring, Ignorance = Fear(1989)

Keith Haring era um artista americano e ativista social famoso por suas contribuições coloridas à cultura de rua da cidade de Nova York. Ele combinou Pop Art com grafite, tornando suas obras mais acessíveis para o público.

Keith Haring, Ignorance = Fear (1989)

Uma obra que podemos perceber a abordagem de inspiração e como trabalho Keith Haring é Ignorance = Fear, um pôster produzido em 1989. Haring projetou e criou este pôster para a AIDS Coalition to Unleash Power (ACT UP), uma organização sediada em Nova York. Ao modernizar o velho mantra de "não ver o mal, não ouvir o mal, não falar mal", comenta Haring sobre os perigos do silêncio durante a epidemia da AIDS. Embora seja um assunto sério, o cartaz é reproduzido em tons vibrantes e uma estética gráfica, comprovando a adaptabilidade e infinitas possibilidades da Pop Art.

Fontes:
My Modern Met
Pop Art History

Intervenção Urbana - Entrega de atividade

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 08 Apr 2019 02:13:00 +0000

Caríssimos e caríssimas, está aqui, então, o endereço do formulário pelo qual vocês deverão enviar os trabalhos de vocês.

Espero que tenham se divertido durante a execução desta atividade e que ela tenha sido de muito aprendizado para todos.

Caso queriam saber um pouco mais sobre intervenção urbana, dêem uma olhada nos links abaixo:
Intervenção Urbana.Org
História das artes
Blogoodles
Arch Daily
Papo de Homem

Para acessar o formulário e enviar os trabalhos, clique aqui.

E então, o que é arte?

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 28 Feb 2019 01:20:00 +0000

substantivo feminino
1. habilidade ou disposição dirigida para a execução de uma finalidade prática ou teórica, realizada de forma consciente, controlada e racional.

2. conjunto de meios e procedimentos através dos quais é possível a obtenção de finalidades práticas ou a produção de objetos; técnica.

Não é fácil definir o que é arte e, em uma busca rápida pela internet, podemos encontrar facilmente no Google a definição acima. Mas será que a arte se resume a habilidade ou técnica? Venham comigo e entendam mais sobre esse fantástico universo.

Paulo Bruscky - Performance: O Que é arte? Para que serve? em 1978 leva o público a refletir sobre o tema

Uma das melhores definições que encontrei sobre arte foi dada pelo filósofo italiano Luigi Pareyson (1918 - 1991) que nos traz que "a arte é uma linguagem que se reinventa constantemente para construir, conhecer e expressar questões dos seres humanos'.

Podemos, através dessa definição, pensar melhor sobre o conceito de arte. O que temos, logo de cara, é que a arte é considerada uma linguagem e isso muito confunde as pessoas, pois o termo geralmente está associado à linguagem verbal, seja ela falada ou escrita, embora o seu sentido seja muito mais amplo, compreendendo a leitura de uma variedade de outros códigos como gestos, expressões faciais e corporais, símbolos, cores, sons e vários outros elementos

Essa riqueza de possibilidades da arte me permite abandonar o singular o utilizar o termo no plural - ARTES, pois encontramos nessa macro-linguagem outras tantas como a dança, a pintura, o desenho, o teatro, o cinema, a cerâmica, a história em quadrinhos e tantas outras que utilizam de seus próprios códigos.

Mas o que são esses códigos? Para entender melhor segue logo abaixo o conceito bem explicado encontrado no blog "Diário de bordo", escrito pela professora Suzy Nobre.

Os códigos são sinais ou signos convencionados por um grupo de pessoas, uma comunidade ou uma sociedade inteira, que permitem a construção e transmissão de mensagens e seu conseqüente entendimento pelas demais pessoas que conhecem seus significados. Por exemplo: os idiomas são códigos formados por signos (palavras) e leis combinatórias (gramática), por meio dos quais as pessoas se comunicam; se um dos interlocutores não domina o código contido naquele idioma, essa comunicação se torna difícil, ou mesmo impossível. Assim, podemos concluir que quanto maior o domínio que temos de uma determinada linguagem, maior a possibilidade de uma comunicação eficiente.

Já sabemos, então, que a arte é uma linguagem que é feita de outras linguagens cada uma com seus códigos próprios. Vamos agora para um outro ponto interessante na análise de Pareyson, a de que a arte se reinventa constantemente. Este ponto nos permite entender de que a arte não é estática, ela é dinâmica, mutável. E, se ela se transforma para construir, conhecer e expressar questões dos seres humanos, posso ir além e dizer que essa transformação se dá por conta das mudanças sociais, das características do tempo e do espaço.

A arte acompanha as mudanças sociais e tecnológicas. É transformada pela sociedade e é, ao mesmo tempo, agente transformador desta. Novas linguagens artísticas são criadas a todo momento, muitas delas híbridas, juntando duas ou mais linguagens em uma nova. Como é o caso do cinema que, apesar de ter seu próprio código - a linguagem cinematográfica, utiliza de outras como a fotografia, dança, música, etc.

