Rabiscos e pixels

O Remix e a decodificação no design

2011-12-12T23:36:00.003-02:00

A imagem é um signo complexo constituído através de um discurso visual que “captura” e conforma um significado (HALL, 2003). O designer enquanto produtor de imagens constrói uma mensagem. Esse processo, não sendo isento de seu aspecto discursivo, constitui-se dentro de um referencial de sentidos e idéias que são gerenciadas por esse profissional da melhor forma possível. Mas em que medida esse controle sobre a formulação de um código seja ela visual, auditivo ou sinestésico, realmente se dá?

Apesar dos processos metodológicos desenvolvidos no campo do desing, o processo de concepção de uma mensagem – aquela que está embutida na representatibilidade da marca de uma empresa, na escolha do papel a ser utilizada, na tipografia – e a discussão da codificação se dá muito além de referências e de uma concepção de códigos visuais pessoais. Essas discussões dizem sobre um vasto campo de estudos acadêmicos da comunicação. São vários os teóricos que passaram a sua vida a analisar de que forma a informação vem a ser comunicada e transmitida em sua totalidade, em seu ruído, em sua conformação inicial. Apesar de ter se iniciado a longos anos e se embrenhado pelas mais variadas formas de linguagem – fotografia, video, cinema, tv, jornal, revista – é uma discussão que está longe de ter um fim. Ao focar o problema sobre o prima do design, ganha-se uma ótica diferenciada a medida em que esse campo por vezes pretende aprisionar um discurso dentro de formas gráficas, enquanto na verdade, o discurso não está contido na forma em si.

Ao longo da história, as formas gráficas serviram-nos de diversas formas e seu uso tem sido complexificado e difundido. Isso se dá tanto quanto devido aos aprimoramentos técnicos (suporte, produção, transmissão) quanto pelo próprio aprendizado e evolução da linguagem visual. Essa proliferação de discursos e suportes vão de encontro a facilidade de determinação do objetivo previsto de uso da imagem concebida. Não por acaso, tornou-se comum intermináveis reapropriações e remix de imagens e linguagens. E não menos incomum é ter essas ações desenvolvidas por designer. Seria o designer um criador de mensagens enquanto remodelador de um discurso ou um simples condicionador da mensagem? Essas imagens ao perderem seu uso/função inicial ainda possuem um significado que diz respeito ao referente inicial mas sustentam um novo discurso que pode influir na decodificação do objeto inicial terceiro. Ou seja, a marca de roupas paulista Cavalera ao recondicionar sua marca a forma gráfica mundialmente conhecida da marca do Youtube, ela se apropria de uma mensagem que

não foi criada pela própria. Ela gera uma dependência de um discurso terceiro para estabelecer o seu próprio – broadcast yourstyle. Além disso, como dito, por ser um processo cíclico, a apropriação realizada pelo designer tem efeitos também sobre a marca do Youtube, o que Stuart Hall trata como a existência de uma “complexa estrutura em dominância” possuidora de momentos distintos que, entretanto, seriam interligados. Assim, a mensagem contida na camiseta apesar de possuir diferentes momentos de codificações e decodificação e destes serem autônomos de todo o processo, são presos a momentos determinados. Mesmo que o público não compartilhe o referencial gráfico e conceitual desenvolvido a decodificação irá ocorrer. No entanto, não da forma esperada. Essa divergência entre mensagem transmitida e mensagem “captada”, em muitos casos, já foi prevista pelo designer. Apesar de cada vez mais incomum, existem pessoas que não sabem o que é a internet e nem conhecem o maior site de vídeos. E, assim, não compartilham a referência explorada pela camiseta. Entretanto, apesar de saber da existência desse público, são poucos os designers que se perguntam como a mensagem oferecida pelo silk será decodificada por essas pessoas. Público não previsto pelo designer e pela marca como consumidor e logo, excluído da mensagem. Nesse aspecto, Hall diz bem sobre o processo comunicacional e sua indústria ao dizer que o consumo, nesse caso em sentido ainda mais amplo, só se dá quando ocorre apreensão do sentido.

Ao ter em mente que a finalidade que damos às imagens e às mais variadas formas de expressão gráfica não estão contidas em si, é imprescindível perguntar qual será o real uso daquilo que o designer cria. Aquela estampa tem qual função? O que de fato ela diz sobre aquela confecção de roupas? O que ela reverbera sobre a marca recriada? O portador dessa camiseta se insere como nesse discurso?

Muitas vezes consideramos óbvia a intencionalidade da produção imagética jornalística. Um repórter sempre captura uma imagem provido de um discurso antevisto pela própria editoria do veículo. E, essa imagem acabará por dobrar-se a essa intenção, até o momento em que ela não perdura e cai sob o olhar de um terceiro que não compartilha o mesmo código ou discurso. Esse fenômeno é o que Hall trata como diferentes níveis de reciprocidade entre codificação e decodificação e as diferentes posições de decodificação.

A posição hegemônica dominante se dá quando o receptor compreende e compartilha o código, o sentido conotado é apropriado pelo receptor de maneira direta e integral e sua decodificação se dá nos termos em que a mensagem foi construída, dentro do código dominante. Ou seja, ao ir a uma loja de roupas e se deparar com essa camiseta você provavelmente é jovem, ligado ao universo da música e dos vídeos, compartilha-os de forma pessoal e busca uma forma de expressão única, mesmo que seja recriam ícones e replicando-os industrialmente sem consentimento. Esse é basicamente o “público-alvo” do designer. Muito além de compartilhar um código visual – o reconhecimento tanto da marca Cavalera quanto do Youtube – ele compartilha um ideário de estilo e de discurso podendo até desconhecer que essa confecção surgiu no Brás, bairro lojista de São Paulo, na parceria entre o ex-deputado Alberto Hiar, conhecido também como Turco Loco, e o baterista Igor Cavaleira.

Por outro lado, pode ocorrer o que Hall definiu como código negociado, em que o receptor ao decodificar mistura elementos de adaptação e oposição ao mesmo tempo em que reconhece e legitima as definições hegemônica estabelecendo novas regras. Ou seja, um transeunte admirador da música instrumental de Lera Auerbach poderia imaginar que se tratava de um canal no youtube destinado à artista – broadcast yourstyle! A Cavalera está patrocinando a música instrumental no intuito de incentivar diferentes estilos musicais. Totalmente condizente com a mensagem exposta, não?

E, por último, o código de oposição, em que a mensagem tanto no sentido conotativo quanto no literal é compreendida, mas a decodificação, mesmo assim, se dá de forma globalmente contrária. A mensagem pretendida pela camiseta de compartilhar seu estilo é compreendida, mas interpretada de forma diversa. Ao se deparar com um punk vestindo tal

camiseta, um jovem da tribo dos coloridos portando a mesma vestimenta compreende e identifica as referências de marca, mas significa-as de maneira a ir contra ao discurso visto que o suposto meu estilo é aquele vendido em escala industrial para milhares de pessoas. Além disso, o próprio remix de marcas diz sobre uma ausência de estilo próprio, ou simplesmente cópia de um estilo que é re-fabricado. Compartilho o estilo de quem?

A produção do designer segue esses supostos códigos de dominância, mas que na verdade nada mais são do que o código esperado de um determinado grupo. O Youtube ao conceber a sua marca, suas escolhas gráficas, possuía um código em mente. No entanto, é pouco provável que o designer responsável tivesse previsto que a marca seria reapropriada no sentido exposto pela camiseta. Em tese, esse código serve de auxílio ao designer para alinhar a decodificação com a codificação de forma a tornarem-nas o mais semelhante possível. No entanto, o que de fato ocorre ao se inter-relacionar códigos diversos? Se um punk compreende a Cavalera como uma marca de roupas do universo pop juvenil e vê essa marca se relacionar diretamente ao Youtube, ele tenderia de alguma forma a desvalorizá-lo. O mesmo se dá em diferentes contextos para a Disney ou para a Sony quanto a marca lança camisas com Disney War ou Praystation. De alguma forma, essas marcas permanecem no discurso dominante como objetos de valor, mas ao menos tempo são desvalorizadas a partir de críticas compreendidas, mas que são ou não compartilhadas.

