¿Sabías que la salicornia, esa planta que crece en los bordes salados de las marismas, es comestible? Tiene un sabor salino y crujiente, se usa en alta cocina y aparece en este libro con su propia receta. Es un buen ejemplo del contenido de este libro, El mar. No se trata solo de mirar el océano desde lejos y saber qué contiene, sino de conocer y poner en práctica su fauna, olores, texturas, sabores…

Este tercer volumen de la colección “Vive la naturaleza”, publicado por Librooks en febrero de 2026, llega después del buen recibimiento que tuvieron El campo (2024) y El bosque (2025), consolidando así una interesante propuesta editorial en el panorama de la divulgación naturalista para niños. La obra es la adaptación española de La mer, título de la colección francesa “Les mains dans la nature”, publicada originalmente por Hatier Jeunesse y que consta de cuatro títulos que tratan sobre el campo, el bosque, el mar y la montaña, todos ellos escritos e ilustrados por la misma autora.

Stéphanie Desbenoit es ilustradora independiente con más de dos décadas de trayectoria en el mundo editorial francés, colaborando con sellos como Hatier Jeunesse, Flammarion, Didier Jeunesse o Gautier-Languereau, entre otros. Su trabajo abarca desde libros documentales a álbumes de ficción, pasando por libros sonoros. Con formación en la EPSAA de París y una especialización en ilustración, Desbenoit ha construido un estilo muy reconocible: exuberante, lleno de color, entre lo decorativo y lo naturalista. En paralelo a los libros de “Les mains dans la nature”, acaba de publicar también Mon histoire de baleine à bosse (Hatier, 2025), una obra de docu-ficción en la que una ballena jorobada es la protagonista, lo que da buena pista del tipo de sensibilidad que mueve a esta autora.

El mar organiza sus contenidos en torno a cuatro ecosistemas concretos (y muy relacionados con la geografía francesa, aunque los editores españoles hayan incluido referencias a lugares de España): las salinas, el mar Mediterráneo, el océano Atlántico y el Canal de la Mancha junto al mar del Norte. Esta decisión estructural, en lugar de ofrecer una panorámica genérica y algo inabarcable del “mundo marino”, ancla al lector en lugares reconocibles y con personalidad propia. El Mediterráneo y el Atlántico no son lo mismo; no comparten ni los mismos animales, ni las mismas plantas, ni las mismas dinámicas ecológicas. Al distinguir estos ecosistemas, el libro invita a una forma de mirar más fina y más honesta.

Cada sección combina información divulgativa, datos curiosos y actividades o manualidades. Estas últimas son uno de los sellos de identidad de la colección: no se quedan en el típico “dibuja un pez” o “colorea la medusa”, sino que proponen experiencias con los elementos que la naturaleza misma pone a disposición. Fabricar un mosaico con los vidrios pulidos que el mar deposita en la orilla, elaborar una flor con conchas recogidas en la playa o preparar una receta con salicornia son propuestas que exigen salir afuera, observar y recoger (siempre y cuando se tenga el mar a mano, claro). Eso sí, las actividades no son invasivas, no implican capturar animales ni alterar el entorno, solo aprovecharse de lo que ya está ahí esperando ser encontrado. Es, en el fondo, una lección de relación responsable con el ecosistema.

El tono del libro es accesible, pero Desbenoit no simplifica el vocabulario hasta vaciarlo de significado, sino que introduce términos específicos —posidonia, salicornia, mareas, ecosistemas de pradera marina— confiando en que los lectores sean capaces de absorberlos si el contexto los acompaña. Esta apuesta por un lenguaje riguroso pero amigable hace de este un buen libro de divulgación.

Pero si hay algo que destaca a primera vista en este libro son sus ilustraciones. El trabajo visual de Desbenoit es muy espectacular. Su estilo mezcla la minuciosidad científica de las ilustraciones naturalistas clásicas con una paleta de color arriesgada, vibrante, irreal en ocasiones. Los animales y las plantas tienen fuerza, y los paisajes marinos consiguen transmitir sensaciones. El formato del libro refuerza todo esto: 25 x 32,5 cm en tapa dura, con 64 páginas y una producción cuidada. Es un libro que no parece diseñado para durar una tarde sino para sobrevivir años en una estantería.

El mar no es un enciclopedia ilustrada al uso, y tampoco es un libro de actividades puro, donde el contenido queda supeditado al juego. Es una hibridación bien construida: conocimiento, estética y manipulación conviven en cada doble página. Merece un sitio visible en cualquier biblioteca escolar, en la mochila de un campamento de verano o en la estantería de los niños curiosos amantes de los libros informativos.

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Fotografía: Carson Ellis

Tras el anuncio ayer de los ganadores del Premio Hans Christian Andersen, hoy el jurado del Astrid Lindgren Memorial Award (ALMA) ha otorgado su galardón anual al canadiense Jon Klassen, reconociendo su capacidad única para narrar a través del silencio, la mirada y un humor negro sutil que ha transformado el álbum ilustrado moderno.

