Pepe Gimeno (Vilches, Jaén, 1953) presenta Trayectorias, una exposición que reúne 17 obras en las que la línea, la forma y el color construyen un recorrido por su trayectoria artística.

Su trabajo, próximo a la abstracción geométrica, nace de un largo proceso de depuración y síntesis, donde una paleta dominada por azules, rojos y negros adquiere todo el protagonismo.

Datos de interés:
«Trayectorias» de Pepe Gimeno
Malvin Gallery
Lugar: Calle de Fúcar 17, Madrid (metro Antón Martín y Estación del Arte)
Fechas: Del 8 al 30 de octubre 2026
Horario: Martes a viernes de 14,00h. a 20,00h. /sábado de 11,30-14,30h.
Contacto y reserva de visitas teléfono 629713753 o en info@malvingallery.com

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El jurado ha seleccionado su obra por “su enriquecedora, osada y original forma de abordar la realidad de aquellas que, desde la periferia, sostienen los sectores esenciales de nuestro tejido social y económico. Enmarcadas en una trayectoria histórica precisa y bien documentada, las experiencias de estas mujeres son analizadas desde un contexto social y geográfico marcado por la precariedad y la desigualdad”.

Asimismo, el jurado ha destacado que el texto “combate los miserabilismos y la visión tradicionalmente masculina de la clase obrera. De este modo, la obra convierte los testimonios individuales de las trabajadoras del extrarradio en una profunda reflexión colectiva que pone de manifiesto la intersección entre racismo, clasismo, violencia y sexismo en las lógicas de exclusión contemporáneas.

Además, el jurado ha señalado que ‘Hijas del hormigón’ de Aida dos Santos “es un ensayo encarnado y necesario que nos interpela directamente como sociedad, invitándonos con urgencia al análisis de una problemática que, aun siendo de total actualidad, es sistemáticamente ignorada”.

El premio reconoció en su pasada edición a Remedios Zafra, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Joan-Carles Mèlich Sangrà, Ramón Andrés, Irene Vallejo, Alfredo González-Ruibal, Xosé Manuel Núñez Seixas, María Jesús Lama, Gonzalo Pontón o Adela Cortina.

Biografía

Aida dos Santos (Algarve, 1992) es licenciada en Ciencias Políticas por la Universidad Complutense de Madrid (UCM), técnica de investigación social aplicada y analista de datos.

En dos ocasiones ha ganado el Premio CEDEJEM en ensayo europeo. Además, ha colaborado en varios medios de comunicación.

Jurado

El jurado ha estado presidido por María José Gálvez Salvador, directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura; y como vicepresidente ha actuado Jesús González González, subdirector de la Subdirección General de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas. Como vocales han actuado Dolores Corbella Díaz, por la Real Academia Española; Lourenzo Fernández Prieto, por la Real Academia Gallega/ Real Academia Galega; Adolfo Arejita Oñarte-Etxebarria, por la Real Academia de la Lengua Vasca/Euskaltzaindia; Jaume Casals Pont, por el Instituto de Estudios Catalanes/Institut d’Estudis Catalans; Joan Rafael Ramos Alfajarín, por la Academia Valenciana de la Lengua/Acadèmia Valenciana; Antonio Álvarez de la Rosa, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas (CRUE); Pilar Velasco Acedo, por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); María Remedios Sánchez García (Remedios Sánchez), por la Asociación Colegial de Escritores de España (ACE); Isabelle Marc Martínez, por el Instituto de Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense de Madrid; Simona Skrabec Skrabec, por la Asociación Española de Críticos Literarios; Antonio Monegal Brancós, por el Ministerio de Cultura y Remedios Zafra, autora galardonada en la convocatoria anterior.

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El jurado ha decidido conceder este galardón a Alfonso del Amo “por ser una figura indiscutible de prestigio internacional en el ámbito de los archivos fílmicos. Su aportación ha sido fundamental en la adquisición de conocimientos cruciales para la preservación y comprensión del patrimonio cinematográfico”.

El jurado ha expresado que la concesión del premio “aspira a reconocer tanto su aportación científica y la elaboración de una metodología rigurosa y criterios sólidos para el estudio de los materiales fílmicos, como su generosidad a la hora de compartir su magisterio, trabajo y conocimientos”.

Además, el jurado ha añadido que “en el año que marca el 90 aniversario del inicio de la Guerra Civil, este reconocimiento resulta especialmente pertinente ya que la publicación del Catálogo general del cine de la Guerra Civil que Alfonso del Amo elaboró, con la colaboración de María Luisa Ibáñez, marcó un antes y un después en el conocimiento de las películas producidas en España durante el conflicto y es el ejemplo definitivo de la importancia de su aportación”.

El Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual reconoce la aportación más sobresaliente en el ámbito del patrimonio cinematográfico español, bien a través de iniciativas y proyectos destacables de recuperación, conservación y difusión o en reconocimiento a una trayectoria prolongada con impacto tangible en conservación y difusión del citado patrimonio.

