Comprometidos con la difusión de la música independiente a nivel mundial, servimos como el blog oficial en representación de Puerto Rico dentro del Music Alliance Pact. El MAP es una serie de compilados de música independiente distribuida mensualmente que recoge selecciones hechas por blogs especializados de sobre 35 países de alrededor del mundo. Puerto Rico Indie, en colaboración junto a Frecuencias Alternas, se encarga de la selección local de cada mes. Para mayo hemos escogido la música del prolífico guitarrista y compositor, Kristian Prieto – mejor conocido como Harry Rag.

Escucha a continuación cada canción individualmente, descarga un mp3 individual haciendo “right-click” en el título de la canción, o descarga un archivo zip con el compilado completo a través de Ge.tt aquí.

ALEMANIA: Blogpartei
Christian Loeffler – Eleven (feat. Mohna)
Hay demasiados elementos sutiles en el debut de Christian Loeffler, A Forest, que hacen que su música sea muy contemporánea (hay silbidos, chasquidos y campanas). En el gratamente animado track Eleven, Mohna, cantante de la banda Me Succeeds (que ya pasó por MAP) agrega un nivel extra a la tranquila pero vívida música de Loeffler.

ARGENTINA: Zonaindie
Prietto Viaja Al Cosmos Con Mariano – Ey, Esa No Es Forma De Decir Adiós
PVACCM es un dúo de rock psicodélico (Mariano, batería y voces, Prietto, guitarra y voces) de Buenos Aires. Sus primeras grabaciones fueron experimentos lo-fi, pero en los últimos años han logrado desarrollar un sonido único con melodías y letras que van creciendo de un modo melancólico. Este track es el homenaje de la banda al clásico de Leonard Cohen, Hey, That’s No Way To Say Goodbye, incluido en su último álbum, un disco doble de 28 canciones que se puede comprar desde Bandcamp.

AUSTRIA: Walzerkönig
Mile Me Deaf – Wild At Heart
Mile Me Deaf es una de las bandas en las que participa Wolfgang Möstl de Killed By 9V Batteries. Y si bien los proyectos paralelos (en este caso un término injusto para una obra de más de 500 canciones) son generalmente un espacio para todas las porquerías raras que tus compañeros de banda rechazaron, su primer álbum Eat Skull, y especialmente el primer single Wild At Heart, están sorprendentemente libres de ruido y distorsión. En su lugar, lograr crear el ambiente del último día de vacaciones que todos conocemos de bandas como Girls y Beach House.

BRASIL: Meio Desligado
Leonardo Marques – Linha Do Trem
Las melodías nostálgicas son el sello personal de Dia e Noite No Mesmo Céu, el álbum debut de Leonardo Marques. Sus canciones evocan un escenario romántico, solitario y bucólico, que podemos escuchar en Linha Do Trem. Leonardo grabó todos los instrumentos a excepción de la batería en un ambiente hogareño e íntimo. Su música seguramente atraerá a fans de artistas como Elliott Smith, Clube Da Esquina y Jon Brion.

CANADÁ: Quick Before It Melts
The Rest – Always On My Mind
La historia del nuevo álbum de The Rest, SEESAW, será legendaria. Primero, su querido amigo y productor Dan Achen murió repentinamente cuando comenzaron a grabar. Luego, a un mes de terminar su disco, un error en el disco duro borró todo lo que habían hecho hasta el momento. Fue necesario que un equipo de rescate de cajas negras salvara los datos, seis meses después. Ahora, pasado más de un año desde estos hechos, lo tenemos aquí. La hermosamente difusa Always On My Mind es una insinuación a la brillantez orquestral de SEESAW

CHILE: Super 45
Daniel Klauser – Simply Swag
Si tuviésemos que apostar por algún nombre a destacar este año en la escena musical bailable chilena, nuestras fichas irían hacia el joven productor Daniel Klauser. Reuniendo elementos del house de los 90s, el hip-hop de ghetto y la música tribal, Klauser ha cosechado innumerables elogios, tanto a nivel nacional como internacional. De su más reciente lanzamiento (disponible para descarga gratuita desde el sello chileno Diamante Records), rescatamos “Simply Swag (Original Mix)”.

CHINA: Wooozy
Snapline – Sustaining
El trío de Beijing Snapline acaba de lanzar su segundo álbum Phenomena a través de Maybe Mars Records. Su música da un giro pekinés contemporáneo a los sonidos e ideas producidas por músicos noise y minimalistas de los 70s y 80s, enfocándose especialmente en la escena neoyorkina de ese período. Exploran además la música dark e industrial salida durante este período en Inglaterra, especialmente de bandas como Joy Division y The Cure.

COLOMBIA: El Parlante Amarillo
Like Some Cat From Japan – Johnny Ramone
LSCFJ, Like Some Cat From Japan, es el nombre de este grupo que toma la línea de una de las obras maestras de David Bowie, Ziggy Stardust, pero también es la excusa para presentar este colectivo de electro rock pop de la capital colombiana.
Su sonido dance punk, muy apropiado para las pistas de baile, es el escenario apropiado para el sudor, la riesta, y la noche, hasta el amanecer.
Disfrutemos de su tema Johnny Ramone, recordando a uno de los grandes del punk.

COREA DEL SUR: Korean Indie
E9 – My Little Flutter
E9, una forma corta para Edward Nine, combinan la pureza de Edward Scissorhands y la furia de Nine Inch Nails. Su sonido está influenciado por grupos como Placebo y Muse, mientras con sus letras relatan cuentos de hadas. La banda ha estado tocando desde hace varios año y ahora se preparan para lanzar su primer EP. My Little Flutter es una muestra perfecta de la mezcla de grunge, punk y britpop con sonidos electrónicos de E9.

DINAMARCA: All Scandinavian
SLOWOLF – See U In My Dreams
Este verano, Andreas Asingh, una tercera parte del laureado conjunto de electropop SMALL, lanzará su debut como SLOWOLF. No se sabe mucho sobre el proyecto, pero él dice que el black metal, hip hop y dream pop se unirán, quizás por primera vez, en el álbum que además incluirá un estribillo escrito por un niño de siete años y Raekwon del Wu-Tang Clan. Aquí está el excelente primer sencillo See U In My Dreams, una descarga exclusiva del Music Alliance Pact.

ESCOCIA: The Pop Cop
Julia And The Doogans – Down The Line
Julia Doogan tiene todo lo que querrías de una cantante de pop – una voz genuinamente distinguible, un corazón rompible, la cantidad justa de melancolía y letras que son honestas pero no lacrimógenas. La descarga gratuita exclusiva del MAP, Down The Line, está incluida en el desgarradoramente grácil nuevo EP de cinco temas de Julia And The Doogans, Diamonds EP (comprar en Bandcamp), y resalta los talentos de Julia y su exuberante banda casi a la perfección.

ESPAÑA: Musikorner
Boreals – Luciérnagas
Boreals son probablemente más jóvenes que cualquiera de vosotros, queridos lectores del MAP, pero eso no significa que no sepan lo que hacen. Y lo que hacen es una fina mezcla de post rock cósmico (claramente influenciados por Explosions In The Sky) embellezada con nubes de sintetizadores que convierten a su sonido en épico y conmovedor, como debería ser el post rock. Luciérnagas, uno de sus temas más atmosféricos, está incluido en su segundo EP, Grecia, lanzado por el sello barcelonés Irregular, hogar de anteriores representantes del MAP Lasers y The Suicide Of Western Culture.

ESTADOS UNIDOS: I Guess I’m Floating
Nicole Miglis – Stay Small
No escondo mi afecto hacia Gainesville’s Hundred Waters, una de las mejores bandas nóveles de 2012. Tan desconcertadamente completa, elegante y digna de exploración como el trabajo en solitario de su líder, Nicole Miglis. Stay Small está en su EP de debut homónimo, que puedes descargar gratuitamente aquí.

FINLANDIA: Glue
All Will Be Quiet – The First Day Pt. 2
La banda post-rock “All Will Be Quiet” lanza su álbum debut “On The First Day” este mes. Es un disco cuyo concepto trata el colapso y el renacimiento de una sociedad con un punto de vista optimista que plantea un futuro para la humanidad. Igualmente ambiciosa es “The First Day Pt.2”, una canción cinemática e instrumental que abre la segunda parte del álbum.

FRANCIA: Yet You’re Fired
Birkii – Holy War
El año pasado, Birkii nos trajo una canción pop y alegre llamada “Shade of Doubt” en la gran compilación “Kitsuné Parisien”, y luego apareció en muchas mezclas y listados incluyendo el mixtape de abril de Edwin van Cleef. Ahora ella ha regresado con “Holy War” una pegagosa canción pop de sintetizador del “Kitsuné Parisien II”, que también estará en su EP debut de junio 4, con remixes de Equateur, de Pol Rax, de Pegase (artista MAP del mes pasado) y de Zemaria.

INDONESIA: Deathrockstar
AAS – Bonaparte
Medan trae un crudo, lo-fi, punk oscuro y enojado, al que se le suma la pasión por la historia mundial, y finalmente nos trae como resultado esta canción sobre Napoleón Bonaparte.