Jon Klassen (Winnipeg, 1981) ha construido un universo propio donde lo que no se dice es tan importante como lo que se ve. Conocido mundialmente por su “trilogía del sombrero” (publicada en Nubeocho) y otras obras como La roca del cielo o La calavera, Klassen ha sabido conectar con el público infantil desde la honestidad, huyendo de los sermones y apostando por la inteligencia del lector. Su formación en la animación (participando en películas como Coraline o Kung Fu Panda) le ha otorgado un dominio del ritmo y el suspense.

El Astrid Lindgren Memorial Award fue fundado en 2002 por el Gobierno de Suecia para honrar la memoria de Astrid Lindgren, la legendaria autora de Pippi Calzaslargas. Su objetivo es promover el derecho de todos los niños del mundo a tener acceso a una literatura de excelencia. Con una dotación de 5 millones de coronas suecas (aproximadamente 430.000 euros), es el premio de más cuantía en su categoría. A diferencia de otros galardones, el ALMA no solo reconoce a escritores e ilustradores, sino también a narradores orales e instituciones que fomentan la lectura, siempre bajo los valores de democracia y humanismo que defendía Lindgren.

Al recibir este galardón, Klassen se une a una lista de laureados que han definido la cultura visual y literaria de las últimas décadas. Entre los ganadores de ediciones anteriores destacan:

• Maurice Sendak (2003): El autor de Donde viven los monstruos, quien fue el primer galardonado (junto a Christine Nöstlinger).
• Shaun Tan (2011): El maestro australiano de la narrativa surrealista y silenciosa, uno de nuestros creadores de cabecera.
• Isol (2013): La representante argentina que llevó la vanguardia del álbum ilustrado latinoamericano al escenario mundial.
• Wolf Erlbruch (2017): El innovador alemán conocido por abordar temas complejos como la muerte y la existencia.

El reconocimiento a Klassen no solo premia su destreza técnica con el grafito y el medio digital, sino también su respeto por la infancia. Como destaca el espíritu del premio, su obra encarna la calidad artística y el respeto por los valores humanos que Astrid Lindgren defendió hasta el final de sus días.

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El jurado internacional, presidido por Shereen Kreidieh, destacó de los ganadores:

Michael Rosen: “Fue reconocido por su extraordinaria capacidad para hablar a los niños con respeto, inteligencia, honestidad y humor. Su extenso trabajo, que incluye poesía, novelas y no ficción, combina la profundidad emocional con la conciencia social, invitando a la discusión sobre temas como la identidad, la pérdida y la historia”.

Cai Gao: “Recibió el premio por su sobresaliente calidad artística y un lenguaje visual único que expande las posibilidades de la ilustración infantil. Su obra combina la maestría técnica con la sensibilidad, innovando al moverse entre la tradición y la modernidad para crear imágenes visualmente impactantes y emocionalmente resonantes”.

Los ganadores fueron seleccionados de una lista de setenta y ocho candidatos de cuarenta y cuatro países, que previamente se redujo a seis autores y seis ilustradores.

Los finalistas de la edición 2026 fueron:

• Autores: Ahmad Akbarpour (Irán), María José Ferrada (Chile), Timothée de Fombelle (Francia), Lee Geum-yi (República de Corea) y Pam Muñoz Ryan (Estados Unidos).
• Ilustradores: Beatrice Alemagna (Italia), Linda Bondestam (Finlandia), Gundega Muzikante (Letonia), Walid Taher (Egipto) y María Wernicke (Argentina).

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Hay una historia —no sabemos si real o no— que circuló por Barcelona a mediados del siglo XIX y que acabó llegando a oídos de un adolescente llamado Gustave Flaubert (1821-1880). La recogió de las páginas de La Gazette des Tribunaux: un monje exclaustrado del monasterio de Poblet, que tras la destrucción del cenobio en 1835 se había instalado en Barcelona como librero de viejo, había ido asesinando a sus propios clientes para recuperar los volúmenes que les había vendido. Lo más perturbador del caso no era la serie de crímenes, sino lo que ocurrió cuando el monje fue capturado: no mostró arrepentimiento alguno por los muertos, pero cayó en la mayor desesperación al enterarse de que el libro que creía único tenía otras copias. Eso —y no la sangre derramada— fue lo que lo destruyó.

El 12 de febrero de 1837, Flaubert publicó su versión de esta historia en Le Colibri de Rouen, firmada únicamente con la inicial F. Tenía quince años. Este texto, Bibliomanie, es hoy considerado el primer cuento publicado por el autor de Madame Bovary, aunque durante décadas se atribuyó ese honor a otro texto aparecido un mes después en la misma revista. Esta edición de Diego Pun, ilustrada por Saru Hernández, lo rescata para un público juvenil con una nueva propuesta visual y editorial.

No es la primera vez que el relato llega al lector hispanohablante. Gadir lo publicó en su colección El Bosque Viejo con ilustraciones de Marcos Morán, y El Desvelo lo incluyó en una recopilación de obras de juventud flaubertianas junto a otros tres relatos escritos por el autor entre los quince y los dieciocho años. Pero la propuesta de Diego Pun, con tapa dura, formato generoso (17,5 x 24 cm), 64 páginas, y las ilustraciones de Saru Hernández, le dan al texto una dimensión visual nueva. La edición original en francés ya conoció adaptaciones llamativas: en 1924, el bibliófilo catalán Ramon Miquel y Planas publicó bajo el título El llibreter assassí una versión que el propio autor definía como “más un arreglo que una traducción”, en la que catalanizó nombres, escenarios y referencias bibliográficas para acercar la historia al lector local. El texto de Flaubert, en definitiva, lleva casi dos siglos provocando reinterpretaciones, y la de Diego Pun es la más reciente y, en términos visuales, probablemente la más ambiciosa.

