© Editorial Kalandraka

El Ministerio de Cultura ha concedido al libro Divertimentos: juegos poéticos, publicado por Kalandraka dentro de su colección de Poesía Ilustrada, el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil correspondiente al año 2026. El galardón, dotado con un premio de 30.000 euros, reconoce a sus creadores, el escritor Antonio Rubio y la ilustradora Carmen Queralt.

El Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil lo concede con carácter anual el Ministerio de Cultura con el fin de reconocer una obra realizada por creadores españoles, escrita en cualquiera de los idiomas oficiales del Estado y publicada por primera vez en el año anterior a la convocatoria. Rubio y Queralt toman el relevo de la escritora Leire Bilbao, galardonada en la edición anterior.

El jurado del premio eligió este título por “la brillantez con la que despliega un deslumbrante muestrario poético que transforma la palabra en un espacio de juego, descubrimiento y experimentación”. Divertimentos, un álbum para lectores a partir de seis años, recorre un amplio abanico de estructuras métricas y recursos compositivos que abarcan desde construcciones clásicas —como coplas tradicionales, haikus y romancillos— hasta propuestas más vanguardistas como los caligramas y los poemas visuales, pasando por limericks, trabalenguas, palíndromos y versos de rima partida. Asimismo, hace uso de figuras basadas en el ritmo fónico e ingenios lingüísticos como metátesis, jitanjáforas o cuentos estructurados con naipes.

En la justificación del fallo, el jurado recalcó también que “cada composición es un desafío ingenioso para el oído y la imaginación que celebra la creatividad verbal, la musicalidad y el humor. Un universo que se completa y enriquece con las hermosas ilustraciones de Carmen Queralt”.

Las temáticas que trata esta obra giran en torno al universo cotidiano e imaginativo de la infancia, abordando aspectos como el abecedario, los números, las estaciones o la naturaleza a través de diversas personas y animales. Respecto a la parte gráfica, los miembros del jurado destacaron de la labor plástica de Carmen Queralt que “su técnica aporta dinamismo a una variopinta comparsa de animales, vegetales y seres fantásticos que potencian la dimensión lúdica y multiplican las resonancias de cada verso”. En este trabajo, la ilustradora emplea su característica técnica de collage de tonalidades intensas y trazados sencillos.

El fallo concluye valorando la mirada del escritor toledano hacia el lector infantil, señalando que “con su capacidad personal de mirar el mundo con un espíritu siempre nuevo, Antonio Rubio logra una comunión perfecta con el lector más joven porque él, como ellos, es un niño entre niños”.

Sobre los ganadores

Antonio Rubio (El Puente del Arzobispo, Toledo, 1953) ha ejercido la docencia como maestro durante cuatro décadas, compaginando la enseñanza con la escritura y la dinamización de bibliotecas escolares. Además de dirigir colecciones poéticas en distintos sellos editoriales, cuenta con una extensa producción en el catálogo de Kalandraka, donde destaca como creador de la célebre serie De la cuna a la luna o recopilaciones como Puer poeticus, Las alas del AVEcedario y Juego de letras.

Por su parte, Carmen Queralt (Madrid, 1952) se formó en la Escuela BAT en la disciplina de dibujo clásico e inició su andadura en la ilustración de libros infantiles en la década de los noventa. Su firma ha aparecido en diversos sellos y publicaciones periódicas especializadas como la revista Cavall Fort.

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La lista de este año incluye una selección de 216 libros infantiles y juveniles procedentes de 62 países y territorios, publicados en 46 idiomas. El trabajo ha sido realizado por unos veinte expertos, entre personal de la biblioteca en Múnich y asesores externos. Los títulos elegidos destacan por la relevancia universal de sus temas, sus cualidades literarias y visuales, o por sus enfoques e innovaciones en el diseño.

Como es habitual, el catálogo en PDF se publica justo antes de la Feria del Libro de Fráncfort (7-11 de octubre). Además, las reseñas, datos bibliográficos y portadas están disponibles en su base de datos en línea y se difundirán en su cuenta de Instagram. Los libros recomendados también se expondrán físicamente en la próxima Feria del Libro Infantil de Bolonia.

La cubierta de este año es obra de la artista croata Vendi Vernić, inspirada en una biblioteca imaginaria.

A continuación, recogemos aquellas obras publicadas originalmente en España e Hispanoamérica, incluyendo la traducción parcial de las valoraciones realizadas por los expertos:

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Título: Mila y el pedrolo del espacio exterior
Autor: Fran Collado
Ilustradora: Bea Tormo
Editorial: Anaya Infantil y Juvenil, 2024
Edad recomendada: A partir de 10 años

Los libros con mapas y los que comienzan con la caída de un meteorito reúnen muchas papeletas para ser interesantes. Mila y el pedrolo del espacio exterior tiene ambos ingredientes, y además es una disparatada aventura de ciencia ficción, humor y amistad en lugares aparentemente tranquilos que luego resultan ser extraordinarios.

Publicada por Anaya en 2024, esta novela supone el debut del ilustrador Fran Collado como autor de literatura infantil, después de una larga trayectoria vinculada al dibujo. Esa experiencia gráfica se nota en la escritura: las escenas tienen una gran fuerza visual, los personajes resultan inmediatamente reconocibles y muchas situaciones poseen un ritmo cinematográfico.

La protagonista es Mila, una niña recién llegada a un pequeño pueblo, que contempla el mundo con una mezcla de lógica muy personal, curiosidad desbordante y seguridad en sí misma. Nada más instalarse, conoce a Lucas, un chico aficionado a la lectura con mucha imaginación que se ha convertido en objetivo de los abusones locales.

Cuando ambos observan la caída de un meteorito en las afueras del pueblo, deciden acercarse a investigar. Allí descubren algo aún más extraño que una roca llegada del espacio: un perro callejero que, tras el impacto, ha adquirido la capacidad de hablar y pensar. A partir de ese momento, la historia se transforma en una carrera contrarreloj para proteger a Batman, el perro parlante, de una misteriosa organización empeñada en capturarlo.

