Questão Fundamental

Sob o domínio do medo

2012-01-12T06:55:00.006-03:00

Straw dogs

Sob o Domínio do Medo (Straw Dogs – cachorro de palha, em uma tradução literal) é uma refilmagem. O original é de 1971, dirigido Sam Peckinpah, com Dustin Hoffman interpretando o protagonista. Eu estava esperando assistir o antigo primeiro para só em seguida escrever sobre a nova versão de 2011. Já está no HD, ainda inédito aos meus olhos, mas vamos em frente. Este filme é pura tensão, desde o início. Que nos leva a uma desequilíbrio constante. Não dá para respirar tranquilo enquanto não chega ao fim.

A história conta a chegada de um roteirista de Hollywood, David Summer (James Mardsen), em uma pacata cidade do interior do sul dos Estados Unidos, com a sua esposa, Amy (Kate Bosworth) uma jovem atriz e, talvez a mais ilustre personalidade do lugarejo. Ela havia herdado uma propriedade do seu pai e resolveram passar uma temporada na cidade e aproveitar a tranquilidade da região. Nada como escrever um novo roteiro no silêncio do campo.

Mas a tão almejada tranquilidade rapidamente se dissipa. Logo que chegam ao local a Amy, considerada uma celebridade por todos da cidade, principalmente os homens, por seu trabalho em um seriado de TV, é visivelmente cobiçada. E ela não se nega de lançar boas doses de sensualidade ao meio, como se divertisse em atrair as atenções masculinas. Entre estas, a de um ex-namorado (Alexander Skarsgard), que se acha ainda no direito de se insinuar para Amy.

Na trama não falta também o valentão do bar, que não aceita o assédio de um homem, com distúrbios mentais a sua filha, e o espanca rotineiramente, sob o pretexto de mantê-lo afastado. Aparentemente descontextualizada, essa subtrama, no entanto, assume importância fundamental no desfecho da história, mostrando bastante engenhosidade na concepção do roteiro. Um inserção orgânica e convincente.

A tensão, mobilizada por Amy amplia-se de proporção a medida em que ela resolve provocar os quatro trabalhadores contratados para consertar a coberta da garagem de sua propriedade, entre esses o seu ex-namorado. Por conta de uma discussão com o marido, Amy troca-se de janela aberta, na altura do telhado, encarando aqueles homens, em trajes de serviço. Isso desperta a sanha machista dos trabalhadores que tramam de alguma forma satisfazer os instintos. A partir desse ponto, não há monotonia. O público antecipa o que está prestes a explodir, enquanto David apenas suspeita que algo não está correto, nas relações de sua esposa com os habitantes da cidade, notadamente os homens.

Os trabalhadores, com a evolução da história, sentem-se cada vez mais a vontade na propriedade, já que estão em maior número e são visivelmente mais condicionados fisicamente que o roteirista. Com isso, aprofunda-se um processo de intimidação e o cerco a Amy. E nada parece deter o curso dos acontecimentos, nos levando a um desfecho com forte carga dramática. Soma-se a isso, uma possível crise do casal, que volta e meia trocam acusações entre si. ele visto por ela como um covarde por não enfrentar os caras que a assediam e ele por considerar o comportamento de sua esposa excessivamente sensual, principalmente em uma cidade pequena, do sul dos EUA.

Vale aqui dizer que o filme original escandalizou o público e a crítica da época, por sua violência em cenas explícitas. A refilmagem, que foi baseado no mesmo livro Straw Dogs não deixa nada a desejar nesses dois itens. Apesar de os roteiristas serem outros, a montagem da história se deu de forma linear, meio que abandonando a tendência atual de histórias pontuadas de flashbacks, que muitas vezes me entediam. Um bom filme que merece ser visto por todos e principalmente por quem curte histórias contadas com primor.

Diretor: Rod Lurie
Elenco: Kate Bosworth, Alexander Skarsgård, James Marsden, James Woods, Dominic Purcell
Produção: Marc Frydman, Rod Lurie
Roteiro: Rod Lurie, baseado na obra de Gordon Williams
Fotografia: Alik Sakharov
Trilha Sonora: Larry Groupé
Ano: 2011
País: EUA
Gênero: Suspense

Tomboy

2012-01-10T10:01:00.003-03:00

Tomboy é a expressão em inglês que designa meninas que se vestem e se portam como meninos. E é assim que a protagonista deste filme, Laura (Zoé Héran) é, é apresentada. Logo na primeira cena, ela está com o pai, que dirige o carro, quando é colocada no coloco para assumir o volante, coisa que se faz, geralmente com os filhos e não com as filhas. A família está de mudança para os arredores de Paris.

Ao chegar em seu novo endereço, Laura assume para as crianças da vizinhança a personalidade masculina e se apresenta como Michel. A sua aparência e as vestimentas a auxiliam a desempenhar esse papel. Logo é aceita nas brincadeiras dos meninos e mais que aceita por Lisa, uma menina que se apaixona pelo novo “menino” do quarteirão.

Tomboy é bem rápido. Em pouco mais de 70 minutos toda a trama e desenvolvida, mostrando a vida de uma jovem, com pouco mais de 10 anos, que não aceita muito bem a sua condição feminina. Mas isso, no lar, passa a ser um segredo entre ela e a irmã mais nova. A questão da homossexualidade é só arranhada pela trama. Ela apenas demonstra uma satisfação mínima ao ser beijada por Lisa.

Por se tratar de uma criança, ficamos na dúvida se o papel masculino escolhido por Laura é apenas uma tentativa de ser aceita pelo grupo de meninos, ou se há mesmo inclinações mais acentuadas para o lesbianismo. O filme foge dessa questão, e procura apenas apresentar o caso, sem buscar origens ou respostas definitivas.

Roteirizado e dirigido por Celine Sciamma (Lírios D’água), Tomboy tem uma pegada suave, sem procurar nos desestabilizar de nossa função de público. Apesar de ter um cenário contemporâneo, o filme nos remete ao tempo que os pais eram capazes de dar o ajuste necessário à personalidade dos filhos, sem recorrer a psicólogos, ou ficar pondo as mãos nas cabeças e perguntando aonde erraram na educação de suas crias. É um filme interessante, mas que a sua maior virtude, não produzir julgamentos nem apontaram culpados, talvez seja também a sua maior fragilidade.

Um conto chinês

2012-01-09T11:01:00.005-03:00

Minha professora de roteiro Juliana Reis falou que depois de Freud nenhuma personagem de qualquer história pode ficar sem uma explicação sobre os seus comportamentos. É preciso dar algum sentido a aquela personalidade. Em Um Conto Chinês, o roteiro procura explicar Roberto (Roberto Darin), um personagem misantropo, de mau com a vida, e extremamente metódico, ao ponto de apagar a luz religiosamente somente quando o relógio assinala 23 horas, nem um segundo a mais ou a menos; como um trauma com a guerra das Malvinas. Onde combateu, nos meados dos anos 80.

Dono de uma loja de ferragens em Buenos Aires, Roberto nunca tem tempo para ninguém. Solitário em seu estabelecimento, está sempre ocupado com o estoque ou o atendimento de algum cliente. Nunca troca um número de palavras além do necessário, estritamente necessário. Tudo segue a mais monótona rotina, até que durante um tempo de folga, quando se diverte solitariamente vendo aviões descendo no aeroporto (que coisa mais paulista!), depara-se com um chinês sendo expulso de um taxi, depois de ser assaltado.

