En la subasta que ha celebrado Sotheby´s en Londres en la tarde del jueves 23 de mayo,  la obra más cotizada ha sido la pintura de Joaquín Sorolla (1863 – 1923) titulada “Niños en la playa, Valencia” que ha conseguido un remate de 2,770,500 GBP (1.336.042 euros). Esta obra se ofrecía con una estimación de 1,800,000 – 2,500,000 GBP.

También de Sorolla se ha vendido “En la Playa” con un remate de 386,500 GBP (45.1974 euros). Superando el precio estimado de la obra que estaba comprendido entre 200,000 – 300,000 GBP.

Joaquim Mir. Record de artista en subasta

Las obras de Joaquim Mir (1873-1940) también han sorprendido consiguiendo record de artista en subasta. Dos óleos han superado el precio estimado y han obtenido el reconocimiento de record en subasta. “Paisaje Mallorquín con naranjos” que tenía un precio estimado de 50,000 – 70,000 GBP ha llegado a cerrar las pujas en 128,500 GBP (150.285 euros); y otro paisaje (Soller, canvas) que había salido a la venta con una estimación de 60,000 – 80,000 GBP ha llegado al precio de remate de 93,700 GBP ((109,573 euros).

Las estrella de la subasta fueron dos lámparas de pie de pájaros de bronce: cada una de ellas se ha subastado por 1.665.500 de euros. Una «chaise longue» de leopardo alcanzó los 421.500 euros; una mesa baja de pájaros en mármol negro y bronce se adjudicó por 1.665.500 de euros. La pieza más «barata» ha sido una bañera de mármol blanco de Carrara, que se vendió por 61.500 euros.

Christie’s Francia subastó el conjunto excepcional de muebles creado por Armand Albert Rateau para los apartamentos de la duquesa de Alba, María del Rosario de Silva y Gurtubay (1900-1934), en el Palacio de Liria de Madrid. Dichos muebles fueron encargados, entre 1920 y 1921, por su marido el XVII duque de Alba, Jacobo Fitz-James Stuart y Falcó (1878-1953), muy probablemente con motivo de su boda, celebrada el 7 de octubre de 1920 en la Embajada española en Londres. Estas piezas constituyen una de las más míticas y célebres realizaciones del prestigioso decorador, ebanista y escultor, formado en la escuela de Boulle.

Según la La Casa de Alba, el objetivo de la venta es ayudar al sostenimiento del patrimonio de La Casa, así como conservar y facilitar el mantenimiento de los monumentos históricos de la Casa de Alba, repartidos por distintas partes de España. De la misma forma, apoyar los proyectos de futuro que la familia ha emprendido dentro de una perspectiva nueva, como la exposición “El Legado de la Casa de Alba”, organizada en Madrid. Estos muebles son las únicas piezas que quedan de un conjunto destruido durante la Guerra Civil y no forman parte de la colección histórica de los Alba ni guardan ninguna relación con la Historia de España ».

El conjunto forma parte de la famosa trilogía que inicia la carrera independiente que Rateau emprende al instalarse por su cuenta en 1919. Su primera creación será la piscina de los Blumenthal en Nueva York, para la que realiza sus primeros muebles de bronce, seguida en 1920 por la llamada de la gran figura del mundo de la moda Jeanne Lanvin para que le decorara su palacete de la calle Barbet-de-Jouy en Paris y sus casas del Vesinet. Así se inaugura una colaboración entre ambos que duraría cinco años. El encargo del duque de Alba llega muy poco tiempo después.

El duque de Alba, representante de una de las familias aristocráticas más importantes de Europa, cuyos orígenes se remontan a los siglos XIII y XIV, se dirige entonces a uno de los decoradores más elitistas y reputados de su época, que en el apogeo de su arte, a sus 37 años, le va a entregar un trabajo magnífico.