El premio fue concedido en sus ediciones pasadas a Ana Marquesán, a Ferrán Alberich, a Ramón Rubio Lucía y a Luciano Berriatúa.

Biografía

Alfonso del Amo García ha ejercido su vida profesional en Filmoteca Española, institución en cuyo marco ha desarrollado, hasta su jubilación, una extraordinaria actividad de estudio, investigación, gestión y formación, en el ámbito de la preservación de los soportes de la cinematografía, los materiales fílmicos con soporte fotoquímico en los que quedaban impresos los resultados de la filmación en la época anterior a la digital.

Su nombramiento como jefe de la Comisión Técnica de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos en la parte central de su trayectoria supuso, por un lado, el reconocimiento de la importancia de su aportación y, por el otro, marcó la integración completa de Filmoteca Española en el ámbito internacional.

Es autor de publicaciones relevantes en el área de los archivos fílmicos y la historia del cine a nivel internacional, entre los que cabe destacar ‘Los soportes de la cinematografía’, ‘Inspección técnica de materiales en el archivo de una filmoteca’ y el ‘Catálogo general del cine de la Guerra Civil’.

A comienzos del siglo XXI, un momento crucial de expansión y avance en la historia de Filmoteca Española, fue responsable del diseño de los requerimientos técnicos necesarios para la conservación de materiales fotoquímicos en el proyecto y el proceso de construcción del Centro de Conservación y Restauración ‘Carlos Saura’. Además, fue maestro y figura de referencia para una generación de archiveros especializados, a la que transmitió su visión y conocimientos técnicos. Se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura en 2014.

Jurado

El jurado ha estado presidido por Marta Serrano San José, directora general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura, y como vicepresidenta ha actuado Valeria Camporesi, directora de la Filmoteca Española. Como vocales han actuado Teresa Sorolla Romero, a propuesta de Surcos. Asociación de Estudios Cinematográficos; Irene Cardona Bacas, a propuesta de DOCMA (Asociación Española de Cine Documental); Juan Carlos de la Madrid Álvarez, a propuesta de la editorial Shangrila Ediciones; y Ángel Cruz Sánchez, Luis Fernández Colorado y Andrea G. Bermejo, a propuesta del ICAA.

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El jurado ha seleccionado su obra ‘El viaje de mi padre’ por “su profundo calado memorialístico y humano, con el que Julio Llamazares emociona con un relato donde los recuerdos, las heridas y tantas preguntas sin respuesta nos muestran cómo las huellas de la Guerra perviven en un territorio”.

Asimismo, el jurado ha destacado que el autor “combina con maestría la evocación personal y la dimensión histórica, revelando que los desplazamientos geográficos marcaron la identidad de varias generaciones. A través de una prosa poética, depurada y sobria, los paisajes y los personajes se convierten en los verdaderos protagonistas de un viaje en el tiempo que anuda espacio, pasado y literatura, aportando una mirada honesta, sin épica, vinculado a su lado más humano”.

Además, el jurado ha señalado que ‘El viaje de mi padre’ “se configura como una obra de gran sensibilidad que invita a reflexionar sobre el paso del tiempo y los vínculos generacionales, transformando una experiencia individual en una rebelión íntima contra el olvido y la desmemoria. Una travesía de redención que ratifica a Llamazares como una de las voces clave de nuestras letras, poseedor de una facultad única para hibridar géneros, conmover al lector y fundir la geografía con el alma humana”.

El premio reconoció en su pasada edición a Paco Cerdà, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Marilar Aleixandre, Xesús Fraga, Juan Bonilla, Pilar Adón, Cristina Morales, Almudena Grandes, Fernando Aramburu o Cristina Fernández Cubas.

Biografía

Julio Llamazares (Vegamián, León, 1955) es periodista, escritor y guionista.

Su obra abarca muchos registros literarios, que van desde la poesía con obras como ‘La lentitud de los bueyes’ (1979) y ‘Memoria de la nieve’ (1982), recopilaciones de artículos como ‘En Babia’ (1991), ‘Nadie escucha’ (1995) y ‘Entre perro y lobo’ (2008), hasta la literatura de viajes como ‘El río del olvido’ (1990 y 2006), ‘Trás-os-Montes’ (1998), ‘Cuaderno del Duero’ (1999), ‘Las rosas de piedra’ (2008), ‘Atlas de la España imaginaria’ (2015), ‘El viaje de don Quijote’ (2016) y ‘Las rosas del sur’ (2018).

También ha escrito crónica como ‘El entierro de Genarín’ (1981 y 2015), relatos cortos como ‘En mitad de ninguna parte’ (1995 y 2014) y ‘Tanta pasión para nada’ (2011), y el dietario ‘Primavera extremeña’ (2020).

Además, entre sus novelas están ‘Luna de lobos’ (1985), de la que también escribió el guion cinematográfico, ‘La lluvia amarilla’ (1988), ‘Escenas de cine mudo’ (1994 y 2006), ‘El cielo de Madrid’ (2005), ‘Las lágrimas de San Lorenzo’ (2013), ‘Distintas formas de mirar el agua’ (2015) y ‘Vagalume’ (2023).

