El letrero es un documental corto que presenta a Don Miguel Olivo Ferrer, un comerciante que lleva cuatro décadas confeccionando y vendiendo rótulos desde su taller en Santurce. Dirigido por Kacho López-Mari, quienes algunos lectores reconocerán por su trabajo en el vídeo de “Robin Hood” para Tego Calderón, el mismo fue presentado hace unos meses atrás como parte de la cuarta edición de Santurce Es Ley.

Además de que es interesante conocer sobre Don Miguel y su negocio, les llamará la atención el escogido de canciones que sirve como banda sonora para la pieza – que incluye algunos de nuestros grupos favoritos del país, como Alegría Rampante y Campo-Formio.

Comprometidos con la difusión de la música independiente a nivel mundial, servimos como el blog oficial en representación de Puerto Rico dentro del Music Alliance Pact. El MAP es una serie de compilados de música independiente distribuida mensualmente que recoge selecciones hechas por blogs especializados de unos 40 países de alrededor del mundo. Puerto Rico Indie, en colaboración junto a Frecuencias Alternas, se encarga de la selección local de cada mes.

Ya en pleno verano y sintiendo el constante azote del calor caribeño, es momento de buscar música que refresque nuestros oídos y nos transporte. ¿A donde? En el caso de primer sencillo de MoreIra, “Pao”, pudiera ser a un atardecer en la playa, cuando la brisa de mar comienza a bajar un poco la temperatura. Para más información del tema y su vídeo, pueden brincar a nuestra reciente entrevista con José Iván Lebrón Moreira – mientras disfrutan del compilado del MAP para el mes de junio, por supuesto.

Escucha a continuación cada canción del MAP individualmente, descarga un mp3 individual haciendo “right-click” en el título de la canción, o descarga un archivo zip con el compilado completo haciendo “click” aquí.

ALEMANIA: Coltran
Poétique Électronique – Irregular Heartbeat (Video Edit)
Poétique Électronique es un grupo inteligente: tienen un buen nombre, saben lo que quieren hacer y cómo hacerlo. Su estilo musical sobresale del resto ya que saben exactamente cuándo detenerse y cuándo avanzar. Irregular Heartbeat es un buen ejemplo de la actual inclinación de la banda por la música electrónica con vocales suaves y bajos con garra. Dado que esta es mi última contribución al MAP debido a problemas de tiempo, quiero aprovechar para decir adiós a todos y muchas gracias por el buen tiempo que pasamos!

ARGENTINA: Zonaindie
Excursiones Polares – La Guerra Psicológica
Concepto Cero, uno de los mejores sellos disqueros de La Plata, recién cumplió su cuarto aniversario y han decidido celebrarlo lanzando un compilado gratis con canciones de todos sus artistas. La Guerra Psicológica es un tema original de El Perrodiablo, pero en este caso tocado como un blues por Excursiones Polares. Ambas bandas pertenecen a la familia de Concepto Cero, así que les recomendamos que descarguen el album completo para que puedan disfrutar de sus lanzamientos más recientes.

AUSTRALIA: Who The Bloody Hell Are They?
Gang Of Youths – A Sudden Light
Las armonías y las canciones de victoria generalmente tienen mucha demanda. Los próximos en la lista son los Gang Of Youths de Sydney, que suenan como si Win Butler cantara en tu cumpleaños y Julian Casablancas en tu funeral, todo al mismo tiempo. A Sudden Light es un himno con un estribillo modulado, referencias a los niños, las drogas y la cantidad necesaria de armonías para que fácilmente se conviertan en tu próxima banda favorita.

AUSTRIA: Walzerkönig
The Unused Word – Heaven (Testa Remix)
En sintonía con el fichaje reciente de SOHN por el sello 4AD, Anna alias The Unused Word no sólo está trabajando y viviendo en Viena, sino que también tiene puesto su dedo en el pulso con su mezcla soul de hip hop y electrónica. Heaven pertenece a ∞ (Infinito), su EP debut. Esta versión es un remix de su compañero de sello DJ Testa.

BRASIL: Meio Desligado
Rua – Às Bolas De Gude
Rua, también conocidos como Rua Do Absurdo, es un quinteto experimental. Às Bolas De Gude es una muestra de su minimalismo, con hermosas melodías vocales y una marimba que nos guía a través de la canción.

CANADÁ: Quick Before It Melts
Ketch Harbour Wolves – The Good Blood
Tejiendo historia, mitología y sus experiencias personales, el nuevo álbum de Ketch Harbour Wolves, Queen City: Volume One, es la primera parte de lo que se espera sea un proyecto compuesto por múltiples discos que apunta a crear un mapa sónico de su hogar, Toronto. The Good Blood es un excelente punto de partida para este ambicioso proyecto en crecimiento, y para el catálogo majestuoso y cinemático de Ketch Harbour Wolves.

CHILE: Super 45
Alex y Daniel – Cada Vez Que Invento Algo Sobre Ti
Tras alcanzar reconocimiento y notoriedad con sus proyectos solistas, Alex Anwandter y Gepe (Daniel Riveros) – dos de las más icónicas figuras del pop chileno – han unido fuerzas en un proyecto conjunto que, bajo el sugerente nombre de Alex y Daniel, combina las inquietudes musicales de ambos. Este mes destacamos su nuevo sencillo, “Cada vez que invento algo sobre ti” el cual conjuga a la perfección el gusto por la música bailable de Anwandter con el instinto melódico de Riveros, sin dejar dudas de que juntos son dinamita.

COLOMBIA: El Parlante Amarillo
La Etnnia feat. Doctor Krápula – La Gran Epidemia
Es un placer para nosotros presentarles tal vez el proyecto más grande del hip hop colombiano: La Etnnia. Desde hace más de 25 años estos b-boys comenzaron en el barrio Las Cruces su camino por la cultura urbana y el hip hop. Hoy, presentándonos un adelanto de lo que será su octava producción, titulada Universal, está aquí la canción La Gran Epidemia, con la estelar participación del Doctor Krápula, una banda rockera de larga trayectoria en Colombia. Pueden ver el video de La Gran Epidemia aquí.

COREA DEL SUR: Korean Indie
Asian Chairshot – Mask Dance
Asian Chairshot se formaron en el 2011 y lanzaron su primer EP oficial, Mask, en mayo de este año. Equipados con batería, bajo y guitarra, el trío une rock con melodías coreanas de forma poderosa, creando un sonido único. Mask Dance comienza calma pero pronto se transforma en un festival de golpes a tus oídos. El estribillo de la canción toma su ritmo de la tradicional danza coreana de las máscaras.

DINAMARCA: All Scandinavian
Scarlet Chives – In A Ground Floor Apartment
Scarlet Chives es algo tan raro como una banda danesa firmando por un sello noruego y, en un futuro no muy lejano, ese sello, Riot Factory, lanzará el segundo larga duración del quinteto de rock alternativo. In A Ground Floor Apartment, descarga exclusiva para el MAP, es el lado B de su primer single The Timber Will Fall.

ECUADOR: Plan Arteria
El Extraño Comportamiento De Un Torso Animado – ¿Dónde Están Tus Amigos?
El Extraño Comportamiento De Un Torso Animado es una banda indie con mucha actitud. Este trío, formado por Ernesto Torres y los hermanos gemelos Nicolás y Felipe Meneses, poseen un sólido espíritu punk-rock con guitarras que te invita a bailar. Desde su primer EP, Mujer Pulpo, presentamos su sencillo ¿Donde estan de Tus Amigos?

ESCOCIA: The Pop Cop
Friends In America – Quietly Quietly
Tanto es mi amor por el extensa y elegantemente creado indie-rock de Friends In America que su previa falta de material grabado resultó en mi búsqueda desesperada por consumir su música. Una vez, tras llevar mi grabadora para entrevistar a la banda antes de un show, dejé la grabación encendida durante su set en vivo sólo para poder escucharlos en casa. Este mes, sin embargo, la espera terminó, ya que FIA lanzó su disco debut What It Is To Be – de este tenemos la descarga exclusiva para map de la brillantemente melódica Quietly Quietly.

ESPAÑA: Musikorner
Prisma Circus – Paradox
Prisma Circus se formó en septiembre del 2010 en Barcelona. Inspirada en la psicodelia de los 70s, con muchos wahs y fuzz, la banda ha girado por España, Portugal y Francia – convirtiéndose en embajadores de un sonido nuevo, pero viejo también.

ESTADOS UNIDOS: We Listen For You
Kaleidico – Pretty Panasonic Dear
Kaleidico es una banda que ha estado operando por unos años ya, pero como perfeccionistas que son, llevan trabajando cada detalle antes de lanzar su primer album finalmente este mes. Es un disco de ensueño, inteligente, pegajoso y demasiado perfecto para todos los momentos de verano que nos sorprenden a todos.

ESTONIA: Rada7.ee
Forgotten Sunrise – Sisters, Brothers & Other Hellborn Creatures
Forgotten Sunrise es una banda de culto que agrada a los oídos del mundo con música negativa y resultados positivos. Acaban de lanzar su séptimo álbum, cretinismo.

FINLANDIA: Glue
Constables – Ludovico
Con todos sus miembros nacidos en los años 90, Constables es una banda muy joven y se inspira en las tres cosas más importantes cuando tienes 20: sexo, chicas y alcohol. Musicalmente, Constables ofrece guitarras melódicas y ritmos rápidos con un enfoque post-punk. La banda acaba de lanzar su primer EP Bedroom Culture, que está disponible en SoundCloud.

GRECIA: Mouxlaloulouda
Playground Noise – The Plan
El segued album de Playground Noise, 8 Songs, rebosa en nuncio para de escucharlos gracias a sus canciones de pop perfectas que denotan pura magia. Cada nota y transición es suave y sin esfuerzo, y no hay tal abundancia de música brillantemente ejecutada. Metales y cuerdas pululan bellamente alrededor de guitarras, voces y crescendos intensos que permanecen sobre pasajes delicados.

HOLANDA: Subbacultcha!
Nouveau Vélo – Kite
Un grupo de amigos de un pueblo pequeño en el que hacen grabaciones caseras de dreampop. Al igual que la vida de bici en Holanda, Nouveau Vélo tiene un toque de romanticismo en ellos. Kite, de su nuevo EP Dazed, podría ser descrito como alegre melancolía, una de esas canciones que te hace sentir nostalgia por las cosas que están sucediendo en este momento. Teniendo un coro que te atrapa de inmediato con sus lametazos de guitarras borrosas y voces lejanas, Kite es un himno de ensueño de verano.

