En el edificio Sabatini (Salas A1) del Museo se representan cinco piezas que se construyeron en su día en el loft de Yoko Ono.

Se trata de una de las piezas clave de la exposición que recrea la disposición de las construcciones de danza de la coreógrafa que en su día se vieron en este espacio neoyorkino.

Para las performances que realizó Simone Forti en su día participan ahora un grupo de jóvenes profesionales de la danza elegidos por la propia coreógrafa para que representen las obras todos los días entre las 12:00 h y 20:00 h.

En la primavera de 1961, La Monte Young organiza una revolucionaria serie de “conciertos” en Nueva York, primero en el estudio loft de Yoko Ono en Chambers Street (Nueva York), y, después, en la AG Gallery de George Maciunas.

Simone Forti (Florencia, Italia, 1935), coreógrafa y performer de danza contemporánea, participa en estos conciertos e inventa un híbrido entre danza y escultura que define como “construcciones de danza”. Su programa titulado Five Dance Constructions and Some Other Things se presentó por primera vez en en el loft de Yoko Ono.

Cada una de las piezas de danza se representaban en un  lugar diferente del espacio de manera que la audiencia se moviera de una zona a otra para contemplarlas. Algunas de las piezas requerían estructuras elementales que se disponen a través del estudio como una instalación escultural.

Ahora en el Museo Reina Sofía el público que se acerque a la muestra podrá ver todos los días, entre las 12h. y 20h. cinco de aquellas piezas creadas por Forti para ese espacio. En concreto, se trata de las tituladas Huddle, Slant Board, Platforms y Accompaniment for La Monte’s 2 sounds (without La Monte’s 2 sounds) y Censor.

En la pieza Huddle (Apiñamiento) un grupo de entre cinco y ocho performers se colocan muy cerca unos de otros mirándose entre sí en el centro del espacio. Forman el “apiñamiento” inclinándose hacia adelante y abrazándose por los hombros o la cintura sin dejar espacio entre ellos; es una escultura viva.

Slant Board requiere una rampa de madera y varias cuerdas con nudos que sirven para que los performers se deslicen de un lado a otro con movimiento calmado y continuo.

La pieza Platforms representa un dueto amoroso en el que dos performers, ocultos bajo cajas de madera, manifiestan su amor a través de los silbidos. Por último, Accompaniment for La Monte’s 2 sounds (without La Monte’s 2 sounds) requiere una cuerda colgada del techo que se enrolla y vuelve a su ser.

Simone Forti: Artista y coreógrafa. Formada con Martha Graham y Merce Cunningham, fue miembro del Judson Church Dance Theater en Nueva York. Es profesora adjunta visitante en el World Arts and Cultures Department de la University of California Los Angeles.

Artistas: Ricardo Santana, Raquel Sánchez, Clara Graziolino, Germán de la Riva, David Herráez, Ángel Montero, Elena Murcia y Tania Arias.

Datos de interés:
“± I96I. La expansión de las artes”
Fechas: 18 de junio – 28 de octubre de 2013
 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Edificio Sabatini. Salas A1

Comisarios: Julia Robinson y Christian Xatrec
Coordinación: Beatriz Jordana y Rafael García

Performances de Simone Forti: Todos los días de 12:00 h y 20:00 h.

Conferencia, a cargo de los comisarios: En torno a ± I961. La expansión de las artes, e intervención de Simone Forti. 19 de junio de 2013, 17:30 h.

De esta manera la Comunidad de Madrid no solo consolida la protección de estos enclaves sino que impulsa su promoción turística, comercial y cultural.  Este proyecto, recogido en el Plan de Turismo de la Comunidad de Madrid, prevé incrementar en 50.000 el número de visitantes a estas ciudades durante el primer año de su puesta en marcha.

Persigue divulgar el patrimonio cultural y paisajístico de la región, así como favorecer las condiciones necesarias para garantizar el conocimiento y la sostenibilidad de los recursos patrimoniales, turísticos, culturales y comerciales de las tres localidades. Asimismo con esta iniciativa la comunidad de Madrid busca potenciar el turismo de interior, fidelizar al turista que viaja por motivos culturales y desarrollar nuevos productos que tengan como base el patrimonio histórico.

