El Blog de T3RX Radio

La Historia de "A Horse With No Name" el gran éxito de America

2013-07-08T08:46:00.004-07:00

"A Horse With No Name" fue lanzada como single un 31 de Enero de 1972. Gracias al éxito de esta canción, America pasó a ser reconocida por todo el mundo por su interesante sonido soft-Rock mezclado con el folk mas melódico.Formado inicialmente por: Gerry Beckley (guitarra, Bajo, voces), Dewey Bunnell (voz y guitarra)y Dan Peek(voz, bajo, teclados). Estos tres chicos compartían dos detalles en común: Ser hijos de soldados estadounidenses que estaban destinados en bases militares británcas y su gusto por la buena música.

Cuando el cantante Dewey Bunnell viajó a Estados Unidos a visitar a sus familiares quedó maravillado con el paisaje desertico de Arizona y Nuevo México. Fue tanta su admiración por esos lugares, que al llegar a su casa en Inglaterra empezó a escribir poemas inspirado en todo lo que sintió al caminar por esos lugares. Uno de esos escritos se titulaba "Desert Song".

Pasaron los años, y cuando por fin Bunnell y compañía consiguieron un contrato formal , "Desert Song" salió a la mesa como una posible canción para el disco.

Era mediados del año 1971 y la banda empezó a grabar sus canciones en los Trident Studios, ubicados en Londres, entre el repertorio que arreglaban estaba esta prosa pero ya elaborada como una canción, y con un lígero cambio de título. Ahora se llamaba misteriosamente "A Horse With No Name"...

Musicalmente, esta canción está inspirada en las melodias del músico canadiense Neil Young, quien era uno de los artistas favoritos de Bunnell, y jamás se dió el lujo de esconder ni renegar de su influencia. Se dice que en el estudio de grabación los tres integrantes de la banda junto al productor Ian Samwell se dieron de cabeza contra la pared por varios días buscando esos efectos de sonido necesarios para que la canción tomara esa sensación de andar sobre un caballo. La idea principal era que el oyente se imaginara montado sobre un caballo y cruzara el desierto libremente, sin rumbo alguno ni determinado por un mapa, y solamente buscando la felicidad perdida por algun momento triste que nos trae la vida...

Los tres integrantes de "America", decidieron lanzar esta canción como single por un motivo muy particular: Su sonido Folk que mezclado con el paisaje desertico eran puntos muy aptos para ser un hit tanto en Estados Unidos como en tierras británicas. Pero la canción tambien estuvo en el centro de una polémica, y eso tomó de sorpresa a la banda. Resulta que varias radioemisoras de Estados Unidos censuraron sin piedad a esta canción, logrando que no apareciera dentro de su parrilla programática. La razón de esta cruel cesura se debía a la palabra "Horse", que en español significa caballo pero que en los contextos suburbanos era muy usado para referirse a la heroína. A partir de ese detalle, las radios y la prensa escrita empezaron a hacer una campaña de desprecio a la banda, recurriendo a estúpidos discursos que hablaban "pestes" sobre la canción, admitiendo que incitaba a la juventudo a seguir su mal ejemplo y a la propaganda barata en favor a la adicción con esta droga semi-sintética.

Mientras los medios hacían pedazos a la canción, la banda declaraba en varias entrevistas que todo eso era una mentira y que esas personas estaban confabuladas para atacar sus creaciones. Hasta el día de hoy los fanáticos siguen discutiendo sobre la temática de la canción y la heroína, sacando a relucir interesantes conclusiones sobre cada metáfora presentada en la letra.

Todos estos dimes y diretes llegaron a un punto final en favor de "America", ya que el single que contenía a "A Horse With No Name" se dió el lujo de entrar al puesto 3 en el UK Singles charts y... ¡¡¡al primer lugar del Billboard Hot 100.

La Historia detras de "Dreams" de Fleetwood Mac

2013-05-27T07:12:00.001-07:00

La historia es conocida, pero vale la pena recordarla. La grabación de Rumours, el décimo disco de estudio de Fleetwood Mac (que comenzó como promesa del blues blanco y se convirtió en la aplanadora del soft rock tras la partida del guitarrista Peter Green) estuvo signada por las crisis personales de todos sus integrantes. El baterista Mick Fleetwood se estaba divorciando de su mujer; el matrimonio entre el bajista John McVie y la tecladista Christine McVie llegaba a su fin, y la misma suerte corría para el binomio compositivo de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks tras ocho años de pareja.

Dentro de este panorama, las sesiones fueron ásperas y turbulentas, como era de esperarse. La banda cumplía sus tareas con profesionalismo, pero entre una toma y otra volaba la artillería pesada entre ellos. En una de las jornadas de grabación, Nicks sintió que su presencia era innecesaria en el estudio, así que llevó su Fender Rhodes se instaló en otra de las habitaciones del lugar, en la que había un piano de cola y una enorme cama victoriana.

Cómodamente recostada, Stevie comenzó a jugar con los patrones de ritmo que el teclado traía de fábrica y, sobre una base bailable repetitiva comenzó a jugar con tres acordes, hasta que diez minutos después tenía terminado un tema nuevo y decidió mostrárselo a sus compañeros al día siguiente. La tecladista McVie la rechazó casi de inmediato al considerarla monótona y aburrida, pero Buckingham logró hacerla cambiar de opinión al agregarle unos cambios armónicos y rítmicos sin alterar la progresión original.

La grabación de "Dreams" no fue ajena al infierno de relaciones personales que reinaron en la totalidad de la creación del disco. La batería y la voz de Nicks se grabaron en Sausalito, mientras que las guitarras y el bajo se agregaron más tarde en un estudio en Los Ángeles. El tema resultó ser el segundo corte de difusión de Rumours, y tuvo un ascenso meteórico hasta el primer puesto de los rankings en Estados Unidos. El tema debe su éxito más a la difusión radial que a la televisiva, porque no fue hasta 1979 que Fleetwood Mac comenzó a hacer videos de alto presupuesto.

Enjoy the Silence, conoce la historia detrás del gran hit de Depeche Mode

2012-09-14T16:48:00.000-07:00

Cambiar una dinámica de trabajo implica arrojarse al riesgo de no saber qué es lo que vendrá, sobre todo si la fórmula que se venía empleando durante años había demostrado ser exitosa. Salir de una zona de confort es necesario en términos creativos, pero no deja de representar un riesgo.

Elegir este nuevo rumbo es, en definitiva, un acto de valentía. Dejar de jugarse por lo seguro fue lo que Depeche Mode buscó a la hora de concebir su séptimo disco de estudio. Entre varias cuestiones, la banda empezó a incorporar a las guitarras como guía de sus canciones (si bien ya habían asomado tímidamente en "Behind the Wheel" y "Love, in Itself"), incorporó a un productor externo a su sello discográfico para que coordinase las grabaciones y, a diferencia de en sus intentos anteriores, decidió que no iban a tomar los demos hogareños de Martin Gore como la versión definitiva de las canciones a incluir en el álbum.

A pesar de haber acatado estas premisas, a Gore se le hizo difícil aceptar la mutación de su "Enjoy the Silence" original a como todos la conocemos hoy en día. Originalmente, la canción era una balada casi fúnebre, sin más recursos que su voz y un harmonio, pero tras escucharla, Alan Wilder y el productor Flood lograron persuadirlo para acelerarle el ritmo porque preveían que el grupo tenía un futuro hit en sus manos. Y no se equivocaban. Con el toque final de la voz de Dave Gahan, "Enjoy the Silence" se volvió el segundo simple de Depeche Mode en llegar al Top 10 británico (el anterior, "People Are People", había llegado en... ¡1984!). A final de cuentas, el plan dio sus frutos, pero como quien no puede dejar de aferrarse a una idea que considera mejor, Gore logró que su versión original apareciese como lado B en una tirada especial del single.

La historia detrás de "Just Like Heaven" de The Cure

2012-08-29T10:46:00.002-07:00

Si hubiera que hacer una enumeración taxativa de los temas sobre los que versan la mayoría de las canciones de rock, la lista no iría mucho más allá de los siguientes tópicos: vida, muerte, odio, drogas, tristeza y amor. Por extraño que pueda parecer, una de las mejores aproximaciones a este último sentimiento corre por cuenta de uno de los grupos más lúgubres del pop, y la manera con la que supo abordarlo le trajo el reconocimiento que hasta ese momento le era esquivo más allá de las fronteras de su Inglaterra natal.

Como suele ser costumbre en varios casos a la hora de componer nuevo material para Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, The Cure estableció un régimen creativo de quince días al mes. Fue durante uno de estos lapsos que Robert Smith dio con la base de acordes de "Just Like Heaven" y, al poco tiempo, le acercó un demo instrumental a la banda mientras grababan su séptimo disco de estudio en el sur de Francia, con el que acariciarían por primera vez el éxito del otro lado del Atlántico.

Con la maqueta en sus manos, el baterista Boris Williams sugirió hacerle un cambio radical a la canción: por un lado, acelerar su tempo y, por el otro, darle un comienzo marcado con su instrumento. Este cambio le sugirió una idea a Smith que terminaría siendo una de las características más propias del tema: que los instrumentos se acoplasen de a uno por vez en el siguiente orden: batería, bajo, guitarra eléctrica, guitarra acústica, sintetizadores y voz. Para completar el cuadro, Smith decidió componer la letra inspirado en un viaje que había realizado con su futura esposa Mary Poole a Beachy Head, en el sur de Inglaterra. Varios de sus pasajes son bastante descriptivos de la escena: dos enamorados haciéndose promesas al borde de un peñón. La canción es también una evocación a la infancia desde sus primeras líneas y la referencia a los trucos de magia, pero entendidos a su vez como una estratagema de seducción.

Al igual que todos los videos de la banda desde "Let's Go To Bed" hasta ese entonces, el clip de la canción fue dirigido por Tim Pope y, si bien se grabó en un estudio de filmación, el set fue decorado para recrear la apariencia de un acantilado para encajar con el relato de la canción. Al momento del solo de piano, la propia Poole aparece para bailar con Smith. Lejos de los simbolismos, su presencia se justifica por algo muy simple: la canción está dedicada a ella y para la banda no hubiera tenido sentido que figurase otra persona.

Semisonic

2012-05-31T10:21:00.000-07:00

Después de la desintegración de "Trip Shakespeare", los nativos de Minneapolis Dan Wilson y John Munson se unieron con el baterista Jacob Slichter para formar Semisonic en 1993. "Trip Shakespeare" había pasado años acumulando un público fiel con armonías y contrapuntos artísticos inesperados de guitarra, pero el líder de la banda Dan Wilson tomó Semisonic en una dirección completamente diferente, adoptando un sonido bien diseñado que resultó ser más apetecible para un público mayoritario.

"Closing Time" fue el mayor éxito de la banda, que domina las ondas radiales en 1998, y recogiendo una nominación al Grammy al año siguiente. A pesar que Semisonic se disolvió después del lanzamiento de su tercer álbum el 2001 "All About Chemistry", Wilson obtuvo galardones adicionales como artista en solitario. Él también co-escribió el material con otros grupos, incluidos los de las Dixie Chicks, ganador del Grammy con "Taking the Long Way".

Teniendo en cuenta las conexiones de "Trip Shakespeare" en la industria de la música, no pasó mucho tiempo para que Semisonic (que se había formado inicialmente bajo el nombre "Pleasure") consiguiera un contrato discográfico con Elektra. Antes de que la banda podría grabar, sin embargo, la reorganización de la gestión en la sede de Elektra dio lugar a la rescisión del contrato de Semisonic. La banda se recuperó en 1995 al firmar con MCA y la liberación de un EP auto-producido llamado "Pleasure".

"The Great Divide" siguio en 1996, marcando el debut de Semisonic y cosechando una opinión favorable de la revista Rolling Stone, que consideró "un disco de pop sencillo y moderno, pero con gas." Sin embargo, fue el esfuerzo de los músicos el segundo año, sintiéndose extrañamente bien, que marcó su gran avance en el año 1998. "Closing Time" encabezó las listas de rock moderno, "Secret Smile" se convirtió en un hit Top 20 en el Reino Unido, y los Semisonic disfrutaron de un breve destello de su estrellato que con el milenio llegó a su fin.

"All About Chemistry", tercer álbum de la banda, fue emitido a principios de 2001 y produjo éxitos adicionales en el Reino Unido, pero el registro no pudo mantener la popularidad del grupo en Estados Unidos. Semisonic envolvio el año, contribuyendo con "Over My Head" para la banda sonora de "Summer Catch", una película para adolescentes beisboleros, y que cubre las alas de los "Jet" para un CD tributo de Paul McCartney titulado "Listen to What the Man Said". Dan Wilson también se tomó el tiempo para poner los ladrillos de su material en solitario, tocando un montón de fechas en todo el Medio Oeste, mientras que su hermano Matt se conectó con John Munson para formar "The Flops". A medida que estos proyectos montados en paralelo se realizaban, Semisonic entró en receso por tiempo indefinido a finales de 2001.

The Beatles

2012-04-12T13:56:00.001-07:00

Tanto se ha dicho y escrito sobre los Beatles - y su historia es tan mítico en su alcance - que es difícil resumir su carrera, sin reiterar los tópicos que ya han sido digeridos por decenas de millones de aficionados al rock. Para comenzar con lo obvio, que eran el grupo más grande y más influyente de la era del rock, e introdujo innovaciones en la música más popular que cualquier otra banda de rock del siglo 20. Por otra parte, se encontraban entre los pocos artistas de cualquier disciplina que eran a la vez el mejor en lo que hicieron y el más popular en lo que hacían. Implacablemente imaginativa y experimental, los Beatles agarraron la conciencia de la masas en 1964 y nunca lo dejaron ir por los próximos seis años, manteniéndose siempre por delante del pelotón en términos de creatividad, pero sin perder nunca su capacidad para comunicar sus ideas cada vez más sofisticados a un audiencia masiva. Su supremacía como los iconos del rock sigue siendo indiscutible para el día de hoy, décadas después de su separación en 1970.

Es difícil transmitir el alcance de los logros de los Beatles en un mero párrafo o dos. Se sintetiza todo lo bueno del rock & roll, y lo cambió en algo original y aún más emocionante. Ellos establecieron el prototipo del grupo de rock independiente que escribió e interpretó su propio material. Como compositores, su creatividad y la inventiva melódica era insuperable, y la clave para la evolución del rock desde el blues y R&B, formas basadas en un estilo que era mucho más ecléctico, pero igualmente visceral. Como cantantes, tanto John Lennon y Paul McCartney fueron algunos de los mejores vocalistas y más expresivos del rock, las armonías del grupo eran intrincados y estimulante. Como los artistas, eran emocionantes y fotogénicos, cuando se retiraron al estudio, fueron fundamentales en pioneras técnicas avanzadas y los arreglos de varias capas. También fueron el primer grupo de rock británico en alcanzar la prominencia en todo el mundo, lanzando una invasión británica de rock que hizo un verdadero fenómeno internacional.

Más que cualquier otro grupo, el éxito de los Beatles fue en gran medida un caso de todo el ser mayor que la suma de sus partes. Su cohesión fenomenal se debió en gran medida a la mayoría del grupo después de haber conocido unos a otros y jugaron juntos en Liverpool durante unos cinco años antes de que empezaran a tener discos de éxito. El guitarrista y adolescente rebelde John Lennon se enganchó en el rock & roll a mediados de los años 50, y formó una banda, "The Quarrymen", en su escuela secundaria. A mediados de 1957, a "The Quarrymen" se les unió otro guitarrista, Paul McCartney, casi dos años más joven que Lennon. Un poco más tarde se les unió otro guitarrista, George Harrison, un amigo de McCartney. "The Quarrymen" iba a cambiar alineaciones constantemente en los últimos años 50, con el tiempo reducir al trío básico de los guitarristas, que habían demostrado ser los mejores músicos y las personas más compatibles con personal dentro de la banda.

"The Quarrymen" cambiaron su nombre a "The Silver Beatles" en 1960, para convertirse en "The Beatles". Stuart Sutcliffe, amigo de la universidad de Lennon se unió en el bajo, pero la búsqueda de un baterista permanente era un molesto problema hasta que Pete Best se unió en el verano de 1960. Él audicionó con éxito para el combo justo antes de que se fueran por una temporada de varios meses a Hamburgo, Alemania.

Hamburgo era el bautismo de los Beatles. Reproducción de sesiones agotadoras durante horas y horas en una de las más notorias zonas rojas en el mundo, el grupo se vio obligado a ampliar su repertorio, e invertir su show con la energía maníaca suficiente para mantener a las multitudes ruidosas satisfecho. Cuando regresaron a Liverpool a finales de 1960, se consolidaron en 1961, en el mítico The Cavern Club, la incubadora del sonido Merseybeat.

