Este plan establece un profundo cambio de paradigma al elevar la lectura a la categoría de derecho humano autónomo, definiéndola como una llave esencial que permite el ejercicio de otros derechos, fomenta el pensamiento crítico y sostiene la calidad democrática de la sociedad.

Uno de los pilares más destacados de esta estrategia es el eje dedicado específicamente a la infancia y la adolescencia. Este sector demográfico engloba al 18,4% de la población española, lo que se traduce en aproximadamente 9 millones de personas. El plan distingue claramente dos etapas: la infancia, que abarca desde el nacimiento hasta los 9 años e incluye las fases prelectora y de primeros lectores, y la adolescencia, comprendida entre los 10 y los 19 años. Esta última etapa es identificada como un periodo crítico por el alto riesgo de abandono definitivo del hábito lector.

El diagnóstico actual revela tensiones preocupantes en el ecosistema educativo. Informes internacionales como PISA y PIRLS muestran una tendencia descendente en la comprensión lectora de los estudiantes, evidenciando que más del 51% del alumnado de educación primaria se encuentra por debajo del nivel de competencia deseable. A esta dura realidad se suma el hecho de que casi un tercio de los menores de 16 años se halla en riesgo de pobreza, existiendo una correlación directa e innegable entre el nivel de renta de las familias y el rendimiento lector de los menores.

Frente a este complejo panorama, la ciencia señala el camino y da esperanzas. Un estudio de la Universidad de Cambridge confirma que la lectura por placer a edades tempranas, incluso de forma pasiva a través de la lectura en voz alta por parte de adultos, genera beneficios neurológicos medibles y tangibles. Entre ellos destacan una mayor superficie cortical cerebral, un mejor desarrollo cognitivo y una notable resiliencia emocional. Estos impactos positivos se manifiestan con independencia del nivel socioeconómico familiar, convirtiendo a la lectura en un poderoso mecanismo de equidad que nivela hacia arriba el desarrollo de los niños. Por ello, el plan no persigue simplemente el objetivo de que los jóvenes lean más, sino el desafío de que lean mejor, apostando decididamente por el entrenamiento de la atención sostenida.

Para materializar estos objetivos, se plantean diversas medidas prácticas. En el ámbito educativo y familiar, se promoverá la capacitación de mediadores especializados en literatura infantil y juvenil, al tiempo que se reforzará el programa de actividades de autores en institutos, creando líneas temáticas vinculadas a efemérides literarias. Con el fin de reconectar con el público adolescente, la estrategia apuesta por generar un “efecto faro” mediante la colaboración con personas influyentes en redes sociales, a quienes se considera nuevos referentes de proximidad.

Asimismo, se impulsarán los clubes de lectura virtuales y programas innovadores como “Dibujantes de historias”, diseñado para poner en contacto a creadores con estudiantes de escuelas de arte. La concienciación sobre los derechos de autor también tendrá su espacio gracias a la colaboración con entidades como CEDRO.

El reconocimiento de la diversidad de formatos es otro gran asunto del programa, que prevé el desarrollo de una red de comictecas en las bibliotecas públicas, validando el cómic como un vehículo legítimo y fundamental de lectura. En el entorno digital, se garantizará un catálogo amplio y diverso de literatura infantil y juvenil en la plataforma gratuita eBiblio. Además, las letras españolas buscarán una mayor proyección internacional gracias a la organización del congreso IBBY 2028, que se celebrará en la ciudad de Barcelona.

Más allá de la juventud, la promoción de la lectura como derecho universal y transversal es el eje del proyecto. Se destinarán 6,3 millones de euros a potentes campañas de concienciación a nivel nacional y se celebrará el primer Congreso Nacional de Lectura con carácter bienal. El enfoque inclusivo del documento busca reparar las brechas existentes priorizando la accesibilidad en zonas rurales o en riesgo de despoblación, para lo cual se reforzarán los bibliobuses y se apoyará la modernización de bibliotecas y librerías. Igualmente, se ampliará la oferta de formatos adaptados, como los audiolibros y los textos de lectura fácil.

Finalmente, el documento consagra el vínculo indisoluble entre la lectura y la salud mental, reconociendo el hábito lector como una herramienta terapéutica capaz de reducir el estrés, combatir el aislamiento social y promover el bienestar integral de la ciudadanía.

Puedes descargar el PDF completo en este enlace

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Ilustración de Jesús Cisneros para el libro “¿Y yo qué puedo hacer?” (OQO)

El ilustrador zaragozano Jesús Cisneros ha sido distinguido con el Premio Nacional de Ilustración 2026, según ha anunciado el Ministerio de Cultura. Con este reconocimiento, uno de los más prestigiosos del panorama cultural español, el nombre de Cisneros se suma a una larga y brillante lista de ilustradores que han contribuido a hacer de este arte un lenguaje propio y poderoso en la literatura infantil y juvenil de nuestro país.

El galardón, dotado con 30.000 euros, reconoce el conjunto de la labor de un ilustrador o ilustradora de España en el ámbito del libro y de las letras en cualquiera de las lenguas oficiales del Estado. El jurado no ha escatimado en elogios al valorar la trayectoria de Cisneros. Ha destacado al ilustrador por “la excepcional calidad de una obra potente y expresiva en la que se produce una perfecta simbiosis entre fuerza, sensibilidad y narrativa visual”.