OTM - O Teatro Mágico - mistura diversas linguagens artísticas em seus shows

Uma manifestação artística contemporânea que nos proporciona um espetáculo de encontro de linguagens artísticas é a banda O Teatro Mágico (OTM), que traz em seus shows as linguagens da arte circense, a música, a dança, o teatro e muitos outros aspectos das artes visuais em seus cenários e jogos de luzes. Caso deseje conhecer mais sobre a banda, veja Professor Laert - O Teatro Mágico um artigo sobre deste mesmo blog ou visite o Site oficial - OTM.

Concluindo este artigo trago uma última característica: Arte é uma ação humana.

Essa característica pode até confundir o leitor, pois alguns podem considerar que um quadro, pintado por um macaco ou elefante seja arte. Eu não direi que isso é impossível, mas que a arte, neste caso, não será a obra física em si, mas o conceito apontado pelo artista idealizador da obra. Sendo assim posso afirmar que a arte depende, também, da intenção e do conceito e não apenas da sua execução física, concreta.

Neste artigo, posso resumir que a arte é uma macro-linguagem formada por outras linguagens, não é estática, pois se transforma com a sociedade e é agente transformador da mesma e, dessa forma, são criadas novas linguagens e são ações humanas, não dependendo tão só de uma obra física, mas também do conceito, da intenção e de sua função como arte.

Como visto o conceito de arte é muito abrangente e difícil de explicar. Vocês encontrarão muitas outras definições, algumas coerentes com este texto e muitas outras não tanto. Talvez essa dificuldade em conceituar a arte, faça desse campo algo tão fantástico. Vejam que usei o verbo conceituar, pois se utilizasse o definir tenho certeza de que não seria difícil, mas impossível.

Comentem, entrem em contato, tirem suas dúvidas, sugiram novos artigos.

Direitos Humanos - Questões

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 06 Sep 2016 11:40:00 +0000

Olá pessoal,

Neste artigo deixarei para vocês as questões de 1 a 8, da página 237, para auxiliá-los e servir como base para estudo do nosso simulado. Aproveitem!

1. Que tipo de justiça é a equidade?

R= Equidade é a justiça em que se busca identificar situações que diferenciam as pessoas, para sermos justas com elas. Certas regras não se aplicam do mesmo modo para todas as pessoas e é preciso saber quais as peculiaridades de cada uma, para sermos justos.

2. Sob que aspecto o conceito de prudência adquiriu outras nuanças na Idade Média?
R= Diferentemente dos gregos, que buscavam o justo na ordem natural do cosmos, os juristas medievais, harmonizavam as leis positivas às verdades religiosas, porque o direito natural era transcendente.

3. Qual é a diferença entre jusnaturalismo e positivismo jurídico?
R= O jusnaturalismo é a corrente que considera os direitos universais, absolutos e inatos. O positivismo jurídico a superioridade das leis: o direito é criado pelo ser humano, quer seja instituído pelo costume ou pela norma escrita.

4. O que mudou no conceito de poder, a partir da modernidade?
R= O poder dessacralizou-se, e com a autonomia da política (Hobbes e Locke), tanto o Estado como o direito passaram a ser entendidos como uma construção artificial que visa assegurar a segurança e as propriedades.

5. Qual foi a importância de Rousseau e de Kant para a questão dos direitos dos indivíduos?
R= Jean-Jacques Rousseau foi importante devido à sua teoria política em que coloca o cidadão em uma posição central, com o conceito de soberania popular, além de denunciar os abusos do poder conferidos pela propriedade. Kant, principal defensor do iluminismo, realça a importância da autonomia humana e da preservação da dignidade que é idêntica em todos os indivíduos, sem exceções.

6. Qual foi a importância dos códigos do século XIX?
R= Os códigos estabeleceram a autonomia dos três poderes e a participação dos cidadãos. Com o advento dos códigos, o jurista não mais se baseia em um vago direito natural e pode contar com rigor técnico para orientar suas decisões, constituindo o direito positivo.

7. Qual foi a importância da formação da ONU no final da década de 1940?
R= A ONU é um organismo que funciona como uma instância internacional. Mesmo que suas decisões não tenham força de obrigatoriedade , funciona como um espaço de discussões e de debate em busca de consenso sobre determinados assuntos. Com a assinatura da Declaração Universal dos Direitos Humanos, a luta pelos direitos humanos ampliou seu âmbito de ação, podendo pressionar nações que violam esses direitos.

8. Identifique quais são as três gerações dos direitos humanos, a época em que firmaram e quais as características de cada uma delas.
R= As três gerações dos direitos humanos são:
A primeira geração é a que se desenvolveu a partir dos séculos XVII e XVIII e se refere às conquistas da liberdade em relação ao absolutismo (Locke) e a defesa da autonomia do sujeito (Kant).
A segunda geração vive teve início com as ideias socialistas e os movimentos proletários do século XIX, que tinham em vista ampliar as conquistas de liberdade e autonomia alcançadas pela burguesia, estendendo-se às classes trabalhadoras; tratava-se da universalização dos direitos.
A terceira geração surge no século XX com a defesa dos direitos coletivos: a sustentabilidade ecológica, o direito à paz, ao desenvolvimento, à autodeterminação dos povos, ao acesso de todos aos bens culturais, científicos e tecnológicos produzidos.

Então, é isso!!! Até uma próxima.

