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s'abandonner au bulletin | surrender to the newsletter

Les mégavedettes de l'art contemporain, comme Jeff Koons ou Damien Hirst, emploient dans leurs ateliers des centaines d'assistants. Avec quelques 120 employés, l'atelier de Hirst peut être considérée comme une PME de taille respectable. Ils ne font pas exception, bien entendu. La plupart des artistes établis comptent de tout temps sur l'aide de collaborateurs.

Unknown miniaturist, Brussels Royal Library, deuxième moitié du 15e siècle

Un petit diaporama publié récemment sur un site populaire en recense une dizaine parmi les plus célèbres. J'ai été amusé de constater que sa diffusion sur les plateformes des médias sociaux ait suscité de nombreuses réactions outrées (on peut d'ailleurs en lire quelques unes du même ordre dans les commentaires sous le diaporama). Quoi? Ces artistes ne créeraient pas de leurs divines mains leurs propres œuvres? Le modèle maitre-apprenti existe pourtant depuis la nuit des temps et il a permis à de nombreux génies de produire des œuvres remarquables, aidés de leurs élèves et assistants.

Mais les réactions outrées ou intriguées face à cette réalité en disent beaucoup sur notre relation à l'œuvre et à son créateur. Elles illustrent également le problème fondamental de l'œuvre d'art dans l'histoire de la pensée économique: son unicité. L'économiste s'intéresse aux relations entretenues entre la production industrielle de biens et de services et la demande de ceux-ci par les consommateurs. Les interrelations interviennent dans un espace qui s'appelle le marché et qui est donc l'objet d'analyse central de l'économiste. Mais sur un marché "normal" s'échangent des biens indifférenciés. Sur le marché des boutons à quatre trous, tous les boutons à quatre trous sont semblables. Sur le marché de l'art chaque artiste et chacune de ses productions sont uniques. D'ailleurs, les analyses économiques contemporaines des arts ont beaucoup plus de facilité, pour cette raison, à étudier les "industries culturelles" comme le cinéma ou l'édition - le comportement des auteurs dans ces industries et sur ces marchés s'apparentant davantage à ceux des industries économiques traditionnelles.

Ce caractère singulier de l'œuvre d'art explique aussi son intérêt pour l'amateur et le collectionneur. Admirer une œuvre unique c'est aussi bénéficier d'une expérience unique. Seul devant un tableau de Rouault, je construis, à cet instant de mon histoire, et de l'Histoire, un événement et une relation unique, inédite, non reproductible. Avec le spectacle vivant, les arts visuels est la seule discipline artistique à posséder cette propriété. De là les difficultés qu'elles posent aux économistes et le sentiment unique que leur jouissance procure.

Walter Benjamin avait déjà identifié, dès 1939, que l'art "à l'époque de sa reproductivité technique" questionnait le rapport du spectateur à l'authenticité de l'œuvre. Cette authenticité garantit, en quelque sorte, le caractère unique, envoutant - voire mystique - de l'expérience esthétique. Benjamin note que cette relation profonde entre le spectateur et l'œuvre tire son origine dans la fonction originelle de l'art, rituelle:

L'unicité de l'œuvre d'art et son intégration à la tradition ne sont qu'une seule et même chose. [...] Le mode d'intégration primitif de l'œuvre d'art à la tradition trouvait son expression dans le culte. On sait que les plus anciennes œuvres d'art naquirent au service d'un rituel, magique d'abord, puis religieux. [...] En d'autres termes, la valeur unique de l'œuvre d'art "authentique" se fonde sur ce rituel qui fut sa valeur d'usage originelle et première. Aussi indirect qu'il puisse être, ce fondement est encore reconnaissable, comme un rituel sécularisé, jusque dans les formes les plus profanes du culte de la beauté. Au moment du premier ébranlement grave qui l'affecte [i.e. l'apparition de la photographie], le culte profane de la beauté, né à la Renaissance et resté en vigueur durant trois siècles, révèle ce fondement.¹

L'expérience singulière devant une œuvre plastique ou un spectacle vivant participe du rituel. Soixante-dix ans après Benjamin, alors que les industries culturelles se sont développées et sont devenues des industries comme les autres, l'authenticité de l'unicité prend encore plus de valeur. La signature de l'artiste, le contact sensitif et sensuel à l'œuvre, lui donne sa valeur. Valeur artistique, valeur symbolique et valeur économique.

Le sociologue Gilles Lipovetsky a bien identifié cette quête d'authenticité comme une réaction/intégration paradoxale dans l'hypermodernité et sa société d'hyperconsommation:

La société d'hyperconsommation est paradoxale : tandis que triomphent le culte du nouveau et la logique généralisée de la mode (image, spectacle, séduction médiatique, jeux et loisirs), on voit se développer, à rebours de cette espèce de frivolité structurelle, tout un imaginaire social de l'authentique. [...] On n'en finirait pas, à vrai dire, de recenser toutes les manifestations de cette soif d'authenticité. [...] L'authentique compense par sa chaleur, ce défaut de racines et d'humanité. [...] le culte de l'authenticité apparaît comme la nouvelle manière de rêver et d'acheter de l'Homo consumericus contemporain.²

D'où les commentaires indignés cités plus haut: les œuvres de certains artistes ne seraient donc pas "authentiques" parce qu'elles participeraient d'une logique de production industrialisée - à l'opposé de l'idéal romantique de l'artiste aux mains tachées de ses pigments, épongeant son front de la non moins authentique sueur du travail créatif acharné. Il en est de même des faux: on découvre régulièrement que telle œuvre d'un grand maître est en fait un faux. Pourtant, ce tableau a été admiré pour ses qualités intrinsèques parfois pendant des siècles. Mais, du jour au lendemain, sachant qu'il ne s'agit plus d'un Raphaël ou d'un Rubens, sa valeur symbolique et économique s'effondre - voire même, contre toute logique apparente, sa valeur artistique!

L'authenticité et l'unicité de l'œuvre garantissent l'authenticité et l'unicité de l'expérience esthétique qu'elle nous procure. L'impression d'être face à une œuvre qui a été au moins en partie exécutée par des employés de l'artiste - qu'ils soient les apprentis des maîtres de la Renaissance ou les employés de la factory de Wharol - contredit cet idéal romantique. Wharol n'a rien inventé dans la manière (avoir des assistants) mais avait poussé au maximum l'intégration de la logique du capitalisme industriel dans l'art - lequel mouvement constitue le cœur de son œuvre. Il est à cet égard emblématique du paradoxe de la société d'hyperconsommation décrit par Lipovetsky. Comment, alors, concilier notre recherche de l'authenticité et de l'unicité avec le travail de l'artiste dépouillé de son aura de démiurge génial?

Notes

1. Walter Benjamin (1939), L'Œuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique, Paris: Gallimard, 2008, pp.18-19
2. Gilles Lipovetsky (2007), "La fièvre de l'authentique" in : Jérôme Garcin, Nouvelles mythologies, Paris: Seuil, p.107

« CLUB DE FÊTE »
3 au 25 fév | Feb 3 to 25
visualartscentre.ca

L’exposition rassemble des huiles sur toile de moyens et grands formats ainsi que des aquarelles de petits formats qui explorent la constellation de thèmes chers à l’artiste; des paysages parsemés de signes de la présence et du rituel humain où s’opère la rencontre étrange de l’exaltation et de la menace, de l’exotisme et de la naïveté. Aussi, cette nouvelle série d’œuvres témoigne d’une grande maîtrise des techniques peintes.

The exhibition includes medium to large format oil paintings as well as smaller works in watercolour that continue to explore the constellation of themes and images for which the artist is known – landscapes stewn with signs of human ritual and presence, an odd coming together of exhilaration and menace, exoticism and the naieve. The new body of work also bears wtiness to a deepening mastery of painterly means.

Il est un truisme en littérature qui veut que les thèmes les plus universels soient extraits du local. Comme dans un bon roman, le travail de l’artiste s’ancre dans les tribulations et les désirs du quotidien, dans les souvenirs de l’enfance. Toutefois, il ne présente ni début, ni fin ; la surface plate de la toile permet au déploiement et à la révélation d’exister simultanément. Avec son feuillage incongru, ses masques atypiques, ses structures architecturales et ses signifiants culturels d’un underground urbain, le paysage désarticulé devient lisible. Lafrance peut être vu comme un forestier nomade, un flâneur amassant des artefacts et des détritus au fil de ses rondes quotidiennes. De retour à l’atelier, il enlève ses bottes, monte son chevalet et commence à transcrire, à inventer et à imaginer, en peinture, le récit de son séjour ; une quête d’équilibre et d’authenticité qui se fait poétique tout en demeurant existentielle.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue de 26 pages incluant 23 reproductions couleur ainsi que des textes puissants et évocateurs des auteurs Robert Enright et Jean-Philippe Gagnon. Nous tenons à remercier le Conseil des arts et des lettres du Québec pour avoir rendu possible la réalisation de cette publication ainsi que la Galerie Dominique Bouffard pour sa contribution additionnelle.
Victoria LeBlanc

David Lafrance est né à St-Jean-sur-Richelieu. Il est diplômé de l’Université Concordia à Montréal en peinture et dessin (2001), où il a reçu le prix Guido Molinari pour ces performances académiques. Peintre, graveur, sculpteur, il a, au cours des dernières années, présenté son travail dans plusieurs expositions au Québec, au Canada et aux États-Unis. Il est récipiendaire de bourses du Conseil des arts et des lettres du Québec. Ses œuvres font partie des collections de la Bibliothèque nationale du Québec, du «prêt d’œuvres» du Musée du Québec, du Cirque du soleil et de Lotto Québec. Sa peinture, inspirée par le folklore et l’art populaire, donne forme au monde naturel et à la poursuite constante des plaisirs et du luxe propres aux sociétés modernes. En complément à son œuvre picturale, il évolue aussi à travers la musique expérimentale et bruitiste. David vit et travaille à Montréal et est représenté par la Galerie Dominique Bouffard de Montréal.

It is a truism in literature that the most universal of themes are mined deep in the strata of the local. Like a good novel then, David Lafrance’s work is riven with the lusts and tribulations of his quotidian experience and childhood recollections. Unlike a novel, however, there is no beginning, middle or end; the flat surface of canvas allows a simultaneity of unfolding and disclosure. We read the broken landscape with its strange foliage, aberrant masks, architectural structures and cultural signifiers of an urban underground - sometimes privy to their meaning, sometimes not. One imagines Lafrance like a wandering woodsman/flaneur gathering scattered artifacts and detritus on his daily rounds. He returns to the studio, takes off his boots, sets up his easel and begins to transcribe, invent, imagine in paint, the tale of his sojourn - a poetic but no less existential quest for balance and authenticity.

The exhibition catalogue offers insightful texts by Robert Enright and Jean-Philippe Gagnon as well as 23 color reproductions of Lafrance’s work. The McClure Galelry would like to thank the Conseil des arts et des lettres du Québec for their financial support for the publication and Galerie Dominique Bouffard for their additional contribution.
Victoria LeBlanc

David Lafrance was born in St-Jean-sur-Richelieu, Quebec. He is a graduate of Concordia University’s drawing and painting program (2001), where he received the Guido Molinari Prize for his academic achievement. Lafrance’s references vary widely and range from folk art from across the world to modern painting to contemporary fashion. He has a particular interest in depicting the natural world and modern society’s pursuit of pleasures and luxuries. His recent work in painting, drawing and sculpture is shown in Canada and the United-States. David Lafrance also performs experimental electronic music with turntables, pedals and recorders. He is represented by Galerie Dominique Bouffard in Montreal.

jusqu'au 14 fév | until Feb 14
espacerobertpoulin.com

MARC LEDUC


CRISTINA LAMA


OSVALDO RAMIREZ-CASTILLO


DANIEL ERBAN

VALERIO ADAMI - CAROLINE BOILEAU - MATT GOERZEN - SADKO HADZIHASANOVIC - MICHEL LANCELÔT - NADIA MOSS - HENRIETTE VALIUM

L’exposition Rouge Sanguin propose des œuvres de la collection de la galerie où se déclinent les multiples nuances de la couleur rouge. Les artistes Daniel Erban, Marc Leduc, Osvaldo Ramirez-Castillo s’inspirent abondamment de cette couleur qui est celle du sang et de la terre. Symbole de vitalité et de violence, de vie et de mort, le rouge attire et repousse. Mais il fascine surtout, toujours et partout.

« TABLEAUX RÉCENTS »
jusqu'au 5 fév | until Feb 5
Maison de la culture Rosemont Petite-Patrie : 6707 De Lorimier

La liberté éclairant le monde, acrylique, 2011, 91cm x 91cm

Pour décrire les tableaux de Jaber Lutfi, il est de bon aloi de citer quelques critiques. On parle d’un retour inespéré de la narration en peinture. On dit que les images qui habitent ses tableaux ont l’inquiétant éclat d’un univers riche, nourri de quelques siècles d’interrogation sur le dérisoire et l’infini. On peut aussi rajouter que c’est l’audacieuse œuvre d’un artiste hors du commun, véritable créateur d’un imaginaire d’une rare richesse, d’une fantaisie pleine de bizarres profondeurs.

« ET VOGUE LE NAVIRE »
jusqu'au 12 fév | until Feb 12
Maison de la culture Maisonneuve : 4200 Ontario Est

L'exposition est accompagnée d'oeuvres des élèves de quatre classes de l’école primaire Saint-Jean-Baptiste-de-la-Salle dans le cadre du programme de résidence d’artiste à l’école, initié par l’organisme C2S Arts et Événements. Ce modèle de résidence permet à un artiste de poursuivre sa recherche et, par différentes activités avec les élèves, de participer à la promotion de l’art dans les écoles. Dans ce contexte, les élèves ont la possibilité de comprendre les activités cognitives inhérentes au processus créateur et de vivre l’expérience de la création en s’inspirant de la démarche de l’artiste.

