ANTIK Almoneda reunirá miles de objetos propuestos por más de 90 anticuarios, almonedas y galerías; piezas que evocan un tiempo pasado y que tienen hoy más vigencia que nunca. Un fascinante universo de ideas, de obras de arte para todos los gustos y bolsillos; piezas especiales de diferentes estilos, épocas y procedencias.

Coleccionistas y amantes del arte, la decoración y la moda tendrán la oportunidad de encontrar piezas únicas de otras épocas que van desde piezas de la época Art Decó y joyas, hasta libros, alfombras o pinturas y esculturas.

La emblemática feria madrileña, abierta al público, y de venta directa, dedicará además una jornada exclusivamente a los profesionales, el jueves 9 de abril -previo registro-, para facilitar las compras a decoradores, interioristas, anticuarios, almonedistas, arquitectos. También se dedicará, como ya es habitual, un día de puertas abiertas el martes 14 de abril, con acceso gratuito a todos los visitantes.

Consolidada como punto de encuentro para coleccionistas, expertos y público general, ANTIK Almoneda destaca por la diversidad de su oferta y por reunir objetos con historia que dialogan con las tendencias actuales en arte, interiorismo y decoración.

Una cuidada selección de piezas originales para amantes de la música

Como novedad, la feria incorpora la exposición “MUSIC ICONS: La memorabilia de las estrellas”, realizada en colaboración con el coleccionista Adrià Codina Ferrer, que reúne piezas originales de grandes figuras de la música de los últimos 70 años, como Freddie Mercury, Michael Jackson, Elton John, David Bowie o Rosalía, incluyendo objetos emblemáticos utilizados en conciertos, videoclips y momentos históricos de sus carreras.

Piezas con historia para la decoración de espacios

La decoración y la mesa tendrán un especial protagonismo con una amplia oferta de muebles de gran calidad; desde una pareja de butacas de Paolo Buffa, años 50, una lámpara de mesa original de Ecolight Milano, Italia, finales de los 60, un gabinete Art Déco de Jules Leleu, Francia, finales de los 40, firmado; una pareja de rinconeras Jacob, un secrétaire francés del siglo XIX en madera maciza con pátina original, una butaca “Orchidée” de Michel Cadestin para Airborne (1968) y mesa española de finales del siglo XVIII con talla original.

A estos, se suman otros objetos decorativos como un jarrón de cristal de Murano (Italia, años 60–70), una pareja de tibores tibetanos con incrustaciones de hueso o escultura de perdices en bronce (siglo XIX), firmada por el artista danés Pr. Jenssen.

Accesorios y prendas exclusivas con cientos de años de historia

Para los amantes de la joyería, bisutería y relojería, la feria propone también un amplio abanico de piezas para todos los estilos: collares de azabache y cristales austriacos (finales del siglo XIX–años 50); brazalete italiano del XIX en filigrana de oro y coral; brazalete francés del XIX en oro con aguamarina y perlitas; y brazalete inglés articulado en forma de serpiente en oro, turquesas, granates y diamantes.

Aquellos que buscan lucir un look vintage, actual y a la moda, combinando prendas y complementos, ANTIK Almoneda es el espacio ideal para encontrar ropa y accesorios únicos y con sabor. Desde bolsos, cinturones, pañuelos, gorros y sombreros, hasta abrigos, cuellos, zapatos y pantalones.

Miles de objetos para coleccionistas

Los aficionados al coleccionismo tendrán oportunidad de adquirir instrumentos musicales, juguetes de principios de siglo, máquinas de escribir y de fotos, abanicos, bastones, globos terráqueos, cerraduras, postales, libros, candelabros, lámparas, binoculares, bronces, cajas de música, microscopios, plata, porcelana, cristalería, mantones, encajes, mantillas, alfombras, tapices y relojes, entre otros, conforman una interesante propuesta para todos los asistentes.

Igualmente, pondrá a disposición de los visitantes una gran diversidad de obras plásticas de artistas como Manolo Valdés, Juan Barjola, Diego Rivera, Óscar Domínguez, Joan Miró, Patrick Hughes, Rafael Barrios, María Blanchard, Jorge Oteiza y Menchu Gal.

También habrá propuestas de ediciones de libros de artistas, numeradas y firmadas, como Aurea dicta de Miquel Barceló, Dalí, les mil i una nits, o Antoni Tàpies, biografia d’un Compromís.

Antik Almoneda acogerá piezas de alto valor histórico como una escultura de un noble del Imperio Antiguo egipcio (IV–V dinastías, c. 2625–2450 a. C.) en granodiorita; un torso de Venus Púdica romano (siglos I–II d. C.) en mármol; un grupo de Afrodita y Eros del periodo helenístico (siglos III–II a. C.) en mármol, y un mosaico romano (siglos I–II d. C.). Por otro lado, destacará una cabeza fósil de oso cavernario (Rumanía, Pleistoceno), pieza excepcional por su estado de conservación y procedencia.

Además, la feria contará con un programa de actividades que incluirá talleres de restauración, charlas especializadas, encuentros con expertos y sesiones divulgativas sobre historia del arte, el coleccionismo y la cultura japonesa, así como presentaciones vinculadas a la exposición “MUSIC ICONS”. Una agenda diseñada para enriquecer la experiencia de todos los visitantes durante los nueve días de celebración.

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Los saxofonistas Elisa Urrestarazu y Fernando Laguna tocarán junto a la instalación de Asins en dos veladas, el miércoles 22 y el jueves 23 de abril. Los conciertos comenzarán a las 20 h, y durarán una hora cada uno.

Las entradas, que tienen un precio de 12 € por concierto, pueden adquirirse a través de la web del Museo y de manera presencial en las taquillas.