Não tendo outra coisa a fazer, Roberto acaba socorrendo Jun, o chinês que não fala uma gota de espanhol, mas que irá transformar a sua vida. O estrangeiro está em busca de seu tio que residiria em Buenos Aires. Só que não é encontrado no endereço que tinha. Já havia deixado o local há mais de dois anos. Roberto tenta então deixá-lo na embaixada ou na delegacia de polícia, sem sucesso. O jeito é levá-lo para casa, a muito contragosto. Por alguma razão inexplicável, aquele ser birracento, revoltado com o mundo acolhe o chinês em sua casa e se vê obrigado a mudar a sua rotina e começa lentamente ele mesmo também se transformar, por forças das circunstâncias.

O filme continua com uma busca incessante ao tio de Jun, que não sabe aonde está. Nem mesmo se está em algum lugar. Este é o pano de fundo que dá cenário às alterações que vão ocorrendo a passos lentos na vida de Roberto. Como todo filme baseado em fatos reais, a gente percebe problemas, como a falta de nós dramáticos que dêem alguma movimentação maior às cenas. Tudo é muito seco, e até mesmo a escolha da trilha sonora é preocupante. É a única alteração que se percebe na evolução da história. Como se a música extradiegética quisesse mostrar alguma mudança que de fato não acontece na tela.

Dos filmes que assisti com Darin, esse seja talvez seja o mais fraco. Nada que se aproxime do maravilhoso Segredo dos Seus olhos ou de o Pai da Noiva. Eu debito isso, em grande parte, ao fato de ser baseado em fatos reais. A realidade não raras vezes carece da dramaticidade que uma produção cinematográfica precisa para fugir dos lugares comuns. É o tipo de filme que ninguém precisa assistir, salvo por mera curiosidade. Cinema argentino também tem suas produções medíocres, é minha conclusão.

Precisamos falar sobre Kevin

2012-01-08T13:27:00.007-03:00

We need talk about Kevin

Precisamos falar sobre Kevin é tenso. Desde as cenas iniciais. No princípio, nós somos levados ao desconforto e a desestabilidade a partir de ruídos diegéticos (contextualizados), como perfuratrizes, cortadeiras de grama, aspiradores de pó e outros equipamentos e ferramentas ruidosas. A partir daí, a relação conflituosa entre o filho Kevin e sua mãe Eva se encarrega de nos incomodar por toda a película, em uma narrativa não linear que não se preocupa em esclarecer os fatos que sugere ou exibe.

O filme, baseado no livro de mesmo nome, de Lionel Shriver, tem Eva Katchadourian (Tilda Swinton) como protagonista. Vivendo um casamento estável, tem a sua vida desequilibrada quando nasce o seu filho Kevin (Ezra Miller e Jasper Newell). Ela procura ser uma mãe normal, dando atenção e afeto à cria, mas o menino, desde a mais tenra idade, já demonstra todo o seu desapreço à mãe, ao mesmo tempo que demonstra um comportamento normal em relação ao pai, Franklim. Eva se preocupa com essa situação e chega a levar o filho a uma médico, temendo um autismo, que não é confirmado pelo diagnóstico.

Como a narrativa não segue a linha do tempo, as constantes idas e vindas do roteiro nos forçam a compor um quebra-cabeça para montarmos a história. Em todos os trechos há tensões e cenas expondo situações desagradáveis entre mãe e filho. Ele faz questão de demonstrar o desamor em vários momentos, quer quebrando lápis de ceras que lhe foram dados, quer pichando o quarto recém decorado dela. A situação é incômoda, mas Eva não desiste, e sempre procura contornar os conflitos.

A cada tentativa, uma nova frustração. Não adianta querer puxar conversa sobre trivialidades, jogar partidas de mini-golfe ou um jantar em um restaurante. Kevin só dá trégua uma única vez, quando adoece e aceita os afagos da mãe, ao mesmo tempo em que rejeita momentaneamente o pai, companheiro de todas as horas. Mas é coisa rápida, logo o mau humor com a mãe retorna.

Eva tem uma nova gravidez e uma filha, que logo passa a ser objeto de judiação de Kevin. As coisas não mudam até a adolescência, quando incidentes domésticos levam a perda de um olho da menina. Nada é muito esclarecido, suspeitas são quase evidenciadas, mas sempre paira dúvidas sobre responsabilidades. Eva continua se esforçando para ter uma relação normal com o filho mas a cada nova tentativa vem outra frustração.

E como tantos outros meninos desajustados, Kevin transforma-se em um serial killer em sua escola. E parece que ele foi o único responsável por isso. Tinha um lar ajustado, pais normais, mesmo assim, desenvolveu uma personalidade doentia, implacável, que o levou a premeditar assassinatos em série, usando um arco e flechas, que foram presentes do pai. Nem assim, a mãe foi capaz de abandoná-lo. A pergunta que fica: será que precisava ser assim e nada pode ser feito para se evitar uma tragédia? O filme é interessante, mas não aborda, nem se aprofunda nessas questões, como se houvesse uma certa inevitabilidade nos comportamentos de psicopatas. Eu não sei se é assim mesmo.

Mesmo evitando mostrar as cenas mais pesadas que acontecem ao longo da trama, Precisamos falar sobre Kevin não dá vida fácil ao público, que se vê em meio a situações de desconforto pela tensão que cada cena gera. É uma conversa que não acontece, apesar de sua urgência. Se estiver procurando diversão leve, não irá encontrar nesse filme, mas é uma trama bem interessante, apesar de deixar mais perguntas do que respostas ao final.

Agradeço a Aline, pela dica. =)

Amor a toda prova

2012-01-04T09:46:00.004-03:00

Amor a toda a prova certamente não seria o filme que eu escolheria para ver, se não tivesse uma boa dica. O ator-protagonista Cal (Steve Carell) tende a me afastar de qualquer produção que participe. Não porque me dou alguma maior importância a interpretações, mas porque os papeis que ele desempenha, os bobões de meia idade, só existem em filmes que não me atraem. Mas a pessoa que me indicou, a Anna, sabe o que fala.

A história inicia-se mostrando um casal com 25 anos de enlace jantando em um restaurante, quando a esposa Emily ( Julianne Moore) pede o divórcio. Cal, um sujeito um tanto quanto malamanhado, capaz de combinar terno com tênis cafonas, surpreende-se e imagina-se chifrado, o que é confirmado logo em seguida. E não se aquieta enquanto não conta a novidade para dois dos seus três filhos, sem economizar no sentido das frases que usa nas explicações. O amigo de trabalho de Emily estava fazendo a tarefa que ele próprio parecia não dar mais conta.

O tênis de cal assume um simbolismo próprio. Ele representa todo o desleixo e a acomodação do personagem com aquela vidinha perfeita, ao lado da mulher amada, sua primeira namorada, conhecida ainda no tempo de colégio. Aquele ritmo monocórdio, sem surpresas e modorrento parece ter entediado sobremaneira a vida de Emily, que buscou nos braços de seu colega de trabalho algum tempero para si. A situação nos é apresentada de tal forma que não há como tomar partido. Se por um lado nos compadecemos pela montanha russa que passa a viver Cal, sem a sua amada, não tiramos dela o direito de buscar sensações que a preencha.