Regresaron a Hamburgo en 1961, aunque Sutcliffe abandonó la banda ese mismo año para concentrarse en sus estudios de arte de la escuela. McCartney se hizo cargo en el bajo, Harrison se instaló como guitarrista, y Lennon tenía guitarra rítmica, todo el mundo cantaba. A mediados de 1961, los Beatles (menos Sutcliffe) hizo sus primeras grabaciones en Alemania, como un grupo de respaldo a un guitarrista de rock británico / cantante con sede en Hamburgo, Tony Sheridan. Los Beatles no se habían desarrollado plenamente en este punto, y estas grabaciones, muchas de las cuales (incluyendo un par de Sheridan) se publicaron sólo después de la llegada de la banda a la fama - encontrar sus talentos en un estado más embrionario. La restricción de Hamburgo también fue notable por la obtención de los Beatles, tales como la novia de Sutcliffe, Astrid Kirchherr, que influyó en todos ellos para cambiar el estilo, dieron a los músicos su sello más distintivo visual. (Sutcliffe, por desgracia, iba a morir de una hemorragia cerebral en abril de 1962).

Cerca del final de 1961, la popularidad de los Beatles llamaron la atención de una tienda de discos locales y del manager Brian Epstein. Él utilizó sus contactos para adquirir audiciones rápidamente. Un 01 de enero 1962, después de semanas de deliberación, Decca los rechazó al igual que varios sellos británicos. La perseverancia de Epstein fue recompensado finalmente con una audición para el productor George Martin en Parlophone, una subsidiaria de EMI, Martin firmó con los Beatles a mediados de 1962. En ese momento, el virus de Epstein fue asiduamente preparando el éxito nacional de influir en ellos para embellecer su aspecto, prescindiendo de sus chaquetas de cuero y pantalones en favor de los trajes a medida y corbatas.

Un cambio más importante fue antes de que los Beatles debutaran en Parlophone. En agosto de 1962, el baterista Pete Best fue echado del grupo, una polémica decisión que ha sido la causa de mucha especulación desde entonces. Todavía no hay consenso sólido en cuanto a si fue a causa de su naturaleza solitaria, de mal humor, los celos los otros Beatles 'de su popularidad con los fans, sus carencias musicales (George Martin ya le había dicho a Epstein que mejor no era lo suficientemente bueno para la bateria en las grabaciones), o su negativa a usar el pelo con flequillo. Lo que parece más probable era que los Beatles se limitó a observar su personalidad incompatibles, prefiriendo recurrir a Ringo Starr (nacido Richard Starkey), un baterista con el otro popular grupo de Merseyside, Rory Storm & The Hurricanes. Starr

había estado con los Beatles durante unas pocas semanas cuando grabaron su primer single, "Love Me Do" / "PS Te Amo", en septiembre de 1962. Ambos lados del 45 eran originales de Lennon-McCartney, y el equipo de compositores que se le atribuye la mayor parte del material del grupo durante toda la carrera de los Beatles. El single, un esfuerzo prometedor, pero muy rudimentario, se cernía en torno a los alcances más bajos del Top 20 británico. El fenómeno de los Beatles en verdad no entran en juego hasta "Please Please Me", que encabezó las listas británicas a principios de 1963. Este fue el único prototipo de invasión británica: una contagiosa melodía, la carga de guitarras y armonías positivamente exuberantes. Las mismas características son evidentes en su tercer 45, "From Me to You" (una serie británica), y su primer LP, "Please Please Me". A pesar de que se registró sobre todo en un solo día, "Please Please Me" encabezó las listas británicas por un sorprendente 30 semanas, que creo al grupo como la banda de rock & roll más popular jamás visto en el Reino Unido.

Lo que los Beatles habían hecho era tomar los mejores elementos del rock y el pop que amaban y hacerlos propios. Habían sido sumergidos en el rock clásico a principios de Elvis, Buddy Holly, Chuck Berry, Little Richard, Carl Perkins, y los Everly Brothers, sino que también había mantenido un oído abierto a principios de los años 60 los sonidos de la Motown , Phil Spector y los grupos de chicas. Lo que era un añadido, su sin igual composición inteligente (inspirado por los equipos de Brill Building, tales como Gerry Goffin y Carole King), un temerario ataque orientado a la guitarra, voz tremendamente entusiastas, y la personificación de la elegancia juvenil de su generación, dispuestos a prescindir de la austeridad de la posguerra y reclamar una cultura propia. También fueron insuperables en su eclecticismo, dispuestos a pedir prestado del blues, los estándares populares, gospel, folk, o lo que sea, parece adecuado para su visión musical. El productor George Martin era el contraste perfecto para el grupo, refinando sus ideas sin juguetear con sus núcleos, durante la última mitad de su carrera, era indispensable para que su capacidad de

traducir sus conceptos en los acuerdos que requiere la orquestación compleja, las aplicaciones innovadoras de tecnología de grabación, y una variedad cada vez más amplio de instrumentos.

Igual de importante, los Beatles no eran de los que se quedaban quietos. Todos sus álbumes y singles posteriores muestran una progresión artística notable (aunque nunca a expensas de una melodía pegadiza). Incluso en su segundo LP, "With the Beatles" (1963), era evidente que su talento como compositores e instrumentistas fueron ampliando con furia, idearon melodías cada vez más inventivos y armonicas, y aumentó la plenitud de sus acordes. "She Loves You" y "I Want to Hold Your Hand", estableció el grupo no sólo como un actor de la música popular, sino como un fenómeno nunca antes visto en la industria del entretenimiento británica, ya que cada single vendio más de un millón de copias en el Reino Unido después de algunas apariciones famosas de la televisión nacional, la Beatlemanía estalló a través de las Islas Británicas a finales de 1963, y el grupo de generaba gritos e histeria en todas sus apariciones públicas, musicales o de otro modo.

Capitol, que tenía preferencia por las grabaciones de los Beatles en los Estados Unidos, se había negado a emitir los primeros singles del grupo, unos pocos, acabó apareciendo en las tiendas americanas independientes, relativamente pequeñas. "I Wanna Hold Your Hand", tomo por asalto la cima de las listas de Estados Unidos dentro de unas semanas de su lanzamiento el 26 de diciembre de 1963. Las apariencias de los Beatles en la televisión "The Ed Sullivan Show" en febrero de 1964 puso en marcha la Beatlemanía (y toda la invasión británica) a una escala aún mayor de lo que había alcanzado en Gran Bretaña. En la primera semana de abril de 1964, los Beatles tenían los cinco primeros sencillos de mayor venta en los EE.UU., sino que también tuvo los primeros dos posiciones en las listas de álbumes, así como otras listas como Billboard Top 100. Nadie jamás había dominado el mercado de la música popular tan fuertemente, y es dudoso que nadie nunca más lo hará. Los Beatles alcanzaron el número uno con la mayoría de sus singles y álbumes hasta su disolución en 1970.

Por difícil que sea de creer hoy en día, los Beatles fueron descritos con frecuencia por los comentaristas culturales de la época como nada más que una moda pasajera que desaparecerá en unos meses. El grupo aseguró que esto no iba a pasar, haciendo una noche aquel día a principios de 1964, un cinéma vérité de estilo de cine de comedia musical, que cementó su imagen como "Fab Four": Happy-Go-Lucky, individualista, descarado, divertido muchachos con la energía sin parar. La banda sonora también fue un triunfo, que consiste en su totalidad por canciones de Lennon-McCartney, incluidas las normas tales como la canción del título, "And I Love Her", "If I Fell", "Can't Buy Me Love," y "Things We Said Today". Resonantes de George Harrison de guitarra eléctrica de 12 cuerdas fueron muy influyentes, los Beatles (junto con Bob Dylan) serían muy influyente en la explosión del folk-rock de 1965. El exito The Beatles también comenzo a abrir el mercado de EE.UU. para los compañeros británicos, como a The Rolling Stones, The Animals, y los Kinks, e inspiración a grupos de jóvenes estadounidenses como el Beau Brummels, Lovin 'Spoonful, y otros.

Entre desenfrenadas giras internacionales en 1964 y 1965, los Beatles continuaron encabezando listas de álbumes y singles. (Hasta 1967, los álbumes británicos del grupo fueron truncados a menudo para el lanzamiento en los Estados Unidos;. Cuando su catálogo fue trasladado a un CD, los discos fueron lanzados en todo el mundo en sus configuraciones británicas). En retrospectiva, los críticos han juzgado a los Beatles por la venta (a finales de 1964) de Help! como un disco con poca impresion y esfuerzo de la banda. Hasta cierto punto, eso es cierto.

Pero el grupo continuaba lanzando exitos. "I Feel Fine" tuvo una buena respuesta, "Ticket to Ride", mostró la banda empezando a incorporar el sonido, las líneas circulares metálicas, la guitarra que se apropiaron por bandas como los Byrds, "¡Help" era su primera explosión de lirismo confesional, "Yesterday" que emplea un cuarteto de cuerda. John Lennon, en particular, estaba empezando a mostrar una influencia Dylanesque en su composición en un número tan pesimistas como el folk, "I'm a Loser" y "You've Got to Hide Your Love Away", y temas como ""I Don't Want to Spoil the Party" y "I've Just Seen a Face", tenía un sabor country mas fuerte.

Aunque la película ¡Help!, era un asunto mucho más tonto y menos sofisticado que su primer largometraje, también fue un gran éxito comercial. En ese momento, sin embargo, los Beatles no tenía nada que demostrar en términos comerciales; las fronteras restantes eran retos artísticos que sólo podía cumplirse en el estudio. Se levantaron a la ocasión al final de 1965, con Rubber Soul, uno de los clásicos de folk-rock. Líricamente, Lennon, McCartney, Harrison (que ahora estaba escribiendo algunas canciones por su cuenta) fueron evolucionando más allá de los escenarios en los sentimientos complejos y personales. También estaban empujando los límites del rock de estudio mediante la elaboración de nuevas texturas de guitarra y bajo, experimentando con la distorsión y el seguimiento de múltiples, y el uso no convencional (en el rock) de instrumentos como el sitar.

Una gran parte de su progresión fue "Rubber Soul" en relación con sus grabaciones anteriores. "Paperback Writer" y el single "Rain" encuentra al grupo alejado por completo de los temas románticos, impulsando el bajo a niveles antes desconocidos, y jugar con las imágenes psicodélicas y las cintas hacia atrás en el lado B. Drogas psicodélicas (y otros) fueron alimentando su imaginación ya fértiles, pero se sentía creativamente obstaculizada por las obligaciones de sus giras. "Revolver", lanzado en el verano de 1966, demostró lo que el grupo podría ser capaz de hacer cuando estaba asignado meses en el estudio. Guitarras duras y gruesos arreglos vocales forman el lecho de estos, cada vez más imaginista, letras ambiciosas, el eclecticismo del grupo ya abarca todo, desde novedades como ("Yellow Submarine") y una cuerda respaldados por el cuarteto-bocetos de los personajes ("Eleanor Rigby"). Influencias con remolinos de las cintas de eco y hacia atrás ("Tomorrow Never Knows").

Algunos se quejan de que los Beatles habían abandonado sus raíces para el manierismo inteligente. Sin embargo, "Revolver", como casi todos los singles del grupo y los álbumes de "She Loves You" en adelante, estarian en todo el mundo en las listas de éxitos. Durante el último par de años, presentaciones en vivo se había convertido en un ejercicio de memoria para el grupo, cansado de competir con miles de fans gritando que se ahogaron al cabo de la mayor parte de sus voces e instrumentos. la gira del verano de 1966, en todo el mundo era particularmente penosa: el entorno del grupo fue agredido físicamente en Filipinas después de un desaire percibido por la primera dama del país, y un comentario casual de John Lennon sobre que los Beatles son más grandes que Jesucristo, fue detenido en Estados Unidos, dando como resultado la quema de los discos de los Beatles y la demanda de una disculpa arrepentida. Su último concierto de esa gira por Estados Unidos (en San Francisco el 29 de agosto de 1966) sería su última frente a un público que paga, ya que el grupo decidió dejar de tocar en vivo con el fin de concentrarse en sus grabaciones de estudio.

Este era un radical (de hecho, sin precedentes) paso en 1966, y los medios de comunicación estaba plagado de especulaciones de que el grupo se estaba desintegrando, sobre todo después de que los cuatro pasaron finales de 1966 participando en distintas actividades personales y artísticas. La aparición de "Penny Lane" y "Strawberry Fields Forever", sencillos que salieron en febrero de 1967 aplastaron estas preocupaciones. Los Beatles estaban empujando hacia adelante en el territorio descaradamente psicodélica en el uso de arreglos orquestales y Mellotron, sin abandonar su idea de la melodía memorable y los mensajes líricos inmediatamente accesibles.

El "Sargento Pimienta", lanzado en junio de 1967, fue la banda sonora definitivamente psicodélica. O, al menos, por lo que se percibía en el momento: los críticos posteriores han pintado el álbum como un asunto irregular, teniendo en cuenta una unidad conceptual a través de sus brillantes doblajes realizados, melodías "Singalong", y letras de cuentos de hadas. Otros siguen convencidos, como millones lo que hizo en su momento, que representa el mayor triunfo del pop, o incluso una evolución del pop en el arte con mayúsculas. Además de todo tipo de influencias, los músicos también estaban recogiendo vibraciones de la musica de la India, de vanguardia electrónica, clásica, music hall, y mucho más. Cuando los Beatles estrenó su himno hippie "All You Need Is Love" como parte de un programa de televisión en todo el mundo, que había sido verdaderamente ungido como portavoces de su generación (un papel que no habían buscado activamente), y parecía que no podían equivocarse.

Musicalmente, que por lo general seguirá siendo el caso, pero la fuerza del grupo empezó a desmoronarse a un ritmo sorprendentemente rápido. En agosto de 1967, Brian Epstein - propensas a la depresión suicida, en el último año - murió de una sobredosis de drogas, dejándolos sin un manager. Ellos siguieron adelante con su próximo proyecto cinematográfico, "Magical Mystery Tour", dirigida por ellos mismos, falta de enfoque o de profesionalismo, la imagen del grupo fue bombardeado. Cuando se estrenó en la televisión de la BBC en diciembre de 1967, dando a los medios de comunicación la primera oportunidad real que habían tenido para asar a los Beatles sobre una llama. (Otra película, el "Submarino Amarillo" pelicula de animación, aparecería en 1968, a pesar de que los Beatles tenían poca participación en el proyecto, ya sea en términos de la película o la banda sonora.) A principios de 1968, los Beatles partieron a la India para un curso de trascendental la meditación con el Maharishi, lo que también se convirtió en una especie de vergüenza para los medios de comunicación, ya que cada uno de los cuatro con el tiempo se apartaría del curso antes de su finalización.

Los Beatles usaron su paz inusitada en la India para componer una gran cantidad de material nuevo. A juzgar exclusivamente en mérito musical, "The White Album", un doble LP publicado a finales de 1968, fue un triunfo. Mientras que en gran medida abandonaron sus instrumentos psicodélicos para volver a la guitarra de rock, que mantiene el eclecticismo caprichoso, probarse a sí mismos dueños de todo, desde el blues-rock al vodevil. Como compositores individuales, también, contiene algunos de sus mejores trabajos (al igual que el brillante LP de esta época, "Hey Jude" / "Revolución").

Lennon y McCartney habían formado todo el tiempo la mayoría de sus canciones por separado. Pero se habían alimentado siempre el uno del otro, no sólo para suministrar partes que faltan y las piezas que traen una canción hasta el final, sino también para proporcionar una ventaja competitiva que sacar lo mejor del otro. El melodicismo romántico de McCartney y el aumento de la acidez de Lennon, el ingenio áspero eran complementos perfectos el uno al otro. En el álbum blanco, estaba claro (aunque sólo en retrospectiva) que cada miembro estaba más preocupado con su propia expresión que el de la colectividad: un impulso natural, pero que estaba obligado a dar lugar a dificultades.

Además, George Harrison se estaba convirtiendo en un compositor más prolífico y experto, así, impregnando sus propias melodías (que eran casi igual a las de sus colegas más célebres) con una ligereza cósmica. Harrison estaba empezando a resentir su condición de menor, y el grupo comenzó a discutir más abiertamente en el estudio. Los intereses personales se entra en juego, así: la devoción de Lennon a las búsquedas románticas y artística con su nueva novia (y pronto a ser la esposa) Yoko Ono estaba desviando su atención de los Beatles. Apple Records, iniciado por el grupo a principios de 1968 como una especie de empresa comercial utópico, fue convirtiéndose en una pesadilla financiera y de organización.

