ROCK: ÁLBUNS CLÁSSICOS

KING DIAMOND - ABIGAIL (1987)

2026-10-26T08:25:00.000-03:00

Abigail é o segundo álbum de estúdio do artista dinamarquês King Diamond, lançado em junho de 1987, através do selo Roadrunner. As gravações se deram no Sound Track Studio, em Copenhague, na Dinamarca e a produção ficou a cargo do próprio King Diamond.

O segundo álbum da banda Mercyful Fate, Don't Break the Oath, foi lançado em 7 de setembro de 1984. Durante a turnê de divulgação do álbum, o grupo tocou nos EUA por dois meses e fez aparições em festivais na Alemanha.

Apesar de ganhar seguidores cult em todo o mundo, o Mercyful Fate se separou em abril de 1985, devido a diferenças musicais. O guitarrista Hank Shermann queria que a banda mudasse para um som mais comercial; King Diamond se recusou e anunciou sua saída do Mercyful Fate, o que levou à separação da banda.

A banda foi formada em 1985 pelo vocalista King Diamond, pelo guitarrista Michael Denner e pelo baixista Timi Hansen. Os três haviam saído recentemente do grupo Mercyful Fate.

King Diamond

Segundo Diamond, quando ele, Denner e Hansen decidiram formar uma nova banda, escolheram o nome "King Diamond" para "conseguir melhores negócios", e porque o nome já era conhecido do Mercyful Fate. Para completar a formação da banda King Diamond, o grupo contratou o baterista Mikkey Dee e o guitarrista Andy LaRocque.

Em julho de 1985, a banda começou a gravar seu álbum de estreia no Sound Track Studio em Copenhague, Dinamarca. Em 25 de dezembro, eles lançaram seu single de estreia "No Presents for Christmas".

Fatal Portrait, o primeiro álbum de estúdio completo da banda, foi lançado em 14 de março de 1986, pela Roadrunner Records. Produzido por Rune Höyer e pelo vocalista King Diamond, o álbum alcançou a posição 33 na parada de álbuns sueca, e gerou o single "Halloween", que foi lançado em 6 de junho de 1986.

O disco

Em dezembro de 1986, King Diamond começou a gravar seu segundo álbum de estúdio, mais uma vez no Sound Track Studio em Copenhague, Dinamarca. A banda lançou o single "The Family Ghost" em 1º de julho de 1987, para o qual também gravaram seu primeiro videoclipe.

King Diamond

Abigail é o primeiro álbum conceitual da banda. O disco conta a história de um jovem casal, Miriam Natias e Jonathan La'Fey, que se mudam para uma antiga mansão herdada por La'Fey. Acontece no verão de 1845. Ao chegarem, são avisados por sete cavaleiros para não se mudarem para a casa porque, se o fizerem, "18 se tornarão 9". Eles não acatam o aviso e seguem para a mansão. Durante a primeira noite, Jonathan se encontra com o Conde de La'Fey, o Fantasma da Família, que é um parente falecido. O fantasma mostra a ele um caixão no qual repousa o cadáver de uma criança natimorta, Abigail. O fantasma informa que Miriam carrega o espírito de Abigail e que a criança logo renascerá. Ele insiste que Jonathan deve matar Miriam imediatamente para evitar o renascimento.

O disco foi gravado entre dezembro de 1986 e fevereiro de 1987 no Sound Track Studio, em Copenhague, com a produção a cargo do próprio King Diamond.

FUNERAL

A abertura é uma introdução teatral, não uma canção de heavy metal convencional. Com aproximadamente um minuto e meio, “Funeral” estabelece o ambiente sombrio que dominará o disco. A voz de King Diamond surge como parte da encenação, introduzindo o ouvinte à história de Abigail e à atmosfera de morte que envolve a narrativa.

ARRIVAL

“Arrival” apresenta o heavy metal propriamente dito. A música entra com guitarras velozes, solos elaborados e uma seção rítmica que combina precisão e agressividade. A composição estabelece o ambiente da chegada à mansão que ocupa o centro da história. O deslocamento até esse lugar é importante porque a casa não funciona apenas como cenário, pois ela representa o ingresso dos personagens em um universo de segredos familiares e acontecimentos sobrenaturais.

A MANSION IN DARKNESS

“A Mansion in Darkness” transforma a mansão em uma presença quase tão importante quanto os personagens. O título sintetiza o ambiente gótico da história, no qual o espaço físico está associado a mistérios e ameaças.Com um show de Mikey Dee na bateria, guitarras em profusão e um Hevy/Thrash bem intenso, temos uma faixa brilhante. A letra reforça a sensação de que a chegada à propriedade representa o começo de algo perigoso.

THE FAMILY GHOST

Riff inicial poderoso, uma atuação impactante de Diamond nos vocais, e um Heavy Metal tradicional intenso e impactante. Em “The Family Ghost”, o terror assume uma dimensão explicitamente familiar. O fantasma mencionado no título não é apenas uma presença assustadora, já que ele está ligado à história da família e aos segredos que a mansão preserva. A composição combina riffs de heavy metal, mudanças de dinâmica e uma estrutura vocal que favorece a progressão dos acontecimentos. Em vez de repetir indefinidamente um mesmo padrão, a música avança por diferentes seções, dando à narrativa uma sensação de movimento. Foi o single que não repercutiu.

THE 7TH DAY OF JULY 1777

“The 7th Day of July 1777” destaca-se pela variedade de recursos empregados. A introdução utiliza elementos acústicos, arranjos atmosféricos e efeitos sonoros antes de conduzir o ouvinte novamente ao heavy metal. Essa mudança de textura evita que o álbum se torne uma sucessão de faixas rápidas e pesadas sem variação dramática. A data específica no título confere à narrativa uma aparência de registro histórico, como se o horror que domina a mansão pudesse ser rastreado até um episódio concreto.

OMENS

“Omens” concentra-se na atmosfera de antecipação e ameaça que percorre o álbum. Depois de a história apresentar a mansão e aprofundar suas conexões com o passado, a música reforça a sensação de que acontecimentos terríveis estão prestes a se concretizar. A composição mantém o peso característico do disco, com guitarras distorcidas, riffs incisivos e uma interpretação vocal que enfatiza o caráter dramático da narrativa.

THE POSSESSION

The Possession é uma das faixas mais curtas do álbum, mas sua importância narrativa é considerável. O título aponta diretamente para o componente sobrenatural da história e para a ideia de que uma força externa pode assumir o controle de um corpo. A música se apoia em riffs pesados e diretos, mantendo a intensidade sem precisar de uma longa introdução.

ABIGAIL

A faixa-título é o centro conceitual do álbum. É nela que a figura de Abigail assume protagonismo e que a narrativa sobrenatural se torna mais explícita. O nome, apresentado desde a abertura do disco, finalmente ganha sua dimensão dramática completa. Musicalmente, “Abigail” sintetiza várias das qualidades que distinguem o álbum: riffs marcantes, guitarras melódicas, mudanças de intensidade e vocais teatrais. A composição equilibra o peso do heavy metal com uma abordagem quase operística, na qual a interpretação vocal desempenha um papel tão importante quanto os instrumentos.

BLACK HORSEMEN

Com aproximadamente sete minutos e quarenta segundos, “Black Horsemen” dispõe de espaço para desenvolver uma conclusão musical e narrativa mais extensa do que as faixas anteriores. A composição alterna passagens pesadas com momentos melódicos e atmosféricos, explorando mudanças de andamento e de intensidade. A presença dos cavaleiros no título reforça a dimensão sombria e fatalista da história. Épica, longa e dramática, a faixa que encerra o disco é uma jornada emocionante de Heavy Metal.

Considerações Finais

O álbum alcançou as posições 39 na Suécia, 68 na Holanda, e 123 na Billboard 200. Após o lançamento de Abigail, Denner deixou a banda devido a problemas de turnê. Ele foi posteriormente substituído por Mike Moon na turnê de divulgação do álbum, durante a qual a banda gravou o álbum ao vivo In Concert 1987: Abigail (no entanto, não foi lançado até 1991).

Andy LaRocque

Eduardo Rivadavia do AllMusic escreveu que Abigail é "amplamente reconhecida como a obra-prima solo de King Diamond" e "também é inquestionavelmente um dos maiores álbuns conceituais do heavy metal". O jornalista canadense Martin Popoff comentou a "excelência metálica" do álbum, mas ficou surpreso negativamente com o "pacote assustador" e as letras.

O guitarrista Andy LaRocque disse que é seu álbum favorito do King Diamond, já que "a boa atmosfera que tínhamos como banda naquela época é capturada no álbum".

Após a conclusão da turnê Abigail, o guitarrista Mike Moon e o baixista Timi Hansen foram substituídos por Pete Blakk e Hal Patino respectivamente.

Prêmios

O site Metal Storm colocou Abigail na 15ª posição de sua lista Top 100 Metal Albums.
O site Metal Kingdom coloca Abigail na 323ª colocação da lista 500 Greatest Metal Albums of All Time.

Em 20 de junho de 1988, King Diamond lançou o terceiro álbum "Them".

Formação:

King Diamond – Vocal

Andy LaRocque – Guitarra

Michael Denner – Guitarra

Timi Hansen – Baixo

Mikkey Dee – Bateria

Faixas:

01. Funeral (Diamond) - 1:30

02. Arrival (Diamond) - 5:26

03. A Mansion in Darkness (Diamond/LaRocque) - 4:34

04. The Family Ghost (Diamond) - 4:06

05. The 7th Day of July 1777 (Diamond/LaRocque) - 4:50

06. Omens (Diamond) - 3:56

07. The Possession (Diamond/Denner) - 3:26

08. Abigail (Diamond) - 4:50

09. Black Horsemen (Diamond) - 7:40

Opinião do Blog:

Pelo uso indiscriminado, algumas palavras foram, ao longo do tempo, perdendo seu poder e seu impacto, mas este aqui é o caso de se usar a palavra “mestre” para King Diamond.

Apesar da extensa carreira e de uma discografia com vários pontos altos, penso que Abigail é sua obra-prima. E vou apontar alguns destaques.

A sonoridade é uma verdadeira ode ao Heavy Metal: riffs em profusão, solos inebriantes e guitarras-gêmeas em êxtase, tudo graças a uma brilhante dupla de guitarristas. A seção rítmica, capitaneada pelo excelente Mikey Dee, traz peso e fúria às canções.

Diamond brilha ao construir todo o conceito do álbum, desenvolvendo a união perfeita entre uma sonoridade angustiante com uma história sombria, aflitiva e aterrorizante. O arcabouço lírico é muito inteligente.

Claro, abusando de seus tradicionais falsetes, recursos eletrônicos e uma versatilidade invejável, King Diamond é exuberante nos vocais. Há quem não goste: eu acho simplesmente genial.

Aqui não há faixas de enchimento ou desnecessárias. Todas as canções são no mínimo muito boas. Destacamos como preferidas “A Mansion in the Darkness”, o clássico “The Family Ghost” e “Abigail”.

Enfim, não se deixe enganar: Abigail é um dos melhores álbuns de Heavy Metal de todos os tempos.

ROD STEWART - EVERY PICTURE TELLS A STORY (1971)

2026-10-20T08:19:30.923-03:00

Every Picture Tells a Story é o terceiro álbum de estúdio do artista britânico Rod Stewart, lançado originalmente em maio de 1971, pelo selo Mercury. O disco foi gravado no Morgan Studios e teve produção do próprio Rod Stewart.