Jurado

El jurado ha estado presidido por María José Gálvez Salvador, directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura; y como vicepresidente ha actuado Jesús González González, subdirector general de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas. Como vocales han actuado María Paz Battaner Arias (Paz Battaner), propuesta por la Real Academia Española; Anxo Angueira Viturro, por la Real Academia Gallega/Real Academia Galega; Eneko Barrutia Etxebarria, por la Real Academia de la Lengua Vasca/Euskaltzaindia; Maite Salord Ripoll (Maite Salord), por el Instituto de Estudios Catalanes/Institut d’Estudis Catalans; Rosa María Agost Canós (Rosa Agost Canós), por la Academia Valenciana de la Lengua/Acadèmia Valenciana; José Belmonte Serrano, por la Asociación Española de Críticos Literarios; Carmen Alemany Bay, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas (CRUE); Miguel Barrero Vázquez, por la Asociación Colegial de Escritores de España (ACE); María Teresa Antona López (Mayte Antona), por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); Brígida Manuela Pastor Pastor, por el Centro de Estudios de Género de la UNED; Ramón Rozas Domínguez, por el Ministerio de Cultura y Paco Cerdà, autor galardonado en la convocatoria anterior.

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Organizada por el Centro Nacional de Fotografía en colaboración con el Centro Niemeyer, esta muestra es la primera presentación pública de la colección del CNF desde su creación, un fondo que tiene la voluntad de ser representativo de la fotografía española contemporánea. Formada por 102 obras de 38 artistas, la muestra permite recorrer algunos de los principales nombres, lenguajes y tendencias de la fotografía española contemporánea.

Con esta muestra, el Centro Nacional de Fotografía reafirma su compromiso con la conservación, investigación y difusión del patrimonio fotográfico español a través de la colaboración con distintas instituciones repartidas por todo el territorio.

Una variada representación de la fotografía

La muestra reúne obras de todos los Premios Nacionales de Fotografía concedidos hasta la fecha: Gabriel Cualladó (1994), Javier Vallhonrat (1995), Cristina García Rodero (1996), Humberto Rivas (1997), Joan Fontcuberta (1998), Alberto García-Alix (1999), Chema Madoz (2000), Toni Catany (2001), Joan Colom (2002), Carlos Pérez Siquier (2003), Ramón Masats (2004), Ouka Leele (2005), Pablo Pérez-Mínguez (2006), Manuel Vilariño (2007), Bleda y Rosa (2008), Gervasio Sánchez (2009), José Manuel Ballester (2010), Rafael Sanz Lobato (2011), Eugeni Forcano (2012), Alberto Schommer (2013), Colita (2014), Juan Manuel Castro Prieto (2015), Isabel Muñoz (2016), Cristina de Middel (2017), Leopoldo Pomés (2018), Montserrat Soto (2019), Ana Teresa Ortega (2020), Pilar Aymerich (2021), Cristóbal Hara (2022), Laia Abril (2023), Jorge Ribalta (2024) y Carmela García (2025); así como de la Premio Velázquez de Artes Plásticas Marisa González (2023) y de algunas de las voces más destacadas de las nuevas generaciones, como Yolanda del Amo, Paula Anta, Mar Sáez, Jorge Yeregui y Jon Cazenave, configurando un panorama plural de la creación fotográfica española.

A través de este conjunto de obras, la exposición propone una reflexión sobre la fotografía como espacio de encuentro entre distintas generaciones, sensibilidades y formas de representación. Las imágenes invitan a descubrir nuevas lecturas sobre el pasado y el presente, poniendo de relieve la diversidad de lenguajes, enfoques y preocupaciones que atraviesan la práctica fotográfica contemporánea.

La exposición podrá visitarse hasta el 31 de enero de 2027 en el Centro Niemeyer de Avilés, uno de los principales espacios dedicados al arte y la cultura contemporánea en España, reforzando la vocación del Centro Nacional de Fotografía de colaborar con instituciones de referencia y acercar su colección a públicos diversos. Tras su presentación en Avilés, la muestra viajará por distintas ciudades. La primera parada, prevista para el próximo año, será en Salamanca.

‘Constelaciones fotográficas. Pensar desde las imágenes’ estará acompañada de la publicación de un libro con las obras expuestas y dos textos a cargo de Mónica Carabias Álvaro, directora del CNF, y de la escritora Lara Moreno.

Actividades en todo el territorio

El Centro Nacional de Fotografía trabaja con el objetivo de ser un elemento de articulación entre artistas, profesionales, instituciones y colectivos de la fotografía y de las artes visuales en todo el territorio, al tiempo que avanzan los trabajos de adecuación de su sede en Soria.

La próxima actividad del Centro tendrá lugar en León, el próximo 6 de octubre, donde se celebrará la Jornada de Coleccionismo y Patrimonio Fotográfico ‘Imágenes Custodiadas’, centrada en la conservación del patrimonio fotográfico desde la perspectiva del coleccionismo.

