ROCK: ÁLBUNS CLÁSSICOS

MEAT LOAF - BAT OUT OF HELL (1977)

2026-09-15T10:38:02.931-03:00

Bat Out of Hell é o álbum de estúdios de estreia do vocalista norte-americano Meat Loaf, lançado oficialmente em outubro de 1977, através dos selos Cleveland e Epic. A produção ficou a cargo do lendário Todd Rundgren.

O álbum foi desenvolvido a partir de um musical, Neverland, uma versão rock futurista de Peter Pan, que Jim Steinman escreveu para um workshop, em 1974, e se apresentou no Kennedy Center Music Theatre Lab, em 1977.

Steinman e Meat Loaf, que estavam em turnê com o The National Lampoon Show, sentiram que três canções eram "excepcionais" e Steinman começou a desenvolvê-las como parte de um conjunto de sete canções que queriam gravar como um álbum. As três músicas eram "Bat Out of Hell", "Heaven Can Wait" e "The Formation of the Pack", que mais tarde foi renomeada como "All Revved Up with No Place to Go".

Bat Out of Hell é frequentemente comparado à música de Bruce Springsteen, particularmente ao álbum Born to Run. Steinman diz que acha isso "intrigante, musicalmente", embora eles compartilhem influências; "Springsteen foi mais uma inspiração do que uma influência." Um artigo da BBC acrescentou "que Max Weinberg e Roy Bittan da E Street Band de Springsteen tocarem no álbum apenas ajudou a reforçar a comparação."

Meat Loaf

Steinman e Meat Loaf tiveram dificuldade em encontrar uma gravadora disposta a contratá-los. De acordo com a autobiografia de Meat Loaf, a banda passou a maior parte de 1975 escrevendo e gravando material, e dois anos e meio fazendo testes para o disco e sendo rejeitada.

Eles tocaram o álbum ao vivo em 1976, com Steinman ao piano, Meat Loaf cantando e, às vezes, Ellen Foley juntando-se a eles em "Paradise". Steinman diz que foi uma "mistura das rejeições mais brutais que você poderia imaginar". Meat Loaf "quase quebrou" quando o executivo da CBS, Clive Davis, rejeitou o projeto. De acordo com a autobiografia de Meat Loaf, Davis comentou que "atores não fazem discos" e desafiou as habilidades de escrita e o conhecimento de Steinman sobre música rock.

Meat Loaf afirmou: "Jim, na época, conhecia todos os discos já feitos. [Ele] é uma enciclopédia de rock ambulante." Embora Steinman tenha rido dos insultos, o cantor gritou "Foda-se, Clive!" da rua até seu prédio.

Em uma entrevista de 1989 para a revista Classic Rock, Steinman rotulou Todd Rundgren de "o único gênio genuíno com quem já trabalhei". Em uma entrevista de 1989 com Redbeard para o episódio In the Studio with Redbeard sobre a produção do álbum, Meat Loaf revelou que Jimmy Iovine e Andy Johns eram candidatos potenciais para a produção de Bat Out of Hell antes de serem rejeitados pelo cantor e Steinman, em favor de Todd Rundgren, de quem Meat Loaf inicialmente achou arrogante, mas passou a gostar.

Jim Steinman

O disco

A gravação começou no final de 1975 no Bearsville Studios, Woodstock, Nova York. Roy Bittan e Max Weinberg, o pianista e baterista da E Street Band de Springsteen tocaram no álbum, além dos membros do grupo Utopia de Rundgren: Kasim Sulton, Roger Powell e John "Willie" Wilcox. Edgar Winter tocou saxofone em "All Revved Up". O próprio Rundgren tocou guitarra, incluindo o "solo de motocicleta" em "Bat Out of Hell".

Tanto Steinman quanto Rundgren foram influenciados por Phil Spector e sua "Wall of Sound". De acordo com Meat Loaf, Rundgren juntou todos os arranjos porque embora "Jim pudesse ouvir todos os instrumentos" em sua cabeça, Steinman cantarolava em vez de orquestrar.

Quando Rundgren descobriu que o acordo com a RCA não existia de fato, Albert Grossman, que havia sido empresário de Bob Dylan, ofereceu-se para colocá-lo em sua gravadora Bearsville, mas precisava de mais dinheiro. Rundgren basicamente pagou ele mesmo pelo álbum. Mo Ostin, da Warner Bros., ficou impressionado, mas outros veteranos os rejeitaram depois que se apresentaram ao vivo.

Outro membro da E Street Band, Steven Van Zandt, e Sonenberg combinaram de entrar em contato com a Cleveland International Records, uma subsidiária da Epic Records. Depois de ouvir a introdução falada de "You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night)", o fundador Steve Popovich aceitou o álbum para o selo.

Rundgren inicialmente mixou o disco em uma noite. No entanto, algumas das mixagens eram inadequadas, a ponto de Meat Loaf não querer "Paradise by the Dashboard Light" no álbum. Jimmy Iovine, que mixou Born to Run de Springsteen, remixou "Two Out of Three Ain't Bad". Após diversas tentativas de diversas pessoas, John Jansen mixou a versão de "Paradise by the Dashboard Light" que está no álbum, junto com "All Revved Up with No Place to Go". De acordo com Meat Loaf, ele, Jansen e Steinman mixaram a faixa-título.

Meat Loaf

Todd Rundgren afirma que Steinman foi altamente influenciado pela "angústia adolescente suburbana rural" de Springsteen. De acordo com o empresário David Sonenberg, “Jim sempre inventava esses grandes títulos e então escrevia uma música que tentava justificar a grandeza do título”.

Desde 1968, Steinman vinha trabalhando em uma obra-prima, que finalmente estreou em 2017 na forma de Bat Out Of Hell: The Musical. A primeira encarnação de seu trabalho foi um musical chamado The Dream Engine quando ele estava na faculdade em Amherst. As qualidades da rebelião adolescente e de uma menina ingressando em uma "tribo" liderada por um líder carismático estão presentes em todas as versões da obra de Steinman. É em The Dream Engine que se origina a peça falada "Hot Summer Night", e é a primeira obra que aparece no álbum Meat Loaf, onde é interpretada por Jim Steinman e pela atriz Marcia McClain.

A próxima encarnação da obra-prima de Steinman, durante a década de 1970, foi um musical chamado Neverland, que continha muitas das mesmas cenas e temas de The Dream Engine, mas agora era amplamente despolitizado e continha muitas referências a Peter Pan. Algumas cenas em Neverland, como os pais alimentando sua filha presa com drogas "supressoras de sonhos", ainda estão presentes em Bat Out Of Hell: The Musical, mas no geral Neverland tinha um tom muito mais sombrio. Este musical continha as canções "Heaven Can Wait", "Bat Out of Hell" e "All Revved Up with No Place to Go".

Steinman é creditado com o conceito da capa do álbum, ilustrada por Richard Corben. Em 2001, a revista Q listou a capa como número 71 em sua lista das "Cem Melhores Capas de Discos de Todos os Tempos".

BAT OUT OF HELL

Steinman imaginou a música como aquilo que chamou de sua “ultimate motorcycle crash song”: uma narrativa cinematográfica sobre velocidade, perigo, desejo e morte. A inspiração inclui “Leader of the Pack”, das Shangri-Las, e até elementos associados à abertura de Psycho, de Alfred Hitchcock.

O narrador é um motociclista que atravessa uma paisagem noturna praticamente apocalíptica. Há sirenes, violência, perseguição e uma sensação permanente de que alguma coisa terrível está prestes a acontecer. O erotismo existe, mas é apresentado junto com a ideia de perigo e destruição.

A épica e clássica faixa-título, a qual foi lançada como single e atingiu a 15ª colocação na principal parada britânica.

YOU TOOK THE WORDS RIGHT OUT OF MY MOUTH (HOT SUMMER NIGHT)

A canção começa com uma introdução falada, quase teatral, realizada pelo próprio Steinman e Marcia McClain. Steinman explicou que a abertura era uma homenagem ao tipo de construção sonora associado a Phil Spector.

O narrador encontra uma mulher durante uma “hot summer night” e transforma o desejo sexual em uma espécie de jogo de poder. O que torna a música interessante é que ela não trata o desejo de maneira particularmente sofisticada: é adolescente, exagerado, urgente e quase mitológico.

Foi um single que ficou com a 39^a e a 33^a posições nas paradas de Estados Unidos e Reino Unido, respectivamente.

HEAVEN CAN WAIT

Uma balada dominada pelo piano, suave e com uma atuação impressionante de Meat Loaf nos vocais. É uma das poucas músicas do disco em que Steinman abandona boa parte da agressividade e deixa a melodia respirar. O piano de Roy Bittan e os arranjos orquestrais criam uma atmosfera quase de balada clássica.

O narrador parece estar diante da possibilidade da morte, mas não encara o paraíso como algo necessariamente desejável. O que o prende à vida é a experiência do amor, da memória e da felicidade. A ideia central é particularmente bonita: o amor terreno é suficiente para fazer alguém querer continuar vivendo.

ALL REVVED UP WITH NO PLACE TO GO

O narrador se apresenta como uma espécie de jovem americano arquetípico: atleta, guitarrista, garoto solitário, alguém que sente a “febre” crescer nas noites de sábado. A música mistura masculinidade adolescente, desejo sexual, rock'n'roll e uma sensação de inquietação.

Foi outro single, mas sem maiores repercussões nas paradas.

TWO OUT OF THREE AIN’T BAD

O compositor explicou que a ideia nasceu justamente da tentativa de escrever uma balada simples, depois de uma amiga sugerir que ele fizesse algo na linha de uma velha canção romântica. O resultado foi a inversão da tradicional declaração de amor: em vez de “eu quero você, preciso de você, amo você”, surgiu a ideia de “eu quero você, eu preciso de você, mas não vou amá-la”.

Isso dá à música uma ironia muito característica de Steinman: ela é apresentada como uma grande balada romântica, mas o que está sendo narrado é, na realidade, uma rejeição amorosa cuidadosamente racionalizada.

Foi um single que atingiu a excelente 11^a posição da parada dos EUA.

PARADISE BY THE DASHBOARD LIGHT

Aqui Steinman abandona completamente o formato tradicional de canção pop e cria praticamente uma pequena peça de teatro musical. A narrativa acompanha um casal adolescente dentro de um carro. Eles estão apaixonados, excitados e prestes a fazer sexo. O rapaz quer avançar; a garota exige uma promessa de amor eterno e casamento.

Um single que atingiu a 39ª posição da principal parada norte-americana de singles. Detalhes: e foi fortemente inspirada nas canções de musicais dos EUA. Ellen Foley compartilha os vocais nesta canção.

FOR CRYING OUT LOUD

“For Crying Out Loud” não é simplesmente uma balada romântica. O narrador descreve uma pessoa que o encontrou quando ele estava perdido e o ajudou a recuperar algum sentido para a própria existência. A música é construída sobre dependência emocional, gratidão e transformação. O narrador estava “no fundo”; ela representa calor quando ele estava frio, salvação quando ele estava perdido, movimento quando ele estava paralisado.

A construção musical acompanha esse sentimento. Começa de maneira relativamente delicada e cresce progressivamente até se transformar em uma enorme explosão orquestral.

Considerações Finais

Embora com um início moroso, Bat Out of Hell foi um tremendo sucesso. O disco alcançou a 13ª posição da Billboard 200 e a 3ª colocação da principal parada britânica.

