«Nos hemos quedado sin Arte porque nos hemos quedado sin Historia». Desde que cierta metodología deconstructivista se expandió y eliminó de cuajo cualquier sistema de creencias, la sociedad quedó en manos de un nihilismo autodestructivo. Se abandonó la Historia para dar paso a un sinfín de micro-relatos que se justifican por el simple y puro delirio ideológico. Ya sin posibilidad de Historia del Arte, el Arte se quedó reducido a Nada, debido a la fuerza que en el límite hace coincidir los sinónimos con los antónimos. Todo es Arte: Nada es Arte.

Ya sólo nos quedaría analizar el verbo de quienes configuraron la Historia del Arte mientras existió: el de los expertos, en ese preciso momento bisagra en el que el Todo daba paso a la Nada. Personajes ya extinguidos debido, justamente, a su falta de sentido en la actualidad.

Lo que aquí se presenta es un conjunto de textos cuya intención es demostrar que las opiniones de aquellos expertos que configuraron la Historia del Arte Moderno en sus estertores, además de condenadas a la obsolescencia, tuvieron que ser necesariamente autoritarias a la vez que humillantes para con los espectadores no expertos.

Alberto Adsuara, profesor en la Escuela Superior de Arte y Tecnología, ha publicado numerosos ensayos sobre arte, percepción y estética: De un espectador expectante (2003), De un espectador cansado (2009), El lacónico, un hombre de cine (2012), De otro(s) mundo(s) (2014), Zizek, qué fácil lo tienes (2020), Qué [no] es el cine (2025), Del Arte y su obsolescencia (2020), Lo patético del Arte (2023), estos dos últimos en Casimiro.

Datos de interés:
Contra el experto en arte
Alberto Adsuara
Editorial Casimiro Libros
Editado 2026
ISBN: 979-13-87675-23-3
Páginas: 160
Precio 15,00€

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Durante los trabajos de campo se localizaron plantas aisladas en estado silvestre y, mediante análisis genéticos, se confirmó la presencia de Berués. Documentada desde el siglo XVII, esta variedad ocupó un lugar destacado en la viticultura de la Cuenca de Pamplona, donde fue apreciada por su calidad. A partir de ese hallazgo comenzó un proceso que permitió recuperar progresivamente la variedad. En 2019 se plantaron las primeras cepas en Otazu y en septiembre de 2024 llegó la primera vendimia, convirtiendo años de investigación en una realidad.

El primer vino se presentó el 12 de mayo de 2026 en Mandarin Oriental Ritz, Madrid, en un encuentro que marcó un hito en el proyecto de recuperación de Berués. “Es un homenaje a la historia y algo que verdaderamente nos llena de satisfacción: poder dejar un legado para las futuras generaciones. Ojalá que Berués vuelva a dibujar el paisaje de la Cuenca de Pamplona”. Enrique Basarte, Director Técnico.

Una nominación que reconoce el valor patrimonial de Berués

La nominación a Vino Revelación 2027 reconoce el interés de un proyecto que va más allá de la elaboración de un vino singular. La recuperación de Berués demuestra cómo la investigación y el conocimiento del patrimonio varietal pueden abrir nuevas vías para interpretar un territorio y enriquecer la diversidad del vino español.

“Para nosotros, las expectativas alrededor de Berués son las mismas que sienten los grandes exploradores al llegar a una pirámide aún sin descubrir: un territorio lleno de misterio, historia y promesas esperando ser reveladas”, afirma Guillermo Penso, segunda generación de Otazu. Para la Bodega, este proyecto representa también una forma de conectar generaciones y preservar un legado que estuvo a punto de perderse. Berués vuelve así a formar parte de la historia vitivinícola de la Cuenca de Pamplona, no sólo como testimonio del pasado, sino como una variedad con posibilidades propias y un futuro por descubrir.