La música ocupa un lugar central en la obra de Elena Asins, artista en la que se centra la exposición temporal Elena Asins. Antígona, que el Museo Picasso Málaga programa hasta el 3 de mayo próximo. El MPM ha organizado dos conciertos experimentales de saxofón que tendrán lugar el miércoles 22 y el jueves 23 de abril junto a la espectacular instalación de Asins, “Antígona” (2015). Cada concierto -de saxofón solo y dúo de saxofones-, tendrá una hora de duración y comenzará a las 20 h. En ambas veladas, protagonizadas por los saxofonistas Elisa Urrestarazu y Fernando Laguna, se establecerá un diálogo directo con las universos conceptuales y formales de Elena Asins, quien creó esta instalación escultórica haciendo uso del nombre en caracteres griegos (Aντιγόνη), formando una composición de gran formato e intenso color negro de acero corten.

La saxofonista Elisa Urrestarazu interpretará un programa que incluirá obras de Scelsi, Jodlowski y Eneko Vadillo, explorando distintos registros y sonoridades a través de diversos instrumentos de la familia del saxofón. Asimismo, Urrestarazu completará el concierto con improvisaciones en torno a la electrónica basada en la serie Fibonacci interpretadas junto a Fernando Laguna. Ambos generarán un espacio sonoro abierto con el fin de ampliar y resignificar los conceptos presentes en la exposición. Recordemos que Antígona es una instalación que toma el personaje de la tragedia de Sófocles y la convierte en una estructura, un espacio. Una palabra hecha cuerpo.

Por este motivo, el programa se articula en torno a una reflexión sonora sobre la estructura y el lenguaje como construcción formal, la matemática y la serialidad como procesos de organización y pensamiento, el minimalismo y la repetición como exploración de la percepción y el tiempo. Sin dejar atrás la dimensión ética y la tensión trágica inherentes a la figura de Antígona. A ello se suma la idea de la voz y la palabra transformadas en forma, donde el sonido se convierte en discurso abstracto y espacio de resonancia conceptual.

Las entradas para cada concierto se pueden adquirir de forma anticipada en la web del museo www.museopicassomalaga.org, o de manera presencial en las taquillas.

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Hablar de Patti LuPone es referirnos al Broadway que todo el mundo tiene en su mente, el de los artistas que todo lo hacen bien, que nos dejan sin palabras cuando los vemos. Patti LuPone encierra todo eso. Por algo es la estrella más reconocida de la capital mundial del espectáculo.

Llega por primera vez a España para presentarnos su espectáculo “Songs from a hat”, un formato en el que la LuPone prescinde de un programa preestablecido para confiar la selección del repertorio a la espontaneidad del momento e interpretar las piezas más emblemáticas de su carrera a partir de títulos extraídos, de forma aleatoria, de un sombrero.

Bajo esta premisa, la intérprete extrae los títulos de un sombrero de copa para ejecutarlos al instante, sin guion previo ni programa cerrado. Acompañada al piano por su director musical, Joseph Thalken, LuPone recorre estándares de Broadway, piezas menos transitadas y clásicos del cancionero popular; un recorrido hilvanado por anécdotas y comentarios que refuerzan la complicidad con el espectador.

Patti LuPone 3 Premios Tony, 2 Olivier, y 2 Drama Desk entre otros. Interpretó a Fantine en la producción original de Los Miserables en Londres, a Evita en la producción original de Broadway y a Norma Desmond en el estreno mundial de Sunset Boulevard. En Broadway articipó en roles protagónicos en Gypsy, The Roommate, Mujeres al borde de un ataque de nervios, Company,
Anything Goes, Sweeny Tood, Noises Off, Master Class, The Cradle Will rock, Oliver!, Muerte accidental de un anarquista o The Robber Birdegroom, entre otros.

Ha disfrutado de una larga asociación con David Mamet, protagonizando en Broadway producciones de sus obras The Anarchist, The Old Neighborhood y The Water Engine.

Es autora de las memorias más vendidas del New York Time: “Patti LuPone: A Memoir”.

En 2026 llega por primera vez a España para ofrecer 6 únicos e irrepetibles conciertos:

MÁLAGA
10 de junio – Teatro del Soho Caixabank
BARCELONA
12 de junio – Teatre Tívoli
MADRID
15 de junio – Teatro Alcalá
TENERIFE
19 de junio – Espacio Laurel de Indias
GRAN CANARIA
21 de junio – Auditorio Alfredo Kraus
BILBAO
24 de junio – Teatro Arriaga

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Reúne a figuras destacadas como Louisa Yousfi, Pastora Filigrana, Dahlia de la Cerda, Luciana Cadahia, Layla Martínez y Mario Obrero. El evento también contará con la participación de Fernanda Trías, Pedro G. Romero, Alberto Santamaría, Luz Pichel, Munir Hachemi, Nuria Alabao y Olga Rodriguez.

READ Madrid. Festival de Libros e Ideas nace con especial atención a las prácticas de producción artística y de edición autónomas, y tratando de tejer un puente cultural transatlántico con América Latina. A través de distintos encuentros, su programación busca abrir nuevas comunidades de interpretación y horizontes de imaginación política a través del espacio común construido por el ensayo, el estudio, la lectura y la escritura.

Estas prácticas son entendidas de manera expandida, colectiva y social, y presentadas a través de conversatorios, pero también de una performance de Álvaro Romero y de la proyección de la última película de Lucrecia Martel.

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Esther Ferrer (San Sebastián, España, 1937), es una figura capital de la performance en España, pionera del accionismo en el país. Su práctica artística abarca el collage, la fotografía, el dibujo y el arte sonoro, colocándose como referente internacional del arte conceptual. Su consolidada trayectoria está asociada al movimiento minimalista de principios de la década de 1970, así como a los movimientos feministas de ese periodo. Además, la artista formó parte del grupo ZAJ fundado por Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo en 1964 y disuelto en 1996, una agrupación icónica del happening y la performance en España.