INDIA: NH7
Drawing Short Straws – Predator
Drawing Short Straws es una banda de rock progresivo de Pune. Predator es su primer sencillo y una muestra de como sonará su álbum debut. Una combinación de electrónica y elementos de rock crean un sonido interesante el cual DSS lo están perfeccionando.

INDONESIA: Deathrockstar
White Shoes & The Couples Company – Tam Tam Buku
White Shoes & The Couples Company es una de las bandas más queridas de Indonesia, una que nos trae mucho orgullo. Proveedores de música de calidad, lanzan un nuevo EP que reorganiza canciones tradicionales de Indonesia y nos invita a bailar con ellas. Luego de presentarse a través de Europa en junio, lanzarán otro EP documentando esa gira.

INGLATERRA: Drowned In Sound
BODYWORK – Tame
El avant-pop inglés, el rock alternativo o cualquier cosa que los niños de las calles adoquinadas estén pidientes estos días no han tenido el respeto que se merecen desde hace algún tiempo. Filtrados debajo de la alegría de Mumford y el éxito de Adele hay algo palpitando bajo el vientre de la excentricidad y la experimentación que coquetea con las amistosas melodías radiales. La banda de Leeds, Bodywork es un de los actos que confunden lo extraño del Roxy Music combinado con Wild Beasts y el falsete de Heaven 17 en un coctél sublime de grooves alienígenas. Descarga su LP de forma gratuita desde su sitio web.

IRLANDA: Harmless Noise
The Violet Roadkills – Solar
Desde su álbum debut Lead Kindly Light, Solar tiene todo lo que necesita para que The Violet Roadkills genere una buena primera impresión. El cuarteto de Dublin usa electrónica e instrumentos para tomar conceptos vintage y llevarlos a una nueva dirección, generando canciones que son geeks pero al mismo tiempo cool. La enérgica Solar, las cálidas líneas de bajo y el beat contruido por lentejuelas de synths que suenan como pequeños encargos de shows televisivos de los 70s. Cuando el desplazamiento exterior desaparece, el radiante centro krautrock de Solar comienza a estallar hacia fuera, alcanzando un explosivo final climatizado.

JAPÓN: Make Believe Melodies
Ykiki Beat – Garden
Algo, algo de mermelada de verano. Es esta época del año cuando todo el mundo empieza ha nombrar canciones como la banda sonora de los meses calurosos, y aquí está el candidato más fuerte de la creciente escena indie de Tokio. Garden es el vértigo reducido a una forma sonora, encendido por aplausos, líneas de bajo de neón y un canto de respaldo yelpy. En el centro, sin embargo, cuenta con un irresistible trotar de melodía que pocas veces se detiene. Recomendado si te gusta correr en los días muy calurosos.

MALTA: Stagedive Malta
Andre Camilleri – Same Old Fool
En el 2000, Andre Camilleri se trasladó de Malta hacia Australia, donde continúo siguiendo sus ambiciones musicales. Aprendiendo bastante tocando por las calles de Berlín y Valletta, la capital de Malta, llevando su característico sombrero de vaquero; su mundo es uno repleto de reflexiones nostálgicas, agudas y a menudo íntimas observaciones. Andre ha lanzado nueve álbumes hasta la fecha, con influencias que incluyen a The Flying Burrito Brothers, Big Star, Uncle Tupelo y Hank Williams.

MÉXICO: Red Bull Panamérika
Santos – La Cosita
En el norte del país son bien devotos a la religión, allá hasta los narcos se inventaron una figura a la cual rezarle; de ahí también salió Santos, un proyecto de ruidosón tijuanense conformado por dos hermanos que en su último sencillo están entregados a la fe, pero de la lujuria: “La cosita” es una canción con alto contenido carnal y estrepitosos timbales eróticos, una cumbia que le rinde tributo a las propiedades estimulantes del Monte de Venus y la plegaria masculina para prevenir y curar la escasez de “asunto” con sabor electropical durante todo el año.

PERÚ: SoTB
TOURISTA – Requiem
Un día Rui Pereira decidió abandonar su trabajo como publicista para aferrarse a su verdadera pasión, la música. Pereira se mudó a la playa y empezó a hacer canciones que luego formarían parte de su primer EP, Déficit de Atención, en este largo pero placentero camino, reclutó a un grupo de experimentados músicos quienes pronto dieron forma a TOURISTA. Déficit de Atención es uno de los mejores lanzamientos de este año, aquí la banda mezcla sus inquietudes electrónicas con indie/rock, aunque las etiquetas quedan de lado cuando empiezas a sentir como se transmite la pasión musical de sus creadores hacia el oyente. Requiem es su más reciente sencillo, dele un vistazo a su divertidísimo video.

POLONIA: Łukasz Kuśmierz Weblog
Milcz Serce – 22.22
Aunque Nawyki/Kolizje es su primer álbum de estudio, el trío Milcz Serce con base en Mysłowice son músicos experimentados. Su LP debut habla acerca de una ruptura que comienza a las 10pm y termina a las 9am del día siguiente. Así que lo que oiremos en 22.22 es el principio de esta dramática historia.

PORTUGAL: Posso Ouvir Um Disco?
Elektra Zagreb – Kesey Palms
Elektra Zagreb comenzó en Croacia, por supuesto. Después de un EP, muchos conciertos y harta experiencia, este cuarteto portugués que ahora vive en Lisboa, lanzaron recientemente su LP debut, Dreams About Dying In California. Parcialmente inspirado por bandas de rock, su sonido es duro, una especie de The Stooges conociendo a Suicide. Kesey Palms es una pieza genial, en la que no se sabe que ocurrirá a continuación, una sensación que su video alcanza aún más.

PUERTO RICO: Puerto Rico Indie
MoreIra – Pao
José Iván Lebrón Moreira (Las Abejas, Venera-3) crea MoreIra luego de comprarse un teclado Alesis Micron de segunda mano que vendía otro músico de la escena local. Su mente se abrió a nuevas posibilidades musicales y José se lanzó a un proyecto solista electrónico que ahora lentamente toma la forma de una banda completa. Pao es el primer sencillo de su EP debut que estará disponible más adelante en el año. Ruidoso, glitchy y lleno de melodías sentidas, Pao es poderosa y personal – un testamento al amor paternal que Moreira sienta hacia su hermana menor.

REPÚBLICA DOMINICANA: La Casetera
Hache ST – Sebastian Lemba
La cultura y la rebelión se encuentran al centro de esta pieza experimental, que gira alrededor de la figura del dirigente negro antiesclavista, Sebastian Lemba Calembo. Esta canción es un portal hacia esa lucha y es un componente esencial del viaje delineado por Hache ST en su nuevo album, Zafra, que retrata las ideas principales de vivir en una isla compartida en el Caribe – y sus complejos y apasionados esfuerzos por la libertad.

RUMANIA: Babylon Noise
Valerinne – Ins Meer
Tomando inspiración de cualquier cosa que los rodea, este combo de tres piezas de Bucarest comenzaron a crear música instrumental atmosférica, ruidosa y emocional a comienzos del año pasado. Combinan su sonido con visuales igual de asechantes, y así te transportarán a sus mundos retorcidos. Si te gusta esta canción definitivamente amarás su album, disponible en Bandcamp.

SUDÁFRICA: Musical Mover & Shaker!
John Empire – Dead Stars feat. Drunk Beggar Thief
Dos honrosos estudiantes – El artista Hip Hop John Empire, respaldado por el productor The English – crearon un punto de encuentro entre sus influencias hip hop y el indie que empuja hacia la comprensión de ambos géneros. Con su cancion Dead Stars, la participacion de Drunk Beggar Thiefs le añade a su sonido una dimensión extra. Su mixtape Drunken Night Make Up ha sido lanzada recientemente y promete una nueva serie de presentaciones.

TURQUÍA: WEARTBEAT
Da Poet – Other Side feat. Ince Sarj
Da Poet, uno de los más vitosos productores del hip hop turco, ha creado un propositivo y creativo sonido muy agudo. Trata de conectar con su audiencia sin hablar de más e intenta que sus escuchas pongan atención a la parte instrumental del hip hop.

VENEZUELA: Música y Más
Los Mentas – Cacería (live)
Los Mentas se formaron en Caracas en el 1998, con una influencia del punk y el rockabilly del principio de los 50s que resultó en una fusión muy bien recibida por la escena musical de Venezuela. Luego de seis discos de estudio y quince años de experiencia, han lanzado su primera producción en vivo, Arriba Carajo! – grabada en uno de los bares principales de rock en el país.

Reply All es una columna que reúne a escritores de Puerto Rico Indie y el blog de cine Sin Subtítulos para discutir algún tema de interés a través de un email en cadena y compartir el resultado con ustedes. La misma surgió luego de una discusión por Twitter que resultó muy larga para ese medio. ¿Quién dijo que el email había muerto?

Cuando pensamos en las grandes trilogías del cine, rápido vienen a la mente clásicos como The Godfather, Star Wars, The Evil Dead, y más recientemente, historias de escala épica como Lord of the Rings o The Matrix. Pero ninguna de éstas se acerca tanto a la perfección como la trilogía que Richard Linklater – uno de los padres del cine independiente moderno – ha trabajado junto a los actores Ethan Hawke y Julie Delpy a lo largo de tres décadas. Before Sunrise (1995) nos presenta a los personajes de Jesse (Hawke) y Celine (Delpy), quienes tras conocerse en un tren terminan pasando una noche romántica en Vienna. Nueve años después, en Before Sunset (2004), Celine y Jesse se vuelven a encontrar en Paris, donde discuten – entre muchos temas – aquella noche en Vienna.

Before Midnight (2013) nos vuelve a invitar a pasar un par de horas con Celine y Jesse, ésta vez al final de unas vacaciones en Grecia – tiempo que parece desvanecerse mientras nos perdemos en conversaciones extendidas entre personajes tan familiares y complejos como nuestros propios amigos. ¿Qué tal nos pareció?

http://www.youtube.com/watch?v=djbyv1AV588

Alfredo (@redod): Lo primero que me viene a la mente es la sensación que tuve cuando la cámara comenzó a moverse en el último tiro de la película, lentamente separándonos de Celine y Jesse – quitándonos una vez más el privilegio de poder asomarnos a sus vidas. Es una sensación agridulce, esa despedida – en parte por la naturalidad de la conversación que comparten los personajes, en parte por toda la experiencia que Linklater, Hawke y Delpy han vertido en el proyecto. Queremos seguir escuchando. Queremos satisfacer ese impulso voyeurístico – viajar por el tiempo en la máquina de Jesse y verificar si es cierto lo que imagina para Celine a sus ochenta años. Porque del microcosmos presentado en la trilogía del “Before” se desprende gran parte de la experiencia humana – del enamoramiento, al amor y las preocupaciones de vivir en pareja. Es decir, que a la vez que estos personajes han sido exquisitamente concebidos hasta parecer personas “de verdad”, hay mucho de nosotros en Celine y Jesse. Es natural entonces que nos quedemos con las ganas de ver el “After”. Rara es la película que logra despertar esa curiosidad – esa preocupación, inclusive – y Linklater ha dirigido tres.

