Prótesis: ficción criminal

Flash Gordon (1980): Ni coches ni corbatas

2018-07-11T08:00:00.000+02:00

Dino de Laurentiis tenía los derechos del personaje de cómic Flash Gordon, así que George Lucas tuvo que buscarse otros mundos y otros personajes y creó Star Wars (1977). De paso el italiano encontró un modelo a seguir.

Siendo una producción británica, Flash Gordon (1980) es italiana a rabiar, Ornella Muti está estupenda, los cielos, los decorados, el vestuario, todo ofende y complace a la vista, y los diálogos de Lorenzo Semple, Jr, redondean el giro a la comedia desmelenada.

David G. Panadero conduce esta Sesión Prótesis.

En la palma del diablo. Mathieu Mariolle. Kyko Duarte

2018-07-10T08:00:00.000+02:00

Nadie es quien parece ser, mucho menos quien dice ser

Un rompecabezas fluido y coherente

Hollywoodland, 1946. Entre los neones de la ciudad de los sueños de cartón piedra ha surgido un nuevo productor cinematográfico, William Lawford, antiguo combatiente de la Segunda Guerra Mundial e hijo de un productor enriquecido con negocios poco claros, ha vuelto para labrarse una carrera lejos de la sombra de su padre. Lo que nadie sabe, ni la policía ni los gángsteres que manejan el negocio del cine bajo cuerda, es que en realidad es un agente especial del FBI con la misión de desenmascarar los negocios de Bugsy Siegel. Su relación con éste en un Los Ángeles que, entre el asesinato de la Dalia Negra y la caza de comunistas emprendida por J. Edgar Hoover, es una caldera a presión llamará rápidamente la atención del inspector Meltzer justo cuando empiezan a aparecer cadáveres relacionados con el mundo del cine.

Mathieu Mariolle (1978, París), usa el Hollywood clásico y algunas de sus miserias como trasfondo de un juego del ratón y el gato a tres bandas entre Lawford, Siegel y el inspector de policía Meltzer, donde nadie es quien parece ser, mucho menos quien dice ser y siempre rodeados de la industria del cine, donde todo es otra cosa diferente a la que aparece en el producto final. Así, Lawford, junto a su antiguo amigo Max, empezará a buscar una historia que apadrinar, a hacer castings y a acudir a las fiestas donde la gente guapa del momento alterna negocios con diversión sin que se sepa dónde empiezan unos y otros. Mariolle, consciente de que está construyendo la historia con un personaje histórico en su centro, empuja rápidamente la trama de un punto a otro engrasando el mecanismo con unos diálogos milimétricos que trazan las diferentes personalidades y motivaciones del reparto haciendo que el rompecabezas sea siempre fluido y coherente, tanto con su lógica interna como con los datos que conocemos del mundo real en el que la historia se desarrolla.

maridaje entre el show business y la mafia

Uno de los atractivos a tener en cuenta es que en la periferia de la trama el guionista encuentra los resquicios adecuados para poner sobre la mesa temas como el racismo, la dificultad de la creación artística y su valor, la corrupción que apareja el poder, sea éste grande o pequeño, las similitudes que presentan los cuerpos de la ley y sus contrapartidas ilegales y los diversos intereses que fluyen y se mueven en organizaciones que desde su exterior se perciben como monolíticas.

Kyko Duarte (1975, Málaga), que ya había sido cooperador necesario de Mariolle en anteriores trabajos, nos narra la historia mediante viñetas y composiciones horizontales, aportando un ritmo muy cinematográfico, en un estilo realista que se apoya bastante en el color de Claudia Boccato, dejando los sombreados a lápiz para enfatizar un puñado de momentos. No creo, personalmente, que éste sea el trabajo de Duarte que más luzca, en World War Wolves su lápiz es más detallado y en sus álbumes de la famosa serie Elfos el color resalta más sus dibujos, pero es expresivo en los rostros, dinámico en la puesta en escena y, aunque caricaturesco, hace muy reconocibles a las caras famosas que se asoman cada poco tiempo a las viñetas.

En 2013, cuando se salió al mercado el primero de los dos álbumes en que se publicó originalmente la historia, ni Mariolle ni Duarte eran ya unos recién llegados ni al mundo de la BD ni al género polar (se movían con soltura tanto en éste como en las adaptaciones literarias, la fantasía o la ciencia-ficción) y el tebeo transpira esfuerzo por los cuatro costados. Entonces, si la trama es sólida, los personajes atractivos y dibujo y ambientación correctos, ¿qué pega se le puede poner? Bueno, para empezar, el segundo álbum del conjunto parece haberse hecho de una manera algo más apresurada que el primero: la amistad que se crea entre Lawford y Siegel necesitaría de más espacio y la revelación sobre los asesinatos se cierra con un diálogo creíble pero apresurado que no es tan satisfactorio como nos gustaría y, aunque el dibujo sigue a un buen nivel, se resuelven las viñetas de manera menos detallada. Pero el principal problemas es, a mi juicio, que todo nos suena, James Ellroy asoma por las esquinas aunque nada se haga completamente a su manera. Apuntados estos posibles "peros", hay que subrayar que la lectura de En la palma del diablo, a poco que nos interesen la trama o el entorno en que se desarrolla, es bastante recomendable y esa cierta denuncia que desprende del maridaje entre el mundo del show business y la mafia, que mediante representaciones románticas del mundo criminal blanquea un poco lo brutal de sus métodos, sigue estando vigente hoy día.

Yermo Ediciones reúne los dos álbumes originales en un solo volumen en tapa dura, a mayor tamaño del habitual en la BD francobelga y que presenta una reproducción excelente, complementado todo con unas cuantas páginas de extras con comentarios del guionista y dibujante, bocetos, diseños y alguna página a lápiz original que nos acerca al proceso creativo.

Yermo, 2016

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Miguel Ángel Vega

Podcast: Entrevista con Juan Madrid

2018-07-09T08:00:00.000+02:00

Juan Madrid, escritor emblemático y muy conocido por novelas como Días contados (llevada al cine por Imanol Uribe en 1994) o series como Brigada central (Pedro Masó para TVE, 1989), es entrevistado por David G. Panadero.

Una fluida conversación entre amigos en la que confiesa que Madrid, la ciudad, es otra canción, que necesita otro cantante. Y que él sigue siendo un apasionado de las Historias. Historias sin florituras, historias necesarias, para todos, sin establecer distinciones, sin adornos innecesarios...

Impulso criminal (1959)

2018-07-06T08:00:00.000+02:00

Entre la ficción, el documental y la investigación periodística

Jugando un papel que, desde un punto de vista cinematográfico, para algunos es (injustificadamente) menor, Impulso criminal entronca con algunas otras películas norteamericanas ambientadas en carreteras, que se mueven entre la ficción, el documental y, en algunos casos, casi la investigación periodística. Territorio bastante habitual en el género negro y en las historias de psicodramas criminales. Pudiera parecer que, seguramente por algún motivo algo morboso, tuviera más sentido recrear la historia de un crimen si está basado en hechos reales que si parte puramente de la ficción.

A partir de un guion de Richard Murphy basado en la novela Compulsion de Meyer Levin, pone en escena una historia que la podría emparentar con la archiconocida —y siempre mencionada—, The Rope, dirigida por Hitchcock, y con A sangre fría (Richard Brooks, 1967) o The Thin Blue Line (Errol Morris, 1988) a las que, de alguna forma, podría haber inspirado. Dirigida por Richard Fleischer —con el consiguiente cabreo de Orson Welles, que esperaba haberlo hecho él y que boicoteó a equipo técnico y artístico durante los diez días que trabajó en ella—, sus valores cinematográficos está a la par de otras como Doce hombres sin piedad (Sidney Lumet, 1957) o Matar a un ruiseñor (Robert Mulligan, 1964).

zonas del ser humano inadmisibles

para los defensores de lo políticamente correcto

Sin embargo, el adjetivo de «artesano» de Fleischer y la presencia de Welles en el papel del abogado, con un alegato famoso contra la pena de muerte en la parte final del juicio, dejan en un segundo plano los valores de la película, oscurecen las brillantes interpretaciones de Dean Stockwell y Bradford Dillman como asesinos sin otra motivación que la de cometer el «crimen perfecto». Precisamente en eso donde radican las claves para ver esta película de una forma «diferente», mirando más allá del alegato final de Welles contra la pena capital, que consigue librar de la horca a los asesinos. La originalidad de Impulso criminal es la sensación de vértigo que provoca el mensaje recogido en el affiche original del filme: «¿Sabe por qué lo hicimos? Porque nos sentimos condenadamente bien haciéndolo». Impulso criminal podría considerarse una obra cinematográficamente «valiente» por atreverse a adoptar, al menos durante buena parte de su metraje, un punto de vista que acerca al espectador hacia zonas del ser (y del cerebro) humano inadmisibles para los defensores de lo políticamente correcto, apoyándose para ello en la interpretación que ofrece Dean Stockwell de su personaje, carente de empatía y empeñado en un enrevesado entendimiento de los planteamientos de Nietzsche.

David Alonso

* * * * * * *

Tit. Orig: Compulsion. Año: 1959. País: Estados Unidos. Director: Richard Fleischer. Guión: Richard Murphy (Novela: Meyer Levin). Música: Lionel Newman. Fotografía: William C. Mellor. Intérpretes: Orson Welles, Diane Varsi, Dean Stockwell, Bradford Dillman

El crimen no necesita de mayor justificación. Simplemente nos fascina e hipnotiza, nos atrapa, nos obliga a seguir mirando…

El equipo PRÓTESIS te trae el comentario crítico de las mejores películas célebres y sangrientas. Este ensayo colectivo ha sido realizado por el equipo para el monográfico Crímenes Célebres, editado por Reino de Cordelia en 2018

Drugstore Cowboy. James Fogle

2018-07-05T09:36:00.003+02:00

Nada más importa. Ni comida, ni sexo, relaciones personales o familiares

Años setenta del pasado siglo. Bob Hughes lidera un pequeño grupo de yonquis que se dedica a robar en drugstores (preferimos la denominación americana, pues estos establecimientos no son estrictamente farmacias como nosotros los conocemos, pues venden muchos más productos que medicamentos). Es un grupo singular, pues lo que roba lo usa para metérselo en vena, y como mucho, intercambiarlo por otras drogas con otros grupos de consumidores o de traficantes. No venden lo que roban, y tienen un código bastante estricto en estos temas.

La novela nos va relatando las peripecias del grupo, que además de Bob, está formado por Diane, Rick y Nadine, cada uno de ellos con historias y perspectivas bien distintas, pero que se unen en un estilo de vida, en el que todo está centrado en consumir drogas, y su forma de conseguirlas es asaltar drugstores, en lo que son unos auténticos artistas.

El núcleo de la narración trata de los asaltos que llevan a cabo en drugstores u hospitales, o donde sea, para conseguir medicamentos para chutárselos, pues como ya señalábamos, ése es el objetivo número uno de sus vidas, por supuesto para luego inyectárselos. Nada más importa. Ni comida, ni sexo (que sobre todo en consumidores veteranos pasa casi a la historia), relaciones personales o familiares. Para este grupo un emocionante sábado noche consiste en asaltar un gran drugstore y esquivar a su guardia armado. Porque la vida de estos cuatro adictos consiste en correr y jugar.

mantienen códigos de conducta, son muy supersticiosos

A lo largo del relato vamos conociendo las dispares personalidades de estos cuatro yonquis, donde destacan la nerviosa, astuta y cautivadora del líder del grupo, Bob, o la vehemente y tremenda de Diane, mujer de armas tomar, que dejó familia e hijos por seguir esta vida de adicta.

Un aspecto que puede sorprender es el que en este grupo de depredadores, cuyo único interés es el consumo de drogas, no importando casi nada más, mantengan ciertos códigos de conducta de forma férrea, o sean tremendamente supersticiosos, lo cual choca con la imagen de una gente desesperada y totalmente amoral. Pero nos dejan bien claro que sus objetivos vitales pasan únicamente por el consumo masivo de drogas, y si la vida se les va en ello, lo aceptan con fría resignación.

Como era de esperar las relaciones de este grupo con la policía no son especialmente buenas, y les lleva a reflexiones como las siguientes sobre el comportamiento policial:

…si la gente comenzara a percibir lo locos y perversos que son y el hambre de poder que tienen la mayoría de los policías, se morirían de miedo. Daba la sensación de que cuanto menos compasivos se mostraban y más severidad exigían en las penas, más aumentaban las posibilidades de que los policías infringiesen la ley

El estilo de la novela es vibrante, con unos diálogos antológicos, salpimentada de un humor bastante negro, en el que las reflexiones o pensamientos de los personajes se insertan con facilidad. Hay que destacar la brillantez de las escenas de acción –que en algún caso tienen un poderoso componente cómico-. Pero el elemento más atrayente de la novela se centra en la historia, personalidad y vicisitudes del protagonista, Bob Hughes, que por lo menos a quien escribe estas líneas le ha fascinado, pues nos plantea con cruenta y fría lucidez su opción de vida, que va más allá de una consideración psicopatológica, sino que es una auténtica postura vital, para la que no pide ni reconocimiento ni valoración. Un testimonio de estas características se sale del discurso represor y descalificador, pero también del buenismo comprensivo con los que falsamente considera como unos pobres enfermos. Para los cinéfilos hay una versión cinematográfica de 1989 dirigida por Gus van Sant. Una novela que impacta, apasiona y divierte.