Estas no eran las condiciones ideales para grabar un nuevo álbum en enero de 1969, sobre todo cuando McCartney estaba empujando al grupo a volver a vivir la realización, aunque ninguno de los otros parecían especialmente interesados en la idea. Ellos estaban de acuerdo para tratar de grabar una "vuelta a lo básico", en vivo-en-el-estudio-de tipo LP, las sesiones eran filmados para un especial de televisión. Ese plan casi explotó cuando Harrison, en medio de tensas discusiones, dejó el grupo durante unos días. A pesar de su regreso, la idea de tocar conciertos en directo fue puesto en un segundo plano; Harrison alistó al teclista estadounidense de soul Billy Preston como una especie de quinto miembro en las sesiones, tanto para reforzar los acordes y para aliviar la atmósfera incómoda. Exacerbando el problema era que los Beatles no tenían una gran cantidad de canciones de primera clase para trabajar con los nuevos, aunque algunos eran excelentes. Con el fin de proporcionar un adecuado concierto-como la experiencia de la película, el grupo hizo subir a la azotea de su sede de Apple en Londres para ofrecer una actuación improvisada el 30 de enero de 1969, antes de que la policía lo detuvo, lo que fue su último concierto en vivo de cualquier tipo.

Generalmente satisfecho con estas sesiones de principios del 1969, el álbum y la película - en un primer momento titulado "Get Back", y más tarde a emerger como "Let It Be". Un par de los mejores temas, "Get Back" / "Dont Let Me Down", se publicaron en un sencillo en la primavera de 1969. En ese momento, las peleas de los Beatles se intensifica en una disputa sobre la gestión: McCartney quería que sus asuntos sean manejados por su nuevo padre-en-ley, Lee Eastman, mientras que los otros miembros del grupo a favor de un hombre de negocios, Allen Klein .

Era una especie de milagro, que el último álbum grabado por el grupo, Abbey Road, fue uno de sus esfuerzos más unificados (incluso si, en ese momento, los músicos estaban grabando muchas de sus partes por separado). Sin duda, había alcanzado uno de sus melodías más complejas, armonías y los arreglos instrumentales, sino que también anunció la llegada de Harrison como compositor de talento igual a Lennon y McCartney, como George escribió dos canciones más populares del álbum, "Somenthing" y "Here Comes the Sun". Los Beatles todavía estaban progresando, pero resultó ser el final de la carretera, ya que sus disputas de negocios continuó ampliandose. Lennon, que había comenzado a publicar singles en solitario y tocando con amigos como la Plastic Ono Band, amenazó con dimitir a finales de 1969, a pesar de que fue disuadido de hacer un anuncio público.

La mayoría de las primeras cintas de 1969 permaneció inédito, en parte porque el material para la difusión de la televisión prevista de estas sesiones iba a ser producida como una película documental. La banda sonora que acompañaria "Let It Be", fue retrasado por lo que su estreno podría coincidir con la de la película. Lennon, Harrison y Klein Allen decidieron escoger al productor estadounidense Phil Spector, para hacer una grabacion instrumental adicional y un poco de mezcla. Por lo tanto la confusión que persiste entre la mayoría de los oyentes de rock hasta el día: "Let It Be", el último álbum de los Beatles a ser lanzado, no fue el último en ser grabado. Abbey Road en realidad debería ser considerado como el ultimo álbum de los Beatles, la mayor parte del material en "Let It Be", incluyendo la canción principal (que sería el último single lanzado mientras que el grupo todavía estaba en conjunto), fue grabado durante varios meses antes de que las sesiones de "Abbey Road" comenzara en serio, y unos 15 meses más o menos antes de su lanzamiento de mayo de 1970.

En ese momento, los Beatles ya no eran más. De hecho, no había habido ninguna grabación realizada por el grupo como una unidad desde agosto de 1969, y cada miembro de la banda había comenzado a perseguir intereses profesionales de forma independiente. Lennon a través de la Plastic Ono Band, la gira de Harrison con Delaney & Bonnie, protagonista de Starr Magia en el cine cristiano, o el primer disco en solitario de McCartney. El mundo exterior en su mayor parte se mantuvo casi totalmente conscientes de la gravedad de la fricción del grupo, por lo que es un golpe devastador para la mayor parte de los jóvenes del mundo cuando McCartney anunció que se iba de los Beatles el 10 de abril de 1970. (El "anuncio" fue contenido en realidad en un comunicado de prensa de su nuevo álbum, en el que su declaración de su intención de trabajar por su cuenta efectivamente sirvió como un aviso de su partida.)

El golpe final, al parecer, fue el conflicto entre las fechas de lanzamiento de "Let It Be" y los álbumes de McCartney como solista. El resto del grupo le pidió a McCartney retrasar su lanzamiento hasta después de "Let It Be", McCartney se negó y, en buena medida, estaba presionado por Spector Post-Production para trabajar en "Let It Be". Aunque McCartney recibió gran parte de la culpa por la separación, se debe recordar que él había hecho más que cualquier otro miembro para que el grupo andase desde la muerte de Epstein, y que cada uno de los otros Beatles habían amenazado con dejar las cosas antes de la salida de McCartney. En retrospectiva, la ruptura parecía inevitable a la vista de los desacuerdos de negocios serios y el crecimiento de sus intereses individuales.

Los enfrentamientos crecerían mucho peor en los próximos años. A finales de 1970, McCartney demandó al resto de los Beatles con el fin de disolver su asociación, la batalla arrastraba a través de los tribunales durante años, con lo que frustraron las perspectivas de una reunión de grupo. En cualquier caso, cada miembro de la banda estableció rápidamente sus carreras en solitario. De hecho, en un principio se podría haber argumentado que los efectos artísticos de la división eran en algunos aspectos beneficiosos, la liberación de Lennon y Harrison para hacer sus manifestaciones artísticas más intransigentes. Los talentos individuales de George en particular, recibió la aclamación que siempre le había eludido, cuando fue eclipsado por Lennon-McCartney. Paul tenía un tiempo mucho más duro con los críticos, pero continuó emitiendo una corriente de singles de éxito. Ringo no tenía la visión para componer canciones para competir en el mismo nivel que los otros, pero él también tenía un buen single de gran éxito en los años 70, a menudo se benefician de la ayuda de sus ex compañeros de banda.

Sin embargo, en poco tiempo, se hizo evidente, tanto que los Beatles no iban a resolver sus diferencias y reunirse, y que su trabajo en solitario no podía compararse con lo que eran capaces de crear juntos. El estereotipo dice que la división permitió a cada uno de ellos disfrutar de sus peores tendencias de sus extremos: Lennon en agitación y propaganda, Harrison en más santo que su misticismo, McCartney en el pop cursi, Starr en un rock fácil de escuchar. Hay una buena dosis de verdad en esto, pero también es importante tener en cuenta que lo que más faltaba era el sentido de la interacción grupal. La línea del partido de crítica a menudo defiende a Lennon como el rockero enojado, realista, y McCartney como el baladista melódico, pero esto es una falacia: cada uno de ellos era capaz, en medidas más o menos iguales. Lo que no está en discusión es que se desató entre sí para llegar a alturas que no podían alcanzar por su cuenta.

Pese a los rumores periódicos de reuniones en toda la década de 1970, ningún proyecto del grupo estuvo a punto de materializarse. Cabe añadir que los propios Beatles continuaron su feudo hasta cierto punto, y en todas las pruebas no fueron seriamente interesados en trabajar juntos como una unidad. Todas las esperanzas de una reunión se desvaneció cuando Lennon fue asesinado en Nueva York en diciembre de 1980. Los Beatles continuaron sus carreras en solitario a lo largo de la década de 1980, pero sus lanzamientos se hicieron menos frecuentes, y su éxito comercial disminuyó gradualmente como oyentes, sin recuerdos de primera mano de la combinación crea sus propios ídolos.

La popularidad de los Beatles, como unidad, sin embargo, resultó eterna. En parte, esto se debe a que la fractura del grupo 1970 efectivamente corto las perspectivas de disminución artística, la obra que se conserva fue uniformemente fuerte. Sin embargo, es también porque, como todos los grandes obras de arte, las grabaciones de los Beatles realizando una magnificencia eterna que sigue cautivando a las nuevas generaciones de oyentes. Por lo tanto, es que los discos de los Beatles siguen siendo escuchado en la radio, siguen vendiendo en grandes cantidades, y continúan siendo cubiertos y citado por artistas de rock y el pop hasta el presente.

Disputas legales de Apple impidió el lanzamiento oficial de material inédito de los Beatles durante más de dos décadas (aunque mucho de él fue pirateado con frecuencia). La situación cambió por fin en la década de 1990, después de McCartney, Harrison, Starr y la viuda de Lennon, Yoko Ono, resolvieron sus desacuerdos comerciales principales. En 1994, esto se tradujo en un doble CD de sesiones para la BBC desde principios y mediados de los años 60. Al año siguiente, un proyecto mucho más ambicioso, se llevó a cabo: un documental de varias partes, emitido por la cadena de televisión en 1995, y luego lanzado para el mercado de vídeo doméstico en 1996, con la participación activa de los supervivientes The Beatles.

Para coincidir con el documental Anthology, tres discos dobles de material inédito fueron emitidas en 1995 y 1996. Además, McCartney, Harrison y Starr (con alguna ayuda de Jeff Lynne) adornada de un par de demos de John Lennon a partir de la década de 1970 con sobre grabaciones para crear dos nuevas canciones ("Free as a Bird" y "Real Love"), que fueron facturados como reales grabaciones de los Beatles. Si esto constituye la verdadera largamente esperada "reunión" es el tema de mucho debate.

Ciertamente, estos recortes eran casi los clásicos a la par de la música del grupo realizado en la década de 1960. Algunos fans incondicionales, incluso, se inclinan a ver el proyecto Anthology entero como un ejercicio de marketing claramente de la década de 1990 que maximiza el kilometraje de todo lo que pudiera ser exprimido de las bóvedas de los Beatles.

Algunas curiosidades sobre Kurt Cobain

2011-12-21T07:29:00.001-08:00

El 20 de febrero de 1967, nacía la estrella más brillante del grunge. Y aunque murió sólo 27 años después, en circunstancias aún desconocidas, celebramos su 44 cumpleaños con algunas curiosas sobre su vida.

- Antes de Nirvana, Cobain se había presentado a una audición para formar parte de los Melvins, pero fue rechazado.

- Cuando todavía era un adolescente, el líder de Nirvana vivió durante ocho meses en casa de un amigo y dormía en el sofá.

- Cuando Nirvana comenzaba a tener éxito, les llegó un fax (eran los 90) del grupo Metallica en el que decía: “Habéis dado en el clavo. Nevermind es el mejor disco del año. Nos vemos pronto, Metallica. Pd.: Lars [Ulrich] os odia”.

- La otra gran afición de Kurt Cobain era rodar películas en Súper 8. En una de ellas hay una escena en la que el cantante se suicida.

- Hubo un tiempo en el que Kurt vomitaba antes de cada concierto.

- Una de las mejores amigas de Kurt Cobain, Carrie Montgomery, dijo una vez: “Hace que las mujeres lo cuiden y protejan. Es una paradoja, porque aunque es brutalmente intenso y fuerte, a la vez puede parecer frágil y delicado”.

- En una frase del diario de Kurt Cobain se podía leer: “He conocido a muchas mentes capaces de almacenar y traducir gran cantidad de información pero que carecen de talento y sabiduría, y que tampoco saben apreciar la pasión”.

- Cobain grabó sus primeras canciones en diciembre de 1982, en casa de su tía Mary. Sonaban un bajo, una guitarra y unas cucharas golpeando una maleta. El músico llamó a estas sesiones: “Confusión organizada”.

- El líder de Nirvana comenzó a consumir heroína a diario para aliviar sus dolores crónicos de estómago. Escribió en su diario: “He decidido que si me siento como si fuera un drogadicto, quizá pueda comenzar a serlo”.

- Cuando Nirvana ya eran famosos, Cobain se ofreció para tocar en la inauguración del festival Pop Underground de Olympia (Washington, EE UU), pero los coordinadores del evento lo rechazaron. A Cobain le dolió mucho que no le dejaran tocar ahí, y se sintió muy alejado de la escena musical que más adoraba.

- Cuando Kurt Cobain estaba de mal humor se sentaba en un rincón durante más de 45 minutos sin hablar.

- El líder de Nirvana escribió: “El arte cuando es de gran valor no puede ser apreciado por las mayorías. Como siempre, sólo un pequeño porcentaje lo podrá valorar. Y eso quiere decir que es bueno”.

- Solo unas horas después de su actuación en el programa Saturday Night Live y una semana después de que Nevermind hubiera alcanzado el número 1 en las listas, el líder de Nirvana sufrió una sobredosis. Courtney Love lo encontró a las 7:00 de la mañana tirado en el suelo y consiguió que volviera en sí mojándole la cara con agua y dándole puñetazos en el estómago.

- Tres meses después de lanzamiento de Nevermind, durante la Nochebuena de 1991, Kurt Cobain y Courtney Love seguían viviendo en una pequeña habitación dentro del apartamento de un amigo.

- De niño, a Cobain le diagnosticaron un trastorno por déficit de atención con hiperactividad.

- En 1992, Cobain desveló que él y Courtney se habían gastado un millón de dólares en los últimos 12 meses: 80.000 en gastos personales, 380.000 en impuestos, 300.000 en una casa en Carnation (EE UU), y el resto en médicos y abogados. “No es mucho”, explicó el cantante. “Seguro que Axl Rose se ha gastado más este año”.

- Después de interpretar Territorial pissings en el Satuday Night Live, Cobain y el bajista de Nirvana, Krist Novoselic, se besaron con lengua. El programa de televisión se negó a emitir esas imágenes.

- Antes de ser famoso, Kurt Cobain trabajó como monitor de natación para niños en Aberdeen (Estados Unidos).

- En una carta que le envió al ex batería de Nirvana, Dave Foster, Cobain escribió: “Ponerle nombre a un disco no es una tontería. Cualquiera puede hacerlo, pero hay una gran diferencia entre las credenciales y notoriedad, y el propio respeto a través de la música".

- Curtney Love, después de escuchar el tema In bloom de Nirvana en 1992 y darse cuenta de lo bueno que era, dijo: “Al instante sentí lástima por Kurt, me di cuenta inmediatamente de la pesadilla que se le venía encima”.

- El líder de Nirvana escribió una vez: “Me he visto forzado a convertirme en una solitaria estrella del rock. Esto es: a no conceder entrevistas, no aparecer en la radio, etc. Esta decisión se debe a las legiones de autoridades autodesignadas en el mundo de la música que además de no ser músicos no han aportado nada auténtico al rock and roll, además de ser los mayores misóginos en todas las formas de expresión".

- Cobain dijo una vez: “Pasé la mayor parte de mi adolescencia sin ser consciente de la importancia del feminismo, aunque en el fondo siempre he tenido una parte femenina muy desarrollada. Por ejemplo, siempre me sentí más inclinado a pasar el tiempo con chicas, y en mi infancia me gustaba la música pop más suave. Después comencé a fumar marihuana y me convertí en un adolescente”.

- Courtney Love dijo una vez: “Kurt era puro y también increíblemente ambicioso. Quería lo que tenía, pero por culpa de su educación, decidió que no lo quería”.

- Cuando comenzaron, Cobain quería que Nirvana ensayaran cinco noches a la semana.

- Cobain durante un tiempo no tuvo casa y dormía en la sala de espera del hospital donde nació, el Harbour Community Hospital de Washington (EE.UU).

George Harrison, el tímido más famoso del siglo XX.

2011-12-07T07:01:00.000-08:00

George Harrison, además de tímido, era un tipo muy raro. ¿Cómo catalogar a este personaje tan singular en la historia del negocio del espectáculo? Era el encargado de los solos de guitarra de la banda más importante de todos los tiempos, pero casi nadie lo cita cuando se hacen listados de los grandes guitarristas que ha dado el rock.

Místico, pero también un apasionado de los carros de carreras, ruidosos, poco aptos para practicar la meditación trascendental y tan propia del mundo material. A diferencia de John, Paul y Ringo, casi nunca fue noticia tras la separación de los Beatles. Si acaso tras el fenomenal impacto que provocó la aparición de su álbum All Things Must Pass, en 1970, un año después cuando organizó el concierto a beneficio de las víctimas de la guerra de Bangladesh y, en menor medida, en 1973 cuando publicó su canción Give Me Love, y en 1987 con el álbum Cloud Nine.

