PUROCHILE

SCD demanda a Walmart y Cencosud y pide anular contrato para emitir música en locales: “No son legales”

2026-08-02T14:22:27.075-04:00

El Mercurio

La SCD cuenta con 65 personas para monitorear restaurantes, tiendas, pizzerías y otros espacios que deben pagar una licencia por la música. Ha iniciado acciones legales contra una decena, incluidos retailers, a quienes acusa de tener un contrato de reproducción con un tercero no legitimado.

Por María José Tapia

Tío Tomate, la Destilería, Santino, Casa Lastarria, Mulato, La CAV, sucursales de Johnny Rockets y McDonalds, solo por nombrar algunos. La Sociedad Chilena del Derecho de Autor ha impulsado cientos de demandas en los últimos años, y una veintena solo en este ejercicio. Todas por no pago de licencia para reproducir música en locales comerciales, restaurantes o retailers. En algunos casos, las deudas superan varios millones.

La ley autoriza a la SCD a realizar la gestión colectiva de los derechos de autor y conexos, y cobrar por esos derechos a quienes los utilicen. Cada local —desde restaurantes hasta clínicas— debe tener una licencia entregada por la asociación. Es un pago mensual determinado por metros cuadrados, cantidad de mesas o ingresos, dependiendo del giro, que puede partir en unos $20.000 al mes hasta varios miles en los casos de grandes superficies.

“El usuario tiene que pedir la licencia. Eso en la práctica casi no ocurre, por lo que tenemos un grupo de ejecutivos de Arica a Punta Arenas que, mediante un sistema informático, busca usos”, señala el director general de SCD, Juan Antonio Durán, sobre las 65 personas que ubican restaurantes y piden firmar el contrato.

Los restaurantes demandados se han defendido aduciendo fuerza mayor por el período de pandemia, y prescripciones. Por ejemplo, a la pizzería Tío Tomate del Mañío le reclaman $4,9 millones y 50 UTM por indemnización. La causa sigue en curso.

“No se cobró en pandemia”, dicen en la SCD. Dieron de baja más de 6.500 usuarios, entre los que cerraron, quebraron o no podían operar. “Antes de la pandemia teníamos 15.500 usuarios y este año esperamos llegar a 13.000, recién. No hemos podido recuperar el nivel que teníamos antes de la pandemia”. Y agregan: “Si un usuario dejó de pagar en la pandemia y no dijo nada, sí estamos demandando, porque eso quedó atrás hace rato”. Al cierre de 2025, la SCD reportaba ingresos por $14.612 millones. De ellos, la mitad proviene de los derechos que pagan las grandes plataformas, como Spotify, YouTube, Netflix. Luego vienen los conciertos y grandes espectáculos. Y entre un 15% a 20% de los retornos tienen que ver con estos locales, denominados Usuarios Generales Permanentes.

A comienzos de junio, la Corte Suprema falló en favor de la SCD. Rechazó los recursos interpuestos por El Mesón de la Patagonia en Lo Barnechea. Le ordenó —se lee— pagar una multa de 5 UTM por infringir la Ley Nº17.336 de propiedad intelectual y una indemnización equivalente a 2,40 UTM mensuales, más un 50% por derechos conexos. Existen otros varios casos en los que la SCD triunfó, estrategia que ha dado un paso más.

La arremetida sobre los retailers

El 27 de mayo, la organización demandó a Walmart y todas sus filiales, antes lo había hecho también con Cencosud.

En 2017, ambos retailers habían firmado un contrato de reproducción de música con la empresa D&A, que según la SCD contraviene los artículos 67 y 91 de la LPI, que plantean que el cobro de derechos deberá efectuarse a través de la entidad de gestión colectiva que los representa.

D&A Licencing fue fundada en 2016. A diferencia de la SCD que gestiona colectivamente derechos de autor, D&A —señala— gestiona de manera individual, no se basa en un repertorio, sino en un catálogo determinado de unas 900 canciones —la SCD procesa 50 millones semestralmente—, autorizadas por sus titulares, directamente o a través de la firma de gestión de derechos europea, Soundreef, según subrayan en las acciones judiciales. Todos, planteamientos que SCD rechaza. “Ellos recurren a un eufemismo, al decir ‘no hacemos gestión colectiva, sino gestión individual múltiple', pero hacen exactamente lo mismo que SCD”, dice Durán.

Por eso, la acción judicial recae sobre el contrato que firmaron los retailers y D&A. Apuntan a que la justicia los anule. “Sostenemos que no son legales, y por tanto es una operación ilícita”.

En años anteriores, la asociación ya había intentado ir sobre D&A con una querella penal. La Corte de Apelaciones la desestimó. Y los socios de la empresa, tras dos años de investigación, fueron sobreseídos. “D&A sí cuenta con autorizaciones”, señaló el tribunal.

“Solo dijo que esto podrá exigirse por otra vía, no por la vía penal, y por eso estamos demandando civilmente”, señala el dirigente.

“La verdadera razón por la cual la SCD ha interpuesto la demanda es porque pretende arrogarse una representación que no tiene”, dice D&A en una acción judicial. “Pretende —subrayaron— prohibir que mi representada licencie o sublicencie, las canciones respecto a las cuales tiene derecho, erigiéndose con ello como la única alternativa para que empresas que atienden público tengan música ambiental”.

Hace dos semanas, Walmart contestó la demanda. Reiteró que no es primera vez que la SCD intenta ir sobre el rol de D&A. Y que el tribunal ya desestimó esas acusaciones. “La SCD confiesa que su cuestionamiento no recae sobre el contrato en su individualidad, sino sobre la actividad comerciales de D&A en general. Ese juzgamiento es ajeno a una acción de nulidad”.

Según antecedentes aportados a la causa, en 2023, un Ekono pagaba $32.400 al mes; un Acuenta, unos $62.000; un Express, promediaba $50.000, y un HiperLider podía llegar hasta $82.000 mensuales, por derechos musicales. Todos de la cadena Walmart.

Las tarifas de D&A serían hasta la mitad de lo cobrado por la SCD.

En el caso de Cencosud, la disputa venía desde bastante antes. En 2023 fue la primera vez que SCD demandó a su negocio de mejoramiento del hogar, Easy. Pidió también la nulidad del contrato con D&A. “Las relaciones comerciales entre D&A, Cencosud y Easy no adolecen de objeto ni causa ilícita”, se defendió el retailer. “En definitiva, lo que la SCD pretende es apropiarse ilegítimamente de la gestión de derechos de autor y conexos, sobre los cuales ni la demandante —ni nadie— puede tener derechos exclusivos”, añade la defensa. La causa sigue tramitándose.

Contactados D&A y los retailers, no estuvieron disponibles para este reportaje.

“Violeta y Gilbert”, la historia de un amor tormentosamente intenso

2026-08-02T14:19:12.644-04:00

El Mercurio

El libro de Patricia Díaz-Inostroza se adentra en la relación entre la folclorista y el aventurero suizo. Una bitácora de sus últimos años, que también derriba mitos, y plantea que “Gracias a la vida” está inspirada en él.

José Vásquez

La historia, completa, tiene rasgos novelescos. “Violeta y Gilbert” (Pehuén), el libro que acaba de lanzar Patricia Díaz-Inostroza, está cruzado por el viaje y el amor tormentoso, donde el destino, o quizás el azar, fueron construyendo una narrativa que si no estuviera tan bien documentada, podría pasar perfectamente por un guion de ficción.

Sobre la vida y obra de Violeta Parra existe abundante bibliografía. La folclorista más universal de Chile está ampliamente cubierta, pero este episodio de su vida, el capítulo de su relación más importante, no se había explorado en profundidad, como ahora, donde también se perfila quién fue Gilbert Favre. Un suizo que trabajaba de tramoya en Ginebra, que era un músico aficionado amante del jazz, que entonces soñaba con ir a buscarse la vida a Grecia, pero que de pronto, por una conversación casual con un amigo, llegó a ofrecerse frente al arqueólogo Jean-Christian Spahni, que buscaba un colaborador para viajar al otro lado del Atlántico.

El relato, que va a ser cronológico, se inicia en 1960. Favre tiene una historia increíble en la primera parada en África, o el hundimiento posterior del barco que lo llevó hasta Argentina. La autora destaca al suizo con un término que se repetirá a lo largo del libro: “Su buena estrella”, que lo acompaña.

Y bueno, llegado a Santiago, apenas hablando algunas palabras de español, va a una disquería en el centro para investigar sobre el folclor del país. Desde ahí le señalan que sus preguntas serían mejor respondidas en la Universidad de Chile, donde llega hasta una sala en la que estaba Gastón Soublette, y escucha los nombres de Margot Loyola y Violeta Parra. “¿Cuál es más interesante?”, pregunta. Le dicen que Parra. Adela Gallo, fotógrafa y amiga de la cantautora, justo andaba por ahí. Era 3 de octubre, y le ofrece llevarlo a conocerla al otro día, que era su cumpleaños.

Todo parece demasiado conectado. Ya en la casa de La Reina, ella rompe el malhumor de Violeta diciéndole que le traía “un gringo de regalo”. Su cara se ilumina al instante. Él tenía casi 20 años menos. Lo que sigue luego es una historia interminable de idas y venidas, pasión y violencia. Distanciamiento por los viajes a Buenos Aires, y Europa, su exposición en el Louvre, y una comunicación tan tórrida como cariñosa y sentimental a través de las cartas.

Una violetóloga

“El libro lo escribí como una novela de no ficción porque sentí que no había otra forma de hacerlo, además, ella (Violeta) me fue indicando el camino”, cuenta Díaz-Inostroza, que desde prácticamente hace cuatro décadas ha estudiado a la artista. La autora de “Violeta y Gilbert”, con la bajada de “una historia de amor, locura y música”, es periodista y musicóloga, ha publicado obras como “El Canto Nuevo chileno: Un legado musical” (2007), y sobre la cantante lírica, “Clara Oyuela y el arte de cantar” (2017), entre otros, y fue la directora del grupo folclórico Abril.

El 2015, en LASA (Latin American Studies Association), un congreso realizado en Puerto Rico, fue presentada como “violetóloga”, donde fue invitada a hablar de la cantautora. Ese, cuenta, fue el impulso para comenzar este libro, que tuvo una primera edición autogestionada en 2023 de solo 200 ejemplares, que se vendieron casi de inmediato, hasta ahora que tiene esta primera edición de Pehuén, con una mayor distribución, lanzada el pasado miércoles.

“El libro parte en 1960 y cubre la etapa, quizás, más creativa de Violeta, pero también porque me interesaba tener una pista del por qué ella se había quitado la vida. Por eso me metí en profundidad en esos años y cuando aparece Gilbert, esta investigación se me agrandó”, dice la autora. ¿Es responsable el suizo de la decisión de la artista? Para Díaz-Inostroza, esa conclusión es apresurada, y responde con que fue una sumatoria de cosas.

“Hablar del amor de Violeta y Gilbert como tóxico es verlo con palabras contemporáneas. Fue un amor muy apasionado, ellos vivieron juntos, se decían ‘marido y mujer'. No eran gente común y corriente, porque Gilbert quería conocer el mundo, era un enamorado de la vida y hacen cortocircuito cuando se mandaban a la punta del cerro. Más lo hacía la Violeta con él, que al revés”, dice la autora.

De ahí nacieron canciones como “Run run se fue pa'l norte”, inspirada en lo que él le describe cuando la deja, yéndose a Bolivia, o “Gracias a la vida”, que la escritora defiende como un tema de amor, también inspirado en Favre.

Antes de su muerte, ocurrida el 5 de febrero de 1967, había aparecido un personaje que la autora sí sindica como “tóxico”, el uruguayo Alberto Zapicán. “Ella pasaba un momento de depresión importante y sentía que todo el mundo le daba la espalda, sus hijos, sus compañeros de canto, y Gilbert, que la había dejado”.

En este epílogo oscuro hay espacio para desmitificar el fracaso del que se habló, que fue su carpa en La Reina. El lugar sufrió con el temporal en 1966, “un año muy lluvioso, donde se rompe la carpa”, explica la autora. “También se decía que ese fracaso tuvo implicancias en su suicidio, porque era su gran obra, pero no fue así. Fue un proyecto más de ella, que cuando cae, no es que la haya abandonado el público. Era invierno. En verano o primavera, había mucha gente. Era un lugar más grande que la Peña de los Parra, que estaba en el centro. La investigación profunda rompe mitos”, plantea Díaz-Inostroza.

Gilbert Favre se casó en Bolivia, y desde ahí forjó una destacada carrera con el conjunto Los Jairas, trascendentes dentro de la canción andina. Falleció en 1998, ya de regreso en Europa.

Cambios en los Fondos de Cultura reducen montos para 2027

2026-07-29T09:51:49.128-04:00

El Mercurio

Con la apertura de la convocatoria a la línea de Becas Chile Crea 2027, el Ministerio de las Culturas da cuenta de las reducciones en su presupuesto. Esta política estaría perdiendo unos 40 mil millones de pesos del presupuesto de este año.

Maureen Lennon / Soledad Ramírez

“Como parte de nuestro plan de acción y ejes de gestión 2026-2030, hemos propuesto un rediseño profundo de los Fondos Cultura 2027, para asegurar que cada recurso tenga el mayor impacto posible”. A través de un comunicado de prensa, el ministro de las Culturas, Francisco Undurraga, se refirió a los cambios en los fondos que asigna su cartera y detalló el inicio de las postulaciones.

Pero en la información no se incluían los montos totales ni parciales de estos fondos. En una entrevista a radio Duna ayer, el subsecretario de las Culturas y las Artes, Carlos Lobos, reconoció que “si bien sufren un ajuste, estamos hablando de una cifra de 41.405 millones de pesos que se van a repartir entre todos estos fondos concursables”. El ministerio no contestó sobre esta pregunta.

La merma es más de la mitad del presupuesto de 2026. Los montos para los Fondos de Cultura, en todas sus divisiones (Libro y la Lectura, Música, Audiovisual, Artes Escénicas, Fondart Nacional y Regional), llegaron este año a $85.430 millones. En 2025, dicho monto fue de $78 mil millones.

En el anuncio del lunes se daba cuenta de que el calendario parte con la convocatoria de la línea Becas Chile Crea en todos los fondos, con cierre el 31 de agosto. Revisando las bases de este proceso, publicado en la página web del ministerio, se observan reducciones drásticas: en el Fondo Audiovisual hubo $540 millones para asignar este año, pero en 2027 habrá solo $192 millones; en el del Libro y la Lectura, la rebaja va de $293 millones a $128 millones; en el Fondart Regional, de $835 millones a $335 millones, solo por dar algunos ejemplos.

El foco en la familia

La apertura de las otras líneas en cada uno de estos fondos se dará a conocer cronológicamente, en un avance escalonado de convocatorias y definiciones. También se confirmó que se van a incorporar nuevas líneas y modalidades, entre ellas: Barrios Creativos, en el Fondart Nacional; Culturas Tradicionales, en el Fondart Regional; Jóvenes Talentos, en el Fondo de Artes Escénicas y en el Fondo de la Música, y Fomento del Desarrollo Integral, también en el Fondo de la Música.

Uno de los cambios que podría generar polémica es adelantar la alternancia en la selección. Esto quiere decir que habrá restricciones de postulación para los responsables de proyectos que hayan sido seleccionados en ciertas líneas del concurso 2026 (se exceptúan acá los festivales de trayectoria).

Otros de los cambios que busca implementar el Ministerio de las Culturas en los fondos es establecer cuotas para fomentar la selección de proyectos que promuevan la creación de contenidos dirigidos a niños y adolescentes, con el fin de poner el foco en las familias como público objetivo, y también fomentar la creación de productos culturales de fácil acceso a los nuevos públicos, por ejemplo, publicaciones digitales, contenidos multiplataforma y comunidades creativas, a través de apoyos a nuevas tecnologías y narrativas en la creación y producción de contenidos. En otro aspecto, se crea la modalidad de Talento Joven en el Fondo de Artes Escénicas para financiar óperas prima.

En otra arista de este proceso concursable, se eligieron nuevos evaluadores de los proyectos que postulan, buscando ampliar el registro de quienes participan de este proceso.

Dudas en algunos puntos

Bárbara Negrón, directora general del Observatorio de Políticas Culturales, comenta que “los anuncios pueden estar bien, pero lo importante es que, cuando se publiquen, revisar bien las bases y ver cómo estos se concretan”.

De manera preliminar, le llamó la atención el anuncio “del freno a la concentración de recursos. Acá es bien interesante poner el marco y el espíritu de la ley de los Fondos Cultura: dotar de obras de calidad a la población, más allá del mercado y otros factores”. Negrón señala que si el objetivo es la calidad, “al Estado no le debería importar estar frente a una concentración de quiénes se lo adjudican, porque el foco de lo que uno está financiando es la obra. Si tú quieres que el fondo se reparta entre más personas, podrías hacer una lotería y daría lo mismo. Pero la calidad siempre es un requisito importante”.

A juicio de la directora del Observatorio de Políticas Culturales hay un estigma de que los fondos siempre se los ganan los mismos, pero no existen pruebas de esto. “Las políticas públicas se hacen en base a evidencias y las que nosotros manejamos es que no necesariamente es así. Me hace ruido que no se pueda volver a postular a una misma línea”, afirma Negrón.

La ejecutiva sí aplaude el apoyo a talentos jóvenes y el foco en infancia y familia, porque considera que eso faltaba. Una opinión que es refrendada por Andrea Pérez de Castro, presidenta de la Red de Salas de Teatro. “Ese anuncio me parece muy positivo. Es algo por lo que venimos peleando hace años”, acota. Pero lamenta que no ve una política para hacer crecer los fondos, “sino más bien una redistribución con nuevas bases. Me parece muy bien que se apoye a las óperas prima, pero eso se hace aumentando los recursos, no disminuyéndolos”, señala Andrea Pérez de Castro.

Inti Illimani sigue el camino: “Si estuviéramos viviendo de glorias pasadas, ahí sí deberíamos colgar los botines”

2026-07-19T09:35:39.760-04:00

La Tercera

El célebre conjunto publica Caminos, un disco que reafirma su vocación de crear y mantiene su interés en explorar sonidos latinoamericanos, incluso con la presencia de Pablo Chill-E y la voz del fallecido Patricio Manns. Jorge y Marcelo Coulon también proyectan el futuro de la agrupación cuando sus integrantes históricos se acercan a los 80 años. “Hay Inti Illimani para mucho rato”.

Por Felipe Retamal. Imágenes de Andrés Pérez.

“Caminos cierra el disco, pero en realidad lo abrió”, comenta Jorge Coulon cuando se refiere a la canción que le da título al nuevo disco de Inti Illimani. En efecto, es la última canción del repertorio, pero fue la primera que el grupo trabajó en su sala de ensayo en La Reina. En realidad, tomaron una idea que venia circulando y la desarrollaron. “En el disco anterior, había una canción que se llama Chile es un camino, un poco de ahí partió -rememora Coulon-. Chile es un camino, pero pucha, todos son caminos, trayectorias”.

La idea de celebrar ese camino, con música, cruzó al nuevo trabajo del célebre conjunto, grabado durante tres semanas en el estudio Santuario Sónico y disponible desde esta semana en las plataformas digitales. “Caminar, caminar, sin volver la vista atrás”, cantan en aquella canción que les sirvió de farol creativo. Un camino que revisita lugares de memoria, ofrece momentos de reflexión y encamina hacia la celebración de los 60 años de vida del grupo que completan César Jara, David Azán, Daniel Cantillana, Christian “Búho” González, Efrén Viera, Juan Flores Luza y Camilo Lema. “Es el camino a los 60 años, es un camino en el sentido de que el conjunto tiene una vía muy larga por delante, aunque tengamos este aniversario que suena como muy rimbombante”, acota Marcelo Coulon.

A pesar de la impronta de los hermanos Coulon, como los nombres históricos del grupo, en realidad, se articulan como un colectivo a la hora de trabajar. “Este es un disco muy colectivo, como la mayoría de los discos de Inti Illimani -explica Jorge Coulon-. Ha habido mucha intervención, mucha colaboración en los arreglos, incluso en los textos, siempre buscar palabras o de repente frases que hacían más sentido de otra manera”.

Esa colaboración es la que les permitió trazar el universo sonoro del disco, en que la exploración por la música latinoamericana, los llevó hacia los rincones del vals peruano, la cumbia, entre otros. De alguna forma, resumiendo los intereses del conjunto. “Una vez que teníamos los 10 temas nos dimos cuenta que no nos faltaba ninguna temática que tocar, cuando uno dibuja un disco va viendo qué puede faltar -detalla Marcelo Coulon-. Nos dimos cuenta de que estábamos pisando en un terreno bien nuestro, haciendo algunas cosas que no son las más típicas del Inti Illimani, buscando cierta sonoridad o ciertos ritmos que van de a poquitito haciéndose parte de nuestro repertorio”.

Ante todo, el Inti no abandona su interés en plasmar una reflexión. Una mirada profundamente humanista, es la que abre el disco con El Fuego de la Memoria, escrita por Daniel Cantillana y con música de David Azán, en una referencia a la esperanza en clave de poesía. “Como un fuego subterráneo que incendia en su rebrotar/desde las mismas raíces hasta lo alto del Tepual/El fuego de la memoria que no dejara de arder/Vieja luz que anunciará el amanecer”, canta el grupo con sus característicos arreglos vocales. A Jorge Coulon la letra le gatilló de inmediato una conexión. “Tengo un amigo que es un filósofo sufí turco con el que tengo una amistad desde hace ya varios años, y el texto me evocó inmediatamente, más que el sufismo, el sufismo es un fuego de la memoria, al Zoroastrismo, la cuna de las religiones monoteístas, donde claro, el símbolo o la ritualidad estaba en conservar un fuego. Y eso hace mucho sentido con la época actual. La gran mística no tiene edad”.

El Inti también se expande hacia la música de vocación bailable, en la animada cumbia Todo en ti, cuyo videoclip fue protagonizado por los actores Katty Kowaleczko y Daniel Alcaíno. Un trabajo delicado, que a su vez, remite a una idea que hay en el conjunto respecto al género ineludible en fiestas universitarias y fondas. Una mirada que ya han plasmado en temas como Sobre tu playa. “Nosotros tenemos una posición al respecto -subrraya Jorge Coulon-. La cumbia chilena dieciochera es un género nacional, pero de alguna manera mira la cumbia desde el punto de vista de la diversión, de la festividad. Pero la impresión que nosotros siempre hemos tenido conociendo de la música colombiana como la hemos conocido durante tantos años, es que hay una elegancia en la cumbia colombiana que de alguna manera se pierde en esta cumbia austral. Como que se nos sueltan las trenzas de la diversión y se pierde una finura y una elegancia que la cumbia tiene. La danza de la cumbia, es súper elegante”.

A tono con la historia del Inti, el disco contiene una reflexión contingente. Escrita en letra y música por David Azán, La Verdad no Obedece, plantea una mirada que podría remitir a Chile como a otros puntos del orbe. “Dicen patria escondiendo la espada, dicen paz invocando la ley/Pero el trigo no crece en la sombra y mi pueblo pueblo se postra en tu rey”, dice la letra, construida con imágenes de clara vocación poética. “Es una canción que tenía que estar presente de esa manera u de otra, pero en ese carril de expresión”, dice Marcelo Coulon. Por su lado, a Jorge Coulon, lo convenció de inmediato. “Yo la recibí con mucha alegría, como que hacía falta algo así -comenta-. Hemos ido derivando a una especie de tibieza general, de no pisar huevos, de no pisar callos, pero en esa deriva se han ido corriendo mucho los cercos también. Yo lo veo mucho como navegar en velero; de repente tienes que cargarte mucho para un lado, porque si no el velero se te da vuelta para el otro”.

También hay espacio para tributar a un viejo amigo del grupo, el fallecido Patricio Manns. En su memoria, Daniel Cantillana escribió La Copa Alzada, un tema de guitarra arpegiada que parece perfilar al cantautor y celebrarlo con un brindis a la eternidad. “No soy yo quien para escribirte un homenaje/Y la verdad es que te debo tanto y más/Siempre tus páginas te vi de los paisajes, de un mundo justo que hoy nos toca imaginar”, dice la letra. Y para remarcar la sorpresa, se oye al mismo Manns recitando un extracto de Sonata Solidaria, pieza compuesta para el film cubano, Cantata de Chile, de Humberto Solás. “Teníamos esa grabación que la hemos usado en más de una ocasión en los conciertos”, apunta Jorge Coulon. “La idea es que no se pierda nada de Patricio Manns”.

Manns también flota en otro momento del álbum. Originalmente, La Tramontana, era un texto del cantautor que nunca se grabó. Empeñados en recuperarla, David Azán, quien fue guitarrista de Manns durante 10 años, intentó reconstruirla a partir de sus recuerdos. Y allí ocurrió una coincidencia. El cantautor italiano Giulio Wilson, quien grabo el disco Agua junto a los Inti en 2023, se llevó a Europa un ejemplar de Cantología, el libro que reúne todo el trabajo en verso del hombre de Arriba en la Cordillera. “Y yo creo que intervino el Pato desde alguna parte, porque Giulio nos comentó ‘esta canción me tiene loco’ -recuerda Jorge Coulon-. Y nos mandó una idea de música. Y resulta que esa música que nos mandó tenía mucho que ver con la que recordaba David”. Ahí terminó de encajar.

Entre los surcos de Caminos, se escucha la voz de otro invitado; el precursor del trap chileno, Pablo Chill-E suena en Abya Yala. Una canción que hace referencia al antiguo nombre con el que algunos pueblos originarios llamaban al continente americano. Se trata de una composición con vocación de himno, que con sus trabajadas armonías vocales podría emparentarse con otros temas del Inti, como Simón Bolívar o América novia mía. El encuentro entre dos universos musicales, a primera vista muy diferentes, se gestó a partir de un encuentro. “El año pasado con Marcelo hicimos un trabajo en el centro cultural Shishigang, que se llamaba Paya y batalla, juntando la improvisación en décima con las batallas de rap. Fue una experiencia extraordinaria, aprendimos muchísimo. Entonces por ese lado teníamos el contacto”, explica Jorge Coulon. Al trapero le acercaron la idea, fue al estudio, escuchó la canción y luego envió su parte. “Hemos tratado de mantener un contacto que no siempre ha sido fácil, porque los prejuicios funcionan para un lado y para otro, digamos. Pero la buena disposición que él mostró inmediatamente, habla muy bien de la posibilidad de no crear mundos incomunicados”, agrega el músico.

