PUROCHILE

Ángela Marambio: "Me di el tiempo para cambiar"

2012-02-19T01:06:00.000-03:00

El Mercurio

Tras una importante pausa laboral y un espacio para el análisis de su carrera, la soprano chilena se prepara para regresar a los más prestigiosos teatros de ópera del mundo, como el MET y el Colón de Buenos Aires. Adelanta su actual momento y los roles que sueña abordar próximamente.

MAUREEN LENNON ZANINOVIC

Renacimiento. Esa es la frase que más repite Ángela Marambio (36) para definir el estado actual de su carrera artística.

Luego de una pausa laboral que la llevó por más de un año a estar un tanto ausente de la vorágine propia de una cantante de ópera, la soprano viñamarina poco a poco ha comenzado a retomar sus compromisos internacionales en los teatros más importantes del mundo, continuando el legado de otras dos destacadas voces nacionales: Verónica Villarroel y Cristina Gallardo-Domâs.

La primera señal alentadora ocurrió en julio del 2011, con un elogiado debut en el Teatro Colón de Buenos Aires.

"Fue maravilloso. Toda mi vida había soñado con cantar en este escenario y cumplí ese sueño. Lo que más me ilusionó de este estreno es que fue con uno de mis personajes más queridos y que me ha dado tantas gratificaciones: Amelia Grimaldi en 'Simon Boccanegra', de Verdi", señala a Artes y Letras, desde su departamento viñamarino, muy cercano a la Quinta Vergara.

Ángela Marambio también quedó profundamente conmovida con el público bonaerense: "Me habían dicho que era cálido, pero se pasó. El teatro se vino abajo en aplausos. Fue una experiencia inolvidable y redonda".
A propósito de este debut, Pablo Gianera, crítico de "La Nación", escribió que ella "tuvo un consistente desempeño técnico y teatral". Margarita Pollini, de "Ámbito Financiero", fue más allá en los elogios: "En los dos papeles principales, Roberto Frontali y Ángela Marambio descollaron en el elenco: ambos cantantes poseen voces de importante caudal y la inteligencia y sensibilidad necesaria para dominarlas".

Pero ante esta avalancha de muy buenos comentarios, la soprano aclara que trata de no leer las críticas.
"No quiero que me influyan, aún cuando sean positivas". Y agrega una observación reveladora de los últimos procesos que ha vivido su carrera: "Sé que algunos reclamaron que por qué no cantaba o qué pasaba con mi registro ¡Por favor, para qué especular! Es tan simple como que quise tomarme un tiempo -afortunadamente, lo pude hacer- y enfocar mis próximos pasos de la mejor manera posible. No quiero perder la voz ni que mi carrera se acabe a los 38 años".

Ángela Marambio explica que, durante todo esta etapa de reflexión, reenfocó su repertorio, dejando un poco de lado -aunque no del todo- a sus adoradas heroínas verdianas. "Mi voz ahora está para el verismo y para óperas de Puccini. En esta nueva etapa me encantaría abordar 'Tosca', 'Manon Lescaut', 'Andrea Chénier' y 'La Gioconda'. Acabo de audicionar y mostré mi nuevo repertorio a los directores de distintos teatros europeos, como la Ópera de Roma y la Scala de Milán, y la verdad -hasta yo me sorprendí- me fue muy bien. Hay que esperar el resultado y el cierre de contratos que hará mi agente Bruce Zemsky".

Reencuentro con los teatros
El 2012 promete ser bien estelar. Como la misma cantante lo confirma, regresará al Teatro Colón de Buenos Aires con "La forza del destino", de Verdi (a partir del 22 de abril), con régie de Hugo de Ana, un artista que en Chile conocemos muy bien por sus elogiados trabajos en el Teatro Municipal de Santiago: el último fue para "Boris Godunov", de Mussorgsky.

Y hay más. La soprano se integrará al segundo elenco de "Don Carlo", de Verdi, en el marco de la temporada 2012-13 del Metropolitan Opera House de Nueva York (MET).

"En este teatro debuté en 2006 con 'La Bohème' y, un año más tarde, volví con 'Simon Boccanegra'. Ahora sería el turno de 'Don Carlo' y lo agradezco muchísimo".

Agrega que poder encarnar a Elisabetta (Isabel de Valois) en el coliseo neoyorquino será todo un desafío. Con justicia se ha dicho que es un papel para una soprano lírico-spinto con tintes dramáticos, que pueda sostener por varios segundos las notas y superar el caudal sonoro de la orquesta.

"El aria 'Tu che le vanità' es de una profundidad inmensa, una confesión llena de lirismo, muy dramática y plena de detalles que hay que saber abordar muy bien. Me he interiorizado bastante en los sentimientos de Elisabetta. Es una mujer fascinante y me parece una gran fortuna poder encararla en el MET, en un segundo elenco. Para nada lo veo como algo menor. Todo lo contrario, es un escenario tan importante que todos los repartos tienen a cantantes de primerísimo nivel y si a mí me consideraron, qué honor".

Inicios y ascenso
En 2001, cuando el agente Bruce Zemsky (el mismo de los tenores superestrellas Jonas Kaufmann y Marcelo Álvarez) la vio interpretar a Amelia en el segundo elenco de la ópera "Simon Boccanegra", en el Teatro Municipal de Santiago, quedó impactado por su talento y, de inmediato, la fichó. Desde ese momento, Ángela Marambio comenzó a vivir un ritmo laboral imparable: la Bastilla de París, Los Angeles, la Scala de Milán, el MET y el Covent Garden se transformaron en coliseos recurrentes en su agenda.

Todo iba viento en popa hasta que, a fines del 2009, decidió parar. Eso sí, con algunas excepciones: los Wesendonck Lieder, de Wagner, junto a la Orquesta Filarmónica de Santiago y el reestreno en nuestro país de la ópera "Inés de Suárez". Tras esta decisión, algunos especularon su distanciamiento con Bruce Zemsky, el dedicar más tiempo a su hijo Sebastián o el desear reenfocar su carrera en otros mercados, como el europeo. De hecho, en un momento ella habló de la posibilidad de radicarse en Hamburgo (Alemania).
"Me di el tiempo para cambiar. Además, seguí los consejos de dos personas tremendamente importantes (mi profesora de canto Helen Donath y mi coach Chris Squires), quienes me ayudaron en este proceso. Lo que más agradezco es que mi agente supo respetar este período de mayor reflexión, siempre estaba preocupado de mí y esperando a que volviera. Ahora siento que retorné con una mirada más clara y madura de mi carrera".

-Recientemente fue jurado en un concurso lírico en San Pedro de la Paz. ¿Cómo fue esa experiencia?
"Fantástica. ¡Tenemos voces tan talentosas en nuestro país! Me preocupó, eso sí, que a muchos jóvenes les falta un asesoramiento adecuado a la hora de escoger el repertorio. No es llegar, como lo aprecié en este concurso, e interpretar un aria de 'Nabucco', de Verdi. Es muy importante no saltarse o adelantar procesos".

-Usted misma ha denunciado que hoy la ópera está hecha para ser vista...
"Absolutamente. Es una realidad que hay managers que sólo buscan chicas jóvenes y las estrujan hasta que no valen un peso, pero también siento que en este punto han sido muy nefastos los régisseurs. Hoy son verdaderos reyes y señores. Hacen lo que quieren. Lo más terrible es que cuando tú firmas un contrato no te enteras hasta que llegas a un país si la producción será realmente genial o una locura 'sin pies ni cabeza'. Así están las cosas, pero afortunadamente no todos han caído en esta vorágine y hay directores de escena muy serios".

Sergio Larraín bajo el prisma de Luis Poirot

2012-02-19T01:04:00.000-03:00

El Mercurio

"A mis 71, puedo decir que no son los años o las enfermedades las que duelen, son las ausencias", señala un conmovido Luis Poirot tras la muerte del fotógrafo. En estas líneas, Poirot se refiere a la filosofía del trabajo de Larraín, relata algunas anécdotas y manifiesta su inquietud porque conocemos una parte incompleta de su legado. "Recuperar la totalidad de su obra es una labor pendiente".

Luis Poirot Fotógrafo

Hace algunos años entraron a robar a mi pequeño taller, sólo encontraron libros, de esos que sólo se llevan los amigos, pero con furia revolvieron todo y vaciaron los armarios, sembrando el suelo con papeles.
Tratando de ordenar el desastre apareció una larga carta escrita en lo que parecía una vieja máquina de escribir con los tipos gastados. Curiosamente, estaba fechada, día por día, diez años antes. Me la había enviado Sergio a Washington DC, donde viví por algunos años, como respuesta a mis propuestas de hacer una exposición que mostrara su trabajo a las jóvenes generaciones de fotógrafos.

Se negaba rotundamente a esa posibilidad, pero me explicaba con detalle su forma de trabajar y sus pensamientos sobre la fotografía, pidiéndome que a cambio de la exposición leyera esa carta a mis alumnos. La carta había permanecido olvidada entre las páginas de un libro, olvidada también de esos años en que no estaba haciendo clases. Sentado en el suelo, pensaba en mi olvido y por qué aparecía ahora que sí tenía alumnos. Una carta vuelta a entregar por un misterioso cartero.

La cámara en la bolsa
Y he cumplido con el mandato. Muestro sus fotos y repito las palabras más precisas y poéticas que se han dicho sobre este lenguaje nuestro. "Cuando paseo la mirada por fuera, con el rectángulo en la mano, la cámara, es en el interior de mí mismo que yo busco".

Ahí está toda la poética que explica y define la fotografía de autor. Que separa realidad de la interpretación personal que de ella se hace, dejando sin sentido el concepto del tema o asunto supuestamente reflejado, ya que, como en otros lenguajes creativos, el único tema es el autor.

Severa disciplina que implica dar un paso o quizás varios en la profundización de las apariencias, siendo éstas solamente un pretexto (pre imagen quizás), un punto de partida para construir otro mundo, que también será libremente interpretado por el espectador-lector.

Pienso en las fotografías de Stieglitz en 1920, nubes que tituló Equivalentes, Equivalentes de lo que uno quiera, pues el nuestro no es un trabajo de notarios. Robert Capa no era el fotógrafo de heroicas guerras y guerreros, eran las imágenes del dolor y el abandono de unos niños entre las ruinas que lo emparentaban con su condición de apátrida y sin domicilio. Cartier-Bresson simplemente quiere introducir un orden en el caos exterior, el placer de la geometría pura.

Invitaba siempre a pasear con la cámara guardada en una bolsa de papel, la leiquita no preparada, porque se espantaban las imágenes que tenían que llegar libremente. Sus palabras eran que había que caminar y perderse, como "paviando" , sin rumbo preciso. Liberarse de los equipos grandes y llamativos, simplificarse en la toma y en el cuarto oscuro.

Esta fotografía nuestra está atravesada por la alegría, el dolor o el placer que un estímulo externo provoca en nuestra memoria emocional, que sin lógica alguna (enemiga de lo visual) nos provoca un estremecimiento eléctrico que solamente se calma al apretar el disparador para aliviar la tensión.

Por eso fotografiamos.
El otro tipo de imágenes son solamente aplicaciones a un fin práctico de una técnica.

De todo esto hablamos con Sergio y también de nuestros familiares escogidos, como Callaham, Weston, Strand, Meatyard y Francesca Woodman que quizás no conoció.

Como una larga tendencia de fotógrafos, sus imágenes no eran para ser vistas en una exposición-espectáculo, con grandes ampliaciones destinadas a impresionar por el gran tamaño. Incluso prefirió el modesto formato del libro Valparaíso, hoy inencontrable por menos de tres mil dólares. En una de sus cartas me dice preferir reeditar ese libro a hacer una exposición, eliminando el texto de Neruda, totalmente ajeno al libro.

Problemas con Neruda
Ese desencuentro con el poeta ya se había dado en "La Casa en la arena", frustrado encargo conjunto de la Editorial Lumen de Barcelona. Me comentó Neruda de la experiencia: "Ay, ese niño tan complicado que prefería estar fotografiando conchitas en la playa en lugar de la casa, y el plazo se nos agotaba..." Por su parte Sergio se refería a Neruda con abierto desprecio "ese gordo comilón materialista".

Quizá fue el comienzo de su alejamiento de la fotografía. No es casualidad que uno de los artífices del redescubrimiento de Larraín en Magnum sea el fotógrafo checo refugiado en Francia Joseph Koudelka, solitario como Queco y que nunca da entrevistas. De domicilio inexistente, ha reducido sus necesidades al mínimo para conquistar la total libertad en su trabajo.

No recuerdo si me contó que fue el matrimonio del sha de Persia o Grace de Mónaco lo que provocó su primer alejamiento de Magnum y la prensa, luego sus envíos desde Chile se hicieron más distantes y mayor el desinterés de la agencia por los nuevos rumbos que tomaba su fotografía. Como todo fotógrafo del subdesarrollo, parecía condenado al exotismo de la miseria y a repetir incansablemente otros Valparaíso.
Valparaíso no es una guía turística, podría haber sido otro pueblo o ciudad, da lo mismo. Es un canto, más bien un aullido de soledad y desamparo, un diario de vida fotografiado con dolor, eso son los raquíticos perros vagos, los rostros curtidos de tristeza, la perspectiva a nivel de suelo como el deambular de un niño. Es por lo tanto irrepetible.

Sergio Larraín no se retiró. Presente estarán siempre la mirada interior y sus imágenes que tendremos que aprender a leer.

La gran pregunta es ¿qué pasará con su obra? Magnum nos ha mostrado una parte, lo que ellos leen y califican como interesante. Hay muchos capítulos que no hemos visto: sus caminatas por el campo con Violeta Parra recopilando cantos, el terremoto del 60, los jubilados de Santiago, sus amigos, muchos perros y gatos solitarios.

Conocemos un Sergio Larraín incompleto, antologado quizá caprichosamente. Recuerdo álbumes cuidadosamente preparados que le regalaba a su padre cada Navidad.

Recuperar la totalidad de su obra es una labor pendiente.

Tras 30 años, se volverán a fabricar discos de vinilo en Chile

2012-02-14T09:07:00.000-03:00

La Tercera

Esta sería la segunda planta de este tipo de formato en Sudamérica y estaría a cargo de Oliver Knust, director de Discos Rio Bueno.
por Nicholas Townsend

Tras casi tres décadas, Chile volverá a contar con una fábrica de vinilos en suelo nacional. Oliver Knust, director de Discos Río Bueno, se hará cargo de la posta que en la decada del setenta fue abandonada por el sello discografico IRT. "Siempre tuve la inquietud (de fabricar vinilos) y me llegó un correo desde México de que había una máquina disponible", cuenta Knust. Junto a un ingeniero, recopiló y presentó la información necesaria para adjudicarse un Fondart, que la semana pasada le otorgó $19.941.839 de pesos. "Pedimos menos de la mitad de la plata que necesitamos", afirma.

Su sello ha fabricado, a la fecha, vinilos para diez músicos nacionales independientes, de unas 300 copias cada uno e importados desde México, entre los que se encuentran Pedropiedra, Gepe y Astro. "Nosotros como sello, empezamos a hacer vinilos hace casi dos años. He tenido la experiencia de ir a visitar la planta en México y vi que, a diferencia de los otros formatos, era rentable", asegura.

Con un plan de proyección a cinco años, que consideran tres años de apoyo de subsidios y fondos privados y un año de marcha blanca, la meta es lograr un mínimo de diez mil copias al trimestre, cifra necesaria para generar ingresos. "La apuesta está pensada en algo regional. Como hemos manejado el tema de importación, creemos que sabemos de exportación. No queremos competir con Europa".

Los pasos a seguir más próximos están en buscar un lugar que cumpla con los requerimientos químicos para su funcionamiento y la compra de la maquina que según Knust, "lo haremos ahora que vamos al Vive Latino".

Esta sería la segunda fábrica de vinilos en Sudamérica, ya que en Brasil, luego de una pausa de tres años, el 2009 volvió a funcionar Polysom, única elaboradora de este formato a cargo del sello Deckdisc. Ya con un par de años en la industria tambien ven con ojos optimistas el escenario que viene, por lo que há anunciado baja en sus precios y agurando un fuerte crecimiento en ventas a través de su cuenta de Twitter.

Con producción de vinilos exportados desde México, Disco Rio Bueno ha tenido peticiones de países como Argentina y Perú. Además, ha tenido conversaciones con multinacionales. "Tuvimos acercamiento una vez con EMI cuando hicieron lo de Los Prisioneros, pero más que nada me he movido en mi ambiente, que es la indie. Siempre vamos a ir apoyando la industria independiente".

Hace sólo un mes, la industria musical estadounidense recibía su primera noticia positiva a cargo de Nielsen Soundscan. Un simbólico aumento de 1,3% en ventas, impulsadas principalmente por las digitales, le dieron los primeros números azules desde 2004. Dentro de las cifras que aumentaron está, por cuarto año consecutivo, la comercialización de vinilos, que registró 3,9 millones de ventas, 1,1 millones más que en 2010.

Unión Nacional de Artistas cuestiona Fondart 2012: "Serán necesarios cambios más profundos y efectivos"

2012-02-14T09:03:00.000-03:00

La Tercera

El presidente de la organización, Edgardo Bruna, señaló que han recibido numerosos reclamos sobre la adjudicación de fondos para proyectos artísticos.

"Si bien es inevitable que quienes no sean seleccionados se sientan perjudicados, hemos recibido cartas muy sensibles como la enviada por Patricio Guzmán, entre otras" indicó, refiriéndose a la carta que el reconocido realizador chileno le envió al Ministro de Cultura, Luciano Cruz Coke, en la que señala que ninguna obra suya ha recibido nunca recursos del Consejo.

El dirigente indicó que están recopilando la información para analizar en profundidad los aciertos y desaciertos de la modernización de la que fue parte este año. Así como también proponer modificaciones estructurales, incluso a la misma ley que creo el Fondart que ya tiene más de 20 años.

"La modernización tan publicitada no ha sido ni tan simple, ni tan transparente como se anunció" indicó Bruna "pero no hay olvidar que son los pares, es decir los propios artistas los que participamos del proceso de selección y además son nuestros representantes en los consejos de la música, el audiovisual, el libro y el CNCA los que aprueban las bases".Por ello llamó a trabajar en conjunto para mejorar esta herramienta esencial para fomentar el desarrollo de las artes.