El argumento arranca de ese suceso que comentábamos al principio: la historia del librero asesino se instala en una Barcelona que Flaubert, que nunca había pisado la ciudad, construye de manera deliberadamente gótica y tópica, con nombres de personajes más italianos que catalanes —Giacomo, el librero; Baptisto, su última víctima— y una geografía urbana que debe más a la imaginación romántica que a la realidad. El joven Flaubert no parecía muy preocupado por la verosimilitud geográfica ni por la realidad catalana. Eso, lejos de ser un defecto menor, acaba siendo un rasgo que define el relato: Bibliomanía no es una crónica de costumbres sino una fábula sobre la obsesión, y la Barcelona neblinosa y gótica que inventa Flaubert es exactamente el escenario que necesita esa fábula.

Giacomo es un librero cuya relación con los libros no tiene nada que ver con el amor a la lectura ni a las ideas. Para él, cada volumen es un objeto de deseo casi físico, algo que se posee, se acumula, se codicia. Hay en este personaje una especie de fetichismo que Flaubert dibuja sin concesiones: no es un bibliófilo excéntrico con sus manías encantadoras, sino alguien cuya obsesión lo va vaciando por dentro hasta que el deseo de posesión lo arrastra hacia lo irreparable. No desvelamos más, pero quien espere una historia costumbrista sobre libreros simpáticos se va a llevar un susto considerable.

Lo que impresiona, dado que hablamos de un adolescente escribiendo esto, es la madurez con la que Flaubert construye la psicología del personaje. Giacomo no despierta simpatía, pero tampoco resulta un villano de cartón; es algo peor: alguien perfectamente reconocible en su lógica interna, aunque esa lógica conduzca al abismo. Esta capacidad para trazar personajes moralmente perturbadores pero internamente coherentes es exactamente lo que Flaubert desarrollaría años después en Madame Bovary o en La educación sentimental. Los gérmenes están ya aquí, en esta Barcelona decimonónica que parece sacada de una pesadilla romántica.

El estilo del texto original es bastante deficiente para lo que sería el Flaubert adulto, y contiene torpezas de las que el escritor maduro se habría avergonzado. El tono narrativo es tenso, casi claustrofóbico, y la tensión no proviene de la sorpresa sino del crescendo de la obsesión. Para lectores de 12 años en adelante, el reto no es exactamente fácil, pero tampoco imposible.

Saru Hernández, ilustradora canaria formada en la Universidad de Swansea (Gales) y con un máster en Ars in Fabula en Italia, conjuga la formación académica con una sensibilidad visual muy personal, influida por sus orígenes en el sur de Tenerife y por referentes que van desde Cicely Mary Barker hasta la acuarela tradicional. Sus ilustraciones para este libro tienen entidad propia, reinterpretan la intensidad emocional del relato y funcionan como contrapunto de esa oscuridad que Flaubert insinúa. El resultado es una conversación entre dos épocas y dos sensibilidades.

Para quienes ya conocen el relato en versiones anteriores, esta edición tiene un nuevo atractivo visual y un formato generoso. Para quienes lleguen a Flaubert por primera vez a través de estas páginas, el desconcierto puede ser considerable: descubrir que el autor de Madame Bovary escribía así a los quince años, y que el primer texto que publicó trataba de un librero asesino en una Barcelona inventada, es, como mínimo, curioso.

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Cuando Mariana Ruiz Johnson explica el origen de Una vuelta al año, habla de una serie de pequeños dibujos que publicaba en Instagram casi por diversión, registros cotidianos vinculados a las estaciones del año que tituló «Pequeños lujos»: desayunar un helado en pleno verano, encontrarse con la lana de los abrigos en otoño, atravesar un remolino de hojas… Ese registro, según dice, la ayudó a ser consciente de las cosas que cada estación nos ofrece y de la naturaleza cíclica del año. De ese hábito nació este álbum redondo y lleno de detalles divertidos y emotivos.

Una vuelta al año llega a las librerías en castellano de la mano de Kalandraka apenas unos meses después de que la canadiense Greystone Books lo publicara en inglés con el título All Around a Year. No hay traductor porque el libro fue concebido directamente en español por su autora, y llega además en versión gallega, catalana, euskera y portuguesa.

Mariana Ruiz Johnson nació en Buenos Aires en 1984 en el seno de una familia de libros: su padre trabajaba en una editorial y a veces la llevaba consigo; su madre ilustraba para revistas y libros infantiles. En casa siempre hubo bibliotecas y útiles de pintura. No sorprende, entonces, que desde pequeña se pasara el día dibujando, ni que terminara estudiando Artes Visuales en La Boca y luego ilustración en Sótano Blanco (San Telmo). Hoy compagina su trabajo creativo con la docencia en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, y sus libros se han publicado en Europa, Asia y América Latina.