Lou Reizner, homem de recrutamento da Mercury Records, viu Rod Stewart se apresentar com Jeff Beck, e em 8 de outubro de 1968, assinou um contrato solo com ele; mas complexidades contratuais atrasaram a gravação de Stewart até julho de 1969.

Enquanto isso, em maio de 1969, o guitarrista e cantor Steve Marriott deixou a banda inglesa The Small Faces. Ron Wood o substituiu como guitarrista em junho e em 18 de outubro de 1969, Rod Stewart seguiu seu amigo e se tornou o novo vocalista da banda. Os dois se juntaram aos membros existentes Ronnie Lane, Ian McLagan e Kenney Jones, que logo decidiram chamar a nova formação de Faces.

An Old Raincoat Won't Ever Let You Down tornou-se o primeiro álbum solo de Stewart em 1969 (era conhecido como The Rod Stewart Album nos EUA).

Estabeleceu o modelo para seu som solo: uma mistura sincera de folk, rock e country blues, incluindo uma sensibilidade da classe trabalhadora britânica, com material original ("Cindy's Lament" e a música título) e versões cover (Ewan MacColl's "Dirty Old Town" e "Handbags and Gladrags" de Mike d'Abo).

A banda de apoio do álbum incluía Wood, Mick Waller e Ian McLagan, além de Keith Emerson e os guitarristas Martin Pugh (do Steamhammer, e mais tarde Armageddon e 7th Order) e Martin Quittenton (também do Steamhammer).

Rod Stewart

O Faces lançou seu primeiro álbum, First Step, no início de 1970 com um estilo rock and roll semelhante ao dos Rolling Stones. Embora o álbum tenha se saído melhor no Reino Unido do que nos Estados Unidos, o Faces rapidamente conquistou muitos seguidores ao vivo.

Stewart lançou seu segundo álbum, Gasoline Alley naquele outono. A abordagem de Stewart foi semelhante à de seu primeiro álbum e o bandolim foi introduzido no som. Ele então lançou uma turnê pelos EUA com o Faces.

Stewart cantou como convidado para o grupo australiano Python Lee Jackson em "In a Broken Dream", gravado em abril de 1969, mas não lançado até 1970. Seu pagamento foi um conjunto de capas de assento para seu carro. Foi relançado em 1972 para se tornar um sucesso mundial.

O disco

Este álbum é uma mistura de rock, country, blues, soul e folk, e inclui o grande sucesso de Stewart, "Maggie May", bem como "Reason to Believe", uma música do álbum de estreia de Tim Hardin de 1966. "Reason to Believe", com Pete Sears no piano, foi lançada como o primeiro single do álbum com "Maggie May" como lado B; no entanto, "Maggie May" tornou-se mais popular e foi o hit número 1 no Reino Unido e nos EUA.

O álbum inclui uma versão de "That's All Right (Mama)" de Arthur Crudup (o primeiro single de Elvis Presley) e um cover da música de Bob Dylan "Tomorrow Is a Long Time", uma versão do álbum de Dylan de 1963, The Freewheelin' Bob Dylan.

Rod Stewart

Todos os cinco membros do Faces (com quem Stewart na época era vocalista principal) aparecem no álbum, com o guitarrista/baixista Ronnie Wood e o tecladista Ian McLagan no órgão Hammond B3 sendo os mais empregados. Devido a restrições contratuais, as listas de pessoal eram um tanto vagas, e não estava claro se a formação completa do Faces gravou a versão do hit da Motown "(I Know) I'm Losing You".

Outros colaboradores incluíram Ray Jackson no bandolim (embora Stewart supostamente tenha esquecido seu nome e apenas mencionado "o bandolim de Lindisfarne" na capa) e Micky Waller na bateria. Maggie Bell fez backing vocals (mencionados na capa como "vocal abrasives") na faixa-título, e Madeline Bell fez backing vocals na faixa seguinte, "Seems Like A Long Time". Pete Sears tocou todo o piano do álbum, exceto uma faixa, "I'm Losing You", que tinha Ian McLagan no piano, junto com os Faces como banda.

EVERY PICTURE TELLS A STORY

Um Rock classudo, forte e vigoroso, o qual foi lançado como single, mas não repercutiu nas principais paradas de sucesso desta natureza. Na letra, o narrador assume a figura de um sujeito aventureiro, que percorre diferentes lugares e se envolve em experiências amorosas.

SEEMS LIKE A LONG TIME

“Seems Like a Long Time” explora o lado mais emotivo do cantor, com uma construção musical que valoriza a melodia e a expressividade vocal, em vez da energia direta do rock. A letra aborda sofrimento, solidão e a sensação de que o tempo se arrasta quando a vida é marcada por dificuldades.

THAT’S ALL RIGHT/AMAZING GRACE

Esta faixa une duas tradições musicais diferentes. “That's All Right”, composição de Arthur Crudup, é um clássico do blues que ganhou notoriedade na interpretação de Elvis Presley. Stewart recupera a essência do rock'n'roll de raízes blues, com uma leitura vigorosa e descontraída. Na sequência, a música desemboca em “Amazing Grace”, hino cristão tradicional cuja letra original é atribuída a John Newton.

TOMORROW IS A LONG TIME

Originalmente escrita por Bob Dylan, “Tomorrow Is a Long Time” representa o lado mais intimista do disco. A versão de Stewart privilegia a atmosfera acústica e a interpretação vocal, afastando-se da agressividade da abertura e da energia de “That's All Right”. A letra expressa a saudade de alguém cuja ausência torna o futuro difícil de suportar.

HENRY

Com apenas 32 segundos, “Henry” funciona como uma breve vinheta instrumental, preparando a transição para “Maggie May”.

MAGGIE MAY

Impressionantemente não lançada como single, este rock acessível é uma canção assinatura da carreira de Stewart, sendo uma fabulosa música. “Maggie May” é a canção que transformou este álbum em um fenômeno internacional. O violão e o mandolim estabelecem uma introdução imediatamente reconhecível, antes de a voz rouca de Stewart conduzir uma narrativa que mistura desejo, arrependimento e insegurança emocional. A letra retrata um jovem envolvido com uma mulher mais velha.

MANDOLIN WIND

“Mandolin Wind” apresenta uma visão mais madura e comovente do amor. A música se desenvolve em andamento moderado, com violões, mandolim e guitarras que constroem uma atmosfera rural e melancólica. A letra conta a história de um casal que enfrenta dificuldades, incluindo um inverno rigoroso e uma doença que ameaça a vida de um dos dois.

(I KNOW) I’M LOSING YOU

Outro rock de primeira linha, cheia de malícia e intensidade, com atuação brilhante de Rod nos vocais. Originalmente gravada pelos The Temptations, a canção ganha na versão de Stewart uma interpretação de rock mais áspera, com forte presença de guitarra, bateria e uma energia coletiva que remete à sonoridade dos Faces. A letra expressa a angústia de alguém que percebe estar perdendo a pessoa amada.

(FIND A) REASON TO BELIEVE

O álbum termina com uma interpretação contida de uma composição de Tim Hardin. Em vez de encerrar o disco com outra explosão de rock, Stewart escolhe uma canção introspectiva, apoiada por piano, órgão, violão e uma interpretação vocal que transmite fragilidade. A letra apresenta um dilema afetivo: o narrador reconhece que foi ferido por alguém, mas ainda procura uma razão para continuar acreditando nessa pessoa.

Considerações Finais

O álbum alcançou a posição número um no Reino Unido (por seis semanas) e nos EUA (quatro semanas), ao mesmo tempo em que "Maggie May" liderava as paradas de singles em ambos os territórios. O cover do Temptations, "I Know I'm Losing You", alcançou o top 40, na 24ª posição na Billboard Hot 100 nos EUA.

Em sua crítica original da Rolling Stone, John Mendelsohn escreveu: "Por mais chato que seja metade disso, há o suficiente que é absolutamente magnífico na outra metade."

Rod novamente

No entanto, o crítico do Village Voice, Robert Christgau, deu ao álbum uma crítica brilhante, escrevendo : "Rod the Wordslinger é muito mais alfabetizado do que o típico bloozeman inglês, Rod the Singer pode dar corpo às palavras e, embora a música de Rod the Bandleader seja literalmente elétrica, é o bandolim e o pedal steel que saem mais nítidos."

Em uma revisão retrospectiva para o AllMusic, Stephen Thomas Erlewine escreveu: "Sem alterar muito sua abordagem, Rod Stewart aperfeiçoou sua mistura de hard rock, folk e blues em sua obra-prima, Every Picture Tells a Story."

O segundo álbum do Faces, Long Player, foi lançado no início de 1971 e teve maior sucesso nas paradas do que First Step. O Faces também conseguiu seu único hit no Top 40 dos EUA com "Stay With Me" de seu terceiro álbum A Nod Is as Good as a Wink...To a Blind Horse lançado no final de 1971. Este álbum alcançou o Top 10 em ambos os lados do Atlântico devido ao sucesso de Every Picture Tells A Story. Steve Jones, do The Sex Pistols, considerava os Faces altamente e os nomeou como a principal influência no movimento punk rock britânico.

Prêmios

O álbum tem sido um sucesso de crítica duradouro, incluindo a posição 172 na lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone de 2003, mantendo a classificação em uma lista revisada de 2012, caindo ligeiramente em uma lista revisada de 2020. para o número 177.

Em 1992, o álbum foi premiado com o primeiro lugar no livro de Jimmy Guterman, The Best Rock 'N' Roll Records of All Time: A Fan's Guide to the Stuff You Love. Foi classificado em 99º lugar em uma pesquisa de 2005 realizada, pelo Channel 4 da televisão britânica para determinar os 100 melhores álbuns de todos os tempos.

Resta dizer que, segundo estimativas, o álbum supera a casa de 2,5 milhão de cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Rod Stewart – Vocal, Violão

Ronnie Wood – Guitarras, Baixo

Martin Quittenton – Violão

Ray Jackson – Mandolin

Sam Mitchell – Slide guitar

Andy Pyle – Baixo

Ronnie Lane – Baixo, Backing vocals em "(I Know) I'm Losing You"

Danny Thompson – Baixo

Dick Powell – Violino

Ian McLagan – Hammond, Piano em "(I Know) I'm Losing You"

Pete Sears – Piano

Long John Baldry – Backing vocals em "Every Picture Tells a Story"

Maggie Bell – Backing vocals em "Every Picture Tells a Story"

Madeline Bell and friends – Backing vocal em "Seems Like a Long Time"

Micky Waller – Bateria

Kenney Jones – Bateria em "(I Know) I'm Losing You"

Spike Heatley – Baixo em “Reason To Believe”

Faixas:

01. Every Picture Tells a Story (Stewart/Wood) - 6:01

02. Seems Like a Long Time (Anderson) - 4:02

03. That's All Right/Amazing Grace (traditional) - 6:02

04. Tomorrow Is a Long Time (Dylan) - 3:43

05. Henry (Quittenton) - 0:32

06. Maggie May (Stewart/Quittenton) - 5:15

07. Mandolin Wind (Stewart) - 5:33

08. (I Know) I'm Losing You (Whitfield/Holland/Grant) - 5:23

09. (Find a) Reason to Believe (Hardin) - 4:05

Opinião do Blog:

Não há dúvidas de que Rod Stewart é uma das grandes vozes – e intérpretes – da história da música Pop do século XX.