El uso de su propio cuerpo como campo artístico la sitúa dentro de la genealogía de mujeres que, en la segunda mitad del siglo XX, exploraron nuevas formas de expresión a través de la acción. De esta forma, la artista ha visibilizado cuestiones como la temporalidad y la espacialidad de los procesos creativos, el movimiento, las transformaciones y el azar bajo una mirada feminista. Su inclinación por el humor y la exaltación de lo absurdo también caracteriza su trabajo.

En 1999, representó a España, junto a Manolo Valdés, en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, en 2014 el premio MAV (Mujeres en las artes visuales), el Premio Marie Claire pour l’Art Contemporaine y el premio Velázquez.

Esther Ferrer ha expuesto su trabajo plástico en el Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (España), Galerie Donguy , Galerie Lara Vinci, (España) – Galerie Satelite (Paris) – Galería Trayecto (España) Statsgalerie, Stuttgart (Alemania) – Koldo Mitxelena San Sebastián (España) – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla (España) – Museo de Arte Contemporáneo de Roskilde (Musee for Samtidskunst) Dinamarca – Circulo de Bellas Artes – Madrid (España) – MOCARoma – México CF (México) – Museo de Bellas Artes – Río de Janeiro (Brasil), ARTIUM (Vitoria), Els Baluard (Palma de Mallorca), Centro Cultural G. Pompidou (París (Francia), CGAC (Centro Gallego de Arte Contemporáneo (España), MAC/VAL (Vitry –sur-Seine – France), entre otros.

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Como complemento a esta instalación, el Museo del Prado ha desarrollado por primera vez una infografía interactiva en su web que recopila toda la historia y los secretos de este retrato con abundante documentación de su Archivo: La historia de «La marquesa de Santa Cruz» – Museo Nacional del Prado. El próximo 13 de abril de 2026, a las 18.30 h, en el auditorio del Museo del Prado, Miguel Satrústegui impartirá una conferencia que describirá episodios clave de la historia de este retrato.

La recuperación del retrato de La marquesa de Santa Cruz, obra destacada de Francisco de Goya en el Museo del Prado, constituye uno de los ejemplos más ilustrativos de la lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales en España, y de la normativa jurídica que fue acompasando su ejercicio en el siglo XX. Tras ser objeto de una exportación ilegal mediante una sofisticada trama de falsificación documental en 1983, el retorno del lienzo a España en 1986 no solo supuso el rescate de una pieza inestimable para el Museo del Prado, sino que validó la necesidad de la recién promulgada Ley de Patrimonio Histórico de 1985, que sustituía a anterior Ley del Tesoro Artístico Nacional de 1933, la cual todavía no confería al Estado la propiedad de los bienes exportados ilegalmente.

El lienzo, que muestra a Joaquina Téllez Girón (1784-1851) -ejemplo de aristócrata ilustrada-, reclinada con una lira, fue vendido por sus propietarios a un marchante de arte por un modesto precio y bajo documentos falsificados. Tras pasar por Zúrich y Los Ángeles —donde fue ofrecido al Museo Getty por 12 millones de dólares—, la obra fue finalmente localizada en Londres, lista para ser subastada por la casa Christie’s en abril de 1986. Bajo la dirección del entonces ministro de Cultura, Javier Solana, y con la asesoría estratégica del abogado Rodrigo Uría, el Gobierno de España emprendió una batalla legal inédita en la High Court de Londres. Ante la imposibilidad de aplicar retroactivamente la entonces nueva Ley de Patrimonio Histórico de 1985, el equipo jurídico español logró un fallo histórico basado en un precedente de 1861. El juez británico reconoció que el uso de permisos de exportación falsos perjudicaba económicamente al Estado español, permitiendo así frenar la subasta.

La recuperación se culminó el 9 de abril de 1986 con la firma de un contrato de adquisición por 6 millones de dólares, la mitad de su valor de mercado en aquel momento. Este logro fue posible gracias a una movilización sin precedentes: 3,5 millones de dólares fueron aportados por más de 75 entidades privadas y empresas, coordinadas por la Fundación de Apoyo a la Cultura y con el aval del Banco Central. Los 2,5 millones restantes se cubrieron con cargo a los presupuestos generales del Estado.

La obra se expone de forma definitiva en el Museo del Prado y su retorno supuso un triunfo en la defensa del patrimonio, blindando para siempre su custodia. Para evitar que se repitiera una situación similar, el Gobierno declaró la obra como Bien de Interés Cultural e inexportable mediante un Real Decreto aprobado poco después de su llegada. La opinión pública y mediática la calificaron como una de las operaciones de rescate artístico más complejas y costosas de la democracia española.

El caso de «La marquesa de Santa Cruz» evidenció las carencias de la antigua ley de 1933 y validó la necesidad de la Ley de Patrimonio Histórico Español de 1985. Esta normativa establece ahora con claridad que los bienes exportados sin autorización pertenecen al Estado y son inalienables.

El cuadro que Franco quiso regalar a Hitler

La historia del cuadro comenzó mucho antes de su exportación ilegal. En 1941, Franco tuvo la firme intención de regalarle esta pintura a Adolf Hitler, tal y como atestigua una carta de 26 de mayo de 1941 del Marqués de Lozoya, entonces director general de Bellas Artes, al director del Museo del Prado, Fernando Álvarez de Sotomayor: “Ya sabe Vd. que S.E. el Generalísimo desea hacer un regalo de importancia a Hitler y que la atención del enviado del führer se fijó en la marquesa de Santa Cruz, en cuya lira figura una cruz gamada. Esta noche han quedado ultimadas las negociaciones y el cuadro debe quedar a la disposición del Generalísimo, que señalará el día para la entrega al Embajador de Alemania. Le supongo satisfecho, como yo, de esta solución que viene a resolver un problema que nos tenía un poco inquietos”.

