“Jamás, bajo ningún concepto, en modo alguno, de ninguna manera, se debe atravesar el páramo tenebroso”.

Después de esta advertencia a nadie se le ocurriría adentrarse en el páramo, ¿verdad? A nadie, puede ser, pero Tristrás el flautista ambulante está hecho de otra pasta. Es valeroso, aguerrido, tenaz, intrépido, osado… y tampoco es que se le dé bien captar las indirectas.

Tras un buen rato caminando ya hambriento, sediento y agotado, el pobre, se topó con un árbol. Un viejo fresno cuyas ramas parecían huesos que le fueran a atrapar con sus largos dedos. Uy, qué miedito da esto. Debía estar un poco angustiado porque no le quedó más remedio que sacar la flauta de la mochila y comenzar a tocar las primeras notas de una melodía. Tan ensimismado estaba en su música que no vio acercarse a un perro. ¡Vaya, pues no es un perro!

“Uy… Qué orejas, y qué ojos, y… ¡Hay que ver qué dientes tan afilados tienes! ¡Glup! Diría que más bien eres…, ejem…, ¿tres cuartas partes de lobo?”

Foto: Nórdica Libros

Tristrás se equivocaba. Lo que se le estaba acercando, peligrosamente, era una loba. Para deshacerse de ella se le ocurrió tratarla como a un perro y le lanzó la flauta para que fuera tras ella. La idea funcionó, aunque ambos acabaron en un lodazal. Ahora Tristrás tendrá que sacar de allí a la loba, que no parece muy ducha en esos menesteres.

¡¿Pero qué hace este hombre?!, pensaréis. Ya, ya, nadie salvaría a un animal que lo persigue con las peores intenciones —o eso suponemos—, y mucho menos si es una loba. Nadie lo haría, pero Tristrás es un romántico, una buena persona… y un poco tonto, tal vez. Si pensáis que rescatarla es una mala, malísima decisión, estáis muy equivocados. Hay cosas mucho, pero mucho peores. Tanto que la loba sale despavorida en cuanto se ve libre del barro que atenaza sus patas…

“El gigante llevaba un sombrero de ala ancha bien calado sobre los ojos. Iba embozado en una capa de lana de la que solo le asomaba la nariz. Tristrás calculó que, para cubrir a semejante gigantón, aquella capa debía ser del tamaño de las velas de un navío de ciento cuatro cañones”.

Foto: Nórdica Libros

Pero qué mala suerte la de este pobre flautista. Logra dejar atrás a un peligroso animal salvaje, y ahora se topa con un gigante que a saber qué intenciones tiene.

“—¡Ah! ¡Pero si sois un pastor! ¡Ja, ja, ja! Fiuu… No os lo creeréis, pero por un momento os creí un malvado ogro dispuesto a comerme. ¡Ja, ja, ja!”

Haría bien en no reírse tan alegremente, porque el objetivo del malvado ogro —¡que sí, que es un ogro!— es darle un bebedizo que lo convertirá en borrego. ¿Para qué demonios querría hacer algo así? Bueno, yo no soy especialista en gustos ogriles, pero seguro que tiene una explicación. Pues sí, la tiene. Dejará pasar unos días y después se lo comerá, como ya se ha comido a otros muchos que han osado adentrarse en el páramo misterioso. ¡Tenía que haber hecho caso a las advertencias!

Pero… no todo está perdido. Junto al ogro, y cuidando de la casa en la que vive con sus ovejas, hay una joven muy hermosa de nombre Belisa que parece una buena persona. Incluso le ha puesto un nombre a ese nuevo borrego de color rojizo —Tristrás, que no lo había dicho antes, es pelirrojo—, y aunque el nombre no le gusta mucho, ella desde luego sí.

“- Mmmm… Creo que te llamaré… ¡Chispín!
Chis… pin… ¿Chispín? ¡¿Cómo que Chispín?!”

Pero… ¿cómo va a comunicarse con ella si lo único que sale de su boca —perdón, de su hocico— son balidos? ¿Cómo va a protestar? ¿Quién le va a escuchar? ¡Esto es desesperante!

“—¡Baaaaaaaaah, baaaaaaaah baaaaaaaaaaah! —gritó el borrego, sofocado por el abrazo de Belisa.
Y Belisa le susurró al oído:
—Lo sé…
—¿Baaaaaaah?
—Sé quién eres…”

Foto: Nórdica Libros

Belisa va a resultar que no es quien parece ser, el ogro tampoco, existe una maldición muy antigua que debe romperse para que el páramo se convierta en el hermoso lugar que era, y hay que revertir el hechizo para que Tristrás deje de ser un borrego. Muuuuuuchas cosas. ¡Ah, se me olvidaba!: debe conseguir entender a la niebla, encontrar una puerta, coger antes una llave para poder abrirla, ¡claro!, y desafiar al ogro… ¡Uf!, casi os destripo el libro. ¿Os habéis enterado de algo? ¿No? Mucho mejor: así la lectura será más sorprendente.

Divertidísimo el libro de Ibán Barrenetxea. Es una gozada de lectura con la que las carcajadas están aseguradas, gracias al bueno de Tristrás, que es todo un personaje. ¡Por cierto!, hay un primer libro, Andanzas de un flautista llamado Tristrás, donde se le presenta de manera oficial. Habrá que leerlo también.

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La ilustradora italiana Alice Piaggio resume su estilo artístico en tres palabras: «Colorido, alocado, irónico». Sus ilustraciones, vibrantes y dinámicas, según se puede apreciar en sus obras publicadas, están llenas de cosas y, a veces, completamente carentes de sentido. Por ejemplo, un perro rosa ladrando a su propio trasero y una mujer oruga con tacones rojos. Tambaleándose sobre zapatos grandes y toscos y gesticulando expresivamente con sus extremidades desproporcionadas, los personajes de Alice irrumpen en nuestro campo visual con una energía lúdica y decidida.