Berués estará presente, junto a otros vinos de Otazu, en Madrid Top Wine

La nominación coincide con la próxima participación de Otazu en Madrid Top Wine by Peñín, que celebrará su XXVI edición los días 16 y 17 de noviembre en IFEMA Madrid. Durante ambas jornadas, la Bodega estará presente en la mesa 49, donde los profesionales del sector podrán conocer y catar 1 Ha. Una Historia Berués 2025 junto a otras tres referencias reconocidas por la Guía Peñín: Pago de Otazu Chardonnay 2024 (D.O.P. Pago de Otazu), reconocida con 93 puntos, Pago de Otazu 2024 (D.O.P. Pago de Otazu), con 94 puntos y Altar 2018 (D.O.P. Pago de Otazu), que ha alcanzado 95 puntos.

OTAZU, Vino & Arte

Otazu es una propiedad familiar ubicada en el norte de España, dedicada al vino, con más de 150 obras de arte contemporáneo integradas en sus espacios. Favorecida por un microclima único, cuenta con su propia denominación de origen protegida, D.O.P. Pago de Otazu.

Siglos de tradición vitivinícola, reflejada en un Señorío del siglo XII y una Bodega centenaria de 1840, inspiraron a una familia y un equipo comprometidos con la elaboración de vinos de gran calidad en un entorno donde el vino y el arte se fusionan en perfecta armonía. En Otazu, el arte contemporáneo se aprecia a través de la estrecha colaboración con artistas para la presentación de sus vinos, así como de la colección permanente, su exposición anual y sus piezas de arte monumentales, que enriquecen la belleza natural que la enmarca.

“Crear un vino es una forma de expresión artística y, al igual que el arte, es un reflejo de su tiempo con una mirada al futuro. Por lo cual, inexorablemente, nos comprometemos con la continuidad a través de nuestras futuras generaciones”, reflexiona Guillermo Penso, presidente de la Fundación Otazu.

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Cuando el señor Earnshaw regresa a Cumbres Borrascosas con un niño huérfano llamado Heathcliff, la vida en la agreste campiña de Yorkshire se altera para siempre. La presencia del muchacho despierta recelos, celos y tensiones en la familia, pero también un vínculo profundo e indomable entre él y Catherine, la hija del señor Earnshaw. A medida que crecen, la pasión entre ambos se vuelve tan intensa como imposible, atrapada entre las rígidas convenciones sociales, el orgullo familiar y la brutalidad del entorno que los rodea. La llegada de los Linton, refinados y acomodados, abre un nuevo frente de rivalidades y deseos que desencadenará una cadena de venganzas, obsesiones y amores condenados.

Entre tormentas, páramos desolados y secretos que atraviesan generaciones, Emily Brontë (1818-1848) construye una historia feroz y magnética sobre la fuerza devastadora del amor y la incapacidad humana para escapar de sus propias pasiones.

Datos de interés:
Cumbres Borrascosas
Autora: Emily Brontë
Traductora: Rosa Castillo
Ilustrador: Fritz Eichenberg
Editorial Alianza https://www.alianzaeditorial.es/
ISBN: 979-13-7009-304-4
Publicación: 10 de septiembre de 2026
Formato: Papel
Páginas 384
Precio 16,95€

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La exposición, que recoge más de cinco décadas de trabajo, tiene un marcado carácter autobiográfico y una búsqueda identitaria permanente.

El director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, el propio artista, Miguel Ángel Rojas (Bogotá, Colombia 1946), y la comisaria de la muestra, María Wills Londoño, curadora e historiadora del arte colombiana, han presentado hoy la exposición Miguel Ángel Rojas. La noche, la retrospectiva temática de uno de los artistas más importantes e innovadores de Latinoamérica. Manuel Segade ha destacado el carácter comprometido del artista que se mueve “en la tiniebla de la noche como un espacio productivo diferente, que todo lo cubre y en el que ocurren cosas que normalmente hubieran estado en la clandestinidad y están más allá. En esta nocturnidad hay posibilidades de emancipación que traen mucho al presente”.

