Ante este hecho, el ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, ha declarado que “es motivo de orgullo la incorporación de tres candidaturas españolas al Registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO y el reconocimiento que esto supone para el patrimonio documental español”. Wert ha añadido que “el Ministerio se siente especialmente satisfecho de este reconocimiento, que es muestra de la colaboración y puesta en común de los Archivos Estatales con otras instituciones culturales españolas y japonesas”.

Los bienes incluidos en el Registro de la ‘Memoria del Mundo’
La primera de las candidaturas corresponde al conjunto de documentos denominados Decreta de la Curia Regia o Cortes de León de 1188 reconociendo de esta manera a León como cuna del parlamentarismo europeo. Incluye documentos conservados en el Archivo de la Catedral de Ourense, la Biblioteca Capitular y Colombina de Sevilla, la Biblioteca Nacional de España y el Archivo Histórico Nacional.

La segunda se refiere al Llibre del Sindicat Remença de 1448 del Archivo del Ayuntamiento de Girona, candidatura elaborada por el Ayuntamiento de Girona.

Finalmente, la propuesta hispano-japonesa incluye 94 documentos españoles custodiados en el Archivo General de Simancas y en el Archivo General de Indias y 3 documentos conservados en el Museo Municipal de Sendai en Japón. El núcleo fundamental de estos documentos constituyen la exposición ‘De Japón a Roma buscando el sol de la cristiandad: la embajada de Hasekura (1613-1620)’, inaugurada el pasado viernes por el Príncipe Heredero de Japón y que puede visitarse hasta el día 15 de agosto en el Archivo General de Indias de Sevilla.

“Estas tres nuevas inscripciones”, ha añadido José Ignacio Wert, “se suman a las inclusiones en el Registro de los ejemplares originales del Tratado de Tordesillas que se conservan en el Archivo Nacional da Torre do Tombo de Lisboa y el Archivo General de Indias de Sevilla, presentada conjuntamente por España y Portugal, y de las Capitulaciones de Santa Fe, conservadas en el Archivo de la Corona de Aragón en Barcelona”.

Esta feria, organizada por IFEMA, transcurrirá del 4 al 6 de octubre en Feria de Madrid

En esta ocasión, la competición se desarrollará los días 4 y 5 de octubre y tendrá como temas los conceptos Flor de Loto y Burlesque

La decimo sexta edición de Salón Look Internacional 2013, Feria de la  Imagen y la Estética Integral, organizada por IFEMA -que transcurrirá del 4 al 6 de octubre en Feria de Madrid-, incluirá  una nueva convocatoria de su Campeonato de Maquillaje.

En esta ocasión, la competición se celebrará los días 4 y 5 de octubre, en el pabellón 7 de Feria de Madrid.  Las temáticas elegidas en esta edición serán el viernes 4, Burlesque, y el sábado 5, Flor del Loto. El maquillaje oriental Flor de Loto, muy delicado y cuidado, permite al profesional desarrollar su trabajo con productos poco habituales hasta lograr una belleza visual muy impactante y una piel transparente y bella. Este tipo de maquillaje, renovado y modernizado, es con frecuencia la base de los que lucen las modelos en los desfiles de moda.

Por su parte, el maquillaje Burlesque es una reinterpretación de las chicas pin-up, mezclada con el estilo Marilyn Monroe. Este estilo, muy sofisticado, sexy y sensual, tiene como principal característica destacar  ojos y labios de forma espectacular, ofreciendo al profesional infinitas posibilidades hasta lograr una imagen de feminidad deslumbrante.

El precio de inscripción del profesional en estos campeonatos es de 50 euros en una de las modalidades y 90 euros, en las dos. Las inscripciones se realizan a través de la página web   www.salonlook.ifema.es.

Últimos avances en el ámbito de la belleza

La edición 2013 de Salón Look Internacional volverá a reunir en torno a su celebración  la mayor panorámica en España del sector de la Estética y la Peluquería Profesional, en esta ocasión, en los pabellones 7, 8 y 14.1 de Feria de Madrid. En paralelo a su área comercial, el salón contará con diversas actividades paralelas, además de los Campeonatos de Maquillaje, como son, entre otras, las Nailympics, la competición más prestigiosa del mundo de las Uñas, el Congreso de Estética, el Congreso de Spa & Wellness y la Pasarela Hair Look. Con todo ello, Salón Look Internacional se plantea un año más como el mejor escaparate profesional donde dar a conocer los nuevos avances realizados en el ámbito de la belleza y el cuidado personal.