O álbum não foi um sucesso imediato nos Estados Unidos. As críticas foram inicialmente mistas, mas desde então tornaram-se muito mais positivas. No lançamento, a crítica de Dave Marsh na Rolling Stone chamou as músicas de "ótimas, mas... totalmente educadas e derivadas" e observou que os arranjos "não são ruins", e elogiou os músicos. Ele concluiu observando que “os diretores têm muito a fazer”.

Stephen Erlewine do AllMusic escreve que Steinman é “um compositor sem igual, simplesmente porque ninguém mais queria fazer mini-épicos como este”. A produção de Rundgren é aplaudida, assim como a inteligência da música e das letras. “Isso pode elevar a paixão adolescente a dimensões operísticas, e isso é certamente bobo, mas é difícil não ficar maravilhado com a habilidade por trás deste álbum grandiosamente bobo e irresistível.”

Meat Loaf e Steinman formaram a banda Neverland Express para uma turnê de divulgação de Bat Out of Hell. Seu primeiro show foi abrindo para o Cheap Trick em Chicago. Meat Loaf ganhou exposição nacional como convidado musical no Saturday Night Live em 25 de março de 1978.

Meat Loaf

Em 1978, Meat Loaf pulou de um palco em Ottawa, Ontário, quebrando a perna. Ele terminou sua turnê se apresentando em uma cadeira de rodas.

Prêmios

Em 1989, a Kerrang! a revista listou o álbum em 38º lugar entre os "100 melhores álbuns de heavy metal de todos os tempos".
O álbum foi classificado em 343º lugar na lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone de 2003, mas foi removido da revisão de 2020.
Em 2005, Bat Out of Hell foi classificado em 301º lugar no livro da revista Rock Hard "Os 500 Maiores Álbuns de Rock e Metal de Todos os Tempos".
Em 2006, foi eleito o número nove em uma pesquisa realizada pela Australian Broadcasting Corporation para descobrir o álbum mais popular da Austrália.
O álbum também foi incluído no livro 1001 Álbuns que você deve ouvir antes de morrer.

Segundo estimativas, o álbum supera 14 milhões de cópias vendidas apenas nos Estados Unidos.

Formação:

Meat Loaf – Vocal, Backing vocals

Todd Rundgren – Guitarra (1, 2, 4–6), Percussão (1, 2), Teclados (1), Backing vocals (1–3, 5, 6)

Kasim Sulton – Baixo (1, 2, 4–7), Backing vocals (1)

Roy Bittan – Piano, Teclados (all except 7)

Steve Margoshes – Piano (7)

Cheryl Hardwick – Piano (7)

Jim Steinman – Teclados (1, 2, 6), Percussão (1, 2)

Roger Powell – Sintetizador (1, 2, 5, 6)

Edgar Winter – Saxofone (2, 4, 6)

Max Weinberg – Bateria (1, 2, 6)

John "Willie" Wilcox – Bateria (4, 5, 7)

Ellen Foley – Vocal (6), Backing vocals (1, 2, 4, 6)

Rory Dodd – Backing vocals (all except 4)

Membros da New York Philharmonic e da Philadelphia Orchestra (faixa 7)

Faixas: (todas compostas por Jim Steinman)

01. Bat Out of Hell - 9:48

02. You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night) - 5:04

03. Heaven Can Wait - 4:38

04. All Revved Up with No Place to Go - 4:19

05. Two Out of Three Ain't Bad - 5:23

06. Paradise by the Dashboard Light - 8:28

07. For Crying Out Loud - 8:45

Opinião do Blog:

Como apreciador da obra de Bruce Springsteen, é impossível não notar semelhanças e uma grande influência de Born to Run neste Bat Out of Hell.

Claro que a forma como o disco foi produzido remete imediatamente ao clássico de Springsteen, também a presença de membros da E Street Band (Roy Bittan e Max Weinberg), mas, sobretudo algumas canções com estruturas bem semelhantes com a forma com que Springsteen compunha sua música.

Meat Loaf é um vocalista talentoso e competente, soando muito bem neste álbum, especialmente na faixa-título, demonstrando poder na sua voz. Muitos méritos vão também para o compositor Jim Steinman, criador da obra e de seu conceito. Evidentemente que a produção de Todd Rundgren é inspirada na Wall of Sound de Phil Spector, popularizada justamente em Born to Run, mas o resultado final é mais que satisfatório.

A diferença é que há um toque Hard Rock bem pronunciado no disco, com momentos em que as guitarras roubam o protagonismo. O peso é intercalado por melodias exultantes e um clima realmente de exaltação. Outro destaque são os coros de vozes, muito bem empregados.

Para o Canal, a clássica “Bat Out of Hell” é a melhor canção, um épico de 9 minutos com peso e sensibilidade. A tocante “Heaven Can Wait” é outro momento épico, com uma atuação mais intimista, mas brilhante, de Loaf. “Paradise by the Dashboard Light" também é memorável, bem como a vibrante “All Revved Up with No Place to Go”.

Enfim, na minha opinião, Meat Loaf nunca conseguiu repetir este nível de excelência novamente na carreira, mas deixou uma obra impecável para a história do Rock.

ADRENALINE MOB - MEN OF HONOR (2014)

2026-09-09T08:59:30.066-03:00

Men of Honor é o segundo álbum de estúdios da banda norte-americana Adrenaline Mob. Ele foi lançado oficialmente em 18 de fevereiro de 2014, através do selo Elm City Music. A produção ficou a cargo de Mike Orlando e de Russell Allen.

O Adrenaline Mob é um supergrupo americano de heavy metal, formado no início de 2011 pelo vocalista Russell Allen (Symphony X), o guitarrista Mike Orlando e o baterista Mike Portnoy.

A banda foi formada no início de 2011 e teve sua primeira apresentação ao vivo em 24 de junho de 2011, no Hiro Ballroom em Nova York, com a adição do baixista Paul Di Leo (Fozzy) e do guitarrista Rich Ward (Stuck Mojo/Fozzy ).

O grupo lançou um vídeo no YouTube de uma versão cover da música "The Mob Rules", do Black Sabbath, em 27 de junho de 2011, para sua própria promoção, evidentemente. Na véspera do Ano Novo de 2011, o Adrenaline Mob anunciou através de sua página no Facebook que lançaria seu primeiro álbum de estúdio completo, Omertà, em 13 de março de 2012, e também revelou a arte do álbum.

Russell Allen

Em janeiro de 2012, o Adrenaline Mob anunciou as saídas de Rich Ward e Paul Di Leo devido a conflitos de agenda com suas outras bandas. John Moyer, do Disturbed, foi mais tarde escolhido como o novo baixista da banda. Ele fez sua estreia no palco com o grupo em março de 2012 no Hiro Ballroom de Nova York, um dia antes do lançamento de Omertà.

A banda lançou um EP de covers intitulado Covertá em 12 de março de 2013.

Em junho de 2013, Mike Portnoy anunciou, através da página do Adrenaline Mob no Facebook, que faria mais quatro shows com a banda antes de sair do grupo. Portnoy citou conflitos de agenda que o impediram de "se comprometer totalmente com as atividades futuras da banda no momento".

Mike Orlando

Portnoy foi substituído por AJ Pero do Twisted Sister.

O disco

O disco foi lançado em 18 de fevereiro de 2014, também via Century Media Records. As faixas do álbum foram reveladas uma a uma via streaming no SoundCloud, com cada nova faixa sendo lançada toda semana.

John Moyer

Segundo o guitarrista Mike Orlando, o título do álbum foi sugerido por seu pai. “Estávamos pensando em nomes para o disco e ele disse 'Por que vocês não chamam de 'Uomini D'Onore' [tradução: 'Men of Honor']?' Eu sabia que era isso. Somos unidos como irmãos. Esta é uma gangue musical. A mensagem é para permanecermos fortes com o Adrenaline Mob, somos homens de honra e honraremos essa entidade até morrermos”.

MOBY IS BACK

A faixa de abertura funciona quase como um manifesto. O narrador está exausto do trabalho, da rotina e da sensação de estar sendo esmagado pelas circunstâncias. A resposta para essa frustração é o rock. O “Mob” que está de volta não deve ser interpretado literalmente como uma organização criminosa. É a própria comunidade do Adrenaline Mob: músicos e público reunidos para transformar raiva e frustração em energia.

COME ON GET UP

Não existe espaço para contemplação: riffs pesados, refrão imperativo e uma performance vocal que parece empurrar o personagem para fora do chão.

A letra usa uma linguagem deliberadamente agressiva para construir uma espécie de discurso de motivação. O personagem sofreu uma derrota, foi humilhado e está no fundo do poço. A resposta de Allen não é oferecer consolo, mas ordenar que ele se levante.

Foi um single do álbum, sem nenhuma repercussão nas paradas.

DEARLY DEPARTED

Canção baseada em um ótimo riff, com uma sonoridade mais Hard Rock e ótimos vocais de Allen.

O narrador fala de alguém que era extremamente próximo e que acabou se tornando inimigo. A sensação de traição é tão profunda que a pessoa deixa de ser tratada como alguém vivo emocionalmente: passa a ser alguém destinado a integrar os “queridos mortos”.

BEHIND THESE EYES

Balada mais convencional, mas que conta com belas linhas melódicas de Orlando e ótima interpretação de Allen.

O personagem se sente perdido, como se tivesse vivido uma vida que não correspondia à sua verdadeira identidade. A ideia central é a existência de uma pessoa quebrada escondida atrás de uma aparência exterior.

LET IT GO

A letra é quase uma advertência psicológica. O personagem continua alimentando antigos conflitos, deixando que os próprios “demônios” controlem sua mente. A mensagem é simples: aquilo que aconteceu já aconteceu. Continuar alimentando a ferida apenas mantém o sofrimento vivo.

FEEL THE ADRENALINE

Aqui o álbum simplesmente pisa no acelerador. A temática é extremamente direta: velocidade, carros, estrada, perigo e prazer em correr riscos. A letra descreve uma máquina modificada, pneus queimando, gasolina, nitro, rádio ligado e a sensação física da velocidade.

MEN OF HONOR

A faixa-título possui uma pegada feroz da bateria de Pero, além de contar com vocais que oscilam entre limpos e agressivos.

A faixa-título é provavelmente a música conceitualmente mais importante do álbum. Seu assunto é lealdade. O narrador confronta alguém que rompeu um juramento e virou as costas para o grupo. A palavra-chave é “allegiance”: fidelidade, compromisso, pertencimento.

A participação da violinista Asha Mevlana adiciona um elemento instrumental inesperado à faixa.

CRYSTAL CLEAR

O personagem olha para trás e finalmente compreende algo que antes não conseguia enxergar: o valor de uma pessoa que esteve ao seu lado durante todo o tempo. A imagem central é justamente a da clareza adquirida depois de um período de confusão. O narrador reconhece que estava cego para aquilo que agora considera evidente.

HOUSE OF LIES

“House of Lies” é essencialmente uma música sobre sexo, desejo e atração física, com uma linguagem bastante explícita. O título funciona como metáfora para uma relação marcada por jogos de sedução, manipulação e desejo.

JUDGEMENT DAY

“Judgment Day” retoma o lado pesado e ameaçador do álbum. O próprio título remete ao Dia do Juízo, mas a música trabalha a ideia de confronto e consequência. É uma espécie de aviso: determinadas ações eventualmente cobram seu preço.

