Radio Gólor

PETICIONES DEL OYENTE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 23 Jun 2011 17:47:00 +0200

Heavy Metal

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 13 Apr 2011 10:45:00 +0200

El heavy metal o solamente metal (en español traducido como «metal pesado») es un género musical que incorpora elementos inspirados en el blues rock, el rock ácido de los 60s y de la música clásica, junto al hard rock, con el que comparte rasgos esenciales. El origen del heavy metal remonta a finales de los años 1960, impulsado por algunos grupos de la época, los cuales fueron incorporando sonidos más potentes y distorsionados, agregados a más energía. El heavy metal ganó popularidad en el Reino Unido y en Estados Unidos durante los años 1970, más aún a finales de estos, hasta su asentamiento y difusión universal durante los años 1980.

El heavy metal se caracteriza por poseer ritmos potentes, crudos y mayoritariamente agresivos, logrados mediante la utilización de guitarras altamente distorsionadas, baterías con doble pedales y sonido potente, y bajos eléctricos pronunciados, todo esto agregado a una atmósfera contundente y oscura y técnicos solos de guitarra. El heavy metal, entre las muchas características que lo componen como género musical, se caracteriza por poseer figurativos riffs de guitarra, relativamente complejos, potentes y llenos de energía, logrados mediante la utilización de alta distorsión de guitarras y de bajos ocasionalmente, y, sobre todo, por poseer importancia esencial en los solos de guitarra, ejecutados con gran velocidad, virtuosismo y tecnicidad, dentro de los cuales se busca la ejecución del «mayor número de notas posible dentro del tiempo determinado» (esto sostenido al género de metal del que se este hablando, lo cual define el estilo de los solos), buscando una melodía contundente y con afines altos y distorcionados, lo cual también contribuye con la velocidad y la crudeza del sonido propiamente dicho. El heavy metal es uno de los subgéneros de rock and roll más difundidos en todo el mundo, teniendo grandes escenas musicales en Europa, Latinoamérica y Asia (especialmente Japón).

El término heavy metal, debido a la progresión que ha sufrido desde su creación, se usa actualmente para hacer referencia a dos conceptos distintos: heavy metal (o simplemente metal) como género musical, donde cabrían los diferentes subgéneros salidos de la vertiente más clásica (speed metal, thrash metal, power metal, death metal, black metal, etc.); y heavy metal (o «heavy metal clásico») como subgénero musical, correspondiente a los grupos que siguen la vertiente más clásica.

El origen del término heavy metal no es completamente claro. Una versión defiende que fue acuñado por el escritor William S. Burroughs, quien en su novela de 1961, The Soft Machine, incluye al personaje «Uranian Willy, the Heavy Metal Kid» (Uranian Willy, el chico heavy metal). En su siguiente novela, del año 1964, titulada Nova Express, desarrolla aún más este concepto de heavy metal, convirtiéndolo en una metáfora de las drogas adictivas. Otro de los aspectos destacables de estas novelas es el uso frecuente del sonido como agente liberador de la vida programada y la alienación causada por un mundo cada vez más mecánico.

Otra hipótesis, posiblemente apócrifa, señala como origen del término a un crítico de rock quien en 1967 dijo que la música de Jimi Hendrix era "como metal pesado cayendo desde el cielo".

Humanoides Asociados, una agrupación de creativos del mundo del comic francés crearon una serie de cómics de ciencia ficción en la revista creada para este propósito, Métal Hurlant, la cual se tradujo como Heavy Metal en su posterior versión estadounidense.

La palabra heavy (traducida como serio o profundo, en el argot norteamericano ) había entrado en la contracultura algún tiempo antes, y las referencias a la música heavy, normalmente variaciones más lentas y amplificadas del pop normal, eran comunes. En 1968 aparece por primera vez el término heavy metal en una canción, en la frase «heavy metal thunder» de la canción «Born to be Wild» del grupo Steppenwolf. Ese mismo año Iron Butterfly publicó su álbum de debut titulado Heavy.

Durante mucho tiempo, la creación del término fue atribuida al crítico Lester Bangs de la revista Creem, que lo utilizó para describir una presentación del grupo MC5 de Detroit en 1968. Se considera que Lester Bangs popularizó el término a principios de los 70 para describir a grupos como Led Zeppelin y Black Sabbath. Sin embargo, el primer uso documentado del término es en mayo de 1971, en una crítica del disco Kingdom Come, de Sir Lord Baltimore, de la revista Creem, a cargo del redactor Mike Saunders.

Otra hipótesis afirma que en 1969 el crítico y periodista David Fricke, de la revista especializada CIRCUS, agrupó a distintas bandas, tales como Black Sabbath, Deep Purple e incluso Cream, dentro del naciente movimiento al que bautizó Heavy Metaldebido a la similitud con el característico sonido, densidad y pesadez que entrañaban los temas de Humble Pie (agrupación liderada por Steve Marriott y Peter Frampton) y la etérea y dura atmósfera experimentada en sus conciertos.

Durante 1969, John Peel, de la BBC, presentó oficialmente a Humble Pie como la primera banda de heavy metal, no haciendo referencia a su música y sonido sino a la cantidad de volumen utilizado en su interpretación de cortes clásicos de blues consagrados durante la década de los cincuenta. Como dato adicional, el disco de Humble Pie Performance Rockin The Fillmore de 1971 fue el primer álbum editado en el que en la contraportada aparecía una pequeña etiqueta señalándolo como heavy metal, pero solo en los primeros tirajes del LP, que debido a su duración fue originalmente publicado como álbum doble.

Sandy Pearlman, productor, representante y compositor de la banda Blue Öyster Cult, asegura que él fue el primero en aplicar el término heavy metal a la música rock and roll durante la década de los 70. En 1971 realizó una crítica para la revista estadounidense Crawdaddy!, del álbum The Notorious Byrd Brothers, de The Byrds, donde calificaba como heavy metal a la canción «Artificial Energy».

Los términos heavy metal y hard rock han sido utilizado muchas veces como sinónimos, especialmente al hablar de grupos de los primeros años 70. Sobre cómo el término heavy metal se popularizó es un asunto que permanece en la oscuridad. El propio Ozzy Osbourne suele referirse al género más como rock and roll que como heavy metal, así que probablemente la nueva ola del heavy metal británico haya tenido algo que ver. Algo después, en 1988, Judas Priest grabó un tema titulado «Heavy Metal».

Blues

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 4 Apr 2011 20:59:00 +0200

El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop.

Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.

Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical». Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional». El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.

Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues. El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante siglos en África Occidental

Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la guitarra, mediante una cuchilla afilada (utilizada por W. C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que fue muy común en todo el sur del continente americano durante los primeros años del siglo XX—, es una derivación de un instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de técnicas en los primeros comienzos del blues.

La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian airs, minstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico. El género también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues «preservó mejor los patrones melódicos de la música africana».

Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales de doce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordestónicos, subdominantes y dominantes. Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.

La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se convirtió en estándar. Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.

Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles». Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción Down in the Alley de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un callejón.

Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término que hacia referencia a un instrumento musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para limpiar los intestinos de los cerdos para prepararchinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por predicadores y feligreses.

A pesar de que el blues solía asociarse con miseria y opresión, también puede adquirir tintes cómicos o humorísticos, y en muchos casos, connotaciones sexuales.

El autor Ed Morales afirma que la mitología yorubá jugó un papel importante en los primeros blues, citando el tema Cross Road Blues del músico Robert Johnson como una «referencia finamente velada a Eleguá, la orishá encargada de los caminos». Sin embargo, algunos artistas prolíficos de blues, como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas cristianas o de estilo espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como músicos de blues, a pesar de que las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.

Flamenco

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 20 Mar 2011 11:48:00 +0100

El Flamenco es un género español de música y danza que se originó en Andalucía en el siglo XVIII, que tiene como base la música y la danza andaluza y en cuya creación y desarrollo tuvieron un papel fundamental los andaluces de etnia gitana. El cante, el toque y el baile son las principales facetas del flamenco.

En los últimos años, la popularidad del flamenco en latinoamérica ha sido tal que en Guatemala, Costa Rica, Panamá y El Salvador han surgido diversas agrupaciones y academias de flamenco. En Japón el flamenco es tan popular que en ese país hay más academias de flamenco que en España. En noviembre de 2010 la UNESCO declaró al flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

La palabra flamenco, referida al género artístico que se conoce bajo ese nombre, se remonta a mediados del siglo XIX. No hay certeza de su etimología, por lo que se han planteado varias hipótesis:

Por paralelismo con el ave zancuda del mismo nombre: Algunas hipótesis relacionan el origen del nombre del género flamenco con las aves zancudas del mismo nombre. Una de ellas dice que el flamenco recibe esa denominación porque el aspecto y el lenguaje corporal de sus intérpretes recuerda a dichas aves. Marius Schneider, en cambio, defiende que el origen del término puede estar en el nombre de estas aves, pero no en su parecido con el estilo de los bailaores sino en que el modo de mi, que es el predominante en el repertorio flamenco, se relaciona en la simbología medieval, entre otros animales, con el flamenco.