Del 19 de junio al 29 de septiembre de 2013

La Palma acoge la exposición “Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado” formada por 44 pinturas de los más destacados maestros del género que atesora el Museo del Prado. Se trata de la primera exposición compuesta íntegramente por fondos del Prado que se celebra en las Islas Baleares.

La exposición realiza un recorrido por el evocador mundo del paisaje nórdico apreciando la maestría con la que los pintores representaron con fidelidad montañas, bosques, campiñas, ríos, mares, parajes cubiertos de nieve o canales helados, inmersos en una luz naturalista.

Durante la Edad Moderna, los italianos llamaron “nórdicos” a los pintores de las tierras que estaban más allá de los Alpes y fundamentalmente a los de los Países Bajos. Allí, el contexto social y cultural hizo que, a lo largo del siglo XVII, pintores y coleccionistas se apartaran en gran medida de los temas heroicos propios de la pintura de historia en favor de asuntos cotidianos, pero igualmente aptos para la pintura. Entre ellos estaba el paisaje, que pasó a convertirse en un género pictórico independiente en el que el asunto representado se relega a un segundo plano y se convierte en pretexto para representar con fidelidad los elementos de la naturaleza.

Comisariada por Teresa Posada Kubissa, Conservadora de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte (hasta 1700), la muestra está compuesta por 44 obras y entre los pintores que integran esta exposición figuran los más destacados maestros del género, con obras tan representativas como Paisaje alpino de Tobias Verhaecht, uno de los maestros de Rubens; La vida campesina y Boda campestre de Jan Brueghel el Viejo, además de La Abundancia y los Cuatro Elementos que pintó en colaboración con Hendrick van Balen o Mercado y lavadero en Flandes en colaboración con Joos de Momper el Joven; Paisaje con gitanos y Tiro con arco de David Teniers o los dramáticos Asedio de Aire-sur-a-Lys de Peeter Snayers y Bosque con una laguna de Jan Brueghel el Joven y taller.

Las dos tipologías más características del paisaje nórdico –el paisaje de invierno y el paisaje de agua– están representadas con obras tan delicadas como El puerto de Ámsterdam en invierno de Hendrick Jacobsz Dubbels o Paisaje con patinadores de Joos de Momper el Joven; y por pinturas como Playa con pescadores de Adam Willaerts, que une el paisaje con la escena de género. Un puerto de mar y Paisaje con desembarco de holandeses en tierras de Brasil de Jan Peeters aluden a las lejanas tierras a las que las rutas comerciales llevaron a los holandeses. Y, por último, está Rubens, el gran maestro flamenco, cuyos paisajes constituyen la parte más íntima, más personal de su producción. De ellos se expone el soberbio Atalanta y Meleagro cazando el jabalí de Caledonia, una de las obras cumbres del paisaje nórdico. La exposición concluye con algunos de los paisajes encargados por el monarca español Felipe IV para decorar el palacio del Buen Retiro de Madrid a Claudio de Lorena y Jan Both, jóvenes pintores nórdicos que iniciaron en Roma el llamado “paisaje italianizante” que en Holanda contó con numerosos seguidores. Pero el más destacado fue Philips Wouwerman, que se especializo en la representación de cacerías como Parada en la venta que adelantan ya el gusto rococó.

Datos de interés:
“Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado”
Fechas: 19 de junio – 26 de septiembre de 2013
Sede: CaixaForum Palma Plaça de Weyler, 3 – 07001 Palma
Horario: De lunes a sábados, de 10 a 21 h. Domingos y festivos, de 10 a 14 h

Imágene:Paisaje con gitanos. David Teniers el Joven. Óleo sobre lienzo, 177 x 239 cm. h. 1641 – 1645. Madrid, Museo Nacional del Prado

Más información en: http://www.ca2m.org/es/familias

Centro de Arte Dos de Mayo (www.ca2m.org)
Avda. Constitución 23
28931 Móstoles, Madrid
T (+34) 91 276 02 21

C5 MóstolesL12 Pradillo

Entre las obras expuestas están las de los artistas premiados, Marcos Abella Serrano y Juan Jesús Dueñas, así como las obras de Raquel Banegas Salcedo, María Antonia Chorro Revuelta, Lara Emo Marty, Gloria López Cleries y Eva Ruiz Muñoz que han merecido una Mención de Honor.

