Isso é basicamente o que acontece com O Morro dos Ventos Uivantes, estrelado por Jacob Elordi e Margot Robbie, que no lugar de uma trama sobre obsessão, amor doentio e vingança, foi pra um lado mais, digamos, romance com muito tesão. Isso diminui o texto original ou apenas traz uma nova forma de ver o que foi criado pela autora Emily Bronte?

Todo mundo tá SEDENTO

O Morro dos Ventos Uivantes (2026) pode ser chamado de uma adaptação BEM livre do clássico literário, focando no amor entre Heatchliff, um órfão que é “adotado” por antigo nobre e acaba virando companheiro de Catherine, filha do cara. Desde criança, eles não se largam, criando uma conexão que evolui até que uma separação transforma esse sentimento em ciúmes e rancor.

Se você conhece a história original, sabe o quanto Heathcliff e Catherine são personagens complexos e difíceis, com um relacionamento que se transforma em algo tão tóxico que muda a vida de todos ao seu redor. Já a versão escrita e dirigida por Emerald Fennell (de Saltburn e Bela Vingança) tenta criar algo muito mais próximo de “dark romance” erótico.

Desde literalmente a primeira cena, o filme se apresenta como algo SEDENTO. Parece que tá todo mundo prestes a explodir e basta uma RELADA DE MÃO pro negócio partir pros finalmente.

E isso fica bem evidente quando somos apresentados para as versões adultas de Heathcliff e Catherine. Enquanto a Margot Robbie apresenta uma Catherine ainda sem saber direito como lidar com seus sentimentos e desejos, o Heathcliff do Jacob Elordi parece estar sempre cercando ela como um gavião, um predador esperando uma oportunidade.

Durante boa parte do filme, eu não via tanto o que ele sentia por ela como amor, mas sim como obsessão mesmo, enquanto ela, mimada e difícil, ficava entre o amor e ciúme. Somente no terceiro ato é possível ver rachaduras na personalidade de Heathcliff que demonstram que existe um sentimento ali, ainda que ele tinha se transformado em algo completamente tóxico.

Como filme: funciona. Como adaptação: então…

O Morro dos Ventos Uivantes é um filme que apresenta vários pontos positivos. Visualmente, é um filme bastante impactante, com uma fotografia que sufoca até mesmo em tomadas que mostram campos que parecem infinitos. Sua trilha, com músicas pop e clássicas, consegue trazer um tom moderno ao filme, mas sem passar do limite de uma história de época.

O elenco faz um bom trabalho e a dupla principal funciona, ainda que o destaque fique para a atriz Hong Chau (de A Baleia) como a governanta Nelly. Em várias cenas, ela consegue falar mais com um olhar do que o resto do elenco.

No geral, O Morro dos Ventos Uivantes é um filme que, de certa forma, funciona. Se você não faz ideia do que se trata o livro, ele consegue apresentar as ideias de maneira competente e você pode até acreditar se tratar de uma grande história de amor.

Como adaptação, o filme é bastante questionável. Muda elementos, coloca destaque em pontos que alteram o significado da história e a motivação dos personagens. O filme chega a nem adaptar o livro inteiro, ficando em cima de algo que acontece por pouco mais que a metade dele.

Por isso, O Morro dos Ventos Uivantes é o tipo de filme que deve dividir MUITO o público. Existem coisas boas nele e vendo como algo separado, ele consegue atingir o seu objetivo de contar uma história de amor mais quente. Só que se você leu o livro, fica uma sensação que geral pegou um resumo MUITO resumido dele e resolveu escrever o roteiro em cima daquilo.

Um filme competente, mas uma adaptação ruim da obra.

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Desde do lançamento do primeiro trailer, o filme parecia nada com nada. Todo o marketing em torno da produção era confuso, não dava muito pra saber do que ele se tratava, apenas que tinha um elenco bastante interessante, liderado por um Leonardo DiCaprio com cara cada vez mais inchada, e ser um novo filme de um dos melhores diretores em atividade em Hollywood. Parecia o suficiente, mas ainda tudo era muito esquisito.

Antes mesmo do final das duas horas e cinquenta minutos de duração (que você nem sente), deu pra entender que Uma Batalha Após a Outra nem precisava tanto de marketing além do “Assista”. Eu nem deveria ter duvidado em algum momento desse filme.

Viva la revolución!

Uma Batalha Após a Outra pode ser dividida em três partes, com a primeira apresentando o grupo revolucionário French 75, logo nos primeiros minutos atacando um centro de detenção de imigrantes na fronteira entre EUA e México. É ali que somos apresentados a três dos principais personagens do filme.

Ghetto Pat, um sujeito que parece bastante desengonçado e especialista na criação de bombas pro grupo, interpretado pelo Leonardo DiCaprio que cada vez mais perde a pinta de galã, mas reforça o quão bom ator é. Outro personagem que é revelado é o do então capitão Lockjaw, interpretado por um Sean Penn de cabelinho ridículo que ainda consegue ser ameaçador mesmo sendo bastante patético.

E pra fechar, Perfidia Beverly Hills, um dos nomes mais legais que eu já vi, interpretada pela atriz Teyana Taylor, que eu nunca tinha visto na vida e fiquei impressionado com o magnetismo dela na tela. Toda vez que a Perfidia aparecia, ficava impossível não prestar atenção na revolucionária que causa boa parte dos acontecimentos do resto do filme.