Durant son séjour à l’école, Dominique Paul a réalisé une robe structure à partir de matériaux d’emballage recyclés. L'idée d'une robe abri qui lui permet d'entrer dans l'eau et de flotter est à l'origine de ce projet. Ainsi, une structure igloo devient une robe flottante : un exosquelette de plastique illuminé transforme l'humain en créature marine. Ce projet se poursuivra dans le cadre d'un programme d'artiste en résidence du Lower Manhattan Cultural Council, à New York, à compter du premier mars 2012.

Dominique Paul remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec de son appui financier et Hexagram-UQAM pour le prêt de l'équipement de tournage. C2S Arts et Événements a été soutenu par le Programme montréalais d’action culturelle dans le cadre de L’Entente sur le développement culturel de Montréal en partenariat avec le Ministère de la culture, des communications et de la condition féminine du Québec et Une école montréalaise pour tous. L’organisme tient aussi à remercier ses partenaires, l’école Saint-Jean-Baptiste-de-la-Salle et la maison de la culture Maisonneuve de croire à ce projet.

« NOUVEAUX TABLEAUX »
jusqu'au 11 fév | until Feb 11
larochejoncas.com

Son travail a été présenté à la galerie en 2010 dans l'exposition 'BRUT' avec les artistes Benjamin King et Justin Stephens. Patrick Dunford vit et travaille présentement à Montréal. Les paysages dans ces tableaux représentent la région du Great North Woods de la partie nord de l'état du New Hampshire. Les formes naturelles présentées dans ces oeuvres incluent des montagnes, des arbres et des lacs et articulent une exploration du genre de la peinture de paysage ainsi qu'un engagement personnel avec ce lieu Alors que la réalité concrète du monde est visible, une expérience plus subjective et mons tangible de l'expérience du lieu émerge également à travers l'accumulation de peinture.

This is the first solo exhibition of the artist with the gallery. His work was featured at the gallery in the group exhibition 'BRUT' in 2010 along with the works of Benjamin King and Justin Stephens. The landscapes in these paintings portray the Great North Woods in northern New Hampshire. The natural forms in these works, which include mountains, trees, and lakes, articulate both an exploration of the genre of landscape painting, and a personal engagement with place. While the concrete reality of the world is visible, a more subjective and less tangible experience of place also emerges through the accumulation of paint.

Dunford a été initialement attiré par cet endroit à cause de l'interaction entre les humains et la nature qui on marqué ce lieu géographique. Directement au sud se trouve les White Mountains, qui sont devenus célèbres avec les sublimes tableaux d'artistes de la Hudson River School. En contraste, l’illustration des Great North Woods par l’artiste devient plutôt un paysage de travail. Ce qui est vrai dans un double sens ; on y voit plutôt un espace incomplet en termes d’emploi et d’extraction des ressources. Des piles de bois sont un thème qui réapparait dans plusieurs tableaux, (de fait l’artiste s’est rendu aux endroits dépeints par les routes créés spécialement pour le défrichage). Ces tableaux vont plus loin que la simple illustration des impacts de la destruction des humains sur la nature. Les petits labyrinthes créés par les routes nouvellement ouvertes révèlent accès à un territoire jusque là cachés à la vue de l’homme, suggérant ultimement l’indifférence de la nature à notre existence. Au-delà des routes sinueuses et des piles de bois, des taches de couleurs suggèrent un espace moins accessible, plus mystérieux, qui sont finalement impossibles à reconnaitre. Dans ces espaces liminaux, la centralité de la présence humaine est questionnée.

Les œuvres de Dunford démontrent un engagement avec le langage formel de la peinture. La perspective est élargie ou bien condensée. Les marques du pinceau dans certaines parties du canevas sont larges dans d’autres elles sont beaucoup plus discrètes, à la limite imperceptibles. Des couches de peinture coulent jusqu’à la surface du dessous du tableau, cachant ou bien exposant, pendant que des taches de couleurs brillantes s’opposent contrent des tonalités plus naturalistes. On retrouve des verts terreux, des bruns et des bleus qui soulignent les qualités matérielles du territoire. Il y a des couleurs artificielles également, dont certaines sont des citations du site physique, incluant l’orange éclatant de la signalisation pour la construction et le rose fluorescent des rubans attachés aux arbres par les arpenteurs.

Cette fluidité avec le langage de la peinture utilisés permettent à Dunford d’explorer les notions de marques comment porteurs de sens. Dans ce cas, les marques peintes révèlent la construction du paysage, qui impliquent la présence d’un observateur mais qui suggèrent également la difficulté de se déplacer dans ces espaces et de les comprendre en même temps. Ce que nous voyons n’est pas nécessairement une image résolue mais plutôt une accumulation de peinture et de couches métaphoriques illuminant les connexions entre le genre historique et l’expérience accumulée d’un espace spécifique.

Né à Winnipeg, l'artiste vient de compléter un MFA à l'Université Concordia à Montréal.

Dunford was initially attracted to the area because of the interactions between humans and nature that have marked the land. Directly to the south are the White Mountains, which were made famous through the sublime paintings of the Hudson River School of artists. In contrast, the Great North Woods are portrayed by Dunford as a working landscape. This is true in a double sense: in terms of incompletion, and in terms of employment and resource extraction. Piles of wood are a common theme, and in fact, the artist accessed the places depicted using logging roads. These paintings go further than demonstrating the destructive impact of humans on nature. The labyrinthine pathways lead one’s gaze into a territory that remains hidden from view, suggesting the ultimate indifference of nature to our existence. Beyond the winding roads and wood piles, indeterminate patches of colour suggest a space that is less accessible, more mysterious, and in the end, unknowable. In these liminal spaces, the centrality of human presence is questioned.

Dunford’s work demonstrates an engagement with the formal language of painting. Perspective is stretched or condensed. Brushstrokes are bold in some areas, reticent in others. Layers of paint seep to the surface from below, hiding or exposing, while flecks of vivid colour impose upon more naturalistic hues. There are earthy greens, browns and blues that denote the material qualities of the land. There are artificial colours as well, some of which are quotations from the physical site, including the bright orange of construction signs and the fluorescent pink of ribbons tied to trees by land surveyors.

This fluency with the language of painting allows Dunford to explore the notion of marks as bearers of meaning. In this case, painted marks reveal the construction of landscapes, which imply the presence of a viewer but also suggest the difficulty of visually moving through and comprehending these spaces. What we see is not necessarily a resolved image, but a buildup of painted and metaphoric layers illuminating the connections between landscape as a historical genre and embodied experience of a specific place.

Patrick Dunford completed his MFA in 2011 at Concordia University. He presently lives and works in Montreal.

commissaire : John Zeppetelli
jusqu'au 13 mai | until May 13
dhc-art.org

Omer Fast, 5000 Feet is the Best (2011), Digital Film, 30 minute loop (Still by Yon Thomas), Courtesy gb agency Paris and Arratia Beer Berlin

Teresa Margolles, Plancha (2010), Installation with 10 heated steel plates and water from the morgue, 300 x 600 x 60 cm (118 1/8 x 236 1/4 x 23 5/8 inch), Exhibition view "Frontera", Kunsthalle Fridericianum, Kassel, 2010, Photo: Nils Klinger / Courtesy the artist & Gaerie Peter Kilchmann, Zurich

PHILIPPE PARRENO - TARYN SIMON - OMER FAST - TERESA MARGOLLES - JOSÉ TOIRAC

Une exposition collective thématique qui réunit des œuvres majeures réalisées par cinq artistes de provenance et de réputation internationales. L’exposition explore différentes notions de disparition articulées autour des sphères personnelle, sociale et politique. Toutes les œuvres mettent en scène le deuil, l’absence et la perte, et les conceptualisent dans des récits associatifs denses qui dévoilent le caché et l’inaccessible, ou ce que l’on soustrait au regard.

This show brings together major works by five acclaimed international artists. The exhibition explores different notions of disappearance articulated across the personal, social and political realms. All the works stage and conceptualize mourning, absence and loss, offering rich associative histories while also uncovering the hidden and inaccessible – or that which is made to disappear from view.

Filmée en 70 mm et transposée numériquement sur un très grand écran, June 8, 1968 (2009), cette obsédante et somptueuse installation filmique de sept minutes signée Philippe Parreno, reconstitue le voyage en train le 8 juin 1968, de New York à Washington, du cercueil dans lequel reposait la dépouille du sénateur assassiné Robert Kennedy. Le film se compose littéralement d’une série de travellings réalisés du point de vue du train et de la dépouille qu’il transporte. L’immense projection crée une équivalence d’échelle entre le public en train de regarder la foule endeuillée et silencieuse qui longe la voie ferrée, et cette foule qui, en retour, regarde le public.

An American Index of the Hidden and Unfamiliar (2007), l’inventaire photographique magistral de Taryn Simon sur ce qu’on ne peut pas ou ne se permet pas de voir dans les domaines de la science, du gouvernement, de la sécurité et de la nature, révèle ce qui constitue les fondements du fonctionnement et de la mythologie aux États-Unis. Avec leur composition formelle et leur éclairage précis, ces photographies d’objets normalement inatteignables ou d’endroits inaccessibles s’accompagnent de textes spécifiques qui les mettent en contexte. Avec une grande acuité analytique, ce travail expose ultimement, dans des déclinaisons fortes et troublantes, ce qui est à la base de la société américaine.

Le film 5000 Feet is the Best (2011) de l’artiste israélien Omer Fast s’appuie sur des interviews avec un opérateur américain de Predator, un drone de l’armée de l’air américaine; celui-ci décrit des incidents au cours desquels des militants et des civils ont été victimes de tirs au Pakistan et en Afghanistan, et évoque les profondes blessures psychologiques qui en ont découlé. Le film est un mélange brillant de faits et de fiction, qui fait voir certains aspects techniques du travail tout en offrant des digressions narratives fascinantes. Avec sa structure presque circulaire, l’œuvre revient toujours au noyau central des interviews avec un pilote à la fois réel et fictif. Dans ce qui ressemble de manière alarmante à un jeu vidéo, le pilote peut être basé à Las Vegas et diriger des drones meurtriers à mi-chemin du bout du monde. Tels sont les bouleversements de la guerre moderne.

L’œuvre conceptuelle à un seul écran de l’artiste cubain José Toirac, Opus (2005), présente un discours réaménagé du leader controversé Fidel Castro, de plus en plus discret depuis sa retraite en 2008, où tout, sauf les nombres, a été effacé de la bande sonore. Ces déclarations emportées sur les nombres, empreintes d’envolées rhétoriques, se présentent comme une litanie sans fin dont les représentations visuelles d’un blanc éclatant apparaissent sur un écran noir. L’artiste réduit les divagations de Castro en quantifications incompréhensibles de gains, de pertes ou de prévisions, réduisant ainsi la politique à une spirale infinie et à des faux-fuyants.

Plancha (2010) de l’artiste mexicaine Teresa Margolles est, à première vue, une sculpture minimaliste apparemment innocente, mais elle peut livrer un puissant impact émotionnel par son utilisation dérangeante de substances corporelles et par son évocation d’événements très traumatisants. De l’eau tombe goutte à goutte du plafond pour frapper des surfaces métalliques chauffées et s’évaporer immédiatement. Provenant d’une morgue de Mexico où l’artiste a travaillé, cette eau sert à nettoyer les cadavres, dont probablement ceux de victimes de meurtres, alors que les plaques d’acier rappellent une table d’opération. À l’aide de quelques éléments concrets, Margolles réussit à reconstituer brillamment non seulement le corps humain après la mort, mais aussi et surtout le passage final de la présence à l’absence.

Philippe Parreno
Né en 1964 à Oran, en Algérie. Vit et travaille à Paris, en France. Entre autres expositions individuelles : Serpentine Gallery, Londres (2010), Irish Museum of Modern Art, Dublin (2009), et Centre Pompidou, Paris (2009). Il a coréalisé le film Zidane: A 21st Century Portrait avec Douglas Gordon.

Taryn Simon
Née en 1975 à New York. Entre autres expositions individuelles: Tate Modern, Londres (2011), Neue Nationalgalerie, Berlin (2011), Whitney Museum of American Art, New York (2007), Museum für Moderne Kunst, Francfort (2008), Kunst-Werke Institute for Contemporary Art, Berlin (2004), et P.S.1 Contemporary Art Center, New York (2003). En 2011, son travail faisait partie de la 54e Biennale de Venise.

Omer Fast
Né en 1972 à Jérusalem, en Israël. Vit et travaille à Berlin, en Allemagne. Lauréat en 2009 du prestigieux Nationalgalerie Prize for Young Art, à Berlin. Il a présenté Nostalgia au Whitney Museum of American Art, à New York en 2009, et 5000 Feet is the Best, à la 54e Biennale de Venise en 2011.

Teresa Margolles
Née en 1963 à Culiacán, Sinaloa, au Mexique. Vit et travaille à Mexico, au Mexique. Teresa Margolles. Muerte sin fin, a éte présentée au Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, Allemagne (2004); 127 cuerpos, au Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, Allemagne (2006); Decalogo, au Museo Experimental, El ECO, Mexico, Mexique (2007); Frontera a été présentée au Museion, à Bolzano, en Italie et à la Kunsthalle Fridericianum, Cassel, en Allemagne (2011). Elle a représenté le Mexique à la 53e Biennale de Venise en 2009.

José Toirac
Né en 1966 à Guantánamo, à Cuba. Vit et travaille à La Havane, à Cuba. Parmi les expositions auxquelles il a participé, mentionnons The American Effect au Whitney Museum of American Art à New York (2003), la 7e Biennale de Gwangju (2008) en Corée, et ¡Cuba! Art et histoire de 1868 à nos jours au Musée des beaux-arts de Montréal (2008).