Produza sua própria tinta - Têmpera a ovo

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 15 Jul 2015 00:49:00 +0000

Podemos considerar como têmpera qualquer tinta em que o pigmento é dissolvido em água e algum tipo de cola, como podemos perceber em algumas marcas de tinta guache. Com o passar do tempo esse nome passou a designar uma tinta feita à base de ovo.

A técnica da têmpera já é conhecida desde a Grécia antiga e foi muito utilizada na Europa da Idade Média. Neste período os artistas pintavam, principalmente retábulos, que eram painéis em madeira ou afrescos na decoração de paredes geralmente com motivos religiosos.

"O Nascimento da Vênus" 1485, têmpera sobre tela, 172,5x278,5 cm. Galleria degli Uffizi, Florença.

Durante muito tempo as tintas foram produzidas artesanalmente, de forma semelhante á têmpera. Somente no século XIX é que começaram a aparecer as tintas industrializadas que encontramos em papelarias, supermercados, etc.

Para produção de uma tinta necessitamos de três componentes básicos:

1 - Veículo: É a substância que "cola" o pigmento da superfície;
2 - Pigmento: Substância que serve para dar cor á tinta, e;
3 - Solvente: é o que vai regular a espessura dessa mistura.

Não vamos esquecer do termo suporte, que serve para designar a superfície a ser pintada.

Então mãos à obra e vamos produzir nossa tinta. Vamos precisar de:

1 ovo
Colher
Garfo
Detergente
Pigmento
Recipiente

1 - Em um recipiente bata um ovo com garfo até que a clara e a gema fiquem completamente misturados de forma homogênea.
2 - Acrescente uma colher de água e bata mais.
3 - Adicione entre 5 a 10 gotas de detergente e bata mais. O detergente ajudará a tirar o cheiro ruim do ovo, bem como possibilitará uma durabilidade maior à tinta. Se você tiver acesso pode utilizar também o óleo de cravo, que é difícil de encontrar, mas é um ótimo fungicida.

Até aqui você já fez a base de sua tinta, vamos agora dar cor.

4 - Reserve em outro recipiente umas 10 gotas de pigmento líquido, ou uma colher de chá de pigmento em pó.
5 - Adicione 2 colheres da mistura do ovo e mexa até ficar tudo misturado.
6 - Divirta-se com a tinta que você produziu.

É interessante que você teste a tinta antes de começar a pintar. Pinte um pouco em uma folha de papel e perceba a intensidade da tinta, pode ser que você precise de mais pigmento.

Há algumas outras receitas para fazer a têmpera. Essa é a mais simples.

Se você quiser uma têmpera com melhor qualidade pode fazer utilizando somente a gema do ovo, passando-a de uma mão para outra, deixando a clara escorrer.

Depois que separar a gema fure-a, com um palito, de forma a retirar a pele da gema.

O resto você já sabe. Pode continuar como indicado nos passos acima.

Espero que tudo tenha saído bem e você já esteja se divertindo com sua tinta.

Para construção deste artigo contei com a ajuda de:
Arte pelo mundo
Arte em questão
Educação de crianças

Papel machê de forma simples, rápida e descomplicada

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 11 Jul 2015 02:17:00 +0000

Uma das receitas básicas para modelagem de diversos objetos artesanais, como vasos, máscaras e bonecos é com o uso do papel machê. O papel machê é uma massa muito simples e fácil de fazer, que é obtida com uma mistura de papel umedecido em água, juntamente com cola.

E esta massa que é produzida pelo papel machê é bem maleável, permitindo assim a modelagem de vários objetos, que depois de secos, se tornam lindas peças, que podem ser lixadas e pintadas com muita criatividade e liberdade.

Origem do papel machê

O papel machê foi criado pelos chineses há mais de 2 mil anos atrás, onde posteriormente foi levado para Europa, onde era utilizado para produção de objetos de decoração, em países como França e Inglaterra. E foi na França que surgiu seu nome, papier mâché, que significa papel picado, amassado e esmagado.

O papel machê também foi bastante utilizado na Itália, para produção de máscaras de carnaval, e até uma igreja foi construída com papel machê, na Noruega, e esta obra durou 37 anos em perfeitas condições de conservação, sendo posteriormente demolida.

Dicas para fabricar papel machê

Abaixo separamos as dicas para produzir papel machê em casa:

1. Pegue um jornal (ou outro pedaço de papel) e pique-o todo em tiras bem fininhas;

2. Mergulhe o jornal em uma bacia com água (2/3 de água para cada 1/3 de papel picado), e deixe o papel de molho de um dia para o outro;

3. No outro dia, esfarele e amasse o jornal úmido com as mãos, para que ele se torne uma massa homogênea;

4. Faça pequenas bolas de massa com as mãos, ou dentro de uma toalha de pano, e aperte bem para retirar todo excesso de água;

5. Coloque toda massa seca em uma vasilha, amasse para esfarelar e adicione cola branca (30 g de cola para cada 500 g de papel);

6. Mexa bem a mistura com as mãos, até que a cola fique bem aderida ao papel amassado;

7. E pronto você já tem papel machê para soltar toda sua criatividade no artesanato.

Encontrei esse vídeo da Sonia Sutton no Youtube que explica de forma fácil como fazer o papel machê. É só assistir e aprender.