Aunque el argumento podría resumirse como una aventura de ciencia ficción y humor, el verdadero atractivo del libro reside en cómo está contado. Fran Collado utiliza una voz narrativa repleta de observaciones absurdas, comparaciones inesperadas y comentarios que descolocan constantemente. El humor no aparece únicamente en los diálogos; forma parte de la propia narración. Las descripciones, las digresiones y hasta las explicaciones de temas astronómicos tienen ese tono chispeante que convierte la lectura en una experiencia adictiva.

El ritmo es uno de los puntos fuertes de la novela. Cada capítulo introduce un nuevo problema, una nueva ocurrencia o un nuevo personaje extravagante. Sin embargo, no hay sensación de arbitrariedad o caos, porque todo gira alrededor de una idea central: la importancia que tiene conectar con quienes aceptan nuestras rarezas. Bajo la apariencia de una aventura descabellada, el libro habla de pertenencia, amistad y autoestima.

Mila es un personaje muy conseguido. Su rechazo a su propio nombre, tratado desde el humor, funciona como una metáfora de la búsqueda de identidad. Es una niña inteligente, valiente y de verbo ágil, capaz de enfrentarse a un matón o de discutir con un agente secreto sin perder la compostura. A su lado, Lucas representa otro tipo de fortaleza. Es sensible e imaginativo, cualidades que lo convierten en objetivo de los abusones. La amistad entre ambos resulta creíble porque nace de la complicidad entre dos personas que se ven diferentes a los demás.

Mención aparte merece Batman, el perro callejero y desaliñado que se convierte en uno de los motores cómicos y emocionales de la historia. Sus reflexiones tienen una lógica perruna muy particular combinada con preguntas muy profundas sobre identidad y libertad. Es un personaje muy divertido pero también entrañable. Y luego hay secundarios también muy destacados: la excéntrica Cloris, obsesionada con los ovnis, el camarero astrofísico Rémulo o los agentes de gabardina que ejercen de villanos.

Otro aspecto interesante es la manera en que la novela aborda cuestiones como el acoso escolar, que aunque aparece desde las primeras páginas, no es el eje principal del libro ni cae en discursos simplones. También aparecen temas como el miedo a la diferencia, la autoridad mal entendida o la tendencia humana a desconfiar de todo aquello que no se comprende.

Las ilustraciones de Bea Tormo, como no podía ser de otro modo, casan perfectamente con el texto. Su estilo tan enérgico, caricaturesco y expresivo termina de definir la personalidad de los personajes y el humor de la narración. Son esenciales para crear los gags visuales, caracterizar a los protagonistas y generar la personalidad gráfica del libro tan reconocible.

No podemos dejar de mencionar el anexo con “extras” incluido al final del libro. A través de un supuesto diario de Cloris –la vecina que podría ser perfectamente un personaje de Expediente X debido a su obsesión con los ovnis, los fenómenos astronómicos y todo aquello que pueda tener un origen extraterrestre–, el libro incorpora información sobre cometas, eclipses, orientación mediante las estrellas, auroras boreales o el cinturón de Kuiper. Estas páginas, a pesar de tener contenido divulgativo, poseen el mismo toque de humor que la novela y seguro que despiertan la curiosidad científica de muchos lectores.

En definitiva, Mila y el pedrolo del espacio exterior es una gran combinación de aventura, ciencia ficción, comedia y temas profundos. Recuerda a relatos clásicos de pandillas enfrentadas a misterios extraordinarios, pero con esa voz humorística tan personal y una mirada contemporánea sobre la amistad y la diferencia. Fran Collado ha conseguido una primera novela inteligente, sólida, divertida y llena de imaginación y grandes personajes.

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Un día de julio de 1874, mientras paseaba por la campiña en las afueras de Guildford, Charles Lutwidge Dodgson —al que todos conocemos por el seudónimo de Lewis Carroll— fue asaltado por un verso que le vino a la cabeza: «Porque el Snark era un Boojum, verás» (traducido en esta edición como «pues resultó que un Búyum era aquel Snark»). Con este verso final nació La caza del snark (The Hunting of the Snark), el poema épico-burlesco publicado en 1876. Un siglo y medio después de aquella primera edición, la editorial Folioscopio conmemora su sesquicentenario con una cuidada edición de lujo bilingüe que reproduce en formato facsímil el diseño original. Un precioso libro objeto con cubierta gofrada, golpe seco y elegantes acabados en estampado dorado.

La génesis de esta obra encaja perfectamente con la lógica “carrolliana”, pues invierte el orden natural de composición de un poema (por el primer verso, generalmente). Al hacerlo desde la última estrofa, Carroll recurrió al mismo procedimiento de «vivir al revés» que aplicó en A través del espejo, donde la Reina Blanca grita antes de pincharse o el Mensajero del Rey es encarcelado antes de cometer el delito. Este mecanismo —que fue el que dio origen a su propio seudónimo mediante una doble traducción al latín y de nuevo al inglés (Charles > Carolus > Carroll; Lutwidge > Ludovicus > Lewis)—  sedujo al surrealismo (Louis Aragon fue su primer traductor al francés en 1929) y al grupo Oulipo, que consagró a Carroll como un ilustre «plagiario por anticipación».

La historia de La caza del Snark arranca con el desembarco de una tripulación pintoresca en una isla remota. Son diez miembros —el capitán, ocho hombres y un castor— cuyas profesiones u ocupaciones en inglés comienzan por la letra B, pero en la traducción española López Guix ha decidido con buen criterio utilizar apodos relacionados para mantener ese juego: Badajero, Botas, Bonetes, Bufete, Balanza, Billarista, Banquero, Befre, Bizcocho y Babilla. Cuando en su momento preguntaron a Dodgson por la razón de esta omnipresente «B», su respuesta fue «¿Y por qué no?», emulando la respuesta que le dio la Liebre de Marzo a Alicia. El libro incluye, en la parte de anexos, un glosario de personajes con el dibujo de Holiday, el nombre en inglés y español, y una breve descripción.

