ROCK: ÁLBUNS CLÁSSICOS

JEFF BECK - BLOW BY BLOW (1975)

2026-07-14T08:05:16.178-03:00

Blow by Blow é o segundo álbum de estúdios da carreira solo do artista britânico Jeff Beck. O lançamento oficial aconteceu em 29 de março de 1975, através do selo Epic. As gravações ocorreram em outubro de 1974, no estúdio AIR, em Londres, com a produção de George Martin.

Em abril de 1973, o álbum Beck, Bogert & Appice foi lançado (pela Epic Records). Embora os críticos reconhecessem a habilidade instrumental da banda, o álbum não foi bem recebido comercialmente, exceto pelo cover do hit "Superstition" de Stevie Wonder.

Em 3 de julho de 1973, Beck juntou-se a David Bowie no palco para interpretar "The Jean Genie"/"Love Me Do" e "Around and Around". O show foi filmado e finalmente lançado no documentário de 2022, Moonage Daydream. Durante outubro de 1973, Beck gravou faixas para o álbum Lane Changer de Michael Fennelly.

No início de janeiro de 1974, Beck, Bogert e Appice tocaram no Rainbow Theatre em Londres como parte de uma turnê europeia. O show foi transmitido na íntegra no programa norte-americano Rock Around the World, em setembro do mesmo ano. Este último trabalho gravado pela banda traz uma prévia do material destinado a um segundo álbum de estúdio, incluído no bootleg At Last Rainbow.

Jeff Beck

As faixas "Blues Deluxe" e "BBA Boogie" deste show foram posteriormente incluídas na compilação Beckology, de Jeff Beck (1991).

Beck, Bogert & Appice se dissolveu em abril de 1974, antes de seu segundo álbum de estúdio (produzido por Jimmy Miller) ser concluído. Seu álbum ao vivo Beck, Bogert & Appice Live in Japan, gravado durante sua turnê japonesa de 1973, só foi lançado em fevereiro de 1975 pela Epic/Sony.

Depois de alguns meses, Beck entrou no Underhill Studio e conheceu a banda Upp; ele os recrutou para ser a banda de apoio para sua aparição no programa de TV da BBC Guitar Workshop em agosto de 1974.

Beck produziu e tocou em seu álbum de estreia autointitulado e em seu segundo álbum This Way Upp, embora suas contribuições para o segundo álbum não tenham sido creditadas.

Durante 1974, ele participou das sessões de gravação do primeiro álbum da banda Hummingbird, do ex-membro do Jeff Beck Group, Bobby Tench, mas não contribuiu para o álbum.

Jeff Beck

Em outubro do mesmo ano, Beck começou a gravar sessões instrumentais no AIR Studios com Max Middleton, que também era associado ao Hummingbird, o baixista Phil Chen e o baterista Richard Bailey, usando George Martin como produtor e arranjador.

O disco

Beck contratou George Martin para produzir seu novo álbum depois de ouvir seu trabalho no álbum Apocalypse, de 1974, da Mahavishnu Orchestra. De acordo com Carmine Appice, que tocou com Beck no BBA, ele esteve envolvido no processo de composição e gravação de Blow by Blow, mas as partes de Appice foram editadas após uma disputa com o empresário de Beck.

O quarto contribuidor chave para Blow by Blow depois de Beck, Middleton e Martin foi Stevie Wonder, que deu a Beck suas canções "Cause We Ended as Lovers" e "Thelonius", com Wonder tocando teclados clavinete nesta última sem créditos.

A primeira música apareceu no álbum de Wonder de 1974, Stevie Wonder Presents: Syreeta, feito com a então esposa Syreeta Wright, enquanto Wonder nunca gravou "Thelonius" sozinho. Foi selecionado um cover da música "She's a Woman" dos Beatles, bem como a composição "Diamond Dust" de Bernie Holland do grupo Hummingbird formado por músicos do segundo Jeff Beck Group.

As outras cinco faixas eram originais da banda, com Beck e Middleton como compositores principais, e a última faixa de cada lado apresentava arranjos de cordas de Martin. Beck dedicou "Cause We Ended as Lovers" ao colega guitarrista Roy Buchanan, com um agradecimento a Wonder.

YOU KNOW WHAT I MEAN

Abrindo o álbum, a composição de Beck e do tecladista Max Middleton estabelece imediatamente a nova direção musical do guitarrista. O título sugere uma comunicação implícita, quase cúmplice, e a música traduz essa ideia por meio de diálogos entre guitarra e teclados.

SHE’S A WOMAN

Composta por John Lennon e Paul McCartney, a canção original dos Beatles era uma celebração direta da admiração amorosa masculina. Beck elimina os vocais e reconstrói a obra como um exercício de groove e improvisação, preservando o espírito jubiloso da composição enquanto a transporta para o universo da jazz fusion.

CONSTIPATED DUCK

Composição exclusiva de Beck, o título bem-humorado (“Pato Constipado”) indica o caráter quase caricatural da peça. A música aposta em mudanças rítmicas abruptas e frases sincopadas que parecem traduzir musicalmente a estranheza sugerida pelo nome.

AIR BLOWER

Creditada coletivamente a Beck, Middleton, Richard Bailey e Phil Chen, a faixa reflete a dinâmica de banda que permeou as sessões do álbum. O título remete aos estúdios AIR, fundados por George Martin em Londres, e a música transmite energia mecânica e movimento contínuo, quase como uma máquina em funcionamento.

SCATTERBRAIN

“Scatterbrain” (“cabeça dispersa”) traduz musicalmente a ideia de pensamentos acelerados e desconexos. As mudanças constantes de andamento, as passagens técnicas intrincadas e o diálogo frenético entre guitarra e teclados criam uma sensação de inquietação mental.

CAUSE WE’VE ENDED AS LOVERS

Escrita por Stevie Wonder para Syreeta, então sua esposa, a composição aborda o fim de um relacionamento amoroso transformado em amizade e respeito mútuo. Sem palavras, Beck converte a melancolia da letra original em uma das interpretações mais emocionantes de sua carreira, dedicando-a ao guitarrista Roy Buchanan.

THELONIUS

Outra contribuição de Stevie Wonder, a faixa jamais recebeu uma gravação própria do compositor. O título provavelmente presta homenagem ao pianista de jazz Thelonious Monk, ainda que a grafia apareça simplificada. O espírito lúdico da música e o uso do talk box por Beck criam uma espécie de “voz instrumental”, aproximando a guitarra da linguagem humana.

FREEWAY JAM

Composta por Max Middleton, a faixa evoca a experiência de dirigir em alta velocidade por rodovias modernas. O caráter expansivo, o ritmo constante e a sensação de deslocamento contínuo justificam plenamente o título.

DIAMOND DUST

Escrita por Bernie Holland, integrante da banda Hummingbird, a composição encerra o álbum em tom contemplativo. O título remete ao brilho efêmero e delicado dos cristais de gelo suspensos no ar, imagem que encontra paralelo nos arranjos orquestrais concebidos por George Martin.

Considerações Finais

Apresentando as proezas técnicas de Beck no jazz-rock, o álbum alcançou o quarto lugar nas paradas e é o lançamento de maior sucesso comercial de Beck.

Beck, meticuloso com overdubs e muitas vezes insatisfeito com seus solos, retornou muitas vezes ao AIR Studios até ficar satisfeito. Alguns meses após o término das sessões, o produtor George Martin recebeu um telefonema de Beck, que queria gravar uma seção solo novamente. Confuso, Martin respondeu: "Sinto muito, Jeff, mas o disco está nas lojas!"

Beck montou uma banda ao vivo para uma turnê pelos Estados Unidos, que foi precedida por um show pequeno e não anunciado no The Newlands Tavern em Peckham, Londres.

Jeff Beck

Ele excursionou entre abril e maio de 1975, principalmente apoiando a Mahavishnu Orchestra, mantendo Max Middleton nos teclados, mas com uma nova seção rítmica com o baixista Wilbur Bascomb e com o notável baterista Bernard "Pretty" Purdie, que curiosamente também foi ligado ao Hummingbird.

Em um show de maio de 1975 em Cleveland, no Music Hall, ele ficou frustrado com uma versão inicial de um talk box que usou em seu arranjo de "She's a Woman" dos Beatles e, depois de quebrar uma corda, jogou sua lendária Guitarra Yardbirds-era Fender Stratocaster fora do palco. Ele fez o mesmo com o talk box e terminou o show tocando uma guitarra Les Paul sem o box.

Durante esta turnê ele se apresentou no "World Rock Festival" de Yuya Uchida, tocando oito músicas com Purdie. Além disso, executou instrumental de guitarra e bateria com Johnny Yoshinaga e, ao final do festival, se juntou a uma jam ao vivo com o baixista Felix Pappalardi do Mountain e o vocalista Akira "Joe" Yamanaka da Flower Travellin' Band. Apenas seu set com Purdie foi gravado e lançado.

Segundo estimativas, Blow by Blow supera a casa de 1 milhão de cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Jeff Beck – Guitarras

Max Middleton – Teclados

Phil Chen – Baixo (creditadoo como "Phil Chenn")

Richard Bailey – Bateria, Percussão

Stevie Wonder – Clavinete não creditado em "Thelonius

Faixas:

01. You Know What I Mean (Beck/Middleton) - 4:02

02. She's a Woman (Lennon/McCartney) - 4:28

03. Constipated Duck (Beck) - 2:50

04. AIR Blower (Beck/Middleton/Bailey/Chen) - 5:07

05. Scatterbrain (Beck/Middleton) - 5:39

06. Cause We've Ended as Lovers (S. Wonder) - 5:51

07. Thelonius (S. Wonder) - 3:17

08. Freeway Jam (Middleton) - 4:57

09. Diamond Dust (B. Holland) - 8:24

Opinião do Blog:

Blow by Blow é um álbum muito importante no que concerne à fusão do Jazz e do Rock e, claro, para a carreira de Jeff Beck.

Composta por músicos extremamente talentosos, Blow by Blow mostra uma sonoridade madura e bem aplicada, onde a base é o Jazz, mas trazendo uma roupagem rock and roll, com muito talento e muita criatividade.

Jeff Beck é claramente o protagonista e sua guitarra é o destaque máximo do trabalho. Belas linhas de guitarras e solos realmente incríveis cativam o ouvinte pelas belas nove canções instrumentais. Os arranjos são belíssimos, e as canções cativam de imediato.

Claro que também merecem destaque os teclados de Max Middleton, que compartilha e contrapõe as guitarras de Beck com perfeição, em perfeita simbiose musical.