Os diretores Glenn Ficarra e John Requa também se utilizam de outro simbolismo que me chamou a atenção. O jardim da casa do casal. Mesmo depois de separados, Cal continua a secretamente a cuidar do ambiente, noite a dentro, meio que para se redimir da falta de zelo que teve com a própria esposa, e demonstrando o sentimento que ainda nutre por ela.

Não tendo outro coisa a fazer, Cal passa a ser freqüentador contumaz de um bar, usando as mesmos trajes desarrumados de sempre, e contando para todos quantos chegassem perto a sua trágica história de amor desfeito. O garanhão do bar se compadece com a tragédia, e o ensina a canalizar as suas energias a atividades de conquista sexual, não sem antes assessorá-lo na compra e roupas mais adequadas para o seu novo modus vivendi. De marido abandonado transforma-se em objeto de desejo, a partir de orientações passadas por Jacob (Ryan Gosling).

Apesar de sua nova vida sexualmente satisfatória, Cal não deixa de pensar na sua agora ex-esposa, nem de continuar zelando pelo jardim. Emily também não está feliz em sua nova condição, e procura conter a tristeza fazendo chamadas telefônicas para o ex-marido somente para jogar conversa fora, inventando razões triviais, como ligar o aquecedor da casa, que somente ele saberia.

O roteiro é bem amarrado, com subtramas interessantes: o filho do casal que se apaixona pela babysitter que por sua vez apaixona-se por Cal e a virada na vida de Jacob, que finalmente, depois de traçar todas no bar encontra o amor de sua vida. O final é previsível, mas as viradas inteligentes que acontecem dão um bom brilho a essa produção despretenciosa, e nos causam algumas surpresas ao longo da história. Os clichês que surgem, como um discurso na escola do filho, são facilmente digeríveis, basta não ser tão exigente, já que o gênero comédia romântica não consegue mesmo escapar de alguns. No final, nos é mostrado que mesmo com o desgaste das rotinas, na previsibilidade e monotonia da realidade de um casamento é ainda possível se resgatar e atualizar velhos sentimentos, quando se há disposição para isso.

Gostei de ter assistido. Valeu Anna!

As canções

2011-12-30T07:03:00.004-03:00

Pessoas simples, histórias comuns, emoções semelhantes, permeadas por músicas em sua maioria vitrolões. As canções, de Eduardo Coutinho, poderia ser batizando de Sentimentos. O diretor desse documentário lança um olhar delicado, poético e sensível sobre momentos marcados por canções de cada personagem real que nos é apresentado através do filme. São pessoas anônimas mas com passagens universais de suas vidas. Perdas, amores desfeitos, relacionamentos impossíveis e efêmeros, mas que no entanto marcaram para toda vida, respectivamente acompanhados de uma trilha sonora.

Sentados em uma cadeira sobre um palco, tendo como pano de fundo cortinas, os personagens-pessoas desfiam suas histórias, e cantam as músicas, sem nenhum acompanhamento instrumental, que ajudam a avivar o momento e as emoções. Não raro, vertem lágrimas impulsionados pelas lembranças. É comovente para qualquer um as cenas mostradas, meio que força a nós, plateia passiva, a buscar em nosso interior experiências correlatas nossas, ou em pessoas que fazem nosso cotidiano. Eu particularmente, me vi remetido em muitos momentos. E quase que canto uma velha música.

São apenas 90 minutos que passam incrivelmente rápido. E uma fala me chamou a atenção. “Como ter lembranças sem música?” Em mim, não funciona exatamente assim. Há muitas coisas vivas, que ainda preciso acrescentar uma trilha a elas. Mas, sem dúvida, assim como os cheiros, a música fala diretamente ao coração.

Infelizmente, não há uma cultura de se assistir documentários. Uma sala de exibição praticamente vazia, na única sessão do dia é um tanto quanto melancólico. Principalmente quando a gente identifica tanta qualidade na produção que assistiu. Realmente lindo.

PS. Algumas pessoas me falaram de outros filmes, que poderiam figurar entre os 10 melhores. Acontece que não incluí os que vi em 2010, como Cisne negro, Bravura Indômita e outros, que foram disponibilizados antes de chegar às salas do país.

Os 10 melhores filmes de 2011

2011-12-28T15:39:00.003-03:00

Reduzi muito a minha disponibilidade de tempo, com o retorno a falcudade. Com isso, também não pude assistir a todos os filmes que gostaria. Mas aqui vai a minha lista:

As canções

Uma doce mentira

Minhas tardes com Margueritte

O palhaço

Planeta dos macacos: a origem

Melancolia

Meia noite em Paris

Scoth Pilgrim contra o mundo

A pele que eu habito

Manda bala

Se fossem só três, sem dúvida Almodóvar, Woody Allen e Lars Von Trier seriam os escolhidos, com A pele que eu habito, Meia noite em Paris, e Melancolia, respectivamente. Desses, acho que só o espanhol deve figurar entre os favoritos aos prêmios. Os dois outros estão amaldiçoados pela academia. Tudo pelo poder não achei digno de estar aqui entre esses.

Certas respostas

2011-12-26T14:08:00.004-03:00

Estranho pensar que somos todos

Como folhas lançadas ao vento

Sem vontade, se apinhando como

Aneurais fôssemos.

Chegamos aqui pela irracionalidade do destino?

Não há nada dentro de mim que me guie?

Que sentimentos brotam a ermo de mim

E de todos vocês?

Trago, mesmo que em ínfima parte,

Traços de consciência.

Não do que eu sou,

mas do que me limta

e me impede da desintegração

Também me cortam,

De cima a baixo,

Todas as minhas escolhas

Do que eu quero e do que eu

Repilo.

Não há porque responsabilizar

O acaso, pelos sentimentos

Que brotam em mim.

Há em cada pulsar, cada fluir

O consentimento

do meu próprio querer.

Tudo pelo poder

2011-12-26T09:40:00.002-03:00

Confesso que fui atraído por críticas positivas. Cinco estrelas de Villaça não são poucas coisas, pelo menos em tese. Mas a produção Tudo pelo poder (Ides of march) me surpreendeu negativamente. Não sei aonde viram qualidade nesse filme para considerá-lo um os prováveis indicados ao Oscar. Mas com tanta porcaria que já conseguiu essa láurea, é possível. George Clooney que dirige e coadjuva esse filme tem o seu lugar no olimpo hollywoodiano.

A história conta os incidentes de uma campanha primária do partido democrata do pré-candidato à presidência dos Estados Unidos Mike Morris (Clooney). Os republicanos, na altura do campeonato, estão praticamente sepultados e vencer a refrega interna assegura a Casa Branca ao vencedor. Morris é dono do discurso mais progressista, daqueles que quer secundar algumas questões como religiosidade, direitos civis para homossexuais, defendendo um país igualitário para todos. Só que se vê ameaçado de perder a prévia e vive o dilema entre a derrota e fazer um acordo com um governador ambicioso e conservador para chegar ao seu objetivo. Opta pelo segundo, é claro, para justificar o título.

