El Museo Picasso Málaga ha comunicado el fallecimiento de Christine Ruiz-Picasso, figura esencial en la creación de esta institución y defensora incansable del legado artístico de Pablo Picasso, que ha fallecido en su casa de Provenza, en Francia, ayer lunes 6 de abril de 2026 a la edad de 97 años, rodeada de sus seres queridos.

Su familia y en particular su hijo Bernard Ruiz-Picasso, presidente del Consejo Ejecutivo del Museo Picasso Málaga, han expresado su dolor por la pérdida de una mujer cuya vida estuvo marcada por el amor al arte y a la memoria de Picasso.

El Patronato y los trabajadores del Museo Picasso Málaga desean manifestar su tristeza y gratitud por su labor fundamental en la fundación y en la consolidación de este museo.

Christine Ruiz-Picasso falleció el lunes 6 de abril de 2026 a las 18 h. con 97 años de edad, en su casa de Provenza, en Francia. Era viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo de Pablo Picasso y de Olga Khokhlova, y fue la principal impulsora y artífice del Museo Picasso Málaga, junto con su hijo Bernard. El Museo se abrió en octubre de 2003, y recibe ya ochocientos mil visitantes al año. Christine era Presidenta de Honor del Museo, junto con quien ostenta la Presidencia de la Junta de Andalucía. Por su generosidad recibió en 2003 la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio. El Auditorio del Museo fue bautizado como Auditorio Christine Ruiz-Picasso para perpetuar su estrecho vínculo con el Museo. Las exequias fúnebres se anunciarán oportunamente.

Christine Ruiz-Picasso nació en Francia en 1928 y estuvo vinculada al mundo del arte desde joven. Se convirtió en nuera de Pablo Picasso al casarse con Paul Ruiz-Picasso, el hijo mayor del artista y de la bailarina rusa Olga Khokhlova. Juntos tuvieron un hijo, Bernard Ruiz-Picasso, quien también ha seguido los pasos de su madre en la promoción del legado picassiano. Su sensibilidad artística y compromiso con la cultura la han convertido en una figura respetada en el ámbito museístico y cultural.

El sueño de Pablo Picasso de tener un museo en su ciudad natal se hizo realidad en 2003, gracias a la generosidad y tesón de Christine Ruiz-Picasso: la colección del Museo Picasso Málaga, compuesta por más de 230 obras, fue posible gracias a la generosa donación de Christine y a la de su hijo Bernard Ruiz-Picasso.

El Museo Picasso Málaga y la Junta de Andalucía lamentan profundamente la pérdida de una mujer que dedicó su vida a preservar y difundir el legado de Pablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Impulsora del Museo Picasso Málaga

La idea inicial nació en 1953 de los contactos entre el propio Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, entonces delegado provincial de Bellas Artes de Málaga. El pintor malagueño quería que su obra estuviera presente en su ciudad natal, pero este proyecto quedó frustrado poco después. Christine Ruiz-Picasso, viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo mayor del artista, retomó los contactos con el gobierno de la ciudad de Málaga con motivo de las exposiciones Picasso clásico y Picasso, primera mirada que tuvieron lugar en el Palacio Episcopal de Málaga en 1992 y 1994 respectivamente. Fue tal el entusiasmo que provocó en la ciudadanía malagueña el poder contemplar por vez primera en Andalucía el trabajo de Picasso, que en 1996 Christine Ruiz-Picasso reinicia el proyecto de su suegro de 1953.

Para su creación la Junta de Andalucía adquirió el Palacio de Buenavista en 1997 y Christine y Bernard Ruiz-Picasso, nuera y nieto del artista, donaron 233 obras a la  que se fundó ex profeso para la génesis del proyecto y que es la que actualmente rige el museo. De este modo, cincuenta años más tarde, el Museo Picasso Málaga se hacía finalmente realidad siendo inaugurado el 27 de octubre de 2003.

Christine Ruiz-Picasso fue distinguida como Hija Predilecta de Andalucía en 2003, en reconocimiento a su labor cultural y su contribución al patrimonio artístico de la región. En 2023, con motivo del 20º aniversario del Museo Picasso Málaga, se le rindió homenaje nombrando el auditorio del museo como Auditorio Christine Ruiz-Picasso. Aunque no pudo asistir por motivos de salud, su hijo Bernard expresó que su madre estaba presente ‘con el corazón’.

Su legado como mecenas, promotora cultural y defensora del patrimonio picassiano ha contribuido significativamente a la vida cultural de Málaga, de España y al conocimiento del arte moderno. Descanse en paz.

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El director de orquesta José Luis Temes (Madrid, 1956) fue elegido académico numerario por la Sección de Música de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Su trayectoria, ampliamente reconocida, destaca por una intensa labor en la difusión y recuperación de la música española. Su candidatura fue presentada por el también director de orquesta José Ramón Encinar, el arquitecto Alberto Campo Baeza y el musicólogo José Luis García del Busto, quien expresó el elogio a la trayectoria profesional de José Luis Temes, subrayó la relevancia de su aportación al patrimonio musical español y su idoneidad para formar parte de la Institución.