Así lo destacó la consejera de Empleo, Turismo y Cultura, Ana Isabel Mariño, en el acto de la firma que tuvo lugar en San Lorenzo de El Escorial, y en el que participaron el consejero de Economía y Hacienda, Enrique Ossorio; el consejero de Transportes y presidente del Consorcio Regional de Transportes, Pablo Cavero; el presidente del Consejo de Administración de Patrimonio Nacional, José Rodríguez-Spiteri; el director del gabinete de Presidencia de Renfe, Enrique Peña; la alcaldesa de Aranjuez, María José Martínez de la Fuente; el alcalde de San Lorenzo de El Escorial, José Luis Fernández-Quejo y el alcalde de Alcalá de Henares, Javier Bello.

El pasaporte ‘Ciudades Legado’
Las ‘Ciudades Legado’ facilitarán su visita través de un pasaporte turístico con el que será posible obtener precios especiales en museos y monumentos, así como en los 157 establecimientos comerciales, restaurantes y hoteles adheridos hasta el momento al programa en los tres municipios. Todos ellos ofrecerán promociones desde el 5 al 10% de descuento en sus productos, así como servicios adicionales, como el que prestará el Mercado de Abastos de Aranjuez: una consigna gratuita en cámara refrigerada durante el horario de apertura del mercado, lo que permitirá continuar con la visita turística con total comodidad.
A ello se suman los bonos anuales y bimensuales de visitas a los Reales Sitios, gestionados por Patrimonio Nacional, o las bonificaciones en los billetes turísticos del Consorcio Regional de Transportes y de Renfe. En concreto, con el convenio ratificado, el Consorcio Regional de Transportes de Madrid rebajará un 10% el billete turístico que da servicio a los tres enclaves, siempre que se acredite estar en posesión del pasaporte ‘Ciudades Legado’. Este billete turístico se venderá tanto en las tres ciudades Patrimonio como en la oficina de Turismo del Ayuntamiento de Madrid, situada en la  Plaza Mayor.

El Consorcio incluirá la iniciativa en un plano diseñado para potenciar el turismo en el transporte público en toda la región, el cual se entregará con el billete turístico y el pasaporte en las zonas de compra. El pasaporte puede obtenerse en toda la red de Oficinas de Turismo de la Comunidad de Madrid y se tiene que sellar en las Oficinas de Turismo de las ‘Ciudades Legado’. Una vez conseguidos los sellos de las tres localidades se podrá solicitar la colección de Rutas de Turismo Cultural que edita la Dirección General de Turismo de la Comunidad de Madrid.

Toda la información sobre este programa ‘Ciudades Legado’ se puede obtener en la página web www.madrid.org/turismo, así como en las oficinas de información y webs de las diferentes entidades que forman parte del convenio.

Patrimonio monumental, cultural y paisajístico
El Real Sitio de San Lorenzo de El Escorial se convirtió en Patrimonio Mundial de la Unesco en 1984. La Basílica, las habitaciones del Palacio de Felipe II o el Jardín de los Frailes, así como el magnífico entorno natural que conforman el Monte de Abantos y el Bosque de la Herrería sitúan a esta localidad como uno de los lugares más reconocidos universalmente.

La ciudad de Alcalá de Henares fue declarada Patrimonio de la Humanidad en 1998, reconociendo con ello su condición de primera ciudad universitaria planificada como tal en el mundo. La Casa Natal de Cervantes, la Catedral Magistral, la Capilla del Oidor o el Palacio Arzobispal, son alguno de los atractivos que exigen acercarse a pasear por las calles de esta localidad madrileña.

El Paisaje Cultural de Aranjuez fue declarado Patrimonio Mundial por la Unesco en el año 2001. Es el ejemplo vivo de la maravillosa simbiosis entre manifestaciones artísticas y belleza natural. Además del Palacio Real y sus Jardines, la Casita del Labrador, el Museo de Falúas o el entorno privilegiado de los Jardines Históricos, hacen obligada una visita a Aranjuez.

A su amplio legado monumental, las tres ciudades suman destacadas fiestas populares, tradiciones, gastronomía, compras, servicios e infraestructuras que les hacen recibir anualmente un millón y medio de turistas, un 15% del total de los que llegan a la región, en su mayor parte procedentes del mercado nacional, y de ellos, la mitad de dentro de la propia Comunidad. De los que acceden desde fuera de España, que representa un 40% del total, provienen fundamentalmente de Francia, Italia, Estados Unidos, Alemania y de otros países latinoamericanos.