Idos de março, tradução literal, seria um nome mais honesto para o filme. Tudo pelo poder não faz juz. Idos de março seria uma alusão ao assassinato de Julio Cesar pelo senado romano, a partir de uma traição. Só que em Tudo pelo poder não acontece exatamente uma, que apesar de se assemelhar como tal, trata-se de uma queda de braço entre o coordenador da campanha Paul Zara (Seymour Hoffman) e o assessor de imprensa Sthepen Meyers (Ryan Goslin), segundo homem na hierarquia da campanha. Em política, traições são desconsideradas na disputa pelo poder. Na realidade, são mais vistas como realinhamento de forças.

Fazendo-se de protagonista do filme, Meyers é de uma ingenuidade a toda prova. Primeiro, aceita o convite para o encontro com o coordenador de campanha adversário, que aparentemente tenta seduzi-lo, vendendo a ideia de que Meyers estaria do lado perdedor e que poderia se sair melhor mudando de lado. É óbvio que isso é um desespero. Onde já se viu alguém que está vislumbrando a vitória cooptar mais gente para dividir os louros? Não convenceu o assessor espertinho ser tão ingênuo de uma hora para outra.

Não quero aqui entregar toda a trama, para quem quiser ainda conferir. Mas os lances que se joga nesta disputa política são todos tão óbvios que não falta a estagiariazinha sedutora-seduzida do candidato. Parece que toda eleição tem de ter uma. Nas campanhas aqui, isso não causou problema. Também de uma infantilidade a toda prova a relação entre o assessor e a jornalista de um grande periódico. Quem minimamente conhece os meandros dessas relações não dorme no ponto, nem se deixa apanhar de cobertor curto.

Mas essas falhas no roteiro, demonstrando muita ingenuidade não é o mais grave. A história é arrastada e perde-se em nódulos dramáticos desinteressantes ao mesmo tempo em que muitas questões não ficam claras. Tais como a existência de um certo bilhete, que se transforma no pivô de uma chantagem. Somente o óbvio do óbvio é evidente, como: em brigas pelo poder não há como se preservar relações de afetividade.

A certeza do incerto

2011-12-21T15:56:00.004-03:00

O CERTO É UMA ESTRADA RETA

Para onde devemos olhar? E o que somos capazes de apreender a cada vez que olhamos? Do que apreendemos o que somos capazes de transformar em linguagem e transmitir? Tenho pensado muito sobre isso. Ao que me parece, muita coisa se perde no meio do caminho entre a forma como apreendemos o mundo e as ideias que levamos a outras pessoas. Mas para mim, o mais grave é a transformação do que pensamos ao se adequar a ideia a uma linguagem.

Definitvamente, cheguei a conclusão que há coisas que não podem ser ditas sobre pena de se transformado em outra coisa. Como se dizer a um chefe que está exigindo uma determinada produção que naquele momento está se sentindo cansado. Na certa, isso nunca terá uma compreensão literal. Há de se pensar que na realidade está se desculpando pela queda da qualidade do que vem sendo produzido, ou se está pedindo um descanso, ou até mesmo a dispensa da conclusão da tarefa.

As pessoas, e eu me incluo, estamos constantemente avaliando, pesando, ou desconfiando de tudo que chega a sua esfera de conhecimento, ou ao espírito, como diria Wittgenstein. E aí? O que você quis dizer exatamente quando revelou o seu cansaço? era cansaço mesmo, ou queria se livrar da conclusão da tarefa? Ou foi alguma recusa a um afago, a um carinho, um desejo enorme de está distante dalí? Cada qual com seus motivos, não há uma regularidade previsível, o que deixa a linguagem um tanto quanto mais aberta.

E um entendimento equivocado sobre algo dito aonde leva? A gente sempre está buscando no outro a compreensão absoluta de nossas ideias, quando as exteriorzamos, não é mesmo? Mas isso existe? Tratados e tratados filosóficos já se debruçaram sobre essa questão. Não só nada conclusivos mas tão díspares quanto possível. Há quem diga que se algo não pode ser falado, não pode ser sequer imaginado. Eu penso que a respeito de tudo que é dito há um abismo entre a origem o a recepção. Há tantas palavras que para cada pessoa há um significado pertubadoramente individual, que as vezes parece que são linguagens diferentes aplicando os mesmos termos. O que é para você saudade, melancolia, felicidade, alegria, tristeza? Certamente, haverá quem tenha acepções semelhantes às suas. Mas quem pode assegurar que é igual? Procuro essas respostas que sei que nunca irei encontrá-las.

Viagem imprecisa

2011-12-07T18:22:00.003-03:00

Há um certo sentir

que não faz sentido

Fora de mim.

Há torres e pontes

onde piso, território

estranho, como eu.

Não que o terreno

seja arriscado,

pedregoso ou pantanoso.

Mas é exigente

e não aceita descuidos

em rotas incertas.

Procurando um Belo Monte para se coçar

2011-12-01T09:55:00.005-03:00

Tenho ficado ao largo dessa discussão sobre a construção de Belo Monte, já escaldado com a patifaria que quiseram fazer contra a transposição do São Francisco. Afinal de contas, cada centavo investido por aqui é um centavo a menos pro lado rico do país. Compreensível, pela ótica capitalista, que tem como objetivo acumular mais riqueza para quem já tem muito, óbvio.

Mas Belo Monte, me parece, tem um Q a mais. É claro que não sou mais criança para acreditar nessa história de preservar floresta ou pesqueiro para índio. Afinal de contas, a mata não deixou de ser derrubada um só dia do ano, e nunca se viu nenhum movimento preservacionista tão inflamado como esse, nem por ONGs multinacionais nem por artistas globais. Aí comecei a perceber outros elementos da equação.

Antes de expor o que venho pensando, vale lembrar quer o Brasil já construiu hidrelétricas, usinas nucleares, fez transposição de rios e agora vai explorar o pré-sal, todas obras de relevantes interesses econômicos no Sudeste, e ninguém daqui ou de alhures minimamente se insurgiu, por motivos ecológicos, preservacionistas ou obscuros, apesar de terem impactos semelhantes ou muito mais indesejáveis que Belo Monte.

A usina a ser implantada na Amazônia vai produzir energia, o bem mais precioso para qualquer projeto desenvolvimentista. Não se trata de ligar ipods, leptops, ou PCs. Aqui estamos falando de força motriz para movimentar parques industriais, a exemplo de São Paulo que tem a sua voracidade energética suprida por Itaipú, usinas nucleares e outros penduricalhos. E como todos sabemos, ou pelo menos aqueles que pagam conta de energia sabem, que este é um item do custo de vida que tem se elevado bem acima da inflação. Explica-se com um simples cálculo apresentado a todos nós em disciplinas introdutórias de economia. Aumenta a demanda, mantém-se a oferta, elevam-se os preços.

E como todos nós sabemos, energia produzida por meio hidráulico é a mais barata entre todas. Ou seja, Belo Monte vai ofertar para o país energia elétrica em grande quantidade a baixo preço, inundando o mercado consumidor (perdoem-me o trocadilho repórter global). Acho que já estão sabendo aonde a equação nos leva. Com mais energia barata produzida, o preço da conta de energia tende a cair, ou pelo menos não ser aumentada na mesma velocidade. E isso, sem dúvida, não interessa nem de longe às distribuidoras de energia do país, hoje nas mãos de grandes trustes internacionais. É só acompanhar a sanha que acontece sempre que a Aneel se reúne com os distribuidores para fixar os reajustes de tarifas. Coelce e assemelhadas, mesmo aferindo lucros que ultrapassam em muito 10 dígitos anualmente, sempre querem mais e mais.