Mario (@MarioAlegre): Comprendo perfectamente la sensación que te dió el que la cámara se fuese apartando de Celine y Jesse al final de Before Midnight. Da trabajo separarse de ellos cuando uno se siente tan a gusto en su compañía y, mientras no me molestaría que Linklater acabase su trilogía en esta nota tan alta, tampoco rechazaría uno o más reencuentros futuros con la pareja. Mi reacción inmediata ante este último filme es que Linklater me estaba confrontando con un espejo en el que veía reflejado situaciones y conversaciones que he tenido con mi esposa, con quien vi la película, y quien compartió una experiencia idéntica a la mía. Yo la expuse por primera vez a Before Sunrise y Before Sunset dos días antes de ver Midnight.

Ambas le gustaron – especialmente la segunda – pero ninguna nos hizo conversar tanto después de verla como Before Midnight, sin duda porque es la más que se asemeja a nuestra relación actual como pareja tras 17 años juntos. Hay comportamientos de Celine y Jesse que se acercaron tanto a nuestra realidad que fue como si nos proyectaran un vídeo casero que alguien robó de nuestro hogar. El nivel de intimidad y verosimilitud que alcanzan Delpy, Hawke y Linklater, principalmente en ese último tercer acto, es tan y tan profundo que hace ver a la gran mayoría de las relaciones amorosas que vemos en el cine como meras caricaturas. Mi preocupación tras verla fue que personas que no estuviesen atravesando situaciones similares a las de Jesse y Celine no se identificarían tanto con ella. Por la reacción de Alfredo y otras que he visto en Internet veo que no es así, pero ¿creen que es válida mi observación?

Ezequiel (@eldifusor): Bueno, primero le daré mi contestación a Mario: creo que al igual que la primera película demostraba una situación que no todos hemos vivido (a ver, ¿cuánta gente en realidad se bajaría de un tren con un extraño en una ciudad desconocida, especialmente hoy en día?) Before Midnight (en realidad las tres películas) tiene suficiente material en ella sobre la vida misma que trasciende las cuestiones románticas y los momentos de pareja haciéndola resonar entre una variedad bien amplia de personas.

Antes de seguir tengo que confesar que yo llegué bien tarde a estas películas. Entre mis amistades insistiendo de distintas maneras para que por fin la viera, sucumbí el 24 de mayo de 2013 en medio de un día difícil para mí que fue ciertamente mejorado gracias a esas dos películas. Al ver las películas con tanta cercanía se me hace muy difícil separarlas pero me sorprende cuán cuidadas son las tres en estar atadas pero también poder existir de manera independiente si fuera necesario. Las tres películas exploran temas muy similares de maneras similares pero tienen su lógica interna que las hace películas sólidas y punto. ¿Cuántas “trilogías” pueden decir eso? Dentro de una industria cinematográfica que convierte un libro corto en tres películas bien largas, eso nada más es motivo de admiración y celebración. Linklater y compañía han logrado crear una serie orgánica, que comenzó como una exploración de un sentimiento y se ha convertido en un tratado sobre el tiempo, la distancia, la memoria – y claro, el amor entre pareja. Before Midnight de manera magistral no se conforma con cerrar esta exploración si no que la expande, añadiendo nuevas dinámicas, y deja abierta la puerta para que al menos tengamos una exploración adicional de estos temas a través de las vidas de Celine y Jesse.

Damián (@sire_damiano): Concuerdo que ese shot donde la cámara se aleja fue doloroso, pero si hubo algo que este filme no pudo quitar fue la sonrisa con la cual salí después de verla. Queda demostrado en este cierre de trilogía la maestría y cuidado con el que se manejó la historia a través de los pasados 18 años. Me encanta el hecho que a estos dos personajes los hemos perseguido como puros voyeuristas durante ya tres películas y los hemos podido ver madurar, dentro y fuera del frame. Se les nota en los cuerpos a Hawke y a Delpy, lo que es fascinante. No sé qué pensaron ustedes de la primera secuencia entre Jesse y su hijo, para mí fue muy emotiva y un perfecto preámbulo a los conflictos que se dan durante el resto de la película. Otra observación: la muchacha joven me asustó de momento. Pensé que ella formaría parte de un conflicto mayor y más con la revelación del tercer acto sobre uno de los viajes de Jesse.

Alfredo: Me agrada que menciones a la muchacha joven que se está hospedando, también como invitada del escritor amigo de Jesse. En cualquier otra película su mera introducción en pantalla hubiera sido indicativa de la trama y mi instinto de “moviegoer” no titubeó en pensar: a que Jesse se acostó / acuesta con ella. Pero estamos en un mundo mucho más cuidado y lleno de respeto – hacia la historia, hacia los personajes, hacia la audiencia. La infidelidad sí es explorada en la película, pero de una forma mucho más compleja y real. Y concuerdo contigo de que la primera escena en el aeropuerto entre Jesse y su hijo nos deja saber desde los primeros frames que estamos en buenas manos. Que una interacción en pantalla sea tan emotiva como para (al menos por unos segundos) inspirarte a ser padre… pero me adelanto.

Me gustó también lo que menciona Mario, de que la película hace ver a la mayoría de relaciones en pantalla como caricaturas – por eso yo veo más programas de televisión que películas hoy día. En el cine comercial ya no hay espacio para la caracterización, por eso Before Midnight se exhibirá en Fine Arts y la verán sólo un puñado de puertorriqueños.

Mario: En sintonía con esa mención de la televisión, donde las relaciones y el drama tienen mayor espacio para el desarrollo, encuentro refrescante el hecho de que Linklater, Delpy y Hawke hayan podido expandir estos personajes a lo largo de tres películas, algo que rara vez ocurre en el séptimo arte. Alguno dirán “Bueno, Harry Potter hizo eso en siete películas”, pero no es ni remotamente lo mismo (además, “jajaja… Harry Potter”). El ejercicio es similar al de Truffaut en sus aventuras de Antoine Doinel o The Up Series, una serie documental británica que viene siguiendo a los mismo 14 niños desde 1964 cada siete años. Es un experimento fascinante el poder ver personajes crecer con uno. La oportunidad de revisitarlos cada cierto tiempo en circunstancias distintas es una experiencia sumamente enriquecedora y una que más directores deberían perseguir. Linklater ha dicho que entre sus planes se encuentra una cuasi secuela a Dazed and Confused, y mientras ya ha explicado que no es una secuela directa (ninguno de los personajes regresarán), me encantaría ver una reunión de esa clase graduanda 20 años después. Se puede soñar.

Ezequiel: Mario que bueno que menciones a Doinel. En un reciente AMA para Reddit Ethan Hawke tiró luz sobre su próximo proyecto junto a Linklater, su Untitled 12-Year Project / Boyhood, donde el actor ha filmado junto a Linklater una serie de cortos en los que hace del padre de un niño de seis años. El chiste es que llevan filmando esos cortos desde hace 11 años, año tras año. El junte de esos cortos crearán un filme que retrata la relación de padre-hijo desde los seis años hasta que éste cumple sus 18. En ese sentido Linklater ha hecho casi “sin querer queriendo” dos obras paralelas que emulan y llevan al mundo de la ficción el trabajo de Doinel.

Para mí esto solidifica el status de las “Before” como una poderosa reflexión sobre la relación del tiempo y las memorias con nuestro presente. Me encanta cuando, en uno de los momentos más “meta” del filme, el personaje más obsesionado con el sexo – una de las amistades de Jesse – lo confronta sobre su nueva idea para un libro y que según Jesse estará desligado del tiempo. El personaje le increpa sobre sus ideas: “How is that not time?”. Y para mí ahí yace el poder que nos atrae a esta saga – el tiempo compartido con estos personajes es como un espejo a lo que estamos haciendo con nuestro tiempo. Queda solidificada la intención con la ficticia máquina del tiempo que idea Jesse para convencer a Celine de intentar regresar simbólicamente a esa primera noche en Vienna, donde el tiempo era de ellos y de más nadie. Como pensamos que es el nuestro.

Before Midnight
109 min | Drama

Director: Richard Linklater
Ethan Hawke, Julie Delpy

• Véanla • Es uno de los candidatos a la mejor película del año, en junio; si te quedaste esperando un desenlace más concreto al final de Before Sunset; y porque no todas las películas de verano son de superhéroes.

• Evítela • Es una película en donde la mayoría del tiempo verás a dos personajes teniendo una conversación profunda. Puede que tengas reservas sobre el asunto, y eso está bien – pero en realidad no te la debes perder.

Exhibiéndose ya en las salas de Fine Arts de Puerto Rico.
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Fernando Samalot es, entre muchas otras cosas, un destacado músico de la escena independiente de Puerto Rico, conocido principalmente por su participación en la banda experimental tachdé. El guitarrista y vocalista lanzó hace unos meses su primer trabajo solista, titulado inner, luego de una serie de presentaciones íntimas que resultaron en su grabación. La portada de esa producción – una imagen de Samalot extendiendo su mano hacia el sol durante el atardecer – apunta hacia otro de sus grandes intereses artísticos: la fotografía.

A través de su cuenta de Instagram (instagram.com/simonebirch), Fernando ha ido explorando y compartiendo esta otra pasión con el mundo, logrando una colección de fotos verdaderamente inspiradora, llena de aventura, espiritualidad y corazón. Ahora transplantado a Los Ángeles, continúa compartiendo sus exploraciones de la naturaleza y demás descubrimientos y observaciones a través de la popular red social de fotografías, la cual se ha convertido en una de sus principales formas de expresión.

Conversamos con Fernando a continuación sobre su incursión al medio fotográfico a través de Instagram y compartimos sus observaciones sobre algunas de nuestras fotos favoritas en su colección.