Todas as canções são inspiradoras, mas destacamos as incríveis “Cause We've Ended as Lovers”, “Thelonious”, “Freeway Jam” e a versão criativa para “She’s a Woman”.

Enfim, Blow by Blow é um álbum essencial para o Rock instrumental e um atestado definitivo do talento de Jeff Beck.

WOLFMOTHER - WOLFMOTHER (2005)

2026-07-07T14:49:51.754-03:00

Wolfmother é o álbum de estreia da banda australiana de mesmo nome. O lançamento oficial aconteceu em 31 de outubro de 2005, pelo selo Modular. As gravações se deram no Sound City, em Los Angeles, Estados Unidos. A produção ficou a cargo de Dave Sardy.

O Wolfmother é uma banda australiana de rock, oriunda de Sydney. Formado em 2004, o grupo é centrado no vocalista e guitarrista Andrew Stockdale, que é o único membro constante da formação.

A gênese do Wolfmother começou em 2000, quando os membros fundadores Andrew Stockdale, Chris Ross e Myles Heskett começaram a tocar juntos, antes de formar oficialmente a banda em 2004.

Antes disso, Stockdale era fotógrafo, Ross trabalhava com mídia digital e Heskett trabalhava como designer gráfico. Ross surgiu com o nome da banda.

A primeira apresentação ao vivo da recém-batizada Wolfmother aconteceu em 14 de abril de 2004, no Vic in the Park, um pub em Sydney. O grupo assinou contrato com o selo independente australiano Modular Recordings em agosto de 2004, com quem lançou seu primeiro EP autointitulado, Extended Play (EP) Wolfmother, no mês seguinte. O EP alcançou a 35ª posição na parada australiana.

A banda excursionou para promover o lançamento por aproximadamente seis meses, período durante o qual assinou um contrato de gravação internacional com o Universal Music Group.

Andrew Stockdale

Depois de produzir uma demo para a Interscope Records, da Universal, em Sydney, o Wolfmother começou a gravar seu primeiro álbum de estúdio na Califórnia com o produtor Dave Sardy, em maio de 2005.

O disco

A banda ensaiou durante seis semanas no Cherokee Studios, antes de gravar no Sound City, Pass e Sunset Sound Studios. Sardy adotou uma abordagem minimalista para a produção, com o objetivo de capturar a natureza "crua e emotiva" dos shows ao vivo da banda e priorizando "o sentimento perfeito" em vez de uma "atuação impecável".

Contribuintes adicionais para o disco incluíram Lenny Castro (percussão), Dan Higgins (flauta) e o próprio Sardy (percussão). "Mind's Eye" foi lançado como o primeiro single do próximo álbum em 16 de outubro de 2005.

Na realidade, seis singles foram retirados do álbum de estreia de Wolfmother: "Mind's Eye" (com "Woman"), "White Unicorn", "Dimension", "Woman", "Love Train" e "Joker & the Thief", o último dos quais alcançou sucesso o mais alto, no oitavo lugar da parada australiana de singles.

Chris Ross

A capa do álbum, retirada de The Sea Witch, de Frank Frazetta, mostra uma ninfa parada contra um céu azul/laranja, sobre uma rocha, embora por exibir nudez o álbum seja vendido nas lojas Wal-Mart com uma capa alternativa apresentando simplesmente o logotipo branco da banda contra um fundo preto.

É o único álbum com os membros cofundadores Chris Ross e Myles Heskett, que deixaram a banda em agosto de 2008.

DIMENSION

“Dimension” é um rock pesado, embora mais cadenciado, abrindo o trabalho com intensidade.

A letra evoca expansão e isolamento existencial (“cair no deserto”, buscando escrever algo). Musicalmente, simboliza a jornada interior que perpassa o disco.

A canção foi um singles do álbum, mas não repercutiu nas principais paradas de sucesso.

WHITE UNICORN

“White Unicorn” é um Hard Rock vigoroso, com ótimos vocais e muita potência.

A imagem do “unicórnio branco” sugere busca de pureza ou transcendência. Psicodélico em sua execução, a canção equilibra metáforas com grooves intensos.

Foi um single do disco, mas não alcançou posições de maiores destaques.

WOMAN

“Woman” é rápida e intensa e, aos meus ouvidos, possui influências de Kiss.

Possui uma letra direta sobre fascinação e desejo. A simplicidade lírica combina com a melodia pegajosa.

Talvez seja o single de maior sucesso do trabalho, mas repercutiu apenas em paradas secundárias.

WHERE EAGLES HAVE BEEN

“Where Eagles Have Been” é uma canção que se inicia de modo mais tranquilo, mas depois vai ganhando potência e se encerra com um solo de guitarra muito empolgante.

Essa faixa traz uma abordagem lírica mais abstrata — sugerindo reflexão sobre jornadas, liberdade e lugares místicos (“onde as águias estiveram”).

APPLE TREE

Em “Apple Tree”, o grupo aposta em uma estrutura que intercala momentos calmos com agitação.

A letra evoca imagens naturais com um tom menos místico e mais terreno, quase rústico, e pode ser interpretada tanto como reflexão sobre simplicidade quanto como metáfora de tentação e desejo.

JOKER & THE THIEF

“Joker & the Thief” é um hard rock intenso, mas com um viés alternativo, contando com a guitarra bem afiada.

Conta com uma narrativa melódica com referências quase folclóricas — o “bobo da corte” e o “ladrão” como figuras ambíguas — que representam caos e rebeldia.

Foi lançada como single, mas não obteve destaque significativo.

COLOSSAL

O riff de “Colossal” é cativante, lento e pesado, em uma espécie de stoner muito especial.

Aborda temas de grandiosidade e intensidade — seja emocional, social ou metafórica — refletindo o próprio título.

MIND’S EYE

Composição maiúscula, uma balada poderosa, sentimental e extremamente comovente.

Aqui o foco recai sobre a percepção interior e imagética mental (“olho da mente”), sugerindo uma exploração introspectiva de consciência e visão expandida.

Mais um single, com repercussão na Austrália.

PYRAMID

“Pyramid” é um hard rock excelente, com alguns toques, digamos, orientais na guitarra e ótimos vocais.

Com referências a símbolos antigos (pirâmides), a letra joga com a ideia de estruturas imponentes e mistérios antigos, enquadrando-se no clima místico que atravessa o álbum.

WITCHCRAFT

“Witchcraft” possui passagens com flautas e cuja melodia remete imediatamente ao Jethro Tull.

A letra e o som sugerem invocação e energia carnal, num sentido clássico de “magia” aplicada a relações humanas.

TALES

“Tales” possui uma pegada mais calma, sendo uma balada que também evoca o Tull dos anos 1970.

As letras sugerem histórias contadas ao redor da fogueira — mitos pessoais ou coletivos, reforçando a estética folclórica e trippy do disco.

LOVE TRAIN

“Love Train” é pesada, possuindo um toque modernoso (para a época), embora seu ritmo seja bom.

A metáfora do “trem do amor” é conjurada para representar movimento, conexão e união emocional.

Mais um single com pouca repercussão nas principais paradas de sucesso.

VAGABOND

“Vagabond” encerra o trabalho com um “hard zeppeliano”, com uma mescla de melodia e potência.

Como faixa de encerramento, Vagabond evoca um espírito nômade, livre e um pouco solitário — reflexo ideal para fechar um álbum que constantemente fala de jornadas, misticismo e identidade interior.

Considerações Finais

Wolfmother foi lançado pela primeira vez na Austrália em 30 de outubro de 2005 pela Modular Recordings. Antes de seu lançamento, foi tocado em alta rotação na estação de rádio Triple J e, como resultado, foi o álbum de destaque da semana a partir de 28 de outubro, vencendo o prêmio J Award inaugural e o sendo escolhido como álbum do ano pelos ouvintes.

Myles Heskett

Também contribuiu com um total recorde de seis músicas para a parada Hottest 100 (australiana), das quais a mais alta foi "Mind's Eye" na 6ª posição. Em 2007, o álbum foi certificado cinco vezes platina e alcançou a posição número 3.

Para o lançamento internacional do álbum, a lista de faixas foi ligeiramente ajustada e "Love Train", anteriormente lançada como lado B de "White Unicorn", foi adicionada.

O disco não foi tão bem recebido no Reino Unido e nos EUA como na Austrália, embora Wolfmother ainda tenha conseguido alcançar o número 25 e o número 22, respectivamente.

Após seu lançamento, Wolfmother recebeu críticas principalmente positivas dos críticos. Foi eleito o 15º melhor álbum de 2006 pela revista Rolling Stone. O som do álbum foi comparado ao de bandas de hard rock e heavy metal dos anos 1960 e 1970, como Led Zeppelin e Black Sabbath. bem como bandas mais modernas, incluindo Queens of the Stone Age e The White Stripes, embora isso tenha levado alguns críticos a acusarem o trio de copiar tais bandas.

A Q foi um pouco menos crítica, descrevendo a música como "longe da ciência dos foguetes, mas mesmo assim muito divertida". A Total Guitar deu ao álbum 9/10, descrevendo-o como "maravilhoso", acrescentando que "não pode deixar de te surpreender". A Record Review também elogiou a banda e sua estreia, comentando que se eles "continuarem a produzir músicas épicas e riffs memoráveis, não há dúvida de que estarão na vanguarda do rock and roll nos próximos anos".

Lars Ulrich, do Metallica, ficou registrado como um grande fã desta estreia, notando que ela foi "incrível" e que após seu lançamento, ele a ouviria "todos os dias".

Segundo estimativas, o álbum vendeu mais de um milhão de cópias em todo o mundo.

Formação:

Andrew Stockdale – Vocal, Guitarra

Chris Ross – Baixo, Teclados

Myles Heskett – Bateria

Músicos adicionais:

Lenny Castro – percussão em "Apple Tree", "Witchcraft" e "Love Train"

Dan Higgins – flauta em "Witchcraft"

Faixas:

Todas as faixas creditadas aos 3 membros do grupo.

01. Dimension - 4:21

02. White Unicorn - 5:04

03. Woman - 2:56

04. Where Eagles Have Been - 5:33

05. Apple Tree - 3:30

06. Joker & the Thief - 4:40

07. Colossal - 5:04

08. Mind's Eye - 4:54

09. Pyramid - 4:28

10. Witchcraft - 3:25

11. Tales - 3:39

12. Love Train - 3:03

13. Vagabond - 3:50

Opinião do Blog:

Como nasci ainda no século XX, tendo a ver bandas que surgiram no século XXI como novas, mas este disco de estreia do Wolfmother já vai completar 20 anos de lançamento: como o tempo passa rápido.