La UNA invitó a los artistas que postularon a los fondos 2012 que continúen enviando sus opiniones al correo info@artistasuna.cl para poder contar con mejores antecedentes. La entidad cuenta con un comité dedicado a estudiar propuestas por mejorar los fondos concursables.

El actor llamó la atención, también, sobre la necesidad de aumentar los fondos ante la evidente reducción de proyectos seleccionados en relación a la demanda: "El porcentaje de proyectos que resultan premiados no llega al 10%, por ello es importante continuar aumentando los fondos. Por poner un ejemplo, a nivel de todo el país solo se financiaron 33 proyectos de danza, 18 en diseño, y 14 en folclore".

Los Bunkers, luego de un exitoso 2011: "Ahora tocamos relajados"

2012-02-13T09:11:00.000-03:00

El Mercurio

La banda penquista se presentaría anoche en Talca y ya se prepara para su show en el Festival de Viña del Mar. "Nuestro afán no es el de competir con ningún otro artista", dicen.

Karina Mondaca Cea
TALCA Dicen que están cansados, pero felices. Después de un año promocionando su disco de 2010, "Música libre"; haberse presentado en Lollapalooza Chile y Chicago, y en recintos de Estados Unidos como el Roxy Theatre de Los Angeles, Los Bunkers sólo pueden sonreír. "Fue un súper buen año para nosotros. Hicimos un montón de fechas, la recepción que tuvo el disco fue importante, la gente se apropió de él de buena manera. Así que ahora andamos tocando relajados", cuenta el cantante y guitarrista Mauricio Durán.
Gran parte de esas actividades fueron filmadas y dieron como resultado un documental producido por Radio Sonar y dirigido por Pascal Krumm -ganador del Festival In-Edit Nescafé 2011- y del cual Los Bunkers están agradecidos. "Artísticamente, uno siempre va a tener diferencias de matices, pero Pascal logró mimetizarse súper bien con el grupo. Y ése es su principal logro, porque somos un grupo cerrado y nunca habíamos abierto nuestras puertas a alguien que no fuera de nuestro círculo más cercano", agrega Durán sobre la pieza audiovisual que fue descargada de forma gratuita más de 170 mil veces en sólo tres semanas.

Luego de presentarse en 11 ciudades durante enero y lo que va de febrero, la banda oriunda de Concepción llegó a Talca para participar en la cuarta noche de la Fiesta de la Independencia, que en sus tres primeros días logró reunir a cerca de 150 mil personas en la ribera del río Claro. El show , según sus cercanos, serviría como un ensayo para lo que será su presentación del sábado 25 en el Festival de Viña del Mar.

"Aún no tenemos definido el repertorio, pero sí una estructura general que hemos estado tocando durante todo el verano", confiesa Durán. "Pero va a estar entretenido, va a haber una especial dedicación al último disco, pero también estarán los temas emblemáticos del grupo. El Festival de Viña es como un súper programa de televisión, y en ese sentido hay que tener una preocupación por el repertorio", agrega.

-Uno de los singles de su disco "Música Libre" es "Ángel para un final", que tomó relevancia por la muerte de Felipe Camiroaga. ¿La interpretarán?
"'Ángel para un final' es una canción más de nuestro repertorio, una que hemos tocado en vivo desde que lanzamos el disco, porque consideramos que es una gran canción de amor. El significado depende mucho de cómo la gente la sienta. En este caso, uno lamentable y bien inesperado. Y en ese sentido, somos bien respetuosos del que pueda tener para mucha gente, pero no nos parece que da como para renegarlo y decir que no lo tocaremos".

-La venta de entradas para el día de su presentación, en el que también estará Manuel García, no ha tenido una gran demanda.
"Nos da lo mismo, porque a nosotros nos invitan y no somos los encargados de armar la parrilla, de tirar las entradas ni nada. El público de Luis Miguel es un público súper distinto y él es un artista con una gran popularidad, pero nuestro afán no es el de competir con él ni con ningún otro artista. Nosotros vamos a participar, ir con nuestra música y hacer un espectáculo. No le vemos más rollo".

-Luego de terminar su gira en Chile, ¿trabajarán en su nuevo disco?
"Marzo y abril serán el sello final de 'Música libre', porque de ahí nos concentraremos en preparar el otro disco. Tenemos como fecha de grabación para mayo a junio, y lo más probable es que lo grabemos en Estados Unidos, a raíz de una gira que tenemos que hacer en esos meses allá. Vamos a aprovechar de descolgarnos de la gira y meternos en un estudio que nos han recomendado muchas veces y que hace tiempo teníamos ganas de probarlo, el Sonic Ranch. Esperamos cumplir nuestros plazos, llegar allá y grabar por lo menos el esqueleto del disco, porque quizás lo terminaremos en México, pero el grueso del disco la idea es grabarlo ahí".

Los Tetas se suman a Lollapalooza que revela sus horarios

2012-02-13T09:10:00.000-03:00

El Mercurio

Tres son las bandas que se integran al cartel del festival. Desde Brasil llega Plebe Rude por el intercambio con el símil paulista.

José Vásquez
Fueron los últimos en sumarse, aunque ya antes de su regreso a los escenarios del pasado 21 de diciembre en el Teatro Caupolicán ya estaban confirmados. Los Tetas, la banda capitaneada por Tea Time y C-Funk, tendrán su reestreno masivo cuando el próximo sábado 31 de marzo salten al escenario del Parque O'Higgins para ofrecer una hora de concierto.

Y no llegan solos.

Porque a los chilenos se suman los brasileños de Plebe Rude, que gracias al intercambio cultural con Lollapalooza Brasil debutarán en Santiago. La contraparte nacional que irá a Sao Paulo será Ritmo Machine, ya anunciados en la versión paulista.

A ellos se agrega Inti Illimani Histórico, en modelo infantil, para presentar "Travesura", quienes engrosarán el cartel de Kidzapalooza. Es importante destacar que para este escenario los niños menores de 10 años que lleguen acompañados de un adulto entrarán gratis y que los padres podrán adquirir una pulsera para poder salir del recinto y regresar si lo necesitan.

Con estas tres últimas incorporaciones se cierra el cartel final de la segunda edición de Lollapalooza Chile, que este año espera superar las cerca de 80 mil personas que asistieron a la primera versión de este festival itinerante que comenzó Perry Farrell en 1991.

Con los horarios a disposición, se confirma que el esperado show de Foo Fighters tendrá una duración mínima de dos horas y media, una hora más que Björk, Arctic Monkeys y MGMT, el resto de los cabezas de cartel.

Siempre hay que optar. Los topes de horario que se presentarán en esta edición van del lado del rock versus la electrónica. Porque los shows principales del Perry´s Stage coincidirán con los de los dos escenarios de mayor convocatoria. Así, el sábado 31 de marzo, quienes quieran a ver a Calvin Harris o Arctic Monkeys y Björk, deberán optar por uno de esos números. Y el domingo 1 de abril, quienes tengan la intención de asistir a Illya Kuryaki & The Valderramas y Joan Jett o Skrillex y MGMT, deberán elegir entre uno de ellos.
Este año son 6 los escenarios dispuestos a lo largo del Parque O'Higgins, uno más que el año pasado, con lo que se espera evitar las aglomeraciones y el caos que se vivió en el escenario dispuesto en el teatro La Cúpula.

A 47 días de que comience el festival, las entradas continúan vendiéndose a través del sistema Puntoticket.
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64
serán las bandas que se presentarán este año en la segunda edición de Lollapalooza Chile.

Revisa aquí el programa oficial de todas las presentaciones en Lollapalooza 2012.

Noventa años de música romántica en Chile: voces y canciones inolvidables

2012-02-12T16:43:00.000-03:00

El Mercurio
De la antigua canción melódica al vals; del bolero omnipotente a la balada pura, y de la canción "cebolla" al "revivalismo AM". Si en algo ha sido dinámica la música romántica, es en las formas de transmitir su mensaje. Y si en algo ha sido estática, es en su mensaje: siempre el mismo. En vísperas del 14 de febrero, recorremos la canción de amor local.

IÑIGO DÍAZ

"El bolero hay que decirlo... Para decirlo, tiene que ser más o menos lentito", afirmaba el astro Humberto Lozán, bolerista y voz de la Orquesta Huambaly. Él es uno de los exponentes de la refinada propuesta melódica que aparecieron en Chile a partir de los años 40: primero a través de la tríada formada por Mario Arancibia, Arturo Gatica y Raúl Videla, y luego con estrellas de alcance internacional, como Antonio Prieto, Lucho Gatica, y Sonia y Myriam.

El bolero, surgido en Cuba, pasó en la década de 1940 a ser una bandera de la canción romántica latinoamericana, abrazada en Chile por intérpretes, autores y consumidores, y considerada también como una suerte de contraoferta a la canción norteamericana con etiqueta tipo Bing Crosby. Gozó de un amplio dominio en las preferencias populares por tres décadas, hasta que la balada se empezó a instalar a fines de los años 50 y ganó su primacía con toda propiedad en los 70.

Tonada, tango, vals, bolero, balada. La canción de temática romántica tuvo en Chile distintos rostros y ritmos en el transcurso del siglo XX. Pero su mensaje ha sido siempre el mismo. "Mucho más desamor que amor", dice Marisol García, la periodista y coeditora de la enciclopedia en internet MusicaPopular.cl. Hoy, en vísperas del 14 de febrero, "Día de los Enamorados", la canción de amor vuelve a reclamar espacio.
La estrella de la canción

En la interpretación de la música romántica nacional, Juan Pablo González, director del Instituto de Música de la Universidad Alberto Hurtado, detecta un hito fundamental, "que marca el inicio de la forma en que la entendemos hoy: se trata del uso del micrófono por parte del cantante en los años 20". Es la llave maestra de una industria y apunta al nacimiento de la estrella de la canción.

"Parte con Bing Crosby en Estados Unidos, Mario Réis en Brasil, José Bohr en Chile y Argentina. Gracias al micrófono, la voz del cantante romántico parecerá natural y muy cercana y creará una sensación de intimidad en el oyente", indica González, también coautor de los libros "Historia Social de la Música Popular en Chile". El profesor del Instituto de Música de la Universidad Católica y coautor del segundo de estos volúmenes, Oscar Ohlsen, difiere en su opinión con respecto al precursor: "Si alguien me presenta un par de discos cantados por José Bohr, donde su voz sea capaz de convencerme de que fue realmente un cantante romántico, cambiaré de parecer".

Ohlsen, en cambio, define al argentino Leo Marini y al mexicano Juan Arvizu como los primeros exponentes de la canción de amor en Chile. Marini, porque llegó desde Mendoza a Valparaíso en 1941 para grabar con el pianista cubano Isidro Benítez para RCA Victor. "Hizo 'Virgen de medianoche' (de Pedro Galindo), 'Puedes irte de mí' (de Agustín Lara) y dos canciones del chileno Luis Aguirre Pinto: 'Inútilmente' y 'Cerca de ti'. Arvizu también grabó con la RCA Victor, junto a la orquesta de Izidor Handler. Se le conocía como 'el tenor de la voz de seda'. Pero si hubiera que escoger a un cantante chileno, ése es Mario Arancibia", declara Ohlsen.

La historia reconoce en Arancibia un barítono de excepcionales condiciones expresivas. Aunque de carrera muy corta en Chile, dejó grabadas canciones sensibles, como "Despedida", de María Grever, con la orquesta de Vicente Bianchi. Tras su paso por escenarios de Río de Janeiro, Buenos Aires y Montevideo, actuó en nueve temporadas sucesivas en el Casino de Viña del Mar. "A principios de los años 50 se cambió al sello Odeon pero sin el éxito obtenido en su sello anterior, RCA Victor", cuenta Ohlsen. "Fue injustamente opacado por Lucho Gatica", agrega González.

"Lucho Gatica es nuestro Frank Sinatra", confirma Ohlsen. "El gran ícono de la canción romántica, con impacto internacional", agrega González. Grabó un cuantioso repertorio desde 1952: "Contigo en la distancia" (de César Portillo de la Luz), "Sinceridad" (de Gastón Pérez), "No te vayas amor" (de Vicente Bianchi), "Bésame mucho" (de Consuelo Velásquez). "Estamos frente al cantante-músico, como lo define Humberto Lozán, que logra frasear 'diciendo' el bolero a su gusto (...) Hay momentos en que una nota del cantante completa la armonía de la orquesta", escribe González.

Astros del bolero chileno. Lucho Gatica junto al pianista Pepe Carrera y las hermanas cantantes Myriam y Sonia von Schrebler, conocidas desde 1941 como Sonia y Myriam.

El estilo amyrianado
Antonio Prieto es la contraparte de Lucho Gatica, el otro astro chileno del bolero, aunque en los años 60 fue orientándose a la balada gracias al éxito de "La novia". "De voz más natural, aportó su encanto espontáneo y su capacidad histriónica, hasta transformarse en un chansonier al estilo Gilbert Becaud", dice Ohlsen.

La balada, que paulatinamente cambiará la orquesta por los instrumentos electrónicos y los sintetizadores, sustituye al bolero en la cronología, a través de nuevas voces: Cecilia, Buddy Richard y José Alfredo Fuentes en los 60, y Gloria Simonetti en los 70, hasta desembocar en los 80 en la máxima estrella de las últimas décadas.

"Myriam Hernández tiene todo lo que no tiene el cantautor romántico tipo Alberto Plaza o Pablo Herrera, que es más íntimo en su propuesta. Ella vive el personaje gestual, interpretativa y escénicamente. En eso es insuperable. Es la mujer enamorada, y lo demuestra en sus miradas, gemidos y hasta en sus declaraciones a la prensa", señala Marisol García.

En cuanto a interpretación vocal, se manifiesta en lo que la propia Myriam Hernández ha llamado "estilo amyrianado". "Se dio cuenta de eso una vez que vio a su hija imitándola cantar, con suspiros en cada final de verso. Myriam es la más 'amyrianada' de todas", agrega García.

El avance de los tiempos trajo además a una generación actual que se ha reconciliado con las raíces del dial AM. "Para mí, Javiera Mena es una cantante romántica excepcional. Está preocupada por los detalles. Cuando canta 'un audífono tú, un audífono yo', da una muestra de su madurez, y su canción pasa a ser como un himno generacional, aunque la temática se repita", opina García.

La temática, en efecto, se repite en la canción romántica más que en cualquier otra variante musical. En Chile, desde los años 20 y hasta reciente el hit "Miénteme una vez" de Los Vásquez. Marisol García analiza: "La educación sentimental de los latinoamericanos estaba filtrada por el bolero, y ahora por la balada, con todos sus estereotipos. Cuando un autor escribe 'no puedo vivir sin ti', está confundiendo al auditor. Porque, en el fondo, sí se puede vivir. Son esos estereotipos los que la canción romántica nunca podrá abandonar, porque si no se acabaría".

Rosita Serrano en Berlín, junto al pianista Kurt Wege y con la guitarra que lleva una dedicatoria del rey Gustavo de Suecia.

Su melodía y otra más: "Ay, ay, ay", "Vanidad", "Noche callada".
Mario Lanza, el famoso tenor y actor estadounidense de origen italiano, la cantó en 1957 en la película "Las siete colinas de Roma". No fue el único. Otros tenores europeos como Tito Schippa y Miguel Fleta, además las estrellas sudamericanas Carlos Gardel y José Razzano, y voces de internacionales como Pedro Vargas, Plácido Domingo y Julio Iglesias, cantaron esa pieza maestra de 1915 que se llama "Ay, ay, ay". "Las letras de Osmán Pérez Freire serían consideradas hoy melosas, por su candidez y dulzura. No hay duda de que esas composiciones estaban emparentadas con el período del romanticismo musical", señala Valentín Trujillo, quien aquí recorre entre el piano y su memoria el cancionero de clásicos chilenos.

Pérez Freire, muerto en Madrid en 1930 a los 49 años, es según Trujillo el primer autor de canciones románticas del siglo XX, precursor de todo un frente de compositores.

"Armando González Malbrán (1912-1950) es el capo di tutti capi . Como no se le conoce mucho, en el extranjero juran que su blue-beguine 'Vanidad' es mexicano. Claro, eso fue porque la grabó Pedro Vargas y la mostró por el mundo. Yo viví en Miami y me pasaba el tiempo diciendo que era chilena", cuenta Trujillo.
Francisco Flores del Campo escribió decenas de canciones en diversos ritmos. "Sufrir" es su bolero sanguíneo. Trujillo y Gloria Simonetti lo tocaron en su funeral en 1993 y lo grabaron en el reciente disco "Íntimo" (2011). Luis Aguirre Pinto (1907-1997) escribió otro bolero entrañable, "Un día llegarás", grabado por Arturo Gatica y el cubano Fernando Albuerne. Donato Román (1915-2004), el maestro del diminutivo bien calibrado, entregó su "Nidito de amor", que cantaron Sonia y Myriam; Luis Barragán escribió "Dudas de mí", que el portorriqueño Tito Rodríguez transformó en éxito; Vicente Bianchi (1920), que lo ha hecho todo en la música popular, compuso "Amanecer", bolero grabado por Pedro Vargas; y Jaime Atria (1919-1984), se inscribió con "Noche callada", con gran versión de los Quincheros.

"Ariel Arancibia (1925-1997) tuvo que esperar a que pasaran todos estos maestros antes de poner sus canciones en la mesa. Fue un compositor en una época de transición hacia la Nueva Ola, entonces podía escribir cosas juveniles como 'La ballena' y al mismo tiempo la mejor línea melódica para un poema de Óscar Castro, el bolero 'Para que no me olvides'", afirma Trujillo.

Entre los autores de una etapa intermedia están el músico y comediante Jorge Pedreros (1942), con la balada "Al pasar la edad"; Carlos Carrasco, uno de los Carr Twins, con el slow abolerado "Vida mía"; un injustamente opacado Orlando Salinas, con "Por que te quiero", que entregó a Los Ángeles Negros; y Nino García (1957-1998), con "Entre paréntesis". La línea autoral desemboca en Daniel Guerrero (1973), el hombre que en 2002 compuso la monumental "Mañana" para Luis Jara. Según Valentín Trujillo, "Guerrero sigue la línea de compositores como Buddy Richard y Marco Aurelio. Se centra en la melodía y no en el ritmo, como se hace ahora. Yo les digo a los autores: la melodía bonita los está esperando, no se peleen con ella. La melodía bonita es como la mamá, y con la mamá no se pelea".