Perfidia e Bob se tornam um casal e ela acaba grávida, algo que poderia dar fim à sua vida de guerrilheira. O problema é que ela não consegue deixar essa vida para trás, iniciando uma reação em cadeia que muda tudo para os envolvidos. Tanto que Pat precisa fugir com a sua filha bebê para uma cidadezinha no meio do nada.

Nesse momento, o filme dá uma virada e, anos depois, mostra que Pat agora é Bob, um sujeito extremamente paranóico e maconheiro, que vive com sua filha adolescente, Willa, interpretada pela atriz Chase Infiniti.

Quando o agora coronel Lockjaw ressurge para tentar encontrar os dois, todo o caos esperado acontece.

Falar mais sobre a história de Uma Batalha Após a Outra tiraria boa parte da sua graça, sendo que nisso que eu disse aí já foi tudo bem por cima. Mesmo assim, ele é o tipo de filme que você ainda poderia assistir sabendo de tudo e conseguir se impressionar com o ritmo e os personagens apresentados pelo diretor Paul Thomas Anderson.

Até mesmo personagens que passam poucos minutos na tela são tão interessantes quanto Bob, Willa e Lockjaw. Você não sente passar a longa duração do filme, simplesmente porque ele não para em momento algum. Existe uma cena de fuga de Bob acompanhada de uma trilha nervosa que vai se estendendo de uma forma tão magnética que é impossível tirar os olhos da tela.

Uma das coisas que mais me impressionou é que mesmo mostrando os problemas de grupos revolucionários, do autoritarismo PODRE dos Estados Unidos, eu estava 100% entregue ao que acontecia com Bob e principalmente Willa. Eu nunca tinha visto qualquer trabalho da atriz de 25 anos, mas fiquei realmente impressionado como tanto ela quanto a sua “mãe” Teyana Taylor têm algo que torna impossível tirar os olhos delas quando estão na tela.

E mesmo tratando sobre temas pesados, mostrando violência e pessoas horríveis, Uma Batalha Após a Outra ainda consegue ser um filme engraçado. Em alguns momentos, as situações conseguem ser realistas e ridículas o suficiente pra mostrar que é possível rir no meio de uma revolução armada.

Eu nem tenho muito mais a falar sobre o que senti ao assistir ao filme além dele ter se tornado um dos meus filmes favoritos do ano. Algo que talvez eu revisite de tempos em tempos. Existem diversos reviews que poderão tratar melhor dos aspectos técnicos do filme ou pescar outros detalhes.

O que eu posso dizer sobre Uma Batalha Após a Outra é que o cinema mundial precisa de mais filmes assim. E mais uma vez o Paul Thomas Anderson mostra porque é um dos melhores diretores em atividade em Hollywood.

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O filme mostra o último caso tratado pelos Warren, que traz conexões com o seu passado e sua própria família. Eu não preciso nem falar que o quarto filme da franquia, sem contar os spin-offs da boneca Annabelle e A Freira, é totalmente feito pros fãs da série.

Mesmo assim, eu fiquei impressionado como a história ainda funciona, até certo ponto, pra quem sabe só a ideia geral dos filmes do “Invocaverso”: um casal formado por uma mulher com conexões com o sobrenatural e seu marido demonologista ajudam pessoas ao aceitar casos de espíritos que estão causando pelos Estados Unidos.

O casal ganhou fama e escreveu livros sobre o assunto, até terem suas histórias adaptadas para filmes de TV e Invocação do Mal. Se você sabe disso, por mais que pareça estranho, está apto para assistir ao quarto e último filme da franquia.

Do que se trata Invocação do Mal 4?

O capítulo final da franquia mostra Ed e Lorraine Warren já aposentados de sua carreira, vivendo suas vidas dando palestras que nem todo mundo leva a sério. Quando uma família passa a ser atormentada por espíritos vindos de um espelho que foi centro do primeiro caso encarado pelos Warren, o casal se vê no dever de ajudá-los.

Existe toda uma trama sobre a filha dos Warren, Judy, que herdou os poderes da mãe e como ela está diretamente envolvida com o caso, deixando ainda mais claro que Invocação do Mal 4 está longe de ser um filme de terror de fato assustador, mas muito mais uma história quase de novela dos Warren.

Particularmente, filmes de terror me deixam mais tenso do que assustado, então não estranhei que o último Invocação do Mal me deu um total de zero sustos, só que eu fiquei impressionado como ele também não me deixa tenso.

Por se tratar da história de pessoas que realmente existiram ou existem, muito do suspense que o filme tenta criar é anulado. Fica só um climão de Novela das 6, com a vida deles e a família.

Por conta disso, as cenas que mostram a família Smurl, que é vítima dos espíritos, parece muito pouco desenvolvida. Eles são apresentados apenas como peças para eventualmente servirem de escada para os Warren no ato final.

A maneira como tudo é apresentado no filme me deixou a impressão que existe um filme realmente bom e assustador com a mesma história, só que não é esse Invocação do Mal 4. Do jeito que as coisas saíram, ele é apenas ok e isso apenas por causa da atuação da dupla principal, Patrick Wilson e Vera Farmiga.

