ROCK: ÁLBUNS CLÁSSICOS

KYUSS - WELCOME TO SKY VALLEY (1994)

2026-08-25T08:01:34.595-03:00

Welcome to Sky Valley é o terceiro álbum de estúdios da banda norte-americana Kyuss, lançado originalmente em 28 de junho de 1994, pelo selo Elektra Records. O disco foi gravado no estúdio Sound City, em Van Nuys, nos Estados Unidos, com produção de Chris Goss e do próprio grupo.

O Kyuss foi uma banda formada em Palm Desert, Califórnia, em 1987, e considerada uma das pioneiras do gênero Stoner.

O grupo surgiu sob o nome de Katzenjammer (gíria alemã para "Ressaca", literalmente "gemido de um gato") antes de finalmente decidir pelo nome Sons of Kyuss. Brant Bjork selecionou o nome do monstro morto-vivo encontrado no RPG Advanced Dungeons & Dragons.

Em 1989, a banda gravou seu EP de estreia homônimo, Sons of Kyuss, que foi o único lançamento com Chris Cockrell no baixo. Depois de lançar o EP por conta própria em 1990, a banda recrutou Nick Oliveri - que já havia tocado a segunda guitarra no Katzenjammer - para substituir Cockrell no baixo, e encurtou seu nome para Kyuss.

Brant Bjork

A primeira formação do Kyuss consistia no vocalista John Garcia, no guitarrista Josh Homme, no baixista Nick Oliveri e no baterista Brant Bjork. A banda gradualmente conquistou seguidores locais em Palm Desert, Califórnia, e frequentemente se apresentava em festas dentro e ao redor das cidades isoladas das áreas desérticas do sul da Califórnia. Esses shows improvisados e predominantemente ao ar livre, chamados localmente de "festas de geradores", consistiam em pequenas multidões de pessoas, consumo de cerveja e uso de geradores movidos a gasolina para fornecer eletricidade aos equipamentos.

A banda então assinou com a gravadora independente Dali, uma subsidiária da Chameleon Records, distribuída pela Elektra Records, que lançou seu álbum de estreia, Wretch, em setembro de 1991. Várias músicas do álbum eram versões regravadas daquelas que apareceram no EP Sons of Kyuss.

As vendas do álbum foram lentas, embora a banda estivesse rapidamente se destacando como banda ao vivo. O guitarrista Josh Homme logo ganhou reputação por seu estilo único, psicodélico e afinado, de tocar guitarra e por sua convenção de tocar guitarras elétricas por meio de amplificadores de baixo para criar um som pesado.

Em 1992, a banda, junto com o novo produtor Chris Goss, começou a trabalhar em seu próximo álbum, Blues for the Red Sun. Goss entendeu a banda e foi capaz de capturar com precisão seu som ao vivo no estúdio. Lançado em junho daquele ano, o álbum foi aclamado pela crítica e hoje é amplamente considerado como um disco pioneiro de stoner rock.

John Garcia

No final de 1993, eles foram convidados a abrir nove datas para a turnê do Metallica na Austrália. Comparações com os padrinhos do stoner rock, Black Sabbath, tornaram-se comuns, embora Homme afirmasse ter pouco conhecimento da banda na época, mas Bjork afirmou que ele e Oliveri foram enormemente influenciados pelo grupo britânico.

Oliveri deixou a banda após a conclusão do álbum e Scott Reeder, que havia sido abordado sobre se juntar ao Kyuss cinco ou seis meses antes, durante uma turnê pela Costa Oeste com The Obsessed, fez sua estreia na festa de lançamento de Blues for the Red Sun.

Em 1993, Kyuss foi transferido da Dali para o selo principal Chameleon e gravou seu terceiro álbum, Welcome to Sky Valley.

O disco

Welcome to Sky Valley foi gravado no início de 1993 e programado para lançamento em janeiro de 1994.O grupo fez uma prévia do álbum completo no Foundations Forum 93 e contribuiu com a música "Demon Cleaner" para o disco de amostra.

Scott Reeder

Devido ao leve sucesso de seu álbum anterior, o Kyuss foi promovido de sua gravadora subsidiária "Dali" para a gravadora principal "Chameleon". Em 11 de novembro de 1993, a Chameleon Records fechou abruptamente. Sua parceira de joint venture, Elektra, rapidamente escolheu a banda e agendou o lançamento do álbum em março de 1994. O álbum foi adiado por mais três meses depois disso, sendo lançado quase um ano depois de ter sido inicialmente gravado.

GARDENIA

A abertura do álbum estabelece imediatamente a atmosfera árida e psicodélica. O enorme riff reforça a ideia de movimento lento e hipnótico.

A letra mistura imagens de natureza, calor, transformação e fuga espiritual. "Gardenia" não apresenta uma narrativa linear; trabalha antes com sensações típicas do deserto californiano, sugerindo libertação, transcendência e comunhão com o ambiente.

A faixa foi o segundo single retirado do álbum, acabou não repercutindo em termos das principais paradas de sucesso.

ASTEROID

Instrumental. Sem letra. Funciona como uma ponte atmosférica entre "Gardenia" e "Supa Scoopa and Mighty Scoop". A música privilegia textura, repetição e sensação espacial, reforçando o aspecto psicodélico do álbum.

SUPA SCOOPA AND MIGHTY SCOOP

A voz de John Garcia alterna agressividade e melodia, ampliando uma sensação de viagem sensorial.

Uma das letras mais enigmáticas do disco. As imagens são fragmentadas e quase surrealistas, refletindo a estética psicodélica da banda. Em vez de contar uma história, a canção cria uma sucessão de impressões sobre liberdade, excesso e deslocamento mental.

100º

A faixa mais curta e direta do álbum. A temperatura do título remete ao calor extremo do deserto de Palm Desert, cenário que moldou a identidade do Kyuss.

A letra transmite urgência, energia física e sobrevivência diante de condições extremas, funcionando quase como uma explosão punk dentro da estrutura mais psicodélica do disco.

SPACE CADET

Uma das músicas mais contemplativas da carreira da banda. A instrumentação acústica reforça o clima meditativo e faz da faixa um dos momentos mais delicados do álbum.

A letra aborda alienação, introspecção e busca de paz interior. O "space cadet" pode ser entendido como alguém emocionalmente distante da realidade cotidiana.

DEMON CLEANER

Bem possivelmente o maior clássico do Kyuss, musicalmente, tornou-se uma das composições mais emblemáticas do stoner rock.

Talvez a letra mais conhecida do álbum. O "limpador de demônios" pode ser interpretado como uma metáfora para eliminar vícios, medos ou conflitos internos. A linguagem permanece deliberadamente ambígua, permitindo múltiplas leituras.

Foi lançada como single e atingiu a posição 78 da principal parada britânica desta natureza.

ODYSSEY

Acelerada, pesada e intensa, esta composição é uma amostra da agressividade desta ótima banda. A alternância entre momentos pesados e passagens mais etéreas traduz essa dualidade.

O próprio título remete a uma jornada. A letra fala sobre movimento, transformação e descoberta, funcionando quase como uma síntese da estética do álbum: uma viagem física pelo deserto e, simultaneamente, uma viagem psicológica.

CONAN TROUTMAN

A música é simples: curta, pesada e quase explosiva.

A letra é mínima e segue o humor característico do Kyuss. O título faz referência a um amigo da banda e ilustra o gosto do grupo por nomes inusitados e referências internas. Mais importante que a narrativa é o impacto sonoro imediato.

N.O.

A única composição não original do disco. A inclusão da música funciona como homenagem do Kyuss à histórica banda Across the River, grupo fundamental para a cena de Palm Desert liderado por Mario Lalli.

A letra apresenta uma visão niilista e desencantada, coerente com o rock do deserto do início dos anos 1990.

WHITEWATER

O andamento lento e crescente faz a música soar como o desfecho natural da viagem iniciada em "Gardenia". É frequentemente apontada como uma das grandes composições de Brant Bjork dentro do Kyuss.

A letra é contemplativa, quase espiritual, evocando imagens da natureza como metáfora para purificação e renovação.

LICK DOO (HIDDEN TRACK)

Trata-se de uma “faixa escondida”. É uma canção humorística e deliberadamente absurda, encerrando o álbum de forma descontraída após a solenidade de "Whitewater". Seu objetivo é funcionar como uma brincadeira típica das hidden tracks dos anos 1990, sem maior desenvolvimento temático.

Considerações Finais

Welcome to Sky Valley não foi capaz de fazer muito sucesso comercial e sequer adentrou as principais paradas de sucesso, a britânica e a norte-americana. "Demon Cleaner" e “Gardenia” foram os singles lançados para promoção do disco, com o primeiro atingindo o 78º lugar da parada britânica desta natureza.

Welcome to Sky Valley foi descrito, pela crítica, como stoner rock e stoner metal. Este é o primeiro álbum do Kyuss com a participação do baixista Scott Reeder, que substituiu Nick Oliveri em 1992.

Welcome to Sky Valley foi o último disco a apresentar o membro fundador Brant Bjork. A música "N.O." foi originalmente gravada pelo Across the River, uma banda liderada por Mario Lalli e com a participação do baixista Reeder. Depois que Reeder deixou o Obsessed e se juntou ao Kyuss, Bjork sugeriu que gravassem "N.O." como uma homenagem ao Across the River.

Josh Homme

Em CD, Welcome to Sky Valley foi originalmente lançado com seu total de dez músicas contidas em três faixas, com uma quarta faixa oculta adicional. Posteriormente, foi relançado com todas as dez faixas separadas individualmente. No entanto, a maioria das versões vendidas comercialmente do CD contém as três faixas, uma configuração que visa encorajar os ouvintes a experimentá-lo como um álbum completo, em vez de como uma coleção de músicas separadas.

Mais uma vez produzido por Chris Goss, demonstrou um som muito mais psicodélico e maduro, sendo aclamado pela crítica especializada.

No entanto, surgiram problemas pessoais no conjunto e o baterista Brant Bjork deixou a banda após o término das sessões de gravação. Bjork citou sua extrema aversão por turnês, especialmente problemas de relacionamento com a banda que se desenvolvem durante longos períodos na estrada. Ele foi substituído por Alfredo Hernández, que já havia tocado com Reeder na banda Across the River em meados dos anos 80.

Em julho de 1995, o Kyuss lançaria seu quarto e último álbum, ...And the Circus Leaves Town.

Formação:

John Garcia – Vocal

Josh Homme – Guitarra, Backing vocals

Scott Reeder – Baixo, Backing vocals

Brant Bjork – Bateria

Músicos Adicionais:

Peter Moffett – Percussão em "Asteroid"

"Madman of Encino" – Backing vocals

Mario Lalli – Guitarra-solo em "N.O."

Faixas:

01. Gardenia (Bjork) - 6:54

02. Asteroid (Homme) - 4:49

03. Supa Scoopa and Mighty Scoop (Homme) - 6:04

04. 100° (Homme) - 2:29

05. Space Cadet (Homme/Reeder) - 7:02

06. Demon Cleaner (Homme) - 5:19

07. Odyssey (Homme) - 4:19

08. Conan Troutman (Homme) - 2:12

09. N.O. (Reeder/Lalli) - 3:47

10. Whitewater (Bjork) - 8:00

Opinião do Blog:

Embora a maioria dos fãs do Kyuss elejam, com razão, Blues for the Red Sun como o melhor álbum do grupo, o meu preferido é mesmo este Welcome to Sky Valley.

