Prog Resenhas

King Crimson - In the Wake of Poseidon

2012-05-22T03:49:00.000-03:00

1970 / Progressivo Eclético / Reino Unido
Greg Lake, Gordon Haskell: vocal
Robert Fripp: guitarra
Keith Tippett: piano
Mel Collins: saxofone, flauta
Peter Giles: baixo
Michael Giles: bateria
Peter Sinfield: letras

Avaliação: 10,0

Segundo álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual. O segundo álbum veio por causa do (in the wake of) Poseidon. No primeiro álbum o consciente estava relacionado a Zeus (ar, logos). Neste o inconsciente é relacionado a Poseidon (água, eros). Os dois álbuns tratam da dualidade pensamento/sentimento, duas das quatro funções psicológicas definidas por Jung. A título de curiosidade, as outras duas, intuição/sensação, são abordadas no terceiro álbum "Lizard".

No primeiro álbum, a mente consciente exerceu o controle unilateral da psique do protagonista até o final, quando ele finalmente considerou a existência do eros. O detalhe é que enquanto o consciente dominava a psique do protagonista, uma contraposição de igual poder exercida pelo inconsciente foi criada e pronta para se manifestar. É o fenômeno que Jung chamou de enantiodromia. Neste álbum, o inconsciente irá ascender para dominar a mente consciente. A dificuldade será balancear a influência de logos e eros na psique do protagonista.

Entre o primeiro e o segundo álbum a formação do King Crimson mudou bastante resultando em Fripp como o único integrante remanescente. Lake já havia saído da banda para formar com Keith Emerson o ELP. A indefinição quanto ao vocal levou Fripp a cogitar convidar o então desconhecido Elton John para o cargo. Entretanto, ele conseguiu convencer Lake a fazer o vocal em troca do equipamento de PA da banda como pagamento. O vocal de Lake só não aparece na faixa 3, cantada por Gordon Haskell, amigo de longa data de Fripp. Haskell ainda integraria a banda cantando e tocando baixo no terceiro álbum.

1. Peace - A Beginning (0:49)
O timbre do vocal de Lake no início deste álbum remete ao timbre usado no refrão da faixa "I talk to the wind" do primeiro álbum. E naquele refrão era o Eros, a voz do inconsciente. Eros é acordado pelo Logos ("I'm the river touched by the wind"). Interessante notar que nos primeiros versos a voz de Eros parece distante (efeito reverberizado da voz) e nos últimos versos, a voz parece próxima (sem reverb). Ou seja, Eros emergiu ao consciente. Balanceando Eros (água) e Logos (vento) o protagonista chegará ao autoconhecimento, o Self (montanha), e consequentemente alcançará a paz ("I'm the mountain, peace is my name").
2. Pictures of a City (including 42nd at Treadmill) (8:03)
Enquanto "21st century schizoid man" é a visão do mundo exterior sob a ótica do Logos, "Pictures of a city" é a visão do mundo exterior sob a ótica do Eros. Em "21st century schizoid man", o futuro pessimista da humanidade está relacionado objetivamente com o avanço da tecnologia que termina por ocasionar as guerras ("innocents rape with napalm fire"). Nesta faixa, o futuro pessimista está subjetivamente relacionado ao consumismo desenfreado, à comodidade que o materialismo proporciona. Eros, em sua etimologia grega, significa desejo incessante por algo do qual não se possui. O desejo cego dos consumistas é visto em algumas culturas como a decadência da humanidade. Tal decadência pode ser ilustrada pela história de Eva, que, ao desejar o fruto proibido, foi expulsa do éden.
3. Cadence and Cascade (4:27)
"Cadence and Cascade kept a man named Jade". Cadência é a execução de intervalos ou acordes sonoros. O som é conduzido através do ar. Portanto, cadência está relacionada ao Logos. Cascata é uma queda d'água, estando obviamente relacionada a Eros. Jade é uma pedra reconhecidamente ligada à paz interna, harmonia e ao equilíbrio. No primeiro álbum, "I talk to the wind" é narrado em primeira pessoa e sob o ponto de vista do Logos, reprimindo o Eros. Nesta faixa a narração é em terceira pessoa e faz alusão ao balanceamento (Jade) entre Eros (Cascade) e Logos (Cadence), que é o ponto a ser alcançado pelo protagonista.
4. In the Wake of Poseidon (incl. Libra's Theme) (7:56)
The Observer "Plato's spawn cold ivyed eyes snare truth in bone and globe"	The Joker "Harlequins coin pointless games sneer jokes in parrot's robe"	The Actress "Two women weep, Dame Scarlet Screen sheds sudden theatre rain"
The Enchantress "Whilst dark in dream the Midnight Queen knows every human pain"	The Patriarch "Bishop's Kings spin judgement's blade scratch faith on nameless graves"	The Old Woman "Harvest hags Hoard ash and sand"
The Slave "Rack rope and chain for slaves"	The Fool "Whilst in the aisle the mad man smiles to him it matters least"	The Warrior "Heroes hands drain stones for blood to whet the scaling knife"
The Logician "Magi blind with visions light net death in dread of life"	The Child "Their children kneel in Jesus till they learn the price of nails"	The Mother Earth "Whilst all around our mother earth waits balanced on the scales"
A capa e contracapa do álbum é uma obra do pintor Tammo de Jongh, intitulada "The 12 Archetypes", finalizada em 1967. Essa pintura ilustra os preceitos do livro "The Porpouse of Love", escrito por de Johngh em parceria com Richard Gardner. No livro, os autores desenvolveram o círculo mágico da mente, por onde 12 arquétipos circundam e interagem entre si sob a influência dos 4 elementos: ar, água, terra e fogo; os quais são associados às funções psicológicas pensamento, sentimento, sensação e intuição respectivamente. O centro por onde os arquétipos circundam seria o local do balanceamento das funções, o local onde todos os arquétipos são assimilados e integrados como um todo. Cada um dos 12 arquétipos é contemplado pela letra e ao longo da faixa o tema de Libra, que traz a noção do equilíbrio, é interpretado instrumentalmente.
5. Peace - A Theme (1:15)
Um interlúdio.
6. Cat Food (4:54)
A primeira faixa lado B do álbum anterior é "Moonchild". A primeira faixa lado B deste álbum é "Cat food". A abordagem de ambas é caracterizada pelo uso de personagens femininos. Isso se deve ao fato do Eros inconsciente (anima) ser, por definição do Jung, feminino. Em "Moonchild", o protagonista trouxe à consciência alguns aspectos do lado encantador do Eros, mas isso não foi o suficiente para reintegrá-lo por completo. O verdadeiro Eros permaneceu na sombra. Em "Cat food", o protagonista inicia o contato com o lado amargo do Eros remanescente nas sombras. O inconsciente emergirá por completo na faixa seguinte.
7. The Devil's Triangle (11:39)
Musicalmente a faixa é inspirada na suíte "The Planets" (Op. 32) do compositor inglês Gustav Holst, escrita em 1914, em seu primeiro movimento denominado "Mars, the Bringer of War". Marte é reconhecidamente o Deus da Guerra na mitologia romana. Devil's Triangle é outro nome para Triângulo das Bermudas. A região é famosa pelo "inexplicável" desaparecimento de pessoas que por ali trafegavam tanto pelo ar (logos) quanto pelo mar (eros). O motivo é a existência de uma poderosa energia irregular. A instabilidade do Triângulo das Bermudas reflete no conflito entre Eros e Logos. O tema de Marte inicia-se, incitando o conflito entre inconsciente e consciente. Eros se manifesta (2:20). A medida que o tempo passa, o instrumental fica cada vez mais denso e caótico. Até que Logos se manifesta (7:00) com uma rajada de vento, anulando temporariamente o caos e restabelece a ordem (com o clique do metrônomo). O silêncio não dura muito tempo. Eros volta à tona (7:50). O trecho do tema principal de "In the court of the Crimson King" é reproduzido e em seguida o instrumental caótico vai declinando até os dedilhados de "Peace - A Theme". De fato o conteúdo do inconsciente emergiu. Os opostos conflitantes foram controlados e a energia resultante da tensão entre eles os uniu, caracterizando a função transcendente. Em outras palavras, a visão unilateral do ego se desfez a partir do momento em que ele assimilou o conteúdo do inconsciente.
8. Peace - An End (1:53)
	Com o Eros e o Logos equilibrados, o nosso protagonista está apto ao buscar o caminho do autoconhecimento ("Searching for you / You look everywhere / But not inside you"). Esse é o caminho da paz interna. "Peace is a stream from the heart of a man Peace is a man, whose breadth is the dawn Peace is a dawn on a day without end Peace is the end, like death of the war." Uma constatação interessante. Esses são os últimos versos do álbum. Se você seguir a lógica das palavras em negrito, o próximo verso seria "Peace is the war". Aparentemente um paradoxo. No entanto a existência do equilíbrio implica na existência dos opostos. Da mesma forma, a condição da paz existir é a superação da guerra e a condição da guerra existir é deterioração da paz. Um não existe sem o outro.
A temperança resume a abordagem deste álbum. A busca do equilíbrio entre a razão e o sentimento.

Fonte de pesquisa: Site oficial do Peter Sinfield.

King Crimson - In the Court of the Crimson King

2012-05-18T15:00:00.001-03:00

1969 / Progressivo Eclético / Reino Unido
Greg Lake: vocal, baixo
Robert Fripp: guitarra
Ian McDonald: teclados, sopro, vocal
Michael Giles: bateria, vocal
Peter Sinfield: compositor

Avaliação: 10,0

Primeiro álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre o imperialismo fundado tão-somente no materialismo. É o primeiro dos 4 álbuns de Peter Sinfield no King Crimson. O foco deste álbum está na oposição entre as funções psicológicas do pensamento e do sentimento definidas por Jung.

Foi o primeiro e único álbum da banda que contou com a participação de Greg Lake no baixo. No álbum seguinte, Lake faria os vocais mas já de saída para formar o trio ELP.

Sobre King Crimson
		King Crimson é sinônimo de Belzebu, palavra derivada de Baal (senhor, dono) e Zebul (casa). Belzebu era o deus das tempestades que punia com seus raios todos os inimigos do satanás. Na Bíblia, em Mateus 12:24, Jesus expulsa demônios de um homem e é comparado a Belzebu por alguns fariseus. Essa associação é feita pela banda através do cristograma (IC XC) formado com as mãos do King Crimson, conforme imagem ao lado. Belzebu é também conhecido como Senhor das Moscas, pois ele mantinha com sucesso enxames de moscas perigosas longe de seus devotos. Da mesma forma, Zeus expulsou um enxame de moscas da cidade de Olímpia e foi chamado de Apomyios (Senhor das Moscas). Além disso, Zeus é reconhecidamente o deus dos raios e trovões. A descrição "o homem com uma mira" serve tanto a Zeus quanto a Belzebu. Uma terceira associação diz respeito ao imperador Frederick II.
Frederick II (1194-1250) foi um dos mais poderosos imperadores romanos. Possuía grande interesse na área científica e nas artes. Falava seis idiomas e tinha uma cultura extraordinária. Seu governo secular no entanto acarretou inimizades entre os papas, motivo pelo qual sua dinastia não prosperou após sua morte. Enquanto vivo, era conhecido como Stupor-Mundi (Senhor do Mundo). Curiosamente Zeus também era conhecido como Deus do Mundo (Jupiter-Mundus). Cada uma das entidades supracitadas personificam a figura do King Crimson.

1. 21st Century Schizoid Man (7:21)
	O subtítulo do álbum é "An observation by King Crimson", ou seja, o álbum será uma constatação sob o ponto de vista do King Crimson. O futuro (homem esquizofrênico do século 21) se funde ao passado (perspectiva medieval do imperador Frederick II), assim como o plano terreno (mundo físico) se funde ao plano metafísico (mundo espiritual) em concordância com o princípio hermético da correspondência ("as above, so below"). O mundo está ficando cada vez mais tecnológico. O logos está se sobrepondo ao eros, isto é, a razão ofuscando o sentimento. E as novas gerações amargam as criações de seus antepassados. Da mesma forma, Prometeu foi punido por capturar o fogo dos deuses, o que em outras palavras pode ser entendido como a busca do conhecimento pela ciência em prol dos humanos. Tanto Prometeu quanto o homem esquizofrênico do século 21 buscaram o progresso pela ciência e se tornaram vítimas da consequência de seus próprios atos.
Paralelamente, o imperador Frederick II era conhecido por sua sede pelo conhecimento. Questões não explicadas pela razão eram objetos de seus experimentos. Tais experimentos escandalizavam outros contemporâneos. Frederick II é o reflexo passado do homem esquizofrênico do século 21. Essa faixa traz um trecho conhecido como "Mirrors" (espelhos). Musicalmente, a banda reproduziu o futuro e o passado através do hard rock e do jazz respectivamente, um como reflexo do outro. A letra associa as criações oriundas do avanço tecnológico ("cat's foot, iron claw") às consequências trazidas por elas ("innocents rape with napalm fire"). É uma referência inclusive direta à Guerra do Vietnã que estava em curso na época em que o álbum foi produzido.
2. I Talk to the Wind (6:05)
No verso da canção há duas vozes, representadas por duas flautas. Cada voz representa o Logos (vento) e o Eros (água). No refrão, pode-se notar a unilateralidade do consciente do protagonista ao desprezar a existência e a influência do seu inconsciente ("I talk to the wind / The wind does not hear").
3. Epitaph (8:43)
O imperador reconhece que a busca pelo conhecimento resultou numa marcha sem sentido, a qual o deixou fadado à confusão (guerras, conflitos). A profecia de sua morte está traçada e ele teme seu epitáfio ("If we make it we can all sit back and laugh / But I fear tomorrow I'll be crying").
4. Moonchild (12:12)
Na primeira parte ("The Dream"), o inconsciente do nosso protagonista projeta a imagem de Moonchild. A letra descreve o misticismo, o encantamento por trás da jovem Moonchild. Esse é o primeiro contato com a face encantadora do Eros. A segunda parte ("The Illusion") tem um instrumental experimental. O inconsciente tenta envolver o consciente projetando ilusões para inibir sua unilateralidade.
5. The Court of the Crimson King (9:25)
"The rusted chains of prison moons are shattered by the sun I walk a road, horizons change". As correntes da lua (inconsciente) foram quebradas pelo sol (consciente) e os horizontes mudaram. Esse primeiro contato com seu inconsciente, fez o imperador perceber o seu erro em desprezar seu inconsciente. No entanto, ele não sabe como balancear o inconsciente e o consciente. Assim, o domínio do Logos naturalmente é restabelecido. A corte do imperador Frederick II está preparada para sua luta contra o papado ("The tournament's begun"). A letra define o arquétipo do Papa como aquele que colocava barreiras nos sonhos do imperador. O papado era um entrave na busca pelo conhecimento de Frederick II. O imperador tentou uma aliança com a Ordem dos Pregadores, que também tinham desavenças com o Papa, mas a tentativa fracassou pela falta de argumentos ("I wait outside the pilgrim's door with insufficient schemes"). Frederick buscou no ocultismo o meio de invocar demônios contra o papado. No entanto, invocar demônios custava o sacrifício da carne humana, sacrifício que o imperador julgou necessário. ("The black queen [Perséfone] chants the funeral march"). Nesse diapasão, os sinos rachados anunciavam o retorno da bruxa flamejante. Essa é uma referência ao tutor de Frederick II, Michael Scot. Ele era conhecido como mago, devido ao seu interesse pelo oculto. Esteve ausente da corte traduzindo os textos de Averróis na Espanha. As ideias desse filósofo confrontavam a postura papal. Era justamente o argumento que Frederick II precisava. Por isso, o retorno de Scot à corte foi um evento de considerável importância. A participação do imperador em guerras sucessivas fez dele um homem cansado e doente. Retirou-se do campo de batalha e esperou a morte deitado em sua cama. Há relatos de que ele havia ficado totalmente insano e impossibilitado de conviver socialmente novamente. "The yellow jester does not play But gentle pulls the strings And smiles as the puppets dance" O bobo da corte não atua, mas toca as cordas e sorri com a dança dos fantoches. Todos na corte do King Crimson são fantoches controlados por arquétipos, por sua vez residentes no inconsciente coletivo. O imperador medieval morreu, mas o arquétipo do imperador persiste no tempo. A ligação que a banda fez do futuro (Guerra do Vietnã) com o passado (Guerra contra o Papa) mostra que, apesar do grande lapso temporal entre os eventos, o governo Norte-Americano é um fantoche do arquétipo do imperador, tal como Frederick II fora. O segundo álbum é o reflexo deste. O que permaneceu ofuscado e obscuro neste álbum (Eros) virá a tona no segundo e vice-versa. Em outras palavras, neste álbum conhecemos o lado negro do consciente. No próximo, conheceremos o lado negro do inconsciente.

Gentle Giant - Octopus

2012-05-11T15:00:00.000-03:00

1972 / Progressivo Eclético / Reino Unido
Derek Shulman: vocal, saxofone
Raymond Shulman: baixo, violino
Philip Shulman: saxofone, trumpete
Kerry Minnear: teclados
Gary Green: guitarra
John Weathers: bateria

Avaliação: 8,0

Quarto álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. Há referências literárias (1,3,4), temas existencialistas como cães e rios (6,8), contos aleatórios (2,7) e uma faixa instrumental (5).

O título vem da junção de "octo" (oito) com "opus" (composições) e faz menção ao número de faixas do álbum.

A capa original foi criada por Roger Dean, famoso pelas capas dos álbuns da banda Yes. Há uma capa alternativa na qual um polvo com seus oito tentáculos permanece preso dentro de um frasco com água. Essa capa apareceu nas edições norte-americanas e canadenses do álbum.

