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Troubler le Repos-Disturbing Peace from Eloi Desjardins on Vimeo.

Entretient avec Kathe Kollwitz et Frida Kahlo deux membres fondatrices des Guerrilla Girls. Celles-ci présentent "Troubler le repos/Disturbing Peace" à la Galerie de l'UQAM.

400 interactive points of light spread out over the Place des Festivals in the Quartier des Spectacles. Like a gigantic Lite-Brite, Champ de pixels is made up of hundreds of illuminated 18-inch pixels equipped with motion sensors, installed over 40,000 square feet of fun. When they detect movement, the sensors change the illumination of the pixel from red to white and back again. So after making angels in the snow, you can come and make your mark in a field of pixels!

En lien avec les principes fondateurs du Plan lumière du Quartier des spectacles, Champ de pixels est une installation-expérience qui traduit en lumière l'activité sur place. Ce paysage artistique éphémère sera filmé en continu d'un point de vue aérien et les modulations générées par les participants pourront être capturées via le site officiel de l'installation : champdepixels.tv

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« To triumphantly defeat the purpose » from Eloi Desjardins on Vimeo.

Entretient avec l'artiste Mathieu Lefèvre dans le cadre de son exposition « To triumphantly defeat the purpose » au Centre des arts actuels Skol.Celui-ci m’a décrit son exposition, il m’a expliqué comment il a réalisé ses œuvres qui sont le résultat d’accumulation de pâte de peinture à l’huile en plus de me parler de l’absurdité de sa démarche qui consiste à faire de la sculpture à partir de peinture.

La Révolution tranquille est le moment fondateur de la société québécoise moderne. Dans cette effervescence contestataire qui dénonçait tout à la fois la tradition, l’autorité et la hiérarchie, l’art joua le rôle de catalyseur : c’est par son usage que l’on pouvait et devait inventer de nouvelles manières d’être et de vivre. Cette mutation culturelle qui a eu peine à se faire entendre sous Duplessis a tout de suite eu des répercussions politiques avec l’arrivée au pouvoir des libéraux de Lesage en 1970. L’État paternaliste a laissé place à un État-providence qui a accompagné les mouvements sociaux progressistes et mis en place des politiques culturelles.

Cette période de transition va être marquée par trois « crises » artistiques qui témoignent de la percée des valeurs artistiques libérales et de la résistance d’acteurs réticents face aux changements. Dans chacun de ces cas, l’art sera littéralement mis à la poubelle à tel point que l’on pourrait croire que la révolution culturelle québécoise semble s’être réalisée en envoyant l’art aux ordures.

Les poubelles d’Alma, 1966

Pour sa deuxième année d’existence, le Symposium de sculpture d’Alma s’annonçait sous les meilleurs hospices. Pourtant, malgré la bonne volonté affichée et le succès critique de l’exposition, la rencontre entre les artistes et la municipalité n’a pas lieu. Beaucoup de citoyens sont perplexes à l’égard des œuvres proposées ; pire, six artistes invités (Jacques Chapdelaine, Francis Dallégret, André Forunelle, Peter Gnass, Jean-Gauguet Larouche, Raymond Mitchell) se plaignent de « châtiments psychologiques ». Cela va des moqueries et des railleries jusqu’à la construction par un des membres de l’organisation (Alma inc.) d’un faux stand parodique de sculpture moderne. Le symposium se déroule dans une ambiance délétère, la ville d’Alma et les artistes étant systématiquement en désaccords, surtout depuis que ces derniers ont appris qu’Alma avait décidé, contre leurs avis, de transférer les œuvres à l’exposition universelle l’année suivante à Montréal.

L’événement tragique de ce symposium se déroulera un mois après sa clôture. Dans la nuit du 9 septembre 1967, la sculpture de Raymond Mitchell est jetée d’un pont par les employés de la maison Harvey transport et se brise en petits morceaux. Ces derniers voulaient peut-être faire plaisir à un membre du conseil municipal qui avait déclaré en séance « la pierre à Mitchell, si on l’échappait en chemin, ce ne serait pas une grosse perte ».

