Su trabajo, en Madrid

Bajo el título Annie Leibovitz: vida de una fotógrafa. 1990-2005, la exposición organizada por la Comunidad de Madrid recibió cerca de de 100.000 visitas.

La muestra, de acceso gratuito, ofrecía una amplia representación de la trayectoria artística y vital de esta reputada fotógrafa a través de más de 200 imágenes, pertenecientes a su célebre faceta como retratista contemporánea, así como a su visión más personal, presentando fotografías de sus viajes, familia o amigos.

Concebida como un álbum de familia, se trataba de una exposición integral y un diario personal. Combinó las fotografías de la vida privada de la artista con su trabajo profesional en una perfecta fusión, que constituye una crónica de los acontecimientos, los encargos oficiales y las historias personales que han llenado sus últimos quince años.

En la exposición, Leibovitz homenajeaba a sus familiares y amigos íntimos con fotografías de sus viajes a Sarajevo, Venecia, Berlín, Kioto y El Cairo. Muchas de las secuencias de fotografías giran en torno a sus padres y su familia, a la que vemos crecer de año en año a través de imágenes de reuniones familiares y excursiones al mar. Las conmovedoras fotos de la muerte de su padre aparecen junto a las imágenes de los nacimientos de sus tres hijas. Todo ello, unido en un mismo espacio al descubrimiento, cara a cara, de las celebridades que Annie Leibovitz logra retratar de una forma sorprendentemente directa: Bill Clinton en el Despacho Oval, George W. Bush y su equipo, Nelson Mandela en Soweto, Demi Moore en las etapas finales de su embarazo, Jack Nicholson en Mulholland Drive, o William Burroughs en Kansas, por citar sólo algunos ejemplos.

(Foto: 2009-Leibovitz-Aguirre-GonzalezExpo retrospectiva-Foto Andrés de Gabriel)

La obra de Robert Mapplethorpe, uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, se inicia en Nueva York a finales de los 60. Sus primeras fotografías de principio de los años 70, casi siempre en polaroid, captaban el entorno más cercano al artista reflejando un mundo underground de marcado acento homoerótico. Mapplethorpe también realiza collages con fotografías utilizando en ocasiones como soporte el lienzo con impresión fotográfica.

A comienzos de los años 80 se produjo un cambio en su obra, evolucionando hacia el refinamiento y la acentuación de la belleza clásica en sus imágenes. A esta época se deben sus desnudos masculinos y femeninos tratados como esculturas, retratos convencionales de artistas y personajes famosos, y naturalezas muertas con flores.

Aunque ocasionalmente trabajó con color, Mapplethorpe se entregó a la elegancia minimalista de la fotografía en blanco y negro. Asimismo, continuó ampliando los límites de la fotografía incorporando nuevos formatos y técnicas a su obra, desde fotografías en blanco y negro sobre placas de gelatina y plata hasta fotograbados, platinotipias sobre papel y tela y cibachrome con dye transfer.

Las flores de Mapplethorpe, al igual que sus retratos, están cuidadosamente dispuestas, combinando siempre formas curvas y fálicos tallos, mostrando así una cruda sexualidad. Sus juegos de luz y sombra en la composición relacionan la fotografía con el placer y lo erótico.

La muestra, que podrá visitarse en la Galería Elvira González hasta el próximo 19 de julio, forma parte del Festival Off PHotoEspaña 2013.

El museo continúa así con su línea de ir escogiendo aspectos diversos de la obra del pintor para estudiarlos más en detalle, enriqueciéndolos con material complementario y documental que los haga más comprensibles y accesibles para el público. José María Lassalle, Secretario de Estado de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte inauguró la muestra.

Fugitivos efecto de la luz
Sorolla persigue en sus obras los fugitivos efectos de la luz sobre el mar, y las volubles atmósferas de las horas del día, las estaciones de año y las distintas geografías. El pintor valenciano desarrolla una técnica veloz que hace de los cuadros del mar los más ágiles e innovadores de su producción.

En la exposición se pueden admirar lienzos y algunas “notas de color”, pequeñas tablas o cartones, fácilmente transportables, en los que Sorolla tomaba sus apuntes del natural y que resultan imprescindibles para comprender sus métodos de trabajo.