1. The Advent of Panurge (4:45)
Essa faixa é baseada no romance do escritor francês François Rabelais, intitulado "Les horribles et épouvantables faits et prouesses du très renommé Pantagruel Roi des Dipsodes, fils du Grand Géant Gargantua", publicado em 1532. Esse é o momento da narrativa em que o gigante Pantagruel encontra pela primeira vez seu grande amigo Panurge. O clérigo Panurge estava arruinado e pobre quando pediu a ajuda de Pantagruel. Contudo, ele era rico de sabedoria e poderia responder a todas as perguntas de Pantagruel em troca do gigante oferecer-lhe abrigo. E desde então ambos tornaram-se grandes companheiros de aventuras.
2. Raconteur Troubadour (4:03)
Essa faixa é um conto medieval no qual um trovador conta suas histórias ao som de seu alaúde enquanto pessoas se aproximam para ouvir e recompensar o artista com moedas.
3. A Cry for Everyone (4:06)
Essa faixa contém ideias do filósofo franco-argelino Albert Camus, particularmente em seu romance "L'étranger", publicada em 1942. O livro conta a história de Meursault, um homem que assassinou um árabe e foi submetido a julgamento. No entanto, o fato mais analisado ao longo do livro não é o assassinato em si, mas a indiferença que Meursault demonstrou no funeral de sua mãe, fazendo dele um homem sem sentimentos ou ainda misantropo. A letra baseia-se na Teoria do Absurdo de Camus, ou seja, na impossibilidade de humanos encontrarem uma explicação para o sentido da vida e os valores humanos. Não há como qualificar a personalidade de Meursault ao deixar de chorar no enterro de sua mãe. Se ele pudesse, ele choraria por todos, mas seriam lágrimas em vão uma vez que tudo a sua volta é absurdo e sem sentido. Há um caráter existencialista nas entrelinhas dessa letra.
4. Knots (4:11)
A letra desta faixa é baseada na obra do psiquiatra escocês Ronald Laing, intitulada "Knots", publicada em 1970. Laing destacou-se por construir pensamentos lógicos de maneira poética. Segue um trecho de "Knots": "Jack can see he sees what he can see Jill can't see and he can see that Jill can't see that she can't see but he can't see WHY Jill can't see that Jill can't see." A música inicia-se a capella com um jogo de vozes interpretando a letra cuja estrutura assemelha-se ao trecho destacado acima. Posteriormente os arranjos são formados.
5. The Boys in the Band (4:34)
Essa é uma típica faixa instrumental da banda com muitos contrapontos.
6. Dog's Life (3:13)
Esta faixa descreve como é a vida dos cães e sua relação com os homens. Os cães não se preocupam com seus pelos e dentes. O senso comum diz que são o melhor amigo do homem, mas eles não dão a mínima aos problemas de seus donos. Basta que lhes deem um bom osso e então eles nunca fugirão. Eles rugem como se fossem leões, mas não passa de encenação. As pessoas superestimam os cães, mas a verdade é que não entendem como é de fato a vida desses animais.
7. Think of Me With Kindness (3:31)
Essa música é sobre a desolação de um homem cuja amada faleceu. As memórias dos momentos juntos são lembradas com tristeza. Não há como voltar atrás. Ele pede para que ela em seu sono eterno lembre-se dele com ternura e finalmente despede-se.
8. River (5:52)
Essa faixa é uma visão poética sobre o rio. As águas fluem livres e silenciosas percorrendo o caminho sinuoso. O brilho do sol faz da água um forro prateado. No entanto, é aconselhável estar sempre na beira dos rios, pois sua exuberância esconde sua profundidade. A correnteza sempre escolhe o caminho mais fácil e nesse ponto sempre será amiga daqueles que estiverem com ela. Está sempre em movimento, nunca ocioso, até o fim.

ELP - Trilogy

2012-05-04T15:00:00.000-03:00

1972 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Keith Emerson: teclados
Greg Lake: vocal, baixo, guitarra
Carl Palmer: bateria

Avaliação: 8,0

Terceiro álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. Possui uma trilogia com temática sobre um relacionamento amoroso desfeito (1,2,3,4,7), referências instrumentais a outras obras (6,8) e uma história inusitada (5).

Inicialmente a capa do álbum seria uma imagem do pintor surrealista espanhol Salvador Dali, intitulada "The Endless Enigma" (1938). Dali, no entanto, exigiu 50 mil euros pela cessão dos direitos sobre a imagem. Tal proposta fora recusada pela gravadora. Segue-se a referida obra:

1. The Endless Enigma (Part One) (6:42)
Esse é o começo da trilogia do álbum, cujo tema é o fim de um relacionamento amoroso. Um acusava o outro de estar o tempo todo mentindo. Agora, sozinho em sua cama, ele reflete sobre os fatos e relembra a discussão que ambos tiveram. Ela dizia que podia ver que ele estava errado, mas ele estava cego demais para ver seus próprios erros. Ele, por sua vez, relutava-se em ouvir as mentiras dela.
2. Fugue (1:57)
Essa é uma passagem instrumental do piano clássico de Emerson.
3. The Endless Enigma (Part Two) (2:05)
O drama já foi encenado. Agora resta saber qual o motivo dele estar refletindo em sua cama.
4. From the Beginning (4:17)
Esse é o segundo momento da trilogia. Ele reconhece que havia uma ou duas coisas que ele não deveria ter dito a ela e confessa que pode até ser que ele mudou, mas agora que está feito não há como voltar atrás. Isso não importa muito. Ela deveria estar do seu lado desde o começo.
5. The Sheriff (3:23)
Essa faixa é uma narrativa num cenário de faroeste americano onde um xerife estava em busca de um suspeito conhecido como Josie. Tudo começa quando Josie vê seu amigo sendo linchado por uma multidão de pessoas e não vê outra solução senão fugir para não ser linchado também. O xerife foi atrás de Josie com a promessa de que colocaria uma bala em seu peito. Entretanto Josie não era um foragido como os outros. Quando o xerife finalmente o encurralou, ordenou que deixasse sua face à mostra. Foi a brecha para Josie sacar sua arma e atirar velozmente contra o xerife. A partir desse dia, Josie passou a ser lembrado como aquele que desafiou o xerife.
6. Hoedown (3:47)
Essa faixa instrumental é uma referência ao último movimento do balé do compositor americano Aaron Copland chamado "Rodeo" de 1942.
7. Trilogy (8:54)
Parte final da trilogia. Ele tentou remendar um amor que ambos fingiam dar por findado. Um mentia para o outro e ambos sabiam quando estavam mentindo. E ele sentiu vontade de chorar ao pensar que mentiu para ela por todo esse tempo. Ainda sim, ele decidiu mandar uma carta dizendo os motivos de seu afastamento na esperança de que ela o compreendesse. Era uma carta de despedida.
8. Living Sin (3:14)
Essa faixa é sobre encontrar-se com uma prostituta à noite. A mulher vai achar uma maneira de atraí-lo e então aflorará seus instintos. Você será delicadamente deitado ao chão. Ouvirá histórias alheias e sentirá a Coca-Cola derramando em seu corpo.
9. Abaddon's Bolero (8:08)
Essa é uma faixa instrumental nos moldes do "Bolero de Ravel" do compositor francês Maurice Ravel.

Focus - Moving Waves

2012-04-27T15:00:00.000-03:00

1971 / Progressivo Sinfônico / Holanda
Thijs van Leer: vocal, teclados, flauta
Jan Akkerman: guitarra
Cyril Havermanns: baixo
Pierre van der Linden: bateria

Avaliação: 8,0

Segundo álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. O título é uma metáfora para a suavidade do som da banda nesse álbum, com exceção da faixa 1. As faixas possuem temas aleatórios, cabendo destaque para a suite da faixa 6 com referências sobre o mito grego de Orfeu e Eurídice.

Alguns atentam para o fato da faixa 6 ser uma adaptação da ópera "Euridice" do compositor italiano Jacopo Peri. A introdução possui alguma semelhança com a obra do compositor italiano, embora o restante da suite não tenha qualquer referência direta.

1. Hocus Pocus (6:42)
É uma faixa instrumental. Destaca-se pelos riffs de guitarra eventualmente interrompidos por solos de bateria, os quais introduzem Thijs van Leer com suas técnicas vocais (iodelei), com seus solos de flauta e com seus assobios. O instrumental eletrizante dessa faixa se distancia do instrumental mais suave das faixas seguintes.
2. Le Clochard (2:01)
É uma passagem melancólica conduzida pelo violão flamenco de Akkerman. Como o título sugere, é sobre um morador de rua.
3. Janis (3:09)
Outra bela passagem conduzida pela flauta de van Leer. O título sugere uma homenagem à Janis Joplin.
4. Moving Waves (2:42)
Única faixa com letras no álbum. Thijs van Leer conduz sozinho o instrumental em seu piano. A letra aborda sobre as ondas do mar que se agitam segundo um impulso, cuja motivação é alcançar a superfície.
5. Focus II (4:03)
Segue o estilo melancólico da faixa 2, exceto por um trecho jazzístico muito bem executado.
6. Eruption (23:04)
Essa é uma suite sobre o mito grego de Orfeu e Eurídice. É dividida em 16 partes: 1. Orfeus (00:00) A suite começa com o tema de Orfeu. Na mitologia grega, Orfeu era um poeta muito conhecido por tocar a lira dada a ele por Apolo. O som da sua lira era tão exuberante que os pássaros paravam de voar para escutá-lo. Orfeu casou-se com uma ninfa chamada Eurídice, cuja beleza atraiu a atenção de um agricultor chamado Aristeu. Eurídice tentou se desvencilhar dos assédios de Aristeu e correu para se afastar dele. No entanto, esbarrou numa serpente que lhe desferiu uma picada fatal. Quando Orfeu soube da morte de sua amada, tentou ir ao mundo dos mortos para convencer Hades a trazê-la de volta à vida. Para isso, utilizou-se de sua lira para encantar todos aqueles que estavam em seu caminho rumo ao aposento de Hades. 2. Answer (01:20) Hades ficou irritado ao ver que um vivo adentrara em seus domínios e, ao ouvir a história de Orfeu, recusou o seu pedido. 3. Orfeus (02:55) Orfeu pediu para que pudesse tocar sua lira como forma de demonstrar seu grande pesar pela morte de sua amada. 4. Answer (04:15) Hades hesitou em permitir. 5. Pupilla (05:07) Perséfone, esposa de Hades, também chamada de Kore ou Pupilla, convenceu Hades a deixar que Orfeu tocasse sua Lira. 6. Tommy (06:10) Esse é o momento do lamento de Orfeu sob a música de sua lira. O título faz menção ao autor desse trecho Tom Barlage, saxofonista e flautista da banda Solution de rock progressivo holandês. 7. Pupilla (07:55) Perséfone comove-se com o amor que Orfeu tem por Eurídice e tenta convencer Hades a atender o pedido do trácio. 8. Answer (08:29) Hades cede ao desejo de sua esposa e permite que Eurídice retorne ao mundo dos vivos, com a condição de que Orfeu guiasse sua amada sempre à frente sem olhar para ela até que ambos retornassem à superfície. 9. The Bridge (08:50) Orfeu aceitou a condição e guiou Eurídice, sempre a sua frente, pela trilha rumo ao mundo dos vivos. Ele tocava sua lira em tom de celebração e júbilo. 10. Break (14:10) Num dado momento, Orfeu se perguntou se Eurídice realmente o estava acompanhando ou se Hades o havia enganado. 11. Euridice (14:34) Curioso, Orfeu olha para trás para se certificar de que Eurídice estaria ali. 12. Dayglow (16:14) A luz do sol despontava radiante no portal do mundo dos vivos onde Orfeu já havia alcançado. 13. Endless Road (18:23) Entretanto, Orfeu vê sua amada ser puxada de volta ao mundo inferior. O caminho à superfície fechou-se para ela. 14. Answer (19:59) Como Orfeu desobedeceu a condição imposta por Hades, Eurídice foi condenada a permanecer no mundo dos mortos para sempre. 15. Orfeus (20:33) Orfeu desesperou-se e amargou não poder fazer nada para trazer Eurídice de volta. Sentiu-se eternamente culpado por isso. 16. Euridice (21:24) Eurídice passou o resto dos dias nos Campos Elíseos onde posteriormente seria encontrada novamente por Orfeu após sua morte no mundo dos vivos.

Renaissance - Scheherazade and Other Stories

2012-04-20T15:00:00.000-03:00

1975 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Annie Haslam: vocal
Michael Dunford: violão
John Tout: teclados
Jon Camp: baixo
Terrence Sullivan: bateria

Avaliação: 9,0

Sexto álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. Possui como temas um estranho acontecimento pessoal (1), uma metáfora social (2), uma visão poética da natureza (3) e uma suíte baseada no conto "As mil e uma noites" (4).

As faixas foram compostas por Betty Tatcher. Sobre a faixa 2, ela compôs originalmente para a banda Wishbone Ash, mas Haslam se interessou pela composição e Tatcher a trouxe para a banda numa versão menos obscura. Sobre a faixa 3, Tatcher costumava a observar o amanhecer de sua casa em Cornwall, Inglaterra. Ela achava que o sol e a lua eram como homem e mulher que apesar de amantes, nunca se encontravam*.

Alguns indicam que a faixa 4 é uma referência direta ao compositor russo Nikolai Rimsky-Korsakov, em sua obra "Scheherazade", sobretudo pela semelhança dos títulos "The Young Prince and Princess/Festival Preparations". Musicalmente essa semelhança não existe. Percebe-se, contudo, uma grande inspiração na obra do referido compositor.

*Class Chops and Classical Cops, The Good Times by Don Kossoff March 1977.

1. Trip to the Fair (10:48)
Haslam foi a uma feira e, por um momento, teve a impressão de que era a única presente no local. Ela se perguntou o que teria acontecido, quando ouviu um barulho como a colisão de carrinhos bate-bate (dodgems) vindos de algum lugar e então começou a gritar. Ela sentiu-se girando como um carrossel e desmaiou. Ao recobrar a consciência, parecia que milhares de pessoas estavam olhando para ela. Enquanto isso, palhaços riam em cabines de marionetes. Ela não sabia se era realidade ou fantasia de sua mente. Quando finalmente voltou a si, ela percebeu que de fato a feira estava vazia. Talvez todos tivessem ido para casa.
2. The Vultures Fly High (3:07)
Essa é uma metáfora na qual os abutres são na verdade as pessoas que estão no poder para oprimir os fracos e tirar-lhes o pouco que possuem. Os abutres reinam no céu e estabelecem as regras que devem ser seguidas por aqueles que estão abaixo. Não importa o que você diga, eles sempre o criticarão com seus olhares cínicos. Eles acolhem quem lhes convém acolher e os fracos são deixados para trás. No final, eles precisam pagar as contas e tiram de você o pouco que lhe resta.
3. Ocean Gypsy (7:05)
Essa maravilhosa canção é uma visão poética e platônica do fim da madrugada quando a lua se perde no oceano e do nascer do sol quando os primeiros feixes de luz surgem no horizonte. A lua começa a ser ofuscada pelos brilhos do sol na alvorada e esse é o momento em que o oceano a chama. É o momento de sua morte. As estrelas testemunham seu desaparecimento. Para quem a vê se perder ao longe, é como se ela viajasse pelo oceano. E então o sol surge. A lua e o sol são como amantes destinados a nunca se encontrarem.
4. Song of Scheherazade (24:52)
É uma suíte dividida em nove partes baseada em contos persas compilados sob o nome de "As Mil e Uma Noites". I. Fanfare (Prelúdio) É uma curta passagem instrumental com arranjos de trompetes que introduzem a narrativa. II. The Betrayal (A Traição) Segundo trecho instrumental. O Rei da Pérsia, Xariar, descobre que, durante suas viagens, sua mulher o traíra ao se relacionar com um escravo. O rei ordena a morte de ambos e decide que, a partir daquele dia, a mulher que dormisse com ele à noite morreria na manhã seguinte. Dessa forma ele nunca mais seria traído novamente. III. The Sultan (O Sultão) Três anos se passaram e já quase não haviam virgens no reino para dormir com o rei. Scheherazade, filha de um vizir, pediu para ser entregue ao sultão, pois sabia uma maneira de não terminar morta como as outras virgens. Scheherazade encontra o rei e lhe encanta com a "História do mercador e do gênio". Porém, ao amanhecer, ela interrompe a narrativa e promete terminá-la no dia seguinte. O rei, curioso, ordena que não a matem para saber o final da história. E assim, Scheherazade foi entretendo o rei por 1001 noites. IV. Love Theme (Tema do Amor) Terceiro trecho instrumental. É uma bela passagem nos pianos que interpreta o amor que o rei foi desenvolvendo por Scheherazade. V. The Young Prince and Princess as told by Scheherazade (Os Jovens Príncipe e Princesa tal como contado por Scheherazade) Mesmo a história vivida pelo rei e Scheherazade se tornara uma de suas histórias. E nessa história, o rei livraria sua amada da morte e a aceitaria como esposa para o resto dos dias. VI. Festival Preparations (Preparativos do Festival) Quarto trecho instrumental. O rei acaba concordando com a ideia de não matar mais Scheherazade e anuncia ao povo que ela se tornará rainha. As pessoas se alegram com o anúncio e decidem preparar um grande festival. VII. Fugue for the Sultan (Fuga para o Sultão) Quinto trecho instrumental. O sultão se liberta de seu próprio temor de ser traído e passa a viver uma nova vida ao lado de sua amada Scheherazade. VIII. The Festival (O Festival) O povo celebra o fato de Scheherazade ter feito o rei mudar de ideia e deixar a expressão rude e carrancuda para o passado. Agora, ela é coberta com a melhor seda, ela tem todos os tipos de alimentos a sua disposição e as pessoas cantam e dançam em homenagem à união de Scheherazade e o sultão Xariar. IX. Finale (Desfecho) Sexto trecho instrumental. O tema da terceira parte é repetido até o encerramento da suíte.

Marillion - Clutching at Straws

2012-04-13T15:00:00.000-03:00

1987 / Neo Progressivo / Reino Unido
Fish: vocal
Steve Rothery: guitarra
Mark Kelly: teclados
Pete Trewavas: baixo
Ian Mosley: bateria

Avaliação: 8,0

Quarto álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre a trajetória do personagem Torch, um desempregado de 29 anos que encontra refúgio nas bebidas para fugir de seus problemas. Embriagado, ele escreve sobre suas lamentações.

Mark Wilkinson foi o criador da capa deste álbum. Mark reproduziu a imagem das pessoas que serviram de inspiração para as letras de Fish. Da direita para a esquerda, temos: Robert Burns (poeta escocês); Lenny Bruce (comediante judeu); Truman Capote (escritor americano); Dylan Thomas (poeta galês); James Dean (ator americano). Um pouco atrás, no segundo plano, é possível identificar ainda: John Lennon (músico inglês) e Jack Kerouac (poeta americano).

Esse foi o último trabalho de Fish no Marillion.