PRI: ¿Cómo llegaste a Instagram y qué te inspiró a utilizar el medio como otro vehículo de expresión artística?

Fernando Samalot: Instagram ha jugado un rol muy importante en mi vida por los últimos dos años. Su significado y su propósito ha ido evolucionando a través del tiempo, acoplándose a lo que necesito al momento. Originalmente llegó a mí a través de mi buen amigo Ferdy Valls (GRLS) en octubre del 2011, durante un concierto de Portishead al que fuimos en New Jersey. No tenía experiencia alguna con la fotografía antes de ese momento así que al principio simplemente le tomaba fotos a cualquier cosa que me llamara la atención.

Meses después, al encontrarme en un cruce emocional luego de la ruptura de una relación y la separación de la banda tachdé, con quien llevaba toda la vida, Instagram fue transformándose en un tipo de foto-diario donde canalizaba muchos de mis procesos. Fue ahí que comencé a utilizarlo como un canal de expresión artística, aunque en realidad era más como una terapia.

Ya una vez sano de esas heridas, pasó a ser mi diario de aventuras en Puerto Rico. Ya contaba con una cantidad más grande de seguidores y no había cosa que me gustará más que compartir los tesoros de mi isla con el mundo. Me interesaba ser un tipo de embajador, mostrando un lado de nuestra isla que no muchos conocen. Quería además compartir toda esa paz e inspiración que encontré en sus ríos, playas, valles y montes. Definitivamente fue de las etapas más bellas de mi vida.

Desde entonces, y recientemente habiéndome relocalizado a California, he mantenido en gran parte ese aspecto de foto-diario de mis aventuras. He documentado muchos de mis viajes y exploraciones, externas al igual que internas. Definitivamente ha sido el canal en donde más me he manifestado emocionalmente, espiritualmente y artísticamente.

En realidad le debo tanto de mi desarollo en la fotografía a Instagram, pues al estar expuesto a tantos fotógrafos increíbles de alrededor del mundo es que he ido desarollando mi ojo y encontrando mi propio estilo. Instagram ha sido una gran fuente de inspiración, mi escuela, mi galería y mi principal vínculo social, que al contrario de muchos otros “social media” de hoy en día, me ha abierto un sinnúmero de puertas e invitado a salir a explorar, conocer, conectar, experimentar y crecer.

PRI: ¿Cómo describirías tu “feed” de imágenes?

FS: Mi feed en su gran parte consiste de paisajes, retratos y auto-retratos. Hay una abundancia de atardeceres, siluetas, montañas, valles, bosques y cuanto paisaje hermoso he tenido la dicha de visitar. Intento capturar como mejor puedo la magia y serenidad que siento en estos lugares. Ya que mi feed es tan personal, cada foto usualmente tiene una carga emocional. Para mí ha sido muy liberador y terapéutico el poder compartir mis procesos a través de la fotografía y más gratificante aún cuando otros resuenan con mis sentires.

PRI: ¿Qué cualidades buscas en una foto antes de compartir?

FS: En realidad la cualidad más importante que busco en una foto es que transmita una emoción real y honesta, sea cual sea.

PRI: ¿Puedes compartir algo de tu proceso? ¿Utilizas la cámara de tu teléfono celular o algún otro equipo?

FS: Todas mis fotos son tomadas y editadas con mi iPhone 4S. Nacen espontáneamente, pues pocas veces pienso de antemano una foto que voy a tomar.Usualmente capturo momentos cuando mis sujetos están desprevenidos – eso le da un aspecto mucho mas orgánico y natural a las fotos. Cuando viene la hora de yo ser el sujeto, le pido a quien sea mi acompañante al momento que la tome por mí, tomando en cuenta unas direcciones que les pido que sigan en cuanto a composición. En esta manera, muchos de mis retratos son colaboraciones con mis amistades.

Luego le sigue el editaje. Ésta es de mis partes favoritas del proceso. Es en sí otra forma de arte por completo. Me encanta sentarme con una imagen e ir poco a poco transformándola hasta llevarla a donde quiero. Aunque trato de mantenerlas lo mas fiel a lo que vi con mi ojo posible, muchas veces me encuentro llevándolas a un plano aún mas onírico.

PRI: ¿Dónde editas las fotos?

FS: Los tres principales apps que utilizo, en cuanto a colores, contrastes e iluminación, son “Snapseed”, “PicFX” y “Afterlight”. De vez en cuando utilizo también “Superimpose” para el efecto de exposición doble.

Estos procesos de editaje invitan a tanta experimentación que cada imagen tiene un sinnúmero de posibilidades. Esto lo mantiene refrescante y me ayuda a evitar caer en una fórmula o repetición. Muchas veces termino con 9 versiones de cada imagen, y entonces entro a la parte más tediosa y graciosa – ¡escoger sólo una!

PRI: Una de estas imágenes terminó sirviendo como portada a tu EP debut como solista, “inner”. De igual forma el trabajo que has hecho como miembro de tachdé es muy cinemático. ¿Cómo dirías que se relaciona tu música con el elemento visual? Y al inverso… ¿Cuándo trabajas una imagen, te imaginas la música que le acompañaría?

FS: ¡Buena pregunta! Definitivamente siento que hay una relación energética entre mi música y mi fotografía, pues ambas nacen de un lugar muy profundo dentro de mí y siento que resuenan con las mismas sensibilidades. Mi intención es la misma con cualquiera de mis artes, transmitir una emoción honesta que atraviese el velo superficial y llegue a la esencia de lo que de veras somos. Sea como sea, quiero compartir mi amor con todo el mundo. He visto el efecto sanador y transformador que puede tener esto sobre las personas, conocidas y desconocidas al igual, comenzando conmigo mismo. Muchas veces me ha pasado que veo una imagen tan hermosa o escucho una canción tan impactante que surge un gran cambio en mí. La música y la fotografía ambas han sido mi medicina. Es con esa misma intención que las comparto con los demás, esperando que les pueda servir tanto como me han servido a mí. Al fin, todo el amor que le pones a tu trabajo es el que la gente va a recibir, por eso he puesto tanto de mí mismo en él, pues lo más que quiero es ser un instrumento de luz, al servicio de los demás.

Tal vez me fui en una tangente pero para contestar tu segunda pregunta, pocas veces me imagino la musica que acompaña mis imágenes, aunque en más de una ocasión me he encontrado mirando un atardecer hermoso y recordando el album Evening Star de Fripp & Eno, uno de mis favoritos de la vida. Hay algo en esas repeticiones y melodías que siempre he encontrado hermoso para la contemplación. Ese es justo el tipo de sentimiento que busco inducir en las personas.

Galería

Las siguientes imágenes son tan sólo una muestra de la galería que Fernando Samalot comparte a través de instagram.com/simonebirch.

Esta foto fue tomada en Angeles Crest, las montañas al norte de Los Angeles. Fue mi primer día aventurando en California y uno de los atardeceres más espectaculares que jamás he visto. Ese día nos quedamos mirando el sol hasta que se hundió en el Pacífico. Fue majestuoso. Al momento de escojer la portada de mi primer disco, esta foto resaltó sobre las demás. Siento que capturaba mucho de lo que quería transmitir con el disco. La luz exterior reflejando la interior.

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Mi primera semana en California, y gracias a Instagram, hice una amiga quien me invitó a Joshua Tree a pasar el día. Creo que nunca antes había visto un paisaje tan vasto. Fue muy conmovedor y fue sólo un preámbulo a todos los lugares y momentos hermosos que me esperaban.

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Esto es uno de mis experimentos con el app de “Superimpose”. Venía durmiendo en el vuelo de vuelta a Puerto Rico cuando me desperté, alterado de un sueño en donde me estaba cayendo. Éste era mi intento de canalizar el sueño. Era muy simbólico para mí, especialmente en ese momento en que estaba a punto de tomar la decisión de irme de Puerto Rico, de enfrentar mi miedo y lanzarme a lo desconocido.

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Mis últimos meses en Puerto Rico estuvieron llenos de aventuras. Esta foto fue en Orocovis, en el río “El hippie”. Era un día nublado pero por sólo un momento, salió el sol. Logré capturarlo reflejado en una piscina que brillaba con colores que jamás había visto en un río. Un tesoro, en cada sentido de la palabra.

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En el 2012, tuve la dicha de viajar a España por segunda vez. Esto fue en el Parque Natural de Peñalara, al norte de Madrid. En ese bosque estuve contemplando mi futuro, que en ese momento aún era muy incierto. La foto la tomó mi gran amiga Mariola Rosario, una de las fotógrafas que más admiro y respeto. Entonces yo la encuadré y edité. Terminó siendo uno de mis retratos favoritos y de tan sólo mirarlo me regreso a ese lugar.

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Esta foto definitivamente es de las más cargadas que tomé justo al mudarme a Los Angeles. Era un momento sumamente intenso donde aún no sabía si había tomado la decisión correcta. Comparto el caption que le puse:

“Remember, you chose this. You chose to be a ghost.” – I need to get my head straight. I’m all over the place. Floating in a sea of uncertainty with nothing to hold onto and no solid ground to stand on. My mind escapes me. It waits until I’m most vulnerable and then runs off to those same old familiar places… as if comfort and nostalgia ever shared a bed. Well, I don’t want to go back there for anything, anymore. I don’t have to. I just want to be here, now. As afraid as I am, just be here now.

En ese momento de soledad e incertidumbre, encontré una fuerza en mí que ni sabía que tenía. Ahí me di cuenta que muchas veces son en esos momentos bien oscuros donde más potencial tiene de brillar tu luz. Esto fue hace tres meses y desde entonces toda mi vida se ha transformado. Estoy tan agradecido de poder tener esta cronología de eventos y procesos, de poder mirar hacia atrás y ver el progreso. Es gracioso pensar que es sólo un pequeño app en mi teléfono lo que ha desatado toda esta serie de eventos. Increíble, en realidad, pero así ha sido.

…y la historia continúa…

Ikol Santiago, nacido y criado en Hato Rey, regresa a la isla en el 2004 tras más de una década fuera del país. Es entonces que se integra a la escena subterránea de hip-hop de Puerto Rico, colaborando con muchos de sus grandes, y poco a poco va ganando su reputación como uno de los MCs más destacados del área. Nueve años después, nos sorprende con Iguacas, uno de los discos más personales, pensados y mejor realizados en salir del subterráneo. “De manera simbólica, la ‘Iguaca’ funciona como una guía que mediante su proceso de sufrimiento y libertad restringida nos muestra un semblante de esperanza”, explica Santiago en el material promocional de su disco. Y a su vez, esta colección de canciones representa algo de esperanza para la escena del hip-hop en Puerto Rico.