Las creaciones en bronce de Armand Albert Rateau son de una poesía infinita y de una calidad y sutileza excepcionales, hacen referencia a un mundo hedonista, nacido de la imaginación del decorador, que se nutrió de su primer gran viaje en 1914, que le llevaría a Nápoles y Pompeya en compañía de un grupo de amigos, entre ellos el joyero Cartier, para ver los lugares que sacaron a la luz las excavaciones arqueológicas de finales del siglo XVIII. Descubre entonces el mobiliario de bronce expuesto en el Museo Arqueológico de Nápoles, así como los frescos decorativos que cubren las casas de Pompeya y crean unos universos totalmente ilusionistas. No se puede omitir su perfecto conocimiento del estilo clásico, que explotará en los años que pasó con Georges Hoetschel y después con Alavoine, dos referentes imprescindibles de la decoración de su época. Allí, Rateau hará su aprendizaje, los primeros años de su ejercicio profesional y adquirirá rápidamente una reputación muy sólida y también una agenda de contactos sociales que le serán muy útiles cuando se instale en solitario.

Un rasgo principal de Rateau es su gusto por una antigüedad soñada y reinterpretada que probablemente encontró un eco en la sensibilidad del duque de Alba, una personalidad excepcional, político, embajador, gran esteta, intelectual y amante del arte reconocido que elegirá ir de viaje de novios a Egipto, en compañía de Howard Carter, arqueólogo y egiptólogo que poco después descubrirá la tumba de Tutankamón.

Las obras subastadas son sólo una parte, la única hoy existente, del conjunto completo concebido por Rateau para la habitación, el gabinete y el cuarto de baño de la duquesa de Alba, situados en el ala derecha del palacio, destruida en gran parte durante la Guerra Civil española. En 1945, el duque de Alba llamó al célebre arquitecto inglés Sir Edwin Luytens, así como al arquitecto español Manuel Cabanyes, para reconstruir y restaurar el Palacio de Liria.

Sonja Ganne, Directora para Europa del Departamento de Artes Decorativas del siglo XX y Diseño: « Estas piezas, que nunca salieron del palacio, constituyen un precioso y único testimonio de un encargo excepcional que fue hasta hoy un fantasma inalcanzable, sólo conocido por un reducido número de fotógrafías de la época. Nos han llegado algunas raras e impresionantes piezas de bronce: un par de lámparas de pie de pájaros (originalmente, en el cuarto de baño, eran cuatro), una mesa baja de los mismos motivos, de tapa de mármol, un tocador de tapa de mármol irisado y moteado, un canapé de cuellos de cisne de madera tallada y dorada, y un lit de repos con respaldo y reposapiés reclinable de madera dorada y tallada de motivos drapeados y pompones en bronce. Todo ello completado por la bañera de mármol blanco de Carrara incrustada inicialmente a ras del suelo, a imagen de un baño antiguo ».

Armand Albert Rateau decidió reconstruir el cuarto de baño de la duquesa de Alba en el contexto de su participación en la Exposición de Artes Decorativas e Industriales modernas de 1925, que presentará del 1 al 16 de junio en la galería Arnold Seligmann de la plaza Vendôme de Paris. Esta muestra internacional supondrá tal éxito que la asociación americana Modern Decorative Art Loan Exhibition organizará, el año siguiente, una exposición itinerante de una selección de obras de la exposición parisina de 1925 en siete ciudades americanas. En febrero de 1926, será presentada en el Metropolitan Museum de Nueva York, que adquirirá una obra: un tocador idéntico al de la duquesa de Alba. En esta ocasión, el decorador regalará al museo un espejo de mano de bronce con mango de marfil. Ese mismo año, recibirá las insignias de caballero de la Legión de Honor.

En 1965, el príncipe de Polignac, marido de Blanche de Polignac, hija de Jeanne Lanvin, donó al Museo de Artes Decorativas de París el mobiliario de las habitaciones privadas de su suegra, realizado por Rateau en 1920, que utilizó varios modelos idénticos en los encargos de Lanvin y Alba.

Su trabajo, en Madrid

Bajo el título Annie Leibovitz: vida de una fotógrafa. 1990-2005, la exposición organizada por la Comunidad de Madrid recibió cerca de de 100.000 visitas.

La muestra, de acceso gratuito, ofrecía una amplia representación de la trayectoria artística y vital de esta reputada fotógrafa a través de más de 200 imágenes, pertenecientes a su célebre faceta como retratista contemporánea, así como a su visión más personal, presentando fotografías de sus viajes, familia o amigos.

