Con una duración total de 9 horas repartidas en tres sesiones –jueves 7 y viernes 8 de mayo, de 17 a 20 h. y sábado 9 de mayo de 10 a 13 h.-, el taller combina el trabajo práctico en el taller con la visita a las salas del Museo, poniendo en diálogo la cerámica de Picasso con la creación contemporánea.

La inscripción, con un precio de 45 €, ya puede realizarse en las taquillas del Museo y en la web www.museopicassomalaga.org. Las plazas son limitadas.

Partiendo del recorrido permanente Pablo Picasso. Estructuras de la invención. La unidad de una obra, el Museo Picasso Málaga organiza el taller intensivo de cerámica contemporánea Hacer un jarrón, llenarlo de flores, que impartirá el ceramista Pablo Little. Tendrá una duración total de 9 horas, repartidas en tres sesiones: jueves 7 y viernes 8 de mayo, de 17 a 20 h y sábado 9 de mayo, de 10 a 13 h. Dirigido al público adulto, esta propuesta invita a adentrarse en los procesos creativos y técnicos de esta disciplina desde una perspectiva actual.

A lo largo del taller, los participantes desarrollarán una pieza cerámica propia, ya sea un jarrón u otro objeto escultórico, recorriendo de forma acompañada todas las fases del proceso creativo: desde la concepción inicial de la idea hasta su materialización final. La actividad combinará el trabajo práctico en el taller con un recorrido por las piezas cerámicas presentes en la exposición, estableciendo un diálogo directo entre la obra de Pablo Picasso, la práctica artística contemporánea y la exploración personal de cada participante.

La primera jornada comenzará con una introducción al trabajo y al proceso creativo de Pablo Little, que servirá como punto de partida para definir y organizar los proyectos individuales. A partir de esta base, el trabajo se estructurará de manera progresiva, acompañando a cada participante en el desarrollo de su idea, desde el boceto inicial hasta la ejecución de la pieza.

Durante el taller se emplearán técnicas tradicionales de la cerámica, como el modelado en barro mediante churros y el uso de terraja, combinadas con la experimentación en superficie a través del desarrollo de una carta de color en engobes y su posterior aplicación. Este enfoque permitirá a los asistentes explorar tanto los aspectos formales como expresivos del lenguaje cerámico, fomentando la investigación personal y la libertad creativa.

Pablo Little (Pablo Rodríguez, Córdoba, 1989) es un artista que observa el mundo desde las emociones, situándose simbólicamente entre el “adulto pequeño” y el “niño grande”. Estudió Comunicación Audiovisual y Gestión Cultural y comenzó a dibujar de manera autodidacta, casi como una necesidad vital para comprender y expresar su relación con el entorno. “Mi cuna fue cordobesa, mi juventud malagueña y mi madurez como artista me hizo sevillano”, afirma el creador, cuya obra se caracteriza por un lenguaje sencillo, directo y libre de prejuicios, en el que afloran emociones contradictorias y una mirada honesta y espontánea hacia la realidad.

Tras licenciarse en Comunicación Audiovisual, Pablo Little ha desarrollado una amplia trayectoria profesional que incluye exposiciones en galerías de toda España, así como la creación y dirección de proyectos artísticos como Galería Central y Demencia, Muestra de Arte Contemporáneo. Su trabajo ha sido publicado en medios de carácter nacional como El Mundo, El Español, Harper’s Bazaar, Neo2, Notes, L’Officiel, AD España o Revista LaMuy, entre otros.

Las entradas para el taller están ya disponibles en la web del Museo Picasso Málaga por un precio de 45 €, e incluye todos los materiales necesarios y la visita al museo.

Foto: Pablo Little. © Ana Larrazabal

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Aclamada como un gran hito artístico de su tiempo, jaleada en la prensa, multiplicada en estampas, celebrada en canciones y poemas, esta pintura de historia también sirvió como artefacto político. La reconstrucción de su ubicación original en el Museo del Prado en 1819, convertida en uno de sus principales iconos —por encima de obras hoy indiscutibles como Las meninas—, desvela el peaje ideológico que impuso el absolutismo de Fernando VII.

La muestra analiza, hasta el 13 de septiembre en la sala 66 del edificio Villanueva, el auge y caída de una gloria nacional que pasó de ser la metáfora visual más potente de la España del siglo XIX a convertirse en mera anécdota local. Mediante este ejercicio expositivo, el Prado invita a reflexionar sobre los vaivenes del arte y de la crítica, la propaganda, la invención del gusto y el papel de los museos.

El escritor Umberto Eco imaginó un museo ideal dedicado a una sola obra: un espacio donde los relatos se acumularan en torno a ella para culminar, como ejercicio último, en la contemplación y comprensión del público. Esta visión resuena con fuerza en el nuevo programa del Museo del Prado, «Una obra, una historia», cuyo formato parece diseñado a medida de El año del hambre en Madrid (1818), de José Aparicio. En palabras de Miguel Falomir, director del museo, el propósito es “invitar al espectador a contemplar una obra que, más allá de sus méritos estéticos, permita reflexionar sobre aspectos de la historia del arte que a menudo pasan inadvertidos».

En este lienzo —uno de los más aclamados y controvertidos de la pinacoteca desde su apertura en 1819— se agolpan sucesos y personajes que demuestran que una sola obra puede servir para reconstruir la complejidad de un universo pasado sin perder su vigencia actual. El retorno al Prado —aunque sea de modo temporal— del que se conoció en su época como “cuadro del hambre”, ofrece la oportunidad de contemplar con los ojos de hoy la que fuera una de las pinturas más célebres de la España de Fernando VII; de hecho, de ningún otro cuadro se escribió más en las décadas posteriores a la apertura del museo en 1819.