Formado inicialmente como percusionista, Temes inició su carrera al frente del Grupo de Percusión de Madrid y posteriormente impulsó el Grupo Círculo, con el que desarrolló una destacada actividad concertística. Paralelamente colaboró en el lanzamiento y consolidación del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC). A lo largo de su carrera ha dirigido numerosas orquestas e impulsado más de trescientos sesenta estrenos absolutos de compositores españoles, consolidándose como una figura clave en la promoción de la música contemporánea.

Su labor discográfica, con más de un centenar de grabaciones, ha permitido rescatar y difundir un amplio repertorio de música orquestal española, desde el clasicismo hasta la creación actual, incluyendo obras inéditas hasta entonces. Asimismo, ha desarrollado proyectos audiovisuales centrados en compositores españoles y ha producido gran parte de sus iniciativas de manera independiente.

Premio Nacional de Música en 2008, Temes ha compaginado su actividad artística con la investigación, la docencia y la escritura, siendo autor de diecisiete libros. Su perfil se completa con un notable interés por el diálogo entre la música y otras artes.

La candidatura de Emilio Tuñón para la Sección de Arquitectura fue presentada por los académicos Tomás Marco, compositor y director de la Academia, y los arquitectos Rafael Moneo y Luis Fernández-Galiano, quien leyó la laudatio.

El arquitecto Emilio Tuñón Álvarez, figura clave de la arquitectura contemporánea, ha desarrollado una destacada carrera marcada por la innovación, el rigor constructivo y el reconocimiento internacional.

Formado en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) bajo la influencia de maestros como Francisco Javier Sáenz de Oíza y Juan Navarro Baldeweg, Tuñón inició su trayectoria profesional junto a Luis Moreno Mansilla, con quien fundó en 1990 el estudio Mansilla + Tuñón Arquitectos. Desde sus inicios, el equipo alcanzó notoriedad gracias a una serie de proyectos culturales de gran relevancia, entre los que destacan el Museo de Arqueología y Bellas Artes de Zamora, el Auditorio de León, el Museo de Bellas Artes de Castellón o el Centro documental de la CAM en el complejo El Águila.

Con la llegada del siglo XXI, su prestigio se consolidó internacionalmente con obras como el MUSAC de León, galardonado con el Premio Mies van der Rohe de la Unión Europea, y la Galería de las Colecciones Reales en Madrid, inaugurada en 2023 tras dos décadas de desarrollo. A estos proyectos se suman intervenciones significativas en Galicia y Extremadura, reforzando su presencia en el panorama arquitectónico nacional.

Tras el fallecimiento de Luis Moreno Mansilla en 2012, Tuñón continuó su carrera en solitario, firmando obras destacadas como el Museo Helga de Alvear en Cáceres, la sede de la Fundación Arquia en Madrid y diversos proyectos académicos y residenciales que reflejan la madurez de su lenguaje arquitectónico.
Paralelamente a su práctica profesional, ha mantenido una intensa actividad académica como catedrático en la ETSAM y profesor invitado en prestigiosas universidades internacionales como Harvard, Princeton o Lausanne.

Su trayectoria ha sido reconocida con importantes distinciones, entre ellas la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes (2014) y el Premio Nacional de Arquitectura (2022), consolidando su posición como uno de los referentes de la arquitectura española actual.

La obra de Emilio Tuñón se caracteriza por la capacidad de integrar innovación formal, precisión técnica y sensibilidad estética, contribuyendo de manera decisiva a la construcción de una arquitectura representativa de la España contemporánea.

La tercera elección celebrada en la tarde de ayer fue la del pintor Juan Uslé. Su candidatura para formar parte de la Sección de Pintura fue firmada por el arquitecto Juan Navarro Baldeweg, el director de orquesta José Ramón Encinar y el artista Jordi Teixidor, quien presentó su semblanza.

Uslé (Santander, 1954) es una de las voces más singulares de la pintura abstracta contemporánea, reconocido tanto en España como en el ámbito internacional. Su obra se caracteriza por un lenguaje pictórico profundamente personal, centrado en la exploración del ritmo, la luz y el tiempo, que se manifiesta en composiciones estructuradas en bandas rítmicas que funcionan como auténticas partituras visuales. En sus propias palabras, “no recuerdo las formas, pero sí el peso de la luz”, reflejando la importancia de la percepción sensorial en su práctica artística.

Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, Uslé integró la luz y la cultura mediterránea a su sensibilidad cántabra, alternando la pintura con la fotografía como espacio experimental antes de consolidar su compromiso definitivo con la pintura. Su trayectoria se vio tempranamente reconocida por instituciones españolas, con la Beca para Artistas Jóvenes (1980) y la Beca para la Investigación de Nuevas Formas Expresivas (1982) otorgadas por el Ministerio de Cultura.