Ha nacido un nuevo seductor. José Alfredo Fuentes puso la voz a la balada de fines de los 60.

Abren en Chile nueva versión del Festival del Cantar Mexicano

2012-02-10T21:54:00.000-03:00

Notimex

El encuentro musical se llevará a cabo del 10 al 12 de febrero

Santiago, 9 Feb. (Notimex).- La ciudad de Chanco, a 414 kilómetros al sur de Santiago, celebrará este fin de semana una nueva versión de su Festival del Cantar Mexicano, tradicional expresión de cariño hacia ese país, dijo hoy la alcaldesa Viviana Díaz.

"Estamos bien preparados para esta fiesta de la amistad entre chilenos y mexicanos a través de la música", declaró Díaz Meza a Notimex.

El festival, que iniciará este viernes y concluirá el próximo domingo, se desarrolla desde hace más de dos décadas en la media lunalocal, un espacio para los deportes criollos chilenos, entre ellos el rodeo, en homenaje a la cantante local Guadalupe del Carmen.

"Esta es una fiesta que ya cumple 24 años, y es esperada por toda la gente, de muchas partes, pero muy especialmente por la de Chanco. En Chile gusta mucho la música mexicana", apuntó.

Díaz Meza indicó que esperan cerca de 15 mil personas para las tres noches del encuentro, que constata el cariño y el acogimiento de la música popular mexicana en Chile, lo cual dijo la edil, "es una hermosa tradición de nuestro pueblo".

En el escenario de la medialuna de Chanco concursarán 14 intérpretes de la música tradicional mexicana, de gran popularidad en el campo chileno.

"La música mexicana -los corridos y las rancheras, en particular- es muy cercana a la sensibilidad de los chilenos, y a nuestra ciudad vienen personas de todo el país, porque realmente disfrutan de ella", agregó la alcaldesa.

El Festival del Cantar Mexicano "Guadalupe del Carmen" es el máximo encuentro de la música mexicana en Chile, país donde rancheras y corridos son considerados como propios.

"Nosotros somos chilenos, pero a México, a través de su música, lo llevamos en el corazón, así que sólo nos queda invitarles a que vengan a Chile, a que nos conozcan", dijo Díaz Meza, al enviar un saludo al pueblo mexicano.

Hoy y mañana en Lebu: Jazz contra viento y maremoto

2012-02-10T21:51:00.000-03:00

El Mercurio

Seis conciertos, dos jam sessions y 24 músicos incluye el programa del Festival de Lebu. Los frutos comienzan a mostrarse: en su octava versión se presentarán los primeros jazzistas de la zona.

IÑIGO DÍAZ
Finalizada la temporada de masivos conciertos en el Norte Chico, la mirada apunta ahora al sur, en la Región del Biobío. El Festival de Jazz de Lebu acaba de obtener un Fondo de la Música para completar el programa de su octava edición, que se realizará hoy y mañana.

Iniciado en 2005 con un presupuesto ínfimo y el apoyo de jazzistas como Cristián Cuturrufo, Jorge Díaz y Christian Gálvez, que le dieron el primer impulso, el de Lebu hoy es un referente de los festivales regionales.
"Ese año fue la primera vez que los lebulenses escucharon jazz en sus vidas. Y hoy día estamos viendo los frutos: actuarán los primeros jazzistas de la zona", dice Fulvio Casanova, organizador de un encuentro que tuvo que enfrentarse primero a las inclemencias del frío y el viento, y luego a un maremoto que borró del mapa al navegable río Leufú y lo convirtió en un riachuelo.

El primero de estos músicos es el pianista de Lebu Robinson Ibaca (23). Se unirá al cuarteto del saxofonista Cristián Gallardo, quien lleva el repertorio de sus dos discos, "Sin permiso" (2011) y "Puro jugo" (2012). El segundo es el trompetista de Cañete Alejandro Pino (21), alumno de Sebastián Jordán, y quien tocará en el quinteto latin jazz del pianista Mauricio Farfán.

"Ellos eran cabros cuando comenzaron los festivales al aire libre en el Parque Costanera. Iban a las pruebas de sonido y se aparecían en las jam sessions por las noches. El resultado de esa experiencia está aquí y ahora", apunta Casanova.

El festival tiene entrada liberada y se realiza en el Salón Walter Ramírez, con capacidad para 350 personas. Además de los músicos nacionales (ver programa), mañana actúa el pianista neoyorquino Joel Holmes (29), con un trío post bop formado por los chilenos Eduardo Peña (contrabajo) y Carlos Cortés (batería). El sábado se presenta el saxofonista tenor brasileño, nativo de Niteroi, Marcelo Martins (42), quien cuenta con colaboraciones con Gilberto Gil, Djavan y Ed Motta.

El único concierto vocal del programa estará a cargo de Rossana Saavedra, junto al trío de clubes que está liderando en Santiago desde 2010: Mauricio Alvarado (guitarra), Milton Russell (contrabajo) y Julio Denis (batería). Después de los programas oficiales en el Salón Walter Ramírez, se realizarán jam sessions hasta la madrugada en el bar Romago, punto central de la bohemia lebulense.
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VER Y ESCUCHAR
Viernes 10
-Cristián Gallardo Cuarteto
-Franz Mesko Cuarteto
-Joel Holmes Trío
Sábado 11
-Marcelo Martins Cuarteto
-Rossana Saavedra
-Mauricio Farfán Quinteto

El sabor de la salsa en Chile

2012-02-10T21:49:00.000-03:00

Wiken

Estilo subterráneo durante casi tres décadas, la salsa chilena vivió un renacimiento cuando Marc Anthony agotó tres shows consecutivos en 2008. Entonces, estrellas salseras comenzaron a visitar el país. Ahora que el cantante neoyorquino regresa a Chile, quisimos saber en qué está el género. Del disco debut de Santiago All Stars, elegido entre los mejores a nivel mundial en 2011, al desembarco de la salsa romántica, en esta degustación de tres sabores.

Por Marcelo Ibáñez Campos

DUROS VERSUS ROMÁNTICOS.
Sucedió el año recién pasado durante un recital de Frankie Vásquez en el Klub Mangosta, uno de los clubes de salsa más concurridos de Santiago hoy en día, junto al Mi Gente en Recoleta y al histórico Maestra Vida en Bellavista. Frankie, un famoso intérprete portorriqueño de salsa clásica o "dura", como se conoce al sonido setentero tipo Rubén Blades o Willie Colón, recibe una polera del público que dice "No a la salsa monga".

Salsa monga. También conocida como "salsa rosa", "salsa erótica", "de cama", o directamente, "salsa calzón". La forma que usan los fanáticos de la salsa clásica para referirse a la romántica. A esa salsa popular que interpretan músicos como Marc Anthony o Maelo Ruiz, tratando de dejar en claro una especie de jerarquía entre ambas.

Entonces Frankie, un duro de Nueva York que también ha grabado discos románticos, sólo sonrió y aceptó el regalo casi por compromiso.

"Son términos para designar despectivamente a la salsa romántica, donde a veces hay letras muy melosas o casi de culebrón erótico", explica Pablo Dintrans, conductor de Estación Aeropuerto, el programa radial del género que ya lleva once años al aire en radio Universidad de Chile. "El público de la salsa clásica, una que habla de América Latina, del barrio, que realiza retratos sociales y conecta con el realismo mágico, no la respeta".

Músicos latinos que se ganaban la vida tocando en bandas de jazz, y aprovechaban los intermedios para hacer sus "descargas", especies de jamm sessions que dieron origen a la salsa. Trombones hirientes como el ruido de los barrios bajos que la vieron nacer. Letras que retrataban la vida de inmigrantes cubanos y portorriqueños que llegaban a Nueva York; unos huyendo de la revolución, otros aprovechando las ventajas de ser un estado anexado a Estados Unidos. Así nació la salsa, una mezcla de ritmos afrocaribeños como el guaguanco cubano y la bomba y la plena de Puerto Rico con las armonías del jazz, que se convirtió en el sonido de buena parte de N.Y. en los 70. Hasta que llegó la fiebre disco y los álbumes de salsa se dejaron de vender.

"El gran arquitecto de la salsa romántica es Louie Ramírez, un percusionista y vibrafonista de N.Y. Cuando la salsa dura decae, Ramírez empieza a hacer versiones de canciones de Manuel Alejandro y otros hits de pop romántico de la época. Hasta entonces la salsa no había sido capaz de atrapar eso que tenía el bolero: historias de amor y desgarro y un público femenino mucho más amplio", explica Dintrans. "Fue un batatazo. Ahí comenzó una vorágine de versiones salseras de temas románticos, que acercaron la salsa a otros países latinos".

Una vorágine que sigue hasta hoy y que tiene en Marc Anthony a su mejor representante, y que en Chile sigue siendo un estilo en deuda: de la decena de bandas que giran en el circuito salsero, sólo una cultiva la salsa romántica. El estilo más popular entre el público que repleta las salsotecas de jueves a sábado.
"Personalmente no desprecio a la salsa monga, pero varios de los músicos de mi orquesta, sí", dice Jorge Hasbún, percusionista de los pioneros Santiago All Stars. "Sus arreglos son mucho más sencillos, cuesta mucho menos interpretarlos, la verdad. Pero hay temas de la salsa sensual que son maravillosos".

"Esa distinción la hacen sólo en Chile y la hacen los músicos", dice Juan Rivadeneira, vocalista y director de Negrosón, la única banda chilena que cultiva la salsa romántica. "No tiene ningún sentido. En el extranjero eso no existe, los salseros duros tocan con salseros románticos y no hay problemas".

Quizás se deba a los orígenes de la salsa en Chile, un ritmo que llegó en los 80 de la mano -principalmente- de connacionales que volvieron del exilio en países caribeños, cargados de vinilos salseros bajo los brazos. El público más duro hasta hoy. Lo seguro es que actualmente la salsa romántica es el estilo de salsa que se oye y se baila, más masivamente. Prueba de ello es Marc Anthony -que agota entradas cada vez que viene al país- y la silenciosa irrupción de Maelo Ruiz.

"La salsa en Chile siempre fue de un grupo pequeño de melómanos que se dedicaba a estudiarla y que por eso se enfocaban en la salsa dura", dice Juan Rivadeneira. "Ahora se está volviendo más popular gracias a la salsa romántica. Eso hizo Marc Anthony y eso hace Maelo Ruiz, que aunque apenas suena en la radio, ya ha tocado cinco veces en Chile y repletó el Caupolicán. De hecho, llevó el doble de gente que un monstruo de la salsa dura como Willie Colón. En los barrios suena mucho Maelo Ruiz y ni él sabe bien cómo lo logró", dice Rivadeneira, quien con su banda Negrosón ha acompañado al cantante neoyorquino. "En Chile, su salsa se está escuchando al nivel de popularidad de la bachata de Aventura".

LA SALSA CHILENA SALE AL MUNDO.
Las dos revistas más importantes de salsa a nivel mundial lo dijeron casi al unísono, a finales del año pasado: "Joya y Rareza" es sin duda uno de los mejores lanzamientos de salsa auténtica que hemos oído en el último tiempo. Por ello, rápidamente se alzó hasta la cima de nuestra selecta lista de lo Mejor de 2011. El álbum es el sueño de los bailarines de salsa hecho disco".

Eso escribió Descarga, la revista neoyorkina más importante del género, sobre el disco debut de los Santiago All Stars, banda nacional que este año cumple una década. Y algo similar repitió al otro lado de EE.UU., en Los Angeles, la revista Latin Beat Magazine. "La Rolling Stone del mundo de la salsa", como explica Pablo Dintrans.

"La nota llamó la atención mundialmente porque la revista es muy respetada. No cualquiera sale en ella, mucho menos en su portada", dice Jorge Hasbún, percusionista, productor y fundador de la banda, junto al reconocido trombonista Héctor "Parquímetro" Briceño.

El grupo Santiago All Stars ostenta varios récords. Fue el primer grupo de salsa compuesto íntegramente por músicos chilenos, la única banda nacional en aparecer en la portada de Latin Beat Magazine -en octubre de 2010, cuando se preparaba a grabar su aclamado debut-, una de las primeras en convencer a las salsotecas santiaguinas que tener una banda en vivo era buen negocio, y la única en grabar un disco reconocido a nivel mundial. Y qué disco.

"Nuestros primeros cinco años fue mucho de forjar un circuito, de plantar el bichito en los jóvenes músicos que hoy forman las orquestas chilenas de salsa. Casi todos ellos nos iban a ver tocar a nosotros", dice Jorge Hasbún. "De eso nos sentimos muy orgullosos. Nos sentimos muy complacidos de lo que hay hoy en día, donde cada fin de semana tocan al menos tres bandas de salsa en vivo en Santiago".

"Joya y Rareza" le hace pleno honor a su título. Es una joya que se reconoce a la primera oída gracias a la calidad de sus músicos -todos mayores de 40 años y con una experiencia desbordante-, los arreglos de dos connotados salseros -el productor del disco Ricky González, pianista de Marc Anthony y Willie Colón, además de Ángel Fernández, trompetista y director de la orquesta de Marc Anthony y Ray Barreto- y el trabajo de Jon Fausty, el ingeniero que durante 40 años definió el sonido de la salsa con su trabajo en el histórico sello Fania. Sí, el mismo que grabó a "Pedro Navaja", entre tantos otros.

El disco también es una rareza no sólo por ese nivel de colaboradores, que se completa con las voces de cantantes salseros clásicos como Frankie Vásquez y Jimmy Sabater, todos contactos logrados por Hasbún en congresos y shows de salsa en Nueva York, Los Angeles, Miami y Puerto Rico, a los que asistió como fan. "Grabaron para darnos una mano, los honorarios fueron prácticamente de amistad", aclara. El disco es también una rareza por sus estupendas versiones de temas como "Baño de mar a medianoche" y "Si me vas a abandonar". Dos elegantes temas que hacen que Cecilia y Buddy Richard, respectivamente, suenen como crooners tropicales de toda la vida. Joyas tan extrañas como saber que gracias a este disco, y sobre todo al temazo "Sabroso Guaguanco", la banda suena en los primeros lugares de radios salseras de Texas, L. A., Suiza, España, Alemania, Francia y Colombia.

"Es un buen momento. Y aunque la banda nunca se ha puesto metas muy específicas, pienso que con la respuesta que ha tenido el disco y la red de contactos que he ido generando durante todos estos años de melómano, el siguiente paso sería realizar una gira internacional", dice Hasbún. "Ya hay conversaciones para ir a varios países de Europa, Puerto Rico y Colombia. Lo veo bastante posible".

LO QUE VIENE: NEGROSÓN.
Es viernes por la noche, y las mesas de Mi Gente -un amplio club de salsa frente al Cementerio General- están repletas por un público formado, en su mayoría, por universitarios y profesionales jóvenes. Pero la pista de baile sigue vacía, a la espera que el animador dé paso al show de la Negrosón.

Cuando la Negrosón comienza a sonar, al instante uno comprende por qué sus bronces han tocado con bandas como Américo y sus percusionistas han acompañado a otros como La Noche. La banda suena muy bien. Y la pista se repleta de parejas que no volverán a sus mesas durante una hora. El tiempo en que la banda interpretará, uno tras otro y sin pausa, clásicos de salsa dura, cumbia, merengue y, sobre todo, salsa romántica. Porque lo de la Negrosón es la "salsa monga". Pero por sobre todo, lo suyo es la versatilidad.
"En Santiago hay muchas orquestas de salsa dura. Y esa salsa nos gusta harto, pero su público es muy limitado. Esta orquesta se formó para tocar lo que la gente quiere escuchar, lo que más disfruta. Y a la gente le gusta la variedad, que es lo que sucede en las salsotecas donde se mezcla todo", dice como declaración de principios Juan Rivadeneira, fundador, director, vocalista y compositor de la banda.

Es esa variedad estilística la que esperan plasmar en "A mi Gente", su disco debut que lanzarán este año. "A mí me gustan todos los estilos. Yo quiero que la gente lo pase bien, enfocarme en lo que nadie hace en Chile por prejuicio: la salsa romántica. Si hacemos un par de salsas duras en el disco, es para demostrarles a los que nos catalogan de "salsa monga" -por ser la banda que acompaña a Maelo Ruiz cada vez que viene al país- que podemos hacerlo muy bien. Si la salsa se va a popularizar definitivamente en Chile, va a ser gracias a la salsa romántica. El resto son tonteras".

3 CLÁSICOS DE SALSA ROMÁNTICA
1. Lalo Rodríguez con "Devórame otra vez". Un clásico que seguro ya escuchó.
2. "Todo se derrumbó" y "Estar enamorado", cantados por el salsero Ray De la Paz. Dos versiones que dieron origen a la salsa romántica.
3. "Hasta que te conocí" y "Vivir lo nuestro", de Marc Anthony. Dos éxitos que provocan chillidos de decibeles peligrosos.

Guía de los principales conciertos para la primera parte del año

2012-02-10T21:41:00.000-03:00

La Tercera

Desde Marc Anthony hasta Roger Waters, los seguidores de distintos géneros musicales podrán disfrutar de una amplia variedad de recitales durante el primer semestre de 2012.

Tras un 2011 que contó con presentaciones de artistas de la talla de Paul McCartney y U2, este año llega con una amplia oferta musical, para los admiradores de distintos géneros musicales, pasando por el metal, el pop, y el rock, además de la música electrónica y latina.

Ya para el primer semestre, hay varias fechas confirmadas y entradas tanto agotadas como disponibles, mientras que para la segunda mitad del año se esperan los potenciales espectáculos que podrían traer Madonna y Lady Gaga con sus próximas giras, cuyas primeras fechas ya están programadas.

Febrero comienza con los conciertos románticos característicos del día 14. Pablo Herrera y Alberto Plaza compartirán el escenario del Teatro Oriente, para interpretar sus ya clásicos éxitos. Las entradas para este espectáculo se encuentra en venta a través de Puntoticket.