Esta no es una retrospectiva cronológica, ha destacado María Wills Londoño: “Esta exposición que muestra más de cinco décadas de trabajo continuado es una constelación de temáticas, de núcleos y ejes, de un artista muy inquieto que ha ido y venido a lo largo del tiempo”. Para el artista, Miguel Ángel Rojas: “La obra es una manera de transcender y ahora que acabo de cumplir 80 años esta muestra es un verdadero reconocimiento, que permite que el esfuerzo de más de cincuenta años se puede proyectar hacia el futuro”.

La muestra, que se podrá ver desde el 11 de noviembre de 2026 al 15 de marzo de 2027, reúne más de un centenar de obras, algunas de ellas inéditas en las que se recorre toda la trayectoria del artista, más de 50 años de carrera en los que ha abordado los temas sociales y políticos más complejos de Colombia: el narcotráfico, la violencia, la educación, la migración, la descolonización o la explotación de recursos naturales.

Su origen mestizo y su homosexualidad están también presentes en esta obra que destila un claro carácter autobiográfico y una búsqueda identitaria permanente. La retrospectiva presenta una selección de los principales trabajos de Miguel Ángel Rojas procedentes de instituciones como Tate Modern, Colección de Arte del Banco de la República y Colección de Arte Contemporáneo del Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, de coleccionistas particulares y del propio Museo Reina Sofía. Ocupa seis salas de la planta 0 del Edificio Sabatini en las que, además de los textos de sala se pueden leer textos sobre algunas obras que han sido escritos en primera persona por el propio artista.

La obra de Miguel Ángel Rojas, altamente comprometida a nivel político y ético, se mueve siempre en los márgenes, en ese terreno oscuro que da título a la exposición, y que hace alusión a diversas realidades: desde la oscuridad de las salas de proyección -donde se producían encuentros homosexuales clandestinos que plasma en trabajos de experimentación fotográfica- hasta el negro de los carbones con los que el artista crea aparentes cartografías de territorios erosionados, en los que denuncia la ruina del paisaje amazónico devastado por el extractivismo capitalista.

La exposición de Miguel Ángel Rojas contrapone la recuperación de los valores populares y rurales de Colombia con la representación de la violencia asociada al narcotráfico y al conflicto armado. En la instalación Grano (1980), el artista utiliza tierras de la región de Tolima para recrear el espacio donde vivieron sus abuelos y reflexionar sobre la migración del campo a la ciudad y sus propios orígenes familiares. En obras como El camino corto (2012), aborda el narcotráfico mediante recursos cercanos al arte pop, combinando hojas de coca, dólares y nombres de figuras relacionadas con el consumo de drogas. La exposición también destaca la relación íntima del artista con sus retratados. David (2004), realizado a partir del encuentro con un soldado mutilado por una mina antipersona, representa el sufrimiento de las víctimas de la guerra colombiana. Así, el cuerpo humano se convierte en un eje fundamental de la muestra: expresa tanto el dolor y los deseos individuales como las consecuencias de las desigualdades, la violencia y los conflictos que afectan a diversas sociedades inmersas en conflictos bélicos.

Con motivo de esta exposición se publicará un catálogo con imágenes y textos que analizan el alcance de la obra de este emblemático artista latinoamericano. El 10 de noviembre tendrá lugar la charla inaugural en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel en la que el propio Miguel Angel Rojas reflexionará sobre su trayectoria junto a la comisaria María Wills Londoño y el director del museo, Manuel Segade.