Desde que se graduó en el ISIA de Urbino, Alice ha realizado numerosos encargos, además de seguir experimentando y desarrollando su estilo con trabajos ilustrativos personales. También es cofundadora de Pelo Magazine, una publicación semestral dirigida por un colectivo de 25 jóvenes ilustradores, que aborda temas como el sexo, las fobias y las noticias falsas con irreverencia e ironía.

Ahora nos llega de la mano de Zahorí Books su último trabajo, titulado Se necesita monstruo, un divertidísimo libro destinado a los más pequeños en el que un buen número de criaturas monstruosas acuden a la oficina de trabajo con el objetivo de ganarse el pan. Cada monstruo es distinto y tiene habilidades especiales: el fantasma lavandero; el Yeti heladero; la bruja mensajera… a lo largo de la obra se le asigna un oficio a cada personaje espectral a doble página.

En una de las páginas se nos indica lo mejor y lo peor de tener a este “trabajador” contratado. Por poner un ejemplo, lo mejor de tener a un fantasma en una lavandería es que las manchas desaparecen como por arte de magia; lo peor: que, como es invisible, cuesta encontrarle para darle las gracias. Además, también se nos indican las herramientas que utiliza y se nos explica de manera harto detallada en qué consiste su trabajo. No nos resistimos a poner otro ejemplo: el Minotauro modisto utiliza cinta métrica para tallas extragrandes y te hará descuentos monstruosos todos los días del año.

El libro concluye con dos estupendas páginas dedicadas al que se considera empleado del siglo, donde se nos detalla de manera concienzuda la biografía de todos los monstruos que acuden a la oficina de empleo en busca de trabajo. Y no solo eso, antes de acabar su lectura nos aguarda una muy grata sorpresa en forma de juego interactivo: se trata de asignar cada objeto perdido que aparece con cada uno de los diferentes protagonistas que se nos han ido presentando a lo largo y ancho de la historia. ¡A jugar se ha dicho!

Para aquellos que no conozcan el trabajo previo de esta original ilustradora, decirles que las influencias de Alice son Beatrice Alemagna, Květa Pacovská y Olimpia Zagnoli. Además de ilustradores, Alice también se inspira en Pablo Picasso, Hieronymus Bosch (El Bosco), M. C. Escher, Salvador Dalí y Henri Rousseau, a quienes describe como «locos y visionarios». Sus variadas y diversas referencias visuales nutren su práctica a la hora de componer y crear sus obras. Como ella misma afirma: «Me gusta experimentar con diferentes técnicas: acrílico, digital, acuarelas Ecoline, lápices y collage».

Con su característica vitalidad, atrevidas paletas de colores y una encantadora ingenuidad de estilo, las obras capturan a la perfección la atmósfera festiva y eufórica del descacharrante universo que se nos presenta ante nuestros asombrados ojos. El estilo singular de Alice es inmediatamente reconocible: manos y pies desproporcionados, trazos que recuerdan a los lápices de colores y sutiles toques surrealistas. Nunca habrás visto monstruos tan chulos como estos.

Para finalizar, apuntamos algunos datos curiosos sobre el proceso creativo de la autora: abarca tanto técnicas digitales como analógicas. Primero dibuja algunos bocetos y elige una paleta de colores brillantes. Suele crear las ilustraciones por partes y luego las combina con Photoshop. Para ella, la ilustración también implica sumergirse en el mundo que la rodea y observarlo. “Me gusta viajar”, dice, “y a menudo me surge una idea durante el viaje. Por eso llevo una libreta en el coche, para poder dibujar una idea antes de que se me escape”.

Nos fascinan las figuras enérgicas, contundentes y poderosas de Alice, y estamos deseando ver más.

Nota sobre la autora: Alice Piaggio nació en Génova (Italia) y se graduó en Diseño Gráfico e Ilustración en el ISIA de Urbino. Trabaja junto a 25 jóvenes ilustradores en el equipo editorial de la revista PELO. Vive en Suiza, rodeada de montañas nevadas, prados verdes y bosques de castaños. En 2019, ganó el premio Illustri en la categoría de Revistas y Periódicos. En 2021, fue seleccionada por la Feria del Libro Infantil de Bolonia como uno de los 20 jóvenes ilustradores italianos más prometedores y participó a su vez en la exposición “Eccellenze Italiane – The New Generation of Italian Children’s Illustrators”. Este año fue seleccionada para la Exposición de Ilustradores de la Feria del Libro Infantil de Bolonia. Actualmente colabora con revistas y editoriales tanto italianas como internacionales.

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¿Cuántas personas y procesos hacen falta para que un pequeño libro llegue a las manos de un lector? En la última página de Libros se detalla con mucha originalidad este ciclo en una página de créditos muy original: desde quien concibió las palabras y quien trazó los dibujos, hasta la imprenta, el fabricante de papel, la librera y la persona que sostiene el libro. El mimo por el formato papel sintetiza el espíritu de estas dos obras creadas en los años 60 y reunidas ahora en una edición conjunta.

Publicados originalmente en Estados Unidos como Books! (1963) y Writing (1964), estos dos volúmenes supusieron un gran ejercicio de diseño visual y tipográfico. En España no es la primera vez que aparecen: Libros vio la luz en 2013 en la editorial Gustavo Gili, y Escribir fue publicado suelto por Libros del Zorro Rojo en 2016. La presente edición de 2026 llega con forma de estuche compuesto por los dos libros en encuadernación rústica con solapas.

Murray McCain, editor y escritor estadounidense, planteó ambos textos como experiencias lúdicas en torno a temas informativos. En Libros, McCain analiza qué es un libro desde su anatomía más elemental: letras que forman palabras, palabras que construyen frases y frases que forman historias de todos los tamaños, formas y colores. En Escribir, el enfoque se centra en el proceso creativo, invitando al lector a perder el miedo a la hoja en blanco y a comprender que escribir es, ante todo, una manera de organizar el propio pensamiento, expresar emociones y jugar con el lenguaje.