El año del hambre en Madrid regresa al Prado con todo lo que arrastra consigo: el recuerdo de una catástrofe, la ambición política con la que fue concebido, los malentendidos en su recepción y la erosión de su prestigio. En esta ocasión, además, esta revisión crítica ha estado acompañada de una ambiciosa restauración del cuadro que ha mejorado su estabilidad y su legibilidad.

Auge

Este enorme lienzo (315 x 437 cm) nació ligado a una memoria reciente y dolorosa: la hambruna de Madrid en 1811-12, que quienes lo contemplaron por primera vez en el museo en 1819, habían sufrido en primera persona. En el cuadro, un grupo de figuras famélicas rechaza heroicamente el pan ofrecido por soldados franceses. Esta acción se presenta como una alegoría de la «constancia española» y una narrativa de fidelidad incondicional al absolutismo reestablecido por Fernando VII, tras su regreso del exilio en Francia. La inscripción «NADA SIN FERNANDO» grabada en una de las pilastras de la escena, reforzaba esta carga propagandística y convertía una calamidad reciente en un instrumento de legitimación para el monarca.

En 1819 fue inaugurado el Museo Real de Pintura y Escultura —en su denominación previa a Museo del Prado—, con 311 obras expuestas, y lo primero que llama la atención es la presencia destacada de un pintor de historia, cortesano y canónico, como era José Aparicio, y su obra El año del hambre en Madrid (1818), frente a un Francisco de Goya aún limitado en aquella primera selección a su faceta de retratista cortesano (Carlos IV a caballo, 1799-1800). La prensa sirvió de transmisor de la enorme popularidad que adquirió el que entonces se dio a conocer como “cuadro del hambre”, que rebasó el ámbito artístico y trascendió al político y social. La obra de Aparicio ofrecía, a través de un lenguaje académico de raigambre neoclásica, la mejor metáfora visual para atacar o condenar al otro —un invasor, un rey, un gobierno…—, a quien se atribuía una falta de responsabilidad y la perversión de sus efectos.

Esta pintura de historia también sirvió de artefacto político: la reconstrucción de su ubicación original en el Museo del Prado, realizada en colaboración con la Universidad Complutense de Madrid, indaga en el episodio cero de la institución —del que poco se conoce—, y desvela el peaje ideológico que impuso el monarca en aquel espacio, que por entonces era de su propiedad.

La extrema popularidad que alcanzó la obra terminó por volverse ambigua cuando otras sensibilidades comenzaron a aflorar y a desconfiar de una imagen demasiado elocuente, demasiado célebre, demasiado eficaz.

Caída

La fama de esta obra —no así de su autor—, se mantuvo de manera constante hasta 1872, momento en que se produjo un episodio crucial en la historia de las colecciones del recién nacionalizado Museo de Pintura y Escultura: la anexión, mediante Real Decreto, del Museo de la Trinidad. Este proceso supuso un quiebro en la ordenación de las salas y obligó a decidir en apenas unos años lo que se quedaba dentro y lo que forzosamente debía ir fuera del edificio de Villanueva, arrastrando al cuadro del hambre —incompatible con el discurso liberal tras la Revolución de 1868— y confirmando a Goya como uno de los emblemas del afianzamiento de la pintura española en el Prado.

Si Aparicio optó por una retórica académica y un heroísmo estático para ensalzar un régimen, Goya capturó la violencia descarnada y universal, y su visión terminaría por desplazar a la del primero, que quedó relegado a la penumbra del canon. Esta genealogía política encabezada por Goya tendrá su continuidad, también en el Prado, en la obra de Antonio Gisbert, el Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga, y culminará un siglo más tarde en el Guernica, de Pablo Picasso.

Con su traslado al Ministerio de Fomento en 1874, El hambre se convirtió no solo en el primer depósito de pintura que el Prado realizó en su nueva etapa como museo nacional, sino también en el primero en teñirse de razones ideológicas. La creación del Museo de Arte Moderno en 1898, con Federico de Madrazo al frente, abre un nuevo capítulo en el periplo de la obra de Aparicio, y permite destacar el papel que ejercieron los pintores académicos a cargo de las instituciones museísticas de entonces, quienes moldearon la historia del arte en función de sus criterios y rivalidades. Aquello que hoy nos lleva a pensar en Goya como un artista moderno y en Aparicio o Madrazo como artistas clásicos, conservadores o tradicionales, ocupa otra parte del discurso de la muestra, con el objetivo de revisar el sentido de estas atribuciones y la inversión de roles en su época.

La llegada de la obra al Museo de Historia de Madrid en 1927, tras su paso por un el edificio del Senado, y el vínculo permanente con el Museo del Prado a través de la figura del depósito, permiten hacer hincapié la vigencia de El Prado Extendido.

Catálogo

La muestra va acompañada de un catálogo editado por el Museo del Prado que profundiza en el estudio de la obra, con textos de María Bolaños, Bénédicte Savoy, Daniel Crespo y los comisarios Carlos G. Navarro y Celia Guilarte, así como la descripción de la restauración realizada por Lucía Martínez y Laura Alba.

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En la rueda de prensa de presentación, Manuel Segade ha señalado que la muestra de Aurèlia Muñoz, encuadrada dentro de la política de la institución de rescatar artistas mujeres, es fundamental en el contexto actual porque «da una idea de su fuerza como artista y de la importancia de un trabajo, que es de los que puede transformar, como una pequeña palanca, la forma de entender la historia del arte reciente». Por su parte, Elvira Dyangani ha destacado sobre la figura de artista catalana su interés en «el hecho de trabajar la obra de arte como conocimiento, lo que suponía resaltar aspectos de la lógica, del trabajo, de la composición, del pensamiento filosófico alrededor de lo que ella producía».