Se podrá ver desde el 11 de noviembre de 2026 hasta el 15 de marzo de 2027

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El siglo XV no fue un mero preludio del Renacimiento, ni tampoco su anticipación histórica. Fue algo más extraño, más oscuro y más hermoso: el último resplandor de un mundo exhausto que vivía con una urgencia desesperada, brillante y brutal, como si intuyera que se le acababa el tiempo. Un mundo donde las campanas gobernaban el ánimo de ciudades enteras, los predicadores provocaban llantos masivos, los poetas cantaban al amor y la ruina y la caballería juraba hazañas imposibles, mientras los príncipes caían de sus tronos como protagonistas de una tragedia que nadie conseguía detener. Pero ¿qué queda de una época cuando callan las campanas y se apagan las antorchas? Originalmente publicado en 1927, «El otoño de la Edad Media» es un retrato melancólico de la vida, el pensamiento y el arte durante los siglos XIV y XV en Francia y los Países Bajos que ha conservado toda su frescura y vigor hasta convertirse en mucho más que un prodigio historiográfico.

Huizinga no escribió solo un estudio canónico acerca del pasado medieval, sino que nos dejó un clásico literario que reflexiona sobre cómo mueren las culturas, con una intensidad asombrosa y a plena luz, entre el dolor y la alegría, la devoción y la crueldad, la belleza y la sangre.

Johan Huizinga (1872-1945) renovó la historia cultural europea al mirar el pasado no solo a través de los hechos, sino también de las emociones, los símbolos, las imágenes y las formas de vida, negándose a separar el rigor intelectual de la belleza literaria. Nacido en Groningen, en los Países Bajos, fue profesor de la Universidad de Leiden hasta 1942, cuando los nazis cerraron la universidad y lo mantuvieron prisionero hasta poco antes de su muerte. Autor de «El otoño de la Edad Media» y «Homo ludens», dejó una obra luminosa y sorprendente que sigue ayudándonos a entender cómo viven, sueñan y se desmoronan las civilizaciones.

Datos de interés:
El otoño de la Edad Media
Johan Huizinga
Traductor: Alejandro Rodríguez de la Peña
Editorial Alianza Sendas https://www.alianzaeditorial.es/
ISBN: 979-13-7009-310-5
Publicación: 17 de septiembre de 2026
Páginas 496
Formato Papel
Precio 22,95€

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Esta pieza audiovisual culmina el proyecto ‘Memoria, tejidos, museos. Los barrios bajos de la atención’, puesto en marcha en el año 2025 por el Ministerio de Cultura. Esta iniciativa se basa en la colaboración con artistas contemporáneas vinculadas a la producción textil, que han sido invitadas a estudiar y reinterpretar las colecciones de cinco museos estatales. Así, se han presentado propuestas de intervención en el Museo de América, el Museo del Traje y Centro de Investigación del Patrimonio Etnológico, el Museo Nacional del Romanticismo, el Museo Nacional de Artes Decorativas y el Museo Arqueológico Nacional.

Comisariado por Selina Blasco y Patricia Molins, el proyecto parte de la consideración histórica de los tejidos dentro de las artes decorativas e industriales y cuestiona la separación tradicional entre cultura material y arte. Además, el proyecto reivindica el textil como un medio de gran complejidad formal y conceptual, capaz de abrir interrogantes creativos, técnicos, perceptivos, antropológicos, expositivos, de autoría y de género.

Esta reflexión se concreta en la pieza audiovisual ‘Hilos que bailan’, realizada por Eva Lootz, con la colaboración del bailarín y bordador Kike García Gil y de la artista Hildy Quintanilla, que se presenta en el Museo de América. Lootz toma como punto de partida el hilo, elemento básico del tejido, para desplegar una investigación que enlaza ámbitos y saberes distintos y que reivindica el conocimiento manual, especialmente el textil, frente a su consideración histórica como práctica menor respecto al arte. Hilar, coser, tejer o bordar se convierten así en el punto de partida para abordar cuestiones que atraviesan la cultura y sus formas de transmisión.

Tejido, lenguaje y conocimiento

Uno de los ejes fundamentales de ‘Hilos que bailan’ es la relación entre tejido, imagen, cuerpo y danza. Tras sus investigaciones sobre las lenguas en riesgo de desaparición en América Latina, Eva Lootz comienza a trabajar sobre los códigos lingüísticos presentes en los tejidos precolombinos que sobrevivieron a la influencia española y las diferentes maneras de nombrar materiales, técnicas y significados vinculados al universo textil de una cultura andina autóctona, en colaboración con la artista quechua Hildy Quintanilla. Esto le permite acercarse a otras formas de conocimiento y a cosmovisiones en las que conceptos como la crianza mutua adquieren especial relevancia.

