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Lulu: Metallica, Lou Reed y una prostituta

2012-01-24T20:30:00.000-08:00

Cuando se me vino la idea de tener un blog siempre fue con la idea de escribir desde la perspectiva de un fan y no de un crítico. Escribo de la gente que admira y de la que casi no reprocho, aun así me gane algunas críticas por eso. Este post sí va a tener algo de crítica porque va a ser acerca del último proyecto de una banda preferidas el cual ha sido muy criticado por un gran sector de la prensa especializada y de los fans. Me refiero al disco que nació de la colaboración entre Metallica y Lou Reed llamado Lulu.

Metallica y Lou Reed? Desde ahí la cosa ya es extraña y efectivamente el resultado lo fue. Cuando uno escucha el disco se puede notar que toda la sección temática y vocal le pertenece a Reed y la musicalización de la historia le pertenece a Metallica. Se criticó mucho el canto de Lou Reed porque la voz parece para otro tipo de música y viceversa y en parte es cierto pero eso no lo tiene que hacer necesariamente malo. El disco es un experimento, un riesgo hecho por un artista que siempre los tomo y por una banda que de vez en cuando saca el dedo del medio a la gente y dicen "vamos a hacer lo que nos da la gana" (Load).

Lulu es un disco conceptual que trata acerca de una prostituta. Esta prostituta lleva una vida sordida en el que usa a los hombres para su placer hasta puntos sadomasoquistas y para, obviamente, obtener dinero. En el disco las canciones se separan entre las cantadas desde el punto de vista de la prostituta y el resto cantado desde el punto de vista de los hombres que la desean y que tontamente se llegan a enamorar de ella.

De arranque escuchar a Metallica dentro de una temática como esta ya es extraño, pero más extraño es cuando uno se pone a escuchar bien las letras. "I'm your little girl, spit into my mouth" o "Little doggie face to a cold hearted pussy, you could have a taste". Este tipo de letras demuestran que estaban dispuesto en confiar en Lou Reed y en que no iba a hacer un intento ridículo de parecer artísticos porque sí. Lamentablemente esta es la opinión que muchos han tenido.

Un ejemplo es la canción "Pumping Blood", a mi parecer una de las más extañas del disco por su estructura pero principalmente por las letras y la forma en que Lou Reed las interpreta. La canción presenta un lado oscuro de la personalidad de Lulu (asumiendo que ese es el nombre de la prostituta) mostrando la fascinación que sienta con la idea de cortarse y sangrar. Se entiedne que es una fantasia porque habla en condicional pero demuestra hasta donde puede llegar para satisfacer las fantasias de un cliente o de ella misma.

Pumping Blood by Lou Reed & Metallica on Grooveshark

"If I'm pumping blood like a common state worker,
If I waggle my ass like a dark prostitute, wuld you think less of me?"

En un momento fantasea con la idea de Jack el Destripador y como se entregaría a él.

"Oh Jack, Jack, Jack, I beseech you. Supreme violation!"

Pero el punto más extraño es cuando dice "I will swallow your sharpest cutter like a colored man's dick". No hay límites para Lou Reed, él quiere sórdido y va a dar sórdido. Me imagino a Hetfield pensando que felizmente no le tocó a él cantar esa parte.

En lo musical encuentro un par de problemas y cuando digo problemas no quiero decir que haga que el disco sea malo. Hace años cuando sacaron el disco "St. Anger" se notó la falta de solos de guitarras y eso molestó a mucha gente. Cómo iban a desperdiciar a Kirk Hammett de esa manera? Para el siguiente disco "Death Magnetic" se dieron cuenta del error y volvieron los solos pero en esta oportunidad, en Lulu, a Hammett casi no se le siente otra vez.

El otro problema, que se nota mayormente en la canción "Dragon", la cual voy a poner a continuación, es que cada canción, musicalmente, es muy repetitiva. El riff principal se repite una y otra vez lo cual hace sentir que el rol de Metallica era crear una música de fondo para las letras de Lou Reed sin agregar un mayor valor. En el video se nota de forma muy clara.

Volviendo a la lírica, la canción "Dragon", fuera de sus limitaciones musicales que mencioné más adelante, es una de mis preferidas y principalmente por la letra y la interpetación que le da Lou Reed. Como escribía más arriba, parte de las canciones toman el lado de los hombres obsesionados con Lulu. En "Dragon" se representa el reproche, el resentimiento que sienten ls hombres que, aun así habiendo pagado, cometieron el error de enamorarse u obsesionarse con Lulu y que luego fueron usados por ella. Lou Reed canta en representación de todos ellos y dice cosas que cualquier hombre ha querido decirle en algún momento a una mujer.

"We were meant to be peons,
we were meant to be servants,
meant to be dissmisible objects one fucks with"

Una frase que me gusta mucho es "the one who rejects you is the winner". Eso dice mucho de algunas mujeres peligrosas por ahí. Contenidos como este no es algo que se escucha en discos de Metallica o en algo que Metallica esté involucrado. Lou Reed tiene la capacidad de comunicar ideas y sentimientos de formas muy sutiles y simbólicas como también de forma muy directa y agresiva. Que estas dos fuerzas se hayan juntado y hayan dado una obra incomprendida, al final de cuentas, puede ser algo bueno porque demuestra que todavía quedan artistas que quieren arriesgar y aceptan que no siempre van a gustar. Personalmente aplaudo el atrevimiento.

About Schmidt: ..... Dear Ndugu

2011-11-28T18:15:00.001-08:00

Hay veces en que la unión de un director y un actor parece haber ido hecha por una fuerza superior que quería que el mundo viera un gran trabajo y una obra maestra. No hablo necesariamente de grandes asosiaciones como las super conocidas de Scorsese y De Niro o Scorsese y Di Caprio, sino de esas fugaces como la de hace tres años de Mickey Rourke y Darren Aronofsky para "The Fighter" o como la de Alexander Payne y Jack Nicholson para "About Schmidt", cinta de la cual escribiré en esta oportunidad.

Alexander Payne es uno de mis directores preferidos. Solo tiene 5 cintas filmadas (la última, "The Descendants", con George Clooney fue estrenada hace pocas semans y apunta a arrasar con los premios) y ya se ha posiconado entre los mejores de ese grupo de directores independientes salidos en los noventa como Solondz, PT Anderson, Wes Anderson, Jonze, etc. que comenzaron trabajando 100% de forma independiente haciendo películas pequeñas y que con el tiempo pudieron llegar a esa posición privilegiada de agarrar millones de los grandes studios y poder seguir haciendo lo que quieren. Me gusta Payne porque tiene esa mirada económica que aprecio. No mueve casi nada la cámara, cubre bién sus escenas y deja que el diálogo y sus actores lleven la historia. No es de los directores que dirigen de tal forma que con cada decisión que toman pareciera que quisieran ponese frente a la cámara y decir miren que loco dirijo. Para algunas personas que conozco su cine se hace un poco lento, aburrido y siendo todas sus películas parte drama y parte comedia ("dramedy") siempre escucho la queja de que no dan nada de risa. Bueno, a mi sí, a mi me han hecho reir y me han hecho llorar, como fue en el caso de "About Schmidt".

"About Schmidt" trata acerca de Warren Schmidt, un hombre en sus casi 70 años y del momento en que vida cambia para siempre. Schmidt es interpretado por Jack Nicholson en lo que podría ser la mejor actuación de su carrera, interpretando un personaje completamente opuesto a su figura pública y lo que la gente cree saber de él. La cinta comienza con Schmidt recién jubilado y de como vive tranquilamente con su esposa. Su vida cambia cuando su esposa muere repentinamente y decide acercarse de nuevo a su hija con la cual ha estado un poco distanciado y que quiere salvar de cometer el error de casarse con un perfecto imbécil. Con el estilo de Payne las situaciones se desarrollan entre la tragedia y la comedia de una forma natural y efectiva.

Siguiendo con la trama de la cinta, a lo largo de la historia Schmidt, por un acto de caridad, le escribe cartas a un niño de Africa llamado Ndugu enviándole un poco de dinero en un sobre. Schmidt usa estas cartas para quejarse y desahogarse de todas las cosas que le molestan de la vida como lo insoportable que se ha vuelto su esposa, de la persona a la cual le dieron su puesto en la empresa donde trabajaba después de jubilado, de como le molesta envejecer, etc. Esas cartas son el recurso que utiliza Alexander Payne para hacernos conocer más a fondo a su personaje ya que escuchamos en off la mente de Schmidt hablando lo que escribe. La comedia en este caso nace de la desesperación que siente Schmidt por desahogarse que lo lleva al punto de aprovechar la carta que le escribe a un niño africano para lanzar todas sus penas acerca de un tipo de vida que el pequeño Ndugu no va a entender. Se puede notar también como la música de la escena impone el tono cómico de forma clara. En el cine de Payne la comedia nace de la frustración y la decepción, muestra que la vida es agridulce.

Schmidt viaja en su trailer por EEUU para buscar a su hija y pedirle que no se case con el idiota del novio. Inevitablemente se queda de huesped en la casa de la familia política de su hija y se encuentra con una familia disfuncional, maleducada y sencillamente extraña. Acá se puede notar como la comedia nace ahora de la incomodidad y el ojo de la cámara se vuelve complice de Schmidt mostrando a esta familia como seres raros pero sin llegar al punto de caricaturizarlos. El siguiente clip es un ejemplo de la extrañeza y la incomodidad que estos seres transmiten a Schmidt y al espectador.

Todo esto no significa que la cinta no tenga una cara seria y dramática que es la que contiene los temas de la cinta y las reflexiones que salen de ella.Warren Schmidt es un hombre muy triste y que se siente muy solo. Siente que no ha logrado nada significativo en la vida y que es un perdedor. En una de las últimas cartas que Schmidt le escribe a Ndugu este le dice "I'm weak... and I'm a failure" cuando se da cuenta que ha fracasado en su intento de salvar a su hija de casarse y entrar a esa familia de locos. Para Schmidt eso ya es tocar fondo, es no tener control de nada, que la vida le pasó y siempre le pasará por encima. Schmidt se pregunta en un momento que diferencia a hecho en el mundo y si su vida tuvo alguna relevancia para alguien y llega a la conclusión de que no.

El punto es que se equivoca, sí marcó alguna diferencia y sí afectó de forma positiva a la vida de alguien, se había olvidado de su amigo Ndugu. Acá se muestra a Jack Nicholson como nunca antes se le había visto en pantalla.

Warren Schmidt se da cuenta que hay alguien en el mundo que se preocupa por él y que quiere que sea feliz y como se nota en el final de la cinta, eso lo afecta de una manera muy profunda lo cual afecta al espectador también, por lo menos así es en mi caso. El último plano de la cinta con la cara de Nicholson llorando emocionado y sonriendo con esperanza es uno de los momentos más poderosos y emocionantes que había visto hasta el momento en una sala de cine. Payne demostró que con solo un primer plano quieto y un gran actor se puede conmover.

Me gustan las películas que te hacen reir y llorar y "About Schmidt" me hizo hacer las dos cosas. Para mi es el tipo de cine humano que te muestra la vida tal como es, con altos y bajos, felicidad y tristesa. Es el tipo de cine con el que uno se identifica y reflexiona y que al final sacas algo bueno después de haberla visto. Los cuestionamientos que se hace Warren Schmidt acerca del significado de la vida y de la insignificancia de uno con respecto al mundo son cuestionamientos que uno se hace por lo menos alguna vez en la vida y al igual que él uno aprende que la vida no es solo lo bueno y lo malo que te puede pasar a ti sino lo bueno y lo malo que uno lanza hacia el mundo osea hacia los demás. Todos podemos encontrar a nuestro propio Ndugu.

Peter Gabriel IV: sonidos del mundo con Peter Gabriel

2011-11-14T19:27:00.001-08:00

Me da pena que tan poca gente de mi edad sepa quien es Peter Gabriel. Uno lo menciona y recibe respuesta como "ah sí, creo que sé quien es" o "sí, pero nunca he escuchado". Para mi Peter Gabriel es uno de los pocos músicos que uno puede decir que es único. Desde sus tiempos en Genesis, Gabriel demostró que se diferenciaría del resto, llegando al punto en que no podía ser más miembro de una banda y se separó después de la gira del disco conceptual "The Lamb Lies Down on Broadway" para ser el propio dueño de su destino aristico, tener su propia voz. Gabriel ha pasado por varios géneros, en el rock pasó por los subgéneros del rock progresivo junto con Genesis y el new wave, luego incursionó en el pop y en lo que se llama el "world beat" o "world music" para luego experimentar con sonidos electrónicos y piezas orquestales. El tema de este post es el cuarto disco de Peter Gabriel.

Cuá es el nombre de este disco? No tiene. Para Peter Gabriel los nombres de los discos no siginificaban mucho ni aportaban nada al producto final. Sus cuatro primeros discos no tienen nombre por lo que son conocidos sencillamente como I, II, III y IV. Para este cuarto disco Peter Gabriel ya había salido de la relativa oscuridad en la que estaba al separarse de Genesis ya que, aun así siendo el ex vocalista de una banda reconocida, tuvo que empezar su carrera basicamente desde cero. Su tercer disco tuvo un sonido relativamente comercial lo cual elevó su popularidad y le dio libertad de experimentar con sonidos que no mucha gente tenía en esa época. Para el cuarto disco dejó salir, a mi parecer, su lado más creativo y curioso, exploró temáticas que un rock star no suele tocar y texturas muy interesantes, dando un album único, elaborado y sobretodo difícil.

El disco consta de 8 canciones que tocan temas poco usuales dentro del mainstream de la época (inicios de los 80s). A Peter Gabriel le interesaba explorar culturales diferentes a la occidental y anglosajona y a su vez tocar temas políticos y sociales. Es por eso que en este disco dedica canciones a tocar temas como la situación de presos políticos en dictaduras en el mundo ("Wallflower") o habla de la experiencia que sintió Carl Jung al ver una tribu africana tocar su música típica en Sudan. Esta canción se llama "The Rhythm of the Heat", una de mis preferidas del disco. Gabriel la canta en un tono misterioso para jalarte poco a poco a los ditintos momentos de la canción para terminar con un conjunto de tambores africanos que opacan los demás intrumentos y hace terminar la canción en un pico de energía. La canción transmite un misticismo y una devoción hacia lo la experiencia nueva, al dejarse llevar por ritmos ancestrales que nada tienen que ver con nuestras vidas.

"Self-conscious, uncertain
I'm showered with the dust.
The spirit enters into me
and I submit to trust."

Otra canción destacada que continua con esta exploración hacia otras culturas es "San Jacinto". Un dia conversando con un nativo americano, Peter Gabriel aprendió acerca de una tradición nativa en que, para que uno sea considerado un hombre de verdad, a los 14 años tienes que pasar por ua prueba de vida el cual consiste en dejarse morder por una serpiente cascabel en un punto del desierto y lograr regresar bajo tus propios medios a la tribu. La letra de la canción va narrando la experiencia desde que sale de la tribu, va entrando al desierto y pasa por el calvario de sobrevivir al veneno de la serpiente. Peter Gabriel aprovecha para criticar el menosprecio que se siente por la cultura nativa en norteamerica.

"I hold the line, the line of strenght that pulls me through the fear.

San Jacinto, I hold the line.

San Jacinto, the poison bites and darkness take my sight.

I hold the line:"

Es interesante escuchar como Gabriel utiliza la tecnología para componer una canción que toca temas de culturales ancestrales. Casi toda la canción está tocada con sintetizadores y loops, intrumentos y sonidos los cuales Peter Gabriel usaría a lo largo de su carrera.

Ahora un poco de pop. Se que pop es una plabra no muy querida por muchos pero hay saber diferenciar lo que es pop de industria, de fórmula y pop bien hecho, con propuesta, pop que se podría llamar de autor. Peter Gabriel hizo canciones pop en los 80s y 90s pero lo hizo porque quería experimentar con ritmos y la tecnología de la época los cuales eran los sintetizadores que llenaron muchas canciones en los 80s. En la canción "Shock the Monkey" se puede sentir esa propuesta y su diferenciación aun así se haya escuchado en discotecas de todo el mundo. Además el video musical mostraba un lado oscuro de Peter Gabriel lo cual no va mucho con la imagen de una canción pop.

El disco termina de forma alegre, tan alegre que Peter Gabriel quiere que dejes tus cosas y te pongas a bailar. En "Kiss of Life" Gabriel introduce ritmos latinos al disco y lo deja en una nota alegre habiendo tenido este un tono serio, solemne y de cierta forma apagado. Es gracioso averiguar de que trata la letra ya que uno descubre que la letra trata acerca de la técnica de reanimación RPC por lo que el nombre "Kiss of Life" agarra mucho sentido.

"Down at the ocean lies a body in the sand.

Big woman sits beside, hands in head.

With heat from her skin and fire from her breath

she blows hard, she blows deep in the mouth of dead."

Este fue el primer disco que tuve de Peter Gabriel solista y me dejó muy impresionado. Me sorprendió la actitud de "cero límites" con el cual enfoca sus trabajos. Para Gabriel no hay ritmo ni sonido que esté prohibido o que no le pueda ir a su música. El cuarto disco de Peter Gabriel representa la curiosidad del artista que quiere ir más allá de lo que su cultura le manda, que quiere conocer, experimentar, sentir lo que sienten otras personas y otras culturas. Al escuchar el disco pensé automaticamente que este hombre es diferente y que profundizar en su carrera me iba a permitir conocer estilos que en muchos otros artistas no iba a poder conocer. Uno se puede hacer un favor y darse el tiempo de descubrir tremenda música.

