• Para Cómo entrenar a tu dragón 2, DeBlois se inspiró en distintas películas como pueden ser El imperio contraataca y Mi vecino Totoro.
• Cómo entrenar a tu dragón está basada en la saga de libros infantiles del mismo nombre, de Cressida Cowell.
• En la escena en la que Desdentao titubea cuando Hipo coloca su mano frente a su cabeza se trata, en realidad, de un error de software, pero a los animadores les gustó tanto que decidieron dejarla así.
• Cada edificación, incluida la fragua de herrero de Bocón, se construyó con interiores completos y funcionales. Para simular décadas de uso de los elementos, se aplicaron detalladas técnicas de envejecimiento.
• La producción se llevó a cabo en Belfast, Irlanda del Norte, ciudad conocida por ser el lugar donde se diseñó y construyó el Titanic. También se grabaron imágenes en las Islas Feroe, Islandia y Escocia.
• Algunos fans han señalado que el diseño y la personalidad de Desdentao recuerdan al de Stitch. Esto se debe a que Sanders y DeBlois comentaron que se inspiraron en el alienígena para darle vida al famoso dragón.

Cómo entrenar a tu dragón. El esperado live action de la película de animación del mismo nombre ofrece una nueva mirada del universo vikingo de Cressida Cowell manteniendo la esencia de la historia. En un panorama desalentador para los remakes en el que se sacrifican partes del alma de la obra original como fue el caso de Mulán (2020) o como ocurrió con El Rey León (2019) donde la inexpresividad en los rostros de los animales te impide empatizar con ellos. Cómo entrenar a tu dragón es una rara excepción. Lo que hace sobresaliente a esta versión no es solo su fidelidad al espíritu de la animación de 2010, sino la manera en que reinterpreta visualmente el vínculo entre Hipo y Desdentao. A diferencia de otros live actions donde los personajes animales o criaturas fantásticas se sienten desconectados del entorno humano, aquí el dragón cobra vida con una expresividad sorprendente, generando una conexión emocional que es un arcoiris en el cielo. El vínculo entre Hipo y Desdentao despierta una fantasía universal: ¿cómo sería tener un dragón como mascota? Volar por los cielos, compartir aventuras, y sentir que tienes a tu lado a un ser poderoso que te entiende sin palabras. No se trata solo de tener una criatura mágica, sino de tener un compañero fiel que te ayude a encontrar tu valor propio. ¡Saldrás del cine deseando poder tener un dragón como mascota!

«En caso de que lo hayas olvidado, la guerra de nuestros padres está a punto de convertirse en la nuestra. Decide de qué lado estás.»

En una isla donde ser vikingo significa matar dragones, un joven se atreve a cambiar las reglas. Hipo, hijo del jefe, sueña con enorgullecer a su padre pero su encuentro con un misterioso Furia Nocturna lo cambiará todo. Lo que comienza con un amago de acabar con su vida se transforma en una amistad imposible. Juntos, humano y dragón desafiarán siglos de tradiciones, miedo y odio.

Además, el casting acierta a la hora de seleccionar al elenco de estrellas, destacando la participación de: Gerard Butler y la nueva promesa del cine, Mason Thames. Los actores logran canalizar la energía, inseguridad y valentía de sus personajes animados sin parecer imitaciones forzadas. La dirección también se aleja del tono excesivamente épico de otras adaptaciones modernas y opta por una narrativa íntima, centrada en el crecimiento personal, la empatía y la búsqueda de identidad, tal como lo hace la versión animada.

Conclusión: Cómo entrenar a tu dragón es una lección de cómo se debe hacer un live action: con respeto, sensibilidad y una verdadera comprensión del alma de la obra. Una historia de valentía, amistad y libertad que te hará mirar al cielo deseando tener un dragón.

• El entrenamiento de Ana de Armas fue riguroso, incluyendo 90 minutos diarios de fuerza, cuatro a cinco horas de acrobacias, práctica de tiro y correr en cinta con chaleco con peso.
• Ana de Armas pidió reescribir el guion: En entrevista con ‘Elle’, Ana de Armas reveló que no se sentía cómoda con el guion original de ‘Ballerina’, escrito solo por hombres. Por eso, decidió contratar a Emerald Fennell (‘Promising Young Woman’) para aportar una perspectiva femenina y fortalecer la historia desde el enfoque del personaje.
• Los eventos ocurren entre ‘John Wick 3’ y ‘John Wick 4’.
• Lance Reddick hace su última aparición en pantalla: El actor, conocido por interpretar a Charon en la saga principal, falleció antes del estreno de ‘Ballerina’, pero su papel en la película ya estaba grabado.