Un punto decisivo en su carrera se produce en 1987, cuando se traslada a Nueva York gracias a una beca Fulbright, estableciendo su estudio en Brooklyn y manteniendo desde entonces una relación continuada con la ciudad. La experiencia neoyorquina, marcada por la energía urbana y el contacto con la escena artística internacional, consolidó su lenguaje pictórico, generando un diálogo constante entre estructuras geométricas y gestos orgánicos. Esta dualidad entre Nueva York y Saro, un pequeño pueblo de Cantabria donde también reside, se ha convertido en uno de los ejes fundamentales de su proceso creativo, combinando dinamismo urbano y contemplación del paisaje natural.

La obra de Uslé, frecuentemente vinculada a la Nueva Abstracción, trasciende cualquier clasificación estilística. Su práctica se basa en la repetición, la disciplina y la introspección, alcanzando expresiones destacadas en series como Soñé que revelabas, iniciada en la década de 1990, donde el tiempo, el pulso y la memoria adquieren un protagonismo central.

Ha participado en exposiciones internacionales de gran relevancia, como Documenta IX en Kassel (1992) y la 51ª Bienal de Venecia (2005), y su obra forma parte de colecciones de prestigio como el MoMA de Nueva York, la Tate Modern de Londres, el Centre Pompidou de París y el Guggenheim Bilbao. Entre sus reconocimientos destaca el Premio Nacional de Artes Plásticas (2002), consolidando su posición como una de las figuras más sólidas de la pintura española contemporánea.

Actualmente, Juan Uslé presenta su obra bajo el título Ese barco en la montaña en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, una exposición que refleja su constante investigación sobre la experiencia sensorial de la pintura, la percepción del tiempo y la vibración emocional de la luz, confirmando su lugar destacado en el panorama artístico internacional.

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La mayor parte de las obras expuestas han salido por primera vez de Armenia.

Los manuscritos armenios son reconocidos internacionalmente por sus pinturas en miniatura, una característica central de la cultura manuscrita armenia, que evolucionó a través de diversas escuelas regionales, cada una de ellas marcada por rasgos estilísticos y tradiciones iconográficas distintivas. La importancia de esta diversidad refleja la vasta geografía del patrimonio escrito armenio: estos manuscritos se produjeron en múltiples centros de aprendizaje y actividad artística dentro de la Armenia histórica y más allá, y hoy en día se conservan en bibliotecas y museos de todo el mundo, lo que demuestra tanto la amplitud geográfica e intelectual de la cultura armenia como su perdurable influencia global.

La exposición Por los caminos del mapa de la espiritualidad: el arte manuscrito armenio brinda la oportunidad de poder contemplar por primera vez en España obras únicas, muchas de las cuales nunca han salido de Armenia, que revelan la tradición milenaria del arte manuscrito armenio y conectan a ambos países en un nuevo espacio de diálogo cultural.

El Instituto «Matenadaran» Mesrop Mashtots de Manuscritos Antiguos, situado en Ereván (Armenia), alberga la mayor colección de manuscritos armenios del mundo y es uno de los centros de manuscritos más importantes a nivel internacional. Con cerca de 23.000 manuscritos en armenio y en otros idiomas, así como extensas colecciones de archivos e impresos, el Matenadaran funciona simultáneamente como repositorio, instituto de investigación, biblioteca, centro de restauración y museo.

La colección de manuscritos armenios refleja casi todos los campos de la vida intelectual medieval y moderna, incluyendo la teología, la historia, la filosofía, el derecho, la medicina, la geografía, las matemáticas, la astronomía, la música y las ciencias naturales. Una parte importante de este patrimonio consiste en literatura traducida, que comenzó inmediatamente después de la creación del alfabeto armenio en el siglo V.

Gracias a las traducciones armenias conservadas en el Matenadaran, varias obras de autores clásicos y de la Antigüedad tardía, como Eusebio de Cesarea, Filón de Alejandría y Efrén el Sirio, han sobrevivido exclusivamente o en su mayor parte en armenio, lo que confiere a la colección un valor excepcional para la erudición mundial.

De la rica colección de manuscritos del Matenadarán han sido seleccionados para esta exposición once códices únicos, creados en distintos centros escriturarios de diversas regiones del mundo y datados entre los siglos VIII–IX y el siglo XVIII. Junto a ellos se presentan también tres filacterias /hmayil en armenio/, consideradas una de las manifestaciones más singulares del arte escritural armenio.

Las filacterias contienen oraciones, textos bíblicos y fórmulas mágicas, y tradicionalmente se creía que protegían a quien los portaba de desgracias, enfermedades y fuerzas malignas. Con frecuencia están adornados con miniaturas de temática religiosa y con escenas relacionadas con la curación, la reprensión o la sumisión de los malos espíritus.

De entre los miles de manuscritos conservados en el Matenadarán, en la exposición se presenta también un manuscrito denominado Khndrakatár (de carácter intercesor o “milagroso”). La tradición de atribuir un poder especial a determinados manuscritos se formó entre los armenios como resultado de la interacción entre la cultura cristiana medieval y la piedad popular. En la sociedad armenia el manuscrito se percibía no solo como portador de conocimiento, sino también como un objeto sagrado. Por ello, algunos manuscritos —especialmente los libros de oraciones y los Evangelios— podían ser considerados, según la tradición popular, como poseedores de un poder intercesor o de cumplimiento de peticiones.