Shot in 70mm and digitally projected on a massive screen, June 8, 1968 (2009) Philippe Parreno’s haunting and sumptuous seven-minute film, imaginatively re-enacts the train journey from New York to Washington carrying assassinated Senator Robert Kennedy’s coffin on June 8, 1968. The film is literally a series of tracking shots from the point of view of the train and the dead body within it. The enormous projection creates equivalence in scale between the audience looking at the mourners lining the tracks in silent witness, who in turn look back at the audience.

Taryn Simon’s magisterial photographic inventory on what we can’t or won’t allow ourselves to see in the realms of science, government, security and nature - An American Index of the Hidden and Unfamiliar (2007), reveals that which is foundational to America’s functioning and mythology. The formally composed and well lit photographs of normally unobtainable objects or inaccessible places are paired with precise and contextualizing texts. Gaining access to these denied spaces are also feats of diplomacy. Her work ultimately exposes, in powerful and disturbing ways - and with great analytical acuity - the undergirding of American society.

Israeli artist Omer Fast’s 5000 Feet is the Best (2011), is a film based on interviews with an American Predator drone aerial vehicle operator, who describes incidents where militants and civilians are fired at in Pakistan and Afghanistan – resulting in deep psychological scarring. The film is a brilliant blend of fact and fiction as it visualizes certain technical aspects of the job, while also offering fascinating narrative digressions. Using an almost circular structure, the work always returns to the central core of the interviews with both a real and fictional pilot. Alarmingly like video games, the pilot may be based in Las Vegas but directs lethal drones halfway across the world. Such are the dislocations of modern warfare.

Cuban artist José Toirac’s conceptual single-screen work Opus (2005), features an edited speech by controversial leader Fidel Castro – himself increasingly disappearing after retiring in 2008 - where everything but numbers are cut out from the audio track. The impassioned numerical pronouncements, full of rhetorical surges, are an endless litany whose corresponding stark white digits appear on a black screen. The artist reduces Castro’s ramblings to unintelligible quantifications of gains, losses or predictions, indeed reducing politics to endless spin and obfuscation.

Teresa Margolles’s Plancha (2010) is at first view a seemingly innocent minimalist sculpture, but it packs an intense emotional punch by its provocative use of bodily substances and its evocation of traumatic events. Water drips from above, hitting heated metal surfaces and evaporating instantly. Sourced from a morgue in Mexico City where the artist has worked, this is water used to cleanse corpses after autopsy—possibly also murder victims—while the steel plates are reminiscent of an operating table. With just a few concrete elements, Margolles vividly enacts the transformations of the human body after death, especially the final passage from presence to absence.

Philippe Parreno
Born 1964 in Oran, Algeria Lives and works in Paris, France. Solo shows include Serpentine Gallery, London (2010), Irish Museum of Modern Art, Dublin (2009), Centre Pompidou, Paris (2009). Directed the feature film Zidane: A 21st Century Portrait, with Douglas Gordon.
Taryn Simon

Born in New York in 1975. Solo shows include Tate Modern, London (2011); Neue Nationalgalerie, Berlin (2011); Whitney Museum of American Art, New York (2007); Museum für Moderne Kunst, Frankfurt (2008); Kunst-Werke Institute for Contemporary Art, Berlin (2004); and P.S.1 Contemporary Art Center, New York (2003). In 2011 her work was included in the 54th Venice Biennale.
Omer Fast

Born in Jerusalem, Israel in 1972. Lives and works in Berlin, Germany. Recipient in 2009 of the prestigious Nationalgalerie Prize for Young Art, Berlin. Nostalgia, Whitney Museum of American Art, New York (2009). 5000 Feet is the Best, Venice Biennale 2011.
Teresa Margolles

Born in Culiacán, Sinaloa, Mexico in 1963. Lives and works in Mexico City, Mexico. “Teresa Margolles. Muerte sin fin”, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, Germany (2004); “127 cuerpos”, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, Germany (2006);“Decalogo”, Museo Experimental, El ECO, Mexico City, Mexico (2007);“Frontera,” Museion, Bolzano, Italy and Kunsthalle Fridericianum, Kassel, Germany (2011). Represented Mexico at the Venice Biennale (2009).
José Toirac

Born in Guantánamo, 1966. Lives and works in Havana, Cuba. Exhibitions include “The American Effect” at the Whitney Museum of American Art in New York (2003), 7th Gwangju Biennale in Gwangju, Korea and “¡CUBA! Art and History from 1868 to Today” at the Museé des Beaux Arts de Montréal (2008).

« DOMESTIQUER »
jusqu'au 18 fév | until Feb 18
galeriedonaldbrowne.com


« L’esclave n’aspire qu’à sa liberté. Pour l’acquérir ou du moins l’approcher, l’homme, quel qu’il soit et quel que soit le passé qu’il porte, apprendra à se dompter lui-même. »

Jérôme Havre dévoile ici des éléments à ce jour inédits dans sa grammaire visuelle. L’artiste présente des photographies de cages de zoo qui soulignent le paradoxe de leurs deux fonctions : protéger et enfermer. De plus, la recherche textile (dite des « objets d’ornement ») se resserre sur deux mystérieuses sculptures plus fermes, plus abstraites que les précédentes. Les deux Holothuries (concombres de mer) attirent le regard de par leur apparence à la fois tendre et fuyante, née de patients raccommodements de matériaux et de formes, mille piqûres des quelques vieux tissus chamarrés.

“The enslaved aspire only for their own liberty. To attain or at least to approach it, Man, who ever he may be with his past, must learn to become his own master.”

Jérôme Havre unveils new elements in his visual language. In his first exhibit at the gallery, he presents a series of photos of zoo cages that underline the paradox of their two functions: to protect and to enclose. In addition, he explores sculpture with textiles (from the series Ornamented Objects). Two mysterious forms, more solid and abstract than his previous hybrids, are named after Holothuria (sea cucumbers). Entrancing the spectator with their tenderness and elusiveness, born of patient patch working of materials: formed by his thousands of stitches and baroque fabrics.

C’est donc avec des distorsions visuelles poétiques, tour à tour séduisantes et dérangeantes, que commence l’exercice de domestication. Ces décalages assumés nous parlent aussi de l’effort de l’artiste pour capturer ses images, apprivoiser son propos.

Jusqu’ici centrales dans son travail, les questions liées à l’ethnocentrisme, à la diaspora noire et au stéréotypage sont moins évidentes à percevoir. Néanmoins, il y a toujours un rapport à l’animalité qui renvoie à notre condition à tous face aux systèmes ainsi qu’un évident travail sur l’hybridation. Le souci de l’artiste, « c’est la plénitude du geste et de chacun, et non seulement le cri d’une perte, la revendication d’une appartenance qui se serait éloignée, tour à tour tamisée, masquée, tronquée, niée, estompée ou voilée. »

Jérôme Havre, né en France en 1972, vit et travaille à Montréal. Après la complétion de ses études préparatoires en art du textile, il a étudié à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts à Paris. Ces exposition récentes au Canada sont Fibered Optics au Richmond Art Gallery et Ottawa Art Gallery, commissaire Andrea Fatona, Insula: Reflexions (solo) à la Montréal Arts Interculturel (MAI) et The Night Watch à la Nuit Blanche de Toronto (2010). Il a participé à beaucoup de projets avec Articule Montréal. Son travail a été exposé et collectionné en Europe, Afrique et en Amérique du Nord. Il a été nommé pour la longue liste de Sobey Art Award en 2011.

It is with poetic and visual displacements, seducing yet unsettling, that Havre begins the exercise of domestication. These intended slippages or distortions speak to the efforts of the artist to capture images to explore his motifs.

Previously the central motifs of Havre were linked to questions of ethnocentrism, the black diasporas and stereotypes, they are now more universal. Nevertheless, there is always a reference to the animal nature of our condition, to react against the norms as well as our transformation and hybridization. The matter, the artist states, “is the fullness of the gesture and of each of us, not only the cry of a loss, but the claim of a belonging that would have removed, subdued, hidden, truncated, denied, blurred or veiled.”

Jérôme Havre, b. 1972, lives and works in Montreal. After completing his preparatory artistic studies in textiles, he studied at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. Recently he exhibited in Fibered Optics at the Richmond Art gallery and Ottawa Art Gallery, curated by Andrea Fatona, Insula: Reflexions (solo) at Montreal Arts Interculturel (MAI), The Night Watch at Toronto Nuit Blanche (2010) and participated numerous projects with Articule. Jérôme Havre has been exhibited and collected in Europe, Africa and North America. He was long listed for the Sobey Art Award in 2011.

commissaires : Marie-Ève Charron, Marie-Josée Lafortune et Thérèse St-Gelais
jusqu'au 25 fév | until Feb 25
optica.ca

© Sophie Bélair Clément (avec la collaboration de | with the collaboration of David Jacques), See you later / au revoir : 17 minutes en temps réel, 2008 (1/3). Installation vidéo, son | Video installation, sound. 18 minutes. Collection de la Galerie Leonard & Bina ellen, Université Concordia | Collection of the Leonard & Bina Ellen Art Gallery, Concordia University. Achat | Purchase, 2011.

L’exposition «Archi-féministes!» réunit un important corpus d’œuvres historiques et contemporaines de femmes artistes ayant contribué à l’histoire du centre depuis 1972. Pour une première fois, cette histoire est abordée sous une perspective féministe, un féminisme d’archives qui propose un regard rétrospectif et actualisé s’intéressant, entre autres, à la performativité des pratiques et aux stratégies qui prennent place dans la photographie, la vidéo et le document. Cette exposition, qui sollicite non seulement le fonds documentaire OPTICA, mais aussi des collections privées et publiques ainsi que des archives d’artistes, est présentée en deux volets.

The exhibition “Archi-féministes!” brings together a significant body of historical and contemporary work by female artists who have contributed to the centre’s history since 1972. For the first time, we are broaching that history from a feminist point of view, an archival feminism proposing a retrospective and updated perspective concerned, among other things, with performativity in artistic practices and strategies deployed through photography, video, and the document. The exhibition, occurring in two parts, draws not only on the OPTICA Archives, but also on private, public, and artists’ collections.

Après «Archiver le corps», «Performer l’archive» réunit des artistes qui appartiennent à la tradition documentaire ou qui la revisitent par le truchement de la performance, de l’appropriation, de l’accumulation et de la répétition. Ces stratégies, en plus d’interroger la notion d’auteur et sa tradition artistique, consistent à indexer le corps de l’artiste ainsi que le temps de production et de réception de l’œuvre. Les pratiques de Sophie Bélair Clément, de Raphaëlle de Groot, de Vera Frenkel, de Clara Gutsche et d’Emmanuelle Léonard questionnent divers processus de production par des opérations critiques faisant appel à la fiction, au corps, aux récits intimes, à la réflexivité et à la subjectivité.

Diplômée d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM, Sophie Bélair Clément propose depuis la fin des années 2000 des installations collaboratives revisitant des œuvres contemporaines, ainsi que des reconstitutions d’expositions muséales historiques et de salles d’expositions. En 2009, elle présentait «Le son du projecteur» à OPTICA, un projet basé sur une expérience vécue l’année précédente au Museum Anna Nordlander (Skellefteå, Suède). Elle a exposé son travail au Québec, au Canada et à l’étranger; l’automne dernier, elle faisait partie de la «Triennale québécoise 2011» au Musée d’art contemporain de Montréal.

Titulaire d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM, Raphaëlle de Groot poursuit depuis plus de dix ans une démarche reposant entre autres sur une activité de collecte qui permet de réorganiser une matière et de la constituer en archives. Elle compte de nombreuses expositions collectives et en solo à son actif, dont la plus importante a eu lieu en 2006 à la Galerie de l’UQAM. En 2001, elle participait à «Gestes d’artistes», organisée par OPTICA dans le cadre de la Saison du Québec à New York. De Groot est représentée par la Galerie Graff (Montréal).

Récipiendaire de nombreuses distinctions dont le Prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques (2006), Vera Frenkel a complété ses études à l’Université McGill. Ses installations, performances, vidéos et œuvres multimédia nous mettent en présence d’éléments de récits confondant réalité et fiction. Professeure émérite à l’Université York, elle compte à son actif moult expositions en solo et de groupe dont la Documenta IX de Cassel (1992) et la Biennale de Venise (1997). À OPTICA, elle a fait partie des expositions «Vérifications» (1984) et «Exposition rétrospective : volet II», soulignant le vingtième anniversaire du centre en 1992; elle est aussi l’une des auteurs de l’ouvrage «Penser l’indiscipline : recherches interdisciplinaires en art contemporain» (2001).

Clara Gutsche détient une maîtrise en photographie de l’Université Concordia, où elle enseigne également. Elle est reconnue pour sa photographie documentaire, notamment une célèbre série sur le quartier Milton Parc — réalisée en collaboration avec David Miller — présentée par OPTICA dans l’exposition et le catalogue «You Don't Know What You've Got 'Till It's Gone... The Destruction of Milton Park» (1973). Depuis 2000, on lui a consacré plusieurs expositions solo, dont au Musée de la Photographie (Charleroi, Belgique), à la Casa delle Letterature (Rome), à VU (Québec) et à Occurrence (Montréal).

Formée à l’UQAM et à l’Université Concordia, Emmanuelle Léonard aborde dans son travail le statut et la tradition de la photographie documentaire. L’artiste, qui s’est méritée le prix Pierre-Ayot de la Ville de Montréal en 2005, compte de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment au Musée d'art contemporain de Montréal et à la Neue Berliner Kunstverein (Berlin). Dans le cadre de la 10e édition du Mois de la Photo à Montréal, OPTICA présentait «Une sale affaire» (2007).