Em seu início de carreira, seja no Jeff Beck Group, ou no Faces, ou mesmo em seus primeiros discos solos, o Rock ‘n’ Roll puro, simples e direto fazia base para atuações magníficas de Stewart, contando com sua voz única e interpretações simplesmente inesquecíveis.

A beleza das melodias, seja nas faixas autorais ou nas versões apaixonadas, apresentam um Rock, quase Hard, com influências Folk relevantes e muita inspiração. É Rock em estado bruto, puro, sem concessões.

“Every Picture Tells a Story” é um rock de classe, intenso e fervoroso; bem como a versão Hard para a incrível “(I Know) I'm Losing You”. Outra versão matadora é para “That's All Right”.

Mas escolhemos as autorais “Mandolim Wind” e, principalmente, a espetacular “Maggie May” como nossas preferidas do trabalho.

Enfim, um dos grandes discos de Rock de todos os tempos, Every Picture Tells a Story merece sempre ser ouvido e reverenciado como a grande e eterna obra que é.

KEVIN AYERS - JOY OF A TOY (1969)

2026-10-13T09:07:05.354-03:00

Joy of a Toy é o primeiro álbum de estúdio da carreira solo do músico britânico Kevin Ayers, lançado originalmente em novembro de 1969, pelo selo Harvest. O álbum foi gravado no Abbey Road, em Londres, com produção de Kevin Ayers e Peter Jenner.

Em seus primeiros anos de faculdade, Kevin Ayers se envolveu com a florescente cena musical da área de Canterbury. Ele foi rapidamente convocado para a The Wilde Flowers, uma banda que contava com Robert Wyatt e Hugh Hopper, bem como futuros membros do grupo Caravan.

Ayers afirmou em entrevistas que o principal motivo pelo qual foi convidado a ingressar foi que provavelmente tinha o cabelo mais comprido. No entanto, isso o levou a começar a compor canções e a cantar.

Ayers e Wyatt deixaram o Wilde Flowers e eventualmente se juntaram ao tecladista Mike Ratledge e ao guitarrista Daevid Allen para formar o Soft Machine. Ayers mudou para o baixo (e mais tarde para a guitarra e o baixo após a saída de Allen do grupo) e compartilhou os vocais com o baterista Robert Wyatt.

Kevin Ayers

O som do grupo contrastava entre o barítono de Ayers e o canto tenor de Wyatt, além de uma mistura de rock e jazz. A banda frequentemente dividia palcos (principalmente no UFO Club) com o Pink Floyd. Eles lançaram seu single de estreia em fevereiro de 1967, tornando-se uma das primeiras gravações do novo movimento psicodélico britânico. Seu álbum de estreia, The Soft Machine, foi lançado em 1968.

Depois de uma turnê da Soft Machine pelos EUA com o grupo Jimi Hendrix Experience, Ayers decidiu se aposentar do mundo da música. Hendrix, no entanto, presenteou Ayers com uma guitarra acústica Gibson J-200 com a condição de que ele continuasse compondo.

O disco

Ayers foi para um pequeno apartamento em Londres, onde compôs e arranjou um LP inteiro, o qual foi apresentado ao incipiente selo Harvest, de Malcolm Jones, através do qual foi produzido por Peter Jenner pela então exorbitante soma de 4 mil libras.

Ayers é acompanhado, no LP, pelo pianista e arranjador David Bedford, bem como por seus antigos colegas da Soft Machine, Robert Wyatt e Mike Ratledge, e seu eventual substituto, Hugh Hopper, que já havia trabalhado com ele na banda semi-profissional Wilde Flowers.

Entre os músicos de sessão estão o violoncelista e arranjador Paul Buckmaster, o baixista de jazz Jeff Clyne, o oboísta Paul Minns e o baterista Rob Tait. O disco foi gravado entre 17 de junho e 11 de setembro de 1969, no Abbey Road, em Londres.

Ayers em ação

Joy of a Toy apresenta muitas das canções mais duradouras de Ayers, de "The Lady Rachel" a "Girl on a Swing", esta última ainda tocada regularmente por artistas como Candie Payne e como a The Ladybug Transistor.

Foi em Joy of a Toy que Ayers desenvolveu sua entrega vocal sonora, uma construção musical vanguardista e um carinho por instrumentação incomum, que teria uma influência profunda da década de 1970 e até o final de sua carreira. Ele foi auxiliado nesta última tarefa por David Bedford, que forneceu os arranjos musicais para o álbum, bem como tocou piano e outros teclados.

Uma curiosidade: para a gravação do primeiro álbum solo de Syd Barrett, The Madcap Laughs, de 1968, a Soft Machine foi contratada para fazer overdubs em algumas faixas de Barrett. Foi nessa época que Barrett gravou uma parte de guitarra para a faixa "Religious Experience" (mais tarde intitulada "Singing a Song in the Morning"); esta versão não foi lançada até a reedição de Joy of a Toy, em 2003.

JOY OF A TOY CONTINUED

A faixa funciona como uma espécie de abertura de cortina para o universo de Joy of a Toy. O título retoma "Joy of a Toy", composição que Ayers havia associado ao Soft Machine, mas aqui a ideia é transformada em algo completamente diferente. Musicalmente, a canção assume uma atmosfera de parada circense ou desfile de brinquedos, com metais e madeiras produzindo um clima festivo e deliberadamente infantil. A letra praticamente não existe no sentido convencional: Ayers utiliza vocalizações, especialmente "la-la-la", como mais um elemento instrumental.

TOWN FEELING

Uma composição mais contida, com uma atuação impecável de Ayers nos vocais, acompanhando melodias tocantes. É uma das primeiras demonstrações da extraordinária capacidade de Ayers de fazer uma canção aparentemente simples soar estranha e sofisticada. O andamento é lânguido, a guitarra elétrica aparece de maneira discreta e o oboé de Paul Minns acrescenta uma cor pastoral muito peculiar. "Town Feeling" descreve uma cidade aparentemente tranquila, observada por alguém que caminha pelas ruas enquanto percebe pessoas fechadas em seus próprios mundos.

THE CLARIETTA RAG

O piano/teclado, o órgão psicodélico de Mike Ratledge, o trombone e o caráter sincopado dão à música uma aparência de ragtime psicodélico, algo muito pouco convencional para um disco de rock de 1969. A letra mistura romantismo, fantasia e uma espécie de nonsense deliberadamente ingênuo.

GIRL ON A SWING

David Bedford constrói uma base delicada de piano e cravo, enquanto guitarra e outros efeitos psicodélicos criam uma espécie de névoa sonora em torno da melodia. A música retoma a garota que havia aparecido em "Town Feeling" e transforma aquela observação casual em uma espécie de retrato impressionista.

SONG FOR INSANE TIMES

"Song for Insane Times" é uma das grandes peças do álbum e talvez a que melhor sintetize o lado psicodélico, surrealista e socialmente desencantado de Ayers. Ayers reuniu praticamente o núcleo do Soft Machine: Robert Wyatt na bateria, Mike Ratledge no órgão e Hugh Hopper no baixo, com David Bedford nos arranjos/piano. O resultado é uma canção de estrutura relativamente pop, mas tocada por músicos que trazem consigo toda a linguagem experimental de Canterbury. A letra apresenta uma sucessão de situações absurdas.

STOP THIS TRAIN (AGAIN DOING IT)

Musicalmente, a própria gravação reproduz a ideia do trem. Há efeitos de fita acelerada, guitarras com comportamento quase locomotivo e um ritmo insistente. O órgão de Mike Ratledge acrescenta uma dimensão psicodélica bastante agressiva. O trem é uma metáfora para uma existência que parece seguir automaticamente, sem que seus passageiros saibam para onde estão indo.

ELEANOR’S CAKE (WHICH ATE HER)

A música é delicada, baseada em violão acústico e flauta/madeiras, e funciona quase como uma pequena balada folk. A letra se dirige a uma mulher que parece estar sofrendo emocionalmente. Em vez de aprofundar o sofrimento, Ayers responde com uma espécie de consolo poético, sugerindo que talvez aquilo que ela acredita ter perdido ainda possa ser encontrado.

THE LADY RACHEL

Guitarras tratadas, metais, efeitos sonoros e uma atmosfera nebulosa fazem a música parecer situada entre sonho e pesadelo. A música apresenta Rachel subindo escadas à luz de uma vela, escondendo-se da escuridão, entrando posteriormente em uma espécie de mundo fantástico onde encontra um castelo e uma voz que a recebe. É praticamente uma canção de ninar gótica.

OLEH OLEH BANDU BANDONG

As palavras são extremamente reduzidas e repetitivas, funcionando mais como mantra ou canto ritual do que como narrativa. A partir daí, a música se transforma progressivamente em uma experiência instrumental. Há uma razão para essa sonoridade aparentemente exótica: a faixa é descrita como baseada em uma canção folclórica malaia.

ALL THIS CRAZY GIFT OF TIME

Uma música com uma feição essencialmente Dylanesca, abusando da influência folk e com presença maciça da Gaita. A canção mantém a atmosfera sonhadora de boa parte do álbum, mas existe algo mais crepuscular nela. É uma letra surpreendentemente existencial para um disco que passou boa parte do tempo falando de brinquedos, garotas em balanços, personagens mágicos, bolos que comem pessoas e trens que não param.

Considerações Finais

Em termos de vendas ou presença em paradas de sucesso, Joy of a Toy não causou maiores comoções.

Entretanto, Joy of a Toy estabeleceu Ayers como um talento único com uma música que variava desde a marcha circense da faixa-título até a pastoral "Girl on a Swing" e a sinistra "Oleh Oleh Bandu Bandong", baseada em uma canção folclórica malaia.

Ayers, novamente

Richie Unterberger, do AllMusic, dá uma nota 3,5 ao álbum (em 5), apontando:

“O domínio de Ayers sobre uma variedade de instrumentos é impressionante, e seus vocais graves profundos e esquetes de músicas divertidas e quase bobas são comoventes, mas eles realmente não aderem ao ouvinte. Não é por acaso que algumas das faixas lembram os primeiros Soft Machine: Robert Wyatt toca bateria na maioria das músicas, e “Song for Insane Times” é praticamente uma performance genuína do Soft Machine, com apoio real do próprio grupo. Um álbum agradável, mas leve, que está no seu melhor quando Ayers está no seu auge.”

Ayers era, para todos os efeitos, membro do Gong em 1971, quando a banda fez a primeira turnê pelo Reino Unido. Ele também desempenhou um papel instrumental na aparição de Steve Hillage com o Gong em 1972, enquanto Steve estava em turnê pela França como membro da banda de Ayers.

Um segundo álbum, Shooting at the Moon, logo se seguiu em 1970.

Formação:

Kevin Ayers – Guitarra, Baixo, Gaita, Vocal

Robert Wyatt – Bateria

David Bedford – Piano, Mellotron, Arranjos

Mike Ratledge – Órgão

Hugh Hopper – Baixo (1 e 5)

Paul Buckmaster – Violoncelo

Jeff Clyne - Baixo (2 e 7)

Rob Tait – Bateria (6 e 9)

Paul Minns – Oboé

Faixas: (todas compostas por Kevin Ayers)

01. Joy of a Toy Continued - 2:53

02. Town Feeling - 4:51

03. The Clarietta Rag - 3:20

04. Girl on a Swing - 2:49

05. Song for Insane Times - 4:01

06. Stop This Train (Again Doing it) - 6:06

07. Eleanor's Cake (Which Ate Her) - 2:53

08. The Lady Rachel - 5:17

09. Oleh Oleh Bandu Bandong - 5:35

10. All This Crazy Gift of Time - 3:53

Opinião do Blog:

A incontestável categoria de Kevin Ayers em diferentes instrumentos musicais sempre foi algo muito admirável e esta proficiência está presente no saboroso Joy of a Toy.