FALLIN’ TO PIECES

É, provavelmente, a música emocionalmente mais devastadora do disco. O personagem perdeu praticamente tudo. Ele construiu paredes, sonhos e uma espécie de castelo pessoal, apenas para assistir tudo desmoronar.

Considerações Finais

O álbum atingiu a modesta 99ª posição da principal parada norte-americana, a Billboard 200.

Em agosto de 2014, Moyer informou a seus fãs via Facebook e Twitter que não se juntaria ao Adrenaline Mob em uma turnê planejada. Em resposta, o Adrenaline Mob anunciou que estava em busca de um novo baixista, encerrando efetivamente a presença de Moyer na banda.

AJ Pero

Pouco depois, a banda escolheu Erik Leonhardt como seu novo baixista. O grupo lançou um álbum de covers, Dearly Departed, pela Century Media em 9 de fevereiro de 2015, na Europa (apenas digital) e em 10 de fevereiro na América do Norte.

Em 20 de março de 2015, o baterista A.J. Pero foi encontrado inconsciente no ônibus da turnê da banda. Os membros da banda tentaram, mas não conseguiram acordá-lo. A banda estava viajando de Baltimore para Poughkeepsie. Pero foi levado a um hospital onde foi declarado morto devido a um aparente ataque cardíaco. Ele tinha 55 anos.

No dia seguinte, a banda se apresentou em Nova Jersey com vários bateristas substituindo Pero, incluindo Chad Szeliga, Johnny Kelly e o ex-baterista do Adrenaline Mob, Mike Portnoy.

Formação:

Russell Allen - Vocal

Mike Orlando - Guitarras, Backing vocals

John Moyer - Baixo

A. J. Pero - Bateria

Músicos adicionais:

Asha Mevlana - Violino em "Men Of Honor"

Faixas: (Todas canções creditadas a Allen e Orlando)

01. Mob Is Back - 4:35

02. Come on Get Up - 4:13

03. Dearly Departed - 4:57

04. Behind These Eyes - 5:08

05. Let It Go - 3:54

06. Feel the Adrenaline - 5:57

07. Men of Honor - 4:27

08. Crystal Clear - 5:03

09. House of Lies - 3:56

10. Judgment Day - 4:06

11. Fallin' to Pieces - 4:58

Opinião do Blog:

Envolto a boas doses de publicidade, o Adrenaline Mob é um dos supergrupos mais badalados da década passada.

Em Men of Honor, já sem o grande Mike Portnoy, temos um álbum com boa dose de peso. O grupo opta por um Heavy Metal bem intenso, com toques de modernidades. Para um fã de Black Label Society, é impossível não notar a influência da banda de Zakk Wylde no som dos caras.

E, conforme prometeram os caras do grupo, aqui não há Prog Metal. O som é bem menos complexo, menos rebuscado, embora bem pesado. É um Heavy Metal moderno, com boas doses de groove e distorção.

Russel Allen é um vocalista muito competente e não há o que se discutir sua qualidade. Tanto nos vocais limpos quanto nos vocais agressivos, o resultado é o mesmo: eficiência.

Mike Orlando é um guitarrista com muita qualidade, trazendo ótimos riffs e bons solos, em um estilo bem semelhante ao de Zakk. Temos que destacar a ótima atuação de AJ Pero na bateria, com peso e consistência.

Faixas intensas e pesadas como “Feel the Adrenaline” e “House of Lies” impressionam pela intensidade. Em momentos como “Come on Get Up” há uma certa dose de malemolência bem-vinda.

O flerte com o Hard Rock agrada bastante na ótima “Dearly Departed”. A bela balada “Behind These Eyes” não traz nada de novo, mas é tocante. Mas nossa preferida é a pesada e direta “Men of Honor”, símbolo deste trabalho.

Enfim, Men of Honor é emblemático por ser o trabalho final do saudoso AJ Pero, mas não apenas por isto. É um disco sólido de Heavy Metal e, se não traz nada de novo, ao menos é competente naquilo a que se propõe.

KYUSS - WELCOME TO SKY VALLEY (1994)

2026-08-25T08:01:34.595-03:00

Welcome to Sky Valley é o terceiro álbum de estúdios da banda norte-americana Kyuss, lançado originalmente em 28 de junho de 1994, pelo selo Elektra Records. O disco foi gravado no estúdio Sound City, em Van Nuys, nos Estados Unidos, com produção de Chris Goss e do próprio grupo.

O Kyuss foi uma banda formada em Palm Desert, Califórnia, em 1987, e considerada uma das pioneiras do gênero Stoner.

O grupo surgiu sob o nome de Katzenjammer (gíria alemã para "Ressaca", literalmente "gemido de um gato") antes de finalmente decidir pelo nome Sons of Kyuss. Brant Bjork selecionou o nome do monstro morto-vivo encontrado no RPG Advanced Dungeons & Dragons.

Em 1989, a banda gravou seu EP de estreia homônimo, Sons of Kyuss, que foi o único lançamento com Chris Cockrell no baixo. Depois de lançar o EP por conta própria em 1990, a banda recrutou Nick Oliveri - que já havia tocado a segunda guitarra no Katzenjammer - para substituir Cockrell no baixo, e encurtou seu nome para Kyuss.

Brant Bjork

A primeira formação do Kyuss consistia no vocalista John Garcia, no guitarrista Josh Homme, no baixista Nick Oliveri e no baterista Brant Bjork. A banda gradualmente conquistou seguidores locais em Palm Desert, Califórnia, e frequentemente se apresentava em festas dentro e ao redor das cidades isoladas das áreas desérticas do sul da Califórnia. Esses shows improvisados e predominantemente ao ar livre, chamados localmente de "festas de geradores", consistiam em pequenas multidões de pessoas, consumo de cerveja e uso de geradores movidos a gasolina para fornecer eletricidade aos equipamentos.

A banda então assinou com a gravadora independente Dali, uma subsidiária da Chameleon Records, distribuída pela Elektra Records, que lançou seu álbum de estreia, Wretch, em setembro de 1991. Várias músicas do álbum eram versões regravadas daquelas que apareceram no EP Sons of Kyuss.

As vendas do álbum foram lentas, embora a banda estivesse rapidamente se destacando como banda ao vivo. O guitarrista Josh Homme logo ganhou reputação por seu estilo único, psicodélico e afinado, de tocar guitarra e por sua convenção de tocar guitarras elétricas por meio de amplificadores de baixo para criar um som pesado.

Em 1992, a banda, junto com o novo produtor Chris Goss, começou a trabalhar em seu próximo álbum, Blues for the Red Sun. Goss entendeu a banda e foi capaz de capturar com precisão seu som ao vivo no estúdio. Lançado em junho daquele ano, o álbum foi aclamado pela crítica e hoje é amplamente considerado como um disco pioneiro de stoner rock.

John Garcia

No final de 1993, eles foram convidados a abrir nove datas para a turnê do Metallica na Austrália. Comparações com os padrinhos do stoner rock, Black Sabbath, tornaram-se comuns, embora Homme afirmasse ter pouco conhecimento da banda na época, mas Bjork afirmou que ele e Oliveri foram enormemente influenciados pelo grupo britânico.

Oliveri deixou a banda após a conclusão do álbum e Scott Reeder, que havia sido abordado sobre se juntar ao Kyuss cinco ou seis meses antes, durante uma turnê pela Costa Oeste com The Obsessed, fez sua estreia na festa de lançamento de Blues for the Red Sun.

Em 1993, Kyuss foi transferido da Dali para o selo principal Chameleon e gravou seu terceiro álbum, Welcome to Sky Valley.

O disco

Welcome to Sky Valley foi gravado no início de 1993 e programado para lançamento em janeiro de 1994.O grupo fez uma prévia do álbum completo no Foundations Forum 93 e contribuiu com a música "Demon Cleaner" para o disco de amostra.

Scott Reeder

Devido ao leve sucesso de seu álbum anterior, o Kyuss foi promovido de sua gravadora subsidiária "Dali" para a gravadora principal "Chameleon". Em 11 de novembro de 1993, a Chameleon Records fechou abruptamente. Sua parceira de joint venture, Elektra, rapidamente escolheu a banda e agendou o lançamento do álbum em março de 1994. O álbum foi adiado por mais três meses depois disso, sendo lançado quase um ano depois de ter sido inicialmente gravado.

GARDENIA

A abertura do álbum estabelece imediatamente a atmosfera árida e psicodélica. O enorme riff reforça a ideia de movimento lento e hipnótico.

A letra mistura imagens de natureza, calor, transformação e fuga espiritual. "Gardenia" não apresenta uma narrativa linear; trabalha antes com sensações típicas do deserto californiano, sugerindo libertação, transcendência e comunhão com o ambiente.

A faixa foi o segundo single retirado do álbum, acabou não repercutindo em termos das principais paradas de sucesso.

ASTEROID

Instrumental. Sem letra. Funciona como uma ponte atmosférica entre "Gardenia" e "Supa Scoopa and Mighty Scoop". A música privilegia textura, repetição e sensação espacial, reforçando o aspecto psicodélico do álbum.

SUPA SCOOPA AND MIGHTY SCOOP

A voz de John Garcia alterna agressividade e melodia, ampliando uma sensação de viagem sensorial.

Uma das letras mais enigmáticas do disco. As imagens são fragmentadas e quase surrealistas, refletindo a estética psicodélica da banda. Em vez de contar uma história, a canção cria uma sucessão de impressões sobre liberdade, excesso e deslocamento mental.

100º

A faixa mais curta e direta do álbum. A temperatura do título remete ao calor extremo do deserto de Palm Desert, cenário que moldou a identidade do Kyuss.

A letra transmite urgência, energia física e sobrevivência diante de condições extremas, funcionando quase como uma explosão punk dentro da estrutura mais psicodélica do disco.

SPACE CADET

Uma das músicas mais contemplativas da carreira da banda. A instrumentação acústica reforça o clima meditativo e faz da faixa um dos momentos mais delicados do álbum.

A letra aborda alienação, introspecção e busca de paz interior. O "space cadet" pode ser entendido como alguém emocionalmente distante da realidade cotidiana.

DEMON CLEANER

Bem possivelmente o maior clássico do Kyuss, musicalmente, tornou-se uma das composições mais emblemáticas do stoner rock.

Talvez a letra mais conhecida do álbum. O "limpador de demônios" pode ser interpretado como uma metáfora para eliminar vícios, medos ou conflitos internos. A linguagem permanece deliberadamente ambígua, permitindo múltiplas leituras.

Foi lançada como single e atingiu a posição 78 da principal parada britânica desta natureza.

ODYSSEY

Acelerada, pesada e intensa, esta composição é uma amostra da agressividade desta ótima banda. A alternância entre momentos pesados e passagens mais etéreas traduz essa dualidade.

O próprio título remete a uma jornada. A letra fala sobre movimento, transformação e descoberta, funcionando quase como uma síntese da estética do álbum: uma viagem física pelo deserto e, simultaneamente, uma viagem psicológica.

CONAN TROUTMAN

A música é simples: curta, pesada e quase explosiva.

A letra é mínima e segue o humor característico do Kyuss. O título faz referência a um amigo da banda e ilustra o gosto do grupo por nomes inusitados e referências internas. Mais importante que a narrativa é o impacto sonoro imediato.

N.O.

A única composição não original do disco. A inclusão da música funciona como homenagem do Kyuss à histórica banda Across the River, grupo fundamental para a cena de Palm Desert liderado por Mario Lalli.