En Ciudad Real, el 22 de octubre, el Centro de Estudios de Castilla-La Mancha acogerá el seminario ‘Niépce, 200 años después: el legado de la primera imagen fotográfica (1826-2026)’, organizado por la Universidad de Castilla-La Mancha con la colaboración del CNF.

Y en Soria, del 22 al 28 de octubre, tendrá lugar la primera edición de la Semana de la Imagen, iniciativa promovida por el CNF que se desarrollará en distintos espacios de la ciudad y que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Soria, la Red de Paradores de Turismo de España, la Biblioteca Pública de Soria, la UNED Soria, la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Soria (EASD) y las librerías de la ciudad.

Además, continúa el proyecto participativo ‘Álbum de Soria’ que sigue recibiendo fotografías de la ciudanía para digitalizarlas y construir una memoria visual colectiva. Las personas interesadas pueden enviar sus imágenes a cnf@cultura.gob.es si son digitales o al Centro Cultural Gaya Nuño de Soria si son en papel.

Una programación que traspasa fronteras

El Centro Nacional de Fotografía despliega también su actividad fuera de nuestras fronteras y presenta la exposición ‘7×7. Fotografía española contemporánea’ en el Instituto Cervantes de Nueva Delhi, en el marco del 70º aniversario de las relaciones diplomáticas entre España y la India.

La muestra, que podrá visitarse del 8 de octubre al 30 de noviembre, reúne obras de Jorge Arévalo, Julia Carbonell, David Expósito, Lucía Herrero, Bandia Ribeira, Laura Silleras y Virginia Villacisla. A través de estos siete artistas, se ofrece una mirada plural sobre la España contemporánea y se acerca al público internacional algunas de las principales líneas de trabajo de la fotografía documental española actual.

Por su parte, el 10 de noviembre se celebrará en París la jornada ‘Más allá del documento: la fotografía como experiencia de conocimiento’, organizada por el CNF en colaboración con la Casa de Velázquez, la Universidad de la Sorbona y la Universidad Complutense de Madrid, en el marco del Bicentenaire de la Photographie promovido por el Ministerio de Cultura de Francia.

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En la historia de la alta costura, la relación entre moda y coleccionismo de arte tiene algunos de sus episodios más fascinantes. Christian Dior hizo de La Colle Noire, su château en el sur de Francia, un espacio donde convivían arquitectura, jardines, arte y muebles de primera línea; Hubert de Givenchy reunió durante décadas una extraordinaria colección de pintura, escultura y artes decorativas en sus residencias de París y en el Château du Jonchet; y Yves Saint Laurent y Pierre Bergé construyeron una de las grandes colecciones privadas del siglo XX. Manuel Pertegaz pertenece a esa misma tradición de grandes creadores para quienes la cultura visual no terminaba en el taller.

La casa de subastas Subarna presentará el próximo 8 de octubre una de las colecciones privadas más singulares vinculadas a una figura imprescindible de la cultura española del siglo XX: el conjunto de artes decorativas, arqueología, pintura y arte oriental reunido durante décadas por Manuel Pertegaz.

La colección procede de los tres espacios que acompañaron la vida de Manuel Pertegaz – su showroom de la avenida Diagonal, su residencia de Sarrià y, especialmente, su masía fortificada del siglo XVI, adquirida en los años cincuenta -, donde reunió buena parte de las piezas que ahora salen a subasta. No fue una colección concebida para ser expuesta, sino un conjunto de obras y objetos que Pertegaz escogió para convivir con ellos, convirtiendo sus espacios privados en una expresión más de su sensibilidad.

Una colección que refleja una forma de entender la belleza

El núcleo de la colección está formado por un extraordinario conjunto de artes decorativas europeas, con una destacada representación de mobiliario portugués, italiano y español desde el siglo XVI al XIX. Especialmente relevante es la colección de muebles policromados, integrada por piezas de notable calidad y difícil presencia en el mercado: sobresalen una cómoda portuguesa João V realizada hacia 1730, un conjunto de sillas Carlos IV de finales del siglo XVIII o un excepcional obelisco italiano, extraordinariamente raro dentro de su tipología.

Junto al mobiliario, la escultura ocupa un lugar fundamental. Y es precisamente aquí donde la colección permite establecer una relación especialmente reveladora con el universo de un modista. Entre las piezas se encuentra un conjunto de torsos escultóricos tanto de la antigüedad como de los siglos XVIII y XIX, representaciones del cuerpo humano que, despojadas de cualquier función utilitaria, convierten la anatomía, la postura y la proporción en protagonistas.

Para un creador cuya profesión consistía en trabajar cada día sobre el cuerpo humano, su presencia result aespecialmente significativa. Pertegaz no vestía simplemente cuerpos: construía una relación entre el cuerpo y la forma. La caída de una manga, la línea de un hombro, la longitud de una falda o la manera en que un tejido acompaña el movimiento dependen de una comprensión precisa de las proporciones y de la presencia física de quien lleva una prenda. En sus esculturas, el cuerpo aparece igualmente convertido en una cuestión de forma, equilibrio y proporción.