Por ser la música de los "fellah min gueir ard", los campesinos moriscos sin tierra: Según Blas Infante, el término "flamenco" proviene de la expresión andalusí fellah min gueir ard (فلاح من غير أرض), que significa "campesino sin tierra". Según él, muchos moriscos se integraron en las comunidades gitanas, con las que compartían su carácter de minoría étnica al margen de la cultura dominante. Infante supone que en ese caldo de cultivo debió surgir el cante flamenco, como manifestación del dolor que ese pueblo sentía por la aniquilación de su cultura. Sin embargo, Blas Infante no aporta fuente histórica documental alguna que avale esta hipótesis y, teniendo en cuenta la férrea defensa que hizo a lo largo de su vida de una reforma agraria en Andalucía, que paliase la mísera situación del jornalero andaluz de su época, esta interpretación parece más ideológica y política que histórica o musicológica. No obstante, el Padre García Barrioso, también considera que el origen de la palabra flamenco pudiera estar en la expresión árabe usada en Marruecos fellah-mangu, que significa "los cantos de los campesinos". Asimismo, Luis Antonio de Vega aporta las expresiones felahikum y felah-enkum, que tienen el mismo significado.

Porque su origen está en Flandes: Otro número de hipótesis vinculan el origen del término con Flandes. Según Felipe Pedrell el flamenco llegó a España desde esas tierras en la época de Carlos V, de ahí su nombre. Algunos añaden que en los bailes que se organizaron para dar la bienvenida a dicho monarca se jaleaba con el grito de ¡Báilale al flamenco! Sin embargo el término "flamenco" vinculado a la música y al baile surgió a mediados del siglo XIX, varios siglos después de ese hecho.

Porque a los gitanos se les conoce también como flamencos: En 1881 Demófilo, en el primer estudio sobre el flamenco, argumentó que este género debe su nombre a que sus principales cultivadores, los gitanos, eran conocidos frecuentemente en Andalucía bajo dicha denominación. En 1841 George Borrow en su libro Los Zíncali: Los gitanos de España ya había recogido esta denominación popular, lo que refuerza la argumentación de Demófilo.

Gitanos o egiptanos es el nombre dado en España tanto en el pasado como en el presente a los que en inglés llamamos gypsies, aunque también se les conoce como "castellanos nuevos", "germanos" y "flamencos"; [...] El nombre de "flamencos", con el que al presente son conocidos en diferentes partes de España,[...]

No se tiene certeza del motivo por el que los gitanos eran llamados "flamencos", sin embargo hay numerosas noticias que apuntan hacia un origen jergal, situando al término "flamenco" dentro del léxico propio de la germanía. Esta teoría sostiene que "flamenco" deriva de flamancia, palabra que proviene de "flama" y que en germanía se refiere al temperamento fogoso de los gitanos. En el mismo sentido el diccionario de la Real Academia Española dice que "flamenco" significa coloquialmente "chulo o insolente", siendo un ejemplo de ello la locución "ponerse flamenco". En un significado similar, el término "flamenco" es usado como sinónimo de "cuchillo" y de "gresca" o "algazara" por Juan Ignacio González del Castillo, en su sainete El soldado fanfarrón (ca. 1785). No obstante, Serafín Estébanez Calderón que en sus Escenas andaluzas (1847) aporta las primeras descripciones de situaciones flamencas, no utilizó ese nombre para calificarlas.

Musica Disco

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 20 Mar 2011 11:42:00 +0100

La música disco es un género de música de baile derivada del R&B (rhythm & blues) que mezcló elementos de géneros anteriores, como el funk y el soul, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó en las salas de baile (discotecas) a finales de los setenta.

La música pop dominó la escena musical hasta el comienzo de los años 80. Las canciones disco normalmente estaban estructuradas sobre un repetitivo Compás de 4/4, marcado por una figura de charles, de ocho o dieciséis tiempos, con hi hat abierto en los tiempos libres, y una línea predominante de bajo sincopado, con voces fuertemente reverberadas. El uso del open hi-hat a un ritmo 4/4 tiene su claro origen en el tema "The Love i Lost" de Harold Melvin & The Blue Notes de 1972, una producción de Gamble y Huff donde Earl Young era el baterista de sesión, también integrante del proyecto MFSB. Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 bpms por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino como merengue, rumba o samba.

El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda (violines, cellos) y metales, que desarrollaban frases lineales en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y laguitarra eléctrica (con toques claramente tomados del funk). Al contrario que en el rock, la guitarra solista es inusual

El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas y con un background armónico, fundamentado en una progresión de acordes bien definida (menor/séptima/menor), con predominio de los acordes de séptima mayor. Utilizaban los sonidos grotescos de armonía pura. En esta música a veces solían añadir contrabajos, platillos y saxos, pero sólo si se iba a actuar en salas que no eran discotecas.

La música disco tiene su etapa de mayor proyección en la década comprendida entre 1973 y 1983, aproximadamente, con un revival en los años 1990.

Precisamente hacia la mitad de los 70, obtuvieron sus principales éxitos los intérpretes más característicos de la música disco, como MFSB, Donna Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC and The Sunshine Band,Village People, Boney M o ABBA. Otros muchos artistas que, normalmente, no trabajaban el género, grabaron canciones disco en la cima de su popularidad, como por ejemplo Leo Sayer (You Make me feel like dancing), Rod Stewart (Do you think i'm sexy?), Electric Light Orchestra (Last Train To London) y Blondie (Heart Of Glass).

Diversas películas, como Fiebre del sábado noche y ¡Por fin es Viernes!, contribuyeron al despegue de la música disco entre el público. Aunque la popularidad de la música disco declinó a comienzo de los años 80, mantuvo una importante influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica de los años 80 y 90, así como en géneros como el House o el Techno.

Leño

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 15 Feb 2011 16:56:00 +0100

Leño fue un grupo musical de rock urbano madrileño. Fue creado en 1978 por Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Chiqui Mariscal, que mediada la grabación del primer disco marchó siendo sustituido por Tony Urbano, y se disolvió en octubre de 1983.

El nacimiento de Leño se remonta, probablemente, al 31 de diciembre de 1977, tras una discusión de los componentes de la primera formación del grupo Ñu antes de comenzar un concierto. Dice la leyenda que uno de los componentes de Ñu , Rosendo Mercado, pronunció las palabras: "Chico, hasta aquí hemos llegado...". La relación de amor-odio entre Rosendo y José Carlos Molina, el Molina, queda patente hasta en el origen del nombre del nuevo grupo formado por Rosendo "las canciones que haces son un leño, tío" decía José Carlos de las composiciones de Rosendo para Ñu.

Aunque José Carlos cuenta otra versión "Bueno, Leño lo formé yo, y el nombre me lo inventé yo. Y es que cada vez que hacía una canción heavy, como la introducción de "Este Madrid", que es mía, Rosendo decía "¡vaya leño de canción que has hecho!". Empezaron bromeando y al final decidieron llamarse Leño, no quería Rosendo perder la "ñ" por ningún lado.

Solo unos días después se creó plenamente el grupo. Con un viejo amigo del grupo Fresa (anterior nombre de Ñu), Chiqui Mariscal, y el ex-batería de Coz (grupo del que después saldría otro grupo de los ochenta llamado Barón Rojo) debutan en la sala Alcalá Palace el 12 de febrero como teloneros de Asfalto, con cuatro temas propios.

En mayo se publicó el sencillo "Este Madrid/Aprendiendo a escuchar", hoy un disco de coleccionista. Casi un año y decenas de conciertos después, exactamente en marzo de 1979, en setenta horas se graba y mezcla el primer disco de Leño, con el mismo nombre que el grupo.

La portada de "Leño" muestra el adiós de Chiqui Mariscal, el primer bajista. Con el tiempo Chiqui volvió a integrarse en Ñu , grupo en el que había estado, con Rosendo, antes de que ambos formaran Leño.

Para sustituirle entró en el grupo (y ya se quedará hasta el fin) Tony Urbano, gran amigo de Ramiro (ambos provenientes de Coz). Tony grabará en el disco el último tema, el himno al LSD "El tren", compuesto y no grabado, por Rosendo y José Carlos Molina en los tiempos de Ñu (como curiosidad, esta canción la grabó Ñu varios años después, con otro nombre y mucha gente pensó que estaban versionando a Leño, cuando en realidad la canción era de ambos).

Era el final de una década y el principio de otra esperanzadora, con conciertos en cada ciudad y la radio sonando en español. Como declaró Rosendo, "Estábamos siempre juntos porque era la época de los festivales y en cualquier punto de España nos encontrábamos Coz, Ñu o Leño de Madrid, Bloque de Santander, Smash o Storm de Sevilla... Había algo por lo que estar ahí y pelear juntos. Estábamos abriendo hueco. Eran conciertos de cuatro, seis, ocho o hasta catorce grupos, era una locura. Los equipos eran horribles y además no los sabíamos manejar. Bloque tenían la mejor producción y equipo, también Asfalto, quizá porque fueron los que empezaron antes e iban invirtiendo. Con Ñu nunca toqué con monitores, se tocaba con los amplis de escenario. El batería se dejaba los muñones dando hostias y los demás apretábamos con los Marshall a todo volumen...".

En el siguiente año llegó la movida madrileña y las casas de discos comenzaron a aumentar sus ventas. Muchos aún recuerdan como un mal sueño la aparición de Leño, los "auténticos auténticos" haciendo play-back en "Aplauso", un programa musical de la televisión española de la época. Aunque otros recuerdan otra versión de los hechos: "Eso del play-back me recuerda cuando, en la prehistoria, Leño la armó cuando exigió (y lo consiguió) tocar en directo en el programa Aplauso" (Raimundo Amador).

