@dianadhevi comparte con PuertoRicoIndie.com sus pensamientos sobre lo acontecido en la cuarta temporada de la excelente serie de AMC sobre una agencia de publicidad en los 1960′s, Mad Men, semana tras semana.  Comparte tu opinión acerca del episodio (y la serie en general) abajo en los comentarios y contribuye a la discusión.

Mad Men Season 04 Ep 06: Waldorf Stories

What goes around, comes around… “Waldorf Stories” nos presenta “the circle of life” en Sterling Cooper Draper Pryce, comenzando con el mísero escombro que entra por la puerta mendigando una oportunidad de trabajo, y terminando con el rey destronado que contempla su reino con una irremediable nostalgia.

En el medio de estos dos extremos está Peggy: en esta ocasión la vemos con mayores dificultades que nunca para afianzar su lugar en una industria dominada por los hombres. Stan Rizzo es el nuevo director de arte en SCDP, y resulta ser el personaje más descaradamente machista que ha cruzado la pantalla durante la serie. Trata a Peggy como si fuera su secretaria y la somete constantemente a intimidaciones que oscilan entre el hostigamiento sexual y el desprecio. Ante la queja de ella acerca del comportamiento de Rizzo, Don dictamina que ella es quien debe amoldarse al estilo de trabajo de Rizzo ya que él tiene mayor experiencia. El machismo triunfa una vez más en Mad Men.

Eventualmente, Peggy establece mayor confianza con Stan y le comenta su incomodidad con la forma de otorgar los créditos en la compañía: a SCDP se le ha nominado para un premio Clio por su campaña de Glo-Coat (la del niño vestido de vaquero), y Don Draper se lleva toda la gloria. Peggy alega que gran parte de la idea fue de ella, lo cual no es posible determinar con la información que nos han dado, pero deja espacio para la duda. Más claro no puede quedar que la devaluación de Peggy en su ambiente de trabajo está comenzando a tomar matices más subidos, y su resentimiento por ello está burbujeando muy cerca de la superficie. Valdrá la pena ver de qué forma buscará destacarse (o, alternamente, estallar como bomba) sobre la escala de valores que rige a SCDP. Al menos en este episodio, logra una pequeña victoria sobre su torturador Rizzo al demostrarle que sus posturas de “liberación sexual” (esa liberación sexual de revistas porno y desnudez gratuita) son de la boca para afuera. Es un momento en pantalla un poco chocante (sabía de la existencia de los granny panties, pero ¿granny bras?) y muy gracioso, definitivamente una de esas escenas que se quedan con uno.

Otro punto medio en los estratos de SCDP es Peter, quien decide plantarse como macho alfa por encima del recién regresado Ken Cosgrove (¿dónde está Kinsleyyyyy?). Definitivamente, ésa es una riña que nunca perderá potencia. Lo triste del caso es que mientras más se aferra Peter a su rencor contra Ken, más pierde de vista lo que debería ser su enfoque real en SCDP: refinar su trabajo y hacerse invaluable e indispensable.

La estampa del rey la ocupa Roger Sterling, a quien vemos al principio del episodio dictando sus memorias. Está atrapado en rememoración constante y en un sentimiento de gradual caducidad, algo cuyo comienzo pudimos adivinar desde su ataque cardíaco. Ahora Roger se cuestiona el valor de su función en la empresa y podemos leer en su rostro que poco a poco se está sintiendo más desechable.

Ahora bien, la verdadera tuerca que gira la rueda de la vida en este episodio es nuevamente Donald Draper. Lo vemos al principio del episodio entrevistando, en tandem con Peggy, a Danny Siegel. Al abrir su portafolio, se descubre una hilera absurda de anuncios que son todos, sin excepción, variantes de “the cure for the common cold” (“el remedio para el catarro común”). El portafolio queda coronado con la inclusión de anuncios viejos productos de Sterling Cooper, y no es hasta que Don le cuestiona a Danny acerca de éstos que Danny admite que son meramente anuncios que él admira. Es un portafolio tan patético como quien lo presenta. Danny menciona a Roger Sterling como su referencia, y luego nos enteramos de que toda esta charada se da a lugar simplemente porque Danny es primo de Jane, la esposa de Roger. Esto no evita que Roger y Don compartan una sesión de burlas a expensas de Danny. Es entonces, tan pronto Don se marcha de la oficina de Roger, que vemos un flashback sumamente interesante acerca de cómo Don y Roger se conocieron.

Don era un simple asociado de ventas en una tienda de abrigos de piel, y Roger era un cliente buscando el regalo perfecto para una dama – eventualmente descubrimos que esta dama es la propia Joan Harris: estamos presenciando el inicio de la adorable e ilícita relación entre Roger y Joan. Un afiche en la pared capta la atención de Roger, aunque no por las razones correctas (puntos extra para quien pudo reconocer a Betty como la modelo del afiche … más puntos extra para quien recuerda la historia de cómo Betty conoció a Don por su trabajo como modelo de abrigos de piel). Don ofrece sus servicios como copywriter, Roger lo rechaza tajantemente, y así comienza una hermosa relación bastante similar a lo que ocurre entre Danny y Don muchos años más tarde. Don es el underdog en este flashback: haría lo que fuera por una oportunidad de trabajo, y Roger no ve el potencial en él, está empotrado en su puesto importante con su prestigio y fama por ser parte de una gran empresa de publicidad. Eventualmente, Don termina lográndose un puesto en Sterling Cooper por medios dudosos: se lleva a Roger a beber martinis y, presuntamente, 10 tragos más adelante, tenía su oferta de trabajo. Ahora es Don quien no ve el potencial en Danny, y aunque no podemos comparar la ingeniosidad de una línea como “Why wait for a man to buy you a fur coat?” con “the cure for the common …whatever”, tampoco podemos fallar en ver el paralelo entre ambas situaciones.

Don se está convirtiendo poco a poco en el nuevo Roger Sterling: su prestigio está en la cumbre, y no hay otro lugar a dónde ir sino en descenso. Se reúne con los ejecutivos de Life Cereal tan pronto sale de la ceremonia de los Clio – visiblemente ebrio y en una nube de euforia – y procede a presentar su propuesta, la cual no es bien recibida por los ejecutivos. Don entonces hace algo que probablemente nos deja a todos fríos del terror: se sienta delante de ellos y empieza a lanzar diferentes líneas (taglines) como opción alterna. Uno detrás de otro, cada uno de los lemas es más patético que el anterior, hasta que llega a “Life: the cure for the common cereal”. Los ejecutivos de Life – un grupo de idiotas no muy imaginativos, por lo que pude apreciar – quedan encantados con esta última propuesta, y el prestigio y respeto propio de Don quedan desvencijados en el suelo. Fue triste ver la desesperación en el rostro de Don, una emoción que rara vez manifiesta, pero que se ha convertido en el motor de su vida recientemente. Rogué por que este no manejara su vida laboral también, pero aparentemente el espiral de desgracias de Don ya está completo. El plagio de una idea – y para el colmo una mala idea – acaba de lanzar por el barranco la carrera profesional de Don. El ciclo se completa cuando Danny se niega a venderle el lema o a trabajarle sin contrato (freelance). Don se ve obligado a otorgarle a Danny lo que tanto vino rogando: un lugar de trabajo en SCDP.

De más estaría analizar los amoríos en serie de Don. La tragedia de la vida de Don queda perfectamente resumida en la transición sin pausa de un viernes en la noche, cuando se acuesta con una mujer de cabello negro el viernes en la noche y se levanta el domingo en la mañana al lado de una mesera rubia (y a decir verdad, bastante fea). Cabe mencionar que, en el proceso de perder un día, termina fallando a una cita con sus hijos. No obstante, nos estamos empezando a acostumbrar a los excesos en la vida de Don, y situaciones como la descrita son de esperarse. Preocupante es sin embargo que su última conquista (la mesera rubia) lo llamara por su nombre real (Dick). Esto es lo que se puede llamar “a new low”: la máscara de Don Draper se está resquebrajando poco a poco. Cuando Don Draper toque fondo, estoy segura que quien único podrá emerger de ese desastre será Dick Whitman.

Con tanto viento huracanado en estos últimos días se me ha hecho difícil aguantarme el tema de ‘Las Canciones de Peo’.  No me refiero a las canciones que Joseph Pujol, la superestrella francesa mejor conocida como ‘Le Petomane’, pujaba por una ocarina para entretener al público del Moulin Rouge para fines del siglo 19 – esas no eran originales.  Me refiero a las canciones de artistas contemporáneos que intentan hablarnos de temas comunes como el amor y el desamor pero con metáforas de viento que son tan ofensivas como el verdadero gas.

Estoy seguro, que como muchos de nosotros al momento de ‘soltar’, los siguientes artistas fueron traicionados por la errada sospecha de que sus canciones no apestarían.  Pero como las más nocivas flatulencias con las que castigamos a familiares y amigos, cada una de estas explosivas canciones atrapa un mundo de risas potente y pasajero.

Hálame el dedo.

“Suéltalo” – Millie (2003)

Artista: Millie Corretjer
Letra: “Ven, respira hondo y suéltalo, alto y claro ya.” / “Trágate tu orgullo y tu dignidad, por más que duela.” / “Más perfume, más astucia, ningún pudor.” / “Es trabajo sucio pero no hay opción, si hace falta implora, pídele perdón. Pero ya, suéltalo.”

Peste: Tóxica // Esta no es la Millie que ante un ‘Presentimiento’ buscaba manera de zarparse uno ‘En Silencio’ (para los que no son fans de nuestra querida Millie, esos son títulos de canciones suyas).  La Millie de ‘Suéltalo’ – más madura, más atrevida – no siente pudor alguno al aconsejarnos que lo soltemos “alto y claro, ya”, una y otra vez a lo largo de la canción.  Única entre las canciones de peo, Millie nos trae un verdadero regalito con su mensaje de libertad que resulta ser toda una celebración del acto.  Aprieta el alma y suéltalo.  ¡YA!

“No, no, no” – El Sexto Sentido Reloaded (2006)

Artista: Thalia con Anthony “Romeo” Santos de Aventura
Letra: “Apunta pero no dispares. No, no, no me desampares. Lloro porque soy el culpable.”

Peste: Prende un fósforo // Thalia siempre ha sido famosa, más que por sus canciones por sus novelas y dotes de mujer – lo que le ha garantizado siempre una fanaticada estable sin importar cuan aberrante su canto.  Sin embargo, sólo hace falta escuchar esta canción una vez para darte cuenta cuan grande es el compromiso de sus seguidores.  Lo que parece ser una canción de desamor común y corriente (para aquellos que ya han sufrido del trabajo de Aventura), se convierte al final en un flatulento desafío entre la cantante y su Romeo: “Apunta pero no dispares.”  En Puerto Rico esa frase significa sólo una cosa…

“Sale directo” – Claro (2002)

Artista: Viva Nativa
Letra: “¡Lo tuyo sale directo, sale directo! ¡Sale directo, sale directo!”