El mismo día, el trio Natalino se presentará a partir de las 21.30 horas en el Espacio Circus del casino Enjoy de Santiago. Las entradas para ir a ver a los intérpretes de Desde que te vi también se pueden adquirir en Puntoticket, y los valores varían entre los $18.000 y los $30.000.

También en el Enjoy Santiago se presentarán Los Jaivas, el 23 de febrero, en un recital lleno de sus himnos, donde darán cuenta de su trayectoria musical.

Marc Anthony aprovecha su paso por el Festival de Viña del Mar, agendando dos otros conciertos en el país. El primero, para el 24 de febrero en el Estadio CAP de Talcahuano, y el segundo el día 25 sobre el escenario del Movistar Arena. Otro que aprovecha su paso por el certamen viñamarino para presentarse en Santiago es el británico Morrissey, quien estará en el Movistar Arena el 26 de febrero, para deleitar a su fanaticada con sus clásicas canciones.

Salvatore Adamo, que también se presenta en Viña, estará en el centro de eventos Suractivo de Concepción. Las entradas, cuyo valor varía entre los $13.200 y $66.000, se pueden comprar en Punto Ticket.

Cambiando al género House, el día 25 de febrero, Bob Sinclair, el artista tras hits como World hold on y Rock this party, se presenta en el playa de Ritoque. Las entradas se encuentran disponibles mediante el sistema Ticketmaster, y sin recargo en tiendas Pez.

El mes termina con Soulfly, el grupo de Max Cavalera, que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 28 de febrero a las 21.00 horas.

Entre los conciertos más esperados del año, se encuentran los que Roger Waters ofrecerá los días 2 y 3 de marzo, en el marco de su gira The Wall Live. El ex bajista de Pink Floyd trae su espectáculo más ambicioso hasta el momento, que comenzó hace casi dos años en Canadá.

El día 3 de marzo será el turno de Prince Royce, el cantante de bachata invitado al Festival de Viña del Mar. El intérprete de Corazón sin cara se subirá al escenario del Movistar Arena a las 21.00 horas.

El 15 de marzo, en tanto, el ícono del soul, Joe Cocker se presentará en el Movistar Arena. Para adquirir entradas para el concierto del "discípulo verdadero" de Ray Charles, se puede ingresar al sitio web de Feriamix, o llamar al 592 85 00.

El crooner canadiense, Michael Bublé, llega para reunirse con sus admiradores chilenos con dos conciertos, programados para los días 17 y 18 de marzo. El éxito del intérprete de Everything es tal, que la segunda fecha debió ser agendada luego que las entradas para la primera se agotaran en 72 horas.

Para el 23 de marzo a las 21.00 horas, en el Movistar Arena, está programado el concierto de Creedence Clearwater Revisited. Los artistas, que llevan dos años de gira, se preparan para interpretar ante el público nacional sus éxitos como Proud Mary y Midnight Special.

El metal hace su aparición con Opeth, que se presenta el 28 de marzo a partir de las 21.00 horas en el Teatro Caupolicán. Pese a que en diciembre pasado se agotaron las entradas disponibles en preventa, las restantes se pueden comprar mediante el Sistema Ticketmaster.

Abril comienza con un concierto de Kusturika and the No Smoking Band, que se presentará el día 3 sobre el escenario del Teatro Caupolicán. Las entradas, que se venden mediante el sistema Ticketmaster, tienen un valor que varía entre los $15.000 y los $50.000.

Ricardo Arjona sabe que en Chile tiene un público cautivo, por lo que programó tres conciertos en el Movistar Arena, que tendrán lugar los días 19, 20 y 21 de abril. Las entradas se venden en Puntoticket con descuento para clientes del Banco de Chile.

Tras su presentación en Lollapalooza 2011, James regresa a Chile para presentarse por primera vez en solitario, el sábado 28 de abril, a partir de las 21.00 horas en el Teatro Caupolicán. El grupo que lidera Tim Booth hará un recorrido por su decena de discos, y aprovechará de presentar sus temas más recientes.

Después de su éxito en el Festival Verano de Iquique, Demi Lovato regresa a Chile en abril, para presentarse el día 24 sobre el escenario del Movistar Arena. Así, pone fin a una espera de casi dos años del público santiaguino, que debió resignarse a no verla luego que, cuando se iba a presentar con el elenco de Camp Rock 2, tuviera que abandonar la gira para internarse por problemas físicos y psicológicos.

Vicentico regresa a Chile en mayo, para presentarse los días 11 y 12 en el Teatro Caupolicán. Las entradas para el concierto del ex Cadillacs se pueden adquirir en Ticketmaster, en valores que van de los $10.000 a los $40.000.

En mayo también hará su arribo al país el grupo The Kooks, para presentar su álbum más reciente, Junk of the heart, con un recital programado para el 17 de mayo en el Club Chocolate.

El mismo día, se presenta en el Teatro Caupolicán Mogwai, banda que ya agotó la preventa de entradas para su concierto, en el que deleitarán a sus admiradores con sus conocidos temas, y aprovecharán de presentar la música de su último trabajo discográfico, Hardcore will never die, but you will.

Jorge Campos de Fulano: "Tengo a Spinetta incorporado dentro de mi genética musical"

2012-02-09T23:13:00.000-03:00

La Tercera

El ex bajista de Congreso recuerda cuando conoció al músico recién fallecido en 1987 y cuenta cómo su propia carrera musical se vio influenciada por el argentino.
por Carolina Cerda Maira

El bajista de Fulano, Jorge Campos, no oculta su admiración hacia Luis Alberto Spinetta, el influyente rockero argentino que acaba de morir víctima del cáncer de pulmón. "A mí siempre me identificó mucho la estética que tenía: actitud rock con buena poesía, con lírica profunda, un tanto críptica a veces muy en el mundo personal de él, pero misteriosa. Ese es un secreto súper grande que se lleva él, hacer una música con misterio", dice el músico.

Una admiración que incluso lo llevó a acercarse al argentino en la primera visita al país del ex Almendra y Pescado Rabioso. "Tuve la oportunidad de compartir con él la primera vez que vino a Chile él, cuando en 1987 vino a tocar cinco días al Café del cerro. El primer día no me acerqué mucho: ví el ensayo, ví el concierto. Creo que fui a los cinco conciertos que dio", recuerda entre risas.

"Me acuerdo que le regalé el primer cassete de Fulano, en ésa época era cassette, y le dije 'Nosotros estamos trabajando hace poco este proyecto y es bien diferente de lo que se hace acá, así que me gustaría regalartelo'. Él lo tomó y me dijo una sola palabra: "Avanti, flaco, avanti. En el fondo, me dijo 'Si estás haciendo una cuestión rara sigue para adelante, no más'. Fue muy bonito lo que me dijo, eso de insistir y ser muy tenaz y persistente si no se está haciendo algo popular", dice Campos.

Y a pesar de que el bajista nacional recuerda que "con los años se fue haciendo famoso y era complicado acercarse", encontró una manera de mantener cierto grado de contacto. "Tenía una relación de mandarle saludos a través de Elmiro Molinari, el guitarrista de Almendra, porque trabajé con él y tenía mucha onda con el Flaco, habían sido compañeros de colegio y me contaba muchas anécdotas de Spinetta. Elmiro le mandaba mis recados y él mandaba buena onda, pero no era algo como que se acordara (del encuentro en 1987). No me consta que él haya escuchado el disco o que haya tenido alguna onda con Fulano", comenta.

Para Campos, hay un legado súper grande de Spinetta "que ojalá siga siga proyectándose y publicándose. Me parece que, si no es el más importante rockero de habla hispana, debe estar entre los mejores", asegura.

De hecho, el músico lo considera, de todas maneras, una influencia musical. "Charly y Spinetta son como los referentes de los buenos rockeros en español, son súper importantes. Y, Spinetta en especial por buscar una estética que tiene que ver con profundizar, buscar buenas ideas, decir cosas interesantes y eso va acompañado de un desarrollo armónico, de una buena línea melódica, de armonías más entretenidas y no del típico punchi punchi del pop tradicional".

Campos continúa: "Yo, personalmente, creo que en la música que he hecho con Fulano y como solista, en algunas canciones hay mucha onda de Spinetta, hay hartas influencias incluso en ciertas ondas para cantar. Lo tengo incorporado dentro de mi genética musical", dice cion convicción y agrega: "Es lamentable que se haya ido, pero en la música igual está esa magia de la permanencia de la palabra y de la voz, especialmente en los que cantan".

Gran concierto este jueves 9 en Casa Michoacán (tango y música de latinoamerica)

2012-02-07T21:19:00.000-03:00

La Casa Michoacán fue la residencia de Neruda y Delia Del Carril(La Hormiguita). Hoy es una casa museo que tiene un hermoso anfiteatro que el mismo Neruda encargó construir.

A contar de este y todos los jueves de febrero y marzo se realizará un ciclo de conciertos solidarios para revitalizar este bello lugar.

La inauguración estará a cargo del gran Max Berrú, fundador de Int-illimani, quien por la importancia de esta primera fecha, quiso hacerlo de una manera especial y consiguió la participación, directamente desde argentina, de la pianista, cantante y compositora de tangos Claudia Levy.

Claudia Levy pertenece a una nueva generación de creadores donde destacan la visión femenina de sus letras. Se ha presentado en Uruguay, España, Alemania y Finlandia.

No falten y difundan entre quienes gusten de la música de nuestra América.

Jueves 9 de febrero a las 21:00
Casa Michoacán. Lynch Norte #164, La Reina (Metro Plaza Egaña)

Adhesión $6.000

Los chilenos son los que menos venden en Viña

2012-02-07T09:13:00.000-03:00

El Mercurio

Luis Miguel agotó sus tickets, y Morrissey, Camila y Marc Anthony le siguen los pasos.

MACARENA CASANOVA
En menos de cuatro horas, el cantante mexicano Luis Miguel agotó todas las entradas para el primer día del Festival de Viña. Pero desde el 22 de diciembre, fecha en que se anunció la mayoría de los artistas del certamen, el ritmo de las ventas no sigue igual.

La Quinta Vergara cuenta con un espacio disponible para 14.800 personas y, si bien faltan humoristas por confirmar, en Chilevisión admiten que con los últimos anuncios -como el caso de la figura anglo del evento, Morrissey- se reactivó la venta de entradas. De hecho, el fin de semana del 20 y 21 de enero, cuando aún se especulaba la presencia del británico, se vendieron dos mil tickets.

Hasta el momento, el día con menos venta es el de los chilenos. El sábado 25, que se presentan Los Bunkers y Manuel García, queda cerca del 50% de las entradas para todas las ubicaciones.

Con el anuncio de Morrissey para el viernes 24, las entradas para la galería se agotaron y sólo quedan 70 ubicaciones distribuidas en la platea y el palco, con un valor que oscila entre $46.700 y $169.800.
Algo parecido pasa con el jueves 23, cuando se presentan el trío mexicano Camila y el salsero Marc Anthony, que está vendido el 98% y no quedan entradas para la galería.

Para el domingo 26, cuando están el puertorriqueño Luis Fonsi y el norteamericano Prince Royce, hay mil tickets disponibles en las ubicaciones más caras.

El cierre del certamen viñamarino es el lunes 27 y se presentan el baladista español José Luis Perales y el dominicano Juan Luis Guerra. Para ese día sólo quedan un 30% de las entradas, correspondientes a cuatro mil tickets, en todas las ubicaciones de la Quinta Vergara.

Así, a tres semanas del comienzo del certamen, la organización hace un balance positivo y dicen que la venta de entradas corresponde a la lógica de todos los años: lo primero en agotarse es la galería.

La vigencia de Juan Orrego-Salas: a sus 93 años, lanza disco y nuevo libro

2012-02-05T18:30:00.004-03:00

El Mercurio

El Premio Nacional de Música 1992 está contento. Por primera vez se publica un CD monográfico de su obra sinfónica, y en marzo lanzará un volumen con recuerdos, apreciaciones y fantasías. Además de hablar de las deudas pendientes de la música chilena, revela que siempre está tratando de componer. "Ideas musicales no me faltan, las tengo adentro. A veces sueño con ellas. Y creo que voy a componer otra obra más, pero hasta el momento no me ha resultado".

Romina de la Sotta Donoso

El 18 de enero, Juan Orrego-Salas cumplió 93 años. Lo celebró en Estados Unidos, país donde está radicado desde 1961 y donde hizo la segunda mitad de su larga y fructífera carrera. Como regalo de cumpleaños, la Academia Chilena de Bellas Artes y el sello SVR acaban de lanzar un CD doble dedicado a su creación sinfónica. Reúne seis grabaciones históricas realizadas entre 1952 y 1967, cuatro de ellas en los santiaguinos teatros Municipal y Astor; y dos en Estados Unidos.

"Estoy muy agradecido por este CD. Son seis obras sinfónicas que escribí entre 1948 y 1966 y que se conservan en el Archivo Sonoro del departamento de Música de la Universidad de Chile", comenta al teléfono Juan Orrego-Salas desde Bloomington, Indiana.

Premio Nacional de Música 1992, Orrego Salas es uno de los fundadores de la institucionalidad musical en Chile. A los cinco años, Orrego-Salas escucha, en concierto, a Claudio Arrau interpretando "El clave bien temperado" de Bach. Era 1924. Empieza a estudiar piano, y después sigue con composición con Pedro Humberto Allende y Domingo Santa-Cruz, en el Conservatorio. En 1944, la Fundación Rockefeller lo beca para seguir formándose en Estados Unidos, donde se convierte en alumno de Randall Thompson y Aaron Copland. Al año siguiente, estrena su primera obra en Norteamérica, cuando en Chile sólo se habían estrenado dos de sus partituras. Además de profesor del Conservatorio, fue director del Instituto de Extensión Musical de la U. de Chile, y fundó y dirigió en 1959 el departamento de Música de la Universidad Católica.

"No me quejo. Logré vivir de la música, a pesar de que estudié arquitectura, porque cuando salí del colegio me dijeron: 'bueno, ¿qué carrera vas a seguir?'. Yo respondí: 'pero si ya tengo una carrera que es la música'. Los abuelos, los padres, todos me dijeron lo mismo: 'No, no, no. Es muy linda la música, pero no te vas poder costear la vida'. Así que estudié arquitectura y me recibí. Pero sólo trabajé medio año como arquitecto, porque a esas alturas ya había empezado a ganarme la vida con la música", recuerda.

-Entre la investigación, la docencia y la composición, ¿qué ha sido más gratificante?
"Creo que la composición, porque es expresar lo que llevo adentro. La investigación, que es descubrir lo que viene de afuera hacia adentro, no ha dejado de interesarme nunca. Tampoco la docencia, pues los alumnos me han enseñado mucho".

-El entender la composición como una forma de expresarse, ¿se relaciona con el espíritu melódico que siempre ha tenido su obra y con el hecho de que usted nunca haya adherido a las fórmulas vanguardistas?
"También yo siento que existe un espíritu melódico. Pero no me gusta clasificar algo de vanguardista o no. Dentro de las tradiciones que he seguido, espero ser un vanguardista en el sentido de estar diciendo cosas originales".

La otra deuda externa

Uno de los mayores aportes internacionales de Orrego-Salas es la fundación, en 1961, del Latin American Music Center (LAMC) de la Universidad de Indiana, que hoy constituye el mayor registro musical de la región.

"El señor Jack Harrison, representante de la Rockefeller Foundation fue a Chile, el año 60, a consultarme si me interesaría ser director de un centro de esta especie. Le dije que sí y le pregunté dónde querían establecer este centro. Me respondió que en Washington, como parte de la OEA. Ahí le dije yo: 'en eso sí que no estoy de acuerdo; la OEA es una institución política y esto debe estar encarnado en una institución educacional. Si es posible, en una universidad a la que le interese ampliamente la música'".

-¿Qué sucedió entonces?
"Me encontró toda la razón. 'Voy a regresar a Estados Unidos y plantearle su criterio a la Fundación Rockefeller', me dijo. No se demoró 24 horas en llamarme para decirme que la Rockefeller había encontrado cuerdo mi pensamiento y que iban a hacer una investigación para ver cuáles universidades norteamericanas se interesaban. Una semana después, supe que una de las cinco excelentes universidades que habían seleccionado tenía un decano muy emprendedor que estaba interesado en que yo combinara la dirección de este centro con la enseñanza de composición. Y ésta fue la Universidad de Indiana".

Orrego-Salas dirigió hasta su jubilación, en 1987, el LAMC. Su objetivo, dice, era "promover el estudio y difusión de la música de Latinoamérica. Esta tarea se cumplió reuniendo una biblioteca que ha sido considerada la mayor existente en su especialidad, preparando a once graduados en musicología en sus tesis de maestría y memorias doctorales, centradas en la música de estos países, y difundiendo el conocimiento general de ésta en cursos, seminarios, conciertos y festivales".

-¿Ha aumentado o disminuido la presencia de la música clásica latinoamericana en el mundo en las últimas tres o cuatro décadas?
"Antes se tocaba mucha más música latinoamericana que ahora, especialmente lo que se refiere a la programación de los compositores jóvenes".

-¿Podría tener responsabilidad en ello el LAMC?
"Creo que ha dependido en gran parte de la debilitación de las relaciones institucionales e individuales entre el Latin American Music Center y otras entidades de esta categoría en Latinoamérica, así como su relación con los compositores e investigadores. En el período inicial del LAMC, yo hice un gran esfuerzo en establecer contactos con todas las organizaciones musicales de Latinoamérica. Y eso fue muy útil, porque organizaciones del Instituto de Altos Estudios Musicales y Editorial Argentina de Música de Buenos Aires, del Ministerio de Relaciones Exteriores del Brasil, del Instituto de Extensión Musical de la Universidad de Chile, del Instituto de Relaciones Culturales de la Universidad de Oriente de Cuba, de Ediciones Mexicanas de Música y de la Unión Panamericana de Washington empezaron a proveer al centro de materiales de investigación, partituras, manuscritos, libros. Y eso generó una magnífica biblioteca. También los compositores estaban interesadísimos en enviar obras a la biblioteca del LAMC. Por ejemplo, así llegó toda la colección de obras de Alberto Ginastera. A esto se agregaron varias giras, visitas e intercambios de músicos entre Estados Unidos y los países de Latinoamérica. Esta corriente se ha debilitado, y no costaría nada revivirla. Lamento que un aspecto tan fundamental como es el conocimiento y la difusión de las obras más recientes, no haya seguido atendiéndose con la misma intensidad".