-¿Cómo han visto ustedes la irrupción de gente joven que cultiva el interés por la música latinoamericana? De alguna forma, siguiendo lo que han hecho ustedes, o gente como Victor Jara…

Jorge Coulon: Mira, en general nosotros tenemos bastante contacto con juventud, por una parte a través de nuestra actividad con el colegio [NdR: Sol del Illimani] ahí en La Florida, pero también porque se nos acercan muchos cabros a conversar. Bueno, ya hemos vivido suficiente para saber que esta historia se repite cíclicamente, hay cosas que vuelven, cosas de las cuales uno se satura, y después la siguiente generación retoma. Nosotros mismos lo vivimos así, digamos. Entonces yo creo que viene una necesidad de identidad, sobre todo de saber desde dónde conversamos con el mundo. Porque si no, y voy a citar a Albert Camus, el sentido de no pertenencia, el sentido de lo que él llamaba el “de paysament”, el de no ser de ninguna parte, es tremendamente doloroso, especialmente para los jóvenes, que siempre andan buscando de dónde vienen. Entonces yo creo que se viene una generación interesante en ese sentido, nunca se ha interrumpido. Y ahora, por ejemplo, está el caso de este muchacho argentino, el Milo J, que tiene un perfil, una búsqueda …¿si escuché su disco? Sí, me encantó.

Marcelo Coulon: Nosotros crecimos con gente como el Víctor, gente que nos ayudaba a pararnos en el escenario. Entonces es como un deber nuestro que esos eslabones nunca se corten entre los artistas y tenemos que estar muy ligados porque de esa manera crecemos todos.

-Al principio hablaban de esta idea del camino, para el disco. Y uno ve a los Rolling Stones que acaban de sacar disco, a McCartney, es decir, gente alrededor de los 80 años ¿ustedes, que ya se acercan a esa edad, se han preguntado si ese camino continuará o le pondrán un final?

JC: Yo voy a cumplir 80 años el próximo año, entonces no me resulta tan lejano, digamos (rie). Yo creo que uno no se proyecta así, o sea, si me preguntabas hace 20 años atrás yo te habría dicho no, no me imagino a los 80 años. Pero hemos seguido, el grupo ha seguido con una vitalidad extraordinaria. Y si, con Marcelo hemos conversado más de una vez, en algún momento esto se va a terminar, o por propia voluntad o por voluntad divina. Pero es una pregunta que hay que hacerse nomás en el momento. Personalmente, hay cosas que me cuesta más hacer ahora, pero comparado con lo que yo me imaginaba que era llegar a los 80 años, me siento súper bien.

MC: ¡Yo tengo bastante menos que él! Ajaja (ríe) Lo bonito es que esto lo hemos conversado en el grupo muy seriamente, también con su tallita, porque es un tema que es bueno conversarlo. Si por una razón querida o involuntaria ocurre, la pregunta queda más bien al lado de los muchachos ¿quieren seguir? Porque ya no va a haber ninguno de los de antes. Y la respuesta es un sí absoluto porque hay muchas ganas de hacer cosas, muchas ganas. Lo difícil sería si estuviéramos ya viviendo de glorias pasadas, haciendo el mismo repertorio siempre sin creación nueva, ahí es cuando deberíamos todos colgar los botines. Pero este es un disco hecho aquí, en esta sala que tú ves salió todo, desde la primera nota hasta el último de los textos. Con esa fuerza, con esas ganas de hacer, hay Inti Illimani para mucho rato, estemos o no estemos. Eso se decide en el camino.

Mientras, Caminos estará disponible en formato de CD, vinilo y en plataformas digitales. El conjunto además se apresta a lanzarlo de manera oficial con una presentación en el Teatro Caupolicán, el próximo viernes 7 de agosto. Aquel será el punto de partida de una gira nacional, en la que grupo se presentará en Coquimbo, Calama, Arica, Iquique, Rancagua, Buin, Osorno, Puerto Varas, Temuco, Los Ángeles, Valdivia, Punta Arenas, Valparaíso, Chillán y Concepción, para cerrar en diciembre con sendos shows en el Nescafé de las Artes. “Queremos mostrarles todo el disco y que ojalá les guste, como nos gustó a nosotros -dice Marcelo Coulon-. Las puertas están más que abiertas para que esta buena idea que es Inti Illimani, tenga para rato”.

Victoria Oakley, CEO mundial del gremio: La inglesa que vino a defender la industria discográfica del impacto de la IA

2026-06-06T16:57:49.951-04:00

Victoria Oakley estudió diplomacia en Inglaterra, trabajó en Google y ahora dirige Ifpi. Cristián Carvallo

El Mercurio

Cuenta que detrás del streaming , el vinilo es el formato más importante para los jóvenes, ya que les permite una conexión con sus artistas favoritos.

Por Sottovia Jara

Victoria Oakley, presidenta global del gremio que reúne a varios de los sellos discográficos más importantes del mundo, la International Federation of the Phonographic Industry (Ifpi), vino a Chile justo en medio de un debate surgido al alero del proyecto de Reconstrucción Nacional. Se trataba del polémico artículo 8, mediante el cual el Gobierno proponía liberar del pago de derechos de autor, por obras utilizadas para entrenamiento de inteligencia artificial (IA), a los dueños de plataformas. En la Cámara de Diputados no hubo respaldo.

“Estamos en contacto con muchos gobiernos alrededor del mundo y nos hemos dado cuenta de que varios gobiernos han retrocedido en tratar de establecer estas excepciones. Más recientemente en el Reino Unido, y en Australia. Y también aquí en Chile, lo que es una buena noticia”, comenta.

El argumento: “Si queremos tener buena música producida por humanos, producida por IA o producida por una combinación de los dos, necesitas comenzar teniendo buen contenido. Y si no pagamos por eso y no le damos el valor que tiene o que merece, entonces, si eso se devalúa, no va a haber interés en que la gente haga música o que sea artista o que produzca estos contenidos”.

Si bien el mercado local de consumidores de contenidos musicales es pequeño en el país, crece a tasas superiores a la media mundial. El streaming en Chile es preponderante, con casi US$ 85 millones, un 70% del total de ventas. El segundo lugar es el vinilo (crece a tasas cercanas al 40%), afirma Oakley. El fenómeno del vinilo ocurre pese a que sus principales compradores, los millennials, sean de una generación que con suerte nació con el CD, cuando era el formato estrella. La clave de ese comportamiento, indica la diplomática británica de carrera (49, casada en segundas nupcias, con cinco hijos “between us”, señala), es que los vinilos son más un objeto de atesoramiento físico de colección para estos jóvenes, que siguen escuchando preponderantemente sus canciones favoritas a través del streaming.

Sabe muy bien cómo opera la industria, como también Google, donde trabajó durante unos cuatro años, en lo que podría considerarse el “lado oscuro de la fuerza”, asiente, riendo, al ser consultada por este tema.

Su banda preferida son las Spice Girls, dice, porque, a su juicio, es el primer conjunto que no “habla en sus canciones acerca de conseguir un marido”.

Marta Carrasco: Retratos de Familia

2026-04-11T13:20:00.001-04:00

Marta Carrasco abrió un camino con sus ilustraciones con sello autoral. Archivo de Gráfica Chilena Biblioteca Nacional

El Mercurio

La pintura fue la primera vocación de Marta Carrasco, la acompañó toda su vida, pero la mantuvo oculta mientras sus ilustraciones se divulgaban en libros infantiles y juveniles. A casi 20 años de su muerte, se dan a conocer estas obras que guardó por décadas, y en las que retrató a su hija, nietos, hermanas… plasmando temas como la maternidad, la vida cotidiana y la familia. Ahora se pueden apreciar en la Sala Pinacoteca del Centro de Extensión UC.

Texto, María Cecilia de Frutos D. Fotografías, José Luis Rissetti Z.

La artista Marta Carrasco Bertrand (1939- 2007) fue de esos talentos que nunca quieren sobresalir más de la cuenta. Sus ilustraciones acompañaron la infancia de muchas generaciones que no supieron quién estaba detrás de los dibujos que aparecían en sus libros escolares, en sus cuentos favoritos, en el inolvidable Papelucho, Los Pecosos o Perico trepa por Chile. Y aunque desde hace una década se ha empezado a dar a conocer el aporte que hizo a la ilustración entre los 60 y 90, era su vocación como pintora la faceta que faltaba descubrir. Y es que la Martita, como todos le decían, siempre pintó, desde que entró a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile en 1959, pero recién ahora estas obras salen a la luz.

Lo hacen por medio de la exposición “La otra orilla de Marta Carrasco. Antología Pictórica”, que se exhibe en la Sala Pinacoteca del Centro de Extensión UC, curada por Rosa María Droguett, Claudio Aguilera y Hugo Palmarola. Una muestra que reúne cerca de 40 cuadros, un par de figuras de arcilla y la serie de dibujos inéditos “Mujeres libres” (perteneciente al Archivo de Gráfica Chilena de la Biblioteca Nacional de Chile). Fue su hija, Camila Couve, quien puso a disposición este material, que corresponde solo a una selección de lo que encontró guardado en los clósets de su casa, apilados contra la muralla, y que ella nunca quiso ni pensó en mostrar. “Creo que cuando compartes una obra, esta deja de ser tuya, eso que trabajaste de manera tan personal e íntima, sin que nadie supiera... Mi mamá era cero pública, y en contraposición, le tocó divulgar sus ilustraciones porque era su trabajo, tenía que vivir; esto era distinto”, cuenta Camila.

Es entrar en la sala y darse cuenta de que se trata de un verdadero “álbum familiar”. En las telas de pequeño y mediano formato se reconocen niños, mujeres, hombres, todos retratados en situaciones cotidianas, en sus rutinas hogareñas, en momentos tiernos, alegres, tranquilos… como quien toma una foto de un instante sin mayor importancia, pero que logra así reflejar un modo de ver la vida sencillo y a la vez libre. Camila en todas las edades –la única hija que tuvo con Adolfo Couve, quien fue su marido entre 1961 y 1974–, sus nietas y nieto, sus hermanas, su papá, amigos, todos ellos forman parte de estos óleos que evidencian la gran pintora que fue la Martita, su genial manejo del color, la luz y el movimiento. “Ella miraba su entorno, a su familia en el presente, pero también en el pasado, muy desde lo personal”, dice Claudio Aguilera, jefe del Archivo de Gráfica Chilena de la Biblioteca Nacional de Chile, que custodia 10 mil documentos de la artista, entre dibujos originales, bocetos y manuscritos.

Para Pedro Maino, curador de la Sala Pinacoteca UC –que busca consolidar la colección de la universidad con obras realizadas entre 1830 y 1950– esta exposición reconoce el lugar que merece la Martita dentro del ámbito artístico, habitando una sala por la que han pasado autores como Juan Francisco González y Ana Cortés. En estos cuadros ella plasmó los temas que le importaban: la infancia, la maternidad, la pareja, la adolescencia... en escenas que expresan toda la libertad que ella misma no tuvo por completo, al depender de dos muletas para caminar desde que a los 10 años le dio polio.

Al mismo tiempo, nada la frenó; mientras pintaba y dibujaba, también escribía y llegó a publicar cuatro libros ilustrados: con el primero, El club de los diferentes, ganó en 1984 el premio Apeles Mestres y fue invitada a la Feria del Libro de Bolonia; el último, La otra orilla, salió de manera póstuma. Trabajó con Marcela Paz y Alicia Morel, con distintas editoriales e incluso realizó los personajes de Tata Colores para TVN en 1992. “Ahora quiero que se sepa que mi mamá también era pintora. Pienso que no se puede tener algo tan bonito guardado. Y a lo mejor, no con su permiso, pero como dice Claudio, sí con su venia, que la gente lo disfrute”, agrega Camila.

“El espejo”, óleo sobre tela de 2000. Han registrado más de 100 obras, la exposición solo muestra una parte.

En sus pinturas hablaba sobre la maternidad y la infancia; siempre las guardó y no las quiso mostrar.

Fue una de las ilustradoras de Papelucho , hacia los años 80 y 90. Archivo de Gráfica Chilena Biblioteca Nacional

En este óleo de 2004 se pintó con su papá, Eduardo Carrasco.

A su hija Camila la pintó en todas sus edades. “La ilustración era su registro público; la pintura, su registro privado”.

Aquí retrató a su nieta Isidora, en Canarias, hacia 1987.

Melissa Aldana “La música es un motor que me ayuda a salir de las situaciones complicadas”

2026-01-13T05:47:00.002-03:00

El Mercurio

Desde Nueva York, la saxofonista chilena habla de un proceso de cambio personal, del estudio como eje de su vida y de un nuevo disco de baladas en español que marca un giro en su carrera, justo antes de su regreso a Chile en febrero. Sobre el éxito que ha alcanzado en el jazz , asegura: “Para mí, siempre lo más importante ha sido tener el tiempo para estudiar y mejorar como músico”.

Por Juan Toro. Fotos: Travis Bailey, cortesía Blue Note Records.

El fin de año en Nueva York es frío. Para la saxofonista chilena Melissa Aldana, eso ya es parte de su vida. Desde 2010 que la ciudad se convirtió en su hogar y desde 2007 que vive en Estados Unidos. Aun así, extraña el calor veraniego de Chile.

—Llevo mucho tiempo aquí. Ya son 18 años —dice en una llamada el último martes del 2025, pocos días después de llegar de Europa, donde tuvo dos conciertos y desde ya se alista para la publicación de su próximo disco “Filin” el 13 de febrero, que viene acompañado de su regreso a Chile para dos conciertos en Viña del Mar el 17 y Santiago el 18 del mismo mes.

En estos años en Estados Unidos, con cinco discos publicados, Aldana se convirtió en una de las figuras más relevantes del jazz contemporáneo. En 2013 fue la primera mujer en ganar el Thelonious Monk International Jazz Saxophone Competition, en 2022 debutó en el prestigioso sello Blue Note Records y al año siguiente fue nombrada por la revista Downbeat como una de las mejores saxofonistas tenor del mundo.

Pero el paso de los años y los logros no han sido en vano:

—He cambiado mucho en estos últimos meses y como que me estoy viendo. Todos los pensamientos o recuerdos de cuando me mudé acá, de dónde estoy ahora, de lo que he logrado, de lo que estoy haciendo con mi vida… todo se pasa súper rápido. Es como verse a una misma y la separación del ego.

—¿Cómo se separa del ego en este momento de su carrera?

—Para mí, siempre lo más importante ha sido tener el tiempo para estudiar y mejorar como músico. Ese es el motor de todo, por eso necesito una carrera: para crear oportunidades y poder tocar y seguir desarrollándome.

***

A pesar de los hitos de su carrera, la música, para Aldana, no aparece como un resultado ni como una meta alcanzable, sino como un proceso continuo:

—Hay una parte del proceso en que imitas a alguien para entender lo que tú eres como individuo, y a través de eso entiendes quién eres y te transformas en ti mismo. Tuve que aprender a desprenderme de algunas cosas, también de la idea de lo que significa ser un buen y un mal saxofonista.

Lo importante, asegura, es la presencialidad:

—Aprender a estar en el momento cuando estoy tocando… cómo puedo estar lo más presente posible para poder contar la historia que estamos creando como músicos.

Cuando eso ocurre, dice, aparece una experiencia difícil de explicar sin que suene exagerada:

—Es como un tipo de telepatía entre los músicos, con gente con la que tocas mucho tiempo y que son muy buenos músicos, esa comunicación es mucho más profunda. Pero para lograr esa profundización como músico, tuve que hacerlo como persona y aprender a dejar ir cosas, tuve que parar de identificarme con mi historia y verlo como algo separado.

—¿Cómo puede separarse de su historia?

—Hay muchas cosas que pasaron cuando era niña que me marcan ahora como persona y que también me estancan como persona. Tuve que aprender a ver esas cosas dolorosas, verme a mí misma y soltar para ver quién soy realmente sin todo ese bagaje.

Ese proceso se reflejó en la música de manera natural. Es algo que había estado viviendo sobre todo al momento de incorporar nuevas influencias en sus composiciones y su interpretación:

—Yo tengo mucho de Coltrane, de Wayne Shorter, mucho de Sony Rollins, pero al final, todas esas personas son quien soy yo. Antes, cuando terminaba de transcribir a alguien, trataba de huir del proceso, de no escuchar a esa persona nunca más, porque era parte del pasado.

—¿Ya no?

—Me di cuenta de que la suma de todas esas personas es quien soy yo. Igual que en lo personal, creo que había corrido toda mi vida de quien soy, había estado en modo sobrevivencia. Estoy muy agradecida de que tuve la música, la pasión. La música es un motor que me ayuda a salir de las situaciones complicadas en que crecí para llegar donde estoy ahora.

—¿Es una búsqueda de la originalidad?

—Claro, pero al final lo que haces es único porque eres tú. Eso lo hace único.

—¿Y encontró lo suyo?

—No. Pero es parte normal del proceso estar cuestionándose el cómo puedes mejorar, incluso qué es mejorar. Es una parte un poco mística del proceso que tiene que ver con encontrar algo que no sabes qué es realmente. Pero ese es el proceso.

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El día a día de Melissa Aldana está marcado por el estudio. No como preparación puntual para un concierto o una grabación, sino como una forma de habitar el tiempo. Tres o cuatro horas al día. A veces menos, cuando la logística lo impide. Pero siempre algo:

—Estoy constantemente estudiando de una u otra manera. Cuando estoy de gira siempre mantengo una horita o dos, a menos que sea realmente imposible.

Viajar —dice— es una locura: aeropuertos, vuelos largos, traslados que consumen el día entero. En medio de eso, estudiar se vuelve una forma de orden y de conexión con lo esencial.

—Estudiar y mantenerme cercana a lo que importa, que es la conexión con mi instrumento, me ayuda a conectar todo lo que estoy haciendo y a disfrutarlo.

—¿No cuesta hacer esas pausas a medida que el ritmo de vida se acelera por su carrera?

—Trato de pausar o tomar descansos y tener un balance. Estudiar es importante.

—Hace unos años decía estar más enfocada en practicar que componer. ¿Y hoy?

—Sigo en lo mismo. Pero también estoy escribiendo más y tratando de tener el balance, pero lo que en realidad me encanta hacer es tocar. Y escribir es algo que necesito para poder tocar más.

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Hoy la atención de Melissa Aldana va a su próximo trabajo, algo que se sale del sonido que ha experimentado hasta ahora. Un disco de baladas en español que grabó en abril y que saldrá el 13 de febrero. Aldana lo describe como un momento de claridad, pero también como el resultado de un período exigente.

—Se me ocurrió grabar un disco de palabras, porque sentí que estaba lista para decir algo y quería profundizar en mi sonido.

La idea apareció en un momento complejo, marcado por relaciones profesionales desgastantes y una necesidad urgente de romper con ciertas dinámicas:

—Tuve malas relaciones con mánagers… y pensé “quiero hacer algo completamente diferente”.

Convocó a músicos con los que probablemente no volverá a tocar pronto, entre ellos el presidente de Blue Note, Don Was, que produjo el disco; el pianista Gonzalo Rubalcaba, el bajista Peter Washington y la vocalista Cécile McLorin Salvant. Grabaron todos juntos, en una misma sala:

—Grabé con amigos. Estábamos todos juntos, con audífonos, tocando despacito. Grabamos el disco y quedó muy lindo. Es un disco balada, pero realmente balada.

Para la composición, entró de lleno en el sonido cubano de las décadas del 40 y 50, en la mezcla del jazz y el bolero. El trabajo fue meticuloso. Transcribir, imitar, internalizar. Aprender las melodías como si fueran voz, incluso sin palabras.

—Cuando empiezas a poner el sonido más lento, empiezas a encontrar todos los detalles, los melismas, las pequeñas cositas que hacen que la voz de esa persona sea esa persona.

—¿Qué tanto difiere de lo que ha hecho antes?

—Es interesante aprenderse y tocar temas en tu mismo idioma, es diferente a los temas norteamericanos que suelo tocar. Hay una conexión más profunda, entiendo lo que dicen y lo siento. Así que cuando grabé, toqué las melodías, de lo primero que sentí y lo primero que se me vino a la cabeza.

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Nueva York para Melissa Aldana no es solo el lugar donde reside. Es también la escena donde aprendió a hacer una vida. Se define como introvertida, pero capaz de construir relaciones profundas cuando hay una conexión genuina.

—No tengo muchos amigos, pero la gente que es mi amiga es como familia para mí. Y tengo la suerte de que muchos de esos amigos son también músicos o ingenieros con los que puedo trabajar. No soy parte de una comunidad específica, siento que soy parte de muchas comunidades.

—¿Y Nueva York ya se siente como el hogar?

—Absolutamente. Es un lugar difícil para vivir como músico de jazz, sobre todo lo que está pasando en estos tiempos. Pero yo tengo mi departamento, mi comunidad de amigos, hay muchos conciertos. Estoy además en una parte de mi carrera en que voy subiendo y es importante estar acá.

—¿No se vuelve muy competitivo?

—Sí y no. Aunque más sí, depende de la persona. En mi caso, mi mayor competencia la tengo conmigo misma, pienso en cómo puedo ser una mejor versión de mí misma. Si entras en la volada de pensar quién es el mejor e intentar competir con ellos, es diferente. Para mí no se trata de eso.

Aunque extraña Chile, admite que estar en Estados Unidos es lo que mejor funciona hoy profesionalmente:

—No podría vivir en Chile por una cuestión de carrera; si quiero seguir creciendo y mejorando, siento que tengo que quedarme acá.

—¿Y después de tantos años, qué queda de Chile en usted?

—Yo soy chilena y me siento chilena. Echo de menos Chile, el mote con huesillo, el calorcito, mi mamá y mis amigos. Pero hoy mi identidad es mitad chilena y mitad neoyorquina.

Al comparar Chile y Nueva York, para un músico de jazz, dice, las diferencias son gigantes. Pero no es solo por la industria chilena:

—El nivel de Nueva York es incomparable. Uno sabe cuando los músicos son de Nueva York, hay una energía, una fuerza en cómo tocan. Incluso dentro de Estados Unidos, comparando con otros estados, lo que sucede aquí es otro nivel. Eso no quita que en Chile hay muy buenos músicos.

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A pesar de que Melissa Aldana está hoy entre las mejores del jazz, medir el éxito no es lo suyo. Al hablar sobre números, ventas, audiencias o premios, Aldana los ubica en un segundo plano:

—No es mi volada. Obviamente yo sé que todo eso es importante, si quiero tener una carrera y sobrevivir en esta ciudad necesito la plata y que me vaya bien, pero ese no es mi motor. Necesito números para que me vaya bien, para crear oportunidades y tocar… pero eso no es lo que está en mi cabeza.

El éxito, insiste, no llegó como una idea abstracta ni como un objetivo grandilocuente. Llegó como algo mínimo y concreto: estabilidad, calma, tiempo.

—Para mí, el éxito era poder tener un departamento en Nueva York y estar tranquila.

Esa forma de medir las cosas sigue operando hoy. Por eso, cuando piensa en el futuro, no habla de metas cerradas ni de conquistas definitivas. Habla de procesos que no se acaban.

—Tengo metas infinitas… termino algo y estoy pensando en lo próximo. Pero son metas como nuevas cosas que quiero estudiar, siempre me estoy preparando para algo y siempre siento que me falta. Eso siempre ha sido parte de mi felicidad.

—¿Pero no es síndrome del impostor?

—Es algo que tengo, pero creo que es parte de la vida de todos los artistas. Es diferente y tiene que ver con la historia de cada uno.

—¿Aun hoy con lo que ha logrado?

—Con los años va pasando y cambia, con el tiempo tu relación con esa parte tuya es diferente. Pero no desaparece, es solo una relación diferente. Cuando entiendes de dónde viene, entiendes lo que es, es un pensamiento que existe, pero no es lo que soy.

—Y después del síndrome del impostor y de los cambios de estos años, ¿quién es Melissa Aldana?

—Estoy explorando aún. Es una persona que está explorando y que constantemente está tratando de ver una situación desde diferentes puntos para poder crecer y aprender de los errores. Es una persona que está aprendiendo a sentirse segura de sí misma. Pero con tranquilidad, con amor y paciencia, es un proceso eterno.

Travis Bailey, cortesía de Blue Note

Denisse Malebrán “He aprendido que como artista no conviene opinar”

2026-01-06T17:23:00.000-03:00

El Mercurio

El año pasado Saiko realizó una gira por todos los teatros de Arica hasta Punta Arenas y fue galardonado con uno de los premios Presidente de la República a la Música Nacional. Denisse Malebrán, su vocalista, repasa sus polémicas, analiza las políticas en torno a la cultura y dice sobre su carrera musical: “Antes tenías que saber cantar y cantar bien. Hoy alguien que no canta nada perfectamente puede ser la estrella más popular del mundo”.

Por Juan Luis Salinas T. Fotografías: Sergio Alfonso López.

Un sol vertical caía sobre el Patio de los Naranjos en el Palacio de La Moneda. Mediodía del jueves 18 de diciembre. Entre los muros blancos y con el sonido del agua de la fuente, más de un centenar de invitados se ubicaba frente al escenario donde se entregarían los Premios Presidente de la República a la Música Nacional y las Artes Escénicas 2025. Denisse Malebrán esperaba el inicio de la ceremonia. A su lado estaban sus tres hijas, su padre, sus compañeros de Saiko.

Cuando empezó el acto, el Presidente Gabriel Boric nombró a cada uno de los galardonados. Partió por el director de la Orquesta de Cámara de Valdivia, Rodolfo Fischer, que es reconocido en la categoría Música Docta; luego nombró al sonidista José Oplustil por Edición Musical, siguió con Héctor “Titín” Molina por su aporte al folclor y la tradición oral; y finalmente, en la categoría Música Popular, habló de Saiko. Boric los felicitó por la gira que el grupo realizó durante el año por los teatros municipales de Chile. Pero se tomó un momento para referirse a la vocalista de la banda.

“En Denisse uno reconoce ese artista comprometido, que no tiene miedo a decir su opinión, que a veces puede ser filosa, que a veces puede molestarles a algunos, pero al final de eso se tratan las opiniones, y acá no somos nada monedita de oro. Acá no estamos para caerle bien a todo el mundo, estamos para construir, para construir y muchas veces hay que romper huevos”, dijo Boric antes de entregarle el premio a la banda.