Fora isso, ainda podemos inferir algumas teorias conspiratórias. Porque, afinal de contas há muitos interesses em jogo e poder real do mundo está o tempo tudo querendo alguma coisa a mais para si. Mas, por enquanto, vou ficando só nisso mesmo.

Por vc,. Mic! =)

DEEP PURPLE!!!!

2011-10-08T09:55:00.004-03:00

Estava lá

Melancolia

2011-10-06T15:50:00.003-03:00

Impossível ficar indiferente a Melancolia, de Lars Von Triers. É um filme carregado de simbolismos de como cada um sente o mundo. De cara, logo no início, o desfecho da história nos é revelada. Portanto não há uma questão dramática. Essa já foi respondida. O diretor passa, então, a explorar as reações humanas diante de uma inevitabilidade. Do quanto cada um prefere se enganar para não mudar os seus sentimentos diante da iminência de uma catástrofe, ao passo que outros sentem-se absolutamente confortáveis com os seus próprios destinos e o daqueles que os cercam. É sobre a melancolia que a produção trata. Nada mais.

A história começa com os noivos Justine (Kirsten Dunsten) e Michael (Alexander Skarsgad) em uma limousine procurando chegar ao local aonde vai ser a festa do casamento. O veículo, por ser muito grande, terminando não conseguindo percorrer todo o trajeto, obrigando ao casal fazer o restante do percurso a pé. A dificuldade inicial meio que aponta para o estress entre os dois que vem a seguir.

Justine definitivamente está aos frangalhos psicologicamente. Ao ponto de entrar em atritos com sua irmã Claire, dona da mansão onde acontece a festa e quem a protege do mundo exterior. A depressão da protagonista, que aos poucos vai se avolumando, parece ter sido mantida em segredo e escamoteada pela aparente alegria originada das bodas. Mas a dor sentida não fica escondida por muito tempo.

Com o avançar das cenas, toda a desestabilidade emocional de Justine vai aflorando, ao ponto de até entrar em atritos até com o seu chefe de trabalho, presente à festa. Na enorme casa, que possui até campo de golfe, coisas estranhas começam a acontecer, até que o fiel da balança começa a mudar de inclinação. Se é Claire a pessoa que dá o equilíbrio a Justine, a proximidade do fim do mundo, já antevisto no início do filme, traz Claire ao desespero, enquanto a sua irmã a consola.

Uma coisa fica clara. Não são os laços matrimoniais os elementos capazes de trazer algum tipo de conforto em momentos de crise, mas os de consanguinidade. Pelo menos na cabeça do diretor, que também assina o roteiro de Melancolia.

Bem, poderia ainda escrever muito sobre essa produção, mas não quero estragar a supresa da narrativa, que é capaz de transpor da tela para o público toda a carga de emoção sentida pelos personagens. Se estiver triste, ou de alguma forma sensível além do normal, melhor não assistir. Não vai fazer bem.

La Tête en Frich (Encontro com Margueritte)

2011-09-19T17:06:00.003-03:00

Faz tempo que assisti a esse filme. Mas fiquei meio que sem tempo, vontade, jeito, de escrever sobre ele, talvez por não está sentindo confortável pelas ideias que são levantadas pela trama. Gerard Depardieu vive o personagem Germain, um homem simplório, semi-analfabeto que mora em um trailler nos fundos da casa da mãe, com que tem um relacionamento um tanto conturbado. Ela foi mãe solteira e atribui parte da sua infelicidade a essa situação.

Germain vive de bicos, namora uma motorista de ônibus bem mais nova, mas sem perspectivas de mudanças. Quer seja através de um casamento, ou por mudança de status. Seus amigos, tão simples quanto ele o adoram em conversas de mesa de bar, nos finais de semana. Mas Germain tem um passatempo que vai trazer profundas transformações em sua vida. Diariamente, ele se diverte indo até um banco de praça, conversar com uns pombos que lá pousam. 18 a0 todo, que são chamados por nomes próprios.

Em uma tarde de sol, ele está na praça e começa a contar as aves, quando uma voz de uma senhora, diz que já os contou. A c0ntagem está correta e se inicia uma conversa entre Germain e Margueritte. Ela uma professora aposentada, culta com quase noventa anos, e ele, um cinquentão acostumado com as agruras de sua existência. Só que desse contato casual surge uma amizade que se fortalece aos poucos, a partir de trocas de experiência. Com ela, Germain desperta o interesse pela história, em seguida por leitura e pelos livros.

As transformações nele são muito evidentes. Germain passa a refletir mais sobre os significados das coisas que o cerca, até que Margueritte adoece. As flores que ele vai levar ela, em seu leito de hospital é visto por sua namorada, que se enciuma ao saber que o ramalhete tem outro destino que não as suas mãos. Enquanto as ideias de Germain vai se clarificando com o contato com a velhinha, os nós de sua vida também vão sendo clareados pelo desenrolar da trama. Passamos a compreender que nada é tão feio quanto parece, há sentido em muitas das desavenças que pontuam o avançar da história. Abre-se o espaço para um amor verdadeiro, além do carnal, da atração entre sexos opostos. E nesse limiar que está a grande riqueza desse belo filme.

Por esses dias assisti também O Planeta dos Macacos, O Homem do Futuro, A Árvore da Vida e Nada Vai dar Certo. Os dois primeiros são até assistíveis como diversão. O terceiro é preciso ter paciência, já o último, corra dele.

Arsenic no Caldeirão

2011-08-25T08:39:00.000-03:00

Super 8

2011-08-17T16:50:00.003-03:00

Parafraseando um amigo meu: queriam fazer uma homenagem ao Spielberg mas fizeram mesmo foi uma sacanagem. Já havia prometido a mim mesmo não comentar sobre blockbusters. Primeiro porque informações a respeito desses filmes há aos montes, para todos os gostos. Segundo porque ninguém vai sair de casa para assistir produções dessa natureza baseado em críticas, mas por conta da propaganda massiva que se abate sobre a humanidade. E terceiro porque a gente pode empregar o tempo de uma forma mais produtiva.

Mas alguns motivos me levaram a quebrar a minha autoimposta promessa. A primeira delas foi a grande decepção com o roteirista JJ Abrams, que também escreveu e dirigiu os seriados Lost e Fringe, que possuem excelentes narrativas, tramas intrincadas, bem resolvidas e climas reais de suspense. A segunda é para dizer que apesar de Super 8 ser constantemente citado como uma reverência ao diretor de ET eTubarão (apenas para falar dois de seus megassucessos), que assina a produção desse samba-do-criolo-doido, o filme é uma pura perda de tempo.

O filme narra uma história de alguns adolescentes que estão produzindo um filme em super 8 (tipo de película que iniciou Spielberg no meio) em uma estação, quando acontece um acidente. Um caro invade a linha do trem e descarrila a composição propositadamente. A partir daí uma série de fenômenos passam a acontecer na pequena cidade, onde se desenvolve a cena.

Em pouco tempo os jovens descobrem que os acontecimentos misteriosos têm como pano de fundo um extraterrestre que viajava no trem do exército. Só que o alienígena nada tem a ver com o simpático ET spielberg-ano. Está mais para um alien ou um predador, já que a criatura é belicosa, agressiva e canibal.