Peste: Tápate la nariz // Acho, papá, qué qué.  ¿Viva Nativa intenta sonar a una banda de rock y el mejor coro que pueden escribir es “lo tuyo sale directo”?  El grupo trata de esconder el mensaje par de veces con un Talk Box de esos que Bon Jovi volvió a hacer ‘cool’ en los oídos de Alpha rockers a principios de siglo, pero no se confundan – están hablando de peos.

“Aire” – Ya viene el sol (1984)

Artista: Mecano
Letra: “Una noche de resaca, al tratar de despertar, noté que por el ombligo me empezaba a desinflar e iba pasando, que curioso al estado gaseoso.” / “Y tras la metamorfosis, me sentí mucho mejor, era un aire gris y obscuro y con bastante polución.”

Peste: Brécol hervido (Es decir, huele medio ‘funky’, pero nadie se ha tirado algo.) // Mecano, como pioneros que son, decidieron traer a la mesa una canción escrita desde el punto de vista de un gas – más bien de una persona que se vacía completa a ese estado.  ”Aire, soñé por un momento que era aire…” es el canto que te transportará a esa curiosa fantasía en donde puedes, al ser respirado, ultrajarle los pulmones a tu pareja mientras duerme.  Aunque eso está prácticamente incluido en los votos matrimoniales.

“Olor A Gas” – Vale Callampa (2002)

Artista: Café Tacuba
Letra: “No tengo hambre, voy a revisar. Hay masa en el horno y no es de pan.” / “En la cocina hay olor a gas.” / “Olor a una carne, mantel y sal.”

Peste: Perfume de rosas // Si no es por el título no incluyo esta versión del clásico de Los Tres, banda chilena a la cual Café Tacuba rinde tributo en su EP, ‘Vale Callampa’.  No sé si es porque en casa siempre hubo estufa eléctrica o qué, pero al leer ‘olor a gas’ puedo pensar sólo en un tipo.  Digamos entonces que ésta es como un ‘sonaíto’: libre de azufre y sufrimiento.

“Prrrum” – El Príncipe (2009)

Artista: Cosculluela
Letra: “Si lo pillo por la calle dice: ¡Prrrum!” / “Si lo pillo por la disco dice: ¡Prrrum!” / “Si lo pillo por el área dice: ¡Prrrum! ¡Prrrum! ¡Prrrum! ¡Prrrum!”

Peste: A mierda // Logrando escribir una canción casi tan cómica como su nombre de artista (yo espero que sus papás no le hayan puesto así), Cosculluela confiesa que no importa dónde se encuentre –  ya sea en la calle, en la disco o en el área – el tipo no se puede aguantar.

“Hold It, Don’t Drop It” – Brave (2007)

Artista: Jennifer Lopez
Letra: “You got me all open and now you are trying to leave.” / “Hold it, don’t drop it, don’t drop it. Stop it. Can’t stop it. Won’t stop it.” / “Every time I try to run, something keeps stopping me.” / “I can’t control it… ‘Cause you’re a problem. Boy, you’ve must have poisoned me.”

Peste: Letal // Otra que no se pudo aguantar.  La próxima vez que no abra la boca, mucho menos su adorado culo.

Foto: adactio via flickr

Cada dos semanas el equipo editorial de PuertoRicoIndie.com haremos un esfuerzo por ‘reunirnos’ (gracias a la magia de la Internet) para discutir un tema en particular a través del cual puedan compartir sus experiencias, preferencias y sugerencias musicales con nuestros lectores – y que ustedes, en cambio, compartan las suyas a través de la sección de comentarios.  Además de ser un buen ejercicio de escritura para todos, este compartir posiblemente nos sirva para descubrir canciones y obtener nuevas perspectivas sobre artistas que quizás no hayamos considerado anteriormente.

En esta edición de La Mesa Redonda, nuestro panel explora el concepto de los ‘covers’ – en particular aquellas interpretaciones en español en donde el artista o agrupación logra convertir la canción de otro compositor en una versión propia y esencial. Mucho más que un simple tributo al intérprete original, estos ‘covers’ añaden nuevas dimensiones a las melodías, a veces hasta superando esos primeros esfuerzos. Los mejores ‘covers’ son divertidos e interesantes ya que nos ofrecen nuevos puntos de entrada tanto a la canción original como a ambos artistas.  En fin, se pueden interpretar como espejos que dentro de su marco particular ofrecen un reflejo del artista, a veces fiel, a veces distorsionado.

Como bien dice @reed_rothchild:

Las combinaciones son innumerables: una canción buena puede convertirse en excelente, una canción mala puede convertirse en buena, una excelente puede bajar al nivel de caca. Bienvenidos al mundo de los ‘covers’.

Andrés Calamaro – Voy a perder la cabeza por tu amor

Original de Manuel Alejandro (compositor) y Julio Iglesias (intérprete)

@reed_rothchild (Escritor, PuertoRicoIndie.com)

“Voy a perder la cabeza por tu amor” es de esas canciones que uno conoce porque la escuchó hace muchos años atrás, en su niñez, y aún la lleva escondida en algun recoveco de su memoria. Quizás la escuchaste en Noche de Gala, o tu mamá tenía el disco, o la repetían mucho por Fidelity 95.7. El punto es que la llevas contigo sin reconocer el hecho y en el momento menos esperado te la encuentras de nuevo.

Escrita por el compositor español Manuel Alejandro, la canción fue originalmente grabada por el papá de Enrique Iglesias y se convirtió en un éxito tan grande que también hizo una versión en francés. Luego vino la versión más conocida y la que yo recuerdo de mi infancia, la del legendario astro venezolano José Luis Rodríguez, el Puma.

Pero no fue hasta que escuché el disco El Cantante de Andrés Calamaro que me volvió todo el recuerdo de aquella melodía.  El Cantante es un álbum mayormente de covers que se nutre de música latinoamericana de décadas pasadas (ademas de “Voy A Perder…” hay una buena versión de “La Distancia” de otro gran astro, Roberto Carlos). Lo grande del cover de Calamaro es que toma una canción que algunos pueden pensar es cursi o charra y la transforma con tan solo su voz carraspera. Con todo y la transposición de unas palabras (‘yo no soy la ola que golpea la roca’ en lugar de ‘yo no soy la roca que golpea la ola’), la letra de la canción sigue siendo la fortaleza de la misma, evocando la angustia de no tener lo que se quiere y anhelando momentos más simples.

Además de la de Calamaro, hay otras dos versiones que valen la pena escuchar: esta de Enrique Bunbury y esta joya de un programa miamense llamado Noche de Estrellas. Disfruten!

Molotov – Agüela

Original de Wilfred y la Ganga

@redod (Editor, PuertoRicoIndie.com)

Existen ‘covers’ y existen COVERS.  Molotov, una banda bombástica que suena mejor aún cuando le meten el diente a composiciones de otros artistas (¿No me creen? Escuchen “Rap, Soda y Bohemia”, el mejor ‘cover’ de una canción de Queen), lanzó en el 2004 el disco Con Todo Respeto, lleno de este tipo de versiones.

Entre versiones de los Misfits, Beastie Boys y hasta de Falco (su “Amadeus” se convierte en “Amateur”), se destaca una canción titulada “Agüela”.  Por dónde comenzar…  La canción es un ‘cover’ de “La Abuela”, el éxito mayor de Wilfred y la Ganga, agrupación del conocido actor puertorriqueño Wilfred Morales (sí, lo conocen… como Cholón).   En 1989 Wilfred y la Ganga pusieron a Rubén DJ a sudar al lanzar esta supuesta parodia del emergente rap puertorriqueño.  Molotov le son fieles a los versos de la canción original – con todo y ‘ejtijeras’ – pero fusionan la base musical con “The Magnificent Seven” de The Clash y explotan en los coros con una versión de “Bust A Move” de Young MC.

Ambas intervenciones o injertos musicales muestran el genio demente de Molotov.  ”The Magnificent Seven” de la legendaria banda de punk inglesa, The Clash, debe su inspiración a los grupos de la ‘vieja escuela’ del hip-hop en New York (Sugar Hill Gang, Grandmaster Flash & The Furious Five) y es reconocida como la primera canción de ‘white rap’ (posible inspiración para Vanilla Ice).  También inglés (aunque criado en los Estados Unidos) es el Young MC, quien pegó con “Bust A Move” en el 1989, el mismo año que Wilfred y la Ganga con “Mi Abuela”.  Las partes están conectadas hasta con Molotov, quienes siguiendo los pasos de The Clash, trabajan como grupo un sonido híbrido entre funk, rock, punk y hip-hop, y componen (algunas) canciones de contenido político y social.

¿Cómo llegó Wilfred y la Ganga a los oídos de los integrantes de Molotov?  Esa es la primera pregunta que le haremos al grupo si alguna vez logramos entrevistarlos para este site.

Bomba Estereo – Ponte Bomb (Pump Up The Jam)

Original de Technotronic

@pulgui (Escritor, PuertoRicoIndie.com)

Consideré el tema de “Traeme la noche” interpretado por Gustavo Cerati y Andy Summers ya que es una de mis canciones favoritas y no sólo es una perfecta melodía harmónica, sino que sobrepasa lo que la original transmitiera en su mensaje.

Aunque pienso que Cerati y Café Tacuba (con “Ojalá que llueve café”) estarán por siempre al tope de mi lista de ‘covers’ favoritos, no puedo dejar pasar esta oportunidad para presentarles el tema de “Ponte Bomb (Pump Up The Jam)” interpretado por la versátil y explosiva banda Bomba Estereo. Uno de los mejores actos en salir de Colombia en los últimos años, Bomba Estereo ha trascendido en la escena con su apasionada mezcla de ritmos y efervescencia musical latina. Grabada como parte de una campaña pubicitaria de Levis, Bomba Estereo inyecta el sabor latino en en el clásico de música house “Pump Up The Jam” de Technotronic. “Ponte Bomb” me traslada a una época donde todo era una poco más simple… donde substituir disparates al “cantar” en inglés la canción pegá era la norma. Bailen, disfruten y finalmente griten: ¡Agua – qué tengo sed!