El jurado ha señalado que, utilizando una gran variedad de técnicas, Jesús Cisneros “muestra una extraordinaria habilidad para, desde la gestualidad y el humanismo, crear escenarios mágicos que sumergen al lector en un mundo sereno y apacible. A través de formas simbólicas potentes que evocan la espontaneidad del boceto, el autor revisita lo popular captando su esencia y logra comunicar la máxima expresión. Cisneros, con un lenguaje universal, primitivo y fresco, ha conseguido impactar a muchas generaciones de ilustradores en todo el mundo”.

Jesús Cisneros nació en Zaragoza en 1969 y realizó sus estudios de Historia del Arte e Ilustración en su ciudad natal. El dibujo fue vital para él desde una edad muy temprana. Sin embargo, trabajó como diseñador gráfico durante muchos años antes de dedicarse por completo a la ilustración.

Desde entonces, ha desarrollado una trayectoria centrada en la creación artística, la docencia y la colaboración con instituciones, empresas y colectivos. Porque Cisneros, además de ilustrar, ha dedicado parte de su energía a transmitir su manera de entender el dibujo a las nuevas generaciones.

Como coautor o autor único, ha publicado más de 30 libros de literatura infantil, juvenil y para adultos, así como libros artísticos y experimentales. Asimismo, ha participado como ilustrador de portadas y en obras colectivas para diversas editoriales en Latinoamérica y Europa. Entre sus libros de literatura infantil, podemos destacar Ramón (Libros del Zorro Rojo), Las palabras del agua y Papá tenía un sombrero (Anaya), La tetera (Oxford), Llama de amor viva y El aprendiz de héroe (Edelvives) o El castillo de irás y no volverás (Imaginarium).

Su trabajo ha sido expuesto en muestras individuales y colectivas en galerías y museos de España, Francia, Portugal, Italia, México, Corea, Turquía y Ucrania. Algunas de sus obras han sido seleccionadas en festivales internacionales de referencia, como la bienal Ilustrarte en Lisboa y la exposición de ilustradores de la Feria del Libro de Bolonia. Dos citas que, para cualquier ilustrador, representan el reconocimiento de la comunidad internacional más exigente.

Entre los galardones que jalonan su trayectoria destacan el Ospite d’Honore en “Le immagini della fantasia della Mostra Internazionale per l’infanzia de Sàrmede”, Italia, en 2025; una mención en la Bienal Ilustrarte por Kintaró en Lisboa en 2018, y otra por Central Park en 2016; el Premio Nacional al libro mejor editado por Eugene Pickering en 2010; el Premio Lazarillo de ilustración en 2007; y el Premio Speciale Miglior Illustratore I Colori del Sacro 2012, otorgado en Padua, Italia.

En la edición anterior, el premio fue otorgado a Violeta Lópiz, sumándose a una lista de destacados ilustradores como Sergio García Sánchez, Sonia Pulido, Pep Montserrat, Luci Gutiérrez o Alfredo González, entre otros. Nos alegra ver que, con Jesús Cisneros, el Premio Nacional de Ilustración vuelve a premiar a un artista relevante en el mundo de la literatura infantil y juvenil.

Cuaderno de dibujo de Jesús Cisneros con personajes de Central Park. Extraído de “Dibujar de memoria”, editorial Hoaki

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Hay un padre en un parque de Madrid que le habla a su hijo en inglés. No es un expatriado ni un turista: es un padre español que ha decidido que ese es el idioma en el que va a educar. Lo hace con convicción, como quien cumple una importante misión. Santiago Gerchunoff, que ha visto esta escena repetida muchas veces mientras está en el parque con sus propias hijas, no lo juzga —o no del todo— pero sí lo usa de punto de partida para una pregunta que recorre este libro: ¿en qué momento quisimos tanto a nuestros hijos que empezamos a tratarlos como proyectos?

En la era de los niños cosa llega a las librerías de la mano de Lengua de Trapo y el Círculo de Bellas Artes dentro de la colección Ensayo Mini, un formato pequeño pero con mucho contenido. El autor, Santiago Gerchunoff, es conocido en el mundo del ensayo en castellano por títulos anteriores publicados en Anagrama, como Ironía On (2019) y Un detalle siniestro en el uso de la palabra fascismo (2025).

El libro se divide en dos partes bien diferenciadas, aunque comparten una misma inquietud de fondo. La primera, titulada «La crianza como emprendimiento», reúne una serie de pequeños ensayos que parten de escenas muy concretas y domésticas —el grupo de WhatsApp del colegio, el bebé monitorizado como un Tamagotchi, los hoteles que prohíben la entrada a niños— para trazar un diagnóstico más amplio sobre el tipo de padres que nos hemos vuelto en las últimas décadas. La tesis es que hemos confundido querer a nuestros hijos con fabricarlos. Los hemos convertido, casi sin darnos cuenta, en una extensión de nosotros mismos, en un proyecto que hay que optimizar y en el que mezclamos ansiedad, amor y presión social.

La segunda parte, «Infancia y narración en el siglo XXI», desplaza el foco hacia la literatura infantil y juvenil como territorio de resistencia frente a esa lógica de la productividad. Aquí el argumento se vuelve más literario: las historias para niños, defiende Gerchunoff, tienen valor cuando escapan de la intención pedagógica, cuando no quieren enseñar nada sino simplemente acompañar, jugar o asombrar.