En julio de 1980 se grabó "Más Madera", con teclados de Teddy Bautista y un sonido casi pop. Según Rosendo: "Más Madera suena muy mal. Se hizo muy deprisa, por debajo de las cien horas de trabajo: un trío que entra en un estudio y mete elementos que no había tenido antes, con lo cual no hubo tiempo de asimilarlo. Pero nos apetecía hacerlo porque era bueno para nuestra historia"

"... eres nuevo, no sabes nada, estás en un estudio de grabación y no eres consciente de muchas cosas ... cuando acabé mi parte necesitaba salir de allí porque me quemé. Dejamos a Rosendo sólo y él nos crítico tanto a Tony como a mí, pero le dije que era peor que hubiera estado allí porque habría odiado ese disco toda mi vida. Teddy hizo lo que le salía de los cojones con el disco. También hizo unas cosas curiositas pero no consiguió hacerlo sonar ... eran canciones sencillas que se pueden tocar con una guitarra acústica, tenían bonitas letras y mucho sentimiento. Rosendo escribía ya con una sensibilidad absoluta". (Ramiro Penas).

Los conciertos y las actuaciones en directo, sin teclados ni arreglos, sólo tres músicos y miles de personas escuchando y sintiendo cada canción, dieron lo mejor de Leño en aquélla época. De esta forma, en 1981 se grabó "En directo". El disco se registró en las noches del 25, 26 y 27 de marzo en el barrio de Tetuán (Madrid), cerca de su local de ensayo de la calle Tablada, en la sala Carolina, Bravo Murillo. Como novedad, se introdujo un saxofón (Manolo Morales), coros (una casi desconocida Luz Casal en ellos) y cuatro canciones creadas expresamente para el evento. A pesar del sonido y que solo contuviera cuatro canciones inéditas, este disco fue el más vendido de la carrera de Leño.

En los años 81 y 82 la banda continuó desmarcándose de etiquetas como "heavy", "rock duro". Dejaban claro en sus entrevistas que ellos escuchaban a The Clash, a Joe Jackson, a Specials... Como declaró el propio Rosendo "Era algo absolutamente premeditado. No queríamos quedarnos en las tachas ... Lo mismo ocurría con nuestra imagen, utilizó la ropa que visto normalmente. Veía a alguna gente y pensaba: pero cómo sales a un escenario con una ropa que te tienes que quitar luego porque no va contigo...".

En mayo de 1982 se inició la "aventura londinense". Leño grabó su tercer disco, "Corre, corre", en Londres bajo la producción de Carlos Narea. Sin embargo, cuando se presentó este disco a los críticos de la revista inglesa "Kerrang", especializada enrock duro, el resultado fue pésimo. Según algunos era imposible juzgar a Leño sin entender, más allá de la diferencia de idioma, sobre qué están hablando. Según Rosendo: " En "Corre, Corre" hay muy buenas canciones. Eran temas más claros, con estribillos que enganchan. Ya no había teclados y las guitarras sonaban serias... ". Los singles fueron radiados y comenzaron a tener una resonancia más allá de los estrechos círculos del rock de la época.

El disco sonó mucho en la radio, hasta en la televisión. El mítico programa "Musical Express" de Àngel Casas realizó una grabación en directo. Leño fue también el primer grupo que apareció en el programa de televisión "Tocata", cuando el grupo ya estaba cerca de su disolución.

Encontrar razones para la disolución del grupo es a la vez complicado y sencillo. Algunas de las declaraciones de los componentes del grupo aclaran el tema: "Dentro de dos años esto estará muerto, no vamos a conseguir nada, solo quemar una historia que es preciosa. Estaba consiguiendo lo que toda mi vida había soñado y me daba cuenta de que ya no era lo que me había planteado … arrastrábamos a mucha gente … era una responsabilidad que no quería asumir. Fue un cúmulo de historias, aparte de peloteras personales..." (Rosendo). "Hubo muchos motivos. Entre ellos, el faltarnos al respeto aunque fuera una sola vez. No hubo problemas de comunicación porque hablamos hasta el final pero, por otra parte, ¿qué íbamos a contar a esas alturas? ...se había acabado la esencia del grupo, sentíamos que nos estábamos aburguesando en cierto modo... Ya no teníamos nada que contar, fuimos un grupo contestatario en la transición política-cultural del país... Creo que dejamos a Leño donde lo teníamos que dejar" (Ramiro Penas).

El final lo marcó la gira, organizada por Miguel Ríos, "El rock de una noche de verano", que en treinta y cuatro noches del verano del 1983, dejó en oídos y almas las últimas notas y letras de la banda. Miguel Ríos estaba en su apogeo (con discos como "Rock&Ríos" y "El Rock de una noche de verano") y aquélla, según algunos, pudo ser la gira más multitudinaria y espectacular de artistas españoles de la época.

Leño optó por disolverse en lo más álgido de su carrera, en octubre del 1983, por considerar sus miembros que habían llegado "a un callejón sin salida a nivel creativo". En su edición del 11 de octubre el diario ABC publico: "El grupo de rock con más carisma que haya salido nunca de los barrios madrileños se disuelve definitivamente. La muerte de la banda, que se había insinuado ya en los últimos meses, llega en un momento en el que Leño funcionaba como una máquina perfecta".

Esa decisión originó la creación de una leyenda. Parece evidente que si Rosendo, líder natural de grupo, hubiese dado el visto bueno a las propuestas de reunión -algunas de gran impacto económico-, las dudas hubieran manchado la imagen de Leño. Tras su disolución, Leño se convierte un grupo de culto para muchos, sus discos se reeditan, aparecen continuos rumores de reunión, y hasta la fecha sus canciones son pedidas por el público en los conciertos de Rosendo.

En 2000 el premio al mejor autor de rock, otorgado por la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores), se lo llevó "La fina", canción que se encuentra en el último disco de Leño; el premio lo recogieron Tony y Ramiro, en nombre del grupo.

Barón Rojo

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 15 Feb 2011 08:28:00 +0100

Barón Rojo es un grupo de Rock y Heavy Metal español, llamado así en homenaje al aviador alemán Manfred von Richthofen, conocido como Barón Rojo.

Barón Rojo nació de la unión de cuatro músicos: los hermanos Armando y Carlos de Castro, José Luis Campuzano, también conocido como "Sherpa", y Hermes Calabria.

Los hermanos Carlos y Armando de Castro permanecieron en el grupo Coz hasta 1980, momento en que las relaciones del grupo se deterioraron y el grupo se dividió en dos. Los hermanos de Castro, junto al cantante y bajista José Luis Campuzano y el baterista uruguayo Hermes Calabria, fundaron Barón Rojo, mientras que la otra mitad del grupo Coz continuó con su carrera publicando algunos discos más.

Una vez formado, el grupo debuta a comienzos de 1981 con el álbum Larga Vida al Rock'n Roll, publicado por la compañía Chapa/Zafiro. Lanzan como primer single el tema Con botas sucias, cuyas siglas aluden veladamente a CBS, la compañía discográfica que editaba los discos del anterior grupo de los hermanos De Castro. El disco está dedicado a la memoria de John Lennon, que había sido asesinado recientemente.

El álbum obtiene el disco de oro, lo que les proporciona actuaciones por toda España y comentarios en televisión, radio y prensa.

Barón Rojo ha actuado en directo en varios lugares de Europa, así como en Estados Unidos, Sudamérica e incluso en el continente africano. Ha sido, junto a Obús y Ángeles del Infierno, el grupo de heavy metal español de referencia para muchas de las bandas de rock duro surgidas en España en la década de los 90 y la actualidad. El día 18 de Septiembre del año 2007, Angel Arias abandonó Barón Rojo. No tardaría mucho en hacerlo su compañero y amigo José Martos, José abandonó Baron Rojo el 2 de octubre del año 2007. A finales de ese mismo mes, la banda anuncia la incorporación de los dos sustitutos. El puesto de bajista lo ocupa desde entonces y hasta septiembre de 2008 Tony Ferrer, hasta entonces bajista del grupo tributo a Deep PurpleLos Parpel y de José Andrëa, cantante de Mago de Oz. Tras la batería se sienta Rafa Díaz, ex Easy Rider (banda) y hasta entonces miembro de Neomenia.

Tony Ferrer fue expulsado de la Banda en septiembre de 2008, siendo sustituido por el ex bajista de Ñu, Gorka Alegre.

En febrero de 2009 confirmaron su participación en el Festival Metalway de Zaragoza que se produjo el 20 de junio de 2009, con una reunión especial en la que participaron los cuatro miembros originales del grupo: Carlos de Castro, Armando de Castro, Hermes Calabria y José Luís Campuzano, "Sherpa". Este mismo año han publicado el que por ahora es su último trabajo: En Clave de Rock.

Según la web oficial del grupo, entre los meses de enero y mayo de 2010 la formación original de Barón Rojo realizará una gira por el territorio español con motivo del trigésimo aniversario de la banda.1 El 14 de junio de 2010 fueron uno de los grupos participantes en la Edición de Rock in Rio 2010. En agosto de 2010 participaron como cabezas de cartel en el Festival Leyendas del Rock, de San Javier. El 5 de noviembre cerrarán la 3ª ed. del Ajo Rock, siendo la primera edición del festival de pago.