Los artistas premiados disfrutarán de una beca de trabajo en los talleres Pilar i Joan Miró, donde, entre los meses de mayo y septiembre, se celebran varios cursos de una duración aproximada de 15 días que tratan gran diversidad de temas relacionados con todas las facetas del arte gráfico.

Lugar de encuentro del arte de la estampa
El Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores, cuyo origen se remonta a 1996, año en el que coincide la conmemoración del 250 aniversario del nacimiento de Goya y del bicentenario de la invención de la litografía por Alöis Senefelder, se ha convertido en estos años en lugar de concurso y encuentro de los diferentes centros de enseñanza dedicados al arte de la estampa. En él tienen cabida todos los sistemas susceptibles de crear imágenes múltiples y, en ese amplio horizonte, deben ser incluidas las tecnologías de vanguardia y los materiales alternativos que están provocando la renovación del concepto de estampa.

El concepto de jóvenes creadores nada tiene que ver con un criterio de edad. El acercamiento a la práctica del arte gráfico no es privativo de un grupo de edad específico. El certamen, además de ser un estímulo para que se consoliden como excelentes artistas gráficos, realiza una labor de mecenazgo cultural que apoya y promociona los trabajos de estos jóvenes artistas.

Exposición del Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores
Del 20 de junio a 1 de septiembre
Museo Casa de la Moneda

Con un total de 130 obras, el recorrido propone diálogos sorprendentes entre obras de grandes maestros como Turner, Gainsborough, Ingres, Vernet y Fantin-Latour, artistas contemporáneos como Craigie Horsfield, Rineke Dijkstra, Thomas Struth, Richard Learoyd, Ori Gersht y Beate Gütschow, y pioneros de la fotografía del siglo XIX como Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray y Roger Fenton.

Herramienta auxiliar y expresión artística
A lo largo del siglo XX, pintores y escultores usaron la fotografía como herramienta auxiliar, pero también como medio de expresión artística. “Hablamos de la pertenencia al material histórico para el fotógrafo”, explicó la comisaria de la muestra, Hope Kingsley.

Al mismo tiempo, los fotógrafos sienten gran admiración por la obra de los grandes maestros de la pintura, quienes les proporcionarán referencias visuales, modelos de composición, temas y personajes. Así, se trata de un proyecto triple que contrapone la fotografía contemporánea con obras maestras de la pintura y con las primeras imágenes de la historia de la fotografía.

A través de géneros tradicionales, como son el retrato, el desnudo, la naturaleza muerta y el paisaje, se van promoviendo diálogos tanto en lo referente al estilo visual como a la experimentación técnica y al método artístico. La contraposición de imágenes antiguas y modernas (cuadros, daguerrotipos e instantáneas) provoca un choque visual que suscita un efecto fascinante en el espectador.

Conexiones con la actualidad
Las múltiples conexiones con la actualidad recalcan la vigencia de los géneros históricos y suponen una puerta de entrada para el público no especializado pero interesado en el pasado y el presente de la cultura visual.

En total 130 obras, entre fotografías y pinturas básicamente, pero también esculturas, dibujos y videoinstalaciones. Así, se exhiben algunas obras excepcionales de grandes maestros como por ejemplo Turner, Gainsborough, Ingres, Vernet y Fantin-Latour dialogan con artistas contemporáneos de la talla de Craigie Horsfield, Rineke Dijkstra, Thomas Struth, Richard Learoyd, Ori Gersht y Beate Gütschow, quienes a su vez exploran la deuda contraída con sus predecesores del siglo XIX, como Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray y Roger Fenton.