´Ballerina´ el esperado spin-off del universo John Wick. Un evento que ocurre entre John Wick 3 y John Wick 4 que cumple con lo que promete: una coreografía imparable de acción que rara vez se detiene a tomar aire y decir unas palabras. El diálogo es escaso. Aquí el lenguaje es el movimiento. No reinventa el género pero Ana de Armas impone una nueva forma de protagonizarlo. Su personaje aporta una combinacion de fragilidad y furia que logra imprimir una identidad propia a la película. Demuestra que puede liderar una franquicia, y lo hace sin depender de la sombra de John Wick. En otras palabras: no lo echamos de menos, porque esta historia sabe cómo bailar sola. John Wick ha conseguido una excelente heredera al trono.

La película comienza con una escena íntima y emotiva entre un padre y su hija, un respiro breve antes de que la violencia irrumpa sin piedad. Un grupo de asesinos, liderados por el frío y despiadado Chancellor, irrumpe y lo destruye todo. Aunque la joven logra escapar, su padre muere, y ese trauma marcará su destino. Años después, bajo la guía de la Directora, Rooney es entrenada para convertirse en una bailarina letal: una asesina de élite, lista para enfrentarse al pasado y cobrar venganza.

Las escenas de acción son, sin duda, el alma de la película. Cada combate está coreografiado como una danza visualmente hipnótica. Aquí la cámara respeta al cuerpo y su movimiento, permitiendo que el espectador sienta el impacto de cada golpe y la tensión de cada enfrentamiento.

Visualmente, la película brilla. La fotografía apuesta por una paleta fría, neón y contrastada, que recuerda al cine noir moderno. Y la academia de la Directora es un personaje más.

Conclusión: una cinta pensada para los amantes del cine de acción y de las organizaciones criminales que John Wick ha sabido construir. El espectador solo tiene que ser fan de las películas de acción para poder disfrutarla porque de eso se trata Ballerina: de una cadena de escenas espectaculares de acción y poco diálogo.

• En el live-action, el antagonista principal no es Gantu, sino Jumba.
• La Sra. Kekoa es un personaje original: Esta trabajadora social es un personaje original de la versión live-action, no presente en la película animada.
• El disfraz de drag de Pleakley se eliminó.
• Si el personaje de Cobra Bubbles se te hace conocido es porque está inspirado en Marsellus Wallace, uno de los personajes de Pulp Fiction, el clásico de Quentin Tarantino.
• Inicialmente se pensó en Ving Rhames para interpretar a Cobra Bubbles, ya que fue quien dio voz al personaje en la película original. Sin embargo, tuvo que rechazar la oferta por motivos de agenda

Disney continúa su cruzada por reinterpretar sus clásicos animados en acción real, y esta vez le ha tocado el turno a Lilo & Stitch (2002), una de las películas más queridas por su original mezcla de ternura, humor y profundidad emocional. La nueva versión de 2025 mantiene el espíritu del original, pero busca modernizar la historia con una estética renovada y un enfoque más íntimo en los vínculos familiares. Muchos de los cambios a pesar de haber sido objeto de critica son entendibles (falta de presupuesto), excepto, el hecho de que eliminaran el disfraz de drag de Pleakley; un detalle que en la versión animada no solo era fuente de humor, sino también una sutil pero valiosa representación de fluidez de género y libertad de expresión. Resulta curioso —e incluso contradictorio— que Disney, que defendió con firmeza la elección de una actriz negra para interpretar a Ariel en La Sirenita (2023) apelando a la inclusión y la representación diversa, haya optado por borrar un rasgo que en su momento posicionó a Pleakley como un personaje adelantado a su tiempo. La censura del lado más expresivo y no normativo de Pleakley parece un retroceso, sobre todo en un contexto actual donde la representación LGTBQ+ sigue siendo escasa en el cine familiar mainstream.