Marie-Ève Charron, Marie-Josée Lafortune, Thérèse St-Gelais
révision : Geneviève Bédard

OPTICA et les commissaires remercient le Conseil des arts et des lettres du Québec, volet soutien à des projets pour les organismes et les commissaires indépendants, pour son appui dans la réalisation de cette exposition. Merci à Madame Natacha Martin, ainsi qu’aux institutions partenaires nous ayant accordé leur confiance : la Galerie Leonard & Bina Ellen (Michèle Thériault, directrice et Mélanie Rainville, conservatrice Max Stern) et le Agnes Etherington Art Centre (Jan Allen, conservatrice en chef et conservatrice de l’art contemporain et Jennifer Nicoll, responsable des collections et coordonnatrice d’expositions). Merci à Josianne Monette pour les dossiers d’œuvres, à Geneviève Bédard pour les suivis de prêts, à Marc Dulude et à Pierre Przysiezniak pour les installations en galerie. Merci à Sophie Bélair Clément, à Raphaëlle de Groot, à Vera Frenkel, à Clara Gutsche et à Emmanuelle Léonard d’avoir gracieusement accepté notre invitation.

After “Archiver le corps” (“Archiving the Body”), “Performer l’archive” (“Performing the Archive”) brings together artists rooted in the documentary tradition, or revisiting it by way of performance, appropriation, accumulation and repetition. Besides interrogating notions of authorship and artistic tradition, these strategies examine and key off the artist’s body and the time of production and reception of the work. The practices of Sophie Bélair Clément, Raphaëlle de Groot, Vera Frenkel, Clara Gutsche, and Emmanuelle Léonard probe a variety of production processes through critical operations employing fiction, the body, personal narratives, reflexivity, and subjectivity.

Since the 2000s, Sophie Bélair Clément has been producing collaborative installations that revisit contemporary works and reconstruct historic museum and gallery exhibitions. For OPTICA in 2009, she presented “Le son du projecteur,” a project based on her experience at the Museum Anna Nordlander (Skellefteå, Sweden) the previous year. With a master’s in visual and media arts at UQAM, Clément has exhibited in Quebec, Canada and abroad. Last fall, she took part in “The Québec Triennial 2011” at the Musée d’art contemporain de Montréal.

Also holding a masters’ from UQAM’s École des arts visuels et médiatiques, Raphaëlle de Groot has, for the last ten years, produced works that often rely on the collection and archival reorganization of material. She has a great many group and solo exhibitions to her credit, the most important of which took place at Galerie de l’UQAM in 2006. In 2001, she took part in “Artists’ Gestures,” organized by OPTICA as part of the Saison du Québec à New York. De Groot is represented by Galerie Graff, Montreal.

Vera Frenkel, who studied at McGill University, has won numerous accolades and awards, including the 2006 Governor General’s Award in Visual and Media Arts. Her installations, performances, videos, and multimedia works present narrative elements that blur the distinctions between fiction and reality. Frenkel, a professor emerita at York University, has taken part in major solo and group exhibitions, including Documenta IX (Cassel, 1992) and the Venice Biennale (1997). At OPTICA, she took part in the exhibitions “Vérifications” (1984) and “Exposition rétrospective: volet II,” marking the centre’s twentieth anniversary in 1992; she is also among the contributors to “Creative Confusions: Interdisciplinary Practices in Contemporary Art ” (2001).

Clara Gutsche holds a masters in photography from Concordia University where she also teaches. She is noted for her documentary photography, particularly a renowned series on the Milton Parc neighbourhood jointly produced with David Miller and presented at OPTICA in the exhibition and catalogue “You Don’t Know What You’ve Got ‘Till It’s Gone... The Destruction of Milton Parc” (1973). Since 2000, her work has been the subject of solo exhibitions at a number of venues, including the Musée de la Photographie (Charleroi, Belgique), the Casa delle Letterature (Rome), VU (Quebec City), and Occurrence (Montreal).

Having studied at UQAM and Concordia University, Emmanuelle Léonard broaches the status and tradition of documentary photography. Winning the Ville de Montréal’s Prix Pierre-Ayot in 2005, she has taken part in many group and solo exhibitions, notably those held at the Musée d’art contemporain de Montréal and the Neue Berliner Kunstverein (Berlin). In 2007, as part of the 10th edition of the Mois de la Photo à Montréal, OPTICA presented Léonard’s “Une sale affaire.”

Marie-Ève Charron, Marie-Josée Lafortune, Thérèse St-Gelais
editing : Geneviève Bédard translation : Ron Ross

OPTICA and the curators gratefully acknowledge the support of the Conseil des arts et des lettres du Québec, volet soutien à des projets pour les organismes et les commissaires indépendants. Thanks to Ms. Natacha Martin and the organizations that have partnered with us: the Leonard & Bina Ellen Gallery (Michèle Thériault, Director, and Mélanie Rainville, Max Stern Curator) and the Agnes Etherington Art Centre (Jan Allen, Chief Curator and Curator of Contemporary Art, and Jennifer Nicoll, Collections Manager and Exhibition Coordinator). We are also grateful to Josianne Monette, who processed the works, Geneviève Bédard for managing the loans, Marc Dulude and Pierre Przysiezniak for the gallery installations, and to the artists Sophie Bélair Clément, Raphaëlle de Groot, Vera Frenkel, Clara Gutsche, and Emmanuelle Léonard for having graciously accepted our invitation.

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Les crises sociales sont des époques au cours desquelles les relations entre les Hommes sont redéfinies. On questionne leur nature, leur configuration, leur symbolique, leurs codes mais aussi leur finalité. Nous traversons, depuis le tournant du siècle, une telle crise. L'excroissance du consumérisme individualiste et utilitariste, libérateur après la dernière guerre mondiale, a laissé la place à une orgie de production de biens éphémères et au triomphe de l'argent devenu une fin. La débâcle de l'économie mondiale depuis 2008 exacerbe l'absurdité de ces débordements et force à réfléchir à une nouvelle configuration de nos interrelations économiques, sociales et politiques. Si les propositions de refontes - nombreuses et variées - ne sont parfois que marginales, voire cosmétiques, leur prolifération sur toutes les tribunes demeure symptomatique du profond besoin que nous avons à redéfinir le lien de civilisation qui nous unit.

Ernest Christophe - The Human Comedy Mask, 1876

La culture en général et les arts en particuliers, comme les sciences, constituent le liant civilisateur par excellence de notre société. Mais aussi - surtout? - le vecteur des interrogations fondamentales sur la nature de ce lien. La place de plus en plus congrue que les arts et les sciences occupent dans nos sociétés n'est pas étrangère à leur assujettissement aux diktats utilitaristes du capitalisme contemporain. Leur rôle comme vecteur de changement social et leur capacité à modeler la civilisation s'est étiolé. Les arts et les sciences devant être utile, ne serait-ce qu'indirectement, à la performance économique des nations. Les politiques culturelles ne sont-elles pas soumises de plus en plus, depuis quelques décennies, à faire la promotion de la vitalité talentueuse des régions? À attirer les classes "créatives," pour reprendre le concept célèbre de Richard Florida, question de stimuler le développement économique des agglomérations urbaines?

C'est que les arts et les sciences ont été, en grande partie, intégrées à l'aboutissement extrême de la logique civilisatrice occidentale de la domination et de la guerre. Les États nations modernes ont été bâtis sur une logique guerrière, comme le démontre la remarquable thèse de Bruce D. Porter, War and the Rise of the State.¹ La politique moderne (i.e. depuis 500 ans) s'est bâtie sur cette dynamique d'affrontements et de rapports de forces, lesquels ont été par la suite transposés dans les sphères économiques et sociales. La sacro-sainte "concurrence," forme atténuée de l'affrontement guerrier, a intégré le vocabulaire technocratique d'à peu près toutes les sphères de l'activité humaine, y compris des arts et des sciences. Une symbolique d'affrontement et de rapports de forces.

Pourtant, est-ce ainsi que les Hommes vivent? Est-ce ainsi qu'ils désirent vivre ensemble? Est-ce cela que l'art et la science donne à voir de nous mêmes?

La troublante sculpture de Ernest Christophe La Comédie humaine (1876) propose une "fonction" de l'art civilisateur à l'opposé de cette logique de rapports de forces. Cette magnifique femme nue impose par sa hauteur (2m45), son marbre charnel, la puissance de son bras gauche qui arrache le masque de sa vie publique. Cette force est appliquée à dévoiler, cependant, une grande faiblesse et une délicatesse émouvante. Baudelaire² a écrit à propos de cette œuvre:

vous découvrez le secret de l'allégorie, la morale de la fable, je veux dire la véritable tête révulsée, se pâmant dans les larmes et l'agonie. Ce qui avait d'abord enchanté vos yeux, c'était un masque, c'était le masque universel, votre masque, mon masque, joli éventail dont une main habile se sert pour voiler aux yeux du monde la douleur ou le remords.

N'est-ce pas là une allégorie du rôle de l'art, par une œuvre d'art? Les arts, comme les sciences, n'ont-ils pas cette force formidable de mettre à jour la faiblesse, la douleur, les fractures intérieures autant que la joie, l'amour et la bienveillance en nous? Les arts et les sciences nous permettent de sortir de nous-même en fabriquant du sens de notre condition humaine. Les grecs anciens appelaient cette capacité l'ekstasis (έκ-στασις), la capacité de se tenir hors de soi-même. De retirer le masque des rapports de force imposés par une logique d'affrontement pour mettre à jour nos profondes incertitudes et questionnements.

Appréhendés ainsi, les arts offrent comme lien civilisateur non plus des rapports de forces, mais des rapports de faiblesse, véritables affinités et attaches fraternelles. Ma fragilité offerte à l'autre que j'appelle à se lier à moi.

La crise profonde que nous traversons, à mes yeux, est une occasion de mettre de l'avant ces affinités fraternelles, en affirmant le rôle civilisateur des arts et des sciences dans leur capacité à nous démasquer, nous découvrir à l'autre et à lui offrir notre fragilité. Il suffit de l'omniprésence des liens marchands qui nous unissent et des rapports de forces qu'ils engendrent. La porte est ouverte aux rapports de faiblesse et à trouver, sinon à inventer, les rapports immanents qui nous unissent et à nous découvrir à l'autre.

Notes

1. Bruce D. Porter (1994), War and the Rise of the State: The Military Foundations of Modern Politics, New York: The Free Press.
2. Charles Baudelaire (1889), "Salon de 1859," in: Curiosités esthétiques, nouvelle édition, Paris: Calmann Lévy, p. 353.

« ICARUS : LA CHUTE DE L'EMPIRE »
commissaire : Claudine Hubert
jusqu'au 18 fév | until Feb 18
oboro.net

© Paul Litherland, 2011

« Le mythe d'Icare est une incarnation des ambitions démesurées de l'esprit, de l'intellect devenu insensé et de l'avidité de pouvoir. Pensant aux civilisations qui ont vénéré le Soleil, on ne peut que constater leur chute. Je crois que notre monde contemporain n'y échappe pas : le soleil nous brûle littéralement la peau, il assèche la terre et perturbe les champs magnétiques. Tout comme le mythe, les formes actuelles du Pouvoir exposent l'irrationalité et l'avidité qui s'y rattachent. À partir de cette réflexion et de ce point de vue, du moment dans le mythe où Icare est suspendu dans les airs, qu'il désire, qu'il aspire à sa liberté et à sa mort, j'exécute une allégorie de la chute de l'empire capitaliste. » [M.B.]

“The myth of Icarus is an embodiment of the spirit’s measureless ambition, of the intellect gone mad and of a hunger for power. Thinking of the civilizations that venerated the sun, we can only note their fall. I do not think our contemporary world will escape this: the sun literally burning away our skins, drying the earth and disrupting the magnetic fields. As in myth, the current forms of Power lays bare the irrationality and hunger they carry within. From this thought, and this point of view, from the moment in the myth in which Icarus hovers in mid-air, in which he desires, in which he aspires to his freedom and his death, I draw an allegory of the fall of Capitalism’s empire.”

Avec le corpus d’œuvres Icarus, Mathieu Beauséjour explore le motif de l’éblouissement sans pour autant occulter les multiples aspirations de la figure mythologique. L’exposition se construit et se métamorphose autour d'une série de dessins réalisés sur une surface préparée au gesso où Beauséjour trace à répétition autour d’un centre de très fines lignes qui s'étirent en périphérie du cadre. Une installation in situ, une vidéo, un gong géant et une trame sonore immersive complètent le tableau.

Avec Icarus. La chute de l’empire, Beauséjour poursuit une recherche et une réflexion qui sont au cœur de sa démarche artistique. Faisant d’Icare le symbole d'une fascination malsaine pour la volonté de puissance, il continue d’explorer la précarité de l'individu sociétal dans une conjoncture exponentiellement capitaliste. Les œuvres réunies se déploient dans la lenteur, la répétition et la gestuelle, instaurant un modus operandi autour du ralenti afin de créer des images qui sont à la fois tangibles et évanescentes parce qu'elles sont réalisées avec un minimum de moyens et une surenchère de geste et de temps.

Mathieu Beauséjour présente ses installations, interventions et images depuis le milieu des années 1990. Ses œuvres ont été présentées au Canada, en Europe et dans les Amériques dans des centres d’artistes, des galeries publiques et privées, des événements, biennales et musées. Il est représenté par la Galerie Éponyme à Bordeaux (France).
mathieubeausejour.com

By giving Icarus’s name to a new body of work, Mathieu Beauséjour states his interest in the notion of bedazzlement, which he explores together with the mythological figure’s myriad aspirations. The exhibition is constructed around a series of drawings created by methodically tracing countless fine lines that spread out to the border of the frame on a gessoed surface with a black ink pen. A site-specific installation, a video, a gong and an immersive soundtrack complete the proposition.