Fonte: Artesanato e reciclagem

Visite museus virtuais pelo mundo

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 27 Apr 2015 19:43:00 +0000

Museu de Arte Contemporânea de Niterói
Projetado pelo arquiteto brasileiro Oscar Niemeyer

Quantos museus você já visitou?

Sabia que os museus tem uma grande importância em nossa sociedade? Através deles podemos manter um relevante patrimônio histórico e cultural das nações, dos povos. Temos também a oportunidade de estudar e analisar a arquitetura e os modelos artísticos de diferentes épocas.

Pesquisando na internet, encontrei no site do Ibram (Instituto Brasileiro de Museus) que temos, no Brasil, mais de 3.200 instituições museológicas mapeadas pelo Cadastro Nacional de Museus (CNM). O resultado deste mapeamento pode ser encontrado em duas publicações, saiba mais neste artigo no site o Ibram.

Para que vocês conheçam melhor um museu, listarei, abaixo, a lista de alguns museus virtuais que encontrei no site Livros e Afins, alguns são curiosíssimos.

Além desta lista, acesse aqui o Google Art Project, um site mantido pelo Google em colaboração com museus espalhados por diversos países. Utilizando tecnologia do Street View, o site oferece visitas virtuais gratuitas a algumas das maiores galerias de arte do mundo. Ao "transitar" pelas galerias, é possível também visualizar imagens em alta resolução de obras selecionadas de cada museu.

Visitar este museus digitais é, sem dúvida, muito bom, mas quando for viajar, passear, reserve um tempinho e visite um museu. Será uma experiência única.

Masaccio

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 24 Apr 2015 02:47:00 +0000

Masaccio foi o primeiro grande pintor da Renascença Italiana, cujas inovações no uso da perspectiva científica inaugurou a era moderna da pintura. Teve uma vida muito curta, morrendo antes dos 27 anos. Parece que veio à Terra em uma missão, deixou o seu recado e partiu.

Masaccio, Tribute Money, 1427, fresco (Brancacci Chapel, Santa Maria del Carmine, Florence)

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai recebeu o apelido de Masaccio somente no Século XVI por seu biógrafo Giorgio Vasari (1511-1574), também pintor, e que pode ser traduzido como "descuidado" ou "desligado". Esse apelido deve-se ao seu jeito distraído das coisas do mundo, seu descuido com a aparência pessoal e negligência, apesar de sua boa índole.

Nasceu em 31 de dezembro de 1401 em Castel San Giovanni (hoje San Giovanni Valdarno), próximo à Florença, Itália. Foi um importante pintor florentino da Renascença cujos afrescos da Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine, em Florença ( c. 1427) permaneceu influente ao longo do Renascimento. No espaço de apenas seis anos, Masaccio transformou radicalmente a pintura florentina e ajudou a criar muitas das principais bases conceituais e estilísticas da pintura ocidental.

Tinha um estilo próprio, mas sofreu forte influencia do arquiteto Brunelleschi e do escultor Donatello, ambos contemporâneos seu em Florença. De Brunelleschi ele adquiriu um conhecimento da proporção matemática, crucial para o seu desenvolvimento na perspectiva científica. De Donatello ele absorveu o conhecimento da arte clássica.

A Expulsão do Paraíso
Masaccio - 1424/1427
Afresco - 208 x 88 cm

Masaccio inaugurou uma nova abordagem naturalista da pintura, menos preocupado com detalhes e ornamentação do que com simplicidade e unidade, menos com superfícies planas do que com a ilusão de tridimensionalidade. Juntamente com Brunelleschi e Donatello, Masaccio, foi um dos fundadores do Renascimento.

Como teve uma vida curta, apenas quatro obras, sem dúvida, atribuíveis a Masaccio restaram, embora muitas outras, no todo ou em parte, lhe foram atribuídas. Todas as suas obras são de natureza religiosa, retábulos ou afrescos em igrejas. O mais antigo, um painel, a Madonna com St. Anne (cerca de 1423, Uffizi, Florença), mostra a influência de Donatello em suas texturas de pele realistas e formas solidamente arredondadas. O afresco Trinity (c. 1425, Santa Maria Novella, em Florença) usou a perspectiva completa pela primeira vez na arte ocidental. Sua retábulo para Santa Maria del Carmine, Pisa (1426), com o seu painel central da Adoração dos Magos (agora no Museu Staatliche, Berlim), era uma versão simples, sem adornos de um tema que foi tratado por outros pintores em uma forma mais decorativa, ornamental. A série fresco para a Capela Brancacci em Santa Maria del Carmine, Florença (cerca de 1427) ilustra outra de suas grandes inovações, o uso da luz para definir o corpo humano e suas cortinas. Nestes afrescos, ao invés de cenas com luz uniforme plana, pintou-los como se eles fossem iluminados de uma única fonte de luz, criando, assim, um jogo de luz e sombra (chiaroscuro), que lhes deu uma natural, realista qualidade não conhecida, até então, naquela época. De todos os seus afrescos, O Dinheiro do Tributo e A Expulsão do Paraíso são consideradas suas obras-primas.