‘Hilos que bailan’ amplía también su mirada hacia la historia del hilo y el tejido. Eva Lootz rastrea sus relaciones con la escritura y la persistencia del poder de las imágenes. Además, la artista aborda la vinculación histórica del hilo con lo femenino y lo colectivo.

Con esta propuesta en el Museo de América, el proyecto ‘Memoria, tejidos, museos. Los barrios bajos de la atención’ completa un recorrido planteado en cinco museos estatales a través de intervenciones de artistas que se aproximan a lo textil desde diferentes perspectivas: su materialidad, su dimensión simbólica y antropológica o su condición de medio expresivo.

Sobre Eva Lootz

Eva Emma Lootz Pater nació en Viena en 1940, donde estudió dirección de cine. Llegó a España en los años 60, momento en el que surge el arte conceptual.

Su primera exposición fue en 1973, en la que empezó mostrando pintura, pero también objetivos de lona y textiles en un giro espacial y tridimensional que adquirió pleno protagonismo en su producción a partir de la segunda mitad de la década de los 70.

Entre sus exposiciones más destacadas se encuentran ‘Metal’ (Madrid, 1983), ‘Noche, decían’ (Barcelona, 1987), ‘Alfombra escrita’ (Ámsterdam, 1990), ‘A Farewell to Isaac Newton’ (Londres, 1994), ‘La madre se agita’ (Valencia, 1997), ‘Ich und Du’ (Colonia 2000), ‘Derivas’ (Oporto, 2001), ‘La lengua de los pájaros’ (Madrid, 2002), ‘Mundo, Seco, Benamor, Amarga’ (Murcia, 2009), ‘Viajes de agua’ (Madrid, 2009), ‘La canción de tierra’ (Madrid, 2016), ‘El reverso de los monumentos y la agonía de las lenguas’ (Valladolid, 2020), ‘Hacer como quien dice: ¿y esto qué es?’

(Madrid, 2024), ‘Si aún quieres ver algo…’ (Madrid, 2024), ‘Eva Lootz’ (Basilea, 2025) y ‘Lo tengo sobre la punta de la lengua’ (Palma de Mallorca, 2026).

Su labor artística ha sido reconocida en numerosas ocasiones. Recibió el Premio Nacional de las Artes Plásticas (1994), el Premio Tomás Francisco Prieto de la Real Casa de la Moneda (2009) o el Premio MAV de Mujeres en las Artes Visuales (2010) o el Premio de Artes Plásticas. Comunidad de Madrid (2022).

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Una historia apasionante contada de forma rigurosa y perfectamente documentada, como nos tiene acostumbrados su autor Arturo Colorado, nos hace viajar en el tiempo para poder ver a través de la lectura cómo el empeño, buen hacer y amor por el arte, salvaron nuestro Patrimonio.

A principios de febrero de 1939, en setenta y un camiones precipitadamente cargados por las fuerzas republicanas y gracias a la intervención internacional de los museos de los países democráticos, salía de España por la frontera francesa lo más granado del patrimonio artístico español. Esta evacuación, que llegaría hasta Ginebra, era el final de un complicado éxodo que comienza tres años antes, en noviembre de 1936, fecha en la que miles de obras de arte son evacuadas de Madrid a Valencia, más tarde a Barcelona y de allí al norte de Cataluña, escapando de los bombardeos franquistas y siguiendo los pasos del Gobierno republicano.