Según la web oficial, con motivo de su Gira "30 Aniversario", está rodando una película (la primera de un grupo de rock español) en ella, se recoge la trayectoria de la banda desde sus inicios hasta la actualidad. Se estrenará durante el año 2011 y solicitan fotos, vídeos, recortes de prensa, anécdotas, etc. a sus seguidores para ayudarles a darle forma.

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Michael Jackson

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 7 Feb 2011 15:08:00 +0100

Michael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 – Los Angeles, 25 de junio de 2009), conocido en el mundo artístico como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop y sus variantes. Conocido como el «Rey del Pop», logró cerca de 80 récords por diferentes motivos y fue incluido en el Guinness World Records en numerosas ocasiones, por motivos entre los que destacan, entre otros, ser el artista musical más exitoso de todos los tiempos, con cerca de 750 millones de discos vendidos; el artista musical más premiado de la historia, con 405 galardones, entre ellos 18 premios Grammy; el vocalista más joven en liderar la lista de sencillos en los Estados Unidos, con 11 años de edad; el primer vocalista en entrar en la lista de sencillos directamente en el número 1, con «You are not alone»; mayor número de semanas en el número 1 de la lista de álbunes (no bandas sonoras) en Estados Unidos, con Thriller, durante 37 semanas; videoclips más exitoso, Michael Jackson's Thriller, con alrededor de 1 millón de unidades vendidas; primer animador en ganar más de 100 millones de dólares en un año; animador mejor pagado de todos los tiempos (125 millones de dólares en la lista Forbes de 1989); y animador más exitoso de todos los tiempos. Además ha sido el primer y único artista que ha logrado empezar y terminar el año con un álbum en el número 1 (Thriller) y el primer y único artista de la historia en lograr números 1 en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990. (Véase la sección «Premios y honores» para más información).

Su contribución a la música, al baile y a la moda, además de su publicitada vida personal le convirtieron en una figura de la cultura popular.

Comenzó su carrera artística con sus hermanos en la banda The Jackson 5 a mediados de los años 1960, en el cual publicó junto a ellos diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera en solitario, aunque siguió perteneciendo a la banda de sus hermanos. Debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música, se convirtió en la mayor estrella de la música pop en ese momento. Algunos de sus álbumes publicados, como Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) o HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995), figuran entre los álbumes más vendidos de todos los tiempos, lo que le sirvió para entrar en el Rock and Roll Hall of Fame. Por otra parte, trece de los 98 sencillos de Jackson alcanzaron el primer lugar de la lista Billboard 100 y vendió entre 300 y 350 millones e incluso se consideran las ventas de más de 750 millones de discos.

Fue reconocido durante su carrera con el apodo del «Rey del Pop», siendo la superestrella de la música pop 8 más exitosa a nivel mundial, sin embargo también su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm & blues (soul y funk), disco y dance. También durante su vida sirvió de influencia musical para decenas de artistas. Michael Jackson a lo largo de su trayectoria ha cosechado múltiples premios, ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock, ha batido múltiples récords en el Guinness World Records y ha recibido veintiséis American Music Awards y quince premios Grammy, de los cuales dos son póstumos. Posee el récord de artista más galardonado de la historia de la música, con 386 premios. Además, ha sido reconocido por sus actos de filantropía, ostentando el récord al artista que más dinero ha donado a obras benéficas, con cientos de millones de dólares donados a 39 instituciones de este tipo.

Posteriormente, en los años 1990 se vio envuelto en dos capítulos polémicos: el primero en 1993 y más tarde en 2003. En ambos casos el cantante fue acusado de pederastia, a través de acusaciones de abuso sexual hacia dos niños de trece años en cada caso. Sin embargo, las acusaciones fueron revocadas tras abonar una suma de más de veinte millones de dólares a fin de evitar un juicio en el primer caso y, en el segundo, al ser absuelto en el juicio por falta de pruebas. Estos sucesos tuvieron repercusión mundial y afectaron sus últimos años de su vida y carrera artística. Casi una década después, fue publicado Invincible (2001), cuyo lanzamiento fue reconocido como un total fracaso, puesto que las ventan fueron inferiores a los gastos y el artista se vio implicado en una disputa con su discográfica. Tras más de diez años desde su última gira, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con una gira que se titularía This Is It, sin embargo, a casi veinte días del comienzo de la gira, el 25 de junio de 2009, el cantante falleció por un paro cardiorrespiratorio. El Departamento Forense del Condado de Los Ángeles declaró que su muerte había sido un homicidio, y su médico personal se declaró «no culpable» de los cargos de homicidio involuntario ante un tribunal y pagó una fianza para no ingresar a prisión, su juicio se pospuso para enero de 2011. La repentina muerte del artista dio lugar a una avalancha de pena, y hasta mil millones de personas vieron su funeral público en la televisión en vivo. En 2010, Sony Music Entertainment firmó un contrato con su familia por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus discos y publicar hasta siete álbumes póstumos hasta 2017.

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Madonna

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 7 Feb 2011 14:33:00 +0100

Madonna Louise Veronica Ciccone, más conocida cómo Madonna (Bay City, Míchigan, 16 de agosto de 1958) es una cantautora, actriz y empresaria estadounidense. En 1977 se mudó a Nueva York para perseguir una carrera en la danza moderna. Después de participar en dos grupos musicales, "Breakfast Club" y "Emmy", lanzó su álbum debut en 1983, Madonna. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad, superando los límites de contenido de las letras de sus canciones y "explotando" las imágenes en sus videos musicales, que a lo largo de su carrera se han convertido en piezas de arte. Muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales, su mayores éxitos son "Like a Virgin", "Papa Don't Preach", "La Isla Bonita", "Like a Prayer", "Vogue", "Frozen", "Ray of light", "Music", "Hung Up", y "4 Minutes". Madonna ha sido elogiada por los críticos por sus producciones musicales y puestas en escena. Es conocida alrededor del mundo como «La Reina del Pop»

Su carrera se vio reforzada por sus apariciones en diversas películas, por las que ha recibido comentarios mixtos. Su protagonico más elogiodo ha sido el de Evita Perón para la película de 1996, Evita, por el que incluso ganó el Globo de Oro a la Mejor Actriz en Película Musical o Comedia; pero ha recibido críticas duras por otros protagonicos. Otras ocupaciones de Madonna incluyen ser diseñadora de moda, escritora de libros infantiles, directora de cine y productora, además que es dueña del sello discográfico, Maverick, que ha publicado álbumes para cantantes cómo Alanis Morissette, en la actualidad Time Warner tiene ciertas acciones del sello. Ella ha sido aclamada como una mujer de negocios, y en 2007, ella firmó un hecho sin precedentes, un contrato de 120 millones dólares con Live Nation.

Madonna ha vendido cerca de 500 millones de discos en todo el mundo y tiene el récord mundial de "la artista femenina más exitosa y de mayores ventas musicales de todos los tiempos" por el Guinness World Records. Según la Recording Industry Association of America (RIAA), es la artista musical feminina más vendida del siglo XX y la segunda artista femenina más vendida en los Estados Unidos, detrás de Barbra Streisand, con 64 millones de álbumes certificados.

En 2008, la revista Billboard clasificó a Madonna en el número dos, detrás de The Beatles, en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists (los 100 artistas más vendidos de todos los tiempos), convirtiéndola en el artista solista más exitoso en la historia musical. También fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en el mismo año. Considerada como una de las figuras más influyentes en la música contemporánea, Madonna es conocida por reinventar continuamente tanto su música e imagen. Además es reconocida como una fuente de inspiración por varios artistas, cómo Christina Aguilera y Britney Spears.

En 2009 volvió al estudio para grabar nuevos temas para un próximo disco con los grandes éxitos de toda su carrera, titulado Celebration. Salió al mercado el 29 de septiembre de 2009. Las canciones se titulan "Celebration" (alusión al estribillo de su clásico "Holiday"), "Revolver" (colaboración con Lil Wayne) e "It's So Cool". La primera de dichas canciones, que da el nombre al recopilatorio, fue producida con la colaboración de Paul Oakenfold.

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Manolo García

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 25 Jan 2011 19:20:00 +0100

Manuel García García-Pérez, conocido como Manolo García, (El Poblenou, Barcelona, 19 de agosto de 1955) es un cantante, compositor y pintor amateur español. Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan lírica y surrealismo.

El artista se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estrictamente artístico, queda fuera del conocimiento popular. No obstante, es conocido su parentesco con la también cantante Carmen García (componente del grupo Carmen), de la que es hermano.

Aunque Manolo García nació en el barrio barcelonés de Poblenou, sus raíces familiares están en la provincia de Albacete, en el pueblo serrano de Férez, debido a lo cual existe cierta ambigüedad en las biografías escritas sobre el artista o alguno de los grupos a los que perteneció.

Su infancia estuvo marcada por sus primeros coqueteos artísticos. A la temprana edad de 7 años se encontraba realizando performances en la terraza de su hogar en las que ya combinaba distintos enfoques artísticos mezclando la pintura con desechos industriales como bidones o plásticos y otros elementos de difícil categorización. Todo ello alternado con sus estudios básicos obligatorios.

El perfil artístico que primero empezó a manifestar fue su afición a la pintura y la plástica. A los 14 años aún continuaba experimentando con las posibilidades de las artes plásticas, dedicándose a probar nuevos productos y pegamentos, mediante una formación totalmente autodidacta y con carácter amateur. No es hasta poco después cuando entra en el mundo laboral como pintor de cuadros al óleo, donde, según Quimi Portet, se convirtió en unespecialista en cielos y lagos, debido a que se encargaba de rellenar las zonas azules de los paisajes, generalmente cielos y lagos.