Sajalín, 2018

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José María Sánchez Pardo

Hola, te quiero, ya no, adiós. Ana Grandal

2018-07-04T10:39:00.000+02:00

Sabiduría, experiencia y capacidad de análisis

Para muchos, Te amo, destrúyeme, fue la forma de conocer la narrativa de Ana Grandal, su peculiar manera de disolver la realidad, con humor e ironía, gota a gota, centrada en el terreno narrativo que más le interesa: la pareja. O por decirlo con más exactitud: la falta de conexión entre hombres y mujeres. Si lo prefieren, mujeres y mujeres, hombres y hombres o cualquier combinación posible que sume dos. Y para que no se diga que somos excluyentes, ahora que es verano, también puede sumar tres y múltiplos.

Ahora sabemos que aquel delicioso libro de narraciones ultracortos, directos al mentón, forma parte de una trilogía llamada Destroyer, y doy fe de que lo es. Hola, te quiero, ya no, adiós es su segunda entrega, y me da la sensación de que tras la intención "destroyer" también hay mucha sabiduría, experiencia y capacidad de análisis. Para entendernos, siendo otra aportación a la narración breve, yo diría que Ana teje a sabiendas una novela corta de estructura episódica, sorteada de elipsis caprichosas y silencios elocuentes, algo así como el clásico hollywoodiense Dos en la carretera (Stanley Donen, 1967).

Pero claro, la sofisticada moda pop de los 60 no va con Ana y sus amigos. Ellos preferían a Deep Purple antes que a Led Zeppelin. Y son más de la M30 que de la Ruta 66. No divaguemos más. Si un director de cine se adentrase en esas acampadas que relata Ana, esas primeras experiencias fuera de casa, no lo haría en technicolor y con música de John Barry. Más bien imagino el sonido directo y los modos paródicos de un Fernando Colomo o un David Trueba.

Volvamos a Hola, Te quiero, Ya no, Adiós. Siguiendo una limpieza expositiva que no deja lugar a error, Ana Grandal retrata los ritos de paso que marcan la evolución en una relación de pareja. Chico conoce chica. Esteban y Alicia. Aquello va en serio. Pasan a vivir juntos. Pasa el tiempo y la rutina les acaba quemando... Nada que no hayamos vivido ninguno de nosotros. Un proceso que Ana Grandal retrata con humanidad y con un guiño, sin hacer leña del árbol caído, ayudándonos a comprenderlo mejor. Lo que no equivale a que aporte soluciones fáciles... De momento, su inteligencia, su capacidad de observación y sus dotes como escritora nos aportan una distancia cómoda para contemplar, dando la importancia debida tanto al punto de vista de ella como al de él.

Amargord, 2017

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David G. Panadero

Tras la máscara, o el poder de una mujer. Louisa May Alcott

2018-07-03T10:42:00.000+02:00

Una fuerte veta feminista y de crítica social muy adelantada para su época

El catálogo de la editorial dÉpoca se ha convertido en una moderna y maravillosa cueva de Alí Babá, donde el lector deslumbrado puede encontrar los más maravillosos e ignotos tesoros. El último que nos ofrece, en su colección «delicatessen», es Tras la máscara, o el poder de una mujer, de Louisa May Alcott (1832-1888).

Para muchos, el nombre de esta autora se identificará inmediatamente con novelas moralizantes para jovencitas. Esa reducción sería ya, de partida, muy injusta, porque incluso esa producción novelística de Louisa May Alcott -Mujercitas (la obra que, publicada en 1868, le dio fama universal), Aquellas mujercitas, Hombrecitos, Los muchachos de Jo, Una muchachita anticuada, Los primitos…- dista mucho de ser tan ñoña y simplista como muchos creen. Porque, aunque es verdad que esas obras tienen un fuerte carácter moralizante, una parte fundamental de esa moral está constituida por una fuerte veta feminista y de crítica social muy adelantada para su época (Alcott fue, por ejemplo, una decidida sufragista y defensora de la abolición de la esclavitud). Es sintomático que la feminista Simone de Beauvoir se confesase, en su autobiografía, Memorias de una joven formal, admiradora de Mujercitas.

Sin embargo, lo que ahora más nos interesa es que Louisa May Alcott, autora prolífica de más de 300 obras, junto a esa producción literaria juvenil que le hizo universalmente conocida –y con la que consiguió sacar a su familia de la miseria a la que les habían abocado los utópicos ideales de su padre, el pedagogo reformista, Amos Bronson Alcott- tuvo también una vertiente literaria apasionante y desconocida para la mayoría del público. Se trata de unos sorprendentes relatos a los que ella calificaba de «relatos de sangre y truenos», en los que trataba cuestiones que en su época eran consideradas escabrosas e incluso censurables: thrillers de acción y misterio en lo que se adentraba en temas como las relaciones sexuales interraciales (incluso sin matrimonio), la igualdad de la mujer respecto al hombre, el incesto, el adulterio y la justificación de la venganza.

personajes con objetivos poco edificantes

Estos relatos, que suelen inscribirse en la tradición gótica, fueron publicados bajo el seudónimo de A.M. Barnard y hasta ahora eran, lamentablemente, desconocidos por el público español. En realidad, sólo en 1942 se supo que A.M. Barnard escondía a Louisa May Alcott (aquí otra máscara, como la del relato que nos ocupa, que permitía a una mujer adentrase en terrenos vedados).

La propia Alcott, en Mujercitas, se refirió a este tipo de novelas como “peligrosas para mentes poco formadas”. Novelas consideradas por los críticos como provocativas y de mensaje cuestionable, puesto que sus personajes están obsesionados con conseguir un objetivo, no siempre edificante.

Tras la máscara se inscribe en el género que se ha dado en llamar domestic noir victoriano. El relato se ambienta en una mansión campestre de la Inglaterra de 1866, donde vive la familia Coventry, compuesta por una viuda con dos hijos varones, una hija adolescente y una sobrina huérfana, extraoficialmente prometida al hijo mayor; en la mansión vecina vive Sir John Coventry, el anciano y encantador tío de los jóvenes. Para hacerse cargo de la educación de la hija, llega a la casa la joven Jean Muir, que pronto se granjea el cariño y admiración de una parte de la familia, y las sospechas del resto.

Desde el inicio de la narración sabemos que Jean Muir esconde secretos e intenciones muy oscuras y que está muy lejos de ser una candorosa institutriz a la manera de una Jane Eyre.

No sabemos si Louisa May Alcott había leído al abate Choderlos de Laclos cuando escribió su relato, pero lo cierto es que Jean nos recuerda, en ocasiones, a la temible marquesa de Merteuil. Y también nos recuerda, más allá de la habilidosa utilización del género epistolar -que en Tras la máscara, a diferencia de las otras dos obras, es sólo un pequeño recurso-, a la lady Susan Vernon de Jane Austen, de la que si estamos seguros que Louisa no llegó a saber nada puesto que no se publicó hasta 1871.

Las tres obras tienen como protagonistas a mujeres decididas y sin escrúpulos a la hora de conseguir sus fines. Son mujeres muy inteligentes que disfrutan manejando a quienes están a su lado, especialmente a los hombres a los que hacen sucumbir a sus encantos. Es cierto que se diferencian en que la marquesa es malvada por placer, Lady Susan por egoísmo y Jane Muir más bien por necesidad; pero las tres tienen en común que, en un mundo en el que el poder económico y legal está en manos de los hombres, deciden hacerse dueñas de sus destinos, aunque tengan que ocultarse tras una máscara que encubra sus verdaderas intenciones.

Tras la máscara es, en definitiva, una novela muy entretenida, en la que brillan especialmente la construcción de los diferentes personajes, las estupendas descripciones y los brillantes diálogos, tan maliciosos como irónicos.

Ha sido todo un placer el descubrimiento de esta asombrosa faceta de la famosa escritora norteamericana y esperamos con ganas que se nos siga dando la oportunidad de conocer algún otro de estos sorprendentes relatos de Louisa May Alcott. Y mencionar, como siempre en el caso de dÉpoca, la magnífica edición aderezada por una estupenda introducción, un esclarecedor posfacio, bellas láminas y una muy cuidada traducción.

dÉpoca, 2018
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José María Sánchez Pardo

Batman (1989) en la ciudad más negra que se pueda soñar

2018-07-02T08:00:00.000+02:00

Un joven Tim Burton se llevó el gato al agua con esta superproducción convertida inmediatamente en fenómeno social. Pese a sus tintes clásicos, cercana al Superman de Richard Donner, Burton da un salto de gigante en el cine de superhéroes, acercándose a la vanguardia del cómic de entonces, el trabajo de autores como Alan Moore o Frank Miller.

David G. Panadero conduce esta Sesión Prótesis.

**el título del podcast es préstamo de un verso de Jesús Urceloy

**la documentación para este podcast proviene en un 100% del libro escrito por Miguel Ángel Parra y Panadero, Tim Burton. Simios, murciélagos y jinetes sin cabeza (Diábolo ediciones, 2016)

Mala hoja. Alfonso Mateo-Sagasta

2018-06-29T09:28:00.003+02:00

Una historia de amor llena de luz y alegría. Un trágico y vil episodio criminal

Dos hombres charlan mientras mantienen una tranquila sobremesa tras haber cenado en François, uno de los mejores y más selectos restaurantes de La Habana, en la segunda mitad del siglo XIX. Uno de ellos, es el coronel Julio Izura, un destacado empresario afincado en Cuba, con múltipples actividades, que van desde la posesión de ingenios azucareros al comercio de esclavos negros pasando por el flete de navíos mercantes. El otro comensal, es un aplicado industrial del tabaco y sus manufacturas, don Pascual Baute, que está buscando la fórmula para conseguir el puro perfecto.

Durante la conversación irán desgranando el desarrollo de sus azarosas vidas personales y profesionales. A través del diálogo, se dará buena cuenta de los usos y costumbres de una serie de actividades económicas propias de la isla de Cuba en aquella época. Así se nos hablará del peculiar mundo de los ingenios azucareros, tanto en la vertiente del funcionamiento fabril como en la del trato infligido a sus trabajadores.

De igual forma se nos hará un minucioso relato de cómo se llevaba a cabo el tráfico de esclavos negros desde África a las Antillas, con el relato de los centros de recogida de esclavos en la costa africana, y las terribles penurias por las que pasaban en su viaje trasatlántico. Además se nos hablará de los personajes históricos que participaron en dicho comercio, tanto del lado cubano, y las inmensas fortunas que se hicieron, así como de alguno de los singulares traficantes que desde las orillas africanas se enseñorearon de tan vil actividad.

sorprendente y terrible desenlace

Paralelamente a la descripción del tráfico de esclavos africanos, se nos relatará las duras condiciones por las que pasaron también trabajadores de otros orígenes, como los chinos, irlandeses e incluso algunos españoles, con unas situaciones laborales que, sin llegar al horror de la esclavitud negra, nos dejan estupefactos por lo abominable e inhumana que resultaban.

Por último, y dentro de este relato de la actividad económica cubana de la época, se nos hará un cálido homenaje a la manufactura de puros habanos, detallándonos como hacer de los mismos un arte sin igual.

El relato de las peripecias personales y profesionales de estos dos ricos burgueses también nos hace entrever, por un lado, una historia de amor llena de luz y alegría y, por otra, un trágico y vil episodio criminal que llenará de sombras un relato que derivará en un sorprendente y terrible desenlace.

El autor logra con maestría y fino estilo combinar los relatos personales, con su aporte de historia romántica, la descripción social y económica de una época y un escenario concreto, sin esquivar los aspectos más lúgubres y violentos de la misma y, finalmente, introducir una historia criminal que dará fuste y robustez a la narración con una resolución magistral.

Una historia que pivota entre la vida y la muerte, entre la violencia y la fraternidad, entre el odio y el amor, en un escenario físico y social en el que la violencia y el dolor es moneda corriente entre buena parte de los habitantes de una Cuba todavía colonial, en la que la rebelión y la venganza intentarán ser aplastadas. Una novela que es capaz de interesarnos, sorprendernos y emocionarnos a partes iguales.

Reino de Cordelia, 2017

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José María Sánchez Pardo

Zodiac (2007): Anatomía de una investigación

2018-06-25T10:09:00.002+02:00

Zodiac es a la crónica negra lo que el Quijote a la novela de caballerías, una referencia indiscutible y una sublimación, la película de madurez de David Fincher, que esquiva habilidosamente el reclamo de los crímenes para centrarse en los investigadores y su cruzada personal, un camino hacia la nada.

David G. Panadero conduce esta Sesión Prótesis.

Una verdad oculta. Ann Cleeves

2018-06-22T10:04:00.000+02:00

El agua de la bañera está cubierta de flores

Un adolescente con algún problema cognitivo aparece muerto, estrangulado, en la bañera de su casa. El agua de la bañera está cubierta de flores.

Este extraño caso altera la vida de la zona costera de Northumberland donde vivía el joven, y pone en marcha el equipo policial dirigido por la inspectora Vera Stanhope. Las pesquisas, ya bastante dificultosas, se ven complicadas con la aparición de otro cadáver, el de Lily Marsh, una estudiante de Magisterio, en un escenario que reproduce fielmente el caso anterior.

Se disparan todas las alarmas pues la sombra de un asesino en serie se cierne sobre esta tranquila comarca cercana a Newcastle.

La investigación policial irá haciendo aparecer una confusa y profusa trama de relaciones personales, que en muchos casos implican las defensas y compensaciones que erigimos ante nuestros miedos y debilidades. Y se hablará del amor, aunque sería más preciso, siguiendo la propuesta del gran escritor de novela policíaca Maurizio de Giovanni, de hablar de la corrupción del amor, y cómo ésta es un poderoso argumento para el crimen.