Entre sus influencias confesas está Richard Scarry, cuyo universo de animales antropomorfos en ciudades bulliciosas reconoce que le influye mucho; y Quino, el autor de Mafalda, del que aprendió a acercarse a la imagen con humor e inteligencia. También ha citado a Wes Anderson y Pedro Almodóvar como referencias visuales, por su capacidad de construir un imaginario personal reconocible donde el color y la composición están al servicio de la historia. El arte popular y folklórico de México, el rock, la moda y, sobre todo, la observación de sus hijos y sus amigos completan sus fuentes de inspiración.

Este libro sigue a una familia de ratones humanizados a lo largo de un año completo, desde el arranque del invierno hasta las celebraciones navideñas, para volver a empezar con el comienzo de un nuevo año. Sin mencionar los meses por su nombre, tan solo las estaciones (tengamos en cuenta que los meses y las estaciones no coinciden en los dos hemisferios), la narración avanza siguiendo la lógica del clima y las actividades asociadas a él: la nieve y el refugio del hogar en invierno, la floración y los paseos en primavera, los baños en la piscina y la playa en verano, la vuelta a los abrigos y a la casa en otoño. Es una estructura circular: el libro no tiene final en sentido convencional; termina donde empezó, pero con la certeza de que algo ha cambiado entre medias.

Lo que a priori podría haber sido un repaso convencional de las cuatro estaciones se convierte en algo bastante más interesante. La identificación del lector se refuerza con el uso de la segunda persona. Ese «tú» es un recurso que funciona muy bien: de repente el libro no habla de los ratones sino de quien lee, y las experiencias narradas —ponerse un jersey que pica, tirarse a la piscina con miedo y salir triunfante, la necesidad inexplicable de comerse un helado en cuanto aprieta el calor— se convierten en memoria propia.

La estructura interna del libro alterna viñetas de cómic con bocadillos de diálogo, páginas de texto más convencionales y composiciones visuales dobles, todo enlazado por la frase recurrente «y los días van pasando…». Pero una de las grandes virtudes del libro no está en las palabras, sino en los detalles de cada escena. Las ilustraciones de Ruiz Johnson están plagadas de guiños que amplían, matizan o contradicen con gracia lo que dice el texto: un personaje secundario que aparece sistemáticamente en situaciones absurdas, un objeto que reaparece de escena en escena con una lógica propia, pequeños chistes visuales que solo descubrirás en la segunda o la tercera lectura. Ese doble nivel de lectura —el texto para quien escucha, los detalles para quien mira— hacen que este tipo de álbumes sean ideales para la lectura en voz alta: cada uno encuentra cosas distintas, y eso puede dar lugar a conversaciones, preguntas…

Hay, de postre, una historia que el texto no cuenta pero que las imágenes sí, y que el lector deberá descubrir por sí mismo en la última escena (o antes, si ha sido muy observador). Si al llegar al final te tomas un momento para comparar ese primer invierno con el que cierra el libro —aparentemente idéntico, la misma familia, el mismo frío, las mismas rutinas— verás que algo muy importante ha cambiado. Esa pequeña revelación visual es, quizás, lo más emocionante del libro, y lo que mejor resume su tesis de fondo: el tiempo pasa, las estaciones se repiten, pero nada vuelve a ser exactamente lo mismo.

El humor es uno de los pilares del libro. Un humor de observación, el que nace de reconocer algo verdadero y ridículo al mismo tiempo: la cara que pone un niño cuando le dicen que ya toca bañarse, la lógica aplastante con la que un adulto explica algo que no tiene ningún sentido, el caos perfectamente orquestado de una reunión familiar. Ese tono hace que la sonrisa no abandone al lector en ningún momento. El libro es muy realista en su manera de retratar la vida familiar —con sus tensiones, sus rituales, sus pequeñas alegrías y sus momentos de absurdo— y eso no cambia por el hecho de que sus protagonistas sean ratones con orejas de tamaño generoso. Al contrario: la distancia que da la animalización permite observar la condición humana con la perspectiva justa para que resulte más divertida.

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Luna y Sol es un libro que te mira desde dos lados opuestos. Hablamos de la última obra del ilustrador alicantino Ximo Abadía, publicada por Zahorí Books hace pocas semanas. Un libro doble, con dos cubiertas, que puedes abrir por el Sol o por la Luna, y que en cualquiera de los dos casos te va a atrapar con la misma fuerza gravitatoria que tienen los astros que lo protagonizan.

Abadía lleva más de dos décadas dedicado con éxito a la ilustración. Ha publicado más de veinte libros ilustrados traducidos a varios idiomas, ha ganado dos premios White Ravens, el Premi Llibreter de los libreros de Barcelona, el Premio al Mejor Álbum Ilustrado en la Comic Con de Madrid por Frank, y en 2023 se alzó con el premio internacional de novela gráfica en el Festival de Angulema. Sus ilustraciones han sido seleccionadas en dos ocasiones para la exposición de la Feria del Libro Infantil de Bolonia, y el New York Times incluyó uno de sus libros entre los diez mejores de 2019. Con ese bagaje a sus espaldas, cada nuevo proyecto suyo llega cargado de expectativas.