Superaquello – Porque te vas

Original de José Luis Perales

@Sire_Damiano (Escritor, PuertoRicoIndie.com)

Siempre he encontrado interesante el hecho de que otros artistas le rindan tributos a quienes son de alguna manera u otras sus influencias. Y suele pasar que muchas veces en estos tributos a la obra maestra de un artista puede ser tanto que un intento fallido al igual que pueden sobrepasar las expectativas añadiendo nuevos elementos. Los “covers” siempre han sido de mi agrado y más cuando el artista no busca hacerlo de la manera que esta hecha si no darle su toque. Es por esto que cuando Los Niños Estelares hacen un cover de el intro de “Pokemón” – específicamente en español- se merecen que se les acompañe en un “sing-along” bien efusivo.

La jornada de búsqueda fue dura ya que de “covers” reinterpretados por artistas en español no sabía mucho y hasta pensé: “Fíjate, Tito el Bambino le hizo un cover a Yolandita Monge… Nah”. Cuando primera vez escuché “Porque te vas” – originalmente de José Luis Perales – interpretada en vivo por Superaquello me pregunté de quién era. Esta versión de “Porqué te vas” es acompañada de la hermosa voz de Patricia y los acompañamientos corales de Eduardo, de Superaquello, para darle su distinción. La melodía de esta canción hace que muevas tu cuerpo aunque te encuentres en la interrogante: ¿Por qué te vas?. Por eso este cover es un buen tributo y Superaquello no tuvo que salir de su identidad como agrupación al rendirle un gran tributo a este cantante español.

Enrique Bunbury – Réquiem para un cabrón

Original de Serge Gainsbourg

@eldifusor (Productor General, Frecuencias Alternas)

Aquellos que escuchan “Requiem pour un con” por primera vez, sin saber su contexto, adivinan que debe ser algún artista francés contemporáneo enamorado del trip-hop. Siempre es interesante ver su cara de asombro al saber que esta canción se escucho por primera vez en 1968 y esta a cargo del icono francés Serge Gainsbourg.

Más interesante aun es verlos reaccionar a una versión de la canción, “Requiém para un cabrón” a cargo del aragonés Enrique Bunbury. Para muchos hay sólo dos tipos de versiones (covers). Las que respetan la original y las que se atreven a transgredirlas planteando nuevos sonidos. Yo suelo preferir la segunda a la primera. Sin embargo, existe a mi entender un tercer tipo de versión, aquella que mantiene el espíritu y la sonoridad de la original pero logra añadir elementos que le dan un toque especial que coquetea con la transgresión.

Bunbury toma la canción de Serge y se apropia de ella creando una letra que está cerca a la intención original pero se convierte en otra cosa. Es un ataque explícito, directo. Toma el hipnotizante y brillante loop de batería y lo adereza con una tenue sección de viento, violines, una guitarra eléctrica y efectos electrónicos que la hacen pasar como una canción propia. La versión es simplemente deliciosa y es imposible no dejarse llevar por este tributo que incita a dedicarla fácilmente a todos los pobres cabrones que uno se encuentra todos los días.

Gustavo Cerati – Los libros de la buena memoria

Original de Luis Alberto Spinetta

@PurpleMixTape (Escritora, PuertoRicoIndie.com)

Cuando escuchamos el nombre de Gustavo Cerati, pensamos en rock, guitarras y sonidos electrónicos. Sin embargo, en el cover de “Los libros de la buena memoria”, original de Luis Alberto Spinetta, conocemos otro lado de Cerati como intérprete al quedar despojado de su “traje” de rock star.

La versión original de esta canción tiene un buen “feel” de jazz mezclado con los sonidos del acordeón. A pesar de esto, el arreglo original muestra cierta timidez al compararlo con el nuevo, en donde se incorpora acertadamente el piano y se refuerza toda la instrumentación, los cuales contribuyen enormemente a la ambientación del tema. Esto se complementa con la impecable y hermosa interpretación de Cerati, en donde escuchamos una voz cargada de emoción y sentimiento. Aquí, él lleva a otra dirección el acostumbrado “feeling” con el que interpreta sus propias canciones. Éste se transforma en un “feeling” estilo piano bar. Cerati canta cada palabra de tal forma que lleva al oyente a vivirse la canción junto a él. Incluso, uno llega a imaginarse a Gus cantándola junto a un piano de cola en algún bar en plena noche de bohemia.

Me atrevo a decir que esta versión supera la original de Spinetta (quien no podemos olvidar que es otra leyenda en el escenario musical argentino) al llevarla a otra dimensión y a su máximo potencial, lo cual es muy difícil de lograr en un cover. Bravo para Cerati y a todos los involucrados en la producción de este tema.

@dianadhevi comparte con PuertoRicoIndie.com sus pensamientos sobre lo acontecido en la cuarta temporada de la excelente serie de AMC sobre una agencia de publicidad en los 1960′s, Mad Men, semana tras semana.  Comparte tu opinión acerca del episodio (y la serie en general) abajo en los comentarios y contribuye a la discusión.

Mad Men Season 04 Ep 05: The Chrysanthemum and the Sword

¿Quién odia a Betty Draper-Francis? Levanten la mano, no sean tímidos …

…me alegra no estar tan sola.  Al empezar esta serie, yo genuinamente deseaba que el personaje de Betty me agradara, incluso llegué a gritar par de “¡hurras!” por ella en el episodio “Shoot” de la primera temporada; para refrescarles la memoria: el vecino, un criador de palomas, amenaza al perro de los Drapers cuando éste ataca a una de sus aves.  Al final de este episodio, Betty Draper, cigarrillo en boca y vestida con una adorable batita rosada, saca una escopeta de perdigones y comienza a eliminar una a una las palomas del molestoso vecino.  En ese momento, Betty fue el epítome de una dama bad-ass.

El proceso del divorcio y subsiguiente matrimonio, sin embargo, ha lanzado a este personaje en un descenso en espiral que hace eco al propio Don Draper.  Ya Betty no sirve para relacionarse con sus hijos sino mediante regaños y agresiones físicas.  Podíamos adivinar que este sería el resultado cuando, al final de la última temporada, ella recoge sus cosas y se marcha con Henry Francis y el nuevo bebé a Reno, dejando atrás a Sally y a Bobby con Carla, la criada.  No tuvo ningún reparo en abandonar a los mayores a pasar una Navidad solos, en medio de los escombros de un matrimonio quebrado: lo que le importaba era terminar de resolver las legalidades para volver a casarse y, hasta cierto punto, su nuevo bebé.

Lo que hemos visto de Betty hasta ahora en esta 4ta temporada ha sido una madre mucho más severa, agresiva e inestable.  No tolera ningún tipo de desafío por parte de sus hijos, especialmente de Sally, quien ha sufrido más el divorcio y la ausencia de su padre.  Es por eso que, cuando Sally regresa de una visita a casa de Don con un nuevo auto-recorte, la mano de Betty vuela rauda y veloz, sin un segundo de diferencia, a plantarle una bofetada a su hija de 10 años.  Estoy segura que en ese momento fuimos muchos los que hubiéramos querido cruzar la frontera del televisor para partirle el brazo a esa mujer.

Cada vez es más manifiesta la inestabilidad de Sally con su situación actual, y no es para menos: va a visitar a su padre y resulta que el descarado de Don tiene planes previos – una cita con Bethany, la odiosa copia tonta de Betty que nos presentaron en el 1er capítulo de esta temporada.  No me extraña que a Sally no le agrade ni cinco, empezando con el nombre y terminando con el hecho de que su padre no pudo siquiera separar un espacio de tiempo para invertir con sus hijos.  Bobby y Sally quedan al cuido de Phoebe (la vecina enfermera de Don), y no hace la pobre mujer más que descuidarse un segundo para que Sally regrese del baño con su cabellera tijereteada.  El espanto no es para menos, pero las reacciones van en escalada: Phoebe se espanta y se preocupa (especialmente con el despliegue de Sally de dudas y conocimientos mal habidos acerca de la sexualidad), Don se preocupa al punto de despedir a Phoebe de su rol de nana, y finalmente Betty le cruza la cara de dedos a la pobre Sally.

El personaje de Henry Francis gana mayor dimensión en este momento: aconseja a Betty y la tranquiliza, se convierte en el abogado de la razón, y logra convencerla de que le levante el castigo (propinado por encima de los golpes) y la deje ir a un sleepover en casa de su amiguita Laura.  Ya una vez en casa de su amiguita, Sally aparentemente se siente más cómoda: con su amiguita dormida a un lado, ve televisión y eventualmente termina masturbándose (una escena muy bien trabajada, considerando la edad de la actriz).  La madre de Laura la sorprende en medio del acto y la lleva de inmediato a su casa.  Tras una explicación furtiva y disculpas mutuas entre madres, Betty llega hasta donde su hija y la amenaza con cortarle los dedos.  El veredicto: debe asistir a un psiquiatra.

Acerca del tema de la masturbación infantil, hay tela de donde cortar, como también del tema de la masturbación según vista en los años 60 – o incluso ahora: es un tema que no ha perdido su halo de tabú, de “indebido”.  No obstante, es de notar que las reacciones ante el incidente por parte de Henry y de Don son mucho más sosegadas que la reacción de Betty.  Sus issues definitivamente abarcan desde su valía como mujer hasta las más básicas funciones sexuales.  Ante todo el incidente, lo único que puede pensar es cómo las acciones de su hija la mortifican a ella.  Afortunadamente, es un punto que trae a la mesa durante la conversación con la psiquiatra pediátrica que ha escogido para atender a Sally: la doctora la mira con un gesto que probablemente refleja el pensar de muchos de nosotros.  Betty Draper-Francis está loooocaaaaa.

De regreso a Sterling Cooper Draper Pryce, la preocupación más reciente es una nueva cuenta que Pete quiere traer al portafolio: Honda.  En la reunión preliminar antes de acordar el contacto con el prospectivo cliente, Roger saca a pasear un detalle de su personaje que solemos pasar por alto: él es un veterano de la segunda guerra mundial y por puro patriotismo entrenado odia a los japoneses de modo intransigente.  Está completamente en contra de un negocio con Honda, y lo hace ver tan claro que sus colegas determinan que se le mantendrá a él fuera de las negociaciones.

Lo que sigue es una serie de momentos interesantes (y a la vez un poco chistosos) en los cuales podemos ver al personal de SCDP descosiéndose por atender bien a los japoneses que los visitan.  Las diferencias culturales tal vez hoy día no se vean tan infranqueables, pero en los 60 se estaban dando los primeros pasos hacia la “globalización”.  Los ejecutivos de Honda determinan que le otorgarán $3000 a cada compañía que entre en competencia para presentar sus propuestas para la nueva campaña de Honda. Una de las reglas: “No finished products”.  La reunión termina en una nota ácida gracias a la aparición repentina de Roger, quien con lengua viperina logra envenenar la buena fe dentro del negocio.  Una posterior confrontación entre él y Pete trasluce el miedo de Roger a eventualmente resultar obsoleto para la compañía.