A realidade é que o trio original do Wolfmother bebeu nas fontes setentistas e isto fica muito evidente neste álbum. A influência principal e mais notória é evidentemente o Led Zeppelin de álbuns como o Led Zeppelin II, muito embora a presença constante de teclados também remeta ao Deep Purple.

Outra influência setentista que se pode perceber, entretanto de forma menos onisciente, é de bandas como o Jethro Tull, seja em faixas em que elas são gritantes (a flauta de “Witchcraft”), ou em composições fantasiosas e elaboradas como “Tales”.

Como uma possível influência moderna (para 2005, diga-se), o som do Wolfmother tem uma inegável pegada Stoner, que me remeteu particularmente ao ótimo Queens of the Stone Age, e a fusão de todas elas gera uma sonoridade única ao trabalho.

A pesada base criada por Chris Ross e Myles Heskett, muitas vezes “sabática”, proporcionam que a guitarra de Stockdale seja protagonista. Stockdale também brilha com ótimos vocais.

A inspirada “Pyramid” é um destaque com a bateria de Heskett ditando o ritmo acelerado. “White Unicorn” é bem zeppeliana enquanto a prog “Witchcraft” consegue contagiar com estilo diferente.

Mas nossas preferidas ficam com a ótima e ascendente “Where Eagles Have Been” e com “Mind’s Eyes”, uma balada extradimensional e uma das mais incríveis músicas dos anos 2000.

Embora a produção me soe como excessivamente crua, Wolfmother é um dos melhores álbuns de Hard Rock do século XXI. Pena que a banda jamais conseguiu chegar próxima a esta excelência em seus trabalhos posteriores.

THE BAND - MUSIC FROM BIG PINK (1968)

2026-06-30T08:29:52.964-03:00

Music from Big Pink é o álbum de estreia da carreira da banda canadense/americana chamada The Band, lançado oficialmente em 1º de julho de 1968 pelo selo Capitol. As gravações ocorreram naquele mesmo ano, nos estúdios A&R (NY) e Capitol (LA), ambos nos Estados Unidos. A produção ficou sob responsabilidade de John Simon.

Os membros da The Band incluíam o baixista/vocalista Rick Danko, o pianista/vocalista Richard Manuel, o organista Garth Hudson, o guitarrista Robbie Robertson e o baterista/vocalista Levon Helm.

Eles começaram a criar seu som distinto em 1967, quando improvisaram e gravaram (com Bob Dylan) um grande número de covers e material original de Dylan no porão de uma casa rosa em West Saugerties, Nova York, localizada na 56 Parnassus Lane.

A casa foi construída por Ottmar Gramms, que comprou o terreno em 1952. A casa foi construída pouco tempo antes de quando Rick Danko a encontrou para alugar. Danko foi morar com Garth Hudson e Richard Manuel em fevereiro de 1967. A casa ficou conhecida localmente como "Big Pink" por seu revestimento rosa. A casa foi posteriormente vendida por Gramms em 1977 e, desde 1998, é uma residência privada.

Rick Danko

Amplamente contrabandeado na época, inicialmente como Great White Wonder em julho de 1969, algumas das gravações que Dylan e a The Band fizeram foram lançadas oficialmente em 1975, em The Basement Tapes, e depois na totalidade em 2014, em The Bootleg Series Vol. 11: The Basement Tapes Complete.

No final de 1967, a banda sentiu que era hora de sair da sombra de Dylan e fazer a sua própria declaração.

O disco

O empresário da banda, Albert Grossman (que também era empresário de Dylan), abordou a Capitol Records para garantir um contrato de gravação para um grupo ainda informalmente descrito como "a banda de apoio de Dylan".

Alan Livingston da Capitol assinou com a Band, inicialmente sob o nome de Crackers. Armados com a notícia de um contrato de gravação para o grupo, eles atraíram Levon Helm de volta das plataformas de petróleo onde trabalhava para a Woodstock, onde assumiu sua posição crucial na The Band, cantando e tocando bateria.

O retorno de Helm coincidiu com um aumento de atividade na Big Pink, já que a banda embrionária não apenas gravou com Dylan, mas também começou a escrever suas próprias canções.

Após se encontrar com o produtor John Simon, a banda começou a gravar seu álbum de estreia em Manhattan, no A&R Studios, nos primeiros meses de 1968. A banda gravou "Tears of Rage", "Chest Fever", "We Can Talk", "This Wheel's On Fire" e "The Weight" em duas sessões.

Robbie Robertson

Robertson contou que quando Simon perguntou como eles queriam que soassem, eles responderam: "Exatamente como soava no porão".

A Capitol, satisfeita com a sessão de gravação inicial, sugeriu que o grupo se mudasse para Los Angeles para terminar a gravação de seu primeiro álbum no Capitol Studios. Eles também gravaram algum material no Gold Star Studios em Santa Monica Boulevard.

As músicas de Big Pink gravadas em Los Angeles foram "In A Station", "To Kingdom Come", "Lonesome Suzie", "Long Black Veil" e "I Shall Be Released".

Dylan se ofereceu para cantar no álbum, mas finalmente percebeu que era importante para a The Band fazer seu próprio trabalho. Em vez disso, Dylan marcou sua presença contribuindo com uma pintura para a capa.

Barney Hoskyns escreveu que é significativo que a pintura retrate seis músicos. A capa de Music from Big Pink pretendia estabelecer o grupo como tendo uma visão diferente da cultura psicodélica de 1968.

O fotógrafo Elliott Landy voou para Toronto para fotografar as famílias Danko, Manuel, Robertson e Hudson reunidas na granja Danko. Foi inserida uma foto de Diamond e Nell Helm, que moravam em Arkansas. A foto apareceu na capa com a legenda "Parente mais próximo". O design geral da capa é de Milton Glaser (que também fez o pôster que acompanha o Greatest Hits de Bob Dylan de 1967).

Vamos às faixas.

TEARS OF RAGE

Uma canção linda, intimista, e com atuação incrível dos vocais de Richard Manuel.

A letra — originalmente escrita por Bob Dylan e musicada por Richard Manuel — evoca um lamento quase shakespeariano sobre expectativas frustradas e dor pelo distanciamento de quem se amou.

TO KINGDOM COME

Manuel e Robertson dividem os vocais nesta canção roqueira, a qual evoca a psicodelia.

Liricamente, há referências — implícitas — à queda e passagem de um estado elevado a um inferior, evocando imagens de julgamento e transformação.

IN A STATION

“In a Station” é uma bela balada, cantada por Manuel, de maneira mais contida e emocional.

Liricamente, o protagonista espera por algo indefinido numa estação, refletindo sobre perdas e destinos que se cruzam.

CALEDONIAN MISSION

Uma espécie de mistura gospel e folk, “Caledonian Mission” tem bons vocais de Danko.

Robertson evoca uma jornada em direção à redenção ou a um destino nomeado ‘Caledonia’ — podendo ser interpretada como uma metáfora para busca interior ou espiritual.

THE WEIGHT

Um grande clássico do Rock, conta com vocais incríveis de Helm e Danko. Uma musicalidade envolvente e atmosférica, evocando ecos de Blues. Fantástica.

Escrita por Robertson, a letra narra a chegada de um viajante numa cidade fictícia chamada Nazareth, onde ele encontra personagens simbólicos e é pedido para resolver problemas — “carregar o peso” dos outros.

A faixa, que foi um single para a promoção do álbum, alcançou os 63º e 21º lugares nas principais paradas dos Estados Unidos e do Reino Unido, respectivamente.

WE CAN TALK

Liderada pelos teclados de Manuel, a suave “We Can Talk” é bem divertida.

A letra é quase um tratado sobre comunicação, amizade e o diálogo como reconciliação e conexão.

LONG BLACK VEIL

Uma versão maravilhosa para a canção originalmente gravada pelo artista country Lefty Frizzell, contando com boa interpretação de Danko.

A letra conta a história de um homem condenado à morte que recusa provar sua inocência para manter seu amor em segredo, evocando mistério, perda e fidelidade trágica.

CHEST FEVER

Com vocais de Manuel, esta é uma das músicas mais intensas da obra, liderada por riffs intensos e um órgão poderoso.

A letra é menos linear, funcionando mais como um complemento hipnótico à performance.

LONESOME SUZIE

Esta canção é bem contida e introspectiva, contando com bons vocais de Manuel, uma balada com ecos gospel.

A letra é sobre um personagem (Suzie) isolado emocionalmente, em que o narrador tenta estar ao seu lado, mas percebe que não pode resgatá-la de sua tristeza.

THIS WHEEL’S ON FIRE

Uma das faixas mais enigmáticas do conjunto, escrita no período das Basement Tapes, por Bob Dylan e Danko. A versão do The Band é de arrepiar!

Liricamente, explora imagens de mudança, caos e fatalidade iminente — como se algo inevitável estivesse se aproximando, girando como uma roda em chamas.

I SHALL BE RELEASED

Manuel é a voz principal de uma grande canção de Dylan, mais contida e com forte pegada folk.

A letra é uma poderosa reflexão sobre prisão — literal e metafórica — e libertação espiritual

Considerações Finais

A recepção inicial do álbum foi positiva. Recebeu elogios pela qualidade orgânica da instrumentação, que foi gravada ao vivo sem overdubbing. Na Rolling Stone, houve a crítica entusiasmada de Al Kooper sobre Big Pink. Robert Christgau ficou menos entusiasmado no The Village Voice.

Richard Manuel

Em 1968, "The Weight" alcançou a posição 63 na parada de singles Hot 100 da Billboard nos EUA. A música foi um sucesso maior em outros lugares, alcançando a 35ª posição no Canadá e a 21ª posição no Reino Unido.

O álbum alcançou a 18ª posição no Canadá e alcançou a 30ª posição na parada de álbuns pop da Billboard em 1968, e então voltou a alcançar o 8º lugar na parada de álbuns da Internet em 2000.

"The Weight" ganhou grande popularidade pela apresentação da banda em 17 de agosto de 1969, no Woodstock, e parcialmente devido à sua inclusão no filme Easy Rider, embora tenha sido omitido da trilha sonora por questões de licenciamento.

A sensação descontraída do álbum atraiu a atenção de outros grandes artistas. Por exemplo, Eric Clapton cita o estilo rock de raiz do álbum como o que o convenceu a sair do Cream e a envolver Delaney, Bonnie e amigos como "Derek and the Dominos" em seu primeiro álbum solo.

George Harrison também ficou impressionado com a musicalidade e o senso de camaradagem do álbum, e Roger Waters do Pink Floyd o chamou de o segundo "disco mais influente na história do rock and roll", depois do Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, e disse que isso "afetou profundamente o Pink Floyd". De acordo com Terry Burrows, o álbum gerou o gênero americana, enquanto o acadêmico musical Chris Smith disse que suas canções lançaram as bases para o roots rock.