Assim como aconteceu nos capítulos anteriores, muito do que faz funcionar esses filmes de Invocação do Mal está na atuação da dupla, que são atores muito competentes e conseguem fazer com que você se importe com eles. Sem os dois, Invocação do Mal 4 cairia em um poço de milhares de filmes sobre o sobrenatural que passa de madrugada na TV aberta.

Mesmo assim, o filme parece funcionar para os fãs, já que traz diversos easter eggs, com participações especiais e chamadinhas para coisas que aconteceram e foram mostradas em filmes anteriores, o que por si só pode ser divertido pra quem curte.

No geral, a história de Ed e Lorraine Warren termina de um jeito que não foge muito do esperado, mas que se não fosse pela dupla principal, seria uma grande oportunidade perdida. Quase foi.

Invocação do Mal 4 está em exibição nos cinemas.

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A conversa pode passar despercebida por muita gente ou até ser encarada como uma das piadinhas de Gunn, mas ela ecoa uma questão central em que Superman está inserido desde que o longa foi anunciado no início de 2023: esse herói solar, bondoso e até ingênuo ainda tem espaço em um mundo cada vez mais cínico como o nosso?

Esse questionamento não é novo, mas ganhou muita força ao longo dos últimos anos entre o público, autores e até executivos da Warner/DC. A ideia de que o herói é poderoso e bobinho demais atingiu os quadrinhos, as animações, os games e, é claro, o cinema. Mas, embora eu nunca perca a oportunidade de xingar o Zack Snyder e sua visão equivocada do personagem, a verdade é que essa percepção não é culpa unicamente sua. Basta olhar o fenômeno Injustice, por exemplo, e como as paródias do herói, como Capitão Pátria (The Boys) e o Omni-man (Invencível), caíram no gosto popular.

Ainda assim, é claro que o Visionário tem uma enorme parcela de culpa. Mesmo que essa ideia de que o Superman moderno precisa ser badass já estivesse circulando por aí, Snyder captou esse zeitgeist completamente errado e consolidou essa abordagem mais sombria do Superman tanto em Homem de Aço quanto em Batman vs Superman: A Origem da Justiça e nas duas versões de Liga da Justiça – e o estrago foi enorme. Basta ver a legião de fãs que, ainda hoje, dizem que aquela versão do Escoteirão, que quebra pescoços e não se importa com civis em meio a uma batalha, é a correta. Afinal, massavéio.

Só que, na verdade, o problema do Superman do Snyder vai além dessas decisões ruins de roteiro ou por ele não entender o personagem. A verdade é que ele próprio é fruto desse mundo mais cínico que não vê razão em um Superman colorido, amigo das crianças e que pisca para o leitor no último quadro. 

Em seus filmes, Snyder deixa bem claro sua visão objetivista do mundo que encara o individualismo como um valor fundamental. A filosofia criada pela autora Ayn Rand valoriza justamente a lógica racional e dados objetivos e analíticos ao invés de uma maior subjetividade. Assim, para ela, ações que dependem dessa consciência mais emotiva têm menos valor – e, portanto, sem espaço para o altruísmo.

Isso é bem claro em todo o Snyderverso. O Jonathan Kent que diz que o jovem Clark deveria deixar crianças morrerem para manter seu segredo é uma aplicação escancarada desse individualismo objetivista. Em BvS, Martha Kent diz a Clark que talvez as pessoas da Terra não mereçam o Superman. É o puro suco de Ayn Rand e a prova de que Snyder não entende nada do personagem – e também nada de religião, já que ele faz referências ao cristianismo que não combinam em nada com esses discursos.

Amar é um ato revolucionário 

Mas chega de revirar no lixo e vamos falar de coisa boa: Superman! Em seu novo filme, James Gunn faz questão de se distanciar ao máximo dessas ideias erradas. Em muitos momentos inclusive, deixa bem claro que a sua visão para o herói é diametralmente oposta. Para ele, o que torna o personagem um super-homem não é a força que o desconecta da humanidade, mas justamente essa capacidade de se conectar ao outro de forma inquestionável – e até ingênua, como aponta Lois.

Isso fica claro em vários momentos, seja quando intervém em uma guerra do outro lado do mundo para impedir um massacre, ou quando chora por um robô que diz não ter sentimentos ou emoções. Para ele, toda vida é igualmente importante, seja de um autômato, de um esquilo ou de um monstro que está destruindo a cidade. 

Quando Gunn anunciou o novo Universo Cinematográfico da DC, ele fez questão de destacar que o novo filme do Azulão – que ainda se chamava Superman Legacy – seria justamente sobre a importância desse personagem e de tudo o que ele simboliza para os dias de hoje. E, agora que o longa chegou aos cinemas, vemos realmente o quanto essa abordagem solar e espirituosa do herói é punk rock.

Mais do que uma piadinha, a fala é muito poderosa. Ela deixa claro como, em um mundo sombrio e cínico como o nosso, o Superman é essa figura que contraria a todos por colocar o outro em primeiro lugar sem importar com as consequências que isso trará para si. É ao se preocupar com o outro que ele questiona o mundo à sua volta. “O amor é um ato revolucionário”, já diria Chico César.

De nada adianta repetir incansavelmente que o herói representa esperança e rodeá-lo de referências cristãs quando, na prática, ele não carrega nada disso. Seu verdadeiro poder, o que o torna super de verdade, é a capacidade de inspirar àqueles à sua volta, do vendedor de falafel a heróis burocráticos com cabelinho de prepúcio. 