Esta segunda parte arranca con «Tres formas de soledad», un ensayo de temática cinéfila cuyo punto de partida es E.T., que el autor reivindica como la obra narrativa fundamental para toda una generación —la de los que fuimos niños en los ochenta— y como centro de un canon más amplio donde brillan también Los Goonies o Karate Kid. La pregunta que se hace es: ¿qué tienen en común todas esas películas? ¿De dónde viene su magnetismo particular?

La respuesta que plantea es un poco perturbadora: el héroe de esas historias no es cualquier niño, sino el hijo de padres separados. Un arquetipo que lleva incorporada una forma de inteligencia ganada a costa de tristeza, que aprende antes que nadie que las cosas pueden no funcionar, que las promesas se rompen, que estar solo no es el fin del mundo sino, a veces, el principio de la aventura. Esa combinación de melancolía y libertad fue la que dio fuerza a aquellas películas, y de ahí viene la identificación masiva del público. Gerchunoff no afirma que todos los niños de los ochenta fueran hijos de separados: dice que todos abrazamos a esos personajes como nuestros héroes y nos ponemos en su lugar de algún modo.

Desde ahí, el ensayo viaja unos años atrás y llega hasta Dickens: Oliver Twist como paradigma del héroe huérfano moderno, el niño abandonado que construye su propio hogar desde cero, que se enfrenta solo a un mundo hostil y que, en el proceso, denuncia las tragedias sociales que la Revolución Industrial estaba produciendo. Gerchunoff establece una distinción entre dos arquetipos de la narrativa infantil: el héroe huérfano, que nace en el desamparo y persigue un hogar, y el héroe hijo de separados, que nace en un hogar y viaja fuera de él. Son movimientos opuestos que hablan de distintas formas de imaginar la infancia y la libertad.

El capítulo que más nos llama la atención es, por supuesto, «Babar republicano, Elmer liberal». Gerchunoff parte de la relectura de los álbumes del elefante Babar, de Jean de Brunhoff, con ojos de padre contemporáneo, y el resultado mezcla nostalgia, rigor histórico y cierta ternura melancólica. El mundo de valores de Babar —la civilización como ideal, la jerarquía como orden natural, el elogio de la vida burguesa— choca de frente con los valores que los padres de hoy, progresistas y sofisticados, queremos transmitir. El elefante fue la educación ética de toda una generación y hoy es casi imposible de defender sin un contexto.

Frente a Babar, Gerchunoff coloca a Elmer, el elefante de cuadros de David McKee: más moderno, más liberal en el sentido contemporáneo, más obsesionado con la diferencia y la singularidad. Pero la comparación no lleva a donde uno esperaría. Gerchunoff no celebra sin más a Elmer ni condena a Babar: los usa como espejos para mostrar cómo cada época proyecta en los libros infantiles sus propias certezas y contradicciones. Lo que interesa al autor no es cuál de los dos elefantes es mejor, sino qué dice de nosotros mismos el hecho de que hayamos pasado de uno al otro.

Gerchunoff escribe con agilidad, con humor, con la capacidad para hacer que una pregunta aparentemente pequeña lleve hacia preguntas mucho más grandes. Hay momentos de autocrítica —el prólogo es muy transparente en ese sentido— donde reconoce haber sentido en carne propia esa incomodidad que el libro trata de nombrar. No escribe desde la superioridad del que ya lo ha resuelto, sino desde el punto de vista de quien también está dentro del problema.

El tono general es ligero y provocador, pero no es gratuito. «El angloparlante de parque infantil», por ejemplo, arranca con esa observación aparentemente trivial con la que comenzamos esta reseña —esos padres madrileños que se vuelven angloparlantes al hablar con sus hijos— y acaba tocando algo bastante más hondo sobre la identidad, el miedo al futuro y la presión que ejercemos sobre los niños en nombre del amor.

Este libro no es un manual de parentalidad ni un estudio sociológico al uso. Es un ejercicio de pensar en voz alta, con inteligencia y lucidez. Una escritura que parte de lo concreto para llegar a lo general, que combina erudición y experiencia personal sin que ninguna de las dos eclipse a la otra.

Lo único negativo de este libro es su brevedad: hay ensayos que uno querría ver más desarrollados, y la segunda parte sobre literatura infantil abre tantos melones que uno se queda con la sensación de querer más. La mejor señal de que un libro ha hecho su trabajo.

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¿Sabías que en el Museo del Hermitage de San Petersburgo viven cerca de sesenta gatos? Llevan ahí desde el siglo XVIII, patrullando las galerías como si fueran los conservadores del lugar, y cada año, en primavera, se les dedica una fiesta. Este tipo de datos son los que recorren El gran libro de los museos, que ha publicado este año Maeva Young.

El libro lo publicó originalmente en francés la editorial Arola en 2023 bajo el título Le grand livre des musées en una colección especialmente orientada a acercar el arte y la cultura a los lectores más jóvenes. La edición española llega tres años después con el mismo espíritu: hacer de los museos un lugar apetecible, vivo y lleno de sorpresas.

Éva Bensard ya tiene trayectoria en el mundo de los libros de arte para niños. Estudió en la Escuela del Louvre y tiene un máster en Historia. Ha pasado años combinando escritura, periodismo y viajes, incluyendo una larga temporada en Roma. Desde hace dos décadas, su obra ha tenido como hilo conductor tender puentes entre la historia del arte y los lectores que todavía no se han atrevido con ella. En 2019, su libro Coquillages et Cerfs-volants ganó el Premio Historia al Libro Juvenil en Francia, logrando un importante reconocimiento en un nicho tan exigente como la divulgación cultural para jóvenes.