A obra de Masaccio exerceu uma forte influência sobre o curso da arte florentina mais tarde e, particularmente, sobre a obra de Michelangelo.

Masaccio morreu na cidade de Roma, Itália, em 1427 ou 1428.

Você pode encontrar mais informações nas fontes que me auxiliaram na construção deste artigo. Veja os sites abaixo:

Pitoresco
Web Gallery of Art (em inglês)
Encyclopedia Britannica (em inglês)

Fra Angelico

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 23 Apr 2015 21:29:00 +0000

Fra Angelico foi um importante pintor italiano, considerado por muitos estudiosos da História da Arte como um dos precursores da pintura renascentista. Era tratado por Ruskin "não como um artista propriamente dito, mas um santo inspirado".

"Anunciação" - Fra Angelico
Pinturas para Armadio degli Argenti, 1450
Têmpera sobre madeira, 38,5x37 cm
Museu de São Marcos, Florença

Nasceu em Mugello no ano de 1387 e recebeu o nome de Guido di Pietro, mas ficou conhecido a maior parte de sua vida como Fra Giovanni, nome que ele escolheu quando entrou no convento dominicano de Fiesole aos vinte anos de idade, em 1407.

Provavelmente recebeu parte de sua formação artística sendo discípulo de Lorenzo Monaco, um dos principais pintores de Florença, onde aprendeu a técnica da iluminura. Com esta técnica trabalhou como iluminador de missais e outros livros religiosos, mas seu talento apareceu em um período posterior, quando começou a pintar retábulos e outros painéis, assinando o seu primeiro trabalho, o Retábulo dos Linaioli, em 1433, quando já teria mais de 45 anos.

"Crucificação e Santos" - Fra Angelico"
1441-2, afresco, 550x950 cm
Convento de São Marcos, Florença

Entre suas obras principais estão o Retábulo da Madona, em Perugia, a Coroação da Virgem Cercada por Anjos Músicos (Louvre, Paris), o Cristo Cercado de Anjos, Patriarcas, Santos e Mártires (National Gallery, Londres); a "Anunciação" (Prado, Madri), e o Juízo final (Galeria Nacional, Roma).

"Sepultamento de São Cosme e São Damião" - Fra Angelico
1438-40, têmpera sobre madeira, 37x45 cm
Museu de São Marcos, Florença

Em 1436 alguns dos frades dominicanos de Fiesole mudaram-se para o convento de San Marco, em Florença, que havia sido recentemente reconstruído por Michelozzo. Angelico, às vezes auxiliado por assistentes, pintou muitos afrescos para o claustro, sala capitular, e entradas nos corredores superiores. Os mais impressionante deles são Crucificação, Noli Me Tangere, e Transfiguração. Em 1445, Angelico foi chamado a Roma pelo papa Eugênio IV para pintar afrescos da Capela, agora destruída, do Sacramento, no Vaticano. Em 1447, com seu aluno Benozzo Gozzoli, pintou afrescos para a catedral de Orvieto. Suas últimas obras importantes, foram afrescos para a capela do Papa Nicolau, no Vaticano, provavelmente pintada em parte pelos seus assistentes.

Angelico morreu em Roma, e foi sepultado na igreja de S. Maria sopra Minerva, onde ainda existe sua lápide. Seu aluno mais importante foi Benozzo Gozzoli e ele teve uma influência considerável na pintura italiana, pintou vários retábulos, bem como afrescos. Podemos encontrar vários exemplos notáveis no museu S. Marco.

Angelico combinou a influência do elegantemente decorativo estilo gótico internacional de Gentile da Fabriano com o estilo mais realista dos mestres da Renascença como o pintor Masaccio e os escultores Donatello e Ghiberti, os quais trabalharam em Florença. Angelico também estava ciente das teorias de perspectiva propostas por Leon Battista Alberti.

As representaçôes das expressões faciais e o uso da cor para aumentar a emoção são particularmente eficazes. Sua habilidade em criar figuras monumentais, representando movimento, e sugerindo espaço profundo através do uso da perspectiva linear, especialmente nos afrescos romanos, define Fra Angelico como um dos primeiros pintores do Renascimento.

Se você quiser conhecer mais sobre este artista e suas obras, dê uma olhada nos sites abaixo, os quais me orientaram para escrever este artigo.

The Metropolitan Museum of Art (em inglês)
InfoEscola
Aula de Arte (muitas imagens de obras do artista)
Web Gallery of Art (em inglês)
Vidas Lusófonas

O Teatro Mágico (OTM) - Mais que música

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 09 Apr 2015 19:14:00 +0000

O Teatro Mágico (TM) é um grupo musical, político, brasileiro formado em 2003 na cidade de Osasco, São Paulo, criado por Fernando Anitelli. O TM é um projeto que reúne elementos do circo, do teatro, da poesia, da música, da literatura, da política e do cancioneiro popular tornando possível a junção de diferentes segmentos artísticos numa mesma apresentação.

História

O Teatro Mágico foi criado por Fernando Anitelli, ator, músico e compositor das canções do show. A equipe que o acompanha, foi formada em dezembro de 2003 por amigos e artistas que acreditaram no projeto. Trabalha sem apoio de gravadoras ou campanhas midiáticas, alegando-se independentes. Já participaram de eventos patrocinados pelo poder público, como o Governo Federal e a Prefeitura de São Paulo. Possui três álbuns de estúdio: Entrada para Raros, O Segundo Ato e A Sociedade do Espetáculo.