A esperança que o S representa é justamente a de que podemos ser melhores. De que o altruísmo vale a pena e que é preciso se importar com o bem-estar de todos. Se Snyder pavoneava ícones cristãos vazios, a nova encarnação do Homem de Aço representa uma passagem bíblica sem citá-la uma única vez: “Nós, que somos fortes, devemos suportar as fraquezas dos fracos, e não agradar a nós mesmos. Cada um de nós deve agradar ao seu próximo para o bem dele, a fim de edificá-lo”.

O Superman que James Gunn traz às telas é tudo isso. É um herói que questiona e se opõe a esse olhar individualista pelo exemplo – exemplo este que ele traz de casa. Um herói que inspira por ter sido inspirado antes. Um Superman punk rock da mamãe e do papai.

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No cinema, tivemos a versão com Christopher Reeve, que se tornou icônica, seguida pelo Brandon Routh, que não teve muita chance de ir além de uma reverência ao Reeve. E aí temos Henry Cavill, que ainda acredito que tinha potencial pra ser um ótimo Superman, mas aí trabalhou em filmes com gente que não entendia MESMO o personagem.

Porque depois de ver Superman, dirigido pelo James Gunn e estrelado pelo David Corenswet, finalmente eu consegui entender qual é o verdadeiro apelo desse personagem vindo de outro mundo: ele é tão humano quanto você e eu.

Começando na correria

Superman é o primeiro filme do “novo” DCU, mas não é a primeira produção dele. Antes, tivemos a animação da MAX (ou HBO Max, siga o seu coração) Comando das Criaturas e, tecnicamente, Pacificador menos a cena da Liga da Justiça. Já sabíamos que o Superman existia ali.

E o novo filme começa já escancarando esse novo universo, afirmando que há séculos o mundo conhece pessoas com poderes, os meta-humanos, e o Superman já se revelou ao mundo há 3 anos. E aí ele desaba no gelo. Não mostrar toda a origem do Homem de Aço e colocá-lo tentando e falhando já no seu terceiro ano em atividade consegue fazer com que essa versão do personagem seja mais próxima do público.

Ele ainda consegue moer a Terra na base do soco, mas no fundo, é só um cara criado numa fazenda e com um coração imenso. Ele quer ajudar e não consegue ainda entender direito porque não pode só evitar que pessoas morram. Ele não está acima de assustar um ditador e ameaçar que o PAU VAI TORAR se continuar fazendo besteira.

E nada ali parece forçado. Você acaba acreditando que ele é aquele cara, que ele tá querendo ajudar, às vezes se irrita, se emociona, mas sabe bem quem ele é. Pelo menos, naquilo que ele acredita ser.

O trabalho do David Corenswet consegue captar exatamente o que o Superman deveria ser. O seu trabalho como Clark também funciona na maneira como essa dualidade é encarada pelos outros personagens.

O mesmo vale para a Rachel Brosnahan como Lois Lane. Ela é inteligente, ela é competente, ela não fica como uma mocinha em perigo, chegando a fazer parte da ação em dado momento de maneira que não parece forçada. Fora que a química entre ela e o Corenswet faz com que você acredite que Clark e Lois são um casal de verdade, ainda que estejam dando seus primeiros passos juntos.

Não dá pra confiar em calvo

Só que um herói só é tão bom quanto o vilão que ele enfrenta, e o Lex Luthor do Nicholas Hoult funciona mais do que eu esperava. Desde a sua primeira cena, ele mostra uma vontade insana de derrotar o Superman, no que aparenta ser um plano comum pra ganhar dinheiro, mas que vai se revelando ser algo muito mais profundo e viceral.

O ator, que inclusive fez teste pra interpretar o Superman, não conseguia me convencer em trailers e fotos da produção, mas no filme, essa loucura, essa gana de derrotar o herói acaba sendo bastante convincente. O mesmo vale pro lado mais “gênio maluco” do personagem, algo que acaba por levar o filme pra um lado que eu não esperava muito.

Superman é um filme que não tem vergonha de ser uma adaptação de quadrinhos. Ele não chega a ser esquisito em alguns aspectos como é o caso da trilogia dos Guardiões da Galáxia, mas o James Gunn não tenta “trazer aquilo pro mundo real”. Tem coisa esquisita que em um gibi você nem questionaria. Tem uniformes coloridos, um universo que já está acostumado com pessoas com poderes e segue sua vida normalmente.

Ele mistura fantasia, ficção científica e toda a doideira que os quadrinhos têm, criando uma “vibe” excelente pra esse novo universo. Até mesmo personagens que aparecem de relance, como Guy Gardner e seu cabelo ridículo, ou a Mulher-Gavião, estão legais e dão vontade de ver mais deles. Só que isso mostra uma das falhas do filmes.

Filme a 1000 km/h, mas com o freio de mão puxado

Superman é um filme sem vergonha nenhuma de ser estranho como os quadrinhos, leve e otimista, além de trazer boas cenas de ação e algumas boas piadas. Só que ele também passa uma sensação de que o James Gunn tava cabreiro.

Querendo ou não, Superman é uma grande aposta após o que a DC se tornou nos cinemas, e um fracasso poderia prejudicar a visão desse novo DCU. Então, é possível perceber que, apesar de alguns momentos em que o Gunn parece estar solto, ele mesmo se segura pra entregar algo “pra todo mundo”.

