ROCK: ÁLBUNS CLÁSSICOS

LAAZ ROCKIT - KNOW YOUR ENEMY (1987)

2026-08-03T08:06:55.826-03:00

Know Your Enemy é o terceiro álbum de estúdios da banda norte-americana Laaz Rockit, lançado originalmente em 16 de setembro de 1987, através dos selos Enigma/Roadrunner. A produção ficou a cargo de Roy M. Rowland.

A história da Lȧȧz Rockit é um retrato bastante representativo da chamada segunda linha do thrash metal norte-americano dos anos 1980. Embora jamais tenha alcançado a projeção comercial de contemporâneos como Metallica, Slayer ou Megadeth, o grupo conquistou enorme respeito entre músicos, críticos e aficionados pelo gênero graças à consistência de sua discografia e à evolução artística demonstrada em poucos anos. Até o lançamento de Know Your Enemy, em 1987, a banda percorreu um caminho que ilustra tanto a rápida transformação do heavy metal norte-americano quanto a consolidação da histórica cena da Bay Area de São Francisco.

As origens da banda remontam a 1981, quando o vocalista Michael Coons e o guitarrista Aaron Jellum fundaram um grupo chamado Depth Charge, inicialmente em Berkeley, na Califórnia. Ambos eram extremamente jovens — Coons ainda estava concluindo o ensino médio —, mas compartilhavam o interesse por um heavy metal mais agressivo do que aquele que dominava as rádios americanas. O cenário musical vivia um momento de transição: a Nova Onda do Heavy Metal Britânico ainda exercia enorme influência, enquanto grupos como Motörhead, Venom e os primeiros trabalhos do Metallica começavam a redefinir os limites entre velocidade, peso e técnica.

Michael Coons

Após diversas mudanças na formação inicial, a banda encontrou maior estabilidade com a chegada do guitarrista Phil Kettner e do baterista Victor Agnello. Em 1983, o baixista Willy Lange completou a formação clássica que gravaria os primeiros discos. Nesse período, o nome Depth Charge foi abandonado. Surgia então Lȧȧz Rockit, um trocadilho inspirado no sistema de armamento portátil LAWS ("Light Anti-tank Weapons System"), mencionado no filme The Enforcer, estrelado por Clint Eastwood. A grafia incomum procurava transmitir justamente a ideia de explosão, impacto e energia, características que o grupo desejava associar à sua música e às apresentações ao vivo.

Ainda em 1983, a banda lançou a demo Prelude to Death, registro que chamou atenção dentro do circuito underground da Califórnia. Embora bastante rudimentar em termos de produção, a fita já revelava uma sonoridade que transitava entre o heavy metal tradicional e aquilo que logo seria identificado como speed metal. Era um momento em que praticamente toda a Bay Area fervilhava de novas bandas, e a competição por espaço era intensa. Clubes como o Ruthie's Inn tornavam-se pontos de encontro para músicos e fãs, ajudando a formar uma comunidade extremamente fértil para o nascimento do thrash metal.

O álbum de estreia, City's Gonna Burn (1984), refletia exatamente essa fase de transição. Musicalmente, ainda havia forte presença do heavy metal clássico e do power metal americano, mas riffs mais velozes, bateria acelerada e uma abordagem vocal agressiva indicavam que a banda caminhava em direção ao thrash. A produção relativamente modesta não escondia a competência instrumental, especialmente da dupla de guitarras formada por Aaron Jellum e Phil Kettner, cujo diálogo entre bases pesadas e solos melódicos se tornaria uma das marcas registradas do grupo.

No ano seguinte veio No Stranger to Danger (1985), um disco frequentemente visto como uma etapa intermediária na evolução do Lȧȧz Rockit. Embora apresentasse uma execução mais segura e uma produção superior à do debut, o álbum ainda dividia espaço entre influências do heavy metal tradicional e os elementos mais extremos que começavam a dominar a Bay Area. Retrospectivamente, muitos críticos consideram esse trabalho menos impactante que os álbuns seguintes, mas ele foi fundamental para consolidar a reputação do grupo como excelente atração ao vivo.

Aaron Jellum

A importância do Lȧȧz Rockit durante esse período não pode ser medida apenas por seus discos. A banda tornou-se presença constante em shows ao lado de praticamente todos os nomes relevantes da cena norte-americana. Dividiu palco com Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax, Exodus, Dark Angel, Suicidal Tendencies, Armored Saint e diversos outros grupos que posteriormente se tornariam referências absolutas do metal pesado. Essa intensa atividade ao vivo fortaleceu sua reputação como uma das bandas mais competentes da Bay Area, ainda que o sucesso comercial permanecesse limitado.

Em 1986 ocorreu outro passo importante. A banda realizou sua primeira turnê europeia como grupo de apoio do Motörhead. A experiência teve enorme impacto artístico. O contato com públicos europeus mais receptivos ao metal extremo reforçou a decisão de abandonar definitivamente os resquícios do heavy metal tradicional em favor de uma abordagem muito mais agressiva. Diversos relatos posteriores dos integrantes apontam essa viagem como um momento decisivo para a identidade musical que seria apresentada no álbum seguinte.

Esse amadurecimento culminou em Know Your Enemy, lançado em setembro de 1987 pelos selos Roadrunner e Enigma. Produzido por Roy M. Rowland nos Prairie Sun Studios, o disco representa uma clara mudança estética em relação aos trabalhos anteriores.

Composição

Os créditos oficiais apenas informam que as músicas pertencem à banda, sem detalhar o processo criativo faixa a faixa. Também não existem entrevistas conhecidas em que Michael Coons, Aaron Jellum ou Phil Kettner descrevam a composição de cada música ou expliquem a inspiração por trás das letras.

Gravação

A informação oficial disponível é bastante limitada. As fontes convergem apenas em afirmar que o álbum foi gravado ao longo de 1987 no Prairie Sun Recorders, em Cotati, Califórnia. Nenhuma fonte primária (encarte original, entrevistas da época ou registros do estúdio) publica as datas exatas de início e término das sessões.

Phil Kettner

Produção

A produção ficou a cargo de Roy M. Rowland, profissional bastante ligado ao Prairie Sun Recorders. Além de produzir, Rowland também foi o engenheiro de gravação, enquanto Kay Arbuckle atuou como engenheira assistente.

A masterização foi realizada por Eddy Schreyer, no Capitol Records Mastering Lab, um dos nomes mais respeitados da masterização do heavy metal na década de 1980.

Capa

A documentação oficial identifica os responsáveis, mas praticamente não há entrevistas explicando o conceito visual.

Os créditos informam:

Jeff Sadowski — conceito do álbum e arte (Artwork)
Jeff Weller — conceito do álbum e produtor executivo
Patrick Pending — direção de arte
Fotografias de Robert Janover, Keith Madigan e Neil Zlozower.

DEMOLITION

Construída sobre guitarras pesadas, efeitos de explosões e uma atmosfera militarizada, a pequena instrumental “Demolition” prepara o ouvinte para os temas centrais do álbum: guerra, violência, destruição e paranoia nuclear.

LAST BREATH

“Last Breathe” já aposta no chamado speed metal, sendo de andamento muito acelerado e vocais impactantes de Coons.

A letra trabalha sentimentos de medo, sobrevivência e inevitabilidade do fim, sem recorrer ao sobrenatural, privilegiando uma abordagem bastante física e psicológica.

EUROSHIMA

Baseada em um bom riff, “Euroshima” é um thrash com pitada de metal tradicional, sendo uma das melhores do disco.

O próprio título une as palavras Europe e Hiroshima, sugerindo um cenário de guerra nuclear em território europeu durante o auge da Guerra Fria. A letra descreve uma humanidade caminhando para a autodestruição, refletindo o temor bastante comum na segunda metade dos anos 1980 diante da corrida armamentista entre Estados Unidos e União Soviética.

MOST DANGEROUS GAME

Combinando momentos mais Heavy tradicional com um poderoso Thrash, “Most Dangerous Game” é uma faixa absolutamente poderosa.

Sua inspiração é amplamente reconhecida como derivada do conto clássico "The Most Dangerous Game", de Richard Connell, publicado em 1924.

SHOT TO HELL

A seção rítmica trabalha muito bem na infernal “Shot to Hell”, oferecendo ainda mais peso à canção.

A letra descreve personagens lançados em situações extremas de violência e destruição, utilizando a expressão "shot to hell" como metáfora para uma existência completamente devastada.

SAY GOODBYE M. F.

“Say Goodbye M. F.” possui uma pegada mais elaborada, parecendo ser influenciada pelo trabalho do Metallica.

Apesar do título provocativo ("M.F." corresponde à abreviação de um conhecido palavrão em inglês), a música não se resume à agressividade verbal. A letra trata de rompimento definitivo com indivíduos considerados falsos, manipuladores ou traidores, funcionando quase como um manifesto de independência pessoal.

SELF DESTRUCT

“Self Destruct” é um Thrash Metal baseado em uma riferama infernal, com vocais bem agressivos de Michael Coons, sendo uma das melhores do trabalho.

Outra composição fortemente influenciada pelo clima político da Guerra Fria. A letra aborda o comportamento autodestrutivo da humanidade, especialmente através da corrida armamentista e da incapacidade das nações em interromper ciclos de violência.

MEANS TO AN END

Outra vez com boas doses de Heavy Metal tradicional, “Means to an End” é uma das mais incríveis composições do grupo.

A letra gira em torno da ideia de utilizar qualquer recurso para atingir determinado objetivo.

I’M ELECTRIC

“I’m Electric” é uma versão bem agressiva para a canção do Saxon, originalmente lançada no disco Rock the Nations.

MAD AXE ATTACK

Instrumental, “Mad Axe Attack” funciona como vitrine para a dupla de guitarristas Aaron Jellum e Phil Kettner, privilegiando harmonizações, solos rápidos e grande virtuosismo técnico.

SHIT’S UGLY

“Shit’s Ugly” mantém a proposta instrumental, mas apresenta uma atmosfera mais descontraída.

Considerações Finais

Ao contrário de muitos discos contemporâneos lançados por bandas como Metallica, Anthrax ou Megadeth, Know Your Enemy não entrou em nenhuma parada nacional conhecida.

Na época, observou-se que a banda havia praticamente abandonado as influências mais tradicionais do heavy metal, presentes em City's Gonna Burn (1984) e No Stranger to Danger (1985), adotando definitivamente uma sonoridade ligada ao thrash metal da Bay Area. Essa mudança foi vista como um passo artístico importante.

Willy Lange, em primeiro plano

Independentemente das diferenças de avaliação, existe hoje um consenso bastante claro entre jornalistas especializados e veículos dedicados ao heavy metal: Know Your Enemy representa a verdadeira transformação do Lȧȧz Rockit em uma banda de thrash metal. O álbum é visto como um elo entre o heavy metal tradicional dos dois primeiros discos e o thrash mais técnico e agressivo que culminaria em Annihilation Principle (1989).