1. Hotel Hobbies (3:35)
Torch encontra-se em seu quarto de hotel. Sua garrafa de wisky está vazia e é o seu último cigarro. Não havia nenhum som a não ser o dos rabiscos num papel. O poeta introduzia os personagens de sua história e memórias dos velhos amigos vieram à tona. Lembranças desoladoras da noite em bares. Uma luz vinda através das cortinas desviou sua atenção.
2. Warm Wet Circles (4:25)
Torch dirige-se aos locais em que costumava a frequentar. O pub estava movimentado por alcoólatras e por jogadores de sinuca. Ele viu jovens meninas namorando em cabines telefônicas e se lembrou de sua amada. Ele tinha ido com ela no Farol Frida (localizado numa ilha da costa leste da Escócia, frequentado por pessoas que curtem um momento juntas e longe dos outros). Lá no farol, ela dançou e se despiu sem nenhum pudor. Torch sentiu medo do seu próprio passado.
3. That Time of the Night (The Short Straw) (6:00)
No quarto de hotel, a solidão toma conta de Torch naquela noite. Ele fica paranoico querendo estar perto de alguém desesperadamente. Do lado de fora da janela, ele vê um menino. Se ele tivesse dinheiro, pagaria uma rodada de bebida para aquele garoto apenas para ele ser seu amigo.
4. Going Under (2:47)
Torch cuida para que não esteja caindo rumo ao colapso. Ele reconhece que apelou para a bebida e não tem desculpas para isso. Ele usa isso para fugir dos problemas e o tem feito com tanta frequência que tornou-se hábito. E agora ele não consegue mais fugir desse hábito porque é uma opção mais fácil: continuar como está. No entanto ele está rapidamente caindo rumo ao colapso.
5. Just for the Record (3:09)
Torch pensou em mudar sua maneira de viver várias vezes, mas ele é um poeta e sua vida é sua inspiração. Essa é a sua desculpa. Ele não tem disciplina e autocontrole. Quando as pessoas dizem que ele está com problemas, ele apenas responde que está numa fase passageira. Quando ele afirma que vai mudar, na verdade ele não passa de um ator cômico atrás de uma máscara trágica.
6. White Russian (6:27)
Essa canção é sobre o massacre aos judeus que culminou em 6 milhões de mortos durante a Segunda Guerra Mundial. Os ideais de luta a favor dos judeus mexeram com a consciência de Torch, que estava presente nesse contexto. No bar, enquanto tomava um white russian (coquetel com vodka, licor de café e leite), ele notou que ninguém estava disposto a ajudá-lo com a causa dos judeus. Ele se viu sentado em um arame farpado. Para Torch, mais uma vez, foi mais fácil esquecer aquilo tudo e pegar o avião de volta para casa do que encarar a realidade ao seu redor.
7. Incommunicado (5:16)
Torch quer ser um poeta famoso, mas não deseja para si as responsabilidades da fama. Ele quer que suas escritas falem por si e não que as pessoas venham falar com ele pessoalmente. Enquanto seu nome está nos holofotes, ele está em algum bar francês, incomunicável.
8. Torch Song (4:04)
Torch lia os livros de Jack Kerouac e cada vez mais se via influenciado pelo movimento beat. Esse movimento era caracterizado pela reunião de escritores boêmios do pós-guerra em colônias. Eles tinham um estilo não-convencional para os padrões da sociedade. O médico de Torch o alerta de que seu fígado precisa ser poupado. Se continuar com essa forma de vida não passará dos trinta anos. No entanto, Torch considera-se um escritor romântico em busca de experiências pelo mundo. Ele não está se importando com o fato de morrer jovem.
9. Slàinte Mhath (4:45)
Torch estava em bar escocês quando um homem se aproximou e, ao perceber que Torch era um escritor, ofereceu-se para contar a sua própria história. Assim, Torch ouviu sobre as esperanças e traições da vida daquele homem. Diante da história infeliz narrada, Torch poderia dizer o quanto o narrador prejudicou sua própria vida, mas ao invés disso, ele disse Slàinte Mhath (expressão gaélica que significa "Saúde!", dita antes de alguém tomar sua bebida).
10. Sugar Mice (5:46)
Torch aluga um quarto e decide ligar para sua esposa. Ele conversa com seus filhos e percebe que sua ausência tem feito falta na vida deles. Ele não tem coragem de encarar seus filhos estando desempregado. Torch assume que a culpa é toda sua e conta a sua esposa onde encontrá-lo para uma conversa.
11. The Last Straw (5:58)
Agora sóbrio, Torch é capaz de refletir sobre sua vida e as portas do sonho de voltar para a casa se abrem. Ele levou uma vida como se estivesse dentro de uma concha, enganando a si mesmo e pensando que alguém do lado de fora se preocuparia com ele. Torch questiona-se se foi longe demais com isso, se foi um irresponsável. No entanto, a sua conclusão é a de que tudo continuou da mesma forma com o passar do tempo. O sentimento é como se você estivesse sendo sufocado pelos próprios problemas e então estivesse à procura de uma saída para essa situação (clutching at straws). A procura contudo é em vão porque você pode perceber no reflexo dos olhos dele que no fundo ele continua sendo o mesmo. Na contra-capa do álbum é listada uma faixa titulada "Happy ending". No entanto, essa faixa não existe no álbum. É uma ironia de Fish com o final da história de Torch. No final de "The Last Straw" é possível ouvir alguém dizendo "No!" e uma risada maléfica em seguida, corroborando a ironia de Fish sobre final feliz.

Pink Floyd - Meddle

2012-04-06T15:00:00.000-03:00

1971 / Art Rock / Reino Unido
Roger Waters: vocal, baixo
David Gilmour: vocal, guitarra
Richard Wright: vocal, teclados
Nick Mason: bateria

Avaliação: 9,0

Sexto álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. A viagem feita pela banda à França em 1970 serviu de inspiração nesse álbum (faixas 2 e 4). Temas aleatórios como futebol e cachorro também foram usados (faixas 3 e 5). No entanto o tema central foi o modo de vida com a influência da sociedade (faixa 1) e sem a influência da sociedade (faixa 6).

O título do álbum é um termo em inglês que significa "interferir-se" (na vida de alguém). O título ficou conhecido também como um trocadilho da palavra "medal" (medalha), de pronúncia idêntica, sendo nesse caso entendido como uma referência à faixa 3.

1. One of these days (5:56)
Faixa predominantemente instrumental com destaque para o uso de dois baixos, cada qual tocado por Gilmour e Waters. No meio da música, Mason com vocais distorcidos pronuncia a frase "One of these days I'm going to cut you into little pieces". Segundo Waters¹, a faixa é uma "constatação dolorosa da situação da sociedade contemporânea". ¹"Meddler, The Pink Floyd RoIO Database".
2. A Pillow of Winds (5:11)
A agressividade da faixa anterior é interrompida por esta calma e suave canção. Segundo Mason², o título é uma referência ao jogo chinês Mahjong, o qual ele e sua esposa costumavam a jogar com Waters e sua esposa durante a estada no sul da França. A letra descreve poeticamente a chegada da noite, onde um casal deita-se para descansar. O vento está agradável. A coruja acorda e o cisne dorme. Até o momento do amanhecer, no qual do lado de fora uma garoa cai sobre os campos verdes e uma neblina anuncia o fim da noite e o início do dia. Provavelmente é a descrição da experiência vivida na França. ² Mason, Nick (2005), Philip Dodd, ed., Inside Out - A Personal History of Pink Floyd (Paperback ed.), Phoenix, ISBN 0753819066
3. Fearless (6:08)
Essa canção fala sobre superar os obstáculos destemidamente e destacar-se dentre tantos outros que não o fizeram. Obstáculos como escalar uma colina íngreme demais para ser escalada ou como encarar uma multidão com um sorriso no rosto. No final da música, é reproduzido o coro de torcedores do Liverpool Football Club, cantando a canção "You'll never walk alone" dos compositores americanos Rodgers e Hammerstein. Essa canção tornou-se o hino do clube nos estádios de futebol.
4. San Tropez (3:43)
Essa é uma composição de Waters sobre sua experiência na cidade francesa de Saint-Tropez. A letra é descontraída e arranjada ao som de um jazz despretensioso.
5. Seamus (2:15)
Outra canção despretensiosa. Dessa vez um arranjo influenciado no blues com latidos de um cachorro conhecido como Seamus, cujo dono era o guitarrista Steve Marriott. A letra fala sobre estar na cozinha enquanto Seamus "chora" os seus latidos do lado de fora durante o por do sol.
6. Echoes (23:27)
Uma das melhores composições de Waters cantada por Gilmour e Wright. Os corais compõem os labirintos de uma caverna no fundo do mar, onde o eco da maré distante abria caminho. O mar era iluminado pela luz que vinha da superfície, onde era possível avistar um albatroz imóvel no ar. Uma partícula, sem influências alheias, emerge à superfície. Em terra firme, a partícula transforma-se num humano. Dentre tantos outros humanos, você se identifica com um e o escolhe para ajudá-lo a compreender as questões da vida. Ninguém os ajuda a seguir em frente, ninguém dá conselhos ou experimenta sentir o que sentem. Certo dia, a pessoa que você escolheu falece e você se vê desnorteado. Quando você abre a janela, raios de sol entram em seu lar e você sente que aquela pessoa o incita a emergir. Você escancara as janelas e dirige suas palavras ao céu, chamando por ela. A origem da vida no mar. A vivência na terra. O fim do ciclo no céu. Waters nos orienta a refletir sobre a evolução de nossas vidas, independente da influência da sociedade. Como se a sociedade fosse uma maré distante e sua influência fosse os ecos que mal conseguem entrar em nossos ouvidos. A capa do álbum ilustra essa interpretação: uma orelha submersa à água captando ondas sonoras.

Genesis - Nursery Cryme

2012-03-30T15:00:00.000-03:00

1971 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Peter Gabriel: vocal, flauta
Phil Collins: bateria, vocal
Tony Banks: teclados, violão 12 cordas
Mike Rutherford: baixo, violão 12 cordas
Steve Hackett: guitarra, violão 12 cordas

Avaliação: 9,0

Terceiro álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. O álbum é composto por contos aleatórios (faixas 1, 2, 5, 6). Uma sátira botânica (faixa 3). Uma lenda britânica (faixa 4). E uma referência mitológica (faixa 7).

Elementos de cada faixa foram ilustrados na capa e contra-capa do álbum (imagem abaixo). Há a personagem Cynthia segurando sua marreta de croquet e a enfermeira logo atrás (faixa 1). Duas mulheres e um padre à esquerda (faixa 2). A planta Giant Hogweed no canto inferior esquerdo (faixa 3). O velho homem com o corpo ligeiramente encurvado à esquerda (faixa 4). Harold em pé no alto de um estabelecimento à esquerda (faixa 5). As três crianças em uma mesa ao fundo e partes da ilustração fragmentadas (faixa 6). A estátua de Salmacis (faixa 7).

O álbum marca a estreia de Phil Collins e Steve Hackett e a saída de John Mayhew e Anthony Phillips na bateria e na guitarra respectivamente.

O título do álbum é um trocadilho com Nursery Rhyme (nome dado às cantigas britânicas). Na faixa 1, é reproduzida uma cantiga do folclore inglês. No entanto, a ideia da banda foi substituir rhyme por crime, ficando Nursery Cryme (crime da enfermeira), em alusão ao desfecho do conto dessa mesma faixa.

1. The Musical Box (10:30)
A letra é baseada num conto vitoriano. Henry Hamilton-Smythe (8 anos) teve sua cabeça arrancada por uma marretada desferida por Cynthia Jane de Blaise-William (9 anos). Duas semanas após o trágico acidente, Cynthia encontrou uma caixinha de música no quarto de Henry. Rapidamente ela abriu a caixinha e uma cantiga conhecida como "Old King Cole" tocou. Nesse momento, o espírito de Henry apareceu na forma de seu corpo de criança. No entanto seu corpo envelhecia rapidamente tanto quanto sua mente amadurecia. Ele desejou Cynthia para si e tentou persuadi-la a satisfazer sua vontade. Uma enfermeira chamada Nanny ouviu barulhos vindo do quarto e decidiu ver do que se tratava. Ao chegar lá, instintivamente arremessou a caixinha de música no sujeito barbudo que se insinuava para Cynthia. Henry e a caixinha foram destruídos. Gabriel interpreta o personagem Henry, após a morte, no momento em que seu espírito surge diante de Cynthia. Ele canta trechos da cantiga "Old King Cole" e traz a questão do tempo. Ele percebe que está envelhecendo. É o momento do solo de guitarra. Então Gabriel, depois de velho, desesperadamente demonstra seus desejos pervertidos sobre Cynthia. No final, Gabriel intensifica o desejo de Henry repetindo "Por que você não me toca?".
2. For Absent Friends (1:47)
Duas mulheres ficam até as seis horas de um domingo numa igreja rezando por seus maridos adoentados. Os portões fecham e elas são as últimas a sair. Do lado de fora, elas se deparam com uma jovem mulher empurrando um carrinho de bebê a caminho da casa. Da entrada, o padre acena gentilmente para as duas. Elas depositam duas moedas para o Senhor antes de passarem pelos portões e esperarem o ônibus de volta no ponto.
3. The Return of the Giant Hogweed (8:10)
Giant Hogweed é uma planta invasiva encontrada em morros da Rússia e trazida por um explorador britânico para o Kew Gardens, jardim botânico de Londres. A planta heracleum mantegazzianum, como é conhecida cientificamente, é considerada invasiva porque sua seiva produz um composto químico hostil aos humanos. Qualquer pessoa que entre em contato com essa substância fitoquímica pode desenvolver enormes bolhas pelo corpo, cicatrizes permanentes e até cegueira. Gabriel interpreta os humanos ameaçados de sucumbirem diante da proliferação da Giant Hogweed.
4. Seven Stones (5:10)
Essa canção refere-se à lenda da terra perdida de Lyonesse. Conta-se que Lyonesse era um grande reino situado a oeste da Cornualha, na Inglaterra. Era constituído por belas cidades e inúmeras igrejas. Entretanto no dia 11 de novembro de 1099 uma grande tempestade devastou o local e submergiu o reino através das ondas do mar. O que restou do reino foram picos de montanhas vistos sobre o mar. Esse lugar ficou conhecido como Seven Stones. Reza a lenda que um homem havia sobrevivido à tempestade com a ajuda de seu cavalo que o conduziu para o abrigo de uma caverna. A letra é sobre os contos narrados por um senhor de idade, o sobrevivente do dilúvio de Lyonesse.
5. Harold the Barrel (3:00)
Essa música conta sobre o suicídio de um dono de restaurante chamado Harold the Barrel. Ele decepou seus dedos e serviu num chá para as pessoas. Depois disso, fugiu ao pegar um trem encoberto em seu sobretudo marrom. O prefeito, com apoio da população, desaprovou a conduta de Harold e alertou que seus dias estavam contados. Harold então foi visto no parapeito de uma janela a uma certa altura. Querendo evitar o pior, as pessoas disseram que podiam ajudar Harold se ele descesse para conversar. Inclusive a mãe do taverneiro foi posta para convencer o filho a desistir de pular. No entanto, isso não foi o suficiente para faze-lo mudar de ideia.
6. Harlequin (2:56)
Essa é uma canção que descreve poeticamente os momentos antes da aurora, onde três crianças contemplam o céu escuro sem atentar para os fragmentos que o compõe. Ao amanhecer, cabe a elas realocarem os fragmentos.
7. The Fountain of Salmacis (7:54)
Na mitologia grega, Salmacis era uma ninfa do mar que vivia em um lago. Certo dia, um jovem de extrema beleza chamado Hermafrodito, filho de Hermes com Afrodite, visitou o lago e se deparou com a ninfa. Ela desejou a beleza de Hermafrodito para si, mas ele a rejeitou. Tempos depois, Hermafrodito pensou que a ninfa havia deixado o local e despiu-se para banhar-se no lago. Salmacis reapareceu de trás de uma árvore e mergulhou na direção do jovem, enlaçando-se com ele à força. Hermafrodito tentou se desprender da ninfa, que, por sua vez, pediu aos deuses para que ambos nunca mais se separassem. Seu pedido foi acolhido e seu corpo e o corpo do jovem fundiram-se num só corpo andrógino. Hermafrodito então amaldiçoou o lago com votos de que aquele que ali se banhasse teria seu corpo igualmente transmutado. Basicamente a letra narra o mito grego.

Jethro Tull - Thick as a Brick

2012-03-23T15:00:00.000-03:00

1972 / Progressivo Folk / Reino Unido
Ian Anderson: vocal, flauta, violão
Martin Barre: guitarra
John Evan: teclados
Jeffrey Hammond-Hammond: baixo
Barriemore Barlow: bateria

Avaliação: 10,0

Quinto álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre a influência negativa da sociedade sobre as pessoas, de maneira a não permitir que elas pensem por si próprias. "Thick as a brick" é uma gíria comum no norte da Inglaterra. Descrever alguém como sendo um "thick as a brick" é como descrever alguém como sendo um estúpido, basicamente.

Liricamente o álbum conta com um grande poema creditado a Gerald Bostock, um menino de oito anos. Na realidade o menino é um personagem fictício. A autoria do poema é do Ian Anderson.

O álbum veio em resposta aos críticos que qualificaram o álbum anterior, "Aqualung" como um álbum conceitual. Anderson quis mostrar o que ele realmente entende como álbum conceitual.