Cet événement attire l’attention des médias et du gouvernement sur le sort réservé aux œuvres. Dans la précipitation et dans la peur d’une mauvaise presse, la ville d’Alma répare tant bien que mal la sculpture et la réinstalle sens dessus dessous. Mais le mal est fait : les médias parlent de « négligence désastreuse », et le ministère des Affaires culturelles du Québec se déplace en personne sur les lieux. Ce déplacement est le signe d’un changement d’attitude face à l’art et à la culture au Québec. En effet, depuis leur arrivée au pouvoir, les libéraux cherchent à aligner le Québec sur les autres démocraties occidentales en mettant en place une politique culturelle digne de ce nom. En 1965, la même année que le premier symposium d’Alma paraissait d’ailleurs le Livre blanc de Pierre Laporte qui mettait l’accent sur la « défense et épanouissement de la culture d’expression Française » et sur « le devoir d’élaborer une politique culturelle » responsable capable de mettre en relief « le rôle de la culture dans la nation ».

Extrait de Bozart, Jacques Giraldeau, 1969

Cette mini tempête dans le bénitier de l’art québécois débouche sur ce que l’on appellera dès lors le « procès de la culture Québécoise ». Six sculpteurs intentent une poursuite en dommage et intérêts contre la ville d’Alma et demandent 45 000 $ à la ville qui n’a pas protégé leurs œuvres. Au-delà de l’incurie de la ville, le procès cherche à dénoncer une mentalité réactionnaire, barbare et iconoclaste appartenant à une autre époque. En 1973, sept ans après les faits, le juge de la Cour supérieure du Québec rejette les poursuites intentées contre la ville d’Alma, arguant que la loi ne protège pas les artistes contre ce qui peut arriver à leurs œuvres quand elles ont été cédées à une tierce personne. En 1976, les artistes qui se sont rendus en appel sont déboutés. Malgré la défaite légale, l’évènement d’Alma représente une victoire morale pour l’art québécois : on ne peut plus désormais s’en prendre à la création artistique sans soulever l’ire des élites politiques, des médias et d’une frange grandissante de la population. Ce bouleversement culturel est exemplifié par le film Bozart (1969) de Jacques Giraldeau. Ce documentaire de cinéma direct revient entre autres sur les évènements d’Alma et s’articule sur un discours militant qui reflète l’idéologie contestataire des années 60. Bozart met ainsi l’accent sur la démocratisation de l’art, le rejet des institutions et le discours réactionnaire qui freine son émancipation. Au même moment, preuve que l’histoire n’attend pas, cette idéologie de l’émancipation et de l’art comme moteur de la vie ressurgit ailleurs, notamment à l’école des beaux-arts de Montréal.

Le 15 octobre 1968 marque le début de l’occupation par ses élèves de l’école des beaux-arts de Montréal. Les revendications et les idées qui portent le mouvement font échos à ceux qui animent les grands mouvements d’émancipation tant en Europe qu’en Amérique : les thèmes trouvent leurs origines dans le socialisme, l’anarchisme individualiste et le modernisme artistique.

Ce qui caractérise cependant le mouvement c’est son refus radical de la tradition. On érige ainsi, pour fêter l’occupation, un cimetière sur la rue Sherbrooke où l’on retrouve les sépultures de toutes les valeurs passées (religion, hiérarchie, éducation, etc.). La révolution culturelle doit être radicale et violente, puisque « la violence et la destruction sont création qui libère ». L’acte expiatoire de destruction doit permettre de conjurer les démons bourgeois totalitaires et d’ouvrir la voie au règne de la jeunesse et de l’imagination. Cette révolte « ludo-libertaire » retient les mêmes idéaux que ceux qui habitaient leurs confrères de la Sorbonne cinq mois plus tôt : la liberté, la démocratisation de l’art et le projet de le réaliser comme mode de vie.