Benjamin Chaud, por su parte, es un peso pesado de la ilustración francesa con más de sesenta libros a sus espaldas. Ha sido galardonado con la Medalla de Oro de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York en 2014 y ha estado nominado al Premio Astrid Lindgren en tres ocasiones. Sus ilustraciones son reconocibles al primer golpe de vista: densas, muy expresivas, plagadas de pequeños detalles divertidos, creando imágenes en las que siempre hay algo nuevo que descubrir.

El libro propone un recorrido por doce museos de todo el mundo: el Guggenheim de Bilbao, los Museos Vaticanos, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Hermitage de San Petersburgo, el Louvre de París, el Museo Oceanográfico de Mónaco, el Museo del Palacio Imperial de Pekín, el Museo de Bellas Artes de Argel, la Casa Azul de Ciudad de México, el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York, el Mucem de Marsella y el Museo del Quai Branly de París. Una selección que, como se puede ver, no se limita a los grandes templos del arte occidental, sino que se abre a geografías menos frecuentadas en este tipo de publicaciones.

Para cada museo, la estructura se repite con mayor o menor variacion: una doble página dedica a la arquitectura y la historia del edificio, y otra que explora su contenido con una mezcla de obras imprescindibles, anécdotas curiosas, minibiografías de artistas y la presentación de un oficio relacionado con el museo (en el caso del Guggenheim, conocemos el trabajo de “comisaria de exposiciónes”). El libro desmitifica el mundo del arte mostrando que detrás de cada cuadro hay decenas de personas que lo cuidan, lo transportan, lo iluminan y lo explican.

El tono de Bensard es didáctico, divulgativo, y escribe con ligereza pero sin condescendencia, para no resultar superficial pero tampoco abrumar con información. Se anima al lector a continuar investigando, a visitar, a preguntar. El libro no exige un recorrido concreto: se puede empezar por Bilbao o por Pekín, hojear hacia atrás o hacia adelante, detenerse en lo que más llame la atención. Esa libertad de movimiento podría aplicarse también a los museos como espacios para el paseo y la curiosidad. El gran formato del libro —cartoné, unos 27 x 37 cm— permite que las ilustraciones respiren y se puedan apreciar todo tipo de detalles, al tiempo que ayuda a que quepa toda la información.

En definitiva, no estamos ante un catálogo de museos, ni una historia del arte para niños, ni un libro de viajes cultural: es las tres cosas a la vez y ninguna. La combinación de Bensard y Chaud produce algo con una identidad muy marcada: el museo como protagonista, el oficio cultural como un trabajo digno de admiración y la curiosidad como la mejor entrada para el arte.

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El romancero español a veces parece olvidado, pero de vez en cuando algún proyecto cultural aparece para devolverle la vida. Lo hicieron, a su manera, Paco Ibáñez y Amancio Prada; también Menéndez Pidal y Joaquín Díaz. Y ahora lo hacen, con un libro que entra por los ojos, el poeta Antonio Rubio, la editora Manuela Rodríguez y el ilustrador Fernando Vicente. 12 romances es la última entrega de la colección Poesía Ilustrada de Kalandraka. Una apuesta editorial por la poesía con mayúsculas.

Esta colección, que ha ido publicando volúmenes dedicados a Alberti, Miguel Hernández, Antonio Machado o las greguerías de Gómez de la Serna, cada uno bajo la mirada de un ilustrador diferente, da aquí un giro al escoger el romancero, ese cuerpo de literatura oral anónima que durante siglos viajó de boca en boca, de plaza en plaza, sin firma ni derechos de autor. Una tradición que tiene más capas de las que aparenta. No son simplemente poemas; son relatos que condensan historia, violencia, deseo, traición y amor.

La selección, a cargo de Antonio Rubio y Manuela Rodríguez, editora de Kalandraka, recoge doce piezas de la tradición castellana: La serrana de la Vera, El prisionero, La doncella guerrera, Gerineldo, Conde Niño, Fontefrida, Delgadina, Las tres cautivas, La pérdida de Alhama, Abenámar, El enamorado y la muerte y Conde Arnaldos. Hay romances fronterizos y moriscos, historias de amor imposible y de muerte anunciada, mujeres que se disfrazan de guerreros y otras que son víctimas de los abusos del poder. Lo que los une no es el tono ni el período, sino tres ejes que Fernando Vicente identifica en su reflexión introductoria: amor, muerte y violencia. Tres constantes que nunca han dejado de estar presentes en la literatura.

Antonio Rubio, autor de referencia en el catálogo de Kalandraka, aporta aquí su conocimiento del ritmo y la palabra justa. Los textos seleccionados respetan la estructura métrica original del romance, octosílabos con rima asonante en los pares que tienen algo de hipnótico. Y ojo, que nadie espere un romancero suavizado para el público más joven.

La unidad visual del libro la aporta Fernando Vicente. El ilustrador madrileño —reconocido internacionalmente y ganador en tres ocasiones del Award of Excellence de la Society for News Design— lleva décadas construyendo un universo visual propio, reconocible a primera vista, que mezcla la pintura figurativa de inspiración clásica con una gran sofisticación. Cada imagen es en sí misma un cuadro que podría colgarse en una pared.