E toda esta habilidade como instrumentista – refletida enquanto compositor – também explica como o álbum passeia por diferentes musicalidades com a mesma eficiência: há Rock Progressivo, Psicodelia, Folk, Pop, enfim, muita diversidade.

Acompanhado por músicos de primeira linha, em especial, por seus ex-companheiros de Soft Machine, a forma, muitas vezes contida, de cantar de Ayers é muito cativante e competente.

Em que pese ser um álbum muito bom, os momentos em que Ayers se movimenta rumo ao Rock Progressivo são os nossos preferidos: faixas como “Oleh Oleh Bandu Bandong”, “Stop This Train (Again Doing it)” e, principalmente, a ótima “Song for Insane Times” são os pontos mais altos do disco.

Mas não é apenas isto: temos a melancólica “Town Feeling”, a folk e Dylanesca “All This Crazy Gift of Time” e a lúdica “Girl on a Swing” são outros destaques deste ótimo trabalho.

Concluindo: é impressionante que Joy of a Toy seja tão pouco comentado, pois se trata de um retrato fiel de um músico de primeira linha como foi o Kevin Ayers.

BLACK 'N BLUE - WITHOUT LOVE (1985)

2026-10-07T08:47:47.798-03:00

Without Love é o segundo álbum de estúdio da banda norte-americana, lançado em setembro de 1985 através do selo Geffen Records. Ele foi gravado em 3 estúdios diferentes na cidade de Vancouver, no Canadá, sendo eles Little Mountain Sound Studios, Mushroom Studios e Ocean Sound. A produção ficou siob responsabilidade do lendário produtor Bruce Fairbairn.

A Black 'N Blue foi formada em novembro de 1981, pelos amigos do ensino médio Jamie St. James e Tommy Thayer em Portland, Oregon.

St. James começou tocando bateria, já que fantasiava ser baterista de rock na juventude. Ele começou sua carreira musical profissional enquanto era estudante na Cleveland High School, onde ele e seus colegas Dan Kurth, Barry Pendergrass e Ray Malsom formaram o combo Jet, inspirado em bandas como o Molly Hatchet.

James e o Jet são apresentados com destaque no Legend de 1977, o anuário da Cleveland High School. A banda foi brevemente uma das favoritas entre o público do ensino médio de Portland, e sua versão da música "La Grange" do ZZ Top foi um dos primeiros indícios de sua fama futura.

Foi também durante o ensino médio que o Pond conheceu seu então colega de classe e músico, Tommy Thayer, criando uma amizade que dura até o presente.

Jamie St. Jaimes

Desde cedo, Tommy Thayer foi criado com três irmãos e uma irmã em uma família musical, exposta a gêneros que iam do clássico aos Beatles, incluindo hits da música pop dos anos 1960.

A afinidade de Thayer com bandas de hard rock do início dos anos 1970 o levou a aprender a guitarra elétrica aos 13 anos. Depois de se formar na Sunset High School em 1978, Thayer tocou em bandas locais de garagem e clubes, eventualmente formando seu próprio grupo com o vocalista Jaime St. James, que eventualmente assumiu o nome de Black 'n Blue.

Originalmente se autodenominando Movie Star, a banda mais tarde escolheu o nome Black 'N Blue com base em seu som 'na sua cara' e visual de jeans e couro.

A banda teve seu primeiro sucesso em 1982, quando o editor de fanzines de heavy metal Brian Slagel ouviu a demo da música "Chains Around Heaven" e posteriormente adicionou a faixa à sua primeira edição de Metal Massacre - uma compilação independente que também apresentou os recém-chegados Metallica, Ratt, e Malice.

A Black 'N Blue se mudou para Los Angeles em 1982, tornando-se imediatamente conhecida na cena noturna de Hollywood. Em seis meses, a banda assinou um contrato de gravação mundial com a Geffen Records, lançando seu álbum de estreia autointitulado, Black 'N Blue, em agosto de 1984.

Tommy Thayer

O álbum produzido por Dieter Dierks incluía "Hold On to 18", que foi lançada na rádio e na MTV e se tornou um sucesso moderado, aumentando as vendas do álbum.

O disco

Without Love é o segundo álbum de estúdio da banda americana de glam metal Black 'n Blue. Foi produzido por Bruce Fairbairn. O álbum conta com a participação de Mike Reno do Loverboy na música "We Got the Fire".

ROCKIN’ ON HEAVEN’S DOOR

O disco começa com uma faixa que resume bem a faceta mais ostensivamente hard rock/glam metal do Black 'N Blue. Guitarras pesadas, refrão simples e uma atitude deliberadamente grandiosa dão à música o caráter de um hino de arena. O título evidentemente brinca com "Knockin' on Heaven's Door", de Bob Dylan, mas a letra não é simplesmente uma nova versão da composição de Dylan. A ideia central é a de um personagem confrontado com a morte e com o fim de sua capacidade de lutar.

WITHOUT LOVE

Aqui a banda reduz um pouco o peso e aposta mais claramente na fórmula hard rock melódico/AOR. A música gira em torno da ideia de que uma existência sem amor perde seu sentido. Não se trata de uma história particularmente complexa, mas de uma declaração sentimental apresentada dentro de uma estrutura rock bastante acessível.

STOP THE LIGHTNING

Uma das faixas mais pesadas do álbum e, provavelmente, uma das que melhor preservam a identidade do primeiro Black 'N Blue. O título é uma metáfora para interromper o conflito. A letra apresenta uma relação marcada por confrontos, ressentimentos e desgaste emocional.

NATURE OF THE BEACH

Talvez seja uma das músicas mais interessantes do álbum justamente por fugir um pouco da fórmula tradicional do glam metal. "Nature of the Beach" trabalha uma atmosfera ensolarada, descontraída e sensual, associada ao ambiente praiano.

MISS MYSTERY

Uma balada bem interessante e que foi um dos singles do disco, com boa atuação de St. James nos vocais. A letra apresenta uma mulher misteriosa, problemática e aparentemente envolvida com um ambiente pouco recomendável. O narrador demonstra simultaneamente atração e desconfiança diante dela.

SWING TIME

"Swing Time" recupera a energia mais direta do grupo. É uma faixa curta, acelerada e construída em torno do groove, com guitarras que procuram mais o impacto físico do que a sofisticação. A temática é essencialmente ligada à diversão, à atitude e ao espírito de sair, curtir e deixar os problemas de lado.

BOMBASTIC PLASTIC

A faixa mais pesada do disco, contando com um riff muito intenso e guitarras bem afiadas. Aqui aparece uma das ideias mais divertidas de Without Love: uma declaração de amor ao próprio disco de vinil. A letra descreve o objeto físico e a relação quase afetiva de quem continua ouvindo aquele disco repetidamente.

WE GOT THE FIRE

É uma faixa curta e direta, feita para funcionar ao vivo. Não apresenta grandes ambições líricas, mas compensa isso com energia, refrão e uma sonoridade bastante representativa do rock americano de meados dos anos 1980. É uma espécie de declaração de potência e entusiasmo.

STRANGE THINGS

"Strange Things" retoma o lado mais melódico do disco, mas sem transformar a música numa balada. A temática gira em torno da sensação de que algo estranho está acontecendo dentro de uma relação ou situação emocional. A composição explora aquela percepção de que as coisas deixaram de funcionar normalmente e que existe algo inexplicável ou desconfortável por trás da situação.

TWO WRONGS (DON’T MAKE IT LOVE)

Musicalmente, a faixa é mais cadenciada e bluesy, permitindo que Jaime St. James adote uma interpretação menos agressiva. Um Blues Rock muito pesado, com um show da guitarra de Thayer. A ideia central é bastante direta: duas pessoas estão errando uma com a outra, mas a soma desses erros não consegue produzir amor.

Considerações Finais

Without Love não repercutiu em termos das principais paradas de sucesso, a britânica e a norte-americana. "Miss Mystery" e "Swing Time" foram lançadas como singles, mas não repercutiram nas principais paradas de sucesso.

Pete Holmes

Este álbum viu a banda modificar seu som original mais áspero e duro em favor de uma abordagem de metal mais polido. "Miss Mystery" foi um sucesso de rádio e a banda fez uma turnê com o KISS naquele ano.

Uma segunda faixa deste álbum, "Nature of the Beach" apareceu no filme Vision Quest e também apareceu como lado B do single "Gambler", de Madonna, oriundo do mesmo filme, embora não tenha sido incluída na trilha sonora do LP.

Em 1986, o Black 'N Blue ganhou a atenção do baixista do Kiss, Gene Simmons, que assumiu como produtor da banda nos seus dois álbuns seguintes.

A banda lançou mais dois álbuns pelo selo Geffen, Nasty Nasty em 1986 e In Heat em 1988, sendo que ambos fizeram um esforço consciente para retornarem à força bruta original que caracterizou a música do conjunto em sua estreia.

Formação:

Jaime St. James – Vocal

Tommy Thayer – Guitarra-solo, Backing vocals

Jeff Warner – Guitarra-base

Patrick Young – Baixo

Pete Holmes – Bateria

Músicos Adicionais:

Jim Vallance – Bateria eletrônica

Adam Bomb – Guitarras adicionais

Dave Pickell, Doug Johnson, Steve Porcaro – Teclados

Mike Reno – Backing vocals em "We Got the Fire"

Faixas:

01. Rockin' on Heaven's Door (St. James/Thayer) – 3:30

02. Without Love (Richardson/Vallance) – 3:38

03. Stop the Lightning (St. James/Thayer) – 4:08

04. Nature of the Beach (St. James/Thayer) – 3:50

05. Miss Mystery (St. James/Thayer/Richardson) – 4:00

06. Swing Time (St. James/Richardson) – 3:21

07. Bombastic Plastic (St. James) – 3:38

08. We Got the Fire (St. James/Thayer/Warner) – 3:11

09. Strange Things (St. James/Thayer/Warner) – 3:24

10. Two Wrongs (Don't Make It Love) (St. James/Richardson) – 3:51

Opinião do Blog:

Claro que o Black n’ Blue não é das bandas mais conhecidas entre o público em geral, sendo mais restrita a fãs de Glam Metal. E, convenhamos, boa parte de sua fama advém do fato do guitarrista Tommy Thayer ter passado muito tempo no Kiss.

Em Without Love, ouvimos a banda mergulhando em um glam metal ainda mais “pop” e acessível, especialmente na primeira metade do disco. É uma sonoridade que lembra grupos como o Poison, por exemplo, em canções como “Stop the Lightning” e a faixa-título. É um momento do álbum, digamos, razoável.

Em sua segunda metade, a guitarra de Tommy Thayer se sobressai, o disco ganha em peso e agressividade e aparece uma veia Hard Rock mais proeminente. Desta forma, o trabalho ganha – e muito – em vigor e expressividade.

Outro ponto é que, aos meus ouvidos, Jaime St. James é um vocalista competente – e não vai além disso. Ele soa apenas emulando os nomes consagrados do estilo, como Vince Neil, por exemplo.