Il faut comprendre cette « liberté » comme une revendication autonomiste dans un versant individuel et collectif. On cherche d’une part à affirmer la subjectivité individuelle contre le pouvoir aliénant de l’institution tout en soutenant un idéal d’autonomie collective dans les formes anarchistes de l’autogestion.

Cette émancipation de l’establishment était la condition sine qua non d’une réconciliation de l’art et de la vie. Comme le souligne un participant de l’événement dans le documentaire de Claude Laflamme intitulé La république des beaux-arts, « l’art, c’est la vie, c’est ce qui permet de vivre, c’est ce qui permet de dépasser le simple quotidien, de vivre divinement, alors toucher à l’art permet de se sentir un peut comme dieu, nous sommes tous Dieu lorsque nous artons. » Cette idée d’un art qui permettrait d’inventer et de s’inventer soi-même n’est pas nouvelle, elle date même du romantisme et habite toute une culture artiste au XXe siècle ; cependant, les mouvements contestataires des années soixante vont en faire un des leitmotiv de leur révolte.

À près un mois de « liberté », les étudiants votent le retour à l’ordre ; pour les plus radicaux, c’est un coup dur. Dans un geste de frustration, un étudiant désabusé passe une barre de fer à travers la vitrine qui abritait une réelle momie égyptienne vieille de 2600 ans ; cette dernière est ensuite jetée sur le sol et subit des dégâts importants. Ce n’est plus l’art contemporain que l’on jette à la poubelle, mais l’art classique, symbole d’académisme et de culture « momifiée ». Cette destruction s’inscrit en plein dans la mouvance de l’art moderne. Rappelons-nous qu’en 1909, dans le manifeste du Futurisme, Marinetti avait déjà professé que la modernité, idéalisée par « une automobile rugissante » était « plus belle que la Victoire de Samothrace. ».

Portrait du Cardinal Richelieu par Philippe de Champaigne vandalisé en 1968 à la Sorbonne

lire la suite sur : ALMOST AS COOL AS FIGHTING

PATRICK DUNFORD

english follows ~ Mon travail récent a porté sur une recherche des éléments de base qui constituent le vocabulaire de la peinture et du langage visuel. Inspirés d’un engagement renoué avec l’abstraction, les tableaux sont réduits à l’essentiel avec utilisation de la ligne de la couleur et de la forme… Avec ces nouvelles œuvres, je dirige mon attention sur le processus de peindre en tant que tel. Tranquillement, et avec plusieurs couches de (quelques-unes visibles, d’autres cachées) une image se dégage. Ce processus, pour moi, est relié à la construction du langage.

My recent work has focused on the most basic elements of painting and visual language. Inspired by a renewed engagement with abstraction, the paintings are pared down in their use of line, colour, and form... In these new works, however, I focus my attention on the process of painting itself. I work by obsessively applying paint to canvas, then scraping it off, then repeating the process. Slowly, and through many layers (some still visible and some hidden) an image is revealed. This process, for me, is akin to the construction of language.

Ces images semblent échouer en tant que paysages, mais réussir en tant qu’abstractions. Ou bien peut-être elles occupent un territoire qui les exclut des deux catégories ? De toute façon, ces images évoquent une monde qui a été avalé tout rond et ensuite congelé. La matérialité de la surface ainsi que la simplification de l’image qui peut rappeler la bande dessinée nuit à la perception d’un simple paysage. Les traces du pinceau ainsi que les textures calquent la sensation de la nature morte plus qu’elle ne la décrive. C’est comme si deux systèmes autonomes de logique étaient à l’œuvre dans ces tableaux. Un qui définit en termes de symboles familiers de l’hiver et du paysage et une autre logique abstraite qui semble connectée à une sensibilité intuitive.