A lógica do remix está presente desde o início do processo de concepção do trabalho do designer. Se tomarmos as formas como unidades prontas, assim como a marca dos exemplos são, ao compor um símbolo gráfico o designer faz uma reapropriação menos institucionalizado, mas ainda assim um mash-up. Essa institucionalização é na verdade a declaração aberta de valores empregada pela marca que por vezes é desconhecida do público

comum, por exemplo, as “leis” da gestalt. O designer emprega formas arredondas com intuito de dar suavidade e leveza a forma. Essas características dadas ao arredondado provém de algum lugar que, aparentemente genérico, emprestou-lhe tais decodificações, assim como o Youtube faz com a Cavalera. Essa aparente generalidade de algumas concepções formais das formas gráficas é abordada por Stuart Hall como uma “falsa naturalidade”.

“Certos códigos podem, é claro, ser tão amplamente distribuídos em uma cultura ou comunidade de linguagem específica, e serem aprendidos tão cedo, que aparentam não terem sido construídos – o efeito de uma articulação entre signo e referente – mas serem dados ‘naturalmente’”. (Hall, 2003. p.383)

Reapropriações não são próprias do profissional do design e sim, constituem uma forma de apreensão do conhecimento pela comparação e correlação de idéias, percepções e sensações. Mesmo que essas relações entre formas não tenham sido pensadas pelo criador, faço um quadrado vermelho de cantos arredondados e insiro duas palavras, uma ao lado do box e outra dentro dele, corro o risco de ser relacionado com o marca do youtube. O mundo está cheio desses casos. O referencial cultural, imagético e formal do receptor é quem é de fato responsável pela decodificação final daquela forma captada. A operação de códigos naturalizados (ex. vermelho é um ponto de atenção e maior destaque) “revela não a transparência e naturalidade da linguagem, mas a profundidade, o caráter habitual e a quase universalidade dos códigos em uso.”(p.393). Com isso, observa-se a tendência do design em acompanhar esses códigos e ao mesmo tempo instituí-los em um grupo como verdade. O vermelho é a cor do comunismo, do PT, dos movimentos sociais e trabalhistas. O youTube recebe em algum nível essa carga simbólica? Seria um compartilhador de vídeos pela internet um meio comunista? A Cavalera enquanto empresa de moda e imersa na indústria de massas voltada a um público em específico compartilha desse comunismo ao proclamar um “broadcast yourstyle”?

É interessante perceber que a marca da empresa em si já é um amontoado de reapropriações imagéticas. A águia bicéfala e a estética de um brasão são pertencentes a linguagem gráfica provinda da heráldica. Seu significado é, no entanto por vezes obscuros atualmente visto que esse código lingüístico não é tão compartilhado como antigamente. Assim, cabe mais um questionamento. Por que uma marca que se diz jovem e irreverente busca uma forma gráfica provinda de em um sistema de códigos e símbolos da idade média? Apesar da tendência de querer tratar essa opção gráfica como mero descaso daquele que a criou, essa marca se inseriu no contexto atual e foi bem aceita. Dessa forma, essa diz uma verdade atual. Ao refletir sobre essa medida, o designer que questionaria essa escolha provavelmente teria escolhido outra referencia gráfica. Mesmo assim, até que ponto essa nova referência não poderia ser posta em um contexto diferente do esperado?

Os questionamentos sobre a validade do discurso criado por um profissional estendem-se à medida que a linguagem pode invalidar todas as decisões e escolhas feitas por ele. O registro desse discurso de várias maneiras e em linguagens diversas é talvez uma alternativa para o cerceamento das possibilidades de decodificação. Se você escreve laranja, exibe a cor laranja e cheira à laranja as chances de decodificarem vermelho são menores. Só que com isso, o discurso imagético não ficaria empobrecido? Gasta-se um espaço gigantesco para repetir a mesma informação onde se poderia agregar outra.

A Camisa azul faz uma junção de dois discursos distintos, Cavalera + Pica-pau, enquanto a rosa apenas repete valores e signos da própria marca Cavalera. Ambas composições são visualmente interessantes. Mas, no que tece a decodificação, qual das duas possui maior valor, a que faz uma reapropriação de signos terceiros ou a que se reapropria e reafirma? Cabe ao designer buscar tais respostas.

Referências:

HALL, Stuart; SOVIK, Liv; RESENDE, Adelaine La Guardia. Da diáspora: identidades e mediações culturais. Belo Horizonte, MG: Ed. UFMG ; Brasília: Representação da UNESCO no Brasil, 2003.

Sobre a marca – Cavalera. Disponível em: http://cavalera.com.br/inv11/br/#/cavalera/ Acesso: 12 de junho de 2011.

Emoções

2011-09-08T17:43:00.000-03:00

Recentemente realizei uma coleta de imagens para a faculdade com a temática as emoções na imagem. Nada de muito acadêmico, apenas uma análise e reflexão sobre um conjunto de imagens a minha escolha.

Meu interesse inicial era identificar onde se encontra o it que transmite a emoção captada e transmitida. Se esse it era comum a certo tipo de sensação e se eles eram comuns em um determinado grupo, qual seria a diferença que exporia uma emoção diferente.

Primeiramente, busquei a compreensão e o significado de emoções:

-experiência subjetiva, associada ao temperamento, personalidade e motivação.

-do latim emovere, onde o 'e- (variante de ex-) significa 'fora' e movere significa 'movimento'

- Emoção, numa definição mais geral, é um impulso neural que move um organismo para a
ação. A emoção se diferencia do sentimento, porque, conforme observado, é um estado neuropsicofisiológico (Freitas-Magalhães, 2007).

Já com algumas dicas logo na definição da palavra emoção, defini quais seriam as analisadas. Foi então que achei esse fluxograma bem bacana.

Escolhi para simplificar o processo as emoções básicas: felicidade, medo, raiva e tristeza. Entretanto, é fácil notar através das imagens a presença de emoções cognitivas.

As imagens que nos revelam medo tem em comum o aspecto de não revelar. Isso pode ser dar de variadas formas. Seja pelo aspecto sombrio da imagem que não nos permite ver além, seja por anteparos e figuras do desconhecido. O estranho nos provoca medo.

Quando representado pela pessoa que o sente, o medo trás um misto de contração e expansão em um quase estiramento de músculos talvez um misto de querer ao mesmo tempo se esconder (retração) e fugir (expansão).

A raiva por sua vez é pura contração muscular. De alguma forma parece que ela concentra um tubo de energia que pode explodir. Gosto muito da série do fotógrafo Paulo Picamilho em que ele explora os sinais de raiva pelo corpo.

Como é possível afirma que essa pessoa está com raiva? Um olho vermelho pode significar inúmeras outras coisas. Onde de fato se encontra essa emoção?

Pode uma estátua ou um animal ter raiva?

Tudo me leva a crer que as emoções possuem um fluxo e uma intensidade que as diferenciam. Por mais opostas que sejam, elas costumam ter efeitos muito comuns como lágrimas, gritos, saltos, aumento da circulação sanguínea. O que as imagens nos contam da tristeza?

A tristeza nas imagens tem uma grande relação com o desconsolo, com a solidão. Mesmo que em um grande números de pessoas, o indivíduo triste, ou grupo, é solitário. Isso faz com que muitas fotos que apresentem unidades em um grande espaço sem relação aparentem tristeza.

Existe uma fuga, seja para o interior ou para o exterior da figura e mesmo que esteja mais perto da decepção e consequentemente da frustração e da raiva, a tristeza não é enérgica. Ela se expande através de uma retenção que toma conta do ambiente.

A Felicidade por sua vez, parece tem uma enorme necessidade de se mostrar. Ela quer ser vivida imediatamente, sem vergonha. É um gigantesco movimento de expansão. Dentes que não se permitem ficar guardados. É como um splash na água.

Assim, como a tristeza, ela também toma conta do ambiente, mas diferentemente dela, é através de uma explosão de vibração e não o aniquilamento dela.

Essa última imagem é meu último questionamento. Ela, apresenta uma retração típica do medo e da tristeza. Um querer se esconder, se individualizar. No entanto, há um algo que nos diz que a menina não chora. Ela ri e vergonhosamente se retrai. Talvez uma risada inapropriada ou a timidez própria da garota. Mas, o que de fato permite dizer que ela sorri?