-Al abandonar la difusión de la creación actual, ¿el LAMC se está convirtiendo más en un registro que en un promotor?
"Puede interpretarse como usted lo dice".

Vigencia en su patria
Orrego-Salas ejerció, además, la crítica musical en "El Mercurio" entre 1950 y 1961. "Conservo en mi memoria esos más de diez años de servicio como los de una tarea que me procuró múltiples satisfacciones y a la vez la decepción de haber herido con mi juicio a un colega; a lo que este oficio me obligaba si mi sincera opinión así lo establecía", confiesa.

-¿A quién hirió usted?
"Me dolió mucho no estar de acuerdo con qué representaba Enrique Soro en la música chilena: una posición que ya era del pasado. Lo dije en alguna oportunidad, y creo que me dolió a mí más que a él".

-¿Se arrepintió de haberlo dicho?
"No. Nunca me arrepentí de lo que había dicho, sino que de haber herido a alguien. Por ejemplo, cuando hacía comentarios de la ópera nacional, haber dicho que un tenor no era para representar el papel que había interpretado. Sin embargo, creo que los juicios de un crítico son siempre válidos. A pesar de que hieran".
Difícilmente podría decirse, en el caso de Orrego-Salas, que él ha recibido el "pago de Chile". Su obra se sigue programando en su patria, y un rol esencial ha jugado la Orquesta Sinfónica de Chile. En octubre de 2009, dirigida por Francisco Rettig, estrenó mundialmente su Sinfonía N° 6 "Semper reditus"(1996), como homenaje a sus 90 años. En julio del año siguiente, esta vez conducida por Maximiano Valdés, presentó su Concierto para violín (c.1980).

Tampoco la Universidad Católica lo ha olvidado. En el XVII Festival de Música Contemporánea UC, en 2007, se estrenó la última composición del Premio Nacional, "Estancias del Recuerdo", Op. 126, encargo del premio Charles Ives del Instituto Chileno-Norteamericano de Cultura.

"Desde entonces sólo he escrito dos libros, una especie de autobiografía, 'Encuentros, visiones y repasos'(2005, Ediciones UC) y el otro que está por salir 'Testimonio y fantasías: improvisaciones en mi computador'", revela.

-¿De qué se trata este libro?
"Representa una cantidad de pensamientos míos sobre una cantidad de cosas, no sólo sobre música. También es lo que pienso sobre política y existencialismo (ríe)... Son capítulos breves. Hay muchas fantasías; por ejemplo, yo me reúno y converso con Beethoven. Y cosas por el estilo".

La periodista Vivian Lavín, editora del volumen aclara que "la rigurosidad y la memoria de don Juan son fantásticas; describe a la perfección y con una aproximación emotiva, acontecimientos de su infancia, y encuentros con grandes figuras de la música. Es bien emocionante. No es para nada una despedida; su pluma es muy fresca y culta, tiene vuelo literario". El libro será publicado, en marzo, por Ediciones Radio Universidad de Chile en coedición con la Facultad de Arte de la U. de Chile y Liberalia Ediciones. Tendrá 300 páginas y un costo inferior a los $20 mil.

-Don Juan, al hacer un balance de su carrera, ¿tiene dudas sobre si fue la mejor opción radicarse en Estados Unidos y no volver a Chile?
"Tengo más curiosidad que dudas. La única manera de haberme quedado en Chile en el año 60 hubiera significado evitar que se fundara un centro como el Latin American Music Center. Yo sabía entonces que, si aceptaba, era por un tiempo muy largo".

-¿Piensa volver a Chile?
"Lo pienso todo el tiempo".

-¿Echa de menos?
"Mucho. Pero me es muy difícil viajar ahora, por la edad. Los aviones, uy, me cansan terriblemente".

-Y ahora que terminó sus dos libros, ¿volverá a componer?
"Ayayay. Difícil lo que me pregunta, Romina. Yo quisiera seguir activo, pero hay algo que el cuerpo no lo acepta. Pero siempre estoy tratando. Siempre. Ideas musicales no me faltan, las tengo adentro. A veces sueño con ellas. Y creo que voy a componer otra obra más, pero hasta el momento no me ha resultado".

-Allá cerca tiene el ejemplo de Elliot Carter, que sigue componiendo...
"¡Y tiene 103 años! Somos muy amigos; es una persona sencilla, simpática, muy buen compañero y muy buen compositor".

-¿Debemos esperar su Opus 127?
"Espérelo. Aunque eso me compromete un poco".

"Testimonio y fantasías: improvisaciones en mi computador", fragmentos del nuevo libro del compositor

"Leer lo expresado por Stravinsky en su autobiografía, que lo vivido 'eran memorias y no necesariamente verdades', me alivianó la tarea de escribrir estas líneas, el aceptar las muchas dudas que me producía el no recordar con absoluta transparencia ciertos momentos de mi vida y me facilitó escudriñar hasta los rincones más remotos de mis recuerdos, sin ser perturbado por ese otro ser, que al decir de Juan Ramón Jiménez 'camina junto a nosotros, calla cuando hablo y se pasea por donde no estoy; aquel que se mantendrá en pie cuando yo muera'".

"Lo he escrito para expresarme y ojalá entretener. Me he permitido la espontaneidad del instante, sin presunción. Estoy seguro de que en algún rincón de mi memoria o de mi imaginación, todo esto me estaba esperando; mis inquietudes sobre la política vigente, la historia y las ciencias, mis 'Fantasías' sobre los escapes hacia el pasado para conversar con Bach, Mozart, Beethoven, El Greco, Monet, Jules Verne y con mi abuelo Ricardo Salas".

"De esto proceden los 'Testimonios y Fantasías; improvisaciones en mi computador', las misceláneas que me han hecho navegar de la verdad a la falacia, de la realidad a la fábula, motivado por mi larga relación no sólo con la música, sino con el arte, la literatura, la política y la enseñanza".

Grabaciones históricas del nuevo CD
"Juan Orrego-Salas. Obras sinfónicas" (www.svrproducciones.cl, $10 mil) es el segundo volumen de la Colección Compositores Chilenos de la Academia Chilena de Bellas Artes). Incluye seis registros.
"Obertura Festiva" , Op. 21, es una de las cinco obras para orquesta que el músico compuso en Chile en 1948, y una de las cuatro que fueron estrenadas ese año. Siete años después se presentó en Estados Unidos con la dirección de Antal Dorati. Orrego-Salas la escribió para celebrar el nacimiento de su hija Francisca y la interpreta la Orquesta Sinfónica de Chile, con la conducción de Víctor Tevah.

También Tevah y la Sinfónica estrenaron su Concierto para piano y orquesta , Op. 28, en el 2° Festival de Música Chilena, en 1950, y su Concierto de cámara , Op. 34, en la tercera versión del evento, en 1952.
Orrego-Salas dedicó su Sinfonía N° 3 , Op. 50 a su hijo Juan Cristián. Se estrenó en el 2° Festival Interamericano de Washington, en 1961, junto con obras de Gustavo Becerra-Schmidt y Domingo Santa Cruz. En cambio, dedicó a su esposa, Carmen Benavente, su Serenata Concertante , Op. 40 (1954), encargo de la Sinfónica de Louisville.

Su Sinfonía N° 4 , Op. 59, fue estrenada por la Filarmónica de la Universidad de Indiana y Tibor Kozma en 1966. Un crítico de la época declaró: "Orrego-Salas es un compositor que puede hacer música con este lenguaje (dodecafónico), pero no está a merced del sistema".

La historia del hombre que más discos vende en el mercado chileno

2012-02-05T18:14:00.000-03:00

La Tercera

Ramón Madrid comercializó 300 mil copias en 2011 de álbumes que incluían a Américo y Chico Trujillo.

por Claudio Vergara

Ramón Madrid (47) asegura que fue olfato puro. Una semana antes que Américo debutara en el Festival de Viña de 2010 juntó un puñado de sus canciones, las acumuló en un disco, lo colgó en kioscos a bajo precio y las ventas fueron inmediatas. El operativo no sólo fue una semana antes que el ariqueño dominara la Quinta Vergara; también fue casi siete días antes del terremoto que lo tumbó todo. "Si yo hubiera actuado como todos los sellos, que aprovechan el éxito de un artista en Viña para rentabilizar sus álbumes una semana después, ¿qué hubiera pasado? No hubiese vendido un solo álbum. El terremoto habría olvidado todo", remarca.

Con esa misma mezcla entre ojo comercial y estratega discográfico, Madrid ha establecido un modelo de negocios paralelo al de los sellos más tradicionales y que se sustenta en la comercialización de álbumes en kioscos, y en la asociación de títulos con marcas comerciales. La iniciativa le ha permitido levantar una pequeña industria en torno a su sola figura y convertirse, casi de manera anónima, en el empresario que más discos vende en el país, aunque sólo bajo el trabajo de distribuidor.

Y todo bajo el nombre de Master Media, la empresa que inauguró en 2004 y que, para remarcar aún más su espíritu paria, está enclavada en un rincón casi inadvertido de un caracol de Providencia, pequeñísima en dimensiones, y entre peluquerías y consultas médicas. "Pero yo he sido un pionero y un visionario. He incorporado nuevos canales cuando las disquerías casi no existen. El futuro va hacia otro lado y nos hemos posicionado", apuesta.

Su fórmula ha funcionado así: de profesión contador y con experiencia en el rubro, ya que trabajó 13 años como gerente de Recursos Humanos de EMI, en 2000 comenzó a husmear vitrinas alternativas para comercializar discos a precios ínfimos. Su método consiste en adquirir durante varios años licencias de catálogos de artista de amplia popularidad, para así utilizar las canciones con los fines más diversos y en los compilados más disímiles. O sea, manejar bajo su absoluto criterio un repertorio de éxito.

El primer paso fue armar álbumes corporativos para potenciar la relación entre las empresas y sus clientes. Por ejemplo, asoció a un compilatorio de Américo con una marca de tallarines y otro de Los Charros de la Comuna de Lumaco con una de chicles. Luego se lanzó con una serie de compilados de música romántica, ranchera y tropical que vendió en kioscos a $ 1.990. Cifras: en 2011 editó un promedio de 40 producciones, vendiendo un total de 300 mil copias. El lanzamiento estrella fue una colección de Chico Trujillo, catálogo que licenció al sello Oveja Negra, y en el que estima ventas de 17 mil ejemplares.

Según cuenta, y sin revelar tarifas, adquirir licencias tiene precios relativos, dependiendo del artista o de la negociación del sello. "Por ejemplo, la licencia de Chico Trujillo no es barata", dice. Eso sí, en muchos casos, como los de Américo y La Noche, ha comprado repertorio de sus primeras discográficas, cuando establecieron contratos que nunca vislumbraron un suceso mayor, pese a ya contar con varios hits. Por ejemplo, con el hombre de Te vas licenció las composiciones de la etapa cuando firmaba como Américo y la Nueva Alegría para Tekyla Records. Con la banda de Leo Rey lo hizo con los dos títulos que editaron bajo el sello Guyani (ambos créditos han vivido su mayor fama con Feria Music).

El escenario no sólo configura la habilidad de Madrid, sino que también el histórico desorden con que las mayores figuras del cancionero chileno han manejado sus inicios. Otros ilustres que ha distribuido son Zalo Reyes, Buddy Richard, Cecilia, Los Huasos Quincheros, Tommy Rey y Mazapán. Por estos días negocia con Alerce las licencias de las discografías de nombres combativos, como Sol y Lluvia o Santiago del Nuevo Extremo, además de los primeros títulos de Manuel García, cuyos bonos subirán tras su paso por Viña 2012.

El hombre que también es dueño de una empresa turística asegura que su modelo es rentable y encaja un círculo virtuoso, en el que sellos y artistas también ganan. Además, trabaja con sólo siete personas, entre las que está un fabricante de discos, un ingeniero en sonido y un encargado de pagar los derechos de autor que luego el sello debe cancelar a sus cantantes. "Las disqueras hoy pueden ganar mucho más negociando licencias con Master Media que vendiendo álbumes al mercado regular. Y yo tengo todo en ley. Nunca he ocupado la imagen de un artista para una marca, sino que sólo la foto que en un momento cedió para un sello. Ese material licenciado puedo manejarlo como quiero", comenta.

Aunque lo que hace es legal, dentro de la industria lo miran con distancia. Dicen que la extendida comercialización de catálogo antiguo, o la asociación con marcas que nada tienen que ver con el artista, contamina el material actual de un cantante y que, al llegar a kioscos, su estatus frente el público cambia. Otros afirman que es una gran forma de desempolvar trayectorias que no se comercializarían de otra manera. De rebote, su negocio ha generado fricciones: en 2009, Américo demandó a Tekyla Records por no pagarle las regalías correspondientes a las licencias de sus canciones, como las adquiridas por Madrid. "No me molesta que mis discos estén en kioscos. Lo que rechazo es que, por ese negocio, no se me hayan pagado las regalías", remata Américo.

CNCA entrega resultados de los Fondos de Cultura 2012

2012-02-05T17:22:00.002-03:00

La Tercera

El organismo detectó un aumento de 35% en el número de postulantes respecto del año pasado. Los responsables de los proyectos seleccionados deben suscribir un convenio dentro de los próximos 30 días hábiles.

El Consejo Nacional de la Cultura y las Artes entregó esta medianoche la nómina de ganadores de los Fondos de Cultura 2012.

El documento incluye la nómina de proyectos seleccionados para el Fondo Nacional del Desarrollo Cultural y las Artes, el Fondo Nacional de Fomento del Libro y la Lectura, el Fondo para el Fomento de la Música Nacional y el Fondo de Fomento Audiovisual.

El ministro de Cultura, Luciano Cruz- Coke, destacó que el número de postulantes aumentó en un 35% respecto del año pasado. Además destacó que se trata se celebran dos décadas de existencia de los fondos.

Los responsables de los proyectos seleccionados deberán suscribir, en los próximos 30 días hábiles, un convenio de ejecución con el CNCA, en el cual se estipularán los derechos y obligaciones de los artistas y de la autoridad.

Revisa aquí el documento con la nómina de seleccionados.

Casa Central:

De los seleccionados destacamos

-Obra para orquesta instrumentos andinos de Patricio Wang Tapia $1.500.000

-Producción 3er álbum -master terminado- de Vasti Michel Castillo $4.384.530

-Segundo disco de Natalia Contesse $5.271.400

-"Alfonso rubio, cantor popular y guitarronero de pirque” de Alfonso Rubio Morales $3.460.480

-"Paraiso"-cd de Pascuala Ilabaca $6.623.667

-Creación discográfica "Panal" de Camila Moreno Elgart $7.999.938

-Planta prensadora de discos de vinilo para chile presentado por Oliver Knust Restucci Discos Rio Bueno $19.941.839

-Música en vívo "arriba en la cordillera en gira" de Patricio Manns $9.337.000

-Acordes Mayores – Entrevistas documentales con músicos chilenos de David Ponce Barrera $14.391.652

-Actualización de sitio web cuecachilena.cl por Roberto Mario Rojas $8.937.877

Y hace algunas semanas se habían sabido los rechazados, entre estos destacamos:

-.Mejoramiento de Galpón Casa de Víctor Jara. Fue rechazado x: el proyecto es presentado por persona natural, en circunstancias que en esta línea sólo pueden postular personas jurídicas.

-Pulsar 2012 Fue rechazado x: Sin propuesta de programación, ni auto de espacios.

-Desarrollo estratégico de grupos chilenos en el ámbito nacional e internacional presentado por leader music ltda industria. Fue rechazado x: sin propuesta de catálogo.

-Cumbre del folk chileno Fue rechazado x:3 % cofinanciamiento insuficiente - sin propuesta de programación.

-Creación segundo disco zapiga de Natalia Molina - Fue rechazado x:sin formulario ni curriculum del postulante

-Grabación segundo disco La Guacha Fue rechazado x:sin declaración jurada - no indica monto solicitado al CNCA.

-Renovación y ampliación programa Dimensión Latinoamericana presentado por Thelmo Antonio Aguilar Rojas Fue rechazado x: % cofinanciamiento insuficiente

-Twitsessions, música sin fronteras Fue rechazado x:sin declaración jurada - sin timbre de correos

http://www.cnca.cl/portal/galeria/text/text3896.pdf

Florcita Motuda y Mauricio Redolés cantan hoy en los balcones de Valparaíso

2012-02-05T17:15:00.002-03:00

El Martutino

Junto al valdiviano Camilo Eque, los músicos revivirán en la plaza Aníbal Pinto la tradicional Noche en los balcones, que dará inicio a la octava versión del encuentro organizado por las Escuelas de Rock del Consejo de la Cultura.

Con las presentaciones de Florcita Motuda, Mauricio Redolés y el valdiviano Camilo Eque en los balcones de la plaza Aníbal Pinto de Valparaíso se dará inicio hoy desde las 20.45 horas, a una nueva edición de la Noche en los balcones, que dará el vamos a la octava versión del Rockódromo, encuentro organizado por el Consejo de la Cultura a través de sus Escuelas de Rock.

La Directora Regional del Consejo de la Cultura de Valparaíso, Macarena Berríos, invita a disfrutar de estas actividades en familia, pues “se han adoptado todas las medidas de seguridad necesarias para garantizar la tranquilidad del público que asistirá a la octava versión de este festival de rock, donde el criterio de organización han sido de eventos acotados y muy controlados, por lo que esperamos el buen comportamiento de la gente”.

Por su parte, Patricio González, Director de las Escuelas de Rock, enfatiza el aspecto artístico del Festival asegurando que “Rockódromo es la presencia de cultura en los espacios públicos, lo que enriquece la vida ciudadana y permite una reunión un día domingo donde la ciudad disfruta de lo que ha creado, sus propuestas estéticas, su música, y desarrolla una ciudad creativa y cultural, que es un sello de Valparaíso al mundo”.