Serán más de setenta piezas que abarcan casi cuatro décadas de su trabajo y muestran una evolución de su trabajo desde una perspectiva única. En la exposición, además, se podrán ver esculturas inéditas (Unicornio, 2009; Tatuaje, 2005; Fantomas, 2007 y Wadorf Astoria, 2012).

La naturaleza
“La naturaleza te condiciona, me introduce en un mundo mitológico”, dice Eduardo Arroyo de su trabajo en la escultura. En la exposición que presenta el CAC Málaga, el artista saca a la luz personajes, reales o inventados, que forman parte de la mitología o bien históricos (La maja desnuda, 1987) que parecen sacados de un mundo irreal, pero que son reconocibles a través de sus inquietantes rostros o rasgos. Realizados en piedra, bronce, madera, plomo o hierro, otra particularidad de su trabajo en la escultura es su tamaño y considerable peso.

Eduardo Arroyo es un artista polifacético, aunque destaque en su faceta pictórica y en la escultura, ha realizado trabajos en las escenografías de obras de teatro y cine y es escritor e ilustrador. En más de una ocasión ha mencionado la necesidad de “alejarse” de la pintura y trabajar en otras disciplinas para de nuevo volver al dibujo y la pintura. “El destino de un pintor es serlo hasta el final”, ha afirmado.

Figuración narrativa
Eduardo Arroyo es un artista destacado de la figuración narrativa, que es una tendencia artística que surge en los años sesenta en París y se presenta como la alternativa a las corrientes dominantes de abstracción. En su vertiente más política, la figuración narrativa tiene reminiscencias del Pop Art. Tan sólo tres años después de llegar a París, en 1961, participó en su primera exposición y a partir de ahí vinieron otras intervenciones compartiendo espacio con artistas como Francis Bacon, Matta o Dubuffet. En 1963 participó en la III Bienal de Paris.

Arroyo invita a viajar al espectador a un mundo fantástico, a través de las figuras y rostros inquietantes de sus personajes ligados a la historia y naturaleza del entorno desde el que se ha extraído la materia prima o bien ha sido creada la pieza. En 1982 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1995, junto con el escultor Andreu Alfaro, representó a España en la 46 Bienal de Venecia. El artista vive y trabaja actualmente entre Madrid y Paris.

En palabras del director del museo, el año 1961 es el “año del Big Bang de arte contemporáneo” y la exposición es “un ejercicio de microhistoria”. “Algunas veces hay que volver a aquellos momentos clave”, aseguró el director del Reina Sofía.

Inicio de la postmodernidad
La muestra explora los orígenes del cambio, la experimentación y las primeras actividades colectivas que abrieron paso a una expansión sin precedentes de la noción de “composición” y que generaron un proyecto multidisciplinar que se desarrolló en el transcurso de ese mismo año.

La exposición se concentra en la cristalización inicial de algunas ideas fundamentales, con especial hincapié en los precursores, como Anna Halprin y John Cage, y en las obras decisivas creadas en torno a esta fecha de autores como La Monte Young, Robert Morris, George Brecht, Henry Flynt, Simone Forti, Jackson Mac Low, Walter De Maria, George Maciunas, Ray Johnson, Emmett Williams, Nam June Paik, Yoko Ono y otros.

Arte sonoro
Como recordó Borja-Villel, en ese momento se producen dos hechos que cambiarán la manera de concebir el arte: la publicación de los textos de John Cage y la liberación de la partitura como soporte que permitirá la incorporación del texto. Y es que el arte sonoro nace en estos años.

En este sentido, Julia Robinson, comisaria de la muestra, afirmó que “la música se convierte en el arte más avanzada”. “Los 60 es la primera década del siglo XX que comparte el ADN mediático que tenemos actualmente”, asegura Robinson.

Lo efímero y lo contingente
La exposición recurre a lo efímero y a lo contingente para explicar el origen de esta constelación de ideas que influiría posteriormente en el minimalismo, el movimiento Fluxus, el arte conceptual y en otros artistas.