Prêmios

Music from Big Pink foi eleito a posição 452 na terceira edição do All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin (2000).

Em 2003, ficou em 34º lugar na lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone, uma classificação que manteve na lista revisada de 2012 da revista, antes de cair para o número 100 em uma lista revisada de 2020.

Segundo algumas estimativas, Music from Big Pink supera a casa de 500 mil cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Rick Danko – Baixo, Violino, Vocal

Levon Helm – Bateria, Pandeiro, Vocal

Garth Hudson – Órgão, Piano, Clavinete, Saxofones

Richard Manuel – Piano, Órgão, Vocal

Robbie Robertson – Guitarras, Vocal

Faixas:

01. Tears of Rage (Dylan/Manuel) - 5:23

02. To Kingdom Come (Robertson) - 3:22

03. In a Station (Manuel) - 3:34

04. Caledonia Mission (Robertson) - 2:59

05. The Weight (Robertson) - 4:34

06. We Can Talk (Manuel) - 3:06

07. Long Black Veil (Wilkin/Dill) - 3:06

08. Chest Fever (Robertson) - 5:18

09. Lonesome Suzie (Manuel) - 4:04

10. This Wheel's on Fire (Dylan/Danko) - 3:14

11. I Shall Be Released (Dylan) - 3:19

Opinião do Blog:

Depois de deixar o acompanhamento do lendário Bob Dylan, a The Band pode explorar todo seu potencial ao seguir seu próprio caminho.

Mergulhando na música Country e nas raízes do Rock ‘n’ Roll, o grupo construiu seu clássico Music from Big Pink, um álbum extremamente influente e que, de sua própria maneira, transformou o estilo Rock.

Muito se deve aos seus excelentes músicos, todos muito talentosos. Imagino que o tempo que o grupo trabalhou com um músico como Bob Dylan, um dos maiores artistas do século XX, elevou a capacidade musical da The Band a níveis que os próprios caras não sabiam que possuíam.

Embora, como afirmei, todos sejam músicos muito bons, destaco a capacidade criativa do guitarrista Robbie Robertson e sua abordagem nas guitarras, bem como os vocais cativantes de Richard Manuel.

Faixas como “Lonesome Suzie”, “This Wheel's on Fire” e “I Shall Be Released” são exemplos de canções suaves e cativantes. Há a lindíssima “Tears of Rage” e minha predileta, a espetacular “The Weight”.

Enfim, não há muito a que se dizer. Apenas conheça a The Band e ouça, muito, o Music from a Big Pink.

FASTER PUSSYCAT - FASTER PUSSYCAT (1987)

2026-06-23T08:18:38.536-03:00

Faster Pussycat é o primeiro álbum de estúdios da carreira da banda norte-americana de mesmo nome. O lançamento oficial ocorreu no dia 7 de julho de 1987, através do selo Elektra Records. As gravações se deram no Amigo Studios, em Los Angeles, Estados Unidos com produção de Ric Browde.

No epicentro da efervescência cultural da Sunset Strip em meados dos anos 1980 — uma cena que simultaneamente celebrava e caricaturava os excessos do rock — surge o Faster Pussycat, um grupo que encarnaria uma vertente mais suja e hedonista do glam metal. Sua trajetória inicial, que culmina no lançamento do álbum homônimo em 1987, é indissociável desse contexto histórico, em que clubes, estética e atitude eram tão determinantes quanto a própria música.

Origens

A banda foi formada em 1986, em Hollywood, pelo vocalista Taime Downe, figura central tanto musical quanto simbolicamente. O nome — retirado do filme cult Faster, Pussycat! Kill! Kill! (1965), de Russ Meyer — já indica uma filiação estética: provocativa, marginal e deliberadamente exagerada. Desde o início, o grupo se posicionava menos como um produto polido do mainstream e mais como um reflexo direto da vida noturna decadente de Los Angeles.

A gênese da banda também revela a fluidez típica da cena local. As primeiras formações passaram por mudanças rápidas, com conexões diretas a grupos como L.A. Guns, evidenciando o caráter quase comunitário do circuito. Eventualmente, consolidou-se um núcleo com Downe, os guitarristas Greg Steele e Brent Muscat, além de Eric Stacy no baixo e Mark Michals na bateria. Mais do que a formação em si, porém, foi o ambiente que moldou o Faster Pussycat.

Taime Downe

Downe, ao lado do futuro apresentador da MTV Riki Rachtman, foi cofundador do clube Cathouse — um dos pontos nevrálgicos da cena glam/sleaze. Ali, bandas não apenas tocavam: construíam identidade. O Faster Pussycat emergiu desse espaço com uma proposta que mesclava o hard rock clássico de Aerosmith e The Rolling Stones com a crueza punk de Sex Pistols e New York Dolls.

Essa síntese sonora — frequentemente classificada como sleaze rock — diferenciava o grupo de contemporâneos mais radiofônicos. Enquanto bandas como Poison apostavam em refrões acessíveis e estética higienizada, o Faster Pussycat explorava narrativas urbanas mais ásperas, centradas em sexo, vício e sobrevivência cotidiana. A crítica posterior reconheceria esse traço como parte de um movimento mais “pé no chão” dentro do glam, ainda que não necessariamente mais sofisticado.

O contrato com a Elektra Records, firmado no auge da corrida das gravadoras por bandas da Sunset Strip, foi o passo decisivo para a consolidação do grupo. Em 7 de julho de 1987, lançaram seu álbum de estreia, Faster Pussycat, produzido por Ric Browde.

Gravações

As sessões de gravação ocorreram entre 1986 e 1987, período que coincide com a consolidação da formação clássica do grupo após mudanças internas — especialmente a entrada do baixista Eric Stacy pouco antes das gravações. Fontes europeias indicam ainda que o registro se deu no Amigo Studios, em Los Angeles, um estúdio bastante utilizado por artistas ligados ao hard rock e ao pop da época.

Eric Stacy

Composição

O repertório revela uma dinâmica composicional relativamente centralizada, pois Taime Downe (vocalista) é o principal compositor, assinando sozinho ou em parceria todas as faixas. As colaborações mais frequentes ocorrem com os guitarristas Greg Steele e Brent Muscat.

Gravação e processo de estúdio

O álbum foi registrado em Los Angeles, no contexto direto da cena da Sunset Strip. O período de gravação relativamente curto (1986–1987) sugere um processo ágil, típico de bandas recém-contratadas por majors naquele momento.

O som final privilegia uma abordagem crua e direta, com pouca sofisticação de pós-produção, alinhada à estética sleaze — algo reforçado por análises críticas posteriores.

Produção

A produção ficou a cargo de Ric Browde, figura relevante dentro do circuito glam metal dos anos 1980. Ele havia trabalhado com artistas do mesmo circuito (como Poison), o que o tornava uma escolha natural para traduzir o som da Sunset Strip para um produto comercial.

Greg Steele

Sua abordagem buscou equilibrar energia crua e acessibilidade, sem polir excessivamente o material — um ponto que diferencia o disco de produções mais “radiofônicas” do período.

DON’T CHANGE THAT SONG

“Don’t Change That Song” abre o disco com um bom ritmo em um hard rock que remete ao Aerosmith.

Liricamente, há uma defesa da autenticidade — ainda que essa “autenticidade” esteja profundamente ligada ao hedonismo da cena.

BATHROOM WALL

Um clássico da banda, trazendo um riff setentista do clássico Hard Rock norte-americano.

A faixa mergulha no submundo sexual urbano, evocando contatos anônimos e impulsos voyeurísticos sugeridos pelo título. A narrativa é direta, quase documental, e sintetiza a estética provocativa da banda.

Foi um single que não repercutiu nas principais paradas de sucesso, mas seu videoclipe teve boa circulação na MTV.

NO ROOM FOR EMOTION

“No Room for Emotion” é mais cadenciada e suave, com bons vocais de Taime Downe.

Aqui, o discurso emocional é substituído por uma postura cínica: relações são tratadas como descartáveis, e a vulnerabilidade é rejeitada. A canção dialoga com o ethos da cena, onde intensidade não implica profundidade afetiva.

CATHOUSE

“Cathouse” é uma composição claramente inspirada no Aerosmith de Toys in the Attic, com ótimos vocais e grande intensidade.

“Cathouse” é praticamente um hino ao clube homônimo cofundado por Downe. A letra celebra o excesso — sexo, drogas e sociabilidade noturna — com um tom quase celebratório, mas sem romantização explícita.

Foi outro single, sem posições relevantes documentadas, mas com forte exposição em vídeo.

BABYLON

“Babylon” é uma faixa com ótimos riffs e grandes solos, uma composição maiúscula.

A referência bíblica serve como metáfora para decadência urbana. “Babilônia” surge como um símbolo de corrupção moral e prazer efêmero — uma leitura que ecoa tanto tradição religiosa quanto crítica cultural contemporânea.

Outro single do disco, mas sem posição importante nas paradas.

SMASH ALLEY

“Smash Alley” traz uma sonoridade que remete ao Guns N’ Roses, sendo uma música divertida.

A faixa reforça a geografia mítica da Sunset Strip, transformando ruas e becos em espaços de identidade. A letra sugere violência, sexo e sobrevivência — elementos que compõem a narrativa de marginalidade estilizada da banda.

SHOOTING YOU DOWN

“Shooting You Down” tem uma pegada bem glam metal dos anos oitenta, com um bom trabalho das guitarras.

A linguagem sugere ressentimento e rejeição, mantendo a coerência com a postura emocionalmente defensiva do álbum.

CITY HAS NO HEART

“City Has No Heart” segue a pegada da música anterior, sem grandes novidades, mas mantendo a intensidade.

Uma das poucas faixas que insinuam reflexão mais ampla, a música apresenta a cidade como entidade impessoal e corrosiva. Ainda assim, evita sentimentalismo: o olhar é distanciado, quase resignado.

SHIP ROLLS IN

Esta é a canção que menos gosto no álbum, “Ship Rolls In”, soando apenas descartável em comparação ao restante do trabalho, muito por conta de um riff pálido.

A temática gira em torno de expectativa e recompensa — frequentemente associada a dinheiro, sucesso ou oportunidades. A metáfora marítima sugere ciclos de sorte, algo recorrente na narrativa de ascensão do rock.

BOTTLE IN FRONT OF ME

Misturando blues e hard rock, o grupo fecha o disco com a pesada (e ótima) “Bottle in Front of Me”.

O encerramento retoma o hedonismo, agora com foco explícito no álcool como mecanismo de escape. A canção equilibra humor e autodestruição.