La muestra se desarrolla en tres apartados: El espectáculo incensante, las horas del azul y de la naturaleza a la pintura.

Pasión por “el natural”
Sorolla proclamó continuamente su pasión por “el natural”, y jamás quiso distanciarse de él, ni sumarse al progresivo alejamiento de la realidad que las vanguardias artísticas estaban llevando a cabo. Pero Sorolla era un pintor de su tiempo, y la exposición pretende llamar la atención sobre el hecho de que, en el proceso de trasladar al lienzo su visión de la naturaleza, Sorolla termina dejando que la pintura, su materia y su color, roben el protagonismo a la naturaleza representada.

Junto a los cuadros y apuntes, que desde las paredes presentan directamente cómo percibe el color del mar la pupila entrenada de un pintor muy dotado como fue Joaquín Sorolla, unas vitrinas van desarrollando, mediante objetos, muestras de pigmentos y pinturas, breves textos y fotografías, un discurso paralelo, el de qué medios tiene Sorolla a su disposición para materializar su visión, y van planteando de forma sencilla algunas cuestiones básicas de la pintura: qué es el color, y qué estamos diciendo cuando decimos “azul”.

Tratamiento del agua
El mar se convirtió en el tema favorito de Sorolla, el más personal y posiblemente más representativo. En su deseo de enfrentarse a la realidad con la mirada limpia de prejuicios, Sorolla observa de cerca, y con pasión, el “natural”. En la orilla misma del mar descubre los infinitos matices de color, texturas y formas que el agua revela a quien la mira con intensidad. Los fenómenos ópticos como las transparencias, los reflejos, la refracción o los espejos del agua sobre la arena, le seducen como enigmas visuales y como motivos para su pintura.

Al bajar su mirada, el pintor se concentra en un plano del cual desaparece el horizonte, un plano de representación bidimensional en el que también están trabajando los pintores más avanzados del momento. La propia realidad del mar se prestaba con facilidad a un tratamiento más moderno. En la representación del agua no hay nada inmóvil: la luz se refleja y reverbera, la imagen se fragmenta y se deshace, y al final el pigmento, la pincelada, el color, desbordan la imagen original y nos presentan otra realidad, la propia realidad de la pintura.

Los azules
Después de esas “inmersiones” en los primeros planos del agua, Sorolla levanta nuevamente la mirada para abarcar el mar como paisaje, y respira su color en las diferentes horas del día: amanecer, atardecer, mediodía, cada uno con su atmósfera de luz y su dominante de color.

Una de sus líneas más brillantes y celebradas fue la que él llamaba “pintura a pleno sol”, generalmente realizada en su Valencia natal, donde la luz tenía una calidad particularmente atractiva para el pintor y el mar era, como él dice, “azul, azul”. Pero también los días nublados o de tormenta, las luces matizadas de las playas del norte, los contraluces, en definitiva todas las experiencias de color que la luz puede ofrecer a la vista en el amplio escenario del mar, fueron recogidas por el pincel de Sorolla y por sus ansias de pintar.

La serie de 1919 de la cala de San Vicente en Mallorca, que cierra la exposición, enlaza con la serie de San Sebastián de 1918, que se muestra en la sección anterior, como un ejercicio de observación del color en las distintas horas del día, y también representa la culminación de esa tendencia mostrada en los apuntes de pequeño formato: la tendencia a convertir el cuadro en una pura imagen de color.

El color del mar
Del 24 de mayo al 20 de octubre
Museo Sorolla

Cada una de las piezas que forman la serie, aunque mantiene su propia individualidad, se integran en el conjunto configurando una sola “imagen abstracta”. Establece un juego de luz que realza las tonalidades naranja y rojo que ocupan el lienzo, en un relieve que transita de lo bidimensional a lo tridimensional.

Características físicas comunes
En la realización de esta serie el artista ha trabajado de manera simultánea las partes, con la misma preparación de pigmentos e ingredientes orgánicos para producir un efecto de continuidad entre las obras. Es un conjunto de pinturas articulado en torno a características físicas comunes: dimensiones de gran formato, potente presencia material (lograda mediante una técnica mixta que incluye pigmentos naturales, serrín, tierra y cemento), la intensidad del color y soportes de formas básicas rectangulares, que podemos considerar que constituyen un políptico.