Do the Right Thing: intolerancia y racismo con Spike Lee

2011-10-25T22:10:00.000-07:00

Hace unos meses escribí acerca de la cinta "25th Hour" (La Hora 25), película del año 2002 dirigida por Spike Lee. Si mal no recuerdo puse que esa cinta es, a mi parecer, la mejor de Lee. Tengo que decir que hay una cinta que puede que esté muy cerca, casi empatada de ser la mejor cinta de Lee y esa es "Do the Right Thing" del año 1989.

Para ese año Spike Lee solo había dirigido dos cintas: "She's Gotta Have It" (1986) y "School Daze" (1988). En esas películas Lee demostró por un lado un estilo muy peculiar y por otro lado el tema de la condición de los afroamericanos en Estados Unidos. Aun así nadie se imagino que este joven realizador iba a golpear fuerte con su tercera obra, una cinta que marcó una época, que impuso un estilo propio y que mostró de una forma muy sincera y cruda una realidad que se da en EEUU y en cualquier parte del mundo que es el de la tensión racial y como esta nos puede afectar a todos.

La cinta es protagonizada por el mismo Spike Lee, John Tutrurro, Danny Aiello, Ossie Davis, Samuel L. Jackson y Martin Lawrence, entre otros ya que esta es una cinta de las llamadas "coral" ya que tienen muchos personajes y aun así hayan algunas más protagonicos que otros, las escenas van asaltando hacia cada uno de ellos en varios momentos de la cinta.

"Do the Right Thing" te muestra un dia de verano en una cuadra en el barrio de Bed-Stuy en Brooklyn, New York. Es un barrio de mayoría afroamericana pero donde también conviven, en una clara minoría, latinos, asiáticos e italoamericanos. La cinta sigue principalmente a dos personajes: Sal, interpretado por Danny Aiello, y Mookie, interpretado por el director de la cinta Spike Lee. Sal es el dueño de una pizzería que maneja junto a sus dos hijos y que tiene de empleado a Mookie como repartidor. Alrededor de ellos viven muchos personajes más que vamos conociendo poco a poco y que viene a ser símbolos de muchos problemas que tiene nuestra sociedad como el ser joven sin trabajo, el ser intolerante hacia la gente distinta que uno, etc.

Como les decía, Spike Lee es un director con un estilo muy particular. Lee no tiene miedo de utilizar todo tipo de ecurso audiovisual y de puesta en escena para para explotar al máxima una escena o una idea que quiere plasmar en pantalla. En el cine de Lee uno ve close ups casi deformantes gracias a los lentes gran angular, planos aberrantes (los cuales se van a poder ver en clips más adelante) y hasta se manda romper la cuarta pared, esa pared invisible que separa al espectador de la narración. En una secuencia muy importante de la cinta se puede ver eso.

La secuencia es importante porque muestra la originalidad de Spike Lee para plantear de forma más clara y directa para el espectador la rabia e intolerancia que sienten los personajes al ponerlos a hablar hacia la cámara, notando como la primera mitad del clip se filma de forma más convencional. Por otro lado se muestra la tensión racial que existe en ese lugar y te convence que lo que estamos viendo es una bomba de tiempo a punto de estallar.

Spike Lee suele mover mucho la cámara y es conocido por tener un estilo de edición muy dinámico. Aun así, cuando la escena lo amerita, toma decisiones distintas como filmar una escena en un plano secuencia, osea sin cortes. El plano secuencia sumado a la forma que musicalizan la escena con jazz hace que la tensión vaya aumenando poco a poco. Esta escena es una de mis preferidas.

Volvamos al argumento. Como les contaba, la cinta trancurre en un día en una cuadra del barrio de Bed-Stuy en Brooklyn, New York. Sal, el dueño de la pizzeria donde trabaja Mookie, tiene una pared donde pone fotos de italoamericanos famosos. Un dia, un chico buscapleitos del barrio apodado Buggin' Out le recrimina a Sal el por qué no tiene fotos de afroamericanos en la pared, la situación se calienta y Buggin' Out inicia un intento de boycott contra Sal y su local.

A lo largo de la cinta uno va viendo como la tensión va creciendo mientras el día va acabando. Lo que parecía ser una anécdota se convierte en una situación peligrosa cuando Buggin' Out y Radio Raheem, miembro un poco violento del barrio que se caracteriza por llevar consigo siempre una radio escuchando rap, van a cerrarle el local a Sal hasta que ponga fotos de afroamericanos famosos en la pared. Es en esta escena donde la burbuja explota y donde los personajes van hacia un punto del cual no pueden regresar. Empieza una lucha fisica entre italianos y negros que obliga una intervención policial la cual muestra la brutalidad de estos al matar a Radio Raheem. Esto genera la ira del barrio que se desahoga en Sal y sus hijos haciendo que Mookie le de la espalda al hombre que le dio empleo por varios años. Basta un simple grito "HATE!" (ODIO!) para que se desate el infierno.

Noten los planos aberrantes, la edición y la forma en que algunas personajes actuan con la cámara para que se den cuenta de como Spike Lee utiliza el lenguaje cinematográfico para dar la sensación de caos y tensión.

La secuencia es larga por lo que está cortada en dos clips, vale la pena verla completa.

Cuando veo esta cinta no puedo evitar sentir una indignación muy grande y admito que la primera vez que la vi salió una lágrima a causa de esa indignación e impotencia de ver una imágen de intolerancia y odio tan fuerte como la que se puede ver en los dos últimos clips. Un momento patético, que se ve en el último clip, en que uno de los mayores del barrio, luego de haber quemado el local de Sal, quiere ir a hacer lo mismo donde el koreano bodeguero que nada tenía que ver en el asunto. El koreano le desesperado le grita "I'm black, me and you the same" ("Soy negro, tú y yo lo mismo") lo cual hace que se rian y lo dejen de paz de pura pena.

Esta es una cinta que te deja pensando mucho, por lo menos a mi me dejo así. Quién tuvo la culpa? Hay bueno y malos en esta historia? Acaso Buggin' Out no inicio todo tratando de cerrar la pizzeria de Sal? Se pudo haber evitado la muerte de Radio Raheem viendo que el mismo estuvo apunto de matar a Sal? Spike Lee pudo haber hecho que en la cinta todos los afroamericanos sean unas pobres víctimas de los blancos como se puede ver en otras películas primarias y complacientes. Lee no solo ve la paja en el ojo ajeno y aunque parezca a simple vista que esta es una cinta reivindicatoria hacia la comunidad afroamericana, a mi parecer no lo es. Lee quizo mostrar lo que pasaba y lo que se sufría en su comunidad pero a la vez quizo dejar un ejemplo de lo que NO se debe hacer. Acá todos son culpables. Para ver lo horrible del racismo no es necesario mostrar víctimas y victimarios, se muestra de forma más real cuando les abres los ojos a las personas y les haces ver que el racismo puede darse hacia todas las direcciones y que al final todos pierden. Todos pueden ver esta película y aprender una lección.

Como extra comparto con ustedes el videclip de "Fight the Power" de Public Enemy con el genial Flavor Flav del soundtrack de la película, dirigido también por Spike Lee.

2112: ciencia ficción de Rush

2011-10-08T10:59:00.000-07:00

La banda de culto más popular del mundo. Así se le define a la banda canadiense Rush, banda con más de 35 años de vida, que ha tenido muchos picos en su carrera siendo uno de estos el disco "2112" del año 1976, disco del que escribiré en esta oportunidad.

Rush es una banda especial por muchas razones. Músicalmente tiene a unos de los mejores músicos de la historia del rock dentro de su propio instrumento. Alex Lifeson en la guitarra, Geddy Lee en el bajo y la voz y en la batería tenemos al grande, al maestro Neil Peart. Musicalmente, durante los 70s, estaba en el punto medio entre dos estilos, el hard rock y el rock progresivo. El atractivo de Rush era que te daba la fuerza y los riffs a lo Black Sabbath o Led Zepellin y te daba la complejidad de bandas progresivas como Genesis y Yes. Temáticamente era una banda que en los 70s, y más aún en el disco "2112", se orientaba mucho por la ciencia ficción y la filosofía por lo que siempre, en el ambiente del rock, se ha dicho de forma bromista que los fans de Rush son los "lornas" del rock, los "trekkies" haciendo referencia a como se les llama a los fans de la saga Star Trek.

Vayamos al album en mención. "2112" es un disco que contiene una pieza épica de 20 minutos llamada también "2112" que en el LP ocupada todo un lado. La segunda mitad del disco está compuesta por cinco canciones más cortas y sencillas pero que demostraron en el momento que Rush también podía hacer canciones un poco más comerciales. El album salió en un momento en que la banda estaba apunto de perder el contrato con Atlantic Records dado que su disco anterior "Caress of Steel" fue un fracaso comercial y de crítica. La discográfica los presionaba para que hagan un disco comercial para subir las ventas y lo que hicieron al final, en un acto de rebeldía, fue sacar un disco con una canción de 20 minutos de ciencia ficción partida en siete secciones. La discográfica entró en pánico pero "2112" logró conectarse con el público y fue ahí donde Rush inició su camino a convertirse en una banda de culto y a crear una fanaticada fiel.

¿Por qué conectó tanto con el público una canción de 20 minutos que cuenta una historia? Se dice que fue por la historia misma. La letra, escrita por el baterista Neil Peart (encargado de escribir todas las letras hasta hoy), cuenta una historia situada en el año 2112 en el que los pocos humanos que quedan sobre la Tierra son dominados por una raza alienígena que forma la Red Star of the Solar Federation que han reprimido todo impulso creativo e intento de individualidad imponiendo una igualdad de pensamiento totalitaria. El protagonista de la historia es un joven que intenta de forma muy ingenua romper el orden establecido (mayor detalle más adelante). La rebeldía que representaba la canción y el personaje hizo que muchos jovenes se identificaran con la idea de no ser comprendido y de querer levantarse contra la autoridad, llamese padres, colegio, gobierno, etc. Peart fue inspirado por la obra de la escritora Ayn Rand la cual parte de su filosofía apuntaba a los derechos del individuo a diferenciarse del colectivo y que las decisiones de uno tenían que ser de alguna forma "egoístas" hacia el resto. Ciencia ficción y filosofía, ahora ya saben porque se les les considera "lornas" a los fans de Rush.

Creo que la forma más sencilla de escribir acerca de esta canción es partiendo sección por sección. Por suerte Youtube lo tiene partido así también, aunque obviamente es muy recomendable escucharlo todo de golpe. La primera parte se llama "Overture", es una pieza instrumental de más de cuatro minutos de puro hard rock. Podemos apreciar diversos cambios de ritmo, solos de guitarra de Lifeson y en general la potencia que tenía Rush en ese momento de carrera.

La segunda parte, llamada "The Temples of Syrinx", presenta a los villanos de la hisotoria, los sacerdotes y líderes de la galaxia que domina a varios planetas incluia la Tierra. Geddy Lee canta de una manera muy agresiva la letra que muestra como es esta opresión a la cual someten a los pocos hombres que quedan.

"We've taken care of everything,

the words you hear, the songs you sing,

the pictures that give pleasure to your eyes."

La tercera parte es una obra de arte. Se llama "Discovery" y cuenta el momento en el que el héroe de la historia descubre dentro de una cueva detrás de una catarata un intrumento antiguo que cuando tocas sus cuerdas hace un sonido muy peculiar.

"What can this strange device be?,

when I touch it gaves forth a sound,

it have wires that vibrate and give music,

what can this thing be that I found?"

La ingenuidad del personaje lo hace pensar que ese descubrimiento es una gran novedad y que los sacerdotes recibirán este descubrimiento con los brazos abiertos.... pobre iluso.

"I can't wait to show this new wonder,

the people will all see it's light,

let them all make their own music,

Priests praise my name on this night".

Toda esta sección esta compuesta solo por la guitarra de Lifeson. La genialidad está en que al inicio Lifeson toca la guitarra como si de verdad fuera alguien que recién la está descubriendo y que poco a poco está aprendiendo todo lo que puede dar haciendo que la música se ponga cada vez más compleja. Todo acompañado del sonido de la catarata de fondo.

En la parte cuatro, "Presentation", el protagonista lleva este aparato donde los sacerdotes pensando que va a ser premiado y lo encuentra es rechazo. No solo eso sino que los sacerdotes le quitan la guitarra y la rompen, rompiendo así también su sueño de darle a la sociedad algo más profundo que permita expresarse más.

la sección está compuesta con la estructura estrofa/coro/estrofa/coro. Se puede apreciar como, tanto música como canto, define muy claramente la posición del héroe y del los sacerdotes. En la estrofa el protagonista muestra la guitarra con una voz muy dulce, inocente, ingenua, cantada magistralmente por Geddy Lee. La guitarra es melodiosa y el ritmo muy suave.

"Listen to my music,

here what it can do,

there's something here as strong as life,

I know that it will reach you".

Por otro lado los coros representan a los sacerdotes. Geddy Lee cambia en un segundo su voz y se vuelve agresiva, déspota y la música se vuelve pesada.

"Yes, we know, it's nothing new,

it's just a waste of time,

we have no need for ancient ways,

the world is doing fine".

La quinta parte es llamada "Oracle: The Dream". Esta formada por un sueño que tiene el protagonista en el que un oráculo lo lleva a un planeta lejano donde ve como otros hombres que pudieron escapar de la Red Star of the Solar Federation viven en armonía y en un ambiente donde se pueden expresar de diversas formas.

Esto nos lleva a la sexta parte llamada "Soliloquy" en el que nuestro héroe ha pasado dias metido dentro de la cueva donde encontró la guitarra, deprimido por conocer a través de su sueño una realidad que nunca va a ser la suya. Cantado de forma muy intensa por Geddy Lee, la historia llega a su climax cuando el protagonista se suicida cortandose las venas y muriendo dentro de la cueva. Rush se da el lujo de meterle tragedia a sus discos.

"Just think of what my life might be,

in the world that I have seen,

I don't think I can carry on,

carry on in this cold and empty life."

La última parte de la canción "The Grand Finale" termina con una sección instrumental de nuevo de hard rock clásico mostrándo la potencia de la banda y los riffs de guitarra de Lifeson que de todas maneras sirvió de influencia para bandas como Metallica. También termina con un toque de ironía ya que después de escuchar como el héroe se ha suicidado porque no ve forma de escapar de su triste realidad, se puede escuchar una voz que dice que la Federación está siendo conquistada por una civilización mucho mejor.

El disco tiene otras canciones buenas como "Tear" y "A Passage to Bangkok" pero el atractivo y lo que le da la denomicación de disco conceptual es la canción del mismo nombre.

Rush le dio la espalda a su discográfica y le abrió los brazos al público mientras fueron fieles a ellos mismos. Eso es una banda con integridad y una banda con una propuesta y algo que decir. A Rush nunca le importó seguir la moda o imponerla, es una banda que nunca va a estar entre las bandas preferidas clásicas de cualquier persona como los Beatles o Led Zepellin. Obviamente sin desmerecer esas bandas, pero es muy divertido encontrar bandas clásicas que no han sido tan escuchadas, analizadas y explicadas. Es cool decir escucho Led Zepellin pero no es cool decir escucho Rush, que chucha. Que viva el rock "lorna".

A Clockwork Orange: la naranja cumple 40 años

2011-09-24T18:23:00.000-07:00

Hace unos dias me percaté navegando en internet (odio esa expresión) que "A Clockwork Orange" (1971) o, en español, "La Naranja Mecánica", cumplía 40 años de ser estrenada. Como todos seguro saben esta obra maestra fue escrita y dirigida por el genio Stanley Kubrick, el cual estaba en la etapa más creativa de su carrera y con mayores ganas de crear polémica y sí que la creó. A Clockwork Orange fue prohibida en más de un pais siendo Inglaterra el caso más representativo, es más, el mismo Kubrick fue el que pidió que se retirara de las salas en Inglaterra porque habían denuncias de "copycats", en otras palabras personas que quisieran imitar los actos vandálicos que se ven en la cinta.

La cinta, basada en la novela del mismo nombre escrita por Anthony Burgess, toca temas como la violencia y el libre albedrío planteando la pregunta ¿qué vale más, un hombre con la opción de elegir hacer el mal o reducir al hombre a no poder decidir en absoluto sus acciones? La historia transcurre en un futuro cercano en Inglaterra en el que existen pandillas juveniles muy estilizadas, por decirlo de alguna manera. Trata acerca de Alex de Large, interpretado espectacularmente por Malcolm McDowell, un delincuente juvenil fanático de Beethoven (luego se entiende porque es importante ese detalle) líder de una pandilla de desadaptados, al cual llama sus "droogs" que se dedican a salir todas las noches a cometer actos de "ultraviolencia", forma en que describen los actos vandálicos que cometen. Al inicio de la cinta se ve como Alex separa su tiempo entre estar en su casa durante el día, viviendo con sus padres los cuales ignoran las acciones de su hijo, y los crimenes que comete con su pandilla en las noches los cuales incluye golpear salvajemente a un pobre vagabundo anciano, pelarse con una pandilla rival después de que esta trata de violar a una chica, invadir la casa de una pareja golpeando al esposo y violando a la esposa delante de él. Luego más adelante en la cinta Alex es traicionado por sus "droogs" y encarcelado para ser luego sometido a una técnica que lo reduce a ser una "naranja mecánica" pero de eso se hablará más adelante.

No tengo reparos en decir que esta cinta es única. Kubrick, inspirado en el universo creado por Burgess en su libro, filmó la película de una manera muy estilizada la cual se volvería su estilo característico y que pocas personas se han atrevido a imitar. Digo imitar porque las elecciones que hace Kubrick en como filmar cada escena hizo que la cinta sea completamnete original en su época, el uso de zooms, de lentes, cámara lenta y de la música, hizo de Kubrick un referente y un iconoclasta, un adelantado para su época. Solo viendo el inicio de la película uno se da cuenta que está empezando a ver algo sin igual y entrando a un mundo despiadado.