Silvia Ventosa, miembro del equipo curatorial e hija de la artista, ha explicado durante la presentación que en la exposición se ha recuperado la visión de Aurèlia Muñoz como una «artista total, de un artista global que no pone demasiadas fronteras entre técnicas y materiales, aunque las utiliza todas con respeto y estudio». Asimismo, Manuel Cirauqui ha explicado la importancia de la muestra para el «desencasillamiento» de la artista, y de «haber dotado al proyecto de un comité científico» que «tenía por misión aportar puntos de vista desde saberes que no han sido para nada los habituales en la lectura del trabajo de Muñoz». Del mismo modo, Rosa Lleó ha hablado de lo «inédito» de esta retrospectiva en la que «hemos dedicado una sala entera a todo el material de archivo y en esta sala hemos intentado mostrar cómo era el proceso creativo de Aurèlia».

Entes es la retrospectiva más ambiciosa que se ha hecho hasta la fecha de la artista Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926–2011), una figura clave en la renovación del lenguaje escultórico textil europeo del siglo XX. Organizada por el Museo Reina Sofía y el MACBA, Museu d’Art Contemporari de Barcelona, para conmemorar el centenario de su nacimiento, la muestra recorre toda la trayectoria de la artista, desde sus inicios, en los años 50 hasta principios del siglo XXI. Está comisariada por Fundació EINA a través de su plataforma einaidea, bajo la dirección científica de Manuel Cirauqui, junto con Rosa Lleó y Sílvia Ventosa, responsable del Archivo Aurèlia Muñoz e hija de la artista. Se podrá ver en el Museo Reina Sofía, en Madrid, en la sala 0 del edificio Nouvel, entre el 29 de abril y el 7 de septiembre de 2026, y en el MACBA, en Barcelona, a partir del 5 de noviembre.

La exposición, que ocupa seis salas de la planta 0 del Edificio Nouvel, recorre el universo creativo de Aurèlia Muñoz a través de más de 150 obras, muchas de ellas inéditas, especialmente sus dibujos, que revelan en algunos casos la génesis de su proceso creativo y en otros, son obras en sí mismas. En esta exposición se pueden ver sus trabajos más emblemáticos, más de 60 esculturas y piezas cosidas, anudadas o tejidas, hechas de yute, sisal y algodón, muchas de ellas de gran tamaño. Están sus bordados de los años sesenta, que reinventan la pintura; también sus grandes esculturas anudadas de macramé de los años setenta, que abandonan la pared y toman cuerpo tridimensional como entes; y los Pájaros-cometa o Aerostatos de los años ochenta —estructuras móviles y aerodinámicas, inspiradas por su afición a la papiroflexia, la navegación a vela y las máquinas de Leonardo da Vinci— que nacen de una búsqueda de ligereza y de pensamiento espacial que ya no le abandonará. Precisamente, esa búsqueda le llevará a partir de los años ochenta a sus trabajos con pasta de papel que ella misma fabricaba con fibras de lino y algodón, para crear esculturas, que cobran forma como libros aéreos, móviles o elementos marinos: anémonas, algas o medusas que dispone en urnas transparentes de metacrilato. También se puede ver en esta exposición una cuidada selección de objetos y obras de su archivo personal, que incluye cartas, maquetas, cuadernos de proyectos y fotografías. Unos objetos que desvelan una forma de trabajar sistemática y organizada.

Algunas de las grandes obras que se podrán ver en esta exposición pertenecen a colecciones particulares en España y otros países y no han formado parte hasta ahora de exposiciones ni han podido verse en museos, como las monumentales Palmera (1974) u Homenaje a Jerónimo Bosco (1971), lo que constituye una gran oportunidad para el público.
En el centenario de su nacimiento, la exposición busca descubrir nuevas perspectivas sobre el universo de Aurèlia, la «cosmología aurèliana», poblado por figuras plurales sin género definido que desafían el binarismo, personajes a medio camino entre lo humano y lo animal que habitan un espacio interespecie. Sus obras anticipan preocupaciones que hoy resuenan con fuerza: la relación con el medioambiente, la existencia humana y de los seres no humanos, y el diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo.

La mayor parte de las obras expuestas proceden del Archivo Aurèlia Muñoz, de la colección del Ayuntamiento de Sant Cugat y del Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). Cuatro de las obras que se exponen en esta muestra forman parte de las Colecciones del Museo Reina Sofía. También hay obras del MACBA, del MoMA y de prestadores particulares. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía desea expresar su más sincero agradecimiento al Museu Nacional d’Art de Catalunya por su inestimable colaboración en esta exposición, a través del generoso préstamo de obras procedentes de su colección, fruto de la donación del Archivo Aurèlia Muñoz.

Con motivo de esta exposición se ha publicado un catálogo coeditado por el Museo Reina Sofía y el MACBA. Además, el departamento de Programas Públicos del Museo Reina Sofía organiza la Charla inaugural del 28 de abril a las 19:00h en sala del Cine con los comisarios Manuel Cirauqui, Rosa Lleó y Sílvia Ventosa, y una Jornada de estudios sobre la obra de Aurèlia Muñoz, que se celebrará el próximo 10 de junio en el Auditorio 200 del Museo.

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Del 29 al 31 de mayo, ARCOlisboa abre sus puertas al público general en el enclave único de la Cordoaria Nacional de Lisboa con propuestas artísticas de primer nivel.