Los manuscritos seleccionados permiten a los visitantes familiarizarse con distintas etapas de la historia armenia, con la geografía de las comunidades armenias en la diáspora y con las particularidades estilísticas de la cultura manuscrita desarrollada en diferentes centros escriturarios. Las páginas ilustradas de los Evangelios presentados revelan las tradiciones artísticas de las escuelas de miniatura armenias de Cilicia, Vaspurakan, Nueva Julfa, Crimea y otros centros.

Algunos manuscritos han sido elegidos de modo que ofrezcan al visitante una visión simultánea tanto de las diferentes tradiciones de ilustración como de la diversidad de estilos en la encuadernación de los manuscritos armenios.

La imagen de Cristo presentada en los paneles de la exposición fue creada por el célebre miniaturista y escriba armenio del siglo XIII Toros Roslin. Las miniaturas de los manuscritos que escribió e ilustró se distinguen por su gran maestría, una rica paleta cromática y una notable profundidad psicológica de los personajes.

El artista gozó de gran prestigio en vida y trabajó por encargo de la familia real, de príncipes y de altos dignatarios eclesiásticos. Este enfoque y sus obras subrayan la estrecha relación entre el reino armenio y la misión divina.

La exposición incluye asimismo ejemplos excepcionales que ilustran la tradición y la historia de la cultura manuscrita. Entre ellos se encuentra un palimpsesto datado en los siglos VIII–IX. Los palimpsestos evidencian que la preparación y el tratamiento del pergamino eran procesos complejos, costosos y laboriosos, por lo que con frecuencia, siglos después, se escribían nuevos textos sobre textos más antiguos. El manuscrito presentado parece reunir en sí mismo dos niveles de contenido, combinando escritura y tradición.

Entre las piezas expuestas figura también uno de los ejemplos más singulares de la colección manuscrita del Matenadarán: el único manuscrito del siglo XVIII traducido del español al armenio.

Asimismo, se presenta un manuscrito que ha recorrido un largo proceso de restauración en el Departamento de Restauración del Matenadarán. Sus miniaturas, gracias al trabajo de los especialistas, fueron separadas, restauradas y presentadas nuevamente como páginas individuales. Este manuscrito restaurado reafirma el papel excepcional del Matenadarán y su compromiso con la preservación y la continuidad de los valores culturales.

La exposición tiene un recorrido libre de planta centralizada, que permitirá al visitante recorrer las obras siguiendo su curiosidad o interés.

Dra. Yvette Tajarian, comisaria de la exposición, directora del Museo Matenadaran  desde 2024, investigadora sénior en el Departamento de Estudios Orientales del Matenadaran desde 2013. Desde 2006, imparte clases como profesora en la Universidad Estatal de Ereván, donde ocupa la cátedra de Historia del Arte Armenio, y también ha dado conferencias en el Instituto de Diseño Toros Roslin de Ereván. La Dra. Tajarian obtuvo su doctorado en Historia del Arte por el Instituto de Arte de la Academia Nacional de Ciencias de la República de Armenia en 2006. Es autora de numerosos artículos académicos, libros y catálogos de exposiciones publicados en armenio, persa e inglés. La Dra. Tajarian ha comisariado y organizado más de 30 exposiciones en Armenia, Irán y Alemania, y es miembro del Consejo Científico de la Revista Cultural Trimestral de Teherán.

Datos de interés:
Por los caminos del mapa de la espiritualidad: el arte manuscrito armenio
Biblioteca Nacional de España (Paseo de Recoletos 20-22 – Sala Hipóstila)
Fechas: 26 de marzo de 2026 al 21 de junio de 2026
Entrada: Gratuita. Aforo limitado

Organizada por la Biblioteca Nacional de España, junto con el Ministerio de Educación, Ciencia, Cultura y Deporte de la República de Armenia y en colaboración con el Instituto Matenadaran Mesrop Mashtots de Manuscritos Antiguos y la Fundación Amigos de la BNE.

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El taller incluye una visita guiada al recorrido permanente, Pablo Picasso: Estructuras de la invención. La unidad de una obra, y a la exposición temporal Picasso Memoria y Deseo, además de todos los materiales necesarios.

Las inscripciones del taller, dirigido a adultos y con un precio de 25 € por persona, ya pueden adquirirse a través de la web del Museo y de forma presencial en las taquillas.

El Museo Picasso Málaga celebrará el sábado 11 de abril de 10.30 a 13.30 horas el taller de creación de moldes y vaciado para público adulto. En él se aprenderá esta técnica escultórica y cerámica fundamental que Pablo Picasso exploró durante su prolongada vida artística. Y es que, a lo largo de su trayectoria, el artista no solo se dedicó a la pintura y el grabado, sino que trabajó ampliamente la escultura y el modelado, experimentando con materiales como el yeso, el barro y el metal.