Kubrick pudo intepretar cada descripción que Burgess hace en su libro acerca del comportamiento de los pesonajes, de la vestimenta y en general del entorno en que transcurre la historia que combina un ambiente futurista (por lo menos para inicios de los 70s) con elementos que para ese entonces eran "vintage". Todo esto lo combino con una puesta en escena que servía a la historia pero a que la vez servía al virtuosismo de Kubrick. Vean en el siguiente clip como el plano comienza cerrado y con un zoom out se va abriendo para revelar las sombras de la pandilla acercandose a un desafortunado vagabundo. Esa forma en que la cámara va mostrando por etapas los elementos de la escena es una de los tantos elementos que demuestran el estilo de la cinta.

Algo que personalmente me impacto y que se puede notar facilmente en la cinta, son los momentos en que "ya no importa" mostrar algo de forma realista. Kubrick muestra una realidad exagerada, pomposa, alocada y casi teatral. Por momentos llega al punto de mostrar escenas de forma casi paródica o burlona para el espectador como la escena mostrada a continuación en que se puede notar facilmente como usan un efecto especial cadúco que le da un toque caricaturezco a los personajes. Esa es otra razón por la que A Clockwork Orange rompió esquemas en su tiempo.

Como mencionaba más arriba, el uso de la cámara lenta y de la música son elementos importantes en el estilo de la película. Kubrick le dio un ritmo muy especial a varios momentos de la cinta combinando la cámara lenta con música de Beethoven en referencia a la fascinación que el personaje principal siente por ella. En el siguiente clip se puede apreciar como Alex al escuchar Beethoven a lo lejos saliendo de una ventana decide cometer un acto de violencia contra sus propios "droogs". La cámara lenta hace que pareciera que la música haya sido compuesta especialmente para la película cuando en verdad fue compuesta siglos antes. La combinación de todo, ritmo, música y las actuaciones vuelven a la escena casi operática.

Cuando el libro que inspiró la película se publicó, en el año 1963, no solo sorprendió por las reflexiones que hacía acerca del libre albedrío y por la descripciones de "ultraviolencia" que mostraba. Un elemento fue el lenguaje llamado "Nadsat" que Burgess inventó solo para el libro (traten de entender que dicen). El objetivo de dicho lenguaje era mostrar el propio mundo en que viven estas pandillas juveniles y los códigos ajenos al del resto de la sociedad. Se puede notar que ni un personaje adulto o que represente a la autoridad o el gobierno habla de esa manera. Alex principalmente lleva este dialecto a niveles de elegancia que hace a su personaje más contradictorio aún. Cuando habla, Alex de Large es todo un caballero. Esta escena fue la que me dejó enganchado cuando vi la película por primera vez a los 13 años. La música, la forma de hablar de Alex y la recriminada de su "droog" Dim después de ser golpeada me llevó a un mundo surrealista, de ensueño.

"Yarbles! Great bolshy yarblockos to you. I'll meet you with chain or nozh or britva anytime, not having you aiming tolchocks at me reasonless. Well, it stands to reason I won't have it."

Para mi la película cambia en el momento que Alex es traicionado por sus "droogs" y encarcelado. Todo el ambiente futurista y surrealista que se nota en las escenas en que la ultraviolencia era protagonista con las cámaras lentas, la teatralidad y los diálogos en Nadsat se ausentan casi del todo y la cinta cambia a una visión más neutral. Digo neutral porque, a mi parecer y aun así Alex sea siempre el narrador, la primera mitad es mostrada de la forma en que él ve el mundo. Cuando lo arrestan su visión es oprimida y la autoridad controla su vida por lo que se podría decir que la autoridad ahora maneja la película.

Pero no deja de haber su cuota de caricaturismo como con el personaje del jefe de guardias en la cacel donde meten a Alex que le da un toque de ligeresa a la cinta.

Ahora, volviendo a los temas de la cinta, les decía que el tema de "A Clockwork Orange" principalmente es el del libre albedrío. Alex, encarcelado, es sometido al "Tratamiento Ludovico" que consiste en forzarlo a ver puras imagenes de violencia para crear una reacción inversa a ella. Esas imagenes, por casualidad, son musicalizadas con la música de su querido Ludwig Van Beethoven, del cual es fanático, haciendo que no solo tenga rechazo físico a la violencia sino a la música de Beethoven.

Al pobre Alex le quitan lo que más le gustaba en la vida, la violencia y a su querido Ludwig Van. Es ahí donde se ve de forma más clara la relevancia de esta historia. Hasta que punto se puede deshumanizar a alguien sin importar quien sea o que haya hecho? Es mejor que hayan personas con libre albedrío y confiar en que harán el bien a volverlos mecánicos? Alex de Large era una amenaza a la sociedad y dejó víctimas a su alrededor pero luego él mismo se vuelve una víctima de la autoridad. En la cinta, Alex luego de su tratamiento es sometido a pruebas que demuestran que es incapaz de generar violencia al demostrar como no se puede defender de un ataque físico volviendolo un desprotegido.

A Clockwork Orange - Clip It Works por ohmygore

Cuando vi "A Clockwork Orange" por primera vez me impacto mucho. Me pareció una obra única que me obsesionó y me obligó a tener que verla una y otra vez. La forma en que mostraba la violencia me pareció apasionante. Como actos tan grotescos podían ser mostradas de forma tan elegante o de forma de tan surrealista. Es difícil describir que sentí cuando vi esta obra maestra, al igual que para mucho es dificil describir lo que es el cine de Kubrick. "A Clockwork Orange" confunde, fascina, te hace sentir culpable de simpatizar con alguien tan detestable como su personaje principal. Me imagino lo que debe haber sido verla cuando salió recién estrenada y no saber que esperar. Debió haber sido alucinante, que envidia.

Adore: Smashing Pumpkins ya no le canta a la juventud

2011-09-08T21:40:00.000-07:00

Año 1998, Smashing Pumpkins está en la cima del exito a tres años de haber sacado su disco doble Mellon Collie and the Infinite Sadness. Billy Corgan es una de las mayores estrellas del rock del momento, está rumbo a convertirse en una de las figuras más icónicas ddel rock de la década de los 90s. Qué decide hacer como siguiente proyecto? Un disco denso, difícil y, para muchos, deprimente. Billy Corgan decide romper con su pasado, aislarse de sus fans y experimentar con nuevos sonidos. Ese disco se llama Adore.

Cómo la estaba pasando Billy Corgan en esa época? Con escuchar el disco uno se puede dar cuenta. Corgan se acababa de divorciar, por otro lado su madre falleció de cáncer lo cual influyo on gran parte de la temática del disco. Algo muy importante también fue la expulsión del baterista Jimmy Chamberlin de la banda a causa de su adicción a la heroína, dejando a la banda como un trio con James Iha en la guitarra y D'arcy en el bajo.

Es por eso que Adore es un disco apagado y denso, como lo mencionaba en el párrafo anterior. Es un dsico que habla acerca de la pérdida, la pérdida de un ser querido, la pérdida del amor. Musicalmente es un disco completamente alejado de lo que que era el estilo Pumpkins. Lo que más se nota es la falta de batería en varias canciones, Corgan aprovecho la falta de su baterista histórico para experimentar con las pistas pregrabadas, loops y drum machines. Por otro lado la composición no siempre gira en torno a las guitarras sino en el teclado dejando a la guitarra y al bajo my al fondo de la mezcla, como acompañamiento. Todo esto hizo que el disco no gustara del todo al público juvenil rockero que estaba acosutumbrado a las guitarras distorsionadas que se vieron atrapados por este disco mitad acústico mitad eléctrónico.

Adore da canciones muy distintas entre si lo cual lo hace muy interesante. Tiene algunas pocas canciones rock/pop que sirvieron como singles como "Ava Adore", canción oscura que muestra guitarras de forma convencional pero que incluye loops de batería dándole un peso especial. "Ava Adore" es acerca de una obsesión oscura, negativo, poco sana.

"And you'll always be my whore,

'cause you're the one that I adore"

Por otro lado Adore tiene canciones casi 100% electrónicas como es el caso de "Apples + Oranges". Es una canción muy rara en la historia de la banda. Una canción sin guitarra ni bajo, lleno de teclados e impulsado por un beat pesado. Se puede entender que por canciones como esta los fans se puedan haber sentido traicionados y pensar que los Pumpkins ya no eran su banda. A mi parecer uno debe entender que un verdadero artista no va a ir repitiéndose a si mismo mil veces y para los rockeros la música electrónica es terriotorio inhóspito.

"Blank Page" puede que sea una de las canciones más bonitas que Corgan ha compuesto en su carrera. Es una canción atemporal, emotiva y evocativa. Es una canción compuesta sobre teclados en el canta acerca de un amor pasado, el vacío que ha dejado y el impuslo de buscarla otra vez. Es una canción que transmite una nostalgia muy fuerte.

"I catch the rainfall through the leaking that you have left behind,

you remind me of that leak in my soul"

Temáticamente, como lo mencionaba más ariba, Adore es un disco acerca de la pérdida. En canciones como "Crestfallen" o "Tear", Corgan le da una mirada muy triste a la balada romántica. Música y letras te transmiten una sensación de vacío, tristesa y resignación. En "Tear" la banda está acompañada por una pieza de cuerda que le dan un toque más trágico a la canción (lamentablemente Youtube ha bloqueado las versiones de studio de varias canciones del disco por lo que tengo que poner una versión en vivo que suena más rockera de lo que suena en el disco).

"Where is your heart? Where is your heart gone to?

Tear me aparte, tear me apart from you

You laugh the light, I cry the wound in gray afternoons"

A Billy Corgan la mueerte de su madre lo inspiro a escribir algunas de las canciones del disco y en definir el tono de este. "For Martha" es una canción espectacular que muestra la ambición musical de Corgan en el momento. Es una balada con toques progresivos en el que recuerda a su madre que falleció poco antes de grabar el disco y le canta acerca del eventual momento en el que encontrarán en un lugar mejor.

"If you have to go don't say goodbye,

if you have to go don't you cry,

if you have to go I will get by,

someday I'll follow you and see you on the other side"

Como siempre Billy Corgan desnuda su alma y sus sentimientos. Los Smashing Pumpkins, gracias a la sinceridad de su lider a la hora de componer, sacaron canciones que sencillamente se pueden describir como bonitas. Adore es un disco único en la trayectoria de la banda y un disco único para la época. Corgan dijo en una entrevista que ya no quería cantarle a la juventud sino que quería ser más universal, cantarle a todo el mundo y con las decisiones artísticas que tomó se aeguró de crear un disco que cualquier persona de cualquier sexo y edad pueda escuchar y apreciar. A mi me dejó impresionado a los 16 años cuando lo escuché por primera vez. Me pareció un disco mágico el cual sus texturas, melodóas y letras me hacían sentir muchas cosas a la vez, algunas indescriptibles. Si Corgan logra sacar discos como este cuando NO le quiere cantar a la juventud, entonces que no le cante nunca más.

Adaptation: sucede en las películas, sucede en la vida real

2011-08-31T20:47:00.000-07:00

Es difícil estructurar un post acerca de una película estructurada de forma tan peculiar, tanto en su narrativa como en los temas que toca. De todas formas voy a hacer el intento porque vale demasiado la pena escribir acerca de una cinta tan especial como Adaptation (2002) de Spike Jonze con el gran Nicolas Cage dando, a mi parecer, la mejor actuación de su carrera.

Para muchos Adaptation es una cinta complicada, difícil de describir, ambiciosa hasta el punto de ser pretenciosa. Para mi tiene parte de eso pero, a mi parecer, es una cinta muy sincera en los temas que toca. Más adelante ahondaré, dentro de mis posibilidades, en esos temas que van desde la soledad, la decepción, el proceso creativo, etc.

Es muy difícil explicar el argumento de la cinta sin explicar el origen de esta. Trataré de separar las cosas para hacerlo más sencillo. La cinta trata acerca de un guionista de cine llamado Charlie Kaufman que vive con su hermano gemelo Donald quien es un aspirante a guionista igual que su hermano. Charlie es inseguro, depresivo, con una muy baja imagen de si mismo, a diferencia de su hermano que es todo lo opuesto a él. A Charlie lo contratan para adaptar al cine el libro "The Orchid Thief" (El ladrón de Orquideas) de la escritora Susan Orlean (Meryl Streep) libro no narrativo que habla de sus experiencias con John Laroche (Chris Cooper), un botánico obsesionado con las orquídeas hasta el punto de robar muestras de reservas naturales para coleccionarlas. La dificultad de adaptar un libro que trata acerca de las flores, más el bloqueo creativo que sufre Charlie, lo lleva al punto de meterse a si mismo en el guión. Además, a través de flashbacks vemos a la escritora, Susan Orlean, investigando acerca de John Laroche y de como va aprendiendo ciertas lecciones de vida que luego plasma en su libro. Ya es suficientemente complicado? Todavía viene lo mejor.

Lo interesante de todo esto es que el argumento de la cinta está basado en la realidad. Charlie Kaufman , el protagonista, Susan Orlean, la escritora y el libro "The Orchid Thief" y John Laroche, el botánico existen en la vida real. La película está basada en las verdaderas experiencias de Charlie Kaufman cuando le encargaron adaptar el libro de Susan Orlean acerca de John Laroche y sus orquídeas. Kaufman viviendo un verdadero bloqueo creativo decidió como recurso meterse a si mismo en su guión lo cual transforma la cinta en una suerte de doble realidad. En su guión, Kaufman hace muchas cosas, aprovechó para burlarse de si mismo y de sus inseguridades. Por otro lado también critica a la industria de Hollywood y de lo formulístico que se ha vuelto escribir películas. Además aprovecha para desarrollar reflexiones de lo que significa crear, escribir, ser apasionado por algo, adaptarse. Y qué hay de Donald, el hermano gemelo? Ese es el único personaje que no existe en la vida real. Kaufman lo inventó para representar en un personaje todo lo que no es en la vida real. (En la foto Kaufman).

Como mencionaba más arriba, la cinta la dirige Spike Jonze, realizador con una carrera muy diversa que comenzó haciendo videos para skaters profesionales que luego pasó a hacer videos musicales para artistas y bandas como Fatboy Slim y Beastie Boys, entre otros. En TV es reconocido por ser uno de los creadores de Jackass además de haber realizado en 1999 la genial Being John Malkovich también escrita por Charlie Kaufman. Spike Jonze muy inteligentemente, ante un guión complicado, decide dirigir de forma clásica casi todas las escenas de la cinta. La cámara observa, muestra, sirve a la historia. Un director más pretensioso hubiera aprovechado los conflictos internos de los personajes y lo complejo de la narrativa de la cinta para crear una puesta en escena también compleja y caótica. Solo en momentos claves Jonze rompe el estilo y muestra detalles que más se acercan, a mi parecer, a una mezcla entre videoclip y cinta documental de una forma muy elegante como se ve a continuación.

Los personajes en la cinta reflejan los temas que esta quiere tocar. Como mencionaba más arriba, la cinta toca varios temas y de la forma en que yo lo veo se podría separar de dos maneras. Hay temas que van más por el lado de los sentimientos como la falta de amor propio y la inseguridad que se ve reflejado en el personaje de Charlie, muy bien interpretado por Nicolas Cage. El inicio de la cinta, con un monólogo de Charlie con la pantalla completamente en negro, te muestra de forma clara las inseguridades del personaje. Hasta ese momento de mi vida, en el año 2002, nunca había visto que se mostrara de forma tan clara un personaje tan inseguro como este. En este monólogo va desde su inseguridad por las mujeres, su cuerpo, su calidad profesional, etc. Cada cosa que dice por lo menos alguien la tiene que haber pensado un hombre en algún momento. Fácil no de esa exacta forma pero cerca.

Charlie ve en su hermano todo lo que él no es. En muchos momentos de la cinta el personaje aparenta menospreciar a su hermano Donald, tildándolo de simplón y poco inteligente. Al final de la cinta, ante una situación extrema en la que se encuentran, Charlie le confiesa a su hermano que en el fondo lo admira por ser como es, que siendo calvo y gordo como él igual se quiere y se hace querer por los demás. En una línea, su hermano Donald, le explica como es que logra ser feliz. "You are what you love, not what loves you". Uno no debería pensar tanto en lo que piense el resto de uno para ser feliz. Las actuaciones de Nicolas Cage son emocionantes.

El segundo conjunto de temas que tiene esta película tiene que ver con la creación artística y la adaptación. Aun así la cinta tiene mucha humanidad mostrándote personajes con conflictos y vacíos que cualquiera se podría identificar, Adaptation no deja de ser un experimento. Como mencionaba más arriba, la dificultad que padece Charlie Kaufman en la cinta para adaptar el libro de Susan Orlean lo padeció en la vida real el verdadero Charlie Kaufman. Vemos tal nivel de bloqueo que Kaufman se va hasta el inicio de la vida, millones de años atrás, porque no sabe como comenzar su historia.

Al inicio de la cinta Charlie dice que en su adaptación no quiere que existan los típicos elementos del cine comercial. No quiere que haya un romance, ni sexo, drogas, escenas de acción y hasta llega al extremo de no querer que sus personajes tengan una epifanía, ni aprendan algo o cambien al final de la cinta. Acá el verdadero Charlie Kaufman se burla un poco de Hollywood y del proceso creativo de la mayoría de gionistas. La cinta va más allá y de partir de la escena en la que Charlie va a una seminario para guionistas, la cinta se vuelve completamente autoconsciente. Ahí le dicen que una película se vende con el último acto, si el último acto sorprende al público la cinta será un exito. Qué ocurre de partir de ahí? En el último acto tenemos un romance entre Susan Orlean y John Laroche con su dosis de sexo y drogas, tenemos suspenso, acción y Charlie termina aprendiendo una lección para toda la vida.