Al ruedo entra CGC, empresa rival de SCDP encabezada por Ted Chaough, quien públicamente se canta “el nuevo Don Draper”.  Don conoce acerca de lo que ha estado diciendo Ted a los medios y decide utilizarlo a su favor.  Optan por fingir que están creando un comercial completo y acabado para Honda, y así disimuladamente lograr que los ejecutivos de CGC les sigan los pasos.  La ejecución del plan en pantalla es sumamente entretenida, y por poco logran venderme una motorita Honda (no creo que necesiten un comercial más complicado que simplemente la figura de Peggy Olson montada en su motorita roja dando vueltas dentro de un gigante espacio en blanco).  Sin mayores esfuerzos, logran su cometido: CGC utiliza sus $3000 (junto a otro dinero adicional de sus bolsillos) para hacer un comercial completo para Honda – la descripción del comercial, cortesía de Cheough, a lo mejor se pudo haber considerado visionaria en los 60, pero hoy sería “más de lo mismo”.

En la reunión decisiva, Don se cruza con Ted frente a la puerta y éste se vanagloria del producto que ha presentado, cantando su victoria prematuramente.  Don entra, escribe un cheque por $3000 y se lo devuelve a los ejecutivos de Honda.  Su momento glorioso: “You did not honor your own rules,” le dice a los ejecutivos de Honda.  Al saber que el honor es de mucha mayor valía que el dinero para la cultura japonesa, Don Draper se ha asegurado de una posición mucho más prestigiosa que la de sus competidores ante la estima de los ejecutivos de Honda.

Alguien hizo bien sus asignaciones y se leyó “The Chrysanthemum and the Sword”.  Espero que, a pesar de su debacle personal, nos sigan regalando joyitas de Don Draper como ésta.

A big part of Viernes’s appeal seems to spring out of a successful pairing of opposite traits.  Warm, shimmering sound is married to wistful vocals; propulsive beats are covered in blankets of fuzz; digital sequencing leads into virtuosic playing, and so on.  The band’s debut album – Sinister Devices – came out back in June on esteemed indie label Kanine Records (Grizzly Bear, Surfer Blood), and we’ve been playing our copy pretty much nonstop since.  The album was well received by the music press, which means we can expect to hear more from the experimental duo of Alberto Hernández and Sean Moore soon (there’s already an EP on the way).

Alberto was gracious enough to answer some of our questions about the record via email:

PRI: Congratulations on the record’s release and the well-deserved review in Pitchfork (we know how influential the website can be – in fact, that’s where we first heard of Viernes).  It must feel great to finally hold a vinyl copy of Sinister Devices in your hands.  When you started the project over two years ago, did you envision it taking off as it has?

Alberto Hernández: Thanks so much. We definitely are excited about the record and the overall positive response it has received. When we started the project, we only had intentions of recording some off-the-cuff experimental music after our workweeks each Friday, not really to form a band or play shows, so everything since then has been a cherry on top. Receiving the first copies of the our lovely gatefold vinyl at my doorstep was one of the most exciting moments for me in recent memory. You nailed it, holding the LP in our hands feels really great. It’s like a physical sense of accomplishment, having your music pressed on vinyl and knowing it has been released around the world.

PRI: You recently played some live shows in Florida and New York City. How did it go? Is the album transferring nicely to the live setting?

Alberto: NYC was a lot of fun, we have some great friends up there and made some new ones. Our label Kanine is based out of Williamsburg, Brooklyn and the owners were at every show. We were only there for 4 days, and in 3 of those days we played like 5 or 6 shows. It was pretty hectic. But as a new band with only a handful of shows together under our belts, it was good for us to throw ourselves into something like that before we do CMJ or SXSW. Our favorite show was probably at Cameo Gallery in Williamsburg for the Northside Festival. That one was for our label’s showcase. The shows are getting better and better, I think. We just recently added a drummer to the live show and it’s been really neat because we’ve eliminated the laptop and sort of stripped away some layers and tried to only keep what is essential to the songs. But the energy is still there.

PRI: People who’ve yet to listen to Sinister Devices and read about online first will probably find comparisons to Grizzly Bear (in the beautiful, ethereal vocal melodies and chants) and My Bloody Valentine (in the shoegaze-y fuzz of its guitars), but a lot more seems to be going on here on these tracks. Album opener “Glass Windows”, for example, makes me think about Bjork’s music and some of Mike Patton’s experimental work, while “Ancient Amazon/New Fashion” reminds me of The Dust Brother’s work on the Fight Club soundtrack.  Where you looking to capture any specific sounds going into your collaborative work in Viernes?

Alberto: It’s nice to hear those new comparisons. The Grizzly Bear and My Bloody Valentine comparisons were sort of the first things that popped up when we first started getting press, and I think people just jumped on that by default. Grizzly Bear is understandable, with the harmonies and quiet/loud/quiet asthetic we share. Songs like Glacial Change of Pace and Faulty Investments have similar baroque movements. Not to mention they started out on the same label as us, Kanine.
But I don’t think we were looking to capture anything specific because as you can tell, the record is all over the place and the whole point for us was to not put limitations on what we could do. I think the one thing we kept in most of the songs was the freedom to experiment. But we did want the songs to fit together cohesively as an album, start to finish, and we definitely had that in mind along the way.

PRI: When you started making the album you were both playing in other projects. Is that still the case or has Viernes become your main musical outlet?

Alberto: We both still play in other side projects, although Viernes has been the main priority as of late for both of us. Right now we are finishing up an EP we are very excited about, which we will release late this year or early next year on Kanine as well. As for our other projects, we both have some releases coming up. I have my solo stuff I just started working on under the moniker Galleries, a more indie rock thing called Young Brother-we just finished our first EP we’ll put out soon, and a project with a friend of mine that just relocated to NYC called Father Figure, which we just tracked a few songs for a 7″. Sean has his 4th full-length solo record coming out soon, and a full length with a jazz/yacht rock project he does called Estate Sale Boat. We try to stay pretty busy.

PRI: My favorite moment in the album occurs midway through “Glacial Change of Pace” as pounding drums give way to the line “respect is our currency.”  It’s a beautiful moment that suggests confidence and conviction without loosing its warmth.  Can you talk a little about the sentiment or ideas behind that particular lyric?  What are some of your favorite moments during the album?

Alberto: That is one of my favorite moments on the album as well! The lyrics at the beginning of that song are very political. We wrote it around 2008, when the election was going on, one we felt was very important. As you know the economy was in shambles, the country was divided, and in a time when everyone was fixated with money, we saw the possibility of a slow (glacial), but positive change happening. We both wanted to encapsulate the idea of people forgetting about money for a bit and paying others with something very simple: Respect. Not to mention, a major thing we seek ourselves as artists first and foremost, is the respect of others we hold in high regard.

Another favorite moment of mine was on the 2nd interlude, “Liquid Tunnel”. At that point, we were done recording most of the album and could communicate musically without any premeditation whatsoever. The wordless vocal harmonies on that track were done one evening, on the first take, with one mic in the middle of the room, not even looking at each other, completely improvised. I feel like those happy accidents are my favorite moments on the record.

PRI: “Enhance Pendulum Channel” suggests (to me at least) the crystalized remembrance of our personal past, echoing with tinges of our Sci-Fi futures.  Are you big fans of Sci-Fi?  What film (either made or imagined) would Sinister Devices provide the perfect soundtrack to?

Alberto: I can’t say that we are both big Sci-Fi fans, however we were both completely blown away by that Sci-Fi movie Moon. David Bowie’s son Duncan Jones made his directorial debut on that film. It was so fucking good. That soundtrack also ruled. I don’t think we could top it. But we’d love to score another sci-fi movie of his, or any movie for that matter. People often say our music sounds like music for soundtracks and movies.

PRI: The album cover fits perfectly with the songs you’ve come up with for Sinister Devices.  It’s also what initially pulled me towards the band when I saw it online.  How did it come about?  Were you familiar with the image before or during the process of composing the songs or did it come later in the process?

Alberto: It came after the album was finished. We had a few different ideas we tossed around with our friend and designer Charles Bergquist. He also directed the video for “Liquid Tunnel“, as well as creating visuals/projections for our live show. But as soon as we both saw that cover out of several he threw at us, we all agreed it fit perfectly. He took that photo during a really nasty storm in Washington and it is actually inverted so that it looks like you are looking down. (Fun Fact)

PRI: Often successful debuts encapsulate a band’s sound in such a way that it becomes much like a curse for those musicians when trying to expand their sonic palettes (re: The Strokes, famously).  Sinister Devices, however, seems to exist at the opposite end of the spectrum in that the ‘Viernes’s sound’ is hard to pin down.  One of the nicest surprises in your record is that it suggests many different paths for your future musical explorations.  Have you begun thinking about what album #2 might sound like? Any particular ground you would like to explore that you felt was not as represented in the record but is essential to Viernes or something you might want to expand on further?

Alberto: We are finishing a followup EP which is really cool, I think people are going to like it a lot. It’s material we worked on at the same time as the Sinister Devices sessions, but these were songs that felt like they belonged in a separate “family”. And we started demoing material for the next full-length recently. We may be adding our live drummer into the recording process too, we’ll see.

We actually have one new demo called “Coquis” that you can check out on our Myspace. It actually features some analog drum machine and some Coquí frogs I sampled in Puerto Rico earlier this year from my late grandfather’s bedroom window. I just recorded them with my iPhone, right before he passed away. I flew down to help my father take care of him while he was in hospice with a very short and aggressive battle with cancer. As you know, the Coquí has such a unique sound, and being that my family is from Puerto Rico, it was neat to tie it all together in a song. They chirp in a rhythm that totally fit the beat Sean sequenced, and I put it in the middle of the song. Where I placed the samples in the track, the Coquís sort of represent the idea that even after he passed, they will continue to chirp in his courtyard, and that life continues on. The song isn’t done yet, we’ll probably take it down soon, so check it out now in it’s demo form while you can.

PRI: On your interview with REAX Magazine a few months ago, you mention that the song “Regressive Soul Pollution” includes a Puerto Rican cuatro in its layers of sound. Its very nice to see an instrument that is associated with such distinct music used within the context of an experimental – lets say ‘rock’ – group (Balún, a local indie band that relocated to New York City is also known to incorporate the Puerto Rican cuatro into their music in non-traditional ways). Did any other particular Puerto Rican or Latin influences seep into the record?