Tres horas después de la premiación, cansada, pero alegre, Denisse Malebrán comenta ese momento. La cantante confiesa que le sorprendió cuando hace tres semanas la llamaron del Ministerio de las Culturas para anunciarle que premiarían a Saiko, pero le asombró que Boric se refiriera a ella y a sus opiniones en la ceremonia.

—Me gustó que lo hiciera. En el fondo es como decir; hay una crítica y una persona que te hace cuestionarte. Eso no quiere decir que yo tenga razón, pero creo cuando alguien te dice las cosas desde otro lado, capaz que otras personas, no digo específicamente en caso del Presidente, piensen: “Sí, en realidad podríamos hacerlo de otra forma” o decir: “Aquí hay una visión distinta de lo que nosotros creemos que está bien hecho”.

En diferentes ocasiones y contextos, las opiniones de Malebrán han causado polémica en las RR.SS. Entre las más conocidas ocurrió en septiembre de 2020, cuando habían pasado once meses del 18 de octubre, la cantante criticó la violencia en la Zona Cero. Entonces se dijo que era “semaforista”, por llamar a no destrozarlos. A comienzos de enero de 2023 defendió el legado musical de Benjamín Mackenna, el vocalista de Los Huasos Quincheros que había muerto. Le cuestionaron que se definiera como mujer de izquierda y la acusaron de “avalar a un grupo pinochetista”. Otros reconocieron que separara la obra de la persona. El año pasado, en un pódcast, Malebrán comentó que en la gestión del actual Gobierno “a su parecer” existía una gran desorganización interna y que se había perdido el foco.

—¿Se considera una mujer de opiniones “filosas” como señaló Boric?

—Es cierto, pero juro que nunca me lo propuse. A veces se me olvida que lo que uno dice puede tener alguna repercusión. Aunque no me considero tan importante, sin embargo, sí me lo han hecho notar: he perdido amigos, la aprobación de algunos artistas que consideraba cercanos, porque a nadie ni a los músicos les gusta mucho que alguien opine tan distinto a ellos. Siempre que causaba algún impacto o me funaban o pasaba algo con alguna opinión mía, yo me sentía como súper torpe y que había un castigo por no decir lo que el resto está diciendo. Hoy le puedo dar otro significado. Estoy más vieja, ya dejé de ocupar Twitter (Hoy X) por lo mismo. He sido poco hábil al opinar demasiadas cosas que obviamente no me benefician a mí como artista. Me reconozco como alguien que está muy pendiente de lo social, de lo que ocurre y de lo que leo, pero he aprendido que como artista no conviene opinar. La mayoría no lo hace porque perderían auspicios, pero yo me fui al otro lado.

—¿De los ataques por sus opiniones, cuáles fueron las que más le afectaron?

—Sin duda reconocer a Benjamín Mackenna como un par y que merecía tener honores en su fallecimiento, fue lo que más caló en mi gremio. No se entendió que espero que ellos, independiente de sus opiniones políticas, reciban el mismo respeto. Yo no soy como los que operaban en dictadura que te censuraban y que no te permitían dedicarte a lo que tú hacías por lo que pensabas. Así como yo espero que se valore mi opinión y la de gente de muy izquierda o de centroizquierda, de cualquier tipo de izquierda, también pienso que lo merece alguien de derecha.

Denisse Malebrán luego agregará:

—Asumí que hay muchas personas a las que les molesto. Hasta hice una canción que se llama así. Son personas a las que no les gusta que otras les digan cosas. Creo que la posición de un artista es incomodar, pero no solo al poder, también a quienes son cercanos a lo que uno piensa y que siento que se están equivocando.

—Ha dicho que la sorprendió que Saiko recibiera este premio.

—No lo esperaba. Creo que me sorprendió que quienes eligen este premio se hayan centrado 100% en la música. Uno no está acostumbrado a que no se dejaran llevar por otros factores. Soy una persona de pocos amigos y a veces en esta industria sirve tenerlos en todos los ámbitos: es gente que te va a poner ahí, que sugerirá tu nombre para ciertas cosas. Todos sabemos esto. Además, no me imaginé ser merecedora de reconocimiento y porque después de muchos años de carrera dejé de esperar nomás. Siempre veo cosas buenas en lo que hacen los demás, pero me cuesta mucho ver lo propio. Sin embargo, este año con Saiko que habíamos hecho tantas cosas: la gira por todos los teatros de Chile que se llenaron… Este premio es como al valor de la perseverancia.

A finales de los 90, Chile era un escenario tosco para cualquier mujer con ambiciones en la escena musical alejada de las baladas, pero para las cercanas al rock o al pop los referentes eran pocos, comenta Denisse Malebrán.

—Fue un camino mucho más áspero, más tosco, sobre todo para mí como mujer, porque prácticamente no había bandas con mujeres. A principios de esa década estaba Colombina Parra, con los Ex. También Javiera Parra que lideraba Los Imposibles y estaba la Nicole, pero éramos como una del pop por allá y otra por acá, versus 55 artistas y bandas de puros hombres. Era un entorno donde tenías que validar constantemente que tenías opinión y que no eras solo una cara puesta ahí por un sello.

Denisse Alejandra Malebrán Soto desde niña se interesó en la música. La primera canción que se aprendió fue “la de la mochila azul”, una ranchera que le gustaba a su padre. Mientras cursaba su enseñanza media en el colegio “Sagrado Corazón de San Bernardo” con algunos de sus compañeros formó Turbomente, una banda que alcanzó a publicar un único álbum antes de su disolución.

—Mis compañeros de esa banda me fueron a ver a La Moneda —dice Denisse Malebrán y recuerda que para reunir la plata para grabar ese primer disco ella participó en “¿Cuánto vale el Show?” que entonces animaba Leo Caprile, tenía de jurado a Enrique Lafourcade, Eric Polhamer y a Marcela Osorio.

—Me fue bien. Partí ganando el día, después la semana, el mes, pero no gané la temporada —dice y reflexiona—. Uno de alguna manera se abre camino, pero en esa época era difícil. Hoy ya los cabros que hacen música pueden subirla a una plataforma digital y ponerla en el Spotify. Hay más espacios.

Cuando Malebrán salió de cuarto medio entró a Sociología, y en paralelo a la escuela de canto Projazz. A los veinte años tuvo a su primera hija, pero no abandonó sus intenciones de dedicarse a la música. A comienzos de 1999, trabajaba como vendedora en una tienda de discos en el Jumbo de Bilbao, seguía sus estudios universitarios y se hacía cargo de su hija, la cantante escuchó en un programa de televisión que dos exintegrantes de La Ley, Luciano Rojas y Rodrigo Aboitiz buscaban una vocalista para su nuevo proyecto musical.

Dice que ella asistió a las audiciones solo para conocer cómo trabajaban los profesionales. Improvisó una melodía sobre una pista musical. La selección tomó su tiempo. Se reunieron varias veces, le dijeron que estaba preseleccionada entre otras tres cantantes.

—Cuando me llamaron para decirme que era seleccionada fue como ganar el Loto. Dejé la disquería, la universidad, armé un circo para ser madre y estar en el grupo.

Tenía que grabar un disco, tenía que hacer fotos, videos, entrevistas, empezar a trabajar con ellos. Iba todos los días a más de 12 o 15 horas a grabar un disco que se concluyó entre mayo y septiembre. El disco salió en diciembre de 1999. Me cambió la vida de un día para otro. Me empecé a dedicar a esto, a ser músico profesional.

—¿Cómo recuerda su relación con sus pares de la época?

—Cuando partimos, en esta generación, no había nada. Ni los premios. Existían los Apes, que entregaban los periodistas. Entonces uno se acostumbró a ser un obrero, a estar trabajando, trabajando, y que nadie le diga que es bonito, porque lo que más recibe uno cuando te va bien es chaqueteo, no es un aplauso, digamos. Y cuando no te va bien, indiferencia. Entonces, en el fondo siento que cuando haces un camino largo como ha sido el de Saiko, te acostumbras a habitar ambos espacios. Los que vienen después de nosotros, al revés, están acostumbrados a todo. Al reconocimiento, hay 200 premios nuevos, los que dan aquí, por allá, los de los medios, los de la radio… de alguna manera la generación después de la nuestra llega a un terreno un poquito más simpático.

Denisse Malebrán recuerda que hace unas semanas se juntó con la cantante Nicole, a quien considera su compañera de ruta, y su hija que tiene 13.

—Ella me preguntaba cosas. Mira, le dije, si nosotras no hubiésemos sido buenas en lo que hacemos, jamás nos hubiesen pescado. Hace 30 años, si no eras bueno no podías hacer una carrera. No había nada en tecnología. Tenías que saber cantar y cantar bien. Hoy alguien que no canta nada perfectamente puede ser la estrella más popular del mundo. Y da lo mismo. A la gente no le importa. Por eso, que hoy nos reconozcamos entre nosotras tiene un valor doble.

—¿Siente que se hace justicia a lo que ustedes pavimentaron?

—Me queda la sensación de que los jóvenes, incluso los periodistas, hablan de la nueva generación del pop chileno como si hubiera partido con los artistas que vinieron después del 2000. El problema es que hacia atrás pareciera que no hubiera existido ni Saiko, ni Los Bunkers. Pero partió mucho antes, partió con Aparato Raro, partió con La Ley, partió con Los Prisioneros. Es como que un pedazo de la historia dejó de contarlo.

La cantante medita y luego agrega:

—Las mujeres hoy han tomado el control de la música chilena, pero a nosotras nos tocó abrir ese búnker a patadas. Creo que dejando de lado el fenómeno urbano, hoy las mujeres han sido las más atractivas en la última década musical chilena. No hay una figura que se compare con Mon Laferte. Siento que los hombres, en ese sentido, se quedaron en un sector un poco más parecido a lo que se hacía antes. Pero ellas son las que dan la novedad, las mujeres. La Fran Valenzuela, la Denisse Rosenthal, la Javiera Mena, que tienen un público impresionante.

—¿Qué le exige el público joven que no pedía el fan de los noventa?

—Hoy existe una cosa medio obsesiva de las nuevas generaciones de querer que sus estrellas estén, al menos, opinando igual con ellos. Dicen, por ejemplo: “Rosalía no dijo lo que yo quería, no se atrevió”. Yo me pregunto: “¿Por qué Rosalía va a tener que pensar como tú? ¿Qué es esa obsesión que tienen de que sus artistas tienen que ser como ustedes para poder admirarlos? Antes no existía esa presión. Es cierto que los Bunkers, los Saiko, hicieron la gira de Bachelet, pero nadie nos andaba persiguiendo para que lo hiciéramos.

—Tampoco existían las redes sociales que dan esa sensación de inmediatez.

—Siento que todos los cabros que han salido en los últimos años han conseguido un éxito demasiado rápido. Son cabros que están llenando un Movistar, o sea, nunca tocaron en un pub para hacerse conocer. A mí me parece impresionante. Y admirable en el tiempo. Los Jaivas se demoraron como 50 años en una situación como esta.

—¿Qué opina de la música urbana?

—Aunque al inicio la gente creía que era una moda, ya cautivó una audiencia completa a tal punto que es reconocida por la prensa especializada… Hubo un tiempo en que me preguntaba por qué era tan popular, ahora lo entiendo. Nosotros nos movemos en un espacio tan reducido, pero si cruzas más allá, te das cuenta de que estos cabros quieren tener un referente muy parecido a sí mismos, a sus aspiraciones… Veo el fenómeno parecido a lo que ocurre con los futbolistas. Tiene que ver con lo que representa el éxito de una persona que venía de la misma población y que lo logró con muy pocos recursos.

La premiación de Saiko en La Moneda no aplaca el espíritu crítico de su vocalista. Hace una semana José Antonio Kast fue elegido como nuevo Presidente de Chile, y la actriz está convencida de que esta transición será difícil para el mundo de las artes y la cultura.

—Son muchos los que han cuestionado al Ministerio de Cultura.

—Creo que había muchas esperanzas con que se hubiera hecho más cosas, pero siendo realista creo que era muy difícil que eso ocurriera. Era muy poco tiempo, porque los períodos presidenciales son cortos, para haber hecho todos los cambios que el mundo de la cultura quería. Por eso hubo tanta desazón, gente que se sentía triste, desilusionada. Creo que hay cosas que efectivamente no aportan. Pero no solamente están alojados en los presupuestos del Ministerio de Cultura. Hay cosas que a mi parecer se hicieron como una mala costumbre.

—¿Como qué?

—Hay como fiebre de ferias a la que van muchos artistas, pero mi pegunta es: ¿qué pasa, con qué fueron?, ¿los trabajaron después?, ¿le empezó a ir bien a ese artista que fue a esa feria en España, México, Colombia, donde sea? No veo un trabajo de seguimiento y tiene que haberlo para poder después ver el fruto del Estado que invirtió.

—Saiko ganó este año un fondo para financiar una gira por los teatros de Chile.

—Por primera vez en 30 años de carrera postulé a un fondo que gané para montar la gira de Arica a Punta Arenas, pero antes nunca me lo gané y no me lo tomé como personal. Ahora cuando gané un fondo para ir a regiones, lo agradezco porque el propósito es que la gente de Punta Arenas o Arica pueda ver el mismo show que en Santiago. Montarlo acá sale uno, pero llevarlo allá sale 200 por los pasajes y el equipo. El Estado debe ayudar a que la cultura llegue a todas las comunas y regiones, no solo a los mismos de siempre.

—Muchas figuras del arte nacional que son reconocidas, ahora critican la falta de apoyo en la vejez.

—Es súper triste envejecer en un país como Chile para cualquier persona. Mi padre era policía y trabaja de conserje, de guardia, porque no le alcanza la plata. Todos conocemos a alguien que es viejo y no le da la pensión. Entonces debe ser difícil para ciertos artistas, no haber cachado hasta que estuvieron esta edad que les ocurriría esto. Quizás pensaron que el país les daría un trato distinto, pero a todos los adultos mayores les pasa lo mismo. Yo creo que es indigno. No deberían estar trabajando.

—Pero hay casos de artistas que terminan en la miseria.

—Por ejemplo, a Zalo Reyes, que para mí fue y sigue siendo una las figuras más importantes de la música popular, nunca le dieron este premio a pesar de haber contado con el cariño del pueblo, pero no necesariamente con la aprobación de quienes son los que dicen este es bueno y este no. Me acuerdo que costó un mundo que a la Cecilia le dieran el premio. Y para qué decir con Valentín Trujillo, imagínate la cantidad de años que lo postulábamos para que se ganara el Premio Nacional de Arte, de música. Evidentemente la gente de la academia no se lo quería dar a él porque era popular.

Denisse Malebrán retoma la reflexión sobre la vejez de los artistas:

—Les pasa a los actores, les pasa a los músicos. Somos muy pocos los que podemos vivir de esto, muy pocos los que no necesitamos hacer otro trabajo, muy pocos los que llegamos con ahorro. Uno tiene que tener claro que va a llegar un momento en que no se puede producir como a los 50 años. Yo digo, a los 70 no voy a tener ganas de tocar como ahora. Yo me siento afortunada de poder dedicarme a la música porque tengo un público que me lo permite. Ese es el verdadero sustento que nos permitirá jubilarnos, porque ellos nos seguirán apañando los próximos 20 años. Hoy en La Moneda fue importante, pero mi realidad sigue siendo la de una trabajadora. Siento que no me deben nada.

Marco Antonio de la Parra “Siento que la muerte me visitó, que se sentó a mi lado”

2025-12-30T13:45:00.001-03:00

El Mercurio

Los días más difíciles en sus 73 años vive el icónico dramaturgo y psiquiatra. En febrero de 2022, mientras Rusia invadía Ucrania, supo que sufría mieloma múltiple, un cáncer de la médula ósea por el que ya perdió vértebras y siete centímetros de estatura. Frágil, pero entero, aquí cuenta su calvario y por qué hoy el escenario y la escritura son sus armas secretas para desafiar a la muerte.

Por María Cristina Jurado. Fotografías: Sergio Alfonso López

Ligeramente encorvado, sus anteojos en la punta de la nariz, con siete centímetros menos de estatura y varias vértebras pulverizadas por su mieloma múltiple, —diagnosticado en 2022 a sus 70 años— Marco Antonio de la Parra, médico psiquiatra y dramaturgo, autor de más de un centenar de obras teatrales y con sillón en la Academia Chilena de Bellas Artes, vive días de homenajes. Al premio a las Artes Escénicas Nacionales Presidente de la República 2025, se unirá el tributo del Festival Teatro a Mil en enero, que abrirá con su obra “Mister Shakespeare”, un monólogo que él protagoniza, dirigido por Pablo Schwarz. Pero esta mañana radiante, De la Parra está lejos de honores. Arrellanado en un sofá, afable y entero, hace un balance de su vida. Lo resume en un solo concepto, después de cinco décadas de una carrera multifacética y atrevida:

—Siento que, si yo alcanzo a leer los muchos libros que tengo, ya soy bastante feliz. Pero debo decir que para mí la relación con Ana Josefa, la relación con mis hijos y mis hijastros... ¡sería muy ingrato exigirle algo más a la vida! Con eso ya, podría no escribir una línea más ni atender a un paciente más, ni nada. Aunque creo que atendería pacientes por algo que para mí es muy importante, que es la energía del cariño. Me gusta sentir que tengo un poder, un superpoder, esto lo conversamos con la María José Navia, que es muy amiga: ella dice que mi superpoder es transformar una idea en verde y darle una vuelta para que se convierta en obra de arte.

Se queda en silencio y su mente vuela a 2022.

A fines de febrero de ese año, volvía con su mujer, la periodista Ana Josefa Silva, de su habitual veraneo en Elqui. Él manejaba y, poco antes de llegar a Santiago, comenzó a sentir que le faltaba el oxígeno. Casi no podía respirar. En su casa se chequeó con su oxímetro y la oxigenación era muy baja. Dos años antes, había vivido lo mismo cuando fue hospitalizado por un violento covid-19.

De la Parra partió con su mujer a Urgencia de la Clínica Las Condes y, después de varios exámenes, le diagnosticaron un trombo en sus pulmones. “Un colega médico me dijo que no era covid, esto era una cosa de los huesos, tenía un mieloma que me lo detectaron en el esternón”. Aterrizó directo en la Fundación Arturo López Pérez, especializada en cáncer, donde tiene un seguro oncológico: una bendición, dice.

El dolor que sentía se volvió intolerable en pocas horas.

—Entonces no sabía que no podría volver a mi casa. Me dolían todos los huesos y todo el cuerpo. Hice cinco hospitalizaciones distintas ese año, por las más diversas causas. La más importante y saludable fue la transfusión. (…) El mieloma múltiple es pariente del cáncer, lo que hace es destrozar los huesos. No tiene cura, pero tiene tratamiento. Y el tratamiento es una transfusión de células madre. A mí se me encerró en una pieza como en una burbuja, estuve un mes encerrado ahí, me hicieron una sesión de quimioterapia. Salí a flote, después de haber estado psíquicamente muy tomado con esto de estar encerrado. Sin saber si viviría.

No entraban ni las enfermeras a su burbuja: el mundo estaba en pandemia y la inmunidad del dramaturgo había caído a cero. Los médicos le explicaron que la protección de todas las vacunas que había recibido en su vida, desde su primera infancia, se había esfumado. “Tuve que hacer todo el recorrido de nuevo. Me llaman por teléfono todavía por la de la varicela”.

Aún recuerda qué sintió cuando su encierro en la burbuja protectora terminó, después de treinta días.

—Es como si hubiera nacido recién. Hubo una sensación, después de esta experiencia de muerte, de nacer de nuevo. Fue muy fuerte sentir que quedaba atrás una experiencia absolutamente de muerte.

—¿Pensó en algún momento que se moría?

—Lo sentí, pero mi mujer me prohibió morirme. Pero yo sabía que tenía una sobrevida que dependía mucho de esa transfusión.

—¿Y qué pasaba si no resultaba?

—Bueno, me iba para el otro lado.

Habla de los registros de sobrevida de otros enfermos de mieloma múltiple en el mundo, que él ha estudiado en papers científicos en su calidad de médico. Dice que ella puede ir de cinco a 35 años. “Mi cuadro está estacionario. Gracias a la transfusión de células madre”.

Su enfermedad ha sido la experiencia más límite en sus 73 años de vida.

—Sentí mucho miedo. Mucho miedo. Mucho miedo cuando me hicieron el primer diagnóstico, antes de irme a la Fundación. (…) Después, acostado en ese hospital, yo veía que estaban bombardeando Ucrania y yo sentía que, al mismo tiempo, la enfermedad me bombardeaba a mí. En “Mister Shakespeare” hablo de eso, de la experiencia de muerte, que de alguna manera te hace más fuerte.

En 2024, cuando Marco Antonio de la Parra volvió a subir al escenario del Teatro de la Universidad Finis Terrae con “La Secreta Obscenidad de Cada Día” —una de sus obras más emblemáticas, que él coprotagoniza—, sintió que recuperaba su existencia.

—Noté, al salir recién de tener la afección, que me cansaba mucho, pero he ido recuperando la energía. Y se ha ido dando un fenómeno bien particular. ¡El teatro! Cuando subí de nuevo al escenario sintiendo que no volvía nunca más y que me despedía para siempre con “La Secreta Obscenidad de Cada Día”, ¡me vino una energía arriba del escenario que ni la kinesiología! Y es que yo era uno de los dos actores de la obra.

—Ya llevaba dos años enfermo…

—Sí, claro, y aún tengo dificultades óseas. Se me rompieron algunas vértebras y perdí siete centímetros de estatura. Y de pronto en el escenario… y esto lo saben todos los que han subido a él y han trabajado en esto, el teatro te da una energía, ¡te transformas! Yo estaba ya saliendo de la etapa aguda del cuadro, pero creía que no iba a poder actuar. ¡Y sí pude! Y después, cuando hice el “Mister Shakespeare”, que la vamos a estrenar el 3 de enero porque va a abrir Fitam como parte de un homenaje, ahí también soy actor. Ahí yo uso los defectos, la dificultad se usa.

Y es que De la Parra no para. Funciona de la mañana a la noche, en la Universidad Finis Terrae como curador de su cartelera teatral, como director artístico y profesor de Dramaturgia en su Escuela de Teatro: los alumnos se pelean por aprender a escribir bajo su ojo de lince. “Lo principal es que escriban y que aprendan a inspirarse, a trabajar. Para mí el desarrollo de la enseñanza de la dramaturgia ha sido de años y empezó en España, cuando era agregado cultural del gobierno de Aylwin. Me contrataron del Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas de España, para hacer clases. Y como he dicho muchas veces, todos los alumnos sabían más que yo”. Fue allí donde inauguró su célebre técnica del Maestro Invisible que aplica hasta hoy. “Descubrí una manera de trabajar muy tremenda. Yo trataba de estimular a los alumnos lo más posible y yo, desaparecer. Desaparecer, ser un ausente, alguien que estimula más que dice lo que tienes que hacer. Y ha funcionado”.

No es todo, a tres años de su diagnóstico de cáncer. Una vez al año dirige el Taller Internacional de Dramaturgia, que convoca a más de 200 alumnos de toda Hispanoamérica.

—La convocatoria es por internet y seleccionamos a los de mejor preparación. Los argentinos tienen una escuela tremenda, también los colombianos, los de México. Pero he tenido gente de todas partes y algunos chilenos, pero tienen que ser de calidad. En 2026 lo vamos a hacer en mayo, junio y julio. Pasan cosas muy interesantes y yo me la paso muy bien.

Cómo la energía le alcanza, es una pregunta que se intensifica cuando este psiquiatra cuenta que, cada tarde, atiende pacientes porque su consulta sigue activa.

—¿Todavía?

—Sí, por supuesto. Muy pocas veces he parado.

Su enfermedad lo ha obligado a explorar. No contento con sus clases, su consulta médica y sus talleres —además de actuar y escribir dramaturgia— De la Parra mira hoy con otros ojos a los niños víctimas de cáncer. Decidió escribir un libro.

—Espero escribirlo este año. Y es que los niños con cáncer viven experiencias mayores. Que una persona de edad tenga una enfermedad como esta me parece esperable, pero en los niños, me asombra. Es como un escándalo que un niño se enferme. Es de esas cosas que uno dice ‘esto no debería suceder'. (…) Yo he trabajado con niños y para mí han sido siempre un misterio.

Marco Antonio de la Parra dice que su afección reordenó sus prioridades. Lo que antes le parecía nimio, hoy cobra relieve y vigor. Las pequeñas tribulaciones se desdibujaron. Ha sido un terremoto interior.

—Le dio importancia a hacer lo que yo realmente quería hacer de una manera intensa. Creo que uno nace de nuevo. Nací de nuevo y con un vigor que yo no esperaba tener porque primero vino el cansancio, la dificultad de usar bastón y un arnés para poder enderezarme. He ido dejando el bastón con la kinesiología. Paso al kinesiólogo todos los días, dos veces a la semana por lo menos. Los ejercicios me han ido devolviendo masa muscular y movilidad. Debería ser más mateo todavía.

Dice que siempre odió la gimnasia. “Jugué tenis, mal; jugué fútbol, mal, pero apasionadamente. Me gustaba mucho, pero era pésimo, un desastre. Así y todo, era fanático y entonces era divertido”.

—¿Cuáles son sus prioridades hoy?

—Número uno, el arte, que volvió como una experiencia de estar en el mundo. Y, de alguna forma, el psicoanálisis también cobró otra dimensión al atender a mis pacientes. Cada paciente se transforma en una experiencia de vida en que intento transmitirle la misma experiencia de vida que yo tuve.

—¿Los atiende con más profundidad?

—Sí, definitivamente. Es como que yo viniera de morir, entonces los reinvito a la vida. A veces lo consigo.

Esa nueva mirada para atender enfermos lo ha acercado al psicoanálisis. Por la actual intensidad y profundidad de sus sesiones, decidió acotar el número de pacientes que atiende por día: de diez diarios que veía antes, ahora son máximo cinco o seis. También se cambió de barrio: cerró su antigua consulta de Marchant Pereira porque, dice, el entorno se volvió inseguro debido a las secuelas del estallido. Se trasladó a El Golf.

Vuelve a lo que es importante para él hoy.