ARCOlisboa, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, organizada por IFEMA MADRID y la Câmara Municipal de Lisboa, celebrará del 28 al 31 de mayo en la Cordoaria Nacional su 9ª edición, consolidando diez años de presencia y compromiso con la ciudad, y convirtiendo de nuevo a la capital portuguesa en uno de los principales focos artísticos y culturales de Europa, así como en punto de encuentro para coleccionistas, galeristas, artistas y profesionales de todo el mundo.

La estrecha colaboración entre IFEMA MADRID y la Câmara Municipal de Lisboa ha permitido que ARCOlisboa avance con paso firme, afianzando su identidad y relevancia dentro del calendario artístico. Así lo muestran las 86 galerías de 19 países presentes, con una destacada participación portuguesa, que suma 30 galerías -el 35% del total-, junto con una sólida presencia internacional, con 56 galerías.

El Programa General, formado por 63 galerías seleccionadas por el Comité Organizador, constituye el núcleo central de la feria. A este se suma la sección Opening Lisboa, comisariada por Sofia Lanusse y Diogo Pinto, y Sofia Montanha como asistente curatorial, que reúne 17 galerías que impulsan nuevos lenguajes y espacios artísticos. Y como novedad en esta edición, el proyecto Archipiélago de Historias del Arte, dirigido por Cosmin Costinas, que investiga los linajes y saberes heredados presentes en la creación contemporánea, que contará con la participación de 6 galerías.

Programa artístico
El eje principal de la feria, el Programa General crece en esta edición con la incorporación de galerías que participan por primera vez como Marcelo Guarnieri, Aninat o AA Gallery. Asimismo, otras regresan después de alguna edición como Juan Silió o CarrerasMugica, y otras como Salgadeiras, Ackerman Clarke y Río & Meñaka se incorporan a la sección general tras haber participado en Opening Lisboa el año pasado. Éstas se suman a la fidelidad 3+1 Arte Contemporânea, Kubikgallery, Cristina Guerra Contemporary Art, Francisco Fino, Pedro Cera, Vera Cortês, así como Ehrhardt Flórez, Each Modern, Leandro Navarro, Sabrina Amrani, Zeller Van Almsick o Consonni Radziszewski, entre otras.

De nuevo los proyectos SOLO del Programa General presentarán la obra de artistas internacionales en profundidad. Entre ellos, Susana Rocha -ATM-, Gloria Martín Montaño -Galería Silvestre-, Vanessa da Silva -Duarte Sequeira-, Christian Lagata -Artnueve-, Catarina Real -Ángeles Baños-, Sandra Mar -Rosa Santos-, Francisco Correia -Nave-, Virgilio -José de la Mano-, Carsten Fock -Zeller Van Almsick-.

Por otro lado, la sección Opening Lisboa indagará en los nuevos lenguajes y espacios artísticos con el fin de atraer a la feria novedosos contenidos. En esta línea, a través de este programa, la feria permitirá explorar las propuestas de galerías, como Chilli, Dialogue, Enhorabuena Espacio, que vuelven a participar en la feria, o Heliconia Projects, Plato, Remota, Salón Silicón y Vision Art Platform, que asisten por primera vez.

Los contenidos artísticos de esta edición se completan con el nuevo proyecto Archipiélago de Historias del Arte, que reúne artistas que comparten el compromiso de trabajar a partir de formas heredadas como método para cuestionar cómo se transmite el conocimiento; es el caso de Irene Chou -Galerie du Monde-, Gabriel Chaile -NVS-, Nadia Taquary -Portas Vilaseca-, Tsherin Sherpa -Rossi & Rossi-.

Organizado por EGEAC, la planta baja del Torreão Nascente da Cordoaria Nacional acogerá una exposición antológica de Jorge Martins. Por su parte, el Torreão Poente presentará TRÊS. As coleções da Fundação EDP, una muestra que celebra los 10 años del MAAT.

Por otro lado, ArtsLibris está de nuevo presente este año en ARCOlisboa con una treintena de expositores nacionales e internacionales ubicados en el Torreão Nascente da Cordoaria, con acceso libre para el público. También en este espacio tendrán su protagonismo las revistas de arte contemporáneo.

Como es habitual, la feria acogerá diferentes iniciativas de reconocimientos a la creación artística, a través de la entrega de diferentes premios como el Premio Fundação Millennium bcp al Mejor Stand y el Premio Opening Lisboa.

ARCOlisboa volverá a presentar Millennium Art Talks, con el apoyo de la Fundação Millennium y EGEAC, con charlas sobre coleccionismo, mecenazgo, contenido de las secciones comisariadas de la feria, entre otras. El programa contará con sesiones organizadas por DGArtes y WAAU.

Este espacio se ubicará en el Torreão Nascente de la Cordoaria Nacional, acogiendo también presentaciones y debates sobre publicaciones de artistas, fotolibros, autoedición y publicaciones digitales a través del programa ArtsLibris Speakers’ Corner.

El público general también tendrá oportunidad de disfrutar de este especial encuentro con el arte contemporáneo desde el viernes 29 al domingo 31 de mayo. Con el fin de favorecer el acceso a un mayor número de personas se permitirá la entrada gratuita a jóvenes hasta los 25 años los días 29 y 30 de mayo, de 17.00 a 21.00h.

En esta edición, ARCOlisboa contará con un nuevo lounge proyectado por Lisbon Design Week, situado en la entrada principal de la Cordoaria, concebido como área de descanso y punto de encuentro para visitantes, galeristas y profesionales.

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Charla inaugural
Martes 28 abril 2026 a las 19:00
Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aforo 400 personas
Duración 60 minutos
Entrada libre hasta completar aforo. Apertura de puertas media hora antes de la actividad.