Luna y Sol es un libro informativo para lectores a partir de siete-ocho años, pero no solo. Se puede leer con niños más pequeños interesados en astronomía, y los sabrán apreciar los más mayores también. Tiene 64 páginas, gran formato (23,5 x 28 cm), tapa dura, y esa estructura simétrica que es lo más llamativo en un primer vistazo: cada mitad del libro está dedicada a uno de los dos astros, y ambas se encuentran en el centro, en una doble página dedicada a los eclipses, ese momento en que el Sol y la Luna se solapan en el cielo.

El contenido es muy transversal: aquí conviven la explicación de la unidad astronómica, las fases lunares y la estructura interna del Sol con referencias a Julio Verne, David Bowie, el Viaje a la Luna de Méliès, Tintín o la canción Fly me to the Moon. La carrera espacial tiene su propio espacio, con hitos que van desde el Sputnik hasta el Apolo 8, pasando por Valentina Tereshkova, Yuri Gagarin, Laika y Ham el chimpancé. Todo esto integrado en una lógica narrativa que funciona.

El tono carece de condescendencia y de esa simplificación excesiva que a veces lastra los libros de divulgación para niños. El texto es preciso cuando tiene que serlo —la fotosíntesis, el heliocentrismo, el efecto fotovoltaico— y sabe también cuándo conviene abrir el foco para contar que en el año 1785 el Barón de Münchhausen ya soñaba con llegar a la Luna en barco. Tiene esa capacidad para moverse entre la ciencia y la cultura popular sin que la costura se note.

Las ilustraciones de Ximo Abadía son inconfundibles: densas, vibrantes, muy plásticas y llenas de referencias y capas, con una paleta que combina el negro profundo con colores vivos. Las cubiertas tienen esa contundencia: el Sol en naranja y rojo sobre fondo negro, con expresión amable; la Luna en amarillo verdoso, con ese rostro clásico y dulce de satélite antropomorfizado. Y el interior mantiene la energía sin perder claridad. Las ilustraciones están muy equilibradas, y hay páginas que necesitan tiempo, que invitan a perderse en los detalles, a descubrir un chimpancé aquí, un astronauta allá, una referencia que no te esperas.

Esta forma de ilustrar conecta directamente con obras anteriores del autor como El pueblo, La montaña o Lo que no le gusta a la guerra, libros donde Abadía ya demostró su capacidad para hacer álbumes bellos, complejos y útiles. Pero Luna y Sol tiene ese toque añadido del formato, con esa estructura de doble libro que refuerza la dicotomía entre el Sol y la Luna, opuestos y complementarios, separados y conectados, y el libro los trata con esa misma lógica.

En el panorama de la divulgación científica ilustrada, Luna y Sol se sitúa cerca de otros libros de Zahorí, con una personalidad visual muy marcada. En su contenido, no es un libro enciclopédico. No aspira a contarlo todo. Aspira, en cambio, a hacer que quien lo lea quiera saber más, a sembrar curiosidad. El resultado es un objeto hermoso, inteligente y generoso que funciona igual de bien en una mano de ocho años que en una de cuarenta.

Un libro que se puede leer, releer, explorar, regalar y poner en la pared. Uno de esos libros que se compran pensando en los niños y que los adultos también acaban disfrutando.

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La escritora valenciana Mar Benegas, docente, poeta y premio Cervantes Chico de 2022, es la autora de Cuando fuimos tortugas, una novela sobre la pérdida, la inocencia y las consecuencias del dolor en el alma infantil cuando lo más fundamental —familia, identidad y sentido de pertenencia— se quiebra.

Mario y su hermana gemela Ana tienen 9 años y viven con una pareja que los ha adoptado hace poco. Los dos pequeños van a la escuela cada día y son más conscientes de todo lo que ocurre a su alrededor de lo que muchos se piensan. Cuando la psicóloga les pide que escriban un diario personal Mario no se podía imaginar que se convertiría en una herramienta para el autoconocimiento que le ofrecería la posibilidad de plantearse muchos interrogantes que al final da solución a través de las tortugas.

Si el hecho de estar convencido de que nació tortuga ayuda a Mario a conciliarse con ciertos aspectos de su pasado, como la ausencia de su familia biológica, también es el detonante para un hecho dramático que sucede casi al final de la historia. Además, a lo largo de las páginas de este breve libro escrito en cursiva y con un estilo muy fluido también se hace mención a temas tan actuales como el acoso escolar, el racismo, la empatía, la biodiversidad, el cambio climático y los hábitos de ellas, de las tortugas.

Cuando fuimos tortugas trata, en fin, de una historia muy emotiva maravillosamente bien escrita que se complementa con las sugerentes imágenes de Ana Montero y que invita a reflexionar con calma y lucidez los muchos temas que aborda de forma sutil y delicada.

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Hay un experimento teórico que aparece en casi todos los manuales de física cuántica: el del gato de Erwin Schrödinger, ese felino hipotético que está vivo y muerto al mismo tiempo dentro de una caja cerrada con un átomo radiactivo. Pues bien, hace un par de años, Manuel Bartual decidió abrir la caja, sacar al gato y meterlo en un cómic. El resultado es esta serie que tiene el Premio Antifaz 2024 al mejor cómic infantil y fue finalista en Cómic Barcelona ese mismo año. Nada mal para un gato que, según la mecánica cuántica, debería estar vivo y muerto al mismo tiempo.