Isso não chega a prejudicar o filme, mas faz com que ele tenha um ritmo, principalmente no seu segundo ato, um pouco embolado. As coisas ainda vão pra algum lugar, mas um pouco no tranco, fazendo com que alguns personagens e acontecimentos recebam menos atenção do que deveriam.

Um ótimo novo começo

Superman é um bom filme. Conforme estou lembrando dele, acho até que ele chega a ser ótimo. Tropeça em alguns momentos, mas entrega uma excelente versão do super-herói e apresenta um ótimo início para o DCU nos cinemas.

Eu quero ver mais desse Superman. Eu quero ver mais dessa Lois Lane, desse Lex Luthor, desse Jimmy Olsen. Desse Sr Incrível, Mulher-Gavião e até do Guy Gardner.

James Gunn pode não ter entregue um filme épico absurdo. Ele entregou exatamente o filme que o Superman precisava depois de tanto tempo. Agora, é só olhar pro alto e voar novamente!

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Pra mim, Fórmula 1 se tornou um esporte de playboy em que não conseguia mais me importar muito com o que acontecia. Tava lá, mas não tinha mais emoção. Tudo parecia “vazio”. Nos últimos anos, a FIA parece ter começado a revitalizar a imagem da Fórmula 1, com novas regras, ídolos e até enfiando uma série na Netflix que todo mundo adorou. E eu ainda não tava 100% vendido pra ideia da Fórmula 1 como quando era criança e tinha um chinelinho do Senninha.

Mesmo assim, a ideia de F1, filme que chega aos cinemas com Brad Pitt como estrela, me parecia interessante. Um filme produzido por um dos pilotos atuais da modalidade (Lewis Hamilton), em parceria com a FIA, filmado durante corridas reais, com a participação de equipes e pilotos, pelas mãos do diretor do excelente Top Gun: Maverick. Tinha potencial.

Depois de duas horas e meia, que inicialmente eu pensei que seriam eternas mas passaram rápido pra cacete, F1 se mostrou um dos filmes mais legais dessa primeira metade de 2025, que mesmo com uma história manjada, conseguiu me fazer pensar em assistir novamente a Fórmula 1 de verdade.

Um cowboy fora da lei

F1 conta a história de Sonny Hayes, um sujeito já cinquentão que vive de participar de corridas. Qualquer corrida. O negócio dele é definitivamente fazer vrum vrum.

Trinta anos antes, ele foi um piloto da Fórmula 1, correndo ao lado de Prost, Senna e outras lendas, mas após um acidente feio, sumiu. Um velho amigo, interpretado na base do carisma pelo Javier Barden, que é dono de uma equipe que só passa vergonha na F1, o procura para que ele volte para correr por meia temporada ou terá que vender tudo e assumir o fracasso.

A ideia de ter um cara lá nos seus 50 e tantos anos voltando pra correr na Fórmula 1 atual, que sempre foi algo que demanda DEMAIS do corpo e mente dos pilotos, parece completamente absurda, mas Hayes era um prodígio, um BRABO NA BOLEIA, e você compra que ele poderia simplesmente entrar no carro e sair pilotando como se nunca tivesse parado.

No caminho dele, Joshua, um jovem piloto que continuou na equipe, mas mesmo sendo bastante talentoso, não tem um carro bom o suficiente. Claro que rola aquela rixa entre experiência e juventude, provando que a história é bem manjada. Rola até um romance ali que é só porque o Brad Pitt ainda quer ser galã, mas tudo isso acaba funcionando porque a parte que realmente importa é boa demais.

F1 acerta em cheio nas cenas de corrida, com os atores de fato correndo em pistas reais com seus carros (cenas foram gravadas durante o Grande Prêmio da Grã Bretanha, em 2024), e você sente esse realismo nas cenas. É meio automático dar uma entortada na cabeça durante curvas, ou o pé tentar alcançar um freio invisível nas cenas.

Tudo fica ainda mais louco quando Sonny Hayes se mostra um completo maluco no volante, correndo com o regulamento debaixo do braço, causando pequenos acidentes pra conseguir uma vantagem pra sua equipe.

Esse estilo destemido e “fora da lei” acaba tornando as corridas mais caóticas e divertidas de se assistir, apesar de algumas cenas mostrarem acidentes que causam certa aflição.

VRUM VRUM, MALANDRO!

F1 é um filme que entrega ação, tensão, emoção, mantendo um ritmo frenético do começo ao fim.

De brinde, ainda conseguiu com que eu fosse saber como tá o campeonato 2025 e já ficar meio bolado com o Verstappen.

F1 estreia nos cinemas no dia 26 de junho.

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Quando fui assistir Premonição 6, não esperava um filme assustador ou com uma história memorável. Eu queria ver um filme divertido. Saí do cinema com um pouco mais que isso.

Legado é uma desgraça

Premonição 6 brinca com o conceito da série, que coloca pessoas que conseguem fugir da morte após terem uma visão desse momento, apenas para serem caçadas pelo Ceifador, morrendo dos jeitos mais cretinos e criativos possíveis. Premonição 6 mostra como o negócio pode ir além, mostrando uma jovem nos anos 50 que, após ver um desastre envolvendo todos que estavam na inauguração de um restaurante, acaba prevenindo o acontecimento.