El primer balcón será ocupado por Florcita Motuda, un histórico de la música chilena que se ha consagrado gracias a una propuesta extravagante e irónica que mezcla diversos estilos musicales con un gran sentido del humor. Su gran creatividad lo ha llevado a triunfar en escenarios como el Festival de la OTI y el Festival de Viña del Mar.

En el otro extremo estará el músico y poeta Mauricio Redolés, uno de los artistas más influyentes para la escena nacional de los últimos 20 años. Nacido y criado en el barrio Yungay de Santiago, sus líricas se caracterizan por una ácida crítica social manifestada en metáforas de fácil comprensión y ritmos pegajosos.

Ambos músicos son parte del cuerpo de profesores de las Escuelas de Rock. Mientras Florcita realiza charlas sobre creatividad, Redolés dicta clases de lírica. Ambos viajan todos los años a diferentes regiones del país para transmitir su experiencia y talento a jóvenes promesas musicales.

En el balcón central estará el valdiviano Camilo Eque, quien con sólo 19 años ya resalta en la escena musical por su talento compositivo e interpretativo, que lo ha llevado a participar en diferentes festivales a lo largo del país.

Cierre de calles

Entre las medidas tomadas se contempla los cierres de calle O’Higgins desde las 10 am y luego el tramo Esmeralda-Condell desde Almirante Martínez y hasta Bellavista, desde las 20 horas. El tránsito será restituido una vez finalizado el evento.

El concierto será transmitido por streaming a través de www.escuelasderock.cl y también por las radios RitoqueFM en Valparaíso y Quintero, Radio Galactika de San Antonio, Puro Chile de La Serena y Pasas al Rock de Iquique, de manera que todos puedan disfrutar de la música nacional.

Rockódromo se extienden hasta el 11 de febrero y considera la Gira por los cerros Alegre, Cordillera y Barón y dos conciertos en el Muelle Barón los días viernes y sábado.

Todos los conciertos son con entrada liberada.

Ana Tijoux: "Alguien así no puede ser Ministro de Cultura"

2012-02-04T13:57:00.002-03:00

La Tercera

La figura solista más internacional de la música local habla de su presente, la repercusión de su disco y sobre el estado actual de la Cultura en Chile.

por Claudio Vergara

Hacia mediados de la década pasada, Ana Tijoux (34) estableció su futuro bajo una sola decisión posible: "matarse". "Me mire y me dije: me voy a matar. Quería desligarme para siempre de la imagen de Makiza. Me voy a matar y voy a hacer lo que nadie espera que haga: un disco de pop", recuerda, definiendo el sentido metafórico de su "suicidio" y en alusión a su debut en solitario, Kaos (2007). "Necesitaba decir: a la mierda todas mis expectativas y lo que esperan de mí, porque Makiza era Makiza y esto hay que cortarlo de raíz. Me maté súper asumida y con ene costos", continúa la cantante. El ejercicio kamikaze de Kaos dio paso a otra alegoría: la de 1977 (2009), su segundo título y el trabajo que bautizó con su fecha de nacimiento para ilustrar resurrección y nueva vida desde los escombros. Como un trozo real dentro de tanta metáfora, la producción significó la escalada de una carrera que la volvió a situar en los espectáculos masivos, los elogios de la crítica y el circuito foráneo.

Un proceso que, en el último mes, disfrutó de un ascenso sin retorno. Su notable último álbum, La bala, editado en la última parte de 2011, fue calificado por el periódico L.A. Times como su obra magna y el disco más suntuoso del rap en español. Con una repercusión relativa en el mercado local, la pieza salió en EE.UU. esta semana y debutó en el número uno de iTunes Latino Top Reggaeton y Hip-Hop y quedó en el Top 10 del ranking latino. Hoy es la figura solista más internacional de la música chilena. "Jamás pensamos que esto iba a pasar", dice.

¿Se siente más valorada afuera que en Chile?

Acá soy muy valorada por la gente, que es lo único que me importa. Si no, haría música para publicidad. Pero que me den más espacio afuera que acá lo encuentro irónico, súper chistoso, estar en el fin del mundo y que mi disco aparezca más en un periódico de Chicago o Boston... lo agradezco, pero también es una dualidad.

Con la resonancia de sus discos, ¿por qué casi no suena en radios?

Es así, y la verdad me da lo mismo. Sí, voy a ser honesta: me lo he cuestionado..., pero ¿qué no cumplo? Cuando hice 1977 y lo llevé a radios, en muchas me dijeron: 'esto es muy hip hop para la radio'. En otras después me decían: 'esto es muy indie'. Siempre hubo un "pero", y cuando me nominaron a los Grammy, esos mismos se acercaban y me decían 'yo sabía que el disco era bueno'. Y me daban ganas de reírme en sus caras. Pero no me enojaba, porque iba a perder energía que no tenía ganas de perder. Con artistas visuales o deportistas el tema ha sido peor. Pero es algo general, acá hay una cantidad enorme de músicos talentosos y las radios no dan cuenta de eso. ¿Cacharán lo que es Chile? A mí me da mucha risa esas radios que no tocan música nacional, porque quieren sonar como si estuvieran en Londres o Nueva York. ¡Entonces, ándate pa' allá, poh!

¿Con La bala le pasó algo parecido?

No, ni siquiera escuché lo que dijeron. Ya ni siquiera me di el proceso, porque no puedes hacer música sólo para esperar que te toquen; tienes que hacerlo porque lo necesitas; después, lo que pase con eso, es ajeno a ti. Pero no me preocupa ni me afecta en nada, ya que puedo seguir haciendo cosas y tocando. No existo gracias a los medios. Es súper sano que las radios y los diarios no definan lo que la gente escucha, porque se genera esta situación contraria.

¿De qué manera el ruido de 1977 ha condicionado este nuevo álbum?

Había una presión por hacer el disco nuevo y, en mi caso, por no repetir la fórmula de 1977. Pero justo coincidió con un momento de mucha gira internacional, de dormir tres horas, de escribir quedándome dormida arriba de la mesa y sin el silencio para hacerlo. En un momento del año pasado, todo era como 'lo que más necesito es silencio'. Aparte, todo el mundo me decía cosas tipo: 'Ana, tu próximo disco debería ser así' o '¿no has pensado hacerlo con Thom Yorke?' '¿o con David Byrne?' '¿o con los Talking Heads?' o bla, bla, bla.

¿Cómo logró ese instante tras la nominación a un Grammy o la participación en ambos Lollapalooza?

Me costaba mucho escribir en giras. En EE.UU. está lleno de medios y te llaman a la hora que quieren. No tenía espacio ni siquiera para descansar. Obviamente, me estresó, estaba de mal humor y sólo decía ¡déjenme en paz! No quería más entrevistas. Era agobio y necesitaba respirar para saber qué quería y cómo lo quería decir. Entonces, durante tres meses me encerré en una pieza con mi productor, tomando mate y leyendo el diario. Hasta regalé mi tele. No quería ver tele, ya no la tengo y sólo veía Cuevana o documentales.

¿Nunca pensó en radicarse fuera?

Lo pensé, pero después preferí que no. Hasta me lo propusieron, pero preferí que mi hijo (Luciano) crezca aquí. Y no por ser nacionalista o algo así, porque todo ese rollo de la bandera me importa un rábano, sino porque creo que aún hay muchas cosas por hacer en el país. Y con lo que tengo puedo vivir bien, sólo soy burguesa con el café y el perfume (risa).

Su álbum incluye un tema donde samplea una frase de Luciano Cruz- Coke y critica que el Ministerio de Cultura no le haya dado un fondo, argumentando "falta de proyección".

Sí, es que además yo lo miro a él y recuerdo lo patético de su banda en Extra jóvenes y digo: alguien así no puede ser ministro de Cultura. O sea, ¿tienes un montón de mejor gente y lo pones a él? ¿Qué ha hecho por la cultura? Sé que fueron jurados los que me rechazaron el fondo, y es cierto que pude personalizar mi rabia en Cruz-Coke, pero para mí es la punta del diamante de todo, como el Bush de la cultura. Ni siquiera me dieron un argumento aceptable. Además, si a mí me rechazan, ¿qué le queda al resto? Me mandaron cartas para que bajara el tono de la polémica, pero nunca tuve pensado hacerlo.

Tradición religiosa: Canto a lo divino en la Gruta de Lourdes

2012-02-04T13:42:00.000-03:00

El Mercurio

Más de cincuenta cantores llegarán a este santuario para participar en un encuentro que hoy cumple 35 años.

Gustavo Villavicencio

Dicen que el que canta, "ora dos veces", y así lo entendió hace 35 años el equipo pastoral del Santuario de Lourdes. El sábado 4 de febrero de 1977 llegaron hasta los pies de la Virgen más de 35 cantores a lo divino, provenientes de pequeños poblados desde Valparaíso hasta Curicó. Respondían así a la invitación para unirse a las celebraciones de los 70 años de la gruta en nuestro país.

"Dos mujeres fueron las responsables de colocar la nota femenina en esa primera reunión, mientras que un adolescente Arnoldo Madariaga fue el que alentó la esperanza de que esta tradición continuara en nuestros campos hasta el día de hoy", recuerda el hermano Ramón Gutiérrez, uno de los organizadores del encuentro en 1977. "Madariaga es actualmente uno de los principales exponentes del canto a lo divino en Chile", agrega.

Durante tres décadas, el encuentro se ha realizado de manera ininterrumpida en la gruta capitalina y busca rescatar una tradición que tiene más de 400 años y cuyo origen se asocia a la llegada de los jesuitas a la zona central. En los primeros años de evangelización, fue el misionero el que enseñó los versos, pero poco a poco los criollos, como los mestizos y españoles que permanecieron en Chile, hicieron suyo el método y comenzaron a componer sus propios versos.

Más de 50 cantores
Según cuenta el hermano Ramón, "el Santuario de Lourdes es uno de los primeros lugares, junto al Templo Votivo de Maipú, en acoger a los cantores a lo divino, ya que esta tradición estuvo siempre reservada a las casas de los campesinos. Uno de los impulsores de que los cantores ingresaran a la iglesia fue el padre Miguel Jordá, que en ese tiempo vivía en Villa de Alhué".

Hasta la Gruta de Lourdes (Lourdes 645, Quinta Normal) llegarán hoy más de 50 cantores, que se reunirán en círculo para cantarle a la Virgen, acompañados de guitarras y guitarrones. Desde las 20:00 horas y hasta la madrugada del domingo realizarán con su canto un recorrido por la historia de la salvación, todo esto en el marco de la Novena de la Virgen de Lourdes.

Mucase, el sitio chileno que busca revolucionar la música en internet

2012-02-04T13:40:00.000-03:00

El Mercurio

A pocas semanas de haber salido a la luz, la página web nacional se ha transformado en el punto de partida de un nuevo concepto en torno a esta expresión artística. Por algo muchos lo llaman "el Cuevana del rock", aunque es harto más que eso. Felipe Ramos

El documental de Foo Fighters, "Back and Forth", en formato DVD, sale en cualquier tienda especializada unos 14 mil pesos. Lo mismo cuesta el concierto de la banda australiana AC/DC, "Live at River Plate", pero desde que nació Mucase.com los fanáticos de la música ya no tienen que desembolsar esas cifras para ver aquellos registros. El sitio permite ver por medio de streaming varias decenas de documentales y conciertos musicales de forma gratuita y en alta calidad. Y lo mejor, es que es completamente legal.

La página web es fruto del trabajo del ingeniero comercial Rodrigo Nasser (38 años), el desarrollador de proyectos digitales Axel Lumd (26) y sus socios Nassim Hamer y Carolina Salazar, quienes desde hace algunos meses conforman Firstnet, una red de sitios que además tiene Contratuerca.com y otros sitios asociados.

El caso de Mucase que hace diferente al resto de las páginas de descarga o streaming de películas o videos musicales es que posee el respaldo de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor (SCD), con la que acaban de llegar a un acuerdo para pagar los cargos una vez que el sitio comience a generar ingresos por concepto de publicidad, los cuales van posteriormente tanto para los artistas nacionales como extranjeros cuyos videos se muestren en el sitio. "El acuerdo con la SCD es muy simple, nosotros pagaremos mensualmente los derechos de autor y derechos conexos de los conciertos en streaming . En una primera etapa, mientras no se generan ingresos por concepto de publicidad, se cancela mensualmente una tarifa fija en UF que, supuestamente, según lo conversado, comenzaría a regir desde marzo", explica Rodrigo Nasser.

El sitio contempla la posibilidad de ver en línea documentales y conciertos de artistas de diversos géneros que van desde el heavy metal hasta la música clásica, pero no se permite descargar los archivos. Además, se prepara para lanzar su propia red social para melómanos y músicos, lo que lo transforma en mucho más que un "Cuevana del rock" -en relación con el popular sitio de streaming de películas y series de televisión-, pues permite el encuentro de todo aquel que tiene interés por la música. "La comunidad pide los videos y conciertos que quieren ver. Luego nuestros colaboradores los mandan, pero nosotros revisamos todo para asegurar la calidad de lo que mostramos", dice Nasser, quien agrega que además los miembros de la red podrán obtener puntos que luego se canjean por premios y por la posibilidad de ver estrenos exclusivos que se lanzarán solo en la red social.

Entre las prestaciones de Mucase hay un metrónomo y un afinador digital de guitarras que son prácticos y fáciles de usar, sobretodo para quienes están comenzado a aprender a tocar. Además, sus creadores planean subir videos tutoriales para que los músicos puedan perfeccionarse. "No queríamos mostrar puros videos", señala el ingeniero comercial.

Por otra parte, el sitio también se ha planteado trabajar con los productores de eventos musicales, lo que pueden promocionar sus recitales, fiestas u otros de forma directa. Los creadores del sitio están trabajando con bandas nacionales y productoras, para subir conciertos exclusivos y documentales. En este marco se lanzó el primer documental con transmisión exclusiva en Mucase, sobre el blusero Johnny Blues, que ha sido todo un éxito. Además, se puede ver un concierto completo de la banda Lucybell, todo esto con los derechos otorgados para la difusión.

Según Nasser y Lumd, para crear hoy en día una nueva red social se necesita algo distinto a lo que hayan hecho sitios como MySpace y Facebook. En este sentido, admiten que no están innovando en cuanto a desarrollo tecnológico, sino que se centran en ordenar el contenido y mostrarlo de una forma nueva.

Inversiones y desarrollo

Hasta ahora, tanto Mucase como todos los sitios de Firstnet han salido gracias al financiamiento de sus socios, hoy buscan inversores que respalden su visión. Si bien la publicidad ha comenzado a llegar, están conscientes de que las marcas aún ven a los sitios de nicho como muy marginales. En un principio se acercaron a Corfo, pero su proyecto no recibió financiamiento, ya que creen que no fue entendido. Lo mismo pasó con Endevor, quienes rechazaron la idea, pues creyeron que se parecía demasiado a la red de sitios que conforma Betazzeta.cl. Según Nasser, al gobierno chileno este tipo de proyectos se le va de las manos, ya que no encuentran el modelo de negocios detrás de la iniciativa.

En pocas semanas, Mucase ha ampliado notoriamente la cantidad de videos de documentales y conciertos. En cuanto al número de seguidores, tanto en Twitter como en Facebook, éste ha crecido exponencialmente, pero sus creadores no se fijan mucho en las cifras. Según Rodrigo Nasser, están dispuestos a hacer las cosas lo mejor posible, y en ese sentido "no sabemos el potencial de Mucase, pero apuntamos alto". A futuro contemplan crear una aplicación para tabletas y consolidarse como una plataforma para la música. Nada de mal para un proyecto incubado en una pequeña oficina ubicada en Las Condes.

Dentro de los videos más vistos, se encuentran el concierto de Adele, "Live at the Royal Albert Hall", y los documentales de Foo Fighters y Pearl Jam.

Pedropiedra, Gepe y Fernando Milagros lideran festival en el GAM

2012-02-03T14:06:00.000-03:00

La Tercera

Ya está agendada una nueva versión del Festival Neutral, realizado por el sello Quemasucabeza: se realizará el sábado 10 de marzo, en la plaza Zócalo del centro cultural Gabriela Mistral (GAM), ubicado en el centro de Santiago.

El evento, que tuvo su primera versión musical en 2004, contará con la participación de los cantautores Gepe (foto), Fernando Milagros y Pedropiedra, junto a nombres de la nueva camada de bandas nacionales que aún se espera confirmar. El festival, que hereda su nombre del primer disco compilatorio Panorama Neutral, que editó el sello Quemasucabeza en el 2005, para ser distribuido en Europa, ha sido una las instancias más importantes con las que el sello ha proyectado internacionalmente tanto a sus artistas como a otras bandas chilenas, gracias a sus versiones en Argentina y México, país donde se terminó convirtiendo en una gira.

El show planificado para este año se extenderá desde las 16 a las 22 horas, para posteriormente trasladarse al Centro Arte Alameda, donde terminará con una fiesta.

Las entradas se venderán a través de Ticketeck e irán desde los $ 4 mil (estudiantes) hasta $ 8 mil (entrada general, fuera de la preventa que se realizará).

Músicos analizan influencia de Soda Stereo en Chile a 30 años de su formación

2012-02-03T14:01:00.000-03:00

La Tercera

Artistas como Claudio Narea y Pablo Ugarte aseguraron que el trío no tuvo trascendencia en su desarrollo musical, aunque destacaron la calidad de sus canciones. Carlos Cabezas, por su parte, atribuyó a los argentinos la seguridad que adquirieron los grupos de entonces al comprobar que sí se podía hacer buena música en español.
por Andrea González Schmessane

Durante el verano de 1982, Gustavo Adrián Cerati y Héctor "Zeta" Bosio estrecharon una relación que venían gestando hace un par de años, en un viaje a Punta del Este donde se reencontraron -cada uno con sus respectivos grupos- para realizar una serie de presentaciones. Meses después, ambos estudiantes de publicidad junto a Carlos Alberto Ficicchia creaban a Soda Stereo, convirtiéndose en una de las bandas argentinas emergentes de la época que luego sería un referente musical para varios artistas latinoamericanos que intentaban destacar entre fenómenos ingleses.