De hecho, el interés de Picasso por el volumen y la construcción de formas nuevas le convirtió en una figura clave en la renovación de la escultura del siglo XX. Desde sus primeras piezas modeladas en su juventud, hasta las obras monumentales de su madurez, el trabajo tridimensional acompañó siempre su búsqueda creativa.

El vaciado en yeso es una técnica clave en el ámbito escultórico o cerámico. Permite reproducir una forma a partir de un molde, trabajando con el volumen de manera directa. En este taller se abordará la creación de moldes en yeso a partir de objetos, además de su posterior vaciado en arcilla, siguiendo un proceso que incluye la preparación del molde a partir de la mezcla de yeso y agua.

El taller, que tendrá una duración de tres horas, incluye la visita guiada a la exposición Picasso. Memoria y Deseo, así como al recorrido permanente Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra. Los materiales necesarios están incluidos en el precio.

Las plazas son limitadas y la inscripción, que tiene un coste de 25 €, ya está disponible en la web del museo www.museopicassomalaga.org. También se puede realizar la inscripción presencialmente en las taquillas.

Noticias Museo Picasso Málaga

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Comisariada por Tamar Garb, catedrática de Historia del Arte en la University College London, la emblemática obra de Picasso se yuxtapone a African Guernica [Guernica africano] (1967) de Dumile Feni (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991), uno de los artistas clave de la modernidad africana.

El Museo Reina Sofía comienza un programa de exposiciones que, bajo el título La historia no se repite, pero rima, propone establecer un diálogo entre Guernica (1937) de Pablo Picasso y otras obras de arte significativas que presenten ciertos paralelismos en sus modos de representación o preocupaciones temáticas, pero procedentes de distintos contextos históricos y culturales. El título del ciclo es una frase tradicionalmente atribuida al escritor Mark Twain, pero apócrifa, jamás escrita por el autor.

En esta primera muestra, comisariada por Tamar Garb, la emblemática obra de Picasso se yuxtapone a African Guernica [Guernica africano] (1967). Junto al monumental dibujo de Dumile se pueden ver otras cinco obras del artista procedentes de importantes instituciones sudafricanas como la Universidad de Fort Hare, la Fundación Norval y el Wits Art Museum, así como de colecciones privadas. Además, se exponen con ellas cuatro dibujos de Picasso preparatorios para el Guernica, pertenecientes a las Colecciones del Reina.

El Museo Reina Sofía agradece a todos los prestadores y, en particular, a la Universidad de Fort Hare, Sudáfrica, por hacer posible este préstamo. También al National Heritage and Cultural Studies Centre (NAHECS), Sudáfrica, por su colaboración y apoyo a este proyecto.

Tal y como ha apuntado el director del Museo, Manuel Segade, “el African Guernica representa un momento trascendental de la crisis de la modernidad, el momento del apartheid en Sudáfrica, que es uno de los límites del proyecto moderno”. Por su parte, la comisaria, Tamar Garb, ha destacado que Dumile Feni “es un artista moderno que utiliza materiales de dibujo a una escala casi inaudita a nivel mundial en aquel momento”. Garb ha señalado que “si observamos las prácticas de dibujo a nivel global en la década de 1960, hay muy pocos artistas que trabajen a la escala épica y monumental de Dumile en esa época.”

Charla inaugural y concierto de música.

El 24 de marzo, coincidiendo con la inauguración de la muestra, se celebrará en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel la charla inaugural, que estará a cargo de la catedrática Tamar Garb y será presentada por el director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade. En su intervención, la comisaria abordará las posibilidades de análisis y reflexión que plantea la exposición en el Museo de African Guernica [Guernica africano, 1967], la pieza de Dumile Feni.

El encuentro terminará con el estreno mundial en directo de la pieza musical Inkomo iwile —que se traduce del zulú al inglés como The Cow Has Fallen [La vaca ha caído]—, nueve canciones que el artista sudafricano Philip Miller ha compuesto para esta ocasión en colaboración con Tshegofatso Moeng, y que trata de establecer un diálogo paralelo entre los sonidos tradicionales sudafricanos y el repertorio clásico de cuerda, voz y viento. Para ello, se ha reunido un completo elenco de intérpretes procedentes de Sudáfrica y España, quienes ofrecerán el concierto en directo con el generoso apoyo de la organización sudafricana Spier Arts Trust.

Además, el 25 de marzo, en el Auditorio 200, tendrá lugar el encuentro Pensar con el Guernica africano de Dumile Feni, en que la comisaria Tamar Garb junto con un panel de expertos en diferentes disciplinas, desde el arte y la antropología social hasta los estudios africanos y la historia de la violencia, reflexionarán de manera colectiva sobre los puntos de encuentro entre la obra de Pablo Picasso y la del artista sudafricano.

En el panel participan Siyabonga Njica, profesor en la University of Cambridge, Thozama April, conservadora jefe en el National Heritage and Cultural Studies Centre (NAHECS) de la University of Fort Hare, y Elvira Dyangani, directora del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA).