La narración se focaliza en su protagonista, la inspectora Vera Stanhope, que tiene una gran presencia, tanto física, pues es una mujer de notable envergadura, y, para decirlo sin ambages, una mujer gorda, que se lamenta sin alharacas de su situación. Pero lo fundamental es que es una inteligente y sensible investigadora, que se zambulle en la búsqueda del culpable y en el salvamento de las víctimas.

el ritmo angustioso de las narraciones de procedimiento

La inspectora Stanhope es una mujer dolorosamente lúcida, a la que acompañaremos, tanto en sus desplazamientos como en sus pensamientos, pues la autora no sólo nos relata sus actos y sus dichos, sino que también nos hace partícipes de sus pensamientos, que no siempre se correlacionan con sus palabras, y que la convierten en un juez implacable y a la vez caritativo del comportamiento de los seres humanos, que vistos a través de sus ojos resulta mucho más mediocre, mezquino y estúpido de lo que nos gustaría creer.

La trama sigue, de cierto modo, el ritmo angustioso y desesperante de las narraciones policíacas de procedimiento, en las que han de recorrerse múltiples líneas de investigación y que, tanto por la presión de los medios de comunicación como por ciertos sucesos que surgirán a lo largo de las pesquisas, obligan a una estresante y desesperante lucha contra el reloj, ya que lo que está en juego es la vida de inocentes.

Un elemento muy importante en esta novela es el minucioso análisis que se hace de las costumbres de los diversos personajes. Desde los anhelos y frustraciones, difícilmente confesables, de varias mujeres protagonistas, al mundo de los grupos masculinos; y, en el segundo caso, incidiendo en el mundo de los observadores de pájaros, donde veremos las motivaciones, las acciones y los repartos de roles de poder y sumisión-admiración que se generan entre sus participantes.

Nueva entrega de un personaje fascinante, a la que conocimos hace unos años en Una trampa para cuervos, novela que nos presentó a una investigadora criminal imponente, y no sólo por su físico, con una capacidad endiablada para ponerse en la piel de sus investigados. Un personaje de cuya mano se nos relata, con un magnífico estilo, las miserias y a veces las grandezas que los seres humanos somos capaces de sacar a la luz. Un personaje lleno de sentido y sensibilidad, con sus luces y sus sombras, pero que nos resultará mucho más cercano que las sufridas heroínas de Jane Austin.

Y ya de paso les recomendamos que echen un vistazo a la serie televisiva que se hizo, basándose en las aventuras de esta esforzada policía; serie que, como su protagonista, se titula Vera y que, con sus licencias, transmite bien la intensidad de las historias que se narran en las novelas y nos propone un más que interesante retrato de su tremenda protagonista.

Maeva, 2018

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José María Sánchez Pardo

Arrowood. Mick Finlay

2018-06-21T10:33:00.001+02:00

Una intriga en la que intereses políticos y sociales se ven involucrados

Londres 1895. Con el recuerdo de Jack el destripador y sus víctimas de Whitechapel, y mientras que el Strand Magazine es devorado por multitud de curiosos para seguir las aventuras del gran detective Sherlock Holmes, un colega suyo, William Arrowood, vive mucho más humildemente en el mísero Southwark. Está obsesionado con el éxito de Holmes, y espera su gran oportunidad. Aparentemente ésta le llega cuando la señorita Caroline Cousture le encarga que dé con el paradero de Thierry, su hermano, desaparecido en extrañas circunstancias. Lo que inicialmente aparenta ser un caso sin demasiadas complicaciones, deriva en una intriga en la que intereses políticos y sociales se ven involucrados, y en el que aparecerán personajes realmente siniestros, que no dudarán en llegar al asesinato con tal de alcanzar sus fines.

Arrowood, a pesar de la envidia que le da el éxito y riqueza que ha conseguido, no es seguidor de los métodos holmesianos. Desprecia el excesivo papel de la deducción y las pistas, inclinándose más por esta severación sobre su método detectivesco:

la clave está en la gente, en saber descifrar su comportamiento

Siguiendo este principio, Arrowood nos sorprenderá con sus conocimientos de la psique humana, y por ejemplo dará un singular uso de los textos de Charles Darwin, sorprendiéndonos por sus conocimientos de psicofísica emocional.

También es distinto en cuanto a aspecto y usos. Es más bien gordito, bebe con poca moderación, y sufre de gota, lo que le obligará a que la labor callejera tenga que ser efectuada por su ayudante Norman Barnett, que al igual que Wason con Holmes, nos hará de biógrafo de las aventuras del gran detective. Pero en el caso de Barnett, sus labores irán más allá de hacer de amanuense y hombre de acción, pues tendrá que cuidar a su jefe, que por muy inteligente y sutil que sea, tiene una gran capacidad de meterse en líos, y no saber como salir de ellos, así como es ciertamente incapaz de manejar asuntos tan vulgares como el cobrar la minuta a sus clientes.

Arrowood no solo usará a Barnett para investigar por las calles de Londres. También echará mano de un pintoresco grupo de personajes de las capas más humildes de Southwark, entre los que destaca el pequeño Neddy, por el que Arrowood mostrará un cuidado y un cariño, bien distintos al trato despegado, casi despreciativo que Holmes mostrará por sus irregulares.

La narración, mientras nos lleva por los vericuetos de la resolución del misterio, nos hará un duro daguerrotipo del Londres miserable que años más tarde retrataría Jack London en Gente del abismo, y que nos lanza a la trastienda de la presuntamente encantadora época victoriana donde la realidad de la gran mayoría de la población era muchísimo más dura de lo que aparece en novelas y relatos como son los holmesianos.

Pero no todo es el horror dickensiano de las calles y las gentes del Londres más mísero. También hay momentos de acción, e incluso alguno directamente desternillante, como el asalto que llevan a cabo un grupo de damas misericordiosas a una tonelería donde suponen secuestrado a un niño. La descripción de este grupo de mujeres, en el que participa Ettie la hermana del protagonista, le permite al autor hablar de estos grupos, que con principios religiosos y bienintencionados, pretendían mejorar las circunstancias de una población arrasada por la miseria, la prostitución y el hambre. Y sobre todo nos choca su labor activa, en el que normalmente salen a las calles a manifestarse, a impedir maldades, a ejercer presión física, a informar de sus derechos, en un rol que hoy llamaríamos de activismo directo.

Por último hay que destacar la relectura, o reinterpretación que de alguno de los casos de Holmes hace el protagonista, que partiendo de las premisas del caso, plantea unas posibilidades y una lectura muy distinta a la que nos propuso Conan Doyle, siendo especialmente brillante la relectura que hace de Escándalo en Bohemia, dando muy distintos roles al rey germano, y a Irene Adler.

Con todos estos ingredientes, esta novela nos ofrece una apasionante trama, llena de inteligencia, acción y mostrando historias poco habituales en las novelas de la época, con un estilo ágil,y con unas gotas de folletín, que dan humanidad a unos personajes estupendos.

Harper Collins, 2018

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José María Sánchez Pardo

El asesinato de Harriet Krohn. Karin Fossum

2018-06-19T08:00:00.000+02:00

Un hombre totalmente atrapado por su vicio

Charlo Torp está pasando por una muy mala época. Tiene importantes y acuciantes deudas por su afición compulsiva al juego. Y la relación con su hija está seriamente quebrantada por el desastre personal, laboral y económico en el que ha convertido su vida.

Para poder conseguir algún dinero, Torp decide entrar en la casa de una jubilada, Harriet Krohn, con objeto de desvalijarla. Las cosas se complican y termina matando a la anciana. Tras arramblar con los objetos de valor, huye de la casa, pero se deja el ramo de flores que llevaba para su hija…

Tras este impactante comienzo, la autora nos ofrece dos grandes líneas temáticas. Por una parte, la descripción, mediante monólogo interior, de las cuitas que pasan por la mente del asesino en los diversos momentos de la narración. Usando tanto el género epistolar en cartas que redacta para su hija, o bien siguiendo sus pensamientos, nos encontramos con un hombre totalmente atrapado por su vicio, frente al que tiene una actitud justificadora y escapista; un hombre que, con una fortísima disonancia, pretende justificar sus actos y explicar sus sentimientos, de la misma manera que pretende manipular, cuando no chantajear, a los que le rodean.

recrear las motivaciones de su conducta

Por otra parte, la narración nos muestra la sutil e implacable investigación llevada a cabo por el comisario Konrad Sejer que, con trato cercano, sin amenazas ni presiones, se va acercando al asesino y establece con él una chocante relación que se irá desarrollando gracias a unos interrogatorios magistrales.

La autora logra, con un estilo brillante, la descripción del pensamiento de un hombre que huye, por un lado, de su compulsión viciosa y, por otro, de los actos que lleva a cabo para cumplirla, o para evitar los problemas que le genera. Fossum logra una afinada descripción del comportamiento de alguien que se encuentra impelido a la ludopatía y, como consecuencia, al desfalco, a mentir y hacer lo que sea necesario para seguir practicando su vicio.

La narración del pensamiento de Torp es formidable y nos recuerda el relato de las tribulaciones de Raskólnikov, el atormentado protagonista de Crimen y castigo. Esta parte de la narración también nos trae a la memoria las magníficas recreaciones que se hacen del mundo del juego en las novelas de Raúl del Pozo u Óscar Urra, autores que en sus novelas describen con magnífica precisión y crudeza el comportamiento de los jugadores.

El otro gran eje sobre el que gira la novela es la investigación del comisario Konrad Sejer y, especialmente, los interrogatorios que realiza a Torp. Así, nos muestra la singular imagen que el investigado tiene del policía y también asistimos con sorpresa a unos interrogatorios nada coercitivos, que se desarrollan en los lugares más singulares, y que nos traen buenos recuerdos de aquellos por los que hacía pasar el teniente Colombo a sus investigados, o el estilo cercano, casi compasivo y con una pizca de estupefacción, con el que el gran comisario Maigret buceaba en la vida de sus interrogados. Como estos dos grandes personajes del género policíaco, los investigadores que nos presenta Fossum no sólo quieren saber sino también entender por qué se ha llegado hasta el crimen. Este esfuerzo intelectual y emocional se nos va ofreciendo con la colaboración del acusado, que se ve impelido a recrear las motivaciones y devenires de su conducta.

Pero estos interrogatorios no sólo servirán para conocer la verdad, y que el acusado confiese, sino que sirven para reflexionar sobre aspectos muy cruciales del ser humano, siendo uno de ellos el cuestionamiento del libre albedrío, sobre todo cuando se intenta explicar el comportamiento de adictos como es el caso de los jugadores.

Esta apuesta estilística implica asumir muchos riesgos a la hora de mantener el tono y el interés de la novela. Y la autora sale brillantemente triunfadora de este reto, con una narración apasionante, profunda y que es capaz de sumergirnos en la mente de un personaje al que rechazaremos y comprenderemos, con el que sufriremos, incluso, mientras las redes de la justicia se van cerrando a su alrededor.

Mención aparte merece el policía protagonista de la serie, el comisario Konrad Sejer, un sabueso singular dentro del Olimpo de los grandes policías nórdicos de novela, y que siendo un tanto hierático para los latinos, no cae en los terribles estereotipos de sus compatriotas, tan sufridos, tan entregados, tan siesos, o tan exagerados en sus vicios y con terribles historias, personales o de su entorno, llenas de enfermedades o traumas terribles. Sejer, en cambio, es un hombre tranquilo, viudo, pero que está encantado de jugar con su nieto, y que tiene un gran afecto a sus perros.

Y como hemos mencionado anteriormente, uno de los logros de esta novela es el acercamiento nada violento del comisario Sejer al acusado, con el que establece una singular relación que le permite entenderlo, a la vez que permite al acusado darle razón, aunque sea culposa, de sus actos. Otra gran novela de una autora que está a la altura de otras famosas damas del crimen como Patricia Highsmith, Margaret Millar, o la gran Minette Walters.

Debolsillo, 2018

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José María Sánchez Pardo

Perros y lobos. Hervé Le Corre

2018-06-18T08:00:00.000+02:00

Un temible perro de presa no es el peor de sus habitantes

Frank sale de la cárcel. Ha estado dentro sin desvelar a sus socios de un atraco que salió mal. Le espera Jessica, la novia de su hermano Fabien, que se benefició del silencio de Frank. Como éste se encuentra en España cerrando un negocio, a Frank le toca esperar su regreso en la casa donde vive la familia de Jessica. La espera del hermano ausente, los fantasmas que trae de la cárcel y su lamentable vida, el asfixiante escenario de una casa perdida entre los pinos de las Landas de Gascuña, lejos de Burdeos, y una familia inquietante, en que un temible perro de presa no es el peor de sus habitantes, ponen a prueba a un hombre que llega bastante quebrado de su experiencia carcelaria, y que se ve perseguido por fantasmas angustiosos, donde el miedo y el anhelo sexual no son precisamente los peores.

Durante estos días, el protagonista irá desvelando aspectos turbios de la novia de su hermano, y se encontrará que el singular grupo familiar está amenazado por una banda de delincuentes locales que tienen oscuras deudas con este singular grupo familiar. En esta auténtica olla a presión, donde se aúnan el tórrido calor, el miedo y una inquietante desazón por un misterio que no queda nada claro, asistiremos al resurgimiento de un hombre que llegó quebrado y apaleado, y que tendrá que levantarse para poder enfrentar los peligros visibles y también los invisibles, para poder salir del marasmo en que pretenden sumergirle.

crescendo hasta un sorpresivo y explosivo final

Nos encontramos con una novela negra, muy negra, que nada tiene de policíaca o de intriga, donde pasiones, violencia y misterios se nos proponen por arrobas, y todo esto en un asfixiante escenario, tanto en lo físico como en lo moral, que nos atrapa y nos hace sufrir las vicisitudes de un personaje, con el que viviremos la incertidumbre y el dolor, así como los esfuerzos que tendrá que llevar a cabo para poder dar luz y sentido al inquietante lugar donde aterriza.