Desse ponto em diante, os lugares comuns são diversos. O et passa a ser caçado pelo exército e pela curiosidade infanto-juvenil dos jovens cineastas ao mesmo tempo que toca o terror no vilarejo, matando e devorando pessoas sem motivo aparente a não ser o de cumprir a função de apavorar a plateia. E não faltam musiquinhas de suspense o tempo todo, já que a história, por si só, está mais para causar sono do que medo no público.

Também não faltam subtramas clichês. O menininho se apaixona pela menininha, mas o romance tem como principal obstáculo ambos os pais, que se odeiam entre si e não querem ver os filhos próximos um do outro. Há também relações difíceis entre pais e filhos e tudo se resolve no final, como esses filmes teimam em mostrar, sem nunca imaginar um outro final minimamente criativo.

Aqui vai um spoiler. No final, o bicho, que parece mais um alien oitavo passageiro se mostra ser um ser altamente evoluido possuidor de tecnologias super avançadas e capaz de clemência. Aaãh? Puro tempo mal empregado. Bem, para não perder a viagem toda, procure descobrir as citações dos filmes do Spilberg. Tem ET, Contatos Imediatos, Tubarão, Encurralado... vale a pena? Bem, se não, há ainda uma esperança, o curta produzido pelos jovens é exibido ao subir os créditos finais.

Eu, Minha (Quase) Namorada e o Guru Dela

2011-07-07T12:25:00.004-03:00

Procurei alguma coisa escrita sobre o livro que acabei de ler "Eu, Minha (Quase) Namorada e o Guru Dela. Na googlada que dei, não achei mais que curtas sinopses de sites de livrarias. Meio decepcionante. Se eu corresse atrás de algo sobre um filme tenho certeza que os resultados seriam bem mais amplos. Só para confirmar o quanto a nossa cultura está quase que abominando a literatura. Nada fica falado, divulgado, conhecido em massa sem antes passar por uma tela de cinema.

Dificuldades à parte, gostei da leitura. Não é tão engraçado quanto um comentário atribuído ao 'The Times" , aposto na capa, diz que é, mas é divertido. A história contada em primeira pessoa pelo autor William Sutcliffe lembra o estilo de J. D. Salinger, autor de O Apanhador No Campo de Centeio, misturado com Charles Bukowski, em Misto Quente. Dave concluiu os seus estudos na escola secundária e está prestes a ingressar na faculdade, quando resolve fazer uma viagem de 3 meses a Índia, na companhia da namorada de um amigo.

Suticliffe passa um visão do país visitado pelo protagonista mais pragmática. Não aquela Índia mística, com um guru em casa esquina, mas um país de terceiro mundo, onde a maior parte da população vive em meio a pobreza, lutando contra as condições adversas pela sobrevivência. E importunar turistas em busca de um trocado faz parte dessa rotina.

A Índia dos Ashrams é mostrada como um artigo de consumo para turistas. Onde por alguns punhados de rúpias é possível se internar em um por alguns dias ou semanas, em busca da transcendência, o nirvana, ou similares. O choque cultural entre o jovem inglês e o ambiente asiático conduz boa parte da trama. O livro é interessante, prende a atenção e diverte. Mas é leitura rápida. São só 300 páginas, em letras graúdas, o que faz o preço do exemplar, mais de R$ 40,00, parecer ainda mais caro. Melhor mesmo baixar na net e ler em algum tablet. Fiquei com vontade de ler outros livros do autor, "Má Influência" e "Que Te Faça Feliz".

Uma Doce Mentira

2011-07-06T12:00:00.005-03:00

Comédias românticas têm sempre finais previsíveis. Ou então não seria comédia, e sim tragédia. Afinall, os aficcionados do gênero querem ver exatamente isso: um casal apaixonado chegando a bons termos até o final do filme. Então, quem espera algo diferente disso vai perder tempo. E Uma Doce Mentira não foge desses parâmetros.

O que faz a diferença é a engenharia do roteiro, além da interpretação dos atores. Claro que nenhuma interpretação é capaz de superar as falhas roteirísticas, mas faz alguma diferença, tornando suportáveis eventuais deslizes.

As comédias românticas se sustentam mais pela criatividade de cenas inusitadas. E essas são em profusão neste filme. A começar pelo poligolta ex-funcionário da Unesco Jean (Sami Bouajila) que resolve iniciar a vida sendo um faz-tudo em um salão de beleza, e se apaixona pela dona do estabelecimento, Emilie (Audrey Tautou, de Amelie Poulan). A cena inicial já é hilária. Um mulher em dúvida sobre cortar ou não uma franja.

O amor dele é platônico, porque ele se passa por alguém se nenhuma instrução graduada. Porém, suas habilidades começam a ser descobertas quando ele trava um ríspido diálogo com dumas orientais, na língua nativa delas. Isso assusta Emilie, que se vê enganada e o demite. Pouco tempo depois a demissão é revogada.

Jean, um moreno, que na pequena cidade francesa deve ser considerado negro, não tem coragem de revelar seus sentimentos, e resolve escrever uma carta apaixonada. O certo pendor literário do personagem fica justificado pela sua formação em Harvard. Emilie não dá a mínima, mas resolve usar o mesmo texto para enviar uma correspondência anônima a sua mãe que se encontra deprimida por ter sido largada pelo marido há quatro anos. Aí começam os problemas.

A sua máe, Mardy, realmente sai da depressão, diante da perspectiva de um novo caso amoroso em sua vida. E as dificuldades de se manter a mentira estabelecida sem causar estragos nos sentimentos da mãe passam a ser as principais preocupações da filha. No meio desse rolo, muitas situações inusitadas são geradas, inclusive a contratação de Jean para se fazer de amante secreto.

O filme é divertido, criativo, e suficientemente amarrado para prender o interesse até o fim, sem nunca enveredar para o melodrama. Vale a pena.

UMA DOCE MENTIRA (De Vrais Mensonges, França, 2010)
Direção: Pierre Salvadori
Roteiro: Pierre Salvadori, Benóit Graffin
Elenco: Audrey Tatuou, Nathalie Baye, Sami Bouajila, Didier Brice
Duração: 104 min

Meia Noite em Paris

2011-06-29T16:26:00.005-03:00

Woody Allen volta a ser Woody Allen no Meia Noite em Paris. O personagem protagonista é visivelmente o diretor-roteirista, se tivesse uns 50 anos a menos. Como o tempo passou, ele escalou Owen Wilson para o papel de Gil Pender, um roteirista hollywoodiano que se encontra infeliz com a sua condição escritor de filmes rasos, porém de sucesso, para as produtoras de cinema da California. Quer mudar o seu destino e viaja a Paris, ao lado de noiva e futuros sogros buscando inspiração para concluir o seu primeiro romance para não precisar mais se envolver com a indústria do show business de Los Angeles.

Porém não são só os roteiros que escreve que não o satisfazem. Às vésperas do casamento, demonstra uma certa tibieza com a sua decisão de ir ao altar, porém com uma alguma resignação. Afinal todos têm diferenças entre si, ele e a noiva também. Nada mais que isso. Os futuros sogros não gostam do quase genro, surgem diferenças até de ordem política. Eles são republicanos, em toda a extensão que isso representa e o protagonista, não. Bem woody Allen mostrando de forma escrachada toda a defesa empedernida do way of life da América que os americanos Wasp ainda se apegam. O diretor trata com ironia deslavada as tentativas dos sogros ianques de desqualificar a cultura francesa, sempre se colocando em um pedestal acima.