Erwin, el gato cuántico es esta serie de cómics infantiles, que fue publicada por Beascoa dentro de la colección Podium Podcast. De momento cuenta con dos entregas: Misterio a través del tiempo, aparecida en octubre de 2023, y El ataque del Doctor Rufián, publicada en junio de 2024. Ambas son obra de Manuel Bartual, que firma tanto el guion como el dibujo. Y se nota que todo ha salido de la misma cabeza.

El origen de Erwin hay que buscarlo en Biotopía, el podcast de ciencia ficción que Bartual creó y que se empezó a emitir en 2020, con dos temporadas hasta el momento. Una joya de la ficción sonora que nos recuerda al robot paranoico Marvin de la Guía del autoestopista galáctico, a los detectivescos viajes en el tiempo de Dirk Gently, al humor gatuno de Red Dwarf y a las misteriosas propiedades físicas de la isla escondida de Lost.

La narrativa está construida sobre la premisa de un boletín informativo de una extraña comunidad científica “en la que todo es posible”: el tiempo, el espacio y la materia se comportan de maneras bastante poco convencionales. Erwin y MARVIN, dos de sus habitantes, saltaron desde ese universo sonoro a las páginas de estos cómics. La buena noticia, que el propio autor no se cansa de repetir, es que no hace ninguna falta haber escuchado el podcast para entender y disfrutar los libros. Los cómics funcionan perfectamente de forma autónoma; Biotopía es el backstage, no el requisito. Aunque quien llegue a Erwin desde cero y luego decida asomarse al podcast tiene el plan perfecto: el pasado 25 de diciembre, Bartual confirmó en Instagram que la tercera temporada de Biotopía llegará el 21 de abril de 2026, así que el universo sigue expandiéndose.

Bartual es uno de esos creadores que lo mismo escribe guiones para televisión que dirige un reality, diseña portadas para Astiberri, publica una novela o llega al número uno del trending topic mundial con un hilo de Twitter que ya forma parte de la historia de internet en España. Tiene una trayectoria larga y variada —tiras cómicas en El Jueves, cofundador de la editorial ¡Caramba!, cortometrajes, la película Todos tus secretos— pero siempre con la narración como hilo conductor. Erwin es su primera incursión en el cómic infantil, y curiosamente surge de una razón muy personal: su hijo empezó a leer tebeos infantiles y padre e hijo se aficionaron juntos a un género que Bartual reconoce que hasta entonces no formaba parte de sus lecturas habituales.

El primero de los volúmenes arranca con el gato (o “abogato”) Erwin metido en un lío que involucra viajes en el tiempo y una situación que parece imposible de resolver. A su lado, MARVIN, el robot que hace las veces de compañero, contrapunto cómico y, en cierta medida, del lector: el que hace las preguntas que cualquiera haría si de repente estuviera en medio de un misterio cuántico. El segundo volumen sube la apuesta con la aparición del Doctor Rufián, el científico malvado que da título al libro y cuya presencia desencadena una serie de sucesos que afectan a toda la comunidad de Biotopía.

La estructura de ambas aventuras es muy clásica en su concepción: hay un problema, una investigación, pistas que se van acumulando y una resolución que no conviene revelar. Pero dentro de ese esquema reconocible, Bartual mete de contrabando referencias a conceptos científicos reales —la física cuántica, los viajes en el tiempo, los universos paralelos, lo que sería un día normal en Biotopía— que no se explican de forma didáctica ni solemne, sino que simplemente forman parte del decorado y la lógica interna del mundo. Estos conceptos aparecen integrados en la trama con una naturalidad que hace que los lectores los absorban sin darse cuenta.

El tono es cómico, al igual que el podcast. No un humor blando y condescendiente, sino algo más cercano al absurdo y al juego de situaciones que funciona igual para un lector de siete años que para el adulto que lee por encima del hombro. Por otra parte, el estilo gráfico tiene mucha energía: líneas limpias, colores planos y saturados, personajes con expresividad gestual muy marcada.

Dentro del panorama actual del cómic infantil en España, esta serie destaca por tener el respaldo de un universo transmedia de gran calidad y la solidez narrativa de alguien que lleva décadas construyendo historias en formatos muy distintos. Para quien busque cómics para primeros lectores o que sirvan para leer juntos sin que el adulto deje de disfrutar, esta serie es una apuesta segura. Y si encima ese adulto ya ha escuchado o escucha Biotopía, el salto a estos libros será un reencuentro con personajes queridos que de repente tienen cara, cuerpo y panel propio (¡hasta los múltiples clones de Abel!).

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Hubo un tiempo en que mirar al cielo no era solamente un gesto distraído (cada vez menos), sino algo trascendental. Medir el paso de los astros significaba comprender el tiempo, anticipar las estaciones y, de paso, intuir que allí arriba habitaba algo más grande que uno mismo. Patrick Banon parte precisamente de esa idea tan sencilla como importante en Los orígenes de lo sagrado: antes de los templos, antes de los libros sagrados, incluso antes de los dioses con nombre propio, lo sagrado estuvo en la naturaleza.