These pictures seem to fail as landscapes, while succeeding as abstractions, yet inextricably remain landscapes. Or maybe they walk a line that removes them from both categories. Either way it is a world that has been chewed up and frozen. The physicality of the surface and the cartoon-like simplification of the imagery undermines seeing the work as only a landscape painting. Brush strokes and textures mimic the feeling of nature more than they literally describe it. It is like there are two separate systems of logic at work in these paintings. One that defines it in terms of familiar symbols for winter and the landscape and another abstract logic that seems connected to an intuitive sensibility.

Perhaps suffering from aesthetic attention deficit disorder, Justin Stephens’ homogeneous body of paintings are tailored to particular moments that examine and lay bare the activities of his practice in the studio. His approach involves employing different strategies for each work, reflecting on each step and every turn in the process of composing a painting, ultimately amounting to economical gestures that seemingly all speak at once.

Patrick Dunford is originally from Winnipeg and is now living and working in Montreal. He received his BFA from the University of Manitoba and he is presently completing his MFA in studio arts from Concordia University. Dunford has exhibited his work mainly in Winnipeg at Gallery 803 Ace Art and Semai Gallery. Recently he has exhibited in Montreal at Eastern Bloc and at Art Mûr.

Benjamin King now living in Brooklyn NY received his BFA from the School of the Art Institute of Chicago (2000) and an MFA from the University of Chicago (2005). Benjamin King has recently exibited at ACME Gallery in Los Angeles in the group exhibition 'Seasonal pictures'.His work hovers between abstraction and landscape. Kings process is dependent on having direct experiences with nature, then recalling those experiences from a point of remove.

Justin Stephens graduated from Concordia University and currently lives and works in Montreal. Selected exhibitions by the artist include Mercer Union, Toronto; Galerie B-312, Galerie Clark, Quartier Éphémère, Montreal; and First Draft Gallery, Sydney, Australia. He has recently participated in the ARC biennial at the Queensland University Art Gallery, Australia and was artist in residence at Point Éphémère in Paris. His work is in collections such as the Royal Bank of Canada, Collection Prêts d’œuvres d’art du Musée national des beaux-arts du Québec, and in private collections internationally including Australia, Canada, France and the United States.

JULIA LUCCHESI

VALERIE POLYCHUCK

« PARADIS ARTIFICIELS » jusqu’au 19 déc | until Dec 19
galeriedonaldbrowne.com

english follows ~ Un nain de jardin est une petite créature humanoïde au style de vie souterrain et au comportement insolite. Petit être jovial à l’allure bienveillante, il est en général le symbole d’une routine léthargique et incarne le bonheur féerique de l’absence de conscience. Être non-pensant et ignorant des peines de ce bas monde, il est rassurant en cette époque perturbée et haletante.

Myriam Laplante nous offre une petite réunion de nains de jardin, chacun dans son univers particulier qui ne tient pas toujours compte de la loi de gravité humaine.

A garden Gnome is a small humanoid creature living in the subterranean world with an irreverent nature. Cheerful little beings of a benevolent nature, it usually symbolizes an awkward and lethargic routine incarnating the euphoria of the absence of consciousness. The non-thinking being, ignorant of the sorrows of this world, it is reassuring in this era of turmoil and anxiety.

Myriam Laplante proposes a small gathering of garden gnomes each of its own particular universe unconcerned with the laws of human gravity.

Myriam Laplante est née à Chittagong, Bangladesh en 1954 et a grandi au Québec. Elle vit en Italie depuis 1985. Elle a étudié les Arts Visuels et la Linguistique à l’Université d’Ottawa. Après avoir travaillé en peinture, installation et photographie, elle a recommencé à faire de la performance en 1991, tout en continuant son travail “de galerie”.

Son travail d’installation, de sculpture, de photographie et de performance a été présenté dans plusieurs musées, galeries et festivals en Europe, Amérique du Nord et en Asie et se trouve dans les collections permanentes de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna (Rome), MACRO (Rome), Musée National de la Photographie (Ottawa), et Musée du Québec (Québec).