O desconforto que o roteirista tem com as produções de Hollywood são de ordem intelectual. Ele é bem remunerado e a noiva o incentiva a continuar na carreira. Porém ele não quer voltar a trabalhar em obras sem nenhuma profundidade ou qualidade artística. Woody Allen também despreza esse cinema da costa oeste. Tanto é assim que nunca foi buscar as estatuetas da academia que já arrematou. Prefere Nova Iorque ou paragens europeias.

Em Paris , Gil e a noiva Inez (Rachel Mc Adams) tem o azar (ou a sorte) de encontrar um ex-professor dela, Paul (Michael Sheen) que arrota cultura insinuando-se ser superior aos demais seres vivos. Porém, não demonstra nenhuma empatia com as obras visitadas ou com os autores. Prefere fazer descrições, empulhar dados e desfiar datas a falar sobre a essência das pinturas, arquiteturas ou esculturas. É claro que Inez, republicana como ela, se derrete com aquele ar blasé do professor. Gil, visivelmente descontente com a situação, busca programações alternativas e se desgarra da noiva durante as noites parisienses.

Depois de tomar alguns vinhos em um determinado bar da capital francesa, Gil se ver surpreendido por um carro antigo com aparência de recém saído de fábrica que lhe oferece carona. Não se relutar, ele aceita o convite e descobre que os seus hostess são nada menos que o casal Fitzgerald, que o leva para uma série de lugares, onde o protagonista conhece pessoas como Hemingway, Salvador Dali, Pablo Picasso, T.S. Eliott, e Gertrude Stein, que aceita ler o seu livro e oferecer sugestões para melhorá-lo. Afinal, há muitas diferenças entre roteiros rasos e obras literárias de qualidade e Gil ainda está inseguro quanto aos seus dotes literários. Gertrude era amiga pessoal de Picasso, Matisse, James Joyce e Hemingway e uma espécie de alterego de todos.

Gil se vê entre dois mundos. Aquele que ele tanto sonhava e que julgava ser o maior momento da evolução humana, os anos 20, na cidade que considera o modelo para humanidade, Paris, e o tempo real, onde uma noiva meio ou muito sem sal o aguarda para uma vida em que já está acostumado a levar e que apesar de tudo, acostumou-se e vive sem sobressaltos.

O contato com uma outra realidade possível lhe põe dúvidas. Acho que da mesma natureza das que teve quando resolveu separar-se de Mia Farrow e passou a viver com a enteada Soon Yi. O desfecho a partir daí torna-se previsível, principalmente porque foi impulsionado por incidentes de natureza carnal. Ele tem que decidir entre continuar com a sua vidinha ou se aventurar mudando-se para Paris e todas as representações que isso significa.

O filme é bastante instigante e nos leva a pensar sobre vidas possíveis, e a certeza que de só saberemos sobre o que iremos escolher. Os "ses" se perdem na linha do tempo. Muito bom filme, que não poupa nem os medalhões da cultura mundial, dando-lhes traços caricatas. Impagável Dalí sempre tão preocupado com as formas dos rinocerontes.

PS. Filme digno de um oscar, que nunca ganhará por ser um desafeto da academia.

Esposa de Mentirinha

2011-06-26T12:30:00.003-03:00

Comédias românticas têm um grave defeito. São sempre muito previsíveis. E esta não é diferente. Logo de cara, a gente identifica o casal que vai fazer par até o final do filme. Mas neste gênero, é também importante apreciar a paisagem. Sem dúvidas, Esposa de Mentirinha é um legítimo e forte candidato a uma sessão da tarde. Não mais que isso.

O filme conta a história de Danny (Adam Sandler) um cirurgião plástico que é avesso a relacionamentos duradouros porque quando jovem descobriu que a sua noiva havia sido infiel na véspera de seu casamento. Para se manter na solterice, finge-se de casado e infeliz em seu casamento, o que é suficiente para atrair a compaixão de outras mulheres jovens e igualmente solteiras nos bares da vida.

A tática funciona muito bem até que ele se apaixona por uma jovem professora, Palmer, que quer conhecer sua mulher e seus filhos. Danny faz a sua atendente, auxiliar e confidente Katherine (Jennifer Aniston) se passar pelo personagem inventado. O previsível movimento pendular entre um relacionamento e outro se passa no Havaí, onde surge Devlin (Nicole Kidman), um antigo desafeto de Katherine.

De positivo, vale a crítica a cirurgias plásticas e a busca eterna pela perfeição estética que tanto acompanha grande parte das mulheres. É apenas um filme divertido, dependendo da paciência de quem assiste. Nada mais. Alguns críticos o detonam. Mas não é tão horrível assim, acreditem. É só uma produção destinada ao público feminino.

Matador em Perigo e Assassinato à Preço Fixo

2011-06-24T15:46:00.004-03:00

Depois de Homens com Cheiro de Flor, do Joe Pimentel, mais dois filmes sobre pistolagem me chegaram aos olhos, por esses dias. Matador em Perigo e Assassino à Preço Fixo. O primeiro é um triller de ação, refilmagem de uma produção de 1972, interpretado pelo sempre cara de mau Charles Bronson. O segundo, uma comédia.

Mas os dois tem uma coisa em comum: procuram fazer com que o público se identifique com o matador. Acho que isso tem a ver com o momento em que os Estados Unidos passam, se obrigando a promover assassinatos em vários pontos do planeta. Aliás, penso que nunca existiu um tempo em que os americanos não estivesse à caça de alguém fartamente estampado como inimigo da humanidade.

Em Assassino à Preço Fixo, o sempre canastrão Jason Statham faz o que está tão acostumado a repetir nas telas: exibição de músculos, alguma arte marcial, a impessoal expressão facial que serve tanto para mostrar felicidade, tristeza, alegria ou raiva. Quem já assistiu qualquer interpretação(?) desse ator viu todas. O assassino codinome o Mecânico, interpretado por ele, inicia o filme promovendo um assassinato contratado a preço de ouro na Colômbia. Claro, o inimigo deve ser controlador de algum cartel de coca, apesar de isso não ficar explícito. Nada mais justificado do que assassinar em território estrangeiro e nenhum julgamento formal um traficante.

Logo após esse assassinato que abre o filme, o Mecânico é contratado para dar cabo ao seu antigo contratante, sobre a alegação de que ele estaria pondo em risco a indústria de homicídios. É um velho amigo seu, mas fazer o quê, quem paga, tem direito ao serviço. O matador cumpre a missão, mas só depois descobre que foi enganado. E aí passa a perseguir os seus contratantes. Pronto, o filme é esse. Um caçada com todos os requintes de estúdio e de efeitos especiais que Hollywood permite. Tudo feito às claras e sem a menor preocupação com o aparelho estatal. Polícia não aparece sem como coadjuvante. Para quem gosta do gênero, boa sorte, ideologias à parte.

Matador em Perigo é mais divertido. Uma comédia onde o pistoleiro Victor Mainard ( Bill Nighy de Piratas do Caribe) passa-se por um lord inglês. Ou melhor, tenta ser esse lord, e até estuda francês. Mas ele não é o protagonista. Esse posto é ocupado por Rose (Emily Blunt de O Diabo Veste Prada), uma ladra inveterada, que rouba tudo que vê pela sempre. Ela resolve dar o seu golpe de mestre, vendendo uma falsificação de Van Gogh. Só que a tramoia é descoberta e o colecionador lesada contrata o pistoleiro para matá-la.