«A veces las familias no son perfectas pero eso no significa que no sean buenas»

En el live-action el carismático extraterrestre conocido como Stitch, de nuevo, se estrella en una paradisíaca isla hawaiana, donde es adoptado accidentalmente por Lilo, una niña solitaria pero muy empática. A través de sus desventuras, ambos aprenderán que «ohana» no es solo familia, sino tambien la voluntad de permanecer juntos incluso cuando las cosas se ponen dificiles. Es compromiso, aceptación y amor incondicional. Ofrece una lección valiosa para los más pequeños, especialmente para aquellos que han sido adoptados o están creciendo en estructuras familiares no tradicionales. El mensaje de que ser parte de una familia no depende de la sangre, del parentesco ni de venir del mismo lugar, sino de aceptarse y elegirse todos los días, tiene un poder emocional que traspasa la pantalla.

Lilo & Stitch siempre ha sido, para mí, uno de los clásicos más especiales de Disney. Aunque resulte difícil de creer viniendo de alguien que hoy tiene una comunidad de más de 20.000 personas, lo cierto es que siempre he tenido problemas para hacer nuevos amigos. De niña, era de esas personas que se sentía “rara”, diferente, como si no hubiera un lugar claro donde encajar. Y entonces apareció Lilo. Una niña incomprendida, solitaria, que vivía en su propio mundo, pero que también conservaba una enorme capacidad de amar, de soñar, de crear conexiones reales. En ella encontré una figura con la que me identifiqué. Me hizo sentir que un día encontraría un pequeño grupo de personas que me aceptaría como soy. Que la soledad no era permanente, y que ser diferente no era un defecto, sino una forma distinta de estar en el mundo. Eso es lo que hace grande a Lilo & Stitch. No es solo una historia sobre alienígenas y familia; es una película que le habla a todos los que alguna vez se sintieron fuera de lugar. Y lo hace con ternura, sin juicios, y con una sencillez que llega directo al corazón.

Conclusión: Lilo & Stitch logró algo que pocas películas consiguen: al encenderse las luces de la sala, una fila entera de niños se levantó de sus asientos no solo para aplaudir, sino para bailar, sonreír y abrazar con fuerza a sus peluches de Stitch. Cuando una película despierta tal alegría en los más pequeños, es que algo verdaderamente especial ha ocurrido en la pantalla.

• Finalmente, se nos revela la identidad del misterioso hombre de la funeraria: se trata de William, el niño que sobrevivió a los sucesos ocurridos en los años 60. Esta revelación explica su conexión con las películas anteriores.
• Hasta ahora, la única persona en todo el universo de la saga que ha logrado vencer a la muerte es Kimberly Corman, la protagonista de Destino Final 2.
• Tony Todd, el actor que interpretó a William, falleció tras concluir el rodaje de la cinta

Destino Final: Lazos de sangre está ambientada en 1968, mucho antes de los eventos de las entregas anteriores, lo que la convierte en una precuela que revela el origen de la historia. Comienza con un espectacular prólogo en los años sesenta, en el que vemos a una joven Iris (Brec Bassinger) yendo con su novio, Paul (Max Lloyd-Jones) a un nuevo restaurante en lo alto de una torre recién inaugurada. Yo ya estaba nerviosa solo con la vista. Lo que parece una cita romántica y emocionante rápidamente se convierte en una pesadilla: un gesto tan simple como lanzar una moneda marca el inicio de una cadena de eventos que desembocan en muertes creativas, sadicas y visualmente impactantes.

¿O tal vez no? Porque décadas después, la historia da un salto hasta el presente y nos centramos en Stefani Reyes, la nieta de Iris, quien desde hace meses sufre de insomnio por culpa de una pesadilla recurrente: sueña una y otra vez con los eventos del prólogo, despertando siempre con un desgarrador grito.

El prologo es sinduda uno de los puntos mas fuertes de la pelicula. No solo cumple con las expectativas, sino que las supera con creces. No recurre al caos inmediato como otras entregas, sino que se toma su tiempo, lo que la hace más realista y perturbadora. Cada pequeño detalle parece tener una intención, como si el desastre se armara paso a paso delante de nuestros ojos. Y cuando todo finalmente estalla, lo hace de forma brutal y sorpresiva, pero completamente lógica dentro de su mundo. Diría que esta premonición no solo es de las más impactantes, sino también de las más inteligentes y mejor orquestadas de toda la franquicia. No es solo un accidente espectacular, es una declaración de intenciones: La Muerte viene mucho mas inteligente, paciente y creativa.

Esa es una de las diferencias clave respecto a entregas anteriores. En Lazos de Sangre, la Muerte no es un ente que actua al azar, es un cazador silencioso que planea cada movimiento con paciencia. Se siente omnipresente, como una amenaza constante que se cierne sobre los personajes (y sobre nosotros). Me hizo sentir que estaba siendo acechada por algo que no podía ver, pero que estaba siempre ahí, esperando.