A filosofia da trupe passa por construir sua participação na formação e diretriz do movimento Músicas Para Baixar(MPB) - comprometido com a defesa do livre compartilhamento de arquivos musicais via internet e flexibilização do direito autoral, que conta com adesão de artistas e músicos preocupados com a questão da censura na web.

Inspiradas nas obras de Hermann Hesse, escritor alemão ganhador do Prêmio Nobel de Literatura que apresentou o conceito de teatro mágico em seu livro O Lobo da Estepe, as composições tratam dos personagens que as pessoas precisam assumir nas diversas situações do cotidiano. As canções vão sendo intercaladas pelo traçado tecnológico de ruídos telefônicos, sinais de rádio e mensagens de voz. Os integrantes da trupe se apresentam maquiados e vestidos de palhaço, que trazem a ideia do "personagem interno" escondido em cada um de nós.

Apesar de envolver várias expressões artísticas, a linguagem musical e cênica é popular e acessível para todo tipo de público, independente de idade e classe social.

Embalando todas as canções, destacam-se: violões, violino, guitarra, baixo, percussão, flauta, DJs, gaita, xilofone, bateria, bandolim e sonoplastia. São 10 músicos e 3 artistas circenses, e algumas participações esporádicas como a da percussionista Simone Soul (Funk Como Le Gusta) e de alguns músicos do grupo pernambucano Cordel do Fogo Encantado, que também participaram da gravação do CD.

Em 19 de abril de 2008, o grupo se apresentou no programa Altas Horas, da Rede Globo, com uma apresentação circense, o grupo cantou "Camarada d’água" no programa. Em 18 de Junho de 2008, três anos depois do lançamento de seu primeiro álbum, O Teatro Mágico fez o lançamento de seu segundo álbum de estúdio, intitulado O Teatro Mágico: Segundo Ato.

No dia 28 de março de 2009, voltaram a se apresentar no programa Altas Horas, cantando duas canções do novo álbum, "Pena" e "Mérito e o Monstro". O programa contou também com a presença da apresentadora Xuxa Meneguel e da cantora Ivete Sangalo, que também se embalaram ao som da trupe.

No dia 24 de abril de 2010, participaram da novela Viver a Vida da Rede Globo. A trupe se apresentou na inauguração de um restaurante da trama, executando as músicas O "Anjo mais velho" e "Pena".

Trupe

Músicos
Fernando Anitelli
Rafael dos Santos
Luiz Galldino
Silvio Depieri
Daniel Santiago
Thiago Espírito Santo
Pedro Martins

Circo
Wallace Alcantara
Mateus Bonassa
Andrea Barbour

Para conhecer mais sobre esta trupe e se deliciar em seus trabalhos acesse o site oficial e o canal do Youtube da banda.

Fonte: O Teatro Mágico Enciclopédia

Raoul Haussmann

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 06 Apr 2015 13:37:00 +0000

Raoul Haussmann - Viena 1886 - Limoges 1971

Raoul Hausmann nasceu em Viena e se mudou, com seus pais, para Berlim aos 14 anos de idade. Ele teve suas primeiras aulas de pintura com seu pai. Ainda jovem, Raoul Hausmann, se interessou pelas ideias do emergente movimento Expressionista na Alemanha e era membro da comprometida equipe da revista "Der Sturm". Além da pintura, ele era bastante interessado em filosofia e literatura e publicou diversos artigos e poemas em revistas culturais.

A partir de 1913 ele manteve contato com escritores de diversas revistas, entre elas a revista "Die Aktion". Até que, em 1917, ele se encontrou com os pensamentos e ideias Dadaístas, com a qual ele foi apresentado à literatura contemporânea pela revista "Cabaret Voltaire", por um lado e, pelo médico e escritor Richard Helsenbeck, por outro, Hausmann era um seguidor convicto e apaixonado do Expressionismo. A partir de 1918, os primeiros saraus Dadás, em que Hausmann, Huelsenback, Heartfield e Grosz participaram, tiveram importância. Esse ano também viu a fundação do "Club Dada" e a publicação do primeiro "Manifesto Dadaísta".

Raoul Hausmann - O crítico de arte 1919-1920
Litografia e papel impresso em papel
31,8 x 25,4 cm

Raoul Hausmann desenvolveu um processo de fotomontagem e impresso em seus primeiros "poemas posters" e poemas fonéticos. Em 1919 ele se tornou editor do jornal "Der Dada". Por volta de 1920 o fim do movimento Dadá foi iminente. Em 1926 Raoul Hausmann começou a escrever o seu romance "Hyle". Paralelamente ele conduziu uma análise eletro-acústica e ópticas com o Optophon, um aparelho patenteado em Londres em 1935, destinado a produzir ondas de som e luz correspondentes entre si.

Em 1930 Hausmann começou a trabalhar sistematicamente com fotografia, desenvolvendo mais esse trabalho quando ele se mudou para Ibiza, em 1933. Por um longo período de tempo, estas fotos documentais e experimentos fotográficos era a única atividade que Raoul Hausmann poderia seguir de forma irrestrita.