Su nombre volvió a sonar cuando se alió con Roy Orbizon, Bob Dylan, Tom Petty y Jeff Lynne para crear la efímera banda de los Travellin’ Wilburys. Pero poco o nada más que eso. Ah, también fue noticia en 1975 cuando perdió el pleito al ser acusado de plagio, pues el parecido de su superéxito “My Sweet Lord” con la canción “She’s so Fine” de las Chiffons, era demasiado evidente. Como Beatle, Harrison casi siempre pasó agachado. Su volumen de composiciones siempre fue avasallado por los temas de John y Paul. En tiempos de la Beatlemanía se adaptó de maravilla a su papel de discreto guitarrista al que muy de tarde en tarde le dejaban cantar alguna canción (“Do You Want to Know a Secret”, “Roll Over Beethoven”, cosas así).

Eso sí, en las ruedas de prensa, en las que los cuatro Beatles se mostraban igual de importantes, como buen tímido que era Harrison soltaba a cuentagotas su humor corrosivo, que complementaba de maravilla la entonces aún simpaticona irreverencia de John, el sex appeal de Paul y los instintos maternales que inspiraba Ringo.

Pero casi ninguna chica se enamoraba de George. Era tan tímido, tan raro… En 1965, George se encontró de casualidad con un sitar durante la filmación de la película Help! Y el tímido Beatle comenzó a crecer pero a lo hindú. Crecimiento interior. Introspección. Meditación. En sus canciones de amor no se sabía si le hablaba a su esposa Patty o a Dios. Ah, y ya que hablamos de Patty y de lo raro que era George, no sobra recordar que se casó con ella porque se le hacía idéntica a Brigitte Bardot y claro, ese matrimonio no funcionó muy bien. De hecho, Patty, aburrida de la vida que le daba Harrison, se largó a comienzos de los 70 con el gran guitarrista Eric Clapton, el mejor amigo de George, detalle de fina coquetería que no alteró para nada la relación entre el par de amigos. No es fácil quererlo. Alguna vez invitó a su casa a Ringo y a su esposa Maureen Cox y, en medio de la cena, les proclamó a los asistentes (entre ellos Patty) que en realidad estaba enamorado de Maureen, que quería acostarse con ella. Qué falta de estilo… En su autobiografía I, Me, Mine, Harrison le dedicó páginas enteras a decenas de guitarristas de blues, rythm’n blues y rock’n roll que lo habían influenciado pero no mencionó a Lennon, su maestro y protector.

Sí, un tímido, un tipo raro. Cuando se revisa de manera desapasionada la biografía de George uno quisiera decir “Qué tipo tan aburrido”. Pero basta oír por millonésima vez el primer acorde de Here Comes the Sun, el genial comienzo de “While my Guitar Gently Wheeps”, el solo de guitarra de “Something” o el riff electrizante de “What Is Life” para perdonarle todo y reconciliarse una vez más con el buen George, el gran George, el tímido más famoso del siglo XX.

La Historia de Roxanne, el Clásico de The Police

2011-11-09T07:30:00.000-08:00

"Roxanne" es la conocida canción de la agrupación Británica The Police, lanzada inicialmente en 1978 como sencillo y posteriormente incorporada al álbum debut del grupo Outlandos d’Amour (Fugitivos del Amor). La canción describe el punto de vista de un hombre que se enamora perdidamente de una prostituta.

Sting escribió el tema inspirado por las trabajadoras sexuales que veía cerca al hotel en el que se hospedaba la banda, ubicado en en el distrito rojo de Paris, Francia, en Octubre de 1977. El título de la canción proviene de un personaje de la obra Cyrano de Bergerac (de Edmond Rostand), promocionada en un poster en una ventana del aquel hotel.

Originalmente concebida como un ejercicio de bossa nova, Sting decidió arreglarla junto a Stewart Copeland (Batería) quien sugirió añadirle una estructura rítmica cercana al tango y al reggae. Sin embargo, no quedaron muy satisfechos con el tema. Además, luego de finalizar su tour por Europa, la banda no tenía dinero, contrato discográfico y mucho menos esperanzas de éxito.

Finalmente, Copeland decidió ocultar su orgullo y le pidió a su hermano, Miles Copeland III, que financiara una nueva grabación de la banda. Miles se entusiasmó mucho con el grupo después de escuchar Roxanne y se convirtió en su manager. Luego, consiguió un contrato fonográfico con la disquera A&M Records y otro para ser teloneros en la gira de la agrupación Spirit.

Pero, Roxanne no fue un hit instantáneo en los listados. Fue relanzada en 1979, y en ese momento subió a la posición No.12 en el Reino Unido y el No.32 en Estados Unidos. Posteriormente, seria un éxito en todo el mundo y se convertiría en un tema obligado en los conciertos de The Police y de Sting, durante su carrera como solista. El trabajo se dispararía al poco tiempo llegando al No. 6 para álbums de Billboard.

La canción fue la primera en ser interpretada en vivo por el grupo en la ceremonia de los Grammy 2007, en lanzamiento de su tour de reunión para el aniversario 30 de The Police

El famoso sonido atonal del teclado de un piano que se escucha en el segundo 00:05 de Roxanne, y la risa que lo acompaña, es de Sting, luego de sentarse encima de ese instrumento mientras grababa el bajo.

La separación de R.E.M

2011-11-02T12:55:00.000-07:00

"Cada uno toma un camino con una gran sensación de gratitud, de finalidad y de asombro de todo lo que hemos logrado. A todo aquel que en alguna ocasión se sintió tocado por nuestra música, nuestro más profundo agradecimiento por escucharnos". Con estas palabras el grupo R.E.M, uno de los mejores grupos de los últimos tiempos, ha puesto punto final (por ahora) a 31 años de carrera. Lo han anunciado esta tarde en su página web.

El cantante Michael Stipe, de 51 años, el guitarrista Peter Buck, de 54 y el bajista Mike Mills, de 52, los tres miembros originales de la banda formada en Athens, (Georgia), en 1981, han dado unas explicaciones más que coherentes para dejar el grupo y seguir cada uno por su camino. "Durante nuestra última gira, y mientras estábamos haciendo “Collapse Into Now”, juntando esta retrospectiva de grandes éxitos, empezamos a preguntarnos '¿y ahora qué?' Trabajar con nuestra música y nuestros recuerdos durante estas más de tres décadas ha sido un pedazo de viaje.

Nos hemos dado cuenta de que estas canciones parecen trazar una línea natural sobre estos 31 años de trabajo. Hemos hecho esto y ahora vamos a avanzar en otra dirección. Espero que nuestros fans se den cuenta de que esto no es una decisión fácil. Todo debe terminar y queríamos hacerlo bien, a nuestra manera”.

El comunicado lo cierra Michael Stipe que, tras 15 discos de estudio, dice: "Un sabio dijo una vez que la habilidad de ir a una fiesta es saber cuándo es hora de irse. Hemos construido juntos algo extraordinario".

R.E.M. consiguió el éxito mundial en 1988 con su quinto disco 'Document', con el que alcanzó un millón de copias vendidas. A partir de ahí todo fue un suma y sigue de hits, estadios llenos y reconocimiento, pero fue en 1991 con el multimillonario contrato de la Warner y el lanzamiento de 'Out of time' con el que se convirtieron en una banda legendaria y un referente en la música pop de las últimas tres décadas

Los componentes de R.E.M. fueron un modelo a seguir para bandas posteriores como Sonic Youth, Radiohead y Nirvana. De hecho, Kurt Cobain se asombraba al ver cómo la fama no afectaba en absoluto al líder de la banda, que se mantenía con los pies en la tierra todo el tiempo.

El último disco de R.E.M., 'Colapse Into Now', con cuyo título la banda nos daba una pista de su estado de agotamiento musical, queda como el broche que pone punto y final a su larga trayectoria.

El alcohol mató a Amy Winehouse

2011-10-26T13:01:00.000-07:00

El tribunal que investiga la muerte de la cantante concluye que una sobredosis etílica acabó con su vida después de tres semanas de abstinencia.

Se despejaron las dudas. No fue suicidio ni crack. Tampoco una muerte súbita a causa del síndrome de abstinencia, como defendía el padre de la cantante, Mitch Winehouse. Lo que mató a la querida Amy Winehouse un 23 de julio de este mismo año, con sólo 27 primaveras, fue una ingesta masiva de alcohol. Así lo ha hecho público el tribunal de St Pancras Corner, que investigaba su deceso. La sentencia afirma que fue una muerte accidental, y que en el cuerpo de Amy Winehouse se han hallado 416 miligramos de alcohol por cada 100 mililitros de sangre, es decir, tres veces más del límite legal para conducir.

Suzanne Greenway, la responsable de la investigación judicial, ha asegurado esta mañana en Londres que, antes de su muerte, Winehouse llevaba tres semanas sin beber alcohol. Sin embargo, algo ocurrió ese fatídico día para que la cantante de soul no pudiera completar su rehabilitación. El informe que aclara los hechos añade también que junto al cadáver de la joven, en su piso de Camden, se encontraron tres botellas de vodka, "dos grandes y una pequeña". Al mismo tiempo, se corroboran los resultados del estudio toxicológico, que dictaminó que Amy no había consumido drogas ilegales. Pero una sobredosis etílica, tras tres semanas sobria, supuso un golpe letal para su organismo.

Sexo salvaje y mucha droga: Extractos de la biografía de Steven Tyler la voz de Aerosmith

2011-10-19T10:25:00.000-07:00

Steven Tyler (63 años), tiene una opinión sobre casi todo. Y así lo confirma su biografía, Does the noise in my head bother you? [¿Te molesta el ruido de mi cabeza?], que salió publicada (de momento en inglés) el pasado 11 de mayo. Pero quizá, además de sus teorías sobre el cosmos o la evolución, lo que más sorprende es lo precisas, crudas y salvajes que son sus declaraciones sobre sus encuentros sexuales con groupies y sus distintas adicciones. Recogemos algunos extractos del libro en los que el cantante de Aerosmith manifiesta su particular visión de la vida.

- Sobre el cosmos: “Dios está en los espacios que hay entre la sinapsis [es la una unión intercelular de las neuronas]. Vibrando, pululando, pulsando. Eso es la eternidad, nena”.

- Sobre su hogar: “No puedo volver a casa. Regreso y no es lo mismo. Es una locura. Da vértigo. Es como si fueras a hacer una visita a tu madre, entraras en la cocina y hubiera una cara diferente”.

- Sobre la teoría de la evolución: “Mi historia familiar, si nos remontamos 200 años atrás, viene del apellido Tallarico, que procede de Calabria (Italia). ¿Y antes de eso? Mis antepasados eran albaneses, egipcios y... etíopes. Seamos sinceros: todos procedemos de África. El ser humano no pudo nacer en un clima frío”.

- Sobre Janis Joplin: “Todo el mundo piensa que Mick [Jagger] es mi héroe, pero lo confieso: es Janis. Los pañuelos en el micrófono, su aullido… Rezumo amor hacia Janis por todos los poros de mi piel. Ella todavía consigue hacerme llorar”.

- Sobre Joe Perry, su compañero de banda: “Somos gemelos polares. Totalmente opuestos. Joe es frío, yo soy caliente como un rayo furioso de azufre. JOE ES ASQUEROSO… Y YO SOY UN GILIPOLLAS. Él es el vaquero con sombrero de ala ancha. Pero maldita sea, ¿es que siempre va a ganar él? ¿Siempre voy a ser yo el pringado?”.

- Sobre las groupies y la higiene: “Practico mucho el sexo oral y me gusta la limpieza. Pero en el pasado estoy seguro de que tuve gonorrea, aunque eso con una inyección de penicilina se arregla y listo. Las enfermedades de transmisión sexual eran una moneda habitual de cambio en esa época. ¿Qué cómo lo evitábamos? ¿Envolviéndola en papel film? Va, si te lavas bien no hay problema”.

- Sobre la fama: “La fama es una zorra. Seguramente ya has escuchado esto alguna vez porque es la pura verdad. Es como un caballo sin jinete, es como un perro de dos cabezas oliendo su propio culo, como un gato de un solo ojo mirando de reojo un almacén de pescado. Y además, es el mayor generador de fricción creativa que existe”.

- Sobre las groupies (otra vez): Una dijo: “Hola chicos, somos el Pequeño Club Oral de Annie”. Adelante, dije yo. Después ella siguió: “Nos hemos enseñado las unas a las otras cómo hacer una gran mamada. Así que cuando lo hacemos con estrellas de rock… somos capaces de chupar como nadie lo ha hecho jamás”. Creo que ahora puedo hablar en nombre de todos los machos de la especie: juro que en ese momento me habría cambiado de religión”.

- Y más groupies: “La chica que estaba sentada a mi lado era una cachonda, por no mencionar que era ambidiestra. Se podía doblar hacia atrás y además tenía la cabeza plana, así podía apoyar mi cerveza”.

- Sobre las drogas: “Aerosmith era drogas, drogas, drogas y más drogas. ¿Puedes caer más bajo? Sí. ¿Las drogas nos empujaron hacia abajo? Bueno, estamos allí todavía. Pero así es la vida. Lo que realmente nos hace sentir bien a todos los humanos es sujetar un bebé de conejo, que te regalen un cachorro por Navidad… Eso es lo que todos las personas queremos”.

- Sobre el género: “Nunca he dicho que yo sea más femenino que masculino. Lo que yo soy es mitad y mitad. ¿Qué hay mejor que ser la más fuerte de las especies? Quiero decir: las mujeres son seres superiores, ¿o no? Los hombres traen la comida a casa, pero ellas pueden tener hijos y darles de comer de su pecho”.

- Sobre… (sí, lo has adivinado) las groupies: “La primera vez que estuve con una chica con un piercing [pendiente] gigante en su labio estaba enganchada a otra chica con otro piercing en el clítoris. Yo le dije: “¿Cómo vas a sentir mi boca?”. La pregunta era en parte retórica. “Oh. La sentiré”, sonrío ella. Entonces las chicas se subieron a la mesa de billar y comenzamos a follar. Gracias a ellas las troneras [agujeros de las mesas de billar] tienen un nuevo significado para mí”.

- Sobre consumir drogas en el escenario: “Joe tenía dosis de cocaína preparadas detrás del escenario y cuando las luces se apagaban iba corriendo hacia allí. Kelly [nuestra asistente] le ponía la pajita en la nariz y él se hacía una raya. Los atracones de coca eran tan descarados que acabamos escondiendo las rayas en los amplificadores de la parte izquierda del escenario”.

- Sobre el ego: “El cantante principal es como la gallina de los huevos de oro, la vaca lechera, y en ocasiones al resto del grupo le resulta difícil manejarlo. Saben que no tienen nada que hacer sin su líder, y que cada vez que alguien me apunta con el dedo, también les está apuntando a ellos directamente”.

- Sobre el principio del final de Aerosmith: “Estábamos ciegos de barbitúricos y heroína. Kelly [la asistente] solía enviar a los guardias de seguridad para despertarnos. Llamaban a la puerta y si no contestábamos la tiraban abajo. Nos montaban en las limusinas y al aeropuerto. Así es como conseguían que Joe y yo saliéramos de gira los días malos”.

- Sobre los últimos días de la banda: “Estaba muy borracho, pero recuerdo claramente que iba caminando por la caravana y gritándole a Joe: '¡Estás despedido!'. Éramos una pandilla, estábamos muy unidos. Pero yo me enfadé muchísimo. En realidad nunca he golpeado a Joe, pero ese día estuve muy cerca".

- Sobre la adicción a medicamentos: ¿Has mirado en el botiquín de tus amigos últimamente? Aunque tu doctor te recete medicamentos, e intentes esconderlos, pronto todo el mundo se dará cuenta. Quizá no antes de los 40 o 50 años, pero te engancharás. Las pastillas para dormir pronto se volverán contra ti. ¿Empezaste tomando medio Valium para dormir y ahora te tomas seis?”.

El día que Guns N’ Roses dominaron el mundo

2011-10-12T10:11:00.000-07:00

Se han vendido más de 28 millones de ejemplares de ‘Appetite for destruction’, el primer álbum de Axl Rose y compañía. Pero no fue tan fácil. El éxito sin freno de este disco arrancó hace 23 años: con el número uno en las listas de Estados Unidos.