Con motivo de la inauguración de Aurèlia Muñoz. Entes, exposición comisariada por la Fundación EINA a través de su plataforma einaidea, su director científico Manuel Cirauqui y las colaboradoras Rosa Lleó y Sílvia Ventosa dialogan en torno al planteamiento curatorial de esta muestra antológica dedicada a Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926–2011). La exposición, organizada por el Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), traza un amplio recorrido por su trayectoria artística y revisa los ejes conceptuales que atraviesan su obra, imprescindible para comprender el desarrollo del arte textil contemporáneo.

La exposición, tema central de la charla en el Auditorio 400,  traza un recorrido integral por la obra de Aurèlia Muñoz, una figura imprescindible en la comprensión del arte textil contemporáneo. La propuesta, cuyo título hace referencia a uno de los conceptos fundamentales en su producción artística —los entes—, aborda más de cincuenta años de una práctica polifacética que trasciende los ámbitos del tejido, la fibra o la artesanía. Una visión sin precedentes que busca abrir nuevas perspectivas sobre su singular legado.

El encuentro pretende explorar las nuevas perspectivas aportadas por esta exposición y ofrecer una lectura ampliada del legado de Muñoz, recorriendo más de cincuenta años de práctica artística: desde las estructuras textiles monumentales hasta las esculturas de papel hecho a mano, desde sus inicios vinculados a la nouvelle tapisserie y a la Escuela Catalana del Tapiz hasta la consolidación de un lenguaje propio que desborda los límites del tejido y la artesanía.

Asimismo, la charla aborda el carácter experimental de su trabajo, definido por una investigación constante de técnicas y materiales que entrelaza saberes ancestrales y tradiciones artesanales con recursos contemporáneos, al mismo tiempo que sus principales referentes, influencias y su particular concepción espacial. De esta manera, se presta especial atención al concepto de los «entes», fundamental para comprender sus esculturas semiabstractas y estructuras suspendidas, concebidas como formas en constante devenir que habitan el espacio. Finalmente, el dibujo, las maquetas y su archivo personal se presentan como claves esenciales para entender la coherencia y profundidad de su universo creativo.

Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.

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Integrante del Gabinete del Ministro de Cultura desde 2021 como asesor parlamentario, Ignasi Camós fue nombrado director general del ICAA en junio de 2023, cargo que ha desempeñado hasta su fallecimiento.

Ignasi Camós Victoria, doctor en Derecho, había desempeñado su labor como asesor parlamentario en el Ministerio para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico (2020-2021) y en el Ministerio de Trabajo, Seguridad Social e Inmigración (2018-2019).

Previamente había sido consejero técnico en el Ministerio de Educación, en la Representación Permanente ante la Unión Europea en Bruselas y había desempeñado diversos cargos en la Generalitat de Catalunya. Además, fue profesor titular de derecho del Trabajo y de la Seguridad Social en la Universidad de Girona y funcionario de la Administración General del Estado.

El Ministerio de Cultura agradece la gran labor y compromiso de Ignasi Camós al frente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales que, junto a su vocación de servicio público, dejarán una gran huella en las personas e instituciones con las que trabajó.

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La decisión, tomada después de que el Tribunal Supremo reconociera que la propiedad de los retratos del pintor zaragozano siempre ha sido del Estado, permitirá que las pinturas permanezcan definitivamente en Sevilla, ciudad para la que fueron creadas desde su encargo por la Real Fábrica de Tabacos.

Actualmente, una de las obras forma parte de la exposición temporal ‘El arte de preservar la memoria’ en el Archivo General de Indias (Sevilla), institución que custodia ambos lienzos. Una vez la exposición finalice, el 15 de junio, las dos obras serán trasladadas al Museo de Bellas Artes de Sevilla, en coordinación con el museo.

Reconocimiento de titularidad pública

Tras su encargo para la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla, los cuadros cambiaron de ubicación, entre Sevilla y Madrid, a lo largo de su historia, de acuerdo con las transformaciones que experimentó la gestión y comercialización del monopolio público del tabaco en España desde el siglo XVIII hasta convertirse en la empresa pública Tabacalera S.A. en el siglo XX.

En 2017, Altadis, empresa privada sucesora de Tabacalera S.A., reclamó la propiedad de las dos pinturas de Goya. A partir de ese momento comenzó un largo litigio contra el Estado que se resolvió finalmente el pasado mes de marzo con la publicación de la sentencia del Tribunal Supremo que reconoce que los retratos siempre han sido de titularidad pública.

Tras la resolución quedaba pendiente el destino definitivo de los bienes que queda ahora definido con la decisión adoptada por el Ministerio de Cultura, que asigna los dos retratos al Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Una historia unida a Sevilla

Francisco de Goya y Lucientes pintó los retratos del rey Carlos IV y su esposa, la reina María Luisa de Parma, en 1789 por encargo de los trabajadores de la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla con motivo de las fiestas que se realizaron en la ciudad para celebrar la jura de los monarcas.

Los cuadros fueron concebidos para ser expuestos en un monumento efímero como parte de las galas con las que la ciudad de Sevilla festejaba el comienzo del nuevo reinado. La estructura resultante, conocida como ‘Templo de la Fama’, se ubicó en la plaza de la Fama, donde tuvieron lugar algunas de las celebraciones y donde se encontraba el edificio de la Fábrica de Tabacos. Tras los festejos, los cuadros pasaron a adornar las dependencias interiores del edificio.

Ahora, la adscripción de estos dos retratos a las colecciones públicas ofrecerá al Museo de Bellas Artes de Sevilla la oportunidad de completar su discurso expositivo y la posibilidad de su disfrute por el público acompañados de otras pinturas que permitan su contextualización histórica y artística.