Piezas exclusivas
La muestra incluye una serie de fotografías y vídeos especialmente creados para la exposición, como son las obras de Maisie Maud Broadhead y Jorma Puranen, y otros que nunca antes habían sido exhibidos al público, como por ejemplo la pieza de José Manuel Ballester.

Se pueden ver también interesantes diálogos como los de las imágenes religiosas de la fotógrafa del siglo XIX Julia Margaret Cameron y de la artista del siglo XX Helen Chadwick con el espectacular cuadro de un campo de batalla de Émile-Jean-Horace Vernet, de 1821, y la obra de Luc Delahaye de 2001.

Otras asociaciones sorprendentes son la de los retratos sociales de Tina Barney y la obra mordaz de Martin Parr, expuestos junto a El señor y la señora Carter, de Thomas Gainsborough (c. 1750), y la de los desnudos del pionero de la fotografía Oscar Gustave Rejlander al lado de artistas contemporáneos como Richard Learoyd. Asimismo, las fotografías de Craigie Horsfield y del artista victoriano David Wilkie Wynfield mostrarán la influencia barroca de Anton van Dyck.

Seducidos por el arte. Pasado y presente de la Fotografía
Del 19 de junio al 15 de septiembre
CaixaForum Madrid
De lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 horas
Entrada, 4 euros

En el edificio Sabatini (Salas A1) del Museo se representan cinco piezas que se construyeron en su día en el loft de Yoko Ono.

Se trata de una de las piezas clave de la exposición que recrea la disposición de las construcciones de danza de la coreógrafa que en su día se vieron en este espacio neoyorkino.

Para las performances que realizó Simone Forti en su día participan ahora un grupo de jóvenes profesionales de la danza elegidos por la propia coreógrafa para que representen las obras todos los días entre las 12:00 h y 20:00 h.

En la primavera de 1961, La Monte Young organiza una revolucionaria serie de “conciertos” en Nueva York, primero en el estudio loft de Yoko Ono en Chambers Street (Nueva York), y, después, en la AG Gallery de George Maciunas.

Simone Forti (Florencia, Italia, 1935), coreógrafa y performer de danza contemporánea, participa en estos conciertos e inventa un híbrido entre danza y escultura que define como “construcciones de danza”. Su programa titulado Five Dance Constructions and Some Other Things se presentó por primera vez en en el loft de Yoko Ono.

Cada una de las piezas de danza se representaban en un  lugar diferente del espacio de manera que la audiencia se moviera de una zona a otra para contemplarlas. Algunas de las piezas requerían estructuras elementales que se disponen a través del estudio como una instalación escultural.

Ahora en el Museo Reina Sofía el público que se acerque a la muestra podrá ver todos los días, entre las 12h. y 20h. cinco de aquellas piezas creadas por Forti para ese espacio. En concreto, se trata de las tituladas Huddle, Slant Board, Platforms y Accompaniment for La Monte’s 2 sounds (without La Monte’s 2 sounds) y Censor.

En la pieza Huddle (Apiñamiento) un grupo de entre cinco y ocho performers se colocan muy cerca unos de otros mirándose entre sí en el centro del espacio. Forman el “apiñamiento” inclinándose hacia adelante y abrazándose por los hombros o la cintura sin dejar espacio entre ellos; es una escultura viva.

Slant Board requiere una rampa de madera y varias cuerdas con nudos que sirven para que los performers se deslicen de un lado a otro con movimiento calmado y continuo.

La pieza Platforms representa un dueto amoroso en el que dos performers, ocultos bajo cajas de madera, manifiestan su amor a través de los silbidos. Por último, Accompaniment for La Monte’s 2 sounds (without La Monte’s 2 sounds) requiere una cuerda colgada del techo que se enrolla y vuelve a su ser.

Simone Forti: Artista y coreógrafa. Formada con Martha Graham y Merce Cunningham, fue miembro del Judson Church Dance Theater en Nueva York. Es profesora adjunta visitante en el World Arts and Cultures Department de la University of California Los Angeles.

Artistas: Ricardo Santana, Raquel Sánchez, Clara Graziolino, Germán de la Riva, David Herráez, Ángel Montero, Elena Murcia y Tania Arias.