Sus miembros llevaron al extremo los dogmas rockeros que dictan vivir rápido y sin freno (tan en boga durante los años 80 en Los Ángeles, EE UU, donde crecieron). Pero el éxito millonario no vino de manera tan veloz para Guns N’ Roses. Su primer álbum, "Appetite for destruction", con más de 28 millones de ejemplares despachados a día de hoy, está entre los más vendidos de la historia. Pero su aterrizaje fue discreto: el 29 de agosto de 1987 se colocó, tras una semana a la venta, en el puesto número 182 de la lista de los 200 discos más vendidos en Estados Unidos. Una posición discreta. Fue necesario casi un año para que las experiencias de estos jovenzuelos con sexo, drogas y violencia, contadas sobre rock duro sobrado de testosterona y punk bronca, dominaran el mundo. O lo que es lo mismo: hace 23 años, el 6 de agosto de 1988, “Appetite for destruction” se hizo con el número uno estadounidense. Fue el principio... y el fin.

Sus bazas para arrasar fueron una crudeza que entonces se echaba en falta en la radiofórmula (monopolizada por pelos con laca y hombreras), unas guitarras y voces tan chulescas como bien encajadas y la actitud macarra de sus impertinentes músicos. También jugó un papel importante aquella madrugada de diciembre de 1987 en el que la MTV, el entonces todopoderoso canal de vídeos musicales, emitió por primera vez el vídeo del single "Welcome to the jungle". Tuvo efectos multiplicadores sobre las ventas de Appetite...

Pero con el triunfo planetario de este disco llegaron a Guns N' Roses las luchas de egos, el abuso de drogas… Y, lo peor de todo, la falta de inspiración. El propio grupo (o lo que queda de él) lo reconoce: nunca ha vuelto a los niveles de “Appetite for destruction”. “Quizás acabe siendo el único álbum bueno que hagamos”, dijo su vocalista, Axl Rose (49 años), a finales de los 90.

Freddie Mercury cumpliría 65 años

2011-10-05T09:59:00.000-07:00

El 5 de septiembre de 2011, Freddie Mercury, cantante y líder de Queen, habría cumplido 65 años de no haber muerto el 24 de noviembre de 1991, en Londres, víctima del virus del sida. Nosotros preferimos repasar algunos de los aspectos menos conocidos de una biografía majestuosa. ¿Estás seguro de que conoces bien a Farrokh Bulsara, alias Freddie Mercury?

- No existe una placa ni ningún recodatorio a Freddie en Zanzibar (Tanzania), la ciudad donde nació hace 65 años.

- Freddie, cuando todavía se llamaba Farrokh Bulsara, ingresó en el St. Peter's School, en la India, cerca de Bombai. Allí, además de estudiar, participó en varias obras de teatro interpretando papeles femeninos. También interpretó en algunos espectáculos y festivales canciones como “O sole mio”. Gracias a las notas y apuntes de aquel estricto colegio donde estuvo interno se sabe que el pequeño Freddie era buen boxeador, un cantante y pianista excelente y un buen jugador de pin pong, pero un corredor de fondo mediocre.

- En ese colegio tuvo su primera banda, Hectics, donde Freddie tocaba el piano.

- Al llegar a Inglaterra empezó a trabajar en una fábrica de cajas. Cuando sus compañeros de trabajo se burlaban de él porque tenía manos de chica él respondía que iba a ser artista.

- Era muy buen dibujante y caricaturista. En sus primeros dibujos se pueden ver estrellas de cine como Elizabeth Taylor o Cary Grant y cantantes como Elvis Presley o Paul McCartney.

- El apodo que por su amaneramiento privadamente le pusieron a Freddie los miembros de Wreckage, uno de sus primeros grupos, fue Queen (La Reina).

- Freddie tomó el apellido Mercury del verso “Mother Mercury”, incluido en la letra de una canción que él mismo compuso, My fairy king, incluida en su primer disco.

- Freddie tuvo una novia especial. Se llamó Mary Austin (todavía vive) y estuvieron juntos seis años. “Él había tenido relaciones con chicas”, ha explicado Brian May, el guitarrista de Queen. “Aunque no eran relaciones muy verdaderas. Pero con Mary sí que lo fue”, añade May. Freddie y Mary nunca se casaron. “Pero éramos como un matrimonio”, dijo el cantante.

- Freddie era el mejor organizador de fiestas. La juerga de su 39 cumpleaños en Munich, Alemania, que duró tres semanas quedó grabada en vídeo. El aquella fiesta el reto era ir disfrazado de alguien a quien admirases: Freddie se vistió de él mismo.

- Freddie reunió en su casa de Londres a Queen para decirle que tenía sida. Sólo su familia sabe dónde está enterrado. “Sé perfectamente dónde quiero que me enterréis”, les dijo antes de morir, en 1991, “pero que no lo sepa nadie más. Quiero descansar en paz".

El día que John Lennon anunció el fin de los Beatles.

2011-09-28T08:19:00.000-07:00

Se han cumplido 42 años de la conversación que puso fin a la mayor banda de pop de la historia. Estuvieron todos, excepto George Harrison.

20 de septiembre de 1969. Son las doce del mediodía, y en un despacho de las oficinas de los Beatles, en Londres, John Lennon pronuncia la lapidaria frase: "Se acabó". Frente a él, están Paul McCartney, Ringo Starr y Allen Klein, mánager de la banda. George Harrison no se encuentra presente en la reunión por motivos familiares: está visitando a su madre en Chershire. "Palidecimos y se nos aflojó un poco la mandíbula", confesaría después McCartney. Klein era el único que conocía las intenciones de Lennon, aunque le suplicó que lo mantuviese en secreto hasta que se resolvieran unos asuntos legales del grupo. "¿Por qué lo has dicho?", soltó entonces el representante. El motivo real de ese encuentro era firmar las nuevas condiciones discográficas de los Beatles con EMI/Capitol, pero el genio de Liverpool no pudo contenerse. Hacía semanas que lo tenía decidido.

"Aquella mañana, en ese despacho, Paul no paraba de hacer planes de futuro [propuso iniciar una gira por recintos pequeños]. Y yo sólo respondía: 'No, no, no'. Así que llegó un momento en que tenía que explicar por qué lo rechazaba todo. Y dije: 'El grupo se ha acabado, me marcho'. Entonces me pidieron que no dijera nada en público hasta que se solucionaran unos temas con la discográfica", declaró Lennon a ROLLING STONE en 1970. Esa misma mañana, los músicos firmaron un nuevo contrato con su sello que aumentaría sus ganancias por cada disco vendido. Y seis días después, llegó a las tiendas Abbey Road.

Para McCartney la causa de la marcha de su compañero fue Yoko Ono. Así lo ha expresado: "John necesitaba más espacio para sus cosas y las de Yoko. No quería que los Beatles interfirieran en esa intensidad. Dijo: 'Es raro estar aquí diciéndoos que me voy, pero de alguna manera también estoy excitado'. Así era él. Cuando le pidió el divorcio a Cynthia, también experimentó una especie de animación". En ese momento, ni Paul ni Ringo supieron qué sentir. "La tristeza vendría después", ha afirmado el primero. Y Ringo aclara: "Yo habría aguantado un par de años más. Pero no fue una mala decisión. No hubo peleas ni pena en aquel despacho. Tuvo que ser John quien diera el paso: siempre fue el más atrevido con los cambios radicales". A Harrison, se lo contaron después.

Bob Dylan: joven y polémico a los 70 años

2011-09-21T07:53:00.000-07:00

Bob Dylan, con una carrera tan prolífica y polémica como reservada es su actitud ante los medios, cumplió 70 años (mayo 24) considerado por muchos como un auténtico genio revolucionario. Robert Allen Zimmerman, su nombre real, es un símbolo de la contracultura estadounidense desde comienzos de la década de 1960, cuando su encendido repertorio de cantautor encontró acomodo en las proclamas de una sociedad que hervía por la guerra de Vietnam al tiempo que se unía en la lucha por los derechos civiles.

"No soy un salvador o un profeta", dijo en 2004 en su primera entrevista televisiva en casi 20 años. "Mis canciones no son sermones y no considero que haya nada en ellas que diga que soy un portavoz de nada ni de nadie", argumentó, al tratar de restar valor a composiciones míticas como las incendiarias y comprometidas "Like a Rolling Stone", "Blowin' In The Wind" o "The Times They Are A-Changin". Unas canciones con las que, en su opinión, sólo trataba de plasmar la realidad que veía pasar ante sus ojos como buen artista "folk", cuyas letras siguen vigentes y se pasan de generación en generación.

Es uno de los músicos más influyentes de la historia, capaz de usar las letras para expiar sus propios pecados y convertirlos en prosa adictiva, ya sea a modo de pop, rock, country o folk, mientras deja escapar sus lamentos por esa garganta que pudiera parecer rota por momentos pero siempre acariciada por su inseparable armónica. Tal y como recuerda el museo Grammy, que inaugura esta semana la exposición "Forever Young" en honor al artista, Dylan cuenta con doce de esos premios musicales, incluidos dos al mejor álbum del año por su participación en "The Concert of Bangladesh", en 1972, y por "Time Out Of Mind", en 1997.

Ganador de un Globo de Oro y un Óscar en 2001 por la canción "Things Have Changed", escrita para el filme "Wonder Boys", es miembro asimismo del salón de la fama del rock'n'roll. Un expediente de oro para un hombre que tuvo muy claro desde el principio que debía salir de Hibbing, en su gélida Minesota natal, para encontrar la luz en las calles inyectadas de vida del Greenwich Village neoyorquino, donde halló inspiración en la poesía de Dylan Thomas (un habitual en sus gustos junto a Hank Williams y Woody Guthrie) para dar con el nombre que le acompañaría el resto de su vida artística.

A su primer disco, "Bob Dylan" (1962), le siguieron otros como los imprescindibles "The Freewheelin' Bob Dylan" (1963), "The Times They Are a-Changin" (1964), "Another Side of Bob Dylan" (1964), "Highway 61 Revisited" (1965) o "Blonde on Blonde" (1966), que contenían himnos clásicos de protesta política. Era la primera fase de su época más brillante, continuada con obras más líricas y eléctricas como "New Morning" (1970), "Pat Garrett & Billy the Kid" (1973), "Desire" (1975) -donde aparecía la inolvidable "Hurricane"- o "Blood on the Tracks" (1975), antes de caer en un bache creativo especialmente notable en la década de 1990, su peor etapa en cuanto a ventas.

De ese bajón logró salir con trabajos tan triunfantes como "Time Out of Mind" (1997) y especialmente, ya en el nuevo siglo, con "Modern Times" (2006). Son cincuenta años sobre los escenarios, incluidos los que pisó en abril pasado en China, para una trayectoria que vivió un importante punto y aparte en 1966, cuando sufrió un grave accidente de moto que le llevó a recluirse de la fama y la presión, alejándose de los escenarios mientras pasaba más tiempo con su familia.

Dylan se casó en dos ocasiones: en 1965 con Sara Lownds (de quien se divorció en 1977), con la que tuvo cuatro hijos (incluido Jakob, vocalista de "The Wallflowers), y con Carolynn Dennis en 1986 (se divorciaron seis años después), con quien tuvo una hija más. Su vida y obra quedó retratada con clarividencia en sus memorias "Chronicles, Volume One" (2004) y en el documental de Martin Scorsese "No Direction Home" (2005).

La nueva moda en el amor: las parejas “LAT”

2011-09-14T07:59:00.000-07:00

Se aman, son fieles y tienen proyectos en común. Comparten salidas, vacaciones, gustos, intereses y hasta incluso, hijos…todo excepto una cosa: la vivienda. La modalidad está creciendo con fuerza en el mundo entero y los ingleses ya las bautizaron parejas LAT (Living Apart Together) es algo así como estar juntos, vivir separados-, y está dando magníficos resultados a muchos adultos que quieren tener una relación sentimental y seguir siendo impares o independientes. Puede ser una buena alternativa para muchos impares que desean tener pareja pero temen tropezar con la misma piedra.

Ser LAT no significa renunciar a la fidelidad, ni a pasarla bien en pareja. La idea es tener una relación como cualquier otra pero con cama afuera, de forma tal de no perder completamente la independencia ni renunciar al espacio propio. Se trata de disfrutar de tu individualidad y no renunciar a lo que te gusta como pago por hacer un sitio a alguien en tu corazón y tu cama.

Quienes llevan a cabo esta modalidad, aseguran que la principal ventaja es que discuten y pelean mucho menos que si estuvieran compartiendo el mismo techo. Entre ellos no existen las discusiones de dinero, de orden y limpieza de la casa y menos aún por el control remoto.

Pero, ¿no duermen nunca juntos? Sí, claro, pero sólo cuando tienen realmente ganas. Así, hay noches donde se duerme en la casa del novio, otros en la novia y, otras, cada uno por su lado. Los LAT tienen permitido dejar el cepillo de dientes en la casa de su pareja, así como pertenencias de uso diario, pero ¡nada de llegar con una valija llena de ropa! Muchos también tienen las llaves del departamento de su media naranja, pero jamás entrarían sin pedir permiso o tocar el timbre previamente.

Aquellos días en los que reine el mal humor o simplemente alguno de los dos tenga ganas de estar solo tirado en la cama mirando tele, el otro tendrá que entenderlo sin problemas ni reclamos.

Las finanzas también son independientes: cada uno gestiona sus cuentas como quiera.

‘No sabía que se llamara así -admite Francisco, 46 años y cuatro de ellos de relación con Alicia-, nosotros lo decidimos porque veíamos que queríamos compartir mucho, pero ninguno de los dos estaba dispuesto a perder cierta independencia’. Alicia (43 años) recuerda que al comienzo, ‘me sentía rara, no por mí, sino porque mis amigas no lo entendían, decían que Francisco no quería comprometerse, que en realidad no nos queríamos, que les parecía todo muy frío. Y nada más alejado de la realidad. Todavía seguimos durmiendo juntos muchas noches a la semana, pero no porque sea la única opción, sino porque nos apetece. Y en cuanto a esa supuesta frialdad… me río de eso. En ese terreno hemos seguido yendo a más… tú me entiendes’. Claro que la entendemos.

Pero, ¿la ventaja se reduce a mantener dos casas y estar en la de uno u otro como un invitado? ‘Es mucho más -Francisco-, porque yo sé que cuento con ella cuando la necesito y ella conmigo, pero no nos sentimos obligados a terminar el día juntos, como si fuéramos por una vía que sólo conduce a una estación’. El símil ferroviario hace inevitable preguntar si nunca ‘descarrilan’, si así evitan peleas y discusiones. ‘Evitamos muchas, muchísimas de las que se producen por naderías, por las pequeñas renuncias que sueles hacer por el otro y a la larga le terminas cobrando’ (Alicia).

Francisco amplía el tema: ‘claro que peleamos a veces, pero por diferencias importantes, no por quién pone la colada o por el programa a ver en la tele’. Y es que ‘cuándo estamos juntos, tele vemos muy poco…’ (Alicia, con picardía que se contagia a Francisco). No son los únicos, y el resumen más ajustado de lo que nos transmiten otras ‘parejas LAT’, indica que al perder la obligatoriedad de conciliar hasta lo más ínfimo, preservan esa cortesía de enamorados sin la erosión de los días repetidos. Si, por ejemplo, a él le gusta el fútbol y le apetece ver ciertos partidos -cada uno sufre como quiere-, no tiene que perdérselos sólo porque ella deteste el deporte del balón, ni obligarla amablemente a verlo porque ‘la semana pasada yo te acompañé a ver ese coñazo de película romántica’. Suena a tópico, pero pensemos un poco: ¿quién no ha renunciado a hacer algo que le apetecía, sólo por quedar bien con la otra parte? Y de vez en cuando, hasta resulta romántico, pero cuando se vuelve una costumbre, estamos esperando -cuando no exigiendo- que hagan lo mismo por nosotros. Y la relación se vuelve un balance, una báscula en la que pesar actitudes propias y ajenas.

Se supone que este tipo de relaciones funcionan mejor entre adultos con historia detrás, que han aprendido que lo más importante, en este terreno, no es lo que se dice, sino lo que se hace. ‘Mi anterior pareja me juraba fidelidad, nunca salía solo y siempre estaba en casa a la hora prevista. Y me la pegó con toda su empresa y con parte de las empresas vecinas’. Esto lo dice Beatriz, 42 años y cinco de ‘relación LAT’ con Pablo, de 44. ‘Ahora, él sale con sus amigos y yo con los míos, sin rendir cuentas ni cronometrar llegadas, y… ¿sabes qué? Cuando mejor me lo paso es cuando salimos juntos…’ Pablo, por su parte, comenta que ‘tengo amigos casados y en pareja, y cuándo salimos por la noche, miran a las otras mujeres como si nunca hubieran visto a ninguna. Creo que lo hacen porque, aunque quieran a sus compañeras, se sienten atados. Yo, con Beatriz, me siento unido. Y no es lo mismo’.