Cartão de Natal

2011-01-06T17:09:00.008-02:00

Nesse fim de ano, a maior demanda de criação que tive foi, sem dúvida, cartões de natal. A arte de desejar boas festas precisou ser destrinchada em muitas variações. Numa simples passagem pelas papelarias logo se vê a quantidade desses papelzinhos cheios de brilhos, com ou sem musiquinha. Por mais simples que seja o cartão, quem não fica feliz por ter sido lembrado?

Fiquei muito curiosa a respeito desse ritual de enviar cartões e fiz uma pequena pesquisa. Pulando um pouco a parte das controvérsias sobre a história do Natal, e apesar de que a maioria das fontes que pesquisei dizerem que o primeiro cartão foi feito por Henry Cole, eu discordei um pouco. Ele não foi exatamente o primeiro. Até porque, Sir Henry enviou seu cartão em 1843 - um pouco tarde...

No Império Romano, antes ainda do nascimento de Jesus, já havia o hábito de enviar congratulações pelo Ano Novo gravada em tabletes de argila. Esse costuma permaneceu ao longo dos séculos. Então por que Henry Cole é considerado o "inventor" do cartão? Simples. Ele inventou a massificação do cartão, o cartão comercial. O fundador do Victoria and Albert Museum of London andava sem tempo para escrever à mão todos seus cartões de fim de ano. Além disso, ele queria lembrar seus amigos e conhecidos da necessidade de ajudar os necessitados. Assim, solicitou ao artista plástico John Callicot Housley que pintasse um cartão com, além de pessoas confraternizando, pessoas oferendo comida e vestimenta.

Detalhe para a criança se esbaldando no vinho.

O cartão foi impresso em preto e branco e colorido à mão. Foram produzidos cerca de 1000 unidades para o "King Cole" e sendo a sobra vendida.

O cartão de Natal, em seguida, entrou em hibernação até 1862, quando a gráfica Charles Goodall and Sons of London veio com cartões de design minimalista que consistiam na expressão "Feliz Natal".

1910, kids looking at Christmas cards

Source: New York Times Archive via wikipedia

Gradativamente elementos como ramos, trenós, presépios foram preenchendo os cartões. A maioria era elaborada, decorada com, franja de seda e cetim. Alguns tinham dobras e os outros, muito cotados, tinham formas de sinos, pássaros, velas e até mesmo pudins de ameixa.

Os cartões foram produzidos por 30 anos desde sua criação somente na Inglaterra. Até que em 1875, Louis Prang, um imigrante alemão, criou sua litografia nos EUA e publicou a primeira linha de cartões nas Américas. Em 1881, Prang já produzia mais de cinco milhões de cartões de Natal a cada ano.

Anúncio dos cartões de dia dos namorados - Prang (1883).

Cartão de Natal - Prang.

Desde então, foram inúmeros e variadas temáticas e muitos cartões enviados pelos correios. Atualmente, o número de cartões impressos tem caído drasticamente em favor da virtualização.

Interessante quando os cartões se inserem dentro de contextos históricos como a Primeira Guerra Mundial.

Cartões da primeira guerra mundial.

Cartão enviado às tropas americanas que estavam na França, 1944.

Santa contra o eixo do mal (Hitler, Mussolini e Tojo) foi estampado no cartão de Natal das meias Interwoven

A maioria dos cartões que produzi foram realmente virtuais, alguns até eram para ser impressos mas não foram. Depois de toda essa história, os cartões por ordem de feitura (os dois primeiros são animados):

ok, isso não é exatamente um cartão.

Eu tinha planos de fazer um cartão meu, super especial, mas acabou que o tempo se foi e eu não fiz. Ano que vem que me aguarde.

Indies

2010-10-07T09:30:00.003-03:00

Essse projeto está na gaveta faz algum tempo. Foi realizado na disciplina de Metodologia Aplicada ao Design II – ED/UEMG, no primeiro semestre de 2009. Como essa cadeira consistia em explicar a metodologia de desenvolvimento de projeto, vivi de um mesmo assunto durante seis meses. Desconsiderando o fato de que outras disciplinas inventaram de nos ajudar, pobres alunos, utilizando o mesmo objeto para o desenvolvimento de outros trabalhos, economia de pesquisa. Mas calma, vamos por partes.

Foram pseudo-sorteadas tribos urbanas do século XXI – Emos, Forrozeiros, Patricinhas, Indies e Skatistas. No meu caso, trabalhei com os Indies. Demorei uns bons dois, três meses para entender realmente que tribo era essa. Se é que ainda não sei explicar bem quem são esses seres. Acredito que mostrando os trabalhos vocês possam compreender junto comigo.

Etapa 1 – Prancha de Coleta de Dados

Nesse primeiro momento o medo transbordava de nossos corações. A incerteza quanto às informações obtidas e o rigor das avaliações nortearam nossa falta de norte. A baixa resolução da primeira prancha que foi composta fez com que ela fosse substituída. Era necessário mostrar a maior quantidade de informação possível sobre essa tribo de forma direta. Fulaninho que usa isso e isso, que é assim e assado. Sem metáforas, literalidades, um simples ver e entender. O que poderia ser fácil se aquela foto super bacana de uma mesa com vários indies não tivesse cartazes da Skol no fundo ou garotas com salto Anabela. Sem contar que nessa época (como se já estivéssemos há anos luz) os indies eram a sensação do momento. E, com isso, outra tribo, os hipsters, realizou uma simbiose da linguagem e do comportamento indie. Quase um paradoxo do pretérito imperfeito, complexo com a Teoria da Relatividade.

Vamos às pranchas.

1 - descartada

2- mostrava muito pouco ou quase nada

Indies andam em pequenos grupos, muitas pessoas é algo massivo e pegajoso. São seres individuais. Blasés - algo próximo da melancólica, do bege, da apatia. Buscam a informação e o conhecimento. Muito ligados a músicas, conhecem todas e mais outras bandas independentes e do universo underground.

Usam roupas confortáveis, tecidos de algodão. As cores são decaídas na tonalidade – lavadas; pastéis e sóbrias. Buscam referências no passado, roupas de brechós, discos de vinil. Qualquer objeto referente ao passado é tratado como conhecimento. Nesse resgate trazem óculos wayfarer, roupas xadrez, tênis conga, Allstar, lenços. Pregam um estilo alternativo. No entanto, esse alternativo não deve nunca ser relacionado com a sociedade hippie. Os indies fogem do popular. Bebem cerveja, porém, não é qualquer cerveja – existe um requinte em suas escolhas – Stella Artois, Heiniken, jack Daniel’s. Pregam quase que uma desvinculação da sociedade e normalmente a vêem com apatia.

Etapa 2 – Semântica

Aqui, deveríamos sintetizar os aspectos semânticos da tribo em uma prancha exclusivamente tipográfica. Propus uma frase que trabalhasse com a ironia, muito utilizada por eles. E, trabalhando, além disso, com a estética e o humor das camisetas dessa tribo.

A frase - Allways one steps ahead to somewhere else - diz sobre essa impressão que o indie encontra-se sempre à frente. Ele sempre conhece uma banda que acabou de surgir, ele já seu aquele livro que você acabou de comprar e já foi naquele evento super exclusivo sobre o cinema iraquiano. Reforçando a ideia de distanciamento do grupo. A tipografia escolhida é handscript para traduzir o espírito do it your self do indie. Além da referência das camisetas sempre divertidas e com linguagens gráficas quase infantis. No fundo foi criado um padrão xadrez com a frase.

Etapa 3 – Simbolismo

Com esse caminhão de informações, a próxima etapa era criar mais uma prancha que se trata essa tribo de forma simbólica. Escolhi para tanto um sótão. Por quê? O sótão é um lugar isolado do restante da casa. É lá onde se encontra grande parte de tudo aquilo que você já viveu. Lá estão livros, vinis, roupas antigas – o próprio paraíso indie. Além disso, o sótão vai se formando com o tempo, tal como o aprendizado, está tudo ali. Graficamente o indie e o sótão se assemelham. Não tem uma preocupação formal de estilo. Vão se arranjando quase que ao acaso. Predominando certo desalinhamento – caixas empilhadas, amontoado de papéis, cabelos despenteados, roupas desajustadas. A luz do sótão é sempre esmaecida, contribuindo para a formação de tons mais fracos, opacos. Além disso, a própria oxidação dos objetos faz com que suas cores percam vivacidade. Assim, o padrão cromáticos de ambos é similar.