Datos de interés:
“± I96I. La expansión de las artes”
Fechas: 18 de junio – 28 de octubre de 2013
 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Edificio Sabatini. Salas A1

Comisarios: Julia Robinson y Christian Xatrec
Coordinación: Beatriz Jordana y Rafael García

Performances de Simone Forti: Todos los días de 12:00 h y 20:00 h.

Conferencia, a cargo de los comisarios: En torno a ± I961. La expansión de las artes, e intervención de Simone Forti. 19 de junio de 2013, 17:30 h.

De esta manera la Comunidad de Madrid no solo consolida la protección de estos enclaves sino que impulsa su promoción turística, comercial y cultural.  Este proyecto, recogido en el Plan de Turismo de la Comunidad de Madrid, prevé incrementar en 50.000 el número de visitantes a estas ciudades durante el primer año de su puesta en marcha.

Persigue divulgar el patrimonio cultural y paisajístico de la región, así como favorecer las condiciones necesarias para garantizar el conocimiento y la sostenibilidad de los recursos patrimoniales, turísticos, culturales y comerciales de las tres localidades. Asimismo con esta iniciativa la comunidad de Madrid busca potenciar el turismo de interior, fidelizar al turista que viaja por motivos culturales y desarrollar nuevos productos que tengan como base el patrimonio histórico.

Así lo destacó la consejera de Empleo, Turismo y Cultura, Ana Isabel Mariño, en el acto de la firma que tuvo lugar en San Lorenzo de El Escorial, y en el que participaron el consejero de Economía y Hacienda, Enrique Ossorio; el consejero de Transportes y presidente del Consorcio Regional de Transportes, Pablo Cavero; el presidente del Consejo de Administración de Patrimonio Nacional, José Rodríguez-Spiteri; el director del gabinete de Presidencia de Renfe, Enrique Peña; la alcaldesa de Aranjuez, María José Martínez de la Fuente; el alcalde de San Lorenzo de El Escorial, José Luis Fernández-Quejo y el alcalde de Alcalá de Henares, Javier Bello.

El pasaporte ‘Ciudades Legado’
Las ‘Ciudades Legado’ facilitarán su visita través de un pasaporte turístico con el que será posible obtener precios especiales en museos y monumentos, así como en los 157 establecimientos comerciales, restaurantes y hoteles adheridos hasta el momento al programa en los tres municipios. Todos ellos ofrecerán promociones desde el 5 al 10% de descuento en sus productos, así como servicios adicionales, como el que prestará el Mercado de Abastos de Aranjuez: una consigna gratuita en cámara refrigerada durante el horario de apertura del mercado, lo que permitirá continuar con la visita turística con total comodidad.
A ello se suman los bonos anuales y bimensuales de visitas a los Reales Sitios, gestionados por Patrimonio Nacional, o las bonificaciones en los billetes turísticos del Consorcio Regional de Transportes y de Renfe. En concreto, con el convenio ratificado, el Consorcio Regional de Transportes de Madrid rebajará un 10% el billete turístico que da servicio a los tres enclaves, siempre que se acredite estar en posesión del pasaporte ‘Ciudades Legado’. Este billete turístico se venderá tanto en las tres ciudades Patrimonio como en la oficina de Turismo del Ayuntamiento de Madrid, situada en la  Plaza Mayor.

El Consorcio incluirá la iniciativa en un plano diseñado para potenciar el turismo en el transporte público en toda la región, el cual se entregará con el billete turístico y el pasaporte en las zonas de compra. El pasaporte puede obtenerse en toda la red de Oficinas de Turismo de la Comunidad de Madrid y se tiene que sellar en las Oficinas de Turismo de las ‘Ciudades Legado’. Una vez conseguidos los sellos de las tres localidades se podrá solicitar la colección de Rutas de Turismo Cultural que edita la Dirección General de Turismo de la Comunidad de Madrid.

Toda la información sobre este programa ‘Ciudades Legado’ se puede obtener en la página web www.madrid.org/turismo, así como en las oficinas de información y webs de las diferentes entidades que forman parte del convenio.

Patrimonio monumental, cultural y paisajístico
El Real Sitio de San Lorenzo de El Escorial se convirtió en Patrimonio Mundial de la Unesco en 1984. La Basílica, las habitaciones del Palacio de Felipe II o el Jardín de los Frailes, así como el magnífico entorno natural que conforman el Monte de Abantos y el Bosque de la Herrería sitúan a esta localidad como uno de los lugares más reconocidos universalmente.