"Euroshima", "Most Dangerous Game", "Last Breath" e "Self Destruct" são frequentemente apontadas como as melhores composições do trabalho. A maior crítica recorrente recai sobre os dois instrumentais finais, considerados dispensáveis por parte da imprensa especializada.

Victor Agnello

Após o lançamento do álbum em 16 de setembro de 1987, a banda iniciou uma intensa agenda de apresentações nos Estados Unidos e na Europa para promover o disco. Diferentemente da excursão europeia de 1986, quando atuou como banda de abertura do Motörhead, desta vez o Lȧȧz Rockit já chegava com uma identidade musical consolidada e um repertório fortemente baseado no novo álbum.

O principal documento dessa fase é European Meltdown, lançado em 1988. Ao contrário de um álbum ao vivo convencional gravado em uma única noite, trata-se de um EP registrando apresentações da turnê europeia.

Formação:

Michael Coons – Vocal

Aaron Jellum – Guitarras

Phil Kettner – Guitarras

Willy Lange – Baixo

Victor Agnello – Bateria

Músicos adicionais:

Scott Singer – Teclados, Programação

Faixas:

01. Demolition - 1:14

02. Last Breath - 4:37

03. Euroshima - 3:52

04. Most Dangerous Game - 6:10

05. Shot to Hell - 3:57

06. Say Goodbye M.F. - 4:14

07. Self Destruct - 5:37

08. Means to an End - 4:47

09. I'm Electric - 3:03

10. Mad Axe Attack (Instrumental) - 2:13

11. Shit's Ugly (Instrumental) - 1:47

Opinião do Blog:

Certamente, o conhecimento sobre o Laaz Rockit é mais restirto a fãs de Heavy Metal, especialmente a aqueles que se aprofundam no Thrash Metal norte-americano, como é o meu caso.

A realidade, porém, é que Know Your Enemy é o primeiro verdadeiro esforço do grupo abraçando mais explicitamente o Thrash Metal. Não que a banda não o fizesse antes, mas neste terceiro disco a vertente Thrash está mais aflorada.

O ponto alto aqui, neste quesito de Thrash Metal, é o aporte feito pela dupla de guitarristas Aaron Jellum e Phil Kettner, com uma rifferama infernal acompanhada por uma seção rítmica bem competente.

Os vocais de Michael Coons também são um ponto forte do grupo, combinando bem com a proposta sonora. Nos momentos de calmaria, a sua categoria como cantor fica mais evidente.

“Euroshima”, “Shot to Hell” e a versão para “I'm Electric” são porradas Thrash que grandes bandas do gênero assinariam sem nenhum constrangimento. “Most Dangerous Game” e “Means to an End” abraçam mais o Heavy Metal tradicional e demonstram que o grupo conseguiria, facilmente, caminhar por outros territórios com a mesma eficiência.

Mas escolhemos a matadora “Self Destruct” como nossa preferida, Thrash Metal com T maiúsculo.

Enfim, Know Your Enemy é um ótimo álbum de Thrash Metal, muito menos falado e conhecido que deveria, mas que penso que fãs desta vertente do Metal deveriam procurá-lo.

CHRIS CORNELL - EUPHORIA MORNING (1999)

2026-07-30T08:06:25.810-03:00

Primeiro álbum de estúdios da carreira solo do artista norte-americano, lançado oficialmente em setembro de 1999, através do selo Interscope. As gravações ocorreram no 11 AD Studios, em Los Angeles, nos Estados Unidos. A produção ficou a cargo do próprio Chris Cornell e de Natasha Shneider e Alain Johannes.

O quinto álbum do Soundgarden foi de produção própria, Down on the Upside, de 1996. O disco gerou vários singles, incluindo "Pretty Noose", "Burden in My Hand" e "Blow Up the Outside World".

Down on the Upside era notavelmente menos pesado do que os álbuns anteriores do grupo e marcou um afastamento ainda maior das raízes grunge da banda. O Soundgarden explicou na época que queria experimentar outros sons. David Browne, da Entertainment Weekly, disse: "Poucas bandas desde o Led Zeppelin misturaram instrumentos acústicos e elétricos de forma tão nítida."

No entanto, tensões dentro do grupo surgiram durante as sessões, com o guitarrista Kim Thayil e Cornell supostamente entrando em conflito sobre o desejo de Cornell de se afastar dos riffs pesados de guitarra que se tornaram a marca registrada da banda. Apesar das críticas favoráveis, o álbum não conseguiu igualar as vendas do disco anterior da banda, Superunknown.

Em 1997, o Soundgarden recebeu outra indicação ao Grammy pelo single "Pretty Noose". À medida que as tensões cresciam dentro da banda, supostamente devido a conflitos internos sobre sua direção criativa, o Soundgarden anunciou que estava se separando, em 9 de abril de 1997.

Em uma entrevista de 1998, Thayil disse: "Era bastante óbvio pela atitude geral de todos ao longo do semestre anterior que havia alguma insatisfação."

O disco

Em 1998, Cornell começou a trabalhar no material para um álbum solo em colaboração com Alain Johannes e Natasha Shneider da banda Eleven, e o álbum foi gravado no estúdio caseiro de Johannes e Schneider em Los Angeles.

Cornell disse que o primeiro single do álbum, "Can't Change Me", é "uma descoberta meio triste de que este cantor está envolvido com uma pessoa que tem poderes incríveis para ajudar as pessoas e mudar as coisas positivamente, e ele está percebendo que nada disso realmente passou para ele."

Ele disse à MTV News que a gênese da música pode ser encontrada em alguns dos sucessos do Soundgarden, como "Blow Up the Outside World" e "Fell on Black Days". Uma gravação alternativa da música com Cornell cantando em francês pode ser encontrada em várias edições internacionais do álbum. As letras foram traduzidas para o francês por Alexis Lemoine.

"Flutter Girl" foi um outtake de Superunknown, o álbum do Soundgarden de 1994. O título foi criado pelo baixista do Pearl Jam, Jeff Ament, como parte de uma tracklist de piadas para a fita demo do personagem Poncier no filme Singles, de Cameron Crowe de 1992, mas Cornell surpreendeu Crowe ao escrever e gravar músicas com nomes de piadas.

Uma versão reformulada de "Mission", renomeada como "Mission 2000", foi incluída na trilha sonora do filme de 2000 Missão: Impossível 2.

Cornell afirmou que "Wave Goodbye" foi escrita como uma homenagem a seu amigo Jeff Buckley, que morreu em 1997.

"Moonchild" é sobre a então esposa de Cornell, Susan Silver. Na música, ele descreve carinhosamente como ela “fica muito assustada durante a lua cheia”.

CAN’T CHANGE ME

Uma faixa bem interessante, contando com um refrão impactante, com uma pegada rock.

O narrador reconhece suas limitações emocionais e reafirma sua individualidade, ainda que isso implique fracassos afetivos. Trata-se de um dos temas recorrentes na obra de Cornell: autenticidade versus adequação social.

Principal single do disco, atingiu a posição 62 da principal parada britânica desta natureza.

FLUTTER GIRL

Um rock mais malicioso e intrigante, que conta com as guitarras mais presentes.

A letra utiliza imagens oníricas para retratar uma figura feminina quase etérea, símbolo de liberdade, transformação e desejo inalcançável.

Foi outro single, com menos repercussão.

PREACHING THE END OF THE WORLD

Aqui Cornell aposta em uma musicalidade mais intimista, com toques folk, em uma atuação vocal impressionante. Música linda.

A letra trabalha a ideia de que o amor pode ser um refúgio diante da destruição e da ansiedade coletiva. O fim do mundo torna-se metáfora para crises pessoais e existenciais.

Foi outro single, mas que não repercutiu nas principais paradas de sucesso.

FOLLOW MY WAY

“Follow My Way” traz mais proximidades com o som do Soundgarden, embora não seja tão pesada.

A letra apresenta um convite quase espiritual para seguir um caminho alternativo, distante das convenções sociais. Há elementos de liderança, redenção e autoconhecimento, embora Cornell mantenha o texto suficientemente abstrato para evitar interpretações unívocas.

WHEN I’M DOWN

Mais intimista e soturna, esta composição é Blues Rock muito sentimental e um dos pontos mais altos da obra.

A famosa imagem de "midnight opens its arms to me" sintetiza a relação entre solidão e acolhimento noturno, tema frequente na escrita de Cornell. O sofrimento não é romantizado; antes, é aceito como componente inevitável da condição humana.

MISSION

A música traz arranjos mais experimentais soando “quebrada”, mas interessante.

A temática gira em torno de propósito, responsabilidade e busca espiritual. O narrador parece empenhado numa jornada pessoal cuja natureza permanece deliberadamente indefinida.

WAVE GOODBYE

Uma canção bem simples e com abordagem mais introspectiva.

Escrita como homenagem ao cantor Jeff Buckley, falecido em 1997, a música aborda o luto, a despedida e a permanência das memórias.

MOONCHILD

Mais uma faixa que traz um hard rock mais contido, com uma pegada bluesy curiosa.

A letra explora imagens místicas e cósmicas. A figura da "criança da lua" funciona como símbolo de inocência, alteridade e transcendência.

SWEET EUPHORIA

Música muito intimista, acústica, soando como uma balada melancólica.

A letra sugere uma busca por transcendência que nunca se completa integralmente, refletindo a tensão entre desejo e impermanência.

DISAPPEARING ONE

Outra balada, esta, com um pouco mais de intensidade, mas combinando com a sobriedade da letra.

A temática central é o desaparecimento emocional e a dissolução da identidade dentro de relações afetivas ou crises existenciais.

PILLOW OF YOUR BONES

O caráter quase gótico da composição diferencia-a do restante do álbum e demonstra a disposição de Cornell em explorar territórios líricos desconfortáveis.

A letra utiliza imagens corporais e mortuárias para abordar obsessão, dependência emocional e mortalidade.

STEEL RAIN

O andamento lento e a construção atmosférica transformam a faixa num desfecho contemplativo e melancólico.

Embora não haja uma narrativa explicitamente política, a linguagem remete a imagens de guerra e destruição, funcionando também como representação das batalhas internas do indivíduo.

Considerações Finais

Euphoria Morning atingiu a boa 18ª colocação na principal parada norte-americana, a Billboard 200.

Euphoria Morning foi lançado em 21 de setembro de 1999. Em sua primeira turnê solo para divulgar o disco, Cornell passou sete meses na estrada, de 13 de setembro de 1999 a 7 de março de 2000. Ele fez 61 shows, dois dos quais coincidiram com a estreia do álbum em 21 e 22 de setembro de 1999, no Henry Fonda Theatre em Hollywood, Califórnia.

O público foi alto, considerando que Cornell realizou os shows iniciais antes mesmo dos fãs estarem familiarizados com sua nova música. A banda em turnê incluiu vários músicos que contribuíram para o álbum: Alain Johannes, Natasha Shneider, Rick Markmann e Greg Upchurch.