A capa do álbum e o encarte de dentro conta com várias reportagens aleatórias. Numa das reportagens, Gerald Bostock, vulgo Little Milton, recebe uma premiação pelo poema "Thick as a brick". No entanto, o prêmio é revogado logo após o menino ter usado a palavra "g_ _r" durante uma transmissão pela televisão. Há também uma entrevista com a própria banda sobre o lançamento do álbum! O encarte está disponível logo abaixo:

1. Thick as a Brick (part I) (22:37)
Ian Anderson introduz a história Anderson critica a sociedade tomada pela cobiça e ganância. As pessoas não são orientadas a pensar melhor no que fazem. Agem instintivamente como animais. Elas elegem "homens sábios" para pensarem por elas, mas esses homens sábios não sabem como é se sentir como um estúpido. Como essas pessoas não pensam, Anderson apelará para os seus sentidos básicos, ainda que esse apelo não dê resultado. Anderson pretende falar por falar, independente de ser ou não escutado. Como é a sociedade? A moral e as virtudes de uma sociedade são como castelos de areia. Quando a onda bate, desmorona tudo e carrega consigo de volta ao mar. Então uma nova moral é reconstruída até que outra onda desmorone tudo novamente. É uma metáfora que demonstra a mutabilidade da sociedade. Ou seja, os conceitos de moral, as crenças religiosas, mudam rapidamente e as pessoas são obrigadas a se adaptarem à nova realidade. Novamente os homens sábios pensam pelas pessoas, mas nunca saberão como é se sentir como um estúpido. A influência sobre os jovens Os jovens não são estimulados a formarem uma opinião própria sobre a realidade em que se encontram, tampouco a desenvolverem suas qualidades pessoais. Desde a infância eles sofrem uma lavagem cerebral para aprenderem a viver de acordo com os padrões sociais pre-estabelecidos. No momento em que fulano nasce, seu destino é traçado: ele deve ser um homem que tenha um trabalho útil, ele deve aprender a jogar Monopoly, ele dever adorar todas as coisas que definem a cultural atual e acima de tudo deve sentir-se feliz com isso. Pensar vs Fazer O sol se põe e o último castelo de areia é varrido. O poeta e o pintor, figuras do pensamento, tentam mostrar às pessoas a realidade ao redor delas através da arte, mas o poder de influência deles sobre os outros é ofuscado pelo retorno do mar com a infantaria de mercenários, figuras do fazer. A massa continua sendo manipulada. Ausência do Pai / Independência do Filho O pai, que deveria estar educando seu filho, está ausente. O filho, na ausência do pai, acha que pode agir por si e as ideias em sua mente estão em ebulição. Ele quer colocar suas ideias em ação. Ele está pronto para agir como um cavalo disposto a galopar. Ele agora se move com autoridade, construindo seus próprios castelos de areia (princípios) e desafiando a maré (sociedade). Ele crê que pode vencer o sistema. O jovem decide fazer e não pensar O tempo passa e o jovem acaba escolhendo viver como um soldado (e não como um poeta). Seus castelos construídos (ideais) foram devastados e ele tornou-se parte do sistema. Ele abandona seu lado poeta, embainhando sua caneta, e adota seu lado soldado, brandindo sua espada. A primeira vitória O pai, que também se move com autoridade, desafiou seu filho ao retornar a casa. O filho vence a batalha e expulsa seu pai. Agora, ele está convicto de seu poder, mas suas decisões o alienam cada vez mais de seus antigos ideais. O que faríamos em seu lugar? Então Anderson questiona o que fazer quando seu pai abandona o lar. Deveríamos ser como ele? Deveríamos libertar o nosso eu? Ou deveríamos depender da ajuda dos outros? Essa última inclui sofrer uma lavagem cerebral para viver como a massa. A partir daqui até o fim da primeira parte, será mostrado como poderia proceder o jovem. Tempos depois: a história do jovem O jovem age da mesma maneira repressiva que seu pai. Ele vem da alta classe para consertar a maneira decadente das pessoas. Assim como seu pai era uma homem de poder do qual todos obedeciam, ele fará com que todos o obedeçam, bem como fez contra seu próprio pai 20 anos atrás. E se certificará de que ninguém além dele possa julgar as pessoas. Os comandados O jovem se vangloria do seu status, embora não saiba que suas ordens não estão sendo cumpridas. Ele apenas diz o que as pessoas não devem ser, mas como as pessoas vão saber o que ser? É uma sátira para o contentamento das pessoas. O auge do poder Ele chega ao poder e julga a quem quer, distorcendo a lei conforme sua vontade, tal como seus heróis de quadrinhos faziam. Se administrar tanto poder estiver sendo uma tarefa complicada, seus heróis de quadrinhos podem faze-lo por ele. Coloque Superman para presidente e deixe Robin salvando o dia. Ou seja, se ele não tomar decisões por si, outras pessoas tomarão em seu lugar. O que fazer agora? Agora que ele conquistou uma espaço entre os homens de poder ("sábio mundo dos maiores carros motorizados"), a quem recorrerá? Por onde esteve Biggles quando ele precisou? E os esportistas que sempre o incentivaram? Eles não podem ajudá-lo. Ele deve pensar por si próprio ou abandonar o poder?
2. Thick as a Brick (part II) (21:05)
Como ser um homem sábio O nosso jovem agora tornou-se adulto e seus ideais contra o sistema foram deixados de lado. Ele desistiu de se colocar contra a sociedade e tornou-se parte dela. Agora a sociedade vai ensiná-lo a tornar-se um homem sábio. Ele aprenderá como enganar o resto das pessoas, a massa. Senhor dos Conformistas Agora o homem sábio tornou-se Senhor das Colinas. As pessoas que o seguiam vestiam-se como hippies. Eles prestavam pouca atenção ao que o líder dizia: estavam preocupados em pedir sanduíches na fila da cantina e em ganhar 10 libras na loteria. A crítica de Anderson estava no fato de que os hippies, embora discordassem da opressão social, nada faziam para mudar o sistema. Eram, portanto, conformados e faziam parte dele. As lendas estão vivas As lendas escritas em hinos de tribos ancestrais estão guardadas no canto das gaivotas. E as promessas feitas estão no chão logo abaixo da queda do sádico. Anderson passa a ideia de que o conhecimento passado por gerações está conservado na própria natureza. Nem mesmo os sádicos, que estão no poder, podem suprimir essas lendas. Os poetas também estão no poder Os poetas vendem a ideia de que podem trazer um melhor padrão de moral para o mundo ("Acredite no dia"). No entanto, eles querem pensar por você, fazendo com que você acredite na crença deles. Último conselho Anderson direciona sua mensagem a todos aqueles que estão construindo seus castelos de areia, os quais não foram destruídos pela maré da sociedade. A todos aqueles que ainda podem tomar decisões sobre suas próprias vidas. Essas pessoas devem resistir aos males da sociedade. Devem se perguntar por que eles restringem nossa vontade, por que eles continuam a produzir guerra e mortes, por que devemos ter receio deles? O momento do julgamento está próximo e você poderá lutar ou fugir, ser um idiota ou um sábio. É a sua última chance de pensar por si mesmo.

Rick Wakeman - The Six Wives of Henry VIII

2012-03-16T15:00:00.000-03:00

1973 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Rick Wakeman: teclados
Steve Howe, Mike Egan, Dave Lambert: guitarra
Chris Squire, Chas Cronk, Les Hurdle: baixo
Bill Bruford, Alan White, Barry de Souza: bateria
David Cousins: banjo
Ray Cooper, Frank Ricotti: percussão
Laura Lee, Sylvia McNeill, Judy Powell, Barry St.John, Liza Strike: vocais

Avaliação: 9,0

Primeiro álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre as seis esposas de Henry VIII, monarca inglês. A ideia para o álbum veio durante a turnê com a banda Yes pelos Estados Unidos em 1972. Nas viagens de avião, Wakeman leu o livro "The Private Life of Henry VIII" da escritora escocesa Nancy Brysson Morrison, publicado em 1964. Ele quis então interpretar a personalidade de cada esposa do Henry VIII através da música. E assim criou 6 faixas instrumentais, cada uma correspondente a cada esposa do rei inglês.

Durante a gravação do álbum, Wakeman contou com diversas participações, especialmente de membros do Yes e da sua antiga banda chamada The Strawbs. Para a gravação da faixa 4, Wakeman contou com o auxílio do órgão da Igreja St Giles-without-Cripplegate, localizada em Londres.

O álbum inicialmente seria intitulado como "Henry VIII and His Six Wives", sendo uma das faixas dedicada a Henry VIII. Embora essa faixa tivesse sido descartada do lançamento original, ela foi executada durante a apresentação ao vivo no Hampton Court, mesmo local em que Jane Seymour deu a luz a Edward e onde Catherine Howard foi aprisionada. No entanto, a permissão para apresentar-se nesse local foi negada a Wakeman desde 1973, sendo liberada apenas em 2009. O show foi registrado em dvd.

1. Catherine of Aragon (3:45)
	Catherine of Aragon (1485-1536) foi Princesa da Espanha e Rainha da Inglaterra como primeira esposa de Henry VIII. Destacava-se por sua inteligência. Sabia ler, falar e escrever em espanhol e latim, além de falar em francês e grego. Realizou diversas obras de caridade enquanto esteve no poder e isso fez com que conquistasse o amor do povo inglês. Catherine nasceu em Alcalá de Henares, Espanha. Casou-se com Arthur, príncipe de Gales e filho de Henry VII. Arthur morreu aos 16 anos. Henry VII prometeu Catherine ao seu outro filho de apenas 11 anos, Henry VIII.
No entanto, eles só puderam se casar após a morte de Henry VII. E assim Catherine foi coroada Rainha da Inglaterra. Ela engravidou 6 vezes, mas apenas sua filha Mary I viveu. Henry VIII, que queria um filho do sexo masculino, suspeitou que a infertilidade de sua esposa se devia ao fato dela ter sido casada anteriormente com seu irmão. Então Henry VIII separou-se de Catherine e a afastou da corte. Ela foi reduzida, contra sua vontade, a Princesa Viúva de Gales e morou na província até seus últimos dias.
2. Anne of Cleves (7:50)
	Anne of Cleves (1515-1557) foi a quarta esposa de Henry VIII, embora seu casamento não tivesse sido consumado. Anne nasceu em Düsseldorf, Alemanha. Ela não tinha educação para os padrões cultos, embora soubesse tricotar. Ela gostava de jogos de cartas e só sabia falar e escrever em alemão. Mesmo assim, era considerada gentil, virtuosa e obediente. Seu pai, John III, foi um dos líderes do Movimento Protestante na Alemanha. Henry VIII, que rompeu com o catolicismo e criou a Igreja Anglicana, vislumbrou uma união diplomática com o movimento germânico.
O pintor Hans Holbien foi enviado à Alemanha para retratar os traços de Anne. A pintura foi enviada a Henry VIII (imagem acima) a quem agradou bastante. No entanto, a pintura supervalorizou a beleza de Anne. Na realidade, ela era alta demais e muito magra. Possuía varizes pelo corpo e aparentava ser velha demais para sua idade. Henry VIII desapontou-se logo ao se encontrar pessoalmente com Anne. Ainda assim, casou-se com ela. Pouco tempo depois, ele apaixonou-se pela jovem de 15 anos Catherine Howard, então aia de Anne. Seis meses depois, ele anulou seu casamento. Anne aceitou a anulação e continuou vivendo na Inglaterra. Os dois tornaram-se bons amigos a ponto de ser concedido a ela o título de "irmã querida do rei".
3. Catherine Howard (6:36)
	Catherine Howard (1525-1542) foi a quinta esposa de Henry VIII. Nascida na Inglaterra, passou a infância na casa de sua avó, a Durquesa de Norfolk. Embora tivesse aprendido a ler e a escrever muito bem, Catherine não recebia a devida atenção de sua avó, o que fez com que ela tivesse relações amorosas precocemente. Catherine tornou-se aia da rainha Anne of Cleves e sua jovialidade despertou o interesse do rei. Após a anulação do seu casamento com Anne, Henry VIII casou-se com Catherine. A nova rainha esteve sempre coberta de inúmeros presentes luxuosos. Ela era a paixão de Henry VIII.
Mesmo com toda a riqueza ao seu dispor, Catherine não encontrou a felicidade em seu casamento. Ela trocou cartas amorosas com alguns amantes, dentre eles Francis Dereham e Thomas Culpepper, ambos cortesões. Inicialmente, Henry VIII relutava-se em acreditar nos boatos de traição da sua esposa. No entanto, após ler as cartas, ordenou que ela fosse julgada. Os cortesões foram executados e ela foi condenada à morte.
4. Jane Seymour (4:44)
	Jane Seymour (1508-1537) foi a terceira esposa de Henry VIII. Nascida na Inglaterra, foi levada à corte do rei como aia de Catharine of Aragon e posteriormente de Anne Boleyn até atrair a atenção de Henry VIII. Como rainha, Jane era séria e formal. Não tinha amizades masculinas. Limitava-se a conversar com poucas mulheres, dentre elas Mary I, filha de Catherine of Aragon. Jane enfatizou que Mary I deveria tornar-se a primeira herdeira antes de qualquer filho que ela pudesse dar ao rei. Com isso, ela conseguiu uma reconciliação entre Henry VIII e Mary I.
O rei era absolutamente fascinado por Jane e concedia-lhe todos os seus desejos. Jane foi a única das esposas de Henry VIII a ter um filho homem que sobreviveu por mais de um ano. No entanto, ela faleceu poucos dias após o nascimento do filho, devido a complicações resultantes do parto. Jane recebeu um funeral monumental no Castelo de Windsor.
5. Anne Boleyn
	Anne Boleyn (1507-1536) foi a segunda esposa de Henry VIII. Nascida na Inglaterra, Anne foi educada nos Países Baixos. Posteriormente foi para a corte francesa na função de aia da Rainha Claude of France. Lá aprendeu francês e foi influenciada pelos costumes franceses. Por ordens de seu pai, Thomas Boleyn, Duque de Norfolk e um dos diplomatas favoritos de Henry VIII, Anne retornou à Inglaterra a serviço da então Rainha Catherine of Aragon. Henry VIII, que já mantinha relações amorosas com Mary Boleyn, viu-se seduzido por Anne Boleyn. No entanto, diferentemente da irmã, Anne não aceitava ser uma amante. Anne queria ser legitimada como rainha.
A vontade de Anne Boleyn em ser rainha e o anseio de Henry VIII em ter um filho masculino fez com que os dois se casassem. Com isso, o casamento com Catherine of Aragon foi anulado unilateralmente e sem o aval da igreja católica. Então para legitimar a união com Anne Boleyn, Henry VIII criou a igreja anglicana. Naquela época, Anne já contava com bastante influência política, sobretudo após uma aliança com o embaixador francês na Inglaterra. As nomeações para os cargos na igreja anglicana foram em grande parte indicações da rainha. Anne havia engravidado e a expectativa de que o filho fosse homem era muito grande. Entretanto, nasceu uma mulher, a princesa Elizabeth I. A partir dai, foram várias as tentativas da rainha em conceder um filho homem ao rei em vão. Com o tempo, Henry VIII decepcionou-se com Anne Boleyn e começou a demonstrar interesse na aia da rainha, Jane Seymour. Ao saber disso, Anne tentou desesperadamente dar um filho homem ao rei. Henry conseguiu a anulação do casamento após comprovar (realizando confissões sob tortura em 5 homens) que Anne Boleyn cometeu os crimes de adultério, incesto e alta traição. Ela e seu irmão, George Boleyn, foram acusados e executados.
6. Catherine Parr
	Catherine Parr (1512-1548) foi a sexta esposa de Henry VIII. Nascida na Inglaterra, Catherine casou-se pela primeira vez aos 15 anos de idade com Lord Borough, que viria a falecer poucos anos depois. Casou-se pela segunda vez com Lord Latimer, que também deixara Catherine viúva. A essa altura, Catherine acumulava bastante riqueza e despertava o interesse de Thomas Seymour, irmão da Jane Seymour. Todavia, Henry VIII sentiu-se atraído por Catharine Parr e a ofereceu em casamento antes de Thomas Seymour. Ela não foi capaz de recusar o pedido do rei e cedeu aos seus anseios casando-se.
Catherine teve uma relação muito próxima com os filhos do rei, Mary I, Elizabeth I e Edward. Ela fez com que o rei se reconciliasse com suas filhas, antes consideradas bastardas, de modo que elas voltassem a ser consideradas herdeiras legítimas. Suas convicções religiosas influenciaram Elizabeth I e batiam de frente com as convicções de Henry VIII. Mesmo assim, o rei a admirava por sua cultura e tenacidade intelectual. Após a morte de Henry VIII em terras francesas durante uma campanha mal sucedida, Catherine controlou sozinha a Inglaterra até o herdeiro Edward VI atingir idade suficiente para ser coroado rei. Ela então casou-se finalmente com Thomas Seymour. Embora a atração entre os dois não fosse a mesma de outrora, ela teve uma filha chamada Mary Seymour que não sobreviveu por muito tempo. Catherine Parr morreu devido a complicações do parto da sua única filha.

Triumvirat - Pompeii

2012-03-09T15:00:00.000-03:00

1977 / Progressivo Sinfônico / Alemanha
Jürgen Fritz: teclados
Barry Palmer: vocais
Dieter Petereit: baixo
Curt Cress: bateria

Avaliação: 9,0
Quinto álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre a destruição da cidade de Pompeii pela erupção do vulcão Vesuvius no ano de 79 d.C. Na capa do álbum lê-se "New Triumvirat presents Pompeii". Havia uma briga judicial pelo uso do nome Triumvirat. De fato, esse álbum é um projeto de Fritz e não conta com a presença de Hans Bathelt, baterista fundador da banda.

1. The Earthquake 62 A.D. (6:20)
Essa canção remete ao terremoto de 5 ou 6 pontos na escala richter ocorrido na noite de 5 de fevereiro do ano 62 d.C na cidade italiana de Pompeii. O tremor causou danos consideráveis à cidade e proporcionou caos entre os habitantes. De acordo com a letra, o povo de Pompeii falhou em agradar a seus Deuses e à Mãe-Terra. Por isso, a destruição seria a única maneira de dar início a uma nova vida. A letra fala em pacto mórbido selado com o vulcão Vesuvius. De fato, o terremoto de 62 d.C foi precursor da erupção do vulcão Vesuvius em 79 d.C.
2. Journey of a Fallen Angel (6:15)
Essa canção conta sobre uma mensagem enviada aos sobreviventes do terremoto em Pompeii. A nota foi enviada por um rei sem coroa. Trata-se de Caio Calpúrnio Pisão, senador e líder do evento que ficou conhecido como "Conspiração de Pisão". Em suma, a conspiração visava derrubar o imperador Nero e reconhecer Pisão como rei. O movimento teve vários adeptos, dentre eles o filósofo Seneca. No entanto, a conspiração não logrou êxito e Nero condenou a maioria dos conspiradores à morte. A mensagem orientava os sobreviventes de Pompeii a se manterem unidos e abrirem os olhos para o modo de vida que estavam levando. O anjo caído era Seneca, que desejava que a mensagem tivesse sido enviada por correio. Seu envolvimento na conspiração custou sua própria vida. Ele não poderia mais retornar a Roma. Sua única saída foi suicidar-se antes de ser torturado e humilhado pelos homens de Nero.
3. Viva Pompeii (4:17)
Faixa instrumental que simboliza a reconstrução de Pompeii após o terremoto. Muitos habitantes deixaram a cidade. Aqueles que permaneceram tiveram que lidar com saques, com a fome e com a destruição.
4. The Time of Your Life...(?) (4:36)
A letra conta sobre um novo estabelecimento em Pompeii no qual aliados de Pisão buscam novos adeptos oferecendo conforto, entretenimento e alimentação aos habitantes.
5. The Rich Man and the Carpenter (5:58)
Essa canção mostra o descaso da população de Pompeii com os ideais dos homens ricos. Pompeii tinha reconhecidamente uma terra fértil e esse foi um dos motivos da população prosperar mesmo após a destruição. No entanto, ninguém poderia apagar as mágoas do passado e impor-lhes um novo começo. O homem rico não entendia por que não conseguia "comprar" aquelas pessoas com seu dinheiro.
6. Dance on the Volcano (3:31)
Essa faixa instrumental traduz a prosperidade temporária de Pompeii até o momento da grande tragédia.
7. Vesuvius 79 A.D. (6:32)
Foram quase 17 anos de prosperidade e paz desde o terremoto. Todavia a população ignorou a ameaça que o vulcão Vesuvius representava e continuou vivendo nos arredores. A erupção do vulcão já era conhecida dos habitantes de Pompeii, mas dessa vez os efeitos do terremoto de outrora fez com que a erupção devastasse Pompeii por completo. Os deuses fecharam as pontes, Vesuvius ergueu os braços e o pacto mórbido fora cumprido, descreve a letra.
8. The Hymn (7:16)
Essa é a canção desoladora que marca o momento após a morte da cidade de Pompeii. Pássaros exóticos vieram com a brisa e cantaram o hino da vida, acompanhados por Netuno (deus do mar na mitologia romana) e sua esposa. O som do hino se propagou de modo que outras criaturas pudessem acompanhá-lo, ainda que não soubessem a letra. Após a destruição, Pompeii ficou oculta por mais de 1600 anos até ser redescoberta em 1749. As cinzas misturadas com a lama conservaram objetos e pessoas da deterioração do tempo, transformando o local num verdadeiro sítio arqueológico. Atualmente o local é considerado patrimônio mundial pela UNESCO.