Normalmente, os envolvidos seriam caçados pela morte, mas por conta do volume de pessoas e pelo acaso, essa eliminação demorou mais do que deveria e essas pessoas acabaram tendo filhos e netos. E é aí que tá o pulo do gato de Premonição 6.

A história envolve os netos dessa jovem dos anos 50, que se afastou da família quando descobriu o plano da Morte. Como eles não deveriam existir, a Morte ainda está atrás da agora idosa, mas também de seus filhos e netos e aí a desgraça corre solta por gerações.

Essa ideia acaba gerando uma história com um gostinho diferente e abre a porta para brincar ainda mais com esse “plano da Morte”, em vez de ficar repetindo infinitamente a ideia de “fugi, agora tenho que fugir de novo”.

Uma grande The Incredible Machine sangrento

Existia uma série de jogos de computador chamada The Incredible Machine em que o jogador precisava juntar diferentes objetos e criar uma sequência que completasse uma função. Por exemplo, para levar uma bolinha até a caçapa, você usava um aquário, dois gatos, uma cartolina e afins. Uma doideira.

Premonição 6 mostra mais uma vez como a franquia é uma grande The Incredible Machine da desgraça. Todas as mortes do filme, tirando a do começo, são grandes “e se qualquer coisa pudesse te matar?” que acaba tornando o filme engraçado.

Mais de uma vez, me peguei rindo sincero do absurdo que tava vendo na tela, principalmente pelo fato de que mesmo sendo ridículo, fazia sentido dentro do contexto do filme.

Premonição 6 é um filme que, à primeira vista, é cretino. É uma ideia meio esdrúxula, com uma execução que força a amizade, cheio de sangue e nojeira (as mortes são bem violentas e gráficas). Só que dentro do contexto do filme e da franquia, funciona. Por mais que as coisas pareçam absurdas, ao mesmo tempo, elas fazem sentido.

É algo que pensei depois da sessão, de como ele é um filme ridículo, mas que em momento algum, te faz se sentir burro por estar assistindo. Ele apresenta as suas regras, você compra e entra nessa jornada maluca com ele. É algo que faz falta em muitas produções e que filmes de horror conseguem apresentar com mais facilidade.

No fim das contas, você deixa de tentar encontrar algum furo na lógica do filme ou se questiona porque algo aconteceu daquela forma. Você simplesmente se deixa levar e acaba encarando um filme MUITO divertido.

Premonição 6 já está em cartaz nos cinemas.

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Juntando personagens secundários de outras produções, como Viúva Negra, Falcão e o Soldado Invernal e Homem-Formiga e a Vespa, Thunderbolts* consegue equilibrar ação, personagens com quem você começa a se importar, não força nas piadinhas e ainda faz com que você fique com vontade de acompanhar mais coisas do MCU, algo que não acontecia há muito tempo.

Enfrentando o vazio

Thunderbolts* traz um jeito um pouco diferente de ver o Universo Cinematográfico da Marvel, longe dos grandes heróis, mostrando como alguns dos personagens que vimos antes tocam suas vidas de um jeito bastante melancólico. Yelena, a irmã da Viúva Negra, vive de missão em missão, sem criar qualquer tipo de conexão com o mundo em que vive.

Trabalhando para Valentina Allegra de Fontaine, ela acaba recebendo uma missão que a coloca frente a frente com John Walker, o semi-Capitão América de Falcão e o Soldado Invernal, Fantasma, de Homem-Formiga e a Vespa, e o Treinador (ou nessa versão, Treinadora).

Quando eles percebem terem sido enganados pela de Fontaine, encontram um sujeito simplesmente chamado Bob, que acaba se tornando centro de toda a história. Se você viu o trailer, sabe exatamente do que tudo se trata.

Só que eu não tô aqui pra falar da história de Thunderbolts*. O filme consegue tocar naquilo que fez os filmes da Marvel darem tão certo por tanto tempo: ele faz você se importar com os personagens na tela.

Apesar de o longa focar bastante na jornada da Yelena e do vazio que ela sente em sua vida, os outros personagens conseguem demonstrar que são mais do que simples bonecos com umas roupas esquisitas e com umas habilidades maneiras.

A maneira como o filme tenta mostrar que esse grupo de anti-heróis são na verdade pessoas perdidas e sem propósito, mas que acabam se encontrando e descobrindo “a luz” dentro deles é mais bem feita do que o esperado. O meu medo de a Marvel tentar fazer de Thunderbolts* um grande “Esquadrão Suicida” sumiu logo no começo do filme e nem tenta fazer isso.

Muita gente vai falar sobre como o filme trata sobre saúde mental, o que por si só é bom, mas tudo ainda é superficial, ainda que seja bastante válido. Todos os personagens ali sofrem por algo e conseguem mostrar que são mais do que aquilo que todos esperam, bastando uma oportunidade para serem aquilo que sempre quiseram ser. Achei bonito.

Fechando uma fase de uma saga esquisita

Thunderbolts* é o último filme da fase 6 do MCU, engatando a última marcha pra reta final da Saga do Multiverso. Depois do sucesso de Ultimato, a Marvel não conseguiu realmente embalar nesse esquema de multiverso como gostaria, apesar de ter funcionado relativamente bem na série do Loki.