Bosco Sodi (México D. F., 1970) inició su carrera artística en Barcelona, desplazándose después a Berlín y, aunque mantiene estudios en ambas ciudades, al igual que en México, la mayor parte del tiempo reside en Nueva York. En su plástica aplica recursos conceptuales, cromáticos y materiales que detallan los pasajes espirituales y emotivos que el artista vierte en cada una de sus obras. Sodi convierte la pintura al óleo en una especie de escultura.

Abundancia de materia
Genera una tensión entre la ausencia de formas que compensa con la abundancia de materia y con las texturas terrosas erosionadas y agrietadas. El relieve que dejan el serrín, las fibras de yute y las demás materias orgánicas mezcladas con pigmentos que emplea sobre los lienzos de gran formato, provienen de los lugares más recónditos del planeta y su búsqueda es uno de los motivos fundamentales para el artista.

Bosco Sodi emplea las manos en la realización de sus obras que aplica sobre el soporte con distinto grado de intensidad: en algunos casos en capas uniformes y armónicas, mientras que en otros configuran pliegues, incluso aparecen grietas y craqueladuras siguiendo un proceso similar al de la tierra al desecarse. En sus referencias a los materiales, Sodi ha manifestado que adquirió su gusto por lo orgánico de artistas como Mark Rothko y Antoni Tàpies, quienes enfatizaban la intensidad del color y la energía de la materia.

Bosco Sodi. Croacia
Instituto Valencia de Arte Moderno, IVAM
Del 16 mayo al 14 julio
De martes a domingo, de 10.00 horas a 19.00 horas
Calle Guillén de Castro, 118, Valencia
Entrada general, 2.00 €
Domingos: entrada libre

La exposición que se inaugurará la próxima semana mostrará la obra  del artista Eduardo Úrculo (Santurce, 1938 – Madrid, 2003).

Espacio de las Artes de El Corte Inglés
Paseo de la Castellana, 85. Madrid.

Durante el acto de presentación se ha anunciado que Max, Premio Nacional del Cómic 2007, será el autor del cartel representativo de la Feria. La imagen se desvelará en una ceremonia el proximo 20 de septiembre en Miami.

Esta feria es un evento cultural multilingüe único en Estados Unidos. Durante ocho días los amantes de los libros podrán disfrutar de encuentros, conferencias, además de actividades culturales y educativas, que combinan con otras programadas especialmente para niños.

La dedicatoria a España como cultura invitada de la Feria coincide con la conmemoración este año del V Centenario de la Hispanidad en La Florida. Así, la presencia de los cerca de 20 autores españoles invitados se verá amplificada con la programación cultural específica de nuestro país en Miami.

Al respecto, Teresa Lizaranzu, directora general de Política e Industrias Culturales y del Libro del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y presidenta de Acción Cultural Española (AC/E), ha destacado la importancia de la cita “para estrechar los lazos literarios y culturales entre Estados Unidos y España, y particularmente con la ciudad de Miami, ciudad de acogida de numerosos escritores en español, entre ellos el Premio Nobel Juan Ramón Jiménez”.

Al acto de presentación han asistido también Alina Interian, directora ejecutiva de Asuntos Culturales del Miami Dade College, entidad organizadora de la Feria Internacional del Libro de Miami, y dos de los autores españoles que estarán presentes en la misma, Juan Jesús Armas Marcelo y José Ramón Fernández.

Programa Cultural
Junto con el Centro de Literatura y Teatro del Departamento de Asuntos Culturales del Miami Dade College, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte está organizando un amplio programa cultural, protagonizado por los 20 autores españoles invitados, que compartirán mesa con autores latinoamericanos, en las múltiples conferencias y encuentros que se desarrollarán a lo largo de la Feria. Participarán, entre otros, el Premio Cervantes Jorge Edwards; varios Premios Nacionales, como José Ramón Fernández, Kirmen Uribe, Alfredo Gómez Cerdá, o Max; además de destacados escritores, como Juan Jesús Armas Marcelo, José Ovejero, Rosa Navarro Durán, Carmen Posadas, Elvira Navarro, Sergi Belbel, Javier Calvo o María de la Pau Janer. La poesía estará representada por Ana Merino, Luis Muñoz y Carlos Pardo. También se dará a conocer mejor el cómic español, con la participación, junto a Max, de Miguel Gallardo.