La narración está muy en la línea de novelistas como James M. Cain o Thierry Jonquet, donde el autor nos hace recorrer por algunos de los más inquietantes y turbios recovecos del alma humana, logrando un poderoso nivel de atracción, que hace de su lectura algo apabullante.

Y todo esto con un estilo escueto, sin perderse en disquisiciones o descripciones molestas, manteniendo un tono a lo largo del texto que irá en crescendo hasta un sorpresivo y explosivo final. Una magnífica novela.

Reservoir Books, 2018

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José María Sánchez Pardo

VK. Sueños y pesadillas. Relatos de Carlos Terco ilustrados por Gaboni

2018-06-12T08:00:00.000+02:00

Intensidad, visceralidad, inteligencia y mucha calle

Carlos Rivas, madrileño periférico y letrista y cantante de la banda de rock proletario Núcleo Terco, devuelve la literatura de barrio al lugar que nunca debió abandonar: el terreno de la verdad. Carlos, que conoce bien diferentes barrios, en especial Vallekas, se enfrenta al papel en blanco sin coartadas, dispuesto a dar y recibir golpes como en el ring, con el propósito de contarnos la historia del barrio partiendo de mil y una historias, lo que le sucede a la gente de a pie.

Como si fuese un Carver de los suburbios, Carlos Rivas centra su atención y sensibilidad en diferentes momentos. Lo que para otros no pasaría de ser una anécdota para él es el inicio de una historia. Camino del gimnasio, a la altura de la calle Mendívil, 41, oye un grito de dolor, cristales contra una pared... Suficiente para reconstruir lo que en ese hogar está sucediendo. Suficiente para desear que todo sea de otra manera y poner manos a la obra.

Las historias que componen VK. Sueños y pesadillas son veloces, a veces inconclusas, y están escritas a golpe de intuición.

Cualquiera que viva en un barrio obrero se encontrará a diario con situaciones así, verá a sus protagonistas enmascarando sus vidas, el barrio abandonado en manos de especuladores, como si ese barrio lo compusieran los edificios y terrenos y no las personas que viven en él.

El aspecto gráfico y el acabado redondean la experiencia: gracias al atractivo Diseño de Ester Mala Pell y a las abundantes ilustraciones de Gaboni, el libro alcanza una personalidad propia. Un contrastado blanco y negro, cortante, dramático, que no admite matices ni escala de grises. Un rojo sangre que brota caprichosamente... VK. Sueños y pesadillas se ajusta a la paleta cromática que el tema requiere.

VK. Sueños y pesadillas es, sin lugar a dudas, una declaración de amor a estas calles donde se escucha mucho rock, se convive de forma bastante pacífica, hay tradición de lucha obrera y se conservan cierto compañerismo y solidaridad. Además este libro de cuentos es el inicio de una carrera literaria que promete intensidad, visceralidad, inteligencia y mucho barrio.

Edición: Ester, Carlos y Gaboni
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David G. Panadero

La muchacha del trapecio rojo (1955)

2018-06-08T08:00:00.000+02:00

Palpable espíritu teatral, tonalidad ágil y luminosa

Florence Evelyn Nesbit fue una joven corista famosa en la historia negra del Nueva York de principios del siglo XX por su tumultuosa implicación en el asesinato de Stanford White, prestigioso arquitecto al que no parecía importarle tanto la diferencia de edad entre ambos (treinta y un años) como la escala social que los distanciaba, aunque finalmente sería algo que finiquitaría la relación.

Harry Kendal Thaw, el inestable y presuntamente novio maltratador de Evelyn, que a la postre se convertiría en su marido, ejecutaría tiempo después a White en un ataque de ira en pleno Madison Square Garden. Esta prototípica historia de celos y traiciones da pie al infatigable Richard Fleischer para eludir en La muchacha del trapecio rojo la predisposición inicial hacia el biopic, para adentrarse en el melodrama, acentuando el triángulo amoroso de la historia original incluso hasta la tragicomedia.

El trasfondo de trama negra ignora la sobreexposición de la violencia que podría sugerir su material de origen, porque Fleischer prefiere una puesta de escena colorista y cinematográficamente muy meticulosa, con excelente uso del scope y un rico tratamiento de la profundidad de campo, que aporta a la película un palpable espíritu teatral.

el destino y la influencia social de sus personajes

La muchacha del trapecio rojo habla de un capítulo bastante recordado en la historia de la Norteamérica negra, pero Fleischer introduce elementos como el melodrama sobredimensionado (en especial, en el romance entre White y Evelyn, con el que arranca la función), la artificiosidad escénica de la música y una tonalidad ágil y luminosa, que confrontarán con la posterior y elemental tensión triángulo amoroso. Sería injusto obviar la gran labor de Walter Reisch y Charles Brackett en la elaboración de un guion cuyos diálogos reflejan un tono radiante, abruptamente interrumpido con la vuelta de tuerca que la película se guarda para el final. Un precepto de clímax que desemboca en un golpe fatalista, que podría sorprender a aquel que no conozca el material de partida, pero que Fleischer encaja con el resto del discurso con la clara intención de doblegar el destino y la influencia social de sus personajes.

En un filme de estas características es obligatorio destacar el trabajo de los actores, potenciado por un Ray Milland que dramatiza a White con rico trasfondo, desazonado por un amor que cree imposible; una joven Joan Collins interpreta de forma contenida a Evelyn y dosifica su necesaria relevancia en la trama, en un papel que inicialmente parecía estar escrito para Marilyn Monroe. Farley Granger, en la piel de un Joan Collins y Ray Milland.

Harry Kendall al que hace expulsar su perturbador carácter de una manera tan intimista como trastornada, desempeña su papel de villano adaptándose en todo momento al tono del filme. Aunque quizá no sea una de las películas más recordadas de Fleischer, destaca su talante clasicista y una incuestionable puesta en escena. En todo momento elude la sordidez con que un argumento de estas características hubiera siso tratado por cinematografías más recientes.

Resulta una curiosidad ver cómo aborda el drama social de la población negra norteamericana, con un tratamiento del crimen encorsetado probablemente por las exigencias del estudio, que evita plantear profundos conflictos morales. Sin embargo, en su tercio final apunta ciertos atrevidos detalles irónicos y a día de hoy sigue siendo un título a redescubrir, con carácter y un peculiar estilo de contar.

Dani Rodríguez

* * * * * * *

Tit. Orig: The Girl in the Red Velvet Swing. Año: 1955. País: Estados Unidos. Director: Richard Fleischer. Guión: Charles Brackett, Walter Reisch. Música: Leigh Harline. Fotografía: Milton Krasner. Intérpretes: Ray Milland, Farley Granger, Joan Collins, Glenda Farrell

El crimen no necesita de mayor justificación. Simplemente nos fascina e hipnotiza, nos atrapa, nos obliga a seguir mirando…

Al caer la noche. Terror catódico americano (1970-1981). Tonio L. Alarcón

2018-06-07T08:00:00.000+02:00

La mejora de los maquillajes y efectos especiales permitieron plasmar nuevas ideas

Antes de la llegada del digital y antes del video que le precedió, mucho antes de la avalancha continua de series que caracteriza nuestro presente televisivo, muchas de ellas relacionadas con el genero fantástico en todas sus facetas, existió una época de transición también en el entorno catódico de los Estados Unidos de América con relación al cine de terror. Motivos económicos, que nos relata fielmente Tonio Alarcón,influyeron en que las cadenas televisivas estadounidenses pasaran a realizar sus propias películas a finales de los sesenta. Todo comenzó cuando la cadena ABC inicio la producción de sus propios films para el programa Moovie of the Week (1969-1975). Aquí se emitió como Estrenos TV.

Desde el primer momento fueron emitidos títulos más que dignos relacionados con el cine de terror y ciencia-ficción. En el pasado el género terrorífico en TV estaba limitado a Alfred Hitchcock presenta (1955-1962). En 1959 apareció uno de los más grandes artesanos del fantástico fílmico catódico: Rod Serling (1924-1975) que supo aportar a lo insólito y a lo sobrenatural una tierna intensidad. En 1959 y hasta 1964 se emitiría su Dimensión Desconocida (The Twiligth Zone) En el intervalo, dos series de culto consagradas al terror que tuve la oportunidad de ver en su momento de emisión, aunque fragmentariamente ya que mis abuelos, por lo demás muy tolerantes, trataban de restringir mi acceso a material televisivo macabro y terrorífico; la primera, con numerosas incursiones en la ciencia-ficción: The Outer Limits (1963-1965); la segunda, estrictamente terrorífica y presentada por Boris Karloff (1887-1969), Thriller (1960-1962) En España, entre 1966 y 1968, se emitieron dos temporadas de algo muy similar al crepuscular programa de Serling citado, aunque mas centrado en el terror: Historias para no dormir de Narciso Ibáñez Serrador.

La aceptación popular del género fantástico por el público era ya un hecho; en 1969 el 95% de los hogares norteamericanos tenían al menos un aparato de televisión. Estos años fueron años de crisis en los que, al asesinato del Presidente Kennedyy de su hermano Robert, así como de Martin Lutero King, habría que añadir la guerra de Vietnam y la crisis del petróleo de 1973, entre otros muchos avatares socio-históricos. La mejora de los recursos técnicos, maquillaje y efectos especiales entre otros, permitió la realización de ideas que ya no se limitaban a comentar los horrores clásicos sino a innovar. La estructuración del relato televisivo de la época, que había de incluir varias pausas publicitarias, permitió construir de un modo muy peculiar el tipo de suspense impidiendo cíclicamente su disipación. El libro contiene tres capítulos dedicado cada uno a uno de los tres más destacados creadores de la época: Dan Curtis(1927-2006), Curtis Harrington (1926-2007) y John Llewellyn Moxey.

Dan Curtis fue un auténtico coloso del mundo catódico cuya afición al golf le llevó a crear un programa sobre este mágico y mal comprendido deporte. Fue el demiurgo de Dark Shadows, un folletín televisivo en clave gótica por donde desfilaron: vampiros (Barnabas Collins), hombres lobo, brujas y entidades lovecraftianas, entre otros prodigios procedentes del mundo de lo macabro, lo sobrenatural y lo monstruoso. Emitido entre 1966 y 1975 alcanzó a superar los 1200 episodios con una duración de 30 minutos cada uno. Con Richard Matheson(1926-2013) como guionista y él como productor participó en la creación de Kolchak, personaje mítico encarnado por Darren McGavin (1940-2006) en dos largometrajes: El vampiro de la noche (1972 ABC), dirigida por John Llewellyn Moxey y El estrangulador de la noche (1973) dirigida por el mismo Dan Curtis. Tonio dedica un capitulo minucioso y fascinante (no más que los otros por lo demás) a glosar sus numerosas colaboraciones y creaciones entre las que encontramos un largometraje para televisivo sobre Drácula (1974) protagonizado por Jack Palance (1919-2006) o La maldición de la viuda negra (1977) con un inspirado Tony Franciosa (1928-2006).

Curtis Harrington, cineasta hasta el tuétano e iniciado en los Misterios de Thelema, había tenido como mentora e inspiración en sus inicios a Maya Deren (1917-1961) habiendo colaborado también con Kenneth Anger. Nigth Tide, film dirigido por el propio Harrington y protagonizado, entre otros, por quien sería la musa de Jack Parsons (1914-1952), Marjorie Cameron (1922-1995) y por Dennis Hopper (1936-2010) . Trabajó claro está para la televisión y dirigió La noche del juglar (1970) con Anthony Perkins (1932-1992) en un trabajo con aroma deudor de Hitchcock, La gata (1973) con guion de Robert Bloch (1917-1994) o Abejas asesinas (1974) con la mismísima Gloria Swanson (1899-1983).

John Llewellyn Moxey, nacido en 1925 en Argentina, dirigió decenas de episodios de las series más diversas (Mannix, Misión Imposible, Los vengadores, Se ha escrito un crimen…) algunos largometrajes y por descontado las películas que nos ocupan, entre las que cabe destacar además de El vampiro de la noche anteriormente citada, La presencia del diablo (1971) donde contó con la colaboración de la mítica Bárbara Stanwyck (1907-1990). Hombre poco dado a conceder entrevistas se mantuvo en la sombra realizando su trabajo de modo discreto y profesional.

Un capitulo, magníficamente glosado por imágenes bien seleccionadas como los otros, está dedicado a directores que comenzaron en la televisión y acabarían triunfando en la pantalla grande. Steven Spielberg, John Badham, John Carpentero Tobe Hooper (1943-2017) entre otros, realizaron una muy interesante aportación a la televisión generalmente en su comienzos y son objeto de riguroso seguimiento en este capitulo. El libro culmina con un impecable catalogo de películas, comentadas con amenidad y profesionalidad, que hará las delicias del cinéfilo y el estudioso. Un libro pues muy recomendable, bien editado e ilustrado.

Tonio Alarcón(Barcelona, 1976) ha colaborado en numerosas publicaciones colectivas sobre cine, tanto en formato de libro como de revista. Es también autor de Superhéroes: del cómic al cine (Calamar Ediciones) y miembro del consejo de redacción de Dirigido Por.