Banido como artista, Hausmann correu de um lado a outro até 1944. Da Espanha ele foi até Zurique em 1936, depois disso foi até Praga em 1937. Um ano mais tarde foi para Paris e depois para Limoge, onde se estabeleceu. Raoul Hausmann viveu isolado por lá até a sua morte, em 1971.

Traduzido de: Art Directory - www.raoulhausmann.com

Raoul Hausmann - Tatlin em casa - 1920
41x28 cm - Colagem em papel e guache

Colagem e Arte

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 02 Apr 2015 04:12:00 +0000

A colagem é um procedimento técnico artístico de utilizar várias matérias que podem, ou não, variar a textura, umas sobre as outras ou lado a lado, formando um motivo ou uma nova imagem.

Georges Braque - Fruteira e Copo - 1912

A colagem como técnica tem surgimento datado da história antiga, entretanto teve seu valor artístico reconhecido a partir do século XX, com sua utilização no Cubismo, antes disso, era considerada ou brincadeira de criança, ou manifestação artística popular e desprovida de fundamentação crítica. A utilização de diversos materiais sobre um suporte, como madeira, pedaços de jornal e objetos, faz da colagem uma técnica que põe em questão os limites entre pintura e escultura.

A partir da Arte Moderna, a técnica passa a ser empregada em diversos movimentos artísticos e escolas artísticas, promovendo sentidos muito variados. A utilização de materiais muito diferentes de papéis cria uma nova gama de possibilidades de produtos artísticos em três dimensões, como se fossem esculturas em quadros.

As novas possibilidades de criação artísticas proporcionadas pela colagem geram adeptos em todo o mundo, mas com objetivos bastante distintos entre si. Na Europa, principalmente na França e na Itália, as idéias nascidas da colagem provocam a produção de obras de sentido cubista por artistas futuristas. Uma releitura da técnica, e uma nova aplicação da mesma.

Temas frequentes nas colagens são violência, tecnologia e velocidade, por conta do contexto histórico em que se encontravam os artistas do início do século XX, com guerras e a produção tecnológica, a todo vapor, sendo testada nelas. A reflexão artística sempre monta à época contemporânea ao movimento, não foi diferente com a colagem.

Raoul Haussmann - 1920
Tatlin em casa - 41 x 28 cm
Colagem em papel e guache

Entretanto, não apenas as críticas ao momento vivido foram temas utilizados na colagem, mas também faces e imagens abstratas figuraram muitas obras. A expressividade conseguida com a colagem é única e distante de todas as outras texturas. Isso levou os artistas a produzirem uma grande quantidade de produtos muito diferentes entra si, garantindo uma pluralidade artística muito rica e profunda.

Há muitos nomes importantes para a colagem em todo o mundo, principalmente artistas cubistas: Georges Braque, Pablo Picasso, Juan Gris, Albert Gleizes, Louis Marcoussis, André Derain, Robert Delaunay, Sonia Delaunay-Terk, Umberto Boccioni, Gino Severini, Giacomo Balla, Luigi Russolo, Kazimir Malevich, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Max Ernst, Joán Miró, Yves Tanguy, René Magritte, André Masson, Salvador Dalí e Henri Matisse. No cenário artístico brasileiro, os nomes de destaque são: Carlos Scliar, Piza, Guignard, Jorge de Lima, Athos Bulcão, Hélio Oiticica e Lygia Clark.

A colagem, apesar de simples, é uma técnica artística difundida em todo o mundo e com relevante papel em diversas escolas e movimentos artísticos da cultura ocidental.

Fonte: InfoEscola

Wassily Kandinsky

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 01 Apr 2015 14:16:00 +0000

Wassily Kandinsky
(1866-Moscou, Rússia - 1944-Paris, França)

Pintor e escritor, Kandinsky formou-se em Direito e Economia. Seu interesse pela pintura veio do impacto que lhe causou a exposição de 1895, dos Impressionistas franceses, apresentada na Rússia. Viajou a Paris em 1896, decidido a dar início a seus estudos artísticos, aos trinta e um anos de idade. Seguiu para Munique onde, sob a tutela de Anton Azbé, estudou pintura por dois anos, prosseguindo, em seguida, os estudos com o professor da Academia de Munique, Franz von Stuck. Kandinsky recebeu nesta época influências dos trabalhos de Gauguin, dos Nabis e de Seurat.

Influenciado pelo Art-Nouveau, que atingia toda a Europa, Kandinsky, aliando-se ao espírito de época, fundou em 1901 uma associação de artistas chamada Phalanx (Falange). Entre 1903 e 1908, viajou para a Itália, Holanda e Tunísia. Depois de um período de contínuas viagens, conheceu Gabriele Münter, Jawlensky e Werefkina. Dessa amizade de intensa colaboração surge a "Nova Associação de Artistas de Munique", em 1909. Em 1911, na terceira exposição do grupo, sua obra foi rejeitada; Kandinsky, apoiado por Franz Marc, Kubin, Gabriele Münter, Jawlensky e Werefkina, rompeu com a Associação. No ano seguinte, ele e Franz Marc resolveram organizar uma mostra na Galeria Tannhauser, que seria então a fundação do O Cavaleiro Azul/Der Blaue Reiter, grupo em que atuou até o início da Primeira Guerra, ocasião em que voltaria à Rússia. Ficou afastado da Alemanha até 1922, quando recebeu um convite de Walter Gropius para fazer parte da Bauhaus.