John Alcorn – Evolution by Design

La parte gráfica que dota de una personalidad única a este proyecto es de John Alcorn (1935-1992), nombre imprescindible del diseño gráfico norteamericano que formó parte del conocido estudio Push Pin Studios junto a Milton Glaser y Seymour Chwast, además de colaborar con marcas como CBS o diseñar títulos de crédito para películas de Fellini. Como señala su hijo Stephen Alcorn en la introducción de Escribir, su padre trabajaba con la precisión de un grabador, cuidando la composición manual de cada letra, el ajuste entre caracteres y la armonía cromática mediante una paleta reducida de tintas planas.

El estilo narrativo del texto de McCain es ingenioso, rápido, lleno de humor. Con frases breves, repeticiones y preguntas dirigidas al lector, el texto huye de la seriedad y se sitúa en la complicidad. La protagonista de ambos libros es la palabra, leída y escrita, representada con multitud de tipografías que cambian de familia, tamaño, forma, inclinación, según la intencionalidad del mensaje.

Alcorn fusiona tipografía e ilustración en cada página. Las letras se transforman en objetos y los bloques de texto forman dibujos sobre el papel. El dibujo a tinta y el uso de amarillos, magentas y rojos, recuerda al pop art y al resurgimiento del diseño victoriano de los años sesenta, con esa suntuosidad, elaboración y psicodelia.

Un rescate editorial que aporta una mirada fresca sobre el libro como soporte físico y sobre el acto de escribir como ejercicio de libertad. Un recordatorio de que la lectura es un espacio divertido y emocionante de juego, exploración y descubrimiento. En un momento como actual, donde hay una creciente reflexión sobre comprensión lectora y el impacto de la tecnología en nuestra juventud, merece la pena rescatar libros como estos, donde se reivindica el acto primigenio de escribir y leer, y que nos remiten a otros grandes creadores y diseñadores como Bruno Munari, Enzo Mari o Paul Rand.

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© Editorial Kalandraka

El Ministerio de Cultura ha concedido al libro Divertimentos: juegos poéticos, publicado por Kalandraka dentro de su colección de Poesía Ilustrada, el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil correspondiente al año 2026. El galardón, dotado con un premio de 30.000 euros, reconoce a sus creadores, el escritor Antonio Rubio y la ilustradora Carmen Queralt.

El Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil lo concede con carácter anual el Ministerio de Cultura con el fin de reconocer una obra realizada por creadores españoles, escrita en cualquiera de los idiomas oficiales del Estado y publicada por primera vez en el año anterior a la convocatoria. Rubio y Queralt toman el relevo de la escritora Leire Bilbao, galardonada en la edición anterior.

El jurado del premio eligió este título por “la brillantez con la que despliega un deslumbrante muestrario poético que transforma la palabra en un espacio de juego, descubrimiento y experimentación”. Divertimentos, un álbum para lectores a partir de seis años, recorre un amplio abanico de estructuras métricas y recursos compositivos que abarcan desde construcciones clásicas —como coplas tradicionales, haikus y romancillos— hasta propuestas más vanguardistas como los caligramas y los poemas visuales, pasando por limericks, trabalenguas, palíndromos y versos de rima partida. Asimismo, hace uso de figuras basadas en el ritmo fónico e ingenios lingüísticos como metátesis, jitanjáforas o cuentos estructurados con naipes.

En la justificación del fallo, el jurado recalcó también que “cada composición es un desafío ingenioso para el oído y la imaginación que celebra la creatividad verbal, la musicalidad y el humor. Un universo que se completa y enriquece con las hermosas ilustraciones de Carmen Queralt”.

Las temáticas que trata esta obra giran en torno al universo cotidiano e imaginativo de la infancia, abordando aspectos como el abecedario, los números, las estaciones o la naturaleza a través de diversas personas y animales. Respecto a la parte gráfica, los miembros del jurado destacaron de la labor plástica de Carmen Queralt que “su técnica aporta dinamismo a una variopinta comparsa de animales, vegetales y seres fantásticos que potencian la dimensión lúdica y multiplican las resonancias de cada verso”. En este trabajo, la ilustradora emplea su característica técnica de collage de tonalidades intensas y trazados sencillos.

El fallo concluye valorando la mirada del escritor toledano hacia el lector infantil, señalando que “con su capacidad personal de mirar el mundo con un espíritu siempre nuevo, Antonio Rubio logra una comunión perfecta con el lector más joven porque él, como ellos, es un niño entre niños”.

Sobre los ganadores

Antonio Rubio (El Puente del Arzobispo, Toledo, 1953) ha ejercido la docencia como maestro durante cuatro décadas, compaginando la enseñanza con la escritura y la dinamización de bibliotecas escolares. Además de dirigir colecciones poéticas en distintos sellos editoriales, cuenta con una extensa producción en el catálogo de Kalandraka, donde destaca como creador de la célebre serie De la cuna a la luna o recopilaciones como Puer poeticus, Las alas del AVEcedario y Juego de letras.

Por su parte, Carmen Queralt (Madrid, 1952) se formó en la Escuela BAT en la disciplina de dibujo clásico e inició su andadura en la ilustración de libros infantiles en la década de los noventa. Su firma ha aparecido en diversos sellos y publicaciones periódicas especializadas como la revista Cavall Fort.

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La lista de este año incluye una selección de 216 libros infantiles y juveniles procedentes de 62 países y territorios, publicados en 46 idiomas. El trabajo ha sido realizado por unos veinte expertos, entre personal de la biblioteca en Múnich y asesores externos. Los títulos elegidos destacan por la relevancia universal de sus temas, sus cualidades literarias y visuales, o por sus enfoques e innovaciones en el diseño.