Appleheadteam, 2017

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Frank G. Rubio

I Premio de Novela Negra “Jefe Nacho Canella”

2018-06-06T08:00:00.000+02:00

En reconocimiento al Subinspector Jefe de la Policía Local de Pravia, y miembro fundador de AJEMPOL, D. Ignacio Canella Suárez

**Premio organizado por la Asociación Profesional de Jefes y Mandos de la

Policía Local del Principado de Asturias, AJEMPOL,

entidad integrada en UNIJEPOL

La Asociación Profesional de Jefes y Mandos de la Policía Local del Principado de Asturias, AJEMPOL, en sesión ordinaria celebrada en Oviedo el día 16 de marzo de 2018, aprobó por unanimidad de sus componentes la convocatoria de un certamen literario de temática policial que llevará el nombre de “Jefe Nacho Canella”, en merecido reconocimiento a la labor desempeñada por el que fuera Subinspector Jefe de la Policía Local de Pravia, y miembro fundador de AJEMPOL, D. Ignacio Canella Suárez, fallecido en el mes de octubre de 2017.

Con la institución de dicho premio se pretende contribuir no sólo al recuerdo de la memoria del profesional que lleva su nombre, sino también de algún modo, a resaltar el trabajo, la dedicación, y en suma, la imagen de entrega al servicio de la comunidad de los Cuerpos de Policía Local en su conjunto.

Desde nuestra Asociación, deseamos que la acogida del Premio entre los profesionales de las fuerzas y cuerpos de seguridad permita mantener perenne el ejemplo de tesón y esfuerzo de quien ha sido un buen profesional, compañero y amigo.

La Junta Directiva

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• BASES DE LA CONVOCATORIA

1. Podrán participar todos los integrantes de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad, con novelas de género negro escritas en lengua castellana, original e inédita, que no tengan comprometidos los derechos ni hayan recibido anteriormente otros premios. Si lo obtuvieran antes del fallo de este premio, deberán notificarlo y la novela quedará excluida del concurso. Se invalidarán las obras de los autores y las autoras fallecidos antes del veredicto.

2. Las obras que se presenten deberán tener una extensión mínima de 60 páginas y máxima de 100 páginas, formato DIN A4, escritas por una cara, a doble espacio, con tipo de letra Times New Roman de cuerpo 12, en formato Word o RTF. Se deberá presentar un ejemplar original debidamente encuadernado y acompañado con una copia de la obra literaria presentada bien en CD o en un pendrive.

3. El autor o la autora firmará su obra con un seudónimo y adjuntará —en una plica aparte, identificada con el seudónimo y el título de la novela— sus datos biográficos, el número de DNI o pasaporte, la dirección postal, los teléfonos y la dirección de correo electrónico, así como una declaración jurada en la que se manifieste que los derechos de la novela están libres en todo el mundo. Los autores y las autoras serán los únicos responsables de la inscripción de la obra presentada en el Registro de la Propiedad Intelectual y de los efectos de su no inscripción frente a terceros. Si el autor o la autora pretende que la obra sea divulgada bajo seudónimo, en el caso de que le sea otorgado el premio, deberá hacerlo constar expresamente en la plica.

4. Las obras se enviarán por correo postal certificado o servicio de mensajería, mencionando en el sobre "Premio Novela Corta Jefe Ignacio Canella 2018", a la siguiente dirección:

Apartado de Correos nº 240, 33401, Avilés, Asturias.

5. El plazo de admisión de originales queda abierto desde el día de la publicación de estas bases hasta el lunes 31 de diciembre de 2018. La organización del premio no se compromete a mantener correspondencia con las personas participantes, ni a informar sobre la clasificación de las obras o el desarrollo del concurso.

6. Se otorgará un premio único e indivisible. La composición del jurado se hará pública el mismo día del fallo del premio y la decisión será inapelable. Se otorgará el premio a la novela que, por unanimidad o, no siendo así, por mayoría de votos del jurado, se considere que reúne más méritos. El premio podrá declararse desierto si el nivel de los originales presentados no alcanza el exigido por el jurado.

7. El premio consistirá en la publicación de la novela por editorial solvente y con distribución en todo el territorio nacional y en Latinoamérica.

8. El jurado emitirá su fallo durante el mes de febrero de 2019 y se hará público el ganador o la ganadora. La obra publicada se presentará en la Semana Negra de Gijón en 2019, junto a su ganador o ganadora.

9. La editorial elegida se reserva el derecho de negociar con los autores y las autoras no premiados la posible publicación de sus obras en un plazo de noventa días a partir del anuncio público del jurado. No se devolverán los originales presentados a concurso no premiados y, transcurridos noventa días, serán destruidos. La organización del premio quedará exenta de cualquier responsabilidad sobre dichos originales.

10. El hecho de optar al premio implica la aceptación de estas bases y del fallo del jurado. Cualquier incidencia no prevista en estas bases será resuelta por el Jurado cuando esté constituido.

En Oviedo, a 16 de Marzo de 2018

La Junta Directiva

AJEMPOL

Festival de cine policiaco de Beaune 2018

2018-06-05T10:11:00.000+02:00

Sirva esta crónica sobre Beaune, ciudad donde Stéphane Audran deja huella, de despedida

Con la muerte reciente de Stéphane Audran, la visita al festival de cine policiaco de Beaune 2018 (creado por quien fuera su compañero y esposo de tantos años, Claude Chabrol), fue una especie de homenaje y despedida, por todos los lugares donde la mirada de Stéphane Audran había dejado su huella, había escrito ese escalofrío del que sus ojos habían tenido el secreto: la capacidad para contemplar el vacío como absorbida por una metafísica sensación de horror interno que abre la puerta de otro universo.

varias películas este año llevaban el sello de Chabrol

Stéphane Audran descendiendo la escalera de la gran mansión burguesa en La mujer infiel, Stéphane Audran mirando atemorizada en El carnicero a Jean Yanne desde lo alto de la ventana de su apartamento de maestra en la noche de Tremolat, sabedora al fin de que el carnicero es de hecho el asesino, y sin embargo dueña de una extraña comprensión hacia el asesino y sus circunstancias, Stéphan Audran en la doble existencia de Betty, ya madura y desinstalada en la realidad firme y tangible, pero segura en el limbo de la conciencia. Stéphane Audran y su maestría del silencio, Stéphane Audran y esas incomparables miradas del adiós, como en Días tranquilos en Clichy, Stéphan Audran y esa emoción repentina que de pronto desgarra el velo de los enigmas de Chabrol, Stéphane Audran y la modulación inconfundible e inolvidable de su voz, tan apta para arrastrar en medio de una indifeferencia burguesa el peso de supremas rupturas.

Con Stéphane Audran muerta hacía 11 días, con su Mademoiselle Hélène impregnando el aire mismo de los callejones medievales de Beaune, fue posible recoger en día y medio un parte sumario y un sabor del festival, aureolado este año por una retrospectiva completa de David Cronenberg. Y fue de algún modo un consuelo que varias de las películas de este año llevasen un fuerte sello de Chabrol. Es el caso por ejemplo de Petit Paysan (El aldeano), dirigida por Hubert Charuel, con una sólida interpretación de Swann Arlaud. A Chabrol no le hubiera disgustado que fuese la película galardonada con el premio que lleva su nombre. Si Chabrol radiografió película tras película una Francia intangible, en muchos casos rural, que se desvanece, Charuel muestra en su película una imagen tétrica de esa gangrena.

Su protagonista, Pierre, en la treintena, es ganadero. Su vida está organizada en torno a su granja, y aunque consciente de que es una vida imposible (tiene 30 años, vive aun con sus padres, su futuro es incierto) luchará por mantenerla y por sobrevivir cuando se declara una epidemia que termina con la vida de cientos de bovinos, una epidemia que lentamente se acerca a su propia granja hasta infectar a varias cabezas de ganado. Pierre ha heredado la granja de sus padres, no tiene ninguna otra cosa en la vida, e incapaz de aceptar la pérdida de sus vacas, hará todo lo posible por salvarlas: incluso mentir a su hermana, veterinaria, y mentir a la policía. No tiene otra cosa, e irá hasta el final para salvarlas. En un claro homenaje a Rundkop de Michael Roskaem, un clásico ya del cine negro en entorno rural y ganadero, viaja hasta Lieja para ver a un agricultor belga que cuelga vídeos en youtube para que se cobre conciencia del problema: “es la única forma de que nos escuchen”, le dice. Pero nadie escucha. La crónica de Pierre es la crónica de una batalla perdida.

La enfermedad, una variante de la encefalopatía espongiforme, se lleva a sus vacas, penosamente intenta engañar a los servicios sanitarios. Las quema, luego inventa cualquier historia para distraer de su desaparición - la policía no le cree, su hermana tampoco. No interesa que las vacas sobrevivan. No interesa saber qué es lo que está acabando con el mundo rural; y tras el mundo rural, con la vida de ganaderos supervivientes como Pierre, y lo que su vida y su actividad representa para el mantenimiento de unos ecosistemas económicos, paisajísticos y culturales. La película es seca, dura y no incurre en sentimentalismos; en la última imagen Pierre abandona, sabe que ha perdido la batalla, se aleja de su granja, cruza una mirada de despedida y desesperación con una de sus vacas en el prado, continúa su camino: hacia otro lugar, hacia otra vida.

No hubo tiempo para ver Río Negro, de Eric Zonka, con estreno previsto en Francia el 18 de julio, y que se anuncia como una de las películas negras más intensas de 2018.

La película británica Jersey Affair, opera prima de Michael Pearce, devuelve el sabor de otro costado en la obra de Chabrol, el Atlántico como trasfondo de obsesivas historias negras en la vena de La bestia debe morir de Nicholas Blake. El Atlántico es poderoso y moldea las vidas de quienes viven junto a él con una fuerza de algún modo primitiva, tal vez neolítica. Esa fuerza está presente en la película, servida por excelentes interpretaciones de la joven actriz irlandesa Jessi Buckley y del joven y brillante cantautor folk británico Johnny Flynn.

Es desbordada la pasión que la empuja a ella a huir de una tiránica y acrisoladamente heráldica familia enraizada en la tierra y el lugar para unirse a él, con algo primitivo en su interior, pero también con experiencia carcelaria y sospechoso de los asesinatos en serie que asolan a la isla. Hay algo paralelo en las extrañas corrientes del Atlántico y las extrañas corrientes que pasan por la mente de Jessi Buckley (guía turística de profesión) en la vida real. Sin embargo el guion no siempre logra atar en un diagrama lógico los diversos elementos de la narración. Y si uno comprende que el personaje de la chica está marcado por un mar cruel, sobre todo cuando comparece ante los policías que la van arrestar, no resulta del todo convincente su emergencia de las cenizas (tras el accidente del coche en el que huyen), como un fénix alzándose sobre el mal, para dejar una brutal explicación de cuál es en realidad la bestia, el asesino en serie, que asola el lugar. Esta deficiencia no es óbice para no disfrutar la energía y la frescura que despide la película.

El tercer asesino (Kore Eda Hirokazu)

Tras la maravilla el año pasado de Después de la tormenta, Kore Eda Hirokazu entra en el género negro con El tercer asesino, película que en muchos sentidos puede considerarse un tour de forcé. Lo es porque presenta desde el principio con toda claridad el asesinato, y despeja toda duda sobre quién es el asesinado, y quién el asesino. Pero cuando un brillante abogado asume la defensa de Misumi, el asesino, poco a poco la película, con un milimétrico guión que ama cada una de las palabras pronunciadas, se desplaza hacia el vértigo que entraña despejar “la verdad” y en particular la culpa. Y si terminamos sabiendo que el asesinado violaba y martirizaba en realidad a su hija, el asesinato aparece aureolado en realidad por un altruismo en una dimensión muy superior a la de la justicia humana. Ese es el territorio donde Hirokazu destila toda la fuerza de su cine, donde se mueve más a gusto. Resulta dramático el sincopado diálogo final entre el abogado y el asesino - Hirokazu explora la búsqueda de la verdad hasta el límite.

The looming storm

Galardonada con el premio Beaune a la mejor película del festival, The looming storm, La tormenta inminente, de Don Yue, ratifica la fuerza del cine asiático y nos transporta a una ciudad de China en 1997, a pocos meses de la cesión de Hong Kong. Es una época turbulenta, Ya Guowei, jefe de seguridad de una gran empresa siderúrgica en el sur del país, investiga una serie de asesinatos de jóvenes obreras. Uno se pregunta si este cine chino no es el que mejor retiene el sabor del cine negro en sus orígenes. Esto es lo que podría haber sido Hammett en sus orígenes: lugares remotos de Estados Unidos, como Butte, en Montana (que inspiraría la ciudad infernal de “Cosecha de sangre”), donde mineros y obreros que sostienen la pujanza industrial del país hacen huelgas bajo la vigilancia de los detectives de la Pinkerton. Traspasado a China, el fruto podría ser por ejemplo esta película, que nos transmite una imagen de la China convertida en una potencia industrial, a qué precio. Una lluvia incesante, fatídica, subraya el precio humano, y ecológico, pagado por China para fabricar productos, acero en este caso, mientras el resto del mundo especula. La investigación se malogra, Yua no da con el auténtico asesino de las obreras. Muere un inocente, él es procesado. Y la película se vuelve épica cuando Yua sale de la cárcel años después. Vuelve a esa ciudad bajo la lluvia, y encuentra que la siderúrgica va a cerrar, de hecho la van a volar, y con ella vuela el sentido de toda una vida: el lugar donde recibió el premio al mejor obrero del año 1997. Y ese año, 1997, parece tan lejano. Como el suicidio de la mujer a la que quiso, en esa ciudad siderúrgica, bajo la lluvia.