La muestra arranca con espacios dedicados a introducir al espectador en este discurso, a través de fotografías y documentación relacionada con John Cage. La música tiene un espacio exclusivo al comienzo de la exposición y se pueden escuchar piezas de Henry Flint, de Terry Jennings, de Earle Brown, Richard Maxfield, Toshi Ichiyanagi, Christian Wolff y Joseph Byrd. Si continuamos el recorrido, nos introducimos en un amplio espacio en el que se presentan piezas que se construyeron en su día en el loft de Yoko Ono.

Importancia de la danza y la performance
En la primavera de 1961, La Monte Young organiza una revolucionaria serie de “conciertos” en Nueva York. Simone Forti, coreógrafa y performer de danza contemporánea, participa en estos conciertos e inventa un híbrido entre danza y escultura que define como “construcciones de danza”. Cada una de las piezas de danza se representaba en un lugar diferente del espacio de manera que la audiencia se movía de una zona a otra para contemplarlas.

Ahora en el Museo Reina Sofía, el público que se acerque a la muestra podrá ver todos los días, entre las 12:00 h y 20:00 h cinco de aquellas piezas creadas por Forti para ese espacio.

“Desprofesionalización” de la música
A John Cage se le dedica un espacio importante en el que se puede escuchar su Lecture Indeterminacy. La partitura musical fue un elemento central de la actividad creativa del momento; se había liberado de la anotación convencional y se forjaba en formatos gráficos y lingüísticos. Las clases de “Composición experimental” que dictó John Cage en la New School for Social Research de Nueva York entre 1956 y 1960, y los famosos “cursos de verano” que impartieron los compositores más influyentes en Darmstadt, el epicentro de la Nueva Música, sirvieron para divulgar las nuevas ideas entre los estudiantes de composición musical y los círculos de poetas jóvenes.

Como la mayoría de los alumnos no sabía escribir música, componían las partituras con palabras. Así comenzó un importante proceso de “desprofesionalización” de la música que permitió que la partitura se prestara a otros usos artísticos. Muchas de ellas pueden contemplarse repartidas por las diferentes salas de esta muestra.

El espectador podrá ver collages de Ray Johnson y del bailarín y coreógrafo James Waring, que realizó los diseños para Aileen Passloff. Los trabajos de algunos de los artistas europeos del momento Nam June Paik, Emmett Williams y Dieter Roth, se encuentran agrupados en otro espacio. En el último tramo de la muestra hay una sala dedicada a Fluxus, movimiento impulsado por Maciunas. Cierra la exposición un conjunto de piezas de Robert Morris y Simone Forti, y la intervención Yam Lecture de George Brecht y Robert Watts.

± I96I. La expansión de las artes
Del 18 de junio al 28 de octubre
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisarios: Julia Robinson y Christian Xatrec

Performances Simone Forte…

Suttons & Robertsons atesora doscientos cincuenta años de conocimiento del mercado de compraventa de joyas y obras de arte. Su experiencia parte de la casa de empeños fundada en el siglo XVIII por Thomas Miller Sutton, que abrió su negocio en Londres en 1770, para dar un servicio eficaz al tiempo que discreto a la alta sociedad londinense. Pocos años después, en 1797, se inaugura otro negocio familiar, “Robertson”, que compite con Sutton, y ambos sobrevivieron de forma independiente prestando servicios a la aristocracia, casas reales y nueva burguesía adinerada hasta su fusión en 2006, cuando surge Suttons & Roberstons. En los últimos años habían extendido su influencia a los nuevos clientes surgidos del mundo del espectáculo, la moda y el deporte.

Ahora, rompiendo el maleficio de la crisis, se ha instalado en Madrid (c/ Claudio Coello, n 35) porque han encontrado en nuestra capital un alto potencial de crecimiento, ofreciendo su servicio de tasación y compra-venta de joyería, tal como ha explicado a revistadearte.com su directora Virginia Bauzá Vicens, una de las más destacadas especialistas en el mundo de la joyería y subastas de arte.

Suttons & Robertsons se presentan como uno de los negocios de empeño más antiguos del mundo y uno de los más importantes del Reino Unido desde su nacimiento en el siglo XVIII hasta la fusión de las dos sociedades matrices en 2006. En realidad podríamos estar hablando de una institución financiera que presume de ofrecer hasta un millón de libras (unos 1.176.000 euros) de forma rápida y cómoda..