Mas, como foi dito, na segunda metade, Thayer aparece mais e o trabalho se transforma. O riff de “We Got the Fire” é muito bom e o solo de “Strange Things” cativa. O peso colossal de “Bombastic Plastic” e a malemolência de “Two Wrongs (Don't Make It Love)” são as minhas favoritas.

Enfim, Without Love é um álbum que deve agradar fãs mais devotados ao Glam Metal e ouvintes ocasionais podem se desinteressarem rapidamente, pois seu início é menos impactante. Mas, o saldo final, é positivo.

DORO - DORO (1990)

2026-09-30T08:39:01.132-03:00

Doro é o segundo álbum de estúdios da carreira-solo da artista alemã homônima, cujo lançamento oficial aconteceu em setembro de 1990, através do selo Vertigo. As gravações ocorreram no Fortress Recorders, em Hollywood, nos Estados Unidos. A produção ficou por conta de Tommy Thayer, Pat Regan e Gene Simmons.

A banda alemã Warlock gravou seu quarto e último álbum de estúdio, Triumph and Agony, que foi o de maior sucesso, ganhando ouro na Alemanha e alcançando a 80ª posição na parada de álbuns da Billboard 200 nos EUA. Inclui as músicas "All We Are" e "Für immer" (Forever), faixas mais conhecidas do Warlock, também pela intensa rotação de seus vídeos na MTV.

O Warlock abriu para Dio na Europa e embarcou em sua única turnê pelos EUA, abrindo para o Megadeth. No final da turnê pelos Estados Unidos, Doro permaneceu a única alemã na banda depois que todos os outros membros originais saíram, substituídos por músicos americanos.

Em 1989, enquanto escrevia material para o sucessor de Triumph and Agony, ela perdeu uma causa legal com o ex-empresário da banda pelos direitos do nome e mercadorias do Warlock. Sua gravadora a forçou a aceitar a publicação de novos álbuns sob o nome Doro, para continuar sua carreira.

Doro Pesch

Doro perseverou na batalha legal pelo nome Warlock e eventualmente recuperou os direitos em 2011.

O que foi inicialmente concebido como o quinto álbum do Warlock resultou em Force Majeure, o primeiro álbum de Doro, lançado em fevereiro de 1989. Foi gravado nos EUA por Joey Balin e é o sucessor natural de Triumph and Agony, continuando a tendência da banda em direção a ser amigável à Rádio, inclinado ao glam metal, em contraste com o power metal europeu dos trabalhos anteriores de Warlock.

O álbum vendeu muito bem na Europa, mas teve sucesso limitado nos EUA, ficando na parte inferior da parada Billboard 200.

Após a turnê para promover Force Majeure, a formação final do Warlock se desfez e Doro se concentrou em sua carreira solo. Ela decidiu manter seu empresário suíço Alex Grob, mas renunciou a fazer parte de uma banda com a qual compartilharia as tarefas de composição e decisões de carreira.

Ela contatou o baixista do KISS e ídolo de infância, Gene Simmons, que estava iniciando uma segunda carreira como caçador de talentos e produtor musical. Simmons estava disposto a iniciar uma colaboração e produziu o álbum Doro, com a ajuda do guitarrista do Black 'n Blue, Tommy Thayer e também com Pat Regan. Doro foi gravado na Califórnia com grande uso de escritores e músicos da comitiva do KISS. Doro declarou recentemente que Simmons “foi o melhor produtor que já tivemos!”.

O disco

O segundo álbum de Doro é mais um esforço solo do que uma produção de banda. Na verdade, a cantora alemã escolheu para si uma nova direção musical, separando conscientemente o processo criativo musical da dinâmica normal da banda, ao contrário do que sempre fez no passado com a banda Warlock.

A produção do álbum foi colocada nas mãos do baixista do Kiss, Gene Simmons, ídolo de infância de Doro. Simmons forneceu cinco músicas, incluindo os covers do hit psicodélico dos anos 60 do The Electric Prunes, "I Had Too Much to Dream", e de "Rock On", do Black 'n Blue, e músicos vindos da comitiva do Kiss para completar a gravação.

Doro

A música "Only You" é um cover do Kiss do álbum Music from "The Elder" (1981). Ele deu ao seu protegido Tommy Thayer, da banda Black 'n Blue (outra banda produzida por Simmons) a chance de brilhar como co-produtor do álbum, junto com Pat Regan. "I'll Be Holding On" é um cover de uma música de Gregg Allman do filme Black Rain de 1989.

O som resultante é muito mais suave e polido do que qualquer álbum do Warlock, no estilo de muitas gravações de glam metal americano da época, e as letras abandonam completamente a atmosfera gótica presente nas ofertas da banda anterior de Doro Pesch.

As muitas fotos na capa e na capa interna foram tiradas pelo famoso fotógrafo da Playboy e de moda Phillip Dixon.

UNHOLY LOVE

Refrão direto, estrutura acessível e uma Doro muito mais próxima do hard rock americano do final dos anos 1980 do que do heavy metal de Warlock.

“Unholy Love” descreve uma relação essencialmente destrutiva: atração e sofrimento caminham juntos, e a narradora sabe que aquele envolvimento a machuca, mas continua presa a ele.

Faixa que foi o principal single lançado para promover o disco, mas não repercutiu em termos das principais paradas de sucesso.

I HAD TOO MUCH TO DREAM

A composição original dos Electric Prunes, lançada em 1966, é uma peça clássica do garage/psychedelic rock. A temática é a de um sonho tão realista que deixa a pessoa emocionalmente presa a ele depois de acordar. A narradora reencontra, durante o sono, alguém que já não está presente.

ROCK ON

“Rock On” é provavelmente a faixa mais explicitamente rock'n'roll do álbum. O narrador fala de ter estado em diversos lugares, de ter experimentado altos e baixos e de viver em um ambiente descrito como uma espécie de “deserto humano”. Neste contexto, a música aparece como uma forma de libertação e como uma maneira de escapar da realidade cotidiana.

ONLY YOU

“Only You” originalmente apareceu no álbum Music from “The Elder”, do KISS, em 1981. Na versão de Doro, entretanto, Simmons alterou a letra. A própria cantora explicou posteriormente que a música era uma de suas favoritas de The Elder e que Simmons a reescreveu parcialmente para sua gravação. A temática é dependência afetiva e devoção amorosa.

I’LL BE HOLDING ON

Canção que é uma balada em que o talento vocal de Doro fica mais que comprovado. A metáfora da vida feita de areia, escorrendo pelas mãos, introduz a ideia de que o tempo não pode ser recuperado. Em vez de tentar reconstruir o passado, a personagem decide seguir em frente e continuar procurando a luz.

Doro & Gene Simmons

SOMETHING WICKED THIS WAY COMES

É uma das composições em que a contribuição de Gene Simmons parece mais naturalmente encaixada na personalidade vocal de Doro. A letra descreve sonhos recorrentes, sensação de perigo e a incapacidade de distinguir completamente sonho e realidade.

RARE DIAMOND

“Rare Diamond” retorna ao tema amoroso. É uma canção sobre a busca por um amor genuíno depois de experiências decepcionantes.

BROKEN

Hard Rock puramente oitentista, com um refrão bem potente e guitarras muito marcantes. Em vez de falar simplesmente sobre um relacionamento, a música descreve uma pessoa completamente derrotada pelas circunstâncias: sem dinheiro, sem lugar para dormir e sem alguém que enxugue suas lágrimas. O próprio título resume o estado emocional e material da personagem.

ALIVE

Musicalmente e liricamente, “Alive” pertence ao lado mais sentimental do álbum. A própria letra insiste na imagem do “fogo” que continua queimando por dentro. A narrativa começa com solidão, mentiras e despedidas, mas rapidamente chega à ideia de que, enquanto a narradora estiver viva, aquela pessoa continuará fazendo parte dela.

MIRAGE

O álbum termina com uma música sobre desejo e ilusão. A narradora vê o rosto da pessoa, pensa nela constantemente e sente que está sob seu poder. Mas existe um problema fundamental, pois aquela pessoa é apenas uma miragem.

Considerações Finais

Apesar do apelo comercial da música e do alto esforço econômico para produzi-la, o álbum não teve o sucesso de crítica e de vendas esperado e permaneceu como o último álbum de estúdio de Doro publicado nos Estados Unidos em dez anos.

Doro atingiu a 9ª colocação na principal parada alemã e a 22ª posição em sua correspondente suíça, muito embora não tenha repercutido nas paradas norte-americana e britânica.

Doro

Uma banda formada pelos músicos americanos Thomas Jude nas guitarras, Paul Morris nos teclados, Nick Douglas no baixo e Tom Coombs na bateria foi montada para a turnê de apoio.

Doro foi uma oferta mais comercial do que o álbum anterior, mas resultou em um fracasso nos EUA. Entretanto, vendeu bem na Europa, acelerando a decisão da PolyGram de interromper a publicação dos álbuns de Doro na América, onde o apelo comercial do glam metal e do rock clássico estava declinando rapidamente em favor do grunge e do rock alternativo.

Doro encerrou 1990 tocando algumas datas na Alemanha, abrindo para o Scorpions.

Formação:

Doro Pesch – Vocal

Tommy Thayer – Guitarras

Lanny Cordola – Guitarra-solo

Pat Regan – Teclados

Karen Childs, Paul Morris – Teclados

E. J. Curse, Todd Jensen, Chuck Wright – Baixo

Tommy Amato, Chris Frazier, Kevin Valentine – Bateria

Faixas:

01. Unholy Love (P. Brown/A. Mitchell) - 4:42

02. I Had Too Much to Dream (The Electric Prunes cover) (Mantz/Tucker) - 4:04

03. Rock On (Black 'n Blue cover) (Thayer/St. James/Simmons) - 3:18

04. Only You (Kiss cover) (Simmons) - 4:21

05. I'll Be Holding On (Jennings/Zimmer) - 5:22

06. Something Wicked This Way Comes (Simmons) - 5:15

07. Rare Diamond (Pesch/Lepore) - 3:35

08. Broken (Pesch/Childs) - 4:46

09. Alive (Pesch/Childs) - 4:14

10. Mirage (Simmons) - 4:01

Opinião do Blog:

Doro Pesch construiu sua reputação como uma estrela do metal ao ser a vocalista do grande Warlock.

Entre altos e baixos, a bela vocalista alemã construiu uma sólida carreira-solo que, se não foi uma campeã de vendas, possui inegáveis méritos em sua dedicação e seu compromisso com os fãs de sua música.

Neste seu segundo álbum, Doro, a cantora aposta suas fichas no suporte que Gene Simmons ofereceu naquele momento difícil, o qual o Warlock havia se desfeito. O resultado é um álbum sólido, longe de ser brilhante, mas que refletia o próprio trabalho irregular que Simmons estava fazendo com o KISS na década de oitenta.

Sendo assim, a sonoridade preponderante no disco é um Hard Rock oitentista, bastante padronizado, intrinsecamente ligado ao Glam Metal. A banda que acompanha Doro é competente, mas o destaque vai para sua atuação nos vocais, com interpretações que verdadeiramente conferem emoção ao trabalho.

A boa versão para “I Had Too Much to Dream” é um destaque, o mesmo acontecendo para os covers de “Rock On” e “Only You”. Há 2 boas baladas no disco, com “Rare Diamond” e a classuda “I'll Be Holding On”.

Mas nossa preferida é mesmo “Broken”, um Hard Rock vigoroso com vocais expressivos de Doro.