Allí viajaban, en apretada compañía, los velázquez, los goyas y los grecos del Prado, las más importantes obras de la Real Academia de San Fernando, de El Escorial, del Palacio Real, del Palacio de Liria y de tantos otros museos, colecciones particulares e iglesias. Se trata, sin duda alguna, de una de las aventuras más sorprendentes que pueda imaginarse y, a la vez, de una historia que sigue siendo en gran parte desconocida para los amantes del arte, a pesar de que gracias a estos acontecimientos el Museo del Prado y los fondos de otros tantos museos y colecciones españoles siguen existiendo.

Este libro, publicado inicialmente en 2008, afronta aquí una nueva edición, en la que se han incorporado nuevos aportes documentales, bibliográficos y fotográficos, algunos de ellos inéditos. La actualización bien vale la pena para enriquecer la investigación y profundizar en la que seguramente es la mayor empresa de salvamento y traslado de obras de arte de toda la historia.

Arturo Colorado Castellary, Catedrático en la Universidad Complutense de Madrid, es especialista en arte visual, patrimonio y comunicación. Diplomado por el Institut d’Histoire de l’Art de l’Université de Lyon y doctor por la Universidad de Alcalá de Henares, ha realizado estancias de investigación en la University of California en Santa Cruz, en la Purdue University de Indiana, en la Universidade do Estado do Rio de Janeiro, en el Centre National de Recherche Scientiphique de París y en el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas de México. Considerado como un experto en el estudio del patrimonio en tiempos de guerra, ha sido investigador principal de dos proyectos de I+D de Excelencia dedicados a la «Investigación histórica y representación digital accesible. El patrimonio artístico durante la Guerra Civil y la posguerra». En este ámbito, ha organizado como director los congresos internacionales «Patrimonio, Guerra Civil y Posguerra», que se celebraron el primero en el Museo del Prado en enero de 2010, y el segundo en el Instituto del Patrimonio Cultural de España, en noviembre de 2017. Ha sido también director del congreso internacional celebrado, en octubre de 2019, por el Museo del Prado en su bicentenario, titulado «Museo, guerra y posguerra».

Datos de interés:
Éxodo y exilio del arte. La odisea del Museo del Prado durante la Guerra Civil.
Arturo Colorado Castellary
Editorial Cátedra
ISBN:978-84-376-5056-2
Publicación: 5 de noviembre de 2026
Páginas: 536
Formato: Papel
Precio 29,95€
Formato: ePub
Precio: 20,99€

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El objetivo específico es conceder ayudas para proyectos que posean un especial valor cinematográfico, cultural o social, sean de carácter documental o experimental, o incorporen nuevos realizadores. Se presta especial atención a posibilitar e incrementar la producción de obras audiovisuales que empleen tecnologías innovadoras, como es el caso de las películas de animación. Otro de los objetivos es salvar la brecha de género, impulsando la incorporación de mujeres al sector en puestos creativos y de carácter técnico.

Las ayudas selectivas para la producción de largometrajes sobre proyecto, que se convocarán en régimen de concurrencia competitiva, se desarrollarán en un único procedimiento de selección. El importe máximo de la ayuda no podrá ser superior a 800.000 euros por proyecto beneficiario o a 1.000.000 euros en el caso de los proyectos de animación.

Se destinará un mínimo del 40% del presupuesto para los proyectos realizados exclusivamente por directoras, un mínimo del 15% y un máximo del 25% a proyectos de carácter documental, un mínimo del 10% a proyectos de animación, un mínimo del 5% a proyectos experimentales y un mínimo del 5% a coproducciones con empresas extranjeras en las que la participación española sea minoritaria.

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El fallo del Jurado ha sido anunciado por el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, acompañado de la directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura, María José Gálvez, en un acto celebrado en el Ministerio de Cultura.