—Como prioridad uno, yo colocaría el arte. El arte me dice todo, mi escritura. Y el arte como... eso que se habla de la salud mental. De que de alguna forma el arte también cura, el arte viene para estar entre nosotros y ofrecer cura. Ahora lo veo con mucha más claridad. Como algo que estoy haciendo, estoy aquí por ello, para ello.

Marco Antonio de la Parra eleva la mirada y muestra su living abarrotado de libros.

—¿Qué piensa respecto a la muerte?

—Hoy siento que no está. Siento que la muerte me visitó, que se sentó a mi lado, que estuvo conmigo. Fue en ese mes en que me metieron en la burbuja. Fue espantoso, no pude leer nada. Era octubre de 2022. Y… ¿cómo decirlo? ¡De pronto me deshice de la muerte! La muerte me estaba esperando a la vuelta de la esquina, pero de pronto se deshizo. Y eso fue después de hacer “La Secreta Obscenidad de Cada Día”. En ese escenario renací.

El primer Año Nuevo sin Tommy Rey. Su legado musical continúa con su hijo

2025-12-26T14:15:00.001-03:00

Patricio Zúñiga dice que no busca imitar a su padre. “Nadie puede imitar a Tommy Rey”, advierte. Sergio Alfonso López

El Mercurio

La Sonora de Tommy Rey renace con nuevos integrantes, liderados por Tommy Junior. Su familia fue clave en esta decisión para mantener presente el recuerdo del músico chileno, que se asocia con las fiestas de fin de año. Una fecha donde los referentes de la música tropical lo tributarán en vivo. Además, en estos días se estrenan dos versiones de “Un año más”.

Por José Vásquez

El himno nacional del Año Nuevo, “Un año más”, se seguirá escuchando con otras voces, y también, con nuevas versiones de estudio. Una canción que nació como una balada nostálgica, escrita en 1977 por el músico coquimbano Hernán Gallardo, que luego grabarían Los Viking's 5, pero que en la versión de La Sonora Palacios, de fines de los años 70, con Tommy Rey como cantante, timbró su posteridad, acuñando esta especie de oficialismo tácito y popular como el tema más representativo de las fiestas de fin año.

A días de esta celebración, la primera sin su voz más emblemática, su historia musical, en una decisión familiar, va a continuar ahora siendo recordada a través de su hijo mayor, Patricio Zúñiga, bautizado igual que su fallecido padre y con el nombre artístico de Tommy Junior. Así, La Sonora de Tommy Rey renace acompañada de la bajada, El legado con Tommy Junior, una nueva orquesta que llegó para seguir interpretando con fidelidad este cancionero tropical clásico.

“La gente, gracias a Dios, ha apoyado mucho lo que estamos haciendo”, dice Tommy Junior, de inevitable parecido físico con su padre, y también en su voz, aunque él descarta que su propuesta artística sea una imitación. “Este proyecto es una nueva aventura, y aunque me parezca mucho a mi papá, no busco imitarlo, porque para empezar, aunque cante más o menos parecido, nadie puede imitar a Tommy Rey”, advierte el cantante.

Luego de la repentina muerte del ícono de la cumbia chilena, el pasado 26 de marzo, en Reñaca, tras sufrir un infarto, Leo Soto, percusionista y miembro fundador de La Sonora de Tommy Rey, había dado por cerrada su historia, anunciando que con sus músicos continuarían su carrera con otro nombre, con el que hoy se presentan, como La Gran Sonora de Todos. Después de algunos meses de silencio, desde el interior de la familia del fallecido cantante comenzó a crecer la idea de que su histórico legado no se podía terminar, y su viuda, Gloria Sáez, su segunda esposa y quien posee los derechos del nombre, fue clave en este proyecto.

“Esto se empezó a pensar por ahí por junio o julio. El nombre estaba guardado y fue una decisión de Gloria, ella quería que se continuara con el legado. Me preguntaron mi opinión y si participaría del proyecto. Al principio me costó tomar la decisión, porque llevaba 45 años con La Sonora Junior L. Palacios, hasta que entendí que mi papá lo hubiera querido así. Sentí que tenía que hacerlo y seguir con lo que él hacía”, afirma el cantante.

Así se fue gestando la idea, cuenta Tommy Junior, iniciando la búsqueda de los 10 músicos que componen el conjunto, varios de ellos con experiencias en festivales como los de Viña del Mar y Olmué, y uno, Roberto Vidal (primera trompeta), quien se retiró del grupo cuando falleció Tommy Rey y que ahora se reintegró para este nuevo proyecto.

Sobre la posibilidad, a futuro, de colaborar con el conjunto de Leo Soto, el cantante evita polemizar, pero es claro en señalar que esa opción no está en sus planes. “No tengo ninguna relación con ellos, ni siquiera sé lo que están haciendo. ¿Y más adelante? No, esa puerta está cerrada desde que mi papá falleció”.

—¿Cómo enfrenta la responsabilidad de mantener el legado de su padre?

“Es una responsabilidad bien grande, y lo único que puedo decir es que yo no quiero ser Tommy Rey, yo soy Tommy Junior y espero que la gente lo perciba así. Esto lo estoy haciendo como un homenaje a él, porque de verdad lo siento. Lo importante es que nosotros como familia estamos unidos, junto con la orquesta y con este proyecto que va a seguir y seguir. La alegría es el motor que tenemos ahora para olvidarse de la pena. Lo pasé muy mal, pero todos queremos seguir adelante, con alegría y tocar los temas que él cantaba, para que la gente no se olvide de él, esa es la idea del legado”.

Preparando las 12

El nuevo conjunto trae el cancionero más clásico del grupo, aunque estableciendo algunas diferencias. “Sonamos más como una orquesta que como sonora, donde lo habitual es que se incluyan tres vientos. Acá tenemos dos trompetas, un trombón y un saxo, por eso explico que nuestro sonido es algo distinto, donde tenemos arreglos más modernos, aunque sin olvidar lo que era La Sonora de Tommy Rey”, plantea el músico ya mirando hacia el futuro.

“Nuestro plan ahora es grabar un disco, para que la gente escuche como es este Tommy Rey, el legado, incluso tenemos temas nuevos e inéditos”, dice Tommy Junior, quien anticipa que su primer lanzamiento será una conocida canción, inevitable en estas fechas: “Un año más”.

“Ya la grabamos y pronto la vamos a lanzar junto con un videoclip. Es un himno para la gente, nadie puede empezar un nuevo año sin esa canción”, decreta interpretando el sentimiento popular.

Los referentes de la cumbia preparan homenajes

Tommy Junior cree que en este Año Nuevo, “en todos lados habrá algún tipo de tributo” a su padre. Y no se equivoca. Leo Rey estrenó su propio cover del tema más característico de estas fechas.

“Este Año Nuevo sin duda será distinto porque no vamos a tener a la pieza más importante de la música tropical, él era el alma de la fiesta, por eso quise hacer este homenaje, grabando ‘Un año más'”, revela el cantante.

“Como todos los grandes ídolos, ya sea Elvis o Juan Gabriel, el gran Tommy Rey se extraña como se puede extrañar a un ser querido, por la cercanía que generaba. Yo mismo me sentía muy cercano a él, conocí a su familia y siento un cariño especial, por eso esta canción no la grabé por figurar, lo hice como un homenaje a uno de mis referentes con lo que yo más sé hacer, que es cantar. Es una manera también de recordarlo siempre. Incluso, en vida se lo había comentado, porque quería grabarla con él, pero no lo pudimos concretar”, se lamenta, y Leo Rey promete interpretar el tema en sus actuaciones de este 31 de diciembre.

Paula Rivas, el referente femenino de la música tropical, también cree que estas fiestas tendrán un sabor distinto, aunque “afortunadamente la música inmortaliza los legados de los artistas y en este caso, con Tommy Rey, creo que no va a haber fiesta en la que se cumplan las 12 de la noche y no suene ‘Un año más' con su voz. Por ese lado es algo lindo pensar que él se queda para siempre de alguna forma con nosotros, porque en este caso, más allá de que él no hubiera escrito esa canción, fue su voz la que hizo clic y la que se transformó en un himno para los chilenos en Año Nuevo, que ahora la vamos a cantar con mucha más nostalgia”, plantea la cantante, quien tendrá un momento estelar en la fiesta de Valparaíso.

Ahí, actuará justo antes del lanzamiento de los fuegos artificiales en el puerto, y en su repertorio tendrá un momento para recordar al cantante. “Es algo que ya lo venía haciendo en mis shows, porque a fines de 2024 lancé un mix que se llama ‘Clásicos de la cumbia', así es que voy a estar homenajeándolo también ahora, sí o sí, con canciones que conocemos por él”, promete.

Américo encabezará la celebración más céntrica y masiva del Año Nuevo en la capital, con el regreso del espectáculo a la Torre Entel, luego de siete años, un espacio con una gran vitrina popular y donde el cantante piensa recordar a Tommy Rey, aunque señala que sin querer ser invasivo con su familia.

“Reconocerlo y mencionarlo, sin duda, porque se le extraña y se lo merece. Además, aprovechar de agradecerle todo el tiempo que acompañó nuestras fiestas. Ahora por el lado musical, siento un poco de pudor de cantar alguna canción de él, creo que aún me lo debo merecer”, explica Américo, y agrega: “En lo personal (si llegara a cantar algo) tendría que conversarlo con su esposa, con su familia y si ellos estuvieran de acuerdo, encantado de hacerlo. Ahora, tampoco juzgo a nadie que lo haga, porque son cosas que te nacen y te brotan. Este año se sentirá la ausencia del maestro, pero aunque no tendremos su presencia física, va a aparecer su música, que seguirá en todos lados”.

La Sonora de Tommy Rey tuvo una carrera de más de 42 años.

De $50 a $75 millones son los montos más altos entregados en los fondos de cultura

2025-12-24T14:33:00.001-03:00

El Mercurio

Se dieron a conocer las líneas referidas a festivales y ferias de los fondos del Libro y la Lectura y de la Música, entre otros. En enero se conocerán los restantes seleccionados.

María Soledad Ramírez R.

Ayer se terminó de informar la primera entrega de los fondos de cultura, en la que fueron seleccionados 657 proyectos. Se privilegiaron 15 líneas —iniciativas como ferias, festivales, encuentros y muestras, al igual que proyectos de formación e investigación que requieren becas— de los fondos del Libro y la Lectura, de la Música, de las Artes Escénicas, Audiovisual y el Fondart Nacional. El monto de este primer avance fue de $11.300 millones.

En el presupuesto 2026 esta política del Ministerio de las Culturas tiene asignados casi $86 mil millones. Bajo el actual Gobierno sus montos crecieron de unos $53 mil millones, en 2024, a casi $74 mil millones, en 2025.

Una novedad es la creación de una plataforma digital para la firma de convenios, como parte de la Transformación Digital del Estado. Con esto se automatiza el proceso, lo que disminuirá los tiempos de elaboración y tramitación de los convenios y agilizará las resoluciones aprobatorias y las transferencias de recursos.

En el Fondo del Libro y la Lectura —cuyo presupuesto total para 2026 es de $13.323 millones— están los montos más altos en esta primera etapa. En la línea de fomento a la industria, modalidad apoyo a festivales y ferias del libro con 10 o más años de realización, se entregarán $75 millones a la Furia del Libro 2026-Camino a Frankfurt; a la Primavera del Libro, en su versión 15; a la 39a Feria del Libro de Ovalle, y a su vecina de La Serena, que va en los 41 años. La Feria del Libro Infantil y Juvenil de Talca y el Festival Puerto de Ideas Valparaíso, bordean los $74 millones. Otras actividades recibirán entre $20 y $30 millones. En la modalidad de mediana trayectoria, hay eventos como la Feria del Libro de Beauchef, de la U. de Chile, con casi $55 millones, y la IX Feria del Libro Renueva tu Biblioteca, en Puerto Varas, que recibirá $46 millones.

La mayor cantidad de iniciativas a financiar se encuentra en las ferias emergentes, con menos de cinco años, donde hay 15 proyectos. Destaca, por su novedad, la primera Feria del Libro de San Felipe, que recibirá algo más de $23 millones; por su lejanía, Ácrux, festival de poesía y ciencia del Estrecho de Magallanes, en su cuarta versión, con $31 millones, y Nortecomic, que en Iquique fomenta la lectura y contará con $35 millones para su cuarta edición.

El Fondo de la Música, cuyo presupuesto 2026 es de $10.918 millones, apoya becas, festivales con más o menos trayectoria, temporadas de música consolidadas, música en vivo, investigación, patrimonio musical y actividades en colegios.

Entre los festivales con al menos tres versiones, el más favorecido es Conferencia Fluvial, que reúne a miembros de la industria de la música en Valdivia ($28 millones). La Feria Pulsar quedó en lista de espera.

En la modalidad de Festivales y Temporadas de Conciertos consolidadas, el monto más alto se entregó al Festival de Música Huilo Huilo, con $60 millones; le sigue Festicrin, de música para los niños, con $59.884 millones, y los festivales de Música Contemporánea y de Electroacústica, de la UC, que entre ambos recibirán casi $54 millones. También recibieron financiamiento dos orquestas de Valdivia: la Filarmónica de Los Ríos, para su temporada de conciertos (casi $44 millones), y la de Cámara de Valdivia, dependiente de la Uach, para solistas y músicos invitados ($60 millones).

En el Fondart Nacional, que este año tiene $18 mil 292 millones para asignar, hay 63 proyectos seleccionados en esta primera entrega, sin lista de espera. Entre los que recibieron financiamiento están la Feria de Artesanía de la UC ($75 millones), el Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso, FIFV ($74 millones), y la Feria de la Greda de Quinchamalí ($61 millones).

Live Nation: las expansivas cifras del nuevo controlador del Movistar Arena

2025-12-16T14:36:00.001-03:00

La concesión del Movistar Arena tiene fecha de caducidad el 4 de septiembre de 2026. Podría haber una negociación con el MOP para prolongar dicha operación o lanzarse una licitación en donde Live Nation Entertainment tendría que competir con una propuesta.

El Mercurio

La firma de producción norteamericana facturó un 11% más en el tercer cuarto del año, y prevé un cierre de ejercicio con más de 160 millones de aficionados (entradas vendidas).

EyN

La demanda por los espectáculos en vivo sigue creciendo a pasos agigantados a nivel mundial y explica, en parte, el apetito de un gigante del negocio de los conciertos como Live Nation por expandir su giro en Chile, más allá de la distribución de tickets con su subsidiaria Ticketmaster.

Fue justamente esta sociedad la que usó el líder del entretenimiento en vivo a nivel mundial para adquirir el control de la concesionaria de Movistar Arena, el recinto techado más grande del país, con la compra del control de la operación del lugar al grupo Hiller (liderado por Peter Hiller). Hace unos días, la concesionaria informó la adquisición vía un hecho esencial enviado a la Comisión para el Mercado Financiero (CMF). Hiller en todo caso seguirá siendo socio. Su hijo Daniel Hiller fue nombrado como parte del nuevo directorio configurado posterior a la transacción.

Solo la evolución de los ingresos de Live Nation, que durante el tercer cuarto del año crecieron 11%, alcanzando los US$ 8.500 millones a nivel global, explica el interés por invertir en el rubro. La estrategia de la norteamericana se enfoca en la infraestructura, recintos y ticketing, según señala la web de industriamusical.com.

Nuevos recintos

Michael Rapino, presidente y director ejecutivo de la compañía, se refirió en términos positivos al desempeño de la industria durante el semestre en dicho reporte. “La fuerte demanda de los fans impulsó otro trimestre récord, ya que seguimos atrayendo a más fans a más espectáculos a nivel mundial. Con estos impulsos, 2026 tendrá un comienzo sólido, con un aumento de dos dígitos en nuestra cartera de espectáculos en grandes recintos y mayores ventas para estos espectáculos. Al mismo tiempo, seguimos invirtiendo en nuevos recintos para expandir el mercado, crear empleos y ofrecer a los artistas aún más formas de llegar a los fans, lo que posiciona a Live Nation en una trayectoria clara para un crecimiento de dos dígitos en los ingresos operativos y el AOI (ingreso operativo ajustado) este año, y para mantener este nivel de crecimiento durante los próximos años”.

Asimismo, señala el informe, el gasto de los fans en estos lugares de reunión se mantiene sólido, “con un crecimiento continuo en nuestros anfiteatros, que aumentó un 8%, y en los principales festivales (más de 100.000 fans), que aumentaron un 6%, en lo que va de año”.

Las ventas de entradas para los conciertos de Live Nation en 2025 (a octubre) se elevaron un 4% hasta alcanzar los 150 millones de fans, con una previsión de aproximadamente 160 millones de fans para todo el año.

Durante octubre, en tanto, el negocio continuó mostrando una fuerte demanda, con un ritmo de venta de entradas superior al del año pasado, lo que impulsó una aceleración en el crecimiento de aficionados en el cuarto trimestre en plazas cerradas (estadios, teatros y clubes), indica el reporte financiero de la compañía.

Agrega que el crecimiento continúa siendo liderado por los mercados internacionales en que participa, donde el número de fans va camino a superar la cifra de Estados Unidos por primera vez.

Ticketmaster, en tanto, sumó 26,5 millones de entradas netas para nuevos clientes, superando ya las nuevas entradas netas de todo el año 2024.

En la región, Live Nation Entertainment, que en 2009 se fusionó con Ticketmaster, opera recintos emblemáticos como el Luna Park de Buenos Aires y el Vive Claro de Bogotá.

Tiene como apuesta desarrollar una veintena de nuevos centros de espectáculos, según han señalado sus máximos ejecutivos. Lo anterior, atendido a la creciente demanda por asistencia a espectáculos en vivo, en donde incluso se ha elevado el volumen de shows que han debido impulsar fuera de lugares operados por ellos.

En Perú construirá el Lima Music Arena, se anunció en octubre. El recinto tendrá una capacidad para más de 18.000 personas.

Ganancias del Movistar Arena crecen a dos dígitos

La sociedad concesionaria del Movistar Arena (Arena Bicentenario) registró utilidades después de impuestos por $4.213 millones durante el ejercicio 2024, un 26% por sobre los $3.348 millones en ganancias obtenidas en 2023.

Los ingresos también crecieron en el período, pues totalizaron $14.236 millones en enero-diciembre del año pasado, es decir, un 13% mayores a los $12.628 millones del ejercicio previo.

La capacidad del Movistar Arena es de 15.500 personas, considerando butacas, cancha y boxes. Su sponsor principal es Movistar.

En cuanto a la concesión, esta tiene fecha de término el 4 de septiembre de 2026, luego que el MOP prolongara su duración en 24 meses, atendido el efecto negativo que causó la pandemia debido a las restricciones que impuso el aforo durante la emergencia.

Movistar Arena, ubicado en el Parque O´Higgins, comuna de Santiago, recibe más de 1,5 millones de visitantes por año, siendo el recinto techado con mayor asistencia en Latinoamérica y el cuarto a nivel mundial, según señala su página web.

Familia Hiller vende control de concesionaria de Movistar Arena a Ticketmaster

2025-12-12T15:09:00.001-03:00

El Mercurio

Distribuidora estadounidense es de propiedad de la firma promotora de espectáculos y operadora de recintos Live Nation.

EyN

Ticketmaster, firma estadounidense en el segmento del entretenimiento a nivel mundial, pasará a controlar uno de los mayores centros de espectáculos del país: Movistar Arena.

Ayer, el concesionario (Arena Bicentenario) del recinto ubicado en el Parque O'Higgins, en la comuna de Santiago, envió un hecho esencial a la Comisión para el Mercado Financiero (CMF) mediante el cual comunicó la existencia de un acuerdo de compraventa de acciones. Se trata de un convenio entre el player internacional y dos sociedades vinculadas al grupo Hiller, que enajenaron poco más del 51% de las acciones de la firma concesionaria del recinto.

Como consecuencia de esta transacción, renunciaron todos los directores de la concesionaria. La mesa estaba integrada por Verónica Blanco, Álvaro Contreras, Álex Rebolledo, Felipe Hiller Gostling, Peter Hiller Hirschkron.

Asimismo, se designó en la mesa de la firma al hijo de Peter Hiller, Daniel Hiller Gostling; Óscar Mejías, John Hopsman, Venancio DeCastro y Jason Garner.

Mayor ticketera en el mercado global

Ticketmaster es la mayor compañía a nivel mundial en distribución de entradas para eventos masivos, como conciertos, deportes, teatro y festivales. La empresa opera como una plataforma de comercio electrónico que conecta a organizadores de eventos con el público.

Ticketmaster es una división de Live Nation Entertainment, compañía que se formó a raíz de una integración entre Live Nation (promotor de conciertos y operador de recintos de espectáculos) y Ticketmaster.

El presidente de Ticketmaster es Mark Yovich.

La firma opera en más de 35 países.

El Movistar Arena

Según su página web, Movistar Arena es un recinto multipropósito techado, con una capacidad máxima aproximada de 15.500 personas. Cuenta con 12.000 butacas numeradas, 3.200 sillas móviles en cancha, 9 suites, 28 boxes y más de 10 configuraciones posibles para adaptarse a distintos tipos de espectáculos.

Su infraestructura incluye escenario, una cúpula de 50 metros de altura y 44.000 m² de superficie total. Recibe más de 1,5 millones de visitantes al año.

El centro de espectáculos se inauguró como Arena Santiago en 2006 con la visita del Dalái Lama. En 2008, en alianza con su sponsor principal, fue rebautizado como Movistar Arena, de acuerdo con información que el mismo recinto exhibe en internet.

Dialecto de Pájaros (2025): El regreso esperado de una obra de Patricio Wang

2025-11-20T07:00:00.000-03:00

Por Ricardo Tapia

Un deseo que sobrevoló durante años

Si me pongo a pensar cuándo comenzó a mencionarse de forma más habitual por el país la idea de montar Dialecto de Pájaros en Chile, me remite, inevitablemente, a los años 2007 - 2009. Por entonces, Patricio Wang empezaba a regresar con mayor frecuencia al país para presentar sus cantatas y obras musicales, mientras surgía un renovado interés por su obra gracias a las nuevas generaciones de músicos universitarios que ya contaban con sus propios conjuntos.

Para 2014-2015, un grupo formado en la UMCE propuso montar varias cantatas populares, entre ellas Dialecto de Pájaros. Sin embargo, la obra quedó a un voto de ser seleccionada; en su lugar se escogieron La Cantata América, Es el colmo que no dejen entrar a la Chabela y Canto para una semilla. A ello se sumaron otros intentos posteriores, igualmente frustrados, por la dificultad de acceder a las partituras.

Durante años, la obra íntegra circuló principalmente gracias a grabaciones en audio difundidas en internet y a la curiosidad de los músicos. Faltaba, sin embargo, alguien capaz de concretar definitivamente ese anhelo.

Abigail y Ricardo: el inicio de un sueño cumplido

Ese momento largamente esperado llegó cuando Abigail Villalobos Valenzuela y Ricardo Andrade Rojas —músicos de amplia trayectoria y futuros creadores del Ensemble Dialéctico— decidieron asumir el desafío. Su vínculo con la obra venía desde las primeras colaboraciones con Patricio Wang en proyectos junto a la Orquesta Andina y otros conjuntos, donde interpretaron obras como Qué más quieres que te diga, Transiente, Naufragio, Oficio de tinieblas y Las canciones salvajes, forjando así lazos artísticos y afectivos que se mantuvieron en el tiempo.

En 2025 consolidaron la formación del Ensemble Dialéctico, agrupación creada con el objetivo de montar en Chile la Cantata Dialecto de Pájaros.

Reconstrucción de una obra y comienzo de los ensayos

Uno de los puntos de partida fue una copia de la partitura que conservaba el director de la Orquesta Andina. Autorizada por Wang fue facilitada a los músicos para comenzar el montaje, aunque aquella versión estaba incompleta: faltaban páginas y correspondía a borradores iniciales. A partir de ello comenzó un proceso de reconstrucción y diálogo constante con el compositor.

Las partes ya digitalizadas por parte de Wang —Invocación a la lluvia, Canto VII y Statement— facilitaron un primer avance. Con ese material y con las partituras facilitadas por la Orquesta Andina, se realizó un trabajo de reescritura y edición digital que permitió conformar una versión revisada de la obra, que Wang continúa afinando.

Los ensayos comenzaron entre abril y mayo de 2025 en el Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, en Viña del Mar, con reuniones quincenales. Cada sesión se convirtió en un espacio de lectura, experimentación y escucha compartida. “Fue un trabajo democrático, donde cada integrante asumió las partes que mejor se ajustaban a sus capacidades o instrumentos”, recuerda Abigail.

La obra fue reapareciendo como un organismo vivo que se reconstruye desde la memoria y desde la práctica colectiva.

Una escritura accesible, una rítmica exigente

Aunque inscrita en el ámbito de la música contemporánea, la escritura de Wang conserva cierta claridad formal, heredada del hecho de haber sido concebida inicialmente para el Quilapayún, donde no todos los músicos leían partituras. Esto permitió concentrarse en la relación entre voces e instrumentos, más que en notaciones experimentales.

Las verdaderas complejidades surgieron en la rítmica: compases irregulares, cambios métricos sucesivos y libertades interpretativas, como el número de vueltas en algunas secciones o modos de ejecutar ciertas percusiones. “El desafío fue mantener el pulso colectivo sin perder el sentido del canto, esa oscilación entre caos y orden que atraviesa toda la obra”.

La llegada de Wang y las modificaciones para la versión chilena

Gracias al montaje de la obra y de algunas conversaciones, se estableció una alianza con la Fundación Orquesta Marga Marga para incluirla en el Festival Puente, haciendo coincidir con la visita de Wang a Chile por otros compromisos.

Durante el transcurso de los meses en que se montaba la obra y se conversaba con Wang para ajustar las partes, se llegó a la posibilidad de incluir al pianista Gerard Bouwhuis, quien estaría en el país para participar junto al Ensamble Nap en algunos estrenos de otras obras de Patricio Wang, todo gestionado gracias a una invitación del Festival Darwin Vargas, aunque por temas logísticos el pianista solo podría llegar el mismo día del estreno.

En octubre, la llegada de Wang inyecta nueva energía al proceso. Junto al ensemble se trabajó detalladamente la pieza Nubes y relámpagos, debido a que la versión que tenían correspondía a la interpretada en 1987, la cual tuvo que ser simplificada, ya que es especialmente difícil por el entrelazamiento rítmico entre piano y marimba en forma de hoketus. Además, para esta versión, Wang incorporó el siku y propuso algunos cambios de interpretación que distinguen esta versión chilena del montaje del 87.