Pioneiros do chamado Stoner Rock, o grupo liderado pelo excelente guitarrista Josh Homme une o peso do Heavy Metal, as viagens do Rock Psicodélico e a imprevisibilidade do Progressivo em um álbum enigmático e, ao mesmo tempo, cativante.

Riffs dilacerantes são intercalados por passagens melódicas inspiradas – e belíssimas – guiadas pela guitarra de Homme e a voz singular de John Garcia. Com as 10 músicas divididas em 3 suítes, o toque progressivo é dado por caminhos descontínuos das canções, em uma complexidade sonora fascinante.

A progressiva “Whitewater” é brutal em seu peso e complexidade, a beleza melódica do clássico “Demon Cleaner” contagia e a direta “100” também mostra o poder de fogo do grupo.

Entretanto, elegemos o peso brutal do riff inicial de “Gardenia” e a viagem intensa da espetacular “Odysey” como nossas preferidas.

Enfim, não importa muito qual seja seu álbum preferido do Kyuss, pois muito mais valioso que isso é conhecer a obra desta excelente e pouco comentada banda.

NIGHTWISH - OCEANBORN (1998)

2026-08-18T08:43:37.586-03:00

Oceanborn é o segundo álbum de estúdios da carreira da banda finlandesa, lançado oficialmente em dezembro de 1998, pelo selo Spinefarm. Tero Kinnuen e a própria banda foram os produtores, enquanto os estúdios utilizados foram o Caverock, em Kitee, e o Finnvox, em Helsinque, ambos na Finlândia.

Depois de tocar teclado em várias bandas de heavy metal na década de 1990, incluindo Darkwoods My Betrothed, Tuomas Holopainen decidiu criar seu próprio projeto enquanto estava sentado ao redor de uma fogueira com amigos em 6 de julho de 1996.

Ele imediatamente teve uma ideia clara da música: música acústica experimental que ele mesmo havia composto durante seu tempo no exército finlandês, semelhante à música geralmente tocada em torno de fogueiras, mas com som e atmosfera distintos e tocada com seus teclados.

Ele logo convidou o amigo e colega de escola Erno "Emppu" Vuorinen para tocar violão, e a vocalista clássica Tarja Turunen, que havia compartilhado o mesmo professor de música, Plamen Dimov, alguns anos antes.

Os três músicos gravaram sua demo acústica autointitulada no final de 1996. O nome "Nightwish" foi derivado de sua primeira música juntos - a demo também incluía a música "The Forever Moments" e uma versão inicial de "Etiäinen".

Tuomas Holopainen

No início de 1997, Jukka "Julius" Nevalainen se juntou à banda, e o violão foi substituído pela guitarra elétrica. A adição de elementos de heavy metal à música experimental existente do Nightwish deu à banda um som diferente, formando o núcleo do estilo distinto do grupo.

A banda entrou em estúdio em abril de 1997 para gravar sete músicas para sua segunda demo, intitulada Angels Fall First. Em maio de 1997, a demo chegou à gravadora finlandesa Spinefarm Records, que queria lançá-la como o álbum de estreia da banda. A gravadora ofereceu ao Nightwish um contrato de gravação, e a banda voltou ao estúdio para gravar mais quatro músicas para complementar as faixas da demo. O álbum completo Angels Fall First foi lançado em novembro de 1997.

A banda fez sua estreia ao vivo em sua cidade natal, Kitee, no Huvikeskus, em 31 de dezembro de 1997, diante de 400 pessoas. Como faltava um baixista, Samppa Hirvonen se juntou a eles como membro ao vivo. Marianna Pellinen também foi membro da sessão ao vivo como tecladista adicional e vocalista de apoio de Turunen.

O Nightwish voltou ao estúdio em agosto de 1998 como um quinteto para gravar uma continuação para a Spinefarm Records, que se tornaria seu segundo álbum completo, Oceanborn.

O disco

Este álbum marcou uma mudança definitiva no escopo musical do Nightwish a partir de suas raízes folk em Angels Fall First, apresentando um som mais bombástico e orientado ao power metal, com andamentos mais rápidos, solos harmônicos de guitarra/teclado e muitos sons duplos de bateria.

Durante esse tempo, o Stratovarius foi a maior inspiração de Holopainen, daí o som power metal do álbum. O som de Oceanborn segue uma abordagem mais dramática no âmbito musical geral, principalmente relegado ao trabalho de teclado sinfônico e aos vocais de Tarja Turunen.

Emppu Vuorinen

Segundo Mape Ollila, que escreveu a biografia da banda: junto com Theli, do Therion, o álbum passou a ser conhecido como um dos pilares do gênero emergente do metal sinfônico.

A maioria das letras tem temática de fantasia, com faixas como "Swanheart" e "Walking in the Air", um cover do especial animado de TV The Snowman, como exemplos típicos; entretanto, a canção "Gethsemane" tem um toque mais religioso. Além disso, há também algumas faixas teatrais como "Devil & the Deep Dark Ocean".

Oceanborn está entre seus álbuns mais sombrios, fazendo uso dos vocais ásperos de Tapio Wilska nas canções "The Pharaoh Sails to Orion" e "Devil & the Deep Dark Ocean".

STARGAZERS

“Stargazers” abre o disco com um power metal bem porrada, rápido e intenso, com a onipresença dos teclados de Tuomas.

A letra combina imagens de constelações, tragédia clássica e transcendência, aproximando-se tanto da literatura fantástica quanto da poesia simbolista.

GETHSEMANE

“Gethsemane” possui a espetacular atuação vocal de Tarja se une à categoria de Tuomas nos teclados em uma canção emocionante.

O título remete ao Jardim do Getsêmani, local da oração e da angústia final de Cristo antes da crucificação.

DEVIL & THE DEEP DARK OCEAN

“Devil & the Deep Dark Ocean” conta com participação vocal de Tapio Wilska e a canção assume contornos quase operísticos e teatrais.

A letra funde imagens marítimas, elementos demoníacos e simbolismos de tentação e destruição.

SACRAMENT OF WILDERNESS

Tuomas faz melodias bem atmosféricas com seus teclados na ótima “Sacrament of Wilderness”, uma música que une bem elementos de power metal com música sinfônica.

O “sacramento” do título não pertence à religião institucional, mas à experiência espiritual proporcionada pela vida selvagem.

O principal single do álbum, atingindo a 1ª posição da parada finlandesa, uma canção mais intensa e pesada.

PASSION AND THE OPERA

A linda “Passion and the Opera” conta com belas melodias, aliada à grandiosidade que o Nightwish transmite as suas canções.

A letra aborda a entrega absoluta à arte e ao amor, tratando a ópera como metáfora para emoções intensas e avassaladoras.

SWANHEART

“Swanheart” é uma das baladas mais delicadas da carreira inicial do grupo.

A letra trata do amor idealizado e da impossibilidade de preservá-lo diante das transformações da vida.

MOONDANCE

Praticamente instrumental, “Moondance” mergulha no imaginário folclórico celta e medieval.

THE RIDDLER

Com uma melodia bem cativante, “The Riddler” é dominada pelas melodias do teclado de Tuomas.

A letra sugere que a jornada intelectual e espiritual é mais importante do que qualquer solução final.

THE PHARAOH SAILS TO ORION

Outra faixa com participação de Tapio Wilska nos vocais, “The Pharaoh Sails to Orion” é mais power metal e agressiva, com passagens bem intensas.

A canção trabalha temas de transcendência, imortalidade e ascensão espiritual após a morte, articulando referências históricas reais com a linguagem épica típica do power metal europeu.

WALKING IN THE AIR

Uma versão totalmente comovente para a clássica canção composta por Howard Blake.

A letra descreve o voo mágico de uma criança ao lado de um boneco de neve, explorando maravilhamento, inocência e imaginação infantil.

Foi outro single do disco que atingiu o topo da parada finlandesa.

Considerações Finais

Adotando um som mais técnico e progressivo do que em Angels Fall First, Oceanborn viu a banda abandonar muitos dos elementos ambientais e folk presentes em seu lançamento de estreia, com exceção da música "Moondance". Em contraste aos vocais femininos de Turunen, o álbum também contou com vocais rosnados convidados de Tapio Wilska (ex-Finntroll), já que Tuomas não queria cantar novamente. Wilska também é ex-membro do Nattvindens Gråt.

Tarja Turunen

Oceanborn foi lançado em 7 de dezembro de 1998 apenas na Finlândia. Foi um sucesso instantâneo, alcançando o número 5 nas paradas de álbuns finlandesas. O primeiro single do álbum, "Sacrament of Wilderness", alcançou o primeiro lugar nas paradas de singles finlandesas, onde permaneceu por várias semanas.

O lançamento do álbum foi inicialmente limitado à Finlândia, mas por causa do sucesso de "Sacrament of Wilderness", a Spinefarm lançou Oceanborn internacionalmente na primavera de 1999. Em maio de 1999, o Nightwish gravou o single "Sleeping Sun (Four Ballads of the Eclipse)", e em um mês o single vendeu 15 mil cópias somente na Alemanha.

Após o primeiro sucesso internacional da banda, o Nightwish foi adicionado como banda de abertura para a turnê europeia do Rage em 1999. Tanto o álbum Oceanborn quanto os singles "Sacrament of Wilderness" e "Walking in the Air" foram certificados com ouro na Finlândia em agosto de 1999.

Prêmios

Em 2017, a Loudwire o classificou como o décimo melhor álbum de power metal de todos os tempos.

Em 19 de maio de 2000, o Nightwish lançou seu terceiro álbum de estúdio, Wishmaster.

Formação:

Tarja Turunen – Vocal

Tuomas Holopainen – Teclados, Backing vocals

Emppu Vuorinen – Guitarras

Sami Vänskä – Baixo

Jukka Nevalainen – Bateria, Percussão, Backing vocals

Músicos adicionais:

Tapio Wilska – vocais adicionais em "Devil & The Deep Dark Ocean" e "The Pharaoh Sails To Orion", backing vocals em "Moondance"

Esa Lehtinen – flauta

Plamen Dimov – violino

Kaisli Kaivola – violino

Markku Palola – viola

Erkki Hirvikangas – violoncelo

Faixas:

01. Stargazers (Holopainen) - 4:27

02. Gethsemane (Holopainen) - 5:21

03. Devil & the Deep Dark Ocean (Holopainen) - 4:46

04. Sacrament of Wilderness (Vuorinen/Holopainen) - 4:12

05. Passion and the Opera (Holopainen) - 4:50

06. Swanheart (Holopainen) - 4:44

07. Moondance (Holopainen) - 3:31

08. The Riddler (Holopainen) - 5:16

09. The Pharaoh Sails to Orion (Holopainen) - 6:27

10. Walking in the Air (H. Blake) - 5:28

Opinião do Blog:

Goste-se ou não, o Nightwish se tornou uma das bandas mais conhecidas do universo metal na virada dos anos 90 para os anos 2000, especialmente após o sucesso incrível do álbum Once. Neste vídeo, abordamos uma fase anterior do grupo, quando ele ainda estava desenvolvendo e descobrindo seu som.

Fica muito claro que o conjunto se baseia no talento extraordinário do tecladista Tuomas Holopainen, o principal compositor do grupo, e com inegável inventividade nos teclados. Tuomas cria canções que fundem o clássico ao metal, com uma roupagem Power Metal, mas inconfundível influência progressiva. “The Pharaoh Sails to Orion” é um belo exemplo disto.