Es por eso que recientemente escogimos el tema de Ikol, “Tampoco Tanto”, para representar a Puerto Rico en la edición del Music Alliance Pact de mayo 2013, y que ahora compartimos con ustedes la siguiente entrevista. Esperamos que la disfruten.

PRI: Ya aproximándote a la década de tu regreso a la isla e incursión a la escena subterránea de hip-hop es que nace Iguacas, que llevaba unos dos años en producción según has mencionado en entrevistas. Si puedes remonatarte al momento preciso en que comenzaste el proyecto… ¿Recuerdas cuando te propusiste a completar el proyecto?

Ikol Santiago: Bueno, Iguacas comenzó primero con “Tampoco Tanto” y luego “Deprestimulantes”. Después de esos dos temas sentí que ya tenía una base fundamental para entonces darle cuerpo y concepto al disco, porque esos dos temas hablan de muchas cosas pero con mucho en común. Pero no puedo decir que desde un principio tenía todo cuadrado, si no fue cogiendo vuelo poco a poco. Por mi mente estaban pasando muchas cosas a la vez y ese es el resultado.

PRI: Y del otro lado… ¿Cuándo supiste que el disco estaba finalizado?

IS: Sentí que el álbum estaba finalizado cuando se terminó de cuadrar el tema “Mili”. Fue el más complicado de ejecutar, por eso sentí que ya después de ese tema no necesitaba decir más nada en este álbum. Sentí mucha satisfacción y sanación después de terminar el disco. Creo que sentí un peso gigantesco libre de mi espalda al terminar.

PRI: El disco es sumamente personal, sin reducirse a un diario – más bien cobra el aire de una autobiografía confesional. ¿Cuán medido eres al escribir sobre tu vida? ¿Está todo sobre la mesa o hay cosas que no llevarías a una canción?

IS: No creo que sea tan meticuloso a la hora de expresar sino que más bien mientras más sincero mejor, pero admito que me sorprendí yo mismo a la hora de compartir tantas vivencias personales porque suelo ser un poco más reservado. De veras que no me arrepiento de ninguna línea que haya plasmado en el pasado.

PRI: Recién llegaste de México en donde te presentaste en el 8vo Aniversario del Quilomboarte. Cuéntannos qué tal esa experiencia. Entiendo que la propuesta del Quilomboarte es una de caracter social y educacional a través del rap. ¿Cómo llegas a colaborar con ellos y qué podemos aprender acá de lo que se está haciendo en México?

IS: Conozco a Bocafloja ya por un buen rato, que es el fundador del colectivo Quilomboarte. Resulta que fue pura casualidad estar terminando mi álbum cuando el Quilombo se preparaba para celebrar su octavo aniversario en el D.F. México. Jim B, quien produce tres temas en Iguacas y también ha participado de múltiples colaboraciones con el Quilombo, fue quien me avisa sobre el aniversario y como podía ser una buena integración al evento presentar mi álbum, así fue. El Quilomboarte es un colectivo bien organizado que más allá de representar buen hip-hop, tiene una agenda bien comprometida con los asuntos sociales y me identifico. En México el rap ha ido evolucionando mucho a través del tiempo y creo que hoy día es un punto de encuentro esencial para el rap Latinoamericano. Lo que podemos aprender de ellos es la medida de organización.

PRI: Ese espíritu de colaboración, no solo localmente, si no a nivel internacional está muy presente en el disco, con la participación de Gas-Lab (Argentina), DJ Avana (República Dominicana) y otros. ¿Son personas que has conocido viajando o a través del Internet? ¿Cómo determinas con quién colaborar a la hora de crear un tema?

IS: Bueno, a DJ Avana lo conocí personalmente en República Dominicana la última vez que visité y fue automática nuestra colaboración – porque ese beat de “Parto” me lo mostró un día estando por allá y fue como que: “Ikol checa esta vaina que esto es pa’ ti”. Y fue como un flechazo de esos que recibes pocas veces. A Jim B. lo vine a conocer en persona hace bien poco y a Gas-Lab hasta la fecha no lo conozco en persona. La conexión cibernética definitivamente fue un factor clave para Iguacas. La colaboración específicamente con beat makers fue bien interesante, esa experiencia, porque fue un ping pong de archivos por mail hasta cuadrar ciertos beats de acuerdo a su feeling y luego la letra. El colaborar nutre mucho cuando ambas partes se pueden entender bien y pues salen cosas bien espontáneas que caracterizan mucho mi participación dentro del hip-hop Latinoamericano.

PRI: Temprano en el ciclo de Iguacas nos topamos con el tema “Tampoco Tanto”, que compartimos recientemente como representación de Puerto Rico en la edición de mayo del Music Alliance Pact. Es un tema duro, que saca el aire con su delineación cuidadosa de la problemática social puertorriqueña. Pero terminas el álbum en “Hoy” – un tema lleno de esperanza y a la vez un llamado a actuar. ¿Cuán lejos estamos de “Hoy”?

IS: Creo que del tema “Hoy” está un poco lejos el mundo entero. Creo que si empezamos a limpiar nuestros hogares primero, el exterior se puede nutrir de tal limpieza.

PRI: Iguacas es un disco concepto – su estructura invita a escucharlo en secuencia y en su totalidad, algo que haces explícito al incorporar la voz de la joven Amanda Antonella al principio de cada tema, dándonos una breve introducción. Todo esto en contra de la cultura del sencillo que permea en la música popular actualmente… ¿Considerarías hacer una tirada en vinilo – un formato que expresa esas ideas de manera física? ¿Eres fan de los discos de pasta?

IS: Estaría super brutal sacar Iguacas en vinilo por eso de dividir el álbum en dos lados, tener la carátula en un formato más grande y por supuesto ese tributo a un formato que se rehusa a desaparecer. Le daría como un toque esa estática también. Soy fan del vinilo porque me crié cerca de él pero hoy día solo cargo unos pocos porque recientemente regalé los que tenía por falta de espacio.

PRI: ¿Qué otros discos conceptuales en tu colección ameritan escucharse de principio a fin? ¿Qué artistas o trabajos influyeron en la conceptualización de Iguacas?

IS: Ufff… me has puesto a rebuscar, pero Things Fall Apart de The Roots pueder ser ese que no cansa de principio a fin bajo su concepto. La conceptualización de Iguacas no creo que se haya nutrido de otro proyecto conscientemente.

PRI: Es evidente la gran atención que les has brindado al álbum completo – la producción es detallada, tu dicción muy cuidada y las rimas minuciosas. El arte de la portada y diseño del disco – algo que se descuida con demasiada frecuencia en Puerto Rico – le sirve de gran complemento al concepto de “Iguacas”. Toda la atención que atraiga es bien merecida. Pero ahora que te toca llevarlo al escenario… ¿Cuál será la estrategia? El sonido del disco trae a la mente el hip-hop con banda en vivo a lo The Roots y Lado Vé… ¿Por ahí va la línea?

IS: El lanzamiento oficial fue a base de DJ y un mic a lo clásico porque quise presentar el álbum entero tal cual, pero me encantaría presentar este material con un bandón algún día… ¡Se va a dar!

PRI: La radio puertorriqueña ha dejado de ser una plataforma viable para cultivar a nuestros artistas y su audiencia, como consecuencia, conoce muy poca de la música que se produce en la isla – ni mencionar al resto del mundo. Pero bueno, como nos dijo René de Calle 13 una vez: “Ya no hay excusas – ahora hay Internet”. ¿Qué espacios existen para aquellos que quieran conocer más de tu música y artistas similares? ¿A dónde puede ir un fan del hip-hop puertorriqueño a “ponerse alante” con propuesta de aquí y de otros países? ¿Encuentras que hay más aceptación a artistas como tú en otros países hispanos?

IS: A través de ikolsantiago.bandcamp.com pueden hacer una descarga digital o ordenar copias físicas de Iguacas. Puede haber un poco más de aceptación en otros países pero hay que trabajar para que no tenga que ser así y que los artistas independientes del país puedan ganar su público localmente.

PRI: Ahora si puedes hacernos el favor y “ponernos alante” – ¿A qué artistas del subterráneo debemos prestarle atención? ¿Quién o qué viene por ahí?

IS: Hay mucha gente buena haciendo cosas a nivel mundial pero te diría por ahora que Jim B. de Tenerife viene con mucho impulso en el campo de beat making y dentro del hip-hop Latinoamericano lo considero el más emergente en los últimos 4 años. En cuanto a rimas mi hermano Nébula de aquí mismo viene pronto con un disco nuevo y va a ser candela. El mundo entero está lleno de música muy buena y es cuestión de conectarse y buscar… el que busca siempre encuentra.

PRI: ¿”Ikology” se transformó en “Iguacas” o todavía sigue en planes?

IS: Ikology Productions es lo que utilizo en ocaciones pero hace años atrás soñé con un disco que se titulara “Hecho en Puerto Pobre” y resultó siendo “Iguacas” que no es muy lejano en concepto pero mucho más pensado.

PRI: Y para terminar… ¿Holograma Tupac o Holograma Ol’ Dirty?

IS: Ol’ DIRTY!

Descarga u ordena tu copia física de Iguacas a través de ikolsantiago.bandcamp.com.

El pasado viernes 7 de junio nos dirigimos al Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico en Santurce para celebrar junto a cientos de macafans el lanzamiento oficial de Lluvia con sol, el tercer disco de la Orquesta El Macabeo. Acompañaron a la orquesta para la ocasión los Negros Vivos como acto de apertura – y en dos de los momentos más aplaudidos de la noche, Ileana “Peje 13″ Cabra (Calle 13) y Yarimir Cabán (Mima). Junto a esta segunda cantarían una versión de “La Princesa” (originalmente del disco El pozo de Mima) que le ponía sonrisa a cualquiera con su “chon-chon-chon” al ritmo de la salsa.

Pero la noche perteneció sin duda a los Macabeos, quienes subieron a la tarima en etiqueta y no se bajaron de ella hasta que el público se bailó la mayoría de los temas de su discografía (y alguna que otra sorpresa más). La celebración le sacó lo mejor a la banda, que lucía totalmente en su elemento – confiada y agradecida a la vez. ¡Qué bien se sintió ver la labor de estos músicos recompensada con tan excelente espectáculo! Las nubes habrán pensado lo mismo, habiéndole concedido una noche libre de lloviznas a la Orquesta El Macabeo mientras la música sonó.