Tras acabar sus estudios básicos, en torno a los 17 años, Manuel García comienza a dar tumbos en el mundo laboral, con trabajos como empleado de una empresa metalúrgica, donde ganó un concurso de dibujo organizado por la propia empresa, botones en una agencia de publicidad, al tiempo que seguía su progresión artística. Buscando su vocación empieza a trabajar en el estudio de diseño gráfico de dicha empresa publicitaria, es entonces cuando decide estudiar diseño gráfico, matriculándose en la l’Escola d’Arts Aplicades i Oficis Artístics de Barcelona, donde recibe su primera formación especializada sobre las artes plásticas.

A los 21 años, inmerso ya en el mundo de la música siendo componente de diversas bandas locales, trabajaba como diseñador para casas discográficas dedicadas a la realización de covers (copias piratas) de los LPs nacionales de más éxito de mediados de los 70. Durante seis años de trabajo en dicha discográfica, Manolo García llegó a realizar los diseños de más de 400 carátulas, generalmente de formato casette.

En 1981, al acabar el servicio militar, Manolo García llegó a rodar unas escenas al final de la película con guión de Francesc Bellmunt, La batalla del porro, a la que llegó por casualidad supliendo a un compañero que no pudo asistir al rodaje.

Manolo García comienza su andadura musical también a muy temprana edad, pasando la mayor parte de su juventud conviviendo entre sus dos principales iniciativas artísticas, la pintura y la música. Pero no es hasta los 25 años cuando consigue su primer contrato discográfico.

A los 10 años de edad surgen los primeros intereses acerca del mundo de la música, y en particular del cante, al entrar en el Centre Cultural i Moral del barrio de Poblenou; empezó a destacar por su entrega, llegando a desmayarse en una de las actuaciones. Tras unos años en los que su afición por las artes plásticas eclipsó sus intereses musicales, Manolo decide comprar su primera batería con ayuda económica familiar. Tras un tiempo de práctica, pasó a formar parte de un conjunto musical llamado Materia Gris, en el cual García era el batería.

Con Materia Gris, Manolo realizó actuaciones durante cuatro años, todas ellas de carácter local dentro de Cataluña, tocando en fiestas patronales, bautizos y demás celebraciones cotidianas. Tocaban canciones de los grupos nacionales de éxito y canciones populares, aunque solían acabar los conciertos tocando temas de grupos clásicos del rock and roll cuando su público empezaba a escasear. En los últimos momentos antes de la desaparición del grupo, cambió su nombre a Satán.

El siguiente conjunto musical en el que residió fue Silma y su Conjunto, grupo en el que siguieron la misma línea de actuaciones que su predecesor, pero fue en éste cuando Manolo empezó a ganar protagonismo como vocalista, ya que Silma, vocalista habitual del grupo, cedía el micrófono para que Manolo García cantara sus primeros temas en directo.

Cuando entró de diseñador gráfico de discográficas de dudosa legalidad, consiguió grabar algunos covers de artistas consagrados como Miguel Bosé, la Orquesta Mondragón, Miguel Ríos o Triana, siendo este último el único del que se tiene acceso. ElCover de Triana presumiblemente de principios de 1980, es el primer documento sonoro conocido donde se recoge la voz del cantante español, está compuesto por 6 canciones de las más populares del grupo, en las que García puso voz y tocó la batería.

Antes de conseguir grabar un álbum con composiciones propias, participó en la grabación de Tengo una idea (1980) del cantante nacido en Argentina pero residente en España, Sergio Makaroff, junto a otros músicos con los que más adelante formaría su propia banda como son Antonio Fidel, Josep Lluís Pérez y Esteban Martín. Manolo tocó la batería e hizo algunos coros en el disco del cantante argentino como se aprecia en canciones como Explorador celeste.

Tras dos años en los que no había noticias sobre el grupo, el 13 de enero de 1998 el grupo anunciaba su disolución para probar suerte en solitario, alegando que ya habían dado todo lo que podían juntos y lo mejor era trabajar cada uno por su lado. Fue justo en ese instante cuando empieza la carrera en solitario de Manolo García.

En el mismo año de la separación, Manolo García saca al mercado su primer trabajo en solitario, Arena en los bolsillos, grabado en Londres con la ayuda de Nacho Lesko y Pedro Javier González, consiguiendo en su primera semana el primer puesto de la lista de ventas AFYVE y logrando más de 900.000 discos vendidos durante su presencia en dicho listado. El cantante catalán se convertía así en uno de los pocos artistas españoles que al dejar atrás una banda, mantenían el mismo éxito comercial en solitario. Fue debido a que el disco contenía canciones que iban desde el pop melódico más intimista hasta el rock and roll que caracterizó al artista en sus primeros grupos. Así, canciones de este mismo disco como Pájaros de barro, A San Fernando, un ratito a pie y otro caminando o Como quien da un refresco fueron del agrado de la gran mayoría de seguidores que se habían aficionado a las canciones del músico en sus anteriores etapas. La gira que a continuación emprendió el artista le llevó a actuar en casi 100 conciertos por todo el territorio español con un rotundo éxito. Fue el primer disco editado con Perro Records desde que este sello musical decidiera distribuir con la multinacional BMG. Con este álbum consiguió lospremios amigo a "Mejor solista masculino español" y al "Mejor álbum español" y tres premios de la música como "Mejor artista pop", "Mejor álbum" y "Mejor producción artística", además del premio ondas al "Mejor artista en directo".

Al año siguiente, 1999, reunió en un box set todos los singles editados de su primer trabajo en solitario, sacándolo al mercado bajo el nombre de Singles - Arena en los bolsillos, en edición limitada de 50.000 copias. El valor del box set residía, además de en los temas ya incluidos en el disco, en las caras B de dichos singles, entre los que se encontraban versiones en directo, maquetas y alguna nueva versión de los temas del álbum. Junto con los CD se incluían postales con ilustraciones y fotos del artista y un póster.

Manolo García ha mantenido siempre un gran interés en la pintura artística. A pesar de gozar de un cierto reconocimiento, el artista niega haber obtenido remuneración económica alguna por lo que, según él mismo, sigue siendo sólo una afición. A pesar de ello, ha publicado dos libros en el mercado, cuyo contenido principal son reproducciones de sus cuadros. Según García, su afinidad a la pintura es una forma de alejarse de la comercialidad y la tecnología que impera en el mundo. Respecto a la relación entre su pintura y su música en una entrevista declaró: Tal y como fusiono, escribo y ligo instrumentos en la música lo hago en la pintura. Soy bastante barroco y rococó. Recargo los cuadros. Del título de un cuadro se me ocurre una canción y cojo la guitarra. Con la pintura me mancho entero, a veces pinto con los dedos. Tengo la suerte de pasarme días y mañanas enteras porque las horas me pasan muy deprisa creando.

La mayor parte de la obra pictórica del catalán la ha regalado a particulares o donado a algún evento u organización benéfica, sin ánimo de lucro. Su estilo aúna el arte naïf con los rasgos más característicos del surrealismo, el impresionismo y elpaisajismo, con influencias de los pintores catalanes de finales del siglo XIX y principios del XX.

Se pueden apreciar algunas de sus obras en las portadas de ciertos álbumes de su carrera. Así, la portada de Arena en los bolsillos está ilustrada por su pintura al óleo Pulpo y el escolar, y en Nuevas mezclas, Manolo hizo una reproducción al óleo de una fotografía de Bob Collins para ilustrar la portada. En 1992, Manolo publica De arrebatadora vida, una recopilación de los cuadros pintados por él mismo entre 1985 y 1992.

Su primera exposición sobre su obra fue en Menorca en 1992. Tras esa ocasión, ha expuesto en varias ocasiones más en Segovia, Almería, Barcelona, Albacete y Córdoba.

No es hasta 2004 cuando saca al mercado otra recopilación de sus obras pictóricas llamada Vacaciones de mi mismo. Esta vez, sus cuadros estaban acompañados por la gran mayoría de las letras escritas por el artista durante toda su carrera y numerosas fotografías.

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AC/DC

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 25 Jan 2011 18:20:00 +0100

AC/DC es una banda de hard rock formada en Sídney (Australia) en 1973 por los hermanos escoceses Malcolm y Angus Young.

Su primer concierto se llevó a cabo la noche de fin de año de 1973, coincidiendo con el lanzamiento de su sencillo Can I Sit Next to You Girl, cuyo cantante era Dave Evans.

Desde el principio se hicieron famosas sus actuaciones en directo, gracias en parte al extravagante estilo de su guitarrista principal, Angus Young, generalmente vestido con uniforme de colegial en los conciertos. En 1976, coincidiendo con el lanzamiento del disco Dirty Deeds Done Dirt Cheap, se trasladaron a Gran Bretaña, de donde procedían los hermanos Young, concretamente de ascendencia escocesa, e inmediatamente ocuparon los primeros puestos de ventas con discos como Let There Be Rock (1977) y Powerage (1978), a los que siguieron If You Want Blood You've Got It (1978) y el disco Highway to Hell (1979), del que se vendieron millones de copias. El 19 de febrero de 1980, el vocalista Bon Scott falleció por intoxicación etílica en el asiento trasero del coche de su amigo Alistair Kinnear y fue sustituido por Brian Johnson, quien pertenecía al grupo Geordie.