INGLATERRA: The Guardian Music Blog
Sarah Young – Ajambo Si
Sarah Young, es llamada por el escritor de la sección “La Nueva Banda del Día” del periódico El Guardián, como la reina del “moombahton”, género que fusiona house holandés con reggaeton, soca y dancehall. Si alguien va a lograr cruzar y hacer una maniobra tipo “Katy B”, es esta chica de 22 años, graduada de la Academia de Música Contemporánea que se ha convertido en DJ, productora, y embajadora del “moombahton”. Ajambo Si, el track que abre su nuevo EP, presenta a Lioness y a Slick Don y está basado en ritmo kuduro, que para el periodista de El Guardian, suena “como si el dubstep tuviese un encuentro con el dancehall o con el grime del caribe, como si Dizzee hubiese ido a St Lucia de vacaciones y nunca hubiere regresado”.

IRLANDA: Nialler9
Not Squares – Fall Far
Para su nuevo sencillo, Not Squares, los electro-punks del Noreste irlandés, abandonaron el ultra high-energy en favor de un synth pop de pista de baile mucho más restringido. El tema Fall Far puede compararse con el tipo de cosas que acostumbra la disquera Kitsuné: una muy buena y sorpresiva mirada para la banda, dicho sea de paso. De todas las canciones lanzadas en abril definitivamente esta fue la mejor.

ISLANDIA: Rjóminn
The Lovely Lion – Into The Forest
The Lovely Lion es una banda a la que hay prestarle atención hacia el futuro, ya que son representantes de la nueva ola del revival de folk-pop islandés. A pesar de que esta banda extremadamente joven y talentosa sólo ha grabado un par de canciones y no tienen disquera, su aproximación en la composición de canciones y su búsqueda por lograr un sonido pulido seguramente captarán la atención de los amantes de la música en cualquier lado.

ITALIA: Polaroid
The Mojomatics – You Are The Reason For My Trouble
You Are The Reason For My Trouble es el cuarto álbum de The Mojomatics, una de las mejores bandas garage-rock de por Italia y Europa. El dúo originario de Venecia, en su sonido recurre a ecos de The Rolling Stones, Kinks y Dylan, pero lo que realmente hay que destacar de sus canciones y conciertos es su inagotable fuente de energía.

JAPÓN: Make Believe Melodies
Wallflower – Cure Your Heart
El indie-pop nunca abandonó Japón, desde que salió el cassette C86 siguen habiendo bandas que buscan el sonido twee. Un boom de grupos “rock-hiperactivos”, se ha vivido este año y Wallflower, de Osaka, Japón, es uno de los más pegajosos. Ellos toman pauta de The Pains Of Being Pure At Heart, a quienes además telonearon cuando a principios de año tocaron en Japón. Esta canción demuestra que aprendieron bien de los Pains: capturaron el ensoñador indie-pop en solamente tres minutos.

MALTA: Stagedive Malta
Stolen Creep – Throw Your Heart To The Sea
Stolen Creep es la creación conjunta de Borg Alden (guitarra y voz) y Rebecca Theuma (batería) quienes son amigos desde la infancia. La banda ha tenido muchos integrantes, pero recientemente adoparon a Marie, Rebecca y Katryna Storace (guitarras y vocales) en su alineación. Con un año muy ocupado entre ensayos, composiciones y re-composiciones, Stolen Creep finalmente escogió y recopiló sus canciones favoritas para crear su primer EP, Throw Your Heart To The Sea.

MÉXICO: Red Bull Panamérika
Andy Mountains – Hoy Me Gusta Mi Peinado
Con una manera ingenua y estudiantil de ver el mundo, este quinteto de la Ciudad de México retrata las pequeñeces e insignificancias existenciales de la vida diaria con un optimismo que sólo un comercial de iPod podría lograr. Pero no hay que clasificar a Andy Mountains como unos simples hacedores de jingles baratos: su sonido se basa en influencias de alta alcurnia, y que van desde Animal Collective hasta el minimalismo de La Monte Young. Dénle una oportunidad a esta canción y les aseguramos un día en el que sentirán cómo su cabello luce perfecto!

PERÚ: SoTB
Audioley – Same Old
Audioley es el nuevo proyecto de Francois Peglau y Jules Drade, dos músicos peruanos que desarrollan su carrera musical en Londres. Audioley comenzó como un experimento, con el dúo juntándose una noche por semana. Same Old, su primer sencillo es un delicioso electro-pop que llega con un curioso y divertido video.

PORTUGAL: Posso Ouvir Um Disco?
T(h)ree – Starlight
T(h)ree se presento en MAP en febrero del 2011. T(h)ree no es una banda, sino un proyecto que reúne a músicos y bandas de Portugal, y para este segundo volumen, también de Filipinas y Singapur. En el track presentado, tenemos a Stealing Orchestra (Portugal), Maze (Portugal) y The Analog Girl (Singapur) tocando juntos.

PUERTO RICO: Puerto Rico Indie
Harry Rag – Tiny Painting
Harry Rag es el proyecto solista de Kristian Prieto (Coleco, Alegría Rampante), quien quería averiguar cuántos sonidos y estados de ánimo podría generar con su guitarra acústica. Prieto ha publicado siete “álbumes para la web” bajo el nombre de Harry Rag, todos grabados en su habitación directamente en un four-track, cada una ampliando sus experimentos con la guitarra y puliendo su sonido. Tiny Painting es un ejemplo reciente de su destreza como músico joven y ha sido tomada de su último disco, The Ghastly Adventures Of Ghost Goat.

RUMANIA: Babylon Noise
Jazzadezz – Fairy
Jazzadezz es una banda de dream pop/new wave compuesta por Alin Zabrauteanu (sintetizadores, guitarra, producción) y Dezdemona Mihaescu (vocales). Para su album debut en 2010, Inimani Mal, Calin Torsan (Domnisoara Pogany y NU & Apa Neagră) añadió su clarinete, flauta y caval a la banda. En 2012, otros dos miembros se unieron, Alex Stanciu en la guitarra (también de Domnisoara Pogany) y el baterista Eduard Gabia, un coreógrafo y artista contemporáneo de renombre. El segundo álbum, Panta Rhei, fue lanzado el mes pasado, y experimenta en nuevas áreas, tales como ambient, post-rock y trip-hop.

RUSIA: Big Echo
2muchachos – Striwi Kri4at
Striwi Kri4at es una hermosa pieza instrumental de la banda de dream pop romántico 2muchachos, quienes el mes pasado lanzaron su EP, Vesnywki!!, una banda sonora perfecta para la primavera.

SINGAPUR: I’m Waking Up To…
Sze Kiat – Once In A While
Ningún hombre es una isla, sin embargo, las ideas musicales que surgen de la mente de Sze Kiat dan la sensación de haber nacido en el reposo del tiempo. Hay cierta pausa en sus composiciones, y una intimidad que evoca la tensión que solo podría suscitar el clamor de algún lugar aterrador o abandonado. La escasa instrumentación, que incluye instrumentos de cuerda chinos tradicionales, tales como el erhu y el zhongruan, sirve como trasfondo para las letras sencillas, aunque emotivas, de Sze Kiat.

SUDÁFRICA: Musical Mover & Shaker!
Nate Maingard – The Open Space
Nate Mingard es un cantautor indie-folk, proveniente de Ciudad del Cabo, cuya música a menudo nos recuerda a otros artistas, como Damien Rice, Coldplay y Jack Johnson. Su voz ha sido comparada con la de Thom Yorke y Ben Gibbard, y The Open Space brilla con su natural estilo y sentido de melodía, y apasionados matices de principio a fin.

SUECIA: Swedesplease
Skatan – Control
El nuevo disco de Skatan saldrá el próximo 23 de mayo bajo el nombre de Seven Trees. El primer sencillo, Control, se caracteriza por una instrumentación más ecléctica que sus pasados temas y la voz menos procesada y más inmediata de Simone Andersson Wingfors, resultando en una canción que se ajusta a todos los acordes.

SUIZA: 78s
Baba Shrimps – Angel
El quinteto de Zurich interpreta pop impulsivo con una mezcla de country y rock. Baba Shrimps lanzará su próximo álbum a finales de 2012, pero para acortar la espera han publicado una versión en vivo de nuevo titulado Angel.

TURQUÍA: WEARTBEAT
Solardip – Leap Of Faith
Con su sonido electro/indie-influenciado por Francia, Solardip es una de las pocas bandas de este género en su país. En un corto tiempo, estos tres jóvenes de Esta han logrado una gran público. Su disco debut, Future Now, salió en marzo de la mano de Remoov Records luego del lanzamiento del espectacular sencillo y sexy video de Dance Like Wolves.

VENEZUELA: Música y Más
Ulises Hadjis – Donde Va
Ulises Hadjis es un joven artista nacido en Maracaibo que, a pesar de su corta carrera ya posee dos álbumes y un Grammy latino como productor musical. Su segunda producción lleva por nombre “Cosas Perdidas” el cual fue publicado el pasado mes de abril y según sus propias palabras “es una colección de canciones honestas” aunque a diferencia de su anterior álbum muestra una mayor madurez en sus letras y composiciones. Todos sus álbumes (además de rarezas y remixes) pueden ser bajados en Bandcamp.

No hay tiempo para escuchar las decenas de miles de álbumes que se editan cada año. De los pocos que sí llegan a nuestros oídos, son menos aún los que recordamos con el pasar del tiempo. TRES MENOS UNO resume la música que escuchamos durante el año, al ritmo de tres álbumes memorables cada mes: dos de estos reciben la recomendación de Puerto Rico Indie y uno que bien podrían esquivar si no evadir completamente.

TRES MENOS UNO | marzo 2012
Evaluamos lo nuevo de la voz más dulce de Tecate, Carla Morrison; el segundo cyber disco para descarga gratuita del reggaetonero ponceño Jamsha El PutiPuerko; y el regreso de Madonna a las pistas de baile. Y disculpen la demora – estuvimos un poco ocupados por un tiempo.