Disfruten de algunas fotos del evento a continuación.

Orquesta El Macabeo

Negros Vivos

Por: Rubén González
Especial para Puerto Rico Indie

Queens Of The Stone Age (QOTSA) es una banda de rock n’ roll de Palm Desert, California, liderada por Josh Homme (voz y guitarra), quien comenzó el proyecto en 1996, y desde entonces ha sido el único integrante constante. El hecho de que el grupo haya pasado por medio millón de músicos a través de sus seis discos de estudio ha mantenido el contenido de cada producción refrescante. Sin embargo, Josh Homme ha logrado que la banda mantenga un sonido inconfundible: recio, con groove, pegajoso, hipnótico y siempre exhalando mucho sexo.

Luego del lanzamiento de Era Vulgaris en el 2007, la banda estuvo de gira por más de dos años – y aunque pasarían seis años antes de que escucháramos material nuevo, no significa que Homme estaría fuera de comisión por todo ese tiempo. En 2009 produjo discos para Eagles of Death Metal y Arctic Monkeys; ese mismo año sale el debut de Them Crooked Vultures, el súper-grupo compuesto por Homme, Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) y John Paul-Jones (Led Zeppelin). También relanzaría los dos primeros discos de QOTSA y en el 2011 saldría a tocar su disco debut homónimo en gira de principio a fin.

http://www.youtube.com/watch?v=f49yRhJ0NjI

Los demás músicos – Troy Van Leeuwen (guitarra, teclado), Michael Shuman (bajo, voz), Dean Fertita (guitarra, teclado) y Joey Castillo (batería) – estarían involucrados similarmente en otros proyectos, algunos más reconocidos que otros. Sin embargo, Castillo parte de la banda a finales de 2012 (aún se le puede escuchar en algunas grabaciones del nuevo disco), y es entonces que Homme anuncia que Grohl contribuiría al proyecto como baterista de Queens nuevamente – luego de haber sido uno de los ingredientes principales en el clásico del rock moderno, Songs for the Deaf (2002). Encima de eso, Homme divulgó que Nick Oliveri (ex-bajista y ex-vocalista) y Mark Lanegan (eterno colaborador del colectivo) regresarían para contribuir en algunos coros del disco. En otras palabras, la alineación clave de Songs For The Deaf estaría presente en el sexto disco de Queens of the Stone Age, titulado …Like Clockwork.

En su momento, Songs… fue muy popular, y convirtió a Queens en una fuerza imparable que terminó tocando los festivales más grandes y se ancló como una de las mejores bandas de rock n’ roll de los últimos años. Así que otra vez más, millones de fanboys con recuerdos de esos tiempos casi infartan y se les escapa prematuramente un poco del fluido que generan las glándulas genitales. Pero como con todo disco de Queens, nadie debe acercárse a …Like Clockwork esperando revivir el pasado de la banda. Aunque parte del elenco de Songs For The Deaf está presente en el nuevo álbum, no se trata de su continuación de ese proyecto ni nada parecido. Homme y compañía no son unos tipos muy nostálgicos, y lo dejan meridianamente claro en su nuevo esfuerzo.

…Like Clockwork es un disco oscuro, reflexivo, melancólico, en partes extraño y en otras psicodélico. De todos los discos de la banda es el menos pesado musicalmente, pero el más cargado emocionalmente. Homme muestra su lado vulnerable más de lo que estamos acostumbrados en sus letras. Sin embargo, esto no significa que las canciones sean un lloriqueo constante, sino que es un trabajo brutalmente honesto.

http://www.youtube.com/watch?v=x5hShtlb6vU

El disco empieza con “Keep Your Eyes Peeled”. Esta es una pieza sombría y siniestra, con un groove lento, guitarras drone-ish y un bajo pesado. Al final entra en un rapto de tres guitarras mientras Homme comparte el micrófono con Jake Shears del grupo Scissor Sisters – uno de los muchos artistas invitados a participar en …Like Clockwork. Le sigue “I Sat By The Ocean”, el tema musicalmente más animado – y pegajoso – del disco, aunque las letras nos dirigen por otros senderos – “I sat by the ocean and drank a potion to erase you…”. El coro y los slide guitars mantienen una melodía contagiosa, y aunque la letra cuenta una calamidad de puras mentiras, se siente como una excelente selección para un playlist de verano. Me imagino que en algún punto será un sencillo.

Queens nos tira la primera curva inesperada con “The Vampyre of Time and Memory”. Ésta es una balada melancólica con Homme en el piano. Después del primer coro y al final de la canción, Fertita toca un solo que combina los estilos de David Gilmour (Pink Floyd) y Mick Ronson (David Bowie). Por su lado, Van Leeuwen decora la pieza con un sintetizador análogo que al igual que la guitarra, le da un sabor del rock de la década del sententa. “If I Had a Tail” es puro groove dirigido por la contagiosa línea de bajo, cortesía de Shuman. En momentos suena como una canción de disco (el género musical) dañándose. Nick Oliveri y Mark Lanegan hacen en coro unos “ohh-ohh-ohh-ohh” con voz rasposa, casi como si fuesen lobos suspirando. Aunque ésta tiene el mejor título, no tiene la mejor letra que ha escrito Homme. “Ohh-la-la”’ nunca debería de ser dicho en una canción de rock n’ roll. NUNCA. Nadie quiere escuchar eso.

http://www.youtube.com/watch?v=iFca32_7YUU

El primer sencillo del disco, “My God is the Sun”, es un tributo al desierto. La canción más agresiva del disco sobresale por el riff que maneja la pieza, sus maracas y la intervención de un vals torcido junto antes de su final. Luego de ésta comienza la segunda mitad de …Like Clockwork, donde las cosas se tornan más raras. “Kalopsia” arranca con un tipo de doo-wop con moog, sintetizadores, pianos y una atmósfera alucinante que eventualmente se convierte en un asalto de distorsión. La primera línea del coro (“Oh why you so sad? What have they done?”) la canta Trent Reznor (Nine Inch Nails) – otro de los invitados estrella, quien se une en dúo junto a Homme en partes del tema. “Kalopsia” cierra con una línea de bajo sólida y disonante, y guitarras agudas. Aparte de ser una de sus mejores canciones en este ciclo, es la más trastornada de toda la discografía de QOTSA.

“Fairweather Friends” contiene un sinnúmero de solos de guitarra – todos épicos – y un impecable trabajo de Grohl en la batería. Lanegan ayudó a escribir la letra del tema y – como si le faltara algo más – Sir Elton John toca el piano y canta en los coros. No hay más nada que añadir. Todo el sexo y esa actitud de “me importa un carajo” a la que siempre hemos estado acostumbrados de QOTSA están presente en cantidades industriales en “Smooth Sailing”. Ésta es de las piezas más bailables que ha lanzado el grupo, y debería de estar en rotación en algún strip club. Además, tiene la mejor línea de todo el disco: “I blow my load over the status quo”. Estoy bastante seguro que ese es el lema de la banda.

“I Appear Missing” podría ser la banda sonora de un cortometraje que refleje una crisis emocional. Todo en esta canción es puro drama sin exhortar a que uno se ahorque. Éste es otro de los momentos en que la banda lleva las cosas a otro nivel. Al igual que “Kalopsia”, es de las mejores composiciones que ha hecho Queens. Entonces llegamos al final de la jornada con “…Like Clockwork”, la única canción que incluye a Jon Theodore (baterista actual de la banda) en la batería. Esta es otra balada en piano, pero ahora Homme luce su falsetto. Frágil y triste como ningún otro tema del grupo, cierra el disco con la letra “It’s all downhill from here”.

http://www.youtube.com/watch?v=TKNKC9iqxpI

Lo mejor de …Like Clockwork es que cada canción tiene su propósito y complementa a las demás. No hay grasa adicional ni espacio para que el déficit de atención pateé. En cuanto a la producción, es un esfuerzo rico en detalles, capas de sonidos y experimentación – digno de escucharse con buenos audífonos. Por otra parte, los que esperen un rock n’ roll explosivo y pesado, se van a decepcionar. …Like Clockwork es un disco más de sutilezas e introspección, que de bombazos y degenere.

Es importante mencionar que el artista británico, Boneface, se encargó del arte de …Like Clockwork. El trabajo del ilustrador añadió otra dimensión al disco, porque cada pieza de arte cuenta una historia que le da unidad al álbum. Adicional al arte del disco, Boneface trabajó en conjunto con el artista visual, Liam Brazier, en un cortometraje de 15 minutos que incluye pedazos de diferentes canciones de la producción (y que pueden apreciar más arriba en la reseña).

…Like Clockwork es un disco arriesgado porque es el menos accesible y pesado de la banda. En cambio, es el más enfocado en la composición de las piezas, arreglos y detalles, incluyendo el arte de Boneface. Es bueno darse cuenta que una banda con tanta popularidad todavía crea en el álbum como un trabajo completo, y no una mera colección de canciones listas para ponerlas en shuffle. Ese es un acercamiento que ellos nunca han abandonado. Por eso es que Queens of The Stone Age es de las mejores bandas ahora mismo. Siempre que sacan algo nuevo, es “de los mejores discos de rock n’ roll en buen rato”, y eso es lo único que no ha cambiado desde su debut.

Hace apenas unas semanas se cumplió el tercer aniversario del lanzamiento de “Supermercado”, tema que anunciaba la llegada de la Orquesta El Macabeo y su Salsa Macabra. La canción aún provoca sonrisas instantáneas, con su manera pícara y perspicaz de pintar con palabras el retrato de un Puerto Rico que muchos reconocemos. Y a su vez, comunica con claridad la propuesta musical del Macabeo: una de respeto e irreverencia, para cocolos y rockeros, moderna, pero conocedora de tradición, ácida y dulce, con sentido y sin razón, como la vida en el país. Salsa Macabra se convertiría en un remedio casero eficaz para tanta medicina amarga que tragamos. De hecho, mi vecino aún pone el disco los domingos cuando practica la conga, momentos que he sabido aprovechar para disfrutarme los temas – ahora clásicos – escribiendo desde mi balcón.