Euphoria Morning não foi um sucesso comercial, no entanto, o single do álbum "Can't Change Me" foi indicado para Melhor Performance Vocal masculino de Rock no Grammy Awards de 2000. Cornell gravou uma versão francesa da música que foi lançada como faixa bônus na versão deluxe de Euphoria Morning e nas edições japonesa e europeia.

O álbum também inclui "Wave Goodbye", uma homenagem de Cornell a seu falecido amigo Jeff Buckley. Foi notado que Euphoria Morning é influenciado pelas composições e estilo vocal distinto de Buckley.

O álbum foi relançado em 2015 em CD e vinil e renomeado como Euphoria Mourning, com Cornell afirmando no comunicado à imprensa que originalmente pretendia esse título para o álbum, mas seu empresário na época, Jim Guerinot, sugeriu que "Euphoria Morning " sem o "u" seria mais adequado.

"O título era tão lindamente poético para começar, apenas o conceito de euforia no luto; foi um momento em que me senti inspirado e deixei sair todo o ar. Então, quando decidimos fazer seu primeiro lançamento em vinil, pensei: quero mudar a porra do título! [Risos] É hora de mudar isso", afirmou Cornell.

Segundo estimativas, o álbum supera 390 mil cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Chris Cornell - Vocal, Guitarra (faixas 1-3 e 5-12), Gaita (faixa 1)

Alain Johannes - Guitarra (faixas 1-6, 8 e 10-12), Baixo (faixas 2-5, 10 e 11), Backing vocals (faixas 1), Theremin (faixa 4), Bandolim (faixas 4), Clarinete (faixa 10), Tabla (faixa 12)

Natasha Shneider - Teclados (faixas 1-4, 6-8 e 10-12), Baixo (faixas 6), Backing vocals (faixas 4-7), Pandeiro (faixas 1-4, 11, e 12), Piano (faixa 5), Órgão (faixa 5), Percussão (faixa 11)

Ric Markmann - Baixo (faixas 1, 7, 8 e 12)

Josh Freese – Bateria (faixas 1-4, 6, 8 e 11)

Músicos adicionais:

Jason Falkner - Baixo (faixa 5)

Greg Upchurch - Bateria (faixa 5)

Victor Indrizzo - Bateria (faixa 7)

Matt Cameron - Bateria (faixa 10)

Bill Rieflin - Bateria (faixa 12)

Faixas:

01. Can't Change Me (Cornell) - 3:23

02. Flutter Girl (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:25

03. Preaching the End of the World (Cornell) - 4:41

04. Follow My Way (Cornell/Shneider/Johannes) - 5:10

05. When I'm Down (Cornell) - 4:20

06. Mission (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:05

07. Wave Goodbye (Cornell) - 3:43

08. Moonchild (Cornell) - 4:02

09. Sweet Euphoria (Cornell) - 3:08

10. Disappearing One (Cornell/Shneider/Johannes) - 3:48

11. Pillow of Your Bones (Cornell/Shneider/Johannes) - 4:29

12. Steel Rain (Cornell/Shneider) - 5:41

Opinião do Blog:

Quando lançou sua carreira-solo, Chris Cornell já havia se consagrado na excelente banda Soundgarden.

Hoje, conhecendo o trágico desfecho da vida do brilhante vocalista, fica ainda mais palpável a inquestionável melancolia que preenche Euphoria Morning. A opção por canções mais contidas e mais intimistas no álbum ecoam a abordagem que Cornell já queria abranger no Soundgarden.

E esse tom monocromático contagia boa parte da audição do álbum. Portanto, Euphoria Morning não traz praticamente nada da sonoridade potente e pujante do Soundgarden: a pegada é aqui é outra e ouvintes que chegarem ao disco esperando este tipo de abordagem, certamente irão se decepcionar.

E, embora esteja longe de ser um álbum indubitável, é interessante observar uma obra em que o grande destaque não é apenas a voz impecável de Cornell, um dos grandes vocalistas de sua geração, mas sua qualidade irrepreensível de interpretar as canções com o coração.

E é nesta vibe que aparecem músicas muito agradáveis como “Can't Change Me”, “Mission”, “Disappearing One” e “Flutter Girl”. Nossa faixa preferida é o Blues sentimental de “When I’m Down”. Entretanto, faixas menos inspiradas como “Preaching the End of the World” e “Moonchild” são notavelmente arrastadas.

Por fim, Euphoria Morning é um esforço bastante razoável do inesquecível Chris Cornell, uma das grandes vozes de sua geração, e uma maneira de relembrarmos toda sua categoria. Ele nos deixou cedo demais.

SAMSON - HEAD ON (1980)

2026-07-21T08:04:41.651-03:00

Head On é o segundo álbum de estúdios da carreira da banda britânica Samson. Seu lançamento oficial aconteceu em 27 de junho de 1980, através dos selos GEM/RCA. As gravações ocorreram no Kingsway Recorders, em Londres, na Inglaterra. A produção ficou a cargo da própria banda.

Quando se fala na chamada New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), os nomes mais lembrados costumam ser Iron Maiden, Saxon e Def Leppard. Entretanto, existe uma série de grupos fundamentais para a consolidação daquele movimento que acabaram ocupando um espaço mais cultuado do que propriamente massivo. Entre eles, poucos possuem uma trajetória tão emblemática quanto a do Samson. Surgida na efervescente cena londrina do fim dos anos 1970, a banda ajudou a moldar a estética e a sonoridade do heavy metal britânico moderno, funcionando inclusive como plataforma inicial para um jovem cantor chamado Bruce Dickinson — ainda creditado como “Bruce Bruce” — antes de sua entrada definitiva no Iron Maiden.

Origens

A gênese do Samson está diretamente ligada ao guitarrista e compositor Paul Samson. Nascido em Norwich, Paul havia passado por diferentes projetos durante a década de 1970, incluindo grupos de blues rock e hard rock profundamente influenciados por nomes como Deep Purple, Free e Led Zeppelin. Como muitos músicos britânicos daquele período, ele viveu a transição entre o hard rock setentista e a explosão de agressividade que começava a caracterizar o heavy metal nascente.

O Samson foi oficialmente formado em Londres em 1977. A primeira formação relevante reunia Paul Samson na guitarra e voz, Chris Aylmer no baixo e Clive Burr na bateria. Burr posteriormente se tornaria conhecido mundialmente ao integrar o Iron Maiden em discos clássicos como The Number of the Beast. A própria circulação de músicos entre bandas da NWOBHM ilustra como aquela cena funcionava quase como uma comunidade criativa compartilhada.

Paul Samson

Desde o início, o Samson procurou diferenciar-se pela combinação entre riffs pesados e um senso melódico bastante britânico. Ao contrário da abordagem mais sombria do Black Sabbath ou da velocidade quase punk do Motörhead, o grupo apostava numa sonoridade que preservava elementos do hard rock tradicional, mas executados com energia muito mais agressiva. Esse equilíbrio se tornaria uma das marcas centrais da NWOBHM.

Primeiros anos e Thunderstick

Nos primeiros anos, a banda circulou intensamente pelos pubs e pequenos clubes londrinos. Era um circuito extremamente competitivo, mas também fértil. Casas como o Music Machine e o Marquee Club tornaram-se verdadeiros laboratórios para grupos emergentes. O Samson conquistou reputação especialmente pela força de suas apresentações ao vivo e pela presença de palco pouco convencional de seu baterista substituto, Barry “Thunderstick” Purkis, que assumiu a bateria após a saída de Clive Burr.

Thunderstick transformou-se rapidamente em uma figura icônica da cena. Aparecia mascarado, vestido em couro preto e frequentemente tocava dentro de uma espécie de gaiola metálica no palco. Em retrospecto, sua estética antecipava vários elementos teatrais posteriormente explorados por bandas do metal oitentista. O visual extravagante contrastava com o caráter ainda cru e subterrâneo da NWOBHM, criando uma identidade visual imediatamente reconhecível para o Samson.

Thunderstick

A estreia e Bruce Dickinson

Em 1979, a banda lançou seu álbum de estreia, Survivors, pela pequena gravadora Lazer Records. O disco ainda trazia Paul Samson dividindo funções vocais, já que o grupo não possuía um frontman definitivo durante parte das gravações. Musicalmente, Survivors apresentava um heavy metal direto e sem polimento excessivo, sustentado sobretudo pelos riffs cortantes de Paul Samson e pela bateria inventiva de Thunderstick. Embora o álbum não tenha obtido grande repercussão comercial, ele chamou atenção dentro do circuito underground britânico.

Foi justamente nesse período que surgiu a peça decisiva para a consolidação da banda: a entrada de Bruce Dickinson. À época, Dickinson cantava no grupo Shots e era conhecido por sua potência vocal incomum. Segundo relatos posteriores do próprio cantor, o Samson enxergou nele a possibilidade de expandir sua sonoridade para algo mais grandioso e dramático. Dickinson entrou na banda no fim de 1979, adotando o apelido “Bruce Bruce”, numa mistura de irreverência punk e teatralidade tipicamente britânica.

Bruce "Bruce Bruce" Dickinson

A chegada do novo vocalista representou uma mudança importante. Bruce possuía alcance vocal impressionante, além de uma presença cênica muito mais agressiva do que a habitual no hard rock da época. O Samson passou então a soar mais épico, mais rápido e mais ambicioso. Diversos críticos e historiadores da NWOBHM consideram esse momento como a verdadeira definição artística da banda.

O disco

Em 1980, o grupo lançou Head On, seu segundo álbum e o primeiro com Bruce Dickinson nos vocais. O disco foi gravado entre abril e maio daquele ano no Kingsway Recorders, em Londres, sendo lançado oficialmente em julho de 1980 pela GEM/RCA.

Composição

Do ponto de vista da composição, Head On representa uma fase de transição extremamente fértil para a banda. Diversas fontes retrospectivas indicam que boa parte do material foi desenvolvida rapidamente após a chegada de Dickinson ao grupo. O portal Metal Academy, especializado em heavy metal tradicional e NWOBHM, menciona que a maior parte das músicas teria sido escrita nos primeiros dias da permanência do cantor na banda.

Os créditos de composição do álbum mostram um funcionamento relativamente coletivo da banda naquele momento. Quase todas as músicas são assinadas por Bruce Dickinson, Paul Samson, Chris Aylmer e Thunderstick. A exceção mais famosa é “Thunderburst”, que também credita Steve Harris.

Essa composição acabou se tornando um pequeno episódio lendário da NWOBHM. A música derivava de ideias surgidas quando Thunderstick passou brevemente pelo Iron Maiden em 1977. Pouco depois, o Maiden reutilizou parte da estrutura musical em “The Ides of March”, abertura instrumental de Killers (1981). Segundo relatos posteriores, isso gerou irritação entre integrantes do Samson, sobretudo porque Steve Harris acabou assinando sozinho a versão do Maiden.