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Carla Morrison
Déjenme Llorar
Cosmica Records

Mejor título no le pudo haber puesto Carla “La Voz de Tecate” Morrison a su nueva colección, Déjenme Llorar. Menos inmediato que Mientras tú dormías, pero más sofisticado en su producción y composición musical – el mismo presenta a la canción como terapia: catorce temas llenos de besos, caricias, lágrimas y recuerdos a olvidar. Carla abre el disco con la línea “estuve bajo rehabilitación, buscándole sentido al mundo” en “Apagué mi mente” y a esa voz no hay más que hacerle caso. La protagonista y estrella de cada una de estas canciones, la voz de Carla alumbra el camino, tan penoso como pueda ser. Es adictiva, como muchas veces lo es el dolor, y como seguramente lo fue el amor que sirvió de inspiración para muchos de estos temas, como “Eres tú”, “Hasta la piel” y “Me puede”.

La tesis queda expuesta claramente en el tema homónimo: “Déjenme llorar, quiero sacarlo de mi pecho, con mi llanto apagar este fuego que arde adentro. Déjenme llorar, quiero despedirme en silencio, hacer mi mente razonar, que para esto no hay remedio”. Quizás las letras no sean tan específicas como se imaginarían (o podrían serlo) – no se trata del diario de Carla abierto para enterarnos de sus penas – pero los detalles los proveeremos cada uno de nosotros (y con facilidad) al identificarnos con los sentimientos detrás de cada canción. Y volvemos, una tras otra, de canción en canción, reviviendo recuerdos y avivando pasiones – hasta llorar. Ese es el remedio.

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Jamsha El PutiPuerko
Cafrería Épica
Trash Toy

Regresó también Jamsha el PutiPuerko, directamente de la Guancha, con su segundo “Cyber Disco” lleno de rrreggaetón undel del bueno para “transportarse al 1993″. Cafrería Épica contiene doce temas que van por la misma onda que el exitoso debut que Jamsha (Alexis Caraballo Méndez) y su co-productor musical, Eggi Ruz, “piratearon” por el Internet a principios del año anterior. Si no te convencieron con El PutiPuerko Parte 1, hay poco en su secuela que te vaya a hacer cambiar de opinión – pero los fanáticos encontrarán un disco diseñado para perrear, ofender y ponerte a pensar (un poquito) que podría considerarse el volumen superior. No es perfecto, pero sigue siendo gratis.

De entrada encontramos a un Jamsha a la altura de sus poderes en el tema “Flaka si te cojo te palto”. Con una producción minimalista centrada en teclados, un ritmo clásico de reggaetón y muchos efectos de sonido chipi-chape – el tema contiene uno de los mejores coros de todo el disco, tan vulgar como pegajoso y juguetón. Todo como se supone. La primera sorpresa viene con el tema que le sigue, “Su hija se enamoró de un kako” – una canción de amor a la Jamsha: “Yo sé que para su hija usted quiere un ingeniero, pero esta vez llegó un reggaetonero” (si fuera del Área Metro seguro encontraba como rimar “doctor” o “abogado” en esa línea – no hay otra). Igual sorprenden “Te di un grajeo” (en un party de marquesina, cantando una canción de Chezina), “Te voy a entretener” y “Alguien que la valore” – esta última porque parece haber sido escrita con algún sentimiento genuino. El disco además se beneficia de una duración más corta y la falta de “featurings,” que hacían de su precursor un ejercicio de diseño de playlists. Pídele a El Barbero Lion que te acicale el flat top y descárgalo aquí.

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Madonna
MDNA
Interscope

Madonna ha pegado tantas, que aún nos sorprende cuando no parece pegar ni una. Su disco anterior, Hard Candy (2008, Warner Bros.), producido por Timbaland (a quien igual le aplica la primera oración) vendió cuatro millones de copias y sirvió para lanzar tres sencillos – ¿pero quién lo recuerda? Su segundo esfuerzo como directora de cine, W.E. (2011, The Weinstein Company) recibió una pésima recepción por parte de los críticos y el público en general. ¿Y el Super Bowl? Los medios se enfocaron en cubrir más a uno de los dedos de M.I.A. que a todo el espectáculo de Madonna.

Pero la mujer que más discos ha vendido según Guinness World Records no se rinde y este año estrena gira musical impulsada por el lanzamiento de su duodécimo álbum, MDNA (2012, Interscope). Aunque en éste Madonna colabora nuevamente con el hábil y estimado William Orbit (“Ray of Light”, “Frozen”), es difícil escuchar alguna relevancia cultural en estas canciones. Y es que Madonna, además de ser una máquina de hit singles y ventas de discos, nos sirvió por décadas como barómetro para medir lo relevante ya fuera en la música, en la moda, en el baile – en el arte. También lideró el esfuerzo de rebelión ante la moralidad impuesta por las iglesias en los Estados Unidos. Pero esos tiempos pasaron (so slowly). Ahora, Madonna luce complacida al jugar el papel que inventó hace décadas en temas como el estúpido Girl Gone Wild.

OTROS DISCOS SOBRESALIENTES: La Sera – Sees The Light | Ceremony – Zoo | The Shins – Port of Morrow | The Mars Volta – Noctourniquet | Andrew Bird – Break It Yourself | The Men – Open Your Heart | Magnetic Fields – Love at the Bottom of the Sea

¿Cuáles discos fueron tus favoritos del mes?

Por: Ana-Irma Patete
Especial para PuertoRicoIndie.com

St. Vincent, proyecto musical de la cantautora y multi-instrumentalista Annie Clark, tocó anoche en el Lupo’s Heartbreak Hotel de Providence, Rhode Island ante una audiencia llena de fans sumamente entusiasmados, listos para escuchar en vivo su nueva obra innovadora, Strange Mercy (2011, 4AD). El ambiente convirtió a cada espectador en tan solo una partícula entre la muchedumbre de admiración.

Me dio el gran placer de ver que nada había cambiado en términos de dedicación y entrega desde la vez que los vi tocar en ese mismo auditorio tres años atrás, cuando abrieron para Andrew Bird. Fue la época en la cual su segundo álbum, Actor (2009, 4AD), apenas había salido. Aquellos que no habían conocido al grupo a través del primer disco Marry Me (2007, Beggars Banquet) no tuvieron más remedio que prestarle mucha atención.

Canciones del nuevo álbum abundaron el setlist; “Cheerleader” fue la primera de éste que se tocó, lanzando la noche con un gran impulso catártico. Como toda audiencia comprometida, ya sabíamos la letra y hasta tuvimos la valentía de cantar junto a Annie Clark (me aventuro a agregar que sonábamos bastante mal en comparación con esa voz magistral). No importó, Clark lo tomó como el cumplido que fue.

http://www.youtube.com/watch?v=kHHU7KCI1is

Se notó esta vez que, a diferencia del proceso creativo detrás de Actor, Strange Mercy fue escrito totalmente con la guitarra, en vez de la computadora. En una entrevista con Google Music, Clark dijo que quiso empezar desde raíces acústicas esta vez, y añadir los efectos segundarios luego. Tal vez esta práctica tenga algo que ver con la nueva esfera estética que St. Vincent ha penetrado. Clark, quien estudió en el conservatorio prestigioso, Berklee School of Music, dijo en la misma entrevista que nunca le ha interesado ser atleta musical, algo que le pareció integral a la pedagogía de instituciones como esa. La técnica sí le importa, algo que se nota inmediatamente cuando Clark comienza a tocar, pero la música de St. Vincent va más allá de trucos extravagantes.

http://www.youtube.com/watch?v=WMJLsiydeNQ

Lo más sobresaliente del concierto fue ser testigo de un nuevo eje emocional que ha agregado Clark a sus temas tras sacar a la venta Strange Mercy. Todavía se siente el intento de añadirle colmillos al sonido “pop”, ya que la estética musical suya, de mezclar riffs rockeros con variaciones etéreas tipo Disneylandia, no ha cambiado. Pero sí hay un giro hacia una temática mas transparente, mas vulnerable, abarcando en sus letras cuestiones de la decepción, la (¿extraña?) misericordia, la depresión.

Opino que esta nueva faceta no le quita del enigma que todavía rodea la música de St. Vincent; mas bien se debería ver a la luz de lo que Wilde alguna vez dijo: “life imitates art”, la vida imita al arte. Esto se nota al escuchar el álbum, y aún más al verlo presentado en vivo. Y este nuevo giro no es sino un ejemplo de que la creación musical para St. Vincent sigue siendo algo sumamente original, innovadora y absorbente. Le deseo una exitosa continuación del tour. ¡St. Vincent, te recibimos en cualquier momento que decides venir a tocar en la isla!

Escucha a continuación el nuevo sencillo de St. Vincent, “Krokodil”, lanzado el pasado 21 de abril en una edición especial en vinilo 7″ limitada a 2500 copias.

http://www.youtube.com/watch?v=4J_49iL096M

Hace un tiempo que no escribo palabras para este portal – y no, no fue que me perdí “en el indie”, si no que he estado bastante ocupado con lo que ahora vengo a compartir con ustedes. Los que me conocen sabrán que me disfruto la escena musical independiente de Puerto Rico y soy un roedor voráz del mundo cinemático también – pero de día, de día soy estudiante de Ingeniería de Computadoras en la Universidad de Puerto Rico en Mayagüez. En este bachillerato es necesario pasar por un curso de diseño – en nuestro mundo conocido como el “Capstone” – donde se pone a prueba todo el conocimiento adquirido a lo largo del bachillerato.