Publicado originalmente en francés por Dargaud en 2024 bajo el título Les origines du sacré, este volumen llega ahora al castellano de la mano de Errata Naturae con la traducción de Iballa López Hernández. Estamos ante un libro objeto, con un formato generoso cercano al A4, encuadernación en cartoné y un diseño limpio que respira en cada página. Pero sobre todo, estamos ante un híbrido difícil de encasillar: no es exactamente un ensayo, tampoco un cómic, ni un libro ilustrado. Es todo eso a la vez, una propuesta que combina divulgación rigurosa, relato mítico, secuencias de cómic, ilustraciones a página completa y mapas simbólicos en una mezcla muy atractiva.

El autor, Patrick Banon, es un antropólogo francés especializado en ciencias de las religiones y sistemas de pensamiento, investigador asociado a la Universidad París-Dauphine. Ha dedicado décadas a explorar cómo funcionan las creencias humanas, desde sus manifestaciones más ancestrales hasta sus formas contemporáneas. Con más de veinte libros publicados —biografías sobre Jesús o Moisés, ensayos sobre diversidad cultural, guías sobre laicidad— Banon domina el arte de moverse entre lo académico y lo divulgativo. En Los orígenes de lo sagrado, ese equilibrio se nota: el autor nos habla con cercanía mientras nos cuenta los secretos mejor guardados de nuestros antepasados.

El libro se estructura en siete crónicas que funcionan como ventanas a distintos elementos naturales que despertaron en la humanidad primitiva esa sensación de asombro, temor y veneración que llamamos “lo sagrado”. Cada crónica se adentra en un territorio: el cielo como origen del tiempo sagrado, el rayo que cambia el destino de nuestra especie, el agua fuente de vida y diluvios, la tierra como centro del mundo, las piedras que guardan memoria, los espíritus del viento y, finalmente, los árboles y bosques sagrados. No son compartimentos estancos, sino capas superpuestas que dialogan entre sí, igual que lo hacían los mitos de diferentes culturas que, sin conocerse, llegaban a conclusiones parecidas sobre el funcionamiento del cosmos.

Banon nos muestra cómo los fenómenos naturales no eran para nuestros ancestros simples eventos físicos, sino manifestaciones de fuerzas que escapaban a su comprensión y que, por tanto, requerían ser interpretadas, ritualizadas, incorporadas al tejido simbólico de sus comunidades. ¿Por qué ciertas piedras se convirtieron en símbolos? ¿Qué llevó a tantas culturas a considerar los árboles como ejes que conectan cielo, tierra y subsuelo? Cuando un rayo partía el cielo durante una tormenta, no estaban viendo simplemente una descarga eléctrica: estaban presenciando la cólera o el mensaje de algo superior. Esa capacidad de crear significado donde solo hay caos, de construir narrativas que ordenan el universo, es lo que nos hace humanos.

La prosa de Banon es accesible pero precisa. Sabe cuándo detenerse en un detalle arqueológico fascinante y cuándo abrir el zoom para que veamos el panorama completo. No cae en la tentación de adornar cada párrafo con adjetivos grandilocuentes o de convertir cada dato en una revelación apocalíptica. Confía en la inteligencia de los lectores y por eso mismo se permite hacer conexiones sutiles, plantear preguntas abiertas y dejar espacios para que saquemos nuestras propias conclusiones.

En cuanto a la parte visual, el ilustrador francés Antoine Pateau ha creado una narrativa visual que amplifica, complementa y dialoga de igual a igual con el texto. Pateau utiliza una paleta cromática suave —ocres, azules profundos, tonos terrosos— que remite directamente a esos elementos naturales que son protagonistas del libro. Sus ilustraciones a página completa nos transportan a paisajes remotos, a rituales ancestrales que siguen latiendo en algún rincón de nuestro imaginario colectivo. Y cuando introduce secuencias de cómic, cada viñeta aporta información, con una composición pensada para que la mirada fluya sin tropiezos. Texto e imagen se combinan muy bien en cada página.

La inclusión de mapas es otro acierto notable en la parte gráfica, ya que Banon salta del antiguo Egipto a Mesopotamia, de las culturas precolombinas a las tradiciones nórdicas, del hinduismo al chamanismo siberiano. Y esos mapas nos ayudan a situar geográficamente las creencias, a entender cómo la geografía condiciona la cosmología, a ver las rutas por las que viajaban las ideas mucho antes de que existieran internet o los libros impresos.

Banon no predica ecologismo New Age ni cae en idealizaciones románticas del “buen salvaje”, pero sí nos recuerda que hubo un tiempo en que los humanos no nos sentíamos dueños del planeta, sino parte de un entramado mucho más vasto y complejo. Esa humildad, esa consciencia de que somos apenas una gota de agua en el mar, se ha ido diluyendo en las sociedades industrializadas. Y quizá volver a mirar cómo nuestros antepasados percibían el mundo es una herramienta útil para repensar nuestra existencia en el planeta.

La entrada En el principio era el rayo: “Los orígenes de lo sagrado” se publicó primero en Babar, revista de literatura infantil y juvenil.

El diablo de la botella es un cuento de Robert Louis Stevenson escrito en 1891, cuando el escritor escocés se había instalado en Samoa. Aunque no es, ni mucho menos, la primera vez que se edita en español, Nórdica lo ha rescatado en una edición que combina una nueva traducción con las expresivas ilustraciones de Emilio Urberuaga, que ya en esta misma colección nos ofreció su visión sobre Los muertos de Joyce.