Alberto: As I mentioned, the new stuff will feature coquís! I think on this record though, that was probably the only Puerto Rican/Latin influence, other than taking our name from the Spanish word for Friday. We did use a bossa nova analog drum machine beat for “Ancient Amazon/New Fashion” but really, the cuatro was only used for “Regressive”. I loved the idea of having a unique sound, I’ll probably use it again in the future, especially now that I have more pedals to run it through.

PRI: Do you visit the island often?  Has Sean been to Puerto Rico? How about taking a trip soon and playing Sinister Devices live in front of the ocean, perhaps somewhere along here?

Alberto: We would love to!! I visited 3 times since December and I try to visit as much as I can. I have plenty of family that live there. And one of my cousins, Marise, is an actress there. She had roles in a few films shot there on the island, Maldeamores and Che which Benicio Del Toro produced. Sean has never been, but he and his fiance would really like to go visit with us next time we go. I say we stay in touch with you, and we will make it happen next time we are there!

PRI: Definitely! Let’s make it happen! Thanks for taking the time from your busy schedule to answer our questions and we wish you and Sean both the best with your musical endeavors.

———————————————————–

Purchase: via iTunes :: via Insound (LP/CD) :: via Amazon :: mp3 (Only $7.99)

More Information/Links:

Myspace :: Facebook :: Twitter

Download “Entire Empire” via Pitchfork.com

Download “Honest Parade” via Fader

Download Viernes “Swimmer’s Ear (Golden Ages Remix)” via xlr8r.com

Pitchfork reviews Sinister Devices

@dianadhevi comparte con PuertoRicoIndie.com sus pensamientos sobre lo acontecido en la cuarta temporada de la excelente serie de AMC sobre una agencia de publicidad en los 1960′s, Mad Men, semana tras semana.  Comparte tu opinión acerca del episodio (y la serie en general) abajo en los comentarios y contribuye a la discusión.

Mad Men Season 04 Ep 04: The Rejected

Al término de este episodio, lo primero que dije fue: “Siento que me acaban de regalar un pedacito de arte.” Lo que no me esperaba es que el director del mismo fuese nada más y nada menos que el propio vehículo de Roger Sterling: John Slattery. Este episodio ha sido su único trabajo hasta el momento como director y estoy segura que no será el último.  Albricias al Sr. Slattery por traernos un episodio con un ritmo tan exacto en cadencia y con un hermoso cierre que ha dejado a esta servidora con un poquito de ganas de llorar.

Comenzamos el episodio con una toma cercana a la cara de Don Draper encendiendo un nuevo cigarrillo con el que se ha acabado de fumar.  Chain-smoking: otro eslabón más en la perdición de Don Draper.  En la misma escena se pregunta con exasperación por qué su botella de licor está vacía (Allison no pierde tiempo en contestarle que él mismo se la ha tomado).  Podríamos excusar su afán por atontarse un poco con la llamada que está en progreso en ese momento: un conference call al estilo de los 60, cruzado en cables y líneas unidireccionales.  El que les está haciendo la vida imposible a Don y a Roger en el momento es Lee Garner Jr.  El gobierno continúa poniéndole trabas a la industria tabacalera y, obviamente, va trancando también muchas posibilidades en el área de su publicidad.  Fue muy gracioso oír a Roger Sterling y Don Draper sugerir el bowling como un deporte: recuerdo que hasta los otros días, antes de erradicarse por completo los anuncios de cigarrillos, el bowling era un elemento visual muy utilizado por esta industria.

Los comandantes de Sterling Cooper Draper Pryce demuestran su apreciación por Pete Campbell al asignarle una desagradable tarea: debe anunciarle a su propio suegro que SCDP ha de abandonar la cuenta de Clearasil (la cual Pete trajo con mucho trabajo de rodillas de su parte hace algunas temporadas).  Clearasil está en conflicto directo con Pond’s (aún no entiendo cómo: pimple cream, cold cream… no es lo mismo), y Pond’s trae mucho más dinero a la mesa que Clearasil.  Pete se dispone a soltarle las noticias a su suegro cuando el señor le arrebata su momentum con una noticia aún más grande: Pete va a ser papá.  Su alegría es honesta y absoluta, y no es para menos: Pete y Trudy llevan un largo tiempo intentando ser padres, y pudimos ver cómo la noticia de que Peggy había logrado engendrar su hijo para luego darlo en adopción afectó grandemente a Pete.  Podemos finalmente ver a un Pete Campbell que – de haberse sentido atrapado unas horas antes, buscando comfort hasta en las columnas mal ubicadas de su oficina – ahora se siente completo como parte de la sociedad a la que tanto ha aspirado pertenecer.  Ahora está jugando en las ligas mayores.  Una posterior reunión de camaradería con Ken Cosgrove – yo en lo personal no lo extraño mucho en la serie, ¡tráiganme a Kinsley! – terminó de armar a Pete con la confianza para hacer lo que nunca lo habíamos visto hacer antes: lograr un negocio significativo sin tener que recurrir a la súplica.  No sólo retiene la cuenta de Clearasil, sino que se queda también con el resto del negocio que su suegro maneja.  Go, Pete!

Por otro lado, Allison ha sido atrapada junto a un escogido de las empleadas más jóvenes, rozagantes y solteras de SCDP en un salón junto a la Dra. Faye Miller.  El propósito es determinar cómo se relacionan las jóvenes a sus hábitos de belleza.  Fue un poco desalentador encontrar que la conversación tomó un rápido giro descendiente hacia el valle de las lágrimas por el rechazo masculino.  Allison se levanta de la mesa en llanto y sale a refugiarse en la oficina de Don Draper.  El panorama completo parecía una burbuja de los años 50 colocado en el medio de una oficina de New York City.  Reconsiderando posteriormente, se me ocurre que el resultado obtenido por la Dra. Miller – entiéndase, que las chicas asocian sus rutinas de belleza directamente con la aprobación de los hombres – hubiese sido muy distinto de haber incluído mujeres más maduras y/o casadas en su sondeo.  Tal como fue, con lo que la doctora contó fue con un gallinero de hormonas e inseguridades para representar un demográfico que seguramente es mucho más amplio y variado.  Don Draper parece haber sido de la misma opinión ya que inmediatamente rechazó la propuesta de adoptar la línea de que aquello que las chicas buscan por medio de la belleza es el matrimonio.  Puede que le vaya mal en su vida personal, pero parece ser que Don está captando lo que se está hirviendo en la coladera del underground.

Peggy va tras de Allison para consolarla y falla miserablemente.  Allison presume que Peggy también ha sido parte de las conquistas de Don y así mismo se lo expresa.  La pared de frialdad que levanta Peggy al momento es un fracaso total a la hora de consolar a Allison, pero también nos percatamos de que el agravio que sufrió con Pete Campbell no lo ha superado fácilmente.  Más adelante lo confirmamos cuando se niega a firmar una tarjeta de felicitaciones para Pete y Trudy por su nuevo retoño.  Claro está, uno no puede ni empezar a imaginarse la complejidad de sentimientos que deben estar pasando en Peggy: ella también tuvo un hijo (no reconocido) con Pete pero, como fue concebido ilegítimamente, el trato al evento fue uno muy distinto.  Supongo que hay un poco de dignidad herida, un poco de tristeza.

Allison termina confrontando finalmente a Don y admite que ella no puede continuar laborando junto a él.  Ante la pregunta de una carta de recomendación, Don comete una de las faltas de tacto más crasas que se le han visto: le propone que ella misma escriba la carta y que él firmaría lo que fuese.  Esta vez es la dignidad de Allison la que queda herida: Don Draper no sólo ha evadido por completo el hecho de que se acostó con ella, sino que ni siquiera se puede tomar la molestia, el tiempo y el trabajo de escribirle una carta de recomendación.  Ella termina lanzando un adorno de metal hacia la dirección general de Don, y así mismo de blandengue le propina sus últimas palabras: “You are not a good person!”  Ouch, Allison, buuur- No, eso estuvo débil.  No me apena verla partir, creo que la línea que pudo haber seguido la relación entre Don y Allison estaba rancia desde el principio.  Además, su sustituta, la Señora Blankenship, promete ser un personaje mil veces más fascinante que lo que Allison pudo ser.

El episodio también enfoca más profundamente en Peggy al ella convertirse en el interés casual y pasajero de Joyce, una editora de Life magazine.  Un encuentro breve en el elevador me dejó preguntándome si había entendido bien (“¿Eso fue un coqueteo?”) y luego, con cada aparición de Joyce, pude confirmar que, efectivamente, Peggy se acaba de conseguir una nueva amiga que probablemente le cambiará su perspectiva de vida.  No creo que Peggy vaya a incurrir en actividades homosexuales – ¡aunque eso sería un éxito! – pero las amistades que aparentemente estará frecuentando ahora son parte de la vanguardia revolucionaria: rebeldes, mafuteros, beatniks…  El contraste que crea este nuevo grupo social con su entorno profesional no puede quedar mejor ilustrado que al final del episodio: ella se encuentra con sus nuevas amistades a la entrada de las oficinas de SCDP mientras que, al otro lado de las puertas de cristal, Pete Campbell está reunido con un grupo de ejecutivos de los nuevos negocios que ha traído a la empresa.  Pete y Peggy se miran y, aparte de la triste ternura que se trasluce en esa mirada, también se devela el contraste simbólico: Pete es parte de la sociedad patriarcal, los valores convencionales y conservadores, lo “viejo”; Peggy, por otro lado, se está convirtiendo en parte de una corriente subterránea que está pujando por salir a la superficie y tomar el mundo como su rehén, representa la frescura, valores flexibles y livianos, la confianza en el individuo.  Cada uno ha escogido su lugar en la sociedad en puntos diametralmente opuestos, pero todavía pueden compartir ese único y tierno secreto de lo que no pudo ser.

Foto: Sara. Nel via flickr.com

Fecha de publicación original: 11 de agosto de 2010

Revista En Punto, El Nuevo Día

El comienzo del año escolar está plagado de gastos. Entre matrículas y libros, mochilas y materiales, computadoras y ropa… es más fácil acabar endeudado que colgarse en una clase sin estudiar. Mientras que el costo de un crédito no muestra piedad alguna al aumentar con el pasar de los años, la tendencia en el mundo de la tecnología es afortunadamente la opuesta. Gracias a ésta el estudiante moderno tiene a su alcance una variedad de productos y servicios de bajo costo (y muchas veces gratuitos) que ayudan a facilitar su vida estudiantil.