«Pienso disfrutar del tiempo que me queda. Les sugiero que hagan lo mismo. La vida es preciosa. Disfruten cada segundo«.

Uno de los mayores logros de esta película es su capacidad para transformar lo cotidiano en algo aterrador. Cada objeto que aparece en pantalla —un vaso, un balón— deja de ser inocente. La cinta consigue que miremos cada escena con desconfianza, anticipando el desastre. Nos atrapa en una tensión constante, convirtiendo lo ordinario en potencialmente letal. Algo que me gustó especialmente fue esa reacción física que pocas películas logran provocarme: varias veces me tapé la cara con las manos. Quería mirar, pero al mismo tiempo no quería ver lo que estaba a punto de pasar. Esa mezcla de curiosidad y miedo me tuvo en vilo todo el rato, y creo que ahí es donde la película acierta de lleno: te hace sentir incómodo, pero no puedes dejar de mirar.

Conclusión: Es una película que consigue que lo cotidiano se transforme en amenaza y que el miedo se sienta en cada detalle.

• Hace unos años, durante una visita a Bergen, Noruega, el guionista Will Tracy tomó un bote para cenar en un exclusivo restaurante situado en una isla privada. Al llegar y sentarse, vio cómo el bote que los había dejado se alejaba, dejándolos sin forma de salir por varias horas. En ese momento, comenzó a imaginar qué ocurriría si algo saliera mal. Inspirado por esa inquietud, compartió la idea con Seth Reiss, y juntos escribieron una sátira centrada en un menú de degustación en un restaurante de lujo.
• El guion llegó a manos de Mark Mylod, quien se sintió atraído de inmediato. Mylod, reconocido por su trabajo en series como Game of Thrones y Succession, ya había colaborado previamente con Will Tracy en un episodio de esta última.
• Se inspiraron en varios restaurantes de renombre para diseñar el set y los platos, como Fäviken de Magnus Nilsson, elBulli de Ferran Adrià, The French Laundry de Thomas Keller y Noma de René Redzepi.
• Para crear platos que los actores pudieran comer, los realizadores colaboraron con la chef Dominique Crenn, galardonada con tres estrellas Michelin por su restaurante Atelier Crenn en San Francisco.
• Juan Contreras, socio y chef pastelero de Dominique Crenn, fue el encargado de cocinar y presentar los platos en pantalla. También colaboraron con la estilista culinaria Kendall Gensler, quien adaptó cada platillo para lucir bien en cámara y bajo la iluminación del set.
• El chef local de Savannah, John Benhase, fue convocado para entrenar al equipo en el uso de cuchillos, técnicas de emplatado y protocolo de cocina. Gran parte del personal fue interpretado por actores locales con experiencia en gastronomía.
• Anya y Nicholas Hoult, se prepararon para sus papeles viendo el show de Netflix, ‘Chef’s Table’.
• Anya improvisó la bofetada que su personaje le da a su “cita”.

‘El menú’. El menú es una deliciosa y venenosa sátira sobre el mundo de la alta cocina, esa burbuja de pedantería donde la estética y la experiencia sensorial pesan más que el sabor o la saciedad. La película desnuda con inteligencia y crueldad un universo en el que los platos parecen diseñados más para Instagram que para alimentar. Aquí no se trata de comer, sino de poder decir que uno estuvo allí. El restaurante de élite que retrata la cinta no alimenta estómagos, sino egos. Tanto chefs como comensales son farsantes que participan en una farsa cuidadosamente coreografiada. La película encuentra un buen punto medio entre la sátira y el “food porn”: todo lo que se ve en pantalla es tan bonito y apetitoso que casi te llena solo con mirarlo. Pero detrás de esa puesta en escena tan cuidada, hay una crítica fuerte a los rituales vacíos de una élite que parece haber olvidado lo que realmente significa disfrutar de la comida.

La película comienza cuando los comensales suben a un barco que les llevará hasta una isla apartada para cenar en un restaurante exclusivo donde el chef Julian Slowik (Ralph Fiennes) en búsqueda de una experiencia culinaria única. Entre ellos, Tyler (Nicholas Hoult) y Margot (Anya Taylor-Joy). El primero representa al foodie más pedante del planeta, dispuesto a soportar cualquier humillación con tal de sentirse parte de ese mundo elitista y la segunda, a una persona corriente que puede tomar distancia de las ridiculeces de ese mundo. Sin embargo, lo que al principio parece una cena de lujo pronto se transforma en un espectáculo inquietante, donde cada plato esconde un comentario punzante sobre el culto a la alta cocina, la desigualdad de clases y la obsesión por la autenticidad.