Como es habitual, el catálogo en PDF se publica justo antes de la Feria del Libro de Fráncfort (7-11 de octubre). Además, las reseñas, datos bibliográficos y portadas están disponibles en su base de datos en línea y se difundirán en su cuenta de Instagram. Los libros recomendados también se expondrán físicamente en la próxima Feria del Libro Infantil de Bolonia.

La cubierta de este año es obra de la artista croata Vendi Vernić, inspirada en una biblioteca imaginaria.

A continuación, recogemos aquellas obras publicadas originalmente en España e Hispanoamérica, incluyendo la traducción parcial de las valoraciones realizadas por los expertos:

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Título: Mila y el pedrolo del espacio exterior
Autor: Fran Collado
Ilustradora: Bea Tormo
Editorial: Anaya Infantil y Juvenil, 2024
Edad recomendada: A partir de 10 años

Los libros con mapas y los que comienzan con la caída de un meteorito reúnen muchas papeletas para ser interesantes. Mila y el pedrolo del espacio exterior tiene ambos ingredientes, y además es una disparatada aventura de ciencia ficción, humor y amistad en lugares aparentemente tranquilos que luego resultan ser extraordinarios.

Publicada por Anaya en 2024, esta novela supone el debut del ilustrador Fran Collado como autor de literatura infantil, después de una larga trayectoria vinculada al dibujo. Esa experiencia gráfica se nota en la escritura: las escenas tienen una gran fuerza visual, los personajes resultan inmediatamente reconocibles y muchas situaciones poseen un ritmo cinematográfico.

La protagonista es Mila, una niña recién llegada a un pequeño pueblo, que contempla el mundo con una mezcla de lógica muy personal, curiosidad desbordante y seguridad en sí misma. Nada más instalarse, conoce a Lucas, un chico aficionado a la lectura con mucha imaginación que se ha convertido en objetivo de los abusones locales.

Cuando ambos observan la caída de un meteorito en las afueras del pueblo, deciden acercarse a investigar. Allí descubren algo aún más extraño que una roca llegada del espacio: un perro callejero que, tras el impacto, ha adquirido la capacidad de hablar y pensar. A partir de ese momento, la historia se transforma en una carrera contrarreloj para proteger a Batman, el perro parlante, de una misteriosa organización empeñada en capturarlo.

Aunque el argumento podría resumirse como una aventura de ciencia ficción y humor, el verdadero atractivo del libro reside en cómo está contado. Fran Collado utiliza una voz narrativa repleta de observaciones absurdas, comparaciones inesperadas y comentarios que descolocan constantemente. El humor no aparece únicamente en los diálogos; forma parte de la propia narración. Las descripciones, las digresiones y hasta las explicaciones de temas astronómicos tienen ese tono chispeante que convierte la lectura en una experiencia adictiva.

El ritmo es uno de los puntos fuertes de la novela. Cada capítulo introduce un nuevo problema, una nueva ocurrencia o un nuevo personaje extravagante. Sin embargo, no hay sensación de arbitrariedad o caos, porque todo gira alrededor de una idea central: la importancia que tiene conectar con quienes aceptan nuestras rarezas. Bajo la apariencia de una aventura descabellada, el libro habla de pertenencia, amistad y autoestima.

Mila es un personaje muy conseguido. Su rechazo a su propio nombre, tratado desde el humor, funciona como una metáfora de la búsqueda de identidad. Es una niña inteligente, valiente y de verbo ágil, capaz de enfrentarse a un matón o de discutir con un agente secreto sin perder la compostura. A su lado, Lucas representa otro tipo de fortaleza. Es sensible e imaginativo, cualidades que lo convierten en objetivo de los abusones. La amistad entre ambos resulta creíble porque nace de la complicidad entre dos personas que se ven diferentes a los demás.

Mención aparte merece Batman, el perro callejero y desaliñado que se convierte en uno de los motores cómicos y emocionales de la historia. Sus reflexiones tienen una lógica perruna muy particular combinada con preguntas muy profundas sobre identidad y libertad. Es un personaje muy divertido pero también entrañable. Y luego hay secundarios también muy destacados: la excéntrica Cloris, obsesionada con los ovnis, el camarero astrofísico Rémulo o los agentes de gabardina que ejercen de villanos.

Otro aspecto interesante es la manera en que la novela aborda cuestiones como el acoso escolar, que aunque aparece desde las primeras páginas, no es el eje principal del libro ni cae en discursos simplones. También aparecen temas como el miedo a la diferencia, la autoridad mal entendida o la tendencia humana a desconfiar de todo aquello que no se comprende.

Las ilustraciones de Bea Tormo, como no podía ser de otro modo, casan perfectamente con el texto. Su estilo tan enérgico, caricaturesco y expresivo termina de definir la personalidad de los personajes y el humor de la narración. Son esenciales para crear los gags visuales, caracterizar a los protagonistas y generar la personalidad gráfica del libro tan reconocible.

No podemos dejar de mencionar el anexo con “extras” incluido al final del libro. A través de un supuesto diario de Cloris –la vecina que podría ser perfectamente un personaje de Expediente X debido a su obsesión con los ovnis, los fenómenos astronómicos y todo aquello que pueda tener un origen extraterrestre–, el libro incorpora información sobre cometas, eclipses, orientación mediante las estrellas, auroras boreales o el cinturón de Kuiper. Estas páginas, a pesar de tener contenido divulgativo, poseen el mismo toque de humor que la novela y seguro que despiertan la curiosidad científica de muchos lectores.

En definitiva, Mila y el pedrolo del espacio exterior es una gran combinación de aventura, ciencia ficción, comedia y temas profundos. Recuerda a relatos clásicos de pandillas enfrentadas a misterios extraordinarios, pero con esa voz humorística tan personal y una mirada contemporánea sobre la amistad y la diferencia. Fran Collado ha conseguido una primera novela inteligente, sólida, divertida y llena de imaginación y grandes personajes.