Hoy, a 30 años de su formación, músicos locales que iniciaron su trayectoria en la época de los ochenta e inicios de los noventa, analizan la influencia del trío bonaerense en el rock nacional y desmenuzan detalles del éxito de los creadores de "Me hacen falta Vitaminas" y "Persiana Americana".

"Soda Stereo y otros músicos argentinos como Charly García, claramente influyeron en el rock chileno, pero particularmente no en Los Prisioneros", dice categórico a La Tercera Claudio Narea, argumentando que "no nos gustaban, no había afinidad con ellos, pero es evidente que fueron un referente y lo siguen siendo hasta el día de hoy".

"Soda era un grupo perfecto en sonido e imagen para las chicas que le gustaban los chicos guapos, eran como Elvis, guapo y vendible, un producto bien hecho. Además, tenían a favor que tenían plata, y ningún proyecto se puede hacer bien sin plata", agrega sobre los buenos resultados del conjunto.

Con respecto a la calidad musical de los transandinos, el ex compañero de banda de Jorge González afirma que "son buenos, no digo que sean malos, y entiendo que a otros los pueda alucinar, pero a mí no me gusta escucharlos, tal vez porque yo busco otro tipo de música, cosas más verdaderas, voy más a los orígenes".

E insiste: "Soda es un trabajo muy bien hecho y fueron cambiando a través del tiempo sin perder lo que tenían, que era su sonido. Hicieron una buena cantidad de canciones que son famosas y tarareables. Creo que son de las mejores bandas argentinas -y del rock en español en general-, pero aún así, no tengo ningún disco de ellos".

Para Carlos Cabezas, la voz de Electrodomésticos, la banda de Cerati influyó bastante en términos estilísticos, sobre todo por sus ropas y peinados que seguían la misma línea de The Cure y The Police.

"También influyeron en hacer que los músicos se dieran cuenta de que se podía hacer rock en español sin que fuera tan complicado. En ese entonces se vivía y respiraba pura música en inglés, entonces quizás el mayor aporte de Soda fue ese, demostrar que sí se podía hacer buena música en español", analiza, enfatizando que "pusieron de nuevo el rock en español en la vida de las personas. Creo que motivaron a mucha gente a hacer música, a muchos músicos a arriesgarse a componer en español, y eso es lo más importante".

Y agrega sobre su caso en particular: "Lo que nosotros hacíamos en Electrodomésticos era muy distinto a lo que hacían ellos, no hubo influencia de ellos en nuestro trabajo, estábamos en una línea totalmente distinta".

Con respecto al éxito que el grupo experimentó desde sus inicios, Cabezas destacó que "ellos hicieron muy buena música popular con la que la mayoría de la gente pudo empatizar".

"Ellos hicieron música popular y dentro de eso, hicieron un muy buen trabajo, los tres personajes eran muy buenos, cada uno en su área. Cerati era un muy buen compositor. Alguna vez compartí con ellos y eran excelentes personas", dice.

Y remata: "Personalmente no me gustaban porque mis intereses en términos musicales eran otros, no estaban en mi ámbito, no era el tipo de música que a mí me gustaba escuchar porque yo no estaba haciendo música popular".

El líder del grupo Upa!, Pablo Ugarte -actualmente radicado en París- también asegura que Soda Stereo no influyó directamente en su música, pero sí destaca la calidad de la agrupación disuelta en 1997 tras quince años sobre los escenarios.

"Reconozco en Soda canciones súper buenas, habían varias que me gustaban. Ellos hacían un trabajo súper fino y fueron un aporte al rock latino de todas maneras. Creo que fueron un fenómeno, no porque fueran bonitos, si no porque realmente eran buenos y Cerati era un tipo talentoso", recalca.

Sobre el fanatismo que generó el grupo en el país, Ugarte menciona que "se dio una cosa como fantástica, no es casualidad que hayan sido un fenómeno, es la ecuación de buena música, buena interpretación, buen cantante y buen look, y creo que las canciones que hacían los Soda eran muy fáciles de recordar y de corear", aunque aseguró que "en ningún caso es comparable con el fenómeno de Los Prisioneros, donde se juntan canciones tremendas con una fuerza y un momento histórico importante".

Quien sí afirma que "Soda" fue un referente "no sólo en la música local sino en todo sentido", es Alejandro Gómez, vocalista del grupo Solar, que teloneó el concierto de despedida del trío en 1997 en el Estadio Nacional.

"El fenómeno de Soda fue multimedial, era mucha imagen, entonces su influencia tiene que ver con que es un representante de los ochenta conversando con el mundo de la imagen y del video", explica.

"Ellos tenían una imagen muy potente, pero además tenían música que respaldaba esa imagen", agrega, recalcado que "debieron luchar por renovarse y mantenerse al día luego de una explosión como la de los noventa".

Sobre qué significó la banda para Solar, Gómez concluye que "a nosotros se nos estereotipó por el hecho de que los teloneamos, aun cuando yo escuchaba otras cosas que siento que tienen más influencia".

Nicole, por su parte, confiesa que Soda Stereo -sobre todo su vocalista- fue un gran referente para su música. "Cuando conocí a Gustavo (Cerati) para mí ya era un ídolo, entonces trabajar con tu ídolo es una bendición", dice sobre el momento en que decidió llamar a la voz de Fuerza Natural para que produjese su disco Sueños en Tránsito (1997).

"Fue increíble la experiencia, estar con él en su casa guitarreando, mostrándole mis canciones. El fue súper importante a la hora de darme seguridad como cantautora y creyó mucho en mí como compositora", dice, agregando que "era un tremendo guitarrista, tremendo músico y tremenda persona que tuve la suerte de conocer y compartir".

"A través de los años siempre tuvimos contacto" agradece, lamentando el estado en que permanece el artista tras sufrir un accidente cerebro vascular en 2010. "Siempre estoy pensando que él esté lo más tranquilo posible, donde esté, y recordándolo siempre", remata la actual figura de Canal 13.

Chile color Violeta

2012-02-03T09:00:00.001-03:00

La Nación Argentina

Nació en el campo y conoció de cerca la pobreza. Recorrió "ciudades y charcos", recopilando el folklore chileno. Al cumplirse 45 años del suicidio de Violeta Parra, su país la honra y la venera cada día más
Por Francia Fernández

"Tu madre se suicidó". Eso le dijo un amigo, "con cariño y firmeza", a Ángel Parra, el 5 de febrero de 1967. Eran las tres de la tarde. Y el hijo mayor de Violeta Parra, entonces veinteañero, se encontraba a 200 kilómetros de la carpa en la que su madre había acabado con su vida de un balazo, una hora antes. Así lo recuerda en su libro Violeta se fue a los cielos , en el que también cuenta que no hubo presentimientos ni avisos mágicos. Sólo un frío interior que se apoderó de él, a pesar del intenso verano santiaguino.

Han pasado 45 años desde esa tarde decisiva y Violeta Parra recién comienza a ocupar el lugar que le corresponde en la historia chilena. El libro de su hijo inspiró la película homónima de Andrés Wood, que ha dado la vuelta al mundo. Y en los últimos años se le han rendido una serie de homenajes.

A mediados de este año, verá finalmente la luz un proyecto que comenzó a gestarse en 2004: el Museo Violeta Parra. Ubicado en la transitada Avenida Vicuña Mackenna y tras una fallida programación en otro lugar, es fruto de la insistencia de Isabel Parra, que se ha dedicado a rescatar y mantener vivo el legado de su madre a través de la fundación que lleva su nombre.

Se trata de una construcción de dos pisos, de 1300 metros cuadros, con una impronta rústica: una fachada de vidrio doble, cuyos paneles están separados por un enorme tejido de mimbre, a tono con la austeridad y sencillez que caracterizaron a la cantautora, poeta, pintora, arpillista, bordadora y ceramista chilena.

"El edificio es lúdico, luminoso, sencillo, pero complejo en la geometría. Todo eso era parte de la Violeta. Su poesía, su canto y su música, que eran muy limpios, correspondían a una depuración muy elaborada desde el interior -dice Cristian Undurraga, arquitecto a cargo de la propuesta-. Es muy gratificante participar de un tributo que le hace justicia a una de los artistas más grandes que ha tenido este país."

Ciertamente, Violeta no sólo ha sido una las chilenas más grandes, sino la más universal, con un cancionero que han interpretado desde Víctor Jara hasta Pedro Aznar, y que incluye temas como: "Al centro de la injusticia", "Corazón maldito", "Maldigo del alto cielo", "Arauco tiene una pena", "La jardinera", "Modérnica Mazúrquica", "Arriba quemando el sol", "Casamiento de negros", "La carta", "Qué dirá el Santo Padre", "Volver a los 17" y "Gracias a la vida".

Infancia y arañones

Nacida el 4 de octubre de 1917 en el sur de Chile (San Carlos, Octava Región), conoció desde siempre la pobreza y otras miserias. Por eso decía que estaba hecha de "fierro muy duro" y que poseía una voluntad inquebrantable. "La suerte mía fatal/ No es cosa nueva señores/ Me he dado sus arañones/ Desde chica sin piedad?", escribió en Décimas. Autobiografía en verso (1958), donde enumeró todos los males que contrajo, hasta los tres años. Entre otros, la alfombrilla, el sarampión y la viruela. Esta última la tuvo al borde de la muerte y le dejó huellas indelebles en el rostro (al que llamaba "mi cara fea").

Si bien su complexión era débil, Violeta poseía un carácter fuerte, explosivo y dominante. Se crió junto a ocho hermanos y dos medio hermanos, con los que jugaba en el vecino río Ñuble y en los aserraderos y barracas aledañas.

Su padre era un maestro de música de escuela primaria, aficionado a la bebida, y su madre, una costurera que cantaba canciones campesinas, mientras trabajaba con su máquina de coser. Como el papá de Violeta (considerado el mejor folklorista de la zona) no quería que sus hijos cantaran, guardaba su guitarra escondida. Sin embargo, la avispada niña no tardó en descubrir la llave en el cajón de la máquina materna. "Me había fijado cómo él hacía las posturas y aunque la guitarra era demasiado grande para mí y tenía que apoyarla en el suelo, comencé a cantar despacito las canciones que escuchaba a los grandes. Un día que mi madre me oyó no podía creer que fuera yo", relató la cantautora en una entrevista de 1958.

Tenía nueve años cuando escribió su primera canción, dedicada a su muñeca de trapo, y desde entonces comenzó a componer y a escribir versos. A los doce, era un pequeño prodigio que les ponía música a los versos de su hermano Nicanor (el "antipoeta" recientemente galardonado con el Premio Cervantes). También reproducía música de las vitrolas y de unas parientas lejanas, las Hermanas Aguilera, que cantaban repertorios propios.

En 1927, Violeta y su familia se trasladaron a una ciudad más grande, Chillán. Allí la niña terminó la primaria y cursó el primer año en la escuela normal. Cuando su padre enfermó gravemente, ella abandonó sus estudios para trabajar en el campo.

Su madre, Clarisa Sandoval ("una artista", según Violeta, porque le hacía vestidos con los pedacitos de tela que guardaba), además de coser, lavaba y vendía para otros. Pero sus esfuerzos no alcanzaban para mantener a la familia. Conscientes de las penurias cotidianas, "Viola" (como la llamaban en la intimidad) y sus hermanos, que también mostraban inclinación artística, comenzaron a cantar públicamente. Primero en la calle, por verduras y frutas. Luego, por dinero, en restaurantes, posadas, circos, trenes e incluso en burdeles. De esa prole numerosa que andaba sin zapatos, además de Violeta y Nicanor, se destacarían los cantautores y folkloristas Roberto (autor de La Negra Ester , uno de los musicales más importantes del teatro chileno) y Eduardo ("el tío Lalo").

Nace una artista

"Si no fuera por Nicanor, no habría Violeta Parra." Eso acostumbraba a decir la artista. Fue su hermano, tres años mayor, quien la convenció de marcharse a Santiago cuando murió el padre, en 1932. Años después, también la estimularía a encontrar su propia voz como autora y compositora. En la capital chilena, mientras Nicanor estudiaba y trabajaba como inspector del internado Barros Arana, ella se instaló en casa de unos parientes y retomó sus estudios. Pero pronto los abandonó, porque lo que realmente le interesaba era el canto.

Determinada como era, tomó su guitarra e incursionó en bares, "quintas de recreo" (lugares de diversión familiar y baile en público) y salas pequeñas, con sevillanas, pasodobles y farrucas. Durante la década siguiente sumaría a su repertorio boleros, cuecas, corridos y valses de su propia autoría. Cuando el resto de su parentela se mudó a Santiago, Violeta formó un dúo con su hermana Hilda: las Hermanas Parra. Solían presentarse en tabernas del popular barrio Mapocho. También editaron algunos discos con el sello RCA Victor, hasta que la formación se disolvió, en 1953.

En esas andanzas bohemias Violeta conoció a su primer marido: Luis Cereceda, un maquinista ferroviario y militante comunista con quien tuvo a sus hijos Ángel e Isabel. Diez años duró el matrimonio, en medio de mudanzas entre Santiago y Valparaíso. La cantautora, que entonces se hacía llamar "Violeta de Mayo", era una atípica ama da casa, que iba de puerto en puerto, cantaba en las radios y hasta participaba en un grupo de teatro que hacía giras por todo el país. En 1949, al año siguiente de su ruptura, se casó en segundas nupcias con Luis Arce, tapicero y aficionado al billar. Tuvieron dos hijas, Carmen Luisa, ese mismo año, y Rosita Clara, en 1952.

Fue durante esa década cuando Parra encontró un camino propio. Grabó los exitosos sencillos "Casamiento de negros" y "Qué pena siente el alma". Tuvo un programa ( Canta Violeta Parra ) en Radio Chilena y ganó el Premio Caupolicán a la folklorista del año (1954). Paralelamente, se entregó a una ambiciosa tarea de recopilación folklórica: durante 15 años recorrió los diferentes barrios de Santiago y también el norte, centro y sur del país, para rescatar la música tradicional chilena. Primero, provista sólo de lápiz y papel y luego, con un grabador Philips que compró en Europa.

De esa infatigable tarea salieron más de tres mil temas, reunidos en el libro Cantos folklóricos chilenos , y sus primeros discos como solista, que editó EMI Odeón, con canciones tradicionales del campo chileno. Su travesía le permitió descubrir los valores de la identidad nacional como nadie lo había hecho antes, y reinterpretarlos en su propio trabajo. Pese a ello, era una mujer incomprendida.

Chile es un país ingrato con sus artistas. Lo supo Gabriela Mistral, que sufrió el desdén de la intelectualidad de mediados del siglo XX, por sus orígenes campechanos, y recibió el Nobel antes que el Premio Nacional de Literatura. Así lo vivió también la propia Violeta, quien se sentía más apreciada en el extranjero y vivió en París, en dos períodos. (En la Argentina estuvo en 1961. Acá cantó en peñas, expuso sus pinturas, se presentó en la TV y dio recitales en el Teatro IFT).

Como Parra encarnaba lo popular, opuesto a la cultura oficialista y elitista, el establishment no la quería. Sus colegas tampoco. ¿De qué se las daba esa mujer de orígenes humildes, hablar directo y aspecto desaliñado? A la salida de un programa radial, un músico llegó a acusarla de haberse robado la tonada "La jardinera". No creía que fuera suya. Cosas como ésa la desalentaban.

"Tu dolor es un círculo infinito/ Que no comienza ni termina nunca/ Pero tú te sobrepones a todo/ Viola admirable?" Así la describió su hermano Nicanor en su conocido poema "Defensa de Violeta" (1960). "Pero los secretarios no te quieren?/ Porque tú no te vistes de payaso/ Porque tú no te compras ni te vendes/ Porque hablas la lengua de la tierra/ Viola chilensis. ¡Porque tú los aclaras en el acto!"

Gracias a que la invitaron a un festival juvenil en Polonia a mediados de los años 50, Violeta visitó la Unión Soviética y otros países de Europa. En París grabó sus primeros long plays ( Guitare et Chant: chants et danses du Chili , 1956), y una serie de canciones tomadas del folklore chileno que saldrían, luego, en diferentes compilaciones. El éxito que obtuvo era inédito para cualquier artista chileno. Pero esa alegría se empañó con la muerte de su hija Rosita Clara.

Si bien no volvió a Chile inmediatamente, en una de las cartas de 1965, que le escribió a Nicanor antes de dejar París por segunda vez, se refirió a ese episodio, que la había marcado. "Claro que vuelvo con todos mis brotecitos al hombro", le decía. Y agregaba: "Maldita madre sería si los dejara tan solos, ya ves lo que me pasó el año 58, falta una flor en el ramo?".

Instalada otra vez en Chile, a fines de la década del 50, se dedicó a crear copiosamente. Y se reveló como cantante preocupada por los temas sociales, con letras comprometidas. "Yo canto la diferencia/ que hay de lo cierto a lo falso/ de lo contrario no canto", declaraba en su tema "Yo canto la diferencia". Sin ser militante política, escribía letras que denunciaban las injusticias de su época, y que tienen resonancia hasta hoy.

Por entonces, también fundó el Museo Nacional del Arte Folklórico Chileno, dependiente de la Universidad de Concepción. Y dio cursos de folklore y recitales en diferentes universidades. Además, su labor artística se diversificó: comenzó a trabajar en cerámicas y a hacer pinturas al óleo.

Debido a una hepatitis cayó en cama. Y como no podía estarse quieta, probó con la tapicería. ¿El resultado? Sus arpilleras, verdaderas explosiones de color que bordaba con lo que tuviera a mano (ya que el dinero le era escaso) y que también eran una forma de protesta. En La rebelión de los campesinos , por ejemplo, plasmó la indignación que le provocaba que los trabajadores (como su abuelo materno) dejaran el alma en el campo, a cambio de lo poco que ganaban.

Qué pena siente el alma

Un 4 de octubre, para un cumpleaños de la artista chilena, llegó a su puerta Gilbert Favre, musicólogo, pintor y carpintero suizo, que se convertiría en el gran amor de su vida. El "gringo", como lo apodaban, era 19 años menor y estaba realizando un recorrido por Chile. En su libro, Ángel Parra, que los presentó, dice que él y su madre "eran dos seres que se andaban buscando". La conexión fue inmediata. Y duró cinco años.