As guitarras complementam bem o trabalho junto à seção rítmica, responsáveis por imprimirem peso e complexidade às canções.

A cereja do bolo é o canto lírico impecável da talentosa Tarja Turunen, a qual consegue transmitir um tom dramático às faixas com grande convencimento. Uma amostra de seu talento é sua fabulosa atuação em “Walking in the Air”.

O peso mais nítido está em canções como “Stargazer” e “Passion and the Opera”, cujas influências de Stratovarius são evidentes. Momentos mais bucólicos que remontam ao primeiro disco estão em canções como “Moondance” e, em partes, na linda “Swanheart”.

Mas escolhemos a impressionante “The Ridler” e a subestimada “Gethsemane” como nossas preferidas.

Com o passar dos anos, o Nightwish foi sofisticando ainda mais seu som, gravando obras memoráveis. Entretanto, seguimos com a tradição do blog em resgatar discos menos lembrados e que merecem um texto enaltecendo suas qualidades.

DEAD KENNEDYS - FRESH FRUIT FOR ROTTING VEGETABLES (1980)

2026-08-11T08:10:30.310-03:00

Primeiro álbum de estúdios da banda norte-americana, lançado originalmente em 2 de setembro de 1980, através do selo Cherry Red Records. A produção ficou por conta de Norm e de East Bay Ray, com o disco sendo gravado em San Francisco, Estados Unidos, no estúdio Möbius Music.

A banda Dead Kennedys foi formada em junho de 1978, em São Francisco, Califórnia, quando East Bay Ray (Raymond Pepperell) anunciou a procura por companheiros de banda no jornal The Recycler, depois de assistir a um show de ska-punk em Mabuhay Gardens, em São Francisco.

A formação original da banda consistia em East Bay Ray na guitarra solo, Klaus Flouride (Geoffrey Lyall) no baixo, Jello Biafra (Eric Reed Boucher) nos vocais, Ted (Bruce Slesinger) na bateria e 6025 (Carlos Cadona) na guitarra base. Essa formação gravou suas primeiras demos. Seu primeiro show ao vivo foi em 19 de julho de 1978, no Mabuhay Gardens, em São Francisco, Califórnia. Eles foram a banda de abertura de um projeto que incluía DV8 e Negative Trend com The Offs como atração principal.

Depois disso, o Dead Kennedys fez vários shows locais. Devido ao nome provocativo da banda, eles às vezes tocavam sob pseudônimos, incluindo "The DK's", "The Sharks", "The Creamsicles" e "The Pink Twinkies".

O colunista do San Francisco Chronicle, Herb Caen, escreveu em novembro de 1978: "Justamente quando você pensa que o mau gosto atingiu seu ponto mais baixo, surge um grupo de punk rock chamado 'The Dead Kennedys', que tocará no Mabuhay Gardens em 22 de novembro, o 15º aniversário de O assassinato de John F. Kennedy." Apesar dos protestos crescentes, o proprietário do Mabuhay declarou: "Não posso cancelá-los AGORA - há um contrato. Aparentemente não é o tipo de contrato que algumas pessoas têm em mente."

No entanto, apesar da crença popular, o nome não pretendia insultar a família Kennedy, mas de acordo com Ray, “os assassinatos foram de muito mais mau gosto do que a nossa banda. Na verdade, respeitamos a família Kennedy... Quando JFK foi assassinado, quando Martin Luther King foi assassinado, quando RFK foi assassinado, o Sonho Americano foi assassinado”.

6025 deixou a banda em março de 1979, em circunstâncias um tanto obscuras, geralmente consideradas diferenças musicais. Em junho, a banda lançou seu primeiro single, "California Über Alles", pelo selo independente de Biafra e East Bay Ray, Alternative Tentacles. A banda seguiu com uma turnê pela Costa Leste pouco concorrida, sendo um grupo nova e bastante desconhecido na época, sem lançamento de algum álbum completo.

East Bay Ray

No início de 1980, gravou e lançou o single "Holiday in Cambodia". Em junho, a banda gravou seu álbum de estreia, Fresh Fruit for Rotting Vegetables, lançado em setembro daquele ano pelo selo britânico Cherry Red.

O disco

O disco foi lançado pela primeira vez em 2 de setembro de 1980, pela Cherry Red Records no Reino Unido e pela I.R.S. Records nos Estados Unidos. Posteriormente, foi lançado pelo próprio selo Alternative Tentacles de Jello Biafra nos Estados Unidos. É o único álbum de estúdio do Dead Kennedys com a participação do baterista Bruce Slesinger e (em uma faixa) do guitarrista Carlo Cadona.

A foto na capa, a qual mostra vários carros de polícia em chamas, foi tirada durante os tumultos da Noite Branca de 21 de maio de 1979, resultado da sentença leve dada ao ex-supervisor da cidade de São Francisco Dan White pelos assassinatos do prefeito George Moscone e do Supervisor Harvey Milk.

Jello Biafra

Quando Biafra concorreu a prefeito, uma de suas políticas era erguer uma estátua para Dan White e disponibilizar ovos, tomates e pedras nas proximidades para atirarem nela. Além disso, a versão da banda de "I Fought the Law" reescreveu a letra fazendo referência ao incidente.

KILL THE POOR

A abertura do álbum é uma sátira feroz às políticas econômicas conservadoras. Narrada do ponto de vista de um político inescrupuloso, propõe "resolver" a pobreza por meio de uma bomba de nêutrons, preservando imóveis enquanto elimina os pobres. A letra é uma crítica ao desprezo das elites pelos menos favorecidos, frequentemente mal interpretada por ouvintes que ignoram sua ironia.

Clássico da banda, que foi lançada como single e atingiu a 39ª posição da principal parada britânica.

FORWARD TO DEATH

Uma das músicas mais niilistas do disco. O narrador rejeita completamente a sociedade de consumo, a moral dominante e até a própria ideia de futuro. A letra expressa alienação extrema, refletindo o desencanto de parte da juventude americana no fim dos anos 1970.

WHEN YA GET DRAFTED

Escrita durante o retorno do debate sobre o recrutamento militar nos EUA após o fim da Guerra do Vietnã, satiriza o patriotismo e o alistamento obrigatório. Biafra retrata jovens enviados para morrer em guerras decididas por políticos distantes do campo de batalha.

LET’S LYNCH THE LANDLORD

Crítica ao mercado imobiliário e aos proprietários abusivos. A letra exagera deliberadamente ao sugerir "linchar o senhorio", usando humor negro para denunciar aluguéis abusivos e moradias precárias em cidades como San Francisco.

DRUG ME

O título é propositalmente ambíguo. Em vez de defender drogas ilícitas, critica a "medicalização" da sociedade e a dependência de medicamentos, televisão, propaganda e conformismo como formas de controle social.

YOUR EMOTIONS

Diferentemente da maior parte do álbum, a crítica aqui é mais pessoal do que política. A música ironiza pessoas excessivamente sentimentais e emocionalmente manipuladoras, mantendo o humor ácido característico da banda.

CHEMICAL WARFARE

Uma visão apocalíptica sobre guerra química e destruição em massa. Embora curta, apresenta um cenário de devastação total, refletindo os temores da Guerra Fria e da corrida armamentista entre Estados Unidos e União Soviética.

CALIFORNIA ÜBER ALLES

Talvez a canção política mais famosa da banda. Escrita durante o governo de Jerry Brown, imagina uma Califórnia transformada em um regime fascista hippie. O título parodia "Deutschland über Alles", satirizando tendências autoritárias tanto da direita quanto da esquerda.

Single lançado para promoção do disco, não obteve maiores repercussões, mas é outro destaque da banda.

I KILL CHILDREN

Outra letra frequentemente mal interpretada. Escrita em primeira pessoa, assume a voz de um psicopata para ridicularizar a banalização da violência e o sensacionalismo da mídia. Não representa uma defesa literal do conteúdo descrito.

STEALING PEOPLE’S MAIL

Uma sátira ao voyeurismo e à invasão de privacidade. O narrador rouba correspondências apenas pelo prazer de conhecer segredos alheios, ironizando a curiosidade mórbida da sociedade.

FUNLAND AT THE BEACH

Inspirada em parques de diversão decadentes da Califórnia, mistura imagens de lazer com decadência social. A letra cria um ambiente grotesco onde diversão e degradação convivem lado a lado.

III IN THE HEAD

Um retrato de paranoia, insanidade e violência urbana. O narrador apresenta um estado mental perturbado, funcionando como crítica à negligência da sociedade diante dos problemas psicológicos e da marginalização.

HOLIDAY IN CAMBODIA

Considerada por muitos a obra-prima da banda. A letra contrapõe estudantes universitários privilegiados dos EUA aos horrores do regime do Pol Pot no Camboja. Biafra critica o radicalismo superficial de jovens de classe média que romantizavam revoluções sem compreender suas consequências reais.

Mais um single lançado retirado do disco, não obteve maior repercussão, mas traz letras ácidas e uma dinâmica muito interessante.

VIVA LAS VEGAS

Cover do clássico imortalizado por Elvis Presley. Os Dead Kennedys alteraram parte da letra para transformar a celebração da cidade em uma sátira ao consumismo, ao turismo e ao excesso associado a Las Vegas.

Considerações Finais

O álbum alcançou a posição 33 na UK Albums Chart. Desde o seu lançamento inicial, foi relançado por vários selos, incluindo IRS, Alternative Tentacles e Cleopatra. A mais nova reedição – a edição especial do 25º aniversário – apresenta a arte original e um DVD bônus de 55 minutos documentando a produção do álbum, bem como os primeiros anos da banda.

Entre as críticas contemporâneas, Jon Young da Trouser Press descobriu que o estilo e o conteúdo do álbum derivam dos Sex Pistols e "soará datado para quem se preocupa com as tendências", mas concluiu que o álbum "pode ser a única peça legítima que acompanha o Pistols' Never Mind the Bollocks.". Robert Christgau do The Village Voice afirmou que achou Biafra pobre como vocalista, comparando seu canto ao de Tiny Tim.

Klaus Flouride

A contracapa original apresentava uma fotografia encontrada de uma antiga banda lounge chamada Sounds of Sunshine, com o logotipo do Dead Kennedys colado na bateria e caveiras e ossos cruzados emendados em seus instrumentos. A fotografia original, encontrada por Flouride em uma venda de garagem, não continha nenhum comentário de identificação e foi usada porque a banda a achou "hilária". De alguma forma, Warner Wilder, o ex-vocalista da extinta banda lounge, soube da foto e ameaçou processar a Dead Kennedys. A contracapa foi reimpressa com as cabeças dos membros da banda cortadas, mas esta solução foi considerada insatisfatória para Sounds of Sunshine, forçando uma foto totalmente diferente de quatro idosos em uma sala de estar (com o mascote morcego Alternative Tentacles colado sobre um porta-retratos). Quando a Cleopatra Records relançou Fresh Fruit for Rotting Vegetables em 2002, a imagem original da banda lounge sem cabeça reapareceu. O 25º aniversário "Deluxe Reissue" co-lançado pela Cherry Red Records e Manifesto Records em 2005 usou a fotografia de idosos, mas com o logotipo do Dead Kennedys substituído pelo Alternative Tentacles Bat.