Heinrich Himmler había visitado Madrid un año antes, en octubre de 1940, en lo que no fue solo un despliegue de propaganda militar, sino también una búsqueda de validación cultural y racial que culminó en el Museo del Prado. Mientras se ultimaban los detalles logísticos para la histórica cumbre de Hendaya entre Hitler y Franco, el jefe de las SS recorrió las salas de la pinacoteca madrileña, interesándose especialmente por las obras de autores germanos como Durero y la herencia de los Austrias, tratando de vincular el arte español con el «genio ario».

La documentación conservada en el Museo permite comprobar que el retrato de la marquesa estuvo depositado en el Prado hasta el 29 de enero de 1944, fecha en la que se devolvió a sus legítimos propietarios por el Servicio de Recuperación del Patrimonio Artístico Nacional. El interés nazi se justificó en la lira que sujeta la marquesa, donde aparece un adorno que asociaron a una cruz gamada, aunque en realidad se trataba de un lauburu vasco. Afortunadamente el propósito de Franco no se consumó probablemente por el cambio de rumbo de la Segunda Guerra Mundial y las gestiones del General Eisenhower en el norte de África.

Las copias

El relato de las copias de La marquesa de Santa Cruz resulta tan intrigante como el del cuadro original. Para contentar a la propietaria legítima, la Infanta Doña Luisa, el régimen de Franco ordenó realizar una copia del original que se le iba a expropiar.

Una carta aparecida recientemente en el Rastro madrileño ha arrojado luz sobre este encargo, permitiendo conocer la cifra que se abonó por el original y elevando el número de copias. Según dicha carta, fechada el 20 de octubre de 1942, el dictador llegó a desembolsar 1,5 millones de pesetas por el retrato, dejando a deber una pequeña fracción de 9.000 pesetas correspondiente a 3 copias que el Marqués de Lozoya, entonces director general de Bellas Artes, había encargado un año antes al pintor Núñez Losada, bajo la intermediación del subdirector del Museo del Prado, Sánchez Cantón. Dichas copias no se deben confundir con otra versión más o menos coetánea al retrato original, que perteneció a la Colección Wellington. Esta copia fue adquirida en 1958 por el County Museum de Los Ángeles (que la descatalogó en 1977) y finalmente fue localizada en 2014 entre los bienes incautados a Imelda Marcos por el Estado de Filipinas.

Como parte de la conmemoración de la recuperación del retrato de La marquesa de Santa Cruz, el Museo del Prado ha realizado una instalación especial en la sala 38 del Edificio Villanueva del original junto a una de las copias mencionadas, adquirida y restaurada por el galerista e historiador del arte, José de la Mano.

La exportación ilegal

En marzo de 1983, la entonces propietaria de la obra, María Mercedes Fernández Valdés, vendió el cuadro a Pedro Antonio Saorín Bosch por 25 millones de pesetas, con la cláusula expresa de que no saliera de España. Sin embargo, Saorín sacó la obra clandestinamente del país, probablemente en un camión, y la llevó a Zúrich, donde la adquirió un empresario llamado Lord Wimborne.

La alarma saltó en junio de ese mismo año, cuando el Ministerio de Cultura español recibió noticias de que el cuadro estaba en Los Ángeles y se había ofrecido a la venta al Museo Getty por 12 millones de dólares. Después de que el Getty desistiera al conocer la ilegalidad de la exportación, la obra regresó a Europa y se mantuvo oculta en un laberinto de empresas radicadas en paraísos fiscales como Liberia y las Islas Vírgenes Británicas, todas ellas pertenecientes a Lord Wimborne.

El fracaso de las negociaciones iniciales para la adquisición de La marquesa que lideró de forma altruista el abogado Rodrigo Uría, y el anuncio de su subasta en Christie’s de Londres en abril de 1986, determinaron que el Estado español pasara a la ofensiva legal. La estrategia, diseñada con el apoyo del abogado británico Sir Matthew Farrer, consistió en presentar una acción declarativa ante la High Court para demostrar que los permisos de exportación presentados por los poseedores eran falsos.

Un momento decisivo fue la resolución del juez Sir Nicolas Browne-Wilkinson el 21 de marzo de 1986. Basándose en un precedente del siglo XIX, el juez reconoció que España tenía derecho a evitar el daño económico causado por el uso de documentos oficiales falsificados. Aunque no detuvo la subasta automáticamente, el fallo debilitó la posición de los vendedores y aumentó la presión política en el Reino Unido.

Bajo la amenaza de un juicio inminente y la presión del gobierno británico para cumplir con su «Código de Buenas Prácticas», Lord Wimborne aceptó negociar directamente. El 9 de abril de 1986, apenas dos días antes de la subasta, se firmó el contrato de compra por 6 millones de dólares (900 millones de pesetas). Finalmente, el 17 de abril de 1986, el cuadro fue entregado en Londres y regresó a Madrid. Tras una exposición masiva en el Palacio de Villahermosa que atrajo a más de treinta mil visitantes, La marquesa de Santa Cruz encontró su destino definitivo en el Museo del Prado.

El regreso

La respuesta de la prensa española ante el regreso de La marquesa de Santa Cruz fue una combinación de euforia por la victoria diplomática y una intensa polémica sobre el coste de la operación. Según los documentos de la época, la prensa destacó el acontecimiento como un triunfo histórico para el patrimonio nacional. Se subrayó que la recuperación ponía fin a un complejo litigio internacional en los tribunales británicos y evitaba que una obra singular de Goya —cuya salida del país había sido calificada de ilegal por el Gobierno— terminara en manos de coleccionistas privados o museos extranjeros. El regreso fue presentado como un acto de justicia cultural que permitía al Museo del Prado llenar una «desiderata» histórica.