El jurado del festival coronaba la fuerza del cine asiático otorgando el premio especial del jurado a la coreana “La memoria del asesino”, de Won-Shin-Yu.

The guilty

Cierra esta rápida reseña la película sorpresa del festival: la danesa El culpable, de Gustav Möller, con una memorable interpretación de Jakob Cederberg. La película se resuelve con un espléndido respeto a la unidad de tiempo, escenario y acción. Una mujer llama al servicio de emergencias 112 de la policía. La versión que cuenta es que la han secuestrado. El policía lo cree todo. Hará todo lo necesario para salvarla, armado únicamente con el casco de escucha del servicio 112, la posibilidad de poner en contacto a los diversos servicios, el manejo del GPS, y sin abandonar en ningún momento la sala donde se reciben las llamadas de emergencia. Magníficamente dosificado el guión, el vuelco total llega sin sobresaltos, pautado pero no menos sorprendente. Hay un crimen atroz y el asesino no es ni mucho menos quien a todos luces lo parece. Desde ese teléfono, consigue localizar el lugar donde se encuentra. Se limitan a felicitarle: buen trabajo. Espléndida película sobre la soledad del trabajo policial, sobre la violencia que entra en el cerebro como un meteorito caído desde una galaxia remota, y que de algún modo es preciso encajar en un marco humano, para darle sentido, para amañar un sucedáneo de justicia.

Los premios literarios de Beaune recaían en Peter Farris, Last call for the living, mejor novela extranjera; Jacky Schwartzman (Demain c`est loin) mejor novela negra francesa; Charlotte Cahné (Fatale Descente) premio a la mejor primera novela de autor emergente.

Ramón García

Caso Malaussène 1. Me mintieron. Daniel Pennac

2018-06-01T08:00:00.000+02:00

¡Pero si es que ya pasó, eso del respeto a los mayores!

Vuelve la tribu Malaussène. Ese singular grupo familiar que nos fue presentado allá por 1985 en La felicidad de los ogros, y que ha ido creciendo a lo largo de los años. Y siempre con esa intensidad que es definida por uno de sus miembros:

¡Maldita familia, maldita manía de reproducirse! ¡Esta embriaguez de la vida! ¡Menuda estirpe, los Malausséne! Luchar contra su proliferación es querer transformar la Amazonía en un jardín a la francesa

La novela gira alrededor de dos tramas: por un lado, Benjamín Malaussène, el primogénito de la estirpe, se dedica a esconder de las iras de sus familiares a un escritor de la editorial para la que trabaja; la otra trama, que podríamos calificar de principal, se refiere a los sucesos acaecidos alrededor del secuestro del financiero George Lapietá, cuyo último trabajo ha sido el desmantelamiento de las filiales de una gran empresa -lo que le ha costado el trabajo a 8.302 empleados- y por el que Lapietá ha recibido veintidós millones ochocientos siete mil doscientos cuatro euros de compensación.

Como es habitual en otras entregas de esta serie, diversos elementos de la tribu Malaussène se ven involucrados, pues la tribu ha ido creciendo y la siguiente generación, la de los sobrinos -Es Un Ángel, Maracuyá y Señor Malausséne- toma el relevo a sus mayores para llevar a cabo grandes acciones, que parecen happenings, pero que suelen tener mucha utilidad para la colectividad. Y cómo no, el santo Benjamín volverá a ser el chivo expiatorio, que pagará por las obras de los demás.

canto a la vida, la pasión y la acción

Entre los variados temas que se tratan en la novela está la lucha de los trabajadores franceses ante la ola neoliberal; de ellos se afirma:

Gente que defendía su trabajo, sus derechos, el futuro de su familia, su honor, el futuro de la empresa francesa, su pasado y todo lo demás

Y para lograr sus objetivos, esa clase trabajadora «…desea la muerte de los financieros, el exterminio de los accionistas y la sodomía de la policía nacional francesa.»

De esta forma se da un duro repaso a la situación laboral francesa y a los nuevos mitos económicos -entre los que se incluye el brutal negocio del fútbol-, sacando a la luz alguna de sus más sórdidas acciones o el lamentable papel de los sindicatos clásicos, que ya no parecen representar a nadie.

En otro orden de cosas, el autor nos habla de las peripecias editoriales de Benjamín Malaussène, que ha de esconder a un autor perseguido por sus parientes ya que el contenido de su novela les resulta ofensivo porque cuestiona ciertos mitos familiares.

Pero el protegido de Benjamín no es el único autor que pasa por tan duro trance, porque su jefa en la editorial, la Reina Zabo, decide que va a editar libros que hablen de «la verdad verdadera», para enfrentarse a tanta mixtificación y estupidez. Y de esta forma nos mostrará a una serie de autores paradójicos con su presunto destino, que plantean un relato que se aparta del plan familiar que les estaba impuesto.

Todo esto ocurre mientras se va desarrollando un intrigante y peculiar secuestro, con duros y sangrientos enfrentamientos, en el que las fuerzas policiales y el mundo judicial ha de ponerse las pilas, y donde nos encontraremos algunos viejos conocidos que ya aparecieron en la saga Malaussène. Pero todo esto bajo la sombra del Poder, que más allá de sus ramificaciones policiales o judiciales, ha de atenerse a un principio que el autor considera fundamental: “gobernar es distraer”.

A lo largo del relato volveremos a algunos escenarios clásicos de esta saga, como la quincallería, ahora casi abandonada, donde la tribu Malaussène fue desplegando sus alas; una morgue, donde en lugar de certificar la muerte se lucha por la vida; o un orfanato, adecuadamente denominado Los frutos de la pasión, donde sus inquilinos se preparan para poder afrontar la vida adulta con destrezas útiles para la colectividad y sin excesivas dependencias de la tecnología.

Y como marca propia de esta peculiar serie, la panoplia de personajes singulares es extensísima, con la reaparición de parte del clan; algunos amigos, como policías, médicos, escueces, traficantes y demás ejemplares de la multicultural Belleville; algunas incorporaciones, como el secuestrado, un tiburón financiero que no puede dejar de hablar, o un abad de la catedral de Notre-Dame, con chupa de cuero y tatuajes.

Pero quienes brillan en esta nueva entrega son los jóvenes Malaussène, que pese a las dudas que le producen las ONG al cabeza de familia, son afortunadamente definidos como «sacos de ilusión por el mundo».

Finalmente hay que señalar el cuestionamiento que el protagonista hace de lo paterno, de la autoridad, y que se resume en estas palabras de uno de los protagonistas:

«¡Pero si es que ya pasó, eso del respeto a los mayores! ¡Los tiempos en que el respeto tenía que ver con lo de arriba, respeto a los antepasados, respeto a la bandera, a los valores de la República, al derecho al trabajo y al secreto de sumario! ¡Cosas del pasado! ¡El recuerdo del Frente Popular y del Mayo del 68, residuos de la Historia! ¡Hoy en día quienes merecen respeto son «los jóvenes»! ¡Nosotros y nada más que nosotros! ¿Acaso no pones la radio, de vez en cuando? El islam, el rap, ¿no te dicen nada? ¿No escucháis sus letras? ¡Ajustaos los sonotones, vejestorios!»

Éste es uno de esos pocos libros que pueden ser calificados de soplo de aire fresco, aunque hay quien afirma que más bien es una patada en el bajo vientre de todo lo cotidiano, de la mezquindad y el sufrimiento que podemos producirnos entre los seres humanos. Es todo un canto a la vida, la pasión y la acción. Les recomendamos encarecidamente que no se pierdan semejante joya de libro.

Literatura Random House, 2018

Compra en Casa del Libro

José María Sánchez Pardo

Los falsificadores. Bradford Morrow

2018-05-31T08:00:00.000+02:00

Historias de asesinatos en las que los libros tienen un papel fundamental

«No llegaron a encontrar las manos». No creo que nadie pueda negar que esta frase, como inicio de una novela de misterio, resulta de lo más prometedora. Pues así es como empieza Los falsificadores, de Bradford Morrow, publicada por Siruela en su colección Nuevos Tiempos.

Los falsificadores es una novela que se encuadra en ese subgénero apasionante que los anglosajones han dado en llamar bibliomystery; es decir, aquel que reúne historias de asesinatos en las que los libros tienen un papel fundamental (un subgénero que tiene ejemplos sobresalientes como El ladrón que citaba a Kipling, de Lawrence Block, o El manuscrito Poe, de la olvidada Amelia Reynolds Long, o Libros peligrosos, de Marco Page… por mencionar algunos).

Porque, efectivamente, Los falsificadores, partiendo del impactante inicio que hemos comentado, se centra en el apasionante mundo de los coleccionistas de libros y de las falsificaciones de autógrafos y dedicatorias con las que se eleva el valor de codiciadas primeras ediciones.

Adam Diehl, un misántropo coleccionista de libros raros, es atacado con inusitada violencia en su casa de la playa. No sólo le han golpeado salvajemente en la cabeza, sino, lo que es más espeluznante, le han amputado ambas manos; también han sido arrancadas muchas de las páginas de cortesía, aquellas donde se escriben las dedicatorias, de su valiosa colección de libros. Aunque todavía estaba vivo cuando le encuentran, Diehl morirá pocos días después del ataque, sin llegar a recobrar el conocimiento, en un hospital de Nueva York.

pasión por los libros y la creación

La historia está relatada en primera persona por otro apasionado bibliófilo de oscuro pasado que es, además, el novio de la hermana de Diehl, dueña también de una librería en Nueva York.

El amor, o más bien la pasión, por los libros y, sobre todo, por el acto de creación, es el telón de fondo de esta historia oscura y absorbente, en la que muchas veces lo original no puede distinguirse de la falsificación, ni la verdad de la impostura.

Una baza importante de la novela es la maestría con la que se muestra el muy peculiar mundo del coleccionismo y los entresijos de la mente de aquellos que están dispuestos a casi todo por poseer una edición especial; máxime si tiene unas letras manuscritas del autor venerado porque, al parecer, esa posesión crea en el bibliómano apasionado un sentimiento especial de vinculación al escritor admirado y su obra (y en esta novela encontraran especial gozo la legión de admiradores de Conan Doyle y su más admirado personaje).

Del mundo de los bibliómanos bien puede contar, porque bien lo conoce, el autor, Bradford Morrow (nacido en Baltimore, en 1951), Morrow, tras una juventud viajera, se especializó en literatura inglesa y comparada y ha dedicado su vida a la enseñanza de la literatura en prestigiosas universidades; es también un reputado novelista, poeta, ensayista y editor de la revista literaria Conjunctions, labores por las que ha recibido importantes premios. Un libro para los fanáticos de la bibliomanía y el crimen.

Siruela, 2018

Compra en Casa del Libro

José María Sánchez Pardo

¿Revisión o autocombustión?

2018-05-30T08:00:00.000+02:00

Sin duda todo sería más fácil para las nuevas generaciones

si no existiesen el pasado y la inmortalidad…

Abdul Allhared Jr.

Desde el lugar de túneles donde se abren a la nada los grandes espacios ultraterrestres he leído con ganas y con interés la antología Combustible Lovecraft subtitulada, no se si convenientemente por los antólogos y/o el editor, Revisionismo lovecraftiano para las masas. La edición de Orciny es impecable en todos los sentidos, tanto por la ilustración de portada como por la ausencia de erratas; la excelente calidad del papel y la maquetación hacen agradable su lectura. En cuanto a los contenidos, como casi todo lo que se publica desde hace décadas en una supuesta frecuencia “lovecraftiana” está desafortunadamente, con alguna excepción, a la altura de otras prolongaciones artificiales y forzadas del universo del Maestro de Providence.

Razón tiene Calasso cuando señala a los dioses como "huéspedes huidizos de la literatura.” Vuelo rasante en alguna y contada ocasión y bullir de lombrices en la mayor parte de los casos. Pero esto ocurre con gran parte de las aportaciones al género terrorífico actual, tanto aquí como allá. Y si hablamos de la Ciencia-Ficción, más de lo mismo o peor. Vivimos muy lejos pues de la Edad de Oro del Género e incluso el hierro ha ido deviniendo latón. La endogamia en literatura no es buena; cada vez hay menos lectores y más escritores y muy pocos (de los unos y de los otros) son “buenos”.

Por mucho que uno quiera hacerse el ingenioso y reivindicar un “Lovecraft sin Lovecraft”. ¡Háganlo, mis cuates, si lo consideran factible, pero que sea legible! Stoker en su Madriguera del gusano… tocó las mismas teclas que la ficción de Lovecraft antes que este escribiera nada significativo en esta dirección.

Sobre esta cuestión entrópica que afecta lo lovecraftiano y en algún punto de la sintonía con los Grandes Antiguos escribí hace menos de un año penetrado por las sombras, estupefacto y vestido de marinero, un breve texto denominado: Lovecraftismos cuya lectura pedantemente recomiendo; ahí y de manera muy poco elaborada incidía en la necesidad para el lector de distinguir lo lovecraftiano de otras y perniciosas cosas… Lo que separa la mera copia del simulacro, a la tortilla de patata hecha con huevo a la perpetrada con huevina. Hoy veneramos a un autor de segunda fila como Ligotti porque el contraste con la turba de ineptos procedentes de los Talleres, engordados con el pienso de lo Políticamente Correcto que anega el mundillo literario de género anglosajón (y veo que surgen de sus toperas también acá torpes imitadores de esta forma de sectarismo), le vuelve centelleante a pesar de la monotonía barbitúrica de la mayor parte de su producción.