Considerações Finais

Faster Pussycat conseguiu atingir a 97ª posição da principal parada norte-americana. “Babylon”, “Don't Change That Song” e "Bathroom Wall" foram os singles, mas não repercutiram em termos de paradas de sucesso.

Em novembro de 1987, a banda apareceu na capa da edição de estreia da Screamer Magazine. Nos Estados Unidos a banda fez uma turnê com Alice Cooper, David Lee Roth e Motörhead para divulgar o álbum.

A crítica viu com bons olhos o disco. Robert Christgau elogiou o lado A, comparando-o ao Aerosmith setentista. Steve Huey, do AllMusic, dá uma nota 4 (em 5) ao disco, comparando-o ao Guns N’ Roses.

Prêmios

Em 2005, o Faster Pussycat foi classificado em 498º lugar no livro da revista Rock Hard dos 500 melhores álbuns de rock e metal de todos os tempos.

Dois anos depois, o Faster Pussycat gravou seu álbum de maior sucesso, Wake Me When It's Over.

Formação:

Taime Downe – Vocal

Greg Steele – Guitarra, Backing vocals

Brent Muscat – Guitarra, Backing vocals

Eric Stacy – Baixo, Backing vocals

Mark Michals – Bateria, Backing vocals

Faixas:

01. Don't Change That Song (Downe/Steele) – 3:40

02. Bathroom Wall (Downe) – 3:40

03. No Room for Emotion (Downe/Muscat) – 3:56

04. Cathouse (Downe) – 3:42

05. Babylon (Downe/Steele) – 3:14

06. Smash Alley (Downe/Muscat) – 3:28

07. Shooting You Down (Downe) – 3:46

08. City Has No Heart (Downe/Muscat) – 4:19

09. Ship Rolls In (Downe/Steele) – 3:26

10. Bottle in Front of Me (Downe/Muscat) – 3:02

Opinião do Blog:

O Faster Pussycat não é das bandas mais conhecidas oriundas do Glam Metal.

Entretanto, a banda possuía uma sonoridade muito influenciada pelo Aerosmith setentista e isto era visível na ótima atuação dos dois guitarristas, Greg Steele e Brent Muscat que, se não são expoentes do Rock, são ótimos executores.

Ao misturar o Glam Metal com o som do Aerosmith, a banda se destaca, especialmente na primeira metade do trabalho. Essa fusão do peso do Glam Metal com a malemolência do som setentista apresenta os melhores momentos do disco.

É nele que estão faixas memoráveis como “Bathroom Wall” e “Babylon” as quais se apresentam com um belo festival de riffs e solos. A divertida “No Room for Emotion” também cativa, mas a nossa preferida é a paulada “Cathouse”, uma canção perdida no tempo, mas que é um deleite para fãs de Hard Rock.

A segunda metade do álbum não chega a ser descartável, mas aposta em um Glam Metal mais padrão, que não brilha, mas não chega a decepcionar. O melhor momento é a empolgante “Bottle in Front of Me”.

Concluindo, o álbum de estreia do Faster Pussycat merece um resgate, pois traz uma boa banda que não fez muito sucesso, mas trazia uma boa síntese de Hard Rock divertido e bem tocado. Para iniciados em Glam Metal, mas pode agradar fãs de Aerosmith.

FAITH NO MORE - THE REAL THING (1989)

2026-06-15T10:31:51.422-03:00

The Real Thing é o terceiro álbum de estúdios da carreira da banda norte-americana Faith No More, lançado oficialmente em 20 de junho de 1989, pelos selos Slash e Reprise. As gravações aconteceram no Studio D, em Sausalito, Estados Unidos, com produção de Matt Wallace e da própria banda.

O Faith No More passou por várias mudanças de formação antes de gravar seu primeiro álbum, We Care a Lot, lançado em 1985 e distribuído pelo selo Mordam Records, de São Francisco. No lançamento original em vinil, a banda é creditada como "Faith. No More" no encarte do álbum, na contracapa e no próprio disco.

Dentro de um ano, a banda assinou contrato com a Slash Records. A faixa-título do álbum de estreia, "We Care a Lot", foi posteriormente regravada, para o álbum seguinte, Introduce Yourself, em 1987, e lançada como seu primeiro single. A formação permaneceu estável até que o vocalista Chuck Mosley foi substituído por Mike Patton em 1988.

Mike Patton

A composição da maioria das músicas de The Real Thing ocorreu após a turnê de Introduce Yourself. Uma versão demo de "The Morning After", sob o nome provisório de "New Improved Song", com letras alternativas escritas e cantadas por Chuck Mosley foi lançada no Extended Play Sounds·Waves 2 com a revista Sounds.

"Surprise! You're Dead!" foi composta por Jim Martin na década de 1970, enquanto ele era guitarrista do Agents of Misfortune; uma banda que também contou com Cliff Burton em sua formação. A gravação da música ocorreu em dezembro de 1988, após Chuck Mosley ser demitido da banda, e foi concluída antes da contratação de Mike Patton, que então escreveu todas as letras das músicas e as gravou no mês seguinte.

O disco

As sessões de gravação renderam diversas músicas que não constaram no álbum. Duas delas, "The Grade" e "The Cowboy Song", apareceram mais tarde nos singles e na edição britânica de Live at the Brixton Academy.

James Martin

Uma terceira música, "Sweet Emotion", foi posteriormente regravada com letras diferentes como "The Perfect Crime" para a trilha sonora do filme, que também estrelou uma participação especial do guitarrista Jim Martin, Bill & Ted's Bogus Journey.

A versão original foi lançada em Flexible Fiend 3 com Kerrang! edição 258 da revista e em The Very Best Definitive Ultimate Greatest Hits Collection, a compilação dos maiores sucessos, de 2009, lançada para coincidir com a turnê de reunião da banda.

FROM OUT OF NOWHERE

O disco é aberto com “From Out of Nowhere”, um rock mais padrão, puxando para o alternativo, com os vocais de Patton como destaque.

Liricamente, retrata um choque, uma entrada abrupta (“from out of nowhere”) que pode ser interpretada como uma metáfora para encontros ou eventos que mudam a direção da vida.

Foi lançada como primeiro single, não entrou inicialmente no UK Singles Chart, mas, após o sucesso de “Epic”, alcançou #23 no Reino Unido

EPIC

Indubitavelmente a canção de maior sucesso do Faith No More, misturando peso, intensidade e muito groove.

As letras de Patton são enigmáticas e sugerem frustrações e impulsos que não são totalmente articulados — o que amplia seu impacto interpretativo.

Um single que atingiu a 9ª posição da Billboard Hot 100 e a 25ª na correspondente britânica.

FALLING TO PIECES

Bordin e Gould criam a base sobre a qual Patton tece uma interpretação brilhante em um clássico da banda.

A canção fala sobre desgaste emocional e coexistência de sentimentos contraditórios — a ideia de literalmente “despedaçar” as partes de si.

Um single que atingiu a 92ª posição da Billboard Hot 100 e a 41ª na correspondente britânica.

SURPRISE! YOU’RE DEAD!

Uma faixa que une Heavy Metal a uma vocalização mais agressiva de Patton, com bastante peso e uma bateria frenética.

As letras transparecem ironia e choque — quase como uma crônica acelerada sobre morte e surpresa existencial.

ZOMBIE EATERS

“Zombie Eaters” tem muito groove e um ritmo mais ‘rapeado’, sem abrir mão do peso.

Uma das composições mais sarcásticas e sombrias do disco, cheia de imagens grotescas e humor mórbido — possivelmente uma metáfora perturbadora sobre consumismo, medo ou alienação.

THE REAL THING

A faixa-título é bastante pesada e intensa, além de ser a mais longa, contando com variações entre passagens fortes e outras calmas.

Liricamente, questiona autenticidade, identidade e a ideia do “verdadeiro” em meio à confusão emocional e existencial.

UNDERWATER LOVE

“Underwater Love” é mais tradicional, com uma pegada rock mais padrão, porém, com o peso característico do grupo.

A letra usa a ideia de “amor submerso” como imagem de entrega intensa e possivelmente sufocante — um contraste deliberado com o peso bruto das faixas anteriores.

THE MORNING AFTER

“The Morning After” é uma música em que o baixo e os teclados estão bem proeminentes, formando uma ótima base para esta interessante canção.

O que poderia parecer uma simples canção pós-noite, aqui é envolto em questões de arrependimento, consequência e introspecção — como refletir sobre as escolhas feitas e suas ramificações.

WOODPECKER FROM MARS

Um interlúdio instrumental expansivo e atmosférico. Ao dispensar letras, a faixa atua como um descanso reflexivo dentro da energia densa do álbum.

Considerações Finais

Graças ao sucesso do single “Epic”, The Real Thing atingiu a 11ª posição da Billboard 200 bem como a 30ª colocação de sua correspondente britânica.

O primeiro single a ser lançado do álbum foi "From Out of Nowhere" em 30 de agosto de 1989, que não conseguiu entrar no UK Singles Chart. Foi relançado em 2 de abril de 1990 e alcançou a posição 23 na parada britânica.

Mike Bordin

Entre esses lançamentos estava "Epic" em 30 de janeiro de 1990, cujo videoclipe foi amplamente exibido na MTV ao longo do ano, apesar de ter provocado a raiva de ativistas dos direitos dos animais por uma cena em câmera lenta de um peixe saindo da água.

"Falling to Pieces" foi lançado em 2 de julho de 1990, antes do relançamento de "Epic", que se tornou seu único single entre os dez primeiros na Billboard Hot 100.

The Real Thing é um dos álbuns de maior sucesso do Faith No More até hoje. Atualmente é considerado um álbum clássico do metal por fãs e críticos. Embora lançado em meados de 1989, The Real Thing não entrou na Billboard 200 até fevereiro de 1990, após o lançamento do segundo single do álbum, "Epic".

A turnê de divulgação de The Real Thing foi a primeira turnê do Faith No More conduzida com Mike Patton. A banda começou a ser comercializada como metal pela mídia após o lançamento do álbum, e agora eles tocavam principalmente com outras bandas do gênero heavy metal. Artistas notáveis com os quais Faith No More se apresentou durante o ciclo da turnê incluem Metallica, Billy Idol, Soundgarden, Voivod, Sacred Reich, Forbidden, Primus, Babes in Toyland e Poison.

O segundo show da turnê foi filmado para o videoclipe de "From out of Nowhere" na boate I-Beam. Durante o show, Patton teve uma garrafa de cerveja quebrada na mão direita, causando lacerações em alguns tendões. Ele recuperou o uso da mão depois de curada, mas perdeu sensibilidade.