A letra apresenta uma visão niilista e desencantada, coerente com o rock do deserto do início dos anos 1990.

WHITEWATER

O andamento lento e crescente faz a música soar como o desfecho natural da viagem iniciada em "Gardenia". É frequentemente apontada como uma das grandes composições de Brant Bjork dentro do Kyuss.

A letra é contemplativa, quase espiritual, evocando imagens da natureza como metáfora para purificação e renovação.

LICK DOO (HIDDEN TRACK)

Trata-se de uma “faixa escondida”. É uma canção humorística e deliberadamente absurda, encerrando o álbum de forma descontraída após a solenidade de "Whitewater". Seu objetivo é funcionar como uma brincadeira típica das hidden tracks dos anos 1990, sem maior desenvolvimento temático.

Considerações Finais

Welcome to Sky Valley não foi capaz de fazer muito sucesso comercial e sequer adentrou as principais paradas de sucesso, a britânica e a norte-americana. "Demon Cleaner" e “Gardenia” foram os singles lançados para promoção do disco, com o primeiro atingindo o 78º lugar da parada britânica desta natureza.

Welcome to Sky Valley foi descrito, pela crítica, como stoner rock e stoner metal. Este é o primeiro álbum do Kyuss com a participação do baixista Scott Reeder, que substituiu Nick Oliveri em 1992.

Welcome to Sky Valley foi o último disco a apresentar o membro fundador Brant Bjork. A música "N.O." foi originalmente gravada pelo Across the River, uma banda liderada por Mario Lalli e com a participação do baixista Reeder. Depois que Reeder deixou o Obsessed e se juntou ao Kyuss, Bjork sugeriu que gravassem "N.O." como uma homenagem ao Across the River.

Josh Homme

Em CD, Welcome to Sky Valley foi originalmente lançado com seu total de dez músicas contidas em três faixas, com uma quarta faixa oculta adicional. Posteriormente, foi relançado com todas as dez faixas separadas individualmente. No entanto, a maioria das versões vendidas comercialmente do CD contém as três faixas, uma configuração que visa encorajar os ouvintes a experimentá-lo como um álbum completo, em vez de como uma coleção de músicas separadas.

Mais uma vez produzido por Chris Goss, demonstrou um som muito mais psicodélico e maduro, sendo aclamado pela crítica especializada.

No entanto, surgiram problemas pessoais no conjunto e o baterista Brant Bjork deixou a banda após o término das sessões de gravação. Bjork citou sua extrema aversão por turnês, especialmente problemas de relacionamento com a banda que se desenvolvem durante longos períodos na estrada. Ele foi substituído por Alfredo Hernández, que já havia tocado com Reeder na banda Across the River em meados dos anos 80.

Em julho de 1995, o Kyuss lançaria seu quarto e último álbum, ...And the Circus Leaves Town.

Formação:

John Garcia – Vocal

Josh Homme – Guitarra, Backing vocals

Scott Reeder – Baixo, Backing vocals

Brant Bjork – Bateria

Músicos Adicionais:

Peter Moffett – Percussão em "Asteroid"

"Madman of Encino" – Backing vocals

Mario Lalli – Guitarra-solo em "N.O."

Faixas:

01. Gardenia (Bjork) - 6:54

02. Asteroid (Homme) - 4:49

03. Supa Scoopa and Mighty Scoop (Homme) - 6:04

04. 100° (Homme) - 2:29

05. Space Cadet (Homme/Reeder) - 7:02

06. Demon Cleaner (Homme) - 5:19

07. Odyssey (Homme) - 4:19

08. Conan Troutman (Homme) - 2:12

09. N.O. (Reeder/Lalli) - 3:47

10. Whitewater (Bjork) - 8:00

Opinião do Blog:

Embora a maioria dos fãs do Kyuss elejam, com razão, Blues for the Red Sun como o melhor álbum do grupo, o meu preferido é mesmo este Welcome to Sky Valley.

Pioneiros do chamado Stoner Rock, o grupo liderado pelo excelente guitarrista Josh Homme une o peso do Heavy Metal, as viagens do Rock Psicodélico e a imprevisibilidade do Progressivo em um álbum enigmático e, ao mesmo tempo, cativante.

Riffs dilacerantes são intercalados por passagens melódicas inspiradas – e belíssimas – guiadas pela guitarra de Homme e a voz singular de John Garcia. Com as 10 músicas divididas em 3 suítes, o toque progressivo é dado por caminhos descontínuos das canções, em uma complexidade sonora fascinante.

A progressiva “Whitewater” é brutal em seu peso e complexidade, a beleza melódica do clássico “Demon Cleaner” contagia e a direta “100” também mostra o poder de fogo do grupo.

Entretanto, elegemos o peso brutal do riff inicial de “Gardenia” e a viagem intensa da espetacular “Odysey” como nossas preferidas.

Enfim, não importa muito qual seja seu álbum preferido do Kyuss, pois muito mais valioso que isso é conhecer a obra desta excelente e pouco comentada banda.

NIGHTWISH - OCEANBORN (1998)

2026-08-18T08:43:37.586-03:00

Oceanborn é o segundo álbum de estúdios da carreira da banda finlandesa, lançado oficialmente em dezembro de 1998, pelo selo Spinefarm. Tero Kinnuen e a própria banda foram os produtores, enquanto os estúdios utilizados foram o Caverock, em Kitee, e o Finnvox, em Helsinque, ambos na Finlândia.

Depois de tocar teclado em várias bandas de heavy metal na década de 1990, incluindo Darkwoods My Betrothed, Tuomas Holopainen decidiu criar seu próprio projeto enquanto estava sentado ao redor de uma fogueira com amigos em 6 de julho de 1996.

Ele imediatamente teve uma ideia clara da música: música acústica experimental que ele mesmo havia composto durante seu tempo no exército finlandês, semelhante à música geralmente tocada em torno de fogueiras, mas com som e atmosfera distintos e tocada com seus teclados.

Ele logo convidou o amigo e colega de escola Erno "Emppu" Vuorinen para tocar violão, e a vocalista clássica Tarja Turunen, que havia compartilhado o mesmo professor de música, Plamen Dimov, alguns anos antes.

Os três músicos gravaram sua demo acústica autointitulada no final de 1996. O nome "Nightwish" foi derivado de sua primeira música juntos - a demo também incluía a música "The Forever Moments" e uma versão inicial de "Etiäinen".

Tuomas Holopainen

No início de 1997, Jukka "Julius" Nevalainen se juntou à banda, e o violão foi substituído pela guitarra elétrica. A adição de elementos de heavy metal à música experimental existente do Nightwish deu à banda um som diferente, formando o núcleo do estilo distinto do grupo.

A banda entrou em estúdio em abril de 1997 para gravar sete músicas para sua segunda demo, intitulada Angels Fall First. Em maio de 1997, a demo chegou à gravadora finlandesa Spinefarm Records, que queria lançá-la como o álbum de estreia da banda. A gravadora ofereceu ao Nightwish um contrato de gravação, e a banda voltou ao estúdio para gravar mais quatro músicas para complementar as faixas da demo. O álbum completo Angels Fall First foi lançado em novembro de 1997.

A banda fez sua estreia ao vivo em sua cidade natal, Kitee, no Huvikeskus, em 31 de dezembro de 1997, diante de 400 pessoas. Como faltava um baixista, Samppa Hirvonen se juntou a eles como membro ao vivo. Marianna Pellinen também foi membro da sessão ao vivo como tecladista adicional e vocalista de apoio de Turunen.

O Nightwish voltou ao estúdio em agosto de 1998 como um quinteto para gravar uma continuação para a Spinefarm Records, que se tornaria seu segundo álbum completo, Oceanborn.

O disco

Este álbum marcou uma mudança definitiva no escopo musical do Nightwish a partir de suas raízes folk em Angels Fall First, apresentando um som mais bombástico e orientado ao power metal, com andamentos mais rápidos, solos harmônicos de guitarra/teclado e muitos sons duplos de bateria.

Durante esse tempo, o Stratovarius foi a maior inspiração de Holopainen, daí o som power metal do álbum. O som de Oceanborn segue uma abordagem mais dramática no âmbito musical geral, principalmente relegado ao trabalho de teclado sinfônico e aos vocais de Tarja Turunen.

Emppu Vuorinen

Segundo Mape Ollila, que escreveu a biografia da banda: junto com Theli, do Therion, o álbum passou a ser conhecido como um dos pilares do gênero emergente do metal sinfônico.

A maioria das letras tem temática de fantasia, com faixas como "Swanheart" e "Walking in the Air", um cover do especial animado de TV The Snowman, como exemplos típicos; entretanto, a canção "Gethsemane" tem um toque mais religioso. Além disso, há também algumas faixas teatrais como "Devil & the Deep Dark Ocean".

Oceanborn está entre seus álbuns mais sombrios, fazendo uso dos vocais ásperos de Tapio Wilska nas canções "The Pharaoh Sails to Orion" e "Devil & the Deep Dark Ocean".

STARGAZERS

“Stargazers” abre o disco com um power metal bem porrada, rápido e intenso, com a onipresença dos teclados de Tuomas.

A letra combina imagens de constelações, tragédia clássica e transcendência, aproximando-se tanto da literatura fantástica quanto da poesia simbolista.

GETHSEMANE

“Gethsemane” possui a espetacular atuação vocal de Tarja se une à categoria de Tuomas nos teclados em uma canção emocionante.

O título remete ao Jardim do Getsêmani, local da oração e da angústia final de Cristo antes da crucificação.

DEVIL & THE DEEP DARK OCEAN

“Devil & the Deep Dark Ocean” conta com participação vocal de Tapio Wilska e a canção assume contornos quase operísticos e teatrais.

A letra funde imagens marítimas, elementos demoníacos e simbolismos de tentação e destruição.

SACRAMENT OF WILDERNESS

Tuomas faz melodias bem atmosféricas com seus teclados na ótima “Sacrament of Wilderness”, uma música que une bem elementos de power metal com música sinfônica.

O “sacramento” do título não pertence à religião institucional, mas à experiência espiritual proporcionada pela vida selvagem.

O principal single do álbum, atingindo a 1ª posição da parada finlandesa, uma canção mais intensa e pesada.

PASSION AND THE OPERA

A linda “Passion and the Opera” conta com belas melodias, aliada à grandiosidade que o Nightwish transmite as suas canções.

A letra aborda a entrega absoluta à arte e ao amor, tratando a ópera como metáfora para emoções intensas e avassaladoras.

SWANHEART

“Swanheart” é uma das baladas mais delicadas da carreira inicial do grupo.

A letra trata do amor idealizado e da impossibilidade de preservá-lo diante das transformações da vida.

MOONDANCE

Praticamente instrumental, “Moondance” mergulha no imaginário folclórico celta e medieval.

THE RIDDLER

Com uma melodia bem cativante, “The Riddler” é dominada pelas melodias do teclado de Tuomas.

A letra sugere que a jornada intelectual e espiritual é mais importante do que qualquer solução final.

THE PHARAOH SAILS TO ORION

Outra faixa com participação de Tapio Wilska nos vocais, “The Pharaoh Sails to Orion” é mais power metal e agressiva, com passagens bem intensas.

A canção trabalha temas de transcendência, imortalidade e ascensão espiritual após a morte, articulando referências históricas reais com a linguagem épica típica do power metal europeu.