Concluindo, Doro é um trabalho bem honesto da vocalista alemã, que não vai mudar a vida de quem o ouvir, mas pode ser uma boa diversão para amantes da música oitentista.

THE KINKS - THE KINKS ARE THE VILLAGE GREEN PRESERVATION SOCIETY (1968)

2026-09-22T14:44:58.947-03:00

The Kinks Are the Village Green Preservation Society é o sexto álbum de estúdios da banda britânica The Kinks, lançado originalmente em novembro de 1968, pelo selo Pye Records. A produção ficou a cargo do próprio Ray Davies.

Em julho de 1965, os Kinks foram informalmente colocados na lista negra de apresentações nos Estados Unidos pela Federação Americana de Músicos. As circunstâncias que levaram à proibição não são claras, mas provavelmente resultaram de vários incidentes durante a primeira turnê da banda nos Estados Unidos. Apesar dos recentes sucessos comerciais dos Kinks, as extensas turnês e aparições promocionais da banda levaram Ray a um colapso nervoso em março de 1966.

Após o colapso de Ray, a banda reduziu seus compromissos de turnê e passou mais tempo gravando em estúdio, uma mudança que permitiu a Ray se desenvolver como compositor, deixando-o cada vez mais separado da juventude emergente e das culturas das drogas.

No ano que se seguiu, Ray ficou obcecado com aspectos da aristocracia inglesa e com as tradições moribundas do país. Ele expressou seu orgulho pela Grã-Bretanha em uma entrevista de abril de 1966 para a revista Melody Maker, desejando que sua cultura pudesse permanecer distinta daquela da América e da Europa. Ele ainda indicou seu desejo de continuar escrevendo "músicas bem inglesas" e esperava transmitir seus sentimentos em uma nova composição.

De acordo com o autor Johnny Rogan, The Kinks Are the Village Green Preservation Society (muitas vezes abreviado como Village Green) reflete uma progressão na ligação temática aparente nos álbuns dos Kinks. Originalmente conhecida como uma banda de singles, a banda montou seus primeiros LPs sem pensar em fazer uma declaração artística maior.

Ray Davies

O álbum da banda de novembro de 1965, The Kink Kontroversy, marcou a primeira vez que Ray compôs músicas especificamente para um único projeto, resultando em um LP que a banda considerou seu trabalho mais unificado até o momento. Ray mudou ainda mais sua abordagem com o álbum Face to Face da banda, de 1966, conceituando um LP composto de músicas conectadas através do uso de efeitos sonoros e sequências.

Em novembro de 1966, quando os Kinks iniciaram as sessões de seu próximo álbum, Something Else by the Kinks, Ray começou a imaginar um LP unificado em torno de sua mais nova composição "Village Green". Ele considerou vários conceitos ao longo do tempo, incluindo escrever uma peça de teatro musical ou pantomima ou filmar um especial de televisão com bandas ao vivo e uma orquestra. A banda arquivou a ideia enquanto trabalhava em Something Else, depois de considerá-la mais apropriada para um álbum solo em potencial do que um LP do Kinks.

Em entrevistas posteriores, Ray citou regularmente a proibição de cinco anos de apresentações americanas dos Kinks como uma produção de seu pivô em direção às letras com foco no inglês. O autor Andy Miller, em vez disso, conecta a escrita de Ray a uma tradição mais ampla de poesia pastoral inglesa - composta por autores como William Blake, William Wordsworth e Oliver Goldsmith - que muitas vezes ansiava por um passado idealizado da Inglaterra rural.

Pete Quaife

Ray descreveu regularmente a área em termos rurais e comparou sua atmosfera à de uma aldeia. Ele também mencionou o Waterlow Park, no subúrbio próximo de Highgate, e seu pequeno lago como uma influência.

Ao escrever as canções de Village Green, Ray foi inicialmente inspirado no drama de rádio de Dylan Thomas de 1954, Under Milk Wood, uma obra que se concentra nos habitantes de uma pequena cidade galesa em um típico dia de primavera. Miller conecta ainda a escrita de Ray com as obras do autor inglês George Orwell. Ele e outros comentaristas fazem uma comparação particular entre Village Green e o romance de Orwell de 1939, Coming Up for Air, uma obra que apresenta uma visão igualmente ambivalente de nostalgia.

O disco

Os Kinks começaram a gravar Village Green para valer em março de 1968. A maior parte do álbum foi gravada no Pye Studio 2, o menor dos dois estúdios subterrâneos dos escritórios da Pye em Londres. A banda gravou sempre que conseguiu tempo de estúdio, geralmente no final da tarde ou no meio da noite. Enquanto Ray produzia, os engenheiros internos de Pye operavam o console de mixagem de quatro faixas; o engenheiro de longa data da banda, Alan "Mac" MacKenzie, trabalhou no álbum até sair de Pye no início de 1968. Brian Humphries o substituiu a partir de maio. A gravação do álbum foi pausada de 6 a 28 de abril de 1968, enquanto os Kinks fazia turnê pelos cinemas do Reino Unido.

A banda retomou o trabalho no álbum em maio de 1968, gravando "Picture Book", "Misty Water" e "Pictures in the Sand". Mais gravações foram sendo feitas entre julho e agosto, com o processo terminando em setembro de 1968.

Mick Avory

Apesar da tendência da indústria em direção ao som estéreo, Ray ainda preferia o mono quando mixava Village Green. Como era típico da época, ele mixou o álbum em ambos os formatos, e a Pye lançou ambas as versões do álbum no Reino Unido. Nos EUA, a Warner Bros.-Seven Arts, controladora da Reprise, interrompeu a produção mono em janeiro de 1968; Village Green foi, portanto, o segundo LP dos Kinks nos EUA, depois de Something Else, a ser lançado exclusivamente em estéreo.

Em entrevistas contemporâneas, Ray explicou que as músicas de Village Green estão "todas relacionadas de uma forma", e Dave sugeriu que o álbum é "sobre uma cidade e as pessoas que viveram lá", onde "o Village Green é o ponto focal de tudo". Embora as músicas de Village Green variem em sua adesão ao conceito de vila, o álbum mostra uma preocupação consistente com o passado.

O LP foi o primeiro dos Kinks a apresentar uma capa gatefold. A imagem gatefold é a mesma fotografia da capa, mas virada horizontalmente, colorida e colocada ao lado de uma medalha Cruz de São Jorge.

THE VILLAGE GREEN PRESERVATION SOCIETY

Davies cria uma sociedade imaginária dedicada a preservar aquilo que considera ameaçado pelo avanço da modernidade: pequenas lojas, casas antigas, pubs, chá, porcelana, personagens da cultura popular britânica, histórias de Sherlock Holmes, vaudeville, cerveja de chope e até figuras como Donald Duck e Dracula.

A música não precisa ser entendida simplesmente como uma defesa conservadora do passado. O próprio texto mistura coisas profundamente britânicas com elementos populares e deliberadamente absurdos.

DO YOU REMEMBER WALTER?

O narrador reencontra — ou pelo menos recorda — Walter, um antigo amigo de infância. Eles jogavam críquete na chuva, fumavam escondidos e sonhavam em economizar dinheiro para comprar um barco e fugir juntos pelo mar. Só que o Walter adulto já não corresponde ao personagem da memória.

O interessante é que Davies não trata apenas da perda de um amigo. A pergunta “você se lembra?” funciona como uma pergunta sobre a própria identidade. Se Walter mudou tanto, o narrador também mudou. A diferença é que ele ainda está emocionalmente preso àquele mundo.

PICTURE BOOK

Com uma levada bem divertida e ótimo trabalho do coro de vozes, esta faixa é extremamente cativante.

O narrador olha um álbum de fotografias e reencontra pessoas e momentos de uma época em que era criança. A música é alegre, quase infantil, mas existe uma melancolia por baixo dela: aquelas imagens preservam o passado justamente porque o passado desapareceu.

JOHNNY THUNDER

Johnny Thunder é outro dos personagens do pequeno universo criado por Davies. Ele é um jovem rebelde, independente, que não quer dinheiro nem a aprovação da sociedade. Vive como uma espécie de forasteiro, recusando-se a terminar como “todo mundo”.

LAST OF THE STEAM-POWERED TRAINS

Com as guitarras mais afiadas e a gaita recortando toda a canção, temos um dos pontos mais altos do disco. Musicalmente, Davies baseou o riff da música em “Smokestack Lightning”, de Howlin' Wolf, um clássico do blues de 1956 que havia sido amplamente adotado pelos grupos britânicos de rhythm & blues.

BIG SKY

Uma das interpretações recorrentes é que o “Big Sky” representa Deus ou uma entidade divina indiferente aos problemas humanos. Mas é importante não transformar isso numa explicação definitiva: Davies deliberadamente evitou oferecer uma interpretação fechada da música.

SITTING BY THE RIVERSIDE

Dentro do álbum, a canção pode ser vista como uma das expressões mais puras do desejo de escapar da vida moderna. A letra apresenta o personagem como alguém completamente satisfeito em contemplar a paisagem e não fazer absolutamente nada.

ANIMAL FARM

Davies usa o título como ponto de partida para falar de outra coisa: o desejo de viver numa comunidade rural, simples e autêntica, distante da cidade. O narrador lembra de um lugar onde as pessoas pareciam mais genuínas e a vida era mais simples. É novamente a oposição entre cidade e campo, artificialidade e autenticidade.

VILLAGE GREEN

O narrador deixou a cidade pequena para procurar fama e acabou descobrindo que aquilo que abandonou era justamente o que mais valorizava. Ele lembra da igreja, do relógio, do ar fresco, da escola dominical, do velho carvalho e, principalmente, de Daisy, a mulher que amava. Quando retorna mentalmente ao lugar, descobre que Daisy se casou com Tom, antigo ajudante do dono da mercearia, que agora possui o próprio negócio.

STARSTRUCK

Faixa que foi lançada como single, acabou não repercutindo nas respectivas paradas, mas é uma canção envolvente.

“Starstruck” fala de alguém fascinado pelas luzes da cidade, pelo glamour e pela ideia de celebridade. O narrador tenta mostrar que aquela pessoa está sendo enganada pela aparência do mundo urbano. Ray Davies chegou a identificar a música como uma homenagem a grupos da Motown, especialmente Four Tops e Temptations, embora a conexão não seja necessariamente evidente para todos os ouvintes.

PHENOMENAL CAT

O gato voa pelo mundo, conhece lugares exóticos, descobre o “segredo da vida” e, depois disso, decide ficar sentado numa árvore comendo até a eternidade. Davies não oferece uma moral explícita. Em uma entrevista de 1976, chegou a rejeitar a ideia de que a música tivesse necessariamente uma moral.

ALL OF MY FRIENDS WERE THERE

O narrador tem uma apresentação importante, mas bebe demais, passa mal e não consegue cumprir seu papel. O pior é que todos os seus amigos estão lá para testemunhar o desastre. A inspiração veio de um episódio real envolvendo Ray Davies: em julho de 1967, ele passou mal antes de uma apresentação dos Kinks, mas acabou sendo convencido a subir ao palco por causa dos compromissos assumidos.

WICKED ANNABELLA

Annabella é uma figura de bruxa que vive numa casa escura, prepara poções e aterroriza crianças. A música aconselha os pequenos a permanecerem longe da floresta porque criaturas demoníacas estariam à espera delas.