La colección permite así contemplar dos aproximaciones distintas a una misma preocupación: cómo convertir el cuerpo humano en una forma bella. Es significativo que Pertegaz conviviera con esculturas de épocas tan distintas. Su interés no parece responder a una voluntad de reconstruir una determinada época histórica, sino a una sensibilidad capaz de reconocer belleza en soluciones formales separadas por siglos.

Más allá de Europa…

El arte oriental ocupa también un lugar destacado dentro de este universo. La colección incorpora un importante núcleo de porcelanas Qing del siglo XIX y varias piezas de mobiliario de la dinastía Ming, entre ellas un gran biombo y un cabinet de exportación de extraordinaria rareza y calidad.

Su presencia resulta reveladora porque introduce un lenguaje estético muy diferente al de la tradición europea que domina buena parte del conjunto. Frente a la exuberancia de determinados muebles y esculturas barrocas, estas piezas aportan otras formas de entender el espacio, la superficie y la ornamentación: la contención, el ritmo, la repetición y el equilibrio.

Más que buscar uniformidad, Pertegaz parece haber buscado afinidades entre culturas diferentes. Es una manera de coleccionar que encaja con una personalidad creativa poco interesada en las fronteras rígidas entre estilos. Su trayectoria en la moda demuestra también esa capacidad para absorber lenguajes diferentes sin perder una identidad propia.

Un coleccionista que necesitaba vivir rodeado de arte

Las fuentes que conocieron a Pertegaz de cerca ayudan a completar esta imagen. Josefina Figueras, que visitó su masía, describió precisamente un entorno en el que convivían esculturas romanas, cerámicas del taller de Picasso, muebles ingleses y lacas japonesas. La periodista observó que Pertegaz necesitaba rodearse de una atmósfera de arte que frenase «la vulgaridad y los caminos fáciles». Figueras describió la atmósfera de su masía y su necesidad de vivir rodeado de obras de arte. Otros testimonios coinciden en señalar su carácter reservado, exigente y profundamente concentrado en su oficio.

Robert Royal, fotógrafo que trabajó con él durante décadas, lo definió como un hombre «introvertido, discreto y perdido en su propio universo». Javier Hernández, en su biografía Manuel Pertegaz. El hombre que rozó la perfección, reconstruye esa personalidad a través de testimonios y documentación y recoge una frase especialmente reveladora del propio creador: «Siempre he querido alcanzar esa perfección que es imposible, pero al menos rozarla».

Esa búsqueda de perfección ayuda a mirar de otra manera las piezas de su colección. No parece casual que junto a objetos de extraordinaria calidad artesanal aparezcan representaciones del cuerpo humano, muebles de proporciones cuidadas, piezas orientales de gran refinamiento o esculturas en las que la calidad de la materia resulta inseparable de su forma.

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El primero en recoger su premio al Periodismo Innovador concedido por la Asociación de Corresponsales de Prensa Extranjeros fue Iker Jiménez por su programa HORIZONTE. Iker ha agradecido su premio por lo que él considera que es un programa sin censuras, sin coacciones y sin tabúes.

El premio a la trayectoria profesional fue para Asunción Valdés, seguramente la mujer con mejor curriculum periodístico en España. Asunción recordó sus tiempos como corresponsal de Radio Nacional en Bonn y en Bruselas, como responsable de Comunicación de la Casa Real y más tarde del Parlamento Europeo en España.

El premio al mejor corresponsal español fue para los corresponsales de El País cuando se cumple su 50 aniversario, personalizado en Ramón Vilaró, que firmó la primera crónica internacional en la portada del número 1 del diario.

El de corresponsal extranjero fue para la corresponsal mexicana Patricia Alvarado; el de fotografía, para Pío Cabanillas por saber captar con sus imágenes el alma de pueblos y personas, y el de Promoción Internacional al Círculo Orellana por su apoyo a la promoción de la mujer. Lo recogió su presidenta, Leticia Espinosa de los Monteros

El CIP, presidido por la periodista Elisa Loncán, supera ya el medio siglo de historia al servicio de la libertad de expresión e información, como centro de reunión de los periodistas españoles y extranjeros, y concede sus galardones a propuesta de sus más de doscientos socios, incluidos los corresponsales destacados en España.

La Asociación de Corresponsales de Prensa Extranjera entregó su premio Turismo con Identidad a Turespaña; el premio Deporte y Superación, a la Selección Española de Fútbol, recientemente proclamada campeona del mundo, y el premio Cultura y Ciencia, a la Fundación Excelentia por haber dedicado buena parte de su trayectoria a impulsar y acercar la música y la cultura a la sociedad.

Cerró la entrega de premios el concedido por la Asociación de Periodistas y Escritores Árabes al nuevo Gran Museo Egipcio, un regalo, en palabras del embajador de Egipto en Madrid, del pueblo egipcio al mundo de la Cultura y la Tradición.