Habiendo llegado mi tiempo para el “Capstone”, me uní a un gran grupo de jóvenes ingenieros – Laura Matos, Joel Tosado y Damián Esteves – a principios de semestre con quienes logre “parir” una idea que al principio nos parecía muy descabellada: guantes musicales. Buscábamos trabajar un proyecto que fuera divertido y diferente, que combinara el arte con la tecnología. Decidimos llamarnos DEBASR, inspirados por los Pixies y su famosa canción “Debaser” (“slicing off eyeballs, ha ha ha ho”). Y tras una intensa tormenta de ideas nació WAVE.

http://www.youtube.com/watch?v=hVGZAsqTvbE

WAVE (“Wearable AudioVisual Experience”) es un proyecto a través del cual la música y la tecnología se abrazan. WAVE consiste de un par de guantes con los cuales una persona – preferiblemente un músico – puede tocar instrumentos compatibles con el protocolo MIDI. El proyecto se compone de dos módulos: el instrumento (los guantes) y el audiovisual (que recibe e interpreta señales echas con los guantes). Además WAVE es “wireless”, lo que permite al músico estar en tarima sin problema alguno mientras que el instrumento se comunica – libre de cablerías – con el módulo audiovisual que traduce las notas “tocadas” y las envía hacia cualquier recibidor de MIDI.

Los guantes contienen sensores de flexibilidad que emiten una nota musical cada vez que el usuario flexione algún dedo, cada dedo representando una nota musical – Do, Re, Mi, Fa, Sol… Los pulgares, en cambio, sirven para otras funciones: una similar al “Shift” de un teclado, permitiéndote tocar lo que serían las teclas negras de un piano; la otra siendo la forma de “pausar” el instrumento. Los guantes además contienen un acelerómetro, similar al que encontrarías en los controles del Nintendo Wii o un iPhone. Este lo usamos para bajar y subir de octava al torcer el brazo con el puño cerrado.

El módulo audiovisual contiene salidas para MIDI, lo que hace a WAVE compatible con cualquier dispositivo que reciba MIDI, y te permite además utilizar el equipo con GarageBand, Logic Pro, FL Studio o cualquier otro software que soporte MIDI. Junto a este dispositivo se encuentra un arreglo de luces LED’s programado para reaccionar con la música que se toque desde los guantes.

Cabe recalcar la importancia de herramientas de “fuente abierta” o “open source” dentro del desarrollo de proyectos como WAVE – como lo es la plataforma Arduino, la cual invito a los músicos a explorar. La comunidad de desarrolladores para este tipo de herramientas es extensa, por lo que es fácil encontrar una solución a tu problema de programación – seguramente alguien ya se ha topado con el mismo en otra parte del mundo.

La experiencia de “Capstone” fue – además de fructífera – una increíblemente gratificante. El trabajo en equipo fue crucial para el desarrollo de WAVE y nuestras ansias de ver esta idea funcionar fueron motivación suficiente para lograrlo. Además tuvimos la dicha de trabajar junto a varios otros grupos – todos con proyectos interesantes – con los cuales pudimos compartir conocimiento e intercambiar ideas. El valor de cursos como el “Capstone” queda evidenciado en esfuerzos como el WAVE – sólo una pequeña muestra del potencial que tienen nuestros ingenieros.

Los condenados, el más reciente largometraje puertorriqueño, estrenó hace unas semanas en las salas de cine del país, cargada por el ya reconocido llamado a la acción de “Apoya lo de aquí”. El mismo se utiliza siempre que estrena una película local para apelar a ese hilo común que nos une: la puertoriqueñidad. Se utiliza porque es fácil y barato y, por lo general, porque los filmes boricuas no tienen presupuestos para competir con la publicidad que reciben las cintas norteamericanas.

“Apoya lo de aquí” ya es el eslogan de facto de cualquier proyecto artístico o negocio en esta isla. Apoyar significa pagar dinero por el producto, en este caso cinematográfico, para que se recuperen los gastos de producción o, a son de milagro, lograr ganancias. Al recuperar o ganar dinero se legitima – en los ojos del financiero – el arduo trabajo y se abre paso para hacer otra cinta y luego otra y luego otra. Esto, sin duda, es importante. Una vibrante industria de cine local significa trabajo para cineastas, actores y técnicos, significa un taller de creación artística con repercusiones positivas en lo económico y lo social. Así que el lema de “Apoya lo de aquí”, por más trillado y bajo que aparente a los seguidores del cine, no tiene que serlo. Podría significar algo real y valioso, una unión de fuerzas hacia un bien común; algo completamente comendable.

http://www.youtube.com/watch?v=mPhXj3hO784

Desafortunadamente el uso continuo de la frase para promover trabajos mediocres la diluye. La convierte en un lema vacío que busca generar ventas de taquillas y sentimientos de culpabilidad en quienes insistan en no apoyar lo de aquí. También busca igualarnos al cine de Hollywood, señalar que estamos ‘a la par’ con cualquier producción extranjera que se proyecte localmente – “apoya lo de aquí… que es tan bueno como lo de allá”. Aquí encontramos el error crucial. En el afán de llegar a una audiencia local que genere lo suficiente como para impulsar el desarrollo de una industria de cine puertorriqueño sostenible, se ha enfatizado el “como lo de allá”.

La necesidad de crear una industria o una cultura de cine en Puerto Rico tiene que sobrepasar este afán de imitar lo de allá y enfocarse en crear cine, y ya – un cine genuino que responda a nuestra realidad. La Corporación de Cine de Puerto Rico (CCPR) dio 1.2 millones de dólares para completar la producción de Los condenados y me pregunto si ese dinero no hubiera sido mejor utilizado en otro(s) proyecto(s). Está muy bien aspirar a valores de producción altos (elemento notable en Los condenados) pero apostar a que estos auguran un éxito en la taquilla o en la crítica es absurdo. Y no es la primera vez que esto pasa. Hacen falta buenos libretos; Los condenados no tenía uno.

Estoy claro que esa cantidad de dinero le dió trabajo a mucho artista y técnico. También estoy de acuerdo en que la experiencia colectiva de un crew ayuda a pulirlos y crea un ambiente de camaradería y unión que se desborda en otros proyectos. Pero ya debemos pasar esa etapa. Hay muchísima gente capaz y hay suficientes redes y conexiones entre los talentos como para dedicarse a hacer obras con más sustancia.

http://www.youtube.com/watch?v=xLy-FfKa1To

Unas semanas antes se exhibía en Fine Arts Café un documental llamado Ejkei, sobre la historia del deporte de la patineta en la isla. Además de contar con ayuda de la CCPR, el proyecto buscó auspicios del sector privado y donaciones por parte del público a través de Kickstarter hasta conseguir los fondos necesarios para completarse. El resultado fue una crónica muy interesante no sólo del skateboarding sino de la sociedad puertorriqueña y de los movimientos contraculturales. No es un documental que rompe paradigmas, pero es sumamente entretenido, educativo y, sobretodo, auténtico.

Mi santa mirada, cortometraje de Álvaro Aponte Centeno, se convirtió en el primer corto puertorriqueño en ser nominado para un premio en el Festival de Cannes. El director también se ha beneficiado, como muchos otros cineastas, de la ayuda del fondo cinematográfico que maneja la CCPR. Su trabajo anterior – Luz – también se puede describir como un trabajo genuino, apelando no a algo necesariamente puertorriqueño, pero sí universal.

Como estos dos ejemplos hay muchos (incluyendo el corto Gabi, por la cineasta boricua Zoé Salicrup Junco, galardonada con varios premios y presentada en el Tribeca Film Festival 2012) que demuestran la capacidad artística existente en la isla para hacer buen cine. No es por caerle encima a Los condenados, pero apostar tanto dinero a un tipo de filme que Hollywood nos ofrece con frecuencia (pero esta vez filmado y localizado en Puerto Rico) es una movida de alto riesgo y poca recompensa. Poca recompensa porque al competir contra Hollywood con recursos limitados terminamos sin ofrecer lo suficiente para cautivar a un público más allá del puertorriqueño – y entonces terminamos con “Apoya lo de aquí”.

Para verdaderamente crear una cultura de cine en este país los cineastas, y la CPPR, tienen que darse cuenta de las limitaciones que tenemos en la isla y utilizarlas para su beneficio – aferrarse a ellas como algo positivo. Difícil tarea, sin duda, pero ya tenemos suficiente valor, sacrificio y voluntad; estamos preparados. Si vamos a pedirle al mundo que apoye al cine de aquí, debemos asegurarnos primero de que valga la pena para nosotros apoyarlo.

Foto: www.michaelgiacchinomusic.com

Por: Paolo Grassini

Al igual que sucede en otros medios artísticos, cada generación da paso a un nuevo grupo de compositores de música para el cine. Ya va un tiempo que los nombres más reconocidos en la industria de música de cine han sido John Williams, James Horner, Hans Zimmer, Danny Elfman, Alan Silvestri, Howard Shore y James Newton Howard, entre otros. Pero hoy día la cantidad de películas para las cuales trabajan estos compositores ha ido disminuyendo (entre los más activos aún se encuentran Elfman, Shore y Zimmer).