Gravação

As gravações ocorreram no Kingsway Recorders, estúdio londrino utilizado por vários artistas do rock britânico naquele período. A engenharia de som ficou a cargo de Paul “Chas” Watkins e Bob Broglia, enquanto as remixagens foram realizadas posteriormente no Trident Studios por Tony Platt e Craig Milliner.

Produção

Tony Platt merece atenção especial nesse contexto. Embora ainda não fosse o produtor renomado que se tornaria posteriormente, ele já começava a construir reputação no hard rock britânico e acabaria associado a trabalhos importantes com AC/DC e outros nomes do rock pesado. Sua participação nas remixagens ajudou a dar maior impacto ao material, especialmente às guitarras e aos vocais. Ainda assim, a sonoridade do álbum preserva certa crueza típica da NWOBHM inicial. Críticos posteriores frequentemente observam que a mixagem privilegia excessivamente a bateria de Thunderstick e deixa as guitarras relativamente “finas” em comparação com padrões posteriores do heavy metal dos anos 1980.

Capa

Visualmente, Head On também se tornou um marco importante da iconografia da NWOBHM. A capa traz Thunderstick mascarado e vestido com couro preto, segurando uma foice em uma composição quase teatral. A fotografia da capa foi realizada por Simon Fowler, enquanto o design ficou a cargo do coletivo Hothouse.

HARD TIMES

“Hard Times”, a faixa de abertura do disco já traz Dickinson soltando a voz em um Heavy Metal simples, mas bem eficaz.

Liricamente, “Hard Times” trabalha um tema recorrente do hard rock britânico do período: dificuldades econômicas, pressão cotidiana e resistência individual. O tom é urbano e direto, refletindo o clima social da Grã-Bretanha do fim dos anos 1970, marcada por desemprego, greves e tensão econômica.

Foi um single do álbum, sem maiores repercussões.

TAKE IT LIKE A MAN

“Take It Like a Man” possui um clima de urgência, embora sua sonoridade seja bem influenciada pelo hard setentista.

A letra explora masculinidade, orgulho e resistência emocional — temas bastante comuns no heavy metal da época. O refrão sugere enfrentamento direto das adversidades, dentro daquela estética quase “operária” da NWOBHM.

VICE VERSA

“Vice Versa” é uma canção mais cadenciada, com bela atuação de Bruce e de Samson nas guitarras.

Liricamente, a canção parece abordar relações humanas marcadas por manipulação e ambiguidade emocional. O próprio título sugere inversão de papéis e instabilidade psicológica. Embora a letra não seja excessivamente complexa, ela demonstra tentativa de ir além das fórmulas simplistas do hard rock tradicional.

MANWATCHER

“Manwatcher” traz a bateria de Thunderstick frenética, sendo o ponto alto da canção.

A letra trabalha observação, perseguição e vigilância, aproximando-se vagamente de temas de ficção científica e suspense psicológico.

TOO CLOSE TO ROCK

A pegada com uma linha quase invisível entre hard rock e heavy metal continua em “Too Rock to Close”, na qual o solo de Paul Samson se destaca.

A letra parece tratar dos excessos, riscos e sedução da vida musical, em tom parcialmente autobiográfico.

THUNDERBUST

Instrumental curta e extremamente importante historicamente. A faixa nasceu parcialmente de ideias musicais desenvolvidas quando Thunderstick passou rapidamente pelo Iron Maiden em 1977.

HAMMERHEAD

“Hammerhead” traz fortes influências do Judas Priest setentista e bons vocais de Bruce.

Liricamente, a faixa trabalha confrontação física e psicológica, usando imagens violentas e diretas típicas do heavy metal inicial. Há menos sofisticação narrativa aqui; o objetivo parece ser impacto imediato.

HUNTED

“Hunted” oscila entre passagens mais calmas e outras mais pesadas, sendo interessante.

A letra retrata alguém acuado, observado ou perseguido, reforçando o tom paranoico presente em outras faixas do disco.

TAKE ME TO YOUR LEADER

“Take Me to Your Leader” é uma típica música da NWOBHM, acelerada, dinâmica e com peso, sendo uma das melhores do disco.

O título remete ao clichê clássico associado a alienígenas em filmes B e cultura pop. Entretanto, a música não funciona apenas como humor sci-fi. Existe certo sarcasmo direcionado à autoridade, liderança e submissão coletiva. Esse tipo de ironia britânica aparece com frequência em bandas da NWOBHM.

WALKING OUT ON YOU

A música que encerra o disco é também a mais longa, mas nela já é audível as influências progressivas que Dickinson sempre teve.

A letra aborda rompimento, abandono e ressentimento afetivo. Dickinson explora nuances interpretativas mais amplas, alternando melancolia e explosões vocais intensas.

Considerações Finais

Head On, foi lançado em julho de 1980 e alcançou a posição 34 na parada britânica de discos.

A crítica especializada britânica de 1980 enxergou Head On principalmente como um avanço importante em relação ao debut Survivors (1979). Diversas retrospectivas posteriores citam que a entrada de Bruce Dickinson deu ao grupo uma dimensão mais profissional, mais teatral e mais competitiva dentro da NWOBHM.

Chris Aylmer

Com o passar das décadas, Head On passou por significativa reavaliação crítica. Atualmente, o disco costuma ser tratado como uma obra importante — ainda que não essencial — da primeira geração da NWOBHM. O banco de dados crítico Album of the Year compila avaliação positiva derivada do AllMusic, indicando reconhecimento tardio do álbum como registro relevante do heavy metal britânico inicial.

A turnê de divulgação de Head On marcou um dos períodos mais turbulentos — e, ao mesmo tempo, decisivos — da história do Samson. Entretanto, apesar do crescimento artístico e da atenção crescente da imprensa especializada, a estrutura empresarial do grupo estava longe de acompanhar sua evolução musical. As próprias biografias da banda em inglês e espanhol destacam que a turnê de suporte ao álbum foi “cheia de controvérsias e problemas legais”, principalmente por conflitos envolvendo empresariamento e organização financeira.

Ainda assim, o Samson passou boa parte de 1980 na estrada. A banda circulou intensamente pelo circuito britânico da NWOBHM, tocando em teatros, clubes e festivais, num período em que o movimento começava finalmente a receber atenção nacional da imprensa musical inglesa. O grupo ganhou reputação especialmente pela energia das apresentações ao vivo e pelo contraste visual entre o vocalista Bruce Dickinson — ainda creditado como “Bruce Bruce” — e o baterista mascarado Thunderstick.

Ao mesmo tempo, os problemas administrativos começavam a desgastar seriamente o grupo. Segundo diferentes relatos posteriores, o Samson enfrentava dificuldades relacionadas a contratos, pagamentos e gestão de carreira justamente quando começava a atingir um patamar mais competitivo dentro da NWOBHM. Isso acabaria sendo determinante para os acontecimentos seguintes.

Algumas faixas do álbum Survivors (1979), originalmente gravadas antes da entrada de Dickinson, tiveram os vocais regravados com Bruce. Essas versões permaneceram arquivadas por anos até serem recuperadas em relançamentos posteriores nos anos 1990.

A turnê continuou até o final do ano, quando o Samson entrou em estúdio para gravar seu terceiro álbum, Shock Tactics.

Formação:

"Bruce Bruce" Dickinson – Vocal

Paul Samson – Guitarra, BV, Mixagem

Chris Aylmer – Baixo

Thunderstick – Bateria, BV

Faixas:

Todas as faixas de Bruce Dickinson, Paul Samson, Chris Aylmer e Thunderstick, exceto "Thunderburst" de Dickinson, Samson, Aylmer, Thunderstick e Steve Harris

01. Hard Times - 4:42

02. Take It Like a Man - 4:09

03. Vice Versa - 4:44

04. Manwatcher - 3:37

05. Too Close to Rock - 3:36

06. Thunderburst (instrumental) - 2:06

07. Hammerhead - 3:40

08. Hunted - 3:00

09. Take Me to Your Leader - 3:49

10. Walking Out on You - 6:36

Opinião do Blog:

Não há dúvidas de que a adição de Bruce Dickinson, um vocalista de primeira linha do Heavy Metal, trouxe o Samson a um patamar muito mais alto, bem como sua saída para o Iron Maiden praticamente condenou as chances do grupo.

Embora Head On seja um trabalho de bom nível, ele também explica o porquê de que o grupo nunca teve o mesmo nível de reconhecimento de outras bandas da NWOBHM.

As composições são consideravelmente simples, cruas e bem diretas, e as letras chegam a ser inocentes de tão pueris. Mas, mesmo assim, trata-se de um disco bastante divertido.

“Take It Like a Man” é bem curiosa, com um andamento veloz e a guitarra de Samson afiada. “Too Close to Rock” se baseia em um bom riff e “Take Me to Your Leader” é agressiva e direta, com os vocais de Bruce bem agressivos. E “Thunderburst” é Maideniana, literalmente.

Destacamos a excêntrica e divertida “Vice Versa” e, claro, nossa preferida “Walking Out on You”, com seus toques progressivos bem exaltados.

Enfim, Head Out não mudará a vida de ninguém que o ouvir, mas pode ser uma indicação divertida para fãs da NWOBHM e, também, vale pela curiosidade de se ouvir Bruce Dickinson antes de entrar no Iron Maiden.

JEFF BECK - BLOW BY BLOW (1975)

2026-07-14T08:05:16.178-03:00

Blow by Blow é o segundo álbum de estúdios da carreira solo do artista britânico Jeff Beck. O lançamento oficial aconteceu em 29 de março de 1975, através do selo Epic. As gravações ocorreram em outubro de 1974, no estúdio AIR, em Londres, com a produção de George Martin.

Em abril de 1973, o álbum Beck, Bogert & Appice foi lançado (pela Epic Records). Embora os críticos reconhecessem a habilidade instrumental da banda, o álbum não foi bem recebido comercialmente, exceto pelo cover do hit "Superstition" de Stevie Wonder.

Em 3 de julho de 1973, Beck juntou-se a David Bowie no palco para interpretar "The Jean Genie"/"Love Me Do" e "Around and Around". O show foi filmado e finalmente lançado no documentário de 2022, Moonage Daydream. Durante outubro de 1973, Beck gravou faixas para o álbum Lane Changer de Michael Fennelly.

No início de janeiro de 1974, Beck, Bogert e Appice tocaram no Rainbow Theatre em Londres como parte de uma turnê europeia. O show foi transmitido na íntegra no programa norte-americano Rock Around the World, em setembro do mesmo ano. Este último trabalho gravado pela banda traz uma prévia do material destinado a um segundo álbum de estúdio, incluído no bootleg At Last Rainbow.

Jeff Beck

As faixas "Blues Deluxe" e "BBA Boogie" deste show foram posteriormente incluídas na compilação Beckology, de Jeff Beck (1991).

Beck, Bogert & Appice se dissolveu em abril de 1974, antes de seu segundo álbum de estúdio (produzido por Jimmy Miller) ser concluído. Seu álbum ao vivo Beck, Bogert & Appice Live in Japan, gravado durante sua turnê japonesa de 1973, só foi lançado em fevereiro de 1975 pela Epic/Sony.