MONICA

A letra parece simplesmente uma declaração de amor a uma mulher chamada Monica. Mas há um detalhe: Monica é uma prostituta. Davies nunca diz isso explicitamente na letra, provavelmente justamente para evitar problemas com a BBC.

PEOPLE TAKE PICTURES OF EACH OTHER

A música começa aparentemente celebrando fotografias. Pessoas fotografam o verão para provar que ele existiu; pais fotografam mães; irmãos fotografam irmãos. As fotografias pretendem provar que momentos existiram, que pessoas se amaram e que determinadas experiências aconteceram. Porém, a memória fotográfica também pode ser dolorosa porque uma fotografia conserva uma imagem de algo que já desapareceu.

Considerações Finais

The Kinks Are the Village Green Preservation Society não repercutiu, em seu lançamento original, em termos das principais paradas de sucesso de álbuns. O single “Starstruck” também não foi bem.

No lançamento, Village Green recebeu críticas favoráveis da maioria dos críticos musicais. O álbum foi resenhado na maioria das publicações contemporâneas de música pop do Reino Unido. Além disso, embora as discussões sobre música popular em jornais ainda fossem incomuns em 1968, a crítica Judith Simons forneceu uma breve avaliação do álbum no Daily Express de Londres.

Village Green foi especialmente bem recebido pelos críticos dos EUA. O álbum não foi coberto pelas principais revistas comerciais dos EUA, como Billboard ou Cash Box, mas recebeu ampla cobertura de fontes não convencionais. A nova imprensa de rock underground da América começou a abraçar os Kinks após o lançamento de Something Else em janeiro de 1968, uma tendência que continuou após o lançamento de Village Green.

Dave Davies

Em análises atuais, os críticos muitas vezes consideram Village Green como o melhor trabalho dos Kinks. O crítico Rob Sheffield escreve que o álbum é provavelmente o álbum mais forte da banda, música por música, enquanto Rogan escreve que é "maior conquista da carreira dos Kinks e seu melhor álbum de longe". Stephen Thomas Erlewine do AllMusic escreve que as performances moderadas do álbum enfatizam a composição para fazê-lo parecer mais um projeto solo de Ray do que um álbum do Kinks. Ele sugere que, apesar da sensibilidade calma do álbum, ele inclui "infinitas camadas de inovação musical e lírica".

Embora o termo não existisse na época do lançamento de Village Green, comentaristas retrospectivos identificam o disco como um candidato para o primeiro álbum conceitual. A edição de 2001 do The New Grove Dictionary of Music and Musicians o chama de "um dos poucos álbuns conceituais esteticamente bem-sucedidos", e Ann Powers da revista Blender sugere que o álbum alcança a difícil tarefa de ser "um álbum conceitual sutil", seu foco são os britânicos comuns.

O disco foi recebido com críticas quase unanimemente positivas dos críticos de rock do Reino Unido e dos EUA, mas não conseguiu atrair fortes vendas. Um fator para o fracasso comercial inicial do álbum foi a falta de um single popular; ele não incluiu o sucesso moderado "Days", e a faixa do álbum "Starstruck" foi lançada como single na América do Norte e na Europa continental, mas não teve sucesso. Embora Davies mais tarde estimasse que havia vendido apenas cerca de 100.000 cópias em todo o mundo em seu lançamento inicial, Village Green desde então se tornou o disco original mais vendido dos Kinks.

Prêmios

O álbum foi eleito o número 221 na primeira edição do All Time Top 1000 Albums do escritor inglês Colin Larkin (1994). Ele ficou em 171º e 141º lugar na segunda e terceira edições atualizadas de Larkin, publicadas em 1998 e 2000, respectivamente.
Em 2003, a Rolling Stone colocou-o em 255º lugar na lista da revista dos "500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos". Quando a lista foi atualizada em 2012 e 2020, ela foi colocada em 258º e 384º lugar, respectivamente.
A Rolling Stone também o classificou em 28º lugar em sua lista dos "50 melhores álbuns conceituais de todos os tempos" em 2022.
Nas listas dos melhores álbuns da década de 1960 da Pitchfork e Paste, eles colocaram Village Green em 27º e 18º lugar, respectivamente.

Segundo estimativas, o álbum supera 100 mil de cópias vendidas apenas no lançamento original no Reino Unido.

Formação:

Ray Davies – Vocal, Guitarra, Teclados, Gaita

Dave Davies – Backing vocals, Guitarra; (Vocal em Wicked Annabella)

Pete Quaife – Backing vocals, Baixo

Mick Avory – Bateria

Músicos Adicionais:

Rasa Davies – Backing vocals

Nicky Hopkins – Teclados

David Whitaker – Arranjos Orquestrais

Faixas: (todas compostas por Ray Davies)

01. The Village Green Preservation Society – 2:49

02. Do You Remember Walter – 2:28

03. Picture Book – 2:38

04. Johnny Thunder – 2:33

05. Last of the Steam-Powered Trains – 4:03

06. Big Sky – 2:49

07. Sitting by the Riverside – 2:21

08. Animal Farm – 2:57

09. Village Green – 2:08

10. Starstruck – 2:22

11. Phenomenal Cat – 2:37

12. All of My Friends Were There – 2:23

13. Wicked Annabella – 2:40

14. Monica – 2:13

15. People Take Pictures of Each Other – 2:10

Opinião do Blog:

Atestado da mente criativa de Ray Davies, The Kinks Are the Village Green Preservation Society é apontado pela crítica como um dos primeiros álbuns conceituais da história do rock.

Ao tratar de uma sociedade britânica simples e rural, com ares de bucolismo, a forma com que as músicas são amarradas liricamente de certo foram uma inspiração para muitas bandas que ouviram este trabalho.

Ray também criou uma sonoridade baseada no rock britânico sessentista, mas com uma enorme influência Pop, enquanto, em 1968, bandas como Beatles e Stones já caminhavam para um rock, digamos, menos Pop e mais maduro. Talvez isto explique seu mau desempenho comercial.

Mas que isso não iluda o espectador: estamos diante de um dos grandes álbuns dos anos 1960. Faixas incrivelmente emocionantes estão por todo o disco: a empolgante “Picture Book” cativa, “Johnny Thunder” é surreal, “Big Sky” flerta levemente com o Hard e “Starstuck” é uma bela balada.

Mas nossa preferida é a excelente “Last of the Steam-Powered Trains”, a qual traz o protagonismo para as guitarras.

Enfim, em um Blog que traz muita música pesada, talvez Village Green seja um pouco suave demais, mas, sem dúvidas, é uma das mais criativas e influentes obras da história do Rock.

MEAT LOAF - BAT OUT OF HELL (1977)

2026-09-15T10:38:02.931-03:00

Bat Out of Hell é o álbum de estúdios de estreia do vocalista norte-americano Meat Loaf, lançado oficialmente em outubro de 1977, através dos selos Cleveland e Epic. A produção ficou a cargo do lendário Todd Rundgren.

O álbum foi desenvolvido a partir de um musical, Neverland, uma versão rock futurista de Peter Pan, que Jim Steinman escreveu para um workshop, em 1974, e se apresentou no Kennedy Center Music Theatre Lab, em 1977.

Steinman e Meat Loaf, que estavam em turnê com o The National Lampoon Show, sentiram que três canções eram "excepcionais" e Steinman começou a desenvolvê-las como parte de um conjunto de sete canções que queriam gravar como um álbum. As três músicas eram "Bat Out of Hell", "Heaven Can Wait" e "The Formation of the Pack", que mais tarde foi renomeada como "All Revved Up with No Place to Go".

Bat Out of Hell é frequentemente comparado à música de Bruce Springsteen, particularmente ao álbum Born to Run. Steinman diz que acha isso "intrigante, musicalmente", embora eles compartilhem influências; "Springsteen foi mais uma inspiração do que uma influência." Um artigo da BBC acrescentou "que Max Weinberg e Roy Bittan da E Street Band de Springsteen tocarem no álbum apenas ajudou a reforçar a comparação."

Meat Loaf

Steinman e Meat Loaf tiveram dificuldade em encontrar uma gravadora disposta a contratá-los. De acordo com a autobiografia de Meat Loaf, a banda passou a maior parte de 1975 escrevendo e gravando material, e dois anos e meio fazendo testes para o disco e sendo rejeitada.

Eles tocaram o álbum ao vivo em 1976, com Steinman ao piano, Meat Loaf cantando e, às vezes, Ellen Foley juntando-se a eles em "Paradise". Steinman diz que foi uma "mistura das rejeições mais brutais que você poderia imaginar". Meat Loaf "quase quebrou" quando o executivo da CBS, Clive Davis, rejeitou o projeto. De acordo com a autobiografia de Meat Loaf, Davis comentou que "atores não fazem discos" e desafiou as habilidades de escrita e o conhecimento de Steinman sobre música rock.

Meat Loaf afirmou: "Jim, na época, conhecia todos os discos já feitos. [Ele] é uma enciclopédia de rock ambulante." Embora Steinman tenha rido dos insultos, o cantor gritou "Foda-se, Clive!" da rua até seu prédio.

Em uma entrevista de 1989 para a revista Classic Rock, Steinman rotulou Todd Rundgren de "o único gênio genuíno com quem já trabalhei". Em uma entrevista de 1989 com Redbeard para o episódio In the Studio with Redbeard sobre a produção do álbum, Meat Loaf revelou que Jimmy Iovine e Andy Johns eram candidatos potenciais para a produção de Bat Out of Hell antes de serem rejeitados pelo cantor e Steinman, em favor de Todd Rundgren, de quem Meat Loaf inicialmente achou arrogante, mas passou a gostar.

Jim Steinman

O disco

A gravação começou no final de 1975 no Bearsville Studios, Woodstock, Nova York. Roy Bittan e Max Weinberg, o pianista e baterista da E Street Band de Springsteen tocaram no álbum, além dos membros do grupo Utopia de Rundgren: Kasim Sulton, Roger Powell e John "Willie" Wilcox. Edgar Winter tocou saxofone em "All Revved Up". O próprio Rundgren tocou guitarra, incluindo o "solo de motocicleta" em "Bat Out of Hell".

Tanto Steinman quanto Rundgren foram influenciados por Phil Spector e sua "Wall of Sound". De acordo com Meat Loaf, Rundgren juntou todos os arranjos porque embora "Jim pudesse ouvir todos os instrumentos" em sua cabeça, Steinman cantarolava em vez de orquestrar.

Quando Rundgren descobriu que o acordo com a RCA não existia de fato, Albert Grossman, que havia sido empresário de Bob Dylan, ofereceu-se para colocá-lo em sua gravadora Bearsville, mas precisava de mais dinheiro. Rundgren basicamente pagou ele mesmo pelo álbum. Mo Ostin, da Warner Bros., ficou impressionado, mas outros veteranos os rejeitaram depois que se apresentaram ao vivo.

Outro membro da E Street Band, Steven Van Zandt, e Sonenberg combinaram de entrar em contato com a Cleveland International Records, uma subsidiária da Epic Records. Depois de ouvir a introdução falada de "You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night)", o fundador Steve Popovich aceitou o álbum para o selo.

Rundgren inicialmente mixou o disco em uma noite. No entanto, algumas das mixagens eram inadequadas, a ponto de Meat Loaf não querer "Paradise by the Dashboard Light" no álbum. Jimmy Iovine, que mixou Born to Run de Springsteen, remixou "Two Out of Three Ain't Bad". Após diversas tentativas de diversas pessoas, John Jansen mixou a versão de "Paradise by the Dashboard Light" que está no álbum, junto com "All Revved Up with No Place to Go". De acordo com Meat Loaf, ele, Jansen e Steinman mixaram a faixa-título.