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Un día de julio de 1874, mientras paseaba por la campiña en las afueras de Guildford, Charles Lutwidge Dodgson —al que todos conocemos por el seudónimo de Lewis Carroll— fue asaltado por un verso que le vino a la cabeza: «Porque el Snark era un Boojum, verás» (traducido en esta edición como «pues resultó que un Búyum era aquel Snark»). Con este verso final nació La caza del snark (The Hunting of the Snark), el poema épico-burlesco publicado en 1876. Un siglo y medio después de aquella primera edición, la editorial Folioscopio conmemora su sesquicentenario con una cuidada edición de lujo bilingüe que reproduce en formato facsímil el diseño original. Un precioso libro objeto con cubierta gofrada, golpe seco y elegantes acabados en estampado dorado.

La génesis de esta obra encaja perfectamente con la lógica “carrolliana”, pues invierte el orden natural de composición de un poema (por el primer verso, generalmente). Al hacerlo desde la última estrofa, Carroll recurrió al mismo procedimiento de «vivir al revés» que aplicó en A través del espejo, donde la Reina Blanca grita antes de pincharse o el Mensajero del Rey es encarcelado antes de cometer el delito. Este mecanismo —que fue el que dio origen a su propio seudónimo mediante una doble traducción al latín y de nuevo al inglés (Charles > Carolus > Carroll; Lutwidge > Ludovicus > Lewis)—  sedujo al surrealismo (Louis Aragon fue su primer traductor al francés en 1929) y al grupo Oulipo, que consagró a Carroll como un ilustre «plagiario por anticipación».

La historia de La caza del Snark arranca con el desembarco de una tripulación pintoresca en una isla remota. Son diez miembros —el capitán, ocho hombres y un castor— cuyas profesiones u ocupaciones en inglés comienzan por la letra B, pero en la traducción española López Guix ha decidido con buen criterio utilizar apodos relacionados para mantener ese juego: Badajero, Botas, Bonetes, Bufete, Balanza, Billarista, Banquero, Befre, Bizcocho y Babilla. Cuando en su momento preguntaron a Dodgson por la razón de esta omnipresente «B», su respuesta fue «¿Y por qué no?», emulando la respuesta que le dio la Liebre de Marzo a Alicia. El libro incluye, en la parte de anexos, un glosario de personajes con el dibujo de Holiday, el nombre en inglés y español, y una breve descripción.

Unidos por una búsqueda tan poco concreta, los marineros se lanzan tras la pista de la criatura con una carta náutica en blanco (Ocean-Chart) y con indicaciones incongruentes en el margen. Este viaje ha sido definido como «el viaje imposible de una tripulación improbable en pos de una criatura inconcebible». Sin embargo, la expedición oculta un peligro latente: aunque la mayoría de los Snarks son inofensivos, algunos pertenecen a la temible variedad de los Búyum (Boojum). Si alguien se topa con un Búyum, la consecuencia no es la muerte convencional, sino una desaparición suave, repentina y absoluta de la existencia, sin dejar rastro alguno («blandamente te esfumarás para no volver a aparecer»).

Con esta premisa, Carroll desplegó su maestría en el nonsense, estructurando el poema en ocho episodios o «espasmos» (fits, un juego de palabras que combina distintos significados, desde la sección de un poema a un ataque convulsivo). El ritmo de las 141 estrofas de cuatro versos, marcado por una métrica rigurosa de balada tradicional, contrasta con la disparatada lógica interna. En su prólogo, el propio Carroll parodia la lógica al explicar cómo el barco navegaba marcha atrás porque Badajero desmontaba el bauprés para barnizarlo y luego lo ataban sobre el timón, impidiendo al timonel protestar por una restrictiva norma del reglamento marítimo.

El relato ha tenido múltiples lecturas e interpretaciones. En vida de Carroll, los lectores vieron referencias a acontecimientos contemporáneos de gran repercusión social. Por un lado, se leyó como una sátira del «caso Tichborne», un célebre juicio por suplantación de identidad donde un carnicero de Australia afirmó ser un rico heredero noble fallecido en un naufragio; por otro, como una parodia de la fallida expedición ártica del capitán Georges Nares en 1875, que partió vitoreada por la multitud para conquistar el Polo Norte y regresó derrotada por el hielo.

Sin embargo, otras lecturas conectan el poema con la angustia existencial y la tragedia personal del autor. La mañana de julio en que nació el poema, Dodgson no disfrutaba de un mero paseo relajante: había pasado la noche velando a su ahijado de 22 años, Charlie Wilcox, quien agonizaba consumido por la tuberculosis. A esta pérdida se sumó la repentina muerte de su tío Skeffington Lutwidge, inspector de manicomios, tras ser agredido en la cabeza por un interno.

© Folioscopio

Por ello, especialistas como Martin Gardner han visto en el Snark una reflexión sobre la nada y el pavor a la aniquilación del ser. Otros, como Edward Guiliano, señalan que el humor de la obra es la única válvula de escape frente al horror metafísico de desaparecer. El propio Carroll esquivó siempre las explicaciones sesudas y afirmó en varias cartas que no sabía qué significaba el poema, aunque admitió que la interpretación que más le agradaba era la de una señora que definió el libro como «una alegoría de la búsqueda de la felicidad».

Traducir una obra fundamentada en el juego de palabras, el ritmo anapéstico, la asociación fónica y la métrica de balada exige una destreza extraordinaria. Juan Gabriel López Guix, traductor de acreditada solvencia que ya había acometido las dos entregas de Alicia, asume el reto de trasladar el verso carrolliano al castellano, y logra conservar la rima consonante, la agilidad cómica y las consonancias internas del original.