Icarus is aligned with the artistic themes fundamental to Beauséjour’s ongoing research: the precariousness of the societal individual in an increasingly consumer-driven capitalist civilization. The artist hereby transforms Icarus into a symbol of the unsavoury fascination for the will to power. Mathieu Beauséjour creates works that unfold at an unhurried, repetitive and gestural pace, establishing a modus operandi built on slow-motion to create images that are tangible yet evanescent because they are created with minimal means and an abundance of gesture and time.

Mathieu Beauséjour has been presenting his installations, interventions and images since the mid 1990s. His works has been shown in Canada, in Europe and the Americas in artist-run spaces, private and public galleries, museums, biennials and festivals. He is represented by Galerie Éponyme in Bordeaux (France).
mathieubeausejour.com

« THE CUDDLE COMMANDOS »
jusqu'au 3 fév | until Feb 3
vitrines du corridor York
fofagallery.concordia.ca

Christopher Moore, Passive Passive Pink (Artillery), 2007-2009

Using humor and satire to address notions of hyper-masculinity, an army of "citizen anti-warriors" will recruit audience to the "Cuddle Commando." Pink flocking-covered "artillery" will fill the vitrines. A series of performances, will also take place in the vitrine space, which will be turned into a "recruitment office" where a squadron of approximately 15 "Cuddle Commando" will recruit new troops. The public is asked to fill out a recruitment form and sign a pledge, appropriating military recruitment procedures. The new members of the Cuddle Commando are then asked to spread the philosophy which this humor-infused performance is meant to bring about, using misdirection to draw attention to the male-driven world of military force we have become so accustomed to in today's culture.

Moore's recent body of work functions as a direct response to the dangerous social construct of the “citizen warrior”—a means by which culture adopts the rhetoric and psychic burden of militaristic codes. From yellow magnetic ribbons on mini-vans to designer camouflage fatigues, the language of combat has become normalized and is actively exhibited within North American culture. A clear example can be evidenced in the ubiquitous appearance of the phrase “support the troops,” which has transitioned from political mantra to commercial slogan—a powerful sleight of hand used to distinguish political affiliations. Everyday citizens are largely encouraged to internalize and parrot this oversimplified model of conflict, lest one is viewed as anti-nationalistic or worse, supportive of terrorist activities. While propaganda has a long tradition of either pacifying or emboldening communities, there now exist greater levels of sophistication and misdirection, as a direct result of media proliferation and expanded modes of public dissemination.

The Cuddle Commandos and Passive Passive Pink projects aim to develop alternative models of combat gear, used to counteract the dominant aggressive tendencies sublimated in typical camouflage patterns and military garb, which have since entered into the fashion lexicon. In a sense, Moore wishes to create an army of “citizen anti-warriors” whose role is to pacify culture, and to draw attention to the institutionalized military codes that go largely unchecked and unnoticed in daily life. The subtle intervention of “cute” domestic animals into the repeating camouflage patterns reveals itself only to keen observers. The resultant effect is both unsettling and seductive, setting up a paradoxical and disquieting relationship to our shared understanding of the alpha male soldier—the indestructible fighting machine. Cuddle Commandos refutes this gender and sexual bias, by allowing the soldier a shield of vulnerability, and by diffusing the hyper-macho mythology of the heroic warrior.

Bio
Christopher Moore is a Montréal-based artist, designer and educator whose cross-disciplinary practice ranges from print publication to sculpture and media installation. His creative research currently focuses on satire as a progressive form of social critique, utilizing performance and absurdist humour to engage media-savvy public audiences. His work has been featured in numerous exhibitions, and he has participated in artist residency projects throughout North America. Moore has presented his scholarly research at Internatinla Conference, including the College Art Associatoin (CAA), Design Research Society (DRS), Association typographique international (ATYPI), The Society for Enviroinmental Graphics Design (SEGD), and the Universties Art Association of Canada (UAAC). For the past 12 years, he has tought at intitutions across Canada and currenlty hodls the position of assistant professor in design & computation arts at Concorida University.

« NON LOIN DE CHANDIGARH »
21 jan au 2 mars | Jan 21 to March 2
vernissage 20 jan 17h30 | Jan 20 ~ 5:30PM
occurrence.ca

Le mieux, c'est de faire semblant de comprendre.
Faire semblant de comprendre, mais en fait ne rien comprendre.
En réalité, je ne comprends rien, strictement rien.
C'est comme ça.
- Gao Xingjian, La Montagne de l'Âme, La Tour-d'Aigues : Éditions de l'aube, 2000, 4 dernières lignes du roman.

L’acte photographique est pour moi lié au déplacement. Que ce soit au coin de la rue ou à l’autre bout du monde, l’errance me procure l’état d’esprit nécessaire à la captation des images. Les photographies ainsi prises me permettent de construire des fictions qui se nourrissent d’impressions, d’émotions ressenties, autant que de brèves incursions dans la culture locale (littérature, cinéma, musique, politique et religion). Je recherche des associations poétiques où les images en séquences s’interpellent pour recréer une réalité qui se veut proche de la mémoire que je garde des lieux et des gens croisés.

Non loin de Chandigarh, c'est le risque de ne plus être en contrôle, celui de ne plus bien saisir ce qui m’arrive. En perte de repère, me raccrocher à ce que je connais : la photographie. C’est profiter de l'imprévu, miser sur le hasard des rencontres, apprendre, partager, chercher à mettre en reliefs mes impressions dans un tourbillon de contradictions. Mais avant tout, c’est vivre une expérience; celle de l'errance et l'inscrire clairement dans ma démarche artistique.

En 2010, j’ai parcouru pendant plusieurs mois les grandes villes et les routes indiennes afin de créer un carnet de voyage composé d'images photographiques, de vidéos et de sons.
- Pierre Blache

Pierre Blache a reçu une formation en photographie et en arts visuels au Collège de Matane et à l'Université Concordia de Montréal. Il a œuvré durant plusieurs années au sein de VOX, centre de l’image contemporaine, du Mois de la Photo à Montréal et de la revue Ciel variable. C’est depuis 1992, qu’il s’intéresse à la représentation critique de l’environnement par le biais de la photographie de paysage. En plus de ses expositions personnelles au Québec, il a participé à de nombreuses expositions collectives au Canada, en Europe et en Amérique latine. Son travail récent explore la relation qu’entretiennent la vidéo, le son et l’image fixe pour mieux comprendre l’humain et le milieu dans lequel il évolue.

« LE SENTIMENT GÉOGRAPHIQUE »
21 jan au 25 fév | Jan 21 to Feb 25
vernissage 26 jan 17h30 | Jan 26 ~ 5:30PM
galerienicolasrobert.com

Dans une nouvelle série d’œuvres sur papier, Simone Rochon propose des territoires fictifs et étranges. Évoquant la forme originelle d’un monde naturel, ces géographies hypothétiques questionnent l’écart entre l’idée d’une nature sauvage et sa représentation, le paysage. L’identité de ces espaces se situe entre le lieu et l’objet : flottant dans le néant, les paysages sont à la limite du microcosme et du macrocosme, de la légèreté et de la pesanteur. En l’absence de repères, ces représentations, pourtant figuratives, demeurent insituables. L’artiste place au cœur de son projet la montagne, archétype d’une nature indomptable et intouchée, empreinte de la trace des transformations qui l’ont produites : l’eau qui ruisselle et qui dilue la couleur, ou encore le parcours des pigments transportés par les coulisses d’encre. Minutieusement, l’artiste s’applique à rendre le paysage dépaysant. D’ailleurs, elle conçoit le sentiment géographique comme l’impression de se retrouver et de se perdre, soi-même, dans le paysage.

In a new series of works on paper, Simone Rochon creates strange, imagined territories. Evoking the natural world in its original form, these hypothetical geographical entities challenge the distinction between the concept of nature and its representation, landscape. Their identity is to be found somewhere between the place and the object: floating in nothingness, the landscapes are at the boundary of microcosm and macrocosm, of lightness and weightiness. In the absence of reference points, these representations—despite being figurative—remain impossible to locate. The artist places the mountain, the archetype of untameable and untouched nature, at the centre of her project. The mountain bears the marks of the transformations that produced it: water streaming down and diluting its colour, pigments carried along by trails of ink. The artist’s meticulous treatment of the landscape changes it into something strange and unexpected. Moreover, she interprets the Sentiment géographique as a simultaneous feeling of finding oneself and losing oneself in the landscape.

Simone Rochon vit et travaille à Montréal. L’an dernier, on a pu voir son travail à la Parisian Laundry, à la galerie Les Territoires et à l’espace Jean Brillant. Le Sentiment géographiqueconstitue son exposition de fin de maîtrise en Arts visuels et médiatiques à l’UQÀM.

Simone Rochon lives and works in Montréal. Last year her work was shown at Parisian Laundry, Galerie Les Territoires, and L’espace Jean Brillant. Le Sentiment géographique is her MFA thesis exhibition, presented as part of the Visual Arts program at the Université du Québec à Montréal (UQÀM).

« ИСЧЕЗНОВЕНИЕ »
26 jan au 10 mars | Jan 26 to March 10
vernissage 26 jan 17h30 | Jan 26 ~ 5:30PM
galeriesas.com

Fred Laforge s’est beaucoup intéressé aux notions de norme liées à l’image du corps. Avec ce projet, il déplace cette réflexion vers la norme du corps en soi, c’est-à-dire le corps en tant que matériau. Ses dessins et sculptures pixélisés déconstruisent le corps afin de mettre en perspective sa matérialité. Son travail suggère également l’évanescence et l’éventuelle disparition du corps. Aussi, un dialogue avec l’histoire de l’art s’enclenche lorsque l’image figurative se transforme en abstraction.

Fred Laforge ’s work has been turned to the notions of standards linked to the body image. With this project, he moves this perception towards the body standard in itself, i.e. the body as material. Through pixelated drawing and sculptures, the body is deconstructed in order to put its materiality in perspective. His work also suggests the evanescence and eventual disappearance of the body. Moreover, a dialogue with art history is started when the figurative image is changing itself into abstraction.

L’artiste a choisit un terme russe pour intituler sa série, ИСЧЕЗНОВЕНИЕ, qui se prononce « ischeznovénié» et peut se traduire par l’évanescence ou disparition, thème qui se retrouvent dans le corpus présenté tant par les caractéristiques formelles de la pixellisation que par les sujets représentés. L’utilisation de l’alphabet cyrillique met de l’avant la relation qu’entretient cette série avec la géométrie du carré, faisant écho à l’avant-garde moderniste soviétique et plus précisément au travail de Kasimir Malevitch qui a influencé l’artiste dans la production des œuvres présentées.

Fred Laforge vit et travaille à Montréal. Il a débuté en 2009 un doctorat en arts à l’Université du Québec à Montréal. Son travail a été diffusé au Canada comme à l’étranger lors de plusieurs expositions individuelles et collectives. Il a notamment participé à la manif d’art de Québec, à Artransmédia en Espagne, à Espace en mouvance au Chili ainsi qu’à la Biennale de Vrsac en Serbie. 2011 fut une année riche en expositions : expositions solo à la galerie Occurrence (Montréal) et à la galerie Plein Sud (Longueil), expositions collectives à la galerie sas (Montréal) en juin et décembre 2011 et participation à la Foire Papier 11 (Montréal) avec la galerie sas. Son travail est aussi présenté actuellement à L’œil de Poisson (Québec) et ce jusqu’au 12 février 2012. Fred Laforge a reçu de nombreuses bourses du Conseil des Arts et des Lettres du Québec et ses œuvres font parti de collections privées et institutionnelles (Musée National des Beaux Arts du Québec).

The artist chose a Russian term for the series title, ИСЧЕЗНОВЕНИЕ, pronounced "ischeznovénié" and can be translated by the evanescence or dispearance, themes that can be found in the corpus presented by both the formal characteristics and the subjects represented. The use of the Cyrillic alphabet sets forth the relationship of this series with the geometry of the square, echoing the Soviet modernist avant-garde and more specifically the work of Kasimir Malevitch that influenced the artist in the production of the works presented.

Fred Laforge works and lives in Montréal. He started a doctoral degree in arts at the Université du Québec à Montréal in 2009. His work has been shown as much in Canada as abroad within the framework of many individual and collective exhibitions. He notably participated to the Manif d'Art of Québec, to "Artransmedia" in Spain, to "Espace en mouvance" in Chili and to the Vrsac Biennal in Serbia. The year 2011 was one rich in exhibitions: solo exhibitions at the gallery Occurrence (Montréal) and at the gallery Plein Sud (Longueuil), collective exhibitions at Gallery SAS (Montréal) in June and December 2011 and participation to the Papier Art Fair 11 (Montréal) with the Gallery SAS. His work can also be seen at L’oeil de Poisson (Québec) until February 12th, 2012. Fred Laforge received numerous grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and his works are part of private and institutional collections (Musée national des beaux-arts du Québec).

jusqu'au 4 fév | until Feb 4
sous la direction de Rodrigue Jean
dazibao-photo.org

Il existe à Montréal un quadrilatère, une zone délimitée par les rues Saint-Denis, De Lorimier, Viger et Sherbrooke, une sorte d’épicentre de la prostitution, de la drogue, de l’itinérance et de toutes les activités qui y sont liées. C’est dans cette zone qu’ Épopée prend source. Bouleversant projet collectif initié par le cinéaste Rodrigue Jean, Épopée est constitué d’une série de courts métrages écrits et réalisés en collaboration avec des toxicomanes et des travailleurs du sexe.

There exists in Montreal a district bounded by the streets St. Denis, De Lorimier, Viger and Sherbrooke, a kind of epicentre of prostitution, drugs, homelessness and every activity tied up with these. This is where Épopée is rooted. A staggering group project initiated by the filmmaker Rodrigue Jean, Épopée consists of a series of short films written and made in collaboration with drug addicts and sex trade workers.