El menú usa la ironía para reírse de todos, no solo de la clase alta que apela a ciertos consumos como proyección de poder, sino también de los críticos y de ese público snob que tiende a sobreanalizar todo lo que consume en vez de disfrutarlo. De esta manera, va exponiendo de forma gradual el sinsentido del acto mismo de servir a otros, planteando dilemas sobre el valor de lo que se compra, el absurdo del poder adquisitivo frente a un arte tan refinado que solo quien acceda a una cierta categoría económica puede degustar.Se plantean así preguntas incómodas: ¿Puede el arte —en este caso, la alta cocina— tener sentido en un mundo donde quienes lo consumen rara vez poseen las herramientas emocionales o intelectuales para valorarlo?

«Buenas noches. Bienvenidos a Hawthorne. Será un placer darles de comer. Durante las próximas horas, comerán grasas, sal, proteínas y, a veces, todo un ecosistema».

Así, la comida funciona como metáfora de cómo consumimos cultura, placer y poder. La película pone sobre la mesa —nunca mejor dicho— preguntas incómodas: ¿quién decide qué es arte?, ¿por qué algunas formas de consumo cultural se consideran más valiosas que otras?, ¿y por qué ese arte, especialmente cuando es conceptual o sofisticado, parece estar hecho solo para una élite que dice “entenderlo”? Ahí es donde entra Margot, el personaje de Anya Taylor-Joy, quien se atreve a decir en voz alta lo que muchos piensan en silencio.

Conclusión: El menú nos invita a cuestionar qué consumimos, por qué lo hacemos y, sobre todo, si de verdad lo estamos disfrutando.

• Fue dirigido por Oh Choong Hwan, director conocido por obras como “Hotel Del Luna”, “Doctors”, “While You Were Sleeping” y “Start-Up”.
• Gucheon se trata de una ciudad ficticia.

Big Mouth es un k-drama de misterio protagonizado por Lee Jong-suk en el papel de Park Chang-ho, un abogado con un índice de victorias prácticamente inexistente. Muchos lo reconocerán por su rol en Romance is a Bonus Book, aunque aquí ofrece una interpretación muy distinta. La serie arranca cuando Chang-ho se ve involucrado en un caso de asesinato y, de manera inesperada, es acusado de ser el temido estafador conocido como “Big Mouse”. Mientras lucha por limpiar su nombre con la ayuda de su esposa y algunos aliados, irá descubriendo que, tras la fachada impecable de la ciudad de Gucheon, se esconde una red de corrupción manejada por hombres poderosos para quienes el dinero y el poder lo son todo.

«¿Sonreirías después de ser tratado como un ratón de laboratorio? Quien golpea olvida, pero quien es golpeado recuerda para siempre».

En la línea de Vincenzo, este drama comparte ciertas similitudes: ambos presentan protagonistas que deben enfrentarse a grandes corporaciones corruptas, antagonistas de doble cara y tramas donde nada es lo que parece. Los giros narrativos y la ambigüedad moral logran que el espectador dude constantemente de las intenciones de cada personaje.

Uno de los puntos más destacados de Big Mouth es su capacidad para sostener el misterio central a lo largo de buena parte de la historia. A pesar de los giros, pistas falsas y teorías posibles, nunca llegué a descubrir la verdadera identidad de “Big Mouse” hasta que la serie lo reveló, lo que habla muy bien del manejo del suspenso y la construcción narrativa. Ese equilibrio entre tensión, incertidumbre y revelaciones mantuvo mi atención capítulo tras capítulo.

Sin embargo, hacia la mitad de la serie, el ritmo se vuelve algo irregular. Algunos episodios dan la sensación de ser repetitivos o de relleno, sin aportar mucho a la trama principal. Además, aunque la evolución de Park Chang-ho —de abogado torpe a figura respetada y decidida— resulta convincente, varios personajes secundarios quedan desaprovechados. Muchos de ellos son utilizados únicamente como herramientas para hacer avanzar la historia, sin que se profundice en sus motivaciones o desarrollo personal. Sin entrar en spoilers, diré simplemente que algunos de sus desenlaces resultan abruptos.