Dans ses premières performances, elle incarnait des personnages de cirque (femme à barbe, guenon dansante), un fantôme en pleurs ou une sirène mutante. Son travail a toujours traité de l’aliénation et de la difficulté de communiquer ou de s’adapter à la société. Au cours des dernières années, elle attaque le cynisme du pouvoir dans ses performances et ses installations. Elle évoque la tension interne entre le désir et la mémoire, en sondant la frontière qui divise les limbes de la réalité, qui transforme la réalité en limbes et vice-versa.

Myriam Laplante was born in Bangladesh in 1954 and grew up in Québec. She has been living in Italy sice 1985. She started performing while studying Visual Arts and Linguistics at Ottawa University. After concentrating on painting, installations and photography she started performing again in 1991. She has been a member of Black Market International since 2001. In recent years, her works are cynical replies triggered by the absurdities of contemporary society and power-dealing politics on every level. She re-stages the internal tension between desire and memory, power and submission, investigating the fine dividing line that separates limbo from reality, or that transforms reality into limbo, or vice-versa.

Her early performances were essentially self-portraits. By embodying circus sideshow attractions (bearded lady, dancing monkey), a crying ghost or a mutant mermaid, she addresses alienation and the difficulty to communicate, the refusal to adapt to society and the cynicism of the dominant sects.

Her work is in the public collections of the Galleria Nazionale d’Arte Moderna (Rome) and the Museo di Arte Contemporanea (Rome), the Musée du Québec (Québec) and the National Museum of Photography (Ottawa).

^{Video shot in 2008 : Was with Alexi at the Souk@Sat last night and we shot this little video with our BRAND NEW/ FRESH FROM THE BOX Flip video cam...And we LOVE it. We will do a lot more videos now that we have our own cam! Thanks to our friends at theflip.com
You better get your ass at the Sat today !  Shop local !}

1. Bazar organisé comme un immense loft dans lequel on retrouve une multitude de créations contemporaines montréalaises.
2. Lieu idéal pour dénicher des cadeaux originaux, stylés et bien pensés dans une ambiance colorée. Quel souk !

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« TROUBLER LE REPOS | DISTURBING THE PEACE »
4 au 19 déc | Dec 4 to 19
vernissage 4 déc 17h30 | Dec 4 ~ 5:30PM
~ commissaire : Mélanie Boucher

* english follows ~ Pour la première fois en sol québécois, des œuvres de ce collectif d'artistes féministes et anonymes reconnu sur la scène artistique internationale seront exposées. Le projet est organisé dans le cadre des Évènements commémoratifs du 20e anniversaire de la tuerie à l'École Polytechnique. Troubler le repos / Disturbing the Peace réunit une vingtaine d'affiches des Guerrilla Girls réalisées entre 1985 et 2009. De plus, dans le cadre des évènements commémoratifs, les Guerrilla Girls ont accepté de concevoir une œuvre sur le thème de la violence contre les femmes, le féminisme et la misogynie dans la société. Produite par la Galerie de l'UQAM, l'œuvre est exposée en primeur.

This is the first time that works by the internationally recognized cooperative of anonymous feminist artists will be shown in Quebec. This project is part of the Commemorative Events on the 20th anniversary of the École Polytechnique massacre. Guerrilla Girls. Troubler le repos / Disturbing the Peace will feature twenty Guerrilla Girls posters created between 1985 and 2009. In addition, in conjunction with the Commemorative Events, the Guerrilla Girls have created a work on the theme of violence against women, feminism and misogyny in society. Produced by the Galerie de l'UQAM, this work will premiere at the exhibition.

Afin de conserver leur anonymat, les membres du collectif Guerrilla Girls portent un masque de gorille lors de leurs apparitions publiques. Depuis 1985, les Guerrilla Girls dénoncent les inégalités entre les sexes par l'entremise d'interventions et d'affiches schématiques au contenu provocateur souvent teinté d'humour.