Eu esperava que Thunderbolts* serviria, de alguma forma, pra empurrar a história pro caminho da conclusão dessa saga, mas confesso ter ficado bastante contente com quão “DANE-SE ESSE ESQUEMA DE MULTIVERSO” ele é. Praticamente todo o filme foca na sua história, sem querer ser um enorme teaser pra um próximo filme, o que eu achei ótimo. Até nas piadinhas eles souberam segurar a onda, entregando algo divertido, mas sem parecer irritante como em algumas produções recentes.

No fim das contas, a única coisa que tenta empurrar um pouco pro futuro do MCU tá no final e nas cenas pós-créditos (a última fica bem no final e é a mais longa dos filmes da Marvel).

Em vez de ficar só pensando em multiverso, saí pensando que a Florence Pugh é muito boa atriz e um anjo. Que o David Harbour como Guardião Vermelho é muito divertido. Que o Wyatt Russell tem muito a oferecer como Agente Americano. Que finalmente eu consegui ver valor na Fantasma. Que o Bucky pode ser mais que o amigo do Capitão América. E que o Bob fica horrível de cabelo loiro.

Thunderbolts* está em exibição nos cinemas.

E sim, o * tem um motivo pra existir e sim, se você parar pra pensar por uns minutos vai entender exatamente o que ele significa.

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Sim, parece um pouco de exagero, mas um filme que em mais de uma ocasião me deixou SCORSESEZADO merece essas palavras.

Sobre o que se trata Pecadores?

Pecadores conta a história dos gêmeos Fumaça e Ferrugem, dois caras interpretados pelo Michael B. Jordan na sua quinta colaboração com o diretor Ryan Coogler. Com uma trama que se passa nos anos 30, vemos os dois retornarem para onde cresceram, no sul dos Estados Unidos, para comprar uma propriedade e abrir um clube de jazz.

A região, fortemente tomada pela segregação racial, mostra uma realidade em que negros tem pouquíssimos direitos, se é que têm algum, e ainda são perseguidos por racistas e toda sorte de canalhas. Mesmo assim, Fumaça e Ferrugem peitam tudo e todos  para abrir o seu clube.

O filme cobre aproximadamente 24 horas, já mostrando logo de cara que DEU RUIM E DEU RUIM GERAL! Só que o que exatamente deu errado é onde está a graça da história. Basicamente, como se já não bastasse um bando de cretino racista por perto, tem vampiros na região.

A música movimenta a alma

Um elemento muito legal de Pecadores é como a arte e a música são tratados dentro desse universo. Logo no começo, temos uma narração que conta como existem pessoas que têm um dom para através da música tocar a alma de todos e romper o véu entre a realidade e o sobrenatural, entre o presente, o passado e o futuro, com suas melodias.

No centro disso vemos Sammie, primo de Fumaça e Ferrugem, e que vive sua vida como colhedor de algodão e o sonho de ser um bluesman, sempre carregando seu violão. O personagem, que é interpretado pelo cantor Miles Caton em sua estreia no cinema, é o elemento chave para fazer Pecadores funcionar.

Com sua voz impressionante e talento no violão, ele é o responsável por atrair os seres da noite até a porta do clube de jazz, graças à sua música transcendental.

Existe uma cena específica bastante musical que me pegou completamente de surpresa e me deixou com um sorriso no rosto do começo ao fim. Aquela imagem ali do Scorsese de “Absolute Cinema” era basicamente eu assistindo tudo aquilo.

Toda a trilha do filme, composta pelo colaborador habitual do diretor, Ludwig Göransson, mistura blues com elementos mais contemporâneos, criando uma atmosfera sempre viva e excitante ao longo de toda a história. Sabe aquele tipo de trilha que quando você sai do cinema, já procura na internet porque curtiu demais? Foi exatamente isso que aconteceu comigo ao sair da sessão de Pecadores.

O sobrenatural e o mundano

Pecadores consegue captar bem a ideia de uma cidade aparentemente divida racialmente, com algumas cenas deixando claro essa divisão entre a população branca e negra. O Ryan Coogler consegue mais uma vez abordar bem essa questão racial de um jeito bastante eficiente, ainda destacando bastante a cultura negra não somente dos Estados Unidos, mas também de suas raízes africanas.

A personagem da atriz Wunmi Mosaku, a Annie, mostra bastante esse lado mais sobrenatural, com um pézinho em religiões de matriz africana e que consegue ser  bastante familiares para o público brasileiro.

E todo esse clima vai de 0 a 100 quando surgem vampiros na história. Uma coisa excelente de Pecadores é que, em momento algum, eles tenta inventar novas regras pros sanguessugas. Você sabe o que é um vampiro e como eles operam? Suas fraquezas? Show, é isso que tá lá no filme.

E tudo isso é usado de um jeito extremamente empolgante e assustador, cheio de sangue e gore, do jeitinho que deveria ser. Tudo funciona, é impressionante!

Pecadores já é um dos melhores filme de 2025! O filme é bem atuado, empolga, assusta e mostra que existe lugar sim para histórias inéditas que sejam grandiosas. Mais uma vez, a dupla Coogler-Jordan acertou a mão! Que venha mais filmes deles!

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Mesmo assim, reconheço o fenômeno que o jogo se tornou, que acabou transformando o game da Mojang no mais vendido da história. Pura doideira. Quando os rumores sobre uma adaptação pro cinema começaram a surgir, anos atrás, eu não botei muita fé. Alguns jogos de fato criaram uma historinha dentro do universo de cubos, mas nada grandioso.