Depois de alguns meses, Beck entrou no Underhill Studio e conheceu a banda Upp; ele os recrutou para ser a banda de apoio para sua aparição no programa de TV da BBC Guitar Workshop em agosto de 1974.

Beck produziu e tocou em seu álbum de estreia autointitulado e em seu segundo álbum This Way Upp, embora suas contribuições para o segundo álbum não tenham sido creditadas.

Durante 1974, ele participou das sessões de gravação do primeiro álbum da banda Hummingbird, do ex-membro do Jeff Beck Group, Bobby Tench, mas não contribuiu para o álbum.

Jeff Beck

Em outubro do mesmo ano, Beck começou a gravar sessões instrumentais no AIR Studios com Max Middleton, que também era associado ao Hummingbird, o baixista Phil Chen e o baterista Richard Bailey, usando George Martin como produtor e arranjador.

O disco

Beck contratou George Martin para produzir seu novo álbum depois de ouvir seu trabalho no álbum Apocalypse, de 1974, da Mahavishnu Orchestra. De acordo com Carmine Appice, que tocou com Beck no BBA, ele esteve envolvido no processo de composição e gravação de Blow by Blow, mas as partes de Appice foram editadas após uma disputa com o empresário de Beck.

O quarto contribuidor chave para Blow by Blow depois de Beck, Middleton e Martin foi Stevie Wonder, que deu a Beck suas canções "Cause We Ended as Lovers" e "Thelonius", com Wonder tocando teclados clavinete nesta última sem créditos.

A primeira música apareceu no álbum de Wonder de 1974, Stevie Wonder Presents: Syreeta, feito com a então esposa Syreeta Wright, enquanto Wonder nunca gravou "Thelonius" sozinho. Foi selecionado um cover da música "She's a Woman" dos Beatles, bem como a composição "Diamond Dust" de Bernie Holland do grupo Hummingbird formado por músicos do segundo Jeff Beck Group.

As outras cinco faixas eram originais da banda, com Beck e Middleton como compositores principais, e a última faixa de cada lado apresentava arranjos de cordas de Martin. Beck dedicou "Cause We Ended as Lovers" ao colega guitarrista Roy Buchanan, com um agradecimento a Wonder.

YOU KNOW WHAT I MEAN

Abrindo o álbum, a composição de Beck e do tecladista Max Middleton estabelece imediatamente a nova direção musical do guitarrista. O título sugere uma comunicação implícita, quase cúmplice, e a música traduz essa ideia por meio de diálogos entre guitarra e teclados.

SHE’S A WOMAN

Composta por John Lennon e Paul McCartney, a canção original dos Beatles era uma celebração direta da admiração amorosa masculina. Beck elimina os vocais e reconstrói a obra como um exercício de groove e improvisação, preservando o espírito jubiloso da composição enquanto a transporta para o universo da jazz fusion.

CONSTIPATED DUCK

Composição exclusiva de Beck, o título bem-humorado (“Pato Constipado”) indica o caráter quase caricatural da peça. A música aposta em mudanças rítmicas abruptas e frases sincopadas que parecem traduzir musicalmente a estranheza sugerida pelo nome.

AIR BLOWER

Creditada coletivamente a Beck, Middleton, Richard Bailey e Phil Chen, a faixa reflete a dinâmica de banda que permeou as sessões do álbum. O título remete aos estúdios AIR, fundados por George Martin em Londres, e a música transmite energia mecânica e movimento contínuo, quase como uma máquina em funcionamento.

SCATTERBRAIN

“Scatterbrain” (“cabeça dispersa”) traduz musicalmente a ideia de pensamentos acelerados e desconexos. As mudanças constantes de andamento, as passagens técnicas intrincadas e o diálogo frenético entre guitarra e teclados criam uma sensação de inquietação mental.

CAUSE WE’VE ENDED AS LOVERS

Escrita por Stevie Wonder para Syreeta, então sua esposa, a composição aborda o fim de um relacionamento amoroso transformado em amizade e respeito mútuo. Sem palavras, Beck converte a melancolia da letra original em uma das interpretações mais emocionantes de sua carreira, dedicando-a ao guitarrista Roy Buchanan.

THELONIUS

Outra contribuição de Stevie Wonder, a faixa jamais recebeu uma gravação própria do compositor. O título provavelmente presta homenagem ao pianista de jazz Thelonious Monk, ainda que a grafia apareça simplificada. O espírito lúdico da música e o uso do talk box por Beck criam uma espécie de “voz instrumental”, aproximando a guitarra da linguagem humana.

FREEWAY JAM

Composta por Max Middleton, a faixa evoca a experiência de dirigir em alta velocidade por rodovias modernas. O caráter expansivo, o ritmo constante e a sensação de deslocamento contínuo justificam plenamente o título.

DIAMOND DUST

Escrita por Bernie Holland, integrante da banda Hummingbird, a composição encerra o álbum em tom contemplativo. O título remete ao brilho efêmero e delicado dos cristais de gelo suspensos no ar, imagem que encontra paralelo nos arranjos orquestrais concebidos por George Martin.

Considerações Finais

Apresentando as proezas técnicas de Beck no jazz-rock, o álbum alcançou o quarto lugar nas paradas e é o lançamento de maior sucesso comercial de Beck.

Beck, meticuloso com overdubs e muitas vezes insatisfeito com seus solos, retornou muitas vezes ao AIR Studios até ficar satisfeito. Alguns meses após o término das sessões, o produtor George Martin recebeu um telefonema de Beck, que queria gravar uma seção solo novamente. Confuso, Martin respondeu: "Sinto muito, Jeff, mas o disco está nas lojas!"

Beck montou uma banda ao vivo para uma turnê pelos Estados Unidos, que foi precedida por um show pequeno e não anunciado no The Newlands Tavern em Peckham, Londres.

Jeff Beck

Ele excursionou entre abril e maio de 1975, principalmente apoiando a Mahavishnu Orchestra, mantendo Max Middleton nos teclados, mas com uma nova seção rítmica com o baixista Wilbur Bascomb e com o notável baterista Bernard "Pretty" Purdie, que curiosamente também foi ligado ao Hummingbird.

Em um show de maio de 1975 em Cleveland, no Music Hall, ele ficou frustrado com uma versão inicial de um talk box que usou em seu arranjo de "She's a Woman" dos Beatles e, depois de quebrar uma corda, jogou sua lendária Guitarra Yardbirds-era Fender Stratocaster fora do palco. Ele fez o mesmo com o talk box e terminou o show tocando uma guitarra Les Paul sem o box.

Durante esta turnê ele se apresentou no "World Rock Festival" de Yuya Uchida, tocando oito músicas com Purdie. Além disso, executou instrumental de guitarra e bateria com Johnny Yoshinaga e, ao final do festival, se juntou a uma jam ao vivo com o baixista Felix Pappalardi do Mountain e o vocalista Akira "Joe" Yamanaka da Flower Travellin' Band. Apenas seu set com Purdie foi gravado e lançado.

Segundo estimativas, Blow by Blow supera a casa de 1 milhão de cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Jeff Beck – Guitarras

Max Middleton – Teclados

Phil Chen – Baixo (creditadoo como "Phil Chenn")

Richard Bailey – Bateria, Percussão

Stevie Wonder – Clavinete não creditado em "Thelonius

Faixas:

01. You Know What I Mean (Beck/Middleton) - 4:02

02. She's a Woman (Lennon/McCartney) - 4:28

03. Constipated Duck (Beck) - 2:50

04. AIR Blower (Beck/Middleton/Bailey/Chen) - 5:07

05. Scatterbrain (Beck/Middleton) - 5:39

06. Cause We've Ended as Lovers (S. Wonder) - 5:51

07. Thelonius (S. Wonder) - 3:17

08. Freeway Jam (Middleton) - 4:57

09. Diamond Dust (B. Holland) - 8:24

Opinião do Blog:

Blow by Blow é um álbum muito importante no que concerne à fusão do Jazz e do Rock e, claro, para a carreira de Jeff Beck.

Composta por músicos extremamente talentosos, Blow by Blow mostra uma sonoridade madura e bem aplicada, onde a base é o Jazz, mas trazendo uma roupagem rock and roll, com muito talento e muita criatividade.

Jeff Beck é claramente o protagonista e sua guitarra é o destaque máximo do trabalho. Belas linhas de guitarras e solos realmente incríveis cativam o ouvinte pelas belas nove canções instrumentais. Os arranjos são belíssimos, e as canções cativam de imediato.

Claro que também merecem destaque os teclados de Max Middleton, que compartilha e contrapõe as guitarras de Beck com perfeição, em perfeita simbiose musical.

Todas as canções são inspiradoras, mas destacamos as incríveis “Cause We've Ended as Lovers”, “Thelonious”, “Freeway Jam” e a versão criativa para “She’s a Woman”.

Enfim, Blow by Blow é um álbum essencial para o Rock instrumental e um atestado definitivo do talento de Jeff Beck.

WOLFMOTHER - WOLFMOTHER (2005)

2026-07-07T14:49:51.754-03:00

Wolfmother é o álbum de estreia da banda australiana de mesmo nome. O lançamento oficial aconteceu em 31 de outubro de 2005, pelo selo Modular. As gravações se deram no Sound City, em Los Angeles, Estados Unidos. A produção ficou a cargo de Dave Sardy.

O Wolfmother é uma banda australiana de rock, oriunda de Sydney. Formado em 2004, o grupo é centrado no vocalista e guitarrista Andrew Stockdale, que é o único membro constante da formação.

A gênese do Wolfmother começou em 2000, quando os membros fundadores Andrew Stockdale, Chris Ross e Myles Heskett começaram a tocar juntos, antes de formar oficialmente a banda em 2004.

Antes disso, Stockdale era fotógrafo, Ross trabalhava com mídia digital e Heskett trabalhava como designer gráfico. Ross surgiu com o nome da banda.

A primeira apresentação ao vivo da recém-batizada Wolfmother aconteceu em 14 de abril de 2004, no Vic in the Park, um pub em Sydney. O grupo assinou contrato com o selo independente australiano Modular Recordings em agosto de 2004, com quem lançou seu primeiro EP autointitulado, Extended Play (EP) Wolfmother, no mês seguinte. O EP alcançou a 35ª posição na parada australiana.

A banda excursionou para promover o lançamento por aproximadamente seis meses, período durante o qual assinou um contrato de gravação internacional com o Universal Music Group.

Andrew Stockdale

Depois de produzir uma demo para a Interscope Records, da Universal, em Sydney, o Wolfmother começou a gravar seu primeiro álbum de estúdio na Califórnia com o produtor Dave Sardy, em maio de 2005.

O disco

A banda ensaiou durante seis semanas no Cherokee Studios, antes de gravar no Sound City, Pass e Sunset Sound Studios. Sardy adotou uma abordagem minimalista para a produção, com o objetivo de capturar a natureza "crua e emotiva" dos shows ao vivo da banda e priorizando "o sentimento perfeito" em vez de uma "atuação impecável".