Museo Reina Sofía

Colección Arte Contemporáneo 1975 – Presente. Museo Reina Sofía

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El recorrido expositivo reúne figuras clave del arte del siglo XX como Giorgio de Chirico, Fernand Léger, Jean Cocteau, Man Ray o René Magritte, además de recoger la interpretación que Salvador Dalí y Federico García Lorca hicieron de la citada obra de Picasso. A lo largo de su recorrido la exposición despliega un fascinante y revelador diálogo entre la memoria y el deseo, el tiempo histórico y la modernidad, y sobre el modo en que la subjetividad transforma los símbolos de la cultura. Comisariada por Eugenio Carmona, catedrático de la Universidad de Málaga, miembro del Comité de Programación y del Patronato del Museo Picasso Málaga, está patrocinada por la Fundación Unicaja.

En las décadas de 1920 y 1930, la sociedad europea convivió con el colonialismo supremacista, el nacionalismo extremo, la amenaza bélica y las continuas crisis económicas. Sin embargo, los individuos manifestaron valientemente sus aspiraciones de emancipación y se produjo un liberador cambio en las mentalidades.

La exposición parte de la inspiradora y compleja pintura Estudio con cabeza de yeso (1925), que tanto impresionó a Dalí y Lorca, y pieza en la que se ha estimado que existe una «línea divisoria» en la producción de Picasso y en la evolución de su personalidad artística, al reflexionar en ella sobre el devenir del tiempo y la historia.

Picasso Memoria y Deseo quiere reflexionar sobre el sistema de las imágenes y su relación con el devenir del sujeto moderno en la obra de Picasso y sus contemporáneos. La propuesta parte de una obra realizada por el artista en 1925: Estudio con cabeza de yeso. En sinergia con la atmósfera surrealista, esta obra muestra que una época no es un universo mental fijo sino una articulación compleja de tiempos, referencias culturales y experiencias vitales.

Picasso alude, con sus figuras de yeso, al Sistema de las Bellas Artes y evoca «la figura paterna». Pero el busto de yeso protagonista de la pintura se escinde en varios perfiles y hace surgir su turbadora sombra. Picasso convirtió esta imagen polifacética tanto en emblema psíquico del sujeto dividido como en la metáfora del pasado que dialoga con el presente. Lo heterogéneo articula la vivencia de lo cotidiano. Y este es para Picasso el lugar de la memoria. Pero la memoria solo es traída al presente por el deseo. Por el deseo entendido no solo como pulsión sino como voluntad inagotable de vivir y transformarse. Así, Picasso convertirá el busto de yeso en emblema y le hará trascurrir a través de la sensualidad, el logro creativo, la poética de lo telúrico, la amenaza del monstruo y, finalmente, lo identificará con los signos vernaculares de la cultura española.

Datos de interés
Picasso Memoria y Deseo
Museo Picasso Málaga  Palacio de Buenavista (C/ San Agustín, 8. 29015 Málaga)
Fechas:14 de noviembre al 12 de abril 2026
Entradas:

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African Guernica, el dibujo monumental creado por el artista sudafricano Dumile Feni (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991) en los años sesenta, se expone por primera vez fuera de Sudáfrica en diálogo con Guernica (1937) de Picasso. La obra de Dumile Feni está profundamente vinculada a la procedencia de su autor, ya que surge en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. Contemplar ambas obras en espejo permite considerar sus referencias y recursos compartidos, similitudes y sinergias, y también las diferencias formales y figurales que son en gran medida consecuencia de su separación geográfica y temporal.

Por su parte, la composición musical de Philip Miller y Tshegofatso Moeng trata de establecer un diálogo paralelo entre los sonidos tradicionales sudafricanos y el repertorio clásico de cuerda, voz y viento. Para ello, se ha reunido un completo elenco de intérpretes procedentes de Sudáfrica y España, con el apoyo de la organización sudafricana Spier Arts Trust.

Philip Miller es un compositor y artista sonoro sudafricano que ha colaborado con coreógrafos, cineastas y artistas visuales. Su reciente proyecto con William Kentridge, The Head and the Load, se ha representado en la Tate Modern y el Armory de Nueva York.

Tshegofatso Moeng es cantante, arreglista, compositor y director musical sudafricano. Máster en Interpretación de Ópera por la Universidad de Maryland con una beca Fullbright, tiene una notable proyección internacional tanto en Europa como en América y África.

Charla inaugural y panel Pensar con el Guernica africano de Dumile Feni

El Museo Reina Sofía organiza una charla inaugural con motivo de la exposición La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano que ofrecerá la comisaria de la muestra, Tamar Garb, quien será presentada por el director del Museo, Manuel Segade, y un concierto de música con el estreno mundial de la pieza musical Inkomo iwile, de Philip Miller y Tshegofatso Moeng en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel.