Em janeiro de 1981, Ted anunciou que queria sair para seguir carreira em arquitetura e ajudaria a procurar um substituto. Ele fez seu último show em fevereiro de 1981. Seu substituto foi D. H. Peligro (Darren Henley). Na mesma época, East Bay Ray tentou pressionar o resto da banda a assinar com a grande gravadora Polydor Records; Biafra afirmou que estava preparado para deixar o grupo se o resto da banda quisesse assinar com a gravadora, embora East Bay Ray afirme que ele recomendou não assinar com a Polydor. A Polydor decidiu não assinar com a banda depois que souberam que o próximo single do Dead Kennedys seria intitulado "Too Drunk to Fuck".

Quando "Too Drunk to Fuck" foi lançada em maio de 1981, causou polêmica no Reino Unido, pois a BBC temia que o single alcançasse o Top 30, o que exigiria que seu título fosse mencionado no Top of the Pops. Nunca foi tocada, embora tenha sido chamada de "'Too Drunk' by the Kennedys" pelo apresentador Tony Blackburn.

O álbum foi incluído no livro 1001 Álbuns que você deve ouvir antes de morrer. Em 2013, a NME classificou-o na posição 365 em sua lista dos 500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos.

Estima-se que Fresh Fruit for Rotting Vegetables supera a casa de 500 mil cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Jello Biafra – Vocal

East Bay Ray – Guitarras

Klaus Flouride – Baixo, Backing vocals

Ted – Bateria

Músicos Adicionais:

6025 – Guitarra-base em "Ill in the Head"

Paul Roessler – Teclados em "Drug Me" e "Stealing People's Mail"

Ninotchka (Therese Soder) – Teclados em "Drug Me"

Faixas:

01. Kill the Poor (Biafra/Ray) - 3:07

02. Forward to Death (6025) - 1:23

03. When Ya Get Drafted (Biafra) - 1:23

04. Let's Lynch the Landlord (Biafra) - 2:13

05. Drug Me (Biafra) - 1:56

06. Your Emotions (Ray) - 1:20

07. Chemical Warfare (Biafra) - 2:55

08. California Über Alles (Biafra/Greenway) - 3:03

09. I Kill Children (Biafra) - 2:04

10. Stealing People's Mail (Biafra) - 1:34

11. Funland at the Beach (Biafra) - 1:49

12. Ill in the Head (6025/Biafra) - 2:46

13. Holiday in Cambodia (Ted/Ray/Biafra/Flouride) - 4:37

14. Viva Las Vegas (Doc Pomus/Mort Shuman) - 2:42

Opinião do Blog:

Embora eu não seja dos maiores fãs de Punk ou Hardcore, o Dead Kennedys é uma das minhas bandas prediletas nesta esfera do Rock.

Fresh Fruit for Rotting Vegetables é tido por muitos especialistas musicais como um dos discos pioneiros na área do Hardcore e, portanto, muito influente e muito importante para o gênero.

A sonoridade veloz, intensa e com sentido de urgência são elementos essenciais para a compreensão do trabalho. A forma como Jello Biafra canta, expelindo as palavras de forma súbita se casa com o ótimo trabalho das guitarras de East Bay Ray, com riffs interessantes, muitas vezes flertando com elementos de rockabilly ou surf music, oferecendo ótimos ganchos melódicos.

Há que se destacar que as letras são importantes elementos da musicalidade do Dead Kennedys, pois contam com extrema acidez e inegável visão crítica, consistentemente com letras anticapitalistas e antissistema, com indubitável viés político.

O único senão é realmente a produção, um pouco pobre demais, mas que não retira a pujança desta estreia.

As guitarras são malemolentes e criativas em faixas extremamente diretas e interessantes como “Ill in the Head”, “Let's Lynch the Landlord” e na versão divertida para “Viva Las Vegas”.

Passagens mais contemplativas, dentro do possível, estão nas clássicas “Holiday in Cambodia” e “California Über Alles”. Mas nossa preferida é mesmo a antológica “Kill the Poor”, uma faixa que define quem é a banda Dead Kennedys.

Enfim, Fresh Fruit for Rotting Vegetables é um álbum muito importante para as sonoridades voltadas ao Hardcore, altamente influente, e sua audição é bem recomendada para quem deseja conhecer este tipo de sonoridade.

LAAZ ROCKIT - KNOW YOUR ENEMY (1987)

2026-08-03T08:06:55.826-03:00

Know Your Enemy é o terceiro álbum de estúdios da banda norte-americana Laaz Rockit, lançado originalmente em 16 de setembro de 1987, através dos selos Enigma/Roadrunner. A produção ficou a cargo de Roy M. Rowland.

A história da Lȧȧz Rockit é um retrato bastante representativo da chamada segunda linha do thrash metal norte-americano dos anos 1980. Embora jamais tenha alcançado a projeção comercial de contemporâneos como Metallica, Slayer ou Megadeth, o grupo conquistou enorme respeito entre músicos, críticos e aficionados pelo gênero graças à consistência de sua discografia e à evolução artística demonstrada em poucos anos. Até o lançamento de Know Your Enemy, em 1987, a banda percorreu um caminho que ilustra tanto a rápida transformação do heavy metal norte-americano quanto a consolidação da histórica cena da Bay Area de São Francisco.

As origens da banda remontam a 1981, quando o vocalista Michael Coons e o guitarrista Aaron Jellum fundaram um grupo chamado Depth Charge, inicialmente em Berkeley, na Califórnia. Ambos eram extremamente jovens — Coons ainda estava concluindo o ensino médio —, mas compartilhavam o interesse por um heavy metal mais agressivo do que aquele que dominava as rádios americanas. O cenário musical vivia um momento de transição: a Nova Onda do Heavy Metal Britânico ainda exercia enorme influência, enquanto grupos como Motörhead, Venom e os primeiros trabalhos do Metallica começavam a redefinir os limites entre velocidade, peso e técnica.

Michael Coons

Após diversas mudanças na formação inicial, a banda encontrou maior estabilidade com a chegada do guitarrista Phil Kettner e do baterista Victor Agnello. Em 1983, o baixista Willy Lange completou a formação clássica que gravaria os primeiros discos. Nesse período, o nome Depth Charge foi abandonado. Surgia então Lȧȧz Rockit, um trocadilho inspirado no sistema de armamento portátil LAWS ("Light Anti-tank Weapons System"), mencionado no filme The Enforcer, estrelado por Clint Eastwood. A grafia incomum procurava transmitir justamente a ideia de explosão, impacto e energia, características que o grupo desejava associar à sua música e às apresentações ao vivo.

Ainda em 1983, a banda lançou a demo Prelude to Death, registro que chamou atenção dentro do circuito underground da Califórnia. Embora bastante rudimentar em termos de produção, a fita já revelava uma sonoridade que transitava entre o heavy metal tradicional e aquilo que logo seria identificado como speed metal. Era um momento em que praticamente toda a Bay Area fervilhava de novas bandas, e a competição por espaço era intensa. Clubes como o Ruthie's Inn tornavam-se pontos de encontro para músicos e fãs, ajudando a formar uma comunidade extremamente fértil para o nascimento do thrash metal.

O álbum de estreia, City's Gonna Burn (1984), refletia exatamente essa fase de transição. Musicalmente, ainda havia forte presença do heavy metal clássico e do power metal americano, mas riffs mais velozes, bateria acelerada e uma abordagem vocal agressiva indicavam que a banda caminhava em direção ao thrash. A produção relativamente modesta não escondia a competência instrumental, especialmente da dupla de guitarras formada por Aaron Jellum e Phil Kettner, cujo diálogo entre bases pesadas e solos melódicos se tornaria uma das marcas registradas do grupo.

No ano seguinte veio No Stranger to Danger (1985), um disco frequentemente visto como uma etapa intermediária na evolução do Lȧȧz Rockit. Embora apresentasse uma execução mais segura e uma produção superior à do debut, o álbum ainda dividia espaço entre influências do heavy metal tradicional e os elementos mais extremos que começavam a dominar a Bay Area. Retrospectivamente, muitos críticos consideram esse trabalho menos impactante que os álbuns seguintes, mas ele foi fundamental para consolidar a reputação do grupo como excelente atração ao vivo.

Aaron Jellum

A importância do Lȧȧz Rockit durante esse período não pode ser medida apenas por seus discos. A banda tornou-se presença constante em shows ao lado de praticamente todos os nomes relevantes da cena norte-americana. Dividiu palco com Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax, Exodus, Dark Angel, Suicidal Tendencies, Armored Saint e diversos outros grupos que posteriormente se tornariam referências absolutas do metal pesado. Essa intensa atividade ao vivo fortaleceu sua reputação como uma das bandas mais competentes da Bay Area, ainda que o sucesso comercial permanecesse limitado.

Em 1986 ocorreu outro passo importante. A banda realizou sua primeira turnê europeia como grupo de apoio do Motörhead. A experiência teve enorme impacto artístico. O contato com públicos europeus mais receptivos ao metal extremo reforçou a decisão de abandonar definitivamente os resquícios do heavy metal tradicional em favor de uma abordagem muito mais agressiva. Diversos relatos posteriores dos integrantes apontam essa viagem como um momento decisivo para a identidade musical que seria apresentada no álbum seguinte.

Esse amadurecimento culminou em Know Your Enemy, lançado em setembro de 1987 pelos selos Roadrunner e Enigma. Produzido por Roy M. Rowland nos Prairie Sun Studios, o disco representa uma clara mudança estética em relação aos trabalhos anteriores.

Composição

Os créditos oficiais apenas informam que as músicas pertencem à banda, sem detalhar o processo criativo faixa a faixa. Também não existem entrevistas conhecidas em que Michael Coons, Aaron Jellum ou Phil Kettner descrevam a composição de cada música ou expliquem a inspiração por trás das letras.

Gravação

A informação oficial disponível é bastante limitada. As fontes convergem apenas em afirmar que o álbum foi gravado ao longo de 1987 no Prairie Sun Recorders, em Cotati, Califórnia. Nenhuma fonte primária (encarte original, entrevistas da época ou registros do estúdio) publica as datas exatas de início e término das sessões.

Phil Kettner

Produção

A produção ficou a cargo de Roy M. Rowland, profissional bastante ligado ao Prairie Sun Recorders. Além de produzir, Rowland também foi o engenheiro de gravação, enquanto Kay Arbuckle atuou como engenheira assistente.

A masterização foi realizada por Eddy Schreyer, no Capitol Records Mastering Lab, um dos nomes mais respeitados da masterização do heavy metal na década de 1980.

Capa

A documentação oficial identifica os responsáveis, mas praticamente não há entrevistas explicando o conceito visual.

Os créditos informam:

Jeff Sadowski — conceito do álbum e arte (Artwork)
Jeff Weller — conceito do álbum e produtor executivo
Patrick Pending — direção de arte
Fotografias de Robert Janover, Keith Madigan e Neil Zlozower.

DEMOLITION

Construída sobre guitarras pesadas, efeitos de explosões e uma atmosfera militarizada, a pequena instrumental “Demolition” prepara o ouvinte para os temas centrais do álbum: guerra, violência, destruição e paranoia nuclear.

LAST BREATH

“Last Breathe” já aposta no chamado speed metal, sendo de andamento muito acelerado e vocais impactantes de Coons.

A letra trabalha sentimentos de medo, sobrevivência e inevitabilidade do fim, sem recorrer ao sobrenatural, privilegiando uma abordagem bastante física e psicológica.