A ideia em si era boa. No entanto, a solução apresentada não foi satisfatória. Não existia perto de mim um sótão a ser fotografado. Logo, meu sótão ficou muito organizado e com poucos objetos icônicos do mundo indie.

Etapa 4 – Estilo de Vida

Essa prancha buscou mostrar tantaranrám!!(suspense)!! O estilo de vida! O que os indies consumem e o que eles fazem. Bom, ai está. Eles consumem muitos e os mais variados produtos culturais não massificados. Encontram-se em cafés para curtir o blasé da vida. Uma pequena brincadeira nessa prancha é o casal central que está sobre um bueiro com um grande pedregulho – eles estão protegendo o underground para que você, escória da humanidade que faz Dança da Motinha no horário de almoço, não o corrompa e infeste-o. Invasão essa que vem acontecendo! (até a gente desistir e achar tudo aquilo uh ó.)

Única ressalva nessa prancha é para a felicidade dos dois sujeitos na janela. Para uma prancha que represente o estilo de vida indie eles estão expressando a felicidade muito livremente.

Etapa 5 – objeto multisensorial

A proposta final da disciplina era fazer um objeto que estimula-se os cinco sentidos.

Como resultado, desenvolvi uma pequena caixa de som inspirada em amplificadores retros que funciona como alto-falante para um ipod – objeto indispensável para todo indie de respeito. Dentro dela está uma lata de Heineken para o paladar e, um copo de café expresso para o olfato. A caixa foi revestida por corino, tecido de caixas presente nos amplificadores e, por dentro, por um vinil que possui ranhuras em sua superfície aparentemente lisa, tudo isso para o tato. Para a audição, obviamente temos o ipod e na playlist, King of Leon. O visual ficou encarregado pela estética retro do próprio objeto. Além disso, foi elaborados ícones indicando o que deveria ser feito, ou melhor dizendo, o que não deveria ser. Lançando mão novamente da ironia, os indies não desejam compartilhar o mundo deles. Logo, não é interessante que te indiquem o que deve ser feito. Por isso, os ícones indicam equipamentos de segurança de forma a evitar seu contato com as sensações.

Open publication - Free publishing - More uemg

E fim. Foi um trabalho muito bacana. O melhor é que auto-ganhei um amplificador de mp3! Muito bacana e único – todo na indiecialidade.

Para não terminar nessa coisa ridícula de babar em você mesmo, deixo uma lembrança dessa época e das madrugadas de revolta e/ou empolgação com essa "thurma" indie.

Escute:

ReVista

2010-09-02T00:20:00.002-03:00

Finalmente posto o projeto que mais dor de cabeça me deu durante o semestre passo - um livro sobre Design Editorial. Inicialmente, depois de muita indecisão quanto a escolha do tema e da abordagem pretendida, sonhei que conseguiria produzir o conteúdo de todo o livro. O que era, obviamente, inviável tendo em vista a profundidade exigida por tal pesquisa e a demanda de tempo. Apesar disso,consegui reunir um conteúdo significante, mesmo que copiado parcialmente das mais variadas fontes. Só tomo essa nota como um alerta para o não academicismo do conteúdo do livro. A proposta central desse projeto foi o desenvolvimento gráfico, mesmo que o objeto proposto fosse metalinguístico. Depois do relato do projeto, deixo o livro para quem interessar ler!

ReVista

ReVista é um livro coletânea sobre Design Editorial. Passeando pelo início do século XX, ele aborda revistas, que preferencialmente tratassem sobre design, arte e cultura, que se destacaram de alguma forma em cada década. Conta-se um pouco da história de cada revistas e as figuras importantes dentro desses veículo. Através delas é possível criar uma ideia do panorama até mesmo global dos acontecimentos. Isso se dá, seja pela história das pessoas envolvidas, seja pelo material que elas expõe, suas críticas, matérias e textos, ou pela forma que expõe. Essa forma de se expor é ainda mais intrigante, em revistas de design e cultura, onde a forma é tratada com muito valor. Muitas delas dão atenção especial a esse caráter propondo experimentações dos mais variados tipos. A revista é produto do meio, para o meio. Assim, semioticamente, é significante e significado.

O design editorial constitui um meio de representação de ideias, conteúdos e sentimentos. Tal meio, no entanto, não é neutro ou indiferente aos conteúdos que apresenta, mas é coerente e solidário com esses e com o contexto histórico no qual se manifesta. Todas as épocas possuem suas próprias formas visuais, que acrescentam novas informações ao repertório das linguagens gráficas.
Fernanda Sarmento (Design Editorial na Revista Senhor)

Naming

Em um jogo de dualidades, a escolha do nome propõe um momento de reflexão devido à contrariedade. Um livro que se denomine revista, aponta para seu objeto de estudo e para a sua proposta, revistar, revisitar o início do século sobre um novo olhar ao longo das revistas.

Estrutura

O projeto de design nada mais é do que uma Gesamtkunstwer, a obra de arte total tão sonhada na virada do século. Por isso, cada detalhe deve ser pensado como parte do todo. Em ReVista, o conteúdo foi dividido por décadas. Essa divisão facilita em termos didáticos, mas é extremamente complexa já que muitas vezes essa divisão não atende a relevância história de um veículo. Além disso, viradas de século e de décadas sempre são acompanhadas de diversas mudanças que apesar de terem sido iniciadas no passado são mais relevantes no período seguinte. O início do século XX foi recreado de vanguardas e movimentos artísticos.

A constituição da sociedade moderna é cheia de pormenores que não deviam ser subvalorizados, mas que por escolhas editoriais acabaram em segundo plano. Assim, apesar de dividido por décadas, o livro deixa claro essa necessidade de não separação do tempo através da costura de encadernação dos livretos.

A linha que sobra de um dos cadernos é laceada ao próximo dando a ideia de continuidade, a linha do tempo. Para ler o livro, o leitor precisa desfazer esse laço, ele descontinua o tempo. Essa metáfora da linha é um dos motivos para a escolha da encadernação. Como são livretos de 20, 24 páginas uma única costura aparente seria eficaz na junção das páginas além do recurso estético da amarração de páginas. Dando continuidade a essa proposta. A luva que protege os cadernos é revestida em tecido branco, Vivox, (no protótipo foi utilizado Brim) não destoando os materiais e o conceito de trama, junção, para constituir um novo.

Projeto Gráfico

Apesar de boa quantidade de texto, era fundamental a existência de imagens que ilustrassem e apresentassem as revistas ali tratadas. Para tanto, foi estabelecido um grid principal de uma coluna onde o texto principal foi inserido. As margens foram projetadas para criar áreas de respiro tanto para o texto como áreas de sangramento das imagens.

Através de um grid de três colunas foram inseridas as legendas das imagens. As imagens também obedecem a essa lógica construtiva. No entanto, em alguns casos elas ultrapassam o limite das margens, aproveitando ao máximo a área de impressão.

Como recurso gráfico de representabilidade das décadas foi utilizado a tipografia. Relembrando as antigas tipografias do início do século, assim como as experimentações realizadas por elas e por diversos artistas, era fácil estabelecer e perceber padrões estilísticos. Criaram-se tramas embaralhadas com os estilos de cada década. Além disso, os estilos podiam se misturar de década em década, com maior ou menor destaque. Esse conceito de representatividade tipográfica, da tinta impressa sobre a página foi resignificado para dentro dos livretos. O respingo da tinta foi inserido como um índice do processo reprodutivos das revistas, a reVista do tempo e do texto relembrado por um índice de sua existência.

Tipografia

Como graficamente já foram utilizadas tipografias diversas, a escolha tipográfica se baseou na neutralidade e em uma família que possuíssem diversos pesos. Era necessário dar sobriedade ao texto, mas ao mesmo tempo dinamismo. Assim, a família Thesis foi a eleita. Desenhada por Lucas de Groot, entre 1994 e 1999, procuram fornecer uma fonte empresarial humanista moderna. Cada fonte está disponível em uma variedade de peso, bem como em itálico, importante para citações e estrangeirismos. A gama de pesos foi projetada usando a teoria de Groot de interpolação. A b interpolação óptica, nos caules de três (o mais fino a), b (interpolação) e C (mais grossa), é definida como a média geométrica de a e b c ², ou seja, AC = (em oposição ao linear média aritmética).