En la charla inaugural la comisaria Tamar Garb abordará las posibilidades de análisis y reflexión que plantea la exposición en el Museo de African Guernica [Guernica africano, 1967], la pieza de Dumile Feni que se exhibe yuxtapuesta a la emblemática obra de Picasso. Martes 24 de marzo a las 18:30h. en el Edificio Nouvel, Auditorio 400. Entrada libre hasta completar aforo

Además, el 25 de marzo, en el Auditorio 200, a las 19:00 horas, tendrá lugar el encuentro Pensar con el Guernica africano de Dumile Feni, en que la comisaria Tamar Garb junto con un panel de expertos en diferentes disciplinas, desde el arte y la antropología social hasta los estudios africanos y la historia de la violencia, reflexionarán de manera colectiva sobre los puntos de encuentro entre la obra de Pablo Picasso y la del artista sudafricano.

En el panel participan Siyabonga Njica, profesor en la University of Cambridge, Thozama April, conservadora jefe en el National Heritage and Cultural Studies Centre (NAHECS) de la University of Fort Hare, y Elvira Dyangani, directora del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA).

Estas actividades forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos del Museo, y tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.

Museo Reina Sofía

Colección Arte Contemporáneo 1975 – Presente. Museo Reina Sofía

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El consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano, ha inaugurado la muestra, donde ha subrayado que “Valle-Inclán encontró en Madrid no solo un lugar de residencia, sino un escenario decisivo para su evolución creativa y para la construcción de un imaginario literario que forma parte del patrimonio cultural español”. Asimismo, ha señalado que “iniciativas como esta acercan al público a las grandes figuras de la literatura desde el rigor histórico y la divulgación cultural”.

Dramaturgo, poeta y novelista, Valle-Inclán es uno de los autores clave del siglo XX. Integrante de la Generación del 98 y creador del esperpento, su obra supuso una profunda renovación estética y una mirada crítica y moderna sobre la sociedad de su tiempo. Madrid, ciudad de tertulias, imprentas, cafés y estrenos teatrales, constituyó para él un entorno esencial que dejó una huella determinante en su producción.

Comisariada por Joaquín del Valle-Inclán Alsina, la exposición se articula en torno a las tres estancias del escritor en la capital (1891-1892, 1895-1912 y 1925-1935), y propone un recorrido que combina creación literaria, actividad pública y contexto cultural. El itinerario permite descubrir tanto sus obras más más representativas como aspectos menos conocidos de su trayectoria, entre ellas su labor como editor y diseñador, su proyección internacional y la relevancia que tuvieron las tertulias y los amigos que hizo en la capital en su evolución estética.

La muestra reúne cartas, manuscritos, primeras ediciones, publicaciones periódicas, dibujos, fotografías y objetos personales procedentes de los fondos de la Biblioteca Regional, junto con préstamos de la Biblioteca Nacional de España, la Hemeroteca Municipal de Madrid, el Museo de Valle-Inclán y la colección familiar.

Actividades complementarias

El Ejecutivo regional ha organizado un programa de actividades gratuitas que se desarrollará a lo largo de la primavera e incluirá, entre otras propuestas, visitas guiadas en fechas seleccionadas entre finales de marzo y mediados de junio, con dos pases diarios y previa inscripción.

Por su parte, el ciclo de encuentros y conferencias abordará la vigencia literaria y escénica de su obra desde distintas perspectivas. El comisario de la muestra junto al director del Museo Valle-Inclán de A Pobra do Caramiñal, Antonio González Millán, analizarán el vínculo del autor con la capital. Asimismo, la directora Ainhoa Amestoy y los directores Eduardo Vasco y José Carlos Plaza reflexionarán sobre la puesta en escena de títulos como Los cuernos de don Friolera, Luces de bohemia y Comedias bárbaras.

Igualmente, el académico Darío Villanueva examinará los paralelismos entre el Madrid literario de Luces de bohemia y el Dublín recreado por James Joyce en Ulysses, destacando las correspondencias estructurales entre ambas obras. La programación se completa con el espectáculo teatral Allá, en el mundo de la verdad. Una entrevista a Valle-Inclán, con texto de Ana Contreras Elvira y dirección de Ana Cavilla, del que se ofrecerán ocho representaciones con entrada libre hasta completar aforo.

El Gobierno regional incorpora también un ciclo de cine en el que se proyectarán las películas Luces de bohemia, Tirano Banderas y Esperpentos, con el objetivo de ofrecer una visión transversal que conecte literatura, teatro y cinematografía.

Más información e inscripciones en el web oficial del Portal del Lector

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Emocionada por la contundencia de la obra de Asins, García propone una acción bajo el título de (441 – 75): una conversación. La idea es un encuentro con la artista madrileña, Premio Nacional de Artes Plásticas en 2011 y pionera del computer art, fallecida hace una década.

La entrada es gratuita previa reserva de plaza en la web y en las taquillas del Museo Picasso Málaga. Por cuestiones de aforo, las plazas son limitadas.