EUROSHIMA

Baseada em um bom riff, “Euroshima” é um thrash com pitada de metal tradicional, sendo uma das melhores do disco.

O próprio título une as palavras Europe e Hiroshima, sugerindo um cenário de guerra nuclear em território europeu durante o auge da Guerra Fria. A letra descreve uma humanidade caminhando para a autodestruição, refletindo o temor bastante comum na segunda metade dos anos 1980 diante da corrida armamentista entre Estados Unidos e União Soviética.

MOST DANGEROUS GAME

Combinando momentos mais Heavy tradicional com um poderoso Thrash, “Most Dangerous Game” é uma faixa absolutamente poderosa.

Sua inspiração é amplamente reconhecida como derivada do conto clássico "The Most Dangerous Game", de Richard Connell, publicado em 1924.

SHOT TO HELL

A seção rítmica trabalha muito bem na infernal “Shot to Hell”, oferecendo ainda mais peso à canção.

A letra descreve personagens lançados em situações extremas de violência e destruição, utilizando a expressão "shot to hell" como metáfora para uma existência completamente devastada.

SAY GOODBYE M. F.

“Say Goodbye M. F.” possui uma pegada mais elaborada, parecendo ser influenciada pelo trabalho do Metallica.

Apesar do título provocativo ("M.F." corresponde à abreviação de um conhecido palavrão em inglês), a música não se resume à agressividade verbal. A letra trata de rompimento definitivo com indivíduos considerados falsos, manipuladores ou traidores, funcionando quase como um manifesto de independência pessoal.

SELF DESTRUCT

“Self Destruct” é um Thrash Metal baseado em uma riferama infernal, com vocais bem agressivos de Michael Coons, sendo uma das melhores do trabalho.

Outra composição fortemente influenciada pelo clima político da Guerra Fria. A letra aborda o comportamento autodestrutivo da humanidade, especialmente através da corrida armamentista e da incapacidade das nações em interromper ciclos de violência.

MEANS TO AN END

Outra vez com boas doses de Heavy Metal tradicional, “Means to an End” é uma das mais incríveis composições do grupo.

A letra gira em torno da ideia de utilizar qualquer recurso para atingir determinado objetivo.

I’M ELECTRIC

“I’m Electric” é uma versão bem agressiva para a canção do Saxon, originalmente lançada no disco Rock the Nations.

MAD AXE ATTACK

Instrumental, “Mad Axe Attack” funciona como vitrine para a dupla de guitarristas Aaron Jellum e Phil Kettner, privilegiando harmonizações, solos rápidos e grande virtuosismo técnico.

SHIT’S UGLY

“Shit’s Ugly” mantém a proposta instrumental, mas apresenta uma atmosfera mais descontraída.

Considerações Finais

Ao contrário de muitos discos contemporâneos lançados por bandas como Metallica, Anthrax ou Megadeth, Know Your Enemy não entrou em nenhuma parada nacional conhecida.

Na época, observou-se que a banda havia praticamente abandonado as influências mais tradicionais do heavy metal, presentes em City's Gonna Burn (1984) e No Stranger to Danger (1985), adotando definitivamente uma sonoridade ligada ao thrash metal da Bay Area. Essa mudança foi vista como um passo artístico importante.

Willy Lange, em primeiro plano

Independentemente das diferenças de avaliação, existe hoje um consenso bastante claro entre jornalistas especializados e veículos dedicados ao heavy metal: Know Your Enemy representa a verdadeira transformação do Lȧȧz Rockit em uma banda de thrash metal. O álbum é visto como um elo entre o heavy metal tradicional dos dois primeiros discos e o thrash mais técnico e agressivo que culminaria em Annihilation Principle (1989).

"Euroshima", "Most Dangerous Game", "Last Breath" e "Self Destruct" são frequentemente apontadas como as melhores composições do trabalho. A maior crítica recorrente recai sobre os dois instrumentais finais, considerados dispensáveis por parte da imprensa especializada.

Victor Agnello

Após o lançamento do álbum em 16 de setembro de 1987, a banda iniciou uma intensa agenda de apresentações nos Estados Unidos e na Europa para promover o disco. Diferentemente da excursão europeia de 1986, quando atuou como banda de abertura do Motörhead, desta vez o Lȧȧz Rockit já chegava com uma identidade musical consolidada e um repertório fortemente baseado no novo álbum.

O principal documento dessa fase é European Meltdown, lançado em 1988. Ao contrário de um álbum ao vivo convencional gravado em uma única noite, trata-se de um EP registrando apresentações da turnê europeia.

Formação:

Michael Coons – Vocal

Aaron Jellum – Guitarras

Phil Kettner – Guitarras

Willy Lange – Baixo

Victor Agnello – Bateria

Músicos adicionais:

Scott Singer – Teclados, Programação

Faixas:

01. Demolition - 1:14

02. Last Breath - 4:37

03. Euroshima - 3:52

04. Most Dangerous Game - 6:10

05. Shot to Hell - 3:57

06. Say Goodbye M.F. - 4:14

07. Self Destruct - 5:37

08. Means to an End - 4:47

09. I'm Electric - 3:03

10. Mad Axe Attack (Instrumental) - 2:13

11. Shit's Ugly (Instrumental) - 1:47

Opinião do Blog:

Certamente, o conhecimento sobre o Laaz Rockit é mais restirto a fãs de Heavy Metal, especialmente a aqueles que se aprofundam no Thrash Metal norte-americano, como é o meu caso.

A realidade, porém, é que Know Your Enemy é o primeiro verdadeiro esforço do grupo abraçando mais explicitamente o Thrash Metal. Não que a banda não o fizesse antes, mas neste terceiro disco a vertente Thrash está mais aflorada.

O ponto alto aqui, neste quesito de Thrash Metal, é o aporte feito pela dupla de guitarristas Aaron Jellum e Phil Kettner, com uma rifferama infernal acompanhada por uma seção rítmica bem competente.

Os vocais de Michael Coons também são um ponto forte do grupo, combinando bem com a proposta sonora. Nos momentos de calmaria, a sua categoria como cantor fica mais evidente.

“Euroshima”, “Shot to Hell” e a versão para “I'm Electric” são porradas Thrash que grandes bandas do gênero assinariam sem nenhum constrangimento. “Most Dangerous Game” e “Means to an End” abraçam mais o Heavy Metal tradicional e demonstram que o grupo conseguiria, facilmente, caminhar por outros territórios com a mesma eficiência.

Mas escolhemos a matadora “Self Destruct” como nossa preferida, Thrash Metal com T maiúsculo.

Enfim, Know Your Enemy é um ótimo álbum de Thrash Metal, muito menos falado e conhecido que deveria, mas que penso que fãs desta vertente do Metal deveriam procurá-lo.

CHRIS CORNELL - EUPHORIA MORNING (1999)

2026-07-30T08:06:25.810-03:00

Primeiro álbum de estúdios da carreira solo do artista norte-americano, lançado oficialmente em setembro de 1999, através do selo Interscope. As gravações ocorreram no 11 AD Studios, em Los Angeles, nos Estados Unidos. A produção ficou a cargo do próprio Chris Cornell e de Natasha Shneider e Alain Johannes.

O quinto álbum do Soundgarden foi de produção própria, Down on the Upside, de 1996. O disco gerou vários singles, incluindo "Pretty Noose", "Burden in My Hand" e "Blow Up the Outside World".

Down on the Upside era notavelmente menos pesado do que os álbuns anteriores do grupo e marcou um afastamento ainda maior das raízes grunge da banda. O Soundgarden explicou na época que queria experimentar outros sons. David Browne, da Entertainment Weekly, disse: "Poucas bandas desde o Led Zeppelin misturaram instrumentos acústicos e elétricos de forma tão nítida."

No entanto, tensões dentro do grupo surgiram durante as sessões, com o guitarrista Kim Thayil e Cornell supostamente entrando em conflito sobre o desejo de Cornell de se afastar dos riffs pesados de guitarra que se tornaram a marca registrada da banda. Apesar das críticas favoráveis, o álbum não conseguiu igualar as vendas do disco anterior da banda, Superunknown.

Em 1997, o Soundgarden recebeu outra indicação ao Grammy pelo single "Pretty Noose". À medida que as tensões cresciam dentro da banda, supostamente devido a conflitos internos sobre sua direção criativa, o Soundgarden anunciou que estava se separando, em 9 de abril de 1997.

Em uma entrevista de 1998, Thayil disse: "Era bastante óbvio pela atitude geral de todos ao longo do semestre anterior que havia alguma insatisfação."

O disco

Em 1998, Cornell começou a trabalhar no material para um álbum solo em colaboração com Alain Johannes e Natasha Shneider da banda Eleven, e o álbum foi gravado no estúdio caseiro de Johannes e Schneider em Los Angeles.

Cornell disse que o primeiro single do álbum, "Can't Change Me", é "uma descoberta meio triste de que este cantor está envolvido com uma pessoa que tem poderes incríveis para ajudar as pessoas e mudar as coisas positivamente, e ele está percebendo que nada disso realmente passou para ele."

Ele disse à MTV News que a gênese da música pode ser encontrada em alguns dos sucessos do Soundgarden, como "Blow Up the Outside World" e "Fell on Black Days". Uma gravação alternativa da música com Cornell cantando em francês pode ser encontrada em várias edições internacionais do álbum. As letras foram traduzidas para o francês por Alexis Lemoine.

"Flutter Girl" foi um outtake de Superunknown, o álbum do Soundgarden de 1994. O título foi criado pelo baixista do Pearl Jam, Jeff Ament, como parte de uma tracklist de piadas para a fita demo do personagem Poncier no filme Singles, de Cameron Crowe de 1992, mas Cornell surpreendeu Crowe ao escrever e gravar músicas com nomes de piadas.

Uma versão reformulada de "Mission", renomeada como "Mission 2000", foi incluída na trilha sonora do filme de 2000 Missão: Impossível 2.

Cornell afirmou que "Wave Goodbye" foi escrita como uma homenagem a seu amigo Jeff Buckley, que morreu em 1997.

"Moonchild" é sobre a então esposa de Cornell, Susan Silver. Na música, ele descreve carinhosamente como ela “fica muito assustada durante a lua cheia”.

CAN’T CHANGE ME

Uma faixa bem interessante, contando com um refrão impactante, com uma pegada rock.

O narrador reconhece suas limitações emocionais e reafirma sua individualidade, ainda que isso implique fracassos afetivos. Trata-se de um dos temas recorrentes na obra de Cornell: autenticidade versus adequação social.

Principal single do disco, atingiu a posição 62 da principal parada britânica desta natureza.

FLUTTER GIRL

Um rock mais malicioso e intrigante, que conta com as guitarras mais presentes.

A letra utiliza imagens oníricas para retratar uma figura feminina quase etérea, símbolo de liberdade, transformação e desejo inalcançável.

Foi outro single, com menos repercussão.

PREACHING THE END OF THE WORLD

Aqui Cornell aposta em uma musicalidade mais intimista, com toques folk, em uma atuação vocal impressionante. Música linda.

A letra trabalha a ideia de que o amor pode ser um refúgio diante da destruição e da ansiedade coletiva. O fim do mundo torna-se metáfora para crises pessoais e existenciais.

Foi outro single, mas que não repercutiu nas principais paradas de sucesso.