También revisó indicaciones estructurales y de ejecución, y buscó el ensayo sin dirección visible, buscando una interpretación sostenida únicamente por la escucha mutua. Aun así, Wang marcaría entradas con ayuda del bajo y daría apoyos vocales, como en 1987.

En uno de los últimos ensayos, al cual tuve acceso, se me hicieron evidentes las características de esta nueva versión: el texto en español (frente al texto en inglés de 1987), un tempo ligeramente más rápido, la inclusión de dos mujeres que amplían el color vocal y la instrucción de Wang respecto a que algunas partes “no deben ejecutarse para el público, más bien para uno mismo”. Según sus palabras, esta versión es la más cercana a la idea original de 1987, imposible de concretar entonces por razones técnicas y de tiempo del conjunto Quilapayún.

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El estreno en el Teatro Municipal de Viña del Mar

El inicio de las palabras mágicas

El 11 de noviembre de 2025, Dialecto de Pájaros tuvo su estreno en Chile como parte del Festival Puente: Encuentro Interoceánico de las Culturas.

Las puertas del Teatro Municipal de Viña del Mar se abrieron a las 18:07, con un ingreso fluido y una sala que se fue llenando gradualmente. La primera parte estuvo a cargo de la Orquesta Marga Marga, con obras de compositores vietnamitas y una pieza del argentino Esteban D’Antona. Tras un intermedio exacto de diez minutos, comenzó el renacimiento del Dialecto de Pájaros.

El telón se abrió con los músicos ya dispuestos en escena. Wang ingresó desde un costado para ofrecer unas palabras antes de iniciar la obra.

Ejecución, recepción y detalles técnicos

La obra fue interpretada de manera íntegra y sólida. Los pequeños desfases perceptibles —posiblemente fruto del nerviosismo o de problemas de retorno— no afectaron el resultado general ni la potencia del montaje. Los detalles eran más notorios únicamente para quienes conocían profundamente la versión de 1987.

El Teatro de Viña mostró una acústica excepcional, aunque algunos problemas técnicos de amplificación —voces o instrumentos que no alcanzaban nitidez— podrían explicarse por el hecho de que el recinto suele trabajar con micrófonos ambientales más que con amplificación directa.

El público respondió con entusiasmo y atención. El montaje tuvo una duración cercana a los 40 minutos, incluyendo los cuatro dedicados a las palabras iniciales de Wang y una prolongada ovación final que se extendió varios minutos hasta el cierre del telón.

Algunos momentos destacados

Debo resaltar la labor del pianista Gerard Bouwhuis, quien llegó el mismo día al país y prácticamente sin ensayos plenos con el ensemble. Aun así, su interpretación y fiato con el conjunto fue impecable, como si llevara años trabajando con el grupo.

También destacó la restitución de arreglos originalmente concebidos por Wang, que en 1987 no pudieron ser montados. La continuidad musical y los guiños musicales característicos del compositor se hicieron especialmente visibles.

Lo actual que sigue sonando la obra, llegando a ser atemporal en el tiempo, se manifiesta en cómo esta nueva versión revive su carácter ritual y su lógica de ciclo, permitiendo que vuelva a cobrar sentido y relevancia plena en el presente.

Por lo que puedo decir que este estreno reafirma la vigencia artística de Wang, probablemente el integrante de Quilapayún más activo creativamente en la actualidad

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¿Qué viene para Dialecto de Pájaros?

La siguiente presentación está programada para el 11 de diciembre, en el Teatro Municipal de Quilpué. Por ahora, sería la última oportunidad de escuchar la obra en vivo. Sin embargo, existen intenciones de llevarla a otros espacios en el futuro y también de realizar una grabación en estudio, dependiendo de recursos, disponibilidad y nuevas gestiones.

Aunque el futuro pueda parecer incierto, sí podemos afirmar y celebrar que Dialecto de Pájaros ha vuelto. Su vuelo —y su espíritu chamánico— parece recién comenzar, y quizás ahí reside su mayor coherencia: al igual que su estructura en forma de loop, la obra regresa sobre sí misma para renacer una y otra vez. De este modo, este montaje no solo recupera una creación de Wang, sino que inaugura un nuevo ciclo, dispuesto a seguir creciendo y transformándose en cada interpretación futura.

Illapu prepara el lanzamiento de adelanto de su nuevo álbum “En esos días de los 90”

2025-11-07T09:59:00.002-03:00

Comunicado de prensa

Este viernes 7 de noviembre estará disponible el primer adelanto del nuevo álbum de Illapu, que recoge nuevas versiones y grabaciones de sus temas más importantes de la década de los 90.

Se trata de “Dos Sobreviviendo”, una de las piezas más intensas y significativas de su repertorio.

De esta forma, Illapu continúa erigiéndose como una banda esencial de nuestra música. Un referente permanente de identidad, compromiso y belleza musical.

Su historia une y entrelaza distintas generaciones hasta el dia de hoy, las cuáles se dan cita en cada uno de sus multitudinarios conciertos: Quienes evocan los años 70, marcados por penas y oscuridades solo alumbradas por temas como Candombe para Jose; quienes recuerdan aquellas grabaciones llegadas desde Europa durante los 80 y su emotivo reencuentro con el público chileno en 1988 en parque La Bandera; y quienes vivieron en los 90 el renacer creativo del grupo en su propia tierra, con canciones inolvidables como “Lejos de Amor”, “Sincero Positivo”, “Morena Esperanza”, “Del Pozo de Mis Sueños”, entre muchas otras que hoy son verdaderos clásicos.

Dos Sobreviviendo

“Dos Sobreviviendo” es, en esencia, una canción de amor - no solo por la historia de Pedro y María, los personajes que encarna la poesía de Nelly Lemus y la música de Roberto Márquez - sino porque plantea con profundidad lo inquebrantable de ese amor y la soledad que lo rodea. Es el amor que persiste frente a la adversidad, en un mundo muchas veces indiferente.

Generalmente, las canciones de amor suelen hablar de la pasión, la ruptura de una relación o el deseo. Pocas abordan el amor desde una perspectiva social. “Dos Sobreviviendo”, habla del amor que resiste, incluso en medio de las carencias, los problemas y los desafíos cotidianos de la vida. Ese amor que, pese a todo, sobrevive.

Con este nuevo proyecto, Illapu no solo revisita su propio pasado: lo reinterpreta con la madurez y la sensibilidad del presente. “En esos días de los 90” es una celebración de una época, pero también una mirada al hoy, desde la misma raíz humana y esperanzadora que ha hecho de Illapu una voz imprescindible.

Dialecto de Pájaros: El resurgir en Chile de una cantata chamánica

2025-11-02T21:03:00.001-03:00

Casi cuatro décadas después de su estreno en Ámsterdam, la cantata “Dialecto de Pájaros” del compositor Patricio Wang revive en Chile con una versión revisada por su autor. Una obra mística y vanguardista que regresa para cerrar un ciclo pendiente en la historia musical de Quilapayún y Patricio Wang.

Por Ricardo Tapia

Hace casi cuatro décadas —en 1987— el compositor Patricio Wang presentó en Ámsterdam, junto a Quilapayún & Co., la cantata Dialecto de Pájaros, concebida como un viaje al límite del lenguaje, la voz y el sonido.

La génesis de Dialecto de Pájaros se sitúa cuando Wang, ya vinculado a Quilapayún desde inicios de los años ochenta, emprendió una investigación sobre lenguajes no convencionales, voces primordiales y territorios sonoros que superan la palabra cotidiana.

Tomando textos de diferentes fuentes —como los Modoc, cantos de los Yamanes de Tierra del Fuego, de los pueblos esquimales, de iglesias pentecostales estadounidenses e incluso el poema “Canto VII” de Vicente Huidobro—, logró crear una cantata que ha sido considerada como “un viaje chamánico a través de los siete cielos en busca de un nuevo lenguaje”.

El estreno tuvo lugar en el marco del Festival Stage Door, en Ámsterdam, en 1987, con el respaldo de patrocinadores europeos y con pleno conocimiento de que no existían los medios para desarrollar el proyecto más allá de la semana que duraba el festival. Es por eso que la cantata nunca fue registrada oficialmente en su integridad ni volvió a presentarse como obra completa.

Sin embargo, algunos fragmentos salieron a la luz bajo el alero del Quilapayún, agrupación que grabó ciertas secciones en sus álbumes e interpretó otras en vivo, aunque nunca llegó a montar ni registrar la obra en su totalidad posterior al festival.

Fue así como tuvieron que pasar casi cuarenta años desde aquella oportunidad en Ámsterdam para que Dialecto de Pájaros volviera a surgir como el ritual y canto chamánico destinado a ser escuchado íntegramente, en un espacio que permite que las palabras conserven su poder mágico y, de algún modo, puedan cobrar vida y transformar lo que tocan.

Esta vez, los afortunados serán el público chileno, constituyendo, de alguna manera, el cierre de ese pendiente musical tanto en el catálogo de Quilapayún como en la trayectoria de Patricio Wang.

Es gracias a las agrupaciones musicales Los Precisos y Colectivo Dialéctico —colectivo formado especialmente para esta ocasión—, que se abre una nueva etapa para la cantata, la cual será presentada en su totalidad y, esta vez, con una versión revisada por su autor, que incorpora nuevos arreglos y correcciones, constituyendo posiblemente su «versión definitiva».

Como músico invitado para el día del estreno participará el pianista holandés Gerard Bouwhuis, intérprete original del estreno de la obra en 1987. Su presencia se sumará exclusivamente al día del estreno, aportando junto a Patricio Wang —quien será parte del colectivo y participa en en las fechas agendadas interpretando el bajo eléctrico— un valor histórico y artístico singular a este reencuentro con Dialecto de Pájaros.

Este estreno en Chile se presenta como el redescubrimiento de una pieza clave en la evolución de Quilapayún durante su etapa más vanguardista y, a su vez, como una de las obras más emblemáticas y místicas del trabajo de Wang, quien une tradición sonora, vanguardia musical y el cruce de lenguajes humanos, animales y rituales en una cantata que invita a escuchar el origen mismo del lenguaje en una travesía hacia los sonidos primordiales del ser.

Pero esto no es todo, ya que la reaparición de Dialecto de Pájaros en los escenarios chilenos coincide con un momento especialmente significativo en la trayectoria de Patricio Wang, quien durante su estancia en el país presentará también parte de su amplio catálogo musical, en un recorrido que combina música, memoria y reflexión sobre el exilio.

Su visita por Chile se enmarca en dos conmemoraciones de alto valor simbólico: los 80 años del Premio Nobel de Gabriela Mistral y los 200 años de relaciones diplomáticas entre Chile y los Países Bajos, país en el que Wang ha desarrollado gran parte de su vida artística.

En este contexto, el compositor ofrecerá al público chileno la posibilidad de reencontrarse con obras esenciales de su catálogo. Entre ellas se cuentan Canciones Salvajes, para solista, coro e instrumentos, basada en textos de Pablo Neruda; Transiente y Oficio de Tinieblas, piezas grabadas por Quilapayún, entre otras de su catálogo. Además, junto al Dialecto de Pájaros, se suma el estreno en Chile del Ciclo Mistraliano, inspirado en textos de Gabriela Mistral, obra que profundiza el diálogo entre literatura, identidad y música contemporánea. Paralelamente, Wang lanzará su libro bilingüe Música en Exilio / Muziek in Ballingschap, donde revisa su camino artístico y humano ligado al exilio, abordando tanto su experiencia personal como su creación musical desarrollada fuera de Chile.

Programación de Patricio Wang en Chile

5 de noviembre – Conversatorio en el 1.º Encuentro de Guitarra, Universidad Alberto Hurtado.

11 de noviembre (19:00 hrs) – Dialecto de Pájaros en el Teatro Municipal de Viña del Mar, concierto de apertura del Festival Internacional Puente: Encuentro Interoceánico de las Culturas.

13 de noviembre (19:00 hrs) – Museo del Inmigrante, Valparaíso (Festival Darwin Vargas, PUCV). Estreno en Chile del Ciclo Mistraliano.

14 de noviembre – Casa de la Fundación Creciente, Osorno. Ciclo Mistraliano y otras composiciones.

21 de noviembre – Concierto en Casa Román, Santiago. Ciclo Mistraliano y otras composiciones.

29 de noviembre – Concierto en Sala Rívoli, Valparaíso. Canciones Salvajes y otras composiciones.

11 de diciembre (19:00 hrs) – Oficio de Tinieblas y Dialecto de Pájaros en el Teatro Municipal de Quilpué.

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🎟️ Entradas liberadas.

Algunas actividades requieren inscripción previa a través de las plataformas y redes sociales de los teatros, universidades, museos y festivales donde participará Wang.

Se recomienda informarse directamente en dichos canales.

David Rieff: “Los intelectuales y artistas woke se creen anticapitalistas. Es su fantasía, mientras el negocio sigue funcionando”

2025-10-05T18:07:00.001-03:00

El Mercurio

Ya está en Chile el nuevo ensayo del intelectual estadounidense, que analiza los efectos del movimiento woke en la cultura y las humanidades. Hijo de Susan Sontag y de Philip Rieff y autor del “Elogio del olvido” (2017), al reportero de guerra y ensayista le inquieta la primacía de la autorreferencia en la cultura y también la ruptura del diálogo entre el presente y el pasado. “Deseo y destino” es un libro inteligente y provocador, al igual que su autor, que conversó con “El Mercurio”.

Elena Irarrázabal Sánchez

Voz ronca — ¿mucho tabaco?—, pelo cortado al rape, muy delgado. Veterano corresponsal de guerra y escritor, David Rieff (Boston, 1952) es un reconocido ensayista, colaborador de medios como el New York Times, Washington Post, Foreign Affairs y Letras Libres. Rieff estudió Historia en la Universidad de Princeton y ha escrito sobre duros conflictos a través del mundo, como el sitio de Sarajevo, el genocidio de Ruanda y la invasión de Afganistán. No es hombre de eufemismos y está en las antípodas de la corrección política, pero sí devela, a través de la entrevista, una gran erudición en historia, literatura y artes.

Nacido en un entorno marcado por la palabra y el humanismo, Rieff es hijo de la célebre intelectual estadounidense Susan Sontag y fue el editor de los diarios de su madre. Su padre fue el destacado sociólogo Philip Rieff, una figura menos conocida, pero no por ello menos interesante, gran analista de la obra de Freud y estudioso de temas como la importancia de la represión de los impulsos y del rol de la sacralidad en la sociedad.

En 2017 David Rieff presentó su contundente —y no exento de controversia— ensayo “Elogio del olvido” (2017), en el que cuestionaba el excesivo culto a la memoria histórica y advertía que la instrumentalización de un pasado puede ser una forma de profundizar en el odio. Ahora publica “Deseo y destino: lo woke, el ocaso de la cultura y la victoria de lo kitsch” (Debate), sobre el pensamiento woke y su comprensión de la cultura. La obra, que ya va en su segunda edición en español y está disponible en librerías chilenas, cuenta con un excelente prólogo de John Banville, quien define el ensayo de Rieff como “un ataque convincente y brillantemente argumentado contra las ortodoxias actuales que dominan sobre todo al mundo académico, a los patronos de las artes y a Silicon Valley”.

Desde Barcelona, Rieff conversó con “El Mercurio” por Zoom. “Casi toda mi vida he sido un nómade, es casi mi profesión. Vivo entre Europa y Nueva York, pero viajo unas seis semanas al año a Buenos Aires, y ahora vine a España por la publicación del nuevo ensayo. Luego iré a Varsovia y de ahí a Kiev, donde paso temporadas y hago clases en la universidad. Estoy preparando un libro sobre la guerra de Ucrania, es una vuelta a mis raíces”.

—Ha vivido varias guerras. Y dice que allí ha aprendido que víctima y victimario son roles que cambian con el tiempo. ¿Esta reflexión influye en su nuevo ensayo?

“Bueno, para empezar, el movimiento woke, en general, suele borrar la diferencia entre la violencia metafórica —digamos, verbal— y la violencia física. Para mí eso es una distorsión de la realidad. Decir que la violencia retórica es la misma cosa que una bala en la pierna, me parece ridículo. La gran mayoría de los wokistas no entienden nada de la violencia y los jóvenes en las facultades en Estados Unidos, el Reino Unido y Australia hoy tienen un nivel de autocentrismo e ingenuidad, que para mí es casi inédito”.

—Le inquieta la primacía de la sensación subjetiva por sobre la realidad.

“La subjetividad ha pasado a ser lo más importante, se transforma en ‘la' realidad. Es my truth, mi verdad. En las universidades estadounidenses, los alumnos se quejan de que algunos profesores los ofenden y se sienten ‘psicológicamente amenazados'. Y si alguien da una opinión y piensa que hay dos sexos, la retórica woke lo acusa de estar borrando, matando espiritual y sexualmente a las personas trans. Desde hace 40 o 50 años, hay tratamientos para el cambio de sexo, pero el movimiento trans, en su gran mayoría, expresa una insistencia absoluta en que la identidad la eliges, poco importa que hayas cambiado de género o no. La realidad biológica es mucho menos importante que tu realidad imaginaria o subjetiva”.

Shakespeare imperialista

Una expresión de hipocondría moral y social, que está demoliendo la tradición cultural occidental y el cultivo de las humanidades. Así describe Rieff los efectos del pensamiento woke en la cultura. “Para ellos no existe un pasado interesante, solo el pasado victimario o el pasado racista. Y hay que expurgar ese pasado con el celo de un nuevo puritanismo”, comenta el autor. Su libro combina con amenidad textos cortos y otros más extensos, con referencias a acontecimientos actuales. No falta la ironía —uno no sabe si reír o llorar— cuando cita al libro “Marx para gatos”, editado por la Universidad de Duke, que critica “la exclusión de los gatos del abrazo revolucionario”. O cuando cita la canción “Todos somos especiales” del dinosaurio Barney, como “la expresión más radical de la convulsión woke”.

A juicio de Rieff, la mirada woke —en su opinión, de mayor penetración en el mundo anglosajón que en el latino— sataniza el pasado y con ello a la tradición cultural occidental. Se considera a Shakespeare como parte del canon imperialista y se prefiere a un escritor de Guinea Ecuatorial antes que a Cervantes. El movimiento woke, para el ensayista, “es un conjunto de fantasías occidentales sobre la autenticidad y nobleza de lo tribal y lo premoderno”, con una mirada identitaria justo cuando el mestizaje es más intenso que nunca. El ensayista percibe en el wokismo una intensa dimensión moral o pseudorreligiosa. “Aunque no sea completa, la analogía con la religión me parece correcta, pues es un movimiento de reforma emancipatoria y moral, como pueden haber sido la reforma evangélica o, en el mundo laico, la revolución cultural china”, señala.

—Su mirada se focaliza en los efectos culturales del movimiento.

“El woke no va a destruir el mundo, pero sí puede destruir la cultura occidental en nombre de la justicia, de la igualdad, de la representación de ciertos grupos. ¿Es un peligro al mismo nivel que el cambio climático? No, pero tampoco me parece que tenga que disculparme por focalizar en la cultura y en las artes. Es posible imaginar un mundo sin gran cultura y todas las culturas son mortales, como nosotros. Pero me parece que no había que adelantar la muerte de la cultura occidental, ese es uno de mis reproches fundamentales. En todas las grandes culturas, sean occidentales u orientales, el pasado es más importante que el presente. El woke es el revés. Está solo el presente, y el pasado es una forma de prefacio a nosotros mismos. Como el concepto maoísta del año cero o la frase guevarista del hombre nuevo”.

El pasado y Beyoncé

—En el libro dice que se ha perdido el diálogo con el pasado.

“Los grandes artistas de toda la historia han entendido bien aquella frase del poeta ruso Ósip Mandelshtam, que dice que la cultura es una conversación continua entre artistas del pasado, presente y futuro. Algo que trasciende las generaciones. Pero el woke es lo contrario y uno puede ver cómo destruye la cultura más selecta, solo hay que mirar las universidades y las humanidades. También el mundo de los museos y las filantropías culturales. Ya ha destruido mucho”.

— ¿Cree de verdad que las humanidades están muriendo?

“Creo que hoy vivimos un universo de las humanidades que es totalmente autorreferencial. En las universidades se estudia a Beyoncé o la propia experiencia de vida de los alumnos. ¿Para qué? Si estás ahí para estudiar, no para cantar de ti mismo. No tengo que tomar clases para tener un diploma en mi propia vida, eso puedes hacerlo en un bar con tus amigos. Esto se conjuga con una vulgarización de las ideas psicoanalíticas y una visión autosatisfecha y narcisista. Cuántas novelas y poemas describen con minucia hoy cuán alienado se siente el autor en su barrio burgués de los suburbios. El panorama es bien desolador”.

—El “yo” como temática casi única.

“Todos hablan de sí mismos. También hablan de la importancia de la diversidad, pero dicen las mismas cosas. Y proclaman el multiculturalismo, pero siempre en inglés. El reclamo fundamental del wokismo es que la cultura debe hablar de tu raza, tu género, tu minoría, tu grupo excluido. Y la otra responsabilidad del artista es ser buena persona. Algo que excluye al 99% de los buenos artistas de la historia. La gran mayoría de buenos artistas han sido hijos de puta o han tenido vínculos con sistemas de opresión”.

—Esta depreciación cultural termina en el kitsh, según su perspectiva.

“Creo que finalmente el pensamiento woke no va a producir un gran arte, sino que abre camino al kitsch, que es el subtítulo de mi libro. La cultura popular es más fácil de abordar. Hay que trabajar un poco para entender la gran cultura, pero no a Taylor Swift o Beyoncé”.

La liturgia

—David, usted plantea que el pensamiento woke tiene débiles fundamentos culturales y que les interesa más Taylor Swift que Cervantes. ¿Por qué lo considera un movimiento preocupante si tiene cimientos precarios?

“Los movimientos débiles han destruido mucho en la historia. No veo que haya una contradicción entre un movimiento intelectualmente débil —o aún idiota— y su capacidad de destrucción. Muchos movimientos destructores han sido intelectualmente débiles, incluso el fascismo y el estalinismo. Y yo diría que el neoliberalismo también es intelectualmente débil”.

—También plantea las simplificaciones culturales propias del pensamiento woke, pero sus autores suelen usar un lenguaje difícil. .

“Es que no es un lenguaje, es una liturgia. Escriben como los sacerdotes de la religión woke. Y, obviamente, cada liturgia debe tener un idioma. Además, ¿qué pasaría si escribieran de manera normal? Todos se burlarían de sus propuestas, pero en un lenguaje oculto y esotérico es más fácil decir tonterías”.

— ¿La atracción del woke no ha disminuido en el último tiempo? El último libro de Judith Butler recibió críticas.

“No sé, no la sigo tanto a estas alturas. Ya he leído demasiado a Butler en mi vida. Tal vez en mi reencarnación pueda leer más”.

— ¿Por qué considera que Butler es un fraude?

“En pocas palabras, creo que su idea de la realidad como presentación —tu propio teatro— me parece un asalto a la realidad”.

Trump y las universidades

A juicio de Rieff, el concepto de democracia se está vaciando y se tornará cada vez más impreciso. Lo mismo que el espacio del centro en la política. “Los jóvenes, en su gran mayoría, o están en la derecha o en la izquierda. El centro para ellos no existe. Y las autocracias irrumpen porque los partidos de centro no plantean soluciones para los temores y prioridades de la población. La solución autocrática aparece más persuasiva, se presenta como si tuviera esas respuestas”.

— ¿Y cuál es su perspectiva actual de Donald Trump?

“Bueno, hay que reconocer que es un mago de la política, sería muy idiota negar esto. Las personas que lo subestimaron terminaron llorando. El 6 de enero del 2021, nadie hubiese podido pensar que Trump iba a retornar al poder. Ahora es el Presidente y un presidente en sus propios términos. Es posible que fracase, no sé, mi bola de cristal se rompió hace tiempo. Pero el equipo de Trump está armando una contrarrevolución en casi la totalidad de la sociedad norteamericana”.

—Un elemento de esta contrarrevolución es la presión a las universidades para que cambien contenidos o profesores.

“Es obvio que Trump tiene una visión fundamentalmente antidemocrática y quiere presionar con todo a las universidades para que cambien sus perspectivas. Pero, entre tantos temas, diría que me preocupa más la política migratoria de Trump, que sea muy indulgente con Putin o que tenga una política nefasta en el Medio Oriente. Esto me perturba más”.

— ¿El de Trump no es un ataque a la libertad de expresión en las universidades?

“Es un asalto contra la libertad de expresión, no me cabe duda. Ahora, tampoco creo que en las universidades haya existido libertad de expresión en los últimos 20 años. Durante toda la época de Obama y Biden, identificarse como alguien de centroderecha, para no hablar de la derecha, era una sentencia de muerte dentro de las facultades. Las presiones de la administración de Trump son absolutamente reales y también lo fue la represión a la derecha en las últimas décadas. Desafortunadamente, quienes hoy se quejan se sintieron muy confortables durante la represión a la derecha y hoy viven una cosecha amarga”.

— ¿Y existe un wokismo de derecha?

“Bueno, creo que hay una versión woke de la derecha, sobre todo en términos de Palestina. Muchas personas de la derecha proisraelí usan ese vocabulario de sentirse inseguros u ofendidos. Han establecido su propia versión del wokismo, pero creo que es menos relevante y ha tenido mucho menos efectos nefastos”.

Disidencia y consumo

“Al capitalismo le conviene la infinita segmentación del mercado. El capitalista prefiere a Taylor Swift y el woke, también. En este sentido, el sistema dominante y el movimiento woke tienen los mismos intereses. Ambos consideran que la tradición es un impedimento para la rentabilidad”, reflexiona Rieff, quien se ha referido a una “mercantilización de la disidencia”. También ha señalado que la izquierda woke tiene una visión negativa de la clase trabajadora, a quienes percibe como bárbaros, xenófobos y sexistas.

—Las grandes figuras del movimiento woke dicen ser anticapitalistas, pero usted dice que es una falacia.