Los avances tecnológicos han tenido un impacto grande en la industria. La calidad de la música digital e instrumentos virtuales ha avanzado muchísimo durante los últimos años – pero como todo avance tecnológico, esto ha traído sus consecuencias positivas y negativas. Mientras que estos avances permiten que compositores tengan orquestas sinfónicas e instrumentos exóticos al alcance de un teclado y una computadora – dándole así la oportunidad a películas y compositores independientes que no tienen el presupuesto de Hollywood a aprovechar sus ventajas – por otro lado han contribuido a crear una noción falsa de que cualquiera podría hacer música para el cine.

http://www.youtube.com/watch?v=VYVfxDZ0Dfk

El arte de componer música es uno que se tiene que estudiar y desarrollar. Sin embargo, el acceso a la tecnología ha permitido que algunos compositores dejen de aprender técnicas de orquestación, instrumentos individuales e historia del arte. Lo mismo ha sucedido con otras destrezas cinematográficas – saber usar Final Draft no te hace un guionista y una cámara SLR no te enseña a ser director de fotografía. Esa falta de preparación es evidente cuando comparamos el estilo de los compositores de hoy día a los trabajos de compositores establecidos como Jerry Goldsmith, John Barry y John Williams, entre otros. Aunque no necesariamente signifique que la música de la nueva generación sea de menor calidad que la de estos, la diferencia está en que antes la mayoría de los compositores poseían la habilidad y la técnica, algo que ahora no se escucha hoy al mismo nivel que antes.

Dentro de todo este contexto sobresale el trabajo de Michael Giacchino, compositor que se desarrolló escuchando la música de John Williams, Jerry Goldsmith (y muchos más); influencias que se reflejan claramente en sus composiciones. Habiendo escuchado la música de Giacchino, uno fácilmente podría esperar encontrarse con un compositor de pelo blanco, batuta en mano – pero Michael no es si no totalmente lo opuesto.

Giacchio estudió música, pero su entrada a la industria de música de cine fue muy distinta a la de sus ídolos: los vídeos juegos. Giacchino comenzó con su trabajo para el vídeo juego Lost World, pero realmente se dio a conocer por su increíble trabajo para la franquicia de juegos de guerra Medal of Honor.

http://www.youtube.com/watch?v=f34U-D5ubeQ

Giacchino estaba en el lugar y el momento correcto. A diferencia del mundo de las películas, la calidad de la música compuesta para videojuegos ha ido aumentando a tal nivel que ahora se incorpora la orquesta sinfónica de igual manera en que lo hacen películas con el presupuesto de Hollywood. Este cambio va a la par con la complejidad y el enfoque en historia y personajes de algunos juegos de hoy día.

La razón principal por la cual Giacchino utiliza la orquesta sinfónica es por los músicos. Giacchino considera a cada integrante como un colaborador y está consciente del aporte creativo de los músicos, por eso graba con los mismos músicos en cada trabajo que hace. Esta apreciación por la técnica del músico es evidente en su primera película, The Incredibles. El uso de los vientos metales en la banda sonora demuestra a un compositor que claramente sabe cómo utilizar el instrumento. En The Incredibles, Giacchino logró una banda sonora que canaliza el estilo de la música del género de espía de las películas de la década de los ’60 y ’70.

http://www.youtube.com/watch?v=zA1XcaQI5eU

http://www.youtube.com/watch?v=k4au8cH3FHA

Mi elemento preferido dentro de la técnica de composición de Giacchino es que base su música en la reacción emocional hacia la película que esté trabajando, dándole a ésta una dimensión única y personal. Giacchino dice que su música refleja lo que él siente al ver la película. El compositor da el ejemplo de un personaje durante una batalla – en la que quizás la primera opción sería tener una música cuyo ritmo refleje la acción, pero opta por escoger lo que él está sintiendo, aunque sea esto tristeza por lo que están pasando los personajes en el momento. Un excelente ejemplo de esto ocurre durante el comienzo de Star Trek, en donde Giacchino aporta con su música un nuevo elemento a la historia de la película.

http://www.youtube.com/watch?v=ZxjI9CArS0Y

Otro buen ejemplo se puede escuchar en Up, que le ganó a Michael un Oscar por mejor banda sonora. En la famosa secuencia de Up que puso a llorar a todos los adultos en el cine, Giacchino hizo un excelente trabajo guiando a la audiencia a través de las emociones trasmitidas por cada una de las escenas.

http://www.youtube.com/watch?v=9yjAFMNkCDo

La técnica del leitmotif está muy presente también en el trabajo de Giacchino, a través de la cual se crea música que identifique a personajes, lugares o emociones particulares dentro de la historia. Quizás sea esta técnica la que atrae más comparaciones con el trabajo de John Williams. Giacchino ha dicho que una de las cosas que más le gustaba de la música de sus ídolos es que podía ver la película nuevamente con tan sólo escuchar su música, algo que el compositor también logra con su música. Y también al igual que John Williams colaboraba con Steven Spielberg, Giacchino ha creado la mayoría de su música con algunos colaboradores quienes también se han convertido en sus amistades y parte de su familia extendida. Entre estos se encuentran J.J Abrams (Lost, Alias, Star Tek, Super y algunos directores de Pixar como Brad Bird (Mission Impossible: Ghost Protocol, The Incredibles), Pete Docter (Up) y Andrew Stanton (John Carter).

No podemos terminar de hablar de Giacchino sin antes mencionar su trabajo para la serie de televisión LOST. El carácter cinematográfico de la música en esta serie quizás fue la mayor aportación para que LOST lograra esa calidad cinematográfica que tanto buscaba transmitir. Este trabajo elevó a Giacchino al estatus de uno de los compositores más cotizados en la industria.

http://www.youtube.com/watch?v=uiYXYUwUL40

Es evidente entonces que Giacchino ha absorbido algunas de las técnicas de composición implementadas por sus ídolos, pero lejos de ser un simple imitador de la música que admiró a temprana edad, ha sabido desarrollar su propia voz y estilo a lo largo de su variada carrera.

BANDAS SONORAS RECOMENDADAS:

• Super 8
• John Carter
• Let Me In
• Earth Days
• Lost
• Star Trek
• The Incredibles
• Up
• Mission Impossible: Ghost Protocol
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Por: Philip Padilla y José E. Román

El pasado lunes 23 de abril nos enteramos de la partida de uno de los mejores y más subestimados músicos en la escena en Puerto Rico. Para muchos de ustedes el nombre de Cándido Oliveras no les será familiar, pero si eres seguidor del metal en Puerto Rico o comenzaste a escuchar música local independiente y subterránea en los “maravillosos” años ’90, Cándido y sus bandas – especialmente Legacy que luego se convirtióen Mindscrape – te serían familiares. Yo podría comenzar a enumerar las virtudes de Cándido, pero encontré un escrito de Philip Padilla, cantante de Corrupted Society y Burning Face, que es un merecido tributo a su memoria.

A continuación el escrito inédito de Philip.

“Conocí a Cándido en un festival de playa en Peñón Brusi en el ’86. Tocaba en una banda de hard rock bien grema pero a él no le importaba 3 carajos. Él con su jacket de mahón sin mangas, sus spandex, con su pierna trepada en el monitor, fist pumping y “headbangeando” como un demente. Ese día comenzó una amistad con una de las personas más sinceras, humildes y genuinas que jamas haya conocido.

Anoche me reía de un post que escribió nuestro amigo Alex – que tocó con Cándido hace siglos – ¡y cómo Cándido trataba de empujar Metallica y Megadeth mientras que Alex hacía lo mismo con White Lion! Me pregunto si Alex estaba tocando también en aquella banda bien grema, jeje. Yo siempre le decía a Cándido que si lo hubiese conocido cuando tenia 12-13 mi cuarto estaría forrado de posters de él. Cándido era un verdadero “metal god” – un Richie Blackmore en la cima de la montaña pero con la humildad del verdadero jíbaro puertorriqueño.

Una de las cosas que me quejo del rock local de hoy es que es tan segregado. Antes no importaba el estilo los shows se llenaban de personas hambrientas por música en vivo sin importar el subgénero. Cándido fue un staple en cada show en la isla. Recuerdo ahora todos los shows importantes de mis bandas y ahí siempre estaba el Cándido. La vez que Corrupted Society tocó con Cardinal Sin y Kileria en el Pedrín Zorrilla allí estaba Cándido y en el último show de Burning Face en el 2007 allí estaba Cándido. En los tiempos cuando más activo estuvo Burning Face las bandas con quien más tocamos fueron La Experiencia de Toñito Cabanillas, Golpe Justo y Legacy/Mindscrape (la banda de Cándido.) ¡Nunca importaba si el party se llenaba o si estaba vacío porque con Cándido se vacilaba tanto y se pasaba tan bien! Todo tan relax sin nada de dramas pendejos que uno ve de otras bandas. ¡Ay, qué delicia!

Aún en los momentos que viví fuera de Puerto Rico siempre me mantuve en contacto con Cándido. De verdad que no puedo describir con certeza lo gran amigo que fue. La mente me corre a to’ tren con tantos recuerdos. De repente estamos frente al Jabalí en unas fiestas patronales de Quebradillas relajando y el con el vellón que le pegaba a Mark con lo de la “escalera” (chiste interno entre ellos). De ahí tengo flashbacks de Steps en Río Piedras, el Sótano del Quijote en Ponce, Alamar en Isabela, el Cuadrilátero en Aguada, Cocktails en Arecibo y por supuesto el Longbranch en Aguadilla.