Aunque llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y los catapultó a Estados Unidos. En la segunda mitad de la década de los 80, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos, aunque sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la década de 1990. En 1993, el sencillo “Big Gun”, que utilizaron para la banda sonora de la película El último gran héroe, de John McTiernan e interpretada por Arnold Schwarzenegger; alcanzó de nuevo las listas de los más vendidos en Gran Bretaña. En 1995, grabaron el disco Ballbreaker,en el 2000 lanzaron Stiff Upper Lip, en el que proclaman su fidelidad al rock más rebelde, y en el 2008 lanzaron Black Ice.

Han vendido alrededor de 200 millones de álbumes en todo el mundo, y de ellos 70 millones han sido vendidos en los Estados Unidos. Back in Black ha vendido más de 50 millones de unidades en el mundo y más de 22 millones solo Estados Unidos, De manera que es el 5º álbum de mayor venta de todos los tiempos en los EE. UU. y el 2ª entre los álbumes más vendidos de toda la historia detrás de Thriller en el mundo. Han llegado a ocupar el cuarto puesto en la lista de VH1 "100 Greatest Artists of Hard Rock" (Los 100 mejores artistas de Hard Rock) y ocuparon el 7º puesto en la lista de MTV "Greatest Heavy Metal Band Of All Time" (Las mejores bandas de Heavy Metal de todos los tiempos). Además la canción "Back In Black" se ubicó en el segundo puesto en el programa "Las 100 más Grandiosas Canciones del Hard Rock", del canal VH1. Además la revista Q magazine les colocó en el primer lugar en su lista: "Los 50 grupos que debes ver antes de morir".

Angus y Malcolm Young, pensaron la idea del nombre para la banda, después de ver escrito "AC/DC", en la parte de abajo de la máquina de coser de su hermana, Margaret. AC/DC es la abreviación, en inglés, de "corriente alterna/corriente continua (alternating current/direct current), que indica que un dispositivo eléctrico puede conectarse a la red eléctrica alterna e internamente la convierte en corriente directa o continua. Los hermanos, sintieron que ese nombre simbolizaba la energía y la potencia de las presentaciones de la banda, y el nombre quedó.

El nombre "AC/DC" generalmente se pronuncia por deletreo (en inglés /eɪ.si:.di:.si:/; en español /a.θe.ðe.θe/ o /a.se.de.se/); sin embargo, se les conoce como "Acca Dacca" en Australia. El nombre ha inspirado bandas tributo tales como BC/DC, una banda canadiense; AC/DShe,10 un grupo femenino de San Francisco, Crazy DC.

Página Oficial de AC/DC

Let It Be (1970)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 13 Jan 2011 12:53:00 +0100

Let It Be fue el último álbum LP lanzado por The Beatles como grupo, a pesar de que fue grabado antes que Abbey Road. Editado en el Reino Unido, salió a la venta el 8 de mayo de 1970.

Se trata de un álbum controvertido desde su concepción: una vez que dejaron de tocar en vivo en 1966 por la imposibilidad de plasmar su música en el escenario, los Beatles se propusieron grabar un álbum para tocar un último concierto en vivo, tal vez en un barco o en un lugar público. Por tanto, las sesiones de grabación del disco (que por aquel entonces se llamaba Get Back, aludiendo al regresar a las raíces rocanroleras del grupo) comenzaron a ser filmadas, en 1969, por el cineasta Michael Lindsay-Hogg. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo, que desde sus discos anteriores denotaban una convivencia cada vez peor y más hostil entre ellos.

En 2003, Rolling Stone lo coloco en el puesto 86 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Durante la grabación del disco The Beatles en 1968, las tensiones dentro del grupo habían aflorado como nunca antes. Por primera vez el trabajo en el estudio fue más una labor individual que colectiva, por cuanto la mayoría de las canciones no requerían que toda la banda grabara al mismo tiempo o estuviera incluso a la vez en el mismo estudio, sino que cada compositor fuera completándolas individualmente con múltiples sesiones de grabación, y utilizando a los otros miembros como excepcionales músicos de estudio.

A la vista de la situación, Paul McCartney pensó que lo mejor para el grupo era volver ("get back") a sus raíces musicales y a tocar en directo. Para ello propuso a sus compañeros que dejaran de lado la producción virtuosista que tanto habían desarrollado en el estudio durante los últimos años para centrarse en aprender simples canciones rockeras que pudieran interpretar como grupo delante de un público y grabar en directo. Además, su idea era que se grabaran las sesiones de ensayo para elaborar un documental que mostrara al mundo entero cómo The Beatles se preparaban para un concierto. Así nació la idea de Get Back.

3 Savile Row en 2007.

Las sesiones de lo que iba a ser el nuevo disco de The Beatles, titulado provisionalmente Get Back, empezaron el 2 de enero de 1969 en los estudios cinematográficos de Twickenham de Londres, siendo el director Michael Lindsay-Hogg el encargado del rodaje del documental. Sin embargo, bien pronto se vio que la dinámica no ayudaba a la estabilidad del grupo. Por un lado, las condiciones no eran las más adecuadas para The Beatles, acostrumbrados como estaban a trabajar en los estudios de EMI a sus anchas y durante largas sesiones nocturnas que se extendían a menudo hasta la madrugada: los estudios de Twickenham eran muy fríos y tenían mala acústica, y al tener que contar con el equipo de grabación del documental, tenían que ensayar durante la mañana y la primera parte de la tarde. Además, los ánimos del grupo estaban cada vez más tensos: de los cuatro, sólo Paul McCartney mostraba interés por sacar el grupo hacia delante y ofrecer un producto de calidad; John Lennon (acompañado por la inseparable Yōko Ono) pasaba por una etapa de addicción a las drogas que redujeron al mínimo su interés por la música de la banda, mientras que George Harrison, consciente de su valía como músico y compositor, se consideraba menospreciado por sus compañeros.

El resultado fue que para el 10 de enero, y tras una agria discusión con McCartney, George Harrison anunciara su decisión de dejar el grupo. Aunque un sarcástico Lennon propuso sustituirlo por Jimi Hendrix o Eric Clapton y seguir como si nada importara, finalmente la situación se recompuso, pero con dos cambios importantes: el primero fue el traslado de las sesiones de Twickenham a los estudios de grabación que The Beatles tenían en su empresa, Apple, en la calle de Savile Row de la ciudad de Londres; el segundo fue que al poco de retomar las sesiones, Harrison invitase al pianista Billy Preston, amigo del grupo desde sus días en Hamburgo, a que se uniera a las sesiones y tocara el piano en el planeado concierto. Ambos hechos mejoraron sobremanera el ambiente en las sesiones de grabación del grupo.

La cuestión acerca de dónde, cuándo y cómo se iba a hacer el concierto se debatió desde los primeros días de las sesiones. Después de barajar ideas descabelladas (tocar en un hospital rodeados de niños enfermos, a bordo de un barco con multitud de admiradores, o frente a las pirámides de Egipto con un público formado por beduinos del desierto), se optó finalmente por una idea ingeniosa que a todos satisfizo: ¿por qué tener que molestarse con los preparativos y desplazamientos propios de todo concierto cuando el grupo puede subirse al tejado del edificio donde trabajaban, enchufar los instrumentos y ponerse a tocar allí mismo? Dicho y hecho. A la hora de la comida del 30 de enero, The Beatles tocaron el que era el primer "concierto" desde la gira americana de 1966 y el último de su carrera.⁵ The Beatles tocaron varias de las canciones que habían ensayado durante las semanas precedentes hasta que las quejas de los negocios de la zona llevó a la policía a poner fin al concierto. Varias de las canciones terminaron por incluirse en el disco Let It Be. Al día siguiente, 31 de enero, The Beatles grabaron algunas otras canciones que podían interpretarse en directo (como los temas "Let It Be" o "For You Blue"), con lo que se puso fin a las sesiones para aquel disco.

Revolver (1966)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 13 Jan 2011 10:07:00 +0100

Revolver es el séptimo álbum de The Beatles, habiéndose lanzado a la venta el 5 de agosto de 1966. El álbum presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en discos posteriores. Logró llegar al número uno en la lista de éxitos de Gran Bretaña.

Revolver fue el disco que marcó la carrera del grupo como psicodélica. Con grandes contrastes como "Taxman" (rock ácido), "Tomorrow Never Knows" (rock psicodélico), "Eleanor Rigby" (con un cuarteto de cuerdas) y "Yellow Submarine" (con efectos de sonido de submarino y canción de taberna, propio de las tradiciones germanas, inglesas o irlandesas).

Revolver es citado frecuentemente como uno de los mejores álbumes de la banda. En 1997 fue selecionado en el tercer puesto de los mejores álbumes de todos los tiempos en una votación de Music of the Millennium dirigida en el Reino Unido por prestigiosos medios, como son HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. En febrero de 1998 los lectores de la Q magazine colocaron al álbum en el segundo lugar, mientras que en el año 2001, la cadena de televisión VH1 lo situó en el primer puesto de entre los mejores 100 álbumes de todos los tiempos. Revolver fue también votado como mejor álbum en elVirgin All Time Top 1,000 Albums. Una crítica de PopMatters describió el álbum como "[la obra] de la banda más grande de la historia de la música popular, cuyos miembros alcanzaron su punto más alto a nivel musical en el tiempo exacto", mientras que la revista Ink Blot afirmaba que el álbum "se mantiene en la cumbre de la música popular occidental".