Yes - The Yes Album

2012-03-02T15:00:00.000-03:00

1971 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Jon Anderson: vocal
Steve Howe: guitarra
Tony Kaye: teclados
Chris Squire: baixo
Bill Bruford: bateria

Avaliação: 8,0
Terceiro álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. Há referências literárias (faixas 3 e 4). Referência a um seriado americano (faixa 1). Homenagem ao filho de um dos integrantes (faixa 2). Uma história inusitada (faixa 5). E uma reflexão sobre a vida (faixa 6). O álbum marca a estréia do guitarrista Steve Howe na banda.

1. Yours is no Disgrace (9:42)
Segundo Bill Bruford, em entrevista no "YesYears", a banda se inspirou no seriado americano Bonanza (1959-1973). O seriado, assim como a letra da música, critica a postura pro-guerra do exército americano (wolfhound). É uma crítica também ao descaso de algumas pessoas sobre as guerras que estavam acontecendo, como por exemplo a Guerra do Vietnã. Tratava-se da alta sociedade, pessoas que frequentavam o casino e hotel luxuoso Caesar's Palace, a quem a letra chama de raça humana tola. Se o verão muda para o inverno, ou seja, uma metáfora para se as coisas boas mudam para as ruins, a desgraça não é sua (é nossa!).
2. The Clap (3:17)
Faixa instrumental gravada ao vivo no The Lyceum Theatre, Londres, em 17 de julho de 1970. O título foi uma homenagem ao filho recém-nascido do Steve Howe e sua tentativa de bater palmas (clap) num carrinho de bebê. O instrumental foi uma influência do guitarrista britânico Davey Graham (1940-2008) em sua música "Fingerbuster" (segundo áudio disponibilizado acima).
3. Starship Trooper (9:34)
O título refere-se ao romance de ficção científica do escritor americano Robert A. Heinlein chamado "Starship Troopers", publicado em 1959. Em suma, a história conta sobre um jovem soldado filipino chamado Juan Rico. Ele é recrutado como oficial militar designado para atuar numa guerra interestelar entre a humanidade e uma espécie aracnoide conhecida como "The Bugs" vindas de um lugar chamado Klendathu. A faixa é subdividida em 3 partes: Life Seeker (Anderson) Nessa primeira parte, Anderson canta de maneira poética sobre os mistérios da vida escondidos pelos seres da natureza. A contragosto dele, o avanço da ciência fez com que alguns desses mistérios fossem desvendados. Disillusion (Squire) Essa segunda parte nada mais é do que um trecho cantado por Chris Squire da canção "For Everyone", lançada nos álbuns "Something's Coming: The BBC Recordings 1969–1970" e "The Word is Live". A canção está disponibilizada no segundo áudio acima. Würm (Howe) Essa terceira parte nada mais é do que o riff usado por Steve Howe na música "Nether Street" do álbum "The Early Years" (1968), lançado pela banda Bodast, uma das primeiras bandas de Howe. A canção está disponibilizada no terceiro áudio acima.
4. I've Seen All Good People (6:56)
Your Move Essa parte tem várias menções ao jogo de xadrez com a finalidade de transmitir a mensagem de que às vezes é preciso darmos passos para trás para podermos seguir adiante. Se agirmos sem pensar, podemos ficar cercados sem saída. Essa canção é um apelo para que as pessoas cuidem do próximo e busquem a paz. No fim dessa primeira parte é possível ouvir ao fundo o refrão da música "Give peace a chance" do John Lennon. All Good People Nessa parte é repetido várias vezes o verso "I've seen all good people turn their heads each day so satisfied I'm on my way". Para você estar satisfeito e em seu caminho é necessário andar para trás para seguir adiante no xadrez da vida. Assim conta a história narrada no romance do escritor inglês Lewis Carroll chamado "Through the Looking-Glass" publicado em 1871.
5. A Venture (3:18)
Essa canção fala sobre um homem pacífico que insistia em contar suas aventuras perigosas para seus filhos e outras pessoas. No entanto, qualquer pessoa sóbria notaria que ele estava bêbado demais para contar algo realmente verdadeiro.
6. Perpetual Change (8:56)
Essa canção traz a questão: nós controlamos o mundo ou o mundo está nos controlando? A conclusão é a de que somos meros peões controlados pelo mundo. Mudanças perpétuas ocorrerão e não podemos nos esquivar disso.

ELP - Brain Salad Surgery

2012-02-24T15:00:00.000-02:00

1973 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Keith Emerson: teclados
Greg Lake: vocal, baixo, violão
Carl Palmer: bateria

Avaliação: 8,0

Quarto álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. Há referências à música clássica (faixas 1 e 2). Influência do mundo tecnológico sobre as pessoas (faixas 5, 6, 7 e 8). Uma balada (faixa 3). E uma história no mínimo inusitada (faixa 4).

Na capa do álbum, vê-se a imagem de uma caveira na parte superior. Um pouco abaixo há um círculo que revela a boca de uma mulher em carne e osso. Na altura do pescoço da mulher é possível ver a imagem de um pênis. "Brain Salad Surgery" é uma gíria para a palavra fellattio, ou seja, sexo oral com um homem. Em 1992, no programa de rádio "rockline", Keith Emerson foi questionado sobre o significado do título do álbum. "Er, significa a mesma coisa que 'Whip some skull on me'. Eu não sei o que isso significa. Você sabe?", respondeu brincando.

O álbum conta com a participação do famoso letrista do King Crimson, Peter Sinfield (faixas 4 e 9).

1. Jerusalem (2:44)
Trata-se do prefácio do poema épico chamado "Milton a Poem" do poeta inglês William Blake, publicado em 1808. Nos dias atuais, a letra é conhecida como "Jerusalem", um hino de louvor composto por Sir Hubert Parry e executado em diversas catedrais britânicas e outras pelo mundo. O curto poema de Blake fala sobre a visita de Jesus a Inglaterra em Sua tentativa de criar a Nova Jerusalém (metáfora para a visão dos céus) em meio ao ambiente hostil criado em função da Revolução Industrial ("dark satanic mills").
2. Toccata (7:23)
Esse instrumental é uma adaptação de "Toccata Concertata", Quarto Movimento do Piano Concerto nº 1 de autoria do compositor argentino Alberto Ginastera em 1961.
3. Still... You Turn Me On (2:53)
Não importa o que você queira ser, você continuará ligada a mim. Essa é a ideia dessa balada cantada por Greg Lake.
4. Benny the Bouncer (2:21)
Essa canção conta a história de Benny que trabalhava como segurança de uma danceteria em Londres conhecida como Palais de Danse. Tudo ia bem até Benny se encontrar com Sidney, um engraxate de hábitos detestáveis. Sidney derramou cerveja nas botas de Benny e o encarou, segurando um canivete. Os dois brigaram e depredaram o local. Sidney sacou uma machadinha e a cravou na cabeça de Benny. Agora Benny trabalha para Jesus como segurança da Ponte de São Pedro.
5. Karn Evil 9 (1st Impression - Part 1) (8:44)
"Karn Evil" é um trocadilho com a palavra "Carnival". O nove foi um número escolhido aleatoriamente, um número automático que soa bem. A suite de quase 30 minutos conta sobre um mundo futurista em que a sociedade é inteiramente apegada aos computadores. Todo o mal da antiga sociedade foi extinto e sua decadência é reproduzida através de desfiles de carnaval. Na primeira impressão (parte 1), o ser do futuro descobre através da brisa do passado como era a humanidade antigamente. Ele vê crianças sentindo frio, refugiados vivendo na miséria, homens traidores e sem compaixão. Ele pega esses elementos (inexistentes em seu mundo) e reproduz um animado carnaval. Ele pede que todos entrem e divirtam-se com os eventos. Uma das atrações inclui tirar Jesus de uma cartola. The Making of Brain Salad Surgery, 1996.
6. Karn Evil 9 (1st Impression - Part 2) (4:47)
O festival continua com a chamada "Welcome back my friends to the show that never ends" (frase usada como título do álbum ao vivo gravado no ano seguinte e também por locutores esportivos). Nessa parte há atrações como a rainha egípcia sendo levada à guilhotina e a exibição da vista das "sete virgens e uma mula".
7. Karn Evil 9 (2nd Impression) (7:07)
A segunda impressão é instrumental e interpreta o carnaval. Ao longo da faixa é ouvida a voz de uma criança "Daddy, let's go see the carnival!". Na realidade é voz de Keith Emerson alterada.
8. Karn Evil 9 (3rd Impression) (9:03)
A terceira impressão retrata os humanos como seres inferiores aos computadores criados por eles mesmos. Os humanos, fonte de todo o mal, nasceram da pedra (karn evil) e se firmaram como seres primitivos e limitados se comparados aos computadores. No final da música há um diálogo entre um humano e um computador, cuja última fala é a tese argumentativa do computador: "Eu sou perfeito, você é?".

Gentle Giant

2012-02-17T15:00:00.000-02:00

1970 / Progressivo Eclético / Reino Unido
Derek Shulman: vocal
Phil Shulman: sax, flauta, trompete
Ray Shulman: baixo, violino
Gary Green: guitarra
Kerry Minnear: teclados
Martin Smith: bateria

Avaliação: 8,0
Primeiro álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. Há temáticas sobre o relacionamento (faixas 2, 4, 5 e 6). Há referências literárias (faixas 1 e 3). E uma homenagem ao hino nacional britânico (faixa 7).

1. Giant (6:24)
Essa canção, bem como o nome da banda, refere-se ao personagem Pantagruel, do romance "Les horribles et épouvantables faits et prouesses du très renommé Pantagruel Roi des Dipsodes, fils du Grand Géant Gargantua" do escritor francês François Rabelais, publicado em 1532. A letra fala sobre o nascimento de Pantagruel. De tão grande, sua mãe acabou morrendo no parto. Seu pai, Gargântua, não sabia se ficava contente pelo nascimento do saudável filho ou triste pela morte de sua esposa. Pantagruel era dotado de uma força descomunal, mas não atacava as pessoas. Ele era um glutão: eram necessários rebanhos de vaca para satisfazer sua demanda por leite por exemplo. Seu carisma fez com que fosse querido por todos.
2. Funny Ways (4:23)
Essa canção é sobre um relacionamento cuja rotina tornou-se insuportável para ele. Ela nunca compreendeu os sentimentos dele. Agora, ele decide se afastar e levar a vida de uma maneira divertida, despretensiosa. Cabe a ela esperar por ele ou seguir o próprio caminho.
3. Alucard (6:01)
Essa canção foi inspirada no romance do escritor irlandês Bram Stroker chamado "Dracula", publicado em 1897. Alucard é na realidade Drácula espelhado. A letra foca numa das vítimas do Conde Drácula. Ela está num lugar sombrio onde há mortos-vivos e ogros da noite. O cenário é como se fosse um pesadelo: ela sente frio, ela tem medo, ela sente que seu coração está parando de bater, sua visão está ficando turva e ela está desesperadamente pedindo por ajuda. Esse é o momento da mordida do vampiro.
4. Isn't It Quiet and Cold? (3:53)
Essa canção é sobre caminhar solitariamente pela rua numa madrugada. Você sente seus passos ecoarem no ambiente. Você olha para as janelas das residências, a cortina está fechada: todos estão dormindo. Até mesmo o gato do beco está se recolhendo para descansar. E você continua andando sozinho na expectativa de encontrar alguém para conversar.
5. Nothing at All (9:08)
Essa faixa conta o momento em que uma mulher suspira à beira de um rio. Ela observa as águas e sente frio. Ela nota um casal se beijando e se lembra dele, aquele com quem ela terminou. Ela vê patos nadando em grupo e chora com sua solidão. Antes ela tinha tudo, agora não lhe restou nada.
6. Why Not (5:31)
Essa canção é sobre não dar chances de refletir sobre o relacionamento desfeito. Por que não subir uma colina com alguém que odeia você ou odiar alguém que sobe a colina com você? Conforme o tempo passa, você começa a repensar os fatos e se perguntar o por quê de tudo ter acabado. Não cante canções que lhe faça lembrar dela, pois você corre o risco de acreditar na possibilidade de voltar. Não ouça canções de amor para descobrir algo: você já está morto antes delas tocarem.
7. The Queen (1:40)
O álbum se encerra com a versão da banda para o hino nacional britânico "God save the Queen".

PFM - Per un Amico

2012-02-10T15:00:00.000-02:00

1972 / Progressivo Italiano / Itália
Franco Mussida: vocal, violão
Flavio Premoli: teclados
Mauro Pagani: flauta, violino
Giorgio Piazza: baixo
Franz Di Cioccio: bateria

Avaliação: 9,0
Segundo álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre o "Saque de Roma" e suas consequências sócio-culturais, políticas e religiosas na Europa do século XVI.

1. Appena un Pò (7:43)
O "Saque de Roma" ocorreu em 1527. Em suma, soldados, tomados por ideais religiosos e em busca de dinheiro, reuniram-se para saquear e dizimar a população romana. Artistas e intelectuais romanos fugiram para diversos pontos no continente. A cultura italiana descentralizou-se e o Renascimento deu lugar ao Maneirismo. A banda reproduz especialmente na flauta e no violão a música italiana à época, bastante influenciada por artistas como Claudio Monteverde (era a gênese da música barroca). Foi o momento glorioso da cultura romana. De repente o instrumental muda, tornando-se sombrio e agressivo: a banda interpreta o "Saque de Roma". Resta apenas o dedilhado desolador no violão para os vocais de Mussida. Ele, na qualidade de um artista ou intelectual romano, canta a canção da despedida. É o momento de deixar sua terra natal e levar sua arte a outros lugares da Europa.
2. Generale (4:18)
Essa faixa instrumental refere-se a Carlos V, Imperador do Sacro Império Romano-Germânico. Aparentemente, ele não pôde impedir suas tropas de saquearem Roma. Seus homens foram vitoriosos ao conter o avanço da Liga Clementina no norte da Itália. O Imperador, no entanto, não tinha fundos para recompensá-los. Eles se uniram em 40 mil e espalharam o terror na Cidade Eterna.
3. Per un Amico (5:23)
A Liga Clementina foi uma aliança do papa romano Clemente VII com França, Inglaterra, Florença, Veneza e Milão com o objetivo prejudicar o imperador Carlos V. O papa temia que o imperador e seus homens se aliassem à Reforma Protestante de Lutero na Alemanha e se voltasse contra o catolicismo. Carlos V tentou conversar pessoalmente com o papa para que essa conspiração contra o imperador fosse desfeita. O papa, no entanto, refutou qualquer diálogo. Carlos V entendeu que a invasão de sua tropa em Roma seria também uma forma de abalar a influência do papa na região. Por conta disso, não se opôs ao terrorismo que se instaurou na cidade. O papa, temendo a própria vida, refugiou-se no Castelo de Santo Ângelo durante 7 meses. A letra é uma mensagem enviada ao papa Clemente VII. Ele geralmente buscava decidir os conflitos com sua diplomacia. Todavia, não tinha discernimento para compreender os movimentos religiosos que se formavam em sua época. No primeiro ataque diretamente sofrido, fugiu e se escondeu.
4. Il Banchetto (8:39)
Preso em seu refúgio, o papa julgou ser uma boa estratégia reconciliar-se com Carlos V. Em 1530, ele o reconheceu como Imperador e Rei da Itália, colocando-lhe a coroa. A letra descreve o momento da coroação num banquete realizado com a presença de poetas, dos soldados assassinos e de todos os outros romanos sobreviventes. As pessoas homenageavam o imperador, embora no fundo não estivessem satisfeitas, pois a deterioração de Roma foi causada pela desavença do papa e do rei.
5. Geranio (8:03)
As pessoas comuns que viveram após a destruição de Roma, amargaram a miséria, a fome, o frio. Não havia comida suficiente para todos. Muitos filhos que ajudavam na plantação de subsistência da família foram mortos. A consequência desse episódio foi um fardo carregado pelos romanos por longos anos.

Renaissance - Ashes are Burning

2012-02-03T15:00:00.000-02:00

1973 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Annie Haslam: vocal
Michael Dunford: violão
John Tout: teclados
Jon Camp: baixo
Terrence Sullivan: bateria

Avaliação: 9,0

Quarto álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre o clássico cinematográfico "Dr. Zhivago", produzido em 1965. A referência no entanto não é explícita nas canções do álbum, sendo portanto cabível não entende-lo como um álbum conceitual.

Michael Dunford integra a banda como músico pela primeira vez, já que nos álbuns anteriores era conhecido como o letrista da banda. Andy Powell foi creditado como o autor do solo de guitarra na faixa 5.

1. Can You Understand (9:51)
O álbum é inspirado no romance do escritor russo Boris Pasternak chamado "Doctor Zhivago" publicado em 1957. O livro conta a trajetória do médico e poeta Dr. Jivago, que teve seu amor dividido por duas mulheres, no contexto da Revolução Russa. A banda reproduz o tema do filme "Dr. Zhivago" (1965) chamado "Tonya and Yuri Arrive at Varykino", composto por Maurice Jarre. No contexto do filme, esse tema é tocado depois que Yuri é avisado de uma iminente Guerra Civil Russa e percebe que é melhor fugir de Moscou com sua família rumo aos Montes Urais, numa cidade chamada Varykino. A letra fala sobre encontrar o caminho, abrir os olhos para uma nova realidade, esquecer as dores de outrora.
2. Let it Grow (4:16)
Essa canção conta o amor proibido entre Lara e Jivago. Jivago apaixonou-se por Lara quando ambos trabalharam, no período de guerra, num hospital como médico e enfermeira. Tempos depois, Yuri Jivago descobrira que Lara estava morando em Yuriatin, cidade próxima a Varykino, onde ele morava com sua família. Jivago foi ao encontro de Lara e, a partir desse dia, o amor entre eles foi se intensificando a cada encontro.
3. On the Frontier (4:57)
Komarovsky, um antigo conhecido de Lara (ele era amante de sua mãe e por vezes abusava de Lara), veio informá-la de que seu marido, Strelnikov, comandante bolchevique, fora capturado e morto pelo Exército Branco. Por conta disso, sua vida estaria em perigo se permanecesse naquele local. Komarovsky propôs que Lara fosse com ele para a fronteira do extremo oriente, onde lá fosse capaz de deixar o solo russo rumo à Mongólia ou China. Ela disse que só iria ao lado de Jivago. Ele, entendendo o risco que ela corria, mas não querendo deixar a Rússia, fingiu que a acompanharia, orientando-a a partir e dizendo que em breve a seguiria.
4. Carpet of the Sun (3:35)
Essa música é um apelo de Lara para que Jivago a acompanhe. Um apelo para trocar o lugar frio e hostil qual habitavam por um lugar onde a grama é verde e macia como se fosse um tapete sobre o qual a luz calorosa do sol incide. É a esperança de uma vida melhor, livre, longe dos conflitos russos.
5. At the Harbour (3:12)
Ao chegar no porto, contudo, Lara nota que a realidade é bem diferente da que imaginava. O mar estava enfurecido. A tempestade veio com uma chuva de granizo. A ventania forte soprava como um suspiro da morte. As mulheres estavam com medo. Algumas choravam desoladas, outras rezavam para que o céu clareasse.
6. Ashes are Burning (11:13)
Lara faz seu último apelo por Jivago. Ela pede para que ele a encontre seguindo o caminho das brasas deixadas pela guerra. No horizonte ainda seria possível avistar as cinzas queimando intensamente. Tudo o que ele encontraria lá seria o amor de Lara.