El museo, con los dos retratos de Goya, podrá completar un episodio destacado de la historia de la ciudad, sumándose a los ocho cuadros de Domingo Martínez que ya posee, que reflejan el desfile de carrozas con los obreros de la Real Fábrica de Tabacos pintados para la celebración de la coronación de Fernando VI y Bárbara de Braganza, y que también fueron utilizados en los festejos de la llegada al trono del Carlos IV.

Retratos reales

Los retratos de Carlos IV y María Luisa de Parma fueron pintados por Goya el mismo año de la Revolución Francesa, de ahí la imagen tan medida que proyecta de los monarcas, presentándolos como personas cercanas y tolerantes.

Carlos IV es mostrado con una expresión afable, alejada de la pomposidad de los retratos regios pero sin olvidar los símbolos distintivos de la realeza, como la corona y la capa de armiño en color púrpura que aparecen en el lado derecho del cuadro. El óleo sobre lienzo de 128 x 95.5 cm. representa al monarca vestido de rojo, con el Toisón de Oro y la insignia de la orden de San Jenaro.

Por su parte, el ‘Retrato de María Luisa de Parma’ es un óleo sobre lienzo 126 x 94 cm. en el que la reina aparece retratada a la edad de 37 años con un vestido de seda azul. Está representada con un tocado, brazos desnudos y sosteniendo un abanico con la mano derecha, mientras que en el pecho luce la Orden Imperial de la Cruz Estrellada. En el mueble de la izquierda aparecen los mismos atributos que se observan en el retrato de Carlos IV, la corona y el manto de armiño.

Ambas pinturas tuvieron un coste de 4.000 reales de vellón, tal y como se recoge en el recibo firmado por Goya el 11 de mayo de 1789, y en el que se refleja el acuerdo aceptado por el pintor de realizar las obras sin la participación de sus ayudantes.

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El jurado, reunido el pasado 3 de noviembre, otorgó el premio a Gonzalo Celorio por “la excepcional obra literaria y labor intelectual con la que ha contribuido de manera profunda y sostenida al enriquecimiento del idioma y de la cultura hispánica”. Según el acta, “a lo largo de más de cinco décadas, Gonzalo Celorio ha consolidado una voz literaria de notable elegancia y hondura reflexiva en la que conjuga la lucidez crítica con una sensibilidad narrativa que explora los matices de la identidad, la educación sentimental y la pérdida. Su obra es al mismo tiempo una memoria del México moderno y un espejo de la condición humana”

El fallo también señala que “en sus libros resuenan la ironía, la ternura y la erudición, trazando un mapa emocional y cultural que ha influido en generaciones de lectores y escritores. Celorio representa la figura del escritor integral: creador, maestro y lector apasionado. Constructor de un legado invaluable que honra la lengua española y la mantiene viva en su forma más alta: la de la palabra que piensa, siente y perdura”.

Premio CervantesEl Premio Cervantes se otorgó por primera vez en 1976 a Jorge Guillén y desde entonces han sido 51 los autores galardonados, siete de ellos mexicanos. En 1979, el Premio se concedió ex aequo a Jorge Luis Borges y Gerardo Diego. Desde entonces, la orden de convocatoria contempla que el premio no puede ser dividido, declarado desierto o concedido a título póstumo.

Mediante la concesión de este premio, dotado con 125.000 euros, se rinde anualmente público testimonio de admiración a la figura de un escritor o escritora que, con el conjunto de su obra, haya contribuido a enriquecer el legado literario hispánico.

Puede ser galardonado con el Premio Cervantes cualquier autor o autora cuya obra literaria esté escrita totalmente, o en parte esencial, en castellano. Los candidatos al premio los pueden presentar las Academias de la Lengua Española, los autores premiados en anteriores convocatorias, las instituciones que, por su naturaleza, fines o contenidos, estén vinculadas a la literatura en lengua castellana y los miembros del jurado.

Gonzalo CelorioGonzalo Celorio nació en la Ciudad de México en 1948. Es narrador, ensayista, cronista y una de las figuras más destacadas de la literatura mexicana contemporánea. Doctor en Lengua y Literaturas Hispánicas, especializado en Literatura Hispanoamericana por la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), ha desarrollado una extensa labor académica y docente. Desde 1974 ha impartido clases en diversas instituciones, entre ellas la Universidad Iberoamericana, el Instituto Politécnico Nacional y El Colegio de México.

Ha ejercido numerosos cargos académicos y culturales, como el de secretario académico y director de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM (1998-2000); director de Literatura del Instituto Nacional de Bellas Artes; coordinador de Difusión Cultural de la UNAM (1989-1998); y director general del Fondo de Cultura Económica (2000-2002). Actualmente es profesor de literatura hispanoamericana en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, donde dirige la cátedra extraordinaria ‘Maestros del Exilio Español’.

Es miembro de número de la Academia Mexicana de la Lengua, de la que fue su director (2019-2023), y también miembro correspondiente de la Real Academia Española y de la Academia Cubana de la Lengua.

Entre sus obras más reconocidas se encuentran las novelas ‘Amor propio’, ‘El viaje sedentario’, ‘Y retiemble en sus centros la tierra’, ‘El metal y la escoria’ y ‘Mentideros de la memoria’, así como los ensayos ‘Los subrayados son míos’ y ‘Cánones subversivos’.