Claro está, la barrera de entrada a estos puede representar un gasto significativo aún: es necesario algún aparato electrónico y una conexión persistente a la Internet para poder aprovecharlos al máximo. Pero gracias a la llegada de las computadoras portátiles de bajo costo, tabletas y otros aparatos móviles a precios competitivos, es muy probable que gastes menos en tecnología que en los libros del semestre. Más que un gasto, esa laptop (o hasta un iPod touch, que no es más que una computadora avanzada que cabe en tu bolsillo – y no lo rompe) representa una inversión. Y la mejor manera de sacarle provecho durante el año escolar es precisamente utilizando los servicios (casi) gratuitos a tu disposición.

Como adicto al correo electrónico, se me hace difícil pensar que aún hay gente por ahí sin una cuenta de Gmail. Para los que llevamos usando el servicio de email gratuito de Google desde sus comienzos hace seis años, este es simplemente indispensable. Una cuenta de Gmail utilizada en conjunto con Google Calendar y Tasks es una herramienta poderosa para la organización personal y recomendable por encima de cualquier otra agenda. Anota todas tus tareas por hacer y asígnalas a calendarios separados (quizás algunos privados, otros públicos), envía recordatorios sobre el trabajo en grupo a todos los miembros de tu equipo y trabaja tus escritos en colaboración con Google Documents, comunícate con ellos directamente y guarda tus gchats para futura referencia – todo a través de una plataforma integrada, gratuita y en constante revisión.

Otra buena alternativa para la organización y colaboración en proyectos son los productos de la innovadora compañía 37signals, principalmente Basecamp y Ta-da. Mientras que Ta-da es similar a Tasks en función – te permite hacer listados ‘to-do’ de tareas por cumplir con la satisfacción de poder ‘tacharlas’ a medida que las cumples – Basecamp es una plataforma robusta de colaboración utilizada por todo tipo de compañías (incluyendo adidas, Kellogg’s, National Geographic… ¡Y hasta EyeTour.com!). Ambos servicios cuentan con un plan gratuito que resulta ideal para estudiantes que anticipen trabajar en proyectos más ambiciosos.

Para aparatos corriendo el sistema operativo iOS de Apple (iPhone, iPod touch y iPad) existen poderosas aplicaciones de referencia que facilitan búsquedas al instante de todo tipo de materia. Desde acceso directo a la enciclopedia colaborativa de Wikipedia a través de Wikipanion (gratis / $4.99), el diccionario de Dictionary.com (gratis) y hasta aplicaciones para materias específicas como Science Glossary for iPad (gratis) y Math Ref for iPad (gratis, $0.99) – la cantidad y calidad de estos ‘apps’ sólo aumentará durante el próximo año escolar. Entre estas aplicaciones cabe destacar a WolframAlpha ($1.99), un poderoso buscador que contesta directamente tus preguntas haciendo cómputos de data estructurada en lugar de mostrarte una serie de enlaces hacia páginas que podrían tener la información que buscas. Ya sabes a quién preguntarle tus dudas de estadística, ingeniería, geografía – y hasta de deportes y nutrición.

Si tienes tu iPhone a la mano o la laptop prendida mientras esperas al profesor, también vale la pena gastar unos minutos diarios con QRANK (gratis para aparatos iOS o a través de Facebook.com). Un adictivo juego de trivia contemporánea, QRANK te deja escoger 15 preguntas diarias para competir por puntuación contra tus amigos, a nivel nacional y global – así sabrás quién se está quedando atrás y quién puede ser una buena pareja de estudios. Y como es recomendable cogerse un descansito mental entre clase y clase, está el triunvirato de juegos casuales – todos a $0.99 – para el iPhone y iPod touch: Doodle Jump, Angry Birds y Fruit Ninja. Sólo preocúpate por despegarte de la pantalla antes de que comience el final de cálculo.

Bio: Cuando el autor estudiaba en la universidad aún no existían ni Gmail, ni Twitter, ni Facebook y su laptop tenía menos memoria que su nuevo iPhone. Actualmente se desempeña como presidente de ‘Research & Development’ para EyeTour.com, desarrollador de aplicaciones para el iPhone bajo VayaBroqui.com y editor de PuertoRicoIndie.com. Puedes escribirle a tecnologico.pr@gmail.com.

Cada dos semanas el equipo editorial de PuertoRicoIndie.com haremos un esfuerzo por ‘reunirnos’ (gracias a la magia de la Internet) para discutir un tema en particular a través del cual puedan compartir sus experiencias, preferencias y sugerencias musicales con nuestros lectores – y que ustedes, en cambio, compartan las suyas a través de la sección de comentarios.  Además de ser un buen ejercicio de escritura para todos, este compartir posiblemente nos sirva para descubrir canciones y obtener nuevas perspectivas sobre artistas que quizás no hayamos considerado anteriormente.

Siendo hoy viernes 13, decidimos dedicarle la mesa redonda a explorar el tema de la mala suerte a través de la canción.  Lo que me hizo pensar en los Folsom Prison Blues de Johnny Cash donde la fenecida leyenda entona su famosa línea: “But I shot a man in Reno just to watch him die.” ¿Mala suerte del protagonista en la canción, destinado a pasar su vida en prisión?  Yo diría que peor suerte tuvo el hombre que recibió el balazo sin razón, ahora inmortalizado en canción por su propio asesino.  La mala suerte se manifiesta sin piedad alguna y de maneras misteriosas – y como verán a continuación, no discrimina por lenguaje ni género musical.

Belle & Sebastian – I’m A Cuckoo

@reed_rothchild (Escritor, PuertoRicoIndie.com)

Cuando algo inesperado sucede, desde lo banal hasta lo más significante, es costumbre humana achacárselo a la suerte (en nuestro caso mala). De igual manera podemos encontrar a muchísimas otras personas que niegan la existencia de la suerte – llamémoslos racionalistas – y otros que creen en conceptos como el destino para explicar el por qué de los eventos. Cualquier nombre que le quieras poner, la mala suerte usualmente conlleva un imprevisto, un malentendido, un desengaño, o un desenlace trágico. En resumidas cuentas podemos afirmar que llamamos mala suerte cuando las cosas no salen como tu quisieras que salieran. Entonces los males de amores y los corazones rotos pueden ser calificados como mala suerte. Y por ese camino siempre llegamos a Belle & Sebastian.

Esta banda escocesa – liderada por Stuart Murdoch – es el ápice (saludos, @eldifusor) de lo que llaman pop barroco o twee. Un sonido abundante y completo se escucha en muchas de sus composiciones debido a la variedad instrumental y el alto grado de musicalidad. I’m A Cuckoo es una de esas canciones. De primera instancia parece una melodía feliz; el riff de guitarra suena lo suficientemente juguetón como para uno fijarse en la letra. Pero cuando Murdoch canta:

“And I was there for you
When you were lonely
I was there when you were bad
I was there when you were sad
Now it’s my time of need
I’m thinking, do I have to plead to get you by my side?”

uno se da cuenta que aquí no hay nada de felicidad. Decepcionado, perdido, y con necesidad de algo o alguien como soporte, el ‘cuckoo’ de la canción pide ayuda, la cual no llega. A eso le podemos llamar mala suerte.

Joaquin Sabina (junto a Manu Chao) – No sopor… no sopor…

@eldifusor (Productor General, Frecuencias Alternas)

Crea usted o no en la mala suerte, hay días que los que sí creen usan como evidencia del concepto y los que usan la lógica para jamás pensar que la mala suerte puede existir dudan un poco de la ciencia. Inspirado en uno de esos días, el español Joaquin Sabina creó la canción que compartimos con ustedes hoy. “No sopor…no sopor…” del disco ‘Yo, Mi, Me, Contigo’ está llena de clichés sobre lo que la mala suerte te puede hacer y montada como un rap. La canción parece en realidad ser un gran chiste interno de Sabina y sus músicos donde de seguro han recopilado sus vivencias como ciudadanos del ridículo Planeta Tierra. El corte cuenta con la participación musical de Manu Chao que no sólo aparece al principio de la canción soltando versos, sino que ayudo con la producción musical (notaran de inmediato su mano en los primeros acordes de la canción).

Hoy me he levantado con el pie contrario:
demasiada sangre en el telediario,
una sola carta tengo en el buzón,
la remite mi banco, ME DICE QUE NO;
mi mujer se ha largado con un abogado
que le paga los vicios, “QUE TE GANA LOS JUICIOS”.

Y la cosa se pone peor para nuestro protagonista mientras una especie de coro griego va comentando sobre su día lleno de mala suerte. La saga termina con el protagonista atrapado en una discoteca “bailando un rap” revelando el ‘no sopor…’ del título, que pone en una interesante perspectiva sarcástica la existencia de la canción misma. Escúchala para que te enteres y si piensas que te va mal pongas en perspectiva tu miseria con la de este pobre diablo que tiene, quizás, el peor día de su vida…

(Puse este embed de GrooveShark por que en Youtube las versiones de esta canción tienen vídeos ridículos, hechos por gente que no entienden el chiste de la canción.)

Héctor Lavoe – El día de mi suerte

@PurpleMixTape (Escritora, PuertoRicoIndie.com)

Héctor Lavoe, en gran parte de su vida, no tuvo buena suerte, incluso antes de tener fama. Es inevitable decir que “El día de mi suerte” le cae como anillo al dedo.

En esta canción, un hombre se lamenta de su mala suerte, la cual empezó desde que era pequeño cuando murieron sus padres. En ese momento, se le prometió que su suerte cambiaría, plantando en él una fe eterna. Sin embargo, su mala suerte siguió, quedándose solo y sin dónde ir dentro de una vida accidentada. Luego de cada una de sus desgracias y a pesar de ellas, siempre se aferraba a su fe y a la esperanza de tener una vida mejor. Al final, se cuestiona hasta cuándo tendrá que esperar por tener una mejor suerte y jura que no puede fracasar, pero culmina con la misma interrogante llena de incertidumbre y que repetía al final de cada lamento: “Pero, ¿cuando será?”, dejándonos con un final abierto y dejándonos con la curiosidad de si la suerte del individuo cambió en algún momento.

La canción también explora el eterno dilema de por qué a la gente buena le pasan cosas malas y su eterna búsqueda de la felicidad (“Muchas veces me pongo a contemplar/Que yo nunca a nadie le he hecho mal/Por qué la vida así me ha de tratar/Si lo que busco es la felicidad”). Incluso, el personaje de este relato nos cuenta cómo él trata de complacer a la sociedad y de hacer lo que ella impone, sin obtener buenos resultados (“Trato de complacer la humanidad/Pero mi dicha aquí ha sido fatal”).

Sin duda alguna, esta canción es un reflejo de la vida de Lavoe. Su madre murió cuando era pequeño, al igual que el personaje de su canción, y tuvo una vida llena de tragedias que lo llevaron a una temprana muerte a los 46 años de edad. Esta canción podría considerarse, junto con “El cantante” y “La fama”, el himno de su vida. También es uno de esos casos en donde el arte imita a la vida.