Concebida como un álbum de familia, se trataba de una exposición integral y un diario personal. Combinó las fotografías de la vida privada de la artista con su trabajo profesional en una perfecta fusión, que constituye una crónica de los acontecimientos, los encargos oficiales y las historias personales que han llenado sus últimos quince años.

En la exposición, Leibovitz homenajeaba a sus familiares y amigos íntimos con fotografías de sus viajes a Sarajevo, Venecia, Berlín, Kioto y El Cairo. Muchas de las secuencias de fotografías giran en torno a sus padres y su familia, a la que vemos crecer de año en año a través de imágenes de reuniones familiares y excursiones al mar. Las conmovedoras fotos de la muerte de su padre aparecen junto a las imágenes de los nacimientos de sus tres hijas. Todo ello, unido en un mismo espacio al descubrimiento, cara a cara, de las celebridades que Annie Leibovitz logra retratar de una forma sorprendentemente directa: Bill Clinton en el Despacho Oval, George W. Bush y su equipo, Nelson Mandela en Soweto, Demi Moore en las etapas finales de su embarazo, Jack Nicholson en Mulholland Drive, o William Burroughs en Kansas, por citar sólo algunos ejemplos.

(Foto: 2009-Leibovitz-Aguirre-GonzalezExpo retrospectiva-Foto Andrés de Gabriel)

La obra de Robert Mapplethorpe, uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, se inicia en Nueva York a finales de los 60. Sus primeras fotografías de principio de los años 70, casi siempre en polaroid, captaban el entorno más cercano al artista reflejando un mundo underground de marcado acento homoerótico. Mapplethorpe también realiza collages con fotografías utilizando en ocasiones como soporte el lienzo con impresión fotográfica.

A comienzos de los años 80 se produjo un cambio en su obra, evolucionando hacia el refinamiento y la acentuación de la belleza clásica en sus imágenes. A esta época se deben sus desnudos masculinos y femeninos tratados como esculturas, retratos convencionales de artistas y personajes famosos, y naturalezas muertas con flores.

Aunque ocasionalmente trabajó con color, Mapplethorpe se entregó a la elegancia minimalista de la fotografía en blanco y negro. Asimismo, continuó ampliando los límites de la fotografía incorporando nuevos formatos y técnicas a su obra, desde fotografías en blanco y negro sobre placas de gelatina y plata hasta fotograbados, platinotipias sobre papel y tela y cibachrome con dye transfer.

Las flores de Mapplethorpe, al igual que sus retratos, están cuidadosamente dispuestas, combinando siempre formas curvas y fálicos tallos, mostrando así una cruda sexualidad. Sus juegos de luz y sombra en la composición relacionan la fotografía con el placer y lo erótico.

La muestra, que podrá visitarse en la Galería Elvira González hasta el próximo 19 de julio, forma parte del Festival Off PHotoEspaña 2013.

El museo continúa así con su línea de ir escogiendo aspectos diversos de la obra del pintor para estudiarlos más en detalle, enriqueciéndolos con material complementario y documental que los haga más comprensibles y accesibles para el público. José María Lassalle, Secretario de Estado de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte inauguró la muestra.

Fugitivos efecto de la luz
Sorolla persigue en sus obras los fugitivos efectos de la luz sobre el mar, y las volubles atmósferas de las horas del día, las estaciones de año y las distintas geografías. El pintor valenciano desarrolla una técnica veloz que hace de los cuadros del mar los más ágiles e innovadores de su producción.

En la exposición se pueden admirar lienzos y algunas “notas de color”, pequeñas tablas o cartones, fácilmente transportables, en los que Sorolla tomaba sus apuntes del natural y que resultan imprescindibles para comprender sus métodos de trabajo.

La muestra se desarrolla en tres apartados: El espectáculo incensante, las horas del azul y de la naturaleza a la pintura.

Pasión por “el natural”
Sorolla proclamó continuamente su pasión por “el natural”, y jamás quiso distanciarse de él, ni sumarse al progresivo alejamiento de la realidad que las vanguardias artísticas estaban llevando a cabo. Pero Sorolla era un pintor de su tiempo, y la exposición pretende llamar la atención sobre el hecho de que, en el proceso de trasladar al lienzo su visión de la naturaleza, Sorolla termina dejando que la pintura, su materia y su color, roben el protagonismo a la naturaleza representada.