Conclusión: Big Mouth es ideal para quienes disfrutan de thrillers con misterio, críticas sociales y tramas cargadas de poder, corrupción e intrigas. Si te atraen las series que te hacen cuestionar constantemente en quién confiar, este drama probablemente te atrapará.

• Boiled y Obiguro hacen una referencia a Léon y Mathilda protagonistas de la pelicula El perfecto asesino.

´Sakamoto Days’. Es un anime basado en un manga escrito e ilustrado por Yuto Suzuki. El personaje principal es Taro Sakamoto (una combinación de varios arquetipos: El guerrero letal retirado y el bufón invencible. Además tiene toques de mentor sabio y pacifista forzado) un exsicario que antiguamente trabajó para la Organización. Esta organización la forman algunos de los asesinos más peligrosos del mundo. Muchos de ellos presentan habilidades especiales y algunos son incluso más letales que Sakamoto.

Taro Sakamoto, antes de retirarse, fue un famoso y temido asesino a sueldo conocido por su habilidad y destreza en el combate, lo que le hizo ser una leyenda en su campo. Tras formar una familia con Aoi, Sakamoto decide volverse un hombre de familia y vivir una vida tranquila. Así comienza el anime, con un protagonista regentando una pequeña tienda de comestibles, conocida como «Sakamoto Store». Lo interesante es cómo estos antiguos compañeros de la organización siguen buscando a Sakamoto ahora que él ha dejado ese estilo de vida. Su pasado como asesino lo persigue, y le obliga a regresar a la acción, a pesar de querer vivir en paz.

Uno de los puntos más positivos del anime es el equilibrio perfecto entre comedia y violencia. Suzuki demuestra que ambos géneros pueden coexistir. Otro punto positivo es que el elenco de secundarios es un reflejo de lo que Sakamoto fue o pudo ser, representando una faceta distinta del mundo del crimen. Cada uno lleva su arco de personaje. Añado tambien que si bien muchos capítulos pueden verse de forma autoconclusiva, cada encuentro deja consecuencias claras, tanto en la progresión del conflicto central como en el desarrollo emocional de los personajes. Por ultimo, quiero hace una mención a las escenas de combate: son dinámicas y muy creativas en términos de coreografía. Más importante aún, no existen por sí solas: cada pelea revela algo del personaje, del mundo, o del conflicto ético.

«Ser fuerte no significa pelear todo el tiempo, a veces significa saber cuando no hacerlo»

Conclusión: El contraste entre su vida cotidiana y su pasado como asesino hace que la trama de Sakamoto Days sea muy interesante, ya que mezcla acción con comedia.

Mario Puzo nació en 1920 en Nueva York en el seno de una familia de origen italiano. Sus dos primeras novelas tuvieron una excelente acogida, pero su consagración definitiva llegó con la publicación de El Padrino en 1969. Su labor como guionista de El Padrino I y El Padrino II, dirigidas por Francis Ford Coppola, le valió dos Oscar.

• El último Don.

• El Padrino
• El Siciliano
• El Último Don
• Omertá
• Los Borgia
• La Mamma
• Los Tontos Mueren

El Último Don. Novela escrita por Mario Puzo y publicada en 1996, es otra nueva muestra de su insuperable talento para tejer tramas adictivas que mantienen al lector enganchado hasta altas horas de la noche. Puzo tiene una capacidad única de retratar el poder en todas sus formas, ya sea en el ámbito empresarial, criminal o familiar, mientras explora de manera apasionada los lazos de sangre y la lealtad. Estas dos constantes en su obra, siguen siendo un ejemplo. Además, la construcción de personajes de personalidades complejas y bien definidas, que actúan bajo códigos y reglas ajenos a la sociedad común, hace de El Último Don una obra que no solo entretiene, sino que también puede ser una lección magistral para todo aspirante a escritor.

«Todas esas cosas y el amor que el mundo le profesaba no le bastaban. Conocía su fealdad interior. Había una persona que no la quería, y el hecho de saberlo era para ella un motivo de sufrimiento. Era la personificacion de la actriz que se desespera cuando es objeto de cien críticas positivas y de una sola muy negativa».

La novela cuenta con varias historias; todas ellas se entrelazan entre sí, convergiendo en un clímax satisfactorio que culmina en un final brillante. Puzo alterna entre el mundo del cine y los casinos de Las Vegas, mostrando la participación de la mafia en ambos. Esta fusión de poder, glamour y crimen crea un telón de fondo fascinante.