Cuando Stevenson escribió esta historia, estaba lejos del cielo gris escocés que le vio nacer. Llevaba meses explorando las islas del Pacífico, aprendiendo sus leyendas, sus gentes y su geografía. En 1889 pasó cinco meses en el Reino de Hawái, visitó la colonia de leprosos de Molokaʻi, donde conoció al padre Damien, paseó por el pueblito costero de Hoʻokena, escuchó tocar a la banda del rey Kalākaua. Todo ese mundo, con sus contradicciones entre lo tradicional y lo colonial, entre la magia y el pragmatismo, acabó cristalizando en este relato, que se publicó primero por entregas en 1891, tanto en inglés como en samoano (una traducción que el propio Stevenson supervisó).

Como dato curioso que demuestra la popularidad de esta historia, encontramos que ha sido adaptada a varios formatos. En 1917 se rodó una película muda dirigida por Marshall Neilan, con el actor japonés Sessue Hayakawa en el papel principal. En los años treinta hubo dos versiones europeas: una alemana (Love, Death and the Devil, 1934) y una francesa (Le diable en bouteille, 1935). Más tarde se hizo una adaptación con marionetas de los hermanos Diehl, en 1952. Aquí en España hubo una edición ilustrada en 1989, en la mítica colección Austral Juvenil de Espasa-Calpe, con dibujos de Fuencisla del Amo.

El diablo de la botella arranca con una premisa de cuento tradicional: una botella con un diablo dentro que concede deseos. Keawe, un joven hawaiano que siente la necesidad de conocer otras tierras, viaja a San Francisco. Allí descubre una casa hermosa cuyo dueño parece triste y asustado. Al hablar con él, el anciano le muestra una botella de vidrio blanco, lechoso, en cuyo interior habita un diablo rodeado por el fuego del infierno que puede conceder cualquier deseo. Pero, ojo, tiene truco: la botella hay que venderla siempre más barata de lo que te costó, no se puede regalar ni tirar (vuelve solita), y si te mueres con ella en tu poder, tu alma arde en el infierno. Keawe la compra por cincuenta dólares. Y, como cabría esperar, el diablo cumple: le da una mansión, tierras y fortuna. Aunque a cambio tiene que pagar un alto precio: la muerte de su tío y sus primos en un accidente de barco. Cuando Keawe consigue deshacerse de la botella, cree que ha esquivado la condena eterna. Pero entonces contrae lepra, una enfermedad que en aquel tiempo te condenaba al exilio de por vida, y no le queda más remedio que tratar de conseguir de nuevo la botella endemoniada… Cuando Keawe la recupera, ya solo vale dos centavos. ¿Cómo diablos la va a vender más barata, quién se la compraría sabiendo que es imposible revenderla?

Tendemos a considerar a Stevenson como uno de los mejores representantes de la literatura juvenil y de aventuras. La isla del tesoro, El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, Secuestrado… Obras maestras del género, pero que a veces han eclipsado otros trabajos suyos igual de interesantes. Como escribió Jorge Luis Borges: “Stevenson es una de las figuras más queribles y más heroicas de la literatura inglesa”. En sus últimos años, instalado en el Pacífico, la escritura de Stevenson viró hacia un realismo más áspero y con dilemas morales. Ya no le interesaba tanto el heroísmo como los dilemas éticos de personas corrientes metidas en situaciones extraordinarias.

El diablo de la botella se enmarca en esta última fase vital, aunque mantenga el envoltorio del cuento fantástico. Stevenson reflexiona sobre el colonialismo, sobre la injusticia del destino (la lepra como metáfora de la condena social), sobre los límites del sacrificio amoroso. Y lo hace con ese estilo directo que le caracterizaba. El relato también muestra que la racionalidad perfecta no existe: hay quien ama tanto que prefiere condenarse. Stevenson juega con estas grietas de la lógica humana para resolver su historia de manera inesperada y profundamente humanista.

Esta edición de Nórdica se enmarca en una línea editorial que desde 2006 apuesta por los libros ilustrados para adultos. Tenemos las Noches blancas de Dostoievski con ilustraciones de Nicolai Troshinsky, El duelo de Chéjov con Javier Olivares, o la que comentábamos antes, Los muertos de Joyce con Emilio Urberuaga. En todos estos casos, hablamos de ediciones muy cuidadas que prestan atención no solo a los textos y traducciones, sino también a la tipografía, al papel y a la encuadernación.

El diablo de la botella encaja perfectamente en esta línea: un clásico que merecía volver a circular en una buena edición. La traducción es del Colectivo Stevenson BdL, un grupo de estudiantes de la escuela Billar de Letras, y mantiene el pulso narrativo y la musicalidad del original.

Un cuento que sigue funcionando hoy como metáfora de nuestro propio tiempo, donde cada deseo cumplido esconde letra pequeña y puede convertirse en una maldición. Stevenson nos muestra que es imposible escapar de las consecuencias, y que el amor verdadero a veces implica grandes sacrificios.

Aquí puedes leer las primeras páginas del libro

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