Meat Loaf

Todd Rundgren afirma que Steinman foi altamente influenciado pela "angústia adolescente suburbana rural" de Springsteen. De acordo com o empresário David Sonenberg, “Jim sempre inventava esses grandes títulos e então escrevia uma música que tentava justificar a grandeza do título”.

Desde 1968, Steinman vinha trabalhando em uma obra-prima, que finalmente estreou em 2017 na forma de Bat Out Of Hell: The Musical. A primeira encarnação de seu trabalho foi um musical chamado The Dream Engine quando ele estava na faculdade em Amherst. As qualidades da rebelião adolescente e de uma menina ingressando em uma "tribo" liderada por um líder carismático estão presentes em todas as versões da obra de Steinman. É em The Dream Engine que se origina a peça falada "Hot Summer Night", e é a primeira obra que aparece no álbum Meat Loaf, onde é interpretada por Jim Steinman e pela atriz Marcia McClain.

A próxima encarnação da obra-prima de Steinman, durante a década de 1970, foi um musical chamado Neverland, que continha muitas das mesmas cenas e temas de The Dream Engine, mas agora era amplamente despolitizado e continha muitas referências a Peter Pan. Algumas cenas em Neverland, como os pais alimentando sua filha presa com drogas "supressoras de sonhos", ainda estão presentes em Bat Out Of Hell: The Musical, mas no geral Neverland tinha um tom muito mais sombrio. Este musical continha as canções "Heaven Can Wait", "Bat Out of Hell" e "All Revved Up with No Place to Go".

Steinman é creditado com o conceito da capa do álbum, ilustrada por Richard Corben. Em 2001, a revista Q listou a capa como número 71 em sua lista das "Cem Melhores Capas de Discos de Todos os Tempos".

BAT OUT OF HELL

Steinman imaginou a música como aquilo que chamou de sua “ultimate motorcycle crash song”: uma narrativa cinematográfica sobre velocidade, perigo, desejo e morte. A inspiração inclui “Leader of the Pack”, das Shangri-Las, e até elementos associados à abertura de Psycho, de Alfred Hitchcock.

O narrador é um motociclista que atravessa uma paisagem noturna praticamente apocalíptica. Há sirenes, violência, perseguição e uma sensação permanente de que alguma coisa terrível está prestes a acontecer. O erotismo existe, mas é apresentado junto com a ideia de perigo e destruição.

A épica e clássica faixa-título, a qual foi lançada como single e atingiu a 15ª colocação na principal parada britânica.

YOU TOOK THE WORDS RIGHT OUT OF MY MOUTH (HOT SUMMER NIGHT)

A canção começa com uma introdução falada, quase teatral, realizada pelo próprio Steinman e Marcia McClain. Steinman explicou que a abertura era uma homenagem ao tipo de construção sonora associado a Phil Spector.

O narrador encontra uma mulher durante uma “hot summer night” e transforma o desejo sexual em uma espécie de jogo de poder. O que torna a música interessante é que ela não trata o desejo de maneira particularmente sofisticada: é adolescente, exagerado, urgente e quase mitológico.

Foi um single que ficou com a 39^a e a 33^a posições nas paradas de Estados Unidos e Reino Unido, respectivamente.

HEAVEN CAN WAIT

Uma balada dominada pelo piano, suave e com uma atuação impressionante de Meat Loaf nos vocais. É uma das poucas músicas do disco em que Steinman abandona boa parte da agressividade e deixa a melodia respirar. O piano de Roy Bittan e os arranjos orquestrais criam uma atmosfera quase de balada clássica.

O narrador parece estar diante da possibilidade da morte, mas não encara o paraíso como algo necessariamente desejável. O que o prende à vida é a experiência do amor, da memória e da felicidade. A ideia central é particularmente bonita: o amor terreno é suficiente para fazer alguém querer continuar vivendo.

ALL REVVED UP WITH NO PLACE TO GO

O narrador se apresenta como uma espécie de jovem americano arquetípico: atleta, guitarrista, garoto solitário, alguém que sente a “febre” crescer nas noites de sábado. A música mistura masculinidade adolescente, desejo sexual, rock'n'roll e uma sensação de inquietação.

Foi outro single, mas sem maiores repercussões nas paradas.

TWO OUT OF THREE AIN’T BAD

O compositor explicou que a ideia nasceu justamente da tentativa de escrever uma balada simples, depois de uma amiga sugerir que ele fizesse algo na linha de uma velha canção romântica. O resultado foi a inversão da tradicional declaração de amor: em vez de “eu quero você, preciso de você, amo você”, surgiu a ideia de “eu quero você, eu preciso de você, mas não vou amá-la”.

Isso dá à música uma ironia muito característica de Steinman: ela é apresentada como uma grande balada romântica, mas o que está sendo narrado é, na realidade, uma rejeição amorosa cuidadosamente racionalizada.

Foi um single que atingiu a excelente 11^a posição da parada dos EUA.

PARADISE BY THE DASHBOARD LIGHT

Aqui Steinman abandona completamente o formato tradicional de canção pop e cria praticamente uma pequena peça de teatro musical. A narrativa acompanha um casal adolescente dentro de um carro. Eles estão apaixonados, excitados e prestes a fazer sexo. O rapaz quer avançar; a garota exige uma promessa de amor eterno e casamento.

Um single que atingiu a 39ª posição da principal parada norte-americana de singles. Detalhes: e foi fortemente inspirada nas canções de musicais dos EUA. Ellen Foley compartilha os vocais nesta canção.

FOR CRYING OUT LOUD

“For Crying Out Loud” não é simplesmente uma balada romântica. O narrador descreve uma pessoa que o encontrou quando ele estava perdido e o ajudou a recuperar algum sentido para a própria existência. A música é construída sobre dependência emocional, gratidão e transformação. O narrador estava “no fundo”; ela representa calor quando ele estava frio, salvação quando ele estava perdido, movimento quando ele estava paralisado.

A construção musical acompanha esse sentimento. Começa de maneira relativamente delicada e cresce progressivamente até se transformar em uma enorme explosão orquestral.

Considerações Finais

Embora com um início moroso, Bat Out of Hell foi um tremendo sucesso. O disco alcançou a 13ª posição da Billboard 200 e a 3ª colocação da principal parada britânica.

O álbum não foi um sucesso imediato nos Estados Unidos. As críticas foram inicialmente mistas, mas desde então tornaram-se muito mais positivas. No lançamento, a crítica de Dave Marsh na Rolling Stone chamou as músicas de "ótimas, mas... totalmente educadas e derivadas" e observou que os arranjos "não são ruins", e elogiou os músicos. Ele concluiu observando que “os diretores têm muito a fazer”.

Stephen Erlewine do AllMusic escreve que Steinman é “um compositor sem igual, simplesmente porque ninguém mais queria fazer mini-épicos como este”. A produção de Rundgren é aplaudida, assim como a inteligência da música e das letras. “Isso pode elevar a paixão adolescente a dimensões operísticas, e isso é certamente bobo, mas é difícil não ficar maravilhado com a habilidade por trás deste álbum grandiosamente bobo e irresistível.”

Meat Loaf e Steinman formaram a banda Neverland Express para uma turnê de divulgação de Bat Out of Hell. Seu primeiro show foi abrindo para o Cheap Trick em Chicago. Meat Loaf ganhou exposição nacional como convidado musical no Saturday Night Live em 25 de março de 1978.

Meat Loaf

Em 1978, Meat Loaf pulou de um palco em Ottawa, Ontário, quebrando a perna. Ele terminou sua turnê se apresentando em uma cadeira de rodas.

Prêmios

Em 1989, a Kerrang! a revista listou o álbum em 38º lugar entre os "100 melhores álbuns de heavy metal de todos os tempos".
O álbum foi classificado em 343º lugar na lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone de 2003, mas foi removido da revisão de 2020.
Em 2005, Bat Out of Hell foi classificado em 301º lugar no livro da revista Rock Hard "Os 500 Maiores Álbuns de Rock e Metal de Todos os Tempos".
Em 2006, foi eleito o número nove em uma pesquisa realizada pela Australian Broadcasting Corporation para descobrir o álbum mais popular da Austrália.
O álbum também foi incluído no livro 1001 Álbuns que você deve ouvir antes de morrer.

Segundo estimativas, o álbum supera 14 milhões de cópias vendidas apenas nos Estados Unidos.

Formação:

Meat Loaf – Vocal, Backing vocals

Todd Rundgren – Guitarra (1, 2, 4–6), Percussão (1, 2), Teclados (1), Backing vocals (1–3, 5, 6)

Kasim Sulton – Baixo (1, 2, 4–7), Backing vocals (1)

Roy Bittan – Piano, Teclados (all except 7)

Steve Margoshes – Piano (7)

Cheryl Hardwick – Piano (7)

Jim Steinman – Teclados (1, 2, 6), Percussão (1, 2)

Roger Powell – Sintetizador (1, 2, 5, 6)

Edgar Winter – Saxofone (2, 4, 6)

Max Weinberg – Bateria (1, 2, 6)

John "Willie" Wilcox – Bateria (4, 5, 7)

Ellen Foley – Vocal (6), Backing vocals (1, 2, 4, 6)

Rory Dodd – Backing vocals (all except 4)

Membros da New York Philharmonic e da Philadelphia Orchestra (faixa 7)

Faixas: (todas compostas por Jim Steinman)

01. Bat Out of Hell - 9:48

02. You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night) - 5:04

03. Heaven Can Wait - 4:38

04. All Revved Up with No Place to Go - 4:19

05. Two Out of Three Ain't Bad - 5:23

06. Paradise by the Dashboard Light - 8:28

07. For Crying Out Loud - 8:45

Opinião do Blog:

Como apreciador da obra de Bruce Springsteen, é impossível não notar semelhanças e uma grande influência de Born to Run neste Bat Out of Hell.

Claro que a forma como o disco foi produzido remete imediatamente ao clássico de Springsteen, também a presença de membros da E Street Band (Roy Bittan e Max Weinberg), mas, sobretudo algumas canções com estruturas bem semelhantes com a forma com que Springsteen compunha sua música.

Meat Loaf é um vocalista talentoso e competente, soando muito bem neste álbum, especialmente na faixa-título, demonstrando poder na sua voz. Muitos méritos vão também para o compositor Jim Steinman, criador da obra e de seu conceito. Evidentemente que a produção de Todd Rundgren é inspirada na Wall of Sound de Phil Spector, popularizada justamente em Born to Run, mas o resultado final é mais que satisfatório.

A diferença é que há um toque Hard Rock bem pronunciado no disco, com momentos em que as guitarras roubam o protagonismo. O peso é intercalado por melodias exultantes e um clima realmente de exaltação. Outro destaque são os coros de vozes, muito bem empregados.

Para o Canal, a clássica “Bat Out of Hell” é a melhor canção, um épico de 9 minutos com peso e sensibilidade. A tocante “Heaven Can Wait” é outro momento épico, com uma atuação mais intimista, mas brilhante, de Loaf. “Paradise by the Dashboard Light" também é memorável, bem como a vibrante “All Revved Up with No Place to Go”.

Enfim, na minha opinião, Meat Loaf nunca conseguiu repetir este nível de excelência novamente na carreira, mas deixou uma obra impecável para a história do Rock.