Aí a Warner foi lá e anunciou elenco e eu ainda pensava “Ah, vão fazer uma animação, né?”. Até que as primeiras imagens surgiram e bom, era live action mesmo.

Muitos fãs do jogo torceram o nariz porque, apesar de muita coisa estar muito bem transportada pro cinema, a parte com atores mostrou que talvez o filme não foi feito pros marmanjos que jogavam Minecraft quando eram crianças (Meu Deus, o jogo saiu há 16 anos!).

Só que o filme foi feito para as crianças de hoje que jogam Minecraft. E talvez isso não seja errado. Os diretores poderiam ter feito algo mais próximo de Super Mario Bros – O Filme, mirando em TODO MUNDO que gosta do Mario, atingindo as crianças e os marmanjos que ficaram emocionados ao ouvir a música da estrelinha tocar no cinema.

Porém, Um Filme Minecraft é claramente feito para um público bem infantil, a escolha foi feita, o que não significa que ele seja um filme ruim. Só que também não significa que ele seja muito bom.

Minerando e construindo

Um Filme Minecraft começa com uma explicação rápida sobre o que é Minecraft e quem é Steve, personagem “interpretado” pelo Jack Black (já explico essas aspas). Em poucos minutos, entendemos como ele queria ser um minerador, como ele foi parar no Overworld, o universo do game, e meio como o lugar funciona.

Confesso que eu gostei bastante que o filme não ficou dando grandes explicações sobre o funcionamento do universo de Minecraft. É meio que “Então, é isso aí. Funciona assim. Não pense muito, só aceite e vamo que vamo”. Isso ajuda a deixar o filme mais leve, sem aquela necessidade constante de explicar como as coisas funcionam.

E é nesse universo que conhecemos Garrett, um sujeito que foi um astro dos videogames quando era adolescente, no final dos anos 80, mas agora vive de glórias (que são bem questionáveis) do passado. Junto deles, temos Natalie e Henry, dois irmãos que se mudam para uma cidadezinha após a morte de sua mãe.

Henry é o equivalente ao “jogador” no filme, uma criança cheia de criatividade que consegue construir quase tudo, ainda que isso não pareça muito legal no mundo real.

O longa traz uma trama completamente inédita, até porque Minecraft nem tem uma história fechada, justificando porque ele não se chama apenas “Minecraft”, mas sim “Um Filme Minecraft”, deixando a porta aberta para mais filmes dentro desse universo.

Eu não sou o público desse negócio

Dito tudo isso, eu consigo ver valor em Um Filme Minecraft como uma diversão pra família, com algumas ótimas referências pros fãs, mas que é bastante focado em crianças. Sabe quando você vê aquela criancinha com uma mochilinha ou caderno de Minecraft, que fica louco quando vê um bonequinho de Creeper? Então.

O filme não me pareceu ofensivo para fãs, trazendo até alguns elementos que parecem estar ali pra agradar a comunidade, mas ele tem um tom bastante específico, mirando em um público mais infantil.

Isso não me fez desgostar do filme, mas em boa parte das cenas, ele deixa claro que eu não sou o público alvo dele e está tudo bem. Apesar de estar longe de ser perfeito, o fato de Um Filme Minecraft não ficar atirando pra todos os lados pra agradar todas as idades chega a ser até louvável. Ele sabe o que é e não tem medo disso.

Então, existem piadas e situações que não funcionam tão bem por serem bastante inocentes e infantis, mas quando você percebe isso (e o filme faz isso logo de cara), meio que aceita o filme pelo que ele é.

Alguém precisa parar o Jack Black

Quem segura muito o filme é o Jack Black e o Jason Momoa, mas em níveis diferentes. O Momoa, como Garrett, mostra mais uma vez o quanto ele se diverte nos filmes que faz, abraçando a galhofa com vontade e se jogando na ridiculice sempre que possível. Acho que boa parte do carisma dele vem disso e é algo muito legal.

E aí temos o Jack Black, que é um cara que eu até gosto, que quando funciona, funciona DEMAIS, mas em alguns momentos, mostra que ele não atua.

Todo personagem que o Jack Black faz é o Jack Black atendendo por um outro nome. Em Um Filme Minecraft, ele é o Steve, o “personagem padrão” dos jogos e é legal como eles mostram o porque ele foi parar naquele mundo cúbico e colorido.

Só que o Jack Black insiste em fazer as mesmas caretas e maneirismos de Jack Black no papel. Ele canta, porque é óbvio que ele ia cantar, porque é o Jack Black. Em uma cena, é meio vergonhoso, mas faz sentido no contexto da cena. Só que aí acontece de novo mais pra frente e você fica pensando qual é a necessidade disso além de massagear o ego dele.

Se não fosse o Momoa abraçando a cretinice no meio, ficaria cansativo.

Não é pra mim, mas as crianças podem adorar

Um Filme Minecraft é um bom filme tipo Sessão da Tarde, com momentos que me fizeram pensar “Ahh é tipo um filme da Xuxa ou dos Trapalhões, só que muito caro”. Isso não chega a ser um problema, eu gostava muito dos filmes dos Trapalhões quando era criança. Só que eu não sou mais criança.

Um Filme Minecraft estreou dia 3 de abril nos cinemas de todo o Brasil.

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