Aunque este ‘nuevo’ tipo de pareja no garantiza la duración eterna del amor -nada lo hace- parece que mantiene viva buena parte de esa llama inicial que quema por dentro cuando te enamoras y que tiende a dejar de calentar con la convivencia. Y tal vez lo importante sea eso: que siga calentando, un día más.

Varias son las parejas de famosos que adoptaron esta modalidad: desde Woody Allen y Mia Farrow (quienes vivían en diferentes casas a ambos lados del Central Park), hasta Helena Boham Carter y Tim Burton, pasando por Sarah Jessica Parker y su marido, Mathew Broderick.

La felicidad del viejo verde

2011-09-07T10:23:00.000-07:00

Por Daniel Samper Pizano:

Cómo es la vida. Ahora, cuando todo lo verde tiene prestigio -la alimentación verde, el planeta verde, las zona verdes-, resulta que el viejo verde sigue siendo objeto de discriminación y desdén. Haga el experimento. Dígale a un amigo de 45 años que acuda a una cafetería con una mujer de menos de 30 y le coja amorosamente la mano. Mientras tanto, usted siéntese en la mesa vecina y ponga atención a los comentarios.

-¿Si has visto a ese anciano decrépito con esa niña? -susurrará a su amiga una bruja cercana.

-Me parece increíble. ¡Pobrecita! -comentará en voz baja la segunda bruja.

-Imagínate: ¡una muchacha tan bonita y tan joven con semejante viejo verde!

Si se trata de elegirlo Presidente de la República, las dos brujas seguramente considerarían al vecino demasiado inmaduro. Porque al hombre de 45 años mucha gente lo cree demasiado joven para un cargo como la Presidencia, y ni hablar de otro tipo de responsabilidades, como ser neurocirujano, rector universitario o Papa.

-¿Sabes que eligieron Papa a un sardino de 58 años? -debió de comentar una bruja a la otra cuando el humo blanco anunció en Roma a Juan Pablo II.

-¡Qué locura! -debió de responder la otra-. Están acabando con la Iglesia...

De modo, pues, que se es viejo verde para enamorar a los 45 años, pero se es demasiado joven para sentarse en la silla de San Pedro antes de los 70. Sin embargo, la condición de viejo verde no depende solo de la edad del varón sino de la edad de quien sea objeto de su pasión. Un hombre de 45, que le camina a una mujer de la misma edad es un tipo maduro y encantador. Solo se vuelve verde si busca compañía más abajo en la escala demográfica... por allá por la treintena o -¡Dios mío!- en la veintena. Cuentan las edades, pero cuenta sobre todo la diferencia de edad. Uno de 30 con una de 18 es un previejo verde. Uno de 60 con una de 30 es un infanticida. Pero un novio de 90 que contrae con una de 80 es un caballero otoñal.

Curiosamente, ha sido así desde hace años. Con los nuevos tiempos pasó al museo el concepto de la virginidad, no se discrimina a los homosexuales, hay tolerancia con las madres solteras, un negro salió elegido Presidente en Estados Unidos, los transexuales adoptan hijos y se acepta que una gota de esperma de donante anónimo fecunde un óvulo de laboratorio y que a la criatura resultante del experimento la adopte una pareja de lesbianas. Sin embargo, al viejo verde no le perdonan nada. Si se enamora de una muchacha apetitosa, es un atentado social; y si la muchacha le corresponde, es un crimen que amerita la actuación de la Brigada de Rescate de la Infantería de Marina.

Se niega de este modo la historia de la humanidad. No solamente porque desde los tiempos bíblicos se han emparejado viejitos chéveres con jovencitas que saben ver más allá de la piel ajada, sino, sobre todo, porque la demografía ha cambiado radicalmente para todos... Para todos, menos para el viejo verde.

Según estudios científicos, actualmente las niñas se hacen mujeres entre tres y cuatro años antes que sus abuelas. Hace una o dos generaciones tan engorroso tránsito hormonal ocurrían hacia los catorce o quince años. Ahora tiene lugar a los once o doce. Al mismo tiempo, la juventud se alarga. En épocas de Bolívar la gente era vieja a los 40 y aquel que aún estaba vivo a los 50 era considerado venerable anciano de la tribu. Ahora hombres y mujeres marchan en plena actividad a los 50 y solo se les empieza a ver como catanos de los 70 hacia arriba. Son miles los terrícolas mayores de cien años, y los gerontólogos anuncian que dentro de cuatro o cinco décadas alcanzar el centenario será asunto común y corriente: tanto como lo es llegar hoy a los 80 años, edad que hace un siglo coronaban únicamente los religiosos tibetanos.

En el 2040 podría haber películas reservadas a mayores de cien años, y descuentos en los gimnasios para miembros de la Cuarta Edad. La esperanza de vida en la mayoría de los países desarrollados supera los 75 años en los hombres y los 80 en las mujeres. El concepto de vejez, pues, ha sufrido un cambio. Maduro era Francisco de Paula Santander a los 28 años, cuando se posesionó de la Presidencia de la República, y había adquirido ya la pátina ceniza del viejo reviejo cuando murió a los 48, un año más decrépito que Bolívar. Señoras y señores. Antonio Banderas y George Clooney son mayores en este momento que Bolívar y Santander, y siguen siendo símbolos sexuales masculinos. Para no mencionar a viejos verde botella, como Winston Churchill, que se hicieron ancianos bebiendo whisky, o viejos verde oliva, como Tirofijo, que festejaron en la selva hasta el septuagésimo séptimo cumpleaños.

¿Por qué -cabe preguntarse-, si se ha producido tan honda revolución demográfica, el viejo verde empieza a serlo a los 40 o 45 y no a los 85 o 90, como debería ser? La respuesta es triste: porque ni la vejez ni el verdor del viejo verde dependen de la edad, sino de la envidia o los prejuicios de los demás. El concepto de la vejez verde no es cronológico, sino mucho más perverso. En la explícita alusión a la edad aparecen camufladas otras ideas malévolas: suciedad, dinero, impotencia, lascivia, enfermedad, ambición... ¿Qué es lo primero que se piensa cuando están juntos un hombre mayor y una mujer joven en una cafetería? Que hay plata de por medio. En efectivo o en especie.

Se supone que el viejo ofrece a la joven una estabilidad económica, estatus social, las posibilidades de una herencia, o todo lo anterior junto. La contraprestación de ella, según los estereotipos sociales, es resignación y cama. Lo último que se les ocurre a las brujas de los alrededores es que él esté legítimamente enamorado. Y ella también. En el mejor de los casos -un Chaplin, un Sinatra, un Hugh Hefner, un Vinicius de Moraes- se dirá que la chica aspira a que se le pegue algo de la fama o la genialidad de su compañero de mayor edad.

Y, en circunstancias de optimismo delirante, alguien no llamará viejo verde al personaje genial -repito: un Chaplin, un Sinatra, un Hugh Hefner, un Vinicius de Moraes- sino "hombre eternamente primaveral" o incluso "individuo proteico", es decir, alguien que está en constante ebullición y cambio, dispuesto a reinventarse a cada momento y resucitar todos los días. Sin embargo, de "individuo proteico" a "individuo prostático" no hay más que unas pocas letras, y abundan los resentidos que las modifican y en cualquier momento se atreven a calificar de viejo verde a quien desafió los convencionalismos y, amparado en el prestigio de su talento, se atrevió a enamorar "carne fresca", como dice Serrat.

A pesar de su condición despectiva y violatoria de la libertad personal y la intimidad del prójimo, el epíteto "viejo verde" es, en español, bastante más noble que en inglés. En español parece sugerir que se trata de un hombre mayor que se considera a sí mismo joven, un varón maduro que se cree biche, un tipo ya pintón que se pretende verde. Pero en inglés la cosa es mucho peor, pues a esta clase de sujeto se lo denomina "dirty old man": viejo sucio. Y ni hablar de la mujer mayor que sale con un hombre joven. Ella en español es una "vieja verde", calificativo aburrido, pero tolerable. En cambio, en inglés es una "vieja sucia", adjetivo execrable desde todo punto de vista. La mujer, que frente al hombre está en desventaja laboral, social, legal, económica y religiosa, a la hora del amor sufre la mayor de las discriminaciones. Ejemplo: un hombre de 45 años baila apretadito con una mujer de 35. Habrá alguna lengua de áspid que lo llame a él viejo verde, pero creo que aún tan corta diferencia de edades de varón a mujer raya en lo socialmente aceptable. En cambio, mujer de 45 con hombre menor -de 35, de 30, de 25- siempre será mirada como una vieja verde o, según terminología más moderna, como una asaltacunas.

Bien decían las mamás de antes: "Hija, tenga mucho cuidado, que la mujer siempre sale perdiendo". Pero, bueno, no me ocupo aquí de las mujeres mayores que se enamoran de hombres jóvenes, ni tampoco de sus mamás, pues se trata de casos realmente raros, sino de hombres mayores que conquistan a mujeres jóvenes. Personalmente, por razones de salud mental, rechazo toda relación con mujer menor de 20 años. Soñar con bachilleres, con primíparas de universidad o con secretarias debutantes me ha parecido siempre una estupidez. Con mucha pena, y ofreciendo disculpas a la que les caiga el guante, las sardinas, las primíparas y las debutantes podrán ser muy espontáneas y tiernas, pero tienen poco que decir. Meras pendejadas. A mí denme las sardinas en lata.

El paso del almanaque me ha enseñado a valorar en la mujer ciertas cualidades que, como las deliciosas arruguitas de los ojos y la comisura de la boca, solo se adquieren con el tiempo: huir de lo trascendental, mantener una mirada irónica sobre la existencia, adobar la vida con humor, ser realista, otorgar a las cosas la importancia que tienen y profesar criterios propios. Pedirle todo esto a una niña que acaba de recibir su diploma de secundaria en medio de las emocionadas lágrimas de papi y mami es imposible. Lo que le sobra en belleza y frescura le falta en experiencia, escepticismo, humor, lecturas, densidad, dimensión, personalidad y talante, qué le vamos a hacer...

El varón con carácter y solidez no puede temer que lo llamen viejo verde. Antes bien, ha de mostrar fe en sí mismo y confianza ante la relatividad de la vida y de las cosas. Decía el profesor Mustio Collado, protagonista de Memoria de mis putas tristes, el último libro de García Márquez (2004): "Mi edad sexual no me preocupó nunca, porque mis poderes no dependían tanto de mí como de ellas, y ellas saben el cómo y por qué cuando quieren. Hoy me río de los muchachos de ochenta años que consultan al médico asustados por estos sobresaltos, sin saber que en los noventa son peores, pero ya no importan: son riesgos de estar vivos".

Así es la cosa. A los 90 hay que empezar a preocuparse. Mientras tanto, todo lo que está por debajo es adolescencia. Con este enfoque, uno jamás será un viejo verde.

Poligamia, ¿Por qué conformarse con una?

2011-08-31T11:06:00.000-07:00

Por: Gerardo Lammers:

Si usted, caballero, se considera un hombre sensible, pasional y relativamente liberal; si el hecho de tener amantes ya dejó de hacerle gracia y quiere pasar a la siguiente etapa; o si simplemente le sobra dinero y quiere hacerse la vida difícil, entonces quizá sea la poligamia lo que ande buscando.

Paul Gauguin, el pintor que terminó sus días en la Polinesia, rodeado de hermosas aborígenes, nos legó algunas de las visiones más puras, idealistas, sugerentes y, si cabe la palabra, virginales, de la poligamia. Se trata, claro, de una imagen de la poligamia en la que el macho es dador de vida, deidad y figura de culto. Sin embargo, ¿es esto posible en el mundo de hoy?, Si es así, ¿cuánto cuesta llegar allí?. Entendemos por poligamia ese tipo de matrimonio (y subrayemos la palabra: matrimonio) en que se permite a una persona estar casada con varios individuos al mismo tiempo. En este caso, nos referiremos de manera especial a la poliginia, es decir, al matrimonio de un hombre con múltiples mujeres.

Dejando de lado ese chip instalado que dice que, en virtud de que siempre han existido más mujeres que hombres, los primeros nos tenemos que repartir a las segundas, lo cierto es que desde tiempos inmemoriales la poligamia ha contribuido a la expansión de la especie humana en el planeta y aparece citada en libros sagrados como el Antiguo Testamento y el Mahabharata (donde por cierto aparece la poliandria, es decir, el matrimonio de una mujer con varios hombres). Sociedades y culturas de los cinco continentes la han hecho suya.

Mucho antes de la invención del bungee jumping, los aborígenes norteamericanos ya practicaban los compromisos extremos. Encontraron en la poligamia el medio ideal para acabar con el aburrimiento. Y así llegamos hasta nuestros días, en los que la poligamia, mal que bien, sigue presente. En Asia, por ejemplo, aunque el hinduismo no la permite, tampoco la prohíbe. Los musulmanes de India tienen permitido tener varias esposas. Si volteamos hacia el África subsahariana descubriremos que la poligamia ha estado presente en minorías acaudaladas y clases gobernantes. En América, en el estado de Veracruz, en México, el hombre y sus esposas habitan en un mismo espacio y los hijos son educados como hermanos. Un poco más al norte, en Estados Unidos, se han descubierto sonados casos de jefes mormones que han querido hacer de la poligamia una fábrica clandestina de fieles.

El hecho de que todos los cónyuges compartan la misma casa es uno de los aspectos más delicados de toda relación poligínica. Algunos expertos advierten que no es recomendable que las esposas convivan demasiado entre sí (las razones son obvias). Sugieren ubicarlas en casas distintas o, si se cuenta con los medios, en ciudades o en países distantes. Otros analistas, en cambio, ven en la convivencia diaria entre cónyuges una manera de optimizar recursos y alcanzar altísimos niveles de conciencia al mismo tiempo. Aquí arribamos a uno de los supuestos inconvenientes de la poligamia en el mundo moderno: el factor económico. Si usted no es un jeque petrolero de los Emiratos Árabes Unidos, en teoría usted se vería obligado a quintuplicar esfuerzos y a aceptar trabajos inverosímiles que le permitan mantener el nivel de vida de usted, de las suyas y toda la prole que pueda venir detrás.

"Hay mucha competencia en el matrimonio polígamo", confesó a BBC la profesora ghanesa Genevieve Kuidor, primera de tres esposas. Se calcula que en Ghana la poligamia constituye 29% de todos los matrimonios en el norte de este país. "Si una esposa tiene diez hijos, la otra esposa querrá más. Si el marido compra algo para una esposa, la otra esposa también querrá lo mismo", agregó la académica.

Si bien se considera cierto que la poligamia puede desatar la rivalidad entre sus cónyuges, lo importante es que usted no enloquezca y sepa capitalizar la situación. Tenga en cuenta que los celos surgen sólo cuando el marido decide escoger a una mujer como su favorita por encima de las demás y lo hace evidente. Pero, ante todo, la poligamia debe entenderse como un acuerdo razonable entre las partes. Por otro lado, la competencia en el matrimonio polígamo puede tener sus ventajas. Dos cabezas piensan (y trabajan) mejor que una. Ya no digamos tres, cuatro, cinco o “n” número de cabezas. Si usted es de los afortunados que pueden mantener a todas sus señoras bajo un mismo techo, lo más recomendable es que éstas se ayuden entre sí con los quehaceres de su casa o edificio. Una sana competencia deberá verse reflejada en todos y cada uno de los aspectos de ésta, su empresa familiar.

Ahora bien, ¿qué hacer con ese tiempo libre engendrado (si se me permite la expresión) por el modelo poligámico? Aquí se abre un mar de posibilidades que pueden llevar a un crecimiento económico capaz de sacar del subdesarrollo hasta a la comunidad más indolente. Si bien es cierto que se han registrado casos de abuso, como el de Liès Hebbadj, el argelino polígamo que se dedicó (y muy probablemente se sigue dedicando) a defraudar al Estado francés con las ayudas sociales solicitadas por sus respectivas esposas, lo importante es ser un hábil hombre de negocios con principios muy firmes y una firma de abogados que lo respalde.

Pero volviendo a la esfera personal, la poligamia debe conducirlo a una vida saludable, algo que traerá consecuencias que, poco a poco, usted notará en su desempeño. Mantener a varias esposas requiere un estado mental y físico óptimo. Es un reto, para qué negarlo. Y la vida está llena de retos. Así que si, por casualidad llegara a presentarse algún momento de flaqueza, escasez y bajos rendimientos, recuerde siempre que miles de ghaneses no pueden estar equivocados. Bien mirada, la poligamia es no sólo una variante del optimismo y la fidelidad (hay quien también la ve como la mejor manera de desinteresarse por el sexo). En estos tiempos de fraudes globales y crisis económicas apocalípticas, se trata de un retorno a las corporaciones familiares y una manera de hacerle frente al dominio chino.