En 2003, Rolling Stone lo colocó en el puesto 3 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 13 Jan 2011 09:41:00 +0100

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (en español: La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pepper) es el octavo álbum de estudio de la banda británica The Beatles. Es a menudo citado por la crítica como una de sus mejores obras y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos, apareciendo en el primer lugar de la lista de los 500 mejores álbunes de todos los tiempos en la revista Rolling Stones. También fue seleccionado como el mejor álbum de rock de todos los tiempos por el sitio de Internet Digital Dream Door en su lista «100 Greatest Rock Albums». Se grabó en un periodo de 129 días, y fue lanzado el 26 de mayo de 1967 en el Reino Unido (cinco días antes de la fecha prevista, el 1 de junio de 1967) y el 2 de junio en Estados Unidos.

Inmediatamente después de salir a la venta, se convirtió en una sensación popular. Innovador en muchos sentidos, desde la estructura hasta las técnicas de grabación, influyó en casi todos los trabajos de los géneros pop y rock que se hicieron después. Es uno de los seis álbumes certificados con disco de diamante de The Beatles, lo que los convierte en los máximos ganadores de este reconocimiento en la historia de la música. Los otros álbumes con disco de diamante son The Beatles/1962-1966, The Beatles, Abbey Road, The Beatles/1967-1970

La idea de un disco conceptual, en el que todas las canciones estuviesen unidas, se le ocurrió a Paul McCartney al insipirarse en el álbum Pet Sounds, un trabajo de los Beach Boys, que había aparecido unos meses antes en Estados Unidos. En palabras de McCartney, era «el mejor disco vocal que se haya grabado nunca... es en realidad una obra maestra». Cuando Paul McCartney regresó al Reino Unido, tenía la idea de crear un disco, cuyo nombre sería Sargeant Pepper's.... Pero la idea fue descartada y quedaron sólo dos canciones: el tema homónimo del disco y «With a Little Help from My Friends», cantada por Ringo Starr.

Cuando les fue planteado el concepto a los demás integrantes de The Beatles y al productor George Martin, decidieron aceptar el reto de grabarlo. Sin embargo, en su origen el concepto del disco no era el que se conoce en la actualidad. La idea era que se plasmaran vivencias personales y que el nombre fuera Doctor Pepper. Lo primero se logró, lo segundo no, por cuestiones de derechos, ya que existe una bebida fabricada en Estados Unidos con el nombre Dr Pepper), así que se tomó el concepto actual.

Grabado en una época de psicodelia y experimentación, el álbum, producido por George Martin, fue un precursor de nuevas técnicas de grabación y composición. Como sus discos precedentes, el disco se grabó haciendo uso de una técnica llamada «reducción de mezclas», en la cual las canciones se grababan en una grabadora de cuatro pistas, que luego se mezclaban para ser incluidas en una de las cuatro pistas de una segunda grabadora principal. Esto permitió a los ingenieros darle a los Beatles prácticamente un equipo multi-pistas para que pudiesen grabar sus cada vez más complejas canciones en los estudios de grabación de EMI.

La idea central del álbum, sugerida por Neil Aspinall, consistió en que los Beatles tomasen el papel de La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, dejando atrás limitaciones y transformando al rock en objeto de culto. En 13 canciones llevaron al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock, music hall, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclaron en la realización del álbum.

El disco comenzaba con ruido proveniente de un público expectante que estallaba en aplausos con los primeros acordes de guitarra eléctrica de la canción que da título al disco. El resto de la canción era una mezcla de guitarras, cornos franceses y voces de los cuatro Beatles, y, desde el punto de vista temático, era la invitación que hacía el grupo, para que el público se incorporase de lleno al espectáculo y el anuncio de que va a cantar Billy Shears, en realidad Ringo Starr.

Astronomía Razonable (1993)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 27 Dec 2010 20:30:00 +0100

Astronomía Razonable es el sexto álbum de estudio del grupo español El Ultimo de la Fila, fue lanzado al mercado en 1993 por la discográfica EMI con el sello de Perro Records, en formato LP y CD. Consta de trece canciones inéditas y la versión instrumental del tema Mar antiguo. Los temas La risa tonta y Hagámoslo no se incluyeron en la edición en disco de vinilo.

En este trabajo el grupo se acerca más al pop rock mestizo de lo que lo había hecho hasta entonces. Abundan las baladas y la guitarra acústica se deja sentir en la mayoría de los temas, así como las percusiones. El cambio de estilo con respecto a su anterior disco, Nuevo pequeño catálogo de seres y estares, fue notable, ya que abandonaron por completo los sintetizadores.

El álbum fue presentado en directo mediante una gira de conciertos por todo el territorio español. Además, realizaron una gira europea con conciertos en Alemania o Italia.

La portada del álbum contiene una fotografía en blanco y negro de un perro observando el cielo a través de un telescopio.
El librillo donde se incluye la portada, las letras de los temas y demás información del disco fue editado completamente con papel reciclado. Fue elaborado en forma desplegable.
Mientras se desplegabla el librillo se podía ver, primeramente la fotografía de una galaxia, en el siguiente paso se observaban los ojos de los dos componentes del grupo y finalmente las letras de los temas.
Junto a las letras se incluía una crítica de Entelequio Saborit, extraída de la Revista del intelectual (Quintanar del Membrillo). La crítica contiene tal retahíla de jerga y tecnicismos que resultaba difícil saber si hablaba a favor o en contra del álbum.
Es hasta el momento es el disco más vendido del grupo, con más de 900 000 copias vendidas.

Nuevas Mezclas (1987)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 27 Dec 2010 20:11:00 +0100

Nuevas Mezclas es el tercer álbum de estudio del grupo español El Ultimo de la Fila, fue lanzado al mercado en 1987 por la discográfica PDI, en formato LP. Se trata de un conjunto de temas ya editados en anteriores grabaciones del grupo, entre álbumes y singles, pero regrabadas en un mejor estudio de grabación.

En 1991 fue reeditado por la discográfica EMI en formato CD.

A pesar de no contener composiciones nuevas, el álbum fue presentado en directo mediante una gira de conciertos por todo el territorio español.

La portada es una pintura de Manolo García basada en una foto de Bob Collins. Dicha foto ilustra la contraportada junto con una foto del grupo de pequeño tamaño.
El álbum es a veces conocido como Nueva mezcla o El Último de la Fila, debido principalmente a que en la portada sólo ponía el nombre del grupo. En la reedición del álbum ya se indica sin lugar a dudas el nombre correcto del disco.
Todas las canciones ya habían sido editadas en sus dos anteriores álbumes, excepto ¿Quién eres tú?, que formaba parte del single Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana.
En la grafía del álbum se incluye una cita del autor Thomas de Quincey.
1987 fue el año de los proyectos paralelos del grupo. Además de este álbum de nuevas versiones, se volvió a grabar un disco de Los Burros y Quimi Portet sacó su primer LP en solitario.
A pesar de ser las mismas canciones, algunas de ellas sufrieron notables cambios en la letra, como El loco de la calle o en la melodía y el ritmo, como Son cuatro días.
Junto con el single Son cuatro días, el grupo incluía una carta explicativa, con su personal sentido del humor, acerca de los motivos que le habían llevado a editar un disco de nuevas versiones.
El álbum vendió 6 veces más que su anterior disco, Enemigos de lo ajeno.

Como la Cabeza al Sombrero (1988)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 27 Dec 2010 20:00:00 +0100

Como la Cabeza al Sombrero es el cuarto álbum de estudio del grupo español El Último de la Fila, fue lanzado al mercado en 1988 por la discográfica PDI, en formato LP y CD. Los 2 últimos temas instrumentales del disco sólo fueron editados en la versión CD. Es el disco más acústico del grupo, donde predominan ritmos más suaves que en el resto de su discografía.

En 1991 fue reeditado por la discográfica EMI en formato CD, manteniendo el sonido de la grabación original de PDI.

El álbum fue presentado en directo mediante una gira de conciertos por todo el territorio español.

La portada es una foto del grupo en blanco y negro, usando claroscuros. En la contraportada se observa una foto similar, pero editada digitalmente, de forma que no aparezcan ni las narices ni las bocas de los miembros del grupo; además, dicha foto se adornó con diferentes dibujos y grafías realizados por el propio Manolo García.
Ocupó el puesto 13º en la lista de Discos favoritos para los españoles, que Discoplay (boletín de venta musical por correo) elaboró en 2001. Ocuparía el 2º puesto si sólo contabilizaran discos españoles.
Se incluyen fotos de los colaboradores del disco y de la banda en directo, incluidos algunos perros y gatos.

Roxy Music

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 20 Dec 2010 17:38:00 +0100

Roxy Music es un grupo de glam rock y art rock del Reino Unido surgido en la primera mitad de los años setenta. La música de Roxy Music constituye una bizarra mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock and roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música actual: Brian Eno.

La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente elDisco, punk, New wave, New Romantic, synth pop y uno de los pioneros indiscutibles del Dance con la canción "Angel Eyes" del año 1979.

En el año 2004 la revista Rolling Stone los colocó en el puesto 98 de su lista 100 Greatest Artists of All Tim.