Un año después la orquesta nos pondría a celebrar con El entierro, una impresionante colección llena de confianza y madurez musical. Más conciertos, mayores audiencias, viajes al exterior – ya se ganaban al público sin importar edad, ni preferencia musical, ni lenguaje. Pero entre medio de todas esas experiencias, frutos de grandes esfuerzos, talento y ambición, se vive la vida – y son los desaciertos y sinsabores de esa vida que matizan la tercera producción de la Orquesta El Macabeo, Lluvia con sol.

http://www.youtube.com/watch?v=6-VM3il1VgA

“Aquí el débil se vuelve loco, aquí el más fuerte llorará…” Esas primeras líneas que entona Luis De La Rosa Solá al abrir el disco con su tema homónimo, establecen el sentir que propulsa gran parte de la producción – uno de frustración, dolor, tristeza y coraje. Sin embargo, “Lluvia con sol” no es representativo de la totalidad de esta colección de canciones. Con una producción despierta y alegre, la orquesta se proyecta lista para retomar donde nos quedamos, bailando la conga y cogiendo pon. Ese sentido del humor atado al pensamiento crítico y la introspección, característico de la banda, muy presente en el vídeo promocional que acompaña el lanzamiento del disco. En fin, resulta un excelente sencillo para “disfrutar las riquezas del pobre”, como canta Luis: chinchorrear con la doña y bailar con la orquesta.

Le sigue “Me repito”, una de las canciones que se destacan en la colección y de las que mejor expresan la psiquis del colectivo en Lluvia con sol. Entre la letra y la música se filtra una melancolía que viene con la experiencia de verse acorralado, de no poder librarse del ciclo de la adicción, la depresión, y/o el desamor. Es una idea que repica más adelante en “No sé cuando llegué” (“Ya me voy, no sé ni cuando llegué, y vuelvo y me encuentro, por donde empecé”.) y ya para el final del álbum, en la “Macacoa”.

Pero antes nos topamos con el tema más rápido (y corto) dentro de la discografía macabiónica, “La sensación”. Este cumple la promesa implícita en contar con un director de orquesta, José Ibáñez Reyes (bajo), que también figura entre las personas más respetadas y admiradas dentro de la escena del punk puertorriqueño. Furioso como un corte de Tropiezo o Juventud Crasa, “La sensación” trae consigo un poco de variedad bienvenida y se perfila como uno de los futuros highlights de las presentaciones en vivo del Macabeo.

La segunda mitad de Lluvia con sol introduce la mayor distinción – algunos dirán “problema” – que presenta la colección en comparación con los discos anteriores de la orquesta. “Boda” cuenta con suficiente swagger como para colar a una partida de atorrantes (“arrestan a la mitad si hacen una redada”) a cualquier celebración matrimonial. Pero su foco de atención lírica – “la dama de horror en aquella fiesta” – sufre de escasa caracterización, dejándonos a una víctima de ataques crípticos con quien simpatizar, pero no mucho más que eso. No que nos tengamos que enterar “del secreto que guarda todo el Macabeo”, pero no puedo negar que me hicieron falta algunas pistas para hacer mejor sentido del macabro estribillo final: “Nada va a hacer parar lo que ha unido el amor en la Tierra, nada va a hacer parar lo que ha unido el alcohol en la Tierra”.

Igual ocurre con “No te debo nada” y “Olvídame”. El primero no podría ser más directo: “Si este disparate salió bien a pesar de tu envidia, querido amigo, te tengo un adelanto, me importa un carajo tu opinión”. El segundo tiene la distinción de ser el tema más lento en el repertorio de la orquesta, y resulta, irónicamente, fácil de olvidar. No dudo que se traten de ejercicios catárticos para expulsar toda esa negatividad y dolor en canción – terapia musical futura desde el escenario – pero a medida que las letras toman un carácter más personal para la banda, los oyentes perdemos definición.

“Macacoa” nos regresa de ese pequeño desvío a los terrenos más fértiles de la Orquesta El Macabeo, donde se encara a la adversidad con buen humor. Regresa la banda del comienzo de Lluvia con sol, llena de lamento – pero también de brío. Las letras ofrecen todo el rico detalle del lenguaje que nadie en la música habla como el Macabeo (“Esto fue a lo Ley 7, sin piedad ni arrepentimiento”.), ancladas en la imagen de “las bolsas negras” como las maletas que te despiden de una relación. También cabe destacar las menciones a algunos de los macabeos durante de la canción – y guféense ese solito de piano.

La Orquesta El Macabeo merece todo nuestro aplauso y admiración. Ante una situación económica apremiante y una industria musical en constante desorganización, el grupo de 12 magníficos ha logrado lo imposible: levantar un proyecto independiente de calidad con identidad propia, que se enriquece del pasado musical del Caribe, para compartirlo con oídos frescos y un sentido de responsabilidad hacia la documentación de la realidad que abordamos. Con esta trilogía de discos – Salsa Macabra, El entierro, Lluvia con sol – han superado nuestras expectativas y trascendido nuestras costas, que muchas veces funcionan como paredes.

Y como con las mejores cosas, nunca es suficiente – quedamos deseosos por ver a la banda interpretar estos temas en vivo, y ya pendientes a su próxima producción. Nos malacostumbraron.

La Orquesta El Macabeo invita al público general a la presentación oficial de Lluvia con sol, un concierto a celebrarse el viernes, 7 de junio de 2013 en el Museo de Arte Contemporáneo en Santurce. Cada taquilla incluye una copia del disco. Para más detalles visiten OrquestaElMacabeo.com y la página del evento en Facebook.

Pudiese escribir una reseña sobre por qué The Hangover 3 es una película “mala”, pero creo que eso sería un desperdicio de su tiempo y el mío. Porque todo el mundo sabe, inclusive antes de verla, que The Hangover 3 es una mala película. Su director, Todd Phillips, probablemente esté de acuerdo con todos nosotros los que sabíamos que The Hangover 3 sería una mala película antes de verla. Miremos su reciente carrera como director: The Hangover 1 es una mala película – popular y taquillera, sí – y mala también. Due Date es una mala película. The Hangover 2… esa no la vi. Pero en las promociones de esa secuela anunciaban mucho a un mono como el nuevo miembro del Wolf Pack. Habría que reírse.

La última vez que Todd Phillips dirigió algo relativamente decente fue hace 10 años cuando hizo Old School. Claro que todo esto está sujeto a los gustos personales. A mí me gustó mucho esa cinta. Me reí bastante. Pero si alguna persona me dice que “Old School es una mierda de película”, no se lo voy a discutir, porque no tengo manera de negarlo. De todos modos no iba a esperar a que Todd Phillips hiciera una película buena de ésta, la tercera en la trilogía de The Hangover, un ejercicio absurdo repleto de chistes reciclados.

http://www.youtube.com/watch?v=KLAkxSjs8ZY

Todo en The Hangover 3 se siente automatizado. Quizás el mono de la segunda la escribió. Es una secuela que existe exclusivamente porque puede capitalizar en la aún sorprendente y MASIVA popularidad de los dos episodios anteriores. Miles de personas harán fila y pagarán de su dinero para ver este espectáculo cinematográfico, sin importar la opinión de nadie – y probablemente saldrán del cine una vez más encantados. La realidad es que hay ciertas películas que están diseñadas para gustarle a una audiencia en específico. The Hangover ya tiene la suya, aunque yo (y quizás tú) no pertenezcamos a ella.

Y es esa realidad – la inevitabilidad del dinero fácil – lo que probablemente conspiró para entorpecer lo que podría haber sido una comedia sólida (en otra dimensión). Lamentablemente quedamos ante un filme (jaja, filme) que no contiene nada redimible: ni buen libreto, ni buena dirección, ni buenas actuaciones. Me entristece que John Goodman salga aquí. Igual con Jeffrey Tambor. Zach Galifianakis es un tipo gracioso por lo general, pero aquí es simplemente un prop. Mientras que el personaje de Ken Jeong es de los más repugnantes en la historia del cine. Olvídense del resto. Yo espero que se disfruten sus cheques.

¿Entonces para qué dedicarle tiempo o esfuerzo a la reseña? The Hangover 3 es un combo de nuggets de fast food – quizás en algún momento les tengas ganas, pero después que te los comes, tu cuerpo se lo sufre y terminas arrepentido… Mi cerebro ya olvidó sobre el 80% de la cinta porque necesita el espacio para recordar números de teléfonos y direcciones de cómo llegar a lugares… The Hangover 3 son 100 minutos de mi vida que nunca voy a recuperar… Y otras cosas así.

The Hangover 3 – pero en realidad la serie completa – es la cara pendeja de Zach Galifianakis. Es perder una hora y pico sumergido en lo irracional junto a los panas que gracias a Dios nadie tiene por más que la película te quiera vender que sí. Nada, N-A-D-A, hace sentido. Vale, el escapismo es necesario – es de las razones principales para ir al cine, especialmente durante el verano. Pero para escapar hay que poder desconectar el cerebro y disfrutar lo que te presentan en pantalla sin necesidad de análisis inmediato. Y ese es el problema con The Hangover 3: Es imposible no pensar en lo que uno está viendo y soñar con escapar hacia otro lugar, lejos de la sala del cine. (¿Las Vegas? No. ¿Tailandia? Menos.) Su irracionalidad destruye neuronas y te deja con sendo…

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The Hangover 3
100 min | “Comedia”

Director: Todd Phillips
Zach Galifianakis, Ken Jeong, Bradley Cooper

• Véanla • Si eres fanático de las primeras dos; si tienes mucho calor y hay aire acondicionado en el cine.

• Evítela • No tengo nada más que aportar sobre este tema.

Exhibiéndose ya en las salas de Puerto Rico.
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El nombre de Gaby Vidal es uno que suele surgir bastante rápido en conversaciones sobre el rock puertorriqueño. Guitarrista de varias agrupaciones reconocidas (ONGO, Ícaro Azul, Similar, entre otras) y productor en proyectos de algunas más, Vidal es una figura que se ha mantenido activa de alguna manera u otra dentro de la esfera musical local desde el 1989.

Sobre dos décadas de experimentos musicales han resultado en Vy – su nuevo proyecto “solista”, disponible para descarga gratuita a través de la página de soundcloud de Vidal, y pronto en una tirada limitada en formato CD. Integrantes de Similar, Tachdé, Golpe Justo, Puya, ONGO, Astrid Pröll, Ícaro Azul, trili, Ser.Es y hasta de las bandas de Ednita Nazario y Luis Fonsi, se unieron al proyecto – testimonio de la versatilidad como músico del guitarrista y sus años de experiencia.

“Hay partes de canciones que llevan años largos grabadas o riffs que tengo desde los 90′s en la cabeza,” nos comenta. “Este es el único disco que he producido solo. Obviamente la gente que me ayudó tenía libertad de opinar, pero este disco no fue una democracia”. Escucha Vy en su totalidad y conoce más sobre el proyecto en nuestra entrevista con Gaby Vidal a continuación.