Junto a los cuadros y apuntes, que desde las paredes presentan directamente cómo percibe el color del mar la pupila entrenada de un pintor muy dotado como fue Joaquín Sorolla, unas vitrinas van desarrollando, mediante objetos, muestras de pigmentos y pinturas, breves textos y fotografías, un discurso paralelo, el de qué medios tiene Sorolla a su disposición para materializar su visión, y van planteando de forma sencilla algunas cuestiones básicas de la pintura: qué es el color, y qué estamos diciendo cuando decimos “azul”.

Tratamiento del agua
El mar se convirtió en el tema favorito de Sorolla, el más personal y posiblemente más representativo. En su deseo de enfrentarse a la realidad con la mirada limpia de prejuicios, Sorolla observa de cerca, y con pasión, el “natural”. En la orilla misma del mar descubre los infinitos matices de color, texturas y formas que el agua revela a quien la mira con intensidad. Los fenómenos ópticos como las transparencias, los reflejos, la refracción o los espejos del agua sobre la arena, le seducen como enigmas visuales y como motivos para su pintura.

Al bajar su mirada, el pintor se concentra en un plano del cual desaparece el horizonte, un plano de representación bidimensional en el que también están trabajando los pintores más avanzados del momento. La propia realidad del mar se prestaba con facilidad a un tratamiento más moderno. En la representación del agua no hay nada inmóvil: la luz se refleja y reverbera, la imagen se fragmenta y se deshace, y al final el pigmento, la pincelada, el color, desbordan la imagen original y nos presentan otra realidad, la propia realidad de la pintura.

Los azules
Después de esas “inmersiones” en los primeros planos del agua, Sorolla levanta nuevamente la mirada para abarcar el mar como paisaje, y respira su color en las diferentes horas del día: amanecer, atardecer, mediodía, cada uno con su atmósfera de luz y su dominante de color.

Una de sus líneas más brillantes y celebradas fue la que él llamaba “pintura a pleno sol”, generalmente realizada en su Valencia natal, donde la luz tenía una calidad particularmente atractiva para el pintor y el mar era, como él dice, “azul, azul”. Pero también los días nublados o de tormenta, las luces matizadas de las playas del norte, los contraluces, en definitiva todas las experiencias de color que la luz puede ofrecer a la vista en el amplio escenario del mar, fueron recogidas por el pincel de Sorolla y por sus ansias de pintar.

La serie de 1919 de la cala de San Vicente en Mallorca, que cierra la exposición, enlaza con la serie de San Sebastián de 1918, que se muestra en la sección anterior, como un ejercicio de observación del color en las distintas horas del día, y también representa la culminación de esa tendencia mostrada en los apuntes de pequeño formato: la tendencia a convertir el cuadro en una pura imagen de color.

El color del mar
Del 24 de mayo al 20 de octubre
Museo Sorolla

Cada una de las piezas que forman la serie, aunque mantiene su propia individualidad, se integran en el conjunto configurando una sola “imagen abstracta”. Establece un juego de luz que realza las tonalidades naranja y rojo que ocupan el lienzo, en un relieve que transita de lo bidimensional a lo tridimensional.

Características físicas comunes
En la realización de esta serie el artista ha trabajado de manera simultánea las partes, con la misma preparación de pigmentos e ingredientes orgánicos para producir un efecto de continuidad entre las obras. Es un conjunto de pinturas articulado en torno a características físicas comunes: dimensiones de gran formato, potente presencia material (lograda mediante una técnica mixta que incluye pigmentos naturales, serrín, tierra y cemento), la intensidad del color y soportes de formas básicas rectangulares, que podemos considerar que constituyen un políptico.

Bosco Sodi (México D. F., 1970) inició su carrera artística en Barcelona, desplazándose después a Berlín y, aunque mantiene estudios en ambas ciudades, al igual que en México, la mayor parte del tiempo reside en Nueva York. En su plástica aplica recursos conceptuales, cromáticos y materiales que detallan los pasajes espirituales y emotivos que el artista vierte en cada una de sus obras. Sodi convierte la pintura al óleo en una especie de escultura.