Desde o final de sua permanência em Moscou, houve uma geometrização de suas figuras e uma aproximação com as obras de Paul Klee. Em 1926, escreveria 'Ponto e Linha sobre o Plano', que pode ser visto como um desenvolvimento das idéias já contidas em 'Do espiritual na arte', de 1912. Em 1933, com o fechamento da Bauhaus, Kandinsky foi a Paris. Não se observa grande modificação na sua produção artística entre o período anterior à Bauhaus e este em Paris, contudo acentua-se o colorido e as referências místicas em suas obras.

Wassily Kandinsky
Transverse Line - 1923 - 141 x 202 cm

"A obra reflete-se na superfície da consciência. Ela encontra-se 'para lá de' e, quando a excitação cessa, desaparece da superfície sem deixar rastro. Existe aí também como que um vidro transparente, mas duro e rígido que impede todo o contato direto e íntimo. Ainda aí temos possibilidade de penetrar na obra, de nos tornarmos ativos e de viver a sua pulsação através de todos os nossos sentidos. Para além do seu valor científico, que depende de um exame dos elementos particulares da arte, a análise dos seus elementos constitui uma ponte em direção à vida interior da obra."

Fonte: Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP)

Para conhecer as obras deste artista, sugiro os sites abaixo:
Guggenheim - Coleção online
Virtual Kandinsky

Arte Abstrata e Arte figurativa

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 01 Apr 2015 02:42:00 +0000

O que você entende por "arte figurativa" e "arte abstrata"? Espero que após essa leitura não reste mais dúvidas e você possa compreender e reconhecer facilmente as diferenças entre essas duas formas de se fazer arte.

Arte Figurativa

Wassily Kandinsky - Paisagem de Murnau - 1909
Óleo sobe papel - 69,2 x 93,9 cm

O que lhe sugere o nome Figurativa? Se pensou em figura, acertou em cheio. Pois a arte figurativa é aquela que tenta representar figuras e/ou objetos, ou até mesmo lugares, da nossa realidade objetiva. Quando observamos uma obra que nos traz uma pessoa, uma garrafa, frutas, uma paisagem, um animal etc. estamos diante de uma arte figurativa.

Como tradição, a arte ocidental, concentrou-se na representação da natureza, desde os antigos gregos, desenvolvendo uma representação verossímil. Somente a partir do século XX é que os artistas passaram mudar essa tendência.

O Renascimento, o Barroco e o Realismo são bons exemplos de de estilos artísticos onde o figurativo realista, a capacidade de mimese (imitação) do pintor contava muito. Estilos mais recentes como o Impressionismo e o Expressionismo também são figurativos, mas diferem dos primeiros por não representar de maneira muito realista como as coisas são.

Arte Abstrata

A arte abstrata não tem a intenção de representar figuras de objetos como realmente são. Ela não se preocupa em representar objetos, pois expressa-se por si mesma, ela é, em si, um objeto de algo e não a representação de algo, uma ilusão para o mundo, como a arte figurativa.

A arte abstrata utiliza-se somente das formas cores e texturas, sem retratar nenhuma figura. Com isso, ela rompe com a figuração ou representação naturalista da realidade. A significação da obra depende, essencialmente, da cor e da forma, quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível, ela passa a ser abstrata.

Podemos ainda classificar a arte abstrata em outras duas, Abstração Geométrica e Abstração Informal, de acordo com as formas apresentadas nas obras.

Abstração Geométrica

A abstração geométrica foca na racionalização do ser humano e utiliza-se de figuras geométricas, desenhadas com precisão utilizando instrumento de desenho geométrico, como régua, esquadro, transferidor, compasso e, até, computador.

Abstração Informal

Também chamamos de abstração orgânica ou lírica e utiliza formas abstratas, mas não necessariamente geométricas, nela predominam os sentimentos e emoções. As cores e as formas são criadas livremente.

Na Alemanha surge o movimento denominado "Der blaue Reiter" (O Cavaleiro Azul) cujos fundadores são os Kandinsky, Franz Marc entre outros. Uma arte abstrata, que coloca na cor e forma a sua expressividade maior. Estes artistas se aprofundam em pesquisas cromáticas, conseguindo variações espaciais e formais na pintura, através das tonalidades e matizes obtidos. Eles querem um expressionismo abstrato, sensível e emotivo. Com a forma, a cor e alinha, o artista é livre para expressar seus sentimentos interiores, sem relacioná-los a lembrança do mundo exterior. Estes elementos da composição devem Ter uma unidade e harmonia, tal qual uma obra musical.

Piet MondrianComposição com vermelho, amarelo, azul e preto

Wassily Kandinsky - 1914 - Pintura nº 201
Oléo sobre tela 163x123, cm

Wassily Kandinsky - 1926 - Diversos Cículos 323
Óleo sobre tela 139,7x139,7