A turnê de divulgação do álbum durou de 1989 a 1991. Devido ao seu pequeno catálogo na época, a banda eventualmente se cansou de tocar as músicas de The Real Thing no final da turnê. Isso foi citado como uma das razões para a mudança de sonoridade em seu próximo álbum, Angel Dust.

Prêmios

1º lugar na lista “Álbuns do Ano” Revista Kerrang, em 1989.
20º lugar na lista “Álbuns do Ano” Revista Sounds, em 1989.
27º lugar na lista “Álbuns do Ano” Revista Village Voice, em 1989.
50º lugar na lista "Álbuns que você deve ouvir antes de morrer, da Kerrang, em 1998.
64ª posição na lista “100 melhores álbuns de rock de todos os tempos", da Classic Rock, em 2001.
Está no livro 1001 álbuns que você deve ouvir antes de morrer.

Resta dizer que The Real Thing supera a casa de 1 milhão de cópias vendidas, segundo estimativas, nos Estados Unidos.

Formação:

Mike Bordin – Bateria

Roddy Bottum – Teclados

Bill Gould – Baixo

James Martin – Guitarras

Mike Patton – Vocal

Faixas:

01. From Out of Nowhere (Patton/Gould/Bottum) - 3:22

02. Epic (Patton/Gould/Bottum/Martin/Bordin) - 4:53

03. Falling to Pieces (Patton/Gould/Bottum/Martin) - 5:15

04. Surprise! You're Dead! (Patton/Martin) - 2:27

05. Zombie Eaters (Patton/Gould/Bottum/Martin/Bordin) - 5:58

06. The Real Thing (Patton/Gould/Bottum) - 8:13

07. Underwater Love (Patton/Gould/Bottum) - 3:51

08. The Morning After (Patton/Gould/Bottum/Martin) - 3:43

09. Woodpecker from Mars (instrumental) (Martin/Bordin) - 5:40

Opinião do Blog:

The Real Thing é um importante álbum para a carreira do Faith No More, não há muitas dúvidas quanto a isto, especialmente por conter bem possivelmente sua canção mais conhecida, “Epic”.

Quem viveu o fim dos anos 80 e início dos anos 90 e tinha acesso à MTV sabe o quanto este videoclipe de “Epic” passou exaustivamente na MTV Brasil e o quanto o Faith No More era uma banda importante e reconhecida.

Penso que outra camada importante para se revelar a importância de The Real Thing – e não exatamente algo que me agrade – é que suas canções inegavelmente foram fontes de inspiração para o então incipiente New Metal que seria catapultado ao mainstream no meio da década de 1990 (veja entrevistas de membros do Korn e as afirmações de como os caras curtiam o disco).

Pessoalmente, eu não consigo ver The Real Thing como exatamente New Metal, mesmo que alguns elementos já estejam presentes. Inegavelmente o som funkeado e grooveado, muito por conta da excelente seção rítmica formada por Mike Bordin e Bill Gould são elementos distintivos do grupo.

Obviamente, a adição de um vocalista talentoso como Mike Patton elevou – e muito – o patamar da banda e seu modo de cantar, muitas vezes com fortes toques de Rap e Hip Hop, são outro diferencial e influência para o New Metal. As guitarras de James Martin são pesadas e intensas.

“The Real Thing” é uma faixa pesada, intensa e conta com vocais bem articulados de Patton. “From Out of Nowhere” traz um excelente riff inicial, com pegada metálica e teclados afiados. “Falling to Pieces” segue a mesma dinâmica intensa de todo o disco.

Mas elegemos como nossas preferidas a porrada direta “Surprise! You're Dead!” e, claro, “Epic”, uma composição atemporal e um dos grandes clássicos do Rock em sua história.

Por fim, penso que ficou bem clara a qualidade de The Real Thing enquanto um disco criativo e inovador e também de sua importância e influência para o Rock e o Metal da década seguinte. Merece uma conferida.

SUPERTRAMP - CRIME OF THE CENTURY (1974)

2026-06-08T08:10:39.218-03:00

Crime of the Century é o terceiro álbum de estúdios da banda britânica Supertramp. O lançamento aconteceu em 25 de outubro de 1974, através do selo A&M. As gravações ocorreram entre fevereiro e junho daquele ano nos estúdios Trident, Ramport, Scorpio; todos em Londres, na Inglaterra. A produção ficou a cargo de Ken Scott e Supertramp.

A trajetória do Supertramp até Crime of the Century (1974) é, em muitos aspectos, paradigmática do rock britânico da virada dos anos 1960 para os 1970: uma combinação de idealismo artístico, instabilidade inicial e, finalmente, um refinamento estético que dialoga tanto com o progressivo quanto com a canção pop.

Origens

A gênese do grupo remonta a 1969, quando o tecladista e vocalista Rick Davies recebeu apoio financeiro do milionário neerlandês Stanley August Miesegaes — figura decisiva para viabilizar a formação inicial da banda.

Esse patrocínio não apenas permitiu a Davies montar um conjunto, como também lhe deu relativa liberdade para experimentar musicalmente em um momento em que o rock britânico se expandia para territórios mais ambiciosos.

É nesse contexto que surge a parceria com Roger Hodgson, guitarrista, cantor e compositor cuja sensibilidade melódica contrastava — e complementava — o viés mais bluesy e introspectivo de Davies. A tensão criativa entre ambos, frequentemente destacada por críticos e pelos próprios músicos, tornar-se-ia um dos motores estéticos do Supertramp.

Rick Davies

Primeiros lançamentos e crise

Os primeiros passos discográficos, contudo, foram marcados por incerteza. Os álbuns de estreia — Supertramp (1970) e Indelibly Stamped (1971) — não obtiveram sucesso comercial significativo, o que levou à dissolução parcial da formação original e ao fim do financiamento de Miesegaes em 1972.

Esse período de crise obrigou Davies e Hodgson a repensarem não apenas a formação da banda, mas também sua identidade sonora.

Roger Hodgson

A reconstrução se deu ao longo de 1972–73, com a entrada de músicos que seriam fundamentais para a chamada “formação clássica”: o baixista Dougie Thomson, o baterista Bob Siebenberg e o multi-instrumentista John Helliwell. Essa configuração estabilizou o grupo tanto musical quanto tecnicamente, permitindo uma abordagem mais sofisticada dos arranjos, com uso expressivo de sopros, teclados e texturas harmônicas.

Paralelamente, consolidava-se uma linguagem própria: um híbrido elegante entre o rock progressivo — em sua vertente mais acessível — e uma escrita pop altamente melódica. O piano elétrico Wurlitzer, frequentemente associado a Hodgson, tornou-se elemento identitário do som da banda, ao lado de estruturas composicionais que conciliavam ambição formal e apelo radiofônico.

Esse amadurecimento encontra sua síntese em Crime of the Century, lançado em setembro de 1974. Trata-se do terceiro álbum de estúdio do grupo, mas, mais significativamente, do primeiro com a formação estabilizada e com uma direção estética plenamente definida.

Datas de gravação e lançamento

O terceiro álbum do Supertramp foi gravado entre fevereiro e junho de 1974, em Londres, e lançado oficialmente em 25 de outubro de 1974 pela A&M Records.

As sessões ocorreram em três estúdios principais: Trident Studios, Ramport Studios (pertencente ao The Who) e no Scorpio Sound.

Joh Anthony Helliwell

Composição: método, volume e curadoria

Um dos dados mais reveladores sobre o processo criativo é o volume de material produzido. Durante a preparação do disco, Rick Davies e Roger Hodgson chegaram a compor e registrar cerca de 42 demos, das quais apenas oito foram selecionadas para o álbum final.

Um ponto foi o rigor curatorial incomum: o repertório final é fruto de forte seleção, não de escassez criativa. Outro ponto é sua dualidade autoral consolidada: todas as faixas são creditadas à dupla Davies/Hodgson, embora cada um mantivesse estilos distintos — Davies mais ligado ao rhythm & blues e Hodgson a uma escrita mais introspectiva e melódica.

Há ainda um dado curioso: algumas composições tiveram origem em material concebido anteriormente para a trilha do filme Extremes (1971).

Produção e engenharia de som

A produção foi assinada conjuntamente por Ken Scott e pela própria banda.

Scott não era um nome qualquer: engenheiro e produtor com passagens por David Bowie e The Beatles, ele trouxe ao projeto um nível técnico e uma sensibilidade sonora que ajudaram a transformar o disco em referência de qualidade de gravação.

Os engenheiros de som incluíram John Jansen e o próprio Scott, e os créditos revelam um cuidado minucioso com os arranjos — inclusive com participação do arranjador de cordas Richard Hewson.

Arte da capa: conceito e execução

A capa de Crime of the Century é um caso exemplar de diálogo entre música e imagem no rock dos anos 1970. O responsável foi o fotógrafo Paul Wakefield, em seu primeiro trabalho para capas de álbuns. O projeto foi supervisionado pelo diretor de arte Fabio Nicoli.

O processo criativo partiu de um briefing incomum: Wakefield foi convidado ao estúdio para ler as letras do álbum antes de conceber a imagem. A partir disso, ele combinou: o título Crime of the Century e uma linha da música “Asylum” (referente a confinamento e alienação).

A ideia final — aprovada pela banda — apresenta uma janela de cela flutuando no espaço, com mãos segurando as grades, sugerindo isolamento psicológico e social. Tecnicamente, a imagem foi construída com múltiplas exposições fotográficas e efeitos de estúdio, incluindo um “céu” artificial criado com perfurações em um fundo escuro iluminado.

Dougie Thomson

SCHOOL

A criativa “School” apresenta uma sonoridade melodicamente cativante, começando o disco em alta.

A abertura do álbum já estabelece o eixo temático: a escola como metáfora de condicionamento social. A letra questiona autoridade, conformismo e a perda da individualidade.

BLOODY WELL RIGHT

“Bloody Well Right” traz uma forte pegada bluesy, sendo mais direta, ‘roqueira’ e objetiva.

A letra aborda desigualdade social e privilégios de classe, com ironia mordaz. É um raro momento em que o Supertramp adota um tom quase confrontacional.

A canção foi um single que atingiu a 35^a colocação na principal parada dos Estados Unidos desta natureza.

HIDE IN YOUR SHELL

Com boas presenças do baixo e do saxofone, além do empolgante vocal de Hodgson, “Hide in Your Shell” é mais intimista e mais introspectiva.

A letra trata de isolamento emocional, medo de rejeição e a dificuldade de conexão humana. Há um tom empático — quase terapêutico — sugerindo acolhimento em vez de julgamento.