Hace unos meses fui a ver a Cándido tocar con una banda en el Jabalí en Quebradillas. ¡Quién diría que esa sería la última vez que lo vería! ¡Maldito mierda de cel android cabrón que se borraron las fotos que tomé esa noche! Como siempre, allí haciendo chistes con el Cándido y Nabeel y disfrutando de su música. La mente me sigue corriendo y como ya he mencionado por ahí para mí Cándido representa una era. La era que no importa si eras metal, punk, fresita, indie, whatever – todos éramos panas y tocábamos juntos. Por eso vuelvo y digo la segregación musical me aburre y me lo monda bien duro. ¡A Cándido, gracias por tu gran amistad y por tu música tan real!”

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Gracias Philip. De mi parte, añado lo siguiente:

Desde que conocí a Cándido, cuando comenzó Descojón Urbano y mi tiempo en Burning Face, siempre fue jovial, amigable y con un sentido del humor cabrón. Mindscrape fue una de las mejores bandas que hubo en esta isla y lamentablemente muy subestimada. Una de mis favoritas. Brando, Chico y Cándido eran algo único en tarima.

La última vez que lo vi fue cuando fue a ver a Altanez, Los Nadie y Descojón Urbano en Aguadilla el año pasado. Me sorprendió verlo allí y él siempre seguía siendo el mismo y con su sentido del humor irreverente. Nos manteníamos en contacto por acá y es triste que una persona tan buena y tan talentosa se nos haya ido.

Cándido escuchaba música buena, independientemente de su género. Como Philip indicó luego de su semblanza, Cándido escuchaba de todo. Desde el metal más pesado y extremo hasta música de gente como David Bowie y Talk Talk. Por eso y muchas cosas más su partida duele. Si el mas allá existe, quiero pensar que está gozando junto a Olguita, Luis Manuel, Lolo, Blas y otros panas que se nos han ido.

Buen viaje y descansa en paz, amigo.

La serie de conciertos del Conservatorio de Música de Puerto Rico, Encuentros Alternos, se ha destacado por su selección impecable de artistas independientes de la escena local. En el pasado año hemos disfrutado en el Anfiteatro Rafael Hernández en Miramar de presentaciones tan variadas como la del dream-pop de Balún y el hip-hop clásico de DJ Velcro y su Lado Vé. Ahora le toca a la queridísima y estimada cantante Mimi Maura quien ofrecerá una noche de ska, reggae y rock steady junto al músico argentino (y media naranja) Sergio Rotman de Los Fabulosos Cadillacs. Ésta se llevará a cabo el domingo 29 de abril a las seis de la noche en la Sede del Conservatorio de Música en Miramar a un costo de $10.

Aprovechamos la ocasión para enviarle unas preguntas a Mimi y a Sergio.

PRI: Cuéntennos un poco sobre qué tienen planeado para su presentación en el Conservatorio de Música de Puerto Rico. ¿Qué podemos esperar de la intervención de Mimi Maura en la serie de Encuentros Alternos?

Sergio Rotman: Estaremos tocando un repertorio basado en los siete discos editados por Mimi Maura en Argentina y que son parte de una compilación hecha por nuestro sello Canary editada en Puerto Rico el año pasado. No la busquen en las tiendas – sólo se consigue en los shows… salvo Executive Manolo que lo tiene, obvio.

PRI: Ya van siete discos y yo apenas llegué a la fiesta, habiendo adquirido una copia en vinilo de Días de Sol el año pasado allí mismo en Executive Manolo… ¿Cómo describirían la trayectoria musical de Mimi Maura a través de su discografía? ¿Qué temas harían una buena introducción al sonido de Mimi Maura – como un mixtape para principiantes?

SR: Nos ha ido increíblemente bien para ser un artista indie y de culto en Buenos Aires… Ganamos el Premio Gardel a la Música como “Solista Femenina de Rock” en 2002. ¡Es la única vez que se lo dieron a una artista extranjera! Y además hemos tocado en muchos teatros y estadios importantes en Buenos Aires y todo el país.

Creo que el CD que editamos aquí [en Puerto Rico] es el mixtape perfecto para Mimi Maura ya que está nuestro último disco completo y siete canciones más de nuestros discos anteriores.

PRI: Recientemente se presentaron como parte del recital “Vente Conmigo” en Río Piedras, dedicando la noche a canciones del compositor Mike Acevedo, también padre de Mimi. ¿Cómo surge ese espectáculo?

Mimi Maura: Ese show fue una presentación anticipada de lo que será mi nuevo disco, La Herida, en el cual interpreto sólo canciones de mi padre, acompañada por mi hermano, Miguel “Miki” Acevedo en guitarra y otros amigos invitados.

PRI: ¿Compartías la música con tu padre?

MM: Pues cantábamos juntos – y me invitó a hacer coros en su último single editado, “Qué fácil”.

PRI: ¿Qué es lo más que admiras de sus composiciones?

MM: Me gusta el sonido y el sentimiento que tienen sus canciones. Me parece que la música en esa época era muy original y él particularmente como artista… No sólo él, sino los músicos de la época eran extraordinariamente dedicados. La juventud de los años 50 es sorprendente.

PRI: Entiendo que se pasan viajando entre Buenos Aires y San Juan, presentando la música de sus varios proyectos y demás. ¿Qué tal comparan la situación actual en ambas ciudades?

MM: Con la globalización todo parece bastante similar pero Buenos Aires es una súper ciudad y por lo tanto hay muchos movimientos a la vez… ¡Y mucha más gente que sale a recitales!

PRI: Si leemos los periódicos nos convencen que el mundo entero se está yendo a la mierda… ¿pero qué pueden palpar desde los escenarios de estas dos grandes ciudades? ¿Y fuera de estos?

SR: Para mí son dos situaciones diferentes. La cuestión político-social habla de realidades casi opuestas, que increíblemente se unen en confirmar que sí – ¡el mundo se está yendo a la mierda en cualquier parte del planeta que vivas! El capitalismo es un fracaso patético.

PRI: Si pudiéramos hacer un intercambio musical… cuando ustedes están por allá en Argentina nos envían acá a una banda para que balancee nuestra perdida, ¿cuál sería?

SR: Pez o Almafuerte… Aunque Almafuerte por cuestiones ideológicas sólo toca en territorio argentino… ¡En serio!

MM: ¡Me encantaría traer al Siempreterno! Y a Boom Boom Kid.

PRI: ¿Por qué no vienen más grupos de allá a visitarnos?

SR: ¡Por la visa americana! ¿Por qué va a ser si no? ¿¡¿Quién no va a querer venir a rockear a un lugar donde te podés quitar la resaca de una fiesta rocanrrolera bañándote en el Caribe?!?

PRI: ¿Está Puerto Rico bien integrado a la escena musical latina?

SR: Yo lo veo bien integrado a partir de que las bandas que triunfaron seriamente en la escena latinoamericana, partieron de la escena indie de aquí – Cultura Profética, Circo y Dávila 666 son los casos que me vienen ahora a la mente. Lo que debería pasar aquí es que debería crecer la cantidad de público que va a los shows. La música y los músicos están – ¡el público está en deuda!

¡Vamos, gente, salgan a los bares!

PRI: A Sergio lo conocí a través del NaturalBornCritic de Mala Vida Buena Música, mientras comprábamos vinilos en uno de los pocos lugares donde aún se consiguen en Puerto Rico… ¿Cuáles son los discos que más atesoras de tu colección?

SR: Me siento particularmente orgulloso de mi colección de 7″ de The Jam – completa… full… ¡TODOS! Y de mi box set de singles de The Smiths. Extrañamente cuando los pincho en mis sets de DJ consigo nuevos amigos… ¿Por qué será? Ja…

PRI: ¿Con el reavivado interés en el formato – hay planes de sacar el próximo disco de Mimi Maura en vinilo? ¿Y el de El Siempreterno? Recientemente Enrique Bunbury lanzó un “box set” de sus discos solistas en pasta, ¿hay chance de ver algo similar de parte de Los Fabulosos Cadillacs?

SR: Ojalá… Es mil veces más probable que suceda con El Siempreterno o Mimi Maura que con Los Fabulosos Cadillacs. LFC son de Sony Music… y ya sabes cómo le dicen a esa disquera – ¡SONY IDIOTAS!

PRI: Qué vergüenza… Hay que poner a esa gente en orden. ¡Gracias por su tiempo y los veremos el domingo 29 de abril en el Conservatorio de Música de Puerto Rico!

http://www.youtube.com/watch?v=OAA3Yq29gac

Sobre Mimi Maura

Puertorriqueña de nacimiento, Midnerely Acevedo – Mimi Maura – creció en Chicago y San Juan. Aprendió a cantar escuchando a su padre y la música que sus padres escuchaban. De regreso a Puerto Rico, a los catorce años, se estableció en San Juan y comenzó a tocar con distintas bandas locales. A los veinte, conoció la escena del ska en Puerto Rico. En 1991, se integró a como cantante de Alarma, la banda más famosa de rock latino, integrada sólo por mujeres. Junto con Alarma viajó a los Estados Unidos, presentándose en SOB’S, en New York y en Los Ángeles, para el festival de la revista La Banda Elástica, junto con Maldita Vecindad. En Puerto Rico, compartió escenario con Dos Minutos, Fito Páez y Los Fabulosos Cadillacs.