FOLLOW MY WAY

“Follow My Way” traz mais proximidades com o som do Soundgarden, embora não seja tão pesada.

A letra apresenta um convite quase espiritual para seguir um caminho alternativo, distante das convenções sociais. Há elementos de liderança, redenção e autoconhecimento, embora Cornell mantenha o texto suficientemente abstrato para evitar interpretações unívocas.

WHEN I’M DOWN

Mais intimista e soturna, esta composição é Blues Rock muito sentimental e um dos pontos mais altos da obra.

A famosa imagem de "midnight opens its arms to me" sintetiza a relação entre solidão e acolhimento noturno, tema frequente na escrita de Cornell. O sofrimento não é romantizado; antes, é aceito como componente inevitável da condição humana.

MISSION

A música traz arranjos mais experimentais soando “quebrada”, mas interessante.

A temática gira em torno de propósito, responsabilidade e busca espiritual. O narrador parece empenhado numa jornada pessoal cuja natureza permanece deliberadamente indefinida.

WAVE GOODBYE

Uma canção bem simples e com abordagem mais introspectiva.

Escrita como homenagem ao cantor Jeff Buckley, falecido em 1997, a música aborda o luto, a despedida e a permanência das memórias.

MOONCHILD

Mais uma faixa que traz um hard rock mais contido, com uma pegada bluesy curiosa.

A letra explora imagens místicas e cósmicas. A figura da "criança da lua" funciona como símbolo de inocência, alteridade e transcendência.

SWEET EUPHORIA

Música muito intimista, acústica, soando como uma balada melancólica.

A letra sugere uma busca por transcendência que nunca se completa integralmente, refletindo a tensão entre desejo e impermanência.

DISAPPEARING ONE

Outra balada, esta, com um pouco mais de intensidade, mas combinando com a sobriedade da letra.

A temática central é o desaparecimento emocional e a dissolução da identidade dentro de relações afetivas ou crises existenciais.

PILLOW OF YOUR BONES

O caráter quase gótico da composição diferencia-a do restante do álbum e demonstra a disposição de Cornell em explorar territórios líricos desconfortáveis.

A letra utiliza imagens corporais e mortuárias para abordar obsessão, dependência emocional e mortalidade.

STEEL RAIN

O andamento lento e a construção atmosférica transformam a faixa num desfecho contemplativo e melancólico.

Embora não haja uma narrativa explicitamente política, a linguagem remete a imagens de guerra e destruição, funcionando também como representação das batalhas internas do indivíduo.

Considerações Finais

Euphoria Morning atingiu a boa 18ª colocação na principal parada norte-americana, a Billboard 200.

Euphoria Morning foi lançado em 21 de setembro de 1999. Em sua primeira turnê solo para divulgar o disco, Cornell passou sete meses na estrada, de 13 de setembro de 1999 a 7 de março de 2000. Ele fez 61 shows, dois dos quais coincidiram com a estreia do álbum em 21 e 22 de setembro de 1999, no Henry Fonda Theatre em Hollywood, Califórnia.

O público foi alto, considerando que Cornell realizou os shows iniciais antes mesmo dos fãs estarem familiarizados com sua nova música. A banda em turnê incluiu vários músicos que contribuíram para o álbum: Alain Johannes, Natasha Shneider, Rick Markmann e Greg Upchurch.

Euphoria Morning não foi um sucesso comercial, no entanto, o single do álbum "Can't Change Me" foi indicado para Melhor Performance Vocal masculino de Rock no Grammy Awards de 2000. Cornell gravou uma versão francesa da música que foi lançada como faixa bônus na versão deluxe de Euphoria Morning e nas edições japonesa e europeia.

O álbum também inclui "Wave Goodbye", uma homenagem de Cornell a seu falecido amigo Jeff Buckley. Foi notado que Euphoria Morning é influenciado pelas composições e estilo vocal distinto de Buckley.

O álbum foi relançado em 2015 em CD e vinil e renomeado como Euphoria Mourning, com Cornell afirmando no comunicado à imprensa que originalmente pretendia esse título para o álbum, mas seu empresário na época, Jim Guerinot, sugeriu que "Euphoria Morning " sem o "u" seria mais adequado.

"O título era tão lindamente poético para começar, apenas o conceito de euforia no luto; foi um momento em que me senti inspirado e deixei sair todo o ar. Então, quando decidimos fazer seu primeiro lançamento em vinil, pensei: quero mudar a porra do título! [Risos] É hora de mudar isso", afirmou Cornell.

Segundo estimativas, o álbum supera 390 mil cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Chris Cornell - Vocal, Guitarra (faixas 1-3 e 5-12), Gaita (faixa 1)

Alain Johannes - Guitarra (faixas 1-6, 8 e 10-12), Baixo (faixas 2-5, 10 e 11), Backing vocals (faixas 1), Theremin (faixa 4), Bandolim (faixas 4), Clarinete (faixa 10), Tabla (faixa 12)

Natasha Shneider - Teclados (faixas 1-4, 6-8 e 10-12), Baixo (faixas 6), Backing vocals (faixas 4-7), Pandeiro (faixas 1-4, 11, e 12), Piano (faixa 5), Órgão (faixa 5), Percussão (faixa 11)

Ric Markmann - Baixo (faixas 1, 7, 8 e 12)

Josh Freese – Bateria (faixas 1-4, 6, 8 e 11)

Músicos adicionais:

Jason Falkner - Baixo (faixa 5)

Greg Upchurch - Bateria (faixa 5)

Victor Indrizzo - Bateria (faixa 7)

Matt Cameron - Bateria (faixa 10)

Bill Rieflin - Bateria (faixa 12)

Faixas:

01. Can't Change Me (Cornell) - 3:23

02. Flutter Girl (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:25

03. Preaching the End of the World (Cornell) - 4:41

04. Follow My Way (Cornell/Shneider/Johannes) - 5:10

05. When I'm Down (Cornell) - 4:20

06. Mission (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:05

07. Wave Goodbye (Cornell) - 3:43

08. Moonchild (Cornell) - 4:02

09. Sweet Euphoria (Cornell) - 3:08

10. Disappearing One (Cornell/Shneider/Johannes) - 3:48

11. Pillow of Your Bones (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:29

12. Steel Rain (Cornell/Shneider) - 5:41

Opinião do Blog:

Quando lançou sua carreira-solo, Chris Cornell já havia se consagrado na excelente banda Soundgarden.

Hoje, conhecendo o trágico desfecho da vida do brilhante vocalista, fica ainda mais palpável a inquestionável melancolia que preenche Euphoria Morning. A opção por canções mais contidas e mais intimistas no álbum ecoam a abordagem que Cornell já queria abranger no Soundgarden.

E esse tom monocromático contagia boa parte da audição do álbum. Portanto, Euphoria Morning não traz praticamente nada da sonoridade potente e pujante do Soundgarden: a pegada é aqui é outra e ouvintes que chegarem ao disco esperando este tipo de abordagem, certamente irão se decepcionar.

E, embora esteja longe de ser um álbum indubitável, é interessante observar uma obra em que o grande destaque não é apenas a voz impecável de Cornell, um dos grandes vocalistas de sua geração, mas sua qualidade irrepreensível de interpretar as canções com o coração.

E é nesta vibe que aparecem músicas muito agradáveis como “Can't Change Me”, “Mission”, “Disappearing One” e “Flutter Girl”. Nossa faixa preferida é o Blues sentimental de “When I’m Down”. Entretanto, faixas menos inspiradas como “Preaching the End of the World” e “Moonchild” são notavelmente arrastadas.

Por fim, Euphoria Morning é um esforço bastante razoável do inesquecível Chris Cornell, uma das grandes vozes de sua geração, e uma maneira de relembrarmos toda sua categoria. Ele nos deixou cedo demais.

SAMSON - HEAD ON (1980)

2026-07-21T08:04:41.651-03:00

Head On é o segundo álbum de estúdios da carreira da banda britânica Samson. Seu lançamento oficial aconteceu em 27 de junho de 1980, através dos selos GEM/RCA. As gravações ocorreram no Kingsway Recorders, em Londres, na Inglaterra. A produção ficou a cargo da própria banda.

Quando se fala na chamada New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), os nomes mais lembrados costumam ser Iron Maiden, Saxon e Def Leppard. Entretanto, existe uma série de grupos fundamentais para a consolidação daquele movimento que acabaram ocupando um espaço mais cultuado do que propriamente massivo. Entre eles, poucos possuem uma trajetória tão emblemática quanto a do Samson. Surgida na efervescente cena londrina do fim dos anos 1970, a banda ajudou a moldar a estética e a sonoridade do heavy metal britânico moderno, funcionando inclusive como plataforma inicial para um jovem cantor chamado Bruce Dickinson — ainda creditado como “Bruce Bruce” — antes de sua entrada definitiva no Iron Maiden.

Origens

A gênese do Samson está diretamente ligada ao guitarrista e compositor Paul Samson. Nascido em Norwich, Paul havia passado por diferentes projetos durante a década de 1970, incluindo grupos de blues rock e hard rock profundamente influenciados por nomes como Deep Purple, Free e Led Zeppelin. Como muitos músicos britânicos daquele período, ele viveu a transição entre o hard rock setentista e a explosão de agressividade que começava a caracterizar o heavy metal nascente.

O Samson foi oficialmente formado em Londres em 1977. A primeira formação relevante reunia Paul Samson na guitarra e voz, Chris Aylmer no baixo e Clive Burr na bateria. Burr posteriormente se tornaria conhecido mundialmente ao integrar o Iron Maiden em discos clássicos como The Number of the Beast. A própria circulação de músicos entre bandas da NWOBHM ilustra como aquela cena funcionava quase como uma comunidade criativa compartilhada.

Paul Samson

Desde o início, o Samson procurou diferenciar-se pela combinação entre riffs pesados e um senso melódico bastante britânico. Ao contrário da abordagem mais sombria do Black Sabbath ou da velocidade quase punk do Motörhead, o grupo apostava numa sonoridade que preservava elementos do hard rock tradicional, mas executados com energia muito mais agressiva. Esse equilíbrio se tornaria uma das marcas centrais da NWOBHM.

Primeiros anos e Thunderstick

Nos primeiros anos, a banda circulou intensamente pelos pubs e pequenos clubes londrinos. Era um circuito extremamente competitivo, mas também fértil. Casas como o Music Machine e o Marquee Club tornaram-se verdadeiros laboratórios para grupos emergentes. O Samson conquistou reputação especialmente pela força de suas apresentações ao vivo e pela presença de palco pouco convencional de seu baterista substituto, Barry “Thunderstick” Purkis, que assumiu a bateria após a saída de Clive Burr.

Thunderstick transformou-se rapidamente em uma figura icônica da cena. Aparecia mascarado, vestido em couro preto e frequentemente tocava dentro de uma espécie de gaiola metálica no palco. Em retrospecto, sua estética antecipava vários elementos teatrais posteriormente explorados por bandas do metal oitentista. O visual extravagante contrastava com o caráter ainda cru e subterrâneo da NWOBHM, criando uma identidade visual imediatamente reconhecível para o Samson.