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Ante el interés suscitado por la exposición y la creciente demanda de visitas desde su inauguración, al Museo Helga de Alvear le complace anunciar que la muestra, cuya clausura estaba prevista para el 11 de octubre, seguirá abierta al público. “Espejo del mundo” reúne de forma integral el trabajo desarrollado por las artistas desde 2017 en torno al antiguo Hospital Psiquiátrico Provincial de Bétera (Valencia), junto a nuevas piezas producidas específicamente por y para el HELGA, destacando las realizadas a partir de la “Cárcel Vieja” de Cáceres.

“Espejo del mundo”, comisariada por María Jesús Ávila, subdirectora artística del Museo, permite acercarse a una de las prácticas más rigurosas y comprometidas del arte contemporáneo español en torno a los vínculos entre espacio, identidad y memoria. A través de intervenciones sobre arquitecturas en proceso de abandono o desaparición, Patricia Gómez y María Jesús González recuperan las huellas materiales y humanas inscritas en estos espacios para construir nuevas narrativas sobre la memoria histórica, la exclusión y el olvido.

Esta ampliación traerá importantes novedades a nuestra programación. Entre ellas, una nueva sesión de Helga’s Artist Talk con Patricia Gómez y María Jesús González, el viernes 9 de octubre, a las 19:00 h. En esta ocasión, las propias artistas se encontrarán con el público en un recorrido por “Espejo del mundo”, compartiendo en primera persona las claves de su trabajo, sus procesos de creación y las historias que se esconden detrás de las obras. Esa misma mañana, las artistas desarrollarán un proyecto de community engagement dirigido a la comunidad local y a personas migrantes, una actividad que forma parte de Un Museo Abierto al Mundo, el programa creado en colaboración con la Fundación “la Caixa”, que reafirma el papel del museo como lugar de integración. La programación vinculada a la muestra “Espejo del mundo” se completará con las últimas visitas comentadas de la exposición, los viernes a las 18:00 h, y con nuestros habituales talleres creativos de los sábados para los más pequeños.

La exposición, organizada por el Museo Helga de Alvear en colaboración con el TEA Tenerife Espacio de las Artes, tendrá un segundo capítulo en Tenerife en 2027. Esta continuidad permitirá ampliar un proyecto que se articula en torno a la recuperación de la memoria de espacios vinculados a historias de exclusión, abandono y transformación. La colaboración entre ambas instituciones contempla asimismo la edición de una publicación conjunta que reunirá los proyectos expositivos presentados en Cáceres y Tenerife.

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Los Premios Nacionales de Danza se conceden como recompensa y reconocimiento a la meritoria labor de personas o entidades de este ámbito cultural, puesta de manifiesto a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el 2025, aunque también pueden otorgarse como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El jurado ha otorgado el galardón a Amalia Fernández “por la singularidad de ‘Familia’, una pieza que demuestra una mirada personal como creadora, definida por una capacidad única para innovar en la composición coreográfica y para explorar nuevos lenguajes escénicos, que se reflejan en creaciones con una enorme delicadeza expresiva y un profundo conocimiento de la relación entre el cuerpo, el espacio y la musicalidad”.

Asimismo, ha destacado que “en su amplia carrera, además, han sido siempre esenciales su apoyo y su colaboración a nuevos artistas de la escena contemporánea, así como una destacada trayectoria como docente”.

Por su parte, de Marco Flores el jurado ha subrayado “la fascinante interpretación en sus creaciones ‘Tierra virgen’ (2025) y la gira de ‘Rayuela’, en las que ha demostrado una técnica excepcional, con un dominio del compás y un virtuosismo que transforman el flamenco desde la elegancia y la versatilidad escénica”.

“Bailaor en un momento de enorme madurez profesional e incuestionable trayectoria, ha demostrado siempre estar adelantado a su tiempo, creando desde un discurso propio y sin dejar de indagar, convirtiéndose en un referente y un ejemplo de generosidad en el apoyo a generaciones de creadores y creadoras más jóvenes, y abordando temas complejos y socialmente comprometidos”, concluye el jurado.

Biografías

Creación

Amalia Fernández (Granada, 1970) es bailarina y coreógrafa. Estudió Danza Clásica y Contemporánea en el Real Conservatorio de Sevilla y en la Escuela de Teatro de la Danza de Madrid. Completó su formación con coreógrafos como Francesc Bravo, Debra Greenfield, Carl Paris, Ana Buitrago, Elena Córdoba, María Ribot y Mónica Valenciano, con quien trabajó desde 1994 hasta 2005 en la compañía ‘El Bailadero-Mónica Valenciano’.