Unidos por una búsqueda tan poco concreta, los marineros se lanzan tras la pista de la criatura con una carta náutica en blanco (Ocean-Chart) y con indicaciones incongruentes en el margen. Este viaje ha sido definido como «el viaje imposible de una tripulación improbable en pos de una criatura inconcebible». Sin embargo, la expedición oculta un peligro latente: aunque la mayoría de los Snarks son inofensivos, algunos pertenecen a la temible variedad de los Búyum (Boojum). Si alguien se topa con un Búyum, la consecuencia no es la muerte convencional, sino una desaparición suave, repentina y absoluta de la existencia, sin dejar rastro alguno («blandamente te esfumarás para no volver a aparecer»).

Con esta premisa, Carroll desplegó su maestría en el nonsense, estructurando el poema en ocho episodios o «espasmos» (fits, un juego de palabras que combina distintos significados, desde la sección de un poema a un ataque convulsivo). El ritmo de las 141 estrofas de cuatro versos, marcado por una métrica rigurosa de balada tradicional, contrasta con la disparatada lógica interna. En su prólogo, el propio Carroll parodia la lógica al explicar cómo el barco navegaba marcha atrás porque Badajero desmontaba el bauprés para barnizarlo y luego lo ataban sobre el timón, impidiendo al timonel protestar por una restrictiva norma del reglamento marítimo.

El relato ha tenido múltiples lecturas e interpretaciones. En vida de Carroll, los lectores vieron referencias a acontecimientos contemporáneos de gran repercusión social. Por un lado, se leyó como una sátira del «caso Tichborne», un célebre juicio por suplantación de identidad donde un carnicero de Australia afirmó ser un rico heredero noble fallecido en un naufragio; por otro, como una parodia de la fallida expedición ártica del capitán Georges Nares en 1875, que partió vitoreada por la multitud para conquistar el Polo Norte y regresó derrotada por el hielo.

Sin embargo, otras lecturas conectan el poema con la angustia existencial y la tragedia personal del autor. La mañana de julio en que nació el poema, Dodgson no disfrutaba de un mero paseo relajante: había pasado la noche velando a su ahijado de 22 años, Charlie Wilcox, quien agonizaba consumido por la tuberculosis. A esta pérdida se sumó la repentina muerte de su tío Skeffington Lutwidge, inspector de manicomios, tras ser agredido en la cabeza por un interno.

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Por ello, especialistas como Martin Gardner han visto en el Snark una reflexión sobre la nada y el pavor a la aniquilación del ser. Otros, como Edward Guiliano, señalan que el humor de la obra es la única válvula de escape frente al horror metafísico de desaparecer. El propio Carroll esquivó siempre las explicaciones sesudas y afirmó en varias cartas que no sabía qué significaba el poema, aunque admitió que la interpretación que más le agradaba era la de una señora que definió el libro como «una alegoría de la búsqueda de la felicidad».

Traducir una obra fundamentada en el juego de palabras, el ritmo anapéstico, la asociación fónica y la métrica de balada exige una destreza extraordinaria. Juan Gabriel López Guix, traductor de acreditada solvencia que ya había acometido las dos entregas de Alicia, asume el reto de trasladar el verso carrolliano al castellano, y logra conservar la rima consonante, la agilidad cómica y las consonancias internas del original.

Un logro notable de esta versión es la conservación del acróstico vertical contenido en la dedicatoria inicial a Gertrude Chataway, una niña que Carroll conoció durante unas vacaciones en la isla de Wight en 1875 y a quien retrató vestida de marinero (dibujo incluido también en esta edición). Las letras iniciales de los versos de la dedicatoria forman el nombre completo de la niña, una filigrana poética que muy pocas traducciones al castellano han conseguido reproducir con éxito. El trabajo de López Guix se complementa con una minuciosa introducción histórica, las biografías de autor, ilustrador y traductor y un exhaustivo catálogo de las ediciones de la obra publicadas en castellano, catalán, gallego y euskera, detallando las bibliotecas públicas donde se encuentran depositadas.

En cuanto a las ilustraciones, tras el agotamiento de John Tenniel —quien rechazó ilustrar más libros tras finalizar A través del espejo—, Carroll reclutó al pintor prerrafaelita Henry Holiday. Conocido por su célebre cuadro Dante y Beatriz (1883), Holiday creó un conjunto de nueve grabados interiores de atmósfera inquietante que complementan a la perfección el texto. Como curiosidad, Carroll rechazó una ilustración que Holiday había preparado para mostrar al Snark, argumentando que la bestia debía permanecer estrictamente inimaginable para el lector. No obstante, esta edición de Folioscopio incluye un guiño conmemorativo en el colofón con este dibujo vetado del Snark. Y, además, un anexo que cuenta el proceso de trabajo y reproduce bocetos de las ilustraciones y estudios de personajes.

Para completar esta estupenda edición, se incluye la parodia filosófica “Un comentario al Snark”, firmado por Snarkophilus Snobbs. Detrás de este nombre se hallaba en realidad el filósofo inglés Ferdinand Canning Scott Schiller, quien en 1901 publicó en la revista Mind! esta sátira contra los idealistas neohegelianos británicos, comparando célebremente la búsqueda del «Absoluto» filosófico con la absurda cacería del Snark y adjuntando una lámina en blanco como «retrato auténtico del Absoluto».

En definitiva, una gran edición de La caza del Snark que destaca por devolver al lector el objeto físico en todo su esplendor artesanal. Un tributo a un clásico inmortal que ofrece a seguidores de Carroll, bibliófilos y amantes del lenguaje una obra de referencia tan bella en la forma como impecable por su contenido.