Tras su encuentro con el músico argentino Sergio Rotman de los Fabulosos Cadillas, se marcha a Buenos Aires, forjando una carrera como cantante en esta ciudad donde residió desde 1998. Allí grabó 6 discos y realizó varias presentaciones, entre ellas como cantante de la banda de post-punk Cienfuegos; además le puso su voz a Calaveras y Diablitos de Los Fabulosos Cadillacs. También grabó con Ataque 77, Los piojos y Kapanga. Ha realizado giras por Europa participando en el Festival la Mar de Músicas de Murcia, Festival Cipa Americana en Berlín, y Festival Actual Logroño. En 2002 le fue otorgado el Premio Gardel como mejor solista de Rock.

En 2010, grabó su séptimo albun a Días de Sol, grabado en Buenos Aires, Puerto Rico y Jamaica y mezclado por Steven Tanley (Talking Heads, Grace Jones y B-52’s, entre otros. Incluye dos covers: Olas y arenas de Silvia Rexach en dueto con Fofe Abreu y Amor de Rafael Cortijo.

Fue en el verano del 2010 que la joven cineasta puertorriqueña, Zoé Salicrup Junco, rodó en la isla el cortometraje que serviría como su tesis para el programa de cine de la Universidad de Nueva York (NYU). GABI narra la historia de una mujer de orígenes pueblerinos – ahora empresaria independiente, exitosa y vecina de San Juan – que tras recibir noticias de la muerte de su madre, se ve obligada a confrontar sus raíces, y en particular a una hermana que no logra comprender su estilo de vida.

El corto es uno de sesenta – de sobre 2,800 inscripciones – dentro de la selección oficial en competencia para la edición 2012 del Tribeca Film Festival, que se celebra actualmente en Nueva York. Es el único corto puertorriqueño en competencia. Además ganó recientemente el National Board of Review Grant y el King Screenwriting Award, el Wasserman Directing Award y el 2nd Film Prize en el First Run Film Festival de Nueva York. Estos últimos tres premios garantizan la exhibición de GABI en el teatro delDirector’s Guild of America en Los Ángeles. Todo esto encima de otros logros que lleva arrastrando el proyecto, entre ellos la selección oficial en el prestigioso Clermont-Ferrand Short Film Festival, en el programa Cine en los Barrios del Festival Internacional de Cine de Cartagena de las Indias (FICCI) y en el festival local Cine Ars, dónde recibió los premiso de Mejor Actriz (Dalia Davi) y Mejor Actriz de Reparto (Aris Mejías).

Nacida y criada en San Juan, Zoé ha participado en sobre quince cortometrajes como escritora, directora y productora – entre estos Forgive & Forget, Pickpockets – y ahora el exitoso GABI. Conversamos con ella sobre este último a continuación.

http://www.youtube.com/watch?v=iiYiWbMC12s

PRI: Zoé, primero que nada te felicito por tus logros – GABI sigue llegando lejos y más lejos… ¿Sentías que sería así mientras producías el corto o una vez finalizado?

Zoé Salicrup Junco: Empecé este proyecto sabiendo que tenía una buena historia que contar y un mensaje importante que llevar acabo. También sabía que contaba con un excelente equipo de trabajo y un elenco increíble.

Mientras grabamos el corto me iba dando cuenta que la escala de la producción, las actuaciones del elenco y el trabajo arduo del equipo de trabajo seguían aumentando la calidad del filme. Así que tengo que admitir que hubo momentos donde sí pensaba – “si seguimos como vamos, ¡esto va a quedar espectacular!” Pero luego habían otros momentos donde me encontraba atascada en alguno de los muchos obstáculos de producción y tenía mis dudas.

Siempre confié en todos los elementos de la película empezando por las actuaciones, la cinematografía, etc. Lo que no estaba segura era si el público entendería a mi personaje y en fin, le sentara bien su historia.

Siempre trato de mantener mis pies firmes en la tierra. Soy de las que cree que uno nunca puede estar 100% seguro de su trabajo. Si lo estás, entonces ya no es un reto. Para mí la meta siempre es proponer algo del cual estoy casi segura que puedo lograr y utilizar ese 10% de duda como un mecanismo de motivación para llegar a cumplir con el 100% o más.

PRI: ¿Qué representa para ti y para el cine puertorriqueño el haber llegado al Tribeca Film Festival con este corto?

ZSJ: Llegar a Tribeca es un sueño logrado. Siempre quise que GABI encontrara un hogar en este festival. Es un festival que admiro mucho. Está lleno de películas y artistas que me gustaría aprender de ellos y hasta trabajar con ellos si se me diera la oportunidad.

Más aún, Tribeca es ahora una puerta abierta que nos ha expuesto (o nos está exponiendo) a un mar de posibilidades fílmicas, no tanto para mí como cineasta pero si no también para mi cultura.

Para el cine puertorriqueño, Tribeca sirve como evidencia de que en Puerto Rico existe el talento, la dedicación y el compromiso hacia el arte de la cinematografía. Tenemos la capacidad de hacer trabajos con sustancia, trabajos únicos con voces genuinas, que no les hace falta imitar la formula Hollywood para llegar al éxito.

Tribeca es una señal de que la industria de cine indie en Puerto Rico tiene futuro y vale la pena apoyarla.

Imágenes suministradas

PRI: En GABI nos presentas una visión de la mujer que choca fuertemente con la actitud machista que aún permea en nuestra sociedad – una mujer en control de su vida, de su trabajo, de su sexualidad y al parecer de su propio destino. Incluso mencionas en tu página que quisiste nutrir al personaje de “muchísimos atributos normalmente considerados fuertes y masculinos”. A mí me hizo pensar en parte en el Don Draper de Mad Men. ¿Te ha sorprendido la reacción de la audiencia ante el personaje? ¿Qué opina la gente de GABI?

ZSJ: Nunca había comparado a la Gabi con Don Draper, pero creo que es una analogía muy interesante y digna de explorar. Puedo ver muchas similitudes, aunque ninguna fue escrita a propósito.

Trabajé el personaje de Gabi de una manera específica donde sólo le doy dos opciones a la audiencia: o estás con Gabi, o no estás con Gabi. Yo les llamo Team Gabi y Team Pati. Pati es la hermana de Gabi; ella es lo opuesto de Gabi. Mientras Gabi representa una generación nueva y moderna, Pati representa el convencionalismo latinoamericano.

Si entiendes a Gabi – sé que la verás como una mujer fuerte, independiente y digna de ser tal y como ella quiere ser. Si no entiendes a Gabi y te relacionas más con Pati – pues ya sé lo que viene por ahí… Gabi es una puta, o una suelta, una perdida sin calidad de vida, una inmadura, etc. Ambas opiniones son esperadas. Ambas reacciones son comunes y reales. Precisamente escribí el personaje de GABI en búsqueda de fomentar un tipo de diálogo de mujeres y para mujeres.

Decidí implementarle ciertas características “masculinas”, tales como la de ser una mujer de negocio nocturno y la de ser independiente en cuestión de finanzas, para establecer un dialogo más profundo. Soy la primera que admito que muchas de nosotras somos culpables de promover ciertos “double standards”. Por tanto, al crear un personaje como GABI con ciertas características normalmente vistas en hombres, abrí paso a la pregunta mágica: ¿le aceptas ese tipo de comportamiento a un hombre y no a una mujer? ¿Y por qué?

La única reacción que todavía no he recibido, y espero encontrar algún día, es que por lo menos una mujer de la audiencia (por más conservadora que pueda ser) me admita que han habido momentos en su vida donde ha deseado ser una GABI. Gabi es el tipo de mujer que muchas de nosotras vemos por la calle y aunque sea por un minuto, nos cuestionamos cómo serían nuestras vidas si fuésemos como ella… y por un momento deseamos estar en su posición. Sigo esperando esta reacción…

PRI: ¿Cuánto tiempo se extendió la producción de GABI? ¿Qué fue lo más retante durante la filmación y lo más que disfrutaste durante ésta?

ZSJ: Se rodó en aproximadamente 10 días. Lo más retante de este proyecto fue el clima. Grabamos en el mes junio de 2010. Ese verano llovió muchísimo, excepto por dos o tres semanas donde hubo un calor infernal. Nosotros grabamos durante esas semanas.

El otro reto fue el hecho de que mitad de mi equipo eran americanos que apenas hablaban español y la otra mitad eran boricuas. Nos tomó unos días para acoplarnos al “pasemisín” del lenguaje ya que por ejemplo – yo dirigía a mis actrices completamente en español pero me comunicaba con los técnicos en inglés. En fin, desarrollé un acento comiquísimo mientras hablaba inglés – algo como el de Ricky Ricardo (I Love Lucy) – “Lucy! I’m home!”

PRI: Las primarias Republicanas en los Estado Unidos se caracterizaron – entre muchas otras cosas – por la manera hostil en que la mayoría, si no todos, de los candidatos presidenciales se expresaron en cuanto a los derechos de la mujer. Esta polémica continúa ahora que Mitt Romney se ha perfilado como el oponente de Obama en las elecciones de noviembre 2012. ¿Qué crees que tendría que decir Gabi al respecto, digamos a modo de conversación social en su barra con alguno de sus empleados o un cliente? ¿Qué opinas tú al respecto?

ZSJ: La política no es mi especialidad y no es una temática que me place. No me gusta la politiquería y francamente ya ni me sorprende. Por tanto no le hago caso a comentarios tontos, especialmente a comentarios sobre las mujeres.

No soy el tipo de mujer que tan pronto escucho el comentario de Santorum o de cualquier otro me enrabio. Si me quieren evaluar como minoría sin derechos, no voy a responder como minoría sin derechos. Voy a responder con poder y autoridad, porque tengo el derecho de asumir poder y autoridad sobre mi persona como cualquier otro ciudadano.