Sin embargo, este entusiasmo se vio empañado por la controversia sobre el coste económico. El pago de 6 millones de dólares (900 millones de pesetas de la época) a Lord Wimborne fue recibido con estupor por diversos sectores. El Ministerio de Cultura insistía en utilizar el término «indemnización» para no legitimar una venta comercial de algo que consideraban robado, pero cuestionó si pagar tales cantidades no sentaba un precedente peligroso que premiaba, en la práctica, la exportación ilegal de arte.

En el ámbito social, la expectación ciudadana fue masiva; el cuadro, que había permanecido oculto al público durante décadas, se convirtió en un fenómeno de masas durante su exposición en Madrid.

Imagen de la carta en la que se le reclaman a Franco 9.000 pesetas. Cedida por DELAMANO Old Masters

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En el acto de inauguración, la presidenta de Patrimonio Nacional, Ana de la Cueva, ha señalado que “la intervención, además de mejorar la conservación, cambia la forma de acercarse a la colección, con un recorrido más completo y una iluminación que realza las piezas, permite apreciar sus detalles e invita a redescubrirlas”. Por su parte, el director de Inmuebles y Medio Natural, Luis Pérez de Prada, ha destacado que “la solución adoptada para recrear el lucernario responde a criterios técnicos actuales coherentes con la historia del edificio, mejora la eficiencia energética del espacio y se integra de forma eficaz en su arquitectura”.

Considerada una de las mejores colecciones de armaduras y armas del mundo, la Real Armería expone actualmente alrededor de 2.500 piezas de un conjunto que supera las 7.000. Visitar este espacio supone realizar un recorrido único por la historia de la monarquía y del arte al servicio de la corte durante la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. El conservador de la Real Armería, Álvaro Soler, ha explicado que “la nueva museografía incorpora ámbitos hasta ahora ausentes, como el dedicado a una selección de la colección borbónica, y reorganiza el contenido de algunas vitrinas como mejora de su discurso expositivo”.

Tecnología LED y mejora de las condiciones ambientales

La intervención ha permitido renovar íntegramente el sistema de iluminación de la Real Armería mediante la sustitución de todas las luminarias por tecnología LED de alta eficiencia, con un ahorro energético del 47%. Esta nueva iluminación ofrece mayores prestaciones técnicas, una vida útil más prolongada y una significativa reducción de emisiones de calor y radiación, factores clave para la correcta conservación de las obras.

Uno de los elementos más destacados del proyecto ha sido la recuperación del efecto del antiguo lucernario decimonónico, cegado en el siglo XX, a través de una solución innovadora basada en paneles LED con telas ignífugas. Este sistema permite reproducir la luz natural y modular su tonalidad a lo largo del día, con control independiente por panel, lo que favorece una iluminación homogénea del espacio y evita interferencias en grabaciones audiovisuales.

Nuevas vitrinas, piezas singulares y un completo microsite

La intervención ha incluido también una actualización de la museografía, con la incorporación de nuevos contenidos en las vitrinas y nuevos paneles de gráfica. Entre las principales novedades destaca la creación de tres vitrinas dedicadas a la colección borbónica, con un espacio específico para la arcabucería madrileña del siglo XVIII, que pone en relieve la importancia histórica de los talleres de armas de fuego establecidos en Madrid.

Asimismo, se ha renovado el ámbito dedicado a las vitrinas japonesas, con la incorporación de la recreación de un kabuto —casco tradicional japonés— regalado a Felipe II, realizada en colaboración con Ubisoft y Assassin’s Creed. A ello se suman nuevas piezas de procedencia turca integradas en el discurso de la batalla de Lepanto. Además, Patrimonio Nacional ha creado un microsite específico en su web que amplía la información sobre la colección, facilita su contextualización histórica, y pone a disposición del público materiales didácticos como una guía de lectura fácil, una guía de visita para familias con niños y nuevas herramientas para quien desee profundizar en el estudio o documentación de su ámbito temático.

La entrada a la Real Armería está incluida en la visita al Palacio Real de Madrid, y cuenta con los mismos horarios de apertura que este recinto. Su acceso se encuentra en el extremo izquierdo de la Plaza de la Armería.

Real Armería
De izquierda a derecha: Álvaro Soler, conservador de la Real Armería; Ana de la Cueva, presidenta de Patrimonio Nacional, y Luis Pérez de Prada, director de Inmuebles y Medio Natural

Real Armería
Real Armería. Palacio Real de Madrid

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El Museo Picasso Málaga ha comunicado el fallecimiento de Christine Ruiz-Picasso, figura esencial en la creación de esta institución y defensora incansable del legado artístico de Pablo Picasso, que ha fallecido en su casa de Provenza, en Francia, ayer lunes 6 de abril de 2026 a la edad de 97 años, rodeada de sus seres queridos.

Su familia y en particular su hijo Bernard Ruiz-Picasso, presidente del Consejo Ejecutivo del Museo Picasso Málaga, han expresado su dolor por la pérdida de una mujer cuya vida estuvo marcada por el amor al arte y a la memoria de Picasso.

El Patronato y los trabajadores del Museo Picasso Málaga desean manifestar su tristeza y gratitud por su labor fundamental en la fundación y en la consolidación de este museo.

Christine Ruiz-Picasso falleció el lunes 6 de abril de 2026 a las 18 h. con 97 años de edad, en su casa de Provenza, en Francia. Era viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo de Pablo Picasso y de Olga Khokhlova, y fue la principal impulsora y artífice del Museo Picasso Málaga, junto con su hijo Bernard. El Museo se abrió en octubre de 2003, y recibe ya ochocientos mil visitantes al año. Christine era Presidenta de Honor del Museo, junto con quien ostenta la Presidencia de la Junta de Andalucía. Por su generosidad recibió en 2003 la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio. El Auditorio del Museo fue bautizado como Auditorio Christine Ruiz-Picasso para perpetuar su estrecho vínculo con el Museo. Las exequias fúnebres se anunciarán oportunamente.