Sus imágenes son fruto, según explica él mismo, de un proceso de investigación sobre las condiciones sociales, las vestimentas y el ambiente de cada época. Vicente toma los datos históricos como punto de partida para construir algo que tiene más de artístico que de documental: figuras que parecen emerger de un fondo oscuro, colores que van del bermellón al azul noche, una luz que cae desde un ángulo misterioso. Sus personajes tienen presencia física y al mismo tiempo algo de espectro. La portada, además, anuncia la tensión entre lo histórico y lo contemporáneo que recorre el libro.

El libro está dedicado a la Fundación Menéndez Pidal, a la Fundación Joaquín Díaz, y a los cantautores Amancio Prada y Paco Ibáñez. Con ello, el libro se alinea en una genealogía de mediadores culturales que, desde la filología, la etnomusicología o la canción de autor, han trabajado para que el romancero no se apague.

¿Para quién es este libro? Técnicamente, la editorial lo recomienda a partir de ocho años, siempre que haya mediadores dispuestos a acompañar la lectura. Pero funciona igualmente en manos adultas, y puede convertirse en un objeto de referencia en cualquier biblioteca, ya sea doméstica, escolar o pública. Es, también, una herramienta pedagógica de primera magnitud para acercarse al romancero desde un ángulo contemporáneo.

Kalandraka ha acertado de nuevo al encontrar a los artistas adecuados para producir un libro de gran belleza y valor literario. Una demostración de que textos que parecen parte del pasado más lejano son capaces de cobrar vida de nuevo.

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Para varias generaciones de este país, la palabra «Rubio» significa cuadernos grapados de sumas con llevadas, caligrafía y problemas matemáticos. Toda una tradición. Sin embargo, en los últimos años este proyecto editorial con un ADN tan marcado por el cuaderno de ejercicios tradicional ha dado un volantazo ampliando su catálogo hacia la literatura infantil.

Esta incursión, en concreto en la etapa de Educación Infantil, se ha materializado de manera muy sólida en la colección “Mis primeras lecturas”, secuenciada en tres escalones básicos de la lectoescritura: libros de cartón duro y letra mayúscula para 3 años, volúmenes en cartoné (tapa dura) con letra mayúscula para 4 años, y una apuesta combinada de letra minúscula, ligada y mayúscula para 5 años, donde más diversidad de niveles lectores hay. Y no solo han acertado con el formato y el diseño: también han conseguido reunir a grandes firmas de la literatura infantil como Mar Benegas, Begoña Oro, Laura Vila, Roberto Aliaga… y, por supuesto, nuestro queridísimo e irrepetible Hematocrítico.

Acercarse a Rosalía, detective encoge un poco el corazón. Publicado en marzo de 2024, vio la luz apenas unos meses después del inesperado fallecimiento de su autor. Queda una sensación agridulce al sostener este libro póstumo en las manos. Esa carga emocional la verbaliza perfectamente la escritora Ledicia Costas, su pareja, en una introducción breve y luminosa. En ella nos habla de esa capacidad irresistible y arrolladora que tenía Miguel para hacer reír a cualquiera que se cruzara en su órbita. Y nos cuenta un secreto: le encantaba compartir bombones. No es ninguna casualidad, por tanto, que el gran misterio sobre el que pivota este libro sea, precisamente, la desaparición de un trozo de chocolate.

El libro nos presenta a Rosalía, una protagonista minúscula armada con una lupa enorme y gran instinto deductivo. Para los que ya conozcan la obra del Hematocrítico, es imposible no trazar un puente directo con Agente Ricitos, aquella maravilla de personaje que resolvía misterios en el Bosque de los Cuentos. Rosalía funciona casi como su alter ego para la etapa de prelectores (y no sabemos si será también un homenaje a cierta artista). Tiene la misma energía de thriller de andar por casa, el mismo respeto por la inteligencia del lector infantil, pero destilado y ajustado a las habilidades lectores de los cuatro años.

En este libro no vamos a encontrar tramas laberínticas ni giros de guion impactantes, ni falta que hace (sobre todo a estas edades). La trama es directa: hay un enigma doméstico (el chocolate desaparecido) y hay que investigar a los sospechosos. Lo que hace que este texto brille es esa sencillez cómica tan marca de la casa. El Hematocrítico dominaba como pocos el arte de la síntesis; sabía quitar toda la paja para dejar solo la palabra justa. Consigue integrar guiños, pausas dramáticas y chistes visuales (famosos eran sus terribles bocetos donde hacía sugerencias a los ilustradores) en apenas un par de líneas por página, manteniendo un ritmo de lectura que engancha desde el principio sin que el texto resulte pesado para quien está empezando a juntar las letras.

Y hablando de letras, el uso exclusivo de la tipografía en mayúsculas es un acierto a esta edad. A los cuatro años, los niños y niñas están en plena fase de decodificación visual, buscando las letras de su propio nombre en los carteles de la calle, en las cubiertas de los libros, en los letreros del supermercado… Ofrecerles un relato divertido en el único código escrito que de momento saben descifrar les da una autonomía y una sensación de “yo puedo leer esto solo” que es una gran ayuda para fomentar el hábito lector.

Cristina Picazo se encarga de la parte gráfica, y lo hace con gran soltura. Sus ilustraciones hacen de contrapeso al texto sintético de López. Tira de una paleta de colores vibrantes y de unos personajes expresivos que capturan la atención. El diseño de Rosalía, con su actitud de sabueso incansable, resulta carismático desde la cubierta. Además, la ilustración juega a favor del misterio, ofreciendo pistas visuales y escondiendo pequeños detalles que obligan a los niños a parar y señalar con el dedo.