L’idée naît pendant le tournage d’ Hommes à louer (2008), alors que des participants expriment le désir de créer, en plus du documentaire, des fictions. Composé de récits, les Fictions et les Trajets, Épopée revendique et pose le cinéma – écriture, tournage, montage, diffusion – comme un geste, un instrument de liberté et de communauté, une affirmation ouverte d’un radicalisme existentiel. Dans ces courts métrages, les frontières départageant communément fiction et documentaire cessent d’être, alors que ces genres se relaient l’un l’autre pour livrer à l’écran une vérité toute crue, sans ambages, mais dont la force symbolique donne sens aux événements particuliers qui sont relatés. Épopée ne brosse pas de portraits des protagonistes, qu’ils soient fictifs ou réels. Ces films réunis nous renvoient plutôt une image de notre société, de sa structure et de ses instances trop souvent insaisissables et gouvernées par l’exclusion. L’anonymat du collectif est ici une revendication, voire une subversion, loin de l’esquive et d’aucune manière la conséquence du refus d’assumer le propos. L’anonymat s’inscrit ici tel un geste de résistance, poétique et politique.

Par l’écriture puis le jeu, ou comme sujet des trajets, les membres d’ Épopée prennent parole, s’approprient leur propre histoire. Ce faisant, ils opèrent un renversement de l’autorité à laquelle se soumet d’ordinaire tout sujet. Leur parole est action.

Épopée est diffusé sur le web à epopee.me

This idea was born during the shooting of the film Men for Sale (2008), whose participants expressed the desire to create fictional work in addition to the documentary film. Made up of stories, the Fictions and Trajets [traces], Épopée claims for cinema —the writing, shooting, editing and distribution of films— the status of gesture and instrument of freedom and community, an open call for an existential radicalism. In these short films the boundaries commonly used to distinguish between documentary and fiction cease to exist; the two genres merge to yield a raw on-screen truth that doesn’t beat around the bush but whose symbolic power gives meaning to the individual events they relate. Épopée does not offer a portrait of its protagonists, be they fictive or real. The films provide us instead with a picture of our society, its structure and the way it works, too often impossible to grasp and ruled by exclusion. Here the anonymity of the collective is a statement, even a subversion; it is far from an evasion and in no way the consequence of a refusal to assume responsibility for what is being said. Anonymity in this case is a poetic and political gesture of resistance.

Through the writing and acting of the films, the members of Épopée, the subjects of these Traces and Fictions appropriate their own stories. By speaking they are engaging in action. In so doing, they overturn the authority to which any subject usually submits.

All episodes can be viewed on the Internet as they are completed at epopee.me

jusqu'au 25 fév | until Feb 25
commissaires: Michèle Thériault, Vincent Bonin et Barbara Fischer
ellengallery.concordia.ca

A Genuine Simulation of..., Suzy Lake, 1974. Couverture, Camérart, catalogue de l'exposition, Galerie Optica, Montréal, 1974.

« TRAFIC : L’ART CONCEPTUEL AU CANADA 1965-1980 » organisée par l'Art Gallery of Alberta, la Justina M. Barnicke Gallery et la Vancouver Art Gallery. Au cours des quelque dix dernières années, l’impact mondial de l’art conceptuel a fait l’objet de nombreuses études et expositions historiques. Au Canada, cependant, l’attention portée à l’art conceptuel a été limitée. Trafic. L’art conceptuel au Canada 1965-1980 est la première exposition majeure à explorer l’influence et la diversité de l’art conceptuel au Canada. Elle réunit des œuvres de plus de soixante-dix artistes qui ont participé, sur le plan local, à ce phénomène international.

« TRAFFIC : CONCEPTUAL ART IN CANADA 1965-1980 » organized and circulated by the Art Gallery of Alberta, the Justina M. Barnicke Gallery and the Vancouver Art Gallery. In the past decade, the global impact of conceptual art has been the subject of numerous historical studies and exhibitions. Its various manifestations in Canada, however, have remained a limited concern. Traffic: Conceptual Art in Canada 1965-1980 is the first major exhibition to track the influence and diversity of conceptual art across Canada, bringing together works by over 70 artists who participated locally in this international phenomenon.

Composée de centaines d'œuvres et de documents d'archives, l'exposition itinérante Trafic. L'art conceptuel au Canada 1965-1980 sera présentée à Montréal suite à son passage à Toronto, à Halifax et à Edmonton. Divisé en deux volets, cet important projet commissarial occupera les espaces de la Galerie Leonard & Bina Ellen. Le public découvrira des pratiques artistiques conceptuelles de Montréal, Toronto, London et Guelph dans le premier volet du 13 janvier au 25 février, alors que son attention se portera sur celles d'Halifax, de Vancouver, des Prairies et de l'Arctique du 16 mars au 28 avril.

Les pratiques conceptuelles à Montréal ne peuvent être dissociées des turbulences politiques, sociales et culturelles des années 1960 et 1970, soit la modernisation des institutions étatiques, la démocratisation de la culture et le projet d’émancipation du Québec francophone. Un grand nombre des principaux adeptes de l’art conceptuel appartiennent à la communauté anglophone (Tom Dean, Suzy Lake, Bill Vazan). Toutefois, de nombreux artistes francophones (Rober Racine, Françoise Sullivan, Serge Tousignant) se sont intéressés à une approche artistique dématérialisée, car elle leur offrait la possibilité de combiner les médiums et les disciplines et leur conférait une liberté d’expérimentation qui constituait pour eux une autre façon de s’inscrire dans le projet de modernisation culturelle du Québec.

À Toronto, le circuit artistique des années 1960 et 1970 est né d’une constellation d’institutions et de collectifs contre-culturels tels que le collège Rochdale de l’Université de Toronto, Art Metropole et General Idea. Ces initiatives illustrent le désir répandu d’unir des lieux géographiquement éloignés, d’établir des réseaux sociaux et de développer des communautés artistiques tout en commentant la complexité de l’optimisme technologique et de la réalité administrative. Avec des œuvres de Ian Carr-Harris, Condé/Beveridge, Vera Frenkel, Michael Snow, Joyce Wieland.

Produit avec l'appui du Programme d'aide aux musées du ministère du Patrimoine canadien et du Conseil des Arts du Canada.

Featuring hundreds of artworks and archival documents, the travelling exhibition Traffic: Conceptual Art in Canada 1965-1980 arrives in Montreal after being previously shown in Toronto, Halifax, and Edmonton. Presented in two parts at the Leonard & Bina Ellen Art Gallery in 2012, the first section focuses on conceptual art in Montreal, Toronto, London, and Guelph from January 13 to February 25, while the second section is devoted to Halifax, Vancouver, the Prairies, and the Arctic, opens on March 16th.

Conceptual art practices in Montréal cannot be dissociated from the political, social, and cultural turmoil of the time, marked by the modernization of state institutions, the democratization of culture, and francophone Québec’s project of national sovereignty. Many of the most prominent practitioners of conceptual art were anglophone (Tom Dean, Suzy Lake, Bill Vazan), however francophone artists (Rober Racine, Françoise Sullivan, Serge Tousignant) were equally drawn to dematerialized, interdisciplinary, and experimental approach to art-making, as an alternate way to inscribe themselves in Québec’s program of cultural modernization.

Throughout the 60s and 70s, Toronto’s arts scene witnessed the emergence of such vibrant countercultural institutions and collectives as the University of Toronto’s Rochdale College, Art Metropole, and General Idea. Artistic initiatives of this period embodied a pervasive desire to link geographically distant places, establish social networks, and develop artistic communities, while commenting on the complexities of technological optimism and the conundrums of administrative realities. With works by artists Ian Carr-Harris, Condé/Beveridge, Vera Frenkel, Michael Snow, Joyce Wieland.

Produced with the assistance of the Museums Assistance Program of the Department of Canadian Heritage and the Canada Council for the Arts.

jusqu'au 25 fév | until Feb 25
commissaire : Nadia Myre
artmur.com

WILL WILSON

REBECCA BELMORE

RAYMOND DUPUIS

SONNY ASSU - JASON BAERG - CARL BEAM - KEVIN LEE BURTON - HANNAH CLAUS - BONNIE DEVINE - EDGAR HEAP OF BIRDS - VANESSA DION FLETCHER - NICHOLAS GALANIN - GREG HILL - ROBERT HOULE - MARIA HUPFIELD - RITA LETENDRE - GLENNA MATOUSH - ALAN MICHELSON - NADIA MYRE - MARIANNE NICOLSON - MICHAEL PATTEN - ARTHUR RENWICK - SONIA ROBERTSON - GREG STAATS - TANIA WILLARD

Une manifestation d’art contemporain autochtone nord-américain. La cinquantaine d’œuvres sélectionnées par la commissaire mettent de l’avant les problématiques inhérentes au pouvoir du langage et au territoire dans le contexte colonial – problématiques toujours très vives et au cœur de l’expérience autochtone. Ces œuvres photographiques, picturales, sculpturales, vidéo et installatives dressent un portrait diversifié et fort de la communauté autochtone nord-américaine actuelle. Elles incarnent plusieurs voix s’unissant dans un même discours, illustrent une quête identitaire (les négociations opérées entre les deux systèmes – occidental et amérindien) et affirment la fierté d’une communauté plurielle. Chacune emploie une stratégie différente pour baliser le territoire, pour repousser l’assimilation et contrer l’oubli.

Language lives in the naming of places, and the memory of those places lives in language – combined, they are the building blocks of culture. What happens to a people when they are severed from their language? Severed from their land? How does one speak to the erasure of our historical and collective memories? Or adequately express culture when we have forgotten (or never knew) the words with which to read the landscape? How do we counter what David Garneau calls the “assimilationist project” and move beyond our collective wounds of amnesia, trauma, and psychic loss?

Cette manifestation d'art contemporain autochtone se veut pallier à une carence que nous avons observée dans le contexte artistique québécois actuel, dans lequel ce type d'art a peu de visibilité et demeure peu diffusé malgré son dynamisme et la créativité inouïe dont il témoigne. Par un heureux hasard, l'exposition coïncide avec la première parution, à la télévision de Radio-Canada, de la mini-série 8e Feu qui, comme Baliser le territoire, a pour objectif d'entamer un dialogue entre les trois peuples fondateurs du Canada.

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L'année 2011 aura été une année record pour le marché mondial de l'art, comme l'atteste une analyse de Beautiful Asset Advisors, LLC. Globalement, la valeur du marché de l'art, mesuré par l'indice "Mei Moses All Art," a augmenté de 11% l'an dernier. Cette performance dépasse largement celle des marchés boursiers. L'indice S&P500 d'actions américaines n'a augmenté que de 2% au cours de la même période. Depuis 10 ans, le marché de l'art a battu celui des actions boursières six années, enregistrant un rendement moyen de 7,8% contre 2,7% pour le S&P500. Bien plus, il est historiquement démontré que la valeur du marché de l'art est contrecyclique: lorsque les valeurs boursières sont déprimées, celles de l'art sont en hausse. On serait porté à croire que l'art agirait donc comme une "valeur refuge" pour les investisseurs.

Walter Crane, King Midas with his daughter, 1893, from A Wonder Book for Boys and Girls by Nathaniel Hawthorne

En réalité, il semble que nous vivions présentement un deuxième "boom" du marché de l'art, après celui du début des années 1980 (qui avait suivi, lui aussi, une sévère crise économique, après le deuxième choc pétrolier de 1979). Qu'est-ce qui a changé, depuis vingt ans?

Trois phénomènes ont pris de l'importance - phénomènes qui suivent étroitement le développement économique mondial.¹

1. La mondialisation a un impact formidable sur le marché de l'art. Alors que le marché mondial de l'art était concentré jusqu'à la deuxième guerre mondiale en Europe continentale, puis s'est déplacé vers les États-Unis (et New York, notamment), il est maintenant véritablement mondialisé. Ni l'Europe ni les États-Unis n'en sont plus l'épicentre - bien plus, elles ont perdu leur place de choix. Les acheteurs du Moyen Orient et d'Asie occupent maintenant le haut de la liste. En 2010, les Chinois concluaient environ le tiers des ventes dans les principaux encans (ce qui est déjà énorme); on estime qu'en 2011, ce sera environ 35 à 40% du marché qu'ils contrôleront. La Chine est désormais le premier acteur mondial du marché de l'art.² 
   
2. L'Europe ni les États-Unis ne sont plus, également, les centres de la production artistique. En effet, en 2011, la valeur des œuvres des artistes chinois a cru de 20,6%, soit près du triple de la croissance moyenne du marché mondial. Ce phénomène s'explique en grande partie par le désir des collectionneurs chinois de rapatrier les œuvres de leurs compatriotes sur leur territoire. Ceci étant rendu possible, évidemment, par l'enrichissement récent des premiers.
   
3. Mais surtout, l'art contemporain est maintenant le véhicule d'investissement préféré des collectionneurs. Cela a émergé au cours des années 1980 - en grande partie en raison du peu d'œuvres d'autres époques disponibles sur le marché - et semble se traduire en une tendance lourde en ce début de 21e siècle. Si l'art moderne et les impressionnistes connaissent toujours une bonne performance (14,0% de croissance de leur valeur en 2011), les grands maîtres et les œuvres du 19e siècles n'ont connu qu'un modeste 4,8% de croissance. En revanche, la valeur des œuvres d'art contemporain (d'après-guerre) a connu, elle, une croissance impressionnante de 6,4% en 2011.
   

Selon le site spécialisé Artprice, le marché mondial des arts visuels valait 10,7 milliards de dollars en 2011, alors qu'il était capitalisé à environ 9,5 milliards en 2010.³ Ce sont des chiffres impressionnants, mais en même temps il s'agit là d'un tout petit marché. À titre de comparaison, la production annuelle d'or s'élève à plus de 50 milliards de dollars et la valeur des actions des 500 entreprises comptabilisées dans l'indice S&P500 est de plus de 6000 milliards de dollars...