Para citações foi feita uma composição com corpo de texto 16pt na fonte The Mix, light e em itálico, criando blocos de texto harmoniosos apesar de serem alinhados à esquerda. As legendas de imagens foram compostas em 7pt, light, com apenas 70% de opacidade. Assim, ganham menor destaque, não disputando a atenção com o bloco de texto central. O texto principal é composto no corpo 9pt. The Sans, regular.

Formato

Apesar do caráter de memória, optou-se por um formato menor para o livro. De fácil manuseio e armazenagem. O formato mais vertical passa ideia de maior credibilidade ao conteúdo. Livros teóricos, geralmente, possuem esse formato. Assim, a página possui 9,8cm. X 19,6cm.

Miolo

Para servir de suporte tanto ao texto quanto para as imagens, sem a pretensão de ser um livro de arte em que as imagens têm maior valor do que propriamente o texto, foi utilizado um papel apergaminhado, de altaalvura e de superfície bem lisa. Dentre os disponíveis no mercado, o que melhor atendia a essa demanda era o Opalina Liso Branco, 120g. Sua gramatura, um pouco maior do que o normal em brochuras, permite a impressão de grandes áreas impressas sem que haja o “vazamento” de tinta para o verso.

Capas

As capas foram projetadas graficamente com composições tipográficas que representassem cada década. Para ressaltar a diferenciação, mantendo o preto como tinta de impressão, foi escolhido um papel de cores diferentes para cada década. Sendo assim, de forma a não destoar do papel do miolo, foi escolhido um papel apergaminhado, que sustentasse grandes áreas de impressão e que oferecesse cores diferentes. Assim, foi utilizado o papel ColorPlus, 180g. (Alaska, Marfim, Roma, Brasil, Fidji e Pequim). As cores de cada capa procuram refletir o tom de cada década. A introdução se mantém na neutralidade através do branco. Enquanto que, por exemplo, 1920 vem em vermelho com a guerra cível russa e o comunismo; 1930 trabalha a padronização e simplificação da forma através de um cinza pastel e 1940 vem com um verde exército fazendo referencia à guerra.

Os satélites foram quase que eliminados do projeto gráfico. O único que foi mantido foi a paginação, pequena e alinhada à esquerda, nas páginas ímpares, logo abaixo da caixa de texto.

Luva

Apesar dos cadernos serem amarrados entre si pela costura de encadernação, era necessária uma estrutura que unisse esses cadernos para que os pequenos livretos não fossem separados e tratados individualmente. A luva serve tanto para a armazenagem deles quanto para dar maior valor ao livro. Para tanto, a utilização do tecido de revestimento atua como um diferencial. Para realizar essa impressão no tecido, o processo de impressão escolhido foi o serigráfico. Apesar da arte da capa possuir muitos detalhes, a trama da serigrafia configuraria mais um efeito gráfico do que a perda da qualidade de impressão. A parte de texto da capa mantém, mesmo na lombada, corpo maior que 8pt., não sendo um empecilho ao processo gráfico. O jogo de branco e preto trabalha no sentido da revelação,de impressão propostos pelo livro. Para ressaltar esse contraste, o forro interno da luva é em camurça preta. É o lugar escuro de onde saem as informações, onde se merece uma reVista.

Open publication - Free publishing - More xx

PDV Travel Senses

2010-05-19T18:23:00.009-03:00

Mais um projeto para a disciplina de Representação Tridimensional II, sob orientação do professor Yuri Simon.

Em grupos - eu, Leandro Gusmão e Filipe da Matta - foram desenvolvidas peças de ponto de venda para produtos da marca Dr. Oetker. A linha de produtos escolhida foi a “Chás Travel Senses”, que propõe uma viagem através de aromas e sabores específicos de alguns países – Arábia, Marrocos e Índia.

Os produtos

Possuem ingredientes, embalagens e características que os tornam diferenciados dos demais, e esses diferenciais, aliados ao preço relativamente mais alto, demandam estratégias de merchandising que possam conferir mais visibilidade no ponto de venda.
No Brasil, já é bastante disseminado o hábito de consumo do chá, em ambientes, grupos e situações
diversas. Devido à grande disponibilidade e ao vasto plantio de ervas no país, o consumo dessa bebida faz parte do cotidiano do brasileiro há séculos, existindo assim uma predisposição do público para o consumo dos produtos. No entanto,os chás da linha Travel Senses diferenciam-se do habitual chá da cultura popular.
Diante disso – aromas e sabores diferentes, custo alto e possível estranheza do público com o novo produto – são necessárias estratégias que despertem a atenção e curiosidade do espectador e sua curiosidade.

Campanha
Propõe-se uma campanha que utilize peças gráficas de PDV aliadas a outras ações promocionais. A partir do slogan Viaje com essas sensações, é realizada uma promoção em que os consumidores participantes são premiados com viagens a lugares turísticos nos países relativos aos chás. A linguagem visual também segue esta ideia de viagem sinestésica, e utiliza elementos gráficos típicos dos países em questão e reconhecíveis pelo público – forma de recorte das peças; mulher com o rosto encoberto pelo véu; padronagem de fundo; tipografia não-latina.

A promoção é realizada através de sorteio. Os consumidores participam enviando SMS (mensagens
de texto), para um determinado número, com os códigos promocionais encontrados nos produtos.

Conceito
Viaje com essas sensações trabalha com o diferencial do produto: proporcionar ao consumidor uma experiência diferente, um transporte para outra região, de paladar e aromas diferentes. Propõem-se a busca por sensações novas através dos chás que são as próprias “sensações” - ideia de prestígio, o produto do momento. Para reafirmar o conceito de novas experiências, curtição e “viagem”, é realizada a promoção que leva o consumidor, realmente, para esses lugares de sensações tão diferentes. Em comum, esses lugares são submersos por uma mística. Eles contrapõem o cotidiano agitado do ocidente, ressaltando o momento de relaxamento, introspecção do ato de beber chá.

Peças
Cada peça proposta possui um objetivo específico. O móbile permite que o público tenha contato com a campanha mesmo estando a uma distância maior; o stopper interrompe o fluxo e surpreende o espectador; a testeira diferencia o produto dos demais presentes na gôndola, assim como o faz o wobbler, que além disso agrega um movimento que o torna mais atrativo; e por último o “pegue-um”, que disponibiliza impressos com maiores informações sobre os produtos e sobre a promoção.

Mobile

Stopper e wobbler

Testeira

Pegue-um

As peças funcionam tanto em conjunto, quanto individualmente. Elas cumprem a função de chamar a atenção para o produto e seu diferencial. Além disso, divulgam, mesmo que em segundo plano, a ação promocional, servindo de suporte à campanha.

PDV Adidas

2010-04-19T13:05:00.005-03:00

Numa linda noite de quinta-feira o professor mandou a gente virar artista. Pois é. E era o tipo de artista mais difícil, aquele que se desliga do mundo figurativo e parte para abstrações como forma de expressão. E mais ainda, o professor falou para comprarmos arames, alicates, arames de solda. Minha mãe começou a perguntar o que eu realmente estudava, se eu não estava fazendo engenharia escondido. Fora toda a minha falsa dramatização, o pedido era simples: fazer em arame uma estrutura tridimensional abstrata, baseada no abstracionismo formal, concretismo, neoplasticismo etc. Ou não tão simples assim.

"Abstracionismo Geométrico ou Formal, as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica.

Neoplasticismo, seu criador e principal teórico foi Piet Mondrian. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho, azul e amarelo). O ângulo reto é o símbolo do movimento, sendo rigorosamente aplicado à arquitetura." FONTE

Alguns artistas enumerados

Lygia Clark
Bicho (caranguejo duplo), 1961
alumínio, 53 x 59 x 53 cm
Acervo Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo SP
Foto: Romulo Fialdini

Franz Weissmann
A Torre, 1957
ferro, 169 x 62,7 x 37,2 cm
Acervo Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, São Paulo SP
Foto: Romulo Fialdini

Max Tolentino
Aranha Mecânica, Metalic Web
aço, sem informação.