Esta es una cinta que trata acerca de la gente que crea historias y de lo difícil que puede ser a veces. También de la pasión y de la obsesión que uno puede tener por algo y de como es necesario que algo te apasione en la vida para sentirte completo. Charlie Kaufman, el verdadero, juntó un tema tan intelectual como el proceso creativo y la adaptación que uno tiene que sufrir para sobrevivir en esta vida, con temas más sentimentales como la soledad y el vacío interior. La soledad del artista? La soledad del creador? A veces las personas más solitarias y vacías son las que necesitan escribir acerca de otros e inventarse historias para llenar esos vacíos. Por eso en la cinta Charie está convencido que la vida real no es como las películas, que la vida real es decepcionante y aburrida. Los dejo con esta escena que para mi engloba todo en la cinta y une perfectamente esta reflexión de la vida y del proceso creativo que es Adaptation.

Face Value de Phil Collins: del divorcio al estrellato

2011-08-17T20:46:00.000-07:00

Un poco de historia. La carrera musical de Phil Collins es una fuera de lo común. Como todos saben (no?), Phil Collins se hizo conocido siendo baterista de la banda de rock progresivo Genesis de 1971 hasta 1976. Luego cuando Peter Gabriel dejó la banda, al no encontrar un cantante idóneo, voltearon donde Collins y le pidieron que probara cantar algunas canciones sin dejar las responsabilidades en la batería hasta mediados de los 90s en que se fue de la banda. En el año 1981 sacó el album Face Value, el cual tocaré en esta oportunidad, disco muy íntimo cuyas canciones no estaban destinadas a ver la luz.

Ahora, un poco de contexto. Para 1979, Genesis estaba acabando la gira del disco ...And Then There Were Three (1978) y para ese momento Phil Collins estaba teniendo problemas personales. Su primer matrimonio estaba acabándose principalmente por la "adicción al trabajo" que tenía Collins. Aparte de Genesis, Phil Collins trabaja con su banda de jazz fusión Brand X, trabajaba como músico de studio con gente como Peter Gabriel, Robert Fripp, etc. En resumen su esposa no aguanto más la falta de atención y lo dejó mudándose a Canada para luego pedirle el divorcio. Teniendo su casa vacía y tiempo libre empezó a componer y grabar unos demos que los hizo, según él, de puro aburrimiento y que no pretendía en ningún momento grabar un disco comercial con ellos. En 1981 y después de lanzar el disco Duke (1980) con Genesis, lanzaría recién el album Face Value.

Por qué es importante contar todo eso? Porque de esa mala experiencia personal nació el tiempo para grabar los demos que luego se convertirían en las canciones del disco y aparte la temática del album se inspiró en lo que vivió en esos años. La frustración de sentirse solo, perder a sus hijos, en general el disco tiene una sensación de depresión y perdida en practicamente todas de sus canciones. Face Value es un disco catártico, emocional y por encima de todo sincero en lo que expresa. Pocos artistas son capaces de mostrarse de forma tan abierta al público y a sus fans y más aun cuando se viene de la era del rock progresivo, género acostumbrado a ser más racional que emocional.

De esa catarsis que menciono salieron canciones como "In the Air Tonight", una de las canciones más conocidas del disco y de la carrera de Phil Collins. La canción, según Collins, salió de casualidad cuando jugaba con un drum machine (caja de rimos) y empezó a improvisar una letra mientras tocaba algunos acordes en un teclado. La decisión de usar una caja de ritmos fue criticada en su época por tratarse de uno de los mejores bateristas que el rock progresivo había dado. Uno al escuchar la canción puede sentir mucho la rabia y frustración que sentía en el momento y la letra representa el reclamo que una persona le hace a otra sacando en cara traiciones y mentiras.

"But I know the reason why you keep your silence, oh no you don't fool me.

Well the hurt doesn't show, but the pain still grows. It's no stranger to you and me."

Rabia pura.

Face Value también es relevante por las opciones musicales que tomó Phil Collins a la hora de componerlo. Aun así, habiendo tocado rock progresivo por 10 años, aparte de tocar jazz fusión, su mayor influencia escondida fue el llamado género "Motown", iniciado en los 60s en EEUU con artistas como los Jacksons 5, Diana Ross & The Supremes, etc. Es por eso que para lo arreglos llamó a la sección de vientos de la banda de funk Earth, Wind & Fire. Para ese entonces que un músico inglés vaya por esos rumbos fue algo un poco incomprendido pero que al final se volvió parte del estilo de la carrera solista de Phil Collins y que le dio muchos frutos. De esa combinación de influencias salieron canciones como "I Missed Again", tema de ritmo movido pero con un transfondo de negatividad que rodea al disco.

Durante las grabaciones de los demos que luego se volvieron las canciones del disco, Collins aprendió a tocar lo que sería su segundo instrumento preferido, el piano. Algo que casi nunca ha hecho en su carrera ha sido cantar y tocar batería a la vez, no porque no pueda sino porque, según Collins, visualmente es desordenado dentro del escenario, pero fue diferente en el caso del piano. Phil Collins grabó la voz, la batería y además el piano en cada canción. "The Roof is Leaking" es una canción que muestra su evolución como músico.

Mucha gente dice que la música de Phil Collins es cursi y efectivamente tiene algo de eso. Nunca ha escondido el hecho que le gusta componer e intepretar canciones románticas que atraen más a un público adulto que un público joven, es por eso que Phil Collins siempre ha sido popular en las radios orientados a adultos. Personalmente respeto eso porque es su estilo, es lo que le gusta y lo hace bien. "If Leaving Me is Easy" es la balada más triste del album. La forma en que canta la canción deja en evidencia el dolor que sentía en el momento. En la letra canta acerca de las esperanzas que su expareja vuelva con él y la incredulidad de que lo suyo haya acabado.

"But I didn't believe it, not you, no you would not let me go.

Seems I was wrong, but I love, I love you the same.

And that's the one thing that you can't take away."

El momento alegre es con el instrumental "Hand in Hand". Dentro de tanta negatividad algo de luz tenía que haber y en este track Collins muestra que no se ha olvidado de su gusto por el ritmo sumándole un sonido orquestal que lo hace sobresalir. En la versión en vivo se aprecia mucho mejor.

Este album para mi tiene mucho significado por razones personales y mi apreciación no va a ser nada objetiva (esa no fue mi inteción cuando decidí iniciar este blog). Phil Collins sabe llegar a uno con su música y más aun con sus letras y la forma en que las interpreta. El hecho que este album lo haya compuesto como reacción directa a una experiencia personal lo hace sincero y no calculado como mucha de la música que se hace en estos tiempos, eso se aprecia.

Pulp Fiction y el estilo Tarantino

2011-08-10T21:22:00.000-07:00

Llegó el momento, no podía hacerlo esperar más. Toca el momento de hablar del maestro Quentin Tarantino y su obra maestra Pulp Fiction. Puedo aportar algo más acerca de la cinta después de casi dos decadas de haber sido hecha? Quién sabe pero lo que si se es que es una de mis películas preferidas y siempre tuve ganas de profundizar en algunos detalles, momentos y sensaciones que inspira la cinta.

Vi Pulp Fiction el mismo año que salió, 1994, cuando tenía 12 años. Hasta el momento mi cinta preferida era Beetlejuice y era el referente máximo de lo que era el cine para mi pero cuando supe de esta película llamado en español Tiempo Violentos, el mismo nombre hizo que me llamara la atención (a esa edad todo contenido no apto para mi edad era lo que más me atraía a mucho pesar de mi madre). Aparte actuaban "el pata que baila" (John Travolta) y el "calvo de Die Hard" (Bruce Willis) que hizo que me jalara más aun. En ese momento, después de ver la cinta en VHS en mi casa a escondidas, supe que había encontrado mi nuevo referente cinematográfico.

Qué quizo hacer Tarantino ahi? No cuenta una historia, no hay un objetivo que un protagonista quiera alcanzar. Es una cinta de gangsters sin policias y sin una posición diferenciada del bien y el mal. En la cinta se encuentran gangsters, asesinos, dorgadictos, etc. y sin embargo sientes simpatía absoluta por ellos en casi todo momento. Los ves en situaciones a veces muy humanas y a veces muy exageradas y todo con diálogos estilizados llenos de referencias a la cultura pop lo cual poco o nada tiene que ver con la forma en la que habla de verdad la gente. En otras palabras Tarantino hizo un ejercicio de estilo.

Mencionaba que la cinta no cuenta una historia de forma convencional. Son más que todo una suerte de situaciones mostradas como cortometrajes protagonizadas por los mismos personajes de alguna forma u otra y que puestas en orden específico tienen una línea narrativa lógica (se entiende?). Partiendo lo más sencillo para mi es resaltar los momentos y las ideas de cada uno de los segmentos y no tocarlo como una "historia". Créanme que no va a ser fácil elegir unas cuantos momentos que puedan representar a esta obra maestra y hacerle justicia pero haré el intento.

Tratando de ir en orden, casi desde el arranque ya nos encontramos con lo que se llamaría el "estilo Tarantino". En toda una larga secuencia conocemos a Vincent Vega y Jules Winfield, los cuales primero los vemos conversando en un carro acerca de Holanda y algunas costumbres de allá. Después de un rato, nos enteramos que son asesinos a sueldo y que están yendo a hacer un "trabajo", luego hablan de cualquier cosa menos del trabajo que están yendo a hacer y es ahí donde Tarantio metió su mano. Ahí se rompe el molde para siempre y nació una nueva forma de observar situaciones, desarrollar diálogos y crear estilo. Si alguien me pregunta de que trata Pulp Fiction, yo le respondo que trata acerca de como los "tiempos muertos" pueden ser lo más importante de tu película.

El segmento "Vincent Vega & Marsellus Wallace's Wife" es el "romantico" de la cinta. Ahí vemos una cita forzada entre Vincent, al cual ya conocemos, y Mia Wallace, esposa del jefe gangster de Vincent. Este segmento pasa por momentos graciosos, dulces, incomodos y termina en desastre absoluto. Aparte de darnos la oprtunidad de conocer más a estos personajes de moral cuestionable a través de conversaciones frívolas y silencios incómodos, también nos da unos de los momentos más especiales de la cinta y, a mi parecer, de la década de los 90s. Quién se puede olvidar del baile entre Travolta y Thurman? Esa escena te da la sensación de querer bailar y divertirte con ellos, aun así sepas que son asesinos y drogadictos. La escena perfectamente musicalizada y coreografeada es uno de los momentos más divertidos de la película.

Otro momento especial es el baile de Thurman cuando llegan a su casa con la canción "Girl, you'll be a woman". Personalmente cuando empezé a ver Pulp Fiction por primera vez esperaba un baño de sangre absoluto y me doy con la sorpresa que la cinta te llevaba por sensaciones diferentes, que habían momentos de paz y de algún modo ternura. La forma en que Uma Thurman canta y baila en esa escena dejó enamorado a más de uno. Esta es mi escena preferida. Claro, luego aspira heroína por la nariz y la tienen que revivir con una inyección de adrenalina directo al corazón. Es Tarantino, que esperan?

Pero sigamos con la violencia. El segundo segmento de la cinta se llama "The Gold Watch". El protagonista en esta es Butch, interpretado por Bruce Willis. Butch es un boxeador que enagaña a Marsellus Wallace, gangster siempre mencionado en la cinta, ganando una pelea que debió perder. Antes de escapar de la ciudad tiene que regresar a su casa para recoger el preciado reloj de oro que perteneció a su familia (la historia del reloj es narrada de forma magistral por Christopher Walken en su única escena en la película). En el proceso, casualidad, se encuentra con Wallace y la lucha entre los dos los hace toparse con una banda de violadores, dentro de los cuales se encuentra "the Gimp", uno de los personajes más memorables de la película. Esta sección es la más fuerte de la cinta y muestra el lado duro de Tarantino pero también ves como los personajes pueden cambiar y pasar de enemigos y de querer matarse a ayudarse mutuamente. Otra vez Tarantino los muestra como seres humanos. Butch comienza siendo un boxeador que huye y terminando ayudando a su enemigo convertido en un samurai justiciero.

La última secuencia, llamada "The Bonnie Situation" nace del tema de la suerte vs. la intervención divina y de un accidente que genera una de las mejores lineas de la cinta y el momento de mayor risa cuando Vincent Vega le da un tiro en la cara a alguien de "accidente" dentro de un carro a plena luz del dia y solo atina a decir de forma muy calmada "Oh man, I shot Marvin in the face".

La secuencia tiene un lado serio también que toca el cambio en el personaje de Jules (interpretado por Samuel L. Jackson), hombre que ha trabajado seguramente toda su vida como asesino para la mafia pero que quiere dar un cambio en su vida hacia el bien, todo a causa de una supuesta intervención divina que lo hizo salvarse de una muerte segura mostrada en escenas anteriores. En la última y larga escena de la cinta Jules está en un típico "diner" norteamericano donde una pareja de ladrones a tomado por asalto el sitio. Jules, armado, en vez de bajarlos a tiros como lo habría hecho en otro momento, decide empezar su cambio ahí mismo y les perdona la vida. Aparte aprovecha para expresar el confilcto que tiene dentro, tratar de ver si el bien o el mal es lo que dictará su destino. Tarantino acaba la cinta con una epifanía, una reflexión, el tipo tenía mucho que decir.

Disculpen si obvié escenas o detalles que hubieran querido leer pero esta cinta tiene demasiado por hablar y el post ya ha sido lo suficientemente largo. He escrito este post más que nunca como un fan porque se me hace imposible hacerlo de otra forma. Se puede analizar Pulp Fiction pero es más fácil simplemente admirarlo.

American Idiot: una opera punk de Green Day

2011-07-17T21:12:00.000-07:00

En la historia del rock han habido algunas operas rock famosas como Tommy de The Who y The Wall de Pink Floyd pero algo que se ha escuchado poco es una opera punk, lo cual sacó la banda Green Day en el 2004 con su disco American Idiot.

Nunca fui muy fanático de Green Day. Había escuchado el disco Dookie y, como cualquiera, conocía las canciones Basket Case y When I Come Around y fuera de eso nunca le había prestado mucha atención hasta que sacaron American Idiot, disco que me dejó muy sorprendido por la ambición tanto en lo conceptual como en lo músical. En este disco Green Day, formado por Billie Joe Armstrong en la voz y la guitarra, Mike Dirnt en el bajo y Tre Cool en la batería, supo componer canciones que llegaran al gran público y que, dentro de los estandares del punk rock, pudieran tener un valor diferencial en relación a las demás bandas y discos del género.

American Idiot, como varios discos conceptuales, cuenta una historia y mantiene una coherencia tanto temática como musical al repetir melodías en momentos del disco y hasta a repetir también algunas lineas de letras para redondear bien los temas y la historia que cuenta. La historia del disco trata acerca de un adolescente llamado Jesus of Suburbia, el cual se describe a si mismo como un "son of rage and love" (frase que repite a lo largo del disco) y que vive en un pueblo norteaméricano que, según lo descrito en las letras del disco, está situado en medio de la nada y representa la insatisfacción de la juventud (Jesus of Suburbia). Jesus of Suburbia decide irse del pueblo y probar vivir en la ciudad donde vive en la calle (Boulevard of Broken Dreams) y para sobrevivir crea un alter ego llamado St. Jimmy el cual es frio y violento (St. Jimmy). Ahí conoce a una chica llamada Whatsername (She's a Rebel, Extraordinary Girl) de la cual se enamora e idealiza, volviéndola el símbolo de la rebelión que él busca y admira. Lamentablemente para él, ella no aguanta más la vida en las calles de la ciudad y lo deja (Letterbomb). Jesus of Suburbia prueba vivir una vida más normal en la ciudad trabajando de empleado en una oficina hasta que no aguanta más y decide volver a su pueblo (Homecoming). El disco termina con él recordando a Whatsername y los dias que pasó con ella (Whatsername).

El disco toca temas como la soledad, la alienación juvenil, la inconformidad, la rabia, el amor, la decepción, etc. En general toca temas que cualquier persona joven se puede identificar y el exito del disco radica en que efectivamente, si uno se toma el tiempo de escucharlo bien y leer las letras, uno puede encontrarse con un par de líneas en que en algún momento uno ha dicho o pensado. Green Day, cuyos integrantes ya están entrando a sus cuarentas, supieron darle a la juventud, principalmente norteamericana, un album que representa y simboliza la insatisfacción que deben sentir por su pais desde hace un tiempo atrás y de ser parte de una sociedad que solo forma personas hechas según un molde específico.

Un ejempo de esto es la canción Jesus of Suburbia, la segunda canción el disco y en el que es presentado el protagonista. La canción es lo más cercano que puede haber entre punk rock o el rock alternativo con el rock progresivo en lo que estructura se refiere, al dividir una canción de nueve minutos en secciones con diferentes ritmos y melodías entre si. Con las letras se describe al personaje y al ambiente que lo rodea y como este ambiente reduce a sus habitantes a ser unos "American Idiots". "And there's nothing wrong with me, this is how I'm supposed to be, in the land of make believe that don't believe in me".

Como mencionaba más arriba, en el disco se encuentran canciones que salen del molde del punk rock y del alternativo como en el caso de la canción "Are We the Waiting" En esta canción se aproximan a lo que sería una composición más clásica y más cercana a las opera rock al incorporarle un coro con varias voces lo que le da un aire más épico. La canción es una de las más melancólicas del album mostrando un momento en la historia en la que el personaje Jesus of Suburbia reflexiona acerca de su vida y se encuentra en la espera de algo mejor. En este momento se da cuenta que necesita un cambio y es ahí donde nacerá su alter ego St. Jimmy. "The rage and love, the story of my life, the Jesus of Suburbia is a lie...".