La ciudad de Alcalá de Henares fue declarada Patrimonio de la Humanidad en 1998, reconociendo con ello su condición de primera ciudad universitaria planificada como tal en el mundo. La Casa Natal de Cervantes, la Catedral Magistral, la Capilla del Oidor o el Palacio Arzobispal, son alguno de los atractivos que exigen acercarse a pasear por las calles de esta localidad madrileña.

El Paisaje Cultural de Aranjuez fue declarado Patrimonio Mundial por la Unesco en el año 2001. Es el ejemplo vivo de la maravillosa simbiosis entre manifestaciones artísticas y belleza natural. Además del Palacio Real y sus Jardines, la Casita del Labrador, el Museo de Falúas o el entorno privilegiado de los Jardines Históricos, hacen obligada una visita a Aranjuez.

A su amplio legado monumental, las tres ciudades suman destacadas fiestas populares, tradiciones, gastronomía, compras, servicios e infraestructuras que les hacen recibir anualmente un millón y medio de turistas, un 15% del total de los que llegan a la región, en su mayor parte procedentes del mercado nacional, y de ellos, la mitad de dentro de la propia Comunidad. De los que acceden desde fuera de España, que representa un 40% del total, provienen fundamentalmente de Francia, Italia, Estados Unidos, Alemania y de otros países latinoamericanos.

Serán más de setenta piezas que abarcan casi cuatro décadas de su trabajo y muestran una evolución de su trabajo desde una perspectiva única. En la exposición, además, se podrán ver esculturas inéditas (Unicornio, 2009; Tatuaje, 2005; Fantomas, 2007 y Wadorf Astoria, 2012).

La naturaleza
“La naturaleza te condiciona, me introduce en un mundo mitológico”, dice Eduardo Arroyo de su trabajo en la escultura. En la exposición que presenta el CAC Málaga, el artista saca a la luz personajes, reales o inventados, que forman parte de la mitología o bien históricos (La maja desnuda, 1987) que parecen sacados de un mundo irreal, pero que son reconocibles a través de sus inquietantes rostros o rasgos. Realizados en piedra, bronce, madera, plomo o hierro, otra particularidad de su trabajo en la escultura es su tamaño y considerable peso.

Eduardo Arroyo es un artista polifacético, aunque destaque en su faceta pictórica y en la escultura, ha realizado trabajos en las escenografías de obras de teatro y cine y es escritor e ilustrador. En más de una ocasión ha mencionado la necesidad de “alejarse” de la pintura y trabajar en otras disciplinas para de nuevo volver al dibujo y la pintura. “El destino de un pintor es serlo hasta el final”, ha afirmado.

Figuración narrativa
Eduardo Arroyo es un artista destacado de la figuración narrativa, que es una tendencia artística que surge en los años sesenta en París y se presenta como la alternativa a las corrientes dominantes de abstracción. En su vertiente más política, la figuración narrativa tiene reminiscencias del Pop Art. Tan sólo tres años después de llegar a París, en 1961, participó en su primera exposición y a partir de ahí vinieron otras intervenciones compartiendo espacio con artistas como Francis Bacon, Matta o Dubuffet. En 1963 participó en la III Bienal de Paris.

Arroyo invita a viajar al espectador a un mundo fantástico, a través de las figuras y rostros inquietantes de sus personajes ligados a la historia y naturaleza del entorno desde el que se ha extraído la materia prima o bien ha sido creada la pieza. En 1982 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1995, junto con el escultor Andreu Alfaro, representó a España en la 46 Bienal de Venecia. El artista vive y trabaja actualmente entre Madrid y Paris.

En palabras del director del museo, el año 1961 es el “año del Big Bang de arte contemporáneo” y la exposición es “un ejercicio de microhistoria”. “Algunas veces hay que volver a aquellos momentos clave”, aseguró el director del Reina Sofía.