Il s'agit donc d'un petit marché de "niche," comme on dit en marketing. Réservé à une élite généralement fortunée. Au regard de tous ces chiffres, est-ce un investissement comme un autre? S'il est historiquement vérifié, en effet, que le marché de l'art est contrecyclique, il y a une présomption forte pour qu'il constitue un investissement refuge lorsque les marchés boursiers connaissent une mauvaise performance. Pourtant, à long terme, les arts visuels ne sont pas un meilleur investissement que la bourse de valeurs: les deux marchés connaissent à peu près les mêmes rendements sur plusieurs décennies. De plus, acheter des œuvres d'art comme investissement présente certains inconvénients que les titres financiers n'ont pas. (a) Elles ne sont pas "liquides" - i.e. on ne peut pas les revendre facilement sur le marché, sauf pour quelques rares exceptions (même pour les "vedettes" de l'art contemporain, le marché secondaire n'est pas très ouvert). (b) Si la valeur moyenne du marché global connaît une performance comparable à celle des marchés boursiers, la valeur individuelle d'une œuvre peut, elle, varier grandement dans le temps. Il faudrait donc avoir un "portefeuille" diversifié d'œuvres d'art, comme c'est le cas pour les produits financiers qu'il est possible d'acquérir en prévision de notre retraite, par exemple. (c) Contrairement aux produits financiers, il existe peu de conseillers accessibles indépendants pour aider l'investisseur à faire un choix éclairé. Il y a des "arts consultants" dans le monde anglo-saxon qu'on rencontre peu chez nous, mais ils sont réservés, bien évidemment, à une clientèle très fortunée. Pour le commun des mortels, cela n'existe pas.

Au final, les acheteurs d'art, les riches New-Yorkais d'hier ou les riches Chinois d'aujourd'hui, sont probablement motivés par des considérations autres que celles du pur rendement financier. Il y a fort à parier que leur comportement participe davantage de ce que le sociologue américain Thorstein Veblen appelait la "consommation ostentatoire": le désir de publiciser un statut social, acquis ou hérité. "La fortune (...) n'a jamais été une source suffisante d'honneur en soi. Il lui faut de la publicité qui se fait habituellement à l'aide de marchandises coûteuses et fort peu discrètes." [4] Des dizaines de petits Midas qui transforment en or l'art qu'ils achètent dans les salons feutrés des salles d'encans.

Notes

1. Patrick Mathurin (2012), "Gold feels weight of Paulson Curse," The Financial Times, 8 janvier 2012.
2. Georgina Adam (2011), "The art market: Record breakers and fakers," The Financial Times, 30 décembre 2011.
3. Ibid. Notons que ces valeurs représentent uniquement les ventes dans les grands encans et excluent notamment les ventes des galeries d'art.
4. John Kenneth Galbraith (1958), L'ère de l'opulence, Paris: Calmann-Lévy, nouvelle édition, 1986, p. 112.

Pour sa première parution de l’année 2012, la chronique se veut anachronique. À rebours, elle retourne sur les vingt expositions montréalaises et revient sur une première année de chroniques publiées ici toutes les deux semaines.

Simon Bilodeau

JEUNE SCÈNE ARTISTIQUE
L’année 2011 a su démontrer l’alliance heureuse de jeunes artistes avec des lieux établis des arts visuels à Montréal. À l’image de SBC, CIRCA ou encore la Maison des arts de Laval, nombreux sont les organismes qui permettent de déployer cette présence de la jeune scène montréalaise au sein d’institutions fortes (Barrow et Lavoie au MAC, Deslauriers au musée de Joliette, Bilodeau au centre expression Ste Hyacinthe) et de participer à leur reconnaissance publique et critique.

Susy Lake - photo : Richard-Max Temblay  

COMMISSAIRES
La place donnée en 2011 aux expositions de groupes a été maintes fois l’occasion d’explorer les visions de commissaires d’exposition. Sous la gouverne d’artiste-commissaire, de commissariat collectif (Archi-féministe!) ou de critique d’art (Déclic 70), les expositions ont montré une variété de combinaisons et d’alliances inédites, ralliant des œuvres parfois très hétéroclites ou méconnues. En 2011 tout particulièrement, le commissariat a trouvé une place de choix dans des lieux aussi variés que les centres d’artistes ou les galeries privées.

François Quévillon

MULTI-MÉDIA
À l’image de la place faite aux arts médiatiques au sein de l’art contemporain à Montréal, plusieurs expositions ont ouvert la voie à des propositions artistiques qui incluent de plain-pied les nouvelles technologies (Quévillon) et confirment l’accointance qui peut exister entre la scène montréalaise et les arts médiatiques (Grupmuv).

Clement de Gaulejac

Il ne faudrait pas non plus minimiser l’implication - dans la création communément rassemblée sous la bannière des arts visuels- des recherches sonores (Winderen), textiles (Deslauriers), cinématographiques (Lavoie), bédéistes (De Gaulejac) ou encore médicales (Fuller).

Sophie Jodoin

GENRE DOCUMENTAIRE
D’innovantes expositions ont vu le jour durant l’année, prenant appui sur le genre documentaire. Elles composent un regard critique et sensible à partir d’archives personnelles (Jodoin), publiques ou encore historiques (Jacob, Déclic 70). L’archive devient dès lors le matériau privilégié, l’assise tangible de possibles sciences-fictions, de visions fantasmées, où l’espace permet d’expérimenter la cohérence, de rassembler et de confronter un ensemble d’œuvres afin de créer une vision futuriste et fantasmée (Gabriel Coutu-Dumont, Wilson, Bilodeau, Laganière).

Daniel Barrow 

PERFORMANCE
Les expositions peuvent également associer un travail de performance. Palier vivant, périssable et mouvant de l’exposition, la performance permet de venir éclairer judicieusement le volet exposition. À l’image du projet double de Daniel Barrow exposant à SBC et proposant une performance au MAC, elles peuvent alors jouer de la richesse de cette alliance.

John Marriott - photo : Richard-Max Tremblay

REJOUER L’EXPOSITION
Les expositions sont aussi le lieu privilégié pour les artistes pour interroger, manier les styles et les modes usités d’expositions.

Tour à tout vindicatifs, critiques, joueurs, et selon des modalités très différentes, Monkman et Marriott ont détourné dans leurs œuvres les vestiges conventionnels de la peinture et de la sculpture. Pour leurs expositions montréalaises, les artistes ont choisi d’utiliser l’espace de l’exposition et le lieu symbolique de la galerie pour offrir une vision acérée des genres traditionnels. L’exposition reste le terrain de jeu privilégier des artistes qui y puisent une créativité nouvelle, distincte de l’atelier ou du projet virtuel.

commissaire : Thérèse St-Gelais
13 jan au 18 fév | Jan 13 to Feb 18
galerie.uqam.ca

Geneviève Cadieux, Sans titre (Œil), 1991, épreuve argentique sur papier. Collection d’œuvres d’art de l’UQAM.

Une exposition collective dont le commissariat est assuré par Thérèse St-Gelais. L’exposition présente des œuvres qui rendent perceptibles des expériences sensitives que le regard seul ne peut saisir. Elle rassemble des œuvres de Ghada Amer, Caroline Boileau, Louise Bourgeois, Marie-Claude Bouthillier, Geneviève Cadieux, Caroline Gagné, Betty Goodwin, Anne-Marie Ouellet, Kiki Smith et Angèle Verret. Le vernissage aura lieu le jeudi 12 janvier, à 17 h 30, à la Galerie. Une publication substantielle accompagnant l’exposition sera également lancée.

L’exposition
Le regard peine parfois à voir l’œuvre qu’il a devant lui, alors que le corps s’active, malgré lui, à la recevoir. Or, c’est à rendre visible cette sensibilité que se consacre Loin des yeux près du corps. Au-delà du regard, c’est au corps, à ses expériences sensitives, à sa mémoire viscérale que les artistes présentées ici s’adressent. Comme si les images qu’elles produisent s’imprégnaient d’une corporalité indissociable de leur manière de voir le monde. Les artistes choisies, toutes des femmes, partagent cette volonté de rejoindre l’autre par des voies où l’expérience de l’œuvre, celle des affects et du désir, ne tient pas compte de la distance imposée par le regard.

Loin des yeux près du corps ne cible pas des artistes dont la démarche serait explicitement liée à la représentation de marqueurs féminins. Elle veut plutôt montrer des modes de travail qui relient les corps aux manières de faire. Elle se fonde sur le principe que nos ancrages dans les espaces de vie, comme dans ceux de la réflexion ou de la création, sont indissociables les uns des autres. Ces expériences qui appartiennent à la mémoire du corps et au travail de l’esprit, surtout si elles se jumellent à des engagements sociaux, ne peuvent se penser sans lien entre elles. À distance de l’intime, loin d’une saisie de visu, le regard se fait ici réceptacle d’une mémoire corporelle à partager.

Thérèse St-Gelais, professeure au Département d’histoire de l’art de l’UQAM, mène depuis plusieurs années une vaste étude sur l’histoire de l’art des femmes et propose ici une réflexion critique en appui sur des considérations aussi bien sociologiques et iconographiques qu’esthétiques.

La publication
L’ouvrage Loin des yeux près du corps. Entre théorie et création rassemble des essais portant sur la production actuelle de créatrices, toutes formes d’art confondues. En première partie, l’ouvrage se concentre sur les œuvres de l’exposition, tandis que la seconde partie regroupe des textes qui se penchent sur les liens étroits entre la théorie et la création dans le travail de femmes artistes, auteures, historiennes et théoriciennes. Ensemble, ces essais et ces œuvres montrent combien le corps et l’esprit fusionnent lorsqu’ils s’engagent dans l’affirmation d’une identité sans cesse à revoir. La publication est produite en coédition avec les Éditions du remue-ménage.

Auteures : Thérèse St-Gelais, Sylvie Fortin, Émilie Houssa, Joanne Lalonde, Anne-Marie St-Jean Aubre, Mercédès Baillargeon, Catherine Cyr, Stéphane Martelly, Lori Saint-Martin, Jocelyne Lupien, Frieda Ekotto, Martine Delvaux, Isabelle Boisclair, Catherine Mavrikakis, Elvan Zabunyan, Audrey Laurin, Liza Petiteau, Sophie Stévance, Jacinthe Dupuis

182 pages / En français 35 $

« BOUDDHA - LA LUMIÈRE DE LA CONSCIENCE »
17 au 29 jan | Jan 17 to 29
vernissage 19 jan 18h00 | Jan 19 ~ 6:00PM
lespacecontemporain.com

Nous avons tous, un oeil différent pour voir ce que nous percevons être la réalité. Le monde que nous voyons ne fait que refléter notre propre cadre de référence intérieur. La connaissance devient la vérité. Cette exposition nous présente un corpus d’œuvres photo créé au fil des voyages de l’artiste, au fil d’une vie, nous faisant vivre l’expérience d’une facette variée de l’énergie de la sagesse. Jean-Michel LABERGE tente ainsi de refléter sur papier l’état intérieur ou de profondeur du sujet, de la photo, pour y jeter une nouvelle lumière, puis la voir en recul avec les yeux de l’esprit, détaché, sans jugement ni association. Pour voir comme de l’intérieur. Inspirée de ces immenses statues, on accède à une infime parcelle de sa pensée, son être, son énergie, sa présence. Combiné avec des photos de paysages pris pour la plupart en plein milieu de l’océan, dans la solitude et le recueillement de l’aube ou de l’aurore. Cette autre lumière qui guide l’artiste aux premiers ou aux derniers rayons de l’Astre solaire. Comprenant que ces photos sont telles des invitations, vous êtes convié à votre tour à y entrer, tel dans un passage ou un rêve, traverser une fenêtre, pour y faire l’expérience de la lumière, même si ce n’est que l’instant d’une photo !

L’ARTISTE
Jean-Michel LABERGE, photographe, mais aussi designer-décorateur. Sa recherche personnelle en photographie est toujours en évolution. Avec une démarche artistique qui essaie de démontrer à quel point nous adhérons à un système basé sur la dualité et des opposés.

Dans ses photos, ceci est rendu par les clairs obscurs, par les nuances de noirs et de contrastes intenses où la lumière est en fait le vrai sujet. Au fur et à mesure de cette maîtrise, tout d’abord intuitive, mais qui devient de plus en plus consciente. La lumière de la conscience peut agir, pour dissiper et atteindre une maîtrise intérieure.
Lors de séjours au Myanmar (Birmanie), au Cambodge, en Thaïlande et en Inde, l’artiste été surpris par la présence immanente que ces « images » de Bouddha reflétaient et en se recueillant devant chacune d’elles, y faire une expérience de la lumière.

Cela a changé sa perspective et sa vision, cette nouvelle lumière peut être captée et révéler le mirage intérieur existant et transcender alors une croyance ou une autre. « En fait, nous vivons un rêve (comme pour moi, l’impression de ces photos est un rêve), et nous pouvons à tout moment nous éveiller à l’Unité, l’UN , et faire de cette lumière d’amour et de sagesse notre nouvelle conscience et s’unifier. »

« MENUS MOUVEMENTS DE VA-ET-VIENT »
14 jan au 11 fév | Jan 14 to Feb 11
vernissage 14 jan 15h00 | Jan 14 ~ 3:00PM
galerietroispoints.qc.ca

Exposition regroupant une toute nouvelle série d’œuvres sur papier de grand format, sera présentée du 14 janvier au 11 février prochain. Si Elmyna Bouchard est très reconnue pour son travail de gravure, elle nous a présenté ces dernières années de grands tableaux sur lesquels le papier devient le médium qu’elle applique sur la toile. Les œuvres présentées dans Menus mouvements de va-et-vient s’inscrivent en continuité avec ce rapport au tissu à travers la création de motifs imprimés, ici sur d’immenses feuilles de papier.