St. Jimmy es una canción importante del album en dos sentidos. Primero porque es la canción que narra el nacimiento de St. Jimmy, alter ego del heroe de la historia. St. Jimmy quiere ser el símbolo de la rebeldía dando la impresión de ser una persona peligrosa y violenta, lo necesario para sobrevivir en las calles de la ciudad. "I'm here to represent the needle in the vein of the establishment". La segunda razón por la cual es importante es porque en esta canción Green Day demuestra que todavía no han dejado el punk duro y la velocidad que lo caracteriza, siendo esta una de las canciones mas duras del disco.

Mi canción preferida del album es Letterbomb. En esta también se mantiene el estilo de punk rock más duro y además es el momento en la historia en la que Whatsername, chica que de la cual el protagonista se enamora e idealiza como símbolo de todo lo que él desea ser, lo abandona dejándole una carta. El golpe es doble para él porque no solo pierde a la chica de sus sueños sino que ella le demuestra no ser la persona que el creía que ella era. Whatsernasme lo empuja a seguir con el camino que él ha elegido y que no retroceda como ella. "You're not the Jesus of Suburbia, the St. Jimmy is a figment of you father's rage and your mother's love and made you the idiot America". La continua decepción es un tema clarísimo que se repite a lo largo del disco.

Como lo mencionaba más arriba, el album acaba con Jesus of Suburbia matando a su alter ego St. Jimmy y volviendo a casa. En la ultima canción y epílogo Whatsername, llamada como el amor perdido del protagonista, el protagonista recuerda a la chica la cual es el símbolo de toda una etapa de su vida que siempre va a estar atada a ella y que aun así pase mucho tiempo puede que la vaya olvidando poco a poco pero nunca las experiencias que pasó con ella. "And in the darkest night, if my memory serves me right, I'll never turn back time, forgetting you but not the time".

American Idiot de Green Day es uno de los mejores discos de los últimos 10 años. Es un ejemplo de que ,en esta época donde las bandas de rock no son conocidas por ser ambiciosas, todavía puede haber bandas que estén dispuestas a no solo pensar en singles y en sonar en la radio, sino que además piensen en que el contenido de un disco puede ser algo que el fanático pueda ser algo que lleve consigo mucho después de haber escuchado el disco. American Idiot es un disco que tiene la estupenda combinación de hacerte "rockear" y reflexionar. De escucha obligatoria.

Happiness: y si nos reímos de la pedofilia?

2011-07-13T21:22:00.000-07:00

Quisiera comenzar el post advirtiendo que la cinta de la que hablaré y algunos temas que contiene puede herir ciertas susceptibilidades. Hay escenas de la cinta que se describirán de manera detallada dando algunos datos un poco explícitos. Más adelante entenderán el por qué del título.

Happinnes (1998) de Todd Solondz es una cinta dificil, políticamente incorrecta, sucia, por momentos pervertida, fuerte, dramática y por sobre todo graciosa que toca temas como la pedofilia, el acoso sexual, violencia sexual, la soledad, la hipocresía, etc. (ya están interesados?). Todd Solondz es un director que saltó a la escena a mediados de los 90s con una propuesta sencilla la cual fue mostrarle a la sociedad norteamericana todo lo que no quiere ver, que se encuentra detrás de la fachada de su "perfecta" sociedad. Happinnes no se aleja de eso mostrándonos personajes muy humanos y llenos de secretos y de dobles miradas. Encontramos familias que aparentan ser armoniosas pero que por debajo esconden tonterías como rivalidades secretas entre familiares hasta cosas más serias como padres de familia pedófilos.

Ls cinta trata de tres hermanas y los personajes que los rodean. Una de ellas, Trish, está felizmente casada con un psicólogo con el que tiene un hijo de 11 años aproximadamente. Lo que no sabe es que es que su esposo, intepretado magistralmente por Dylan Baker, es un pedófilo que trata de controlar sus bajos instintos pero sin exito. Por otro lado tenemos a Helen, escritora soltera y objeto de obsesión de su vecino, intepretado por Philip Seymour Hoffman, personaje inseguro y un poco pervertido que vive frustrado por su falta de personalidad y valentía hacia las mujeres. El mayor placer que encuentra es llamarla a ella o a sus hermanas para hablarles de forma sucia mientras se masturba. Por último se encuentra Joy, una mujer insegura y con muy mala suerte en la vida. Ella se involucra con un inmigrante ruso que se aprovecha de ella pidiendole dinero y por último robándole. Para no hacer el post muy largo me centraré en el personaje que considero da más de que hablar.

Está de más decir que estos personajes no son perfectos. Son fallidos de alguna forma u otra y en algunos cosas de forma más grave. Lo interesante de la cinta es ver como sus personajes hieren a otros muchas veces sin darse cuenta o sin tener la intención de herirlas realmente. Lo que me enganchó de la cinta fue que todo esto que he ido describiendo hasta el momento está mostrado con humor y con ojo muy irónico, te ries y luego te reprochas por haberte reído. La primera escena de la cinta es una de las mejores que he visto. Te muestra un nivel de patetismo e incomodidad que se ven poco en en el cine norteamericano. Muestra un rompimiento y luego una pequeña venganza, el sueño de todo despechado. Solo esta introducción te asegura que estás viendo algo diferente.

Algo que me gustó mucho de la cinta fue su estilo. Solondz tiene siempre un estilo simple, económico, observador y siempre centrado en los personajes. Mantiene su estilo a lo largo de la cinta hasta en las escenas de "acción" como la que se ve en el siguiente clip. Noten la música que suena dando un toque irónico a la escena de violencia fria que se muestra. Solondz no da tregua a sus espectadores.

Eso es un sueño porsiacaso. Este personaje es, a mi parecer, el más interesante de la cinta. Se trata del padre de familia "perfecto" que tiene una fascinación perversa por los amigos de su hijo de 11 años. A lo largo de la cinta se ven algunas escenas en las que tiene conversaciones padre-hijo con su hijo acerca de sexo. Estas escenas son completamente incomodas de ver. El hijo le pregunta acerca de la masturbación, el tamaño de su pene, sin saber que su padre es un pedófilo. Nosotros notamos en él una fascinación controlada por hablar de estos temas y de paso saber detalles de los amigos de su hijo. En teoría puede ser visto como algo normal que padres e hijos tengan en algún momento de su relación una conversación acerca de sexo y lo genial de la cinta es como agarra eso y lo deforma de forma sutil y lo vuelve una situación perversa.

Puse "y si nos reímos de la pedofilia?" en el título porque la cinta reta al espectador a mirar de forma no condenatoria a un personaje haciendo cosas horribles y para colmo ciertas situaciones se ven de forma un poco graciosa. En un momento el papá está tratando de dormir a su familia y a un amigo de su hijo para poder abusar de él. La situación está armada como si fuera un niño haciendo una travesura. El señor falla una y otra vez en tenerlos a todos dormidos hasta que finalmente logra hacerlo.

Obviamente por el tema tienen que llegar algunos momentos dramáticos. El padre de familia "perfecto" es descubierto por la policia y tanto su vida como la de su familia se ha derrumbado. El hijo, luego de varias conversaciones de sexo con su papá en la que mostró mucha inseguridad, se sienta con él ha preguntarle detalles de lo que hacia con sus amigos y el papá le cuenta que es lo hacía con ellos con resignación por la suerte que le espera pero sin mostrar arrepentimiento alguno. El clímax llega cuando el hijo le pregunta si haría lo mismo con él y su padre le responde que no, que solo se masturbaría. Acto seguido el hijo se pone a llorar y uno siente que llora porque lo siente como una suerte de rechazo. Es sin dudas una escena única la cual puede chocar a muchas personas.

Cosas así solo se ven en las cintas de Todd Solondz. Cuando la vi a los 16 años me quedé sorprendido por la tranquilidad en que el director mostraba estas situaciones como si fueran cotidianas, haciéndome pensar que la gente puede esconder mucho detrás de las paredes de su casa o de su aparente felicidad y perfección. Los monstruos de nuestra sociedad no siempre son los criminales que vemos escapando de la policia, los podemos tener como vecinos o de forma más cercana.

Como nota anecdótica, este film lo vi por segunda vez en vhs con un amigo y unas amigas por recomendación mia. No volví a ver a esas chicas por mucho tiempo.

The Wall: el aislamiento de una estrella de rock según Roger Waters (parte 2)

2011-07-10T16:23:00.000-07:00

Como lo prometí hace una semana, para esta ocasión voy a terminar de escribir acerca del genial disco doble conceptual The Wall de Pink Floyd. En la primera parte hablé acerca del estado de la banda para el año 1979, año en que salió el disco. También explique el origen del concepto del album y revise las que son, a mi parecer, las canciones más importantes del primer disco y la parte de la historia que cuenta. Para esta ocasión continuaré con el segundo disco pasando por las canciones más improtantes y dando algunas reflexiones sobre la segunda parte de la historia y algunas conclusiones finales.

La primera parte del album termina con el protagonista completamente encerrado en esta pared creada en su cabeza en la que detrás de ella se ha refugiado de todo lo que considera fueron piezas fundamentales para su actual estado mental. En la segunda parte el personaje vive encerrado en su cabeza y empieza a notar poco a poco que este estado el cual antes consideraba ideal no lo es realmente. Su mente le empieza a jugar malas pasadas, se imagina a si mismo en un concierto saliendo al escenario convertido en un dictador fascista persiguiendo a sus propios fans. También empieza a sentir como su cabeza le pide que derrumbe esta pared y esto se simboliza en los "worms" o gusanos que empiezan a comerle el cerebro. Finalmente nuestro protagonista pide liberarse de ese aislamiento pero sin antes pasar por un juicio que su propia conciencia le exige donde reaparecen todos los simbolos de sus traumas (la madre, el profesor de colegio, la esposa).

Musicalmente considero que este segundo disco es diferente al anterior. Tiene canciones más cortas que hacen que se sienta más la sensación de opera rock al tener tracks que están básicamente pegados entre si. En eta segunda parte también se encuntran piezas musicalmente muy variadas. Tenemos momentos de rock clásico (Hey You, Comfortably Numb), pasajes instrumentales con arreglos diferentes como en Is There Anybody Out There? que tiene una pieza de guitarra acústica clásica. Por último está una de las elecciones más arriesgadas del disco que incluye algunas piezas muy teatrales con orquestas como Bring the Boys Back Home y The Trial que hace que por momentos el album se aleje casi completamente del género del rock.

Entre las canciones que más resaltan se encuentra Hey You, con la que abre la segunda parte del disco. La canción es una de las "completas" por lo que es más extensa y tiene una estructura más identificable con el rock. La canción trata del momento en el que el protagonista está completamente aisaldo detrás de la pared y empieza a tener dudas sobre su decisión representadas en los gusanos que se comen su cerebro. "But it was only fantasy, the wal was to high as you can see, no matter how he tried he cannot break free, and the worms ate into his brain."

Otra canción en este estilo es Comfortably Numb, uan de las más conocidas no solo del album sino de toda la carrera de Pink Floyd. Acá el protagonista está completamente ido y es buscado por su manager y un doctor para que vaya a dar un concierto. Para esto le inyectan un tipo de droga que lo levanta y lo sumerge en un estado de alucinación. La estrofas de la canción, cantadas por Waters, representan lo que dice el doctor que le va preguntando que es lo que siente para luego adminstrarle la droga mandándolo al escenario. Los coros, cantados por Gilmour, representan la mente del personaje. Esta parte de la letra ,a diferencia de las estrofas que son muy directas, buscan ser más simbólicas y están entre las letras más bonitas que he escuchado. En estas reflexiona no solo acerca de su situación actual sino recuerda su infancia y la perdida de la inocencia a través de metáforas. Es inevitable recordar con nostalgia la propia niñez de uno al escuchar la canción.

Dentro de las piezas más pequeñas resalta Is There Anybody Out There? la cual tiene una muy bella pieza de guitarra clásica. Músicalmente es un momento cumbre del disco y muestra la complejidad de la visión de Roger Waters a la hora de concebir todos los aspectos del album. El nombre de la canción y unica línea de letra, refiere a la sensación de incomodidad que el protagonista empieza a sentir desde su aislamiento detrás de la pared.

Se podría decir que el climax del todo el album es The Trial. En esta canción la propia conciencia del protagonista le hace un juicio por lo errores que ha cometido en su vida y su egoísmo. Como mencionaba más arriba, acá reaparecen varios personajes de la primera parte como su profesor de colegio de cuando era niño, su madre y su esposa para recriminarle todas sus fallas pasadas. Al final el juez decide ordenar el derrumbamiento de la pared. Acá Waters, al cantar por todos los personajes llega a histrionismos que hasta el momento se había escuchado poco en albumes de rock a excepción de otras bandas de rock progresivo como Genesis.

Lo importante de esta canción es que redondea el tema del disco. Al mostrarte lo imperfecto que ha sido el protagonista todo el tiempo, te hace replantear la simpatía o la pena que sentías por él. Él mismo se da cuenta que uno no puede vivir encerrado y alejado del resto. Que uno existe en función al resto y las acciones de uno hoy van a afectar en el futuro.

Fuera de lo oscuro y cargado que es el disco me parece que al final deja un buen mensaje y deja algo para la reflexión. Uno es lo que hace y esto que uno hace afecta al resto de forma directa e indirecta. Por otro lado tambièn hace pensar que siempre lo más fácil antes los problemas es hacerse la víctima cuando muchas veces losm problemas nos lo buscamos solitos y muchas veces son a causa de algo llamado karma. Que increible es encontrar fuentes de reflexión como esta acompañada de tan buena música, no? Sin duda una obra maestra, gracias Pink Floyd y gracias Roger Waters.

The Dark Knight: drama policial disfrazado de cinta de superheroes

2011-07-06T21:16:00.000-07:00

Por varios años los fanáticos de Batman no sabíamos si ibamos a volver a ver una cinta con el personaje después de la debacle que fue Batman & Robin (1997) de Joel Schumacher que tiró abajo la franquicia dirigida por la Warner Bros. En el año 2005 la Warner confió en el realizador Christopher Nolan en revivir al personaje y se podría decir que el resultado fue mejor de lo esperado. La primera cinta, Batman Begins, marcó el tono que iba a tener la trilogía planeada por Nolan. El universo de Batman se llevaba a cabo en un ambiente realista, no había espacio para caricaturas ni situaciones inverosímiles, todo tenía que estar atado a la realidad en el sentido que todo tenía que ser posible en la vida real.

La segunda película de la saga de Nolan fue The Dark Knight, la cual fue una cinta superior a la primera al tener una historia más compleja, personajes más ricos y la genial interpretación del Joker a cargo del fallecido Heath Ledger. También la protagonizan Christian Bale como Batman, Gary Oldman como el Comisionado Gordon, Aaron Eckhart como Harvey Dent y Michael Caine como el leal mayordomo Alfred.

La historia tiene un aire épico moderno al querer interconectar una historia criminal/policial visto desde varios ángulos. Tenemos a la policia, a la fiscalía de Gotham City y al justiciero enmascarado por el lado de la ley, la justicia y el bien. Por el otro lado tenemos al mundo criminal que quiere tomar control de la ciudad sin exito y un nuevo criminal que ha aparecido autodenominado el Joker quien aparecerá para querer mostrar la peor cara de Gotham City pasando por encima tanto por la justicia como por los criminales.

Lo extraordinario de la cinta es que parece un drama policial que resulta tiene al heroe vestido de murcielago y al villano con la cara pintada. Desde la primera secuencia de la cinta se ve como las acciones se desarrollan sin querer pretender ser una cinta de superheroes ni mucho menos una cinta dirigida a niños. Para mi ese fue un respiro y muchos fans de Batman le agradecemos a Nolan por crear una cinta seria que reta a sus expectadores.

La cinta toca temas como la justicia, la lucha entre el bien y el mal, la paranoia, entre otros. Si hay un personaje que representa la justicia y el bien es Harvey Dent, el físcal de la ciudad, que por un gran pedazo de la cinta, es la persona que se encargará de limpiar la ciudad y que esta vuelva a mostrar su mejor cara. Irónicamente este personaje es el que luego se convertirá en Two-Face, gracias a la retorcidas y violentas acciones que realizará el Joker el cual se ha propuesto mostrarle a Batman y al nuevo Comisionado Gordon que todas las personas son corruptibles y que se requiere de un par de malas experiencias para volver a una buena persona mala, tal como él. Al final de la cinta el "White Knight", forma en que llamaban a Harvey Dent, después de buscar enseñarle a la ciudad que el bien era un camino viable, tira todo abajo haciendo que la maldad gane algunas batallas. Eso hace que la cinta termine en tragedia.

La lucha entre y el bien y el mal es importante en la cinta. El Joker a lo largo de la cinta generará miedo a los ciudadanos de Gotham City a través de atentados, básicamente terroristas, que los obliga a tomar decisiones egoístas que hacen que uno se puede salvar pero perjudicando a los demás. Al final de la cinta la ciudad demuestra ser mejor que el Joker y la gran mayoría de sus ciudadanos no sucumbirá al medio.

Qué cosa no se ha dicho de Heath Ledger y su genial intepretación del Joker? Ledger creó un personaje único y creo que inigualable. Este Joker es alguien que encarna la maldad absoluta, el caos, la anarquía. Es un personaje misterioso, no se sabe de donde viene, no hay una historia previa ni una explicacíon clara de sus motivaciones. Como dice Alfred, "some people just want to see the world burn". Al Joker no le importa el dinero ni el poder, solo quiere destruir. Para esto se dedica a perseguir a cada personaje que representa lo contrario a él.