Inicio de la postmodernidad
La muestra explora los orígenes del cambio, la experimentación y las primeras actividades colectivas que abrieron paso a una expansión sin precedentes de la noción de “composición” y que generaron un proyecto multidisciplinar que se desarrolló en el transcurso de ese mismo año.

La exposición se concentra en la cristalización inicial de algunas ideas fundamentales, con especial hincapié en los precursores, como Anna Halprin y John Cage, y en las obras decisivas creadas en torno a esta fecha de autores como La Monte Young, Robert Morris, George Brecht, Henry Flynt, Simone Forti, Jackson Mac Low, Walter De Maria, George Maciunas, Ray Johnson, Emmett Williams, Nam June Paik, Yoko Ono y otros.

Arte sonoro
Como recordó Borja-Villel, en ese momento se producen dos hechos que cambiarán la manera de concebir el arte: la publicación de los textos de John Cage y la liberación de la partitura como soporte que permitirá la incorporación del texto. Y es que el arte sonoro nace en estos años.

En este sentido, Julia Robinson, comisaria de la muestra, afirmó que “la música se convierte en el arte más avanzada”. “Los 60 es la primera década del siglo XX que comparte el ADN mediático que tenemos actualmente”, asegura Robinson.

Lo efímero y lo contingente
La exposición recurre a lo efímero y a lo contingente para explicar el origen de esta constelación de ideas que influiría posteriormente en el minimalismo, el movimiento Fluxus, el arte conceptual y en otros artistas.

La muestra arranca con espacios dedicados a introducir al espectador en este discurso, a través de fotografías y documentación relacionada con John Cage. La música tiene un espacio exclusivo al comienzo de la exposición y se pueden escuchar piezas de Henry Flint, de Terry Jennings, de Earle Brown, Richard Maxfield, Toshi Ichiyanagi, Christian Wolff y Joseph Byrd. Si continuamos el recorrido, nos introducimos en un amplio espacio en el que se presentan piezas que se construyeron en su día en el loft de Yoko Ono.

Importancia de la danza y la performance
En la primavera de 1961, La Monte Young organiza una revolucionaria serie de “conciertos” en Nueva York. Simone Forti, coreógrafa y performer de danza contemporánea, participa en estos conciertos e inventa un híbrido entre danza y escultura que define como “construcciones de danza”. Cada una de las piezas de danza se representaba en un lugar diferente del espacio de manera que la audiencia se movía de una zona a otra para contemplarlas.

Ahora en el Museo Reina Sofía, el público que se acerque a la muestra podrá ver todos los días, entre las 12:00 h y 20:00 h cinco de aquellas piezas creadas por Forti para ese espacio.

“Desprofesionalización” de la música
A John Cage se le dedica un espacio importante en el que se puede escuchar su Lecture Indeterminacy. La partitura musical fue un elemento central de la actividad creativa del momento; se había liberado de la anotación convencional y se forjaba en formatos gráficos y lingüísticos. Las clases de “Composición experimental” que dictó John Cage en la New School for Social Research de Nueva York entre 1956 y 1960, y los famosos “cursos de verano” que impartieron los compositores más influyentes en Darmstadt, el epicentro de la Nueva Música, sirvieron para divulgar las nuevas ideas entre los estudiantes de composición musical y los círculos de poetas jóvenes.

Como la mayoría de los alumnos no sabía escribir música, componían las partituras con palabras. Así comenzó un importante proceso de “desprofesionalización” de la música que permitió que la partitura se prestara a otros usos artísticos. Muchas de ellas pueden contemplarse repartidas por las diferentes salas de esta muestra.

El espectador podrá ver collages de Ray Johnson y del bailarín y coreógrafo James Waring, que realizó los diseños para Aileen Passloff. Los trabajos de algunos de los artistas europeos del momento Nam June Paik, Emmett Williams y Dieter Roth, se encuentran agrupados en otro espacio. En el último tramo de la muestra hay una sala dedicada a Fluxus, movimiento impulsado por Maciunas. Cierra la exposición un conjunto de piezas de Robert Morris y Simone Forti, y la intervención Yam Lecture de George Brecht y Robert Watts.

± I96I. La expansión de las artes
Del 18 de junio al 28 de octubre
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisarios: Julia Robinson y Christian Xatrec

Performances Simone Forte…