WALKING IN THE AIR

Uma versão totalmente comovente para a clássica canção composta por Howard Blake.

A letra descreve o voo mágico de uma criança ao lado de um boneco de neve, explorando maravilhamento, inocência e imaginação infantil.

Foi outro single do disco que atingiu o topo da parada finlandesa.

Considerações Finais

Adotando um som mais técnico e progressivo do que em Angels Fall First, Oceanborn viu a banda abandonar muitos dos elementos ambientais e folk presentes em seu lançamento de estreia, com exceção da música "Moondance". Em contraste aos vocais femininos de Turunen, o álbum também contou com vocais rosnados convidados de Tapio Wilska (ex-Finntroll), já que Tuomas não queria cantar novamente. Wilska também é ex-membro do Nattvindens Gråt.

Tarja Turunen

Oceanborn foi lançado em 7 de dezembro de 1998 apenas na Finlândia. Foi um sucesso instantâneo, alcançando o número 5 nas paradas de álbuns finlandesas. O primeiro single do álbum, "Sacrament of Wilderness", alcançou o primeiro lugar nas paradas de singles finlandesas, onde permaneceu por várias semanas.

O lançamento do álbum foi inicialmente limitado à Finlândia, mas por causa do sucesso de "Sacrament of Wilderness", a Spinefarm lançou Oceanborn internacionalmente na primavera de 1999. Em maio de 1999, o Nightwish gravou o single "Sleeping Sun (Four Ballads of the Eclipse)", e em um mês o single vendeu 15 mil cópias somente na Alemanha.

Após o primeiro sucesso internacional da banda, o Nightwish foi adicionado como banda de abertura para a turnê europeia do Rage em 1999. Tanto o álbum Oceanborn quanto os singles "Sacrament of Wilderness" e "Walking in the Air" foram certificados com ouro na Finlândia em agosto de 1999.

Prêmios

Em 2017, a Loudwire o classificou como o décimo melhor álbum de power metal de todos os tempos.

Em 19 de maio de 2000, o Nightwish lançou seu terceiro álbum de estúdio, Wishmaster.

Formação:

Tarja Turunen – Vocal

Tuomas Holopainen – Teclados, Backing vocals

Emppu Vuorinen – Guitarras

Sami Vänskä – Baixo

Jukka Nevalainen – Bateria, Percussão, Backing vocals

Músicos adicionais:

Tapio Wilska – vocais adicionais em "Devil & The Deep Dark Ocean" e "The Pharaoh Sails To Orion", backing vocals em "Moondance"

Esa Lehtinen – flauta

Plamen Dimov – violino

Kaisli Kaivola – violino

Markku Palola – viola

Erkki Hirvikangas – violoncelo

Faixas:

01. Stargazers (Holopainen) - 4:27

02. Gethsemane (Holopainen) - 5:21

03. Devil & the Deep Dark Ocean (Holopainen) - 4:46

04. Sacrament of Wilderness (Vuorinen/Holopainen) - 4:12

05. Passion and the Opera (Holopainen) - 4:50

06. Swanheart (Holopainen) - 4:44

07. Moondance (Holopainen) - 3:31

08. The Riddler (Holopainen) - 5:16

09. The Pharaoh Sails to Orion (Holopainen) - 6:27

10. Walking in the Air (H. Blake) - 5:28

Opinião do Blog:

Goste-se ou não, o Nightwish se tornou uma das bandas mais conhecidas do universo metal na virada dos anos 90 para os anos 2000, especialmente após o sucesso incrível do álbum Once. Neste vídeo, abordamos uma fase anterior do grupo, quando ele ainda estava desenvolvendo e descobrindo seu som.

Fica muito claro que o conjunto se baseia no talento extraordinário do tecladista Tuomas Holopainen, o principal compositor do grupo, e com inegável inventividade nos teclados. Tuomas cria canções que fundem o clássico ao metal, com uma roupagem Power Metal, mas inconfundível influência progressiva. “The Pharaoh Sails to Orion” é um belo exemplo disto.

As guitarras complementam bem o trabalho junto à seção rítmica, responsáveis por imprimirem peso e complexidade às canções.

A cereja do bolo é o canto lírico impecável da talentosa Tarja Turunen, a qual consegue transmitir um tom dramático às faixas com grande convencimento. Uma amostra de seu talento é sua fabulosa atuação em “Walking in the Air”.

O peso mais nítido está em canções como “Stargazer” e “Passion and the Opera”, cujas influências de Stratovarius são evidentes. Momentos mais bucólicos que remontam ao primeiro disco estão em canções como “Moondance” e, em partes, na linda “Swanheart”.

Mas escolhemos a impressionante “The Ridler” e a subestimada “Gethsemane” como nossas preferidas.

Com o passar dos anos, o Nightwish foi sofisticando ainda mais seu som, gravando obras memoráveis. Entretanto, seguimos com a tradição do blog em resgatar discos menos lembrados e que merecem um texto enaltecendo suas qualidades.

DEAD KENNEDYS - FRESH FRUIT FOR ROTTING VEGETABLES (1980)

2026-08-11T08:10:30.310-03:00

Primeiro álbum de estúdios da banda norte-americana, lançado originalmente em 2 de setembro de 1980, através do selo Cherry Red Records. A produção ficou por conta de Norm e de East Bay Ray, com o disco sendo gravado em San Francisco, Estados Unidos, no estúdio Möbius Music.

A banda Dead Kennedys foi formada em junho de 1978, em São Francisco, Califórnia, quando East Bay Ray (Raymond Pepperell) anunciou a procura por companheiros de banda no jornal The Recycler, depois de assistir a um show de ska-punk em Mabuhay Gardens, em São Francisco.

A formação original da banda consistia em East Bay Ray na guitarra solo, Klaus Flouride (Geoffrey Lyall) no baixo, Jello Biafra (Eric Reed Boucher) nos vocais, Ted (Bruce Slesinger) na bateria e 6025 (Carlos Cadona) na guitarra base. Essa formação gravou suas primeiras demos. Seu primeiro show ao vivo foi em 19 de julho de 1978, no Mabuhay Gardens, em São Francisco, Califórnia. Eles foram a banda de abertura de um projeto que incluía DV8 e Negative Trend com The Offs como atração principal.

Depois disso, o Dead Kennedys fez vários shows locais. Devido ao nome provocativo da banda, eles às vezes tocavam sob pseudônimos, incluindo "The DK's", "The Sharks", "The Creamsicles" e "The Pink Twinkies".

O colunista do San Francisco Chronicle, Herb Caen, escreveu em novembro de 1978: "Justamente quando você pensa que o mau gosto atingiu seu ponto mais baixo, surge um grupo de punk rock chamado 'The Dead Kennedys', que tocará no Mabuhay Gardens em 22 de novembro, o 15º aniversário de O assassinato de John F. Kennedy." Apesar dos protestos crescentes, o proprietário do Mabuhay declarou: "Não posso cancelá-los AGORA - há um contrato. Aparentemente não é o tipo de contrato que algumas pessoas têm em mente."

No entanto, apesar da crença popular, o nome não pretendia insultar a família Kennedy, mas de acordo com Ray, “os assassinatos foram de muito mais mau gosto do que a nossa banda. Na verdade, respeitamos a família Kennedy... Quando JFK foi assassinado, quando Martin Luther King foi assassinado, quando RFK foi assassinado, o Sonho Americano foi assassinado”.

6025 deixou a banda em março de 1979, em circunstâncias um tanto obscuras, geralmente consideradas diferenças musicais. Em junho, a banda lançou seu primeiro single, "California Über Alles", pelo selo independente de Biafra e East Bay Ray, Alternative Tentacles. A banda seguiu com uma turnê pela Costa Leste pouco concorrida, sendo um grupo nova e bastante desconhecido na época, sem lançamento de algum álbum completo.

East Bay Ray

No início de 1980, gravou e lançou o single "Holiday in Cambodia". Em junho, a banda gravou seu álbum de estreia, Fresh Fruit for Rotting Vegetables, lançado em setembro daquele ano pelo selo britânico Cherry Red.

O disco

O disco foi lançado pela primeira vez em 2 de setembro de 1980, pela Cherry Red Records no Reino Unido e pela I.R.S. Records nos Estados Unidos. Posteriormente, foi lançado pelo próprio selo Alternative Tentacles de Jello Biafra nos Estados Unidos. É o único álbum de estúdio do Dead Kennedys com a participação do baterista Bruce Slesinger e (em uma faixa) do guitarrista Carlo Cadona.

A foto na capa, a qual mostra vários carros de polícia em chamas, foi tirada durante os tumultos da Noite Branca de 21 de maio de 1979, resultado da sentença leve dada ao ex-supervisor da cidade de São Francisco Dan White pelos assassinatos do prefeito George Moscone e do Supervisor Harvey Milk.

Jello Biafra

Quando Biafra concorreu a prefeito, uma de suas políticas era erguer uma estátua para Dan White e disponibilizar ovos, tomates e pedras nas proximidades para atirarem nela. Além disso, a versão da banda de "I Fought the Law" reescreveu a letra fazendo referência ao incidente.

KILL THE POOR

A abertura do álbum é uma sátira feroz às políticas econômicas conservadoras. Narrada do ponto de vista de um político inescrupuloso, propõe "resolver" a pobreza por meio de uma bomba de nêutrons, preservando imóveis enquanto elimina os pobres. A letra é uma crítica ao desprezo das elites pelos menos favorecidos, frequentemente mal interpretada por ouvintes que ignoram sua ironia.

Clássico da banda, que foi lançada como single e atingiu a 39ª posição da principal parada britânica.

FORWARD TO DEATH

Uma das músicas mais niilistas do disco. O narrador rejeita completamente a sociedade de consumo, a moral dominante e até a própria ideia de futuro. A letra expressa alienação extrema, refletindo o desencanto de parte da juventude americana no fim dos anos 1970.

WHEN YA GET DRAFTED

Escrita durante o retorno do debate sobre o recrutamento militar nos EUA após o fim da Guerra do Vietnã, satiriza o patriotismo e o alistamento obrigatório. Biafra retrata jovens enviados para morrer em guerras decididas por políticos distantes do campo de batalha.

LET’S LYNCH THE LANDLORD

Crítica ao mercado imobiliário e aos proprietários abusivos. A letra exagera deliberadamente ao sugerir "linchar o senhorio", usando humor negro para denunciar aluguéis abusivos e moradias precárias em cidades como San Francisco.

DRUG ME

O título é propositalmente ambíguo. Em vez de defender drogas ilícitas, critica a "medicalização" da sociedade e a dependência de medicamentos, televisão, propaganda e conformismo como formas de controle social.

YOUR EMOTIONS

Diferentemente da maior parte do álbum, a crítica aqui é mais pessoal do que política. A música ironiza pessoas excessivamente sentimentais e emocionalmente manipuladoras, mantendo o humor ácido característico da banda.

CHEMICAL WARFARE

Uma visão apocalíptica sobre guerra química e destruição em massa. Embora curta, apresenta um cenário de devastação total, refletindo os temores da Guerra Fria e da corrida armamentista entre Estados Unidos e União Soviética.

CALIFORNIA ÜBER ALLES

Talvez a canção política mais famosa da banda. Escrita durante o governo de Jerry Brown, imagina uma Califórnia transformada em um regime fascista hippie. O título parodia "Deutschland über Alles", satirizando tendências autoritárias tanto da direita quanto da esquerda.