Destacarán también actividades como las lecturas dramatizadas de textos de autores españoles, cuentacuentos y otras actuaciones musicales y escénicas. Dentro de los numerosos actos que ha programado Acción Cultural Española (AC/E) con motivo del 500 aniversario de La Florida, coincidirán con la Feria la exposición ‘Tapas. Spanish Design for Food’ y un reconocimiento específico al libro con dos exposiciones: ‘De la letra al libro’ y ‘La lectura en cartel’.

‘De la letra al libro’ es una propuesta expositiva integrada por tres intervenciones de gran impacto visual y con un carácter esencialmente interactivo: ‘¡Hola mundo!’, ‘El mundo, un poema gigante’, y la tercera y última intervención, ‘Ciudades libro’.

El Consulado de España en Miami y la Embajada de España en Washington colaboran activamente en la organización de actividades complementarias.

Exposición ‘La lectura en cartel’ en el Pabellón de España
El pabellón de España en la Feria estará protagonizado por la exposición ‘La lectura en cartel’, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y Acción Cultural Española, que podrá verse previamente en versión itinerante de exterior en el Parque del Retiro desde la Feria del Libro de Madrid, que comienza el 31 de mayo, y hasta el 15 de julio.

‘La lectura en cartel’ pretende ofrecer una visión retrospectiva de las imágenes utilizadas en las actividades de promoción del libro y la lectura que comenzaron a realizarse en nuestro país desde los años 30 del siglo pasado hasta la actualidad. La muestra se basa en la colección de carteles que se conserva en el Centro de Documentación del Observatorio del Libro y la Lectura, perteneciente al Ministerio. En estos carteles se puede apreciar la evolución de la ilustración y del diseño gráfico gracias a autores como Aníbal Tejada, López Vázquez, Cesc, Mingote, Manuel Martínez Muñiz o el reciente ganador del Premio Nacional de Ilustración El Roto; y en los carteles más recientes del Plan de Fomento de la Lectura con la obra de diseñadores como Pep Carrió, Óscar Mariné o Rafael Celda.

En el pabellón también se facilitará información sobre el libro, la literatura y cultura españolas, y se podrán adquirir libros españoles. Una parte del pabellón se reservará para el Instituto Cervantes, que brindará información sobre su oferta, organizando actividades de promoción e información a lo largo de la Feria.

Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948), considerado uno de los pioneros en el desarrollo internacional del arte conceptual, realiza instalaciones y esculturas bajo la premisa de la asunción del arte como experiencia sensorial, haciendo a menudo referencia al cuerpo en el espacio y en el tiempo.

A través de más de cien piezas (instalaciones, dibujos, pinturas, esculturas y piezas sonoras), el espectador podrá adentrarse en la obra de uno de los creadores latinoamericanos más comprometidos del momento.

Para esta ocasión, se han reproducido varias de las instalaciones más relevantes de la trayectoria artística de Meireles, algunas de las cuales nunca se han mostrado con anterioridad, como es el caso de Amerikkka. Las piezas sobresalen, tanto por su envergadura espacial, de espectaculares dimensiones, como por el empleo de la metáfora y la alegoría para abordar las posibilidades del arte.

Sus trabajos, aparte de haberse presentado en varias ocasiones en importantes muestras internacionales como la dOCUMENTA de Kassel, o las Bienales de São Paulo y de Venecia, forman parte de diferentes colecciones de museos como es el caso de la Tate Modern de Londres, el Museo Serralves de Oporto, el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, el Stedelik Museum de Ámsterdam, el MACBA de Barcelona,  el ARTIUM de Vitoria o el Museo Reina Sofía de Madrid.

La primera cartuja en el reino de Castilla y la sexta en España se llena de arte contemporáneo.

Con esta exposición, organizada por la Secretaría de Estado de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, se inaugura una nueva sala en el Monasterio de El Paular dentro del proyecto paular contemporáneo.

En la actualidad el Monasterio de Santa María de El Paular está habitado, desde 1954, por una comunidad de monjes benedictinos, de la Congregación “Sublacense”, monjes contemplativos, dedicados a la oración y a la conservación y mantenimiento del monasterio.