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Título: Dan Diésel. El misterio del artefacto C
Autor: César Mallorquí
Ilustrador: Pablo Broseta
Editorial: SM, 2021
Edad recomendada: A partir de 10 años

Escribir para público infantil obliga a enfrentarse a un lector con una sensibilidad diferente. César Mallorquí ya había experimentado esa dificultad dos décadas atrás al redactar El hombre de arena por petición de su hijo. Tras corregir aquel texto catorce veces, decidió alejarse del género infantil hasta que una conversación con el editor Gabriel Brandariz (SM) desencadenó la creación de esta saga. Brandariz le sugirió crear una novela steampunk para el público infantil, y Mallorquí comprendió que su error pasado fue intentar adaptarse a la literatura infantil tradicional, en lugar de atraer el género hacia su propio terreno.

Descartado el siglo XIX por saturación, Mallorquí derivó la propuesta hacia el diéselpunk, una corriente retrofuturista enmarcada entre el final de la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial. Este escenario tiene relación con las publicaciones pulp de los años treinta, una narrativa fascinante en sus planteamientos pero marcada por tramas repetitivas fruto de la rapidez con la que se escribían. Frente a la ingenuidad de personajes como Doc Savage o La Sombra, César Mallorquí buscó aplicar la fórmula cinematográfica de Indiana Jones: rescatar la imaginería desbordante del folletín popular con un ritmo moderno, ironía y un buen guion.

Así nació en 2021 Dan Diésel. El misterio del artefacto C, primer volumen de una tetralogía que combina la prosa de Mallorquí con el trabajo visual del ilustrador Pablo Broseta. La premisa sitúa a Daniel Álvarez, un niño aragonés de doce años, en el funeral de su padre dentro de un modesto pueblo oscense en abril de 1932. La llegada de Carmen Fortuna, secretaria de su desconocido tío Marc, altera el destino del niño al trasladarlo a una mansión a las afueras de Madrid.

La rutina salta por los aires tras el ataque de un autómata gigante que el tío Marc neutraliza con armamento futurista. Ese acontecimiento revela la verdadera identidad familiar: no se apellidan Álvarez sino Diésel, y su verdadero hogar no es la Tierra ordinaria sino Terra Prima, una dimensión paralela a la que acceden a través de un portal interdimensional. En ese universo conviven aeronaves, vigilantes enmascarados, mochilas-cohete, dinosaurios y sociedades secretas como Sentinel, a la que pertenecía el padre fallecido del protagonista.

La trama avanza impulsada por el misterio en torno al asesinato de su progenitor y la amenaza de un villano empeñado en secuestrar a Daniel para apoderarse del Artefacto C. Mientras intenta comprender las peculiaridades de Terra Prima, Dani descubre que su linaje posee habilidades sobrehumanas y que él mismo ha comenzado a levitar inesperadamente durante el sueño.

Mallorquí imprime a la narración un gran ritmo mediante capítulos breves, cliffhangers y diálogos con chispa. El narrador mantiene un tono directo que no es condescendiente con el lector infantil, y que combina la intriga del folletín con una capa de ironía más dirigida a lectores adultos. Los personajes secundarios, como la joven Gabriela Cruz, aportan un contrapunto a las escenas de acción.

En el aspecto gráfico, el enfoque de Pablo Broseta es muy acertado. Sus ilustraciones a color capturan la estética retrofuturista con logotipos, cabeceras tipográficas y dobles páginas estructuradas como viñetas de historieta. Además, la edición incorpora en cada libro ocho páginas de formato cómic que acentúan ese homenaje a la narrativa gráfica clásica.

Dan Diésel apuesta por el sentido de la maravilla, la aventura espacial y la exploración de mundos paralelos. La historia se extiende a lo largo de otras tres entregas donde el arco argumental se despliega: la tetralogía continúa con El poder de Khan, La máscara púrpura y finaliza con El enigma de otro mundo.

César Mallorquí demuestra con Dan Diésel que un autor tradicionalmente juvenil puede abordar la literatura infantil sin renunciar a su estilo personal. Una gran lectura para quienes buscan acción, humor y una ambientación retrofuturista ejecutada con la calidad incuestionable de un escritor excepcional.

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Título: Heartstopper (serie de seis libros)
Autora: Alice Oseman
Traductora: Victoria Simó Perales
Editorial: Crossbooks, 2026
Edad recomendada: a partir de 14 años

Quizá soy un poco desconfiada, pero cuando algo se convierte en un fenómeno de masas casi de la noche a la mañana… hmm… me tira para atrás. Empieza a aparecer por todos sitios, todo el mundo habla de ello, lo ve, lo lee, lo sigue… y a mí, sencillamente, me satura. Al final, acabo cansándome de ello antes de empezar: me pasó con El señor de los anillos, con Harry Potter… y, normalmente, transcurre bastante tiempo hasta que por fin me decido a averiguar por mí misma, sin influencia externa, el porqué de tanto alboroto.

Sin embargo, con Heartstopper, que de repente estaba hasta en la sopa, no me ocurrió esto, más bien lo contrario, me despertó una enorme curiosidad.

Heartstopper, creada e ilustrada por Alice Oseman, es la historia de amor adolescente entre Nick y Charlie y se desarrolla a lo largo de seis volúmenes: Dos chicos juntos, Mi persona favorita, Un paso adelante, Más que palabras, Creciendo contigo y, el más reciente, publicado en español hace apenas unas semanas, Entrelazados, que pone el cierre a la serie, como la propia autora había anticipado en el penúltimo volumen.

Heartstopper nació como un webcomic en Tumblr en 2016 antes de convertirse en novela gráfica y de ahí, el empujón definitivo, cuando en 2022 Netflix las adaptó a serie. El último volumen de la colección, sin embargo, se ha convertido en película, Heartstopper para siempre, y se ha estrenado también hace unas semanas coincidiendo con la publicación de la última novela.