Un logro notable de esta versión es la conservación del acróstico vertical contenido en la dedicatoria inicial a Gertrude Chataway, una niña que Carroll conoció durante unas vacaciones en la isla de Wight en 1875 y a quien retrató vestida de marinero (dibujo incluido también en esta edición). Las letras iniciales de los versos de la dedicatoria forman el nombre completo de la niña, una filigrana poética que muy pocas traducciones al castellano han conseguido reproducir con éxito. El trabajo de López Guix se complementa con una minuciosa introducción histórica, las biografías de autor, ilustrador y traductor y un exhaustivo catálogo de las ediciones de la obra publicadas en castellano, catalán, gallego y euskera, detallando las bibliotecas públicas donde se encuentran depositadas.

En cuanto a las ilustraciones, tras el agotamiento de John Tenniel —quien rechazó ilustrar más libros tras finalizar A través del espejo—, Carroll reclutó al pintor prerrafaelita Henry Holiday. Conocido por su célebre cuadro Dante y Beatriz (1883), Holiday creó un conjunto de nueve grabados interiores de atmósfera inquietante que complementan a la perfección el texto. Como curiosidad, Carroll rechazó una ilustración que Holiday había preparado para mostrar al Snark, argumentando que la bestia debía permanecer estrictamente inimaginable para el lector. No obstante, esta edición de Folioscopio incluye un guiño conmemorativo en el colofón con este dibujo vetado del Snark. Y, además, un anexo que cuenta el proceso de trabajo y reproduce bocetos de las ilustraciones y estudios de personajes.

Para completar esta estupenda edición, se incluye la parodia filosófica “Un comentario al Snark”, firmado por Snarkophilus Snobbs. Detrás de este nombre se hallaba en realidad el filósofo inglés Ferdinand Canning Scott Schiller, quien en 1901 publicó en la revista Mind! esta sátira contra los idealistas neohegelianos británicos, comparando célebremente la búsqueda del «Absoluto» filosófico con la absurda cacería del Snark y adjuntando una lámina en blanco como «retrato auténtico del Absoluto».

En definitiva, una gran edición de La caza del Snark que destaca por devolver al lector el objeto físico en todo su esplendor artesanal. Un tributo a un clásico inmortal que ofrece a seguidores de Carroll, bibliófilos y amantes del lenguaje una obra de referencia tan bella en la forma como impecable por su contenido.

© Folioscopio

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Título: Dan Diésel. El misterio del artefacto C
Autor: César Mallorquí
Ilustrador: Pablo Broseta
Editorial: SM, 2021
Edad recomendada: A partir de 10 años

Escribir para público infantil obliga a enfrentarse a un lector con una sensibilidad diferente. César Mallorquí ya había experimentado esa dificultad dos décadas atrás al redactar El hombre de arena por petición de su hijo. Tras corregir aquel texto catorce veces, decidió alejarse del género infantil hasta que una conversación con el editor Gabriel Brandariz (SM) desencadenó la creación de esta saga. Brandariz le sugirió crear una novela steampunk para el público infantil, y Mallorquí comprendió que su error pasado fue intentar adaptarse a la literatura infantil tradicional, en lugar de atraer el género hacia su propio terreno.

Descartado el siglo XIX por saturación, Mallorquí derivó la propuesta hacia el diéselpunk, una corriente retrofuturista enmarcada entre el final de la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial. Este escenario tiene relación con las publicaciones pulp de los años treinta, una narrativa fascinante en sus planteamientos pero marcada por tramas repetitivas fruto de la rapidez con la que se escribían. Frente a la ingenuidad de personajes como Doc Savage o La Sombra, César Mallorquí buscó aplicar la fórmula cinematográfica de Indiana Jones: rescatar la imaginería desbordante del folletín popular con un ritmo moderno, ironía y un buen guion.

Así nació en 2021 Dan Diésel. El misterio del artefacto C, primer volumen de una tetralogía que combina la prosa de Mallorquí con el trabajo visual del ilustrador Pablo Broseta. La premisa sitúa a Daniel Álvarez, un niño aragonés de doce años, en el funeral de su padre dentro de un modesto pueblo oscense en abril de 1932. La llegada de Carmen Fortuna, secretaria de su desconocido tío Marc, altera el destino del niño al trasladarlo a una mansión a las afueras de Madrid.

La rutina salta por los aires tras el ataque de un autómata gigante que el tío Marc neutraliza con armamento futurista. Ese acontecimiento revela la verdadera identidad familiar: no se apellidan Álvarez sino Diésel, y su verdadero hogar no es la Tierra ordinaria sino Terra Prima, una dimensión paralela a la que acceden a través de un portal interdimensional. En ese universo conviven aeronaves, vigilantes enmascarados, mochilas-cohete, dinosaurios y sociedades secretas como Sentinel, a la que pertenecía el padre fallecido del protagonista.

La trama avanza impulsada por el misterio en torno al asesinato de su progenitor y la amenaza de un villano empeñado en secuestrar a Daniel para apoderarse del Artefacto C. Mientras intenta comprender las peculiaridades de Terra Prima, Dani descubre que su linaje posee habilidades sobrehumanas y que él mismo ha comenzado a levitar inesperadamente durante el sueño.

Mallorquí imprime a la narración un gran ritmo mediante capítulos breves, cliffhangers y diálogos con chispa. El narrador mantiene un tono directo que no es condescendiente con el lector infantil, y que combina la intriga del folletín con una capa de ironía más dirigida a lectores adultos. Los personajes secundarios, como la joven Gabriela Cruz, aportan un contrapunto a las escenas de acción.

En el aspecto gráfico, el enfoque de Pablo Broseta es muy acertado. Sus ilustraciones a color capturan la estética retrofuturista con logotipos, cabeceras tipográficas y dobles páginas estructuradas como viñetas de historieta. Además, la edición incorpora en cada libro ocho páginas de formato cómic que acentúan ese homenaje a la narrativa gráfica clásica.