La Obra invitada de Elena Asins, Antígona (2015) sigue centrando parte del programa de actividades en el Museo Picasso Málaga. Así, el jueves 9 de abril a las 20 h, pondrá en el centro las artes vivas de la mano de la performer y creadora Alessandra García, que propone (441 – 75): una conversación, un encuentro performático en las salas de la actual exposición temporal Elena Asins. Antígona. Emocionada por la contundencia de la obra que representa el nombre de esta trágica heroína en caracteres griegos (Aντιγόνη), García ha ideado una pieza que supone una invocación a la que fuera pionera del arte conceptual y del computer art en nuestro país, Elena Asins, Premio Nacional de Artes Plásticas en 2011.

La propuesta de Alessandra García pasa por lo que ella ha denominado “una ecuación performática”, que le permitirá comunicarse con la artista, fallecida en 2015. La acción se divide en tres partes, con un clímax final. Cada una de ellas representa un pilar importante en su obra. La performer comenzará contando hasta el 441, a la vez que se irá enraizando en la palabra Aντιγόνη, en un juego ritual para despertar el nacimiento de la obra de Sófocles. Al llegar al 441, como si un imán la expulsara, la performer realizará una danza vocal y corporal enumerando los años de vida de Elena hasta llegar al 1. Con esta fórmula, el resultado será una conversación de la performer con la “tumba”. García le pedirá consejo, mientras que Asins le hablará mediante un lenguaje codificado. Como quien acude a un oráculo: en este caso, a la madre del arte conceptual español.

Alessandra García es creadora y performer. Licenciada en interpretación textual por la ESAD de Málaga, su línea de trabajo está relacionada con el teatro participativo, relacional, y las artes vivas.  Entre sus proyectos destacan Aquella postura, Vulva, Patrimonio y La lista de la compra. Como performer inauguró el I Festival de Performance de Málaga en 2013 con La perra que habito. Ha presentado sus trabajos en instituciones artísticas como el MUPAM, la Colección del Museo Ruso de San Petersburgo Málaga y el Centro de Arte Contemporáneo (CAC), entre otros. Entre sus reconocimientos, destaca el Premio Max 2022 al Mejor Espectáculo Revelación por Mujer en cinta de correr sobre fondo negro, por la que también quedó como finalista como mejor actriz y mejor autoría teatral revelación. Compagina su trabajo artístico con la programación de artes escénicas y musicales del espacio Contenedor Cultural, de la Universidad de Málaga (UMA).

La inscripción a esta actividad es gratuita, y se puede realizar en la web del museo www.museopicassomalaga.org. Las plazas son limitadas.

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Los participantes podrán adentrarse en exposiciones como Picasso Memoria y Deseo, donde descubrirán la obra de maestros como Salvador Dalí o René Magritte, así como recorrer las salas de la muestra Elena Asins. Antígona.

La actividad está dirigida a niños y niñas de 4 a 12 años, que podrán inscribirse al taller completo o por días sueltos en la web www.museopicassomalaga.org o de forma presencial en las taquillas.

Crear juegos a partir del arte. Es la premisa inicial y estimulante de El arte de jugar, título con el que se presentan este año los talleres de Semana Santa del Museo Picasso Málaga, que tendrán lugar durante las mañanas del lunes 30, martes 31 de marzo, y miércoles 1 de abril. El horario es de 10 a 14 h, pero también hay posibilidad de ludoteca de 9 a 10 h. Una propuesta formativa para que los más pequeños artistas disfruten estos días de vacaciones en un espacio lúdico, creativo y participativo. En esta ocasión, la inspiración parte del arte moderno y contemporáneo: de la inagotable capacidad de experimentación de Pablo Picasso -y su extraordinaria producción-, así como del lenguaje geométrico y estructural de Elena Asins.

La práctica artística se convertirá, así, en un auténtico terreno de juego donde imaginar, construir y compartir. A través de dinámicas colaborativas, niñas y niños diseñarán sus propios juegos visuales, utilizando diversos materiales artísticos. Al mismo tiempo, podrán explorar conceptos como la geometría, el color, la forma y la narración. A lo largo de las tres jornadas, pinturas, acrílicos, distintos tipos de papel, corcho y madera se combinarán con la imaginación y la colaboración. Entenderemos el juego no solo como entretenimiento, sino como una forma activa y estimulante de acercarse al arte desde la curiosidad, la experimentación y la creatividad compartida.

Los participantes tendrán la oportunidad de descubrir, en la exposición Picasso Memoria y Deseo, la obra de Salvador Dalí, Giorgio de Chirico o René Magritte, entre otros. Conocerán asimismo la imponente instalación de Elena Asins, Antígona, protagonista de otra de las muestras temporales del MPM. Este excepcional conjunto de artistas será el punto de partida para imaginar nuevas posibilidades, y para explorar cómo las obras pueden transformarse en retos y experiencias compartidas que estimulan la observación, la lógica, la invención y el trabajo en equipo.

El taller completo, que tiene un coste de 75 € (25 € por día suelto), está dirigido a niños y niñas de entre 4 y 12 años. Descuento del 20 % a partir del segundo hermano. Las plazas son limitadas y la inscripción ya está disponible en la web del museo www.museopicassomalaga.org. También se puede realizar la inscripción de manera presencial en las taquillas.

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