El jurado ha otorgado el premio a Fernández Cubas por “la originalidad, la excelencia y la coherencia de una obra que ha renovado el cuento contemporáneo y transformado la literatura fantástica en español. Su sólida trayectoria ha contribuido decisivamente a revalorizar el relato breve, reivindicándolo como una forma de expresión autónoma capaz de alcanzar la máxima intensidad estética y hondura existencial”

Además, ha señalado que “a través de una precisión narrativa impecable, el dominio absoluto del punto de vista y la administración de los silencios, sus historias se convierten en experiencias perdurables que interpelan directamente al lector y desestabilizan sus certezas al descubrir lo inquietante en lo cotidiano y cuestionar los límites de la realidad, la identidad y el conocimiento. Lejos de ofrecer explicaciones tranquilizadoras, sus relatos preservan la ambigüedad y hacen de la imaginación una herramienta de exploración de la experiencia humana. Asimismo, la independencia, la irreverencia y el inconformismo de su escritura, siempre compleja y exigente, se manifiestan en personajes que desafían las convenciones y los valores establecidos, abriendo caminos a nuevas generaciones de narradores y manteniendo un diálogo constante con las obras latinoamericanas de la literatura de la extrañeza”.

Finalmente, ha destacado que “con una voz inconfundible y una libertad creadora que ha ampliado las posibilidades expresivas de nuestra literatura, su trabajo representa una aportación fundamental que consagra a Cristina Fernández Cubas como una de las figuras más importantes de las letras hispánicas”.

Biografía

Cristina Fernández Cubas nació en Arenys de Mar (Barcelona), en 1945. Estudió en Barcelona Derecho y Periodismo, profesión que ejercería posteriormente. Es una de las más destacadas autoras del género de relato breve en España, y entre sus obras están ‘Mi hermana Elba’ (1980), ‘Los altillos de Brumal’ (1983), ‘El ángulo del horror’ (1990), ‘Con Agatha en Estambul’ (1994) o ‘Parientes pobres del diablo’ (2006), con la que obtuvo el Premio Setenil al Mejor Libro de Relatos Publicado en España. La recopilación de la mayoría de estos títulos publicada en 2008 como ‘Todos los cuentos’ recibió el Premio Ciutat de Barcelona de Literatura en Lengua Castellana, el Premio Salambó de Narrativa en castellano y el Premio Cálamo Libro del año.

Posteriormente, otro de sus libros de relatos, ‘La habitación de Nona’ (2015) mereció el Premio de la Crítica, el Premio Dulce Chacón y el Premio Nacional de Narrativa.

También ha escrito novelas como ‘El año de Gracia’ (1985), que inspiró al compositor Albert Sardá una ópera; ‘El columpio’ (1995) o ‘La puerta entreabierta’ (2013) con el seudónimo de Fernanda Kubbs. Además, es autora de la obra de teatro ‘Hermanas de sangre’ (1998); del libro de memorias narradas, ‘Cosas que ya no existen’, (2001), con el que obtuvo el Premio NH de Relato Publicado Cinco estrellas, y del ensayo, ‘Emilia Pardo Bazán’ (2001).

En el año 2023 recibió el Premio Nacional de las Letras Españolas.

Jurado

El jurado ha estado presidido por Gonzalo Celorio Blasco, Premio de Literatura en Lengua Castellana Miguel de Cervantes correspondiente al año 2025 y ha actuado como vicepresidenta, María José Gálvez, directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura.

Además, el jurado ha estado formado por los siguientes vocales: Paloma Díaz Mas, por la Real Academia Española; Fernando-Ignacio Ondo Ndjeng, en representación de la Dirección de la Academia Ecuatoguineana de la Lengua Española; Pilar Blanco Díaz, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas (CRUE), Alejandra Giovanna Amatto Cuña (Alejandra Amatto), por la Unión de Universidades de América Latina y el Caribe (UDUALC); Juan David Correa Ulloa (Juan David Correa), por el Centro Regional para el Fomento del Libro en América Latina y el Caribe (CERLALC); Miguel Albero Suárez (Miguel Albero), por la Dirección del Instituto Cervantes; Alfonso Javier Sánchez García (Alfonso Sánchez García), por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); José Factor Méndez Doninelli (Factor Méndez), por la Federación Latinoamericana de Periodistas (FELAP); Isabella Tomassetti, por la Asociación Internacional de Hispanistas (AIH); Guillermo Carnero Arbat, por la Asociación Española de Críticos Literarios (AECL); Francisca Rubio Gámez (Fanny Rubio), por la Asociación Colegial de Escritoras y Escritores de España (ACE); y Ana Casas Janices, por el Ministerio de Cultura. Y como secretario ha actuado Jesús González González, subdirector general de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas del Ministerio de Cultura.