“Los intelectuales, profesores universitarios y artistas woke se imaginan como revolucionarios y anticapitalistas. Y se lo creen. Es perfecto, ellos tienen su fantasía, sus victorias simbólicas, mientras el negocio sigue funcionando, sin cambiar en nada. Finalmente, ¿cuál es la idea del capitalismo del mercado? Que el acceso a los mercados sea sencillo, que el acto de consumir o de comprar sea lo más fácil posible. Puedes comprar en la tienda trans o en una tienda heterosexual, no importa, así tienes más oportunidades para el consumo. El Banco Santander o el Repsol pueden aceptar el Día del Trans, sin cambiar en nada en su manera de hacer su negocio. Los woke no piden cambios fundamentales en el sistema capitalista, piden representación. Y la representación puede ser una idea revolucionaria en términos psicológicos, pero no es revolucionaria en materia económica. Y una izquierda sin análisis económico no presenta un desafío al capitalismo”.

Mis deseos son mi destino

“Deseo y destino” constituye uno de los temas del nuevo ensayo de Rieff, que además le da el título al libro. En su opinión, “el movimiento woke tiene una visión muy ingenua del destino. Sus deseos son más importantes que la realidad, sobre todo la realidad material”. El “tú puedes lograrlo” se convierte, para Rieff, en una promesa fraudulenta que suele terminar en victimismo y denuncias por trauma .

—Usted relaciona esa promesa de que “tu deseo va a ser tu destino”, con una cierta derivación de la ética protestante.

“Bueno, hoy es una idea global y existe aún en países de cultura católica, yo lo atribuyo a la continuidad de la hegemonía cultural estadounidense. Pero hablando de las raíces culturales, sí, creo que hay diferencia. ¿Cuál es la distinción fundamental entre la cultura protestante, aún en su identidad posprotestante y la esencia católica o poscatólica? Diría que en el catolicismo el sacerdote tiene que interpretar la realidad. En el protestantismo eres tú y Dios. Entonces, tu interpretación es lo más importante, es tu realidad, tu fe”.

Chile y Argentina, en la mirada de Rieff

Rieff habla bien castellano —a veces se le cuela alguna palabra en inglés—, pero su español tiene un marcado acento argentino. “Aprendí mi español en México, pero he pasado muchas temporadas en Argentina, tengo una aculturación bonaerense”. Dice que le fascina Argentina. “Es un país extraordinario tanto en sus logros como en sus frustraciones, sus debilidades. Tengo muy buenos amigos argentinos”. También ha visitado nuestro país varias veces, pero no por períodos largos y por eso da su perspectiva con prudencia. “A pesar de esa época trágica de la dictadura, creo que Chile no tiene desafíos de la misma gravedad que países como Argentina o Colombia. Hay retos serios, por cierto, como la crisis migratoria, problemas en la juventud, la educación. Y si vos me permitís, el problema de qué hacer con el arruinado centro de Santiago. Nunca he visto una ciudad donde no había existido verdadera guerra, tan destruida en su parte céntrica”.

El ensayista piensa que la izquierda chilena aún no tiene claro cómo reconstituirse. “Estuve en Santiago para el referéndum constitucional en que triunfó el Rechazo. Lo viví en casa de un gran escritor de izquierda. Él y su entorno de otros escritores y artistas estaban totalmente destruidos por los resultados. Creo que la izquierda chilena ha estado secuestrada por sus propias fantasías, pensó que Chile había cambiado y me parece no ha cambiado tanto”.

Germaín de la Fuente (78): “Es asombroso poder seguir arriba de los escenarios, disfrutando de lo que me gusta hacer”

2025-09-25T06:53:00.003-03:00

Cuando no está de gira , Germaín de la Fuente se mueve entre su departamento en Santiago y su parcela en Buin. SERGIO ALFONSO LÓPEZ

El Mercurio

Voz original de Los Ángeles Negros y con una gran trayectoria como solista

El icónico cantante fue uno de los artistas destacados en las fondas del Parque O'Higgins la semana pasada y luego comenzó una gira por Ecuador, Perú y que terminará en México —donde vivió por más de dos décadas— en lo que resta del mes. “Dejar de actuar no lo haría jamás”, dice enfático. Y agrega: “Es posible seguir estando vigentes y siendo importantes para los demás”.

C. González

Septiembre siempre ha sido intenso para Germaín de la Fuente (78). Y este en particular no es la excepción: la semana pasada fue un artista clave en las celebraciones de Fiestas Patrias en las fondas del Parque O'Higgins y luego comenzó una gira que lo llevó a Ecuador, para sumar esta semana un par de presentaciones en México y finalizar el mes con cuatro conciertos en diferentes ciudades peruanas.

“Para mí es asombroso poder seguir todavía arriba de los escenarios disfrutando de lo que me gusta hacer. La gente de repente olvida a los artistas pero, en mi caso, he estado vigente”, sentencia con orgullo.

Como miembro y voz original de Los Ángeles Negros y, luego, como solista, De la Fuente es considerado una figura emblemática de la música latinoamericana, tanto por su tono inconfundible como por su emotiva interpretación de boleros y baladas románticas. “Y volveré”, “Cómo quisiera decirte” y “Murió la flor” son algunas canciones que han marcado a varias generaciones a lo largo de casi seis décadas.

—¿Qué siente cuando gente joven conoce sus canciones?

“Primero que todo, agradecido de que nos den pelota (se ríe). Sin duda alguna, uno lo agradece y lo acepta. Es muy motivador. El público que nos va a ver ahora es bien transversal, pero obviamente el grueso es gente menor que yo y eso es un incentivo para continuar”.

Sentado en la mesita de un café en pleno centro de Santiago, cercano a su departamento y adonde se lo puede ver seguido cuando está en la capital, la gente que pasa lo saluda o se acerca para tomarse una fotografía. “Creo que he ido cosechando el reconocimiento y un cariño tremendo aquí en Chile”.

Y afuera también. A bandas locales contemporáneas, como Los Bunkers, Los Pettinellis y Los Tetas, que han reversionado algunos de sus temas, se unen artistas extranjeros que han hecho lo mismo, como los estadounidenses Beastie Boys o el rapero Jay-Z (uno de los artistas de hip-hop más exitosos a nivel global).

“Eso ha sido sorprendente. Un día me llamaron y me dijeron que fulano de tal quería grabar una canción; era Jay-Z y yo no lo conocía”. ¿Le gustó la versión? “No, no me gustó. Es que él rapea y eso es otro pedo. Me gusta más el reguetón porque tiene una rítmica entretenida”.

Si bien reconoce que no cantaría reguetón —“No lo sabría hacer”—, confiesa que lo ha bailado “un poquito, por ahí…”.

“La música actual casi no la entiendo; no digo que sea mala, pero hay gustos para todos, como dicen. Yo creo que todo lo que se oye es por algo, algo tiene. Y puede que una canción haga más sentido que otra, pero al final, es clara la importancia que tiene la música en la vida de las personas. Por ahí va la cosa”.

Otros dones

Su historia personal es un buen ejemplo de ello. Oriundo de San Carlos (en la actual Región de Ñuble) —“Las mejores longanizas son de allá”, sentencia—, a los 15 años se plantó por primera vez en un escenario. “Mi papá tenía una quinta de recreo y yo cantaba allí. Ni siquiera era del gusto popular, porque el público que asistía prefería escuchar cumbia o rancheras mexicanas”.

Lo suyo eran las baladas. Tríos como Los Panchos o Inspiración eran sus favoritos. “Yo tocaba un poco de guitarra y con eso me acompañaba. También me gustaban en ese tiempo Sandro y Raphael, figuras inolvidables en el corazón de toda la gente”.

La veta artística venía por el lado materno. “Mi madre tocaba muy bien la guitarra y cantaba muy bien”.

Creció junto a su mamá y su hermana menor, que también canta pero no profesionalmente. Su papá fue una figura más ausente y que le dio “un chorro de hermanos por fuera. Pero estamos hablando de otra época”.

“Ahora la gente se ocupa primero de educar a los hijos, de estar pendiente de que no les falte nada. Mi papá se ocupaba a medias de eso. Mi mamá cumplía todas las labores”, recuerda.

Ella estaba a cargo del Banco de Sangre del Hospital de San Carlos. “Me dediqué a la música porque era lo único que me funcionaba. Nunca intenté ninguna cosa más que cantar”. En el colegio participaba en grupos folclóricos y en cuanta actividad artística se organizara. Pero los libros no eran lo suyo. “La verdad que del estudio pues tengo poco que presumir. Iba al colegio porque había que ir, pero el intelecto no me dio. Tenía otros dones”.

Tenía 20 años cuando lo invitaron a formar parte de un grupo musical para participar en un concurso de la radio La Discusión de Chillán. “Un día estábamos ensayando en mi casa y Sergio Rojas (el bajista) propuso que nos llamáramos Los Ángeles Negros. Había un grupo llamado Los Diablos Azules. Como que a ninguno le gustó el nombre (los otros integrantes eran Cristián Blasser y Mario Gutiérrez), pero a mi mamá sí. Entonces para no discutir con la dueña de casa, se quedó”.

Finalmente ganaron el concurso, lo que les permitió grabar su primer LP, en marzo de 1969. Ese fue el punto de inicio que los catapultó a la fama. “Yo se lo debo todo a Los Ángeles Negros”, reconoce.

—¿El éxito los tomó por sorpresa?

“Estábamos en una edad en la que siempre esperas lo mejor y yo confiaba en que ganaríamos. Lo sorprendente fue que las canciones comenzaran a ser escuchadas y tener éxito. Cuando escuché mi grabación, no me gustó, pensé que cantaba mejor... Entonces como que me desilusioné un poco, pero el asunto es que funcionó. Gracias a eso podemos contar esta historia”.

De San Carlos pasaron a Concepción y luego a Santiago. En poco tiempo, la internacionalización del grupo fue una realidad.

A inicios de los 70 se instalaron en México. Para Germaín fue un viaje que lo alejaría de Chile por más de 20 años: en 1974 se retiró y decidió iniciar una carrera como solista. “Ellos volvieron y yo me quedé allí. Viajaba a Chile de vez en cuando, así que nunca perdí el contacto”.

—¿Qué recuerdos tiene de esos años en México?

“Es un país maravilloso que me recibió muy bien. Lo pasé muy a gusto, aunque trabajaba mucho y viajé bastante. Al principio mi carrera me absorbió al 100%, porque estaba siempre en eso. Sobraba el trabajo y las ganas de trabajar también”.

Además de buenos recuerdos y uno que otro modismo que sale durante la conversación, México también le dio una familia. Allí se casó con una argentina, de la que luego se separó y con quien tuvo dos hijas, las que lo acompañaron cuando decidió volver a Chile, a comienzos de los años 90.

—¿Cómo fue el regreso al país?

“Hubo que hacerse de nuevo un camino. Además de continuar cantando, puse un estudio de grabación aquí en el centro. También compré una parcela en Buin y vendía los productos que cosechábamos, tenía unos 150 paltos y mil nectarines. ¡Muy ricos! Ahora solo me quedan las paltas”.

Aunque mantuvo la comunicación con los demás miembros del grupo, no fue sino hasta 40 años después de independizarse que volvió a tocar con ellos, en el Teatro Caupolicán en Santiago. “Fue una linda experiencia y después volvimos a tocar un par de veces. Con ellos pasé por lo máximo y ahora estoy en una etapa más tranquila, pero siempre en actividad. Tampoco podría trabajar 100 shows al año como fue alguna vez, pero dejar de actuar no lo haría jamás”.

En Santiago volvió a encontrar el amor —lleva 22 años con su pareja— y supo lo que es ser abuelo. Cinco nietos ampliaron la familia; uno de ellos, que aún no cumple diez años, toca el piano. “Es lindo verlo y es motivador, porque es como una herencia que he dejado”.

—¿Qué significó ser reconocido como uno de los 100 Líderes Mayores?

“El reconocimiento me dice que sigo presente en el corazón de la gente, que cuento con el apoyo de muchas personas y que somos un ejemplo de que es posible seguir estando vigentes y siendo importantes para los demás”.

—¿Cómo siente que son tratados los adultos mayores en la actualidad?

“Creo que hay un respeto y un cariño por la gente mayor, sin duda alguna. Aunque hay excepciones y no deberían existir. En fin, no es el caso mío, lo importante es tratar de tener una actitud positiva frente a todo lo que nos pasa. Es cierto que hay personas que no pueden y que eso depende mucho de las experiencias de vida de cada uno”.

—¿Cómo enfrenta el envejecimiento?

“Tengo que confesar que no me siento viejo, esa es la realidad. Yo sé que soy mayor, porque voy a cumplir 80 años en poco tiempo más, pero no me siento así. Bueno, tengo algunos problemas de salud, sufrí un infarto hace años, pero eso está todo bajo control y trato de no llevar una vida pendiente de eso, para nada. Ah, la memoria me falla un poco, pero considerando la edad, es normal. Pero no me achaco por eso tampoco”.

Su rutina diaria comienza temprano por la mañana, haciendo ejercicio físico y luego un poco de ejercicios vocales. “Me acompaño con el piano y eso me entretiene”.

Eso sí, reconoce que hubo una época en la que no se cuidaba tanto y estuvo expuesto a excesos. “Era un borracho conocido, no un alcohólico anónimo”, suelta entre risas. “Un día me convencí de que tenía que parar y tomé la decisión de cuidarme. Hay gente que le entra a la fiesta y otros que no, y eso no es exclusivo del ambiente artístico, porque también hay abogados borrachos y médicos borrachos. En mi caso, tuve la fuerza de voluntad de decir ‘ya no más'. No fue fácil, pero yo quería seguir cantando y eso me estaba generando problemas en la voz, y aquí estoy”.

—¿Hay algo de lo que se arrepiente?

“¿De qué me podría arrepentir? Hay muchas cosas que no me atreví a hacer y otras cosas que no supe hacer bien, tal vez, lo cual es normal también y es parte de la vida. Podría decir que me hubiera gustado aprender otro idioma, por ejemplo, pero no fui capaz. Me dediqué un poco a la agricultura también, ya de grande, sin pegarle nada al asunto y funcionó por un tiempo. No es mi modo de vida tampoco, pero fue una manera de mantenerme activo. Lo mío siempre fue cantar; puedo haber fallado en otras cosas, pero tener ese tipo de dificultades no me frenó”.

—¿Está consciente de lo importante que ha sido su música para otras personas?

“Sin duda. Y es que para mí también lo es. Más de alguna pareja se ha acercado para decirme que con mis canciones se enamoró, se declaró, se casó y todo lo demás. Claro que escuchar eso es potente y uno se siente parte también de lo bueno, de muchas historias. De repente yo oigo cuates que cantan tan bien, con tantas cualidades y no logran lo que se merecen. Es curioso eso; algunos hablan de buena o mala suerte también. Pero creo que hay que estar en el lugar indicado, en el momento adecuado. Yo siempre estuve convencido de que a esto me iba a dedicar toda la vida, pero no me puse como meta alcanzar algún reconocimiento. Pero cuando llega, claro que te hace feliz”.

En el estudio de grabación que instaló en Santiago, tras volver a Chile a inicios de los 90. LA SEGUNDA

Junto a los integrantes originales de Los Ángeles Negros. De la Fuente es el primero a la izquierda. CEDIDA

Durante una presentación televisiva en Ecuador, en 1969. CEDIDA

Bajo stock de productos, deudas con artesanos, entidades financieras y museos marcan declive de Fundación Artesanías de Chile

2025-08-31T11:01:00.001-04:00

El Mercurio

Los más de $1.300 millones en asignaciones anuales que recibe de diferentes ministerios, además de fondos de gobiernos regionales, no han sido suficientes para mantener la operación en cifras azules. Hoy enfrenta revisiones y auditorías para evaluar su futuro. Guillermo V. Acevedo

Creada en 2022, la Fundación Artesanías de Chile formó parte de la Red de Fundaciones de la Presidencia, antes denominada Coordinación Sociocultural, que opera desde 1990. La dirigió Cecilia Morel en su rol como primera dama y antes Luisa Durán, Marta Larraechea, además de la actual ministra Adriana Delpiano, Paula Forttes y Sebastián Dávalos en los períodos de la expresidenta Michelle Bachelet.

A meses de su llegada a La Moneda en 2022, Irina Karamanos —expareja del Presidente Gabriel Boric— informó que se desligaría de los directorios de las seis fundaciones vinculadas a la Presidencia: Integra, Prodemu, MIM, FOJI (Orquestas Juveniles), Chilenter y Artesanías de Chile. Esa responsabilidad se derivó hacia los ministerios de Educación, Mujer y Equidad de Género, y de las Culturas, que definirían la conformación de cada directorio.

Además de este cambio, la Fundación dio “un giro desde una mirada comercial para la artesanía, con un elevado flujo de caja, a una nueva mirada de la artesanía como bien patrimonial y que tenía un flujo menor de recursos”, explican extrabajadores.

Por tratarse de una entidad de derecho privado y sin fines de lucro, se ha mantenido como una institución colaboradora del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y recibe financiamiento estatal. Actualmente no tiene supervisión directa de La Moneda, pero en su directorio hay una importante representación de funcionarios, entre ellos del Indap, del Ministerio de las Culturas, del Sernatur, y del Ministerio de Relaciones Exteriores.

Según la cuenta pública de marzo de este año, la deuda consolidada de la fundación suma $1.008 millones. De ese total, $93 millones se adeudan a los propios artesanos proveedores, $56 millones corresponden a devoluciones de convenios y $486 millones son deudas con entidades financieras, más otros acápites que corresponden a gastos operacionales. Fuentes cercanas aclaran que la deuda con los artesanos habría bajado, aunque consultados por “El Mercurio”, desde la fundación no quisieron referirse a este punto.

Según el acta de directorio de febrero de este año, al Museo de Arte Precolombino —donde existe una tienda— “se le debe un total de $27 millones, aproximadamente, entre arriendo y consignación de libros”. En el mismo documento, la actual presidenta del directorio de Artesanías de Chile, Beatriz Espinoza, habla de una deuda de arrastre, de gastos totales proyectados por $3.116 millones y proyecta un déficit de $800 millones.

Consultados por “El Mercurio”, en la fundación reconocieron —por escrito— que hoy trabajan en “un proceso de revisión y auditoría interna”.

Un cambio de gestión sin traspaso

Artesanías de Chile intermedia la venta de productos artesanales elaborados por comunidades rurales y pueblos originarios que, mayormente, adquieren turistas y son regalos corporativos. “Es un negocio que podría funcionar”, explican cercanos, y que en 2023 tuvo ventas por $1.300 millones. A su vez, los ingresos proyectados para este año son de $1.037 millones.

Además, por concepto de financiamiento desde el Estado se suscribieron convenios por $1.385 millones en 2024, provenientes del Ministerio de las Culturas y del Ministerio del Trabajo. También, en el último balance a junio de 2024 figuran convenios con los gobiernos regionales de Coquimbo, Ñuble, Biobío y Tarapacá, que aportan recursos para compras y apoyo a los artesanos.

Sus reportes también dan cuenta de una “Subvención Presidencial”, que fue de $995 millones en 2024.

Ingresos anuales que permiten la operación normal de la fundación, sin embargo, según señalan artesanos, existirían problemas de organización y gestión.

“A lo largo de los cuatro años que duró nuestra gestión, inauguramos seis tiendas y remodelamos otras tres. Además, levantamos más de $1.500 millones con diversas acciones, que nos permitieron preservar y valorizar el patrimonio artesanal chileno”, afirma Claudia Hurtado, ex directora ejecutiva de la fundación entre 2018 y 2022. Y agrega que “durante la pandemia, relanzamos nuestra página web con un completo e-commerce. (...) Se generaron mejores oportunidades socioeconómicas para los artesanos”.

Una exmiembro del equipo comercial del período de Hurtado, cuenta que entonces la fundación “tenía el funcionamiento de una empresa privada. Había muchas ventas y un alto volumen de compra a artesanos. Pero cuando entra Leslye Palacios (marzo de 2022), que venía de un mundo más académico y no de los negocios, había deudas y compromisos adquiridos, que luego quedaron pendientes”.

Lo rebate la exdirectora Leslye Palacios. “La única auditoría externa de estos últimos años a procesos internos específicos, la instruí yo. Al asumir la dirección, asumí una entidad con déficit de arrastre, lo cual consta en actas y auditorías”, señala. Y agrega que la situación actual se explica por: “un estancamiento en el aporte estatal, aumento de personal no justificado, impacto de la pandemia en los ingresos y deficiencias en la gestión”.

Todo eso resintieron los artesanos. De hecho, según fuentes de la fundación, nunca hubo un traspaso formal desde la gestión de Hurtado a Palacios. “Se fue acumulando una bodega llena de productos que iban quedando obsoletos. La gente no los compraba y se acumulaban”, explica Javier Ruiz, artesano de productos mapuches de Liquiñe, en la región de Los Ríos.

“La fundación se creó para darles una mano a los artesanos, pero somos nosotros los que hoy le estamos dando una mano a la fundación, porque entregamos productos aunque los pagos se realizan 30 días después”, agrega Ruiz. Y señala que durante meses le “tuvieron retenidos $1.450.000 por productos vendidos”, deuda que le pagaron y retomó el envío de sus artesanías.

Desde la Región de Tarapacá, Aurora Gutiérrez, de la Agrupación Inti Sol, de Pozo Almonte, coincide en que desde hace “alrededor de uno o dos años, la fundación empezó a flaquear y cuando había pedidos se demoraban en pagar”.

“Desconozco la situación de la fundación, pero hoy ya no hay pedidos”, dice Gutiérrez, y agrega que “para las mujeres tejedoras aimaras y de Pozo al Monte, era el ingreso para nuestro hogar, y contábamos con eso mensualmente”.

Mientras tanto, las tehedoras trabajan con Indap, realiza trabajos a pedido o colaboran con la empresa minera Teck en la elaboración de productos textiles. “Se echan de menos esos ingresos y la regularidad mensual con la que uno contaba”, agrega.

Durante el período de Hurtado se establecieron convenios con algunas empresas; sin embargo, reportes de la fundación señalan que la encargada de Gestión de Personas, Daniela González, informó al directorio en febrero que “la fundación no había explorado vínculos con empresas privadas extractivas, en el contexto de Donaciones Culturales”, y planteó “si les parece la idea de explorar esos vínculos”.

Los cambios que encaminaron la crisis

La historiadora Claudia Hurtado dirigió la fundación hasta marzo de 2022. Entonces asumió en el cargo, la diseñadora Leslye Palacios y se mantuvo hasta los primeros meses de 2025. Alrededor de marzo de este año asumió la antropóloga María Angélica Willson, mientras que la presidencia del directorio la ocupa Beatriz Espinoza.

En marzo de 2022, el sindicato de trabajadores había enviado una carta a Irina Karamanos, señalando que “el crecimiento de la fundación no se condice con la cantidad de trabajadores, lo que provocó una importante sobrecarga laboral y suplencias improvisadas en todas las áreas”.

Esta visión discrepa de la de algunos artesanos y extrabajadores. “No sabemos por qué hay tanto personal. Ingenieros y personas que no tienen que ver con el trabajo de la fundación. La plata se va toda en sueldos”, dice el artesano Javier Ruiz. Y los estados financieros lo respaldan, pues se destinaron más de $1.563 millones a gastos de personal en 2022 y $1.775 millones en 2023.

Leslye Palacios discrepa y señala que entre 2020 y 2021 hubo un “crecimiento de personal no justificado”, con un incremento del 35% en la dotación, y “sin un aumento paralelo en los aportes estatales, ni una evaluación de la sostenida disminución de las ventas”.

En la Memoria de 2024 reconocen haber adoptado “medidas difíciles y complejas de reorganización interna y ajuste presupuestario para hacer frente a una crisis financiera derivada de múltiples factores”.

De hecho, ese año pasaron de 84 a 64 trabajadores. “Esto significó asumir costos sociales y económicos complejos tales como: término de la relación laboral, pago de indemnizaciones y costos legales derivados de juicios y reclamaciones concluidas y pendientes”, se lee en sus memorias.

Y de las ocho tiendas que llegaron a tener en 2022 quedan cinco: en el aeropuerto, Centro Cultural La Moneda, Museo de Arte Precolombino, centro comercial Casa Costanera en Vitacura y en la plaza de la ciudad de Puerto Varas. Hace poco cerraron el local que existía en el MUT (Las Condes), y antes el del Pueblito Los Dominicos y el Centro Cultural Montecarmelo.

Un abrazo de quenas y violines: la trastienda del primer show sinfónico de Illapu

2025-07-20T21:30:00.001-04:00

La Tercera

El histórico grupo chileno se alista para su primer show sinfónico este domingo 27 de julio en Movistar Arena. Una experiencia que responde a un viejo anhelo. Se ha trabajado con 4 arreglistas una veintena de canciones, en distintos formatos. En charla con Culto, Roberto Márquez y el director de orquesta Juan Pablo Aguayo trazan las claves de un encuentro entre dos universos.

Por Felipe Retamal

La primera vez que Roberto Márquez estrechó la mano del director de orquesta Juan Pablo Aguayo, ocurrió en la calle. Fue el lunes 28 de octubre de 2019. El líder de Illapu había sido convidado a cantar junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, afuera del Centro de Extensión Artística Cultural (CEAC) de la Universidad de Chile, a la salida de la estación Baquedano del Metro.

La idea era sacar a la música en la calle. Corrían los días del estallido social y Márquez, además de Nano Stern, interpretaron un repertorio que incluyó clásicos de la canción chilena como Gracias a la vida de Violeta Parra y El derecho de vivir en paz, de Víctor Jara.

“Ahí nos conocimos con Roberto”, recuerda Aguayo, quien por entonces era músico de la Sinfónica y hoy trabaja como director freelance de orquestas profesionales. “Poco tiempo después, me contactó y me dijo que quería hacer un show sinfónico. Nos pusimos a hablar, pero después quedó en nada”.

A Márquez le daba vueltas la idea de preparar una presentación sinfónica de Illapu. Pero lo más difícil era concretarlo. “En un momento teníamos la idea de armar una orquesta y hacer un concierto, pero era muy caro”, cuenta a Culto.

Pero el músico no claudicó y notó el vínculo que tenía Aguayo con la Orquesta Nacional Juvenil, en la que fue director residente durante siete años. Fue entonces que se encaminó la gestión. El mismo Márquez se lo propuso al director. “A fines del año pasado, me llamó Roberto -recuerda Aguayo-. Me dijo que estaba en conversaciones con la FOJI para tener a la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil. Así que ya podíamos ponernos a trabajar en el sinfónico, porque además ya tenían la fecha”.