Reconozco que yo empecé por la serie y creo que nunca antes me había encontrado con una historia que, nacida en papel, tuviera una adaptación tan buena que me resultara imposible elegir qué formato me gusta más. De hecho, cuanto más veo la serie, más releo los libros y viceversa; una me lleva a los otros y al revés, de forma constante; incluso acabé leyendo otras novelas de Oseman (las que no tienen que ver con el universo Heartstopper). Al final, fue todo un tsunami de lecturas.

Y cuanto más veo la serie, más me convenzo de que es posiblemente la mejor adaptación literaria a plataforma que se haya hecho en los últimos tiempos. Cuando veo la habitación de Charlie, por ejemplo, me da la sensación de que los dibujos de Oseman se han escapado de la página y han cogido color para transformarse en tres dimensiones, el paralelismo es asombroso; el sueño de cualquier lector: que su libro favorito cobre vida. Eso es exactamente lo que se siente al ver la serie, y no solo por los decorados: la historia, los personajes, las emociones… todo está traducido a imagen en movimiento con una fidelidad maravillosa.

Quizá sea determinante el hecho de que la propia autora participe en el guion y la producción de la serie, pero no puede ser el único motivo porque, de hecho, hay muchos otros ejemplos de adaptaciones de libros a la gran o pequeña pantalla en las que la intervención de sus autores no ha sido en absoluto garantía de fidelidad a la historia en papel. Sin embargo, Heartstopper cobra vida realmente y resulta emocionante, como si la historia que se forma en nuestra cabeza cuando la leemos se estuviese proyectando en la tele.

Heartstopper habla de autodescubrimiento, con sus luces y sus sombras, y creo que por eso es una historia tan valiosa. Por eso, y porque rebosa ternura, la ternura del primer amor, la ternura del descubrimiento propio y ajeno, la ternura de unos padres que solo quieren que su hijo sea feliz, pero también, y quizá sea lo que más me conmueve de toda la historia, la ternura de los verdaderos amigos, de esos que te apoyan en los momentos difíciles, te celebran en los momentos felices y te empujan en los momentos de flaqueza. Este grupo de amigos tan variado y leal es para mí el alma de Heartstopper.

Sin duda alguna, la historia de amor de Nick y Charlie, y todas las historias paralelas que la rodean y la sostienen, es una reivindicación a gritos; es un alegato de esperanza ante las dificultades, de optimismo testarudo; es un ensalzamiento de la fuerza de los frágiles (o la fragilidad de los fuertes) y, sobre todo, un elogio de la amistad, de los amigos a los que les ha unido una red irrompible de amor que «han construido y les ha construido».

Y siendo una historia de amor (o varias), ¿cómo puede ser que no caiga en la cursilería y la frivolidad? Pues sencillo, porque rebosa honestidad. Porque no se centra en el romanticismo a pesar de ser una serie romántica, no son todo corazoncitos y estrellitas, también hay sombras, muchas, hay homofobia, acoso, problemas de salud mental, problemas familiares… y, también, las dudas e incertidumbres propias de esta época tan importante como es la adolescencia.

Después de haberme sumergido de lleno (varias veces) entre las páginas y las imágenes de esta serie, solo puedo confirmar que fue todo un descubrimiento. Por primera vez, he comprendido que todo el mundo hable de ello. De hecho, espero que no se deje de hablar nunca de Heartstopper, me parece absolutamente necesario.

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Título: Animalotes 1 y 2. El comienzo / Misión implumable (edición especial a color)
Autor e ilustrador: Aaron Blabey
Traductor: Jaime Valero
Editorial: Anaya Infantil y Juvenil, 2026
Edad recomendada: A partir de 8 años

¿Es posible escapar de los corsés impuestos por la naturaleza y la sociedad que te etiquetan siempre como el malo de la película? Esta premisa es el punto de partida para la irreverente obra del australiano Aaron Blabey. Publicada originalmente en Australia por la editorial Scholastic bajo el título The Bad Guys en 2015, esta serie irrumpió en el mercado español en 2017 de la mano de Anaya Infantil y Juvenil bajo el ingenioso nombre de Animalotes, diferenciándose de la versión latina, en la cual Scholastic conservó la traducción literal Los tipos malos.

La trayectoria de Aaron Blabey se caracteriza por la comedia visual y el absurdo. Conocido por álbumes ilustrados de gran éxito como Telma, el unicornio, la divertida serie Coco el perro (Pig the Pug), Gata a la fuga (Cat on the run), o álbumes entrañables como Necesito un abrazo y desternillantes como Las pirañas no comen bananas, Blabey demuestra en Animalotes una gran habilidad para conectar con el humor de los lectores infantiles.

Este volumen especial con ilustraciones a color y cantos tintados rompe con la sobriedad de los episodios clásicos, e incluye los dos primeros: El comienzo y Misión implumable. La colección original, estructurada en veinte entregas en blanco y negro (en España aparecieron en 10 volúmenes con dos episodios cada uno), recibe aquí una cuidada remasterización a todo color. Esta actualización potencia la expresividad del dibujo sin alterar la esencia gamberra que impulsó a la serie a convertirse en un éxito de ventas en todo el mundo, además de inspirar las diferentes adaptaciones cinematográficas y series producidas por DreamWorks que se pueden ver en plataformas de VOD.

La premisa de esta serie arranca con la iniciativa del Sr. Lobo, un depredador incomprendido cansado de infundir pavor. Decidido a limpiar la reputación de su grupo de delincuentes (formado por un elenco de criaturas tradicionalmente malvadas con nombres tan “tarantinianos” como Sr. Serpiente, Sr. Piraña y Sr. Tiburón), su objetivo es constituir “El Club de los Chicos Buenos” y ejecutar actos heroicos y altruistas. El primer episodio narra los torpes y desastrosos intentos de la banda por rescatar a un gatito atrapado en un árbol. En el segundo episodio, Misión implumable, el grupo escala la complejidad de sus operaciones e intenta liberar a diez mil gallinas confinadas en una granja avícola de alta seguridad.