Christine Ruiz-Picasso nació en Francia en 1928 y estuvo vinculada al mundo del arte desde joven. Se convirtió en nuera de Pablo Picasso al casarse con Paul Ruiz-Picasso, el hijo mayor del artista y de la bailarina rusa Olga Khokhlova. Juntos tuvieron un hijo, Bernard Ruiz-Picasso, quien también ha seguido los pasos de su madre en la promoción del legado picassiano. Su sensibilidad artística y compromiso con la cultura la han convertido en una figura respetada en el ámbito museístico y cultural.

El sueño de Pablo Picasso de tener un museo en su ciudad natal se hizo realidad en 2003, gracias a la generosidad y tesón de Christine Ruiz-Picasso: la colección del Museo Picasso Málaga, compuesta por más de 230 obras, fue posible gracias a la generosa donación de Christine y a la de su hijo Bernard Ruiz-Picasso.

El Museo Picasso Málaga y la Junta de Andalucía lamentan profundamente la pérdida de una mujer que dedicó su vida a preservar y difundir el legado de Pablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Impulsora del Museo Picasso Málaga

La idea inicial nació en 1953 de los contactos entre el propio Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, entonces delegado provincial de Bellas Artes de Málaga. El pintor malagueño quería que su obra estuviera presente en su ciudad natal, pero este proyecto quedó frustrado poco después. Christine Ruiz-Picasso, viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo mayor del artista, retomó los contactos con el gobierno de la ciudad de Málaga con motivo de las exposiciones Picasso clásico y Picasso, primera mirada que tuvieron lugar en el Palacio Episcopal de Málaga en 1992 y 1994 respectivamente. Fue tal el entusiasmo que provocó en la ciudadanía malagueña el poder contemplar por vez primera en Andalucía el trabajo de Picasso, que en 1996 Christine Ruiz-Picasso reinicia el proyecto de su suegro de 1953.

Para su creación la Junta de Andalucía adquirió el Palacio de Buenavista en 1997 y Christine y Bernard Ruiz-Picasso, nuera y nieto del artista, donaron 233 obras a la  que se fundó ex profeso para la génesis del proyecto y que es la que actualmente rige el museo. De este modo, cincuenta años más tarde, el Museo Picasso Málaga se hacía finalmente realidad siendo inaugurado el 27 de octubre de 2003.

Christine Ruiz-Picasso fue distinguida como Hija Predilecta de Andalucía en 2003, en reconocimiento a su labor cultural y su contribución al patrimonio artístico de la región. En 2023, con motivo del 20º aniversario del Museo Picasso Málaga, se le rindió homenaje nombrando el auditorio del museo como Auditorio Christine Ruiz-Picasso. Aunque no pudo asistir por motivos de salud, su hijo Bernard expresó que su madre estaba presente ‘con el corazón’.

Su legado como mecenas, promotora cultural y defensora del patrimonio picassiano ha contribuido significativamente a la vida cultural de Málaga, de España y al conocimiento del arte moderno. Descanse en paz.

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El director de orquesta José Luis Temes (Madrid, 1956) fue elegido académico numerario por la Sección de Música de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Su trayectoria, ampliamente reconocida, destaca por una intensa labor en la difusión y recuperación de la música española. Su candidatura fue presentada por el también director de orquesta José Ramón Encinar, el arquitecto Alberto Campo Baeza y el musicólogo José Luis García del Busto, quien expresó el elogio a la trayectoria profesional de José Luis Temes, subrayó la relevancia de su aportación al patrimonio musical español y su idoneidad para formar parte de la Institución.

Formado inicialmente como percusionista, Temes inició su carrera al frente del Grupo de Percusión de Madrid y posteriormente impulsó el Grupo Círculo, con el que desarrolló una destacada actividad concertística. Paralelamente colaboró en el lanzamiento y consolidación del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC). A lo largo de su carrera ha dirigido numerosas orquestas e impulsado más de trescientos sesenta estrenos absolutos de compositores españoles, consolidándose como una figura clave en la promoción de la música contemporánea.

Su labor discográfica, con más de un centenar de grabaciones, ha permitido rescatar y difundir un amplio repertorio de música orquestal española, desde el clasicismo hasta la creación actual, incluyendo obras inéditas hasta entonces. Asimismo, ha desarrollado proyectos audiovisuales centrados en compositores españoles y ha producido gran parte de sus iniciativas de manera independiente.

Premio Nacional de Música en 2008, Temes ha compaginado su actividad artística con la investigación, la docencia y la escritura, siendo autor de diecisiete libros. Su perfil se completa con un notable interés por el diálogo entre la música y otras artes.

La candidatura de Emilio Tuñón para la Sección de Arquitectura fue presentada por los académicos Tomás Marco, compositor y director de la Academia, y los arquitectos Rafael Moneo y Luis Fernández-Galiano, quien leyó la laudatio.

El arquitecto Emilio Tuñón Álvarez, figura clave de la arquitectura contemporánea, ha desarrollado una destacada carrera marcada por la innovación, el rigor constructivo y el reconocimiento internacional.

Formado en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) bajo la influencia de maestros como Francisco Javier Sáenz de Oíza y Juan Navarro Baldeweg, Tuñón inició su trayectoria profesional junto a Luis Moreno Mansilla, con quien fundó en 1990 el estudio Mansilla + Tuñón Arquitectos. Desde sus inicios, el equipo alcanzó notoriedad gracias a una serie de proyectos culturales de gran relevancia, entre los que destacan el Museo de Arqueología y Bellas Artes de Zamora, el Auditorio de León, el Museo de Bellas Artes de Castellón o el Centro documental de la CAM en el complejo El Águila.

Con la llegada del siglo XXI, su prestigio se consolidó internacionalmente con obras como el MUSAC de León, galardonado con el Premio Mies van der Rohe de la Unión Europea, y la Galería de las Colecciones Reales en Madrid, inaugurada en 2023 tras dos décadas de desarrollo. A estos proyectos se suman intervenciones significativas en Galicia y Extremadura, reforzando su presencia en el panorama arquitectónico nacional.