Aquel fue el origen de Illapu Sinfónico, el concierto en que por primera vez el afamado grupo cultor de música popular, tocará junto a una orquesta. Una experiencia única que replica experiencias similares de músicos como Joan Manuel Serrat y Sting, que se está preparando con la producción de Bizarro con miras a presentarla el próximo domingo 27 de julio en Movistar Arena.

Para el grupo Illapu se trata de toda una aventura. En el pasado tuvieron un par de experiencias tocando junto a orquesta, pero en eventos acotados. La primera vez fue en 2010. “En Antofagasta participamos de un homenaje que se le hizo a [la poeta] Nelly Lemus -recuerda Roberto Márquez-. Ahí montamos con la Orquesta Sinfónica de Antofagasta los temas que hemos compuesto con poesía de Nelly Lemus. Después hicimos una segunda parte en el Teatro Municipal. Otra experiencia fue en el Teatro Municipal de Santiago, en ese día que tienen los trabajadores del teatro. Normalmente invitan músicos de distintas corrientes para hacer una gran gala. Y nos invitaron a nosotros. Aprovechamos de hacer El grito de la raza Sinfónico con los cuerpos de músicos, los cuerpos de baile. Son las dos experiencias que hemos tenido, pero que hemos tocado tangencialmente la música sinfónica, porque no estuvimos involucrados del todo”.

El trabajo de cara al concierto sinfónico comenzó a la altura de marzo de este año, con animadas charlas entre Roberto Márquez y Juan Pablo Aguayo. Lo primero fue definir el repertorio. “Conversamos qué temas se prestaban más para hacer arreglos sinfónicos. Ha sido un trabajo de mucho compartir. Hay canciones nuestras como Aunque los pasos toquen, que tienen un corte más clásico, mucho más fácil de llevar al mundo sinfónico. Pero por primera vez sentimos que estamos muy involucrados en un trabajo así”.

Por su lado, Juan Pablo Aguayo también propuso un listado de canciones para trabajar en formato sinfónico. “Mi lista coincidió bastante con las propuestas de Roberto y de José Miguel, a mí me gusta mucho Illapu -comenta-. Estoy muy contento porque la gran mayoría de las canciones a mí me encantan, hubo bastante coincidencia. Pero para mí, había tres canciones que eran muy importantes que estén; Arrurrú la faena, Condorcanqui y Aunque los pasos toquen. A mí me han marcado, sobre todo en mi vida universitaria”.

Luego hubo que trabajar los arreglos. Ahí Aguayo se encontró con una dificultad. “Illapu es un grupo muy completo, lleno de instrumentos, cuya música está ya muy completa. Distinto es cuando un cantautor hace un experimento sinfónico, por ejemplo, Serrat Sinfónico, o cuando Sting hizo su sinfónico, él modifica su banda y se pone a cantar arriba de la orquesta. Pero en este caso, es el grupo completo el que toca sus canciones y sobre eso había que pensar”.

Aguayo tiene sobrada experiencia en cruzar música popular y docta. Participó en la orquesta que acompañó a Sting en su aclamada presentación sinfónica en el Festival de Viña 2011 y por lo mismo, deseaba que la orquesta tuviera protagonismo. “Conozco muchas iniciativas de colaboración sinfónica. En las experiencias que he tenido con grupos populares, muchas veces se hace a la rápida, se encargan mal los arreglos y la orquesta no se luce. Entonces, yo siento que el gran desafío de todo este proceso, ha sido relevar la sonoridad de una orquesta sinfónica y que realmente haya una colaboración”.

Por lo mismo, entre Márquez y Aguayo dedicaron algunas tardes a escuchar otras experiencias; los shows sinfónicos de Joan Manuel Serrat, el trabajo de Sting, e incluso el afamado concierto S&M de Metallica junto a la Sinfónica de San Francisco. “Escuché todas esas -dice el líder de Illapu, quien asimismo, recordó su gusto por el rock-. Hay una versión de Blanca palidez [A Whiter Shade of Pale, de Procol Harum] que es increíble. Fue en un concierto al aire libre, donde están los músicos originales tocando con una orquesta sinfónica y el tema tomó un vuelo que es increíble. Estuve escarbando mucho de cosas que me gustan”.

Ya con las ideas más claras, se decidió contratar a cuatro arreglistas; Simón González, Rodrigo Santa María, Jimmy Beas y Giuliano Bertetti. “Llegaron por recomendación, por el lado de Roberto o por mi lado, conocíamos el trabajo de estos arreglistas”, dice Aguayo. Cada uno abordó un formato sinfónico distinto; canciones en que la orquesta acompaña a Illapu; otras en que la orquesta toma el protagonismo e Illapu solo interpretará sus características armonías vocales; temas instrumentales tocados por la orquesta; y otros en que se combinan el ensamble sinfónico con algún solista del conjunto. “Hay una diversidad que permite un concierto muy dinámico, va a ir sorprendiendo muchísimo”, apunta Roberto Márquez.

Con el paso de las semanas, se imponía probar el encuentro entre las quenas y el charango, con el violín y el cello. Se pudo escuchar por primera vez el pasado lunes 28 de abril. A eso de las 10 de la mañana, los transeúntes que se desplazaban por la estación Baquedano de la L1 del Metro, se encontraron con una sorpresiva presentación de Illapu, acompañados por 20 músicos de orquesta. Se trató de una prueba a pequeña escala, en que se escuchó Lejos del amor, Sobreviviendo y Morena esperanza.

La sorpresa fue mayúscula. En Lejos del amor, la clásica canción del disco En estos días, la orquesta arranca con una introducción, y luego se suma el conjunto. “Son canciones que tú tienes muy integradas y de repente sentirlas así, sentir violines, sentir instrumentos que tienen como otra sonoridad, te emociona profundamente. Nos permite ir redescubriendo las canciones”, recuerda Roberto Márquez.

Esa intervención se preparó con solo un ensayo de hora y media. “Sabíamos que en ese espacio del metro donde está todo el mundo pasando, lo importante era sonar, pese a todas las limitantes que tiene el lugar -cuenta Juan Pablo Aguayo, quien esa mañana llevó la batuta-. Fue una experiencia muy acotada, pero muy entretenida también, porque el grupo estaba muy sorprendido de cómo sonaban acompañados por una orquesta”.

En mayo pasado, Aguayo y Márquez asistieron a un ensayo de la Sinfónica Nacional Juvenil. “Fuimos a dar el vamos de manera oficial, y para que los chicos conocieran a Roberto -dice el director de orquesta-. Estaban súper felices, se querían sacar fotos con Roberto. En este concierto yo soy director invitado, pero conozco a los chicos porque fui parte de su proceso formativo, así que es como volver a casa. De hecho, los chicos me cantaban el Vuelvo. Estaban bien eufóricos de hacer esto”.

Hasta ahora, los músicos de Illapu solo han escuchado maquetas de los arreglos. Roberto Márquez se encarga de apuntar algunas observaciones para los arreglistas. “Las escucho y digo, ‘mira, aquí a lo mejor sería bueno que estos violines fueran más bien haciendo una suerte de acompañamiento o que en un momento los violines sean los que lleven la voz cantante’. Hemos estado haciendo ese ejercicio, nos involucramos”.

La hora de la verdad llegará este lunes 21 de julio, cuando arranque una serie de cinco ensayos en la sede de la FOJI. En total, están preparando 22 temas que recorren toda su carrera, incluyendo instrumentales. “En el mundo orquestal, como uno trabaja con partitura, se hacen solo cinco ensayos, luego se hacen los conciertos y después viene un nuevo repertorio. Ese es el funcionamiento habitual de una orquesta. Entonces, lo planteamos así”, explica Aguayo. Solo harán un ensayo en el Movistar Arena, el mismo día del show, el domingo 27, pues este ocurrirá entre la serie de siete conciertos sold out de Kidd Voodoo, en el mismo lugar.

En esos ensayos, Illapu podrá tocar junto a la orquesta completa, de 68 músicos. “Eso nos va a permitir esa intercomunicación que no tuvimos antes, de estar con los músicos, compartir con ellos, ver lo que pasa. Hay canciones que yo siento que para los músicos clásicos deben ser más complicadas, por ejemplo, los waynos o los ritmos más folclóricos que normalmente no son tan cuadrados. Va a ser una dinámica bien especial”.

Tras el show sinfónico, Illapu seguirá en la carretera con su gira En esos días de los 90, que inició el 31 de mayo en Temuco. Un tour en que repasan lo mejor del material que publicaron en esa década, que resultó exitosa para la agrupación, con discos como Vuelvo amor...vuelvo vida (1991), En estos días (1993), Multitudes (1995) y Morena Esperanza (1998). “Tomamos esos temas y armamos un concierto en que tú vas escuchando todos los temas que has querido siempre escuchar, pero todos juntos, de una vez”, apunta Márquez.

Este tour permite a Illapu repasar en el escenario temas asentados en el cancionero popular como Sincero Positivo, Volarás o Tres versos para una historia, pero también los llevarán nuevamente al estudio. El grupo se apresta a lanzar el álbum En esos días de los 90, en que regrabaron 12 temas de aquel tiempo, pero con su alineación actual y con un tratamiento de sonido envolvente Dolby Atmos, a cargo de Christopher Manhey en Omni Soundlab. “Estas cosas nos permiten actualizarnos, te vas enamorando de nuevo de las canciones. Es increíble”.

Gastón Soublette: Una vida providencial

2025-06-01T08:45:00.006-04:00

La aparente dispersión temática de Gastón Soublette, en sus libros y opiniones sobre la coyuntura noticiosa, ocultaba una homogeneidad conceptual que daba sentido a todo su discurso. Siempre creyó que la vida en el universo no es casual. Ni siquiera la de cada uno de nosotros. Estaba convencido de que el mundo de lo desconocido, lo misterioso, se revela ante nosotros —se nos ofrece— si sabemos entender los símbolos y leer las señales. El pensamiento “soublettiano” siempre tuvo ese eje central.

MIGUEL LABORDE

Decía que “un hombre es lo que hace”. Podemos, entonces, considerarlo según qué hizo en este mundo. A primera vista, Soublette pareciera un ser disperso. Carreras universitarias inconclusas, incursiones en el cristianismo y budismo, libros sobre Confucio y películas contemporáneas, sobre música y de cultura tradicional de los campos de Chile, experto además en la cosmovisión mapuche. Hasta su aspecto parecía contradictorio: tan europeo, pero cubierto con un poncho, con el que se le veía, flauta en mano, perderse por los cerros de la cordillera de la Costa.

Hizo, en efecto, muchas cosas, las que no parecen responder a una trayectoria sistemática, como se espera de un filósofo formado en la cultura occidental que, además, cursó la carrera de Derecho.

Si seguimos con su pensamiento, no fue casual ese desorden aparente. Para un cristiano —y lo era—, a través suyo actuaba la Divina Providencia, la que lo guiaba hacia su destino, para él desconocido. Para un junguiano —y también lo era—, en su trayectoria se produjeron notables sincronías. Es decir, unas coincidencias significativas, entre ciertos sucesos externos y su estado psíquico interno.

Siempre creyó —con una fe persistente— que la vida en el universo no es casual. Ni siquiera la de cada uno de nosotros. Estaba convencido de que el mundo de lo desconocido, lo misterioso, se revela ante nosotros —se nos ofrece— si sabemos entender los símbolos y leer las señales. El pensamiento “soublettiano” siempre tuvo ese eje central.

Cuando nos preguntamos qué hacía él analizando a Mahler y sus sinfonías, lo que transmiten los símbolos de la alfarería mapuche y el libro chino de los cambios —el I Ching—, o las primeras banderas de la República de Chile, en todo encontramos la misma actitud vital, el mismo propósito de oír los mensajes que se ocultan detrás de la realidad aparente.

Como se ha recordado en estos días, tras su muerte reciente, su madre lo golpeó psíquicamente, cuando él era un niño, al decirle que ella no era su verdadera madre. Esa frase, que podría haber sido simplemente traumática, a él, providencialmente, le abrió una puerta amplia; pudo así descubrir que hay realidades muy diferentes, las que no aparecen a simple vista.

Esa familia suya, viñamarina, culta y melómana, refinada y de buen pasar, tan perfecta en sus expresiones, podía ser una apariencia que apenas recubría algo mucho más complejo. Un tema recurrente en la literatura y, lo que tanto le interesaba, en el cine.

Podíamos ir a ver “2001, Odisea del espacio”, y salir comentando la película, su imagen del futuro. Eso, para él, no era suficiente. Tenía que sumergirse en las ideas de su director, Stanley Kubrick, y encontrar detalles significativos que ofrecían otra perspectiva de su autor. Uno que, al igual que Soublette, tenía un complejo mundo interior y, de niño, sufrió la educación formal; asimismo, no siguió una formación académica regular, sino sus propias intuiciones… ¿Sincronía?

También hay constancia en su amor a la humanidad, amor extenso y sin fronteras. Si podía sumergirse en Japón, China y la India, en los mitos celtas y escandinavos, en las cosmovisiones mapuche y maya, es porque le fascinaba ver cómo el ser humano enfrenta el silencio de lo desconocido, con qué conexiones místicas o elaboraciones intelectuales busca el sentido de la vida. Encantado con esa diversidad que, en lo profundo, veía conectada por vasos comunicantes esenciales. En ello se explayó en su libro “El Cristo preexistente” (Ediciones UC, 2016), sobre el Evangelio cristiano y el Camino del Tao, de maravillosas sincronías.

Después de todo, y estaba muy consciente de ello, el ser humano se había abierto a lo desconocido al advertir que la espiral de la galaxia, en lo profundo de la bóveda celeste, era idéntica a la de la caparazón del pequeño caracol, lo que no parecía simple coincidencia. Y eso fue vivencia de todos los continentes.

Creer o saber

Aunque Soublette fue un gran conservador espiritual, en diálogo abierto a todas las tradiciones, también le interesaba el mundo de los agnósticos y los ateos. En el pensamiento de Jung descubrió un gran aporte porque, justamente, aunque este analista, de familia protestante, se había alejado de lo institucional para vivir su espiritualidad desde adentro hacia fuera, desde su ser interior: “No me interesa creer, yo sé”, llegó a escribir. Era una ruta apta para no creyentes, fundada en los arquetipos psíquicos de nuestra especie, compartidos por todos los pueblos. Se podía acceder a una búsqueda espiritual desde la fe, o sin ella. Y dialogar unos con otros.

Partió decepcionado de su cultura occidental y cristiana, proceso en el que comenzó a calibrar y valorar otras tradiciones, pero luego se reencontró con sus raíces. Percibió que era su portador, aun sin darse cuenta. Es por eso que se alejó de la India y sus gurúes —en tránsito hacia la iluminación, individual— y se concentró en la sabiduría china, que ofrece una búsqueda compartida con la comunidad. Por lo mismo, exactamente, siguió de largo en relación con Freud y sus exploraciones de la psiquis individual, y se sumergió en las teorías de Jung, quien, a través de los arquetipos, estudia lo que compartimos los seres humanos.

Si el cristiano cree en un orden, en el que se le aparece la Divina Providencia, y el junguiano puede observar la sincronía con que se relacionan los hechos exteriores con el mundo interior, Soublette buscó idear una alternativa transversal. De cómo el sujeto y el objeto, lo conocido y lo desconocido, la materia y el espíritu, se andan buscando en una suerte de danza universal, que los acerca y vincula, gracias a que hay una relación de “analogía” que relaciona al que busca con lo buscado.

Más cercano al arte que a la intelectualidad formal —finalmente, su formación fue esa, en el Conservatorio de París—, sus trabajos reflejan una radical convicción en el poder comunicativo de las artes, en especial, en su caso, de la poesía y la música, las que conoció y cultivó desde su infancia.

A través de ellas se conectaba, gozosamente, con el esplendor del mundo y con la armonía universal. En el primer caso, llegó a ser un activista ecológico, dolido —e indignado— ante el maltrato a una naturaleza que, bella y sobrecogedora —por analogía—, comunicaba el interior del ser humano con la admirable belleza del cosmos y sus misterios. Una naturaleza que es o puede ser un contacto con lo trascendente, lo que hizo de él un gran caminante por los cerros de la cordillera de la Costa, la cercana a su casaquinta de Limache. Esas percepciones, por lo demás, las vería compartidas por los sabios populares de los campos chilenos, y también por los sabios de pueblos originarios de América, todos hermanados por el mismo psiquismo y las mismas inquietudes espirituales de todas las culturas humanas.

En su libro “Poética del acontecer” (Editorial Universitaria, 2018) ahonda en las artes y sus revelaciones. La poesía puede ser reveladora de la esencia del acontecer, tal como la música, con sus epifanías, puede abrirnos a espacios interiores antes insospechados.

Como intelectual público, sus reacciones iban en esa línea; la pobreza, la mala educación, las indignidades que padecen los marginales, más allá de sí mismas, le parecían una violación al compromiso tácito que compartimos como humanidad. Si cada ser humano es portador de un misterio original y único, el que no pueda acceder a su plenitud —por condicionantes económicas y/o políticas— viene a ser una suerte de crimen espiritual.

La tierra justa

Orientalistas hay muchos, también junguianos y cinéfilos amantes de teorías que escudriñan los símbolos que aparecen en las películas. En todo eso, Gastón Soublette estaba acompañado. En lo que siguió una ruta menos transitada fue en la inmersión que hizo después en la sabiduría tradicional chilena.

Una vez más, la casualidad —Divina Providencia, sincronía, analogía— lo puso en el lugar correcto y en el momento preciso. En realidad, en dos de esas situaciones, complementarias. La primera, en 1956, cuando llegó una joven Violeta Parra a golpear su puerta en la Radio Chilena, propiedad de la Iglesia Católica —donde él dirigía la programación—, para pedirle ayuda; había memorizado cerca de tres mil canciones tradicionales chilenas, y no sabía cómo llevarlas a partituras. La segunda, cuando él fue a golpear la puerta del Instituto de Estética de la Universidad Católica, donde Fidel Sepúlveda Llanos —que pronto asumiría su dirección, en 1971— era un reconocido experto en saberes tradicionales de Chile; tanto así que tras su muerte, el año 2006, la Dirección de Archivos, Bibliotecas y Museos de Chile creó el premio anual que lleva su nombre para distinguir a personas o grupos que aporten al “patrimonio inmaterial de nuestro país”. El instituto sería el hogar intelectual de Soublette por casi medio siglo.

Violeta Parra le abrió la puerta para que él conociera esos saberes —“sapienciales”, le gustaba decir—, que, a través de canciones, cuentos, refranes o mitos, se transmiten de generación en generación. Una cultura de fuentes orales, de vida aparte de la oficial. Por ella conoció cultores, “sabios populares”, los que, como fue descubriendo, transmitían patrones éticos y estéticos, conductas e ideales humanos, caminos para quienes buscan su plenitud. Gente bien puesta en el mundo, capaz de dar gracias a la vida.

Fidel también le abrió una puerta a ese mundo que ya venía estudiando. Soublette, entonces, le hizo una propuesta. Tal como Confucio y Lao Tsé, que en China habían rescatado esos saberes superiores, de valores tradicionales que se veían amenazados por la centralista cultura imperial, ellos podrían emularlos en Chile, y también crear una serie de libros para rescatar esa sabiduría indo- hispana del siglo XVIII, de espíritu barroco, que los chilenos del siglo XIX habían descartado por anglofilia, francofilia, germanofilia. Por buscar el conocimiento moderno, habían dejado atrás la sabiduría espiritual.

De acuerdo los dos, dieron vida a una seguidilla notable, dedicados a los Cantos a lo humano y lo divino, a refranes y cuentos, a la cultura tradicional chilena.

Tal vez, en el caso del filósofo, ese es el aporte más relevante en su larga y compleja trayectoria, y no habría podido hacerlo en profundidad de no haber conocido antes las filosofías orientales y las teorías de Jung. Fue algo providencial —una vez más— porque fue ese bagaje el que le permitió aquilatar la profundidad de lo sapiencial chileno, distinto al pensamiento occidental preponderante.

No era un folclore sencillo y casi ingenuo, como se percibía desde la cultura oficial, sino alta sabiduría para humanizar el mundo. Algo necesario, antes y siempre, porque ofrecía pautas de conducta y un sentido de vida trascendente y pleno, acompasado con nuestra geografía. En sintonía, según él, con el mensaje que trajera el hijo de un carpintero, quien, también desde un entorno sencillo y rural, se transformó, como le gustaba decir, en quien cambió el paisaje cultural de toda Europa y América. Y cuyas enseñanzas fluían mucho más en la cultura tradicional que en la oficial.

El autor es director de Revista Universitaria.

Adiós, maestro: Gastón Soublette muere a los 98 años

2025-05-26T08:53:00.001-04:00

Alrededor de 40 años tenía cuando fue retratado por Jorge Aravena Llanca, músico y fotógrafo hoy radicado en Alemania. Jorge Aravena Llanca

Ganador del Premio Nacional de Humanidades y Ciencias Sociales 2023, sobresalió en distintos ámbitos, como la música, la docencia, la sabiduría ancestral, la religión cristiana, el mundo de los símbolos y de la cultura popular.

Maureen Lennon y Equipo Cultura

La frase se la lanzó Violeta Parra cuando lo conoció en Radio Chilena, en 1958: “Eres un pituco de mierda”. “Quería decirme que yo vivía en un mundo de absoluta inconsciencia de lo que sufría su pueblo”, señaló Gastón Soublette Asmussen en una entrevista concedida a “El Mercurio” en 2012, en los jardines del Campus Oriente de la Universidad Católica, donde dictó numerosos cursos de simbología del cine, sabiduría popular chilena, espiritualidad y arquitectura, entre otros tópicos. Fue, a nivel mundial, uno de los mayores expertos sobre la Catedral de Notre Dame de París.

No le gustaba que lo llamaran “gurú”, pero sin duda fue un maestro que marcó a fuego a numerosas generaciones. El sábado, alrededor de las 11:00 de la noche, falleció a raíz de una insuficiencia respiratoria, provocando un vacío y desazón enorme entre sus numerosos alumnos, seguidores y admiradores durante más de medio siglo. Un intelectual transversal que, pese a la frase intimidante de la autora de “Gracias a la vida”, terminó convertido en uno de sus más cercanos y fieles colaboradores artísticos.

“Mi atracción por la cultura popular se la debo a ella. Su arte, lo que ella cantaba, me interesó tremendamente y no hice el menor esfuerzo para que fuéramos amigos”, rememoraba en “Artes y Letras” en 2021, a propósito del lanzamiento de su libro “Marginales y marginados. Ensayo autobiográfico” (Ediciones UC). Entre otras anécdotas, destacó que la propia Violeta Parra se presentó cuando él dirigía la programación de Radio Chilena. “Ella apareció en mi oficina a pedirme que pusiera por escrito las melodías y las entonaciones de todo lo que ella había recopilado a lo largo de Chile, y ahí empezó nuestra amistad. Violeta es un ícono de la cultura popular chilena que vino a mi encuentro”.

Gonzalo Saavedra, crítico de música de “El Mercurio” y quien lo entrevistó para su programa “La música que cambió mi vida”, en Radio Beethoven, habla del trabajo musical de Gastón Soublette como “de amplio espectro” y pone en valor su asociación con Violeta Parra, entre 1958 y 1959, en la preparación de un libro que recién se publicaría veinte años después: “Cantos folklóricos chilenos”. Al respecto, señala: “Violeta, que nunca aprendió a escribir ni leer música, buscó a Soublette para cantarle de memoria las canciones que había recogido en su incesante investigación etnomusicológica por decenas de pueblos y él transcribió esas melodías a partituras”. Soublette, añade el crítico, recordaría después esa relación bonita y difícil, y declararía que Violeta fue su maestra y que “ella le mostró la cultura popular chilena, y especialmente su música, de ahí nacieron sus piezas que integran ‘Chile en cuatro cuerdas', y también su pensamiento político de izquierda, que, decía, no era otra cosa que estar del lado de los perdedores”.

Por su parte, la cantautora Isabel Parra, hija de Violeta, dice que “hemos tenido mucha suerte de que Gastón haya nacido por aquí, que sea nuestro y consciente de quiénes somos, de nuestros pueblos y continentes. Nos acerca y nos invita a reflexionar y a compartir su pensamiento con belleza y confianza en tiempos mejores”.

Sin cuello y corbata

Soublette se reconoció como una persona muy mal orientada en su juventud. Creyó que podía ser abogado o arquitecto, pero finalmente, dice, cometió un error. Estudió la carrera de Derecho, aunque no la ejerció. Luego, tras una beca, pudo estudiar en el Conservatorio de París, con maestros notables como Nadia Boulanger. “Ahí comenzó mi realización y, luego, la Universidad Católica me contrató como profesor en Filosofía y en el Instituto de Estética. Eso ha sido realmente mi oficio: soy un educador, un intelectual apto para la academia”, sostuvo. La verdadera vocación, decía, le llegó con retardo, “ya que antes fui diplomático, fui director artístico de Canal 13, cargos muy bien pagados, pero no me sentía muy bien vestido de cuello y corbata todos los días, con palabras de buena crianza o tener que asistir a grandes recepciones”.

Casado con la artista francesa Bernadette de Saint Luc, quien falleció en 2019 y con quien tuvo tres hijos (Violaine, Isabelle y Francisco), Gastón Soublette nació en Antofagasta el 29 de enero de 1927 y la música llegó a su vida como herencia familiar. Como él mismo señaló en diversas entrevistas, su abuela paterna, Rosa García-Vidaurre, fue compositora y sus obras fueron publicadas en Francia. Por el lado materno, su tío Julio Asmussen Urrutia fue un conocido dramaturgo y dirigió, hacia 1907, una orquesta sinfónica en Antofagasta. “Mi hermana Sylvia y mi hija Violaine tomaron el camino musical. También el director de orquesta Maximiano Valdés, uno de los pocos sobrinos que tengo que desertó de la política”, afirmó.