Fue una decisión arriesgada de Nolan cambiar al personaje y borrar de su historia el factor de su piel y su pelo. Como se sabe el Joker clásico tiene la piel blanca y el pelo verde como causa de la exposición a químicos (por lo menos esa es una de las versiones oficiales). Este Joker se pinta la cara de blanco y el pelo de verde. Este Joker no se volvió así como una víctima de las circunstancias, este Joker decidió ser así lo cual lo hace más peligroso. El detalle de las cicatrices a los lados de la boca lo hace más atemorizante y le da una dimensión más rica al personaje.

The Dark Knight no es una película de aventuras, ni ciencia ficción ni 100% de acción. Principalmente es un drama y segundo un policial. Trata acerca de los dos lados de la sociedad y de la condición humana. De como todos tenenos un lado bueno y un lado oscuro y de como depende de cada uno cual queremos darle a la sociedad. "You either die a hero or you live long enough to see yourself become the villian", bonita frase.

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The Wall: el aislamiento de una estrella de rock según Roger Waters (parte 1)

2011-07-03T14:56:00.000-07:00

Aproximadamente hace dos meses escribí un post acerca del album Wish You Were Here de Pink Floyd. Obviamente no es el único disco de ellos del cual vale la pena escribir pero pensaba en mejor esperar un buen tiempo hasta escribir acerca de otro album de una banda ya antes tocada. Por alguna razón no he querido esperar tanto y hoy voy a escribir acerca del disco The Wall (1979) de Pink Floyd y por primera vez voy a partir el post en dos partes, publicando hoy la parte uno y el próximo sábado la parte dos.

Esta de más hablar acerca de qué es Pink Floyd pero si me parece importante explicar cual era el estado de la banda y las razones detrás de la temática del disco. Pink Floyd seguía conformado por Roger Waters en el bajo y la voz, David Gilmour en la guitarra y voz, Rick Wright en los teclados y Nick Mason en la batería. Por muchos años fue una banda suficientemente democrática como para que los cuatro integrantes se sintieran como parte importante de esta. Waters casi siempre se encargó de las letras y los conceptos y de eso salieron los mejores trabajos de la banda. El punto de quiebre creo que vino en el disco Animals del año 1977 cuando se vió que básicamente todo el disco fue compuesto y cantado por Waters con casi nula participación del resto. Para ese momento Waters se había vuelto el amo y señor de la banda sin importarle si el resto estaba de acuerdo o no. Waters llegó con un concepto que había desarrollado desde un oscuro incidente en un concierto de la gira del disco Animals en el que Waters le escupió a un fan en primera fila que no paraba de hacer ruido. Para ese momento Waters estaba en un estado de aislamiento hacía sus fans y pensó en la idea de tener una pared que lo separara de la gente mientras tocara las canciones. De esa idea, junto con otras experiencias de su niñez, Waters creó el concepto del disco The Wall.

Para los que no lo han escuchado, el disco trata acerca de un "rock star" y de como sus traumas lo hacen crear esta "pared" que los aisla del mundo para luego ser torturado por su propia consciencia la cual lo hace derribarla. Los traumas que menciono tienen que ver con la muerte de su padre en la guerra (Another Brick on the Wall Part 1), la estricta educación escolar en la Inglaterra de la época (The Happiest Days of our Lives, Another Brick in the Wall Part 2), su madre sobreprotectora (Mother) y la deteriorada relación con su esposa (Don't Leave Me Now).

El estilo del disco es distinto al de los discos anteriores pero sin dejar de ser el sonido de Pink Floyd. Al ser un disco doble con más de 20 canciones es lógico que no todas van a ser canciones largas como las bandas de rock progresivo están acostumbrados a sacar. Acá hay canciones un poco largas que tratan un pieza importante de la historia, como las mencionadas en el párrafo anterior, y por otro lado hay canciones que sirven de transición (Is There Anybody Out There?) o como comentarios del momento de la historia (Empty Spaces) y otros que hasta ahora, debo confesar, no he entendido su función dentro de la historia como Vera. Esto fue una razón de choque entre Waters y Gilmour porque Waters se preocupaba más por el fondo osea por la historia mientras que Gilmour pensaba que el propósito principal de la banda que era componer buena música estaba siendo dejada atrás.

Personalmente, fuera de lo popular que demostró ser este disco a través de las décadas, a mi me parece un disco dificil y muy cargado, por eso es que es uno de mis preferidos. Este disco es tiene letras por momentos oscuras y violentas. En otros momentos deprimentes rozando con lo patético. Las letras de Waters son una de la más personales que escribió en su vida y demuestra que era un alma perturbada que tenía problemas con muchos aspectos de su vida y de su pasado. El primer disco te va explicando los elementos que van formando "la pared" terminando este con la finalizacíon de la pared y el comienzo del aislamiento.

Sería muy extenso hablar de cada canción por lo que solo tocaré las que más impacto me generan. Básicamente estas canciones son las que representan cada ladrillo en la pared. Another Brick on the Wall part 1, como mencionaba antes, cuenta la perdida del padre del protagonista a causa de la guerra y como le creó un vacío en su vida. "Daddy's flown across the ocean leaving just a memory." y gritando más adelante "Daddy, what'd you leave behind for me!" como un especie de reclamo por su temprana muerte. Todo esto acompañado por una guitarra constante haciendo un riff muy simple pero con mucha fuerza.

Luego vienen The Happiest Days of our Lives y Another Brick on the Wall Part 2, la más conocida del disco, en el que el protagonista recuerda la dureza y la crueldad de algunos profesores hacia sus alumnos. Luego se genera la contraparte con el canto de protesta tan conocido por todos: "We don't need no education, we don't need no thought control" cantado primero por Waters y luego aocmpañado por un grupo de niños. Todo siempre acompañado por el leit motif "All in all it's just another brick in the wall", explicando que todo estos temas ayudaron a crear la pared como herramienta de aislamiento. Tengo que mencionar algo de la guitarra en esta canción? Sencillamente es uno de los arreglos y solos más escuchados de la historia del rock.

Mother me parece una canción muy dura que muestra la peor dependencia que puede haber entre madre e hijo. La canción es cantada por Waters y Gilmour, Waters tomando el puesto del hijo y Gilmour el de la madre. La primera estrofa muestra la inseguridad del hijo con respecto a la vida y la sociedad, "Mother should I trust the government.... mother should I build the Wall" y el coro sirviendo de respuesta de la madre asegurandole que siempre lo cuidará aunque lo exprese de formas poco positivas. "Mother's gonna make all your nightmares come true, mother's gonna put all of her fears into you". En la segunda estrofa el hijo muestra sus inseguridades hacia las mujeres. "Mother will she break your little boy apart? Mother will she break my heart?. Músicalmente la canción es impecable con guitarras acústicas en las estrofas y coros y un solo de guitarra marca registrada de David Gilmour. Esto no quita que el concepto y las letras sea lo más relevante.

Por último una canción importante es Don't Leave Me Now. Esta es una súplica que le hace el protagonista a su esposa para que no lo deje. Lo interesante es que dentro de esta súplica sale a la luz algunos abusos cometidos hacia ella lo cual muestra que este rock star no es un personaje perfecto y que lo que está sufriendo podría ser consecuencia del "karma". "How could you go? when you know how I need you to beat to a pulp on a saturday night, oh baby". El tono de esta canción es completamente patético y deprimente. Waters no se limita a cantar la canción sino casi la actúa. Músicalmente es un ejemplo de como Waters quería que en varias canciones la música solo fuera un acompañante de la voz. Casi no hay guitarra ni batería, solo un teclado para crear atmósfera.

Este es el fin de la primera parte. La próxima semana entraré a la segunda parte del album con más reflexiones acerca de sus canciones.

Si te gustó este post te invito a leer el que escribí acerca de Wish You Were Here también de Pink Floyd y el post del disco A Trick of the Tail de Genesis, ambos del género del rock progresivo.

Para leer la segunda parte de este post haz click aquí.

Beetlejuice y la muerte según Tim Burton

2011-06-29T18:16:00.000-07:00

Beetlejuice es una de las películas que más he visto en mi vida. La vi cuando tenía aproximádamente 10 años y fue una cinta decisiva en definir mi futura afición por el cine. Hasta ese momento no había visto algo tan imaginativo, gracioso y, de cierta forma, grotesco a la vez.

La cinta es dirigida por Tim Burton y mi preferida de su obra. No puedo decir que es la mejor porque con películas como Batman, Batman Returns, Ed Wood y Big Fish es difícil de decir pero personalmente esta cinta me tocó de una forma distinta al resto. Burton en estos momentos es considerado por muchos un genio con un estilo propio, además de un creador de personajes y mundos que solo puede salir de su imaginación. Para el año 1988 solo había dirigido un largometraje llamado Pee Wee's Big Adventure la cual tuvo buena acogida y lo llevo a tener la libertad de crear un film más al estilo gótico moderno que le gustaba.

Beetlejuice trata acerca de una pareja de casados sin hijos, intepretados por Alec Baldwin y Geena Davis, que viven una vida ideal para ellos, felices en un pequeño pueblo en EEUU. Un día mueren en un accidente y descubren las cosas que pueden ocurrir después de la muerte. Ahí es donde la cinta saca su visión única de lo que ocurre cuando mueres. También la pareja se da con la sorpresa que sus almas están atrapadas dentro de su casa y una familia muy excentrica se ha mudado con ellos. Para poder botar a la familia de la casa piden la ayuda del fantasma Beetlejuice, intepretado por el genial Michael Keaton, el cual dará más problemas que soluciones.

Alec Baldwin, Genna Davis, Winona Ryder, quien interpreta a la hija de la pareja que se muda a la casa, y el resto del elenco, hacen un muy buen trabajo pero el que se lleva todas las palmas es Michael Keaton quien creó un personaje, para mi, único en la historia del cine. Beetlejuice es un personaje caótico, pervertido, y que de cierta forma representa todo este mundo surreal y fantastico en el que los muertos se pueden mezclar con los vivos. En el siguiente video se puede ver la actitud desctructiva y anarquica de Beetlejuice en el que ataca por última vez a los invasores de la casa. Se puede apreciar todas las herramientas visuales que Burton usa para crear una situación surreal y hacerla propia.

Un tema importante es el de la muerte. En la cinta alguien muere y no hay un Dios detrás de una luz que te va a recibir. No existe tampoco un concepto claro del cielo y el infierno. Acá la muerte es un proceso de aprendizaje de una nueva forma de "vivir", por ponerlo de una manera. Hay reglas muy estrictas que el muerto tiene que seguir, hatsa existe una "guía para los recién fallecidos" que todo muerto tiene leer para poder continuar paso a paso a través de un procedimiento basicamente burocrático hacia algo que nunca está claro en la cinta. Como mencionaba, en ningún momento se dice si esta pareja ha sido buena o mala y les espera una buena o mala eternidad, sencillamente están en cola como todos los demás.

Otra cosa que siempre me llamó la atención es el tono de la cinta. Oficialmente la película es PG, código que se da en EEUU para cintas aptas para todo público. Fuera de la calidad de la calidad de la cinta y que esté entre mis preferidas, siempre me pareció que era una película que pasaba de situaciones graciosas a lo para toda la familia a otras un poco más sugestivas que oficialmente no son para público infantil. Por ejemplo, Beetlejuice es un espiritu que se muestra siempre ansioso por no decir "arrecho" y se puede ver en esta escena en el que Beetlejuice tiene la posibilidad de defogar energia cuando aparece un burdel adelante suyo. Para mi esta cinta tiene mucho humor adulto que un niño seguro no entiende pero creo que eso también es parte de lo que hace unica a la cinta, como mezcla tonos y puede ser atractivo para todas las edades.

Hay ciertas decisiones que un director, solo o con su equipo, toman ya sea en la pre producción, producción o post producción que definen si su cinta va a diferenciarse del resto o va a ser una más dentro de su genero. Entre las tantas buenas decisiones que Burton y equipo tomaron están el tema de la música. Aparte del trabajo del gran compositor y colaborador de Burton, Danny Elfman, también se encuentran una serie de composiciones del género calypso. Esta música le da una mayor extrañeza a la película de la que ya tiene por otros elementos y hace que varias escenas sean únicas y más alucinantes. La escena a continuacíon ya es un clásico y personalmente me parece una joya del cine.

Como les contaba, Beetlejuice es una de las películas que más he visto en mi vida y podría decir que es una cinta que definió mi infancia. No paraba de pensar en esta cinta y la veia una y otra vez buscando nuevos detalles que se pudieran haber pasado antes. Su mezcla entre horror grotesco, comedia, la actuación de Micahel Keaton y todo el imaginario alrededor de la muerte que contiene la cinta, la unión de estos elementos fueron la mezcla perfecta para mi cuando era niño. Saldrá alguna vez una cinta tan única como esta en tantos aspectos? Habrá otro personaje como Beetlejuice alguna vez? o me van a decir que esta imagen no es entrañable.

Before These Crowded Streets: rock fusión con emoción

2011-06-25T17:19:00.000-07:00

Recuerdo en el año 1997 que un amigo me enseñó un par de canciones del disco Before These Crowded Streets de Dave Matthews Band y eso bastó para que me quedara enganchado de por vida con esa banda y más con ese disco. En esa época practicamente toda la música que escuchaba era rock pesado. Bandas como Metallica, Korn, Marilyn Manson y Pantera era lo que más me llamaba en esa época junto con Smashing Pumpkins que era rock alternativo. Escuchar Before These Crowded Streets me hizo abrir un poco más el panorama y me hizo dar cuenta que mis gustos también se podían inclinar por melodías suaves y ritmos más jazzeados y fusionados.

Dave Matthews Band estaba conformado en ese momento por Dave Matthews en la voz y guitarra acústica, Carter Beauford en la batería, Stefan Lessard en el bajo, Boyd Tinsley en el violín y Leroi Moore en los vientos que lamentablemte fallecido en el 2008 por causa de un accidente. En este disco la banda estaba en el pico de su creatividad y experimentación. A diferencia de sus discos anteriores que fueron más orientados al rock y al blues, en Before These Crowded Streets es más tirado al rock fusión y world music, se puede encontrar influencias árabes, un poco de jazz, acercamientos a música clásica, etc. El impulso creativo se muestra hasta el punto en que en la mayoría de espacio entre canción y canción, se inserta una pequeña pieza musical, como una mini canción para "rellenar el espacio", eso demuestra la cantidad de ideas que flotaban en el ambiente a la hora de componer.

Acá no hay canción mala ni que sobre. Cada una es una obra maestra y muestra una cara distinta de la banda y te transmite una sensación distinta. A través de la música y la voz de Dave Matthews, el disco nos transporta por muchas sensaciones distintas como la alegría y sensación de fiesta como en Rapunzel y en Stay (Wasting Time) las cuales tienen ritmos que te invitan a seguir el ritmo con el cuerpo. "We were dancing mouths open, we where splashing tongue taste and for a moment this good time will never end" canta Dave Matthews recordando con nostalgia pero también con alegria un buen momento.

Por otro lado el disco también te transporta a lugares más oscuros, tristes y melancólicos, donde la desesperanza reina. Estos son los momentos que considero más dificiles del disco porque musicalmente la banda incorpora elementos que al gente en general no busca en el rock como un cuarteto de cuerdas con violencellos que ayudan a crear atmósferas por momentos tétricas como Halloween, la cual considero una mezcla entre Dave Matthews Band y Korn, y The Stone que temáticamente comunican desesperación y angustia. En The Stone canta como si fuera un hombre que ha hecho algo malo y tiene que escapar de un lugar y le pregunta a una persona importante para él si lo acompañaría en el viaje. "I was just wondering of you'd come along. Tell me you will" canta un poco resignado al final de la canción.

A Dave Matthews, líder y compositor principal de la banda, se le ha criticado a veces por las letras de las canciones. Se le ha acusado de ser cursi hasta el punto de rozar con lo vergonzoso y esto ocurre porque Dave Matthews es un músico que no tiene miedo de mostrar lo que siente en letras que no buscan la metáfora difícil ni la poesia sino que describen de forma muy clara lo que una persona puede sentir cuando está feliz, triste y hasta enamorada como en la canción Crush, para algunos la mejor del disco. "Lovely lady, let me drink you please, I won't spill a drop I promised you. Lying under this spell you cast on me each moment the more I love you."Bueno, sí es un poco cursi pero en eso se diferencia de muchas bandas.

Algo que me gusta mucho en este disco es como existe en algunas canciones una contradicción entre música y letras en el sentido que puedes estar scuchando una letra bonita y positiva pero a la vez una melodía que se puede considerar triste como en el caso de la canción Spoon con la que cierra el disco. En esta canción el mensaje es muy simple, ríe un poco y deja atrás los problemas por un momento lo cual junto a la música, la cual me ha puesto la piel de gallina más de una vez, crea una especie de "triste alegria".

Before These Crowded Streets es un disco que considero único en su combinación de fondo y forma. Me parece que alguien que aprecie la música tiene que que escuchar con detenimiento est obra maestra. De escucha obligatoria.

Jackass: 10 años de tonterías y risas

2011-06-22T15:42:00.000-07:00

Se que este post va a sorprender a algunas personas que han leido antes las cosas que escribo. Hasta el momento he escrito de películas de autor como Taxi Driver de Scorsese o Magnolia de P.T Anderson. En esta ocasión voy a romper un poco esa costumbre y voy a hablar acerca de un grupo de comedia que seguramente conocen llamado Jackass. De todas formas el cine no es solo ficción, también el cine puede estar dentro de la no ficción como los documentales y creo que tranquilamente Jackass podría entrar de alguna forma en esa categoría.