Y, por último, no hay que olvidar otra de las señas de identidad del Hematocrítico: ninguno de sus libros sirve a un propósito distinto al literario y humano. Rosalía, detective es fiel a sus principios y reivindica el derecho a pasarlo bien con una buena historia. Aporta la frescura y gamberrismo que pueblan las historias de Hematocrítico, y que formaban parte de su carácter. Un libro que solo quiere que te sientes un rato, investigues un poco y te rías otro tanto.

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Trece Lunas

Trece poemas en cada libro,
trece poemas como trece lunas,
como los trece meses del calendario lunar.

La luna, ese ser cambiante
que muda su cara de espejo circular.
Señora de las mareas, astro de la fecundidad.
Ritmos lunares para dar medida al tiempo,
al tiempo poético.

De este modo preparan los tambores Federico Martín Nebras y Antonio Rubio para que nos dejemos envolver por la poesía sonora de Nicolás Guillén. Canciones, retahílas, adivinanzas, juegos de preguntas y respuestas, pincelados de repeticiones, anáforas, palabras fragmentadas, onomatopeyas, aliteraciones, jitanjáforas, diminutivos y aumentativos, invitan a degustar el lenguaje en voz alta al son de la música moviendo el cuerpo. La selección literaria que realizaron los compiladores se vuelve un banquete exquisito para explorar la poesía lúdica de variadas maneras.

El español Antonio Rubio, uno de los editores literarios, hacia el final explica que el libro reúne una selección poética de cuatro de los poemarios escritos por Nicolás Guillén: Motivos del son (su primer libro, publicado en 1930), Sóngoro cosongo. Poemas mulatos (publicado un año después), West Indies Ltd. (1934) y La paloma de vuelo popular (1958) y afirma que “su poesía es mestiza y popular”, “es el son que lo convierte en el poeta nacional y el primer valedor de la poesía negra” y que “en sus versos suenan los instrumentos de percusión, las voces afronegroides, los topónimos africanos”.

Y como toda edición cuidada, al cabo de los 13 poemas bajo el abrigo del poema lunar inicial, se cierra el abrazo con un cálido deseo:

Este libro los invita a leer un poema cada día,
o cada semana,
o cada mes lunar.
Después pueden dejarlo descansar en un atril,
abierto en la ilustración que deseen,
que no es ni más ni menos,
que la lectura que Nelson Villalobos hizo de las palabras del poeta,
para deleite de nuestros ojos y de nuestra mirada personal.

¡Que lo disfruten!

Nicolás Guillén. Selección poética es un libro imaginado, concebido y curado artísticamente; por lo tanto, esta reunión de poemas ilustrados se vuelve un objeto cultural venerado desde la tapa hasta la contratapa de color rojo con seis dibujos indigenistas en blanco y negro en cada una de ellas, el primer y el último grabado del interior que obran de guardas que pasan del blanco preeminente en la apertura al rojo predominante en el cierre, el pasaje de cuarenta y ocho páginas de papel ilustración en las que dialogan poemas e imágenes yuxtapuestas, las técnicas de collage y serigrafía y los símbolos acunándose de manera sugerente y conceptual cocreando un álbum poético ilustrado que incluye, antes del deseo final, las dos mini bio y bibliografías del escritor y el pintor escritas por Antonio Rubio.

Los diseños amarillos, rojos, blancos, negros, marrones y celestes del artista cubano contemporáneo realzan la palabra de su coterráneo nacido en 1902. A continuación de sus datos biográficos, Nelson Villalobos dirá: “Ilustrar estos poemas de Nicolás Guillén, que es el máximo exponente de la poesía negra en Cuba, me ha devuelto a la juventud y, sobre todo, a los amigos, pues desde mi adolescencia los versos de Guillén han sido una vivencia diaria, unos ´finísimos sones´ que ya entonábamos esos amigos de teatro y yo, saboreando ese origen rítmico de los estribillos del son popular”.

Sin duda este poemario ilustrado es una gran oportunidad para gozar de un festín poético delicioso en el que se puede navegar en un barco de papel sin timonel, sin capitán, sin descansar, balancearse entre ratones, tucanes, leones, sapos, culebras y caimanes, jugar con las antítesis (“El uno, bonito,/ el otro, feón;/ el uno, callado,/ el otro, gritón”), paladear paralelismos y rimas (“¡Que baile un danzón/ Don Pedro Borbón./ Que baile una samba/ Don Pedro Caramba. Que baile una rumba/ Don Pedro Turumba!”), jugar con estribillos (“Arará, cuévano,/ arará sabalú”), reflexionar sobre cómo en la palabra poética se va encarnando la conciencia social del poeta (“-¡Tun, tun!/ -¿Quién es?/ -La paloma y el laurel…/ -¡Abre la muralla!// -¡Tun, tun!/ -¿Quién es?/ -El alacrán y el ciempiés…/ -¡Cierra la muralla!), divertirse enredando la lengua como en un trabalenguas (“Yoruba soy, lloro en yoruba”), y un sinfín de múltiples posibilidades de leer, recitar y cantar al ritmo de ¡Yambambó, Yambambé!

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«Una historia intergeneracional sobre la importancia de conocerse a una misma, de regresar a las raíces y de valorar a quien nos quiere de verdad».