Contribuintes adicionais para o disco incluíram Lenny Castro (percussão), Dan Higgins (flauta) e o próprio Sardy (percussão). "Mind's Eye" foi lançado como o primeiro single do próximo álbum em 16 de outubro de 2005.

Na realidade, seis singles foram retirados do álbum de estreia de Wolfmother: "Mind's Eye" (com "Woman"), "White Unicorn", "Dimension", "Woman", "Love Train" e "Joker & the Thief", o último dos quais alcançou sucesso o mais alto, no oitavo lugar da parada australiana de singles.

Chris Ross

A capa do álbum, retirada de The Sea Witch, de Frank Frazetta, mostra uma ninfa parada contra um céu azul/laranja, sobre uma rocha, embora por exibir nudez o álbum seja vendido nas lojas Wal-Mart com uma capa alternativa apresentando simplesmente o logotipo branco da banda contra um fundo preto.

É o único álbum com os membros cofundadores Chris Ross e Myles Heskett, que deixaram a banda em agosto de 2008.

DIMENSION

“Dimension” é um rock pesado, embora mais cadenciado, abrindo o trabalho com intensidade.

A letra evoca expansão e isolamento existencial (“cair no deserto”, buscando escrever algo). Musicalmente, simboliza a jornada interior que perpassa o disco.

A canção foi um singles do álbum, mas não repercutiu nas principais paradas de sucesso.

WHITE UNICORN

“White Unicorn” é um Hard Rock vigoroso, com ótimos vocais e muita potência.

A imagem do “unicórnio branco” sugere busca de pureza ou transcendência. Psicodélico em sua execução, a canção equilibra metáforas com grooves intensos.

Foi um single do disco, mas não alcançou posições de maiores destaques.

WOMAN

“Woman” é rápida e intensa e, aos meus ouvidos, possui influências de Kiss.

Possui uma letra direta sobre fascinação e desejo. A simplicidade lírica combina com a melodia pegajosa.

Talvez seja o single de maior sucesso do trabalho, mas repercutiu apenas em paradas secundárias.

WHERE EAGLES HAVE BEEN

“Where Eagles Have Been” é uma canção que se inicia de modo mais tranquilo, mas depois vai ganhando potência e se encerra com um solo de guitarra muito empolgante.

Essa faixa traz uma abordagem lírica mais abstrata — sugerindo reflexão sobre jornadas, liberdade e lugares místicos (“onde as águias estiveram”).

APPLE TREE

Em “Apple Tree”, o grupo aposta em uma estrutura que intercala momentos calmos com agitação.

A letra evoca imagens naturais com um tom menos místico e mais terreno, quase rústico, e pode ser interpretada tanto como reflexão sobre simplicidade quanto como metáfora de tentação e desejo.

JOKER & THE THIEF

“Joker & the Thief” é um hard rock intenso, mas com um viés alternativo, contando com a guitarra bem afiada.

Conta com uma narrativa melódica com referências quase folclóricas — o “bobo da corte” e o “ladrão” como figuras ambíguas — que representam caos e rebeldia.

Foi lançada como single, mas não obteve destaque significativo.

COLOSSAL

O riff de “Colossal” é cativante, lento e pesado, em uma espécie de stoner muito especial.

Aborda temas de grandiosidade e intensidade — seja emocional, social ou metafórica — refletindo o próprio título.

MIND’S EYE

Composição maiúscula, uma balada poderosa, sentimental e extremamente comovente.

Aqui o foco recai sobre a percepção interior e imagética mental (“olho da mente”), sugerindo uma exploração introspectiva de consciência e visão expandida.

Mais um single, com repercussão na Austrália.

PYRAMID

“Pyramid” é um hard rock excelente, com alguns toques, digamos, orientais na guitarra e ótimos vocais.

Com referências a símbolos antigos (pirâmides), a letra joga com a ideia de estruturas imponentes e mistérios antigos, enquadrando-se no clima místico que atravessa o álbum.

WITCHCRAFT

“Witchcraft” possui passagens com flautas e cuja melodia remete imediatamente ao Jethro Tull.

A letra e o som sugerem invocação e energia carnal, num sentido clássico de “magia” aplicada a relações humanas.

TALES

“Tales” possui uma pegada mais calma, sendo uma balada que também evoca o Tull dos anos 1970.

As letras sugerem histórias contadas ao redor da fogueira — mitos pessoais ou coletivos, reforçando a estética folclórica e trippy do disco.

LOVE TRAIN

“Love Train” é pesada, possuindo um toque modernoso (para a época), embora seu ritmo seja bom.

A metáfora do “trem do amor” é conjurada para representar movimento, conexão e união emocional.

Mais um single com pouca repercussão nas principais paradas de sucesso.

VAGABOND

“Vagabond” encerra o trabalho com um “hard zeppeliano”, com uma mescla de melodia e potência.

Como faixa de encerramento, Vagabond evoca um espírito nômade, livre e um pouco solitário — reflexo ideal para fechar um álbum que constantemente fala de jornadas, misticismo e identidade interior.

Considerações Finais

Wolfmother foi lançado pela primeira vez na Austrália em 30 de outubro de 2005 pela Modular Recordings. Antes de seu lançamento, foi tocado em alta rotação na estação de rádio Triple J e, como resultado, foi o álbum de destaque da semana a partir de 28 de outubro, vencendo o prêmio J Award inaugural e o sendo escolhido como álbum do ano pelos ouvintes.

Myles Heskett

Também contribuiu com um total recorde de seis músicas para a parada Hottest 100 (australiana), das quais a mais alta foi "Mind's Eye" na 6ª posição. Em 2007, o álbum foi certificado cinco vezes platina e alcançou a posição número 3.

Para o lançamento internacional do álbum, a lista de faixas foi ligeiramente ajustada e "Love Train", anteriormente lançada como lado B de "White Unicorn", foi adicionada.

O disco não foi tão bem recebido no Reino Unido e nos EUA como na Austrália, embora Wolfmother ainda tenha conseguido alcançar o número 25 e o número 22, respectivamente.

Após seu lançamento, Wolfmother recebeu críticas principalmente positivas dos críticos. Foi eleito o 15º melhor álbum de 2006 pela revista Rolling Stone. O som do álbum foi comparado ao de bandas de hard rock e heavy metal dos anos 1960 e 1970, como Led Zeppelin e Black Sabbath. bem como bandas mais modernas, incluindo Queens of the Stone Age e The White Stripes, embora isso tenha levado alguns críticos a acusarem o trio de copiar tais bandas.

A Q foi um pouco menos crítica, descrevendo a música como "longe da ciência dos foguetes, mas mesmo assim muito divertida". A Total Guitar deu ao álbum 9/10, descrevendo-o como "maravilhoso", acrescentando que "não pode deixar de te surpreender". A Record Review também elogiou a banda e sua estreia, comentando que se eles "continuarem a produzir músicas épicas e riffs memoráveis, não há dúvida de que estarão na vanguarda do rock and roll nos próximos anos".

Lars Ulrich, do Metallica, ficou registrado como um grande fã desta estreia, notando que ela foi "incrível" e que após seu lançamento, ele a ouviria "todos os dias".

Segundo estimativas, o álbum vendeu mais de um milhão de cópias em todo o mundo.

Formação:

Andrew Stockdale – Vocal, Guitarra

Chris Ross – Baixo, Teclados

Myles Heskett – Bateria

Músicos adicionais:

Lenny Castro – percussão em "Apple Tree", "Witchcraft" e "Love Train"

Dan Higgins – flauta em "Witchcraft"

Faixas:

Todas as faixas creditadas aos 3 membros do grupo.

01. Dimension - 4:21

02. White Unicorn - 5:04

03. Woman - 2:56

04. Where Eagles Have Been - 5:33

05. Apple Tree - 3:30

06. Joker & the Thief - 4:40

07. Colossal - 5:04

08. Mind's Eye - 4:54

09. Pyramid - 4:28

10. Witchcraft - 3:25

11. Tales - 3:39

12. Love Train - 3:03

13. Vagabond - 3:50

Opinião do Blog:

Como nasci ainda no século XX, tendo a ver bandas que surgiram no século XXI como novas, mas este disco de estreia do Wolfmother já vai completar 20 anos de lançamento: como o tempo passa rápido.

A realidade é que o trio original do Wolfmother bebeu nas fontes setentistas e isto fica muito evidente neste álbum. A influência principal e mais notória é evidentemente o Led Zeppelin de álbuns como o Led Zeppelin II, muito embora a presença constante de teclados também remeta ao Deep Purple.

Outra influência setentista que se pode perceber, entretanto de forma menos onisciente, é de bandas como o Jethro Tull, seja em faixas em que elas são gritantes (a flauta de “Witchcraft”), ou em composições fantasiosas e elaboradas como “Tales”.

Como uma possível influência moderna (para 2005, diga-se), o som do Wolfmother tem uma inegável pegada Stoner, que me remeteu particularmente ao ótimo Queens of the Stone Age, e a fusão de todas elas gera uma sonoridade única ao trabalho.

A pesada base criada por Chris Ross e Myles Heskett, muitas vezes “sabática”, proporcionam que a guitarra de Stockdale seja protagonista. Stockdale também brilha com ótimos vocais.

A inspirada “Pyramid” é um destaque com a bateria de Heskett ditando o ritmo acelerado. “White Unicorn” é bem zeppeliana enquanto a prog “Witchcraft” consegue contagiar com estilo diferente.

Mas nossas preferidas ficam com a ótima e ascendente “Where Eagles Have Been” e com “Mind’s Eyes”, uma balada extradimensional e uma das mais incríveis músicas dos anos 2000.

Embora a produção me soe como excessivamente crua, Wolfmother é um dos melhores álbuns de Hard Rock do século XXI. Pena que a banda jamais conseguiu chegar próxima a esta excelência em seus trabalhos posteriores.

THE BAND - MUSIC FROM BIG PINK (1968)

2026-06-30T08:29:52.964-03:00

Music from Big Pink é o álbum de estreia da carreira da banda canadense/americana chamada The Band, lançado oficialmente em 1º de julho de 1968 pelo selo Capitol. As gravações ocorreram naquele mesmo ano, nos estúdios A&R (NY) e Capitol (LA), ambos nos Estados Unidos. A produção ficou sob responsabilidade de John Simon.

Os membros da The Band incluíam o baixista/vocalista Rick Danko, o pianista/vocalista Richard Manuel, o organista Garth Hudson, o guitarrista Robbie Robertson e o baterista/vocalista Levon Helm.

Eles começaram a criar seu som distinto em 1967, quando improvisaram e gravaram (com Bob Dylan) um grande número de covers e material original de Dylan no porão de uma casa rosa em West Saugerties, Nova York, localizada na 56 Parnassus Lane.