Abundancia de materia
Genera una tensión entre la ausencia de formas que compensa con la abundancia de materia y con las texturas terrosas erosionadas y agrietadas. El relieve que dejan el serrín, las fibras de yute y las demás materias orgánicas mezcladas con pigmentos que emplea sobre los lienzos de gran formato, provienen de los lugares más recónditos del planeta y su búsqueda es uno de los motivos fundamentales para el artista.

Bosco Sodi emplea las manos en la realización de sus obras que aplica sobre el soporte con distinto grado de intensidad: en algunos casos en capas uniformes y armónicas, mientras que en otros configuran pliegues, incluso aparecen grietas y craqueladuras siguiendo un proceso similar al de la tierra al desecarse. En sus referencias a los materiales, Sodi ha manifestado que adquirió su gusto por lo orgánico de artistas como Mark Rothko y Antoni Tàpies, quienes enfatizaban la intensidad del color y la energía de la materia.

Bosco Sodi. Croacia
Instituto Valencia de Arte Moderno, IVAM
Del 16 mayo al 14 julio
De martes a domingo, de 10.00 horas a 19.00 horas
Calle Guillén de Castro, 118, Valencia
Entrada general, 2.00 €
Domingos: entrada libre

La exposición que se inaugurará la próxima semana mostrará la obra  del artista Eduardo Úrculo (Santurce, 1938 – Madrid, 2003).

Espacio de las Artes de El Corte Inglés
Paseo de la Castellana, 85. Madrid.

Durante el acto de presentación se ha anunciado que Max, Premio Nacional del Cómic 2007, será el autor del cartel representativo de la Feria. La imagen se desvelará en una ceremonia el proximo 20 de septiembre en Miami.

Esta feria es un evento cultural multilingüe único en Estados Unidos. Durante ocho días los amantes de los libros podrán disfrutar de encuentros, conferencias, además de actividades culturales y educativas, que combinan con otras programadas especialmente para niños.

La dedicatoria a España como cultura invitada de la Feria coincide con la conmemoración este año del V Centenario de la Hispanidad en La Florida. Así, la presencia de los cerca de 20 autores españoles invitados se verá amplificada con la programación cultural específica de nuestro país en Miami.

Al respecto, Teresa Lizaranzu, directora general de Política e Industrias Culturales y del Libro del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y presidenta de Acción Cultural Española (AC/E), ha destacado la importancia de la cita “para estrechar los lazos literarios y culturales entre Estados Unidos y España, y particularmente con la ciudad de Miami, ciudad de acogida de numerosos escritores en español, entre ellos el Premio Nobel Juan Ramón Jiménez”.

Al acto de presentación han asistido también Alina Interian, directora ejecutiva de Asuntos Culturales del Miami Dade College, entidad organizadora de la Feria Internacional del Libro de Miami, y dos de los autores españoles que estarán presentes en la misma, Juan Jesús Armas Marcelo y José Ramón Fernández.

Programa Cultural
Junto con el Centro de Literatura y Teatro del Departamento de Asuntos Culturales del Miami Dade College, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte está organizando un amplio programa cultural, protagonizado por los 20 autores españoles invitados, que compartirán mesa con autores latinoamericanos, en las múltiples conferencias y encuentros que se desarrollarán a lo largo de la Feria. Participarán, entre otros, el Premio Cervantes Jorge Edwards; varios Premios Nacionales, como José Ramón Fernández, Kirmen Uribe, Alfredo Gómez Cerdá, o Max; además de destacados escritores, como Juan Jesús Armas Marcelo, José Ovejero, Rosa Navarro Durán, Carmen Posadas, Elvira Navarro, Sergi Belbel, Javier Calvo o María de la Pau Janer. La poesía estará representada por Ana Merino, Luis Muñoz y Carlos Pardo. También se dará a conocer mejor el cómic español, con la participación, junto a Max, de Miguel Gallardo.

Destacarán también actividades como las lecturas dramatizadas de textos de autores españoles, cuentacuentos y otras actuaciones musicales y escénicas. Dentro de los numerosos actos que ha programado Acción Cultural Española (AC/E) con motivo del 500 aniversario de La Florida, coincidirán con la Feria la exposición ‘Tapas. Spanish Design for Food’ y un reconocimiento específico al libro con dos exposiciones: ‘De la letra al libro’ y ‘La lectura en cartel’.