May R Ayamonte (1996), flamante ganadora de la XXXIVª edición del Premio Edebé de Literatura Infantil y que está desarrollando una carrera muy interesante tanto en LIJ como en literatura para adultos, publicó en 2023 esta historia íntima de relaciones intergeneracionales y vínculos entre abuela y nieta. En Canela y sal nos presenta a Lola, una quinceañera que tiene que pasar una temporada en Ayamonte, en casa de Amalia, su abuela paterna con la que apenas tiene contacto, por un viaje de trabajo de sus padres. La muchacha llega a su hogar temporal enfadada y sin ganas de relacionarse con esa desconocida con la que considera que no tiene nada en común. Poco a poco, la paciencia de la anciana consigue romper las barreras de la adolescente y encontrar puntos en común con los que crear una conexión entre ellas. Estos comenzarán comparando sus dos infancias y adolescencias, muy diferentes entre sí, y que seguirá con el relato de la vida de la anciana, no exenta de tragedia, y el descubrimiento de un secreto familiar.

En estos tiempos en los que desde ciertos sectores políticos y sociales se pretende reivindicar unas supuestas bondades de la posguerra y la dictadura franquista, poniéndole un disfraz de seguridad y abundancia que no existió; es importante presentar a los más jóvenes relatos que expliquen las vidas de la gente humilde, de las mujeres invisibilizadas, de los niños y niñas que tuvieron que abandonar su infancia demasiado pronto… Y esto es lo que la autora hace, basándose en las vivencias de sus parientes. Como ella misma comenta en los agradecimientos, la figura de Amalia, la coprotagonista, es una mezcla de su propia abuela Maruja y la hermana de esta, Eulalia. Unas mujeres, como tantísimas otras, que vivieron los desastres de la guerra y la posguerra en nuestro país.

Se explican los problemas para sacar adelante a la familia, con la mayoría de sus miembros trabajando de sol a sol y, aun así, pasar hambre y penurias; lo que lleva al abuelo de Amalia a arriesgarse con el estraperlo. Este es un término que resultará novedoso para muchos lectores jóvenes, pero que en su momento fue una práctica cotidiana, en especial en territorios fronterizos, y muy peligrosa. Pero sin duda, lo que más duele a Amalia no es el hambre o el dolor de perder a seres queridos por culpa de la miseria, sino la decepción de traicionarse a sí misma, sus sueños y sus esperanzas. Le ocurre cuando entiende que debe olvidar por completo su sueño de estudiar Medicina; no solo por ser mujer, sino también de familia humilde. Terminará abandonando los estudios en cuanto tiene edad para trabajar, para poco después casarse y ser madre. Aunque ella se considera afortunada, y no como su amiga Pepa, que sufre el dolor y la humillación de la violencia de género sin tener ninguna opción para huir de su maltratador. Lola descubre esa realidad tan diferente a la suya, en la que tiene todo un mundo de posibilidades y opciones esperándola a la vuelta de la esquina. Aunque al principio se enrocará en lamerse sus heridas y en autocompadecerse por no poder estar con sus amigos en su pueblo toledano, conocer la vida de su abuela y parte de sus orígenes, la llevan a entender lo absurdo de su comportamiento y a estrechar lazos con la anciana.

Las bellas y vívidas descripciones del entorno y las costumbres, tanto actuales como pasadas; la forma tan orgánica en la que abuela y nieta van forjando su relación; las escenas en las que la chica descubre el pueblo o la amistad de su abuela con la vecina; la forma de narrar de Amalia, que deja sus relatos en el punto álgido, haciendo que tanto su nieta como los espectadores quieran continuar con la lectura… son algunos de los puntos a favor de esta novela. Pero también tiene algunos detalles que chirrían, como que los personajes protagonistas, Lola y Amalia, con tantos años de diferencia entre ellas, apenas se diferencian en sus voces; o el enfado del padre de la joven con su madre por ese secreto que nunca fue tal, sino algo que su mente infantil decidió obviar, y que al redescubrirlo hizo que se alejara de su progenitora sin mucho sentido.

En conjunto es una obra disfrutable, con gran sensibilidad y que reivindica el reconocimiento entre las distintas generaciones; una práctica que enriquece a ambos lados de la ecuación y que es una forma de reconocerse uno mismo. No hay que olvidar que nuestros orígenes son parte de nuestra identidad y que conocerlos es indispensables para formar una personalidad y dar sentido a la historia personal de cada individuo. Justo lo que Lola hace al conocer en profundidad a su abuela.

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Ya basta de ositos de peluche, conejitos, monos adorables y demás zarandajas animalunas que rayan en lo cuqui… ¡Aquí llega Basi, y el protagonista principal de nuestra historia es nada más y nada menos que un murciélago! Eso de entrada ya nos ha convencido para bien, porque denota un punto de partida original que se desvía de otras propuestas similares en las que prima sobre todas las cosas el presentarnos a un personaje que se haga querer tan solo por su apariencia abrazable. Por lo demás, el concepto es completamente tradicional, ya que se trata de una magnífica publicación dirigida a los más pequeños de la casa diseñada en mayor medida para ayudar a los niños a afrontar la incertidumbre y el miedo ante las adversidades que se les puedan ir presentando.