Con media docena de esposas y varias docenas de hijos que mantener (en caso de que adopte el modelo clásico), llegará un momento en que usted, caballero, se mirará al espejo y descubrirá, esperamos, a un empresario amoroso, socialmente responsable y comprometido con no seguir abaratando la mano de obra (tendrá motivos familiares para ello). Y si por alguna remotísima causa algo llegara a fallar, siempre quedará la posibilidad de un divorcio múltiple. Tal parece que ahí radica el gran secreto de la poligamia: en el éxtasis que provoca liberarse de ella. Entonces, y sólo entonces, lo comprenderemos: los paraísos pintados por el gran Gauguin se bastan a sí mismos y son más que suficientes.

Diatriba contra el condon

2011-08-24T14:40:00.000-07:00

Por Jotamario Arbeláez:

Hacer el amor con condón es una de las formas más aberrantes del onanismo. Quien diga que ha hecho el amor con otra persona usando condón, no lo ha hecho, simplemente se ha masturbado. La leche milagrosa pierde el encanto para el que fue creada, que consiste en empapar las mucosas puestas a disposición. El máximo prestigio de esta tripa plástica es que dificulta el embarazo no deseado -como si alguno lo fuera- y las enfermedades venéreas.

Ahora se ha venido a revelar, por parte de autoridades médicas y religiosas interesadas en la procreación sin control, que el tal revestimiento de látex es más poroso que un estropajo. Y que así como deja colar el espermatozoide obstinado, con mayor razón el virus del sida. Advirtiéndoles a quienes diariamente utilizan el tan publicitado adminículo para estar libres de todo mal y peligro, que están equivocados. No lo creo, y si bien las bondades del preservativo son innegables, puedo perfectamente abstenerme de ellas sin que esté defendiendo a la Iglesia. Los hijos que iba a tener ya los tuve, lo mismo que las tales enfermedades. A estas alturas de la vida, y con esta malicia indígena, uno ya sabe con quién se acuesta. Basta con mirarle a la muchacha el iris del ojo.

El trauma, si así puede llamarse, comenzó en mi pubertad cuando, para ganar una apuesta, me allegué hasta la farmacia, y sacando pecho y con voz gruesa solicité a la dependiente preservativos -que no iba a decir condones-, y hasta aventuré marca y presentación, Tres Cadetes en su caja de lata, a lo que ella me contestó como a la larva de poeta minimalista que era que no tenían tallas pequeñas, para evitar decirme que estaba prohibida la venta a menores, cuando yo ya calzaba las medias de mi papá.

Cuando al fin conseguí uno de contrabando, ante la máxima urgencia del ser humano -Flora había consentido en dejarse-, al ir a ponérmelo resultó que no resbalaba, ante lo cual ella se permitió colocarme el redondel en el glande y procedió a ir empujando con la boca el látex hacia la base del tronco, haciéndome ver tal chispero que me extrovertí enseguida rellenando la cápsula, y no había tiempo ni repuesto para esperar por una segunda erección. Así, el único virgo presunto al que tuve acceso para desflorar en la vida se frustró por este adminículo.

Cuando ya logré colocármelo bien y ensartarlo como Dios manda, muchos años después y por puro morbo, porque la joven meretriz tenía carné sanitario, fue tan trituradora la cucaracha que cuando lo saqué estaba hecho añicos. El condón y su contenido. Pudo también haber ocurrido que como el semen juvenil sale disparado a una velocidad de 45,6 km por hora, la dichosa capucha del condón se haya desflecado. Desde entonces comencé a considerar al prestigioso embeleco bajo beneficio de inventario.

Para nadie es un secreto que un condón oficial huele inmundo, huele a lo que es, huele a profiláctico. Para compensar esa agresión a un sentido tan exigente, han tratado de impresionar la vista y el gusto con colores y con sabores. Pero los colores se pierden en el oscuro. Solo sirven los colores fluorescentes, para no extraviarse cuando se va la luz en el motel.

Respecto de los sabores que les adosan a los condones de marca, el refinado intelectual Fernando Toledo me informa que no son de buen gusto, que para lo único que sirven es para hacer abrir más la boca en la arcada, que es preferible el bouquet a berrinche del original, no importa que sean de banana, de fresa chicle, de papaya o de chontaduro.

Lo que más me ha impactado de la historia del condón no es que haya aparecido en las inscripciones prehistóricas de unas cuevas francesas y en papiros egipcios, ni que lo haya formulado en el siglo XVI el médico italiano Fallopio, hecho a mano y a la medida y rociado con esencias espermicidas, o que los japoneses lo fabricaran con caparazón de tortuga, sino que lo haya reinventado en Francia el divino Marqués de Sade, envolviendo su pene en una tira de tocino para sodomizar gallinas vivas. Habiendo tantas moscas muertas.

En caso de retornar a su uso, y en honor del mártir francés que quisieron convertir en verdugo, me iría por los condones que no cumplen con sus funciones sanitarias, sino que por el contrario vienen con fundas de castigo, con aspas de zepelín o como tiburón con aletas, con sustancias inflamables, para producir la irritación del delirio a través del placer forzado.

Como lo hubiera dicho el surrealista imaginativo, no será el miedo al sida lo que me obligue a bajar la bandera de la gratificación.

Me enamore de una Ninfomana

2011-08-18T13:40:00.000-07:00

POR ANDRÉS MAURICIO ORTIZ:

La fantasía de muchos es enredarse con una ninfómana. Yo lo hice y el sueño se volvió una pesadilla. La conocí en un bar. Yo acababa de salir de un noviazgo en el que complacía a mi novia en todo para que se acostara conmigo, pero rara vez lo hacíamos y ella solo accedía para que no la molestara. Con ella todo fue distinto, me abordó, dijo que la enloquecía mi olor y la forma en que me subía las gafas cuando se me escurrían. Se tomó su Martini en fondo blanco, me arrastró de la mano hasta el parqueadero y me empujó sobre el platón de una Luv. Ahí, sin importar que estuviera lloviznando y sin que yo supiera su nombre ni ella el mío, me hizo el amor. Tan pronto terminamos, se bajó la falda y nos montamos en su carro. Me dejó en mi casa y cuando le pedí su teléfono se rio, como quien dice "qué intenso". A mí me encantó la actitud. Un par de veces había tenido sexo casual, pero las mujeres siempre estaban buscando algo serio de alguna manera. Ella no. Parecía que nada le importaba. Lo que buscaba era sentir que tenía el poder, que ella era la que abandonaba a los hombres y no al revés.

Seguimos viéndonos. Me parecía de lujo que le gustara tanto el sexo, pero a veces, después de hacer el amor, notaba que se quedaba mirando el techo fijamente y que se le salían las lágrimas. "Sentimentalismos típicos de las mujeres", pensaba ingenuamente sin saber que a ella le remordía la conciencia. Su apetito sexual era insaciable. Yo hacía ejercicios de respiración para durar más. Ella se subía sobre mí, me agarraba de las muñecas y me devoraba. Con intervalos de 5 minutos, lográbamos hacerlo hasta tres o cuatros veces seguidas. El arranque le daba en cualquier lugar. Una noche en pleno concierto de jazz metió su mano en mi pantalón. La intenté apartar pero insistía, así que decidí salir con ella al baño para terminar lo que había iniciado. Cosas así pasaron en un museo, en una sala de cine y hasta en un matrimonio. Hasta ahí me parecía una mujer "necia". Después empecé a ver que compraba revistas porno, tenía sexo virtual y cuando no la satisfacíamos, yo o los hombres que conocía en cualquier parte y de los que yo no tenía ni idea, se masturbaba. Desde su jefe hasta el mensajero pasaron por sus manos sin que yo supiera. Perdió el puesto varias veces. Durante esos seis meses bajé unos cinco kilos, mi cara se veía chupada y ella no parecía satisfecha. Empezó a desaparecer sin dar explicaciones y cuando llegaba la notaba deprimida. Al principio no entendía nada. Pero después de encontrar un librito verde en el que anotaba con rayitas el número de hombres con los que se acostaba, un cementerio de NN por los que lloraba, pero también por los que se sentía más hermosa y deseada, no me aguanté y le pregunté que si tenía sexo con más hombres. Me dijo que eso era parte de su intimidad y el tema quedó vetado. Pero yo quedé dudando.

Un día llegué a su casa y me recibió llorando, destrozada. Me pedía perdón, me repetía que me amaba, que era el único hombre con el que podía hacer el amor sin sentirse sucia. No entendía nada, hasta que me dijo literalmente que se había acostado con otro, con otros tipos. Me dijo que creía que sufría de una compulsión involuntaria por el sexo que no lograba controlar. Me dieron ganas de gritarle que era una puta, pero empezó a llorar y se metió al baño. Prendió la ducha. Se refregaba el cuerpo con estropajo como si quisiera arrancarse la piel. No aguantó más cargar con ese infierno sola y me lo contó todo, desde el principio. Que en la fiesta de quince de su prima, cuando tenía 13 años, se le había saltado por primera vez el tornillo. Que se había tomado un ponche y se había encerrado con dos chicos en un clóset. Siguieron más hombres, más rayitas. El resto fue del mismo calibre. Pepas, sexo en ascensores, en buses, aviones y salones de la universidad. Todo vacío y sin nombre. Yo era una especie de paréntesis en donde había logrado controlarse un poco.

Insistió en que me quedara. No dormimos. Cada uno se encerró en sus pensamientos y daba vueltas en la cama. Pensé en la posibilidad de que fuera mi culpa, por no satisfacerla. Intenté entenderla, perdonarla. Cuando logré dormirme, vi a su jefe, a mi mejor amigo, al maldito celador y hasta a mi hermano en sus brazos. Soñé que era una especie de mantis religiosa. Iba devorando hombres y yo la veía desde abajo. Le gritaba y no me oía. Me paré a las cuatro de la mañana y la dejé tirada. Era imposible creer que se trataba de una enfermedad y no de una simple casquifloja.

Traté entonces de hacer lo mismo: me fui a un bar, coqueteé y estuve con otra vieja. Volví a su casa borracho. Le dije que quería entenderla, pero fracasé. Era inevitable pensar que era una puta. Le pedí que renunciara a su trabajo, como un intento ingenuo de evitar posibles encuentros sexuales. Aunque empezó a ir al siquiatra, yo me convertí en un monstruo celoso y paranoico. Desistí de controlarla tan pronto entendí que tarde o temprano un gesto, una mirada o un olor de cualquiera que viera en el ascensor sería suficiente para despertarle ese demonio sexual que la poseía.

Una noche, con unos tragos encima, le pregunté a un siquiatra muy amigo cómo podía uno distinguir a una ninfómana. Me dijo que la línea era tan delgada que tenía que analizarse cada caso. Le conté lo del libro, lo de las revistas, la intensidad con la que teníamos sexo y me dijo que muy posiblemente Mariana era ninfómana. Preferí terminar con esa relación tan enfermiza. Pero aprendí que la fidelidad va más allá de acostarse o no con otros. Se trata más de lealtad que de exclusividad sexual. Su corazón siempre me perteneció, pero su cuerpo y su cabeza le jugaban malas pasadas, qué le vamos a hacer. A lo mejor sigue yendo al siquiatra y ha logrado controlarse. Me siento mal de no haber sido capaz de ayudarla. Pero si hubiéramos seguido, mi autoestima habría desaparecido por completo.

Elogio del divorcio

2011-08-10T14:28:00.000-07:00

Por Óscar Collazos:

El divorcio es, para muchos, la salida de emergencia de un lugar donde hubiera sido preferible no haber estado nunca. Y aunque se acepte que con el divorcio empieza el proceso de paz de una guerra que parecería no tener fin, muchos son también los seres humanos que tropiezan de nuevo en la misma piedra: el matrimonio.

Si empezáramos con la comparación imaginaria de las fotografías que dan cuenta de matrimonio y divorcio, tomadas en un lapso no necesariamente largo ni breve, veríamos que las primeras tuvieron "testigos" llamados invitados, unánimes en la celebración de la fecha, y las últimas no pasan de ser un encuentro en la oficina de un juez o un notario, a veces con testigos que están irreconciliablemente divididos. Los seres que entraron al matrimonio no serán nunca los mismos que salieron por la puerta del divorcio.

Quien sale del matrimonio lo hace con heridas a menudo invisibles. Lo que hará en adelante, será tratar de superar la gravedad de las heridas. Son muchas las que quedan en los sobrevivientes de matrimonio y divorcio, algunas tatuadas en la memoria, otras vulgarmente visibles en el cuerpo. El tamaño de esas heridas determina el grado de resentimiento del sobreviviente. No son pocos los que, al salir malheridos, se niegan para siempre la posibilidad de tropezar de nuevo con la misma piedra.

Hay divorcios y divorcios, y en lo único que coinciden es en la aceptación del final de un viaje que algunos quisieran no haber empezado nunca. Contradictorio por naturaleza, el ser humano hace coincidir la búsqueda de la felicidad en dos hechos antagónicos: el matrimonio y el divorcio. Claro que lo primero, el matrimonio, no siempre es la búsqueda de la felicidad. De lo que sí podemos estar seguros es que el divorcio es la única solución posible a la felicidad no conseguida.

El divorcio es a veces la firma de un contrato que aunque no tiene fecha fija de finalización contiene, en cambio, las cláusulas obligatorias para la disolución de la sociedad. Es lo que desde siempre se ha llamado "matrimonio de conveniencia", algo que la humanidad nunca pudo evitar. Casar a mujer joven, pobre y bella con viejo rico y feo; unir a rico comerciante con aristócrata empobrecida no son sino ejemplos de una prestación mutua de servicios. Aunque no hayan cotizado en la bolsa, belleza y juventud siempre fueron valores de mercado. Se supo de los matrimonios pero nunca se supo de los divorcios de estas parejas.

Ricos y famosos de nuestra época oficializan de antemano las cláusulas de lo inevitable: se casan a sabiendas de que el divorcio acecha en la esquina y que lo mejor es facilitarles el trabajo a los jueces señalando en el contrato las compensaciones económicas, mucho más importantes que la posesión de los hijos. En esta modalidad de matrimonio importan más las cifras concertadas que las heridas. Las cicatrices que ha dejado un matrimonio tumultuoso serán borradas por el siguiente compromiso. Tarde o temprano, se acabará aceptando que lo importante no es tener conciencia del matrimonio sino del divorcio, la situación legal que define el monto de la fortuna.

¿Por qué los pobres se divorcian menos que los ricos? Por lo expuesto con anterioridad y tal vez porque los pobres tienen menos que dividir y el divorcio sería algo así como dividir en dos la pobreza, en dos las responsabilidades, en dos los rencores que sobrellevan mejor dos que uno. Los pobres soportan el matrimonio con mayor resignación que los ricos. Siendo igualmente o más graves las causales del divorcio, las afrontan como una fatalidad que tiene de vez en cuando la catarsis de la violencia, mejor dicho, la técnica de arreglar a puños y patadas lo que ya no se puede resolver con el diálogo. Parcos en el diálogo, los matrimonios de los pobres pueden durar toda una vida, porque el mundo de los pobres es a menudo el mundo de la resignación y el fatalismo, un irracional y casi atávico respeto a las instituciones. Si en el centro de esas instituciones se encuentra "la voluntad de Dios", más vale arreglárselas con ellas que encontrarles una salida. Eso piensan los ricos. Los pobres no son clientes de los tribunales eclesiásticos.

No quiero decir con lo anterior que los pobres no se divorcien; quiero decir que lo hacen menos que los ricos. Las turbulencias del matrimonio, que no son nuevas sino distintas en cada época, tuvieron y acaso tengan todavía una salida distinta al divorcio. Es la salida conocida como adulterio, que no es cosa de pobres o ricos sino una solución a la inconformidad o la curiosidad humana. Es probable que socialmente sea más aceptado el adulterio que el divorcio. Por una razón muy sencilla: el adulterio solo pone en entredicho la función de la sexualidad; el divorcio pone en discusión la naturaleza misma de la institución matrimonial.

En las sociedades patriarcales, apegadas a las instituciones religiosas y civiles, el adulterio masculino no fue excepción sino norma. La figura de la "querida", mantenida lejos de casa pero siempre a mano, impidió que el divorcio tuviera la frecuencia de hoy. El adulterio femenino -escandaloso, prohibido y penalizado-, fue, en cambio, no la causal de separaciones y divorcios sino de incontables crímenes pasionales. Para que el divorcio perdiera el carácter de una solución maldita, se necesitaron cambios esenciales en la sociedad. Había que volver civil y laico lo que era religioso y celestial. Era como si se temiera más al castigo de Dios que al castigo de uno de los cónyuges, pues en la dinámica de un mal matrimonio la convivencia es un castigo que se castiga a menudo con violencia física.