Sus producciones de los últimos años van desde la pieza escénica convencional hasta el formato expositivo. Como artista independiente ha estrenado los espectáculos ‘Matrioshka’ (2005), ‘Maya’ (2006), ‘Shichimi Togarashi’ (2007), ‘Las Perras’ (2008), ‘Kratimosha’ (2009), ‘Souvenir’ (2010) y ‘En Construcción versión 1’ (2010) y ‘En Construcción versión 2’ (2013), ‘Perrita China’ (2014) y ‘Expografía’ (2017). Asimismo, ha participado en proyectos de otros artistas como Gary Stevens, Odd Enginears, Karin Elmore, Cuqui Jerez o Sonia Gomez, como interprete, coach, coreógrafa, y colaboradora puntual.

Como docente, colabora en el Máster de Práctica Escénicas y Cultura Visual de la UCM y también ha participado como artista-docente de profesores de primaria en el marco del proyecto LOVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje).

En la actualidad está desarrollando la segunda fase del proyecto ‘ser o no ser un cuerpo’ con la colaboración de Santiago Alba Rico, un proyecto de investigación artística y corporal nacido en 2014.

Interpretación

Marco Flores (Arcos de la Frontera, Cádiz, 1981) es bailaor y coreógrafo. Tras unos años de aprendizaje autodidactas, se formó con maestros como Antonio Canales y Javier Latorre. Posteriormente entró a formar parte de compañías como la de Sara Baras o Rafaela Carrasco.

Desde el año 2004 trabaja como codirector y coproductor de sus propios espectáculos como ‘Dos en Compañía’ junto a Manuel Liñán; ‘En sus 13’ y ‘En clave’ junto a Manuel y Orlga Pericet; y ‘Chanta la mui’, ‘Complot’ y ‘Recital’ junto a Olga y Daniel Doña.

En 2010, formó su propia compañía ‘Cia Marco Flores’ con la que estrenó su primer espectáculo ‘DeFlamencas’, Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. La compañía ha producido más de diez espectáculos, que han pasado por teatros como los Teatros del Canal de Madrid, Mercat de les Flors de Barcelona, Lope de Vega de Sevilla, Tanzhaus de Dusseldorf, New York City Center, Sydney Opera House, Sadler’s Wells de Londres, Suzanne Dellal (Tel Aviv), Magnolia Theatre (Shanghái), Miami Dade County Auditorium, o la Ópera de Damasco. Sus trabajos también han podido verse en importantes festivales de flamenco y danza, tales como Festival Internacional Madrid en Danza, Suma Flamenca de Madrid, Bienal de Sevilla, Festival de Jerez, Dansa València, Festival Dantzaldia (Bilbao), Cádiz en Danza, Deltebre Dansa, Festival Flamenco Madrid, Flamenco Festival Londres, Festival Flamenco Internacional de Albuquerque (EEUU), Festival Internacional de Danza de la Ciudad de México (UNAM), Kuopio Dance Festival (Finlandia) o Konstepidemin Festival (Suecia).

A lo largo de su carrera ha recibido varios premios como El Ojo Crítico de Danza de Radio Nacional de España (2018), el Premio Max al Mejor Intérprete Masculino de Danza 2020, por el espectáculo ‘Origen’; el Premio Godot al Mejor Intérprete Masculino de Danza 2024, otorgado por la crítica de Madrid, por su obra ‘Rayuela’, y en 2025 el Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez por su espectáculo ‘Tierra Virgen’, entre otros.

Jurado

El jurado ha estado presidido por el director general de Artes Escénicas y Música, Javier Monsalve Iglesias, actuando como vicepresidenta la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, Paz Santa Cecilia Aristu; y ha estado compuesto por los siguientes vocales: el subdirector general de Danza y Creación Interdisciplinar, Francisco Villar Vázquez; la periodista y escritora Mercedes López Caballero; la directora del Teatro de la Zarzuela, Isabel María Benavente Ferrera (Isamay Benavente); el historiador del arte y crítico de danza, Jaime Conde-Salazar Pérez; el comisario y gestor cultural Fernando Pérez Gómez; Idoia Murga Castro, a propuesta del Instituto de Historia, Centro de Ciencias Humanas y Sociales del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), y los galardonados en 2025, Guillermo Weickert y Janet Novás.

Premiados en ediciones anteriores

En las convocatorias de los últimos años de este galardón los premiados han sido: Guillermo Weickert (Creación) y Janet Novás (Interpretación) en 2025; Luz Arcas (Creación) y Lorena Nogal (Interpretación) en 2024; Rafaela Carrasco (Creación) y Melania Olcina (Interpretación) en 2023; Andrés Marín (Creación) y Ana Morales (Interpretación) en 2022; Sol León (Creación) y Patricia Guerrero (Interpretación) en 2021; Jesús Carmona (Creación) e Iratxe Ansa (Interpretación) en 2020; Estévez/Paños y Compañía (Creación) y Dácil González (Interpretación) en 2019; Antonio Ruz (Creación) y Olga Pericet (Interpretación) en 2018; Compañía Kukai Danza (Creación) y Manuel Liñán (Interpretación) en 2017; Sol Picó (Creación) y Joaquín de Luz (Interpretación) en 2016; Compañía La Intrusa (Creación), y Rubén Olmo (Interpretación) en 2015; Daniel Abreu (Creación) y María Nazareth Panadero (Interpretación) en 2014; Marcos Morau (Creación) y Isabel Bayón (Interpretación) en 2013; Mónica Valenciano (Creación) y Zenaida Yanowsky (Interpretación) en 2012; Javier Latorre (Creación) y Goyo Montero Morell (Interpretación) en 2011 y Àngels Margarit Viñals (Creación) y Rocío Molina Cruz (Interpretación) en 2010.