A casa foi construída por Ottmar Gramms, que comprou o terreno em 1952. A casa foi construída pouco tempo antes de quando Rick Danko a encontrou para alugar. Danko foi morar com Garth Hudson e Richard Manuel em fevereiro de 1967. A casa ficou conhecida localmente como "Big Pink" por seu revestimento rosa. A casa foi posteriormente vendida por Gramms em 1977 e, desde 1998, é uma residência privada.

Rick Danko

Amplamente contrabandeado na época, inicialmente como Great White Wonder em julho de 1969, algumas das gravações que Dylan e a The Band fizeram foram lançadas oficialmente em 1975, em The Basement Tapes, e depois na totalidade em 2014, em The Bootleg Series Vol. 11: The Basement Tapes Complete.

No final de 1967, a banda sentiu que era hora de sair da sombra de Dylan e fazer a sua própria declaração.

O disco

O empresário da banda, Albert Grossman (que também era empresário de Dylan), abordou a Capitol Records para garantir um contrato de gravação para um grupo ainda informalmente descrito como "a banda de apoio de Dylan".

Alan Livingston da Capitol assinou com a Band, inicialmente sob o nome de Crackers. Armados com a notícia de um contrato de gravação para o grupo, eles atraíram Levon Helm de volta das plataformas de petróleo onde trabalhava para a Woodstock, onde assumiu sua posição crucial na The Band, cantando e tocando bateria.

O retorno de Helm coincidiu com um aumento de atividade na Big Pink, já que a banda embrionária não apenas gravou com Dylan, mas também começou a escrever suas próprias canções.

Após se encontrar com o produtor John Simon, a banda começou a gravar seu álbum de estreia em Manhattan, no A&R Studios, nos primeiros meses de 1968. A banda gravou "Tears of Rage", "Chest Fever", "We Can Talk", "This Wheel's On Fire" e "The Weight" em duas sessões.

Robbie Robertson

Robertson contou que quando Simon perguntou como eles queriam que soassem, eles responderam: "Exatamente como soava no porão".

A Capitol, satisfeita com a sessão de gravação inicial, sugeriu que o grupo se mudasse para Los Angeles para terminar a gravação de seu primeiro álbum no Capitol Studios. Eles também gravaram algum material no Gold Star Studios em Santa Monica Boulevard.

As músicas de Big Pink gravadas em Los Angeles foram "In A Station", "To Kingdom Come", "Lonesome Suzie", "Long Black Veil" e "I Shall Be Released".

Dylan se ofereceu para cantar no álbum, mas finalmente percebeu que era importante para a The Band fazer seu próprio trabalho. Em vez disso, Dylan marcou sua presença contribuindo com uma pintura para a capa.

Barney Hoskyns escreveu que é significativo que a pintura retrate seis músicos. A capa de Music from Big Pink pretendia estabelecer o grupo como tendo uma visão diferente da cultura psicodélica de 1968.

O fotógrafo Elliott Landy voou para Toronto para fotografar as famílias Danko, Manuel, Robertson e Hudson reunidas na granja Danko. Foi inserida uma foto de Diamond e Nell Helm, que moravam em Arkansas. A foto apareceu na capa com a legenda "Parente mais próximo". O design geral da capa é de Milton Glaser (que também fez o pôster que acompanha o Greatest Hits de Bob Dylan de 1967).

Vamos às faixas.

TEARS OF RAGE

Uma canção linda, intimista, e com atuação incrível dos vocais de Richard Manuel.

A letra — originalmente escrita por Bob Dylan e musicada por Richard Manuel — evoca um lamento quase shakespeariano sobre expectativas frustradas e dor pelo distanciamento de quem se amou.

TO KINGDOM COME

Manuel e Robertson dividem os vocais nesta canção roqueira, a qual evoca a psicodelia.

Liricamente, há referências — implícitas — à queda e passagem de um estado elevado a um inferior, evocando imagens de julgamento e transformação.

IN A STATION

“In a Station” é uma bela balada, cantada por Manuel, de maneira mais contida e emocional.

Liricamente, o protagonista espera por algo indefinido numa estação, refletindo sobre perdas e destinos que se cruzam.

CALEDONIAN MISSION

Uma espécie de mistura gospel e folk, “Caledonian Mission” tem bons vocais de Danko.

Robertson evoca uma jornada em direção à redenção ou a um destino nomeado ‘Caledonia’ — podendo ser interpretada como uma metáfora para busca interior ou espiritual.

THE WEIGHT

Um grande clássico do Rock, conta com vocais incríveis de Helm e Danko. Uma musicalidade envolvente e atmosférica, evocando ecos de Blues. Fantástica.

Escrita por Robertson, a letra narra a chegada de um viajante numa cidade fictícia chamada Nazareth, onde ele encontra personagens simbólicos e é pedido para resolver problemas — “carregar o peso” dos outros.

A faixa, que foi um single para a promoção do álbum, alcançou os 63º e 21º lugares nas principais paradas dos Estados Unidos e do Reino Unido, respectivamente.

WE CAN TALK

Liderada pelos teclados de Manuel, a suave “We Can Talk” é bem divertida.

A letra é quase um tratado sobre comunicação, amizade e o diálogo como reconciliação e conexão.

LONG BLACK VEIL

Uma versão maravilhosa para a canção originalmente gravada pelo artista country Lefty Frizzell, contando com boa interpretação de Danko.

A letra conta a história de um homem condenado à morte que recusa provar sua inocência para manter seu amor em segredo, evocando mistério, perda e fidelidade trágica.

CHEST FEVER

Com vocais de Manuel, esta é uma das músicas mais intensas da obra, liderada por riffs intensos e um órgão poderoso.

A letra é menos linear, funcionando mais como um complemento hipnótico à performance.

LONESOME SUZIE

Esta canção é bem contida e introspectiva, contando com bons vocais de Manuel, uma balada com ecos gospel.

A letra é sobre um personagem (Suzie) isolado emocionalmente, em que o narrador tenta estar ao seu lado, mas percebe que não pode resgatá-la de sua tristeza.

THIS WHEEL’S ON FIRE

Uma das faixas mais enigmáticas do conjunto, escrita no período das Basement Tapes, por Bob Dylan e Danko. A versão do The Band é de arrepiar!

Liricamente, explora imagens de mudança, caos e fatalidade iminente — como se algo inevitável estivesse se aproximando, girando como uma roda em chamas.

I SHALL BE RELEASED

Manuel é a voz principal de uma grande canção de Dylan, mais contida e com forte pegada folk.

A letra é uma poderosa reflexão sobre prisão — literal e metafórica — e libertação espiritual

Considerações Finais

A recepção inicial do álbum foi positiva. Recebeu elogios pela qualidade orgânica da instrumentação, que foi gravada ao vivo sem overdubbing. Na Rolling Stone, houve a crítica entusiasmada de Al Kooper sobre Big Pink. Robert Christgau ficou menos entusiasmado no The Village Voice.

Richard Manuel

Em 1968, "The Weight" alcançou a posição 63 na parada de singles Hot 100 da Billboard nos EUA. A música foi um sucesso maior em outros lugares, alcançando a 35ª posição no Canadá e a 21ª posição no Reino Unido.

O álbum alcançou a 18ª posição no Canadá e alcançou a 30ª posição na parada de álbuns pop da Billboard em 1968, e então voltou a alcançar o 8º lugar na parada de álbuns da Internet em 2000.

"The Weight" ganhou grande popularidade pela apresentação da banda em 17 de agosto de 1969, no Woodstock, e parcialmente devido à sua inclusão no filme Easy Rider, embora tenha sido omitido da trilha sonora por questões de licenciamento.

A sensação descontraída do álbum atraiu a atenção de outros grandes artistas. Por exemplo, Eric Clapton cita o estilo rock de raiz do álbum como o que o convenceu a sair do Cream e a envolver Delaney, Bonnie e amigos como "Derek and the Dominos" em seu primeiro álbum solo.

George Harrison também ficou impressionado com a musicalidade e o senso de camaradagem do álbum, e Roger Waters do Pink Floyd o chamou de o segundo "disco mais influente na história do rock and roll", depois do Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, e disse que isso "afetou profundamente o Pink Floyd". De acordo com Terry Burrows, o álbum gerou o gênero americana, enquanto o acadêmico musical Chris Smith disse que suas canções lançaram as bases para o roots rock.

Prêmios

Music from Big Pink foi eleito a posição 452 na terceira edição do All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin (2000).

Em 2003, ficou em 34º lugar na lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone, uma classificação que manteve na lista revisada de 2012 da revista, antes de cair para o número 100 em uma lista revisada de 2020.

Segundo algumas estimativas, Music from Big Pink supera a casa de 500 mil cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Rick Danko – Baixo, Violino, Vocal

Levon Helm – Bateria, Pandeiro, Vocal

Garth Hudson – Órgão, Piano, Clavinete, Saxofones

Richard Manuel – Piano, Órgão, Vocal

Robbie Robertson – Guitarras, Vocal

Faixas:

01. Tears of Rage (Dylan/Manuel) - 5:23

02. To Kingdom Come (Robertson) - 3:22

03. In a Station (Manuel) - 3:34

04. Caledonia Mission (Robertson) - 2:59

05. The Weight (Robertson) - 4:34

06. We Can Talk (Manuel) - 3:06

07. Long Black Veil (Wilkin/Dill) - 3:06

08. Chest Fever (Robertson) - 5:18

09. Lonesome Suzie (Manuel) - 4:04

10. This Wheel's on Fire (Dylan/Danko) - 3:14

11. I Shall Be Released (Dylan) - 3:19

Opinião do Blog:

Depois de deixar o acompanhamento do lendário Bob Dylan, a The Band pode explorar todo seu potencial ao seguir seu próprio caminho.

Mergulhando na música Country e nas raízes do Rock ‘n’ Roll, o grupo construiu seu clássico Music from Big Pink, um álbum extremamente influente e que, de sua própria maneira, transformou o estilo Rock.

Muito se deve aos seus excelentes músicos, todos muito talentosos. Imagino que o tempo que o grupo trabalhou com um músico como Bob Dylan, um dos maiores artistas do século XX, elevou a capacidade musical da The Band a níveis que os próprios caras não sabiam que possuíam.

Embora, como afirmei, todos sejam músicos muito bons, destaco a capacidade criativa do guitarrista Robbie Robertson e sua abordagem nas guitarras, bem como os vocais cativantes de Richard Manuel.

Faixas como “Lonesome Suzie”, “This Wheel's on Fire” e “I Shall Be Released” são exemplos de canções suaves e cativantes. Há a lindíssima “Tears of Rage” e minha predileta, a espetacular “The Weight”.

Enfim, não há muito a que se dizer. Apenas conheça a The Band e ouça, muito, o Music from a Big Pink.

FASTER PUSSYCAT - FASTER PUSSYCAT (1987)

2026-06-23T08:18:38.536-03:00

Faster Pussycat é o primeiro álbum de estúdios da carreira da banda norte-americana de mesmo nome. O lançamento oficial ocorreu no dia 7 de julho de 1987, através do selo Elektra Records. As gravações se deram no Amigo Studios, em Los Angeles, Estados Unidos com produção de Ric Browde.