Con esta exposición se inaugura una nueva zona expositiva en El Paular que será presentada por Begoña Torres, Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, y Bárbara de Rueda, propietaria de la Colección ACB.

Esta idea se incardina en el ámbito de la línea estratégica “nuevas miradas”, llevada a cabo por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes, que ofrece un nuevo enfoque en la lectura de las colecciones históricas, bajo el prisma de la creatividad contemporánea.

Colección acb · paular contemporáneo nos brinda además la ocasión, de dar la visibilidad y la relevancia que merece una colección, que fue pionera en la España de los años sesenta al ochenta y que, hoy en día, sigue manteniendo su importancia y riqueza, gracias al continuo incremento de la colección.

En una sociedad como la nuestra, en la que las obras artísticas son generalmente consideradas como mercancía y juzgadas por su valor de cambio, donde las posibilidades de éxito de un artista dependen de su cotización y donde los juicios artísticos se subordinan preferentemente a las estimaciones mercantiles, sorprende el conocimiento, la dedicación y el cariño de un coleccionista como Alberto Corral López-Dóriga, que entendió que, el producto artístico, es único e irrepetible, porque contiene un arduo y largo proceso de creación individual o colectiva, que es el más importante valor agregado que existe en producto alguno.

Alberto Corral fue un precursor, consciente de esta riqueza, entendió el coleccionismo como un claro compromiso y una implicación personal con el arte de su tiempo. Porque el coleccionismo representa el estado más avanzado de la actividad humana y es precisamente en las sociedades más avanzadas, donde esta actividad procura el mayor bienestar para sus ciudadanos e impulsa la riqueza y el progreso social.

La colección de Alberto Corral, de la que se presenta una interesante selección, tiene la peculiaridad de haber sido creada de una manera coetánea a los movimientos y a los artistas de su época. La cercanía temporal entre el coleccionista y su propia colección, se traduce en una rigurosa selección de piezas que, sin estridencias, repasa las décadas finales del siglo xx.

Pintura, obra gráfica, escultura y fotografía

La exposición se articula en cinco áreas, a través de las que el visitante podrá ir descubriendo las peculiaridades de una colección que reúne no sólo pintura, sino también obra gráfica, escultura y fotografía.

En el ámbito de entrada, la figuración madrileña de Guillermo Pérez Villalta y la escultura de Susana Solano son prueba del eclecticismo que caracteriza la muestra.

Paular Contemporáneo

La primera sala refleja la calidad y la cantidad de la obra gráfica de la colección que, en su mayoría, fue adquirida en los años setenta, un momento en que en España, este tipo de obra era totalmente desconocida, considerada como menor e incluso minusvalorada.

La segunda sala se centra en los artistas norteamericanos, como Lichtenstein, Stella, Jim Dine y Mangold , que gravitan entorno al pop art, el expresionismo y el minimalismo.

El recorrido continúa con el informalismo español, que recoge piezas de Chillida, Feito y Millares. Una muestra de la importante colección de aguafuertes y litografías de Antoni Tàpies, otro de sus artistas favoritos, completan la sala.

En los años 80 asistimos a una vuelta a la pintura, al lienzo, al color y a los valores matéricos. Alfonso Albacete, Miguel Ángel Campano y Broto, este último dentro del grupo catalán Trama, se convierten en artistas importantes, en un momento en el que surgen diferentes “estilos” y “escuelas” por todo el territorio español.

Artistas tan internacionales como Barceló o el italiano Longobardi también están presentes, caracterizándose su obra por el eclecticismo estilístico, el colorido primario y estridente, la densidad matérica y la inspiración en el pasado y en la memo ria histórica.

La última sala, articulada por la impresionante escultura de Pedro Mora que aparece contrapuesta a la liviana obra de Schlosser, demuestra como, en los años noventa, Alberto Corral continuaba profundizando en la escultura y comenzaba a interesarse por la fotografía, Incorporando entonces a su colección obras de artistas que utilizaban esta técnica como forma de expresión visual, tales como Sergio Belinchón y Teun Hocks.

Finalmente y con la siempre complicidad de Barbara de Rueda, la colección se ha ampliado hasta recoger a muchos artistas de la actualidad, con obras tan interesantes como la del mismo Pedro Mora, Nico Munuera o Pedro Calapez.