L'exposition offre un aperçu de la démarche du collectif et l'inscrit en sol canadien pour mieux la faire connaître à un moment choisi de notre histoire, soit à l'occasion des commémorations du drame survenu le 6 décembre 1989, à l'École Polytechnique. Ce jour-là, un homme ouvrit le feu sur vingt-huit personnes et abattit quatorze femmes. Il dit avoir agi pour combattre le féminisme. L'œuvre Troubler le repos / Disturbing the Peace des Guerrilla Girls témoigne de la haine envers les femmes et le féminisme.

L'affichage public

Depuis le 23 novembre, plus de 2500 affiches de l'oeuvre Troubler le repos / Disturbing the Peace sont placardées dans les espaces publics de la ville de Montréal, dans les établissements d'éducation et dans les commerces.

Les projets d'exposition et d'affichage dans l'espace public sont proposés dans le cadre des Événements commémoratifs du 20e anniversaire de la tuerie de l'École Polytechnique. Les Événements comprendront également un colloque international, une exposition thématique et un rassemblement public. Les partenaires responsables des Événements commémoratifs sont, avec la Galerie de l'UQAM, l'Institut de recherches et d'études féministes de l'UQAM, le Service aux collectivités de l'UQAM, Muséografik et la Fédération des femmes du Québec.

To preserve their anonymity, the members of the group wear gorilla masks at public appearances. Since 1985, the Guerrilla Girls have denounced gender inequality through various interventions and provocative posters, often tinged with humour.

The exhibition, an introduction to the work of the collective, is taking place in Canada at a historic juncture, the twentieth anniversary of the tragic events of December 6, 1989 at the École Polytechnique. On that day, a man who claimed to be fighting feminism opened fire on twenty-eight people, killing fourteen women. Troubler le repos / Disturbing the Peace deals with hatred against women and feminism.

Postering

Starting November 23, more than 2,500 Troubler le repos / Disturbing the Peace posters are displayed in Montreal's public spaces, educational institutions and businesses.

Commemorative Events

The exhibition and public postering are part of the commemoration of the Montréal Massacre. The series of Commemorative Events, to be held at UQAM from December 4 to 19, will also include an international symposium, a thematic exhibition and a public gathering. Partnering with the Galerie de l'UQAM on the Commemorative Events are the UQAM Institut de recherches et d'études féministes, the UQAM Service aux collectivités, Muséografik and the Fédération des femmes du Québec.

« CONTES ET PARCHEMINS » jusqu’au 26 fév | until Feb 26
wilderdavis.com

* english follows ~ En s’appropriant certains personnages d’Alice au Pays de Merveilles, Louise Bloom décrit un monde allégorique et fantasque dans ses gravures, y entremêlant texte et images. Sur un ton presque prophétique, elle porte une réflexion sur les problèmes causés par la consommation de masse et le consumérisme. Le texte, qu’il ait du sens ou non, apparaît et disparaît dans les compositions, y ajoutant ainsi une certaine texture. Cette approche ressemble à celle du palimpseste : elle permet de dépasser l’aspect linéaire du temps et propose un langage visuel très personnel et chargé de symboles. Comme Alice qui traverse le miroir, l’artiste semble entrer par hasard dans un nouvel univers régi par ses propres règles, et y découvre des révélations au sujet de la condition humaine.

By appropriating characters from Alice in Wonderland, Bloom’s etchings depict an allegorical and fantasy world that intertwines images with text to examine issues of mass consumerism and consumption in an almost prophetic way.  Text as an element appears and disappears adding a textural quality to her prints; implying both sense and nonsense.  This palimpsest approach challenges the concept of linear time and results in a deeply personal visual language loaded with symbolism. Like Alice, Bloom seems to have stumbled upon a new world with its own rules when she steps through the looking glass to unearth personal revelations about the human condition.

La série Notebook combine texte et images dans un autre style, inspiré d’une tradition japonaise de narration picturale, l’emaki. Les rouleaux emaki seraient à l’origine du manga moderne ; ils se lisent en se roulant et en se déroulant à la main, section par section, créant ainsi un effet filmique qui sert bien Louise Bloom dans sa recherche de l’icône comme allégorie. Œuvres sur papiers, gravures, lithographies et collages lui permettent d’explorer l’image comme un élément narratif, et le pouvoir de l’archétype dans la création de récits visuels intenses.