Los personajes de El Último Don se definen por sus deseos y ambiciones; ninguno de ellos resulta plano o predecible. Mi favorito es Cross, una figura compleja y llena de matices. Sin embargo, no puedo dejar de destacar a un personaje secundario que me cautiva de forma especial: Lia Vazzi. Su magnetismo emana tanto de su intrigante trasfondo como de la fuerza que exhibe en el presente, al punto de que bien podría sostener una novela por sí sola. Lamentablemente, el personaje de Vazzi queda confinado exclusivamente a esta historia: una novela independiente dentro del universo narrativo de Puzo.

Conclusión: El Último Don una obra que no solo entretiene, sino que también puede ser una lección magistral para todo aspirante a escritor.

Won-pyung Sohn nació en 1979 en Corea del Sur y ha desarrollado una trayectoria profesional como escritora de novelas y como directora de cine. Sus premisas suelen ser sorprendentes, a medio camino entre la fantasía y la realidad, pero con su primer libro, Almendra, se ciñó a una enfermedad real y logró su mayor éxito literario hasta la fecha. El impulso, una historia sobre las segundas oportunidades, es su novela más reciente

• Almendra

• El impulso.

«Almendra» es una novela coreana escrita por la autora surcoreana Won-Pyung Sohn. Leer Almendra es como meter un caramelo en la boca y hacerlo rodar lentamente con la lengua, saboreando el dulzor mezclado con el salado de la sangre que brota de las pequeñas heridas provocadas por las aristas del propio caramelo. Quieres conocer el final, pero al mismo tiempo no quieres que llegue, siendo una de esas lecturas que no dejan indiferente y que, sin duda, tengas la edad que tengas, vas a disfrutar.

En realidad, estaba claro cuál era la causa del problema de mi sesera: habia tenido mala suerte. Al fin y al cabo, la suerte es la culpable de muchas cosas tremendas que ocurren en el mundo».

Almendra se centra en la vida de Yunjae, un joven que sufre de alexitimia. Nuestro protagonista es un niño incapaz de sentir emociones, una premisa como minimo interesante. Te lo advierto: no podrás soltar el libro. Es como el anuncio de las patatas Pringles, «Una vez empiezas, ya no hay stop». Querrás pensar con su cerebro y ver con sus ojos. Aprender de él tanto como él aprende de un amigo de su madre, de una chica capaz de causar insomnio, e incluso de un abusón con más afinidad de la esperada.

Almendra es una novela breve, conmovedora y reflexiva que trata temas complejos con sensibilidad.

Cristina Pedroche (Madrid, 1988) es una de las personalidades más conocidas y magnéticas de la televisión. Su fama se disparó de manera fulgurante tras aparecer en el programa Sé lo que hicisteis con apenas veintiún años. Desde entonces, su crecimiento y recorrido en diferentes medios de comunicación, como colaboradora y conductora de diversos programas, ha sido imparable. Su popularidad en redes sociales la ha convertido en una de las mujeres más influyentes de este país, como creadora de contenido e imagen de muchas marcas, que han depositado su confianza en ella. Desde que en 2014 se pusiera al mando para dar la bienvenida al nuevo año en Atresmedia, Las campanadas se han convertido en todo un acontecimiento gracias a su presencia. Gracias al miedo es su primer libro.

• Gracias al miedo.

‘Gracias al miedo’. Es el debut literario de Cristina Pedroche, donde muestra las dos caras de la maternidad. Esta es una historia de superación, narrada desde su experiencia personal, en la que relata de manera íntima y vulnerable lo que significó para ella quedar embarazada siendo una figura publica. Con una pluma sencilla y honesta, Pedroche se expone como nunca antes, revelando no solo sus fortalezas sino, sobre todo, sus debilidades.

La autora se acerca al lector compartiendo sus miedos, aquellos que surgieron durante el postparto y tras el nacimiento de su hija Laia, así como su alegría, la misma que la ha acompañado durante más de diez años de matrimonio. Sin embargo, el libro también aborda el odio que puede recibirse a través de las redes sociales y la importancia de buscar ayuda profesional cuando uno no se siente bien.

En «Gracias al miedo», Cristina Pedroche nos invita a conocer su viaje personal de maternidad, mostrando que, aunque vulnerable, cada paso es una prueba de su valentía y resiliencia.