El llamativo espacio del monasterio y la cuidada y bella selección de obras pertenecientes a esta impresionante colección, construyen un universo ideal en el que una selecta nómina de artistas, escribe la historia de una época.

Datos de interés:
Monasterio de El Paular (Ctra. M-604, Km 26,5. Rascafría, Madrid)
Horario:
De Lunes a viernes*, de 11.00 a 13.30 h. y de 16.00 a 18.30 h.
Sábados, domingos y festivos,de 11.00 a 13.30 h y de 16.00 a 18.30 h
*Jueves cerrado
Entrada gratuita

En esta exposición los visitantes disfrutarán de una selección de 132 piezas como manuscritos, publicaciones, dibujos originales, mapas o fotografías, que datan desde principios del siglo XIV hasta el siglo XX, “procedentes del rico patrimonio que se custodia en esta antigua fábrica de cervezas, que se ha convertido en un espacio dedicado a conservar nuestras raíces y nuestra memoria”, explicó el presidente. La muestra, asimismo, dará la oportunidad de conocer las labores que se desempeñan allí y que convierten a estos centros en imprescindibles para la conservación y difusión de la memoria de Madrid como Comunidad.

La exposición Descubre Madrid en el Archivo y la Biblioteca regionales, comisariada por el catedrático José Manuel Lucía, propone un particular viaje en el tiempo, con Madrid como hilo conductor y con las piezas organizadas en cuatro grandes ejes temáticos.

De la Corte de Felipe II al siglo XX

La primera sección de la muestra, ‘Madrid a través del tiempo’, ofrece un paseo desde 1561, cuando Madrid es nombrada Corte por Felipe II, hasta principios del siglo XX donde son protagonistas las transformaciones de la imprenta desde el siglo XVI hasta nuestros días; los emblemáticos escritores Ramón Mesonero Romanos y Ramón Gómez de la Serna; el teatro, desde los Corrales de Comedias hasta la censura franquista; el triunfo del folletín en el siglo XIX, y los modos de moverse por Madrid, desde el tranvía al metro.

En el apartado denominado ‘Madrid, desde la Diputación a los archivos municipales’ se exponen, entre otras piezas, una muestra de las miles y miles de fotografías de Martín Santos Yubero y de Cristóbal Portillo, en las que plasmaron el devenir de Madrid durante el siglo XX.

‘Los toros en Madrid’ es un ejemplo de las muchas colecciones y temas particulares que pueden conocerse mejor gracias a los fondos del Archivo y la Biblioteca regionales. En este caso, revelan las distintas plazas de toros que ha habido en la ciudad, la gestión y publicidad de sus corridas, así como grabados de Carnicero de 1790 o una muestra de los primeros carteles del concurso para la Corrida de la Beneficencia de Madrid.

Evolución de El Águila

La última sección de Descubre Madrid está dedicada al propio Complejo El Águila, dando a conocer la evolución de una de las construcciones industriales más singulares de la ciudad. Fotos, planos, dibujos y maquetas permiten recuperar la historia de la que fue la fábrica de cervezas El Águila, recordar su posterior estado de abandono y disfrutar, paso a paso, de la rehabilitación inaugurada en 2003, obra de los arquitectos Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla. Desde entonces, “los edificios en los que hoy nos encontramos han albergado y custodiado miles de manuscritos, numerosos documentos y cientos de obras que transcriben e ilustran nuestra historia, la Historia de la Comunidad de Madrid”, destacó Ignacio González.

La transformación arquitéctónica de estos edificios “en palabras de Vargas Llosa, ha conseguido construir una extraordinaria fábrica de sueños”, recordó el presidente. “Y ha sabido adaptar su diseño a la funcionalidad necesaria para albergar la valiosa documentación que aquí se concentra” afirmó González. Hoy, gracias al esfuerzo realizado por el Gobierno autonómico, los documentos custodiados en el Archivo Regional se pueden consultar en diferentes soportes, que van desde el papel hasta el microfilm o el CD, permitiendo su consulta de forma rápida y segura. Y en el caso de la Biblioteca Regional Joaquín Leguina, cuenta con un millón y medio de ejemplares, que ocupan 12.000 metros cuadrados y convierte este centro en uno de los lugares más destacados de la investigación y la lectura en Madrid.