Thunderstick

A estreia e Bruce Dickinson

Em 1979, a banda lançou seu álbum de estreia, Survivors, pela pequena gravadora Lazer Records. O disco ainda trazia Paul Samson dividindo funções vocais, já que o grupo não possuía um frontman definitivo durante parte das gravações. Musicalmente, Survivors apresentava um heavy metal direto e sem polimento excessivo, sustentado sobretudo pelos riffs cortantes de Paul Samson e pela bateria inventiva de Thunderstick. Embora o álbum não tenha obtido grande repercussão comercial, ele chamou atenção dentro do circuito underground britânico.

Foi justamente nesse período que surgiu a peça decisiva para a consolidação da banda: a entrada de Bruce Dickinson. À época, Dickinson cantava no grupo Shots e era conhecido por sua potência vocal incomum. Segundo relatos posteriores do próprio cantor, o Samson enxergou nele a possibilidade de expandir sua sonoridade para algo mais grandioso e dramático. Dickinson entrou na banda no fim de 1979, adotando o apelido “Bruce Bruce”, numa mistura de irreverência punk e teatralidade tipicamente britânica.

Bruce "Bruce Bruce" Dickinson

A chegada do novo vocalista representou uma mudança importante. Bruce possuía alcance vocal impressionante, além de uma presença cênica muito mais agressiva do que a habitual no hard rock da época. O Samson passou então a soar mais épico, mais rápido e mais ambicioso. Diversos críticos e historiadores da NWOBHM consideram esse momento como a verdadeira definição artística da banda.

O disco

Em 1980, o grupo lançou Head On, seu segundo álbum e o primeiro com Bruce Dickinson nos vocais. O disco foi gravado entre abril e maio daquele ano no Kingsway Recorders, em Londres, sendo lançado oficialmente em julho de 1980 pela GEM/RCA.

Composição

Do ponto de vista da composição, Head On representa uma fase de transição extremamente fértil para a banda. Diversas fontes retrospectivas indicam que boa parte do material foi desenvolvida rapidamente após a chegada de Dickinson ao grupo. O portal Metal Academy, especializado em heavy metal tradicional e NWOBHM, menciona que a maior parte das músicas teria sido escrita nos primeiros dias da permanência do cantor na banda.

Os créditos de composição do álbum mostram um funcionamento relativamente coletivo da banda naquele momento. Quase todas as músicas são assinadas por Bruce Dickinson, Paul Samson, Chris Aylmer e Thunderstick. A exceção mais famosa é “Thunderburst”, que também credita Steve Harris.

Essa composição acabou se tornando um pequeno episódio lendário da NWOBHM. A música derivava de ideias surgidas quando Thunderstick passou brevemente pelo Iron Maiden em 1977. Pouco depois, o Maiden reutilizou parte da estrutura musical em “The Ides of March”, abertura instrumental de Killers (1981). Segundo relatos posteriores, isso gerou irritação entre integrantes do Samson, sobretudo porque Steve Harris acabou assinando sozinho a versão do Maiden.

Gravação

As gravações ocorreram no Kingsway Recorders, estúdio londrino utilizado por vários artistas do rock britânico naquele período. A engenharia de som ficou a cargo de Paul “Chas” Watkins e Bob Broglia, enquanto as remixagens foram realizadas posteriormente no Trident Studios por Tony Platt e Craig Milliner.

Produção

Tony Platt merece atenção especial nesse contexto. Embora ainda não fosse o produtor renomado que se tornaria posteriormente, ele já começava a construir reputação no hard rock britânico e acabaria associado a trabalhos importantes com AC/DC e outros nomes do rock pesado. Sua participação nas remixagens ajudou a dar maior impacto ao material, especialmente às guitarras e aos vocais. Ainda assim, a sonoridade do álbum preserva certa crueza típica da NWOBHM inicial. Críticos posteriores frequentemente observam que a mixagem privilegia excessivamente a bateria de Thunderstick e deixa as guitarras relativamente “finas” em comparação com padrões posteriores do heavy metal dos anos 1980.

Capa

Visualmente, Head On também se tornou um marco importante da iconografia da NWOBHM. A capa traz Thunderstick mascarado e vestido com couro preto, segurando uma foice em uma composição quase teatral. A fotografia da capa foi realizada por Simon Fowler, enquanto o design ficou a cargo do coletivo Hothouse.

HARD TIMES

“Hard Times”, a faixa de abertura do disco já traz Dickinson soltando a voz em um Heavy Metal simples, mas bem eficaz.

Liricamente, “Hard Times” trabalha um tema recorrente do hard rock britânico do período: dificuldades econômicas, pressão cotidiana e resistência individual. O tom é urbano e direto, refletindo o clima social da Grã-Bretanha do fim dos anos 1970, marcada por desemprego, greves e tensão econômica.

Foi um single do álbum, sem maiores repercussões.

TAKE IT LIKE A MAN

“Take It Like a Man” possui um clima de urgência, embora sua sonoridade seja bem influenciada pelo hard setentista.

A letra explora masculinidade, orgulho e resistência emocional — temas bastante comuns no heavy metal da época. O refrão sugere enfrentamento direto das adversidades, dentro daquela estética quase “operária” da NWOBHM.

VICE VERSA

“Vice Versa” é uma canção mais cadenciada, com bela atuação de Bruce e de Samson nas guitarras.

Liricamente, a canção parece abordar relações humanas marcadas por manipulação e ambiguidade emocional. O próprio título sugere inversão de papéis e instabilidade psicológica. Embora a letra não seja excessivamente complexa, ela demonstra tentativa de ir além das fórmulas simplistas do hard rock tradicional.

MANWATCHER

“Manwatcher” traz a bateria de Thunderstick frenética, sendo o ponto alto da canção.

A letra trabalha observação, perseguição e vigilância, aproximando-se vagamente de temas de ficção científica e suspense psicológico.

TOO CLOSE TO ROCK

A pegada com uma linha quase invisível entre hard rock e heavy metal continua em “Too Rock to Close”, na qual o solo de Paul Samson se destaca.

A letra parece tratar dos excessos, riscos e sedução da vida musical, em tom parcialmente autobiográfico.

THUNDERBUST

Instrumental curta e extremamente importante historicamente. A faixa nasceu parcialmente de ideias musicais desenvolvidas quando Thunderstick passou rapidamente pelo Iron Maiden em 1977.

HAMMERHEAD

“Hammerhead” traz fortes influências do Judas Priest setentista e bons vocais de Bruce.

Liricamente, a faixa trabalha confrontação física e psicológica, usando imagens violentas e diretas típicas do heavy metal inicial. Há menos sofisticação narrativa aqui; o objetivo parece ser impacto imediato.

HUNTED

“Hunted” oscila entre passagens mais calmas e outras mais pesadas, sendo interessante.

A letra retrata alguém acuado, observado ou perseguido, reforçando o tom paranoico presente em outras faixas do disco.

TAKE ME TO YOUR LEADER

“Take Me to Your Leader” é uma típica música da NWOBHM, acelerada, dinâmica e com peso, sendo uma das melhores do disco.

O título remete ao clichê clássico associado a alienígenas em filmes B e cultura pop. Entretanto, a música não funciona apenas como humor sci-fi. Existe certo sarcasmo direcionado à autoridade, liderança e submissão coletiva. Esse tipo de ironia britânica aparece com frequência em bandas da NWOBHM.

WALKING OUT ON YOU

A música que encerra o disco é também a mais longa, mas nela já é audível as influências progressivas que Dickinson sempre teve.

A letra aborda rompimento, abandono e ressentimento afetivo. Dickinson explora nuances interpretativas mais amplas, alternando melancolia e explosões vocais intensas.

Considerações Finais

Head On, foi lançado em julho de 1980 e alcançou a posição 34 na parada britânica de discos.

A crítica especializada britânica de 1980 enxergou Head On principalmente como um avanço importante em relação ao debut Survivors (1979). Diversas retrospectivas posteriores citam que a entrada de Bruce Dickinson deu ao grupo uma dimensão mais profissional, mais teatral e mais competitiva dentro da NWOBHM.

Chris Aylmer

Com o passar das décadas, Head On passou por significativa reavaliação crítica. Atualmente, o disco costuma ser tratado como uma obra importante — ainda que não essencial — da primeira geração da NWOBHM. O banco de dados crítico Album of the Year compila avaliação positiva derivada do AllMusic, indicando reconhecimento tardio do álbum como registro relevante do heavy metal britânico inicial.

A turnê de divulgação de Head On marcou um dos períodos mais turbulentos — e, ao mesmo tempo, decisivos — da história do Samson. Entretanto, apesar do crescimento artístico e da atenção crescente da imprensa especializada, a estrutura empresarial do grupo estava longe de acompanhar sua evolução musical. As próprias biografias da banda em inglês e espanhol destacam que a turnê de suporte ao álbum foi “cheia de controvérsias e problemas legais”, principalmente por conflitos envolvendo empresariamento e organização financeira.

Ainda assim, o Samson passou boa parte de 1980 na estrada. A banda circulou intensamente pelo circuito britânico da NWOBHM, tocando em teatros, clubes e festivais, num período em que o movimento começava finalmente a receber atenção nacional da imprensa musical inglesa. O grupo ganhou reputação especialmente pela energia das apresentações ao vivo e pelo contraste visual entre o vocalista Bruce Dickinson — ainda creditado como “Bruce Bruce” — e o baterista mascarado Thunderstick.

Ao mesmo tempo, os problemas administrativos começavam a desgastar seriamente o grupo. Segundo diferentes relatos posteriores, o Samson enfrentava dificuldades relacionadas a contratos, pagamentos e gestão de carreira justamente quando começava a atingir um patamar mais competitivo dentro da NWOBHM. Isso acabaria sendo determinante para os acontecimentos seguintes.

Algumas faixas do álbum Survivors (1979), originalmente gravadas antes da entrada de Dickinson, tiveram os vocais regravados com Bruce. Essas versões permaneceram arquivadas por anos até serem recuperadas em relançamentos posteriores nos anos 1990.

A turnê continuou até o final do ano, quando o Samson entrou em estúdio para gravar seu terceiro álbum, Shock Tactics.

Formação:

"Bruce Bruce" Dickinson – Vocal

Paul Samson – Guitarra, BV, Mixagem

Chris Aylmer – Baixo

Thunderstick – Bateria, BV

Faixas:

Todas as faixas de Bruce Dickinson, Paul Samson, Chris Aylmer e Thunderstick, exceto "Thunderburst" de Dickinson, Samson, Aylmer, Thunderstick e Steve Harris

01. Hard Times - 4:42

02. Take It Like a Man - 4:09

03. Vice Versa - 4:44

04. Manwatcher - 3:37

05. Too Close to Rock - 3:36

06. Thunderburst (instrumental) - 2:06

07. Hammerhead - 3:40

08. Hunted - 3:00

09. Take Me to Your Leader - 3:49

10. Walking Out on You - 6:36

Opinião do Blog:

Não há dúvidas de que a adição de Bruce Dickinson, um vocalista de primeira linha do Heavy Metal, trouxe o Samson a um patamar muito mais alto, bem como sua saída para o Iron Maiden praticamente condenou as chances do grupo.

Embora Head On seja um trabalho de bom nível, ele também explica o porquê de que o grupo nunca teve o mesmo nível de reconhecimento de outras bandas da NWOBHM.

As composições são consideravelmente simples, cruas e bem diretas, e as letras chegam a ser inocentes de tão pueris. Mas, mesmo assim, trata-se de um disco bastante divertido.