Autor, además, de una contundente bibliografía, gran parte de ella bajo ediciones UC, publicó, entre otros títulos, “Rostro de hombre”, “Sabiduría chilena de tradición oral”, “El Cristo preexistente”, “Tao Te King” (su versión castellana del texto del pensador chino Lao Tse) y “El I Ching y la sabiduría prehistórica”. En 2024 presentó la reedición de uno de los mayores clásicos de su carrera literaria, “Mahler. Música para las personas”, donde exploró la obra sinfónica de este compositor buscando las claves en el inconsciente del músico vienés. Soublette situaba a este creador, fallecido en Viena en 1911, como el continuador de Anton Bruckner (1824-1896), a quien Mahler consideraba su maestro. Para él, ambos músicos expresaron lo que él definió como “la religión cósmica”, ya que expresaron la inmensidad de la naturaleza en la música.

Gonzalo Saavedra afirma que Soublette se adentró con gran profundidad en la obra de Gustav Mahler y, entre otros hitos, emprendió la compleja tarea de transcribir para piano el primer y extenso movimiento de la Novena Sinfonía, que luego interpretaría Luis Alberto Latorre. Sobre su libro “Mahler. Música para las personas” (Ediciones UC, 2005 y 2024), sostiene que repasó “con una mirada tan erudita como personalísima las sinfonías del compositor bohemio, incluida la Décima, de la que solo quedó completo el Adagio inicial”. Saavedra también destaca que fue un excelente intérprete de los cientos de canciones de George e Ira Gershwin, “a los que admiraba muchísimo y tocaba ante la menor provocación”.

Un sabio necesario

Sin duda, un punto de inflexión en su extensa y dilatada carrera ocurrió el año 2023, cuando obtuvo el Premio Nacional de Humanidades y Ciencias Sociales. “Por unanimidad, hemos tomado la decisión considerando la condición de filósofo y esteta de la cultura tradicional chilena”, dijo el ministro de Educación, Nicolás Cataldo, al informar del máximo galardón a Soublette, y lo describió como “un sabio necesario en los tiempos que vivimos, un inspirador que reúne distintas actividades como pocos tienen”.

Javiera Blanco Herrera considera “un privilegio” haber sido una estrecha colaboradora de este destacado investigador, filósofo y músico. Fue su última ayudante en el Instituto de Estética de la UC, en los cursos “Simbología del cine” y “Poética del acontecer”. Recuerda con emoción que lideró en tres oportunidades su postulación al Premio Nacional, en 2019, 2021 y, finalmente, lo consiguió en 2023. Aclara que, hasta sus últimos años, tuvo el cargo de profesor asistente de la UC, “pero el compromiso no era dar clases, sino escribir. Gastón fue muy correcto y se comprometió a publicar dos o tres textos al año, bajo Ediciones UC”.

Blanco cuenta que dejó listo su último libro, “Miradas sobre el siervo de Dios”, y que se presentará próximamente. Su tesis, según explica la politóloga y gestora cultural, es que Jesús es el líder espiritual de Occidente. “Él fue un fiel seguidor de Jesús y acá está todo lo que no alcanzó a decir en ‘Rostro de hombre'. Lo aborda desde un punto de vista social, desde la justicia y su contacto con los pobres. Esas son las características que lo enamoraron de Jesús”. Destaca su impresionante convocatoria. “Cada vez que lo acompañaba a una clase o evento, era impresionante ver cómo lo seguían. Me imagino que, como en su época, también debieron seguir a Sócrates o a Aristóteles”.

En los últimos años, Gastón Soublette donó a la Universidad Católica más de 300 piezas elaboradas por pueblos originarios y recopiladas por él mismo, entre ellas, textiles, cerámica, líticos y platería, las que se exhiben en el Aula de Arte y Artesanía del Campus Oriente. En 2018, en tanto, junto a su hermana, la compositora Sylvia Soublette (quien falleció en 2020), donó su legado musical al Archivo de Música de la Biblioteca Nacional y, recientemente, entregó a la Universidad Alberto Hurtado (UAH) su piano de conciertos Blüthner. Juan Carlos Poveda, director del Instituto de Música de la UAH, señala que “hace un par de semanas tuvimos el honor de que don Gastón se acordara de nosotros, a través de nuestra académica, su hija Violaine Soublette, y nos donó un ejemplar precioso y que ahora está en el Aula Magna. Va a ser una manera de tenerlo siempre presente”, apunta.

Además, fue el creador del Grupo de los Veintiuno, que reunió a figuras de distintas disciplinas, como el director de orquesta Juan Pablo Izquierdo, el psiquiatra Otto Dörr, la arquitecta Cazú Zegers y el experto en patrimonio Miguel Laborde, para reflexionar en torno a la cultura.

Ayer, durante toda la jornada, decenas de vecinos y cercanos a la familia del académico se acercaron hasta su casa quinta, donde estaban siendo velados sus restos. También concurrieron representantes de diversas organizaciones del ámbito social y cultural.

Según informaron sus hijos, hoy al mediodía se realizará una misa fúnebre en la parroquia Nuestra Señora Purísima de las 40 Horas (Camilo Henríquez 35, Limache), y será sepultado en el Cementerio Uno de Valparaíso.

La Municipalidad de Limache decretó dos días de duelo comunal en su memoria y el alcalde Luciano Valenzuela señaló que “su legado no solo se refleja en el Premio Nacional de Humanidades, sino también en la obra que desarrolló a lo largo de toda su vida. Este duelo sobrepasa las barreras de Limache y es una pérdida a nivel nacional. Por lo mismo, nos sumamos también a todos los homenajes y expresiones de dolor por su partida”.

Gabriel Boric

Presidente de la República

a través de su Instagram

“Nos deja un grande. Gracias a Gastón Soublette entendemos mejor el saber, el decir y el contar de Chile. Nos acercó la cosmovisión del pueblo mapuche, el valor de lo rural y también la filosofía oriental. Abrió un diálogo intergeneracional tremendamente valioso para redescubrir desde el humanismo nuestra identidad y desde ahí enfrentar los desafíos de nuestro tiempo”.

Juan Carlos de la Llera

Rector Universidad Católica

“Él mismo nos recordaba recientemente que llegó a la UC con la convicción de abrir un espacio para las filosofías orientales, desde su vocación católica, buscando generar un verdadero diálogo de saberes, sin improvisaciones ni superficialidades. Ese mismo espíritu lo llevó a tender puentes entre la teología, la filosofía y la cultura tradicional chilena. Nunca olvidó —como él mismo decía— que fue Violeta Parra quien le enseñó a conocer y valorar la sabiduría del pueblo chileno, esa memoria oral tejida de cuentos, refranes y cantos a lo humano y a lo divino”.

Rosa Devés

Rectora Universidad de Chile

“El legado del profesor Gastón Soublette es un profundo mensaje de paz. Buscó y encontró verdades donde nadie más miraba, respetó y aprendió de culturas que no eran la suya, demostró lo que es ser maestro. Nos enseñó que la autoridad se ejerce desde la humildad, desde la apertura a lo distinto, sin miedo a los otros, sino amando aun antes de conocer”.

Ignacio Sánchez

Exrector Universidad Católica

“Fue una persona imprescindible en nuestra cultura y en el desarrollo de la universidad. Publicó gran cantidad de libros y artículos con ensayos breves, dando a conocer su pensamiento sobre diversas materias de alto nivel intelectual y académico, con gran acogida de la crítica y del público, lo que significó que varios de sus libros han sido reeditados. Los temas de historia y teoría del arte, el pensamiento filosófico de Oriente, la literatura y el cine lo atraían de manera especial. Tuve una gran relación de amistad con Gastón Soublette, lo admiré mucho. Se ha ido un amigo, un maestro, un profesor y una persona excepcional para la cultura chilena y para todos quienes pudimos aprender de él”.

Maximiano Valdés

Director de orquesta

“Luis Gastón Soublette, nuestro tío, emprendió su último viaje y seguramente llevó consigo el crepuscular Adagio de la Novena Sinfonía de Mahler, la música que él más amaba. Hombre bueno y sabio, fue guía de jóvenes y mayores que lo admiraron por la fuerza de sus ideas y por la coherencia de su vida esencial. Sus libros son testimonio de su fe en el Cristo histórico, ‘el ungido', como él lo llamaba, que fue centro y guía de toda su vida. Se le echará mucho de menos”.

Juan Pablo Izquierdo

Premio Nacional de Artes Musicales 2012

“Recuerdo a Gastón Soublette como un ser humano que encarnaba múltiples disciplinas de la cultura universal y de nuestra cultura chilena. Entregado por entero a compartir sus múltiples conocimientos e inquietudes. Tuvo una vasta y dedicada influencia en nuestro medio cultural y será para siempre recordado por su vocación por contribuir a la unidad y paz en nuestro mundo”.

Carmen Luisa Letelier

Premio Nacional de Artes Musicales 2010

“Era un hombre múltiple. Escribía, componía, era filósofo, folclorista. ¡De todo! Superdotado, y creció en una familia excepcional”.

Miguel Laborde

Director Revista Universitaria UC

“Gastón Soublette no fue abogado a pesar de sus estudios de Derecho, aunque agradecía haber aprendido a escribir memorizando textos de Andrés Bello. Ni fue la arquitectura su camino, aunque también le dedicó años, pero si uno observa su obra total, levantó un edificio completo. Se sumergió en mundos variados, desde las raíces indígenas hasta Jesús como gran héroe cultural además de divino —a quien dedicó un libro luminoso—, pasando por Mahler y la música como conexión para sentir el pulso y el sentido de la vida; también navegó en el I Ching y en Confucio, además del cine como portador de símbolos que tocan lo profundo de nuestra psiquis. Siguió un camino que no se parece a ningún otro, pero detrás de todo latía su mismo amor a la vida y sus misterios, los que enfrentaba desde una espiritualidad capaz de valorar a todas las demás. Era, como la obra de Robert Bolt, ‘Un hombre para la eternidad'”.

Cecilia García-Huidobro M.

Exdirectora Museo Violeta Parra

“En el mundo patrimonial, Gastón Soublette comprendió la voz del Chile profundo, en todas sus dimensiones. Defendió la preservación de barrios, pueblos y ciudades, los vestigios arqueológicos, las formas intangibles de vida. Su mirada fue la de un poeta y un esteta que vio en todas las manifestaciones culturales el plan de Dios”.

Clara Budnik

Directora de la Dibam (2000-2006)

“Fue un hombre clave para la cultura chilena. Esto que haya fallecido justo para el Día de los Patrimonios significa que no lo podemos olvidar: ¡Soublette es parte de nuestro patrimonio! Ha hecho tantas cosas. Fue un musicólogo fantástico, ensayista, estudioso del mundo popular, alguien que pensó muy bien Chile. Se introdujo. Eso debemos valorarlo. Patrimonio es el pasado, el presente y lo que queda para el futuro. ¡Soublette deja mucho para nuestro futuro!”.

Jorge Acevedo

Filósofo de la U. de Chile

“Tuve el agrado y el honor de conocer a Gastón Soublette dentro de las reuniones que mantenía hace algunos años el que denominamos Grupo de los Veintiuno. Me llamó la atención su atenta actitud hacia los otros integrantes del grupo, así como sus meditadas palabras, fruto de la experiencia de la vida y de un inmenso saber. También fue significativo presenciar sus extensos diálogos con el director de orquesta Juan Pablo Izquierdo, miembro destacado de esas reuniones. En cuanto a sus escritos, he sido asiduo lector de su excelente versión castellana comentada del Tao Te King, Libro del Tao y de su Virtud, de Lao Tse, felizmente publicada por la editorial Cuatro Vientos, obra que llama a ser leída y releída a través del tiempo”.

La faceta medioambientalista:

Su última lucha para salvar el patrimonio: un triunfo para Limache

Gastón Soublette habló de la naturaleza y su importancia muchos antes de que el cambio climático se considerara una amenaza.

Equipo Cultura

Gastón Soublette dio una larga lucha en temas medioambientales, mucho antes de que el cambio climático se tomará las tribunas públicas y de gobierno. Ya en los años 90 reflexionaba sobre el polémico proyecto de la represa Ralco en el Biobío, y en los últimos años se comprometió con la defensa de Limache, donde vivía desde hace décadas.

A inicios de este mes, recibió un resultado positivo. El cuestionado proyecto inmobiliario del Grupo San Isidro S.A., en la avenida Urmeneta, tuvo un revés en la Corte Suprema. El tribunal acogió la reclamación presentada por Soublette y un grupo de vecinos contra la Superintendencia de Medio Ambiente (SMA), obligándola a emitir un nuevo pronunciamiento respecto de la denuncia de elusión al Sistema de Evaluación de Impacto Ambiental (SEIA). Se determinó que la SMA incurrió en ilegalidad al no considerar, a la hora de evaluar su impacto ambiental, que el edificio proyectado se emplazaría en la zona de transición de la Reserva Mundial de la Biosfera La Campana-Peñuelas. La sentencia de la Suprema anula la dictada por el Segundo Tribunal Ambiental de Santiago, en 2022, que desestimó las alegaciones de Soublette y de la comunidad.

En esa ocasión, Soublette comentó: “Le habría dicho (al tribunal): según Confucio, lo que está en la forma se llama el objeto; sobre ella está el sentido. Acá la forma es la trama legal, pero el sentido es que esto es una aberración cultural. Los jueces deben moverse en estos planos. No solo sacar cuentas jurídicas, sino darse cuenta que están destruyendo el patrimonio de Limache”.

No fue la única pelea del académico. Antes del problema con la construcción de este edificio, Soublette había sido crítico con la instalación de la termoeléctrica Los Rulos en la zona, que había recibido una evaluación ambiental positiva en 2017. Un movimiento ciudadano interpuso recursos en la justicia, lo que recibió el apoyo del filósofo, quien participó en marchas y protestas en esos años. En 2022, la empresa dueña del proyecto Los Rulos, renunció a construirla.

Tríos hermanos: Ángel Parra y Pancho Molina se reúnen para un show en conjunto

2025-05-15T08:46:00.007-04:00

Ángel Parra y Pancho Molina vuelven a coincidir en un mismo escenario con sus proyectos de jazz , tal como lo hicieron en los años 90. Mariana Soledad

El Mercurio

Los músicos presentarán sus proyectos paralelos a Los Tres. Acá anticipan cómo será su noche de jazz , este 1 de junio, en el Teatro Oriente.

José Vásquez

Como en los años 90, los nombres de Ángel Parra y Pancho Molina se volverán a cruzar en los escenarios más allá de su rol de compañeros en Los Tres. Ambos músicos están viviendo, de manera paralela, su propia “revuelta” —el título que tuvo la gira de reunión del grupo penquista con sus miembros originales— y ahora harán un show en conjunto, este 1 de junio, en el Teatro Oriente, cada uno con su trío, aunque eso solo estará en el cartel, porque ahora anticipan que se presentarán con formación de cuarteto para desatar ese día toda su libertad jazzística.

“En esa época (los 90) tuvimos harta interacción con el Ángel. Yo toqué en Ángel Parra Trío y él tocó algunas veces con Los Titulares (la otra banda de Pancho Molina). Tocábamos en universidades, estábamos con toda la energía de esa generación, así que esto que vamos a hacer ahora me suena súper familiar, por eso cuando me plantearon la idea de este show, no había cómo decir que no”, señala entusiasmado Pancho Molina.

En días de arduos ensayos para los nuevos proyectos de Los Tres, ambos músicos compatibilizan su estrecha agenda para preparar también este espectáculo en conjunto de Ángel Parra Trío y Pancho Molina Trío, para una noche de jazz, donde cada uno desarrollará su propio repertorio, aunque no descartan algún tipo de interacción juntos. “No tenemos muy claro qué es lo que va a pasar, pero por lo menos la intención está”, dice Ángel Parra.

El guitarrista cuenta que el presente de su proyecto va de la mano con su último álbum, “Desde el alma”, lanzado en 2024. “Nos atrevimos a entrar al estudio en agosto del año pasado para renovar la cosa, todos los músicos sacan sencillos y eso no debe detenerse nunca. Mientras trabajaba con Los Tres, sentí las ganas de componer y hay un repertorio nuevo”, señala Parra, quien estará acompañado de Mauricio Ruz en el piano, Eduardo Crespo, en el contrabajo, y Andy Baeza, en la batería.

Con ellos tocará desde música de Violeta Parra, “pero interpretada desde un ángulo más jazzístico, algunos otros temas con más swing, temas míos y otros de música popular, como The Beatles, pero al estilo nuestro”, agrega el músico.

Para Pancho Molina, su conjunto aún está “en desarrollo”, señala, y su trío, “representa la posibilidad de hacer música en Concepción”, dice. “Me encuentro con una ciudad que me está dando de nuevo la posibilidad de vivir y de rodearme con músicos. Eso lo valoro mucho, porque me ayuda a poder desarrollarme también como compositor”, plantea Molina, quien sigue trabajando, además, en su otro proyecto paralelo, Jodelase, de corte hip hop.

Su trío estará conformado en guitarra por Felipe Duhart; en bajo, Rodrigo Álvarez, y a ellos se les sumarán, por ahora, otros dos músicos invitados. Con ellos, y con Claudia Arriagada en voces, se estará presentando, también, mañana y pasado en The Jazz Corner, en el Barrio Italia.

“Nosotros vamos a tocar una mayoría de composiciones originales, somos bien rockeros, pero también somos bien free jazz y nos gusta la música pop”, define su propuesta el baterista.

“Cuando me dijeron que íbamos a tocar un domingo (1 de junio), yo dije: ‘Excelente', porque generalmente los domingos es cuando la gente está más dispuesta a apreciar la música que es, digamos, ‘alternativa', que no es la más popular, siendo que tenemos todo ese bagaje, con todos los géneros, popular y lo que quieran, rock, etcétera, está todo mezclado ahí, pero con una música un poquito más intensa, que requiere sentirse bien y tener una comunicación con el público, y creo que el domingo es el mejor día para esa música”, afirma Molina.

Ángel Parra, en tanto, se entusiasma y también mira al futuro: “Quiero destacar que la unión con el Pancho, después de no vernos en mucho tiempo, es muy fresca, muy especial, y reencontrarse en este momento es una nueva oportunidad de hacer muchas cosas juntos. Este es el punto de partida para terminar haciendo quizás muchas otras colaboraciones”.

Inti-Illimani Histórico alista un especial reencuentro

2025-05-11T08:48:00.001-04:00

El Mercurio

El conjunto tendrá el 26 de diciembre en el Caupolicán la vuelta como invitados de cuatro viejos conocidos: Jorge Ball, Pedro Villagra, Cristóbal Berrú y Cristián Mancilla.

JOSÉ VÁSQUEZ

Horacio Salinas cuenta que cada vez que se dispone a preparar un nuevo espectáculo con Inti-Illimani Histórico aparecen algunas preocupaciones “no musicales”, remarca, “porque esas cosas (las musicales) las resolvemos, es lo que sabemos hacer”, señala sobre una búsqueda artística que siempre muestra una propuesta distinta a lo que ya han presentado antes, revisando entre su enorme repertorio un cancionero que entregue otra perspectiva del conjunto.

“Para darles sentido a los shows”, dice, aunque, al final, las expectativas de la gente, reflexiona, casi siempre van por otro carril.

“Hemos descubierto que el público es tremendamente conservador, siempre nos pide las mismas canciones”, apunta Salinas sobre un ejercicio en el que siguen siendo complacientes en los conciertos, tocando una serie de imperdibles del grupo, aunque en equilibrio con sus propios intereses de revisitar otros temas menos habituales en sus presentaciones.

Un objetivo que ahora tomará una nueva fuerza para su próxima presentación del 26 de diciembre en el Teatro Caupolicán, una fecha que ya trabajan de manera especial con la invitación de cuatro músicos con historia en el conjunto y que les permitirá expandir sus opciones musicales. “Relacionado con esta búsqueda, sin duda hemos tenido la suerte de contar con músicos muy destacados”, señala José Seves, sobre una serie de nombres que han pasado por el conjunto y que ahora aceptaron la propuesta de volver a tocar con ellos en este concierto: se trata de Jorge Ball, Pedro Villagra, Cristóbal Berrú y Cristián Mancilla.

“A Jorge lo conocimos en Italia cuando estudiaba luthería en Cremona. Ya era flautista y, como venezolano, tenía una cultura profunda sobre la música llanera. Es multiinstrumentista, él participó en un período muy interesante nuestro, de comienzos de los 80, en situaciones más orquestadas, y a Pedro lo conocimos por Santiago del Nuevo Extremo y por sus cualidades en los instrumentos de viento”, relata Seves.

También está Cristián Mancilla, figura más habitual en las actuaciones de la agrupación, y Cristóbal Berrú, que llega con un apellido demasiado familiar para el conjunto. “Él nos trae el recuerdo de una persona muy importante para el grupo, que es Max Berrú; para mí fue una experiencia muy bella compartir cantos con él, con voces que se fundían muy bien, en términos de volumen, color, etcétera. Max ya nos dejó, pero también nos entregó, como regalo, a su hijo Cristóbal, que es realmente impresionante escucharlo. Él toca instrumentos de viento y canta como si fuera la voz de Max”, destaca Seves.

Los músicos han revisitado temas de su disco “Travesura” —cuya carátula hizo Federica Matta, hija de Roberto Matta—, con la intención de recordar ese período. “Es importante para nosotros recuperar, dado el vastísimo repertorio que hay, las diferentes etapas que hemos vivido. Este en particular tenía esta característica de que se refería a un público infantil”, dice Seves, una búsqueda que se ampliará mucho más en su cancionero, pensando en el show del Caupolicán.

Se profundiza la crisis en el Parque Cultural de Valparaíso

2025-05-06T08:59:00.006-04:00

El Parque Cultural de Valparaíso tiene unas 1,8 hectáreas, en las que se desarrollan conciertos, teatro, danza y exposiciones. Jonathan Mancilla

El Mercurio

Desde su fundación, en 2012, el centro Ex Cárcel ha enfrentado numerosos conflictos. Hoy se suma la renuncia de la presidenta del directorio.

María Soledad Ramírez R.

La renuncia de Gianina Figueroa a la presidencia del directorio del Parque Cultural de Valparaíso (PCdV), este fin de semana, se suma a un largo historial de conflictos que ha enfrentado el centro Ex Cárcel del puerto, inaugurado en 2012.

En una entrevista aparecida este domingo en El Mercurio de Valparaíso, la ahora exdirectora del PCdV señala que su salida “no solo es un acto ético y político, sino también un llamado urgente a asumir los problemas estructurales que amenazan la continuidad de este espacio vital para Valparaíso y para Chile”.

La situación a la que se refiere Figueroa es la retención de $167 millones de la cuenta corriente del PCdV, en medio de demandas judiciales por las que el Consejo de Defensa del Estado, CDE, exige la devolución de $200 millones traspasados en 2017 por el Consejo Nacional de las Culturas, las Artes y el Patrimonio (hoy ministerio), durante la gestión de la entonces directora ejecutiva del Parque Cultural, Nélida Pozo (desde noviembre de 2017 a enero 2023), actual directora del Servicio Nacional del Patrimonio (desde enero de 2023). El CDE objeta que fueran usados en “contrataciones directas y renovaciones de contrato sin un proceso previo de cotización”, lo que no armoniza con el principio de eficacia en el uso de recursos públicos, plantea en la demanda.

En la práctica, con esta medida del CDE no se podrían pagar los sueldos de los funcionarios. Figueroa también denuncia que el directorio no está conformado en su totalidad —“por la desidia de algunas instituciones públicas al no designar representantes”—, por lo que no se han podido tomar decisiones estructurales.

La exautoridad apunta a que “la mala administración financiera y la fragilidad institucional han sido transversales”.

En el historial de conflictos, el más reciente fue en febrero, cuando la muestra visual de la cantante Mon Laferte se extendió un mes más de lo previsto y obligó a reprogramar las exhibiciones ya comprometidas, lo que perjudicó a esos artistas. Pero la decisión tuvo otra consecuencia aún más polémica: la desvinculación, después de 14 años en el cargo, del jefe de programación del PCdV, Alonso Yáñez. Más de 600 firmas de personas vinculadas a las artes visuales se reunieron para protestar por esta medida.

Pero otros despidos ya habían enrarecido el ambiente desde noviembre de 2023, cuando se desvinculó a nueve personas que trabajaban a honorarios. En marzo de 2024, en tanto, fue el turno de siete trabajadores sindicalizados y con contrato indefinido.

El PCd V es una asociación privada que recibe financiamiento público a través de la Subsecretaría de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. En 2025 fueron $1.567 millones, con un leve incremento respecto del año anterior, cuando se le entregaron $1.406 millones.

A comienzos de 2018, el PCdV enfrentaba una grave crisis económica, que motivó la paralización de los trabajadores. Fue en la época en que asumió Pozo, tras la salida del músico Jorge Coulon, director ejecutivo entre 2015 y 2017.

Sobre el tema, Nélida Pozo señaló ayer a “El Mercurio” que “el parque cultural viene con déficit desde el primer año. Cuando asumí, tenía un déficit de más de 300 y tantos millones, más un préstamo de 210 millones que encontré cuando llegué”. Al igual que Figueroa, cree que el problema es transversal a cualquier administración anterior de este espacio cultural y según su punto de vista “hay que revisar el modelo de gestión de los centros culturales, sobre todo en una ciudad como Valparaíso; creo que los centros culturales son el reflejo de lo que son las ciudades... Tengo una crítica grande a la condición en que está Valparaíso hoy día, pero siempre tengo esperanza de que puede surgir”.

Para Pozo, el PCdV es un espacio con mucho público y que la comunidad lo siente propio, pero que no tiene como producir ganancias. “Se requeriría aporte desde la empresa privada, porque no solo el Estado central lo puede sostener, habría que involucrar al gobierno regional, los gobiernos locales, no lo sé. Otros modelos, donaciones culturales”, señala.

En su entrevista, Gianina Figueroa también apunta a la falta de conformación del directorio. De acuerdo a sus estatutos, este debería tener un presidente, nombrado por el o la ministra de las Culturas; tres consejeros designados por la intendencia; uno por el Consejo de Rectores de Valparaíso y otro por el municipio, y tres elegidos por la asamblea de socias y socios.

Tras la renuncia de Figueroa, solo quedan en el directorio el designado por el consejo de rectores y dos elegidos por la asamblea de socios. Tanto el actual municipio como la delegación presidencial, correspondiente a la antigua intendencia, no han designado a sus representantes.

El delegado presidencial en Valparaíso, Yanino Riquelme, señaló a la prensa regional que están trabajando “en conjunto con la alcaldesa de Valparaíso y la ministra en la articulación de una nueva propuesta que contemple nuevos criterios y estándares institucionales importantes para el futuro desarrollo del parque”.