‘De la letra al libro’ es una propuesta expositiva integrada por tres intervenciones de gran impacto visual y con un carácter esencialmente interactivo: ‘¡Hola mundo!’, ‘El mundo, un poema gigante’, y la tercera y última intervención, ‘Ciudades libro’.

El Consulado de España en Miami y la Embajada de España en Washington colaboran activamente en la organización de actividades complementarias.

Exposición ‘La lectura en cartel’ en el Pabellón de España
El pabellón de España en la Feria estará protagonizado por la exposición ‘La lectura en cartel’, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y Acción Cultural Española, que podrá verse previamente en versión itinerante de exterior en el Parque del Retiro desde la Feria del Libro de Madrid, que comienza el 31 de mayo, y hasta el 15 de julio.

‘La lectura en cartel’ pretende ofrecer una visión retrospectiva de las imágenes utilizadas en las actividades de promoción del libro y la lectura que comenzaron a realizarse en nuestro país desde los años 30 del siglo pasado hasta la actualidad. La muestra se basa en la colección de carteles que se conserva en el Centro de Documentación del Observatorio del Libro y la Lectura, perteneciente al Ministerio. En estos carteles se puede apreciar la evolución de la ilustración y del diseño gráfico gracias a autores como Aníbal Tejada, López Vázquez, Cesc, Mingote, Manuel Martínez Muñiz o el reciente ganador del Premio Nacional de Ilustración El Roto; y en los carteles más recientes del Plan de Fomento de la Lectura con la obra de diseñadores como Pep Carrió, Óscar Mariné o Rafael Celda.

En el pabellón también se facilitará información sobre el libro, la literatura y cultura españolas, y se podrán adquirir libros españoles. Una parte del pabellón se reservará para el Instituto Cervantes, que brindará información sobre su oferta, organizando actividades de promoción e información a lo largo de la Feria.

Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948), considerado uno de los pioneros en el desarrollo internacional del arte conceptual, realiza instalaciones y esculturas bajo la premisa de la asunción del arte como experiencia sensorial, haciendo a menudo referencia al cuerpo en el espacio y en el tiempo.

A través de más de cien piezas (instalaciones, dibujos, pinturas, esculturas y piezas sonoras), el espectador podrá adentrarse en la obra de uno de los creadores latinoamericanos más comprometidos del momento.

Para esta ocasión, se han reproducido varias de las instalaciones más relevantes de la trayectoria artística de Meireles, algunas de las cuales nunca se han mostrado con anterioridad, como es el caso de Amerikkka. Las piezas sobresalen, tanto por su envergadura espacial, de espectaculares dimensiones, como por el empleo de la metáfora y la alegoría para abordar las posibilidades del arte.

Sus trabajos, aparte de haberse presentado en varias ocasiones en importantes muestras internacionales como la dOCUMENTA de Kassel, o las Bienales de São Paulo y de Venecia, forman parte de diferentes colecciones de museos como es el caso de la Tate Modern de Londres, el Museo Serralves de Oporto, el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, el Stedelik Museum de Ámsterdam, el MACBA de Barcelona,  el ARTIUM de Vitoria o el Museo Reina Sofía de Madrid.

La primera cartuja en el reino de Castilla y la sexta en España se llena de arte contemporáneo.

Con esta exposición, organizada por la Secretaría de Estado de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, se inaugura una nueva sala en el Monasterio de El Paular dentro del proyecto paular contemporáneo.

En la actualidad el Monasterio de Santa María de El Paular está habitado, desde 1954, por una comunidad de monjes benedictinos, de la Congregación “Sublacense”, monjes contemplativos, dedicados a la oración y a la conservación y mantenimiento del monasterio.

Con esta exposición se inaugura una nueva zona expositiva en El Paular que será presentada por Begoña Torres, Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, y Bárbara de Rueda, propietaria de la Colección ACB.

Esta idea se incardina en el ámbito de la línea estratégica “nuevas miradas”, llevada a cabo por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes, que ofrece un nuevo enfoque en la lectura de las colecciones históricas, bajo el prisma de la creatividad contemporánea.

Colección acb · paular contemporáneo nos brinda además la ocasión, de dar la visibilidad y la relevancia que merece una colección, que fue pionera en la España de los años sesenta al ochenta y que, hoy en día, sigue manteniendo su importancia y riqueza, gracias al continuo incremento de la colección.