Dan Diésel apuesta por el sentido de la maravilla, la aventura espacial y la exploración de mundos paralelos. La historia se extiende a lo largo de otras tres entregas donde el arco argumental se despliega: la tetralogía continúa con El poder de Khan, La máscara púrpura y finaliza con El enigma de otro mundo.

César Mallorquí demuestra con Dan Diésel que un autor tradicionalmente juvenil puede abordar la literatura infantil sin renunciar a su estilo personal. Una gran lectura para quienes buscan acción, humor y una ambientación retrofuturista ejecutada con la calidad incuestionable de un escritor excepcional.

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Título: Heartstopper (serie de seis libros)
Autora: Alice Oseman
Traductora: Victoria Simó Perales
Editorial: Crossbooks, 2026
Edad recomendada: a partir de 14 años

Quizá soy un poco desconfiada, pero cuando algo se convierte en un fenómeno de masas casi de la noche a la mañana… hmm… me tira para atrás. Empieza a aparecer por todos sitios, todo el mundo habla de ello, lo ve, lo lee, lo sigue… y a mí, sencillamente, me satura. Al final, acabo cansándome de ello antes de empezar: me pasó con El señor de los anillos, con Harry Potter… y, normalmente, transcurre bastante tiempo hasta que por fin me decido a averiguar por mí misma, sin influencia externa, el porqué de tanto alboroto.

Sin embargo, con Heartstopper, que de repente estaba hasta en la sopa, no me ocurrió esto, más bien lo contrario, me despertó una enorme curiosidad.

Heartstopper, creada e ilustrada por Alice Oseman, es la historia de amor adolescente entre Nick y Charlie y se desarrolla a lo largo de seis volúmenes: Dos chicos juntos, Mi persona favorita, Un paso adelante, Más que palabras, Creciendo contigo y, el más reciente, publicado en español hace apenas unas semanas, Entrelazados, que pone el cierre a la serie, como la propia autora había anticipado en el penúltimo volumen.

Heartstopper nació como un webcomic en Tumblr en 2016 antes de convertirse en novela gráfica y de ahí, el empujón definitivo, cuando en 2022 Netflix las adaptó a serie. El último volumen de la colección, sin embargo, se ha convertido en película, Heartstopper para siempre, y se ha estrenado también hace unas semanas coincidiendo con la publicación de la última novela.

Reconozco que yo empecé por la serie y creo que nunca antes me había encontrado con una historia que, nacida en papel, tuviera una adaptación tan buena que me resultara imposible elegir qué formato me gusta más. De hecho, cuanto más veo la serie, más releo los libros y viceversa; una me lleva a los otros y al revés, de forma constante; incluso acabé leyendo otras novelas de Oseman (las que no tienen que ver con el universo Heartstopper). Al final, fue todo un tsunami de lecturas.

Y cuanto más veo la serie, más me convenzo de que es posiblemente la mejor adaptación literaria a plataforma que se haya hecho en los últimos tiempos. Cuando veo la habitación de Charlie, por ejemplo, me da la sensación de que los dibujos de Oseman se han escapado de la página y han cogido color para transformarse en tres dimensiones, el paralelismo es asombroso; el sueño de cualquier lector: que su libro favorito cobre vida. Eso es exactamente lo que se siente al ver la serie, y no solo por los decorados: la historia, los personajes, las emociones… todo está traducido a imagen en movimiento con una fidelidad maravillosa.

Quizá sea determinante el hecho de que la propia autora participe en el guion y la producción de la serie, pero no puede ser el único motivo porque, de hecho, hay muchos otros ejemplos de adaptaciones de libros a la gran o pequeña pantalla en las que la intervención de sus autores no ha sido en absoluto garantía de fidelidad a la historia en papel. Sin embargo, Heartstopper cobra vida realmente y resulta emocionante, como si la historia que se forma en nuestra cabeza cuando la leemos se estuviese proyectando en la tele.

Heartstopper habla de autodescubrimiento, con sus luces y sus sombras, y creo que por eso es una historia tan valiosa. Por eso, y porque rebosa ternura, la ternura del primer amor, la ternura del descubrimiento propio y ajeno, la ternura de unos padres que solo quieren que su hijo sea feliz, pero también, y quizá sea lo que más me conmueve de toda la historia, la ternura de los verdaderos amigos, de esos que te apoyan en los momentos difíciles, te celebran en los momentos felices y te empujan en los momentos de flaqueza. Este grupo de amigos tan variado y leal es para mí el alma de Heartstopper.

Sin duda alguna, la historia de amor de Nick y Charlie, y todas las historias paralelas que la rodean y la sostienen, es una reivindicación a gritos; es un alegato de esperanza ante las dificultades, de optimismo testarudo; es un ensalzamiento de la fuerza de los frágiles (o la fragilidad de los fuertes) y, sobre todo, un elogio de la amistad, de los amigos a los que les ha unido una red irrompible de amor que «han construido y les ha construido».

Y siendo una historia de amor (o varias), ¿cómo puede ser que no caiga en la cursilería y la frivolidad? Pues sencillo, porque rebosa honestidad. Porque no se centra en el romanticismo a pesar de ser una serie romántica, no son todo corazoncitos y estrellitas, también hay sombras, muchas, hay homofobia, acoso, problemas de salud mental, problemas familiares… y, también, las dudas e incertidumbres propias de esta época tan importante como es la adolescencia.

Después de haberme sumergido de lleno (varias veces) entre las páginas y las imágenes de esta serie, solo puedo confirmar que fue todo un descubrimiento. Por primera vez, he comprendido que todo el mundo hable de ello. De hecho, espero que no se deje de hablar nunca de Heartstopper, me parece absolutamente necesario.