Tras el fallecimiento de Luis Moreno Mansilla en 2012, Tuñón continuó su carrera en solitario, firmando obras destacadas como el Museo Helga de Alvear en Cáceres, la sede de la Fundación Arquia en Madrid y diversos proyectos académicos y residenciales que reflejan la madurez de su lenguaje arquitectónico.
Paralelamente a su práctica profesional, ha mantenido una intensa actividad académica como catedrático en la ETSAM y profesor invitado en prestigiosas universidades internacionales como Harvard, Princeton o Lausanne.

Su trayectoria ha sido reconocida con importantes distinciones, entre ellas la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes (2014) y el Premio Nacional de Arquitectura (2022), consolidando su posición como uno de los referentes de la arquitectura española actual.

La obra de Emilio Tuñón se caracteriza por la capacidad de integrar innovación formal, precisión técnica y sensibilidad estética, contribuyendo de manera decisiva a la construcción de una arquitectura representativa de la España contemporánea.

La tercera elección celebrada en la tarde de ayer fue la del pintor Juan Uslé. Su candidatura para formar parte de la Sección de Pintura fue firmada por el arquitecto Juan Navarro Baldeweg, el director de orquesta José Ramón Encinar y el artista Jordi Teixidor, quien presentó su semblanza.

Uslé (Santander, 1954) es una de las voces más singulares de la pintura abstracta contemporánea, reconocido tanto en España como en el ámbito internacional. Su obra se caracteriza por un lenguaje pictórico profundamente personal, centrado en la exploración del ritmo, la luz y el tiempo, que se manifiesta en composiciones estructuradas en bandas rítmicas que funcionan como auténticas partituras visuales. En sus propias palabras, “no recuerdo las formas, pero sí el peso de la luz”, reflejando la importancia de la percepción sensorial en su práctica artística.

Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, Uslé integró la luz y la cultura mediterránea a su sensibilidad cántabra, alternando la pintura con la fotografía como espacio experimental antes de consolidar su compromiso definitivo con la pintura. Su trayectoria se vio tempranamente reconocida por instituciones españolas, con la Beca para Artistas Jóvenes (1980) y la Beca para la Investigación de Nuevas Formas Expresivas (1982) otorgadas por el Ministerio de Cultura.

Un punto decisivo en su carrera se produce en 1987, cuando se traslada a Nueva York gracias a una beca Fulbright, estableciendo su estudio en Brooklyn y manteniendo desde entonces una relación continuada con la ciudad. La experiencia neoyorquina, marcada por la energía urbana y el contacto con la escena artística internacional, consolidó su lenguaje pictórico, generando un diálogo constante entre estructuras geométricas y gestos orgánicos. Esta dualidad entre Nueva York y Saro, un pequeño pueblo de Cantabria donde también reside, se ha convertido en uno de los ejes fundamentales de su proceso creativo, combinando dinamismo urbano y contemplación del paisaje natural.

La obra de Uslé, frecuentemente vinculada a la Nueva Abstracción, trasciende cualquier clasificación estilística. Su práctica se basa en la repetición, la disciplina y la introspección, alcanzando expresiones destacadas en series como Soñé que revelabas, iniciada en la década de 1990, donde el tiempo, el pulso y la memoria adquieren un protagonismo central.

Ha participado en exposiciones internacionales de gran relevancia, como Documenta IX en Kassel (1992) y la 51ª Bienal de Venecia (2005), y su obra forma parte de colecciones de prestigio como el MoMA de Nueva York, la Tate Modern de Londres, el Centre Pompidou de París y el Guggenheim Bilbao. Entre sus reconocimientos destaca el Premio Nacional de Artes Plásticas (2002), consolidando su posición como una de las figuras más sólidas de la pintura española contemporánea.

Actualmente, Juan Uslé presenta su obra bajo el título Ese barco en la montaña en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, una exposición que refleja su constante investigación sobre la experiencia sensorial de la pintura, la percepción del tiempo y la vibración emocional de la luz, confirmando su lugar destacado en el panorama artístico internacional.

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La mayor parte de las obras expuestas han salido por primera vez de Armenia.

Los manuscritos armenios son reconocidos internacionalmente por sus pinturas en miniatura, una característica central de la cultura manuscrita armenia, que evolucionó a través de diversas escuelas regionales, cada una de ellas marcada por rasgos estilísticos y tradiciones iconográficas distintivas. La importancia de esta diversidad refleja la vasta geografía del patrimonio escrito armenio: estos manuscritos se produjeron en múltiples centros de aprendizaje y actividad artística dentro de la Armenia histórica y más allá, y hoy en día se conservan en bibliotecas y museos de todo el mundo, lo que demuestra tanto la amplitud geográfica e intelectual de la cultura armenia como su perdurable influencia global.

La exposición Por los caminos del mapa de la espiritualidad: el arte manuscrito armenio brinda la oportunidad de poder contemplar por primera vez en España obras únicas, muchas de las cuales nunca han salido de Armenia, que revelan la tradición milenaria del arte manuscrito armenio y conectan a ambos países en un nuevo espacio de diálogo cultural.

El Instituto «Matenadaran» Mesrop Mashtots de Manuscritos Antiguos, situado en Ereván (Armenia), alberga la mayor colección de manuscritos armenios del mundo y es uno de los centros de manuscritos más importantes a nivel internacional. Con cerca de 23.000 manuscritos en armenio y en otros idiomas, así como extensas colecciones de archivos e impresos, el Matenadaran funciona simultáneamente como repositorio, instituto de investigación, biblioteca, centro de restauración y museo.