Por qué voy a escribir de Jackass se preguntarán. La verdad es que desde que inicié el blog siempre pensé en escribir algo de Jackass aun así hasta el momento me haya concentrado más en obras consideradas más "cultas". Desde que Jackass empezó como serie de TV en MTV me volví fan automáticamente. El sentido del humor de la serie era parecido al mio, siempre fui fán de Los Tres Chiflados y de como se pegaban unos a otros, de las bromas que se hacen en las calles como las hicieron en Videomatch alguna vez y por último del programa America's Funniest Home Videos donde veias a personas teniendo "accidentes" de forma repentina. Jackass tomó varios de esos elementos y los llevó a niveles más crudos y exagerados.

Jackass nació con la unión de fuerzas de varios "desadaptados" que desde varios sitios distintos de EEUU hacían sus propios videos haciendo acrobacias o como lo llaman en inglés "stunts". De ese grupo resaltaron nueve, quienes liderados por el director Jeff Tremaine y el productor, anteriormente nominado al Oscar, Spike Jonze se mantuvieron juntos hasta después de la cancelación de la serie y la realización de tres películas en el transcurso de diez años. Estos son Johnny Knoxville (también co-creador), Bam Margera, Ryan Dunn, Steve-O, Chris Pontious, Danger Ehren, Dave England, Wee Man y Preston Lacy.

Este es un grupo que nació de forma un poco improvisada pero que con el tiempo se volvió una compañia de comedia en donde sus protagonistas muestran versiones de si mismos o alter egos especiales para la pantalla, mostrando personalidades muy definidas pero que nunca dejan de verse naturales.

Entiendo que Jackass no sea del agrado de la mayoria de personas y que sea considerado una tontería. La verdad es que sí es comedia en su expresión más primaria. También puedo entender que algunas de las cosas que hacen sean muy asquerosas o violentas para la mayoría. Mierda, vomito, golpes, perversión, son algunas de las cosas que se pueden encontrar en sus tres cintas. "... it had shit, puke, danger... that's all this show it's about" dice Chris Pontious casi al final de la tercera cinta Jackass 3D y no le falta razón.

Personalmente a mi me parece una tontería y una asquerosidad pero bien hecha y bien pensada. Por un lado decidieron en ir más allá haciendo y mostrando cosas que, en TV y luego en cine, nadie se había atrevido a hacer. Por ejemplo, muchas de las bromas que hacían en la calle iban más allá de lo socialmente aceptado generando real incomodidad en las personas inocentes afectadas, como en el clásico "poo diaper" de la serie de TV.

Algo interesante es como se atrevieron a romper algunos tabúes acerca de lo que a los hombres les gustaría ver, lo cual empezó con Party Boy, personaje creado por Chris Pontious en el que sorprendía a varios hombres en la calle bailándoles de forma sugestiva y graciosa a la vez. Este tema con el paso del tiempo, y más en las películas, fue degenerando hasta el punto que a la mayoría de miembros del grupo ya no les molestaba salir haciendo desnudos casi completos o haciendo "stunts" que ellos llaman sencillamente su "gay stuff" como el "dick rocket" o "toy car" en el que Ryan Dunn se mete un carrito de juguete en el recto para jugarle una broma a un doctor o por último el "ass kite" en el que Bam Margera.... ya vean ustedes nomás.

Fácil lo más primario del humor en Jackass se basa en ver como se sacan la mierda con las tonterías que hacen. Como decía más arriba desde el cine mudo, pasando por Los Tres Chiflados hasta el Chavo del Ocho siempre ha dado risa el golpe o el "tortazo" siempre dentro de un contexto cómico. Los Jackass tuvieron claro eso desde el inicio y supieron explotarlo con buenos resultados. La forma en que se acercan a este tipo de material va desde lo más simple:

... hasta material inspirado en dibujos animados de la Warner Brothers como Bugs Bunny o el Correcaminos:

Al final, lo que mejor funciona en Jackass son las relaciones entre sus integrantes. Ellos mismos son los que lo hacen entretenido y no necesariamente las cosas que hacen. Pon a otras personas haciendo lo mismo y el resultado no sería lo mismo porque lo entretenido de cada "stunt" en Jackass es el antes, durante y después, todo es igual de importante. Muchas veces lo más gracioso es cuando algo falla o son esos momentos graciosos que ocurren de un momento a otro como cuando estás con tus amigos.

Malo o bueno a mi esta gente me alegra y de cierta forma me hace recordar a mis amigos y a las varias tonterías que hemos hecho juntos, algunas hasta ahora. Todos necesitamos un momento para poner el cerebro en off y reirnos de las cosas simples de la vida como una buena patada en la ingle.

Este post es dedicado a Ryan Dunn, miembro de Jackass que falleció este lunes a los 34 años en un accidente automovilístico. Esta fue la razón principal por la que escribí el post.

Antichrist Superstar: la mejor música salida del "infierno"

2011-06-18T16:42:00.000-07:00

El disco Antichrist Superstar de Marilyn Manson es uno de los mejores discos de los 90s, punto. Yo se que no es una opinión muy popular y diría que es hasta incomprendida, pero creo que si se va un poco más allá del prejuicio que existe contra Marilyn Manson la persona, uno va a poder encontrar a un músico y una banda que en 1996 tuvieron una propuesta y una visión única para su época. Marilyn Manson en ese época estaba conformado por Marilyn Manson a.k.a. Brian Warner (voz, letras y conceptos), Twiggy Ramirez (bajo), Madonna Wayne Gacy (teclados, sinetizadores, loops y bits), Ginger Fish (batería) y Zim Zum (guitarra). Una figura muy importante en la creación del disco Antichrist Superstar es el músico y productor Trent Reznor de la banda Nine Inch Nails quien no solo le supo dar al sonido del disco la fuerza típica del metal industrial con toda la complejidad de la combinación de las guitarras y los sonidos sacados de los sintetizadores, sino además una sensibilidad pop que le permitió a Manson crear canciones que, aunque suene mentira, puedan tener ritmos y melodias atractivas para un público más amplio.

Este disco me parece que es muy importante porque sale en una época en que se había perdido la idea de los conceptos en los albumes. Con el grunge y el rock alternativo en general la idea fue volver a las raices y que las bandas se mostraran sin artificialidades. Marilyn Manson quizo romper eso y volver a una tradición perdida de discos conceptuales con historias, personajes y teatralidad. Esto se dio gracias a la visión que tuvo Marilyn Manson (la persona) en crear este alter ego, en querer ser ambicioso en su propuesta y de paso retar a la sociedad conservadora. Manson es uno de las pocos músicos que continuó con la tradición de Alice Cooper, David Bowie y Peter Gabriel de no solo salir al escenario a tocar música sino de darle también una experiencia más visual y completa al fanático.

Se podría decir que el concepto del disco es inspirado en alguna medida por Ziggy Stardust de David Bowie. Ziggy Stardust cuenta la historia del ascenso y caida de un mesias extraterrestre convertido en rockstar. En Antichrist Supertar se cuenta la historia de un hombre "The Worm" atrapado por una sociedad que reprime a sus habitantes que decide rebelarse y ser un guia, para luego convertirse en un nuevo mesías, el anticristo superestrella. A diferencia de Bowie, el "Antichrist Superstar" no iba a descender, el anticristo llegó para quedarse y dominar el mundo.

Como mencionaba más arriba, un aspecto importante del disco, que fue uno de los aspectos que me cautivaron cuando lo escuché por primera vez, fue la variedad que había de canción en canción. No estoy hablando necesariamente de variedad de estilo ya que todo entra, creo yo, dentro del lo que se llama metal industrial o metal altenativo, sino en aspectos que van más por la producción y lo que suelen llamar en inglés, los "melody hooks". En el disco se puede encontrar canciones muy duras y directas como la canción "Irresponsible Hate Anthem", con la que abre el disco y da inicio a la historia.

También hay canciones más suaves con pequeños arreglos de piano y flauta que demuestran como la banda no tenía miedo de experimentar y de esa forma sacar una obra con una visión más amplia que la del resto de bandas en el género. A su vez es interesante como Manson decide en muchas ocasiones "maquillar" su voz con efectos que lleva a las canciones a no ser simples canciones sino a ser instrumentos que ayuden a crear atmósferas muchas veces tétricas. Una par de ejemplos son las canciones "Kinderfeld" y "Cryptorchid".

Como mencionaba más arriba, Trent Reznor fue fundamental en abrir el abánico de posibilidades para la banda y y demostrar que se puede ser heavy y a la vez darle un poco de ritmo a una canción. Claros ejemplos son los temas "Mister Superstar" y "Wormboy". En esta última Manson canta "Then I got my wings and I never even knew it, when I was a worm thought I wouldn't get throught it", en este momento ya empezó la tranformación del personaje (the Worm) y su evolución para convertirse en el Anticristo Superestrella.

El clímax del disco llega con la canción "Antichrist Superstar". El proceso de transformación terminó, "the Worm" consiguió sus alas, voló y se tranformó en una estrella mesiánica que traerá el infierno a la Tierra. "You built me up with your wishing hell" dice Manson al inicio de la canción, luego de escuchar a la multitud aclamándolo en los tiempos que dicta la música.

Antichrist Superstar está entre los discos que más he escuchado en mi vida. Este disco para mi significó la combinación perfecta de fuerza, agresividad y rebeldía que cualquier adolescente podía necesitar. Además fue una de los pocas bandas que no quizo ser una más del montón y decidió ir más allá en terminos de concepto. Antichrist Superstar no es un solo un disco, no es solo música, es una declaración. Es el pico de un artista que se vio como algo más, como algo fuera de la sociedad, de este mundo. ¿Cuándo llegará el próximo anticristo superestrella? Espero que pronto porque el panorama musical se ve muy aburrido.

Taxi Driver: cuando la soledad y la ira rozan con la locura

2011-06-15T21:05:00.000-07:00

Me acuerdo haber visto Taxi Driver (1976) a los 13 años aproximadamente, en el año 1995. En esa época estaba empezando a ver cine que no era considerado para toda la familia como las cintas de Tarantino, Coppola, Lynch, Stone, etc. Eran films violentos y que tocaban temáticas a veces un poco sordidas, de personajes marginales y a mi sencillamente me encantaba (mi mamá lo odiaba). De todos, el que consideraba preferido de los viejos maestros era Martin Scorsese.

Scorsese es un gran director, fácil uno de los mejores de la historia, eso nadie lo duda. Fuera de eso creo que Scorsese fue bendecido al haber conocido en su juventud a un aspirante a actor llamado Robert De Niro. El destino los unió y juntos crearon varias de las películas más memorables de los últimos 40 años (algunas más serán tocadas en próximos posts). Una de esas cintas es la genial Taxi Driver. La cinta trata acerca de Travis Bickle, un veterano de Vietnam que trabaja como taxista en las noches. Bickle trata de lidiar con la extrema soledad en la que vive y su desencanto con el mundo que lo rodea, lo cual poco a poco lo va haciendo descender en un espiral de violencia y locura. Para eso se obsesiona con dos mujeres. Una trabaja en la campaña de un candidato a la presidencia con la que trata de empezar una relación sentimental. Por otro lado está una prostituta de 12 años intepretada por Jodie Foster la cual quiere salvar de las garras de un "pimp" interpretado por Harvey Keitel, esto último con violentas consecuencias.

Para ser justos, en el caso de esta película, hay una pieza más de la ecuación que no es mencionada tantas veces como los mencionan a Scorsese y De Niro y es el guionista de la cinta, Paul Schrader. Schrader afirma que escribió el guión en una etapa depresiva y suicida de su vida. Ha llegado a contar que la escribió con un revolver cargado junto a la máquina de escribir haciéndose jurar a si mismo que si dejaba de escribir se pegaba un tiro en la cabeza. Dice que la desesperación, la soledad y la ira hacia la sociedad que el personaje Travis Bickle siente en la cinta la sentía en la vida real.

Cuando me tocó ver Taxi Driver nunca pensé que una película se me iba a quedar tanto tiempo en la cabeza, reviviendo momentos, recordando líneas de diálogo, recordando esa imagen icónica de De Niro con el corte mohawk tipo indio.

Una de las cosas que más me sorprendieron fue como usaron tan bien el recurso del voice over para expresar todo lo que sentía el personaje y como iba descendiendo en ese espiral de rabia y locura. Muchos "conocedores" del cine afirman que el voice over es un recurso facilista ya que te permite escuchar los pensamientos de un personaje y te ahorra tener que mostrarlo solo en acciones y diálogos como se supone el guión manda. El tema acá es que Travis Bickle es un personaje muy complejo y contradictorio y creo que la única forma de mostrar con claridad su desesperación era con el voice over.

Como mencionaba más arriba, dos elementos que definen al personaje son la soledad y la ira. "Loneliness has followed me my whole life. Everywhere. In bars, in cars, sidewalks, stores, everywhere. There's no escape. I'm God's lonely man." Eso dice Bickle en una escena de la cinta en la que está reflexionando acerca del lugar que tiene en el mundo. Ve su salvación en una mujer, Betsy, interpretada por Cybill Shepherd, a la cual conoce y logra convencerla para salir con él en una cita. En esa cita Travis demuestra lo desadaptado que es al llevarla a ver una cinta pornográfica. Travis pierde su oportunidad tener una vida normal, de llenar un vacío, lo cual lo hace bajar un escalón más hacia la desesperación y la ira. A su vez también hace que muestre que es humano y que se puede sentir herido por el rechazo.

Llega un punto de la cinta en que el Travis está cada vez más desatado y rabioso contra todos. La sociedad, la mujer que lo rechazó, la delincuencia. "Listen you fuckers, you screwheads. Here is a man who would not take it anymore. A man who stood up against the scum, the cunts, the dogs, the filth, the shit. Here is a man who stood up." Travis se ve a si mismo como el hombre que va a limpiar a la ciudad y la única forma que sabe como hacerlo es a través de la violencia. Él es un elegido, un exterminador.

Se propone como meta salvar a una prostituta de 12 años y hacer que deje la prostitución. Primero trata de hacerlo hablando con ella pero falla. Cuando Travis decide empezar a "limpiar" la ciudad comienza por ir tras la chica lo cual nos lleva al climax de la cinta y a la escena más violenta de esta. Scorsese llega a un punto medio entre la estilización de la violencia y la crudeza de esta.

Taxi Driver, desde mi punto de vista, es una cinta de defogue. Por momentos puedes llegar a identificarte con parte de la frustración, ira y soledad que siente Travis y de esa forma expulsar esa carga a través de las acciones extremas que el personaje realiza y que uno como espectador ve en la cinta. Todos nos hemos sentido frustrados alguna vez. Todos tenemos un Travis Bickle dentro que, por el bien de todos, sabemos manejarlo.

A Trick of the Tail: cuentos y fantasía al estilo Genesis

2011-06-11T14:15:00.000-07:00

Hace tiempo que quería escribir un post acerca de Genesis pero no sabía con que disco comenzar. Genesis es una banda que ha tenido una carrera muy pareja y comparar discos es una tarea muy difícil. Hay mucho para escribir de ellos, solo la primera etapa de su historia con Peter Gabriel como vocalista va a merecer unos cuantos posts en el futuro pero para esta ocasión me voy a centrar en el disco de 1976 A Trick of the Tail.

A Trick of the Tail es el primer disco que Genesis lanzó después de la salida de Peter Gabriel, dejando la banda con Steve Hackett en la guitarra electrica y acústica, Tony Banks en los teclados (piano, sintetizadores, mellotron, etc.), Mike Rutherford en el bajo y guitarra acústica y Phil Collins en la batería y voz (sí, ese Phil Collins).

Cuando Peter Gabriel decide irse de la banda para dedicarse a su carrera solista la gente pensó que era el fin de la banda. Gabriel le había dado una cara única, tanto en su estilo de canto, como en sus intepretaciones teatrales que daba en los conciertos. En ese momento hicieron audiciones pero no encontraban a la persona idonea, hasta pensaron en volverse una banda instrumental, pero un dia le dijeron al baterista Phil Collins que trate de cantar una de las canciones que habían estado componiendo. En ese momento decidieron que Collins tenía que volverse el nuevo vocalista lo cual llevó a que cumpliera doble función en el studio. En los conciertos tuvieron a un par de bateristas que tocaban la mientras Collins cantaba y en los momentos instrumentales Collins también tocaba una segunda batería que tenían en el escenario.

A Trick of the Tail es un disco que continua con la tradición de los discos anteriores de Genesis y del genéro progresivo en general. Se podría decir que es menos complejo que discos anteriores de la banda como Foxtrot o The Lamb Lies Down On Broadway (discos a tratar en siguientes posts), en el sentido que fueron un poco más comerciales acortando un poco la duración de las canciones y dándole a algunos tracks estructuras de estrofa/verso más convencionales, pero cada uno de los miembros de la banda, músicalmente estaban en su mejor nivel. La sección rítmica (bajo y batería), por momentos, llega a tener aires de jazz fusión en canciones como Los Endos y Robbery, Assault & Battery, en ese momento Phil Collins estaba considerado entre los mejores bateristas que el rock ofrecía. Melódicamente, el tecladista Tony Banks,quien en ese momento era el compositor principal, creó temas como Entangled y Mad Man Moon que se volvieron clásicos del género por ser composiciones complejas y a la vez de fácil escucha para el púbico general.

Temáticamente el disco continua con el estilo fantástico y lírico característico del género progresivo y que Genesis no era ajeno. Rituales con sacrificios humanos, hospitales de niños en épocas de peste, reflexiones acerca de la vejez (Ripples) y criaturas fantásticas llenan el disco de ese tipo de letras evocativas, letras que te hacen imaginar las situaciones que narra, como cuando a los niños se les narra un cuento lo cual hace que en sus cabezas se imaginen y creen sus versiones de lo que están escuchando. Mucho ayuda que en la portada del disco, que se encuentra más arriba, aparezcan algunos de los personajes que se mencionan en las canciones.