Su trayectoria ha sido distinguida con numerosos reconocimientos, como el Premio de Periodismo Cultural del Instituto Nacional de Bellas Artes (1986) por ‘Los subrayados son míos’; el Prix des Deux Océans (1997, Festival de Biarritz) por ‘El viaje sedentario’; el Premio Nacional de Novela IMPAC-CONARTE-ITESM (1999) por ‘Y retiemble en sus centros la tierra’; el Premio Universidad Nacional en el campo de Creación Artística y Extensión de la Cultura (2008); el Premio Nacional de Ciencias y Artes en Lingüística y Literatura (2010); el Premio Mazatlán de Literatura (2015) por ‘El metal y la escoria’; y el Premio Xavier Villaurrutia de Escritores para Escritores (2023) por ‘Mentideros de la memoria’. Asimismo, recibió la Orden de la Cultura Nacional, otorgada por el Ministerio de Cultura de Cuba en 1996.

Su obra, caracterizada por la erudición, el rigor estilístico y la reflexión sobre la memoria, la identidad y la tradición literaria hispanoamericana, lo sitúa entre los autores más relevantes de la literatura mexicana actual.

JuradoEl jurado, reunido el pasado 3 de noviembre, estuvo presidido por María José Gálvez, directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura.

Además, el jurado lo formaron los vocales Aurora Gloria Egido Martínez (Aurora Egido), por la Real Academia Española; Bruno Rosario Candelier, en representación de la Academia Dominicana de la Lengua; Ana María Gallego Cuiñas, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas (CRUE), José Luis Mauricio Carrera Guerrero (Mauricio Carrera), por la Unión de Universidades de América Latina y el Caribe (UDUALC); Raquel Caleya Caña, por el Instituto Cervantes; María del Carmen Marín López (Karmentxu Marín), por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); Pablo Rubén Villalobos Hernández, por la Federación Latinoamericana de Periodistas (FELAP); María Teresa Alves de Araújo (Teresa Araújo), por la Asociación Internacional de Hispanistas (AIH); Araceli Iravedra Valea, por la Asociación Española de Críticos Literarios (AECL); Manuel Rico Rego, por la Asociación de Escritoras y Escritores de España (ACE); Constantino Bértolo Cadenas (Constantino Bértolo), por el Ministerio de Cultura; Luis Mateo Díez Rodríguez (Luis Mateo Díez), escritor galardonado en la edición de 2023 y Álvaro Pombo, escritor galardonado en la edición de 2024.

Histórico de autores galardonados

1976 Jorge Guillén
1977 Alejo Carpentier
1978 Dámaso Alonso
1979 Jorge Luis Borges
Gerardo Diego
1980 Juan Carlos Onetti
1981 Octavio Paz
1982 Luis Rosales
1983 Rafael Alberti
1984 Ernesto Sábato
1985 Gonzalo Torrente Ballester
1986 Antonio Buero Vallejo
1987 Carlos Fuentes
1988 María Zambrano
1989 Augusto Roa Bastos
1990 Adolfo Bioy Casares
1991 Francisco Ayala
1992 Dulce María Loynaz
1993 Miguel Delibes
1994 Mario Vargas Llosa
1995 Camilo José Cela
1996 José García Nieto
1997 Guillermo Cabrera Infante
1998 José Hierro
1999 Jorge Edwards
2000 Francisco Umbral
2001 Álvaro Mutis
2002 José Jiménez Lozano
2003 Gonzalo Rojas
2004 Rafael Sánchez Ferlosio
2005 Sergio Pitol
2006 Antonio Gamoneda
2007 Juan Gelman
2008 Juan Marsé
2009 José Emilio Pacheco
2010 Ana María Matute
2011 Nicanor Parra
2012 José Manuel Caballero Bonald
2013 Elena Poniatowska
2014 Juan Goytisolo
2015 Fernando del Paso
2016 Eduardo Mendoza
2017 Sergio Ramírez
2018 Ida Vitale
2019 Joan Margarit
2020 Francisco Brines
2021 Cristina Peri Rossi
2022 Rafael Cadenas
2023 Luis Mateo Díez
2024 Álvaro Pombo
2025 Gonzalo Celorio

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Una velada nocturna para despedir la exposición Elena Asins. Antígona, que hasta el domingo 3 de mayo reúne en el Museo Picasso Málaga dos de las obras del último ciclo creativo de esta artista conceptual española, coincidiendo con el décimo aniversario de su fallecimiento. La muestra se enmarca en el programa Obra Invitada, y está organizada en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Estos últimos días de la exposición coinciden además con el puente de mayo, que ofrecerá una buena oportunidad para visitar el Museo Picasso Málaga tanto a los malagueños como a las personas que visiten la ciudad en estos días festivos.

La exposición Elena Asins Antígona se despide en unos días de las salas temporales del Museo Picasso Málaga y, antes de su partida, la tarde del jueves 30 de abril a partir de las 20 h tendrá lugar una nueva edición de Picasso Nocturno, una velada dirigida especialmente a un público de entre 18 y 30 años.

El encuentro combinará música en directo con DJ, un cóctel y la posibilidad de recorrer la muestra dedicada a una de las creadoras más singulares y rigurosas del arte español contemporáneo en un ambiente distendido y diferente. Además, se proponen actividades realizadas en colaboración con la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) y la Universidad de Málaga (UMA).

La actividad comenzará a las 20 h con unas palabras de bienvenida a cargo de Miguel López-Remiro, director artístico del Museo Picasso Málaga, tras las cuales los asistentes podrán recorrer la exposición Elena Asins. Antígona en un horario excepcional, que busca ofrecer una experiencia cultural distinta y participativa. El acceso al evento es gratuito, pero requiere inscripción previa a través de la página web del museo.

ÚLTIMOS DÍAS DE LA EXPOSICIÓN

Elena Asins. Antígona cerrará sus puertas el próximo domingo 3 de mayo. Estos últimos días de la exposición coinciden además con el puente de mayo, que ofrecerá una buena oportunidad para visitar el Museo Picasso Málaga tanto a los malagueños como a las personas que visiten la ciudad en estos días festivos. El actual horario de apertura es de 10 a 19 h (acceso hasta las 18.30 h). Además, todos los domingos la entrada es gratuita desde las 17 horas hasta el cierre.