Han hecho de la discreción uno de los puntos fuertes de su gestión, pero eso no les impide comentar algunas anécdotas sobre este curioso mundo del dinero, el éxito o los reveses de la fortuna. Así, entre sus fondos cuentan con el primer contrato de grabación de uno de los cantantes más famosos del mundo, muebles que pertenecieron al zar Nicolás II, obras de arte de Salvador Dalí, David Hockney o Damien Hirst. También tienen en depósito una magnífica colección de relojes de bolsillo de la época victoriana de temática erótica… Y no faltan tiaras que se lucieron en bodas de la jet o un collar que ya ha sido empeñado y redimido por tres generaciones de la misma familia.

Suttons & Robertsons es también punto de parada frecuente para aristócratas y personas adineradas que empeñan algunas de sus joyas camino del casino de Montecarlo. Realidad o leyenda esta casa es uno de los clásicos en Londres y aspira a convertirse en un punto de referencia obligada en la milla de oro de Madrid, en las proximidades de Serrano y Ortega y Gasset en donde se ha instalado.

Datos de interés:
Suttons & Robertsons
c/ Claudio Coello, n 35

La nueva web ha sido concebida como una prolongación de la institución y surge de la necesidad de ofrecer un servicio de comunicación mucho más completo que cubra las expectativas de los usuarios.

Una de las novedades es la inclusión de la sección “Prepara tu visita”, herramienta interactiva que permite organizar el recorrido antes de visitar el Museo. A través de esta aplicación, el usuario puede marcar, durante su navegación por la web, las obras de la Colección expuestas en salas que más le interesen; documentarse sobre cada una de ellas y, una vez finalizada toda la selección, previsualizarla y obtener un PDF completo con la información de cada pieza y su localización. De esta manera, el público tiene la posibilidad de organizar la visita a su medida.

El amplio catálogo que abre ahora el Museo se ve fortalecido por la estructura rizomática establecida para el diseño de la página que permite una relación cruzada de contenidos. La información disponible en cada una de las secciones (Colección, Exposiciones, Actividades, Publicaciones, Multimedia, catálogo de la Biblioteca…) se conecta con la del resto para ofrecer la visión más completa posible de cada contenido. De esta manera, se ha interrelacionado todo el soporte documental digital del Museo relativo a las obras de la Colección, las exposiciones, las actividades, las publicaciones, el catálogo de la Biblioteca por autores, y los materiales multimedia disponibles (cápsulas de la RRS Radio del Museo Reina Sofía, vídeos y archivos de audio de las actividades), permitiendo al usuario aprovechar al máximo todos los recursos generados por el Museo. El potente buscador por secciones y facetado por categorías proporciona un apoyo fundamental para que la nueva web del Museo Reina Sofía se convierta en una herramienta de trabajo fundamental para todos aquellos interesados en el arte contemporáneo.

Por otro lado, la nueva web incluye microsites desarrollados específicamente para proyectos concretos como Museo en Red y publicaciones como Carta y Desacuerdos.

En el mes de julio

La Biblioteca Nacional de España convoca, por noveno año consecutivo, sus talleres de verano, una oferta educativa y de ocio durante el mes de julio para familiarizar a los más jóvenes con la BNE, sus fines y sus actividades.

Durante las dos quincenas se desarrollarán programas adaptados a las necesidades específicas de los dos grupos – uno de ellos engloba a los niños de entre 5 y siete años, y el otro a los de 8 a 12 – en las instalaciones del Museo de la Biblioteca. Los talleres tendrán lugar en distintas fechas, el primero entre el 1 y el 12 de julio, y el segundo del 15 al 26 de ese mismo mes.

Las actividades se iniciarán a las nueve de la mañana y finalizarán a las dos y media de la tarde, con una pausa de descanso. Concebidos para un máximo de 120 niños (sesenta por quincena), el objetivo de estos talleres de verano es ofrecer clases de ocio alternativo, llevando a cabo iniciativas formativas en torno al libro, la lectura y el papel de las bibliotecas como depositarias y conservadoras de la producción editorial.