ASYLUM

A teatralidade de “Asylum” é notável, com suas alternâncias de dinâmicas e os vocais divididos de Hodgson e Davies contribuindo muito para sua dramaticidade.

A narrativa mergulha na loucura institucionalizada — ou na percepção social da loucura. A letra sugere paranoia e desintegração mental, ao mesmo tempo em que questiona quem define a “sanidade”.

DREAMER

“Dreamer” é uma composição que demonstra a evidente e fortíssima veia Pop do grupo.

A letra contrapõe sonho e pragmatismo, refletindo a tensão entre imaginação e realidade — tema recorrente na obra do Supertramp.

Foi lançada como single e atingiu a 13ª posição da parada britânica.

RUDY

Com grande atuação dos teclados e vocais excelentes de Davies, “Rudy” é uma faixa muito inspirada e com ótimas intervenções de guitarras.

Narrativa quase cinematográfica sobre um personagem marginalizado que tenta escapar de sua condição — possivelmente através de um ato impulsivo ou fuga.

IF EVERYONE WAS LISTENING

“If Everyone Was Listening” apresenta uma musicalidade mais contida e um saxofone em tom lamurioso.

Uma reflexão metalinguística sobre comunicação e incompreensão. A letra sugere que mensagens — inclusive artísticas — se perdem porque ninguém realmente escuta.

CRIME OF THE CENTURY

Tocante, suave e profunda, “Crime of the Century” é uma composição incrível e difícil de se descrever, contando com solos perfeitos da guitarra de Hodgson.

O “crime” sugerido não é literal, mas simbólico: a repressão da individualidade, a patologização do diferente.

Considerações Finais

Crime of the Century atingiu a 38ª posição da principal parada norte-americana e a excelente 4ª colocação da correspondente britânica. "Dreamer" foi bem na parada de singles britânica no mesmo mês. O álbum foi particularmente bem-sucedido no Canadá, permanecendo na parada de álbuns por mais de dois anos, alcançando a quarta posição e sendo certificado como Diamante, significando vendas de mais de um milhão de cópias.

Bob Siebenberg

O crítico do Village Voice, Robert Christgau, foi ambivalente em relação ao "art-rock direto" do álbum, que ele chamou de "Queen sem preening. Sim, sem pianística e mudanças de métrica". A crítica retrospectiva de Adam Thomas no Sputnikmusic descreveu-o como um dos melhores álbuns da década de 1970 por sua poderosa expressão de confusão e alienação de jovens adultos, e por seu contraste consistente entre elementos progressivos e pop.

Após o lançamento do álbum em outubro de 1974, o Supertramp embarcou em uma extensa turnê que se estendeu por 1974 e ao longo de 1975, especialmente no Reino Unido, Europa e América do Norte.

Com um álbum de sucesso no currículo, as pressões sobre a banda aumentaram e o álbum seguinte, Crisis? What Crisis? teve que ser gravado nos poucos meses entre as turnês programadas. Como consequência, a maior parte do material consistia em sobras de canções do Crime of the Century.

Prêmios

Em 1978, Crime of the Century ficou em 108º lugar na The World Critic Lists, que reconheceu os 200 melhores álbuns de todos os tempos votados por notáveis críticos de rock e DJs.
Na edição de 1987 do The World Critic Lists, Geoff Edwards da CBC classificou Crime of the Century como o décimo melhor álbum de todos os tempos.
Uma pesquisa pública de 1998, agregando os votos de mais de 200.000 fãs de música, viu Crime of the Century votado entre os 1.000 melhores álbuns de todos os tempos.
Está no livro de 2005, 1001 Álbuns que você deve ouvir antes de morrer.
Em 2015, foi escolhido como o 27º maior álbum de rock progressivo pela Rolling Stone.

Resta dizer que Crime of the Century, segundo estimativas, supera a casa de 500 mil cópias vendidas apenas nos EUA.

Formação:

Rick Davies – Vocal, Teclados, Gaita

Roger Hodgson – Vocal, Guitarra, Pianos

John Anthony Helliwell – Saxofones, Clarinete, Backing Vocals

Dougie Thomson – Baixo

Bob Siebenberg (creditado como Bob C. Benberg) – Bateria, Percussão

Músicos adicionais:

Christine Helliwell – Backing Vocals (3)

Scott Gorham – backing vocals (3)

Vicky Siebenberg – backing vocals (3)

Músico de rua anônimo – serra (3)

Ken Scott – gongo de água

Faixas:

01. School (Davies/Hodgson) - 5:35

02. Bloody Well Right (Davies/Hodgson) - 4:32

03. Hide in Your Shell (Davies/Hodgson) - 6:49

04. Asylum (Davies/Hodgson) - 6:45

05. Dreamer (Davies/Hodgson) - 3:31

06. Rudy (Davies/Hodgson) - 7:17

07. If Everyone Was Listening (Davies/Hodgson) - 4:04

08. Crime of the Century (Davies/Hodgson) - 5:36

Opinião do Blog:

Amada por muitos e odiada por mais gente ainda, a banda Supertramp é inegavelmente um grande sucesso comercial.

Rick Davies e Rodger Hodgson foram as mentes criativas por trás da banda, forjando composições que misturavam influências de Rock Progressivo com música Pop. As melodias são criadas com absoluto bom gosto, mesclando suavidade às linhas melódicas, acessíveis e inspiradas.

Neste contexto, o grupo que apoia os dois compositores são extremamente competentes, e quando o saxofone John Anthony Helliwell aparece, é como um toque de midas.

Faixas com um viés roqueiro são especiais como “Asylum” e “Bloody Well Right”, esta com um saxofone encantador. “Rudy” funde melodias acessíveis com um viés progressivo muito interessante. “Dreamer” é de um apelo Pop inegável, mas com estilo e beleza.

Mas nossa preferida é a incrível faixa-título, com as guitarras de Hodgson bem afiadas, ótimos vocais de Davies e uma profundidade sóbria. Forte candidata a melhor composição do grupo.

Portanto, Crime of the Century é um excelente álbum ao misturar Rock Progressivo, melodias acessíveis, uma inapelável veia Pop e músicos compositores de raro talento. Merece ser resgatado.

NIRVANA - NEVERMIND (1991)

2026-05-25T11:56:47.030-03:00

Nevermind é o segundo álbum de estúdios da carreira da banda norte-americana Nirvana. O lançamento oficial aconteceu em 24 de setembro de 1991 através dos selos DGC e Sub Pop. As gravações ocorreram em maio de 1991, no Sound City e no Smart, ambos nos Estados Unidos. A produção ficou a cargo de Bucth Vig e do Nirvana.

No início de 1990, o Nirvana começou a planejar seu segundo álbum para sua gravadora Sub Pop, provisoriamente intitulado Sheep. Por sugestão do chefe da Sub Pop, Bruce Pavitt, o Nirvana selecionou Butch Vig como produtor. A banda gostou particularmente do trabalho de Vig com o Killdozer.

Os caras viajaram para o Vig's Smart Studios, em Madison, Wisconsin, e gravaram de 2 a 6 de abril de 1990. A maioria dos arranjos básicos estava completa, mas o compositor Kurt Cobain ainda estava trabalhando nas letras e a banda não tinha certeza de quais músicas gravaria.

No final das contas, oito foram gravadas, algumas das quais apareceram em Nevermind: "Imodium" (mais tarde renomeada como "Breed"), "Dive" (mais tarde lançada como lado B de "Sliver"), "In Bloom", "Pay to Play " (mais tarde renomeada como "Stay Away"), "Sappy", "Lithium", "Here She Comes Now" (lançada em Heaven & Hell: A Tribute to the Velvet Underground) e "Polly".

Em 6 de abril, o Nirvana fez um show local em Madison com a banda Tad, de Seattle. Vig começou a mixar as gravações enquanto a banda dava uma entrevista à estação de rádio comunitária WORT de Madison em 7 de abril. Cobain forçou a voz, forçando o Nirvana a encerrar a gravação. Em 8 de abril, eles viajaram para Milwaukee para iniciar uma extensa turnê pelo centro-oeste e costa leste de 24 shows em 39 dias.

Krist Novoselic

O baterista Chad Channing deixou o grupo após a turnê, colocando gravações adicionais em espera. Durante um show da banda de hardcore Scream, Cobain e o baixista Krist Novoselic ficaram impressionados com o baterista Dave Grohl. Quando o Scream se desfez inesperadamente, Grohl contatou Novoselic, viajou para Seattle e foi convidado para se juntar à banda. Novoselic disse retrospectivamente que, com Grohl, tudo “se encaixou”.

Na década de 1990, a Sub Pop estava com problemas financeiros. Com rumores de que eles se tornariam subsidiárias de uma grande gravadora, o Nirvana decidiu "eliminar o intermediário" e procurar uma grande gravadora. O Nirvana usou as gravações como uma fita demo para se vender a um novo selo.

Dentro de alguns meses, a fita estava circulando entre as grandes gravadoras. Várias gravadoras os cortejaram; O Nirvana assinou com o selo DGC Records da Geffen Records com base nas recomendações de Kim Gordon do Sonic Youth e sua empresa de gestão.

Depois que o Nirvana assinou com a DGC, vários produtores foram sugeridos, incluindo Scott Litt, David Briggs, Don Dixon e Bob Mold. Novoselic disse que a banda estava nervosa por gravar com uma grande gravadora e que os produtores sugeridos pela DGC queriam pontos percentuais. Em vez disso, a banda apoiou Vig, com quem se sentiu confortável em colaborar.

O disco

Com um orçamento de US$ 65.000, o Nirvana gravou Nevermind no Sound City Studios em Van Nuys, Califórnia, em maio e junho de 1991. Para ganhar dinheiro para gasolina e chegar a Los Angeles, eles fizeram um show onde tocaram "Smells Like Teen Spirit" pela primeira vez. A banda enviou fitas de ensaio para Vig antes das sessões que apresentavam músicas gravadas anteriormente no Smart Studios, além de novas músicas, incluindo "Smells Like Teen Spirit" e "Come as You Are".

O Nirvana chegou à Califórnia e passou alguns dias ensaiando e trabalhando nos arranjos. A única gravação transportada das sessões do Smart Studios foi "Polly", incluindo as batidas dos pratos de Channing. Assim que a gravação começou, a banda trabalhou de oito a dez horas por dia.

Apesar de receber um adiantamento de US$ 287.000 ao assinar com a Geffen, Cobain manteve uma preferência por equipamentos baratos - particularmente guitarras Fender de fabricação japonesa, devido aos seus braços finos e maior disponibilidade na orientação para canhotos.