Vaya por delante señalar que la repugnancia que en mí provocaron bastantes cuentos escritos en clave supuestamente “cthulhiana”, como la provocan las manos de cuatro dedos o esos peculiares rasgos irregulares en el caminar o en el rostro entrevistos en algunos de los viajeros del Metro, esos relatos plenos de tentáculos leídos en alguna entrega que otra de La Factoría de Ideas o en la antología de S. T. Joshi, Alas tenebrosas, la he sentido algo atenuada (tampoco demasiado) con la lectura de Combustible. La mayor brevedad de la recopilación, el tiempo que no sólo lleva a la muerte sino que nos aclimata a ella unos años antes, la ausencia de influencia de los detestables y normalizadores Talleres Literarios, la benevolencia hacia los jóvenes que forma parte de mi carácter etc. sin duda han influido. También es cierto que en Alas tenebrosas se pueden salvar tres o cuatro relatos con una calidad sin duda superior a lo mejor de Combustible pero la toxicidad de la mayoría, que en este caso citado era casi las cuatro quintas partes, resultó aplastante para mí tras su cansina lectura.

Lovecraft y su herencia existieron antes de Joshi que ha hecho una aportación más que notable y persistirán, como si nada hubiera pasado, tras el deleznable “auto de fe” realizado por China Mieville y la no muy sutil Okorafor. La vocación de “social warrior” a la española del prologuista la considero risible; como diría Spock ante alguna conducta extrema exótica percibida en algún lejano asteroide: "fascinante, capitán Kirk". Sin los Mayores y los Mejores no hay nada que hacer en el mundo de la escritura. Si no conoces tu pasado obviamente no podrás corregir sus defectos y si no imitas, al menos en tus comienzos, la excelencia de los antiguos jamás podrás superarles. Si eres comunista o feminista no entenderás nada de esto que he dicho y seguirás revolcándote, como un puerco o una cerda, en los dogmas y lugares comunes de tu piara. No soy tu hermana y no te creo.

La obra de Lovecraft no fue popular en su tiempo aunque, paradójicamente, fuese publicada parte de ella en publicaciones de circulación masiva; tampoco su autor se la tomó muy en serio jamás como literatura, aunque sí como juego; como se había tomado en serio los sueños que la inspiraron. Sobre esta cuestión de los sueños en Lovecraft recomiendo la lectura del trabajo de Alberto Ávila, que pronto verá la luz en la publicación Herejía y Belleza, Luz negra. Lovecraft como iluminado.

Pero Lovecraft era un caballero no sólo en su imaginación, por ello es intempestivo y en gran medida incomprensible para quienes siguen el modo de vida de la plebe. De ahí su agudo y para muchos anacrónico sentimiento de casta (para el comunista esto es intolerable, claro) que no quedó empañado lo más mínimo por vivir en la pobreza la mayor parte de su vida. Fueron sus amigos escritores, sus lectores fieles y los aficionados coetáneos quienes acabaron dando aura numinosa a determinados procedimientos ficcionales y a muy peculiares conceptos, alegorías y tramas. Como siempre se hace cuando hay amor e interés.

Como sin duda intuyo está elaborada la narración Cero Zen/TRAPEZOEDRO de Francisco Jota Pérez donde se nos narra, en clave borrosa, la tragedia de un artista de nuestro tiempo que hibrida la música electrónica con la teología-ficción. Amplias resonancias lovecraftianas, con aroma a Robert W. Chambers, en el contexto de una escritura carcomida por la exposición de la memoria a lo indescriptible y al proceloso trocado posmoderno de los arquetipos básicos.

Creo que lo más acertado que se puede decir sobre el enfoque que domina la mayor parte de las narraciones incluidas en Combustible está expuesto alegórica y sospecho también que involuntariamente, en la última consignada en el índice: Podéis ir en paz de Weldon Pelderton. En ella se narra como la recepción de un grimorio caído en manos de unos niños de la España profunda, procedente de un superviviente de la División Azul regresado de un largo cautiverio en Rusia, trastorna por así decirlo la vida asaz prosaica de los lugareños del remoto enclave. Aprovecho la ocasión para recordar a los lectores la notable y poco conocida y muy recomendable novela, también de corte lovecraftiano, publicada por Francisco Arellano en su Biblioteca del Laberinto: El espanto de Arganza; escrita por el desconocido, oculto también tras un seudónimo como el nativo de Lobera de Izfalada, Hugo Magenis. En Podéis ir en paz nos encontramos con una bizarra y eficaz combinación, al menos así me lo han sugerido mis lecturas, entre un universo similar al creado en 1961 por Nené Estivill para Tío Vivo (Agamenón) y los esotéricos conocimientos y prácticas de la Orden creada por Kenneth Grant: la T.O.T.O. La O.T.O. tifoniana que se toma completamente en serio desde un punto de vista mágico y esotérico los conceptos lovecraftianos y cuyo origen casualmente es de 1962. La cantidad de cosas interesantes que se hicieron antes del 68… Fecha de convocatoria de marionetas adolescentes “urbi et orbi” por las momias de la Oligarquía real, invisible y desencarnada, que encauzan los destinos de la seudo humanidad actual hace seis mil años desde un asteroide de órbita excéntrica, imperceptible a los más poderosos sistemas de detección y radar. Obviamente, Totó, no estamos ya en Kansas aunque en este simpático relato en cierto modo volvamos allí. Aquí está en gran medida metafóricamente expuesto el meollo del enfoque de la mayor parte de las colaboraciones: niños o adolescentes (los autores) que reciben un legado peligroso (lo lovecraftiano) en un entorno desconsideradamente hostil (nuestro mundo literario y cultural, uncido al carromato de lo PC y al crepúsculo de la literatura) y sus poco amables vicisitudes (logros y apreciación, fandom etc.)

No todas las aportaciones pueden ser consideradas conectadas con Lovecraft salvo haciendo extrañas contorsiones; lo cual al prologuista seguidor de la lengua del oil mas que la del oc esto le traiga al pairo; ¿pero debe esto ser suficiente para que tampoco le importe al potencial lector? Demasiado Negarestani para el body es malísimo para la salud mental. Os remito a un par de artículos sobre esta cuestión como buen abuelo Cebolleta que soy:

¿Basta acaso con que aparezca la palabra Nyarlathotep para convertir algo en “lovecraftiano” a efectos de la antología?; esto en concreto seria más bien una forma primitiva de lovecraftismo. ¿Basta con meter a Cthulhu, o esa ciudad perdida y sumergida casi impronunciable, en una trama más o menos desopilada de película norteamericana de serie B de estudiantes y fraternidades ? Todo esto carecería de trascendencia si los relatos fueran “buenos” relatos pero mejor que juzgue el lector tras su lectura.

Una historia bien construida y desarrollada, procedente de este bloque de textos, nada o escasísimamente lovecraftianos, es una narración de Ciencia-Ficción de corte clásico, de esas que imaginan sacerdocios que custodian conocimientos científicos olvidados en un mundo pos catástrofe en un entorno de superstición; me refiero a la muy eficaz ficción de Santi Pagés que no pienso destriparos. Pero nada, o muy tangencialmente conectada con Lovecraft, salvo que abramos tanto el abanico que nos lo carguemos. Ya se que lo importante es epatar a Joshi y no parecerse a Lumley. Pero ellos no van a leer esto y nosotros sí. Y desde luego no voy a pasar por el aro de la detestable Donna Haraway, brother; prefiero leer, como también lo haría LaVey, al inolvidable August Derleth.

La primera narración del libro, obra del Colectivo Juan de Madre y certeramente titulada Tras el horror, constituye una aportación incisiva dotada con inteligente material gráfico que consigue evocar el tan traído y llevado “horror cósmico” lo cual es poco frecuente; transmitiendo una gama de sensaciones que sólo he visto bien insinuadas, aunque luego pésimamente desarrolladas, en la primera media hora de la película YellowBrickRoad. (2010; Jesse Holland & Andy Milton) También da su lectura una medida alegórica del espíritu latente en estas novísimas aportaciones contemporáneas donde los protagonistas, al contrario que en el universo lovecraftiano clásico, ya no son eruditos sino gente más joven y mundana con actitudes compartidas por los supuestos lectores. Muchos de los cuales han iniciado su contacto con HPL vía juego de rol o videojuego. En el caso de la literatura de género en España de un tiempo a esta aparte habría que añadir que muchos de los lectores, demasiados, son también escritores y sé que me estoy repitiendo; estirpe de la cripta marcada por una disgénica endogamia. Esperemos que a esto no se añada el virus “podemita”.

Pero vamos a detener por un tiempo la exposición de los contenidos para hablar de esa cuestión que, da la impresión, ha sido descubierta por diversos y geniales pipiolos del siglo XXI y que la pobre gente del siglo XX, sumida en la ignorancia insuflada por el patriarcado y el capitalismo, no habíamos advertido ni dado el peso que tiene por nuestra insuficiente y rudimentaria sensibilidad; me refiero al racismo de Lovecraft. No hablaría de esta cuestión si no se hubiesen vertido en el prologo a la antología determinadas ausencias y recurrencias propagandísticas de corte claramente distorsionado. Primero de todo voy a adjuntar el texto del poema de Lovecraft, escrito en 1912, de mínima difusión, que ha generado la tormenta en un vaso de té auspiciada por una escritora, nigeriana.

When, long ago, the gods created Earth

In Jove's fair image Man was shaped at birth.

The beasts for lesser parts were next designed;

Yet were they too remote from humankind.

To fill the gap, and join the rest to Man,

Th'Olympian host conceiv'd a clever plan.

A beast they wrought, in semi-human figure,

Filled it with vice, and called the thing a Nigger.

Tras él adjunto texto de 1965 obra de un líder negro o afroamericano, como queráis llamarlo, multitudinariamente conocido y compartido por millones de fanáticos también en Estados Unidos. Para ir situando la cuestión en su adecuado marco: la realidad.

El Hombre Blanco es el Hombre Primordial. De él vienen los demás: el negro, el amarillo el rojo… Utilizando un método de control selectivo y de crianza el Hombre Blanco fue capaz de crear al hombre negro. Este método fue elaborado por un científico, obviamente blanco, llamado Yakub, que tuvo la visión de crear y enseñar a una nación compuesta por gente diametralmente opuesta al Hombre Primordial. Esta raza acabaría sustituyendo a los blancos. Gobernándoles durante un período de seis mil años. Yakub prometió a sus seguidores que les mostraría una colección de trucos y engaños para gobernar: dividiendo y conquistando a la buena gente blanca, poniendo al hermano contra el hermano. Y actuando a la vez como mediadores entre ellos.

Esta colección de imbecilidades escritas por Elijah Muhammad en 1965 y en las que hay que operar el cambio del término "blanco" por "negro", todas las veces que aparece en el texto, forma parte de las creencias de la Nación del Islam. 38 años tras la muerte de Lovecraft esto hace palidecer con mucho el "famoso" poema escrito en 1912 que ocasionó la indignación de la citada Okorafor en 2011 cuando recibió el famoso y abominable trofeo; su refinada sensibilidad, ofendida por la espeluznante estatuilla, la impelió a poner en marcha una campaña para sustituir el Premio de la Convención Mundial de Fantasía que estaba objetivado en una cabeza de Lovecraft basada en el diseño del caricaturista Gahan Wilson. Lo más probable, dada la ética pública que reinaba entonces durante la segunda etapa de Obama, es que aprovechase la ocasión para autopromocionarse. Pero ahora viene lo mejor y no citado en el prólogo.

Donald Wandrei en 1984, 27 años antes, había rechazado el mismo trofeo por considerarlo una caricatura peyorativa de quien fuera un muy buen amigo. Para la muy roma nigeriana el trofeo, que mostraba a Lovecraft con ojos saltones de “profundo”, constituía fundamentalmente un homenaje totémico. La demencia sectaria de la turba izquierdista se subió a las paredes, como hacen las ratas acorraladas y aterrorizadas, y quería sustituir a Lovecraft por Octavia Butler; en esa linea fetichista propia de los más rudimentarios salvajes que comparten gran parte de los activistas radicales con las más residuales y degeneradas poblaciones que malviven aisladas en remotas junglas olvidadas. Afortunadamente se ha impuesto la sensatez y el nuevo trofeo es un disco solar unido a un árbol.

Soy un decidido partidario no obstante de fabricar un trofeo de plomo especial con la imagen de Octavia Butler en tamaño natural y dejarlo caer desde una altura de un metro sobre la ínclita y justamente motivada nigeriana.

¿Acaso queridos pipiolos creéis que Rafael Llopis, Juan Antonio Molina Foix, Jorge Luís Borges, Juan Perucho, Francisco Arellano, Fernando Savater, Jesús Palacios Trigo, Alberto Ávila, David Hernández de la Fuente y vuestro, nada adscrito a la mendaz ideología izquierdista, Frank G. Rubio, no sabíamos que Lovecraft tenia actitudes racistas?

Pero le dábamos, o damos, el peso que teníamos que darle (cada uno el suyo) no el que muchos de vosotros querríais le fuera otorgado con cicatera, ignara e inquisitorial actitud. Todos los citados anteriormente y muchos más somos, según determinado lenguaje de madera, “varones blancos” y con eso creéis que habéis dicho algo significativo. Porque por mucho que os moleste: matar, violar, robar, mentir, no respetar la palabra dada y carecer de buenos modales o sentido estético son cosas mucho más graves que ese supuesto racismo que tanto os aterroriza. Como señala Thomas Sowell, economista norteamericano de color, afroamericano o negro: The word 'racism' is like ketchup. It can be put on practically anything - and demanding evidence makes you a 'racist. Pero si uno es un inquisidor izquierdista cree que con esta calificación basta para arrumbar a Lovecraft y su obra al desván.