Roxy Music surgió en 1971, cuando Bryan Ferry y Graham Simpson pusieron un anuncio solicitando un teclista. Quien respondió a dicho anuncio fue Andy Mackay, quien no era teclista, sino saxofonista, aunque disponía de un teclado y ganas de meterse en un grupo. Andy había coincidido con Brian Eno en la Universidad y gracias a esa amistad consiguió que Eno se uniera al grupo. La banda se completó con el batería Paul Thompson y con el guitarrista Phil Manzanera.

El primer sencillo de Roxy Music fue "Virgina Plain", que llegó al cuarto puesto en las listas británicas. La banda logró mucha popularidad en su país y en el resto de Europa. Sin embargo, en Estados Unidos Roxy Music sólo consiguó algunas reseñas y no pasaba de ser un grupo de culto.

En 1982 apareció el último trabajo de Roxy Music, titulado "Avalon", un álbum en que se hacía un uso intensivo de los sintetizadores. Un año después, Roxy Music se separó definitivamente, aunque en 2001 se unieron de nuevo para realizar una gira. En esta gira no participó Eno.

Página Web: Roxy Music

ABBA

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 20 Dec 2010 17:19:00 +0100

ABBA fue un grupo sueco de música pop, el de más éxito en su país y en Europa continental, de notable significado dentro del pop y el grupo más exitoso de la década de 1970. Saltó a la fama tras triunfar en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974 y estuvo activo entre los años 1972 y 1982.

El cuarteto estaba formado por dos parejas: Benny Andersson con Anni-Frid Lyngstad (mejor conocida como Frida) y Björn Ulvaeus con Agnetha Fältskog. El nombre "ABBA" es un acrónimo formado por las primeras letras del nombre de cada miembro (Agnetha, Björn, Benny, Anni-Frid).

ABBA ganó popularidad internacional empleando melodías pegadizas, letras simples y su sonido propio, caracterizado por las armonías de las voces femeninas y el "muro de sonido", un efecto musical creado por el patrón Phil Spector. Al crecer su popularidad, el grupo viajó por Europa, Australia, Estados Unidos, Canada y Japón, al mismo tiempo que se ocupaban de sus familias. Sus grabaciones tuvieron un gran impacto musical, lo que los llevó a convertirse en los artistas más exitosos de su compañía discográfica (Universal Music Group). Sin embargo, en la cima del éxito, ambos matrimonios se disolvieron y estos cambios se reflejaron en su música, al escribir letras más profundas con diferentes composiciones. El grupo experimentó un declive comercial y finalmente decidieron tomar un descanso temporal que se ha extendido hasta el momento.

Pese a esto, permanecieron fijos en las listas radiofónicas y ABBA es ahora uno de los grupos con más ventas mundiales, habiendo vendido casi 400 millones de discos a nivel mundial, y aun así continúan vendiendo entre 2 y 3 millones de discos por año. ABBA también fue el primer grupo pop europeo en experimentar el éxito en países de habla inglesa fuera de Europa, principalmente Australia,Nueva Zelanda, Sudáfrica, Canadá y en menor medida Estados Unidos. Posteriormente su popularidad abrió las puertas a otros artistas europeos. Su música ha sido cantada por otros grandes artistas y es la base del musical Mamma Mia!.

El grupo se separó en diciembre de 1982, haciendo su última aparición pública el 4 de julio de 2008, en la premiere sueca de la película del musical Mamma Mia! El 15 de marzo de 2010 el grupo se incorporó al Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos, en una gala celebrada en el hotel Waldorf-Astoria en New York, a la misma acudieron Anni Frid Reuss y Benny Andersson en representación del grupo.

Página Web: ABBA

U2

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 12 Dec 2010 00:43:00 +0100

U2 es una banda de rock de Dublín, Irlanda. Formada en 1976, U2 es una de las bandas más populares del mundo desde mediados de la década de los 80. Ha vendido más de 190 millones de discos alrededor del mundo, tiene seis álbumes que han llegado al número 1 en la lista de éxitos en los Estados Unidos y otros nueve en el Reino Unido. U2 es uno de los grupos con mayor éxito de todos los tiempos. Han sido galardonados con 22 premios Grammy, la cifra más alta para una banda o artista de rock.

La banda se formó cuando Bono (vocalista y guitarrista), The Edge (guitarrista, teclado y vocalista) y Adam Clayton (bajo) respondieron a un anuncio puesto por Larry Mullen Jr. (batería y percusión). En aquel momento, los miembros de la banda eran adolescentes con un limitado conocimiento musical. A mediados de los años 80, sin embargo, ya habían lanzado cuatro discos y tenían repercusión internacional, debido en gran parte a sus grandes giras y como consecuencia del sonido particular basado en la guitarra de The Edge y en la voz apasionada y las letras introspectivas de Bono. Alcanzaron altas cotas de popularidad con el lanzamiento en 1987 de su álbum The Joshua Tree. A comienzos de la década de los 90, respondieron a la revolución de la música alternativa y dance con el exitoso Achtung Baby y el más novedoso Zoo TV Tour, que acarreó críticas a su imagen, así como opiniones especializadas que sugerían cierto estancamiento musical.

En los primeros años del siglo XXI, U2 ha continuado su carrera con un sonido más tradicional, mientras mantiene algunas influencias de sus exploraciones musicales anteriores y continúa disfrutando de un gran nivel de éxito comercial y de crítica. En el año 2004, la revista Rolling Stone colocó a U2 en el lugar 22 de su lista de los "100 artistas más grandes de todos los tiempos". En el 2005, U2 fue incluida en el Salón de la Fama del Rock, el primer año en que podían ser elegidos.

Página Web: U2

The Kinks

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 12 Dec 2010 00:12:00 +0100

The Kinks fue un grupo musical británico formado en Londres en los años 60 por los hermanos Ray y Dave Davies. Desde sus primeros tiempos estaban muy influidos por el Rock and Roll y el Rhythm & Blues norteamericanos. En 1964 consiguieron su primer n.º 1 en las listas británicas con "You Really Got Me", su canción más emblemática, dándose a conocer como parte de la invasión británica en Estados Unidos, esta canción ha permanecido como una de las más significativas de la década de los 60 y su sonido es considerado precursor del Hard Rock.

La evolución como compositor de Ray Davies, llevó al grupo a una segunda época con un sonido mucho más "británico" y Pop, que les proporcionó éxitos como “Sunny Afternoon” o “Waterloo Sunset”. Sus trabajos en estos años han ejercido gran influencia en movimientos tan distintos como el Glam Rock, el Punk, o la New Wave , a pesar de que, en términos de popularidad y apoyo de su discográfica, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles, The Rolling Stones o The Who.

En 1970 y tras un período de menor presencia en las listas, alcanzaron su último n.º 1 en el Reino Unido con el single “Lola”. Sus problemas con la discográfica Pye les llevó a firmar por RCA, iniciando una fase caracterizada por el rock con tintes teatrales. Debido a la falta de apoyo promocional, el grupo pasó a un segundo plano, sobre todo en su país, lo que hace que se trasladen a los Estados Unidos. Allí firmaron con Arista, discográfica con la que disfrutaron de un nuevo periodo de éxito en el cambio de década y los primeros años 80, éxito que no se repitió hasta su separación en 1997.

The Kinks estan formados en un principio por Ray Davies (guitarra), su hermano pequeño, tres años mas joven, Dave Davies (guitarra), Peter Quaife (bajo) y Mickey Willet (batería). En 1963 actuaban juntos, bajo el nombre de The Ravens, y como la mayoría de grupos de la época, en su repertorio estaban temas de R&B y Rock'n'Roll.

En 1964, el productor Shel Talmy les ficha. El batería Mick Avory sustituye a Mickey Willet, graban el clásico "Long Tall Sally" de Little Richard, en Febrero de 1964 (es en este año cuando cambian su nombre, y pasan a llamarse The Kinks).

Página Web: The Kinks

Ten Years After

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 11 Dec 2010 19:41:00 +0100

Ten Years After es una banda de blues rock británica popular a finales de la década de los 60 y principios de los 70.

La aparición en 1966 de grupos como Cream y el resurgimiento del blues más avanzado, superando la etapa inicial de rhythm and blues y configurándose en base del rock más psicodélico, propiciaron la aparición de nuevas bandas inglesas en esta línea.

Entre estos grupos pronto destacó Ten Years After, formada por Alvin Lee (19 de diciembre de 1944, Nottingham), guitarra; Ric Lee (20 de octubre de 1945, Cannock, Staffordshire), batería; Leo Lyons (30 de noviembre de 1944, Stanbridge, Bedforshire), bajo; y Chick Churchill (2 de enero de 1949, Molt, Flintshire), teclado.

En mayo de 1967, debutaron en el séptimo festival de jazz y blues de Windsor. Su fama se disparó entre ese año y 1969, con sus cuatro primeros álbumes: Ten Years After, Undead, Stonehenge y Ssssh.

La consagración les vino en el festival de Woodstock, donde ejecutaron el tema I'm Going Home, que colocó a Alvin Lee entre los líderes de la guitarra de su tiempo. La película que se hizo sobre el memorable festival muestra una impresionante actuación de Ten Years After, con este tema de 11 minutos de duración.

Página web: Ten Years After

BIENVENIDOS A RADIO GOLOR

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 20 Nov 2010 18:14:00 +0100

Bienvenidos a una nueva dimensión musical: RADIO GOLOR la emisora online en Madrid (España) que te hará disfrutar de todos los éxitos españoles e internacionales, con una variada selección de la mejor música. Radio Golor emite las 24 horas del día. Estáis invitados.
Radio Golor