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El jurado ha destacado a la artista por “su construcción de una de las trayectorias más singulares y reconocibles del arte español contemporáneo, tanto a nivel nacional como internacional. A través de la performance, la fotografía, el vídeo y la instalación ha revisado críticamente los imaginarios culturales españoles, abordando cuestiones vinculadas al género, la tradición, el folclore, la identidad colectiva y las estructuras de poder”.

Además, el jurado ha señalado que su recorrido “ha tenido una importante proyección internacional. Sus obras han sido presentadas en museos, centros de arte y exposiciones internacionales, entre ellos el MoMA PS1 de Nueva York, el Hamburger Bahnhof de Berlín, el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, el Kiasma de Helsinki y otras instituciones europeas y americanas. Esta presencia internacional ha contribuido a situar su producción dentro de los discursos del arte contemporáneo internacional y a ampliar la consideración de determinadas cuestiones vinculadas a la cultura española”.

El premio reconoció en su pasada edición a Fina Miralles, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Teresa Lanceta, Rogelio López Cuenca, Dora García, José María Yturralde, Àngels Ribé, Ángel Bados, Ángela de la Cruz o Juan Hidalgo.

Biografía

Pilar Albarracín (Sevilla, 1968) es una de las artistas más relevantes del arte contemporáneo español. Su obra, desarrollada a través de la performance, el vídeo, la fotografía, la instalación y las acciones en vivo, cuestiona la identidad, el folclore y los estereotipos asociados a la idea de “lo español”. Desde una mirada feminista, aborda cuestiones como el género, la tradición y la representación del cuerpo mediante la ironía, la teatralidad y una crítica social incisiva.

La propia artista se convierte en protagonista de muchas de sus obras. Su trabajo, planteado en primera persona tanto desde la imagen como desde la experiencia, utiliza distintos lenguajes artísticos para revisar los tópicos de la España cañí. En este recorrido, sitúa el foco en la mujer andaluza y en unas tradiciones vinculadas al folclore que, pese al paso del tiempo, continúan presentes en la vida cotidiana de distintos sectores sociales del sur de España.

A lo largo de su trayectoria, Albarracín ha protagonizado exposiciones individuales en instituciones de referencia internacionales. Entre las muestras más recientes destacan ‘Take a Knife and Open My Heart’ (2023, American University Museum, Washington D. C.) y ‘Acciones peregrinas’ (2021, CGAC, Santiago de Compostela). Francia ha sido uno de los principales escenarios de su proyección internacional, con exposiciones como ‘No apagues mi fuego, déjame arder’ (2020, Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois, París), ‘Anatomía Flamenca’ (2017, París), ‘La Calle del Infierno’ (2015, París), ‘Muro de geranios’ (2014, Musée en Herbe, París), ‘La Rue des pas perdus’ (2014, Lectoure), ‘Fabulations’ (2010, Albi), ‘Mortal Cadencia’ (2008, La Maison Rouge, París) o ‘Asnería’ (2014, Musée Picasso de Vallauris).

En España destacan exposiciones como ‘Que me quiten lo bailao’ (Tabacalera, Madrid, 2018), ‘Ritos de fiesta y sangre’ (CAC Málaga, 2016) o ‘En Sevilla hay que morir’ (CAS Sevilla, 2016). Su obra también ha viajado a Latinoamérica y Asia con proyectos como su individual en el MAIIAM Contemporary Art Museum (2019, Tailandia) y ‘Recuerdos de España’ (Instituto Cervantes de Tokio, 2010).

La presencia de su trabajo en colecciones de referencia, entre ellas el Museo Reina Sofía, Es Baluard, CAAC Sevilla, Artium, MUSAC, CA2M, DA2, así como en diversas instituciones francesas, confirman la dimensión internacional de una trayectoria consolidada y ampliamente reconocida.

Jurado

El jurado ha estado presidido por Ángeles Albert, directora general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes, como vicepresidente ha actuado Jesús Carrillo Castillo, subdirector general de Artes Visuales y Creación Contemporánea y ha estado compuesto por los siguientes vocales: Armengol Jiménez, director del Centre d’Art La Capella, Barcelona; Semíramis González Fernández, directora de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón; Gilberto González González, subdirector artístico del CAAC de Sevilla y C3A de Córdoba; Teresa Grandas Segarra, comisaria de exposiciones en Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA); María López-Fanjul Díez del Corral, directora-gerente del Museo de Bellas Artes de Asturias; Pedro de Llano Neira, profesor del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Santiago de Compostela; y Elena Jiménez Moreno, artista visual, a propuesta de Mujeres en las Artes Visuales.

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