Historia del premio

Mediante la concesión de este premio, dotado con 125.000 euros, se rinde anualmente público testimonio de admiración a la figura de un escritor o escritora que, con el conjunto de su obra, haya contribuido a enriquecer el legado literario hispánico.

Puede ser galardonado con el Premio Cervantes cualquier autor o autora cuya obra literaria esté escrita totalmente, o en parte esencial, en castellano. Los candidatos al Premio los pueden presentar las Academias de la Lengua Española, los autores premiados en anteriores convocatorias, las instituciones que, por su naturaleza, fines o contenidos, estén vinculadas a la literatura en lengua castellana y los miembros del jurado.

La relación de los galardonados constituye una clara evidencia de la significación del Premio para la cultura en lengua castellana:

1976 Jorge Guillén

1977 Alejo Carpentier

1978 Dámaso Alonso

1979 Jorge Luis Borges y Gerardo Diego

1980 Juan Carlos Onetti

1981 Octavio Paz

1982 Luis Rosales

1983 Rafael Alberti

1984 Ernesto Sábato

1985 Gonzalo Torrente Ballester

1986 Antonio Buero Vallejo

1987 Carlos Fuentes

1988 María Zambrano

1989 Augusto Roa Bastos

1990 Adolfo Bioy Casares

1991 Francisco Ayala

1992 Dulce María Loynaz

1993 Miguel Delibes

1994 Mario Vargas Llosa

1995 Camilo José Cela

1996 José García Nieto

1997 Guillermo Cabrera Infante

1998 José Hierro

1999 Jorge Edwards

2000 Francisco Umbral

2001 Álvaro Mutis

2002 José Jiménez Lozano

2003 Gonzalo Rojas

2004 Rafael Sánchez Ferlosio

2005 Sergio Pitol

2006 Antonio Gamoneda

2007 Juan Gelman

2008 Juan Marsé

2009 José Emilio Pacheco

2010 Ana María Matute

2011 Nicanor Parra

2012 José Manuel Caballero Bonald

2013 Elena Poniatowska

2014 Juan Goytisolo Gay

2015 Fernando del Paso

2016 Eduardo Mendoza

2017 Sergio Ramírez

2018 Ida Vitale

2019 Joan Margarit

2020 Francisco Brines

2021 Cristina Peri Rossi

2022 Rafael Cadenas

2023 Luis Mateo Díez

2024 Álvaro Pombo

2025 Gonzalo Celorio

2026 Cristina Fernández Cubas

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El artista propone una interpretación abstracta del paisaje urbano y arquitectónico, reduciéndolo a sus elementos esenciales.

Los detalles de la ciudad desaparecen para dar protagonismo a grandes bloques, líneas rotundas y volúmenes simplificados que evocan estructuras arquitectónicas y siluetas de skylines. Una mirada personal que transforma lo cotidiano en geometría, ritmo y equilibrio.

«Línea, color y ciudad» son los tres elementos que Tomás Fernández utiliza parar llenar de significado a sus creaciones abstractas.

Datos de interés:
Tomás Fernández «Línea, color y ciudad»
Malvin Gallery
Lugar: Calle de Fúcar 17, Madrid (metro Antón Martín y Estación del Arte)
Fechas: Del 5 al 30 de noviembre 2026
Horario: Martes a viernes de 11,30 a 20,00h. /sábado de 11,30-14,30h.
Contacto y reserva de visitas teléfono 34 629 713 753 o en info@malvingallery.com

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