Alexander Calder
Mobile, 1941

Munida de arame e alguns alicates, lá fui eu estudar uma forma. Inicialmente tentei estabelecer jogos de equilíbrio e planos. No entanto, a estrutura possuía pouca atratividade em determinados ângulos. Após alguns estudos, a forma ganhou verticalidade e ao contrário de retas perpendiculares, diagonais. Criou-se assim, sensações de movimento em que o equilíbrio tem seu eixo deslocado.
Diria eu: "Mãe, sou artista.", se ela não tivesse visto antes e chamado meu arame de coisa horrorosa.

Deveria ter lido o cronograma da disciplina no início do semestre. Daí, saberia que essa escultura teria que se transformar em um PDV (Ponto de Venda).

Com a análise da forma original e as sensações que essa propunha, a escolha do produto seguiu a idéia de movimento, jovialidade, energia, risco. Dessa forma, artigos esportivos foram escolhidos. A marca Adidas, conhecida por suas três listras em sua linha esportiva, baseia-se em diagonais, assim como o aramado. Portanto, parecia adequado para a construção de um display nessas formas.

A Adidas é empresa alemã fundada em 1924 que fabrica artigos desportivos. A empresa confecciona os uniformes das principais seleções do mundo, além de distribuir boa parte dos vestuários dos árbitros, chuteiras e bolas.

Também fornece os materiais utilizados nas Copas do Mundo da FIFA, tais como bolas, coletes de treinamento e uniformes dos árbitros. Um dos recentes lançamentos da Adidas foi a Jabulani, bola oficial produzida para a Copa do Mundo FIFA 2010.

Assim, a peça proposta consiste em uma arara para camisas de times, juntamente com suportes para bolas de futebol. A forma aramada dá um ar moderno, dinâmico. As cores da marca, preto e branco, foram aplicadas juntamente com o metal reforçando a identidade da empresa e ideais de inovação, qualidade, simplicidade.

Xilogravura, fiz as pazes

2010-03-19T14:10:00.009-03:00

Sempre tive um pouco de preconceito com a Xilogravura. Quando criança a gente é forçado a gostar de literatura de cordel principalmente porque é uma obra de arte menos favorecida, feita pelo sofrido nordestino que mesmo sem muitas condições e técnicas faz-se expressar. Parte verdade, perte sensacionalismo. Fato é, os desenhos não me chamavam a atenção, eram todos iguais e sem cor, em papéis estranhos e dependurados em um cordão!? E não é mágoa de cabolha. Também não gosto de bonecas do Jequitinhonha, das "namoradeiras" e de mangás. Acho tudo sem graça, igual, feio e chato. Opinião pessoal se é que me permitem.

O problema todo é que Xilogravura não é isso! e fui descobrir faz pouco tempo.

Fora toda a parte técnica da confecção da matriz (que por sinal sempre achei absurdo alguém em pleno século XXI se dar ao trabalho de escavar uma madeira sendo que existe tablet e photoshop), a Xilogravura me foi apresentada como uma arte rudimentar. E eu aceitei. Escavar madeira é algo bem rudimentar. Só não me dei conta de que nem todas as obras eram toscas.

Vejamos:
Por volta de 1830, Katsushika Hokusai, artista japonês, publicou A Grande Onda de Kanagawa.

Grande e inimaginável (para mim) xilogravura. Mais engraçado ainda é que temos referências contemporâneas dessa obra. O logo da marca de surf Quiksilver é inspirado na pintura da Grande Onda de Kanagawa (The Great Wave at Kanagawa), onde uma grande onda cobre uma montanha com o pico congelado. Veja:

Kitagawa Utamaro é outro artista japonês exponente no trabalho de gravuras conhecidas como Ukiyo-e, que nada mais é do que xilogravura. A diferença entre essas e as que estamos acostumados nos cordéis está no número maior de matrizes para gerar as diferentes cores e também no tipo de madeira, sem contar as diferenças de estilo dos desenhos.

matriz de Ukiyo-e

FlowersOfEdo, Utamaro

A escolha da madeira esteve no sucesso de muitos artistas. Thomas Bewick obteve seu distanciamento do comum juntamente por aliar sua capacidade como ilustrador à uma evolução da técnica. No final do século XVIII, a gravura em metal era a única forma de se conseguir reproduzir um desenho com alta definição. No entanto, transferência da gravura em madeira para o metal era um processo caro que exigia uma tecnologia adicional (modelagem em gesso e fundição que no final encareceria o produto). Nesse sentido a gravura feita diretamente no primeiro molde, a xilogravura, era bem mais rápida e não exigia um número muito grande de cópias para custear o produto final. Para obter a qualidade desejada em seus desenhos, Bewick resolveu trabalhar com madeiras mais duras e com o "buril", instrumento usado para gravura em metal e que dava uma maior definição ao traço.

Thomas Bewick. Barn Owl Tyto alba - History of British Birds (1847)

Como se sabe, com os avanços tecnológicos, a xilogravura foi deixando de ser um recurso de impressão para se tornar uma técnica artística.

O famoso norueguês, Edvard Munch (1863-1944)possui uma obra colossal como gravador em madeira. Ele mesmo imprimia suas gravuras.

Vampire II (1895-1902). Litogravura e xilogravura.

Edvard Munch. Anxiety. 1896. Woodcut. 45.7 x 37.5 cm. Munch Museum, Oslo, Norway.

The Kiss, coloured woodcut by Edvard Munch, 1902; in the Victoria and Albert Museum, London

No Brasil, as obras de Oswaldo Goeldi e de Fayga Ostrower (polonêsa mais que brasileira) são as minhas prediletas.

Céu vermelho, Oswaldo Goeldi, 1950. Xilogravura a cores

O solitário, Oswaldo Goeldi

Noturno, Oswaldo Goeldi

Casas - Xilogravura sobre papel, 1947. Fayga Ostrower.

9405 (1940) - Xilogravura em cores - papel de arroz, 70x45. Fayga Ostrower.

Xilogravura sobre papel, de 1958. Fayga Ostrower.

Existem muitos outros ótimos gravadores por aí. Dê uma pesquisada (se achar algo muito legal twitta pra gente!!!). Ano passado descobri que escavar madeira não é tão chato como parece. Pode ser até relaxante! E que xilografia não é uma arte nordestina, nem sertaneja, nem nada dessa baboseira que me disseram na 4ª série, rs. A seguir, minha desventura.

O escafandro e a borboleta

2010-02-23T15:22:00.007-03:00

O escafandro e a borboleta é um livro escrito por Jean-Dominique Bauby, ex-redator-chefe da revista "Elle". Após um acidente vascular cerebral, Jean-Do passou a sofrer do que a medicina chama de "locked-in syndrome". Ele não podia mexer, falar, comer e nem respirar sem ajuda de aparelhos. Só um olho se mexia. Esse olho, o esquerdo, era seu único vínculo com o mundo e através dele conseguiu criar um novo meio de se comunicar e escrever esse livro. Nele, Bauby conta sobre como é estar nesse escafandro onde voam borboletas.

Edição brasileira

Edição francesa

Edição americana

Em 2007, foi lançado o filme baseado no livro de mesmo nome (Le Scaphandre et le Papillon), dirigido por Julian Schnabel.

Jean-Do, com a ajuda de sua fonoaudióloga, estabeleceu um novo método de comunicação em que outra pessoa fala o alfabeto na ordem de maior frequência das letras no francês. Quando a letra correta fosse dita, ele piscaria. Dessa forma iam-se formando palavras.

Imagem do filme

Assim, em dupla com Délio Faleiro, criamos uma novo projeto gráfico que buscou trabalhar com os contrastes. A felicidade e tristeza de Jean-Do. O aprisionamento e ao mesmo tempo liberdade que ele sentia a cada dia. Trabalhamos com as letras e o vôo da borboleta que se estende, se entrelaça e forma uma barreira, um escafandro.

Para ressaltar esses aspectos propomos uma sobrecapa em vegetal que aprisione o livro, a borboleta de Bauby, seus pensamentos, leves e ternos.

Foi pensado como ação de ponto de venda um painel com um caça-palavras. Às palavras a serem buscadas são os capítulos do livro.

Wallpaper - Março

2010-02-05T14:54:00.003-02:00

Wallpaper - Fevereiro

2010-02-05T14:15:00.004-02:00

Fita adesiva - White Stripe

2010-01-18T22:17:00.011-02:00

No embalo da exposição de Vik Muniz, em BH, à turma de Expressão Gráfica IV [UEMG 2009/2] foi proposta a convecção de uma capa de CD. Para tanto, dever-se-ia utilizar a mesma lógica de construção imagética do artista.