Porém, em vez de cumprir a sua tarefa, Mainard prefere defendê-la de outros pistoleiros, os próprios capangas do colecionador, que por conta e risco pretendiam executar Rose, numa tentativa de agradar o patrão. Após um tiroteio em um estacionamento de prédio, Rose e Mainard escapam em um carro e ela o contrata como segurança, sem saber que ele havia sido incubido de sua execução.

A comédia é bem divertida. E pelas informações não será levada as telas, se resumindo a DVDs em locadoras. Para ver sem compromisso.

Assisti também recentemente Sucker Punch, um filme estranho, que se alguém desejar posso comentar alguma coisa a respeito.

Matador em Perigo' (Wild target)

Elenco: Rupert Grint, Bill Nighy e Emily Blunt

A trama é uma refilmagem de Cible Emouvante, do diretor francês Pierre Salvadori.

Direção: Jonathan Lynn.

Assassino à Preço Fixo (The Mechanic)

Elenco: Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland, Jeff Chase, Joel Davis.

Direção: Simon West

PS. Também assisti o novo X-Men. Nada a comentar. Mais do mesmo.

Homens com cheiro de flor

2011-06-15T09:18:00.005-03:00

Não podia deixar de assistir a primeira direção solo do Joe Pimentel, que conheço desde o super 8 da Casa Amarela e das filmadoras em videocassete. Sempre o considerei uma ótima mão na câmera. Preciso, apesar das constantes queixas com tudo. Homens com cheiro de flor é interessante. Perceptíveis as influências dos irmãos Cohen, Tarantino e Sérgio Leone.

O tema central e a pistolagem ainda tão presente no cenário cearense, onde vida tem preço e o seu fim é determinado por quem pode pagar. No Homens Com Cheiro de Flor os pistoleiros estão vinculados de forma indivisível aos seus patrões. É um pacto que não pode ser rompido sob pena de tal ruptura significar uma traição. Os assassinatos atendem sempre a interesses econômicos dos patrões e são totalmente despidos de qualquer significado aos seus executores.

Deodato, vivido por Joelson Medeiros (ator que também participoou das Mães de Chico Xavier) quer mudar de vida. Mesmo sendo um sanguinário pistoleiro cumpre o seu ofício com alguma ética. Não mata crianças, mesmo quando essas transformam-se em testemunhas. Torna-se inimigo figadal de Custódio, porque em um trabalho feito em dupla seu parceiro não respeitou a uma pseudo ética que procurava impor.

As constantes crises de consciência de Deodato o levam a desistir da mundo da pistolagem, apesar de aparentemente não ter outro meio de vida. Queria também que seu filho não se envolvesse com este tipo de crime. De matador, passa a alvo e é liquidado. E a trama passa a contar a história da vingança. O seu matador Custódio havia se apossado da viúva de Deoadato e trata o enteado como o próprio filho, passionalizar ainda mais a história.

A história é contada de forma não linear, algo parecido com Reservoir Dogs. As cenas em flash back assumem tons pasteis enquanto o tempo atual são filmadas em cores. A cena inicial, vários corpos baleados em meio a dois carros em uma estrada carroçável do sertão lembra a abertura de Onde os Fracos Não Tem Vêz, dos Cohen.

O roteiro de Emmanuel Nogueira é bem enxuto. Só que as vezes fica faltando uma melhor constituição psicológica dos personagens.

Não podia faltar a medalhinha desviando uma bala que salva a vida do filho de Deodato. Cena tão comum em farwests italianos. Uma citação estilizada, tipo Encouraçado Potekim em Os Intocáveis.

Impagável o pistoleiro Zé Galego, que em todo o filme não mata nada além de uma bezerra, mas tira onda de experiente matador. Esse personagem é o protagonista das melhores tiradas.

PS. Procurei na net um o cartaz do filme, para ilustrar, mas parece que não foi feito nenhum.

PS2. Desejo boa sorte, e que um distribuidor possa ser encontrado. A produção merece um espaço para ser exibida.

PS3. Deixo a susgestão aos entrevistadores televisivos. O filme e o Joe rendem. Fazer cinema no Ceará, com a qualidade deste é coisa ainda rara.

Eu sou o número quatro

2011-06-04T11:31:00.005-03:00

É divertido. Nada demais para um filme que parece abrir mais uma franquia cinematográfica infanto-juvenil e envolve temas atuais e próprios da idade como bullying, dúvidas sobre o futuro, romance e aventura.

Em Eu sou o número quatro o universo está mais uma vez em guerra. Se em Herry Potter eram comensais da morte o inimigo, nesta produção são os alienígenas, que já destruiram o planeta do protagonista, John Smith, os adversários a serem derrotados no cenário planeta terra com toda a sua leva de contingências.

Em um mundo distante, em tempo que precede a narrativa, esses alienígenas mauzões destruiram a civilização do Número Quatro, e agora estão perseguindo na Terra um grupo de jovens que juntos teriam (super) poderes suficientes para irem a forra. A ideia é eliminá-los antes que cheguem à uma certa idade da adolescência quando esses poderes afloram, dando condições de combater o inimigo. Até lá, seriam alvo fácil. Por isso cada um dos jovens tem um tutor para protegê-los enquanto não são capazes de se virarem por conta própria.

A trama mais parece um piloto de um seriado do que propriamente um filme longa, mas é capaz de prender a atenção. A velha disputa entre o bem e o mal está em jogo. Os alienigenas do lago negro são caracterizados de tal forma que você não vai ter dúvida de que lado vai ficar. Há drama e não é drama, há ação e o filme não é propriamente de ação, ou é. Talvez entre uma coisa e outa. Mas a trama é suficiente para prender a sua atenção e você não precisará fazer nenhum esforço para entender a história.

ao final do filme, que é apoteótico e exige uma continuidade, há mais perguntas do que respostas dadas. Afinal, só sabemos da existência de nove escolhidos do planeta Lorien para destruir os invasores mogadorianos. E desses, só conhecemos dois vivos e um que é morto logo no início da estória.

Direção:
D.J. Caruso

Roteiro:
Alfred Gough, Miles Millar

Elenco:
Alex Pettyfer, Timothy Olyphant, Teresa Palmer, Dianna Agron, Callan McAuliffe, Kevin Durand

Entre a fome e a vontade de comer

2011-06-02T09:07:00.001-03:00

De Mino Carta:

"Há muito tempo, confesso, tenho dúvidas a respeito da realidade de uma esquerda brasileira, ao longo da chamada redemocratização e esgotadas outras épocas em que certos confrontos em andamento no mundo ecoavam por aqui. Tendo a crer, no momento, que a esquerda nativa é uma criação de fantasia, como a marca da Coca-Cola, que, aliás, o mítico Che Guevara bebia ironicamente às talagadas na Conferência da OEA, em 1961, em Punta del Este. Quanto à ideologia, contento-me com a tese de Norberto Bobbio: esquerdista hoje em dia é quem, aspirante à igualdade certo da insuficiência da simples liberdade exposta ao assalto do poderoso, luta a favor dos desvalidos. Incrível: até por razões práticas, a bem de um capitalismo necessitado de consumidores".