No epicentro da efervescência cultural da Sunset Strip em meados dos anos 1980 — uma cena que simultaneamente celebrava e caricaturava os excessos do rock — surge o Faster Pussycat, um grupo que encarnaria uma vertente mais suja e hedonista do glam metal. Sua trajetória inicial, que culmina no lançamento do álbum homônimo em 1987, é indissociável desse contexto histórico, em que clubes, estética e atitude eram tão determinantes quanto a própria música.

Origens

A banda foi formada em 1986, em Hollywood, pelo vocalista Taime Downe, figura central tanto musical quanto simbolicamente. O nome — retirado do filme cult Faster, Pussycat! Kill! Kill! (1965), de Russ Meyer — já indica uma filiação estética: provocativa, marginal e deliberadamente exagerada. Desde o início, o grupo se posicionava menos como um produto polido do mainstream e mais como um reflexo direto da vida noturna decadente de Los Angeles.

A gênese da banda também revela a fluidez típica da cena local. As primeiras formações passaram por mudanças rápidas, com conexões diretas a grupos como L.A. Guns, evidenciando o caráter quase comunitário do circuito. Eventualmente, consolidou-se um núcleo com Downe, os guitarristas Greg Steele e Brent Muscat, além de Eric Stacy no baixo e Mark Michals na bateria. Mais do que a formação em si, porém, foi o ambiente que moldou o Faster Pussycat.

Taime Downe

Downe, ao lado do futuro apresentador da MTV Riki Rachtman, foi cofundador do clube Cathouse — um dos pontos nevrálgicos da cena glam/sleaze. Ali, bandas não apenas tocavam: construíam identidade. O Faster Pussycat emergiu desse espaço com uma proposta que mesclava o hard rock clássico de Aerosmith e The Rolling Stones com a crueza punk de Sex Pistols e New York Dolls.

Essa síntese sonora — frequentemente classificada como sleaze rock — diferenciava o grupo de contemporâneos mais radiofônicos. Enquanto bandas como Poison apostavam em refrões acessíveis e estética higienizada, o Faster Pussycat explorava narrativas urbanas mais ásperas, centradas em sexo, vício e sobrevivência cotidiana. A crítica posterior reconheceria esse traço como parte de um movimento mais “pé no chão” dentro do glam, ainda que não necessariamente mais sofisticado.

O contrato com a Elektra Records, firmado no auge da corrida das gravadoras por bandas da Sunset Strip, foi o passo decisivo para a consolidação do grupo. Em 7 de julho de 1987, lançaram seu álbum de estreia, Faster Pussycat, produzido por Ric Browde.

Gravações

As sessões de gravação ocorreram entre 1986 e 1987, período que coincide com a consolidação da formação clássica do grupo após mudanças internas — especialmente a entrada do baixista Eric Stacy pouco antes das gravações. Fontes europeias indicam ainda que o registro se deu no Amigo Studios, em Los Angeles, um estúdio bastante utilizado por artistas ligados ao hard rock e ao pop da época.

Eric Stacy

Composição

O repertório revela uma dinâmica composicional relativamente centralizada, pois Taime Downe (vocalista) é o principal compositor, assinando sozinho ou em parceria todas as faixas. As colaborações mais frequentes ocorrem com os guitarristas Greg Steele e Brent Muscat.

Gravação e processo de estúdio

O álbum foi registrado em Los Angeles, no contexto direto da cena da Sunset Strip. O período de gravação relativamente curto (1986–1987) sugere um processo ágil, típico de bandas recém-contratadas por majors naquele momento.

O som final privilegia uma abordagem crua e direta, com pouca sofisticação de pós-produção, alinhada à estética sleaze — algo reforçado por análises críticas posteriores.

Produção

A produção ficou a cargo de Ric Browde, figura relevante dentro do circuito glam metal dos anos 1980. Ele havia trabalhado com artistas do mesmo circuito (como Poison), o que o tornava uma escolha natural para traduzir o som da Sunset Strip para um produto comercial.

Greg Steele

Sua abordagem buscou equilibrar energia crua e acessibilidade, sem polir excessivamente o material — um ponto que diferencia o disco de produções mais “radiofônicas” do período.

DON’T CHANGE THAT SONG

“Don’t Change That Song” abre o disco com um bom ritmo em um hard rock que remete ao Aerosmith.

Liricamente, há uma defesa da autenticidade — ainda que essa “autenticidade” esteja profundamente ligada ao hedonismo da cena.

BATHROOM WALL

Um clássico da banda, trazendo um riff setentista do clássico Hard Rock norte-americano.

A faixa mergulha no submundo sexual urbano, evocando contatos anônimos e impulsos voyeurísticos sugeridos pelo título. A narrativa é direta, quase documental, e sintetiza a estética provocativa da banda.

Foi um single que não repercutiu nas principais paradas de sucesso, mas seu videoclipe teve boa circulação na MTV.

NO ROOM FOR EMOTION

“No Room for Emotion” é mais cadenciada e suave, com bons vocais de Taime Downe.

Aqui, o discurso emocional é substituído por uma postura cínica: relações são tratadas como descartáveis, e a vulnerabilidade é rejeitada. A canção dialoga com o ethos da cena, onde intensidade não implica profundidade afetiva.

CATHOUSE

“Cathouse” é uma composição claramente inspirada no Aerosmith de Toys in the Attic, com ótimos vocais e grande intensidade.

“Cathouse” é praticamente um hino ao clube homônimo cofundado por Downe. A letra celebra o excesso — sexo, drogas e sociabilidade noturna — com um tom quase celebratório, mas sem romantização explícita.

Foi outro single, sem posições relevantes documentadas, mas com forte exposição em vídeo.

BABYLON

“Babylon” é uma faixa com ótimos riffs e grandes solos, uma composição maiúscula.

A referência bíblica serve como metáfora para decadência urbana. “Babilônia” surge como um símbolo de corrupção moral e prazer efêmero — uma leitura que ecoa tanto tradição religiosa quanto crítica cultural contemporânea.

Outro single do disco, mas sem posição importante nas paradas.

SMASH ALLEY

“Smash Alley” traz uma sonoridade que remete ao Guns N’ Roses, sendo uma música divertida.

A faixa reforça a geografia mítica da Sunset Strip, transformando ruas e becos em espaços de identidade. A letra sugere violência, sexo e sobrevivência — elementos que compõem a narrativa de marginalidade estilizada da banda.

SHOOTING YOU DOWN

“Shooting You Down” tem uma pegada bem glam metal dos anos oitenta, com um bom trabalho das guitarras.

A linguagem sugere ressentimento e rejeição, mantendo a coerência com a postura emocionalmente defensiva do álbum.

CITY HAS NO HEART

“City Has No Heart” segue a pegada da música anterior, sem grandes novidades, mas mantendo a intensidade.

Uma das poucas faixas que insinuam reflexão mais ampla, a música apresenta a cidade como entidade impessoal e corrosiva. Ainda assim, evita sentimentalismo: o olhar é distanciado, quase resignado.

SHIP ROLLS IN

Esta é a canção que menos gosto no álbum, “Ship Rolls In”, soando apenas descartável em comparação ao restante do trabalho, muito por conta de um riff pálido.

A temática gira em torno de expectativa e recompensa — frequentemente associada a dinheiro, sucesso ou oportunidades. A metáfora marítima sugere ciclos de sorte, algo recorrente na narrativa de ascensão do rock.

BOTTLE IN FRONT OF ME

Misturando blues e hard rock, o grupo fecha o disco com a pesada (e ótima) “Bottle in Front of Me”.

O encerramento retoma o hedonismo, agora com foco explícito no álcool como mecanismo de escape. A canção equilibra humor e autodestruição.

Considerações Finais

Faster Pussycat conseguiu atingir a 97ª posição da principal parada norte-americana. “Babylon”, “Don't Change That Song” e "Bathroom Wall" foram os singles, mas não repercutiram em termos de paradas de sucesso.

Em novembro de 1987, a banda apareceu na capa da edição de estreia da Screamer Magazine. Nos Estados Unidos a banda fez uma turnê com Alice Cooper, David Lee Roth e Motörhead para divulgar o álbum.

A crítica viu com bons olhos o disco. Robert Christgau elogiou o lado A, comparando-o ao Aerosmith setentista. Steve Huey, do AllMusic, dá uma nota 4 (em 5) ao disco, comparando-o ao Guns N’ Roses.

Prêmios

Em 2005, o Faster Pussycat foi classificado em 498º lugar no livro da revista Rock Hard dos 500 melhores álbuns de rock e metal de todos os tempos.

Dois anos depois, o Faster Pussycat gravou seu álbum de maior sucesso, Wake Me When It's Over.

Formação:

Taime Downe – Vocal

Greg Steele – Guitarra, Backing vocals

Brent Muscat – Guitarra, Backing vocals

Eric Stacy – Baixo, Backing vocals

Mark Michals – Bateria, Backing vocals

Faixas:

01. Don't Change That Song (Downe/Steele) – 3:40

02. Bathroom Wall (Downe) – 3:40

03. No Room for Emotion (Downe/Muscat) – 3:56

04. Cathouse (Downe) – 3:42

05. Babylon (Downe/Steele) – 3:14

06. Smash Alley (Downe/Muscat) – 3:28

07. Shooting You Down (Downe) – 3:46

08. City Has No Heart (Downe/Muscat) – 4:19

09. Ship Rolls In (Downe/Steele) – 3:26

10. Bottle in Front of Me (Downe/Muscat) – 3:02

Opinião do Blog:

O Faster Pussycat não é das bandas mais conhecidas oriundas do Glam Metal.

Entretanto, a banda possuía uma sonoridade muito influenciada pelo Aerosmith setentista e isto era visível na ótima atuação dos dois guitarristas, Greg Steele e Brent Muscat que, se não são expoentes do Rock, são ótimos executores.

Ao misturar o Glam Metal com o som do Aerosmith, a banda se destaca, especialmente na primeira metade do trabalho. Essa fusão do peso do Glam Metal com a malemolência do som setentista apresenta os melhores momentos do disco.

É nele que estão faixas memoráveis como “Bathroom Wall” e “Babylon” as quais se apresentam com um belo festival de riffs e solos. A divertida “No Room for Emotion” também cativa, mas a nossa preferida é a paulada “Cathouse”, uma canção perdida no tempo, mas que é um deleite para fãs de Hard Rock.

A segunda metade do álbum não chega a ser descartável, mas aposta em um Glam Metal mais padrão, que não brilha, mas não chega a decepcionar. O melhor momento é a empolgante “Bottle in Front of Me”.

Concluindo, o álbum de estreia do Faster Pussycat merece um resgate, pois traz uma boa banda que não fez muito sucesso, mas trazia uma boa síntese de Hard Rock divertido e bem tocado. Para iniciados em Glam Metal, mas pode agradar fãs de Aerosmith.