El estilo narrativo de Blabey destaca por un lenguaje muy cinematográfico, como si las viñetas fueran un storyboard. No hay cartelas narrativas, todo se basa en la secuenciación rápida, el uso de la tipografía para destacar palabras y onomatopeyas, y una ruptura constante de la “cuarta pared”. Las intervenciones de los personajes, siempre rápidas e irónicas, generan un ritmo ágil que resulta especialmente atractivo tanto para lectores consolidados como para aquellos que se muestran reacios a la lectura de libros más tradicionales.

El diseño de personajes es el verdadero motor de la obra. Blabey no intenta edulcorar a los temidos protagonistas: mantienen su aspecto imponente, sus dientes afilados y sus impulsos primarios. El conflicto cómico reside precisamente en la fricción entre su temible apariencia e instinto natural y sus desastrosos esfuerzos por actuar con bondad. El Sr. Lobo es el líder optimista y dramático; el Sr. Serpiente encarna el cinismo imprudente; el Sr. Tiburón aporta el humor absurdo gracias a su maestría para el disfraz inverosímil; y el Sr. Piraña añade un toque de impredecible volatilidad. Piernecitas, que aparece en el episodio 2, es la araña hacker que ayuda a la banda a sabotear todos los sistemas de seguridad.

Detrás de las persecuciones, las explosiones cómicas y el humor escatológico contenido, la obra aborda cuestiones de mucha profundidad. La serie reflexiona sobre los prejuicios, la identidad impuesta por el entorno y la capacidad de redención. Blabey demuestra que el deseo de ser mejor persona no requiere convertirse en un modelo de perfección inalcanzable, sino tener la valentía de contradecir lo que se espera de nosotros. La empatía se presenta como una aventura caótica llena de tropiezos.

El gran trabajo de traducción realizado por Jaime Valero en estos veinte episodios es digno de mención. Mantener el tono desenfadado, los juegos de palabras y los chistes visuales del inglés sin perder la naturalidad del castellano es una tarea compleja, pero Valero logra trasladar el humor y la fluidez de los diálogos con frescura, manteniendo el pulso cómico del original y garantizando que las bromas tengan el mismo efecto en los lectores españoles.

En el aspecto visual, la transición del blanco y negro al color aporta volumen, delimita con mayor claridad las viñetas y acentúa la expresividad de los personajes. El trazo desencajado y de corte caricaturesco de Blabey gana con este cambio, logrando que los escenarios y los primeros planos expresivos adquieran una energía más vibrante y cercana a la estética de la animación moderna.

En general, Animalotes huye del paternalismo, y a diferencia de otras propuestas que buscan instruir de manera más evidente, Blabey confía en la inteligencia del lector con una obra que privilegia el disfrute puro, la risa y el ritmo festivo. En este sentido, la serie se emparenta con otras obras irreverentes (e inteligentes) del cómic contemporáneo como las de Dav Pilkey, aunque las de Blabey van dirigidas a lectores de mayor edad.

Esta reedición a color reafirma la vigencia de una saga que ha marcado una época en el cómic infantil de los últimos años. Ofrece una oportunidad inmejorable para que nuevos lectores se adentren en las disparatadas misiones de este grupo de villanos en reconversión y ofrece a los adultos una opción de la lectura atractiva con un valioso trasfondo sobre la empatía y la superación de los estereotipos.

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Título: La milagrosa mudanza de la Mansión Mina de los Miller
Autor: Dave Eggers
Ilustradora: Júlia Sardà
Traductora: Isabel Márquez
Editorial: Impedimenta, 2026
Edad recomendada: a partir de 6 años

A finales del siglo XIX, en el remoto valle de Wood River (Idaho, EE.UU.), el magnate Henry Miller había levantado una majestuosa residencia victoriana de tres plantas junto a su próspera mina de plata, la Minnie Moore. Pero años después de la muerte del empresario, su viuda, acorralada por las dificultades económicas, decidió emprender un negocio de cría de cerdos en la propiedad, tropezando con la tajante prohibición municipal de mantener ganado dentro de la villa. Ante el ultimátum del ayuntamiento, la familia emprendió en 1914 una empresa tan estrafalaria como célebre: desplazar la mansión entera, intacta y sobre grandes troncos de madera, fuera de la jurisdicción del pueblo. Este insólito episodio de la microhistoria estadounidense constituye el núcleo del álbum ilustrado publicado en inglés en 2023 (Moving the Millers’ Minnie Moore Mine Mansion) y traducido al español por Impedimenta en 2026.

Henry Miller’s House en 1975 © Idaho Historical Society

Dave Eggers, figura clave de la literatura norteamericana contemporánea, demuestra de nuevo su fascinación por el rescate de hechos insólitos. Al igual que en sus incursiones previas en la narrativa infantil y juvenil —entre las que destaca Los ojos y lo imposible—, Eggers elude la condescendencia para abrazar las rarezas del comportamiento humano. En esta obra, el autor aplica una mirada que combina la precisión de la crónica histórica con el ritmo juguetón del cuento popular.

La trama arranca con la construcción de la mina, y va avanzando hasta la muerte del empresario y la necesidad de su familia de empezar con el negocio de los cerdos, prohibido por las leyes locales. Ante la firme decisión de la viuda de no abandonar la casa familiar, se ven obligados a transportar la mole de madera, chimeneas y ventanales utilizando únicamente troncos a modo de rodillos, tiro de caballos y la fuerza de la terquedad humana. El relato no se limita a registrar la proeza técnica; explora las fricciones, las interrupciones absurdas y los contratiempos logísticos que surgen al intentar mover un hogar sin alterar la vida que alberga en su interior.