El taller destinado a los más pequeños lleva por título El album ilustrado, cada día se leerá un cuento con viñetas coloreadas y se enseñarán distintas maneras de ilustrar. Los niños crearán su propio álbum, ilustrándolo con sus dibujos.

En lo que se refiere al grupo de mayores, el taller se titula Para viajar lejos no hay mejor nave que un libro, y su periplo diario se iniciará con la lectura de un libro famoso o un formato literario. Se completa con visitas cortas a las exposiciones del Museo, juegos y un taller temático.

Macarena Calderón forma parte del personal del Museo de la BNE y es una de las personas implicadas en la realización de los talleres: “el taller destinado a los niños más pequeños se centra, primero, en una actividad de cuentacuentos, y, luego, en otra más plástica que tiene como hilo conductor el relato de cada día. Mientras que el de los mayores echa mano a un libro o un soporte y se realizan visitas al Museo con una temática distinta cada jornada, y un taller centrado en el libro del día o en soportes, que puede ser desde Los beatos al Libro de los muertos, al papiro o los jeroglíficos”. Una jornada estará dedicada de lleno a la BNE: “les hablaremos de la Biblioteca, de lo que se hace dentro de ella, de sus colecciones…”

La jefe del Servicio del Museo, Gema Hernández, añade que “llevamos montando estos talleres desde hace nueve años y los resultados son satisfactorios. Hay más demanda de plazas en el grupo de los pequeños y los precios son muy competitivos: ciento setenta euros para solicitudes de fuera, y cien si uno de los padres trabaja en la BNE. Se intenta que las actividades sean variadas, divertidas y que entre los niños se cree una buena amistad”.

El precio de los talleres es de 170 €. Para familias numerosas e hijos de los miembros de la Fundación de Amigos de la BNE y del personal de la Biblioteca Nacional de España se aplica un precio especial de 100 €.

Las actividades son de lunes a viernes de 9:00 h. a las 14:30 h, con una pausa a media mañana.
• 1ª quincena: del 1 al 12 de julio de 2013, ambos incluidos.
• 2ª quincena: del 15 al 26 de julio de 2013, ambos incluidos.

Más información: http://www.bne.es/es/Actividades/TalleresVerano2013/

Formada por una moneda acuñada en plata de ley con calidad “proof” y un valor facial de 10 euros estará a disposición del público a partir del 11 de junio.

El anverso reproduce la efigie de Su Majestad el Rey Don Juan Carlos I. En el reverso se muestra el retrato del samurái Hasekura Tsunenaga, embajador en esta misión, orando ante un crucifijo, según la pintura que se conserva en el Museo de la Ciudad de Sendai (Japón). A la izquierda, una figura que contiene las banderas de Japón y de España en forma de imagen latente; más arriba, una embarcación, que simboliza el viaje a España a través del Océano Pacífico y del Océano Atlántico.

Los dibujos de Oteiza se pueden considerar cercanos a la tradición goliardesca medieval y a los antiguos fetiches de los cultos dionisíacos grecorromanos, desde un punto de vista formal, muestran la mirada de un escultor, aunque aparecen revestidos de un tono desenfadado que transmite más rabia que humor, como subrayan las frases escritas que suelen acompañar estos dibujos erótico-escatológicos.

Dos conjuntos de dibujos
En la exposición se exhiben dos conjuntos de dibujos concebidos como series por el propio artista, las denominadas Serie Euskara y Suite Faraldo. La Serie Euskara realizada con tinta negra sobre cartulina mediante trazos simples y enérgicos compone una galería de tipos populares: campesinos y pescadores, danzarines y músicos. Entre los que encontramos también un desnudo, muebles adornados con lauburus y varios objetos (un cazo, una pipa) de rotundas formas geométricas, casi escultóricas.

La Suite Faraldo incluye la escultura: Imagen de crítico a cuatro patas y una docena de dibujos y textos contra el guionista y crítico de arte Ramón Descalzo Faraldo. También destaca el grupo de collages. Grupos de cuatro o cinco formas geométricas de color negro, recortadas sobre fondos desvaídos azules o rosados. En esta ocasión Oteiza “dibuja con tijeras”, dispersando sobre el plano neblinoso nítidas formas trapezoidales.