Favre era suave y tosco a la vez. Encontró en Violeta a "una mujer fuerte, creativa, enamorada de su trabajo, libre como el viento". Una mujer apasionada y posesiva, que también conocía la ternura. "Yo soy un pajarito que puedo subirme en el hombro de cada ser humano, y cantarle y trinarle con las alitas abiertas, cerca. muy cerca de su alma?", le escribía ella en una de las cartas que aún se conservan. Mientras Violeta se dedicaba a su trabajo, Favre hacía los bastidores de sus cuadros y mantenía una relación complicada con la música (tocaba el clarinete y la quena). Quería expresarse, pero relegaba su propia búsqueda, aunque lo hacía de buen grado.

En 1964 Violeta Parra se convirtió en la primera latinoamericana que expuso en el Museo del Louvre. En esa época también surgieron canciones combativas, como "Qué dirá el Santo Padre", "Arauco tiene una pena" y "Según el favor del viento". Serían los cimientos de la Nueva Canción Chilena, corriente musical que abrazaron sus hijos Ángel e Isabel, otros artistas como Víctor Jara, Rolando Alarcón, Patricio Manns y grupos como Inti-Illimani, Quilapayún e Illapu.

En 1965, de regreso en Chile, Violeta se instaló en la comuna de La Reina, entonces ubicada en los límites de Santiago, con una carpa grande y vistosa, y la idea de convertirla en un centro de cultura folklórica. Pero no obtuvo la respuesta que quería. La distancia no ayudaba y el público no la apoyó. Sus vecinos tampoco. Se quejaban constantemente del ruido, aunque no hubieran puesto un pie allí.

En una entrevista que había dado en Suiza aquel año, le preguntaron qué medio elegiría de todos los que utilizaba para expresarse. Ella respondió: "Elegiría quedarme con la gente. Son ellos quienes me impulsan a hacer todas estas cosas". La indiferencia del público chileno fue uno de los factores que desencadenaron su muerte. Paradójicamente, el día que murió, miles de personas llegaron hasta su carpa a rendirle tributo? Ya no les quedaba demasiado lejos.

Trabajadora como era, nunca dudó de lo que hacía. Sabía que era una artista única en su tipo: sin formación académica pero dueña de sus propios sonidos. Una compositora notable, que antes de morir elaboró música culta para guitarra, a la que llamó "Anticuecas", y que estaba en la cima de su carrera.

De su tormentosa relación con Gilbert surgieron canciones como "Corazón maldito", "El gavilán", "Qué he sacado con quererte" y "Run Run se fue pa'l norte", entre otras. Pero no pudo retenerlo con canciones. A él se le acabó el amor. Y Viola quedó vulnerable. Sola en una inmensa carpa, donde trabajaba desde la mañana hasta la madrugada, ya fuera en la cocina (haciendo empanadas y anticuchos, y preparando mistelas) o sobre el escenario.

Después de la separación, el "gringo", que fumaba como chino, se fue a Bolivia, donde fundó el conocido grupo Los Jairas, y se casó con otra. "Mi madre no lo retuvo. Al contrario, lo estimuló. La relación estaba mustia, fatigada, lo fue a visitar, convencida de que no habría vuelta atrás. Lo conversamos sin lágrimas de su parte", relata Ángel en su libro. De todos modos, las letras de Violeta dolían por todos lados: "Run-Run se fue pa'l Norte/ yo me quedé en el Sur, al medio hay un abismo/ sin música ni luz". A la vuelta de su viaje se llevó consigo grupos bolivianos que se presentaban en la carpa. A sus hijos, los visitaba cada día. Y en casa de Isabel disfrutaba de escuchar a los Beatles.

Internamente, no daba más. En "Run Run" había escrito "que la vida es mentira, que la muerte es verdad". Estaba desencantada. Y había intentado varias veces acabar con su vida. Hasta que, como dice su hijo Ángel, ese 5 de febrero, el balazo fue el "drástico fin de todos sus tormentos. Drástico. Como le gustaban las cosas a ella".

El bordado para la exposición de la obra plástica de Violeta Parra en el Louvre, en 1964

UN MUSEO CON JARDINERA

A comienzos de 2011 comenzó a construirse, en Santiago de Chile, el Museo Violeta Parra. El edificio constra de dos pisos y tiene formas curvas. Está ubicado a una cuadra de Plaza Italia, punto neurálgico de expresión popular chilena.

Se trata de un proyecto largamente acariciado por la Fundación Violeta Parra que, originalmente, iba a instalarse en otra construcción, frente al Museo de Bellas Artes. El proyecto está a cargo de Undurraga Devés Arquitectos, firma responsable de otras galerías santiaguinas, como el Centro Cultural Palacio La Moneda (CCPLM) y el Museo de Artes Visuales (Mavi).

El museo se extiende en forma longitudinal entre dos calles: Vicuña Mackenna y Corvalán Melgarejo. La entrada, situada en el centro del edificio, da sobre un pasaje peatonal que separará el museo del Consulado Argentino en Chile. "Queremos que sea una calle singular, con un ritmo especial. No un atajo ni un atravieso", comenta Cristián Undurraga, socio fundador del estudio.

La construcción de hormigón visto contará con dos salas de exposiciones en un extremo y, en el otro, un pequeño auditorio. También con una sala de restauración y otra de proyección (con material sobre la vida y obra de Violeta). Los espacios son blancos, para que resalten, por ejemplo, los colores de las arpilleras (que hasta ahora, sólo podían verse en una muestra permanente en el centro de La Moneda. Desde el interior, también se filtrará la luz que entre por la fachada, a través de dos paneles de vidrio que estarán separados por 500 metros cuadrados de mimbre.

El patio tendrá un lugar destacado, con un jardín de flores. Éste contará con "púas" de una parra original que se conserva en la casa de la artista en La Reina (no en la carpa, que se quemó). "Violeta amaba las flores y era celosa de su conservación. En su canción 'La jardinera' nombra una serie de plantas que, seguramente, van a estar presentes acá", comenta Undurraga.

Un dato curioso es que sobre el terreno que se levanta la construcción funcionó durante cinco años la carpa del Gran Circo Teatro, compañía que ha llevado a las tablas por más de 20 años la obra La negra Ester, de Roberto Parra, hermano de Violeta.

El estudio de Undurraga también se encargará de diseñar el Centro Cultural Argentino, que estará enfrentado al museo de Violeta. Ambos se sumarán a un sector rodeado de otros edificios culturales, como la Galería Gabriela Mistral (GAM), y del histórico barrio Lastarria, así como de un puñado de sedes universitarias.

El museo dedicado a Violeta tendrá líneas modernas y elegantes, según lo muestran las maquetas

LOS DEVOTOS DE VIOLETA

Jorge Coulon (Inti Illimani)

"En el caso de Violeta Parra, vigencia e importancia son palabras que pueden intercambiarse: su vigencia se explica por su importancia y viceversa. Si sus canciones se hubieran escrito ayer, tendrían, literaria y musicalmente, la misma actualidad y calidad, pero fueron escritas hace casi medio siglo. Eso, que es muy difícil en el arte, es el secreto no revelado de los genios... Más que en la temática social, la revolución copernicana de Violeta está en haber dado, a la frágil estructura de una canción, la fuerza de un acorazado poético, haber llevado esa sutil forma a una efectividad tal que la trasformó en objetos atemporales, incorruptibles por el tiempo y el progreso. Muchas buenas canciones de su tiempo son hoy apreciables objetos de museo. Sus canciones, incluso en sus versiones originales, siguen siendo una bofetada, un golpe al mentón, una provocación del alma y la inteligencia permanentemente actual. Hay científicos trabajando para reproducir la resistencia de la tela de una araña...la tela de Violeta aún está dando que pensar. Para mí, el álbum más importante es Las últimas composiciones , su testamento y su propuesta para el siglo XXI. Elegir de allí una canción es casi imposible, se trata de pilares fundamentales de todo lo que somos musicalmente los chilenos."

Los Jaivas

"La importancia de Violeta Parra en la música chilena reside en que se trata de una voz auténticamente nacional y de verdadero espíritu. Es una guía fundamental para la identidad y el alma chilenas. Se podría hablar de un antes y un después de Violeta. Su poesía es generadora de inspiración y ejemplo para las futuras generaciones. Cantautora ejemplar, escribe la historia de la música chilena marcándola a fuego y deja una huella imborrable, que permanecerá arraigada eternamente en la cultura de nuestro país. Hay muchas canciones que pueden ser escogidas por su importancia. El álbum Las últimas composiciones , por su depurada producción y sus hermosísimas canciones, puede ponerse en un sitial preponderante. "El gavilán" es desgarradora y hay en su estructura elementos revolucionarios, no sólo para el folklore sino también para la música moderna en general. Nuestro grupo interpretó once canciones suyas (en Obras de Violeta Parra ). De estos temas, elegimos "El gavilán", que nosotros hacemos de manera instrumental."

Víctor Heredia

"Violeta tiene una enorme importancia en el continente y aún más allá de sus fronteras, porque es, junto con Neruda y Nicanor Parra, poeta trascendental de Chile, la voz que expresa un sentimiento popular fidedigno y de increíble estatura lírica. Sus décimas se inscriben entre lo mejor de la poesía latinoamericana. Si tuviera que elegir una canción de Violeta sería la que Mercedes Sosa llevó como estandarte por Europa y toda América como muestra del talento de la chilena: Gracias a la vida'."

VIOLETA REENCONTRADA

En 2008, la edición chilena de la revista Rolling Stone eligió Las últimas composiciones como el mejor álbum chileno de todos los tiempos. Parra grabó esta placa, que contiene himnos como "Gracias a la vida" y "Volver a los 17", junto con sus hijos y el músico uruguayo Alberto Zapicán. Su álbum póstumo, Canciones reencontradas en París (editado originalmente en 1971), también es muy apreciado.

De los numerosos artistas de América y el mundo que han interpretado su obra se destacan los discos: Obras de Violeta Parra (1984), de Los Jaivas; Canto para una semilla (1978), de Inti-Illimani (grupo que también grabó diferentes canciones individuales de la artista) y Homenaje a Violeta Parra (1971), de Mercedes Sosa. Sus hijos Ángel e Isabel también se apropiaron de su repertorio y su nieto, Ángel Parra (Orrego), influyente guitarrista y nombre ineludible de la nueva generación Parra, sacó un disco con las "anticuecas", en 1994. Por su parte, Tita Parra, nieta de Violeta, lanzó una continuación de su trabajo de "décimas", llamado Centésimas del alma (1998).

A comienzos de 2011 comenzó a construirse, en Santiago de Chile, el Museo Violeta Parra. El edificio constra de dos pisos y tiene formas curvas. Está ubicado a una cuadra de Plaza Italia, punto neurálgico de expresión popular chilena.

Se trata de un proyecto largamente acariciado por la Fundación Violeta Parra que, originalmente, iba a instalarse en otra construcción, frente al Museo de Bellas Artes. El proyecto está a cargo de Undurraga Devés Arquitectos, firma responsable de otras galerías santiaguinas, como el Centro Cultural Palacio La Moneda (CCPLM) y el Museo de Artes Visuales (Mavi).

El museo se extiende en forma longitudinal entre dos calles: Vicuña Mackenna y Corvalán Melgarejo. La entrada, situada en el centro del edificio, da sobre un pasaje peatonal que separará el museo del Consulado Argentino en Chile. "Queremos que sea una calle singular, con un ritmo especial. No un atajo ni un atravieso", comenta Cristián Undurraga, socio fundador del estudio.

La construcción de hormigón visto contará con dos salas de exposiciones en un extremo y, en el otro, un pequeño auditorio. También con una sala de restauración y otra de proyección (con material sobre la vida y obra de Violeta). Los espacios son blancos, para que resalten, por ejemplo, los colores de las arpilleras (que hasta ahora, sólo podían verse en una muestra permanente en el centro de La Moneda. Desde el interior, también se filtrará la luz que entre por la fachada, a través de dos paneles de vidrio que estarán separados por 500 metros cuadrados de mimbre.

El patio tendrá un lugar destacado, con un jardín de flores. Éste contará con "púas" de una parra original que se conserva en la casa de la artista en La Reina (no en la carpa, que se quemó). "Violeta amaba las flores y era celosa de su conservación. En su canción La jardinera' nombra una serie de plantas que, seguramente, van a estar presentes acá", comenta Undurraga.

Un dato curioso es que sobre el terreno que se levanta la construcción funcionó durante cinco años la carpa del Gran Circo Teatro, compañía que ha llevado a las tablas por más de 20 años la obra La negra Ester, de Roberto Parra, hermano de Violeta.

El estudio de Undurraga también se encargará de diseñar el Centro Cultural Argentino, que estará enfrentado al museo de Violeta. Ambos se sumarán a un sector rodeado de otros edificios culturales, como la Galería Gabriela Mistral (GAM), y del histórico barrio Lastarria, así como de un puñado de sedes universitarias.

Mauricio Redolés desnuda sus pensamientos antes del show en Antofagasta

2012-02-01T13:51:00.000-03:00

SoyChile

El cantautor nacional se presentará junto a su banda mañana a las 20 horas en el Teatro Municipal de esta ciudad del norte de Chile.

El cantautor nacional Mauricio Redolés se presentará este jueves en el Teatro Municipal, con un show que promete recorrer lo mejor de sus éxitos y sorprender con nuevas canciones inspiradas en temáticas del acontecer nacional.

Es así que a pocos días de su concierto, el músico dio a conocer el cariño y admiración que siente por la capital regional, invitando a todos los antofagastinos a asistir al show que comenzará a las 20 horas, gracias a una gestión de la Corporación Cultural, presidida por la alcaldesa Marcela Hernando.

La venta de entradas para esta presentación tiene un valor de 5 mil pesos y pueden ser adquiridas en el recinto ubicado en calle Sucre 433. Como es la reconocida política de la Corporación, un grupo local acompañará al connotado músico nacional, esta vez el cantautor de San Pedro de Atacama Jorge Castillo será el encargado de abrir el show.

El concierto donde se presentará el artista junto a su grupo Los Simellaman Boys, se enmarca en el ciclo "Al Teatro con Gabriela", que se realizarán durante todo el año en el Teatro Municipal. Además se aprovechará la oportunidad para regalarle un libro de Sergio Gaytán, que narra la vida de Andrés Sabella.

Con ocho álbumes en su carrera, el músico nacional creador de ¿Quién mató a Gaete?, también compartirá escena con artistas locales. "Estoy muy feliz de visitar Antofagasta y poder empaparme del aire de la ciudad", dijo el artista.

Antes de su presentación, Redolés contó cómo es su relación con la ciudad y los músicos locales, habló de actualidad y reveló anécdotas que lo ligan a Antofagasta.

¿Destaca a algún músico de la ciudad?
- Sí, a Pájaro Araya del grupo Huara, para mí el es un gran valor a nivel de toda Latinoamérica, es un gran percusionista, compositor e intérprete. Un hombre que merece mi admiración y bueno, también está Cristian Rodríguez Gómez que es el bajista de mi grupo y es, sin duda, un gran músico.

¿Qué lugar de la ciudad le gusta visitar siempre?
- A mí me gusta mucho el Café del Sol, he tocado ahí muchas veces y es un lugar en el que me gusta presentarme. También, me gusta tocar en las universidades por la cercanía con la gente joven. Los chiquillos y chiquillas bailan y están muy atentos a lo que uno está componiendo, entonces se crea un ambiente muy especial para tocar.

¿Tiene alguna anécdota de sus pasos por Antofagasta?
- Tuve una borrachera que es la más increíble que me pegué en mi vida. De hecho, terminé quedándome en la ciudad por un día más porque perdí hasta el avión.

Además, recuerdo que en uno de mis viajes estuve con alumnos de Geología y fue un momento muy ilustrativo porque ellos me mostraban las capas de tierra que hay en la universidad y me decían éste es un desierto viejo y a eso me causó mucha curiosidad porque la tierra tiene desiertos jóvenes y viejos, como las personas los desiertos también tienen edades y como yo ya estoy viejo, siento que este desierto viejo me llama.

¿Qué opina de la música chilena actual?
- Como todo en la vida, hay cosas que me gustan y otras que no me gustan tanto. Yo soy un gran admirador de los grandes clásicos chilenos como Los Jaivas, Congreso, Inti Illimani y Quilapayún, pero de los artistas más jóvenes soy un gran admirador de Perrosky. Hay cosas que me gustan de todos, Chinoy, Camila Moreno y otros, todos tienen su gracia.

Música chilena

Hay que recordar que desde los comienzos de la historia que hay una lucha permanente de los artistas por hacerse escuchar en los medios de difusión, es una lucha constante. Por ello, llamó a toda la gente a escuchar música chilena y a no quedarse sólo en grupos extranjeros. "En Brasil el 70% de las ventas de discos son de música brasileña, en Chile el 18%. Eso te dice mucho de cómo vemos nuestra música".

Hace uno días realizó un concierto inspirado en el tema Quién Mató a Gaete ¿Cómo estuvo ese show?
- Pedro Gaete, que es el hombre que inspiró esa canción está muy enfermo y en un estado muy preocupante, por lo que sus amigos le hicieron un recital en el Teatro California y ahí estuve yo.

Fue un gran concierto donde participaron diversos artistas como Jorge Yáñez, María Eugenia, Sol y Lluvia, Osvaldo Díaz y muchos otros. En resumen, pasaron una cantidad de compositores que son parte de la historia de la música chilena.

¿Cuál es la historia de la canción Quién Mató a Gaete?
- Yo compuse esta canción inspirado en Pedro Gaete, porque en aquella época de los años 80 existía una canción que se llamaba "Quién mató a Solís" que se escuchaba en las peñas. Ese tema era pedido por la gente, pero nunca más se escuchó. Con el tiempo yo tuve un mánager que era de apellido Solís y cuando ensayábamos siempre le decía ¿Quién mató a Solís? y como al lado de él siempre estaba Pedro Gaete, después le preguntaba ¿Quién mató a Gaete? y nos reíamos mucho con eso. Después me dije tengo que buscar a ¿Quién mató a Gaete? y así, fui creando la canción con ideas de mis amigos hasta que surgió el tema.