The Notebook series combines text and images in another distinctive fashion drawing inspiration from the ancient tradition of the Japanese narrative picture scrolls known as emaki.  The emaki hand scrolls, believed to be the origin of the modern manga, are viewed section by section creating a cinematic effect, a form that well serves Bloom's focus on icon as allegory. Bloom’s array of paper works, etchings, lithography and collages explore image as narrative and the power of archetypes to create poignant visual stories.

« LE VOYAGE D'UNE FABULATRICE »
10 déc au 30 jan | Dec 10 to Jan 30
vernissage 10 déc 17h30 | Dec 10 ~ 5:30PM
galeriesas.com

* english follows ~ Artiste multidisciplinaire reconnue pour ses installations, Catherine Bolduc expose pour l’une des toutes premières fois une série de dessins s’inscrivant naturellement dans la lignée de sa pratique. Résultats de la lente évolution de ses esquisses préparatoires pour ses installations, les dessins de grands formats présentés par l’artiste dans Le Voyage d’une Fabulatrice consistent désormais en des œuvres d’art autonomes. Les espaces imaginaires représentés s’attachent, conformément aux prédilections de l’auteure, à une vision idéalisée du monde, où le désir et la fabulation triomphent sur la réalité et la vraisemblance.

A multidisciplinary artist known for her installations, for the very first time Catherine Bolduc exhibits a series of drawings which naturally fall in line with her medium. Resulting from the gradual evolution of her preparatory sketches for her installations, the large format drawings submitted by the artist in Le Voyage d’une Fabulatrice consist of stand-alone works of art. Congruent with her predilections, the imaginary spaces represented reveal an idealized vision of the world, where desire and storytelling triumph over reality and probability.

Bien connue dans le milieu de l’art contemporain québécois, Catherine Bolduc a présenté ses travaux tant au Québec : Musée National des Beaux-Arts du Québec, Galerie de l’UQAM, Musée Régional de Rimouski, Skol, Circa, Galerie Verticale) qu’au Canada et à l’extérieur du pays : Galleria Toni Tapiès et LOOP (Barcelone), Künstlerhaus Bethanien et LADA Project (Berlin), FRISE (Hambourg), GASP (Boston), Galerie Glassbox (Paris).

Having achieved recognition in the Quebec's contemporary art scene, Catherine Bolduc has presented her work in Quebec: Musée National des Beaux-Arts du Québec, Galerie de l'UQAM, Musée Régional de Rimouski, Skol, Circa, Galerie Verticale) in Canada and abroad: Galleria Toni Tàpies and LOOP (Barcelona), Künstlerhaus Bethanien and LADA Project (Berlin), FRISE (Hamburg), GASP (Boston) and Galerie Glassbox (Paris).

Dons Majeurs from Eloi Desjardins on Vimeo.

Entretien avec Josée Bélisle, responsable de la collection du Musée d'art contemporain de Montréal[MACM]. Lors d’une entrevue, celle-ci m’a décrit les œuvres de l’exposition «Dons majeurs» qui présente les plus récentes acquisitions que le musée a pu faire par le biais de donation, en plus de m’expliquer l’importance de la générosité des donateurs pour le développement d’un musée.

10 au 13 déc | Dec 10 to 13
vernissage 10 déc 17h00 | Dec 10 ~ 5:00PM
easternbloc.ca

2FIK - CAROLINE BLAIS / VJ CHOCO BEETS - CÉDRIC CHABUEL / OUANANICHE - DOMINIC GAGNON - SOPHIE GLOWA - XIMENA HOLUIGUE - SAMUEL HURON - INFLUX LASN - REBECCA LAMARRE - ALEXANDRA LEMAY - VIOLAINE MORINVILLE - KARINE SAVARD - JUSTINE SKAHAN, - JOSH USHEROF