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Título: Animalotes 1 y 2. El comienzo / Misión implumable (edición especial a color)
Autor e ilustrador: Aaron Blabey
Traductor: Jaime Valero
Editorial: Anaya Infantil y Juvenil, 2026
Edad recomendada: A partir de 8 años

¿Es posible escapar de los corsés impuestos por la naturaleza y la sociedad que te etiquetan siempre como el malo de la película? Esta premisa es el punto de partida para la irreverente obra del australiano Aaron Blabey. Publicada originalmente en Australia por la editorial Scholastic bajo el título The Bad Guys en 2015, esta serie irrumpió en el mercado español en 2017 de la mano de Anaya Infantil y Juvenil bajo el ingenioso nombre de Animalotes, diferenciándose de la versión latina, en la cual Scholastic conservó la traducción literal Los tipos malos.

La trayectoria de Aaron Blabey se caracteriza por la comedia visual y el absurdo. Conocido por álbumes ilustrados de gran éxito como Telma, el unicornio, la divertida serie Coco el perro (Pig the Pug), Gata a la fuga (Cat on the run), o álbumes entrañables como Necesito un abrazo y desternillantes como Las pirañas no comen bananas, Blabey demuestra en Animalotes una gran habilidad para conectar con el humor de los lectores infantiles.

Este volumen especial con ilustraciones a color y cantos tintados rompe con la sobriedad de los episodios clásicos, e incluye los dos primeros: El comienzo y Misión implumable. La colección original, estructurada en veinte entregas en blanco y negro (en España aparecieron en 10 volúmenes con dos episodios cada uno), recibe aquí una cuidada remasterización a todo color. Esta actualización potencia la expresividad del dibujo sin alterar la esencia gamberra que impulsó a la serie a convertirse en un éxito de ventas en todo el mundo, además de inspirar las diferentes adaptaciones cinematográficas y series producidas por DreamWorks que se pueden ver en plataformas de VOD.

La premisa de esta serie arranca con la iniciativa del Sr. Lobo, un depredador incomprendido cansado de infundir pavor. Decidido a limpiar la reputación de su grupo de delincuentes (formado por un elenco de criaturas tradicionalmente malvadas con nombres tan “tarantinianos” como Sr. Serpiente, Sr. Piraña y Sr. Tiburón), su objetivo es constituir “El Club de los Chicos Buenos” y ejecutar actos heroicos y altruistas. El primer episodio narra los torpes y desastrosos intentos de la banda por rescatar a un gatito atrapado en un árbol. En el segundo episodio, Misión implumable, el grupo escala la complejidad de sus operaciones e intenta liberar a diez mil gallinas confinadas en una granja avícola de alta seguridad.

El estilo narrativo de Blabey destaca por un lenguaje muy cinematográfico, como si las viñetas fueran un storyboard. No hay cartelas narrativas, todo se basa en la secuenciación rápida, el uso de la tipografía para destacar palabras y onomatopeyas, y una ruptura constante de la “cuarta pared”. Las intervenciones de los personajes, siempre rápidas e irónicas, generan un ritmo ágil que resulta especialmente atractivo tanto para lectores consolidados como para aquellos que se muestran reacios a la lectura de libros más tradicionales.

El diseño de personajes es el verdadero motor de la obra. Blabey no intenta edulcorar a los temidos protagonistas: mantienen su aspecto imponente, sus dientes afilados y sus impulsos primarios. El conflicto cómico reside precisamente en la fricción entre su temible apariencia e instinto natural y sus desastrosos esfuerzos por actuar con bondad. El Sr. Lobo es el líder optimista y dramático; el Sr. Serpiente encarna el cinismo imprudente; el Sr. Tiburón aporta el humor absurdo gracias a su maestría para el disfraz inverosímil; y el Sr. Piraña añade un toque de impredecible volatilidad. Piernecitas, que aparece en el episodio 2, es la araña hacker que ayuda a la banda a sabotear todos los sistemas de seguridad.

Detrás de las persecuciones, las explosiones cómicas y el humor escatológico contenido, la obra aborda cuestiones de mucha profundidad. La serie reflexiona sobre los prejuicios, la identidad impuesta por el entorno y la capacidad de redención. Blabey demuestra que el deseo de ser mejor persona no requiere convertirse en un modelo de perfección inalcanzable, sino tener la valentía de contradecir lo que se espera de nosotros. La empatía se presenta como una aventura caótica llena de tropiezos.

El gran trabajo de traducción realizado por Jaime Valero en estos veinte episodios es digno de mención. Mantener el tono desenfadado, los juegos de palabras y los chistes visuales del inglés sin perder la naturalidad del castellano es una tarea compleja, pero Valero logra trasladar el humor y la fluidez de los diálogos con frescura, manteniendo el pulso cómico del original y garantizando que las bromas tengan el mismo efecto en los lectores españoles.

En el aspecto visual, la transición del blanco y negro al color aporta volumen, delimita con mayor claridad las viñetas y acentúa la expresividad de los personajes. El trazo desencajado y de corte caricaturesco de Blabey gana con este cambio, logrando que los escenarios y los primeros planos expresivos adquieran una energía más vibrante y cercana a la estética de la animación moderna.

En general, Animalotes huye del paternalismo, y a diferencia de otras propuestas que buscan instruir de manera más evidente, Blabey confía en la inteligencia del lector con una obra que privilegia el disfrute puro, la risa y el ritmo festivo. En este sentido, la serie se emparenta con otras obras irreverentes (e inteligentes) del cómic contemporáneo como las de Dav Pilkey, aunque las de Blabey van dirigidas a lectores de mayor edad.

Esta reedición a color reafirma la vigencia de una saga que ha marcado una época en el cómic infantil de los últimos años. Ofrece una oportunidad inmejorable para que nuevos lectores se adentren en las disparatadas misiones de este grupo de villanos en reconversión y ofrece a los adultos una opción de la lectura atractiva con un valioso trasfondo sobre la empatía y la superación de los estereotipos.

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