Para los que les gusta el metal o los covers, chequeense esta versión metalera de la canción.

Cortijo y Su Combo – Quítate de la vía Perico

@Sire_Damiano (Escritor, PuertoRicoIndie.com)

Tengo que admitir que esta edición de ‘La Mesa Redonda’ me la puso difícil. No obstante, logré encontrar una pieza adecuada para esta edición y es “Quítate de la vía Perico” del magistral Cortijo y Su Combo. “Oye, pero eso no es “indie”…” Puede o no ser “indie” pero… ¿Cómo vamos a negar nuestras raíces musicales? Esta inolvidable pieza de la salsa gorda y pesada con la voz de El Sonero Mayor – no tengo que decir quien es – cuenta la triste historia de Perico, un hombre sordo con la mala suerte de caminar por las vías del tren mientras éste se aproximaba. La canción nos demuestra que una vez en Puerto Rico hubo un tren que corría la isla pero el llamado progreso se deshizo de él (mala suerte del tren).

La historia de esta canción puede ser tanto una comedia negra o morbosa, como lo quieras ver. Perico fue víctima de la mala suerte: él no tuvo la culpa de ser sordo y estar caminando por las vías del tren en ese instante. La letra no indaga en nada profundo ni complicado sino que te remonta a una pura historia de pueblo. Si seguimos rebuscando en la salsa podemos ver que muchas de sus letras tienen este común denominador. En cierto punto, la historia te hace partícipe en la historia para sentir, en parte, culpabilidad por la desgracia de Perico. Al igual que hacernos sentir culpable, esta canción nos invita a bailar la desgracia de Perico ya que esos compaces y cadencias son difíciles de ignorar. Yo también les admito que si llego a saber que Perico era sordo, paro el tren.

The Smiths – Please, Please, Please, Let Me Get What I Want

@redod (Editor, PuertoRicoIndie.com)

El gigantesco legado musical de The Smiths no se mide en la cantidad de años que la banda estuvo junta (cinco), ni en la cantidad de discos de estudio que publicaron (cuatro).  Sí puedo medirlo con facilidad por la calidad de sus B-sides: dos de los incluidos en el compilado ‘Hatful of Hollow’ del 1984 son de mis canciones favoritas de la banda (y en el universo).  Para entonces la banda estaba más o menos a mitad de su corta vida, pero ya habían logrado una y otra vez lo que se conoce en Inglaterra como ‘pure pop perfection.’  Please, Please, Please, Let Me Get What I Want es uno de esos B-sides de ‘Hatful’ que alcanza la perfección en menos de dos minutos.

La canción es una plegaria cantada con gentileza por Morrissey desde el punto de vista de alguien que nunca en su vida ha conseguido lo que quiere.  Con Dios como testigo de su mala suerte, Morrissey pide en la primera línea de la canción “good times for a change” explicando que “the luck I’ve had could make a good man turn bad” y con esa voz no hay más que creerle.  La letra es simple, pero sugiere con gran sentimiento años llenos de dolor y sirve de consuelo en esos momentos de tristeza absoluta.  Y sin embargo, escucho un poco de esperanza en la melodía de la canción, como si se tratara de una despedida – por más efímera – a la mala suerte.

‘Please, Please, Please, Let Me Get What I Want’ ha sido interpretada recientemente por agrupaciones contemporaneas populares como She & Him, Muse y los Deftones – todas afortunadas por haber escuchado alguna vez la canción.

@dianadhevi comparte con PuertoRicoIndie.com sus pensamientos sobre lo acontecido en la cuarta temporada de la excelente serie de AMC sobre una agencia de publicidad en los 1960′s, Mad Men, semana tras semana.  Comparte tu opinión acerca del episodio (y la serie en general) abajo en los comentarios y contribuye a la discusión.

Mad Men Season 04 Ep 03: The Good News

Las únicas buenas noticias en este episodio son que el año 1964 finalmente ha acabado.  El episodio completo tiene una sensación de cierre anticlimático: las cosas no están tan mal – podrían estar peor – pero definitivamente podrían estar mucho mejor.

El episodio abre con una visita de Joan Holloway a su ginecólogo: tiene intenciones de comenzar una familia y quiere cerciorarse de que su sistema reproductivo esté funcionando correctamente. Apenas acaba de cortar el consumo de pastillas anticonceptivas, pero lo que realmente le preocupa es su historial de abortos previos. No sorprende tanto el que Joan haya tenido abortos en su pasado – ella fue quien refirió a Peggy donde este médico en la primera temporada: un galeno que aparenta tener reputación de liberal y el tacto de un taladro de concreto. Sí es sorprendente que Joan quiera tener un hijo con Greg Harris, después de que él la violara y le demostrara que, como proveedor familiar, deja mucho que desear.

Más adelante en el episodio, mediante una discusión apasionada entre Joan y Greg, se nos recuerda que él se ha enlistado en las fuerzas armadas y su destino final es Vietnam. No hace falta mucha imaginación para saber que seguramente la muerte le espera al final de esta línea en el libreto. Obviamente, para Joan éste es un temor muy presente, lo cual nos hace preguntarnos nuevamente y con mayor vehemencia: ¿Por qué quiere tener un hijo con Greg? Y no es sino hasta más adelante, cuando Joan se corta un dedo y Greg la cura y remienda sin que se le mueva un pelo fuera de lugar: notamos finalmente la nota de ternura que transpira en la relación entre los dos y podemos ver esa ternura reflejada en los ojos de ambos. También entendemos que su relación se ha contaminado de desesperanza y frustración: en términos de la vida dentro de la serie, esta relación está a punto de expirar.

Por otro lado, volvemos a ver a Dick Whitman despojarse de su disfraz de Don Draper en otra visita más a Anna Draper, la viuda del Don original. En esta ocasión, más que en las visitas anteriores, entendemos que Anna se ha convertido en la única familia que le queda a Dick Whitman. De hecho, ella es la única persona que realmente conoce a nuestro mad man favorito. Esta vez, nos expanden el universo de Anna un poco para incluir a su conservadorísima hermana, Patty, y su sobrina, Stephanie, quien encarna los inicios de la revolución que está por estallar.

Don Draper nuevamente nos hace sentir incómodos con su torpeza: lo que antes era un suaveness impecable para llevarse enredada a cualquier fémina en su camino, se ha convertido en una patética falta de destreza para aludir a las sensibilidades más jóvenes. Intenta seducir a Stephanie y falla miserablemente, viéndose un poco estúpido en el proceso. Inmediatamente recibe las noticias que le cambiarán el resto de sus vacaciones (y probablemente determinen la atmósfera del resto de su 1965): Anna Draper tiene cáncer del hueso, y es terminal. Ella no lo sabe, ya que su hermana se ha encargado de mantenerle las noticias ocultas. Don Draper termina devastado. Confronta a Patty e intenta convencerla de que le permita ayudar. Ante la negativa de ella, lo único que le queda a Don Draper es continuar en su camino.

La despedida entre Don y Anna es una de las imágenes más conmovedoras de toda esta serie: finalmente vemos a Don al borde de las lágrimas, sumido en uno de los sentimientos más puros de los cuales ha sido capaz ante nuestros ojos. En esta visita, vimos a Don admitirle a alguien finalmente qué es lo que más le ha dolido de su ruptura con Betty: el rechazo de ella a todo aquello que es Dick Whitman, lo que es él, lo que Anna ha aceptado y aprendido a amar. Anna es su confidente, ha sido su madre, su hermana, su esposa… es su familia, la única que tiene, y la va a perder. Don Draper debe sentirse el ser más solitario en el mundo.

De regreso – no a Acapulco, por razones obvias, sino a Nueva York – se encuentra con una estampa similar en la figura de Lane Pryce: sin hacer mucha rimbomba, el Sr. Pryce ha pasado por una etapa rocosa en su matrimonio. El final del mismo lo marca y determina la ineptitud de Sandy, su secretaria, quien logra cruzar los mensajes en dos envíos de rosas y termina enviándole a la Sra. Pryce un mensaje que, puesto fuera de contexto, es altamente comprometedor. Pryce saca una botella de algún licor raro  y costoso que le envió su padre; Don Draper propone una tanda en el cine. Lo que resulta es una fascinante noche de borrachera, comedia y prostitutas. Lane Pryce ha recibido una calurosa bienvenida por parte de Don Draper al maravilloso mundo del divorcio.

El episodio termina con una de esas estampas icónicas: el equipo de control de Sterling Cooper Draper Pryce sentado alrededor de (¡finalmente!) una gran mesa en el conference room y Joan Holloway a la cabeza, exhortándolos a comenzar el 1965.

Los enfoques de este episodio definitivamente fueron limitados a unos pocos personajes, pero se prestó para instantes intensos – como el momento en que Don firma la pared que ha estado pintando en casa de Anna: “Dick + Anna ’64″, – y momentos jocosísimos – viene rápido a la mente el inebriado paseo de Lane y Don, como también la abrupta despedida de Sandy (¡gracias, Joan!). Finalmente podemos decir que estamos en pleno fragor de temporada con Mad Men.

“@PuertoRicoIndie y cuando viene la super-entrevista con Superaquello?” leía el mensaje enviado a través de Twitter no hace ni un mes atrás por algún integrante de la banda.  Son pequeños momentos como ese que añaden al orgullo de lo que uno hace.  Quizás era en broma… quizás no – el punto fue que corrimos con la oportunidad y aquí está el resultado.  Conversamos con Eduardo Alegría y Jorge Castro sobre la recepción que recibió su más reciente producción discográfica, ‘Superaquello Interpreta Latarde,’ los nuevos proyectos de la banda y la escena del rock independiente en Puerto Rico, entre otros temas.  ¡Que la disfruten!

A continuación la entrevista con Superaquello: Luego de Latarde

PRI: Ya van para el año de haber lanzado su más reciente trabajo ‘Superaquello Interpreta Latarde’ y recuerdo haber leído en sus entrevistas cerca de la fecha del lanzamiento que el material era arriesgado para la banda y no sabían qué pasaría una vez lo tocaran en vivo. Habiendo logrado presentar el material en varios escenarios alrededor de la isla, incluyendo un regreso espectacular al Indie Rock Fest, y parece que les ha ido muy bien. ¿Qué les parece la recepción por parte del público a este nuevo material y formato para la banda?