Me sorprende que todavía existan personas que insisten en mantener vivos los prejuicios de género. Vivimos en unos tiempos donde el humano ha logrado muchísimos adelantos tecnológicos que jamás pudimos haber imaginado hacer 50 años, sin embargo ¿cómo es que no contamos con los mismos adelantos sociales? GABI es una de mis maneras de responder a comentarios sobre los derechos de la mujer. Yo como mujer soy digna de TODOS los derechos que le corresponden al hombre. No pelearé por estos derechos. Ya yo de por sí asumo y vivo mi vida con estos derechos.

Gabi tiene treinta y pico de años, no está casada, y no tiene hijos. Más aún, Gabi es una mujer activa sexualmente. Por tanto cuando haces la matemática, no cabe la menor duda que Gabi es una mujer moderna que usa pastillas anticonceptivas, por ejemplo. Gabi tal vez respondería a esta pregunta con un poco más de atrevimiento. Esta personaje tiene una chispa y una habilidad de expresar sus opiniones de tal manera que no ofende, sólo sorprende. Su exotismo y erotismo te conquistan de tal manera que ni te das cuenta que quizá difieres de opinión. Ella es una mujer de negocios. Ella tiene republicanos, demócratas, homosexuales, heterosexuales, transexuales como clientes y no los mide por sus creencias. Como diría Gabi: “Al final del día todos son iguales con un par de tragos encima”.

Seguramente Gabi sería capaz de compartir con alguna amiga o cliente cercano un comentario chistoso acerca de Santorum o Romney: “Ese el primer tonto que me pagaría a mí las pastillas y el aborto. Es chiste”.

PRI: Cuéntanos sobre tus otros trabajos. ¿Tienes algún otro corto ya en mente? ¿Aspiras a un largometraje?

ZSJ: GABI es el primer acto de mi largometraje. El largo explora una temática más expandida pero Gabi sigue siendo nuestra protagonista.

Estoy desarrollando dos cortos que me gustaría grabar pronto. Uno de los cortos es algo que nunca he hecho. Es muy masculino y tiene mucha acción. Aunque es territorio desconocido, me emociona el reto. Este fue inspirado por la constante ola de malas noticias relacionadas a la criminalidad en Puerto Rico. El otro corto es sobre una mujer, su hijo menor, y el eterno debate acerca de la sexualidad.

PRI: Todo el que haya pasado por el proceso de solicitudes para festivales de cine, sabrá que puede tomar hasta más tiempo que la misma filmación… ¿Por qué es importante pasar por el proceso y qué le sacas a este tipo de reconocimiento? ¿Sientes que ha agilizado tu carrera profesional? 

ZSJ: Los festivales de cine son importantes especialmente si eres un cineasta independiente que no cuenta con el apoyo de un estudio de Hollywood. Estos festivales te ayudan a promover tu película. Atraen prensa y compradores.

Para una persona como yo, que estoy en mis primeras etapas de mi carrera, los festivales también te dan un reconocimiento oficial que otros colaboradores respetan en cantidad. Los festivales adoptan tu película y te conviertes en parte de su entidad o se su “familia” como suelen llamarle. Además, es tremendo lugar para conocer y aprender de otros como tú, ver películas que sirvan de inspiración y hasta en ciertos festivales puedes ganar ayuda financiera para tus otras películas.

En fin, los festivales de cine son esenciales para los cineastas. Es el vehículo que utilizas para exponer tu trabajo de forma profesional.

PRI: Por último – y ahora que andas exhibiendo a GABI en el Tribeca – quería preguntarte por curiosidad: ¿Cuál es tu película favorita de De Niro y por qué?

ZSJ: No puedo negar que el trabajo de De Niro en Raging Bull (1980) y Taxi Driver (1976) tienen que formar parte de esta contestación. Pero creo que mi película favorita de este actor es una que salió recientemente: Being Flynn (2012).

Las nuevas generaciones conocen a De Niro por tus roles sumamente masculinos y mafiosos. También lo conocemos muy bien por su papel en Meet the Parents (2000) – que en mi opinión demuestra la habilidad que tiene este actor de poder desdoblarse para cualquier papel.

Pero en Being Flynn me re-enamoré de su trabajo. Me recordó mucho a sus papeles en Raging Bull y Taxi Driver – papeles diferentes y conmovedores sobre personajes marginados. En Being Flynn el papel de De Niro recoge un poco de su esencia masculina, pero también enseña un lado más delicado y sutil de De Niro. Lo mejor de su rol está en los pequeños detalles que el actor utiliza para formar el personaje; este no recurre en su rol usualmente intimidante o cómico para fortalecer al personaje. Su actuación es genuina y refrescante.

PRI: Gracias por compartir de tu tiempo con nosotros y te deseamos mucho éxito en el Tribeca – y de ahí en adelante.

Para más información y noticias de Zoé Salicrup Junco y su cortometraje GABI visita la página oficial del proyecto.

GABI hizo su debut norteamericano el domingo 22 de abril en el Tribeca Film Festival en Nueva York. Se exhibirá nuevamente durante el festival el próximo viernes 27, sábado 28 y domingo 29 de abril. MÁS DETALLES.

Foto: MissMessie via flickr

Mamá Indie, protagonizada por Limari Colón, es una columna que pretende demostrar maneras alternas de crianza y cuidado de bebés e hijos. Esta mamá alternativa dedicó cinco años de su adultez temprana a tocar y cantar en la banda de Pop Rock, Mabel. En un mundo donde predomina la homogeneidad, Limari decidió crear su propio molde cuando tuvo a su primogénito el 19 de noviembre del 2011, animándose a romper con mitos, y adentrándose a un mundo de temas controvertibles relacionados a nuestras crías. Estas son sus experiencias personales.

Conversé hace unos meses con Isila Soto, distribuidora y aficionada de los pañales de tela. Hice una compra humilde de dos cubiertas de pañales, y media docena de pañales de tela para hacer la prueba. Aún necesito aprender el truco, pero los eternos salpullidos que sufre mi bebito a raíz de los pañales desechables me alientan a continuar en el intento. La realidad es que mi esposo y yo gastamos tanto en pañales desechables, y más que mi bebé, quien lo sufre es el planeta. Intrigada por la cantidad de madres y padres que se han “convertido”, durante el fin de semana le pedí a Isila que nos instruyera en el asunto.

http://www.youtube.com/watch?v=atKimBONlSc

Isila nos cuenta que “los pañales de tela son la alternativa clásica utilizada a lo largo de la historia, viniendo a ser reemplazada por la supuesta “comodidad” y “modernidad” de los desechables, desde la década del setenta hasta el presente. Con la nueva ola “verde”, se ha comenzado a buscar respuestas para el problema del arrope de basura en los vertederos. El uso de plásticos para lograr la impermeabilidad de los pañales desechables hace que éstos existan un promedio de quinientos años antes de que sus componentes se desintegren, si es que esto ocurre en su totalidad.”

Si no te convence el hecho de que los pañales desechables aportan a la destrucción de nuestra Madre Tierra, Isila también nos informa que: “el uso de químicos para crear mejor absorbencia es algo más reciente, pero ya hay muchas familias que se cuestionan el por qué del problema médico denominado como dermatitis del pañal, reacción biológica del cuerpo del bebé a la interacción con estos químicos. Por otra parte, el gasto en la compra de pañales desechables como parte de las necesidades del bebé los convierte en uno de los principales artículos de consumo, y una gran ganancia para las compañías farmacéuticas. Lo que en desechables se convierte en un gasto de hasta $3,000 por bebé, en tela puede reducirse hasta la cantidad de $250.00; además de poder usarse para otro bebé, y no ser un gasto de dinero para la acumulación de basura.”

“La alternativa de los pañales reusables es más sencilla de lo que aparenta. Se han creado nuevos estilos tan fáciles de usar como un desechable, y tan vistosos que se convierten en un favorito de cualquier adicto a la moda. Su cuidado es simple y sencillo, y el trabajo de lavado lo hace la lavadora. Aparte de los pañales, un recipiente para echar los que están sucios, y un diaper sprayer para retirar los sólidos al inodoro será suficiente para pañalear con éxito.”

Ya son muchos padres los que han optado por cambiar a esta idea más orgánica para el cuidado de su bebé. Yo lo he intentado varias veces, pero debo admitir que aún sigo siendo víctima de los pañales desechables porque me falta la ayuda mágica de una lavadora. Sin embargo, leyendo la edición de abril 2012 de la revista Baby Talk, descubrí la nueva compañía de Jessica Alba, Honest. Para aquellas personas que temen dar ese brinco tan drástico de los pañales desechables a los reusables, Jessica ofrece un servicio de envío de pañales biodegradables con hermosos diseños, libres de petroquímicos y otras sustancias dañinas. De igual manera, muchas compañías de pañales reusables como GroVia, también ofrecen la alternativa de los inserts.

Si deseas más información o compartir con otras madres puertorriqueñas sobre este tema intrigante, puedes visitar su grupo virtual Viva La Tela. También tendrán una actividad a nivel mundial para poner a Puerto Rico en el libro de Guinness, y promover el uso de los pañales de tela. ¡Entérate de que se trata en Facebook!

Y ahora disfruten un poco de la comedia del controvertible y definitivamente NSFW Louis CK, padre de dos niñas y uno de los mejores comediantes en el planeta:

http://www.youtube.com/watch?v=nqRh9IToskA

¿Tela o desechables? Comparte tus preferencias y experiencias en los comentarios a continuación.