A medida que nuestra sociedad se ha vuelto laica, se ha ido perdiendo el miedo al divorcio. Aunque las cifras del divorcio sean más altas en las capas medias y altas, es probable que, entre los pobres, la solución a un mal matrimonio no sea el divorcio sino la "separación de cuerpos". Como no hay nada que dividir, ni siquiera a los hijos que se quedarán con la madre, ¿qué se ganaría con un divorcio?

Si una frase sensata recorre la ruta que va del matrimonio al divorcio, esa frase es rotunda: El amor no siempre basta. De allí su transformación en gelatina de rencores y odios. Nada más temible que un amor defraudado, nada más imprevisible que un hombre o una mujer desengañados. Cuando el matrimonio atraviesa aguas revueltas que ninguno de los dos apacigua, que, por el contrario, se vuelven más revueltas con sus remolinos de intransigencias y malentendidos, aparece en el horizonte una lucecita salvadora: el divorcio. Sin embargo, no es fácil decidir que la salida se encuentra de ese lado.

En la terquedad viciosa de hombres y mujeres, mejor dicho, en la terquedad de las parejas que tienen la esperanza de cambiar lo que ya nada ni nadie cambia, la vida del matrimonio acaba por convertirse en un infierno. En un infierno o en una agonía. Por eso, sensatamente, lo recomendable es interrumpir el ciclo de incubación de los rencores. Un matrimonio que no se interrumpe a tiempo es lo más parecido a la Ley de Justicia y Paz: se entregan las armas pero la guerra no se interrumpe, se sigue dando por otros medios.

Aunque el elogio del divorcio no signifique una diatriba contra el matrimonio, soy de los que creen que a este se puede entrar tantas veces como se desee, pero seguro de que no habrá obstáculos que impidan la elección del primero. En otras palabras: matrimonio y divorcio no se contradicen; se complementan. Es posible que la mayoría de las parejas piensen que se casan para siempre y pongan todo su empeño en conseguirlo. Pero la desconcertante naturaleza humana tiene respuestas misteriosas al enfrentamiento entre la realidad y el deseo. Y no solo eso: nadie conoce de verdad a quien lo acompaña en el viaje llamado matrimonio. Cuando las partes empiezan de verdad a conocerse, ya es tarde. Pueden tratar de acomodarse a las nuevas realidades, pero fue tan grande e ilusorio el deseo, que las miserias cotidianas deciden la partida.

Busco novia sin hijos

2011-08-03T18:08:00.000-07:00

Por Santiago Roncagliolo:

Imaginen a una mujer atractiva, de treinta y pocos años, de ojos verdes y sedosa cabellera roja, la sonrisa luminosa. Imaginen su piel aún suave y su cuerpo ya experto. Su conversación atrayente de mujer vivida. Imaginen la envidia de los demás cuando un hombre entra con ella en una fiesta. Los susurros de odio de los caballeros, la mayoría casados con gordas peludas de ancas severamente damnificadas por múltiples partos. Imaginen la sensación de ese hombre de volver a la adolescencia, de ser de nuevo el alma de la fiesta, el blanco de todas las miradas.

Ahora completen el cuadro: imaginen a un pequeño monstruo, una alimaña de 12 años con fierros en la boca y muy, muy mala leche. Un chico celoso capaz de incendiar el mundo, listo para sacar un cuchillo en defensa de lo que cree suyo, una sabandija sin moral, sin comprensión y sin sentimientos. Un psicópata con primaria completa.

Me gustaría decir que yo era el hombre que salía con la pelirroja guapa, la víctima dolida e inocente de esta historia de amor imposible. Pero me temo que yo era el monstruo.

Cuando llegué a primero de secundaria, mis padres cumplieron un año de divorcio. Durante los primeros meses, me había embargado la sensación de que ellos eran una anomalía social, un accidente de la naturaleza. Pero después de un tiempo, mis sentimientos habían evolucionado hacia una extraña forma de orgullo.

Rodeado de chicos con padres casados, represivos y vetustos, yo me sentía moderno, diferente, progre. Cierta aura de rebeldía me rodeaba y me hacía ver valeroso ante los demás chicos. Volaba puertas del vecindario con una pequeña versión de la dinamita que en Lima llamábamos "rata blanca". O directamente las tumbaba a patadas para colarme en ellas incurriendo en allanamiento de morada e intento de robo, ambos delitos castigados en mi país con penas de cárcel. Por supuesto, no hacía nada de esto solo. Siempre me acompañaba algún otro idiota de mi edad. Y por supuesto, siempre nos descubrían. Supongo que lo hacía para eso.

Para las madres de mis cómplices, yo era el pequeño delincuente del barrio. Pero también, representaba un alivio, porque les permitía salvar su responsabilidad en el asunto.

Como hijo-de-divorciados, yo tenía patente de corso. Era demasiado pequeño para ser responsable de mis actos y demasiado grande para evitarlos. Durante ese año, insulté al profesor de filosofía y me oriné en la sala de profesores del colegio. Me escapé sistemáticamente de casa y traté de acostarme con tres mujeres maduras de catorce años. Me declaré en huelga de hambre durante los almuerzos y fui suspendido del colegio tres veces. En la última de las suspensiones, las autoridades argumentaron "insubordinación". Me encantaba esa acusación. Cada vez que conocía a alguien, me presentaba con las siguientes palabras:

—Hola, me llamo Santiago y mis papás son divorciados ¿Los tuyos, no?.

El pobre Édgar —yo creo que se llamaba Édgar, pero en ese tiempo, hice todo lo posible por no retener su nombre— apareció en esa época, aparcando su Mercedes Benz verde claro en la puerta de mi casa, pisoteando mi territorio con sus aros relucientes y, lo peor de todo, besando a mi madre en la comisura de los labios. Era una clara declaración de guerra.

Mamá no había tenido una pareja desde el divorcio, y mi plan era que no la tuviese jamás. ¿Por qué necesitaba a un hombre? ¡Me tenía a mí! ¿Quién más iba a robar chocolates de una tienda para regalárselos? ¿Quién iba a partirle la boca al que dijese "tu mamá está buena" en el colegio? ¿Quién iba a quererla como yo, en las buenas y en las malas, en la pobreza y en la riqueza, en la salud y en la enfermedad?

Yo era celoso pero no estúpido. Comprendí rápidamente que no podía atacar directamente a ese hombre. Era mejor plan sonreírle, acogerlo, acariciarlo, y atacar su posesión más preciada: su Mercedes Benz. El órgano que más le duele a un hombre es siempre su carro.

Un fin de semana, Édgar invitó a mi madre a la playa. Y yo invité a mis amigos a la misma playa para forzar un "encuentro casual". Como era de esperarse, a Edgar no le quedó más remedio que ofrecerse a llevarme de regreso, y si me llevaba a mí, tendría que llevar a mis amigos.

Mis amigos eran seis. Habían sido cuidadosamente seleccionados entre mi pandilla: cuatro de ellos eran hijos de divorciados. Durante la hora y media de camino, dos nos dedicamos a jugar con el botón de sus ventanas. Otros dos —los mayores del grupo— encendieron cigarrillos y quemaron los tapices. Los restantes jugaron con la radio y rompieron dos casetes de música clásica (fue de casualidad). Preocupado por el desbarajuste del asiento trasero, Édgar estuvo a punto de salirse de la carretera en repetidas ocasiones, y muy cerca de estrellarse contra un camión de cerveza.

Ya en casa, mi madre trató de compensarlo invitándolo a tomar un café. Supongo que tenía en mente algún tipo de escarceo, porque me mandó a jugar con mis amigos "tan lejos como sea posible". Pero no fuimos muy lejos. Cuando Édgar salió de mi casa, la carrocería de su Mercedes estaba rayada y uno de sus neumáticos había pasado a mejor vida.

Nunca volví a ver a ese hombre.

Casi dos décadas después, conocí a una chica muy guapa. Ella era divertida, inteligente, culta, y tenía un cuerpo de escándalo. Logré sortear su indiferencia inicial e invitarla a salir. Cenamos abundantemente y me aseguré de que bebiésemos copiosamente. La acompañé a su casa de madrugada, y en la puerta del edificio, al despedirnos, rocé sus labios con los míos. Ella dijo:

—¿Quieres subir y tomar una copa más? Pero tenemos que ir calladitos. El niño está durmiendo.

—¿Tienes un hijo? ¿Qué edad tiene?

—Doce. Pero parece de menos. Usa aparatos en los dientes.

—¿De verdad? Escucha, me parece que no debemos ir tan rápido ¿Ok? Ya te llamaré en estos días.

Traté de besarla sin que se notasen mis prisas por huir. No sé si lo logré. Al año siguiente, me casé con otra mujer.

Felices Fiestas Patrias Peru

2011-07-27T09:46:00.000-07:00

En un rincón de América hay un país donde se oyen en las mañanas las canciones del pasado entonadas en una caracola, en las tardes se ve al cóndor planear y las noches se iluminan con todas las estrellas que Dios le regaló a su cielo. Es un mágico lugar donde se encuentra la tradición, las costumbres y los recuerdos de un imperio con un pueblo guiado por nuevas religiones y leyes quienes al ver este lugar utópico tan deseado por muchos lo llamaron Perú. Es un sueño donde se mezclan la brisa del mar, la nieve de los Andes, el calor tropical y un coral dando como resultado el cantar de un pueblo muy alegre. Un pueblo donde se encuentran todas las razas del mundo unidas por un mismo vínculo: el sentimiento y cariño hacia una patria tan rica y bendita a la cual muchos han querido pertenecer pero a pocos se nos ha concedido dicho privilegio. Sobran las razones por las cuales nos sentimos orgullosos de nuestra nacionalidad y es porque Perú es más que un país en América. Es una nación con ojos de nostalgia y esperanza cuyo único anhelo es crecer en los corazones de las personas de todo el mundo.

Hablar de Perú, es hablar de una inmensidad de cosas bellas que éste posee. Es uno de los países más ricos del mundo debido a sus recursos naturales, a su riquísimo mar. Nosotros como peruanos sintámonos orgullosos de vivir en un país tan maravilloso. Todos debemos dejar nuestro esfuerzo, valor y perseverancia dando el ejemplo a generaciones venideras para luchar, trabajar, sacar adelante y hacer progresar a nuestro país. Yo doy gracias a Dios por vivir en un país tan lindo, tan rico e inigualable.

Ser peruano es volver la cara alegre ante la tristeza, es brindarte la mano aun teniendo la otra atrás, es tener esperanza cuando todo parece acabado. Ser ricos es sentirnos orgullosos de nuestra patria, de nuestra cultura, de nuestra gente, el ponernos de pie ante la adversidad, de creer que hay un ser divino, porque además somos espíritu, somos movimiento, seguimos creyendo en nosotros mismos, tenemos fe. Ahí donde alguien se niega a escuchar siempre seremos ese grito que le hará recordar que ser peruano es luchar, es tener fuerzas para salir adelante, tenemos talento y coraje. Somos esa inocencia de la vida que Dios regó del alma, la confianza que el mundo reclama, la belleza de espíritu que hay que salvar.

Perú, patria querida, con su hermosa Costa, Sierra y Selva y que abre los brazos para recibir a propios y extraños. Mi país es especial porque fue cuna de la más importante cultura sudamericana, por su belleza de paisajes, por sus regiones, por su comida y por todas las razas que alberga. El Perú es tan grande como los sueños y metas de su gente, tan rico como su historia que encierra en su seno y tan altivo como la sangre de sus antiguos pobladores que aún nos corre por las venas... El Perú es tan grande como nuestras dichosas memorias que conservan en su interior momentos tan históricos que hacen vivir nuestra rica historia.

En tu día…FELIZ CUMPLEAÑOS PERU…VIVA EL PERU.

Lo que nunca entendi de los años 80's

2011-07-21T11:07:00.000-07:00

Nunca entendí por qué razón los años ochenta fueron tan ordinario. Y el que diga que no, que saque su perro de Yordano o que escriba lo contrario en un grafiti pero con letra de Timoteo.

Nuestros ídolos musicales nos sugerían que las camisetas blancas con palmeras pintadas y gafas de sol, de noche en un bar, era algo irresistible para cualquier mujer. En ese entonces, Michael Jackson nos enseñó que si a uno le llegaba a salir una pandilla con navajas y cadenas para atacarlo, lo mejor era tener puestos unos pantalones saltacharcos, zapatos negros de mocasín, medias blancas de toalla y hacerles un bailecito pasándose una mano por el pubis para que a los hampones se les quitaran las ganas de levantarlo a uno.

Las letras de las canciones de Michael y de sus amigos de USA for Africa las aprendimos gracias al insipiente curso de inglés en el cole o gracias a algún casete de color blanco que era de unos cursos de inglés de mi hermana, al que poco tiempo después le grabé encima “Eres la inspiración” del grupo Chicago, “Haciendo el amor a pesar de todo”, “No puedo luchar más contra este sentimiento” y “Hotel California” de la agrupación Águilas, que servían de aflojador cuando uno se iba de paseo con la noviecilla.

Luego le tocó el turno al grupo Menudo. Acetatos de Menudo, casetes de Menudo, afiches de Menudo, diarios de Menudo, ropa Menudo. ¿Menudo? ¿Por qué Menudo? ¿Menudo no se llama a las vísceras del pollo?...eso son las menudencias.

Ese fue un periodo en el que por primera vez en la historia de la humanidad, bailar representó un peligro para la salud pública. El break dance generó ventas millonarias en las compañías que fabricaban marcadores con los que se firmaron tantos yesos de los amigos de uno.

Jamás pude entender para qué carajos nos poníamos los jeans desteñidos y envejecidos a la fuerza, nos los teníamos que acomodar con mantequilla derretida de la entubada tan brava que le mandábamos hacer en la sastrería. La parte inferior de nuestras piernas de pollo terminaba con el detalle de las zapatillas Reebok o Delmer.

Nunca supe porque las mujeres usaban hombreras gigantes de espuma que escondían debajo de su blusa y que las hacía ver como jugador de fútbol americano. ¿Cómo hicimos para tragarnos de mujeres con cinturones anchos como los que le entregaban a Julio Cesar Romero "Romerito" cuando peleaba, faldas de jean, medias blancas y zapatillas Reebok con la lengua por fuera? Asociaciones de padres de familia: ¿por qué permitieron que todos nosotros saliéramos así a la calle?

En materia de comedias de televisión, nada me dio risa. En Blanco y negro jamás logré descubrir la razón por la cual a un viejo ricachón e ingenuo de Nueva York le dio por adoptar a un par de negritos cachetones exponiendo la virginidad de su hija Kimberly, que se paseaba en calzones por todo el apartamento. Seguramente Willy la descubrió sabroseándose con su hermano Arnold. Pero como todo chiquito es jodido, este habrá hecho esa carita dulce mientras le decía: "¿De qué estás hablando Willy?".

En aquellos años todo lo que vimos estuvo alejado de la realidad. Muchas veces le hablé a todos los autos que se estacionaban en mi barrio, pero ninguno de estos me respondió como sí lo hizo El auto fantástico. Recuerdo que Los Dukes de Hazzard se metían por la ventana del carro. Bueno, yo traté de hacer lo mismo en el carro de un tío que también era rojo pero casi me atropella un bus de "don Goyo" que me pasó al lado.

Y del mal ejemplito que nos dieron Los ángeles de Charlie, ni hablemos. Tres mujeres trabajan para un tipo al que de manera confianzuda y coqueta le dicen Charlie pero que ellas no conocen. Hay un intermediario gordito y calvo que las contacta, anda armado, les da instrucciones y les paga para que le hagan vueltas al tal 'Charlie'. ¿A qué se les parece eso.

¿Cómo es posible que después de que mataron a John Lennon, trataron de asesinar al Papa, estalló la guerra en las Malvinas, casi matan a Ronald Reagan, el sida amenazó con acabar la humanidad, sale en televisión un perro café que habla, que camina en dos patas, que come gatos, que dice venir de Melmac y que usa copete llamado Alf diciendo: "No hay problema"?

Pero, existe un gran misterio. Hay algo que no pude y todavía no he logrado entender. ¿Por qué si los ochenta fueron tan deplorables, tan penosos y tan vergonzosos, yo daría esta década y la otra por regresar, así sea por solo cinco minutos a esa, a la etapa hermosa de toda mi vida?