Single lançado para promoção do disco, não obteve maiores repercussões, mas é outro destaque da banda.

I KILL CHILDREN

Outra letra frequentemente mal interpretada. Escrita em primeira pessoa, assume a voz de um psicopata para ridicularizar a banalização da violência e o sensacionalismo da mídia. Não representa uma defesa literal do conteúdo descrito.

STEALING PEOPLE’S MAIL

Uma sátira ao voyeurismo e à invasão de privacidade. O narrador rouba correspondências apenas pelo prazer de conhecer segredos alheios, ironizando a curiosidade mórbida da sociedade.

FUNLAND AT THE BEACH

Inspirada em parques de diversão decadentes da Califórnia, mistura imagens de lazer com decadência social. A letra cria um ambiente grotesco onde diversão e degradação convivem lado a lado.

III IN THE HEAD

Um retrato de paranoia, insanidade e violência urbana. O narrador apresenta um estado mental perturbado, funcionando como crítica à negligência da sociedade diante dos problemas psicológicos e da marginalização.

HOLIDAY IN CAMBODIA

Considerada por muitos a obra-prima da banda. A letra contrapõe estudantes universitários privilegiados dos EUA aos horrores do regime do Pol Pot no Camboja. Biafra critica o radicalismo superficial de jovens de classe média que romantizavam revoluções sem compreender suas consequências reais.

Mais um single lançado retirado do disco, não obteve maior repercussão, mas traz letras ácidas e uma dinâmica muito interessante.

VIVA LAS VEGAS

Cover do clássico imortalizado por Elvis Presley. Os Dead Kennedys alteraram parte da letra para transformar a celebração da cidade em uma sátira ao consumismo, ao turismo e ao excesso associado a Las Vegas.

Considerações Finais

O álbum alcançou a posição 33 na UK Albums Chart. Desde o seu lançamento inicial, foi relançado por vários selos, incluindo IRS, Alternative Tentacles e Cleopatra. A mais nova reedição – a edição especial do 25º aniversário – apresenta a arte original e um DVD bônus de 55 minutos documentando a produção do álbum, bem como os primeiros anos da banda.

Entre as críticas contemporâneas, Jon Young da Trouser Press descobriu que o estilo e o conteúdo do álbum derivam dos Sex Pistols e "soará datado para quem se preocupa com as tendências", mas concluiu que o álbum "pode ser a única peça legítima que acompanha o Pistols' Never Mind the Bollocks.". Robert Christgau do The Village Voice afirmou que achou Biafra pobre como vocalista, comparando seu canto ao de Tiny Tim.

Klaus Flouride

A contracapa original apresentava uma fotografia encontrada de uma antiga banda lounge chamada Sounds of Sunshine, com o logotipo do Dead Kennedys colado na bateria e caveiras e ossos cruzados emendados em seus instrumentos. A fotografia original, encontrada por Flouride em uma venda de garagem, não continha nenhum comentário de identificação e foi usada porque a banda a achou "hilária". De alguma forma, Warner Wilder, o ex-vocalista da extinta banda lounge, soube da foto e ameaçou processar a Dead Kennedys. A contracapa foi reimpressa com as cabeças dos membros da banda cortadas, mas esta solução foi considerada insatisfatória para Sounds of Sunshine, forçando uma foto totalmente diferente de quatro idosos em uma sala de estar (com o mascote morcego Alternative Tentacles colado sobre um porta-retratos). Quando a Cleopatra Records relançou Fresh Fruit for Rotting Vegetables em 2002, a imagem original da banda lounge sem cabeça reapareceu. O 25º aniversário "Deluxe Reissue" co-lançado pela Cherry Red Records e Manifesto Records em 2005 usou a fotografia de idosos, mas com o logotipo do Dead Kennedys substituído pelo Alternative Tentacles Bat.

Em janeiro de 1981, Ted anunciou que queria sair para seguir carreira em arquitetura e ajudaria a procurar um substituto. Ele fez seu último show em fevereiro de 1981. Seu substituto foi D. H. Peligro (Darren Henley). Na mesma época, East Bay Ray tentou pressionar o resto da banda a assinar com a grande gravadora Polydor Records; Biafra afirmou que estava preparado para deixar o grupo se o resto da banda quisesse assinar com a gravadora, embora East Bay Ray afirme que ele recomendou não assinar com a Polydor. A Polydor decidiu não assinar com a banda depois que souberam que o próximo single do Dead Kennedys seria intitulado "Too Drunk to Fuck".

Quando "Too Drunk to Fuck" foi lançada em maio de 1981, causou polêmica no Reino Unido, pois a BBC temia que o single alcançasse o Top 30, o que exigiria que seu título fosse mencionado no Top of the Pops. Nunca foi tocada, embora tenha sido chamada de "'Too Drunk' by the Kennedys" pelo apresentador Tony Blackburn.

O álbum foi incluído no livro 1001 Álbuns que você deve ouvir antes de morrer. Em 2013, a NME classificou-o na posição 365 em sua lista dos 500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos.

Estima-se que Fresh Fruit for Rotting Vegetables supera a casa de 500 mil cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Jello Biafra – Vocal

East Bay Ray – Guitarras

Klaus Flouride – Baixo, Backing vocals

Ted – Bateria

Músicos Adicionais:

6025 – Guitarra-base em "Ill in the Head"

Paul Roessler – Teclados em "Drug Me" e "Stealing People's Mail"

Ninotchka (Therese Soder) – Teclados em "Drug Me"

Faixas:

01. Kill the Poor (Biafra/Ray) - 3:07

02. Forward to Death (6025) - 1:23

03. When Ya Get Drafted (Biafra) - 1:23

04. Let's Lynch the Landlord (Biafra) - 2:13

05. Drug Me (Biafra) - 1:56

06. Your Emotions (Ray) - 1:20

07. Chemical Warfare (Biafra) - 2:55

08. California Über Alles (Biafra/Greenway) - 3:03

09. I Kill Children (Biafra) - 2:04

10. Stealing People's Mail (Biafra) - 1:34

11. Funland at the Beach (Biafra) - 1:49

12. Ill in the Head (6025/Biafra) - 2:46

13. Holiday in Cambodia (Ted/Ray/Biafra/Flouride) - 4:37

14. Viva Las Vegas (Doc Pomus/Mort Shuman) - 2:42

Opinião do Blog:

Embora eu não seja dos maiores fãs de Punk ou Hardcore, o Dead Kennedys é uma das minhas bandas prediletas nesta esfera do Rock.

Fresh Fruit for Rotting Vegetables é tido por muitos especialistas musicais como um dos discos pioneiros na área do Hardcore e, portanto, muito influente e muito importante para o gênero.

A sonoridade veloz, intensa e com sentido de urgência são elementos essenciais para a compreensão do trabalho. A forma como Jello Biafra canta, expelindo as palavras de forma súbita se casa com o ótimo trabalho das guitarras de East Bay Ray, com riffs interessantes, muitas vezes flertando com elementos de rockabilly ou surf music, oferecendo ótimos ganchos melódicos.

Há que se destacar que as letras são importantes elementos da musicalidade do Dead Kennedys, pois contam com extrema acidez e inegável visão crítica, consistentemente com letras anticapitalistas e antissistema, com indubitável viés político.

O único senão é realmente a produção, um pouco pobre demais, mas que não retira a pujança desta estreia.

As guitarras são malemolentes e criativas em faixas extremamente diretas e interessantes como “Ill in the Head”, “Let's Lynch the Landlord” e na versão divertida para “Viva Las Vegas”.

Passagens mais contemplativas, dentro do possível, estão nas clássicas “Holiday in Cambodia” e “California Über Alles”. Mas nossa preferida é mesmo a antológica “Kill the Poor”, uma faixa que define quem é a banda Dead Kennedys.

Enfim, Fresh Fruit for Rotting Vegetables é um álbum muito importante para as sonoridades voltadas ao Hardcore, altamente influente, e sua audição é bem recomendada para quem deseja conhecer este tipo de sonoridade.

LAAZ ROCKIT - KNOW YOUR ENEMY (1987)

2026-08-03T08:06:55.826-03:00

Know Your Enemy é o terceiro álbum de estúdios da banda norte-americana Laaz Rockit, lançado originalmente em 16 de setembro de 1987, através dos selos Enigma/Roadrunner. A produção ficou a cargo de Roy M. Rowland.

A história da Lȧȧz Rockit é um retrato bastante representativo da chamada segunda linha do thrash metal norte-americano dos anos 1980. Embora jamais tenha alcançado a projeção comercial de contemporâneos como Metallica, Slayer ou Megadeth, o grupo conquistou enorme respeito entre músicos, críticos e aficionados pelo gênero graças à consistência de sua discografia e à evolução artística demonstrada em poucos anos. Até o lançamento de Know Your Enemy, em 1987, a banda percorreu um caminho que ilustra tanto a rápida transformação do heavy metal norte-americano quanto a consolidação da histórica cena da Bay Area de São Francisco.

As origens da banda remontam a 1981, quando o vocalista Michael Coons e o guitarrista Aaron Jellum fundaram um grupo chamado Depth Charge, inicialmente em Berkeley, na Califórnia. Ambos eram extremamente jovens — Coons ainda estava concluindo o ensino médio —, mas compartilhavam o interesse por um heavy metal mais agressivo do que aquele que dominava as rádios americanas. O cenário musical vivia um momento de transição: a Nova Onda do Heavy Metal Britânico ainda exercia enorme influência, enquanto grupos como Motörhead, Venom e os primeiros trabalhos do Metallica começavam a redefinir os limites entre velocidade, peso e técnica.

Michael Coons

Após diversas mudanças na formação inicial, a banda encontrou maior estabilidade com a chegada do guitarrista Phil Kettner e do baterista Victor Agnello. Em 1983, o baixista Willy Lange completou a formação clássica que gravaria os primeiros discos. Nesse período, o nome Depth Charge foi abandonado. Surgia então Lȧȧz Rockit, um trocadilho inspirado no sistema de armamento portátil LAWS ("Light Anti-tank Weapons System"), mencionado no filme The Enforcer, estrelado por Clint Eastwood. A grafia incomum procurava transmitir justamente a ideia de explosão, impacto e energia, características que o grupo desejava associar à sua música e às apresentações ao vivo.

Ainda em 1983, a banda lançou a demo Prelude to Death, registro que chamou atenção dentro do circuito underground da Califórnia. Embora bastante rudimentar em termos de produção, a fita já revelava uma sonoridade que transitava entre o heavy metal tradicional e aquilo que logo seria identificado como speed metal. Era um momento em que praticamente toda a Bay Area fervilhava de novas bandas, e a competição por espaço era intensa. Clubes como o Ruthie's Inn tornavam-se pontos de encontro para músicos e fãs, ajudando a formar uma comunidade extremamente fértil para o nascimento do thrash metal.

O álbum de estreia, City's Gonna Burn (1984), refletia exatamente essa fase de transição. Musicalmente, ainda havia forte presença do heavy metal clássico e do power metal americano, mas riffs mais velozes, bateria acelerada e uma abordagem vocal agressiva indicavam que a banda caminhava em direção ao thrash. A produção relativamente modesta não escondia a competência instrumental, especialmente da dupla de guitarras formada por Aaron Jellum e Phil Kettner, cujo diálogo entre bases pesadas e solos melódicos se tornaria uma das marcas registradas do grupo.