Basi, un pequeño murciélago, se cree incapaz de volar, por más que lo intenta. A pesar de su esfuerzo constante, no consigue lograrlo… hasta que una noche, cuando una tormenta amenaza con alcanzar a su querida amiga, el héroe de la función reúne el valor y las agallas suficientes para alzar el vuelo y salvarla de tan delicada situación. De que lo logre o no, que para saberlo hay que leerse el libro hasta el final, dependerá que acabe creyendo en sí mismo, confíe en sus propias capacidades y así poder enfrentar los distintos desafíos que se vaya encontrando en su camino.

Si bien el tema de entrada nos puede resultar familiar, sigue siendo relevante y está muy bien ejecutado, ayudando a los niños a crecer con un buen consejo: en ocasiones hay que arriesgarse y ser valiente para desplegar las alas y seguir adelante. Basi tiene miedo a volar, miedo a caer, etc., pero ante el peligro, no duda en aparcar sus temores para proteger a su buena amiga, quien se encuentra en una situación precaria debido a las inclemencias del tiempo.

Después de leer Basi sueña a lo grande, podríamos concluir que este título es apto para niños a partir de tres años, pero también pensamos que puede llegar a gustar a un niño de primero o segundo de primaria que todavía no tenga el listón de confianza muy elevado. Juguetonamente, descifrará la historia solo o con un poco de ayuda, y gracias a las peripecias de los muy bien definidos personajes, leerá una historia que esconde un gran aliento y un sano espíritu de superación. Y es que por desgracia todos nos asustamos más de lo que deberíamos. Antes de dar un paso, empezamos algo, consideramos todos los pros y los contras, y acabamos imaginando escenarios catastróficos de lo que nos podría suceder. Basi también tiene miedo… por él mismo y por lo que le pudiera suceder a sus amigos.

Así que todos coincidiremos en que las situaciones de temor son algo que los adultos también enfrentamos con bastante frecuencia. Y quizás, y seguramente es algo que nos ocurre a más de uno, no seamos capaces de explicarlo o describirlo adecuadamente a los niños. Un cuento como este que nos ocupa adaptado a ellos seguro que nos puede resultar de gran ayuda. Un cuento de hadas con un animal humanizado como protagonista facilita, y de qué manera, la comprensión infantil. Lu Fraser no exagera un ápice en sus explicaciones adaptadas.

En lo que respecta al texto, comentar que es bastante extenso, aunque pese a ello se lee con mucha facilidad, y desde luego lo más precioso de la obra son las maravillosas ilustraciones firmadas por Sarah Warburton. Ese pequeño murciélago que tiene miedo a volar tiene una carita dulce. Todo es plano, con tonos muy azulados, y como la acción suele ocurrir de noche, crea una atmósfera muy particular. Que te guste o no este estilo de ilustración es cuestión de gustos, pero hay que reconocer que tiene su encanto.

En definitiva, un cuento muy recomendable que consigue que, en tan solo treinta y dos páginas que se hacen muy cortas, ser una ayuda pintiparada para padres y educadores en su ardua tarea de enseñar a los niños a trabajar con las emociones, las preocupaciones y las tristezas de la vida cotidiana. Un libro que vale la pena descubrir y luego recomendar.

Nota sobre la autora: A Lu Fraser le encantan los libros; le encanta su forma, su tacto e incluso su olor. Su primer libro ilustrado, titulado El yak más pequeño (ilustrado por Kate Hindley), ganó el Premio del Libro de los Oscar, el Premio al Mejor Libro Ilustrado de Sainsbury’s y el Premio al Libro Infantil del Año de Sainsbury’s. Mientras que su segundo libro, El vikingo al que le gustaba el glaseado (ilustrado por Mark McKinley), fue preseleccionado para el Premio al Libro Infantil Waterstones.

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Tengo que admitir que este título tan aparentemente alegre y desenfadado como Croquetas y wasaps me había engañado por completo: la imagen que me había formado en la cabeza, esa que siempre se forma cuando observas con anticipación un libro que estás a punto de empezar a leer, esa imagen, digo, fuera la que fuera, no tenía absolutamente nada que ver con la historia que me iba a encontrar realmente en este libro. Me ha descolocado por completo, pero ¡qué maravilla de descolocación!

Tras este alegre y desenfadado Croquetas y wasaps está la historia de Clara, o Luján, o Garza, o Moñaca, dependiendo de quién la llame; la historia de la garza que en un momento dado se convierte en un guepardo y de cómo precisamente por eso es importante «reciclar la pena» (qué idea tan hermosa). Porque tras este alegre y desenfadado Croquetas y wasaps lo que hay en realidad es una profunda reflexión sobre el duelo (bueno, más bien, sobre los duelos, tan variados y diferentes como las personas que los experimentan) y sobre todas esas cuestiones que trae consigo: ¿qué quedará de nosotros cuando ya no estemos? ¿Cuántas veces hay que decir adiós para decir realmente adiós? ¿Acaso es posible decir adiós definitivamente?

Leer a Begoña Oro es perderte en su prosa hipnótica, en su dominio de la palabra precisa, en sus ingeniosos juegos de palabras, en la verosimilitud de sus personajes, que consiguen que olvides la voz de la propia autora. Leer este alegre y desenfadado Croquetas y wasaps es además como un bálsamo, como recibir el calor ajeno con olor a mandarina sobre tu mano congelada, como descubrir en forma de fotografía un recuerdo que no sabías que tenías, es como volver a disfrutar de las croquetas de tu abuela, las mejores del universo sin exagerar.

Este Croquetas y wasaps puede que no sea un título alegre y desenfadado. Es mejor. Es una croqueta.

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