La colección de manuscritos armenios refleja casi todos los campos de la vida intelectual medieval y moderna, incluyendo la teología, la historia, la filosofía, el derecho, la medicina, la geografía, las matemáticas, la astronomía, la música y las ciencias naturales. Una parte importante de este patrimonio consiste en literatura traducida, que comenzó inmediatamente después de la creación del alfabeto armenio en el siglo V.

Gracias a las traducciones armenias conservadas en el Matenadaran, varias obras de autores clásicos y de la Antigüedad tardía, como Eusebio de Cesarea, Filón de Alejandría y Efrén el Sirio, han sobrevivido exclusivamente o en su mayor parte en armenio, lo que confiere a la colección un valor excepcional para la erudición mundial.

De la rica colección de manuscritos del Matenadarán han sido seleccionados para esta exposición once códices únicos, creados en distintos centros escriturarios de diversas regiones del mundo y datados entre los siglos VIII–IX y el siglo XVIII. Junto a ellos se presentan también tres filacterias /hmayil en armenio/, consideradas una de las manifestaciones más singulares del arte escritural armenio.

Las filacterias contienen oraciones, textos bíblicos y fórmulas mágicas, y tradicionalmente se creía que protegían a quien los portaba de desgracias, enfermedades y fuerzas malignas. Con frecuencia están adornados con miniaturas de temática religiosa y con escenas relacionadas con la curación, la reprensión o la sumisión de los malos espíritus.

De entre los miles de manuscritos conservados en el Matenadarán, en la exposición se presenta también un manuscrito denominado Khndrakatár (de carácter intercesor o “milagroso”). La tradición de atribuir un poder especial a determinados manuscritos se formó entre los armenios como resultado de la interacción entre la cultura cristiana medieval y la piedad popular. En la sociedad armenia el manuscrito se percibía no solo como portador de conocimiento, sino también como un objeto sagrado. Por ello, algunos manuscritos —especialmente los libros de oraciones y los Evangelios— podían ser considerados, según la tradición popular, como poseedores de un poder intercesor o de cumplimiento de peticiones.

Los manuscritos seleccionados permiten a los visitantes familiarizarse con distintas etapas de la historia armenia, con la geografía de las comunidades armenias en la diáspora y con las particularidades estilísticas de la cultura manuscrita desarrollada en diferentes centros escriturarios. Las páginas ilustradas de los Evangelios presentados revelan las tradiciones artísticas de las escuelas de miniatura armenias de Cilicia, Vaspurakan, Nueva Julfa, Crimea y otros centros.

Algunos manuscritos han sido elegidos de modo que ofrezcan al visitante una visión simultánea tanto de las diferentes tradiciones de ilustración como de la diversidad de estilos en la encuadernación de los manuscritos armenios.

La imagen de Cristo presentada en los paneles de la exposición fue creada por el célebre miniaturista y escriba armenio del siglo XIII Toros Roslin. Las miniaturas de los manuscritos que escribió e ilustró se distinguen por su gran maestría, una rica paleta cromática y una notable profundidad psicológica de los personajes.

El artista gozó de gran prestigio en vida y trabajó por encargo de la familia real, de príncipes y de altos dignatarios eclesiásticos. Este enfoque y sus obras subrayan la estrecha relación entre el reino armenio y la misión divina.

La exposición incluye asimismo ejemplos excepcionales que ilustran la tradición y la historia de la cultura manuscrita. Entre ellos se encuentra un palimpsesto datado en los siglos VIII–IX. Los palimpsestos evidencian que la preparación y el tratamiento del pergamino eran procesos complejos, costosos y laboriosos, por lo que con frecuencia, siglos después, se escribían nuevos textos sobre textos más antiguos. El manuscrito presentado parece reunir en sí mismo dos niveles de contenido, combinando escritura y tradición.

Entre las piezas expuestas figura también uno de los ejemplos más singulares de la colección manuscrita del Matenadarán: el único manuscrito del siglo XVIII traducido del español al armenio.

Asimismo, se presenta un manuscrito que ha recorrido un largo proceso de restauración en el Departamento de Restauración del Matenadarán. Sus miniaturas, gracias al trabajo de los especialistas, fueron separadas, restauradas y presentadas nuevamente como páginas individuales. Este manuscrito restaurado reafirma el papel excepcional del Matenadarán y su compromiso con la preservación y la continuidad de los valores culturales.

La exposición tiene un recorrido libre de planta centralizada, que permitirá al visitante recorrer las obras siguiendo su curiosidad o interés.

Dra. Yvette Tajarian, comisaria de la exposición, directora del Museo Matenadaran  desde 2024, investigadora sénior en el Departamento de Estudios Orientales del Matenadaran desde 2013. Desde 2006, imparte clases como profesora en la Universidad Estatal de Ereván, donde ocupa la cátedra de Historia del Arte Armenio, y también ha dado conferencias en el Instituto de Diseño Toros Roslin de Ereván. La Dra. Tajarian obtuvo su doctorado en Historia del Arte por el Instituto de Arte de la Academia Nacional de Ciencias de la República de Armenia en 2006. Es autora de numerosos artículos académicos, libros y catálogos de exposiciones publicados en armenio, persa e inglés. La Dra. Tajarian ha comisariado y organizado más de 30 exposiciones en Armenia, Irán y Alemania, y es miembro del Consejo Científico de la Revista Cultural Trimestral de Teherán.

Datos de interés:
Por los caminos del mapa de la espiritualidad: el arte manuscrito armenio
Biblioteca Nacional de España (Paseo de Recoletos 20-22 – Sala Hipóstila)
Fechas: 26 de marzo de 2026 al 21 de junio de 2026
Entrada: Gratuita. Aforo limitado

Organizada por la Biblioteca Nacional de España, junto con el Ministerio de Educación, Ciencia, Cultura y Deporte de la República de Armenia y en colaboración con el Instituto Matenadaran Mesrop Mashtots de Manuscritos Antiguos y la Fundación Amigos de la BNE.

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