No ano seguinte veio No Stranger to Danger (1985), um disco frequentemente visto como uma etapa intermediária na evolução do Lȧȧz Rockit. Embora apresentasse uma execução mais segura e uma produção superior à do debut, o álbum ainda dividia espaço entre influências do heavy metal tradicional e os elementos mais extremos que começavam a dominar a Bay Area. Retrospectivamente, muitos críticos consideram esse trabalho menos impactante que os álbuns seguintes, mas ele foi fundamental para consolidar a reputação do grupo como excelente atração ao vivo.

Aaron Jellum

A importância do Lȧȧz Rockit durante esse período não pode ser medida apenas por seus discos. A banda tornou-se presença constante em shows ao lado de praticamente todos os nomes relevantes da cena norte-americana. Dividiu palco com Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax, Exodus, Dark Angel, Suicidal Tendencies, Armored Saint e diversos outros grupos que posteriormente se tornariam referências absolutas do metal pesado. Essa intensa atividade ao vivo fortaleceu sua reputação como uma das bandas mais competentes da Bay Area, ainda que o sucesso comercial permanecesse limitado.

Em 1986 ocorreu outro passo importante. A banda realizou sua primeira turnê europeia como grupo de apoio do Motörhead. A experiência teve enorme impacto artístico. O contato com públicos europeus mais receptivos ao metal extremo reforçou a decisão de abandonar definitivamente os resquícios do heavy metal tradicional em favor de uma abordagem muito mais agressiva. Diversos relatos posteriores dos integrantes apontam essa viagem como um momento decisivo para a identidade musical que seria apresentada no álbum seguinte.

Esse amadurecimento culminou em Know Your Enemy, lançado em setembro de 1987 pelos selos Roadrunner e Enigma. Produzido por Roy M. Rowland nos Prairie Sun Studios, o disco representa uma clara mudança estética em relação aos trabalhos anteriores.

Composição

Os créditos oficiais apenas informam que as músicas pertencem à banda, sem detalhar o processo criativo faixa a faixa. Também não existem entrevistas conhecidas em que Michael Coons, Aaron Jellum ou Phil Kettner descrevam a composição de cada música ou expliquem a inspiração por trás das letras.

Gravação

A informação oficial disponível é bastante limitada. As fontes convergem apenas em afirmar que o álbum foi gravado ao longo de 1987 no Prairie Sun Recorders, em Cotati, Califórnia. Nenhuma fonte primária (encarte original, entrevistas da época ou registros do estúdio) publica as datas exatas de início e término das sessões.

Phil Kettner

Produção

A produção ficou a cargo de Roy M. Rowland, profissional bastante ligado ao Prairie Sun Recorders. Além de produzir, Rowland também foi o engenheiro de gravação, enquanto Kay Arbuckle atuou como engenheira assistente.

A masterização foi realizada por Eddy Schreyer, no Capitol Records Mastering Lab, um dos nomes mais respeitados da masterização do heavy metal na década de 1980.

Capa

A documentação oficial identifica os responsáveis, mas praticamente não há entrevistas explicando o conceito visual.

Os créditos informam:

Jeff Sadowski — conceito do álbum e arte (Artwork)
Jeff Weller — conceito do álbum e produtor executivo
Patrick Pending — direção de arte
Fotografias de Robert Janover, Keith Madigan e Neil Zlozower.

DEMOLITION

Construída sobre guitarras pesadas, efeitos de explosões e uma atmosfera militarizada, a pequena instrumental “Demolition” prepara o ouvinte para os temas centrais do álbum: guerra, violência, destruição e paranoia nuclear.

LAST BREATH

“Last Breathe” já aposta no chamado speed metal, sendo de andamento muito acelerado e vocais impactantes de Coons.

A letra trabalha sentimentos de medo, sobrevivência e inevitabilidade do fim, sem recorrer ao sobrenatural, privilegiando uma abordagem bastante física e psicológica.

EUROSHIMA

Baseada em um bom riff, “Euroshima” é um thrash com pitada de metal tradicional, sendo uma das melhores do disco.

O próprio título une as palavras Europe e Hiroshima, sugerindo um cenário de guerra nuclear em território europeu durante o auge da Guerra Fria. A letra descreve uma humanidade caminhando para a autodestruição, refletindo o temor bastante comum na segunda metade dos anos 1980 diante da corrida armamentista entre Estados Unidos e União Soviética.

MOST DANGEROUS GAME

Combinando momentos mais Heavy tradicional com um poderoso Thrash, “Most Dangerous Game” é uma faixa absolutamente poderosa.

Sua inspiração é amplamente reconhecida como derivada do conto clássico "The Most Dangerous Game", de Richard Connell, publicado em 1924.

SHOT TO HELL

A seção rítmica trabalha muito bem na infernal “Shot to Hell”, oferecendo ainda mais peso à canção.

A letra descreve personagens lançados em situações extremas de violência e destruição, utilizando a expressão "shot to hell" como metáfora para uma existência completamente devastada.

SAY GOODBYE M. F.

“Say Goodbye M. F.” possui uma pegada mais elaborada, parecendo ser influenciada pelo trabalho do Metallica.

Apesar do título provocativo ("M.F." corresponde à abreviação de um conhecido palavrão em inglês), a música não se resume à agressividade verbal. A letra trata de rompimento definitivo com indivíduos considerados falsos, manipuladores ou traidores, funcionando quase como um manifesto de independência pessoal.

SELF DESTRUCT

“Self Destruct” é um Thrash Metal baseado em uma riferama infernal, com vocais bem agressivos de Michael Coons, sendo uma das melhores do trabalho.

Outra composição fortemente influenciada pelo clima político da Guerra Fria. A letra aborda o comportamento autodestrutivo da humanidade, especialmente através da corrida armamentista e da incapacidade das nações em interromper ciclos de violência.

MEANS TO AN END

Outra vez com boas doses de Heavy Metal tradicional, “Means to an End” é uma das mais incríveis composições do grupo.

A letra gira em torno da ideia de utilizar qualquer recurso para atingir determinado objetivo.

I’M ELECTRIC

“I’m Electric” é uma versão bem agressiva para a canção do Saxon, originalmente lançada no disco Rock the Nations.

MAD AXE ATTACK

Instrumental, “Mad Axe Attack” funciona como vitrine para a dupla de guitarristas Aaron Jellum e Phil Kettner, privilegiando harmonizações, solos rápidos e grande virtuosismo técnico.

SHIT’S UGLY

“Shit’s Ugly” mantém a proposta instrumental, mas apresenta uma atmosfera mais descontraída.

Considerações Finais

Ao contrário de muitos discos contemporâneos lançados por bandas como Metallica, Anthrax ou Megadeth, Know Your Enemy não entrou em nenhuma parada nacional conhecida.

Na época, observou-se que a banda havia praticamente abandonado as influências mais tradicionais do heavy metal, presentes em City's Gonna Burn (1984) e No Stranger to Danger (1985), adotando definitivamente uma sonoridade ligada ao thrash metal da Bay Area. Essa mudança foi vista como um passo artístico importante.

Willy Lange, em primeiro plano

Independentemente das diferenças de avaliação, existe hoje um consenso bastante claro entre jornalistas especializados e veículos dedicados ao heavy metal: Know Your Enemy representa a verdadeira transformação do Lȧȧz Rockit em uma banda de thrash metal. O álbum é visto como um elo entre o heavy metal tradicional dos dois primeiros discos e o thrash mais técnico e agressivo que culminaria em Annihilation Principle (1989).

"Euroshima", "Most Dangerous Game", "Last Breath" e "Self Destruct" são frequentemente apontadas como as melhores composições do trabalho. A maior crítica recorrente recai sobre os dois instrumentais finais, considerados dispensáveis por parte da imprensa especializada.

Victor Agnello

Após o lançamento do álbum em 16 de setembro de 1987, a banda iniciou uma intensa agenda de apresentações nos Estados Unidos e na Europa para promover o disco. Diferentemente da excursão europeia de 1986, quando atuou como banda de abertura do Motörhead, desta vez o Lȧȧz Rockit já chegava com uma identidade musical consolidada e um repertório fortemente baseado no novo álbum.

O principal documento dessa fase é European Meltdown, lançado em 1988. Ao contrário de um álbum ao vivo convencional gravado em uma única noite, trata-se de um EP registrando apresentações da turnê europeia.

Formação:

Michael Coons – Vocal

Aaron Jellum – Guitarras

Phil Kettner – Guitarras

Willy Lange – Baixo

Victor Agnello – Bateria

Músicos adicionais:

Scott Singer – Teclados, Programação

Faixas:

01. Demolition - 1:14

02. Last Breath - 4:37

03. Euroshima - 3:52

04. Most Dangerous Game - 6:10

05. Shot to Hell - 3:57

06. Say Goodbye M.F. - 4:14

07. Self Destruct - 5:37

08. Means to an End - 4:47

09. I'm Electric - 3:03

10. Mad Axe Attack (Instrumental) - 2:13

11. Shit's Ugly (Instrumental) - 1:47

Opinião do Blog:

Certamente, o conhecimento sobre o Laaz Rockit é mais restirto a fãs de Heavy Metal, especialmente a aqueles que se aprofundam no Thrash Metal norte-americano, como é o meu caso.

A realidade, porém, é que Know Your Enemy é o primeiro verdadeiro esforço do grupo abraçando mais explicitamente o Thrash Metal. Não que a banda não o fizesse antes, mas neste terceiro disco a vertente Thrash está mais aflorada.

O ponto alto aqui, neste quesito de Thrash Metal, é o aporte feito pela dupla de guitarristas Aaron Jellum e Phil Kettner, com uma rifferama infernal acompanhada por uma seção rítmica bem competente.

Os vocais de Michael Coons também são um ponto forte do grupo, combinando bem com a proposta sonora. Nos momentos de calmaria, a sua categoria como cantor fica mais evidente.

“Euroshima”, “Shot to Hell” e a versão para “I'm Electric” são porradas Thrash que grandes bandas do gênero assinariam sem nenhum constrangimento. “Most Dangerous Game” e “Means to an End” abraçam mais o Heavy Metal tradicional e demonstram que o grupo conseguiria, facilmente, caminhar por outros territórios com a mesma eficiência.

Mas escolhemos a matadora “Self Destruct” como nossa preferida, Thrash Metal com T maiúsculo.

Enfim, Know Your Enemy é um ótimo álbum de Thrash Metal, muito menos falado e conhecido que deveria, mas que penso que fãs desta vertente do Metal deveriam procurá-lo.

CHRIS CORNELL - EUPHORIA MORNING (1999)

2026-07-30T08:06:25.810-03:00

Primeiro álbum de estúdios da carreira solo do artista norte-americano, lançado oficialmente em setembro de 1999, através do selo Interscope. As gravações ocorreram no 11 AD Studios, em Los Angeles, nos Estados Unidos. A produção ficou a cargo do próprio Chris Cornell e de Natasha Shneider e Alain Johannes.

O quinto álbum do Soundgarden foi de produção própria, Down on the Upside, de 1996. O disco gerou vários singles, incluindo "Pretty Noose", "Burden in My Hand" e "Blow Up the Outside World".

Down on the Upside era notavelmente menos pesado do que os álbuns anteriores do grupo e marcou um afastamento ainda maior das raízes grunge da banda. O Soundgarden explicou na época que queria experimentar outros sons. David Browne, da Entertainment Weekly, disse: "Poucas bandas desde o Led Zeppelin misturaram instrumentos acústicos e elétricos de forma tão nítida."