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PRI: Vy nace luego de una extensa trayectoria como músico en la escena local… ¿Qué te motivó a hacer el disco?

Gaby Vidal: El proyecto básicamente comenzó hace 3 años cuando encontré ideas que iba grabando a través de los años para vaciar el hard drive cerebral. Grababa las bases (guitarras, bajo y batería) y hoped for the best que algún día las terminaría. Me di cuenta que habían varias canciones que tenían potencial y me vino la idea de hacer mi disco “solista”. Además de que quería producir algo 100% my way.

Algunas canciones las re-grabé, otras, usé los tracks de los demos y construí sobre eso. Pero no fue hasta hace unos meses atrás que estaba jangueando con Agustín “Chito” Criollo y cuando le enseñé lo que tenía me puso presión para que lo acabara. Ahí fue que empecé a sacar tiempo para el proyecto en vez de usar el tiempo que sobraba.

PRI: ¿Qué ideas musicales buscas transmitir a través del proyecto y qué expectativas tienes para éste?

GV: En realidad cuando comencé a trabajar el disco, no tenía ninguna idea concreta. Eran simplemente ideas de diferentes estilos sin nada en común. De hecho, parte del reto fue hacer que canciones tan diferentes pudiesen existir en un mismo disco sin que se escuchara como una compilación. O sea, que la producción completa hiciera sentido. Tampoco quería que fuese el típico guitar record que normalmente hacen los guitarristas cuando hacen sus disco solos, que son canciones diseñadas para solear.

Este disco, como toda la música que hago, lo hice para mí. Es un intento de hacer la música que me gustaría escuchar por headphones. La única expectativa que tengo es que me guste cuando lo haga. Pero antes de escucharlo estoy dándole un cooling period. Si a otra gente le gusta, pues mucho mejor. Si puediese vivir algún día de este proyecto (o cualquiera de los otros que participo for that matter), pues sería vivir mis sueños. Pero no son expectativas.

PRI: Aparte de lucir tu trabajo como “solista”, Vy presentó la oportunidad de colaborar con un sinnúmero de otros músicos, entre ellos vocalistas como Ana Cristina (Ícaro Azul) y BB Justo (Golpe Justo). Cuéntanos cómo se dio el proceso de colaboración con estos músicos invitados.

GV: Yo también uso el término “solista” (entre comillas) pues todos los que colaboraron hicieron lo suyo y aportaron. La idea de los invitados fue bien orgánica. Busqué a los músicos que en mi opinión iban a poder hacer lo que cada canción necesitara. Por ejemplo, si una canción necesitaba una voz rabiosa, para mi BB Justo es la mejor opción. O si hacían falta solos de batería, Eduardo Paniagua, Carlos Benitez & Jose Ruiz, etc.

La idea de los invitados fue planeada desde que comencé a darle en serio al disco. La idea era usar ese elemento como otra herramienta de experimentación. Tengo la suerte de que he trabajados con todos y todos son panas, así que corrió súper fácil. A pesar de que hay mucha gente reconocida de la escena en la lista de invitados, los más especiales fueron Ian Vidal (batería) y Pinky Vidal (voz). Aunque Ian ya habia tocado congas súper escondidas en el disco de trili, éste es el primer disco de ambos y los dos hicieron partes importantes en las canciones que grabaron.

PRI: En adición a componer estos temas, tocar varios de los instrumentos y colaborar con otros artistas, también te encargaste de la producción, grabación y mezcla del material en el estudio de Ongolandia. ¿Cómo llegaste al trabajo más técnico de producción musical? ¿Cuál de estos procesos es tu favorito? ¿Cuál es el más retante y por qué?

GV: Yo estoy haciendo grabaciones muti-track desde los 80′s cuando grababa un track en un cassette player/recorder y luego grababa el playback, más otra guitarra en otro cassette player/recorder. Luego salió el Tascam 4-track recorder y se abrió el cielo. Todavía tengo los cassettes de como 4 “discos” con todo y carátula homemade que hice en esa época. Pero eso sí que nadie lo va a escuchar.

Y poco a poco grabando a las bandas de los panas, llegué al revolú que tengo en Ongolandia. Me gusta el proceso completo de crear y grabar música. No tengo favoritos, pero el menos que me gusta es grabar. Creo que es por el revolú de sacar cables, micrófonos, stands, etc… Activa mi claustrofobia. El proceso más retante es mezclar porque por más brutal que esté la canción, es bien fácil arruinarla en la mezcla. Además, hasta el momento de mezcla, todo se puede arreglar.

PRI: A medida que más de la música que llega a nuestros oídos (particularmente de artistas independientes) se produce fuera del ambiente del estudio – ya sea en la casa o en cualquier lugar realmente, gracias a las laptops y tabletas – ¿qué se pierde en la grabación final? ¿Qué recomendaciones puedes ofrecer a un artista o grupo que quizás aún no está listo o no tiene el presupuesto para trabajar en un estudio y acude a métodos más “caseros”?

GV: Yo creo que con la tecnología que hay y a los precios que están, dependiendo del estilo de música y el sonido que se busque, es posible hacer un disco casero que no tenga nada que envidiarle a los de estudios. ¿Que es más fácil y se pueden hacer más cosas con más jueguetes? Pues claro, pero con creatividad y experiencia se puede hacer un buen producto en la casa.

Si alguien se quiere tirar la misión de hacerlo en la casa le recomiendo que lean y busquen videos en Internet de cómo grabar con las limitaciones que se tenga. Los Beatles grabaron discos con 4-tracks. Una de las cosas más importantes es tener las canciones bien ponchadas. Va a facilitar muchísimo el proceso.

PRI: ¿Cuál es tu “gear” favorito en el estudio? ¿Y cuando tocas en vivo?

GV:Los Distressors. Mesa/Boogie Amps.

PRI: Hablando de tocar en vivo… A lo largo de tu carrera has tenido la oportunidad de presentar tu música en muchos escenarios distintos. ¿Alguna experiencia que se destaque como la más memorable?

GV: Siempre voy a recordar los shows maratónicos de 3+ horas que haciamos con ONGO bisemanalmente en Blue Jeans (San Juan) a finales de los 90′s. Dejábamos de tocar, cuando no quisiéramos tocar más y no porque venía otra banda o lo que sea. The good ol’ days…

PRI: Yo recuerdo muy bien la presentación junto a Similar en Abracadabra (Santurce) – comenzando el ciclo del LP 2012. Un show pequeño, pero muy potente, en donde se demostró claramente la evolución musical del grupo. ¿Cómo es que te unes a Similar? ¿Esperamos tu participación en el nuevo material y cuándo lo podemos esperar?

GV:Ese show de Abracadabra fue magico. Muy buen show. Yo les grabé el disco que salió antes del LP 2012 y me quedé dañado con la banda. Par de meses después me llamó Ariel para ver si quería estar en la banda.

Se supone que este verano comencemos a trabajar música nueva. Ya Ariel me dijo que tenía par de ideas. Yo tengo par de ideas. Pero no me atrevería a poner fecha.

PRI: No puede faltar de esta entrevista alguna discusión sobre la escena independiente de Puerto Rico… ¿Qué has podido observar a través de tu envolvimiento en ella? ¿Cómo crees que ha cambiado, dónde se encuentra y qué podríamos hacer para mejorarla?

GV: Hubo un tiempo que traté de meterme en la escena y estaba más pendiente a lo que sucedía con ella. For better or worse (dependiendo a quién le pidas la opinión) la escena está súper dividida y todos quieren “subir” bajando al otro. Como ya yo dejé el sueño de vivir de la música, ya no estoy muy envuelto. Le doy la mano al que puedo y no espero que hagan lo mismo. Quizás es que “mis” bandas (La Mosca, ONGO y trili) nunca encajaban en ninguna escena, pero nunca “la escena” hizo nada por ellas. En otras palabras, la escena me lo pela.

Para mejorarla habría que cambiar la mentalidad que lo de afuera es mejor. Personalmente pienso que Puerto Rico es muy pequeño para que exista una escena local de rock. O sea, cuando empiezas a sacar los números de cuanta gente “escucha” música como hobby (y la música no es simplemente un background thing en sus vidas), luego de esos, cuántos escuchan rock – y de esos, los que se hagan fanáticos de x o y banda. No creo que hayan suficientes para que las bandas puedan vivir de la música. Obviamente también las bandas tienen que hacer shows que la gente quiera ir a ver. Pero entonces eso cuesta…

Lo que si he visto es que ahora parece que hay mas bandas “profesionales” y de calidad. Espero que si es así, siga así.

PRI: A mí me preocupa que no tengamos mucha relación con artistas de otros países. ¿Crees que estamos suficientemente “conectados” a otras escenas fuera de Puerto Rico? ¿Has tenido la oportunidad de colaborar con músicos del extranjero o de llevar tu música a otros países?

GV: Ya hay bandas que están haciendo esos intercambios con artistas de afuera, pero no son la mayoría y deberían ser más. Ahí quizás es que en mi opinión, la fragmentación no es buena.

De hace unos años atrás estoy promocionando más fuera de Puerto Rico. Con el Internet, las cosas son mucho más fáciles. Para la música que hago en ONGO, trili y Vy hay muchas más oportunidades fuera de Puerto Rico.

PRI: ¿Te visualizas aún grabando música y tocando en una década? ¿Hacia dónde crees que te diriges y qué pueden esperar tus seguidores en el futuro?

GV: Grabando sí, tocando en vivo no sé. Lo ideal sería que me pegara en la lotería para hacer mi propio pub con luces y sonido de concierto y tocar todos los sábados hasta que me muera.

Ahora mismo estamos terminando el próximo disco de ONGO. Ese disco va a ser otra cosa en cuestión de composición y producción. Luego de 3-4 años trabajando en él, se esta viendo la luz al final del túnel. También estoy trabajando con Chito en el primer disco de Bando. Es una banda de afro-beat con elementos de prog, soundscapes, noise, etc. Pronto sacaremos un teaser. En junio, Ruly (bajista de ONGO) y yo estaremos grabando par de tracks para un proyecto llamado “Esto NO es ONGO”. Y se está cuajando una disquera, Sonica Discos.

PRI: Entonces “the show must go on.” Gracias por tu tiempo.

GV: ¡Gracias por todo!

Para más información y música de Gaby Vidal:

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