Camel - The Snow Goose

2012-01-27T15:00:00.000-02:00

1975 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Andy Latimer: guitarra, flauta
Peter Bardens: teclados
Doug Ferguson: baixo
Andy Ward: bateria

Avaliação: 9,0
Terceiro álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre o a obra literária do escritor americano Paul Gallico chamada "The Snow Goose", publicada em 1940. O álbum é completamente instrumental.

1. The Great Marsh (2:03)
Basicamente o livro de Gallico trata da relação entre Rhayader e Fritha, inicialmente unidos pela presença de uma gansa branca. A história se passa na Inglaterra no contexto da 2ª Guerra Mundial. "The Great Marsh" é um grande pântano na costa da cidade inglesa Essex e se encontra entre os vilarejos de Chelmbury e Wickaeldroth. É inabitado por humanos, havendo apenas pássaros exóticos e outras criaturas. Na margem do rio Aelder, que passa pelo grande pântano, está um farol abandonado e em ruínas.
2. Rhayader (3:01)
Recentemente um homem passou a habitar no pântano. Philip Rhayader tinha 27 anos em um corpo deformado e grotesco. Ele era corcunda e aleijado do braço esquerdo. Ele deixava o cabelo e a barba crescerem para esconder sua deformidade nas costas. Por dentro, no entanto, ele tinha um coração cheio de amor pelos seres que viviam por ali.
3. Rhayader Goes to Town (5:19)
Rhayader era pintor e isso justifica sua retirada do meio social para o convívio com a natureza. Também o fato dele ser repelido por causa da sua aparência fez com que ele não tivesse seu amor pelas pessoas correspondido. Ainda assim, às vezes ele se dirigia ao vilarejo de Chelmbury em busca de suprimentos. As pessoas o viam como "o estranho e pobre pintor que mora no farol".
4. Sanctuary (1:05)
Rhayader fez uma canoa, adaptada para carregar até 6 pessoas, com suas próprias habilidades. Ele velejou pelo pântano em busca das espécies mais raras de pássaros. Ele então pintava esses animais e a beleza da natureza ao seu redor. Próximo ao farol, ele criou o seu próprio santuário. Lá era o local para preservar suas pinturas e proteger os pássaros do frio e da comida escassa.
5. Fritha (1:19)
Três anos se passaram e numa tarde de novembro uma menina aproximou-se do farol, trazendo algo em seus braços. Fritha não tinha mais que 12 anos. Ela era magra e estava toda suja, mas, mesmo com toda sujeira, sua beleza era descomunal. Os olhos cor de violeta revelavam nervosismo e timidez em seu semblante. Ao se deparar com Rhayader, sentiu-se ameaçada pela feiura dele e pensou em fugir. Mas o motivo que a trouxera até ali era muito maior do que seus sentimentos repugnantes. Ela fitou Rhayader com seu olhar, esperando a reação do pintor.
6. The Snow Goose (3:11)
Rhayader recebeu Fritha com uma voz bastante amigável contudo. Ela trazia consigo um grande pássaro branco ensanguentado. Rhayader levou o pássaro para dentro de seu abrigo e Fritha o acompanhou. Nesse momento a curiosidade superou o medo de Fritha. Ela via pinturas de pássaros fixadas nas paredes. Rhayader colocou o animal numa mesa e fez os curativos necessários. Fritha perguntou que pássaro era esse. Rhayader revelou que era uma gansa branca (snow goose) do Canadá. Ele se perguntou como aquele animal foi parar ali. Rhayader chamou a ave de "La Princess Perdue" (A Princesa Perdida). Terminados os curativos, a ave abriu seus olhos amarelos e a menina sorriu triunfante. No entanto, Fritha conteve-se e rapidamente deixou o local.
7. Friendship (1:43)
Fritha aparecia regularmente para acompanhar a recuperação da ave. A cada visita, Rhayader lhe contava uma história fascinante sobre os pássaros. Com o tempo Fritha superou seu medo sobre Rhayader e a partir dai nasceu uma amizade.
8. Migration (2:01)
Numa manhã de junho, Fritha veio ver a ave branca, mas percebeu que ela havia voado para longe com um grupo de aves. Fritha gritou e Rhayader chegou ao local. Rhayader contou que a princesa migrou de volta para a sua casa e deixou um adeus para eles.
9. Rhayader Alone (1:50)
Com a partida da snow goose, Fritha parou de visitar Rhayader. Ele novamente tomou conhecimento da palavra solidão. Nessa época, Rhayader relembrou-se da primeira vez em que viu Fritha e fez uma pintura da menina em seu quadro.
10. Flight of the Snow Goose (2:40)
Em meados de outubro, Rhayader alimentava seus pássaros em seu abrigo quando percebeu uma ventania incomum naquela noite. Ele olhou para o céu e notou que uma ave circundava o farol: era a snow goose. Ele percebeu que a ave viajou com as outras para passar o verão em outras terras e agora ela estava de volta. Rhayader encheu-se de alegria. Quando ele chegou em Chelmbury para comprar os suprimentos, encontrou uma mulher que avisasse a Fritha que a snow goose havia retornado. Três dias depois, Fritha apareceu para ver a snow goose e Rhayader. Então a rotina de Rhayader e Fritha resumia-se aos momentos em que La Princess Perdue estava presente. No entanto, houve um ano em que a snow goose não veio visitar Rhayader. Fritha por sua vez não apareceu. Rhayader ficou triste ao longo do inverno e do verão. Suas pinturas passaram a demonstrar suas mágoas. Após esse período, contudo, Rhayader reviu a snow goose mais uma vez. Ele deixou sua mensagem destinada a Fritha com a mulher em Chelmbury. Somente um mês depois, ela apareceu e chocou Rhayader, pois ela não era mais uma criança. Ambos contemplaram mais uma vez a presença da snow goose. Rhayader disse que aqui seria o lar dela. Nunca mais a ave os abandonaria. Fritha então disse que Rhayader não estaria mais sozinho, agora que snow goose ficaria com ele, e então ela se despediu.
11. Preparation (3:53)
Cerca de três semanas depois, Fritha retornou para ver se a snow goose realmente tinha ficado como Rhayader dissera. Fritha encontrou Rhayader em sua canoa. Ele estava pálido e seus olhos pareciam agitados. Fritha pensou que a snow goose estava perdida e Rhayader estava a procurá-la. Rhayader disse que precisava fazer uma pequena viagem e se recusou a levar Fritha consigo.
12. Dunkirk (5:24)
Em Chelmbury, Rhayader tinha ouvido que o governo britânico fez um apelo aos pescadores para trazerem de volta as tropas britânicas encurraladas na praia de Dunkirk, na França, pelo avanço dos alemães (esse evento histórico ficou conhecido como Operação Dínamo). Com sua canoa, Rhayader viajou centenas de milhas até Dunkirk para socorrer os britânicos. O porto local estava em chamas devido ao constante bombardeio dos alemães.
13. Epitaph (2:07)
Relatos de homens trazidos de Dunkirk foram ouvidos num pub inglês sobre os acontecimentos durante a evacuação. Uma enorme gansa branca foi vista entre a fumaça das explosões voando em círculos por cima de onde eles estavam, como se fosse uma bomba. Eles acharam que era um mau presságio. Então um pequeno barco chegou para tirá-los dali. Era Rhayader que anunciou que poderia levar 7 homens de uma vez. Após deixá-los em segurança do outro lado, Rhayader retornou para buscar mais homens. Ele fez isso durante a tarde e a noite. A última vez que Rhayader foi visto foi quando ele acenava com os braços despedindo-se dos militares deixados em sua terra natal para retornar a Dunkirk. A gansa branca o acompanhara. Um outro militar relatou que, na manhã seguinte à evacuação, viu uma ave num pequeno barco, onde parecia haver um homem dentro. Ao se aproximarem, notaram que era um aliado morto por tiros. E a ave era uma gansa branca.
14. Fritha Alone (1:38)
Fritha permaneceu sozinha cuidando dos pássaros de Rhayader. Entre as pinturas dele, ela encontrou sua própria imagem feita por Rhayader de quando ela o viu pela primeira vez carregando a snow goose ferida.
15. La Princesse Perdue (4:45)
Fritha já pressentia que Rhayader nunca mais retornaria. Ela avistou a snow goose mais uma vez e interpretou que na verdade era o espírito de Rhayader que veio dizer adeus. Fritha pôde ouvir Rhayader dizendo "Fritha! Fritha meu amor. Adeus". E ela respondeu "Philip, eu te amo". A snow goose levantou voo e Fritha nunca mais a viu.
16. The Great Marsh (1:22)
Todas as noites Fritha aparecia ao santuário para alimentar os pássaros. Porém numa manhã, um piloto alemão bombardeou todo o local. Quando Fritha retornou à noite não havia mais vida no pântano. Tudo foi destruído. Nada foi deixado para quebrar a completa desolação que ela sentiu.

Pink Floyd - The Dark Side of the Moon

2012-01-20T15:00:00.000-02:00

1973 / Art Rock / Reino Unido
Roger Waters: vocal, baixo
David Gilmour: vocal, guitarra
Richard Wright: vocal, teclados
Nick Mason: bateria

Avaliação: 10,0

Oitavo álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre o convívio social e suas influências na vida das pessoas. Há subtemas presentes como o tempo (faixas 1, 2 e 3), a religião (faixa 4), o capitalismo (faixas 5, 6 e 7) e a dominação pelo poder da influência (faixas 8 e 9).

Tornou-se um dos álbuns mais vendidos de todos os tempos da indústria fonográfica. O sucesso do álbum concedeu notoriedade ao seu produtor musical, Alan Parsons. Posteriormente, Alan formaria uma banda chamada Alan Parsons Project.

1. Speak to me / Breathe (3:56)
O álbum se inicia com uma prévia instrumental sobre os temas que serão abordados ao longo do álbum. O homem louco de "On the Run", o relógio de "Time"; os gritos de "The Great Gig in the Sky"; a máquina registradora de "Money"; as risadas de "Brain Damage"; os batimentos cardíacos de "Eclipse". Todos esses elementos misturam-se e crescem gradativamente até culminarem em "Breathe". "Speak to me" é a influência que o mundo exerce sobre nossa mente. Para mim, a mensagem principal de "Breathe" é: você não tem outra escolha a não ser viver. Metaforicamente, você terá a sua sepultura precoce se conseguir flutuar na maré e se equilibrar na maior onda. Do contrário, você é apenas um coelho que, após cavar um buraco, não deve se sentar e descansar, mas sim cavar um outro em seguida. Em outras palavras, se você não faz parte da elite social, você não tem o direito de morrer cedo. Você deve viver para contribuir com o sistema. Portanto, respire.
2. On the Run (3:45)
É uma faixa instrumental conduzida inteiramente pelos sintetizadores de Wright. Vozes aleatórias e barulhos de aeronaves são ouvidos. Esses elementos transmitem o estresse frequente das pessoas em suas jornadas de trabalho.
3. Time (6:53)
O tempo da sua vida está passando enquanto você segue a mesma rotina em sua cidade. Nos dias de sol, você se queima na praia; nos dias de frio, você fica em casa. E quando você se dá conta, passaram-se dez anos. Ninguém alertou a você que os anos estavam passando e agora você tenta correr atrás do prejuízo, mas nota que já não tem o mesmo fôlego e está a cada dia mais próximo da morte. Em "Breathe (reprise)", você chega em casa cansado após mais um dia de trabalho, mas a igreja o convoca para lembra-lo de que é preciso continuar respirando.
4. The Great Gig in the Sky (4:44)
Dentro da igreja, eles reúnem os fiéis para orientá-los a não seguir o caminho da morte. O evento religioso é metaforizado pelos vocais de Clare Torry.
5. Money (6:23)
Para viver em sociedade, você precisa de dinheiro. Você precisa de um trabalho que lhe pague bem. Então você estará apto a consumir tudo o que o capitalismo tem de melhor: carros novos, jatinhos, times de futebol, viagens de primeira classe, etc. No entanto, se você não ganha bem e pede um aumento, eles inventam a história de que o dinheiro é a raiz de todo o mal.
6. Us and Them (7:49)
Você começa a perceber que o mundo se divide entre as pessoas comuns e as pessoas que detém o poder. Oprimidos e opressores. Se você quiser se aliar aos opressores, você não pode discordar dos pensamentos deles. Aqueles que pensam diferente são executados com um tiro rápido e certeiro. Ademais, quando eles não precisam de você, eles o ignoram. Geralmente eles tem outros negócios importantes para resolver, os quais você não faz parte.
7. Any Colour You Like (3:26)
Numa entrevista¹, Roger Waters contou que pessoas vinham com suas vans de Londres a Cambridge (onde ele morava), abriam a traseira do veículo e colocavam todo o tipo de artefatos a venda. Quando um tipo de produto era da mesma cor, os vendedores diziam: "qualquer cor que você goste, eles são todos azuis". Waters achou interessante o fato dos vendedores darem a opção de você escolher a cor que você goste, embora só exista uma. Ou seja, não há opção. Ironicamente, o anil (azul escuro) é a única, dentre as sete cores, que não aparece disponível após a luz branca ser refratada pelo prisma na capa do álbum. Essa ideia Waters trouxe metaforicamente ao contexto do álbum. Embora muitas opções sejam dadas a você ao longo da sua vida, você é conduzido a seguir apenas aquelas estipuladas por quem detém o poder. No final das contas, você não tem opção. ¹ Philip Anthony Rose, Which One's Pink? An Analysis of the Concept Albums of Roger Waters & Pink Floyd. Collector's Guide Publishing, Inc. Ontario, Canada. ISBN 1-896522-47-5.
8. Brain Damage (3:46)
Você não tem opções de escolha e mais: sua mente é dominada por aqueles que estão no poder. Eles são os lunáticos e estão por toda parte, ditando o seu modo de viver ou de agir. Se você crê que há lunáticos em sua cabeça, se você sente que "trovejam" em seus ouvidos, se você toca uma canção enquanto a banda toca outra diferente (referência clara a Syd Barrett), Waters espera encontrá-lo no lado escuro da lua. Em entrevista², ele explicou que o significado de "encontrar você no lado escuro da lua" é como se ele dissesse a você: "eu sei que você tem esses sentimentos ruins e impulsos porque eu também os tenho e uma das formas de eu estabelecer contato direto com você é compartilhando o fato de que eu me sinto mal às vezes". Para Waters, "todas as coisas boas que a vida pode oferecer estão lá para nós pegarmos, mas a influência de alguma força obscura em nossas personalidades torna impossível para nós capturarmos". ² Dallas, Karl, Pink Floyd: Bricks in the Wall, page 107, Shapolsky Publishers/Baton Press, ISBN 0-933503-88-1, 1987.
9. Eclipse (2:12)
Todas as coisas que você faz durante a vida está em perfeita harmonia com o sol. Porém o sol está eclipsado pela lua. Em outras palavras, a sua vida está nas mãos dos lunáticos, opressores, que estão no poder e influenciam a todos, influência que Waters chama de força obscura. Há duas frases no final do álbum, quase inaudíveis, sobre o que seria o lado escuro da lua. Trata-se da resposta dada pelo porteiro do Abbey Road Studios, onde a banda gravou o álbum. Seu nome é Gerry O'Driscoll e sua resposta na íntegra foi: "Não há lado escuro da lua na verdade. O fato é que ela é toda escura. A única coisa que faz com que ela pareça menos escura é o sol." A partir dessa resposta, você pode chegar a várias conclusões sobre o álbum. Por exemplo, a influência negativa, simbolizada pela figura da lua toda escura, torna-se menor em nós quando atentamos ao que realmente nos faz feliz em vida, sendo esse sentimento simbolizado pelo sol.

Yes - Close to the Edge

2012-01-13T15:00:00.000-02:00

1972 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Jon Anderson: vocal
Chris Squire: baixo, back vocal
Steve Howe: guitarra, back vocal
Rick Wakeman: teclados
Bill Bruford: bateria

Avaliação: 10,0
Quinto álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre a busca da plenitude espiritual. A banda inspirou-se no romance do escritor alemão Hermann Hesse chamado "Siddharta", publicado em 1922. Último álbum com participação do baterista Bill Bruford. Ele iria para o King Crimson. Alan White assumiu seu lugar no Yes.