El estilo narrativo destaca por su cadencia oral y un humor refinado que apela tanto a niños como a adultos. Eggers recurre a la reiteración de estructuras sintácticas, la aliteración y una voz omnisciente que interpela con ironía las decisiones de sus protagonistas. La traducción de Isabel Márquez traslada con buen hacer este juego léxico, preservando el tono ágil, la sonoridad y el encanto de la prosa original.

Los personajes, más allá de estar basados en hechos históricos, funcionan como arquetipos de la perseverancia: la determinación inquebrantable de la familia, la estupefacción de los vecinos y la imperturbable presencia de los animales que habitan la finca. Los cerdos adquieren una dignidad narrativa equivalente a la de los humanos, sirviendo de contrapunto cómico a la heroica proeza de la mudanza.

El trabajo ilustrado de Júlia Sardà da al texto una dimensión estética singular. Con su inconfundible trazo estilizado y una paleta cromática dominada por tonos terrosos, ocres y verdes profundos, Sardà evoca la atmósfera del XIX americano. Sus composiciones, ricas en patrones y perspectivas audaces, ofrecen detalles minuciosos en el vestuario y expresiones cómicas en los rostros.

Este nuevo álbum de Impedimenta (el quinto con Sardà) es una pieza de orfebrería donde texto e imagen se compenetran a la perfección al servicio de una historia divertida y con un punto de partida muy curioso. Una lectura estimulante que celebra la excentricidad histórica y demuestra que los grandes álbumes ilustrados son capaces de asombrar a cualquier lector sin importar su edad.

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Título: Agatha Christie. Tras la pista de la reina del crimen
Autora e ilustradora: Nuria Díaz
Editorial: Libre Albedrío, 2026
Edad recomendada: A partir de 10 años y lectores adultos

En 1976 el mundo se despedía de Agatha Christie, que dejaba tras de sí un legado literario que redefinió para siempre las reglas de la novela de detectives. Al cumplirse medio siglo de su fallecimiento, su vigencia no solo permanece intacta, sino que continúa estimulando nuevas miradas capaces de recrear la fascinación que ejercen sus historias. Abordar la vida y obra de la autora más traducida y vendida de la historia de la literatura es dar a conocer a una mujer audaz, viajera e inusualmente culta que albergaba una inteligencia formidable.

Ese es precisamente el impulso creador que late en Agatha Christie. Tras la pista de la reina del crimen, la obra con la que la ilustradora y autora Nuria Díaz rinde homenaje a la célebre escritora británica. La génesis de este volumen conecta directamente con la memoria sentimental de su autora y con la de muchos lectores de cierta generación. Díaz confiesa en las primeras páginas que su fascinación por el misterio se encendió en la biblioteca paterna, entre los volúmenes de la mítica Selección Bibliotecas de Oro de la editorial Molino que supusieron la puerta de entrada a ese peculiar género del whodunit. A ese descubrimiento infantil se sumó el impacto de la adaptación de Asesinato en el Orient Express dirigida por Sidney Lumet en 1974, cuyo impresionante reparto coral (Sean Connery, Vanessa Redgrave, Ingrid Bergman, Lauren Bacall, Anthony Perkins…) deslumbró a la futura artista y fijó en su retina el universo de Christie.

Con este nuevo trabajo, Nuria Díaz consolida una interesante línea de biografías ilustradas en el catálogo de Libre Albedrío. Tras desentrañar la infancia y las fobias del maestro del suspense en Alfred Hitchcock. El niño que filmó el miedo (un libro que, no obstante, es de menor extensión y profundidad que este que ahora reseñamos) y retratar la dimensión humana del genio de la comedia en Charlie Chaplin. El pequeño vagabundo, la creadora completa un tríptico imprescindible dedicado a tres iconos fundamentales de la cultura del siglo XX. Si en aquellas obras previas —así como en otros títulos de su bibliografía como ¿De qué tienes miedo? o El gran hotel Wes Anderson— ya destacaba su destreza para combinar la síntesis documental con un lenguaje visual poético, aquí despliega una propuesta gráfica desbordante.

El libro está muy bien estructurado, con una primera parte más cronológica y otra más de miscelánea. La primera mitad realiza un recorrido biobibliográfico por los momentos decisivos en la vida de la autora. A través de este itinerario descubrimos a una Agatha vitalista y heterodoxa: la joven que trabajó en la farmacia de un hospital durante la Primera Guerra Mundial —donde adquirió sus profundos conocimientos sobre botánica y toxicología—, la mujer pionera que surfeó en las playas de Sudáfrica y Hawái, la viajera apasionada que voló en aeroplano y recorrió Oriente Medio participando en excavaciones arqueológicas junto a su segundo marido, Max Mallowan, o la protagonista de una misteriosa desaparición de once días en 1926 que rivalizó con las tramas de sus propias novelas.

La segunda parte del volumen es un apéndice informativo muy completo e interesante. Díaz despliega aquí un abanico de recursos formales para analizar las claves del estilo de Christie, desguazando a sus personajes más icónicos, con Hercules Poirot y Miss Marple a la cabeza. El apéndice incluye además una exhaustiva guía bibliográfica, un repaso a sus adaptaciones para el cine y la televisión, un inventario ilustrado de los venenos más recurrentes en sus asesinatos de ficción, una línea temporal y un mapa detallado con las geografías que contextualizaron su vida y sus novelas. Como remate interactivo, el volumen ofrece un práctico checklist diseñado para que el lector pueda registrar los títulos que ha leído o los que le quedan por descubrir.

Desde el punto de vista del diseño y la ilustración, cada doble página ha sido concebida de manera individualizada, huyendo de esquemas repetitivos. Las composiciones destacan por una paleta cromática sobria pero envolvente, donde los tonos terrosos, los verdes profundos y los matices ocre transmiten una elegancia impecable. La composición y la generosidad a la hora de llenar las dobles páginas, junto al minucioso trabajo con los detalles de vestuario e interiorismo convierten la lectura de este libro en una experiencia muy satisfactoria. Además, el libro destaca físicamente por sus cantos tintados con la silueta de una serpiente, una referencia clara al fascinante y letal mundo de la farmacología que tanto condicionó las tramas de la escritora.