Un ejemplo se da en la canción A Trick of the Tail, del mismo nombre del disco, que narra las desventuras de un demonio, con cuernos y cola, que decide irse de su reino y aventurarse en el mundo de los hombres solo para ser enjaulado como un fenómeno de circo. Atrapado se da cuenta que nunca debió haberse ido de casa y convence a los hombres que lo acompañen en su viaje de vuelta para demostrales que su reino existe. "There, beyond the bounds of your weak imagination, lie the noble towers of my city bright and gold. Let me take you there, show a living story...". A continuación les muestro el video de la canción.

Otra canción fundamental es Squonk, la cual no solo muestra una lírica como la que he venido describiendo sino que además, musicalmente, tiene un estilo más directo de rock el cual la banda poco a poco se fue dirigiendo con los años. Esta canción trata acerca de ua criatura llamada Squonk y del reino que quiere eliminarla. Es un animal único que llora mucho porque es único en su especie y sus llantos no deja dormir a nadie. El reino manda al mejor de sus cazadores para matar al animal pero el cazador al atraparlo descubre que sus lagrimas lo hacen desaparecer y poder escapar.

Como verán, canciones así, se dejaron de escribir hace mucho tiempo. Hubo un tiempo en que en el rock no se mostraban límites para componer música y escribir letras. Los músicos volaban con su imaginación y le daban al público una razón para escuchar ssu discos una y otra vez. Se volverá a escuchar algo así otra vez?

25th Hour: una historia moral en una ciudad desmoralizada

2011-06-08T20:27:00.000-07:00

Spike Lee es un director que tiene unas de cal y otras de arena. Tiene películas muy valoradas (Do the Right Thing, Malcolm X), como también tiene otras que han sido consideradas desastrozas (Girl 6, Miracle at St. Anna). 25th Hour (La Hora 25) está entre sus mejores cintas, personalmente la considero la mejor. En este film Lee transmite a la perfección a través de la puesta en escena y de las actuaciones la sensación de derrota que se da en el protagonista y en New York City post ataques del 11 de Septiembre.

La cinta trata acerca del último dia de libertad de Montgomery Brogan, interpretado por Edward Norton, antes de tener que presentarse en la carcel para cumplir 7 años por tráfico de drogas. En este último dia pasa tiempo con su enamorada (Rosario Dawson), su padre (Brian Cox) y sus dos mejores amigos (Philip Seymour Hoffman y Barry Pepper) quienes tratan de afrontar la situación. Bajo este contexto se desarrollan los temas como la culpa, la confianza, la decepción, la relación del hombre con la sociedad en la que vive, etc. Es importante ver como la película no solo se centra en lo que siente el protagonista sino en la culpa que sienten sus seres queridos. El padre preguntándose en qué se equivocó, los amigos acusándose por hacerse de la vista ciega ante los actos ilegales de su amigo.

A mi parecer, Spike Lee filma esta cinta con su estilo característico pero de forma un poco más moderada. Utiliza un estilo por momento calmado y elegante, con poco movimiento de cámara, cubriendo bien sus escenas. En otro momentos sale el Spike Lee que todos conocemos con close ups exagerados, planos aberrantes, cambios en la calidad de imágen, edición picada y sus dollys en los que la cámara sigue a los actores que pareciera que el actor está flotando sobre el piso. Todo estos recursos sirven para diferenciar los diferentes estados de ánimo del protagonista y los personajes que lo acompañan durante este última dia de libertad.

Uno de los puntos más interesantes de la cinta, como mencionaba, es el contexto en el que se desenvuelve la historia. La cinta fue estrenada en el 2002, solo a un año después del ataque de las Torres Gemelas. Fue una de las pocas películas que se atrevió a mostrar las consecuencias de ese atroz ataque terrorista en la ciudad y en sus habitantes. Se menciona a Al-Qaeda y a Osama Bin Laden sin ningún tipo de censura en un momento en que el tema era demasiado sensible para algunos. Esto es algo que hace super especial a la cinta, crea el paralelo entre el protagonista y su última dia de libertad con el ambiente desmoralizado y de perdida que sufría NYC. En el siguiente clip se presenta a los dos amigos conversando acerca del futuro del protagonista, parados junto a una ventana que te muestra "Ground Zero", lugar donde estuvieron las Torres Gemelas. Acá los amigos se confrontan por la forma en la que están manejando la perdida y la frustración, de la misma forma en que los norteamericanos tuvieron que afrontar sus perdidas y frustraciones después del ataque.

Una de las mejores secuencias de la cinta es la "Fuck you scene" en la cual el protagonista está parado frente a un espejo y, en un momento que rompe el tono realista de la película, su reflejo empieza a insultar y a expulsar toda su frustración en contra de todas las minorías y estereotipos que se pueden encontrar en NYC. Nadie sale librado, negros, latinos, rusos, koreanos, judíos, la policia, sacerdotes y la iglesia católica, gays, arabes, incluidos Al Qaeda y Osama Bin Laden. El personaje desea la destrucción de la ciudad y la desaparición de sus habitantes como si estos fueran los responsables de sus desgracias. Al final su propio reflejo le dice que no fueron ellos sino fue él mismo quien se creó su propia suerte. La forma en la que Lee lo filma y lo edita hace de la escena un momento único que te puede llevar a reflexionar sobre como ves al resto y sobre tu tolerancia hacia ellos.

Otra secuencia notable es el final de la cinta. El papá está llevando al protagonista a la carcel y en el camino le pregunta si quiere cambiar de dirección y escapar. Desde ahi empieza la narración del papá de como podría ser ese escape, de como se escaparían hacia el centro de EEUU, de la experiencia de vida que significaría para su hijo. La película hasta te lleva al extremo de especificar a que pueblo llegaría y como el personaje de Norton se adoptaría a su nueva vida, de como no miraría hacia atrás por varios años hasta que se pueda reencontrar con su enamorada y empezar una familia con ella. Hasta ese momento uno puede llegar a convencerse que lo que está viendo es una mirada al futuro y que todo eso es realidad, hasta que regresas al carro otra vez, todavía en NYC y ves que su dirección no ha cambiado y que Monty irá de todas maneras a la cárcel.

Esta es una cinta que te hace reflexionar acerca de como te relacionas con tus seres queridos, de como reaccionar ante los momentos difíciles, de saber bien en quien confiar y en quien no, de quienes son tus verdaderos amigos, de intentar llevar una buena vida. Uno es lo que hace y uno se forma su propio destino. Esta es una cinta como pocas.

The Social Network: ser un genio y un "asshole" a la vez

2011-06-01T19:27:00.000-07:00

The Social Network (2010) trata de muchas cosas y no es solamente la "película de Facebook" como muchos quisieron etiquetarla de manera prejuiciosa. Este film toca temas como la amistad, la traición, la envidia, el impulso creativo, etc. Es una cinta que, a mi parecer, es la perfecta combinación entre dirección, guión y actuación. Examinaré a los principales gestores de esta obra maestra y luego daré paso a los temas que me parecen más resaltantes.

Qué se puede decir de David Fincher que no se haya dicho antes? El hombre se ha vuelto un maestro del cine. Tiene un manejo excepcional del lenguaje cinematográfico que, junto con su elección a veces perturbadora de temáticas, nos ha traido algunas de las películas más inolvidables de los últimos 20 años. Para mi esta es su mejor película, lo cual no es una opinión muy popular entre los amantes de sus películas más queridas, Seven (1995) y Fight Club (1999). Para mi Fincher llega al pico de su manejo del lenguaje cinematográfico al darnos una película que se desarrolla en habitaciones cerradas, frente a computadoras y con diálogos largos entre personas sentadas en mesas cara a cara y hacer que la cinta se sienta como un thriller. Fincher junto con su equipo, lograron que la edición, la cinematografía, los movimientos de cámara, la música electrónica de Trent Reznor (Nine Inch Nails), etc. estuvieran 100% en función de la historia y que, sin embargo, tuvieran un atractivo en si mismo. El ritmo de la edición en los flashbacks y flashforwards y la cinematografía oscura que muestra Harvard de noche como si fuera una película de terror te hace preguntar "esta no era una película de Facebook?"

El guión fue escrito por Aaron Sorkin, conocido por su trabajo en TV (The West Wing). Sorkin es conocido por sus diálogos, por el ritmo que estos tienen y por las precisas palabras que usa para acentuar intenciones.

Sorkin asegura que nunca ha tenido cuenta de Facebook y ni sabía bien lo que era. Lo que le llamó la atención fue el libro The Accidental Billionaires de Ben Mezrich y lo que sacó de ahi no fue la historia de la novedad llamada Facebook sino, principalmente, la historia de una amistad rota entre Mark Zuckerberg y su mejor amigo Eduardo Saverin.

Estos dos personajes están a cargo de Jesse Eisenberg y Andrew Garfield. El primero crea un Zuckerberg frio, envidioso y ambicioso, esos antiheroes que nunca dejan ver de forma clara sus intenciones, que pueden clavar puñaladas por la espalda pero que tienen ciertas características e inseguridades que hacen inevitable la identificación con ellos. Al lado contrario está Garfield, que su personaje Eduardo Saverin, a mi parecer, llega ser el alma de la historia, el único personaje limpio, no contaminado, que es traicionado al final por su mejor amigo. Esta es una película muy triste que te va mostrando a detalle la desintegración de una amistad por culpa de la envidia, el dinero y la ambición.

Otro tema que me dejó pensando mucho después de verla es el de la relación de Zuckerberg con las mujeres y principalmente con el personaje de la ex enamorada interpretada por Rooney Mara, lo cual hizo que la cinta recibiera acusaciones de ser misógina. Según la película, los origenes de Facebook se dieron en una página que Zuckerberg creó llamada Facemash en el que comparaba a las mujeres de Harvard según atractivo físico. Esta es una especie de venganza que hace contra el género femenino que nace de la rabia como consecuencia de lo que sucede en la primera escena de la cinta en la que su enamorada lo termina. "...you're going to go through life thinking that girls don't like you because you're a nerd. And I want you to know, from the bottom of my heart, that that won't be true. It'll be because you're an asshole." (Ouch!)

La rabia que genera esto es lo que lo motiva realmente a hacer lo que hizo y, al igual que Ciudadano Kane tuvo su Rosebud, el recuerdo de esta ex enamorada es lo que siempre lo va a llevar a un tiempo en el que la vida era más sencilla. Por eso no sorprende que la última escena de la película sea Zuckerberg frente a un monitor mostrando su creación, solo, buscando tener otra vez contacto con esa persona a través de un click. Ese click que cambió las comunicaciones para siempre.

Korn y el metal dramático

2011-05-29T19:36:00.000-07:00

Primero que todo quisiera hacer un pequeño disclaimer y avisar que este post tiene lenguaje un poco duro y narra situaciones que podrían herir susceptibilidades.

Traición, dolor, traumas de la niñez, abuso sexual, estos son los temas que se escuchan en el disco debut de Korn. Korn, que estaba formado en 1994 por Jonathan Davis (vocalista), Fieldy (bajo), Munky (guitarra), Head (guitarra) y David Silveria (batería), tomaron por asalto la escena metal de mediados de los 90s con un híbrido de metal, funk y rap. Su primer disco fue la base del movimiento llamado new metal (o nu metal) que tuvo tanto fanáticos como detractores.

En su debut Korn demostró que se podía hacer metal sin tener que depender de solos y riffs de guitarra elaborados y ritmos básicos. Como mencionaba más arriba, Korn agarró el groove del funk y el fraseo del hip hop que, junto con guitarras pesadas, dieron a la juventud la combinación perfecta, una estilo de música en el cual uno podía defogar ira junto con su combinación perfecta de música y letras.

Personalmente, cuando escuché Korn por primera vez no pensaba que era posible que una banda de rock pueda comunicar esa clase de contenido o temas. Un rockero debe hablar acerca de como le pegaban en el colegio de niño? o de como lo fastidiaban de homosexual? o de como sufrió repetidas veces abuso sexual? Olvidense de ls letras hipersexuales de Motley Crue o de las letras oscuras de Slayer, este es el verdadero métal no apto para toda la familia.

El principal gestor de esta diferenciación es el vocalista, Jonathan Davis, quien no tuvo una niñez ni una adolescencia feliz, el cual lo llevó a las drogas. La música lo salvó y le dio una herramienta para expulsar sus demonios, lo cual afirma hasta ahora no ha podido. A diferencia de muchos rock stars, Davis no se deja llevar por la pose del rocker duro, mujeriego, cool. Este es un hombre que decidió desnudar su alma al público, a no tener verguenza de mostrarse como un hombre golpeado.

"Scream at me again if you like, throw your hate at me with all your might, hit me 'cause I'm strange, tell me I'm a pussy and you're harder than me". Esto canta Davis en la canción "Clown" en donde revive el acoso que recibía por parte de sus compañeros de colegio.

Una de las mejores canciones del disco es "Faget", canción que trata otra vez acerca de los abusos que recibió el vocalista en la escuela, donde era costumbre que se le fastidiara de homosexual. "I'm just a pretty boy, Im not supposed to fuck a girl, I'm just a pretty boy living in this fucked up world" dice en unas de las lineas de la canción, una suerte de resignación sobre su situación y de todo lo que ha escuchado. Al final repite una y otra vez al borde del llanto "I'm not a faget!", gritandolo al mundo que por primera vez le ha dado una voz. Esto es material muy pesado el cual no es para todo tipo de público, nisiquiera para el oyente clásico de heavy metal.

El gran final se da con "Daddy", que trata acerca de las repetidas violaciones sexuales que Davis fue víctima a manos de un vecino amigo de la familia. "Little child looking so pretty, come out and play I'l be your daddy. Innocent child looking so sweet, a rape in my eyes on your flesh I'll eat". El disco termina con Davis defogando su ira y frustración hacia esta persona que le malogró la vida, seguido de un verdadero llanto seguramente aguantado por años esperando a salir. Esto ya no es cantado, ya no es solo música, es un hombre al borde del colapso (min 5.45). Cuando se ha escuchado al frontman de una banda de rock llorar en un disco?

Este disco me dejó impresionado y me demostró como no existen moldes en lo que una banda de cierto género debería ser ni sentir. Sus guitarras pesadas, gritos, y letras te llevan a lugares muy oscuros a los cuales considero bueno ir de vez en cuando, siempre y cuando sepas como regresar.

The Royal Tenenbaums: "I always wanted to be a Tenenbaum"

2011-05-25T20:36:00.000-07:00

Wes Anderson es uno de los directores más incomprendidos en la actualidad. Es usualmente acusado de pretencioso y de ser demasiado autoconsciente con su estilo. Personalmente es uno de mis directores preferidos y todo lo que la gente puede odiar de sus films es justo lo que más me mueve de ellos.

The Royal Tenenbaums (2001) es su mejor película hasta el momento. Es una película de un estilo único, tanto por el lado formal o de estilo, como en la forma en la que combina el drama y el humor.

La película trata acerca de una familia de tres ex niños genios y diversos personajes que la rodean. Estos niños estaban destinados a la gloria pero por causa de decepciones ocasionados por los golpes de la vida pasaron de estar destinados a la gloria a estar destinados al fracaso. "In fact, virtually, all memory of the brilliance of the young Tenenbaums have been erased by two decades of betrayal, failure and disaster" dice el narrador en la introducción del film, genial secuencia armada con la melodia de "Hey Jude" de los Beatles de fondo.

El papá, Royal Tenenbaum, interpretado por Gene Hackman es una de las principales razones por las cuales la vida de sus hijos no fueron las que se esperaban. Su egoísmo y falta de empatía los fueron carcomiendo poco a poco hasta dejarlos siendo adultos heridos por dentro que no pueden tener relaciones normales con sus padres, hijos y parejas. Durante la película Royal tratará de ser parte de sus vidas nuevamente y enmendar sus errores. Los hijos son interpretados por Ben Stiller, Gwyneth Paltrow y Luke Wilson. Los tres dan unas de sus mejores actuaciones.

Los personajes a simple vista pueden parecer caricaturas pero son mucho más que eso. Sí, admito que parte del estilo de Anderson es mostrar su complejidad a través de su vestimenta y manerismos pero la gran combinación de los diálogos, la dirección y las actuaciones hacen que se vuelvan personajes entrañables y completamente identificables. Richie, el personaje de Luke Wilson, está basicamente toda la película usando el polo de un uniforme de tennis, deporte el cual lo llevó a la fama de niño. Esto es como una forma de no querer dejar el pasado mejor atrás y de pensar que hubo un tiempo de felicidad y logros.

Detalles como estos son los que hacen diferente a The Royal Tenenbaums. Una mirada, una linea de diálogo susurrada, un gag visual, son elementos que enriquecen la película y perderse uno de esos momentos te puede hacer dejar de entender el mundo interior de estos personajes o sencillamente perderte una buena carcajada.

La forma en la que filma Wes Anderson también es muy peculiar. Le gusta la mirada fija, centrada en el personaje, casi perfectamente simétrica y con movimientos de cámara casi siempre sutiles. Todo eso contribuye en hacer sentir al espectador que está entrando en una realidad híbrida, de una mirada emocionalmente sincera pero también de una realidad exagerada.

Al ver la pelicula uno encontrará personajes frágiles y golpeados que tratan de vivir su vida de la mejor forma, pero que no logran expulsar sus demonios internos lo cual no les permite relacionarse bien con los demás. Parece un tema pesado pero lo genial de Anderson es que encuentra el humor en la tristeza de la mayoría de situaciones, lo cual hace que uno pase un muy buen momento.