Con una trayectoria marcada por el rigor intelectual y la depuración formal, Elena Asins (Madrid, 1940 – Azpíroz, Navarra, 2015), Premio Nacional de Artes Plásticas en 2011, fue pionera del arte computacional en España. Su obra final ofrece una lectura contemporánea de la célebre tragedia de Sófocles, en diálogo con la tradición artística y filosófica que ha inspirado a creadores de todas las épocas, incluido el propio Picasso.

Tragedia clásica, abstracción geométrica y crítica ética se entrelazan en un discurso visual de gran potencia simbólica, que muestra la radicalidad intelectual y formal que definió a Elena Asins. A través de la escultura Antígona y su pieza audiovisual Hemón, Asins reflexiona sobre los límites del lenguaje, la lógica extrema y la resistencia frente al poder.

La muestra se enmarca en el programa Obra Invitada, y constituye la primera presentación monográfica de esta obra final de Asins en un museo. Organizada en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, esta exposición refuerza el compromiso de ambas instituciones con la excelencia y la cooperación entre museos para la difusión del patrimonio artístico.

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La muestra brinda la oportunidad de poder contemplar por primera vez en España obras únicas, muchas de las cuales nunca han salido de Armenia, que revelan la tradición milenaria del arte manuscrito armenio. A través de ellas y los textos que las acompañan, el visitante podrá descubrir diversos aspectos de la cultura armenia y la riqueza de su patrimonio: su historia, sus creencias, sus tradiciones, los asentamientos de la diáspora o la creación e iluminación de los códices manuscritos en sus scriptoria.

Armenia: tierra de sendas espirituales y cultura singular

“Para adquirir sabiduría y disciplina; para discernir palabras de inteligencia” (Primera frase conservada en lengua armenia, tomada del Libro de los Proverbios)

Armenia ha sido durante milenios lugar de encuentro de civilizaciones, imperios y tradiciones. Cruce de caminos entre Oriente Próximo, el Mediterráneo y Asia central, la identidad cultural de la civilización armenia es variada, creativa y vibrante. El país atesora un valioso patrimonio moldeado por una lengua y una espiritualidad propias, que esta exposición invita a explorar y entender.

Los manuscritos armenios son reconocidos internacionalmente por sus pinturas en miniatura, una característica central de la cultura manuscrita armenia, que evolucionó a través de diversas escuelas regionales y múltiples centros de aprendizaje y actividad artística, reflejando la vasta geografía del patrimonio escrito armenio.

La exposición muestra once códices manuscritos del siglo IX al XVIII, entre ellos uno de los ejemplos más singulares de la colección manuscrita del Matenadaran: el único manuscrito del siglo XVIII traducido del español al armenio. Realizado en Manila (Filipinas), donde los comerciantes armenios tuvieron un papel destacado, es una obra excepcional, testimonio único del compromiso de la comunidad armenia en Filipinas con la vida cultural y espiritual de la época.

También pueden verse libros con encuadernaciones majestuosas trabajadas en diferentes materiales, un palimpsesto y tres rollos de amuletos, considerados una de las manifestaciones más singulares del arte escritural armenio, muestra de la religiosidad popular de la cultura medieval. Contienen tiras con oraciones, textos bíblicos y fórmulas mágicas, y tradicionalmente se creía que protegían a quien los portaba de desgracias, enfermedades y fuerzas malignas.

A través de estas obras, el visitante podrá vislumbrar la riqueza de las miniaturas armenias, representadas por las escuelas de Cilicia, Vaspurakan, Nueva Julfa, Crimea y otros centros, con la calidad artística de importantes iluminadores como Toros Roslin, célebre miniaturista y escriba armenio del siglo XIII, Hakob Jughayetsi o Markos el pintor.

El Matenadaran: Instituto Mesrop Mashtots de Manuscritos Antiguos

El Instituto Mesrop Mashtots de Manuscritos Antiguos, conocido como “Matenadaran” (palabra armenia cuya traducción sería “biblioteca” o  lugar donde se guardan manuscritos, funciona simultáneamente como repositorio, instituto de investigación, biblioteca, centro de restauración y museo. Situado en Ereván (Armenia), toma su nombre de Mesrop Mashtots, creador del alfabeto armenio.

Con cerca de 23.000 manuscritos en armenio y en otros idiomas, así como extensas colecciones de archivos e impresos, los fondos del Matenadaran reflejan casi todos los campos de la vida intelectual medieval y moderna, incluyendo la teología, la historia, la filosofía, el derecho, la medicina, la geografía, las matemáticas, la astronomía, la música y las ciencias naturales. Una parte importante de este patrimonio consiste en literatura traducida, que comenzó inmediatamente después de la creación del alfabeto armenio en el siglo V. Gracias a las traducciones armenias conservadas en el Matenadaran, varias obras de autores clásicos y de la Antigüedad tardía, como Eusebio de Cesarea, Filón de Alejandría y Efrén el Sirio, han sobrevivido exclusivamente o en su mayor parte en armenio, lo que confiere a la colección un valor excepcional para la erudición mundial.

Los manuscritos únicos que durante tres meses podrán verse gracias a la colaboración de la Biblioteca Nacional de España y el Instituto Mesrop Mashtots de Manuscritos Antiguos ilustran la tradición y la historia de la cultura manuscrita y han sido cuidadosamente seleccionadas por su comisaria, la doctora Yvette Tajarian, investigadora, catedrática y directora del Museo Matenadaran desde 2024.

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