1. Close to the Edge (18:44)
A obra de Hesse conta a história de um jovem pensador em sua busca pelo estados em que a mente humana se encontra absolutamente completa e plena. The Solid Time of Change (O Momento Sólido da Mudança) Siddharta era filho de brâmanes e vivia num povoado onde todos o admiravam. Todavia, mesmo com todo o amor das pessoas ao seu redor, Siddharta não sentia alegria vinda do seu próprio eu. Ele decidiu deixar os brâmanes e passou a viver com samanas (sábios mendigos nômades). A experiência com os samanas fez com que Siddharta se esquivasse da presença do seu eu, sem contudo superá-lo. Foi quando o seu melhor amigo Govinda sugeriu de ambos tornarem-se adeptos da doutrina de Buda. Siddharta e seu amigo vão ao local onde estaria Buda para ouvir sua doutrina. Siddharta não se sentiu contudo atraído pelas palavras do venerável Buda. Ele julgou que a experiência vivida por Buda não seria possível de ser transmita por palavras. A única forma de se chegar à vivência semelhante seria seguir seu próprio caminho mundo afora. Assim, Siddharta procurou a essência do seu próprio eu e de todas as coisas ao seu redor, iluminando-se ao contemplar o mundo de outra maneira: momento em que ele chamou de "o despertar". Anderson descreve a trajetória de Siddharta ao aderir à filosofia dos samanas, a qual incluía fazer jejuns por longos períodos ("e rearruma seu fígado para a solidez da graça mental"). Entretanto, é contemplando o mundo a sua volta ("uma gota de orvalho pode nos exaltar como a luz do sol") que Siddharta deixa para trás as doutrinas aprendidas ("e retirar o plano no qual nos movemos") e passa a seguir seu próprio caminho ("e escolher o caminho que está correndo"). O refrão ("próximo da borda, descendo pelo rio") foi inspirado na ilustração de Roger Dean que aparece na capa de dentro do álbum. Total Mass Retain (Total Retenção da Multidão) Siddharta é atraído por uma cortesã chamada Kamala. Ele queria que a cortesã o ensinasse a arte dos prazeres. No entanto esse ensinamento tinha um custo, o que fez com que Siddharta arrumasse um emprego com um comerciante rico da cidade. Inicialmente Siddharta achava engraçado os aborrecimentos enfrentados pelo seu chefe por questões materiais. Aos poucos, Siddharta acumulou riquezas e logo sua vida não era diferente dos "homens tolos". Ele começou a se embebedar e a apostar seu dinheiro em jogos. Siddharta, movido pelo sentimento de desprezo à vida insensata que levava, decide abandonar a cidade com todos os seus pertences. Ele se dirigiu a uma floresta próxima de um rio. Ele se debruçou num dos troncos de uma árvore e planejou suicidar-se atirando seu corpo ao rio. Foi quando ele ouviu o Om (mantra) e dormiu. Após um longo sono, acordou renascido, como se aquela vida que viveu fosse uma reencarnação passada. Esse é o tema central do álbum! Anderson conta o momento em que Siddharta conheceu Kamala ("meus olhos crentes, eclipsados com a Lua Nova conquistados pelo amor"). Em seguida descreve a trajetória dele ao conviver com uma multidão de pessoas na cidade ("fazendo caminhos que quase sobem para o vazio enquanto atravessamos de um lado para o outro, ouvimos a retenção da multidão"). I Get Up I Get Down (Eu me Levanto, Eu me Abaixo) Ao saber da iminente morte de Buda, a agora envelhecida Kamala iniciou uma peregrinação com seu filho pequeno, cujo pai era Siddharta. A criança não aguenta a longa jornada, então Kamala decide descansar um pouco. Uma serpente contudo pica a perna de Kamala. Ela e a criança gritam por socorro até que os gritos chegam aos ouvidos de Vasudeva, que corre rapidamente para socorre-la e coloca-la numa choupana onde Siddharta se encontrava. Numa cabana, ela se encontrava deitada na cama de Siddharta e, ainda que os anos tivessem passado, ela o reconheceu. Antes de morrer, ela revelou que seu filho era fruto de Siddharta. Anderson conta o momento em que Kamala fazia sua peregrinação e fora picada por uma serpente, sem contudo ser ajudada por aqueles que estavam a sua volta ("duzentas mulheres assistem a uma mulher chorar, tarde demais"). Siddharta a reencontra após muitos anos ("quão velho estarei antes de ter idade para você?"). Seasons of Man (Estações do Homem) Govinda, amigo de longa data de Siddartha e quem havia se tornado discípulo de Buda, soube da existência de um balseiro sábio que morava junto ao rio. Ele decidiu ir pessoalmente conhece-lo. Após conversar com o balseiro, notou que ele na verdade era seu antigo amigo Siddharta. Ainda mais que isso. Ele notou que Siddharta sorria como os seres perfeitos, tal como fazia Buda. Ele finalmente tinha encontrado o que estava procurando. Anderson descreve o momento do encontro entre Siddharta e Govinda. Govinda finalmente se viu completo no final da conversa ("agora que você encontrou, agora que você está completo").
2. And You and I (10:11)
Essa canção é um poema cantado por Anderson ainda sobre a concepção do livro "Siddharta". A partir do momento em que você descobre o seu eu, você passa a ver a existência além do consciente. Você se desprende do ciclo natural da vida e se imortaliza ao perder a noção do tempo. Como no verso "and you and I reach over the sun for the river" (e você e eu alcançamos o sol pelo rio): o sol representa o eu individualizado e o rio representa a corrente do tempo na eternidade, conceitos tirados da doutrina jungiana. A ideia do livro de Hesse é reafirmada com o verso "all complete in the sight of seeds of life with you", o qual se repete algumas vezes ao longo da música e pode ser entendido como: tudo parece fazer sentido quando nós estamos juntos e contemplamos a origem da vida. Isso ilustra o diálogo filosófico entre o balseiro Siddharta e o monge Govinda.
3. Siberian Khatru (8:53)
O título dessa música é até hoje objeto de controvérsia entre os fãs. Uma vez perguntada, a banda disse para interpretar "Siberian Khatru" como quisermos. A interpretação que eu achei mais interessante diz respeito a "k'hatru" (Q'ua'tru) como sendo um dos sete dialetos dos Coriacos, povo indígena do extremo leste da Sibéria. Historicamente essas pessoas acreditavam no xamanismo e no dualismo da alma, onde uma alma estava apta a deixar o corpo e elevar-se a um plano alternativo de existência. Essa concepção corrobora a ideia do álbum. Ademais, a letra exalta as quatro estações, pelas quais todos nós teremos de passar ("seasons will pass you by"),

Triumvirat - Spartacus

2012-01-06T15:00:00.000-02:00

1975 / Progressivo Sinfônico / Alemanha
Jürgen Fritz: teclados
Helmut Köllen: vocal, baixo, violão, guitarra
Hans Bathelt: bateria

Avaliação: 10,0
Terceiro álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre a vida de Espártaco no cenário da Roma Antiga. A sequência das faixas é a ordem cronológica dos fatos: desde o início da rebelião à morte de Espártaco.

1. The Capital of Power (3:13)
O álbum se inicia com uma faixa instrumental que, pelo título, traduz-se no Poder de Roma, centro de um dos maiores impérios da antiguidade. Espártaco era um mercenário trácio contratado para defender o exército romano. Entretanto, Espártaco desvinculou-se do ideal de Roma e desertou-se das tropas romanas. Como punição ele foi reduzido a escravo.
2. The School of Instant Pain (6:22)
Proclamation (Proclamação) Lêntulo Batiato era um lanista (treinador de escravos e gladiadores) e dono de uma Escola de Gladiadores em Cápua, na Itália. Ele enviava mercadores para comprar escravos e traze-los para sua escola. Chamou a atenção de um de seus mercadores o vigor físico de Espártaco. Ele comprou Espártaco e o levou à Cápua, onde ficou preso com outros escravos destinados a serem treinados. Diante dos escravos, Espártaco proclamou-se seu guia e assumiu o compromisso de derrubar a barreira da miséria e juntos construírem uma terra melhor. The Gladiator's Song (A Canção do Gladiador) Espártaco narra que era treinado para matar o oponente com uma espada, lança ou mesmo com as próprias mãos. Na arena, o público se acomodava na primeira fileira para assistir ao espetáculo protagonizado por escravos tomados pela raiva. Os escravos não tinham chance de se libertar. Eles estavam condenados a lutar pela eternidade. Roman Entertainment (Entretenimento Romano) O anunciador do espetáculo orienta Espártaco antes dele entrar na arena. Ele diz para Espártaco não pensar muito em sua segurança porque não há escolha: está condenado a ir para o inferno de todo jeito. Há muitas pessoas no público esperando pela luta, então é melhor não hesitar quando o sino for tocado. É a chance de Espártaco mostrar sua bravura e, se conseguir voltar vivo, há mais uma grande luta marcada para o dia seguinte. The Battle (A Batalha) O instrumental então traduz a batalha entre Espártaco e seu oponente diante dos romanos.
3. The Walls of Doom (3:56)
"As paredes da desgraça" traduz o momento em que os escravos são recolhidos para as celas. Eles são mantidos presos a espera do próximo combate mortal.
4. The Deadly Dream of Freedom (3:54)
Durante toda a noite, Espártaco conta que ele e os outros escravos permaneceram acordados e observaram a sombra do amanhecer de suas celas. Então Espártaco diz que tem o sonho de mudar essa situação e conta com a esperança de seus companheiros para ajudá-lo a concretizar esse ideal. E foi assim que Espártaco e seus homens se rebelaram contra os maus-tratos recebidos. Eles se livraram das correntes e bolas que os prendiam e, armados apenas com facas de cozinha, mataram os guardas da escola de gladiadores. Eles levaram as armas do local e fugiram.
5. The Hazy Shades of Dawn (3:09)
"As sombras nebulosas do amanhecer" traduz o momento da fuga de Espártaco e outros escravos.
6. The Burning Sword of Capua (2:41)
Logo ao saberem da fuga dos rebeldes, foram enviadas tropas locais de Cápua para capturar os fugitivos. Nesse confronto, os homens de Espártaco saíram vitoriosos e levaram consigo as armas dos derrotados.
7. The Sweetest Sound of Liberty (2:35)
Espártaco e seus seguidores adquiriram experiência em combate na escola de gladiadores e se mantiveram unidos por uma causa comum: a busca da liberdade para construir um mundo sem ódio e medo. Após a vitória sobre as tropas locais de Cápua, muitas pessoas aderiram à causa de Espártaco. O fortalecimento dos homens de Espártaco fez com que Roma enviasse expedições para conter o avanço dos revoltosos.
8. The March to the Eternal City (8:46)
Dusty Road (Estrada empoeirada) Espártaco e seus incontáveis homens estavam a caminho de Roma. Seus homens estão armados e confiantes na vitória. O primeiro confronto aconteceu contra os 3 mil homens da primeira expedição enviada por Roma. Italian Improvisation (Improviso Italiano) Trecho instrumental que traduz o momento da batalha entre os romanos e o os homens de Espártaco. First Success (Primeiro Sucesso) Espártaco vence o primeiro confronto e seus homens seguem confiantes de que a vitória sobre Roma está próxima.
9. Spartacus (7:38)
The Superior Force of Rome (A Força Superior de Roma) As vitórias de Espártaco estavam incomodando Roma. Foi designado o general Marco Crasso (o mesmo que posteriormente formaria o Primeiro Triunvirato - origem do nome da banda?) para esmagar a revolta dos escravos lideradas por Espártaco. O descanso da última batalha vitoriosa dos homens de Espártaco não duraria muito tempo, pois a batalha decisiva contra os homens de Crasso logo se iniciaria. A Broken Dream (Um Sonho Partido) Pompeu, um general romano, estava regressando a Roma com seus homens, após sufocar com sucesso uma revolta na Hispânia. O Senado romano aproveitou-se desse fato e o ordenou a desviar seu caminho para o sul, local onde estava ocorrendo a batalha de Crasso e Espártaco. Para que a glória em derrotar os rebeldes não fosse atribuída a Pompeu, Crasso decidiu acabar rapidamente com os homens de Espártaco. A chegada dos reforços romanos e a pressão das tropas de Crasso fizeram com que os homens de Espártaco divergissem sobre o que fazer. Ao ver seus homens desorientados e a derrota iminente, Espártaco tentou chegar a um acordo com Crasso em vão. Sem escolha, Espártaco lançou-se ao combate até a morte. Seis mil escravos sobreviventes foram crucificados como punição pela rebeldia. A letra e o instrumental agitado descrevem o momento em que os escravos lutavam. Então o instrumental muda e a letra ressalta o valor de Espártaco ao se levantar com garra e derrotar todos os inimigos ao seu redor. Retorna o instrumental agitado e é dito que os soldados percebem que precisam de mais homens para derrotar Espártaco. Eles deixam o local por um tempo. O instrumental novamente muda e Espártaco pondera que, embora tenha vencido naquele momento, seria muito difícil sair vitorioso dessa guerra. Todos os sonhos almejados por ele e seus amigos se foram. Não há chance de se libertarem. O instrumental agitado anuncia que milhares dos homens de Espártaco tiveram sua morte escolhida pelos romanos entre serem crucificados ou devorados por leões. Eles foram vítimas de uma era muito cruel. O instrumental muda e conclui que a glória e a riqueza de Roma foram conquistadas sobre os ombros dos escravos. Espártaco esteve próximo de mudar essa história, mas foi tudo em vão. Haverá mais sangue e dor. The Finale (O Final) Trecho instrumental que traduz a vitória dos romanos sobre a rebelião dos escravos liderada por Espártaco. Esse evento ficou conhecido como Terceira Guerra Servil que ocorreu no sul da Itália entre os anos de 71 a.C. e 73 a.C.

Jethro Tull - Aqualung

2011-12-30T15:00:00.000-02:00

1971 / Progressivo Folk / Reino Unido
Ian Anderson: vocal, violão, flauta
Martin Barre: guitarra
John Evan: teclados
Jeffrey Hammond: baixo
Clive Bunker: bateria

Avaliação: 8,0
Quarto álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. Há como temáticas a marginalidade social (faixas 1 e 2). Experiências pessoais de Anderson (faixa 3). Surrealismo (faixa 4). Sentimentos como caridade e egoísmo (faixas 5 e 6). Temática religiosa (faixas 7, 8, 9, 10 e 11).

1. Aqualung (6:31)
A letra conta sobre Aqualung: um morador de rua com vestimentas surradas, catando restos de um lanche com seus dedos engordurados enquanto uma meleca escorre de seu nariz. Ele observa maliciosamente as calcinhas de garotas que passam por ali. Durante o inverno, ele tem recordações de como sua barba ficava congelada e de como ele gritava de agonia. Ele cuspia pedaços de sua sorte arruinada. A canção foi inspirada nas fotografias de desabrigados situados numa rua costeira de Londres, reproduzidas por Jennie Anderson (na época, esposa de Ian Anderson). Uma das fotos foi ilustrada por Burton Silverman e tornou-se a capa desse álbum. Jennie foi creditada como co-autora da letra de "Aqualung".
2. Cross-Eyed Mary (4:08)
Agora é contada a história de Mary, uma das garotas vistas por Aqualung. Ela é deixada na escola por cafetões (jack-knife barber). Ela se prostitui para os ricos levando seu dinheiro e também se prostitui para velhos como Aqualung apenas por diversão, sabendo que está contribuindo para o raro momento de felicidade deles.
3. Cheap Day Return (1:23)
O pai de Anderson estava adoecido num hospital de Blackpool. Anderson morava em Londres e não havia uma linha de trem ligando diretamente Londres a Blackpool. Ele teve que fazer uma baldeação em Preston. Foram 4 horas para trazer seu pai a Londres e mais 4 horas para levá-lo de volta. A letra narra o momento na plataforma de Preston, onde Anderson "sapateava" impaciente a espera do trem, tirava as cinzas de cigarro na calça e se perguntava se a enfermeira estava cuidando direito do seu pai. Quando Anderson foi buscar seu pai, a enfermeira ofereceu-lhe um chá e pediu para ele autografar (assinar o termo de retirada do paciente do hospital). Que graça, ironiza Anderson.
4. Mother Goose (3:52)
Anderson nos conta sua experiência surreal ao visitar o parque Hampstead Heath, em Londres. Lá ele encontra Mother Goose (autora de contos de fada) e a liberta, mas para a sua surpresa ela estava gritando. Então ele encontrou um estudante estrangeiro que o perguntou se é verdade que havia elefantes e leões no "Circo" Piccadilly (os latinos pensam que o nome Piccadilly Circus refere-se a um circo, mas trata-se de uma praça famosa em Londres). Anderson então foi pegar algum sol numa lagoa quando se deparou com pelo menos cem alunas chorando pelo fato de um "aluno" ter aparecido. Uma senhora barbuda alertou Anderson de que se começasse um alvoroço se arrependeria por isso. De repente surge no local um criador de galinhas e sua irmã esquisita dirigindo um caminhão. Anderson chega a um campo aberto de golfe. Por ali 24 trabalhadores cavavam um buraco em busca de ouro. Como eles sabiam que Anderson era o pirata Long John Silver? Então Anderson avista o espantalho Johnny vagando com uma capa preta furtada de um boneco de neve. Conforme o próprio Ian Anderson já disse em suas entrevistas, "Mother Goose" trata de ideias abstratas, completamente surreais e sem sentido".
5. Wond'ring Aloud (1:55)
Anderson se encontra em seu quarto relembrando a noite em que a conhecera. Então ele sente o cheiro de torradas vindo da cozinha. Ela aparece em seu quarto derramando farelos na cama e oferece algumas torradas. Ele a admira pelo seu jeito de dar sem querer nada em troca. Não é como Mary em "Cross-eyed Mary", movida muito mais pelo sentimento de pena do que pelo amor. É uma curta reflexão sobre a dádiva do dar.
6. Up To Me (3:18)
Essa é uma canção sobre o egoísmo (em nítido contraste com a canção anterior). Anderson conta a história de um cara cujos fatos de sua vida dependiam única e exclusivamente de sua vontade. Ele levava sua garota para o cinema ou para o Wimpy Bar (lanchonete) com seu Silver Cloud (modelo de carro da marca Rolls-Royce). Se ela acha que está indo muito longe, que venha falar com ele. Se ele quiser, ele soca a cara de Jack em sua própria casa. Ele vê os pneus arreados da bicicleta de uma garota, cujo nariz parece um cristal de gelo e seus dedos são amarelados de nicotina enquanto ela o observa. O cara então reflete: ele é um trabalhador comum e se contenta com metade de uma cerveja, pão e geleia. Mas isso não o impede de sacanear alguém quando achar engraçado. Se ele der uma risada rápida demais quando um pirata florescente se afundar numa chuva, isso é um problema dele.
7. My God (7:10)
Essa é uma crítica sobre a influência das igrejas ao limitar a liberdade de crença das pessoas. Embora boa parte dos países estejam sob a égide de um Estado Laico, muitas instituições de ensino e os próprios pais moldam a cabeça das crianças para cultuarem o Deus que eles cultuam. É uma questão muito mais social do que espiritual. A letra indaga o que o povo fez ao trancar Deus numa jaula dourada. Esse Deus não representa nada. O verdadeiro Deus está dentro de nós. Então devemos nos curvar diante Dele gentilmente e não o visitá-lo para que Ele o salve de seus pecados. A Igreja da Inglaterra exige a presença de todos para a paróquia do chá. Lá você encontra a imagem de você-sabe-quem num crucifixo de plástico que o mantém preso. Você por fim rezará pelos seus pecados até a próxima quinta-feira para todos os deuses que puder enumerar.
8. Hymn 43 (3:18)
Essa canção fala sobre a hipocrisia das pessoas e certas organizações religiosas que usam o nome de Jesus como argumento para promover algo ou justificar determinadas ações. Na letra da música, Anderson conclui que "se Jesus salva, bem seria melhor salvar a si mesmo dos buscadores da glória sangrenta, os quais usam Seu nome na morte" (uma referência àqueles que matam em nome de Jesus).
9. Slipstream (1:12)
Essa é uma breve reflexão sobre a vida após a morte. Você nasce e não demora muito para viver uma vida vazia dependente de coisas materiais. Quando morre, todos os seus pertences ficam para trás. Então você analisa toda sua trajetória e percebe que o caminho da felicidade não reside nas coisas materiais. Uma corrente de ar (slipstream) o leva para longe de toda a bagunça do mundo.
10. Locomotive Breath (4:24)
Anderson cria a imagem de uma locomotiva que está sempre em movimento. Essa locomotiva nada mais é do que o tempo de nossas vidas. O trem guia todas as pessoas (all-time losers). A canção foca num dos passageiros. A manivela que poderia parar o trem foi roubada pelo Velho Charlie (Charles Darwin, em referência a sua Teoria da Evolução). Então esse passageiro vê seus filhos pulando fora a cada estação, sua mulher transando com seu amigo, enquanto ele rasteja pelos corredores. Ele vê anjos sendo pegos pelo vento ao caírem do céu. Então Deus (all-time winner) o pega pelas bolas. Ele tenta se salvar ao abrir a bíblia na primeira página, mas ainda sim o trem não vai parar.
11. Wind-Up (5:42)
Wind-up tem vários significados no inglês, dentre os quais destacarei três. Wind-up no sentido de conclusão, por ser a última música do álbum e por resumir a ideia central das músicas que tratam sobre religião. Wind-up no sentido de artimanha: aplicável no caso das pessoas que se encontram com Deus aos domingos na igreja e depois o ignoram no resto da semana. E o terceiro sentido refere-se a Wind-up como dar corda: Deus não é como um brinquedo que você precisa dar corda aos domingos. A letra é a experiência vivida por um jovem estudante que seguia todas as regras da escola. Certa vez ele fez uma pergunta e Deus o respondeu: "Não sou do tipo que você precisa dar corda aos domingos". A partir desse ponto, o estudante questiona todos os dogmas da igreja, exaltando seu livre-arbítrio em pensar o que quiser sobre Deus.