En una sociedad como la nuestra, en la que las obras artísticas son generalmente consideradas como mercancía y juzgadas por su valor de cambio, donde las posibilidades de éxito de un artista dependen de su cotización y donde los juicios artísticos se subordinan preferentemente a las estimaciones mercantiles, sorprende el conocimiento, la dedicación y el cariño de un coleccionista como Alberto Corral López-Dóriga, que entendió que, el producto artístico, es único e irrepetible, porque contiene un arduo y largo proceso de creación individual o colectiva, que es el más importante valor agregado que existe en producto alguno.

Alberto Corral fue un precursor, consciente de esta riqueza, entendió el coleccionismo como un claro compromiso y una implicación personal con el arte de su tiempo. Porque el coleccionismo representa el estado más avanzado de la actividad humana y es precisamente en las sociedades más avanzadas, donde esta actividad procura el mayor bienestar para sus ciudadanos e impulsa la riqueza y el progreso social.

La colección de Alberto Corral, de la que se presenta una interesante selección, tiene la peculiaridad de haber sido creada de una manera coetánea a los movimientos y a los artistas de su época. La cercanía temporal entre el coleccionista y su propia colección, se traduce en una rigurosa selección de piezas que, sin estridencias, repasa las décadas finales del siglo xx.

Pintura, obra gráfica, escultura y fotografía

La exposición se articula en cinco áreas, a través de las que el visitante podrá ir descubriendo las peculiaridades de una colección que reúne no sólo pintura, sino también obra gráfica, escultura y fotografía.

En el ámbito de entrada, la figuración madrileña de Guillermo Pérez Villalta y la escultura de Susana Solano son prueba del eclecticismo que caracteriza la muestra.

Paular Contemporáneo

La primera sala refleja la calidad y la cantidad de la obra gráfica de la colección que, en su mayoría, fue adquirida en los años setenta, un momento en que en España, este tipo de obra era totalmente desconocida, considerada como menor e incluso minusvalorada.

La segunda sala se centra en los artistas norteamericanos, como Lichtenstein, Stella, Jim Dine y Mangold , que gravitan entorno al pop art, el expresionismo y el minimalismo.

El recorrido continúa con el informalismo español, que recoge piezas de Chillida, Feito y Millares. Una muestra de la importante colección de aguafuertes y litografías de Antoni Tàpies, otro de sus artistas favoritos, completan la sala.

En los años 80 asistimos a una vuelta a la pintura, al lienzo, al color y a los valores matéricos. Alfonso Albacete, Miguel Ángel Campano y Broto, este último dentro del grupo catalán Trama, se convierten en artistas importantes, en un momento en el que surgen diferentes “estilos” y “escuelas” por todo el territorio español.

Artistas tan internacionales como Barceló o el italiano Longobardi también están presentes, caracterizándose su obra por el eclecticismo estilístico, el colorido primario y estridente, la densidad matérica y la inspiración en el pasado y en la memo ria histórica.

La última sala, articulada por la impresionante escultura de Pedro Mora que aparece contrapuesta a la liviana obra de Schlosser, demuestra como, en los años noventa, Alberto Corral continuaba profundizando en la escultura y comenzaba a interesarse por la fotografía, Incorporando entonces a su colección obras de artistas que utilizaban esta técnica como forma de expresión visual, tales como Sergio Belinchón y Teun Hocks.

Finalmente y con la siempre complicidad de Barbara de Rueda, la colección se ha ampliado hasta recoger a muchos artistas de la actualidad, con obras tan interesantes como la del mismo Pedro Mora, Nico Munuera o Pedro Calapez.

El llamativo espacio del monasterio y la cuidada y bella selección de obras pertenecientes a esta impresionante colección, construyen un universo ideal en el que una selecta nómina de artistas, escribe la historia de una época.

Datos de interés:
Monasterio de El Paular (Ctra. M-604, Km 26,5. Rascafría, Madrid)
Horario:
De Lunes a viernes*, de 11.00 a 13.30 h. y de 16.00 a 18.30 h.
Sábados, domingos y festivos,de 11.00 a 13.30 h y de 16.00 a 18.30 h
*Jueves cerrado
Entrada gratuita