No entanto, tensões dentro do grupo surgiram durante as sessões, com o guitarrista Kim Thayil e Cornell supostamente entrando em conflito sobre o desejo de Cornell de se afastar dos riffs pesados de guitarra que se tornaram a marca registrada da banda. Apesar das críticas favoráveis, o álbum não conseguiu igualar as vendas do disco anterior da banda, Superunknown.

Em 1997, o Soundgarden recebeu outra indicação ao Grammy pelo single "Pretty Noose". À medida que as tensões cresciam dentro da banda, supostamente devido a conflitos internos sobre sua direção criativa, o Soundgarden anunciou que estava se separando, em 9 de abril de 1997.

Em uma entrevista de 1998, Thayil disse: "Era bastante óbvio pela atitude geral de todos ao longo do semestre anterior que havia alguma insatisfação."

O disco

Em 1998, Cornell começou a trabalhar no material para um álbum solo em colaboração com Alain Johannes e Natasha Shneider da banda Eleven, e o álbum foi gravado no estúdio caseiro de Johannes e Schneider em Los Angeles.

Cornell disse que o primeiro single do álbum, "Can't Change Me", é "uma descoberta meio triste de que este cantor está envolvido com uma pessoa que tem poderes incríveis para ajudar as pessoas e mudar as coisas positivamente, e ele está percebendo que nada disso realmente passou para ele."

Ele disse à MTV News que a gênese da música pode ser encontrada em alguns dos sucessos do Soundgarden, como "Blow Up the Outside World" e "Fell on Black Days". Uma gravação alternativa da música com Cornell cantando em francês pode ser encontrada em várias edições internacionais do álbum. As letras foram traduzidas para o francês por Alexis Lemoine.

"Flutter Girl" foi um outtake de Superunknown, o álbum do Soundgarden de 1994. O título foi criado pelo baixista do Pearl Jam, Jeff Ament, como parte de uma tracklist de piadas para a fita demo do personagem Poncier no filme Singles, de Cameron Crowe de 1992, mas Cornell surpreendeu Crowe ao escrever e gravar músicas com nomes de piadas.

Uma versão reformulada de "Mission", renomeada como "Mission 2000", foi incluída na trilha sonora do filme de 2000 Missão: Impossível 2.

Cornell afirmou que "Wave Goodbye" foi escrita como uma homenagem a seu amigo Jeff Buckley, que morreu em 1997.

"Moonchild" é sobre a então esposa de Cornell, Susan Silver. Na música, ele descreve carinhosamente como ela “fica muito assustada durante a lua cheia”.

CAN’T CHANGE ME

Uma faixa bem interessante, contando com um refrão impactante, com uma pegada rock.

O narrador reconhece suas limitações emocionais e reafirma sua individualidade, ainda que isso implique fracassos afetivos. Trata-se de um dos temas recorrentes na obra de Cornell: autenticidade versus adequação social.

Principal single do disco, atingiu a posição 62 da principal parada britânica desta natureza.

FLUTTER GIRL

Um rock mais malicioso e intrigante, que conta com as guitarras mais presentes.

A letra utiliza imagens oníricas para retratar uma figura feminina quase etérea, símbolo de liberdade, transformação e desejo inalcançável.

Foi outro single, com menos repercussão.

PREACHING THE END OF THE WORLD

Aqui Cornell aposta em uma musicalidade mais intimista, com toques folk, em uma atuação vocal impressionante. Música linda.

A letra trabalha a ideia de que o amor pode ser um refúgio diante da destruição e da ansiedade coletiva. O fim do mundo torna-se metáfora para crises pessoais e existenciais.

Foi outro single, mas que não repercutiu nas principais paradas de sucesso.

FOLLOW MY WAY

“Follow My Way” traz mais proximidades com o som do Soundgarden, embora não seja tão pesada.

A letra apresenta um convite quase espiritual para seguir um caminho alternativo, distante das convenções sociais. Há elementos de liderança, redenção e autoconhecimento, embora Cornell mantenha o texto suficientemente abstrato para evitar interpretações unívocas.

WHEN I’M DOWN

Mais intimista e soturna, esta composição é Blues Rock muito sentimental e um dos pontos mais altos da obra.

A famosa imagem de "midnight opens its arms to me" sintetiza a relação entre solidão e acolhimento noturno, tema frequente na escrita de Cornell. O sofrimento não é romantizado; antes, é aceito como componente inevitável da condição humana.

MISSION

A música traz arranjos mais experimentais soando “quebrada”, mas interessante.

A temática gira em torno de propósito, responsabilidade e busca espiritual. O narrador parece empenhado numa jornada pessoal cuja natureza permanece deliberadamente indefinida.

WAVE GOODBYE

Uma canção bem simples e com abordagem mais introspectiva.

Escrita como homenagem ao cantor Jeff Buckley, falecido em 1997, a música aborda o luto, a despedida e a permanência das memórias.

MOONCHILD

Mais uma faixa que traz um hard rock mais contido, com uma pegada bluesy curiosa.

A letra explora imagens místicas e cósmicas. A figura da "criança da lua" funciona como símbolo de inocência, alteridade e transcendência.

SWEET EUPHORIA

Música muito intimista, acústica, soando como uma balada melancólica.

A letra sugere uma busca por transcendência que nunca se completa integralmente, refletindo a tensão entre desejo e impermanência.

DISAPPEARING ONE

Outra balada, esta, com um pouco mais de intensidade, mas combinando com a sobriedade da letra.

A temática central é o desaparecimento emocional e a dissolução da identidade dentro de relações afetivas ou crises existenciais.

PILLOW OF YOUR BONES

O caráter quase gótico da composição diferencia-a do restante do álbum e demonstra a disposição de Cornell em explorar territórios líricos desconfortáveis.

A letra utiliza imagens corporais e mortuárias para abordar obsessão, dependência emocional e mortalidade.

STEEL RAIN

O andamento lento e a construção atmosférica transformam a faixa num desfecho contemplativo e melancólico.

Embora não haja uma narrativa explicitamente política, a linguagem remete a imagens de guerra e destruição, funcionando também como representação das batalhas internas do indivíduo.

Considerações Finais

Euphoria Morning atingiu a boa 18ª colocação na principal parada norte-americana, a Billboard 200.

Euphoria Morning foi lançado em 21 de setembro de 1999. Em sua primeira turnê solo para divulgar o disco, Cornell passou sete meses na estrada, de 13 de setembro de 1999 a 7 de março de 2000. Ele fez 61 shows, dois dos quais coincidiram com a estreia do álbum em 21 e 22 de setembro de 1999, no Henry Fonda Theatre em Hollywood, Califórnia.

O público foi alto, considerando que Cornell realizou os shows iniciais antes mesmo dos fãs estarem familiarizados com sua nova música. A banda em turnê incluiu vários músicos que contribuíram para o álbum: Alain Johannes, Natasha Shneider, Rick Markmann e Greg Upchurch.

Euphoria Morning não foi um sucesso comercial, no entanto, o single do álbum "Can't Change Me" foi indicado para Melhor Performance Vocal masculino de Rock no Grammy Awards de 2000. Cornell gravou uma versão francesa da música que foi lançada como faixa bônus na versão deluxe de Euphoria Morning e nas edições japonesa e europeia.

O álbum também inclui "Wave Goodbye", uma homenagem de Cornell a seu falecido amigo Jeff Buckley. Foi notado que Euphoria Morning é influenciado pelas composições e estilo vocal distinto de Buckley.

O álbum foi relançado em 2015 em CD e vinil e renomeado como Euphoria Mourning, com Cornell afirmando no comunicado à imprensa que originalmente pretendia esse título para o álbum, mas seu empresário na época, Jim Guerinot, sugeriu que "Euphoria Morning " sem o "u" seria mais adequado.

"O título era tão lindamente poético para começar, apenas o conceito de euforia no luto; foi um momento em que me senti inspirado e deixei sair todo o ar. Então, quando decidimos fazer seu primeiro lançamento em vinil, pensei: quero mudar a porra do título! [Risos] É hora de mudar isso", afirmou Cornell.

Segundo estimativas, o álbum supera 390 mil cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Chris Cornell - Vocal, Guitarra (faixas 1-3 e 5-12), Gaita (faixa 1)

Alain Johannes - Guitarra (faixas 1-6, 8 e 10-12), Baixo (faixas 2-5, 10 e 11), Backing vocals (faixas 1), Theremin (faixa 4), Bandolim (faixas 4), Clarinete (faixa 10), Tabla (faixa 12)

Natasha Shneider - Teclados (faixas 1-4, 6-8 e 10-12), Baixo (faixas 6), Backing vocals (faixas 4-7), Pandeiro (faixas 1-4, 11, e 12), Piano (faixa 5), Órgão (faixa 5), Percussão (faixa 11)

Ric Markmann - Baixo (faixas 1, 7, 8 e 12)

Josh Freese – Bateria (faixas 1-4, 6, 8 e 11)

Músicos adicionais:

Jason Falkner - Baixo (faixa 5)

Greg Upchurch - Bateria (faixa 5)

Victor Indrizzo - Bateria (faixa 7)

Matt Cameron - Bateria (faixa 10)

Bill Rieflin - Bateria (faixa 12)

Faixas:

01. Can't Change Me (Cornell) - 3:23

02. Flutter Girl (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:25

03. Preaching the End of the World (Cornell) - 4:41

04. Follow My Way (Cornell/Shneider/Johannes) - 5:10

05. When I'm Down (Cornell) - 4:20

06. Mission (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:05

07. Wave Goodbye (Cornell) - 3:43

08. Moonchild (Cornell) - 4:02

09. Sweet Euphoria (Cornell) - 3:08

10. Disappearing One (Cornell/Shneider/Johannes) - 3:48

11. Pillow of Your Bones (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:29

12. Steel Rain (Cornell/Shneider) - 5:41

Opinião do Blog:

Quando lançou sua carreira-solo, Chris Cornell já havia se consagrado na excelente banda Soundgarden.

Hoje, conhecendo o trágico desfecho da vida do brilhante vocalista, fica ainda mais palpável a inquestionável melancolia que preenche Euphoria Morning. A opção por canções mais contidas e mais intimistas no álbum ecoam a abordagem que Cornell já queria abranger no Soundgarden.

E esse tom monocromático contagia boa parte da audição do álbum. Portanto, Euphoria Morning não traz praticamente nada da sonoridade potente e pujante do Soundgarden: a pegada é aqui é outra e ouvintes que chegarem ao disco esperando este tipo de abordagem, certamente irão se decepcionar.

E, embora esteja longe de ser um álbum indubitável, é interessante observar uma obra em que o grande destaque não é apenas a voz impecável de Cornell, um dos grandes vocalistas de sua geração, mas sua qualidade irrepreensível de interpretar as canções com o coração.

E é nesta vibe que aparecem músicas muito agradáveis como “Can't Change Me”, “Mission”, “Disappearing One” e “Flutter Girl”. Nossa faixa preferida é o Blues sentimental de “When I’m Down”. Entretanto, faixas menos inspiradas como “Preaching the End of the World” e “Moonchild” são notavelmente arrastadas.

Por fim, Euphoria Morning é um esforço bastante razoável do inesquecível Chris Cornell, uma das grandes vozes de sua geração, e uma maneira de relembrarmos toda sua categoria. Ele nos deixou cedo demais.