A brand new body of large-scale works on paper. If Elmyna Bouchard is well known for her engravings, she was lately working on large canvas pieces, using the paper as the medium applied onto the surface. The pieces featured in Menus mouvements de va-et-vient stay in continuity with the explorations with fabric, here through the creation of printed patterns on large paper surfaces.

À travers la répétition du geste, Elmyna Bouchard reprend les thèmes chers à sa pratique, tels la quotidienneté, le détournement d’un geste faussement spontané, de même que la question de l’intimité. Ces grands formats fascinent par leur délicatesse et continuent de jouer avec la question du textile à travers l’idée de motif qui n’est pas ici modelé par la machine, mais bien par la main de l’artiste qui en explore toute la beauté imparfaite.

Le travail de gravure d’Elmyna Bouchard a été largement récompensé, l’artiste ayant été la récipiendaire du prix de la Fondation Monique et Robert Parizeau en 2003, en plus d’avoir été lauréate de la Biennale du dessin, de l’estampe et du papier du Québec ainsi que de la Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières. L’artiste a amplement exposé au Québec comme au Canada et son travail a de plus été présenté à l’extérieur du pays, en France (Paris, Lyon, Saint-Malo), au Japon (Tokyo), en Italie (Cremona) de même qu’en Australie (Brisbane). Son travail fait aussi partie de nombreuses collections publiques, notamment celles de la Banque Nationale du Canada, du Cirque du Soleil, de Loto-Québec, d’Alcan et de Ernst & Young.

Bouchard uses a small stamp she creates, a simple process that allows her to create very light modulations through the rhythm of execution or the amount of ink she chooses to put onto the stamp. Through the multiplication of the motif modifies it in such a way that the viewer can hardly identify it, therefore creating large primitive figures within the monochromatic abstractions featuring holes where all our certainties could swallow.

The repetition of the gesture has always been key to Elmyna Bouchard’s work, a mean to explore the everyday poetry, the falsely spontaneous gesture and the question of intimacy. These new large-scale pieces fascinate by the delicate printmaking and intrigue with the beauty of the imperfect crafted motif that reminisce of the fabric and textile explorations of that is so meaningful in her latest works.

Elmyna Bouchard’s printmaking work has been largely awarded. She has been the 2003 winner of the Fondation Monique et Robert Parizeau Price and has win both the Biennale du dessin, de l’estampe et du papier du Québec and the Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières. Bouchard has exhibited her work widely in Quebec and Canada and internationally in France (Paris, Lyon, Saint-Malo), Japan (Tokyo), Italy (Cremona) and Australia (Brisbane). Her work is included in a number of notable collections, specifically National Bank of Canada, Cirque du Soleil, Loto-Québec, Alcan and Ernst & Young.

UMA présente « LE JARDIN D’ANTONIA »
lancement ° 14 jan 14h00 | Jan 14 ~ 2:00PM
galerielilianrodriguez.com

La monographie “Le Jardin d’Antonia” est composée de trente-cinq images prises dans les quatre dernières années. Une oeuvre complexe qui évoque la famille, la mère, l’exode et l’abandon. Une sélection des images sera exposée la journée du lancement. L’artiste sera présente et une édition DeLuxe accompagnée d’une œuvre originale, numérotée et signée par l’artiste sera disponible à la vente.

In Antonia’s Garden, Portolese uses portraiture, landscape and still life to explore the complexities of family and the relationship between mother and child. The monograph includes thirty-five images produced over the course of 4 years. On the day of the event, the artist will be present and a selection of images will be on view. A deluxe edition of the monograph, which includes an original signed print by the artist, will also be for sale.

Marisa Portolese est née à Montréal, au Québec, où elle vit et travaille présentement. Elle est professeure agrégée dans le programme de photographie de la Faculté des beaux-arts à l’Université Concordia. Elle a une pratique en photographie et vidéo, et son travail a fait l’objet de nombreuses expositions au Canada, en Europe et aux États-Unis.

Marisa Portolese is of Italian origin but was born in Montreal, Quebec, where she currently lives and works. She is an Associate Professor in the Photography Program in the Faculty of Fine Arts, at Concordia University. Her practice includes photography and video and her work has been exhibited widely in Canada, Europe and the United States.
marisaportolese.com

« TRIOMPHES OBLIQUES »
jusqu'au 28 jan | until Jan 28
lesterritoires.org

Quatre cavaliers (détail), techniques mixtes sur toile, 51’’x 51 ‘’, 2011

Par l’appropriation de l’iconographie de l’histoire de la peinture et de l’imagerie propre à la vulgarisation scientifique, Ivan Lassère crée des images qui jouent avec l’anachronisme. Cette alliance invente un royaume qui navigue entre passé fantasmé et futur hypothétique et invite le spectateur à fouiller dans un espace-temps indéfini. La construction par la peinture d’un espace virtuel, d’une fiction façonnée par l’artiste, est abordée avec une idée volontairement non aboutie. Elle laisse place à l’erreur et au recouvrement qui seront la marque de sa genèse.

With the appropriation of icons from the history of painting, and of the imagery created by scientific popularization tools, Ivan Lassère creates images that play with anachronism. This combination invents a kingdom drifting between a fantasized past and a hypothetical future, inviting the observer to search into an undefined space and time. The construction with painting of a virtual space, of a fiction shaped by the artist, is voluntarily approached with an unfinished idea, allowing mistakes and reworking, which will be the marks of its genesis.

Ivan Lassère studied Fine Arts in France, England and Canada. He has worked with several galleries in Bordeaux (France). He moved to Quebec in 2008 where he completed a Masters in Visual Arts at UQÀM in December 2010. He currently lives and works in Montreal.
ivanlassere.blogspot.com

« DE LA SCULPTURE À LA GRAVURE »
commissaire : Hélène Panneton
jusqu'au 5 fév | until Feb 5
galeriedartdoutremont.ca

Minirétrospective des œuvres d’Anne Kahane, depuis ses sculptures sur bois des années 70 jusqu’aux gravures auxquelles elle s’adonne depuis 1996, en passant par ses imposantes sculptures de métal qui occupent une place de choix dans sa production. La singularité du projet réside dans le fait que ses œuvres les plus anciennes, qui l’ont propulsée sur la scène internationale, servent de mise en contexte de ses plus récentes gravures dont plusieurs sont inédites.

Anne Kahane est reconnue au Québec pour le caractère audacieux et raffiné de ses compositions dans l’espace qui témoignent des multiples influences qu’a subies cette artiste d’origine autrichienne arrivée en Amérique en 1926.

La condition humaine est au cœur des préoccupations d’Anne Kahane. Ses sculptures de bois présentent les personnages les plus variés, souvent représentés dans leur vie quotidienne : Soccer Player et On the Beach en sont d’excellents exemples. Dans un autre registre, la portée philosophique et la grande puissance d’expression de Broken Man lui confèrent une gravité toute particulière. Quant aux sculptures de métal, elles étonnent par l’ingéniosité avec laquelle l’artiste arrive à suggérer le corps humain au moyen des formes simplifiées que lui permet une feuille de métal découpée et pliée dans tous les sens. Personnages allongés ou assis, acrobates et couples nous interpellent par leur silhouette étrange, leur pose singulière et la façon dont ils occupent l’espace. Enfin, au cours des dernières années, la gravure sur bois est devenue le mode d’expression privilégié d’Anne Kahane; elle y étale sur le papier sa passion pour les couleurs vives et profondes qu’elle juxtapose sans se lasser dans des œuvres dépouillées et fortes.

Le public est donc convié à une véritable fête autour de l’univers d’Anne Kahane, représenté ici, tel un microcosme, par une diversité de modes d’expression, de matériaux, de formes et de couleurs.

« ŒUVRES CHOISIES | SELECTED WORKS »
14 jan au 3 mars | Jan 14 to March 3
vernissage 14 jan 14h30 | Jan 14 ~ 2:30PM
pfoac.com

Lyne Lapointe, Personnage de "la chèvre vorace" en Roumanie / Coeur humain, planche anatomique, 2006-2009, huile et pigment phosphorescent sur bois / oil and phosphorescent pigment on wood, 133 x 115 cm (52" x 45") ch. / each

Œuvres choisies de Lyne Lapointe est une sélection d'œuvres récentes sur verre, avec des aiguilles d'acupuncture ainsi que 7 grands tableaux de la série La Pierre Patiente. Les œuvres avec des aiguilles d'acupuncture font écho au lien «dévastateur» que l'être humain entretient avec l'environnement et les autres espèces vivantes. Il se fonde sur cet «art de guérir» pour rétablir l'équilibre énergétique. De par leur souplesse et leur tendance à vibrer au moindre mouvement, les aiguilles appliquées en grand nombre ne sont pas sans rappeler le phénomène des champs magnétiques qui consistent en des forces d'attraction opposées qui s'attirent, vibrent et permettent des possibilités infinies d'effets. Les œuvres sur verre rejoignent encore une fois la fascination de Lyne Lapointe pour la complexité de la perception visuelle et de ses possibles distorsions.

Pendant les périodes d'angoisse et de trouble, on fait appel, en persan, à ''la pierre patiente". L'individu concerné est supposé y déverser tous ses problèmes, tous ses malheurs. Elle l'écoute et absorbe ses souffrances même les plus secrètes, et grâce à elle il va guérir. Il arrive que la pierre ne puisse plus supporter ce fardeau, alors elle explose.
- Azar Nafisi

Selected Works by Lyne Lapointe is a collection of recent works on glass and works with acupuncture needles, as well as seven large paintings from the series La Pierre Patiente (The Patient Stone).The works with acupuncture needles echo the devastating link humans maintain with the environment and other living species. The work is rooted in a certain "healing art" intended to re-establish an energizing balance. By virtue of their flexibility and their tendency to vibrate at the slightest movement, the large number of needles used cannot fail to evoke the phenomenon of magnetic fields, opposing forces that attract and agitate, allowing for a myriad of possible effects. The works on glass express yet again Lyne Lapointe's fascination with the complexity of visual perception and its potential distortions.

[A] term in Persian, 'the patient stone' ... used in times of anxiety and turbulence. Supposedly, a person pours out all his troubles and woes into the stone. It will listen and absorb his pains and secrets, and this way he will be cured. Sometimes the stone can no longer endure its burdens and then it bursts.
- Azar Nafisi

Oeuvres choisies de Lyne Lapointe est révélateur des états de fracture, de fragilité et de l'oubli du corps et est soutenu par la notion de métamorphose qui lui est cher.

Notes biographiques:
Née en 1957 à Montréal (Québec), Canada. Vit et travaille depuis 1997 à Mansonville (Québec). Dès le début des années 1980, Lyne Lapointe se distingue comme l'une des artistes les plus remarquables de sa génération. Ses oeuvres singulières, réalisées in situ à Montréal, New York, Londres, Madrid et São Paulo entre 1983 et 1994 avec l'artiste et critique Martha Fleming, ont laissé des traces indélébiles chez ceux et celles qui les ont visitées. Leurs interventions visaient, par une utilisation sensible du texte, du son et de l'image, à transformer d'immenses bâtiments abandonnés et quasi oubliés en oeuvres d'art public habitées par l'histoire, la narration et l'émotion. Depuis 1994, Lyne Lapointe oriente sa pratique artistique sur son propre travail de peinture et d'installation. En 2002, le Musée d'art contemporain de Montréal lui consacre une rétrospective qui a par la suite circulé de 2004 à 2006, suivie de plusieurs expositions individuelles et collective tant au pays qu'à l'étranger. NotammentLa Perle, en 2007, à la Carleton University art Gallery, à Ottawa, La Clef, en 2008, à la SBC Gallery d'art contemporain, à Montréal, ainsi que Cabinet, en 2010, à Sporobole, à Sherbrooke, et en 2011, au Musée de Joliette. Les oeuvres de Lyne Lapointe font partie des principales collections publiques et privées canadiennes. Lyne Lapointe est représentée par la galerie Pierre-François Ouellette art contemporain à Montréal, et Jack Shainman Gallery à New York.

The seven paintings of La Pierre Patiente (The Patient Stone), inspired by the ideas of darkness, light and memory, led Lyne Lapointe to revisit the use of phosphorescent pigments, a technique she used when first starting out as an artist. Subjected to alternating darkness and light, a process that disrupts static perception and "changes day into night", a startling sequence of evanescent impressions emerges revealing in a single work two different and unexpected types of images.

Selected Works by Lyne Lapointe reveal states of breakage, fragility and disembodiment grounded in a cherished idea: metamorphosis.

Bio:
Born in Montréal in 1957. Lives and works in Mansonville, Québec. In the early eighties, Lyne Lapointe was one of the most notable artists of her generation with her ground-breaking site-specific works created between 1983 and 1994 in collaboration with artist/critic Martha Fleming. Their projects transformed huge abandoned and half-forgotten buildings in Montreal, New York, London, Madrid and São Paulo, turning them into public works of art traversed by history, narrative, emotion, text, sound and image. Since 1994 Lapointe's practice has focused on her own work in painting and installation. A survey of her solo production was organized in 2002 by the Musée d'art contemporain de Montréal which later toured from 2004 to 2006, followed by a number of solo and group exhibitions across Canada and abroad. Among those La Perle in 2007 at the Carleton University art Gallery in Ottawa, La Clef in 2008 at the SBC Gallery of contemporary art in Montréal, Cabinet in 2010 at Sporobole in Sherbrooke and in 2011 at Musée de Joliette. Works by Lyne Lapointe are included in major Canadian public and private collections. Lyne Lapointe is represented by Pierre-François Ouellette art contemporain, Montreal and Jack Shainman Gallery, New York.