“Take It Like a Man” é bem curiosa, com um andamento veloz e a guitarra de Samson afiada. “Too Close to Rock” se baseia em um bom riff e “Take Me to Your Leader” é agressiva e direta, com os vocais de Bruce bem agressivos. E “Thunderburst” é Maideniana, literalmente.

Destacamos a excêntrica e divertida “Vice Versa” e, claro, nossa preferida “Walking Out on You”, com seus toques progressivos bem exaltados.

Enfim, Head Out não mudará a vida de ninguém que o ouvir, mas pode ser uma indicação divertida para fãs da NWOBHM e, também, vale pela curiosidade de se ouvir Bruce Dickinson antes de entrar no Iron Maiden.

JEFF BECK - BLOW BY BLOW (1975)

2026-07-14T08:05:16.178-03:00

Blow by Blow é o segundo álbum de estúdios da carreira solo do artista britânico Jeff Beck. O lançamento oficial aconteceu em 29 de março de 1975, através do selo Epic. As gravações ocorreram em outubro de 1974, no estúdio AIR, em Londres, com a produção de George Martin.

Em abril de 1973, o álbum Beck, Bogert & Appice foi lançado (pela Epic Records). Embora os críticos reconhecessem a habilidade instrumental da banda, o álbum não foi bem recebido comercialmente, exceto pelo cover do hit "Superstition" de Stevie Wonder.

Em 3 de julho de 1973, Beck juntou-se a David Bowie no palco para interpretar "The Jean Genie"/"Love Me Do" e "Around and Around". O show foi filmado e finalmente lançado no documentário de 2022, Moonage Daydream. Durante outubro de 1973, Beck gravou faixas para o álbum Lane Changer de Michael Fennelly.

No início de janeiro de 1974, Beck, Bogert e Appice tocaram no Rainbow Theatre em Londres como parte de uma turnê europeia. O show foi transmitido na íntegra no programa norte-americano Rock Around the World, em setembro do mesmo ano. Este último trabalho gravado pela banda traz uma prévia do material destinado a um segundo álbum de estúdio, incluído no bootleg At Last Rainbow.

Jeff Beck

As faixas "Blues Deluxe" e "BBA Boogie" deste show foram posteriormente incluídas na compilação Beckology, de Jeff Beck (1991).

Beck, Bogert & Appice se dissolveu em abril de 1974, antes de seu segundo álbum de estúdio (produzido por Jimmy Miller) ser concluído. Seu álbum ao vivo Beck, Bogert & Appice Live in Japan, gravado durante sua turnê japonesa de 1973, só foi lançado em fevereiro de 1975 pela Epic/Sony.

Depois de alguns meses, Beck entrou no Underhill Studio e conheceu a banda Upp; ele os recrutou para ser a banda de apoio para sua aparição no programa de TV da BBC Guitar Workshop em agosto de 1974.

Beck produziu e tocou em seu álbum de estreia autointitulado e em seu segundo álbum This Way Upp, embora suas contribuições para o segundo álbum não tenham sido creditadas.

Durante 1974, ele participou das sessões de gravação do primeiro álbum da banda Hummingbird, do ex-membro do Jeff Beck Group, Bobby Tench, mas não contribuiu para o álbum.

Jeff Beck

Em outubro do mesmo ano, Beck começou a gravar sessões instrumentais no AIR Studios com Max Middleton, que também era associado ao Hummingbird, o baixista Phil Chen e o baterista Richard Bailey, usando George Martin como produtor e arranjador.

O disco

Beck contratou George Martin para produzir seu novo álbum depois de ouvir seu trabalho no álbum Apocalypse, de 1974, da Mahavishnu Orchestra. De acordo com Carmine Appice, que tocou com Beck no BBA, ele esteve envolvido no processo de composição e gravação de Blow by Blow, mas as partes de Appice foram editadas após uma disputa com o empresário de Beck.

O quarto contribuidor chave para Blow by Blow depois de Beck, Middleton e Martin foi Stevie Wonder, que deu a Beck suas canções "Cause We Ended as Lovers" e "Thelonius", com Wonder tocando teclados clavinete nesta última sem créditos.

A primeira música apareceu no álbum de Wonder de 1974, Stevie Wonder Presents: Syreeta, feito com a então esposa Syreeta Wright, enquanto Wonder nunca gravou "Thelonius" sozinho. Foi selecionado um cover da música "She's a Woman" dos Beatles, bem como a composição "Diamond Dust" de Bernie Holland do grupo Hummingbird formado por músicos do segundo Jeff Beck Group.

As outras cinco faixas eram originais da banda, com Beck e Middleton como compositores principais, e a última faixa de cada lado apresentava arranjos de cordas de Martin. Beck dedicou "Cause We Ended as Lovers" ao colega guitarrista Roy Buchanan, com um agradecimento a Wonder.

YOU KNOW WHAT I MEAN

Abrindo o álbum, a composição de Beck e do tecladista Max Middleton estabelece imediatamente a nova direção musical do guitarrista. O título sugere uma comunicação implícita, quase cúmplice, e a música traduz essa ideia por meio de diálogos entre guitarra e teclados.

SHE’S A WOMAN

Composta por John Lennon e Paul McCartney, a canção original dos Beatles era uma celebração direta da admiração amorosa masculina. Beck elimina os vocais e reconstrói a obra como um exercício de groove e improvisação, preservando o espírito jubiloso da composição enquanto a transporta para o universo da jazz fusion.

CONSTIPATED DUCK

Composição exclusiva de Beck, o título bem-humorado (“Pato Constipado”) indica o caráter quase caricatural da peça. A música aposta em mudanças rítmicas abruptas e frases sincopadas que parecem traduzir musicalmente a estranheza sugerida pelo nome.

AIR BLOWER

Creditada coletivamente a Beck, Middleton, Richard Bailey e Phil Chen, a faixa reflete a dinâmica de banda que permeou as sessões do álbum. O título remete aos estúdios AIR, fundados por George Martin em Londres, e a música transmite energia mecânica e movimento contínuo, quase como uma máquina em funcionamento.

SCATTERBRAIN

“Scatterbrain” (“cabeça dispersa”) traduz musicalmente a ideia de pensamentos acelerados e desconexos. As mudanças constantes de andamento, as passagens técnicas intrincadas e o diálogo frenético entre guitarra e teclados criam uma sensação de inquietação mental.

CAUSE WE’VE ENDED AS LOVERS

Escrita por Stevie Wonder para Syreeta, então sua esposa, a composição aborda o fim de um relacionamento amoroso transformado em amizade e respeito mútuo. Sem palavras, Beck converte a melancolia da letra original em uma das interpretações mais emocionantes de sua carreira, dedicando-a ao guitarrista Roy Buchanan.

THELONIUS

Outra contribuição de Stevie Wonder, a faixa jamais recebeu uma gravação própria do compositor. O título provavelmente presta homenagem ao pianista de jazz Thelonious Monk, ainda que a grafia apareça simplificada. O espírito lúdico da música e o uso do talk box por Beck criam uma espécie de “voz instrumental”, aproximando a guitarra da linguagem humana.

FREEWAY JAM

Composta por Max Middleton, a faixa evoca a experiência de dirigir em alta velocidade por rodovias modernas. O caráter expansivo, o ritmo constante e a sensação de deslocamento contínuo justificam plenamente o título.

DIAMOND DUST

Escrita por Bernie Holland, integrante da banda Hummingbird, a composição encerra o álbum em tom contemplativo. O título remete ao brilho efêmero e delicado dos cristais de gelo suspensos no ar, imagem que encontra paralelo nos arranjos orquestrais concebidos por George Martin.

Considerações Finais

Apresentando as proezas técnicas de Beck no jazz-rock, o álbum alcançou o quarto lugar nas paradas e é o lançamento de maior sucesso comercial de Beck.

Beck, meticuloso com overdubs e muitas vezes insatisfeito com seus solos, retornou muitas vezes ao AIR Studios até ficar satisfeito. Alguns meses após o término das sessões, o produtor George Martin recebeu um telefonema de Beck, que queria gravar uma seção solo novamente. Confuso, Martin respondeu: "Sinto muito, Jeff, mas o disco está nas lojas!"

Beck montou uma banda ao vivo para uma turnê pelos Estados Unidos, que foi precedida por um show pequeno e não anunciado no The Newlands Tavern em Peckham, Londres.

Jeff Beck

Ele excursionou entre abril e maio de 1975, principalmente apoiando a Mahavishnu Orchestra, mantendo Max Middleton nos teclados, mas com uma nova seção rítmica com o baixista Wilbur Bascomb e com o notável baterista Bernard "Pretty" Purdie, que curiosamente também foi ligado ao Hummingbird.

Em um show de maio de 1975 em Cleveland, no Music Hall, ele ficou frustrado com uma versão inicial de um talk box que usou em seu arranjo de "She's a Woman" dos Beatles e, depois de quebrar uma corda, jogou sua lendária Guitarra Yardbirds-era Fender Stratocaster fora do palco. Ele fez o mesmo com o talk box e terminou o show tocando uma guitarra Les Paul sem o box.

Durante esta turnê ele se apresentou no "World Rock Festival" de Yuya Uchida, tocando oito músicas com Purdie. Além disso, executou instrumental de guitarra e bateria com Johnny Yoshinaga e, ao final do festival, se juntou a uma jam ao vivo com o baixista Felix Pappalardi do Mountain e o vocalista Akira "Joe" Yamanaka da Flower Travellin' Band. Apenas seu set com Purdie foi gravado e lançado.

Segundo estimativas, Blow by Blow supera a casa de 1 milhão de cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Jeff Beck – Guitarras

Max Middleton – Teclados

Phil Chen – Baixo (creditadoo como "Phil Chenn")

Richard Bailey – Bateria, Percussão

Stevie Wonder – Clavinete não creditado em "Thelonius

Faixas:

01. You Know What I Mean (Beck/Middleton) - 4:02

02. She's a Woman (Lennon/McCartney) - 4:28

03. Constipated Duck (Beck) - 2:50

04. AIR Blower (Beck/Middleton/Bailey/Chen) - 5:07

05. Scatterbrain (Beck/Middleton) - 5:39

06. Cause We've Ended as Lovers (S. Wonder) - 5:51

07. Thelonius (S. Wonder) - 3:17

08. Freeway Jam (Middleton) - 4:57

09. Diamond Dust (B. Holland) - 8:24

Opinião do Blog:

Blow by Blow é um álbum muito importante no que concerne à fusão do Jazz e do Rock e, claro, para a carreira de Jeff Beck.

Composta por músicos extremamente talentosos, Blow by Blow mostra uma sonoridade madura e bem aplicada, onde a base é o Jazz, mas trazendo uma roupagem rock and roll, com muito talento e muita criatividade.

Jeff Beck é claramente o protagonista e sua guitarra é o destaque máximo do trabalho. Belas linhas de guitarras e solos realmente incríveis cativam o ouvinte pelas belas nove canções instrumentais. Os arranjos são belíssimos, e as canções cativam de imediato.

Claro que também merecem destaque os teclados de Max Middleton, que compartilha e contrapõe as guitarras de Beck com perfeição, em perfeita simbiose musical.

Todas as canções são inspiradoras, mas destacamos as incríveis “Cause We've Ended as Lovers”, “Thelonious”, “Freeway Jam” e a versão criativa para “She’s a Woman”.

Enfim, Blow by Blow é um álbum essencial para o Rock instrumental e um atestado definitivo do talento de Jeff Beck.