Genesis - Selling England by the Pound

2011-12-23T03:00:00.000-02:00

1973 / Progressivo Sinfônico / Reino Unido
Peter Gabriel: vocal, flauta
Phil Collins: bateria, back vocal
Tony Banks: teclados, violão de 12 cordas
Mike Rutherford: baixo, violão de 12 cordas
Steve Hackett: guitarra, violão

Avaliação: 9,0
Quinto álbum de estúdio da banda. Não é um álbum conceitual. Há uma crítica ao capitalismo (faixas 1, 2 e 8). Temática do amor (faixas 4 e 7). E outros temas aleatórios como a natureza (faixa 3), gangues suburbanas rivais (faixa 5) e um instrumental (faixa 6).

1. Dancing with the Moonlit Knight (8:03)
Peter Gabriel critica a sociedade capitalista inglesa com seu modelo econômico baseado no consumismo. Ele adiciona à temática elementos do folclore inglês, bem como referências à história do Rei Arthur e os Cavaleiros da Távola Redonda. A canção inicia-se com o "unifaun" indagando onde estaria seu país. Unifaun é uma referência ao rei dos campos e dos pastores na mitologia romana. Queen of Maybe, uma referência à deusa da primavera no folclore inglês, responde que seu país encontra-se consigo. O unifaun comercializa a mercadoria (leia-se Inglaterra) com ela. Uma voz no meio da multidão anunciou que um velho homem morreu. A nota foi assinada pelo Old Father Thames (padroeiro do Rio Tâmisa, símbolo do poderio naval inglês). O anúncio continua dizendo que parece que ele morreu afogado ao vender a Inglaterra por uma libra. Citizens of hope and glory (em referência à canção patriota inglesa "Land of hope and glory") gastam seu tempo com sonhos de um estilo de vida padronizado estabelecido pela sociedade (wimpey). Eles comem quietos e digerem a Inglaterra por uma libra. Um jovem diz que você é o que come. Um velho diz que você é o que veste. Essa é a divergência de pensamentos da nova geração que se forma nos moldes de uma sociedade consumerista ante os padrões antigos que preservavam uma vida graciosa, a longevidade (wear well). Um capitão, convoca todos para sua dança durante a noite em busca do Santo Graal (cálice sagrado dos contos do Rei Arthur). Convoca-os para acompanhar o cavaleiro iluminado (Sir Gawain) e os Cavaleiros do Selo do Escudo Verde (Knights of the green shield stamp). Na realidade, "green sheld stamp" era um selo que se ganhava ao comprar determinados produtos no supermercado. Esses selos eram colados num livro e trocados por brindes. Era uma política de incentivo às vendas adotada no Reino Unido nos anos 60 e 70. Fora de um salão, uma cartomante gorda e velha brinca com cartões de crédito de seus clientes enquanto prevê seus destinos com maços de cartas desiguais. O capitão então conduz a sua dança, convocando as pessoas para uma reunião na Távola Redonda (outra referência do mito do Rei Arthur), onde as pessoas farão um show: um fantasiado de cavalo-de-pau, outro de bobo-da-corte, um touro sendo atiçado e então no final eles gritam (esses elementos teatrais referem-se a uma dança folclórica inglesa chamada Mummers Play). Gabriel ironiza os membros de uma sociedade capitalista ao compará-los com os atores do Mummers Play.
2. I Know What I Like (In Your Wardrobe) (4:10)
É a história de um jovem que ganhava a vida movendo uma máquina de cortar gramas. Quando o sol batia forte, ele descansava num banco e escutava as pessoas ao redor falando sobre crescer na vida ganhando dinheiro, trabalhando em cidade. No entanto, ele assume que sua filosofia de vida é ser humilde. A inspiração para essa música foi a capa do álbum ilustrada por Betty Swanwick chamada "The Dream". No mundo atual dominado pelo capitalismo, viver de forma humilde não é uma opção, mas sim um sonho quase utópico.
3. Firth of Fifth (9:34)
O título da música é um trocadilho com Firth of Forth, estuário do Rio Forth, localizado na Escócia. A letra basicamente descreve o cenário do ponto de vista dos marinheiros que por ali trafegam. Eles veem ovelhas em cercados abertos, se deparam com uma cachoeira, ouvem os cantos de sereias estimulando-os a seguirem adiante. Até que eles avistam o mar aberto, onde o Deus dos Mares (Netuno ou Poseidon) estava a recebe-los.
4. More Fool Me (3:10)
Essa canção é cantada por Phil Collins e foge um pouco da temática do álbum. A letra fala sobre um homem que é abandonado por sua amada, mas ainda sim ele crê que tudo terminará bem.
5. The Battle of Epping Forest (11:43)
Epping Forest é um distrito do condado de Essex, na Inglaterra. A letra é uma alusão aos confrontos envolvendo duas gangues rivais que brigavam constantemente em East-End (bairro de Londres), para ter o controle de determinadas áreas. Dessa forma, as gangues atuavam como milícias, forçando comerciantes locais e moradores a pagarem pelo suposto trabalho de proteção. De um lado os homens de Willy Wright, também conhecido por Billy, enfrentam os comparsas de Johnny, também conhecido como Little John. Eles sobem um morro e lá a agressão física começa. Billy sai vitorioso desse combate. Mick, o provocador, sai da prisão e se encontra com seu amigo Len, o líquido. Ele deseja acertar as contas com Bob, o Grã-Fino, o homem que o havia incriminado. Antigamente, Mick era chamado de Reverendo, pois tinha entrado para a igreja. Ele fez uma excursão em busca de móveis quando viu um anúncio dizendo "belo baú". Ele seguiu para ver do que se tratava e se deparou com uma mulher atraente. Ela começou a mostrar o que tem de melhor, quando ele fechou os olhos. Ela tocou um sino e então Bob apareceu. Eles tentaram forçar o Reverendo a se perverter, mas ele acabou atirando. E assim ele foi para a prisão. Mick participou da "Corporação Amor, Paz e Verdade" criada pelo Little John e a partir dai juntou seus homens com seu amigo Len, o líquido, e finalmente enfrentaram Bob, o Grã-Fino. Após uma difícil batalha, ambos os adversários sucumbiram, sem haver sobreviventes. No final, os Barões da Capa Preta apareceriam no local para contabilizar o duelo e em caso de empate lançariam uma moeda para decidir quem venceu.
6. After the Ordeal (4:15)
Essa é uma faixa instrumental composta por Steve Hackett incluída no álbum a contragosto de Gabriel e Banks.
7. The Cinema Show (10:41)
Conta a história de Romeu e Julieta (nomes emprestados do romance Romeo and Juliet de William Shakespeare) quando ambos se preparavam para um encontro no cinema. Romeu mantinha um desejo sexual por Julieta, mas não tinha certeza se seu desejo era maior do que o de Julieta. A letra faz menção a Tirésia, profeta da Mitologia Grega. Diz-se que Zeus e Hera discutiam sobre quem teria mais prazer numa relação sexual. Zeus dizia que era a mulher e Hera dizia que era o homem. Tirésia decidiu a questão dizendo que se dividíssemos o prazer em 10 partes, a mulher teria 9 e o homem 1. Hera, furiosa por sua "derrota", cegou Tirésia. Zeus o recompensou com o dom da previsão. Então Tirésia, na letra da canção, compara o homem ao mar e a mulher à terra. E conclui que de fato há mais terra do que mar.
8. Aisle of Plenty (1:58)
Nessa faixa emendada na canção anterior Gabriel faz mais alguns trocadilhos com os nomes dos maiores supermercados ingleses: "Safeway - Home Stores", "Fine Fare", "Tesco" e "Co-op". Ele faz um trocadilho com a palavra hello (olá) e hell (inferno), em referência a fala do gerente dos supermercados e o ambiente desses estabelecimentos. Então várias vozes são ouvidas anunciando produtos e o álbum termina em fade out.

Pink Floyd - Wish You Were Here

2011-12-16T03:00:00.000-02:00

1975 / Art Rock / Reino Unido
Roger Waters: vocal, baixo
David Gilmour: vocal, guitarra
Richard Wright: teclados
Nick Mason: bateria

Avaliação: 10,0
Nono álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre a história do ex-líder do Pink Floyd, guitarrista e compositor, Syd Barrett. A banda descreve a personalidade de Syd (faixas 1 e 5). Conta sobre sua exposição à mídia (faixas 2 e 3). E demonstra a saudade do antigo Syd (faixa 4).

1. Shine on You Crazy Diamonds (part one) (13:32)
A música traça qualidades e fatos da vida do ex integrante da banda Syd Barrett. Barrett foi um dos pioneiros do rock psicodélico. Suas linhas de guitarras eram peculiares e suas letras bastante imaginativas. Em pouco tempo alcançou o estrelato e ao mesmo tempo o mundo das drogas. O alto consumo de LSD fez com que Barrett se tornasse cada vez mais imprevisível nas apresentações e gravações do Pink Floyd, além de torná-lo cada vez mais ausente da rotina da banda. Foi quando a banda resolveu convidar David Gilmour para dar suporte e posteriormente substituir de vez Barrett. Na letra, Gilmour "conversa" com Barrett, relembrando quando ele era novo (no auge de sua criatividade), quando ele era como um diamante louco que tinha o brilho do sol e seus olhos eram como buracos negros no céu. Ele era um mártir, uma lenda e também alvo de risadas (por conta de sua imprevisibilidade nos palcos). Ele alcançou o estrelato cedo demais e com o estrelato afundou-se nas drogas.
2. Welcome to the Machine (7:33)
É uma crítica à indústria musical, a quem Waters chama de máquina. Um jovem que comprou uma guitarra e castigou sua mãe com o seu som. Não gostava de ir a escola. Ao invés disso, reuniu colegas para formar uma banda. Quantos jovens não tiveram essa história? Pois eis que vem a máquina e molda o pensamento desses garotos, incutindo em suas mentes o que eles realmente precisam: buscar o estrelato. Então a máquina inventa uma história comercialmente vendável: ele tocava uma guitarra precária, comia sempre num bar e adorava dirigir seu jaguar. Na minha opinião esse caso se aplica a Syd Barrett também. A máquina o expôs ao estrelato e, a partir dai, sua vida pessoal e profissional começou a ruir.
3. Have a Cigar (5:24)
É uma crítica à hipocrisia dos empresários das bandas. Eles preveem o que o público espera ouvir da banda e muitas vezes fazem a cabeça dos músicos para produzir algo que é de interesse da indústria fonográfica, delimitando sua liberdade de criação. Na letra, um empresário convida um integrante do Pink Floyd, possivelmente Syd Barrett já que ele era o líder antes da banda fazer sucesso. Então o empresário oferece um charuto e convida Syd a se sentar. Coloca na cabeça de Syd que a banda vai longe, que o som é fantástico e pergunta qual deles é o Pink (o que mostra sua total ignorância com a história da banda). Ele diz que o nome do jogo é "Riding in the gravy train", uma expressão que significa ganhar dinheiro de maneira fácil, tal como quem ganha na loteria. Então ele coloca na cabeça de Syd que eles precisam lançar um álbum, eles "devem" isso ao público. O álbum não estreou tão bem nas paradas. O empresário diz que a banda ainda está verde, mas é um grande começo. O negócio pode se transformar num monstro se a banda e ele seguirem em frente como um time. A principio Waters cantaria a música, mas havia tensionado demais suas cordas vocais ao gravar "Shine on you crazy diamonds". Gilmour, por sua vez, se recusou a cantar. Então a banda convidou Roy Harper que estava gravando um de seus álbuns num estúdio ao lado para fazer o vocal da canção. É a única letra não cantada por um membro da banda de toda a história do Pink Floyd.
4. Wish You Were Here (5:16)
Gilmour indaga se Syd consegue distinguir o inferno e os céus, um campo verde e um trilho de aço, uma vez que Syd já estava totalmente consumido pelas drogas. Gilmour acusa que eles (os empresários, a máquina) fizeram Syd trocar o ar quente pela brisa fria, o conforto pela mudança, o papel de coadjuvante numa guerra por um papel principal numa cela. Ano após ano, Gilmour e os outros membros da banda olham para si e para Syd como almas num aquário correndo sobre o mesmo chão e temendo os mesmos medos. Gilmour, Waters, Wright e Mason gostariam que Syd estivesse com eles nessa mesma jornada.
5. Shine on You Crazy Diamonds (part two) (12:29)
Desde 1973 Barrett desapareceu dos holofotes e passou a viver em algum canto de Cambridge. Ninguém mais tinha notícias do seu paradeiro. É dito que no dia 5 de junho de 1975 ele reapareceu no estúdio, onde a banda gravava "Wish you were here", muito acima do peso, com a barba mal feita, com olheiras, de modo que nem mesmo os integrantes da banda o reconheceram de primeira. A presença dele desapontou os antigos amigos, pois não era mais o antigo Syd que estava ali. Gilmour canta a última estrofe. Agora, o sonhador, visionário e pintor, se recolhe em sua própria sombra, sendo ocasionalmente exposto a luz (do estrelato) até ser esquecido de vez de tal forma que ninguém saberá mais onde ele está. Resta o apelo da banda para que Syd saia do anonimato e brilhe mais uma vez.

Eloy - Ocean

2011-12-02T15:00:00.000-02:00

1977 / Space Rock / Alemanha
Frank Bornemann: vocal, guitarra
Klaus-Peter Matziol: vocal, baixo
Detlev Schmidtchen: teclados, vozes
Jürgen Rosenthal: bateria, flauta

Avaliação: 9,0

Sexto álbum de estúdio da banda. É um álbum conceitual sobre a destruição da Ilha de Atlântida segundo o contexto da mitologia grega. A sequência das faixas seguem a ordem cronológica dos acontecimentos em Atlântida: desde sua criação a sua destruição.

A capa do álbum traz a imagem do rei Atlas sem cabeça e com parte de seu peitoral estraçalhado. Acima de seu corpo é formada a imagem do universo a partir de fragmentos do rei de Atlântida. Há várias interpretações possíveis sobre a arte. A minha é a de que Atlas foi consumido por sua própria ambição de tomar o universo para si.

Em 1998, a banda lançaria a continuação desse álbum intitulada "Ocean 2: The Answer".

1. Poseidon's Creation (11:42)
Bornemann conta sobre o nascimento de Poseidon. Cronos, divindade suprema da 2ª Geração de deuses da Mitologia Grega, casou-se com sua irmã Réia, com quem teve 6 filhos, dentre eles Poseidon e Zeus. Com receio de ser destronado, Cronos engolia todos os seus filhos. Réia, no entanto, conseguiu salvar Zeus, enrolando uma pedra num pano, fazendo Cronos engolir a pedra ao invés de Zeus. Posteriormente, Métis, filha do titã Oceano, ajudou Zeus, levando uma poção mágica à Cronos que o fez vomitar todos os filhos que havia engolido. Poseidon "renasce". Cronos reuniu os titãs e iniciou uma guerra contra Zeus e os deuses olímpicos, que ficou conhecida como Titanomaquia. Zeus e os outros deuses venceram e aprisionaram os titãs. Assim, Zeus tornou-se divindade suprema da 3ª Geração e deu início à partilha do universo. Zeus ficou com os céus e Poseidon com os oceanos, incluindo o reino de Atlântida, uma próspera e bela ilha localizada em frente às "Colunas de Hércules" (Pillars of Herakles), onde terminava o Mar Mediterrâneo e começava o Oceano Atlântico. Em Atlântida, havia uma bela mulher órfã que encantou Poseidon. Ela se chamava Clito (Kleito). Poseidon ergueu muralhas para coabitar com Clito. Ambos tiveram 10 filhos, sendo o mais velho conhecido como Atlas. Poseidon então dividiu Atlântida em 10 áreas circulares e concedeu a Atlas a supremacia sobre a ilha.
2. Incarnation of the Logos (8:26)
Bornemann traça uma breve trajetória da gênese de tudo até o relacionamento dos deuses que originaram os humanos. Os homens então descobrem que não estão sozinhos. Eles se juntam em tribos e se enfrentam em busca do poder. Com isso, os fracos são reprimidos pela violência dos mais fortes. Assim os deuses assistem ao "progresso" dos humanos.
3. Decay of the Logos (8:18)
Bornemann conta sobre Atlas, primeiro rei de Atlântida. Sob seu comando, o reino viveu momentos de prosperidade e acúmulo de riquezas. No entanto, a busca por mais riquezas desencadeou uma expansão materialista pelo Mediterrâneo. Atlas conquistou diversos povos e os escravizou com seu poder e violência. A ambição desmedida do filho de Poseidon preocupou os atlantes, que já não vislumbravam o progresso de outrora e temiam a fúria dos deuses.
4. Atlantis' Agony at June 5th - 8498, 13 p.m. Gregorian Earthtime (15:41)
Os deuses então decidiram. Ao observarem alguém se rebelando contra suas vontades, eles devem olhar para os rebeladores como Hathor (deusa egípcia da criação) e com os olhos de Rá (deus egípcio do sol) para então condená-los com desastres. O "míssil divino", a materialização da fúria dos deuses, é guiado por 4 "inteligências da zona em volta da terra" (em referência à Franz Bardon, autor do livro The Practice of Magical Evocation), as quais seriam testemunhas da destruição de Atlântida. São elas: Emnasut, Primeiro Gênio da Esfera do Sol; Gomah, Primeiro Gênio da Esfera de Venus; Ebvap, Primeiro Gênio da Esfera da Lua; e Aschmunadai, Primeiro Gênio da Esfera da Terra. Através dessas inteligências, todos os segredos acerca da história de Atlântida seriam revelados em breve. Bornemann previu que isso aconteceria entre 1983 e 1988. Com a condenação dos deuses, os atlantes se tornaram partículas nascidas e perdidas no oceano. Nota: A conjunção de Terra - Lua - Vênus causou a deflexão de um planetóide na direção da Terra. Sua queda foi projetada no Oceano Atlântico às 13h de 5 de junho de 8.498 a.C. Essa data marcou a destruição de Atlântida e ficou conhecida como o "dia zero" no calendário Maia. MUCK, Otto. "O Fim da Atlântida". 1976, São Paulo. fls 640/655.