Eduardo: El material de “Superaquello Interpreta Latarde” es definitivamente más retante en vivo. Es más pesado y exige un nivel de atención que en un formato de concierto/jangueo no funciona tan bien como mucho material de nuestros discos anteriores. Siempre hemos querido hacer un concierto de Superaquello mas formal… quizas en un teatro. El material de “Latarde” sería muy bueno ejecutarlo en ese formato… de hecho, hay mucho material “moody” de nuestros primeros CDs que tampoco tocamos mucho en vivo y funcionaría genialmente en ese contexto.

“Superaquello Interpreta Latarde” ciertamente no conectó con parte de nuestra fanaticada, pero la respuesta ha sido mayormente positiva… de hecho, es por esta producción en específico que hemos ganado muchísima fanaticada nueva… lo que se logró en ese CD nos ganó el respeto de muchos rockeros (jeje) y de muchos músicos también.

Ahora, el formato nuevo de banda ha sido un gran éxito…especialmente para nosotros. Nos ha inyectado una energía nueva que necesitábamos y hace de la experiencia “live” mucho más dinámica.

PRI: ¿De estas presentaciones, cuales han sido las más memorables para el grupo?

Eduardo: Me parece que nuestro concierto en La Respuesta, el de navidad, fue el más memorable de todos. El sonido fue tremendo y la pasamos muy bien.

PRI:  ¿Seguirán ‘interpretando Latarde’? Es decir: ¿Continuarán tocando el disco un tiempo más? ¿Trabajarán su próximo material dentro del contexto de banda de rock que surgió a lo largo del proceso de grabación de ese disco o están listos ya para explorar otras configuraciones y estilos para Superaquello?

Eduardo: Definitivamente seguiremos tocando el material nuevo. Además, el proyecto LATARDE VER creo que le dará nueva vida a esas canciones, pero de eso hablamos después.

Ya Superaquello esta comenzando el proceso de desarrollar material nuevo, que muy bien podría culminar en una nueva producción discográfica… Ahora, “Latarde” siempre va a ser parte de Superaquello y vice versa… esa siempre fue la idea. Estos elementos nuevos se deseaban desde hace mucho tiempo. “Superaquello interpreta Latarde” fue la excusa para comenzar a explorar esos formatos. Ahora, lo que se verá es la mezcla de esos dos estilos. Ese bigote de “Latarde” nunca nos lo podremos quitar. Ya es parte de nuestra psiquis.

PRI: Habían mencionado algo de lanzar un EP en el 2010, tentativamente llamado De Hueso, con mayor participación de parte de Jorge Castro y con tendencias de noise, ambient y shoegaze. ¿Sigue en los planes? ¿Y el 7″?

Jorge: Nosotros siempre tenemos varias ideas de formato cuando tenemos material nuevo. Cuando hicimos esa entrevista (en Laser Eater) el año pasado, teníamos unos temas que no cabían en ningún otro lugar y empezamos a hablar de hacer ese EP completamente experimental, pero la realidad es que parte de ese material ha terminado en otros proyectos, por ejemplo: la pieza principal para ese EP es una que yo hice en guitarra, pero Eduardo le escribió unas líneas de voz para Patricia y se convirtió en una canción. Dejó de ser un experimento. Esa canción, tentatívamente llamada “El muchacho de lado” dura casi diez minutos y se ha convertido en el B-side de nuestro próximo single “Escúchate Ésta”. La canción “De Hueso”, que se quedó fuera de “Latarde”, posíblemente vea luz con otro arreglo o la regalemos… todavía no sabemos. La cosa es que nos quedamos sin material para ese EP, porque lo hemos incorporado en otros proyectos de la banda. Mi paja mental es sacar una edición limitada de “Escúchate Ésta” en vinílo 7”. Pero por ahora no es una prioridad. Tenemos otros proyectos pendientes pero no podemos decir absolutamente nada porque son colaboraciones con otros artistas que de seguro no se escucharán hasta el 2011.

PRI: ‘Escúchate Ésta’ es la colaboración con el rapero Omar García que recientemente mencionaron a través de las redes sociales. ¿Cómo surge ese proyecto y qué podemos esperar de esa colaboración?

Eduardo: La canción “Escúchate Esta” siempre tuvo un puente instrumental (es una de las canciones mas viejas de la banda… nunca se colocó en un CD) y en los ensayos siempre llenábamos el puente rapeando nosotros mismos en broma. Tanto estuvimos hasta que un día pensé: “Caramba, ¿no será que de veras la canción lo aguanta?”

Tenemos muchos amigos queridos en la comunidad del hip-hop (Eduardo aparece como invitado en un track del cd nuevo de VELCRO que pronto saldrá al mercado) y en esos dias me habia impresionado mucho el debut de Omar García. Omar es un artista muy sofisticado que trae una sensibilidad y una intelectualidad a ese género muy muy buena. Pensé que él podria contrapuntear con nosotros. La colaboración fue bien emocionante… hablamos sobre lo importante de romper con cualquier estereotipo “macharrán” del hip-hop para este track. Queríamos proponer algo más fresco. Le propuse a Omar que usaramos a Woody Allen como referencia para su interpretación, pensando que el tipo (Omar) se iba a reir de mí y para mi sorpresa saltó de la emoción y me entendió perfectamente. Omar casi interpreta un personaje en el track. Un compañero neurótico que, esperando a su chica una noche, se inventa todo tipo de escenarios catastróficos llevándose a la desesperación. Es muy tierno su performance. Para mí, como compositor del tema, fue un lujo trabajar con un artista de su talla.

PRI: ¿Qué han logrado a través de los medios sociales? ¿Han sido una herramiente indispensable para la promoción de sus proyectos o chupan demasiado tiempo sin mucho resultado?

Jorge: Ha sido de mucha ayuda para difundir noticias o cualquier elemento de publicidad que no requiera comunicados o explicaciones complejas. La realidad es que uno nunca sabe si esas noticias llegan al público que uno quiere. Las redes sociales se estan convirtiendo en lo mismo que la prensa escrita o la televisión. Puedes llegar a un número mayor de gente que lo usual, pero igual sales mejor pagando para llegar a tu público de seguro. Entonces la lucha es la misma: los artistas con dinero siguen teniendo más popularidad o alcance que los pelaos. Nosotros tenemos la buena fortuna de contar con un público que nos sigue dese hace varios años, cuando no existían estos canales de información… y ellos mismos nos ayudan a difundir las noticias.

PRI: Dentro del establo de bandas de AtrumOrbis, Superaquello sobresale por su trayectoria y su propuesta menos ‘mainstream’. ¿Qué les hizo decidir volver a un sello disquero para su último disco y cómo ha sido esa experiencia?

Eduardo: No me imagino prescindir del trabajo excelente que hace AtrumOrbis por nosotros.

Jorge: AtrumOrbis ha sido un gran alivio. Superaquello ha crecido no solo en número de integrantes, sino también en la cantidad de trabajo que require mover el proyecto. Nos han dado la oportunidad de delegar ciertas tareas que consumen mucho tiempo y son muy comunicatívos y están siempre disponibles para nosotros. Además nos permitieron licenciarle nuestro disco, así que todos los copyrights se quedan con nosotros, algo que no hacen muchas disqueras en estos días.

PRI:  Y en cuanto a la escena del rock independiente y de autogestión musical, ¿Qué cambios pueden identificar dentro de esos movimientos en cuanto a exposición y posibilidades? ¿Aparte de lo que fue el ‘underground’ que se conviritó luego en reggaeton, Puerto Rico tiene un ‘escena’ suficientemente organizada en su opinión como para atraer fans internacionales?

Eduardo: No sé cuanto más podría organizarse una escena aquí. La escena local (parcialmente) sufre de una especie de infantilismo eterno… quizás un “teenagerismo” eterno. No crece y no madura mucho. Aquí las bandas comienzan jóvenes, tocan par de años y se ven obligados a tomar decisiones que los alejan de la música. Esto no es un país fácil para la producción cultural. Además, por el hecho de que pocas bandas logran una maduración, lo que se vé son un montón de bandas nuevas bien talentosas pero que están demasiado enfuscadas en rendir tributo a sus ídolos y a escenas “hipsters” de otros países. Logran exponer/imitar un trend nuevo y en par de años no existen. No desarrollan una voz propia.

La juventud trae por “default” una actitud soberbia y separatista de “yo lo hago bien y tú no, tú eres un charro”, “yo soy quien traigo lo nuevo y me tengo que distanciar de lo demás”. Yo fui joven también y fui el más sabelotodo de los sabelotodos. Esto hace de nuestra eternamente joven escena una bien frágil y “canibalística”. No sé cuanto más puede crecer.

PRI: ¿Si estuvieran formando Superaquello hoy en día o una banda nueva? ¿Qué harían diferente? ¿Qué le pueden recomendar a bandas más jóvenes que estén en esa posición?

Jorge: Si de veras quieren hacer esto en serio, les diría que no graben un disco hasta que estén seguros de su identidad como banda. Es muy fácil grabar un álbum hoy en día. Además que la gente los pide mucho. Que reconozcan su talento natural en vez de sus deseos de sonar como su banda favorita, que es una trampa difícil de evitar.

PRI: Estamos pendientes al proyecto audio-visual de la banda, LATARDE VER. Ya hemos visto varios videos (¿4?) de los que formarán parte del proyecto. ¿Qué nos pueden contar acerca de esa producción? ¿Cómo va ese proyecto? ¿Cual está dirigiendo Macha Colón?

Eduardo: LATARDE VER es un proyecto muy ambicioso y se está haciendo sin fondos. ¡Por ende, se mueve más lento que una caravana de cojos! Pero está viento en popa. Durante los próximos dos meses se estarán filmando los últimos 4 videos que faltan. LATARDE VER consiste de los 11 temas del CD “Latarde” en video, sin interrupciones. Es un cadaver exquisito. Cada video es un universo único. El elemento unificador es la música de Superaquello. El proyecto combina el videoarte con el video musical.

Gisela Rosario (Macha Colón) dirigió el video de “Sajorí”.

PRI: La música tiende a ayudarnos a trascender momentos difíciles… ¿Cuál es el mejor soundtrack para nuestro estado actual? ¿Les preocupa la situación general (social/económica/política/mediática) de Puerto Rico?

Jorge: Por supuesto que nos preocupa, especialmente a nosotros que somos más mayorcitos y ninguno tenemos planes de mudarnos del país. Superaquello siempre ha tenido una postura activísta que se refleja especialmente en las letras de algunas canciones. Tenemos una forma específica de decir las cosas y hablar sobre lo que pasa en el país. Una de nuestras canciones nuevas “Matarífe”, es una especie de comentario sobre lo que está pasando en Puerto Rico, pero en vez de explicarla, es mejor que la escuchen (cuando esté lista).

Para una buena dosis de videos de Superaquello, haz clic aquí.

Para más Superaquello, visiten www.superaquello.com.