Vik Muniz revisita o Narciso de Caravaggio

Che de feijão

Da série Cárceres

Após escolhido o artista que ganharia uma capa para seu novo álbum, no caso, a banda White Stripes, iniciou-se a busca por materiais que pudessem ser explorados. O grupo, Lorena Galery, Filipe da Matta, Marcelo Andrade e eu, optou por ressaltar as listras e cores características da banda. Dessa forma, escolhemos uma imagem a ser construída e utilizamos fita adesiva colorida.

A fita foi ganhando forma à medida que foi sendo sobreposta. Conseguimos, com a fita vermelha, criar sobretons, já que ela não era tão opaca quanto à preta. Além disso, a contínua sobreposição e não uniformidade dada à fita fez com que obtivéssemos um pouco de tridimensionalidade.

Infelizmente, não fotografei o processo. Com um projetor, a foto dos dois integrantes da banda foi sendo recriada em um papel A1 colado na parede. É um processo bem divertido que não nos tomou tanto tempo quanto imaginávamos.

Foto do resultado parcial

Proposta de Capa do CD

Existem muitos outros artistas e designers que vão além dos vetores ou papel e caneta. Navegando por ai, aposto que você já viu algum coisa desses dois aqui.

O primeiro é um artista ucraniano. Mark Khaisman, que trabalha justamente com a fita adesiva, mas sua técnica é um pouco diferente. Ele recria cenas de seus filmes favoritos sobrepondo fita adesiva sobre um papel iluminado. Com isso ele cria seus efeitos de luz e sombra, que é o que a gente realmente vê (nada de linhas, contrariando meu querido Van Gogh)

E por último, Erika Iris Simmons, ou iri5. Segundo a própria artista, ela trabalha com mídias não-tradicionais, em sua maioria, materiais que foram descartados ou doados por outras pessoas.

Ghost in the Machine: Jimi Hendrix

Ghost in the Machine- Bob Marley

Lead the Way - Cassette on canvas, 2009

Beat Boxers

Ela posta seus trabalhos no flickr [http://www.flickr.com/photos/iri5/] com alguma periodicidade e sempre com ideias novas, vale a pena acompanhar.

Laranja Mecânica

2010-01-13T15:16:00.008-02:00

Laranja Mecânica (A Clockwork Orange), se é que alguém ainda não sabe, é um filme de 1971, dirigido por Stanley Kubrick, adaptação do romance homônimo de 1962 do escritor inglês Anthony Burgess.
Pesquisei alguns posters, oficiais ou não, da obra (filme, livro ou peça) para contrapor com a proposta realizada.

O mais conhecido de todos, e acredito, o oficial, que só é alterado o lettering.

Cartaz francês

Capa DVD edição especial (EUA)

por sundaymorninq.

por Walter E. Soza

de Graphic Nothing

demarcos minini

de keepsmesane

de Joel Evey

de Leszek Zebrowski

Na disciplina Expressão Gráfica IV, na UEMG, 2009; foi pedido que com papel fizéssemos um cartaz para algum filme. O grupo, Lorena Galery, Filipe da Matta e eu, escolheu Laranja Mecânica. A proposta foi feita de imediato, sem pesquisa prévia.
O resultado parcial, feito em sala, foi esse:

Após digitalizá-lo, adicionou-se o lettering.

Pronto!

Dermacyd

2009-12-23T16:37:00.005-02:00

O Produto
Em 1984 o Dermacyd foi lançado no Brasil.
O produto era indicado tanto para a higiene da pele das mães quanto para a dos bebês.
Apesar de bastante conhecida pela classe médica, a empresa sentiu a necessidade de reposicionar a marca para atuar também nos pontos-de-venda.
O diagnóstico foi feito com base em uma pesquisa da sanofi-aventis de 2001

Motivos que levam uma mulher a comprar o Dermacyd?
O produto relançado no mercado em duas versões: Dermacyd Femina, para a higiene feminina, e Dermacyd Infantil;
No produto feminino, a empresa decidiu manter a fragrância de madressilva e investiu em uma embalagem mais econômica. Dermacyd® Infantil passou a apresentar uma fragrância soft baby desenvolvida para o bebês, e em embalagem azul.
A Embalagem
É pouco chamativa nas gôndolas.
Feita em PVC, é leve, de fácil manuseio e aplicação; resistente à ação de fungos, bactérias, insetos, à maioria dos reagentes químicos e a choques.
Possui um bom isolamento térmico, elétrico e acústico; além de ser impermeável e de baixo custo.
Possui bons aspetos ergonômicos.
Há dispersão e repetição da informação.
Mercado
Dermacyd®, o sabonete líquido íntimo da sanofi-aventis, que inaugurou a categoria, lidera o
mercado com mais de 50% das vendas, além de contribuir para impulsionar o segmento.
As razões para o sucesso de Dermacyd® estão baseadas no equilíbrio de três pilares: atuação
junto à classe médica, investimentos em mídia e ações voltadas para o ponto-de-venda, sempre
com a estratégia de desenvolver o mercado.
Não existe ainda uma unidade dentro do segmento de sabonetes íntimos femininos;

MULHERES

adultas e dinâmicas, abertas a incorporar novos hábitos práticos e saudáveis;
intimamente confortável, principalmente quando está com seu parceiro;
brasileira;
jovial;
Contemporânea

Rótulo
Introdução de temáticas florais e borboletas como ícone simbólico da feminilidade.
Diversificação da paleta de cores: introdução do verde – frescor, jovialidade
Aumento do contraste e do destaque do produto na gôndola através do uso de complementares – rosa e verde.

Utilização de tons rosáceos suavizados para dar delicadeza e suavidade ao produto.
Rótulo ganha forma sinuosa fazendo referencia a forma da mulher
Fonte moderna e marcante, e, mesmo assim mantém o equilíbrio com a logo do produto.
Tampa ganha matiz de rosa mais forte e vibrante.

Ponto De Venda
Uma das principais ações de venda do Dermacyd Feminina se dá no ponto de venda. Por isso, é proposto um Display de Chão.
Visibilidade e destaque no ponto de venda.

Trabalho desenvolvido na disciplina optativa, Design de Embalagens, UEMG, 2009/1.

Design de superfície - cartoon

2009-12-23T16:13:00.004-02:00

Padrões desenvolvidos para a disciplina Expressão Gráfica III - 2009/1

Teste de cor e aplicação:

CMYK

2009-10-01T14:24:00.003-03:00

Esses dias fui obrigada a brincar de CMYK. Você pode até achar, que legal! Mas não, não é.

Cheguei a pensar no cara da gráfica sofrendo para acertar a cor. Pensei até que nunca mais reclamava de gráfica. Só que esses pensamentos passaram rápido! É claro que vou continuar a reclamar. É uma gráfica, eles vivem disso, tem que acerta a bendita cor, sim. Já eu....

A simulação do processo gráfico foi feita com gouache "Talens"e eu só tinha que conseguir reproduzir duas cores e fazer uma escala tonal. Simples, não?!

Bagunça bonita!

Laboratório de Tipografia Experimental

2009-09-24T10:33:00.002-03:00

Já faz algum que a disciplina acabou e achei bem proveitosa de forma geral. Então, cá estou para mostrar algumas coisas que foi possível nesses meses de aula.
Adquiri bons hábitos, tal como fotografar a área de trabalho. Elas são sempre bonitas, ainda mais para aqueles fissurados por papelaria, e por uma singela bagunça colorida e divertida.
A disciplina abriu meus olhos para o mundo de possibilidades que a tipografia trás. Com certeza, não obtive resultados muito plásticos, no começo, mas percebi que é possível realizá-los.

Foi trabalhado as mais variadas formas de experimentação tipográfica, desde interferencias como a realizada em cima da Helvetica, a estruturas modulares e zig-zags.

Logo após o trabalho da Helvetica, o desafio foi o seguinte:

Procure por uma forma interessante que funcione bem como um módulo repetitivo para uma fonte “pixel”. Este módulo/forma pode ser qualquer coisa, bi ou tri dimensional, geométrico ou não. O importante é que seja uma forma/objeto que esteja disponível *em abundância*
Junte muitos exemplares do seu módulo e comece a desenvolver o seu alfabeto. Não se prenda, necessariamente, a uma estrutura ou grid geométrico. Julgue o posicionamento dos módulos “no olho”.
Depois que você tiver definido a “alma” do seu alfabeto, aplique sua fonte em um contexto analógico, físico, real.