En lugar de ofrecer un catálogo plano de fechas, Nuria Díaz ofrece un estudio ameno y cautivador donde el texto se integra a la perfección con las imágenes, adaptándose a las formas que los dibujos van dejando para colocar los párrafos. Un libro que piensa en el lector joven pero que resulta muy interesante para el adulto: tiene una serie de niveles de lectura superpuestos que invitan tanto a la hojeada distraída como a la relectura atenta.

Una obra que no solo honra el cincuenta aniversario de la muerte de escritora más leída, sino que constituye un libro objeto fascinante, capaz de combinar el rigor documental con el placer estético. Una propuesta idónea para contagiar a nuevos lectores con esa adicción que generan las novelas de Agatha Christie, un fenómeno que los que leímos esas viejas ediciones de Molino reconocemos al instante.

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Título: Cómo vivir en la jungla
Autora: Susanna Isern
Ilustradora: Tamara Anegón
Editorial: Carambuco, 2026

A veces, la clase de Mateo, entre risas, gritos y carreras, parece una auténtica jungla, y no un lugar donde en teoría debería reinar el orden y el concierto. Un día, para escapar del caos, mete la cabeza en su mochila… y aunque pueda parecer algo fuera de toda lógica aparece en medio de la selva. Allí, y una vez superada la sorpresa inicial, conoce a Tino, un avestruz muy sabio que le enseña el mejor truco para sobrevivir en un espacio a priori tan inhóspito como pudiera ser una jungla: observar a todos los animales y aprender de ellos para adaptarse a cada situación, por muy dificultosa que parezca.

Mateo descubrirá que en la jungla, como ocurre exactamente igual que en su clase, existen especies cuya característica principal es la de que pueden llegar a cuidarse mutuamente; los que saben muy bien cómo divertirse sin importarles que los demás piensen que están haciendo el ridículo o incluso aquel otro animal que es tan tímido y apocado que prefiere no meterse en ningún tipo de problemas ni follones y se esconde en su caparazón cuando necesita protegerse. Con su nuevo amigo como guía, Mateo aprenderá cómo vivir en la jungla… y en cualquier otro lugar que se le asemeje.

Si por algo destaca este muy recomendable libro infantil es por enseñarnos unas cuantas lecciones importantes para tenerla capacidad de encontrar las soluciones adecuadas para adecuarnos a lo que en principio pensamos que es un entorno hostil, como pueda ser, por qué no, una clase en el momento en el que la profesora abandona el lugar por uno u otro motivo, y los chavales pues como que se desmelenan y como resultado se produce el caos y el desorden más absoluto. Y para ello se vale de las actitudes y comportamientos de un puñado de animales que surgen de la imaginación y el lapicero del protagonista de esta rocambolesca aventura.

Así, y de la mano (o mejor dicho de la pata) de un peculiar avestruz vamos a contemplar distintos hábitos del reino animal que se puedan aplicar a nuestro día rutinario. Citamos algunos como ejemplos de los muchos que aquí nos vamos a encontrar. Para verlos todos pues habrá que hacerse con un ejemplar y ¡a disfrutar!: como que los elefantes son una gran familia. Si uno de ellos necesita ayuda, todos se vuelcan en ayudarse; que a veces la mejor opción es huir, como hacen las cebras cuando se ven acechadas por los leones, o que hay que saber divertirse como suelen hacer los chimpancés, que no paran de saltar, trepar y columpiarse en las lianas.

A los jóvenes lectores les encantarán las divertidas ilustraciones y las disparatadas sugerencias que aquí van a poder encontrar, mientras aprenden a ser valientes y a sobrevivir en la selva cotidiana. Y no estaría de más, ya que el símil entre clase y jungla es la base de esta obra infantil, recordar a los más pequeños que existen colegios que están instalados en plena jungla, en países con menos recursos que los nuestros y que se ven obligado a compartir lecciones en plena naturaleza, donde cualquier espacio disponible en la selva se puede convertir en un aula, y donde se usan pizarras portátiles o se trazan letras y números en la arena con palos.

Así este recomendable cuento se convierte en una herramienta pintiparada para aprender conceptos básicos de orientación, toma de decisiones y resolución de problemas en situaciones reales en el ámbito de primaria. Indispensable para cualquier biblioteca escolar, donde puede funcionar muy bien como ejercicio de lectura colectiva, y un regalo dirigido a primeros lectores con el que seguro se va a acertar. Las ilustraciones (firmadas por Tamara Anegón), llenas de color, transportan a los lectores a un lugar especial. Los personajes están representados con un estilo tan peculiar como realista. Dicho estilo, sencillo pero dinámico, se caracteriza por una fuerte carga emocional, una gran gestualidad y un toque de humor que seguro que conecta con lectores de todas las edades, aunque nosotros pensamos que se trata de una obra.muy recomendable para niños de preescolar a segundo grado.

Nota sobre la autora: Susanna Isern (La Seu d’Urgell, 1978) es escritora, psicóloga, profesora y madre de tres hijos. Es una de las autoras de referencia de literatura infantil y juvenil en España y otros países. Ha publicado más de un centenar de libros en español, con traducciones a treinta y cinco idiomas y más de un millón y medio de ejemplares vendidos alrededor del mundo. Además es una de las autoras más traducidas de lengua española según el Instituto Cervantes. Ha sido galardonada con importantes premios a nivel nacional e internacional y algunas de sus obras se han adaptado al teatro. Aquí citamos algunos de sus títulos y sagas más populares: Brigada Felina, Little Dragons, Daniela Pirata, Magic Animals y Malvarina.

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