Piezas singulares expuestas

Las piezas expuestas son un reflejo de la variedad y la riqueza del patrimonio conservado en el Archivo y la Biblioteca regionales, mostrando manuscritos, autógrafos, documentos, libros impresos manualmente, libros impresos industrialmente, dibujos originales, estampas, planos, mapas, fotografías, vídeos y carteles, entre otras piezas.
Cabe destacar el Libro de actas de la Diputación Provincial (1820- 1838). Este documento es uno de los más importantes por ser la Diputación el ente del que parte la actual Comunidad de Madrid, creada en el marco del Título VIII, capítulo 3º, art. 143.2 de la Constitución de 1812.

También destaca Topographia de la villa de Madrid (1656). Es uno de los primeros mapas que se hicieron de la ciudad, encargado por Felipe IV a Pedro Texeira, grabado en Amberes en 1656 y el más destacado de los existentes por el detallismo con que representa, en perspectiva caballera, las calles y casas de Madrid, incluyendo detalles como fachadas y cubiertas. La pieza expuesta es un facsímil, elaborado en 1881 por la Dirección General del Instituto Geográfico y Estadístico, que hará las delicias de los visitantes gracias a un espectacular montaje.

Un tercer documento de gran importancia es el Libro de asiento de los productos de Comedias (1579-1586), en el que se recogen datos fundamentales para el estudio de la beneficencia y del teatro, sobre todo del Siglo de Oro, en la Comunidad de Madrid. Y es que los Corrales de Comedias eran espacios habilitados para las representaciones teatrales que estaban gestionados por las cofradías piadosas y las recaudaciones de las funciones iban destinadas al mantenimiento de los hospitales.

Posteriormente, la contribución de los hospitales a la vida teatral de Madrid a través de los siglos fue fundamental ya que los teatros que ellos crearon en la Calle de la Cruz y la Calle del Príncipe a finales del siglo XVI y otros construidos después en los mismos solares, siguieron siendo los principales lugares de diversión de los madrileños hasta el siglo XIX.
Otra pieza imprescindible de la exposición, en este caso por su antigüedad, es la Carta abierta de Jimeno de Luna, arzobispo de Toledo, que contiene un ordenamiento por el que penaliza la venta de vino foráneo en Torrelaguna (1330). Se trata del documento más antiguo expuesto y uno de los más antiguos conservados en el Archivo Regional.

RUPERT es una plataforma para la producción y difusión del conocimiento, integrada en la red social y cultural de la ciudad de Vilnius, con una fuerte vocación transnacional. Posee una vocación transdisciplinar y paracadémica, y que tiene como principales objetivos un programa de estudios independiente y de residencias internacionales, además de un programa de exposiciones y actividades.

Acercar la escena global
A partir de estas tres funciones, RUPERT pretende acercar a pensadores y artistas a los diferentes sistemas de producción que están definiendo hoy en día la escena global. El programa de estudios ofrecerá talleres, conferencias y encuentros concebidos por destacados agentes de la esfera del pensamiento actual (artistas, comisarios, filósofos y científicos entre otros), algunos de los cuales serán invitados exclusivamente para este programa, al tiempo que también se programarán otra serie de encuentros y debates abiertos al público en general. Los temas concebidos por cada profesor invitado se moverán entre la praxis artística y toda una serie de aspectos teóricos cruciales en el presente.

Por otra parte, el programa de residencias está destinado a aquellos artistas y pensadores que quieran desarrollar un proyecto específico personal y/o vinculado al contexto lituano durante un período aproximado de tres meses.

Juan de Nieves, trayectoria
Nacido en A Coruña, en 1964 Juan de Nieves es licenciado en historia del arte por la Universidad de Santiago de Compostela. Entre 1994 y 1998 fue comisario adjunto en el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC). Entre 1999 y 2005 formó parte del equipo del Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), institución de la cual fue director artístico entre los años 2005 y 2009.

Juan de Nieves lleva cerca de 20 años en el medio artístico concibiendo y produciendo proyectos curatoriales en museos y otras estructuras artísticas y educativas. Como comisario independiente ha realizado exposiciones con Rosa Barba, Isidoro Valcárcel Medina, Miguel Ventura o Ángel Vergara entre otros.