5x3; 5x4, 4x3 e 3x3

Do Bold ao Itálico.

Aqui era só eu tentando fazer um ambigrama com meu nome. FAIL

Intervenção compartilhada com Andréa Miranda

Em um outro dia...
1. Utilizando um material longo e que exista em grande quantidade, produza letras apenas a partir de dobras. O material pode ser variado:
bobinas de papel de diferentes bitolas e tipos, folhas de metal fino, fitas cassete e/ou video cassete, cartão, cartolina, fita decorativa, de embalagem, fita de isolamento, adesiva, etc etc. O mais importante é que seja longo, e que seja dobrável. Teste e tente diferentes maneiras de criar letras com seu material. Crie um estilo único, inconfundível, marcante.

- arriscando um itálico

(Não entendi porque essa foto não quis ficar no sentido correto)

2. Uma vez que você tenha definido seu estilo específico de lettering, ataque o espaço público da Fafich, se valendo de suas habilidades ninja adquiridas no último exercício. Crie um lettering ZIGZAG em larga escala e confunda a mente dos transeuntes faficheiros. (Instruções by Ricardo Portilho)

Era para ser um "subindo"...

Esse ai deu para entender. Achei legal que alguém usou a fita para anotar números de ônibus.

No trabalho final, a proposta era bem aberta. Podería-se escolher entre criar um video, cartazes tipográfico sobre filmes ou criar uma fonte. Inspirada em Paula Scher, ou não, resolvi criar cartazes. A idéia era fazer ao menos três. Porém, descobri que não era tão rápido assim, fazer o que queria.

Você pode pensar: você usou vegetal e só copiou o desenho.
Sim, é isso mesmo. E é mais difícil do que parece! Agora, é muito legal fazer.
Fui preenchendo com as falas do filme, como se fossem elas que formassem o filme. Além disso, tinha escolhido filmes que ganharam Oscar de melhor roteiro! O.o Mas como só fiz de dois filmes...

Variações sobre o mesmo tema.

O segundo filme foi Juno.

Nesse. tentei fazer o preenchimento com tipografia digital.

E o último dia do Laboratório, apresentação dos trabalhos.

Espero que a disciplina seja ofertada novamente na Comunicação.
Minhas memórias de um Laboratório ficam por aqui. Quem quiser ver mais trabalhos tem o site da Andréa Miranda, destaque para a Helvetica Fries.

Nosfepatu

2009-09-24T09:45:00.005-03:00

Stop motion desenvolvido na disciplina Cinema de Animação B - UFMG 2009/1 Roteiro, direção, Produção - Bruna Araújo, Lorena Galery e Renato Araújo.

Imagine se o patinho feio na verdade fosse um vampiro...

Expedição pelo Velhas 2009

2009-07-30T11:49:00.005-03:00

Para representar as propostas da Expedição pelo Velhas 2009 - Encontros de um povo com sua bacia a equipe, formada por Délio Faleiro, Stephanie Boaventura e Bruna Araújo, buscou um ícone que representasse os conceitos de ponto, rede e o todo da bacia. Para isso escolheu-se a caliandra, flor do cerrado (e presente na bacia). Além de se assimilar pela forma com uma rede, essa flor ainda é um ponto de destaque na vegetação do cerrado. Sendo esse, o propósito da expedição, chamar atenção para esses locais.

A flor da caliandra, formada por várias hastes ligadas a um ponto, dá essa ideia de pontos que se ligam, de formação de uma rede, remete de certa forma à bacia. Além disso, os pontos na ponta de cada haste representam a nucleação que a Expedição buscou construir na área cultural e reforçar a que existe nos Núcleos e Subcomitês.

Ao estilizar um elemento que singulariza a bacia, a equipe procurou integrar o ícone ao texto do nome da Expedição, resultando numa logo simples, limpa e elegante.

Creme Nivea - Carnaval

2009-07-04T12:44:00.005-03:00

Trabalho realizado na disciplina Design de Embalagens - UEMG - 2009/1
A proposta consistia em elaborar uma embalagem promocional, do Creme Nivea, para o Carnaval. Optou-se por manter o posicionamento e o tratamento gráfico da marca - Nivea. Assim, utilizou-se fotos como fundo da imagem ressaltando aspectos positivos do Carnaval ligados à beleza. Sem, entretanto, levar a marca para um tom popularesco. A Nivea preza em sua comunicação pelo requinte e diferenciação. Com isso, o slogan foi reelaborado mantendo a beleza como tema central: "Beauty is life lived at Carnaval"

Jogo dos 7 erros

2009-06-29T21:28:00.046-03:00

Protótipo de um blog, que não deve ter futuro... Ele não é necessariamente um blog até porque meu conhecimentos em programação são bem escassos. Bom, é um site desenvolvido para a disciplina Of. de Criação de Sites 2009/1 UFMG. Utilizei mais uma vez minha linda tipografia baseada na Helvética! O menu foi feito com colagem e o conteúdo é só pancreático. Veja em : http://www.fafich.ufmg.br/oficinadesites/Bruna/index.html

Helvetica?

2009-05-26T01:35:00.007-03:00

A partir da tão adorada/usada/odiada helvética, foi desenvolvida uma nova fonte. Proposta de trabalho realizada no Laboratório de Tipografia Experimental, sob orientação do professor Ricardo Portilho.

Aqui foi trabalhada a contra-forma da fonte, com carvão sobre um papel bem áspero para criar efeitos de ranhura e sujeira. Logo em seguida, voltou-se a trabalhar com a forma resultante, para se criar a fonte, Dirtetica.

Nessa outra alternativa à forma da fonte foi preenchida com traços em diagonal. Vetorizado o resultado obtido, criou-se a Sketchica.

Novamente a partir do arquivo da helvética, no fontlab, foi "produzida" a fonte para o sistema. Conservou-se, dessa forma, espaçamentos, kerning, originais da helvética.

New Rave?

2009-02-18T17:52:00.001-03:00

Desenhos! Adoro pastel no fundo preto.

Museu Itinerante Ponto UFMG

2009-02-18T16:01:00.011-03:00

Há muito tempo estou de postar esse trabalho por aqui. Finalmente criei coragem e desenterrei-o. Não sei a que passo anda o projeto ultimamente. Mas cá estamos nós.

O Museu Itinerante Ponto UFMG é um projeto desenvolvido pelo Centro de Difusão da Ciência/UFMG que consiste em um museu iterativo de ciências e tecnologia. Este por sua vez é montado em uma plataforma móvel, um caminhão semi-reboque com espaço interior adaptado (sala de projeções, laboratório de informática, química, física e biologia.
Seu objetivo é difundir o conhecimento científico gerado no meio acadêmico para alunos e professores da educação básica e a população em geral das cidades que pretende visitar.

Sendo assim, conceitos como itinerancia, disseminação, difusão e um ciclo de troca de conhecimento serviram de base para o desenvolvimento da identidade do Museu. Criou-se a ideia do "ponto". O lugar de referencia que ao mesmo tempo é móvel, circular e se expande em todas as direções.

O ideal de juventude também foi resgatado durante o processo. O público pretendido pelo museu é preferencialmente jovem. Dessa forma, buscou-se uma linguagem limpa e moderna. Além disso, deu-se início a criação de mascotes para o projeto. A ideia desenvolvida consiste em atribuir as diversas áreas do conhecimento um personagem que se relaciona com elemento da natureza e ao mesmo tempo com características pessoas. Assim, criou-se um grupo de "cientistas" que pode atrair o público pela simpatia ou por uma identificação pessoal e dessa forma gerar interesse pelas mais variadas áreas da ciência.

O próximo passo foi desenvolver a envelopagem do exterior do caminhão. Com um modelo pré-determinado de caminhão, o layout procurou não infantilizar o museu apesar do apelo infanto-juvenil das mascotes.

E finalmente, a última demanda que participei no projeto, um folder de divulgação.

Retratos

2009-01-19T16:31:00.006-02:00

Desenhos antigos...