Jorge Oteiza (Orio, Guipúzcoa, 1908 – San Sebastián, 2003) fue uno de los pioneros de la renovación de la escultura contemporánea en el País Vasco y autor de una extensa obra ensayística de índole estética, política y cultural que alcanzó una recepción polémica en sectores artísticos, culturales y políticos.

Oteiza. Intimo y secreto
Del 13 de junio al 15 de septiembre
Instituto Valenciano de Arte Moderno. IVAM

La muestra contrapone la obra de grandes artistas del siglo XVII como Pieter Aertsen, Giovanni Battista Langetti, Alessandro Magnasco, José de Ribera, Jan Steen, David Teniers El Joven, Simon Vouet o Francisco de Zurbarán, y la de creadores contemporáneos de la talla de Maurizio Cattelan, Robert Crumb, Urs Fischer, Glenn Brown, Tobias Madison, Paul McCarthy o Cindy Sherman, entre otros, tratando de evitar analogías temáticas y formales superficiales y presentado realidades diferentes, pero afines, que colisionan, se inspiran y se retroalimentan mutuamente, renovando la mirada del espectador.

Según la comisaria de la muestra, Bice Curiger, el objetivo de la exposición es acercar un arte del que nos separan varios siglos al terreno común de lo comprensible, al mundo de las vivencias: “En estos tiempos de grandes revoluciones visuales y comunicativas, resulta tentador y oportuno revisitar un época que celebró lo visible y el “sentido de la vista” como uno de sus temas alegóricos preferidos”, explica Curiger.

Lo bucólico y lo cómico
La muestra se inicia con una serie de obras que reflejan el vicio, el libertinaje, lo pecaminoso y la pasión, un universo temático alegre y desenfadado desarrollado en el siglo XVII para satisfacer los gustos de la aristocracia y la burguesía, una nueva clase de compradores emergente en las ciudades entre los comerciantes acaudalados.

En un sentido totalmente distinto, se nos muestra la realidad de las fotografías tomadas por Boris Mikhailov en áreas marginales de la actual sociedad postsoviética, una comunidad sobre la que se superpuso el consumismo occidental y que ahora presenta unas circunstancias agobiantes y opresivas.

Mitología y exaltación de la virilidad masculina
En un orden social patriarcal, las dinastías dominantes apelan conscientemente a la mitología o a los héroes de la Antigüedad para legitimar su propio linaje y poder. Así pues, el Hércules retratado por Francisco de Zurbarán no solamente simboliza la virilidad por antonomasia, sino también el ideal de la virtud de los gobernantes. La aleccionadora escenificación de los vicios humanos y la modélica descripción de una vida de virtud giraban en torno a un mundo de hombres. A los casi siempre disimulados elogios de los encantos femeninos se oponía la exaltación de la virilidad y el heroísmo masculino.

También eran del gusto de la época las representaciones, tanto de conductas groseras e impulsivas que trasgredían las normas como de lo anómalo, lo feo y lo discordante, en oposición a la sublime armonía clásica. Mediante la desfiguración y la exageración se abordaban temas como el cuerpo y la sexualidad con una mirada distanciada.

Excesos contemporáneos
Algunos trabajos contemporáneos transmiten la realidad contemporánea de un mundo lleno de excesos e hiperconsumismo como es el caso de Under Sided, el teatro escultural en el que se muestra Temp Stop, 2009-10, una videoinstalación de Ryan Trecartin y Lizzie Fitch que muestra una cultura juvenil oscura y obsesiva.

Una de las grandes salas con forma de pétalo del edificio de Frank Gehry acoge obras de temática mitológica que nos invitan a penetrar en un rico universo de referencias literarias, fantasía y erotismo como La Venus durmiente observada por ninfas y sátiros (ca.1925) de Nicolas Poussin o Escena alegórica (1680–1690) de Dominicus van Wijnen

Asimismo, en la pintura de Simon Vouet El rapto de Europa (ca. 1640) la descripción del apetito sexual adquiere un matiz humorístico por la expresión del toro, cuya lengua cuelga lasciva, mientras sus ojos,

Barroco exuberante: De Cattelan a Zurbarán. Manifiestos de la precariedad vital
Del 14 de junio al 6 de octubre
Museo Guggenheim Bilbao
Comisaria: Bice Curiger