Dejo claro pues que hemos de cortar de raíz el que, aquí y ahora, algunos crean que basta con acusar a alguien de “racista” o de “machista” para sellar el destino de una discusión; al menos entre personas civilizadas y cultas tenemos que llegar a todo lo contrario. Los que usan estos términos en la mayoría de los casos deben ser empaquetados a base de silencio e indiferencia en dirección al contenedor de basura más próximo, si está repleto de pescado putrefacto mejor, para que se relaman allí en un entorno “tiamático” estricto las cicatrices de imaginarias y eunucas microagresiones. La división no es entre una izquierda y una derecha lovecraftianas sino entre imbéciles y personas cabales que gestionan desde el pluralismo, mejor o peor, un legado literario.

Volviendo a la corriente principal del artículo... Las ficciones terroríficas de Javier Avilés y Albert Kadmon tratan de explorar una de las constantes temáticas básicas del terror lovecraftiano, la pérdida de la propia identidad y la propulsión al abismo de la locura, desde perspectivas estilísticas e ideológicas “exquisitamente” nihilistas. Lovecraft, queridos, fue siempre un humanista, un pesimista y un ateo pero también, y quizá por ello, un humanista de cuerpo entero aunque ansiase la desencarnadura de su ulceroso aparato de soporte. La tergiversación de su pensamiento por la camada marxista del embrutecedor y pretencioso mejunje llamado “realismo especulativo” no constituye otra cosa que una insensata tergiversación. Similar a la que se lleva haciendo hace décadas con Nietzsche desde determinados círculos filosóficos vinculados al lacanismo. Tony Fuentes, en uno de los relatos mas logrados, retoma creativamente el paradigma del “color caído del espacio” en circunstancia carpetovetónica actual con bastante eficacia.

Sólo un tercio es ilegible, por descontado desde mi punto de vista, y hay tres o cuatro relatos interesantes con potenciales muestras de buen hacer literario. Cierto que una novela bien escrita sin paliativos como Infierno nevado de Ismael Martínez Biurrun, que desarrolla en clave de novela histórica y de aventura un sueño de Lovecraft expuesto en una carta a Wandrei (publicada en la Miscelánea que Francisco Arellano ha publicado recientemente y de la que me ocuparé en otro momento), está a mi juicio mucho más en el sendero de Arkham y de la Hermandad de la Sabiduría Estelar.

No está muerto lo que yace eternamente; y con el paso de extraños eones, incluso la Muerte puede morir.

Frank G. Rubio

APÉNDICE

Robert Bloch wrote an excellent introduction to a collection of Lovecraft stories. In it he tackled Lovecraft's racism:

"Degenerative mutation also figures in The Outsider, The Lurking Fear, The Rats in the Walls, and in the grotesque miscegenation of The Dunwich Horror and Arthur Jermyn Some critics cite this as a disguised example of the racism they find evident in He, The Horror at Red Hook, The Call of Cthulhu, and other stories.

If Lovecraft was a racist we must recognize that the term was not generally considered pejorative during his own time. In the twenties and thirties, Anglo-Saxon superiority was virtually taken for granted not only in literature but in daily life. And nowhere was this belief more pronounced than in New England. Here the D.A.R.(Daughters of the

American Revolution) held sway, and the inhabitants of the selfstyled Shrine of Liberty shuddered as their communities were invaded by immigrants. Ignoring the fact that most of these "foreigners" had been imported by blue-blooded,100 percent Americans to provide cheap labor for their factories, they watched in dismay as cities became crowded, old landmarks gave way to new construction, and their political, economic, and social control gradually vanished.

To Lovecraft these changes were anathema, and ex- pressed his attitude both privately and in print. But his views were not inflexible. As he matured he gradually came

out of his shell and his outlook broadened; the racist element of earlier efforts is muted or absent in later tales. And what sort of anti-Semitic author marries a Jewess, associates with Jews as friends, and retains one as his literary agent?"

El autor (2017). Seis personajes contra él

2018-05-28T08:00:00.000+02:00

El exitoso cineasta Manuel Martín Cuenca nos ofrece un divertido drama sobre un aspirante a escritor. Adaptación de la primera novela de Javier Cercas, El autor demuestra con inteligencia y humor que la literatura no nos hace ser mejores

David G. Panadero conduce esta Sesión Prótesis

El secreto de Mayerling (1949)

2018-05-25T08:00:00.000+02:00

El idilio, las presiones gubernativas, la tensa relación familiar de la Corona

De todas las versiones cinematográficas o televisivas relacionadas con el asesinato vs. suicidio en 1889 de Rodolfo de Habsburgo (heredero del Imperio Austrohúngaro) y su amante, la baronesa de Vetsera, ninguna con la sobriedad, profundidad y complejidad que la facturada por el cineasta francés Jean Delannoy sesenta años después de los hechos acaecidos. Desde Alexander Korda en los años veinte a Terence Young en los sesenta, pasando por Anatole Litvak en dos ocasiones (una en la gran pantalla y otra para la pequeña), todos ellos trataron con desigual fortuna las variadas posibilidades de un suceso que siempre estuvo envuelto en la polémica y la elucubración: por un lado los que pensaban que los enamorados acabaron con su vida desde un punto de vista eminentemente romántico, luchando contra las convenciones de sus respectivos estatus, y por otro los que defendieron la teoría de una conspiración política para apartar a Rodolfo de unas pretensiones liberales volcadas principalmente en sus relaciones con Hungría. Delannoy, al contrario que sus colegas de profesión, hizo especial hincapié en las circunstancias que rodearon y pudieron desencadenar el fatal desenlace, apoyado en la composición del argumento por el prestigioso guionista Jacques Rémy.

No en vano, la película arranca con el descubrimiento de los cuerpos en la localidad austriaca donde la pareja se había refugiado, y a partir de ese instante asistimos a un extenso flashback que, a modo de recorrido circular, finaliza con el momento en que se producen los dos disparos… En dicho comienzo ya nos predispone a una austeridad interpretativa y secuencial completamente alejada de fatuas pomposidades o efectismos comerciales. Cercanos al naturalismo, estos primeros minutos nos muestran, sin diálogos, detalles cruciales como la diferencia de clase entre ambos amantes: mientras el príncipe es llevado en ataúd con todo el boato presumible a su condición, María Vetsera es conducida poco menos que a rastras hasta un coche, ya que ostenta la humillante condición de amor furtivo del sucesor al trono.

convincente por su delicadeza y contención

Rodolfo (en la piel de Jean Marais, actor fetiche no solamente de Delannoy, sino principalmente de Jean Cocteau) es un príncipe mujeriego y hastiado que vive atemorizado por el riesgo de sufrir un atentado: no son pocos los que desconfían de sus coqueteos con el independentismo magiar, poniendo en peligro así la estabilidad del imperio de Francisco José I, su padre. La vida de aquel toma un giro inesperado cuando conoce a María, que representa el amor sincero, virginal y entusiasta frente al inicial cinismo del heredero, abonado a las aventuras esporádicas.

En el film, el príncipe va evolucionando y Rodolfo acaba correspondiendo sin remilgos a la pasión desinteresada de su amiga. La música es utilizada casi a cuentagotas, y Delannoy nos libera de la tentación de recrearse en pasajes inherentes al contexto como los interminables bailes palaciegos de rigor. De igual forma ocurre con los lied de Brahms que son empleados eventualmente. El director francés trufa la acción de manera puntual con algunos toques de humor sutil y elegante: una seña de identidad que hemos podido apreciar en otros títulos dramáticos de su obra como L’assassin a peur la nuit o El eterno retorno, realizadas igualmente en los años cuarenta.

El secreto de Mayerling pone todas las cartas sobre la mesa: el idilio, las presiones gubernativas, la tensa relación familiar de los miembros de la Corona, la influencia crucial del Vaticano —Rodolfo pide la anulación de su matrimonio con Estefanía de Lieja, a lo que tanto los reyes como los enviados de la Santa Sede responden montándole poco menos que un improvisado tribunal inquisitorial— y, en general, de todo lo religioso, siempre predominante en cada aspecto de la vida palatina. Y acaba jugando con cierta ambigüedad a la hora de volcar el peso sobre alguna de las teorías expuestas al comienzo. El Mayerling de Delannoy rezuma delicadeza y contención, a la vez que elude el empalago gratuito, lo que termina por darle una credibilidad categórica.

Jesús Fernández

* * * * * * *

Tit. Orig: Le secret de Mayerling, 1949. Director: Jean Delannoy. Guión: Jean Delannoy, Philippe Hériat, Jacques Rémy. Música: Louis Beydts. Fotografía: Robert Lefebvre. Intérpretes: Jean Marais, Dominique Blanchar, Jean Debucourt, Claude Farell,

El crimen no necesita de mayor justificación. Simplemente nos fascina e hipnotiza, nos atrapa, nos obliga a seguir mirando…

La herida. Jorge Fernández Díaz

2018-05-24T09:23:00.004+02:00

La intelectualidad, fácilmente corruptible por el poder

A Remil, un agente, casi mejor sería llamarle sicario, de los servicios secretos argentinos, recibe dos encargos de gran importancia. Por un lado ha de servir como hombre de seguridad y factótum en una operación de lavado de imagen para un gobernador de una provincia de la Patagonia. Y a la vez debe seguir el rastro y encontrar a una monja que trabajaba en un sector muy pobre de Buenos Aires, y que se ha esfumado, siendo alguien muy querido para el actual ocupante argentino de la silla de San Pedro.

A Remil le queda bien su apodo, que es la reducción de lo que piensan de él sus conocidos: que es un reverendo hijo de remil putas. La novela empieza de forma un tanto desairada para él, pues se ve involucrado en una fallida y chusca operación en Nápoles, lo que unido a las dudas que dejó a su jefe, el misterioso coronel Leandro Cálgaris, en su anterior misión, narrada en El puñal, hacen que nuestro protagonista viva un auténtico calvario a lo largo de estas páginas, pues por más que intenta hacer bien las cosas, no recibe más que desplantes y castigos.

Un elemento fundamental de esta novela es el plantel de personajes que aparecen en los diversos escenarios en que se mueve la narración. Por un lado en los barrios miserables de Buenos Aires los religiosos, los activistas y los capos peruanos de la delincuencia del lugar. pero donde brilla el autor es con el equipo A que se dirige a la Patagonia para relanzar la carrera política de su obtuso gobernador: dirigidos por Beatriz Belda, una implacable consultora política, la rodean Diana Galves, una vieja diva del cine y el espectáculo, la Gorda Maca. Que es siquiatra y astróloga aficionada, palma, el tipico y prototípico haer, y para ayudar a Remil, le acompaña el excomisario Romero, con una buena historia de investigador criminal a sus espaldas. Este grupo que parece un tanto chusco, demostrará tener unos rendimientos impresionantes en cuanto han de tejer una auténtica novela alrededor de su patrocinador, incluyendo acciones que claramente son del orden delictivo.

novela que huele a realidad

La novela nos muestra las prácticas delictivas de los servicios secretos argentinos, que resultan ser empresas que trabajan para sí mismas, no quedando nada claro su presunto servicio a la comunidad y a la nación.

Por otra parte resulta inquietante la descripción de las prácticas que se llevan a cabo en la confrontación política preñadas de violencia, agresiones y chantajes, donde se pretende comprar a todos los actores sociales, desde los miembros de la justicia a por supuesto los medios de comunicación, donde se lavan asesinatos y hunden el honor y la fama de las personas.

La desaparición de la monja le permite al autor mostrarnos un terrible docudrama de la vida en los barrios más miserables de Buenos Aires, y el peso de los grupos delictivos peruanos que provienen de las filas de los terroristas de Sendero luminoso. Y en este escenario se hace una profunda reflexión sobre la dura vida de aquellos que realmente se entregan al trabajo social, y las extremas vicisitudes personales y sociales por las que pasan.

Al autor le da tiempo para asestar una durísima crítica al llamado mundo de la intelectualidad que es fácilmente corruptible por el poder y que con tal de pesebrear alaga a los más viles personajes. De igual forma da un minucioso rapapolvo a aquellos que en su momento defendieron banderas y postulados de ultraizquierda, y que se han convertido en unos cínicos y canallas que no tienen el menor rubor de violentar y agredir en nombre de los poderosos a los que tanto criticaron.

Pero esta novela no sólo es un gran thriller de acción, sino que además nos hace relatos personales de gran profundidad, como es el caso de la historia de Mariela Lioni, la monja desaparecida, de la que se nos relata sus anhelos y angustias, sus afanes y contradicciones, logrando una historia que impacta y emociona.

Y todo esto nos lo va relatando, como actor principal o como mero espectador, Remil, un tipo que se nos termina por hacer entrañable, pues no deja de ser un títere de sus poderosos amos, y que entre brutales sesiones de ejecicio físico y la lectura de ensayos históricos, participa de forma muy activa para resolver misterios y llevar a cabo diversas acciones propias de su empleo.

Esta novela, que huele a realidad, es la obra de este extraordinario periodista argentino (no confundir con su homónimo ex ocupante del ministerio del Interior del Reino de España), que nos hace un relato terrible de la realidad social y política de la Argentina, pero no deberíamos ponernos estupendos, pues quizá en nuestra democrática Europa también abundan historias sórdidas y de dudosa legalidad. Segunda entrega de una magnífica serie que no hay que perderse.

Destino, 2018

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José María Sánchez Pardo