Kurt Cobain

Novoselic e Grohl terminaram suas faixas em poucos dias, enquanto Cobain trabalhou mais nos overdubs de guitarra, vocais e letras. Ele às vezes terminava as letras minutos antes de gravar. Vig lembrou que Cobain muitas vezes relutava em gravar overdubs, mas foi persuadido a duplicar seus vocais quando Vig lhe disse que John Lennon fez isso. Embora as sessões geralmente tenham corrido bem, Vig disse que às vezes Cobain se tornava difícil: "Ele ficava ótimo por uma hora e depois ficava sentado em um canto e não dizia nada por uma hora."

Vig e a banda ficaram insatisfeitos com as mixagens iniciais de Vig e decidiram contratar outra pessoa para supervisionar a mixagem. A DGC forneceu uma lista de opções, incluindo Scott Litt (conhecido por seu trabalho com R.E.M.) e Ed Stasium (conhecido por seu trabalho com Ramones e Smithereens).

Cobain estava preocupado em trazer produtores conhecidos e, em vez disso, escolheu Andy Wallace, que co-produziu o álbum de 1990 do Slayer, Seasons in the Abyss. Novoselic relembrou: "Dissemos 'certo' porque aqueles discos do Slayer eram muito pesados."

As mixagens de Wallace alteraram notavelmente os sons de bateria e guitarra. Segundo Wallace e Vig, a banda adorou os resultados. No entanto, eles criticaram depois que o álbum foi lançado. Uma faixa oculta, "Endless, Nameless", que deveria aparecer no final de "Something in the Way", foi acidentalmente deixada de lado nas primeiras impressões do álbum.

Cobain criou sequências de acordes usando principalmente power chords e escreveu canções que combinavam ganchos pop com riffs de guitarra dissonantes. Muitas músicas apresentam mudanças na dinâmica, onde a banda muda de versos calmos para refrões altos.

O título provisório Sheep foi algo que Cobain criou como uma piada interna dirigida às pessoas que ele esperava que comprassem o álbum. Novoselic disse que a inspiração para o título foi o cinismo da banda sobre a reação do público à Operação Tempestade no Deserto.

Quando a gravação terminou, Cobain se cansou do título e sugeriu a Novoselic que o álbum se chamasse Nevermind. Cobain gostou do título porque era uma metáfora para sua atitude diante da vida e porque era gramaticalmente incorreto. Sacagawea, em homenagem ao Native American, foi brevemente considerado assim para fazer referência às intenções da banda de um impacto mais difundido em comparação com seu álbum de estúdio anterior, Bleach.

Dave Grohl

A capa do álbum mostra um menino nu nadando debaixo d'água com uma nota de um dólar americano em um anzol fora de seu alcance. Cobain mencionou isso ao diretor de arte da Geffen, Robert Fisher. Fisher encontrou algumas filmagens de nascimentos subaquáticos, mas elas eram muito gráficas para serem usadas pela gravadora. Além disso, o armazém que controlava a foto de um bebê nadador escolhido por eles queria US$ 7.500 por ano para seu uso. Em vez disso, Fisher enviou um fotógrafo, Kirk Weddle, a uma piscina para bebês tirarem fotos. O resultado foram cinco fotos e a banda decidiu pela imagem de Spencer Elden, de quatro meses, filho de um amigo de Weddle. A Geffen estava preocupada que o pênis da criança, visível na foto, pudesse ofender, e preparou uma capa alternativa sem ele; eles cederam quando Cobain disse que o único compromisso que ele aceitaria seria um adesivo cobrindo o pênis dizendo: "Se você está ofendido com isso, você deve ser um pedófilo enrustido."

Desde então, a capa foi reconhecida como uma das capas de álbuns mais famosas da música popular.

SMELLS LIKE TEEN SPIRIT

Brutal, mudou a trajetória do rock a partir de sua divulgação.

Um hino de alienação jovem, ironizando a cultura adolescente dos anos 90 com versos que combinam sarcasmo e uma sensação de “não saber o que está acontecendo” (literal e emocional).

Foi o primeiro single lançado para a promoção do álbum, atingiu a 6ª posição da principal parada norte-americana e a 7ª de sua correspondente britânica.

IN BLOOM

Pesada, embora mais cadenciada, “In Bloom” possui um refrão magnético, com ótimos vocais de Kurt.

Um comentário ácido sobre fãs que cantam letras sem compreender seu significado.

COME AS YOU ARE

Uma composição mais suave, mas com um refrão poderoso.

Uma mescla de acolhimento e ambiguidade. Fala de autenticidade, vulnerabilidade e talvez contradições internas.

Foi o segundo single lançado para a promoção do álbum, atingiu a 32ª posição da principal parada norte-americana e a 9ª de sua correspondente britânica.

BREED

“Breed” possui um sentido de urgência com uma influência clara do hardcore.

Energia punk crua, com letras que sugerem pressão social e expectativas reprodutivas, questionando padrões de futuro e conformidade juvenil.

LITHIUM

Seu refrão impressionante é uma amostra do poderio do grupo.

Explora os altos e baixos emocionais do narrador, referindo-se à estabilidade/depressão e auto-afirmação fragilizada. A alternância entre versos calmos e refrões explosivos traduz esses estados mentais.

Mais um singles retirado do disco, que atingiu a 64ª colocação da Billboard Hot 100.

POLLY

“Polly” é bem mais suave, acústica, com um clima mais triste, porém, muito legal.

Uma das faixas mais sombrias do disco — escrita em primeira pessoa de uma vítima sequestrada (baseada em evento real, mas abordada de forma introspectiva). A suavidade melódica contrasta com a narrativa perturbadora.

TERRITORIAL PISSINGS

A faixa mais curta do disco, “Territorial Pissings” é uma verdadeira porrada.

Um ataque sonoro e político contra a masculinidade agressiva e tribalismo, com versos que zombam de posturas dominantes e celebram atitude punk visceral.

DRAIN YOU

“Drain You” mantém a tônica do disco, apostando em uma sonoridade pesada e mais “lenta”.

Uma metáfora visceral para dependência e fusão emocional, alternando charme e fragilidade em sua visão de amor/absorção.

LOUNGE ACT

“Lounge Act” é mais uma canção em que o Nirvana aposta na agressividade, com vocais bem rasgados de Kurt. Faixa muito boa.

Reflete tensão em relacionamentos, inseguranças e orgulho ferido, com versos irônicos e ritmo acelerado que ecoam o conflito emocional retratado.

STAY AWAY

Dave Grohl faz misérias em “Stay Away”, imprimindo ainda mais peso às guitarras distorcidas.

Uma explosão punk com crítica ao conformismo cultural, expressando rejeição ao mainstream e hipocrisia social.

ON A PLAIN

As melodias vocais criadas por Kurt em “On a Plain” são boa parte dos motivos que tornam esta música fabulosa.

Estrutura versos que parecem reflexões fragmentadas sobre autenticidade e autoavaliação, misturando humor sombrio e introspecção.

SOMETHING IN THE WAY

O Nirvana opta por uma finalização suave, com uma canção muito bonita.

Um encerramento melancólico e acústico, com imagens de isolamento e desamparo (“baixo da ponte”), marcado por uma atmosfera sombria e reflexiva. Não foi lançado como single originalmente, mas ganhou atenção posterior em charts décadas depois.

ENDLESS, NAMELESS

Explode a intensidade com ruído e caos — um efeito surpresa pós silêncio no fim do álbum, servindo como contraponto visceral ao encerramento acústico de “Something in the Way”.

Considerações Finais

Nevermind atingiu o topo da principal parada norte-americana, a Billboard 200 e também ficou com a 7ª colocação em sua correspondente britânica.

Quando a banda partiu para sua turnê europeia no início de novembro de 1991, Nevermind entrou no Top 40 da Billboard pela primeira vez no número 35. Nesse ponto, "Smells Like Teen Spirit" havia se tornado um sucesso e o álbum estava vendendo muito rapidamente e nenhuma das estratégias de marketing da Geffen pôde ser implementada.

Kurt Cobain

O presidente da Geffen, Ed Rosenblatt, disse ao The New York Times: "Não fizemos nada. Foi apenas um daqueles discos 'Saia do caminho e abaixe-se'." que os shows eram perigosamente vendidos em excesso, as equipes de televisão se tornaram uma presença constante no palco e "Smells Like Teen Spirit" era quase onipresente no rádio e na televisão musical.

Nevermind se tornou o primeiro álbum número um do Nirvana em 11 de janeiro de 1992, substituindo Dangerous de Michael Jackson no topo das paradas da Billboard. Nessa época, Nevermind vendia aproximadamente 300 mil cópias por semana.

No início, Nevermind não recebeu muitas críticas e muitas publicações ignoraram o álbum. Meses após seu lançamento e depois que "Smells Like Teen Spirit" foi tocado nas rádios, as organizações de mídia impressa estavam "lutando" para cobrir o fenômeno que o álbum havia se tornado. No entanto, a essa altura, grande parte da atenção recaiu sobre Cobain, e não sobre o álbum em si. As críticas que apareceram inicialmente foram em grande parte positivas.

Nevermind popularizou o movimento grunge de Seattle e trouxe o rock alternativo como um todo para o mainstream, estabelecendo sua viabilidade comercial e cultural e levando a um boom do rock alternativo na indústria musical.

Apesar de um curto período desde o lançamento do álbum até a morte de Cobain, o sucesso do álbum e dos singles impulsionou o Nirvana a ser considerado pela mídia como a maior banda do mundo - especialmente ao longo de 1992. Como uma banda grunge, o sucesso do grupo sobre as bandas populares de hair metal da época atraiu semelhanças com a invasão britânica da música popular americana no início dos anos 1960.

O álbum também iniciou um ressurgimento do interesse pela cultura punk entre adolescentes e jovens adultos da Geração X. O jornalista Chuck Eddy citou o lançamento de Nevermind como aproximadamente o fim da "era dos álbuns de alta qualidade".

Prêmios

Nevermind continuou a receber elogios da crítica, tendo sido classificado em primeiro lugar nas listas dos melhores álbuns de todos os tempos. O álbum foi classificado em 17º lugar na lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone, mantendo a classificação em uma lista revisada de 2012, e atualizando para o número 6 nas revisões de 2020 e 2023.
Também em 2019, Nevermind foi classificado em primeiro lugar na lista dos 50 melhores álbuns grunge da Rolling Stone. A revista classificou o álbum em 10º lugar em sua lista dos 40 melhores álbuns punk de todos os tempos.
Em 2001, a VH1 conduziu uma pesquisa com mais de 500 jornalistas, executivos musicais e artistas que julgaram Nevermind o segundo melhor álbum da história do rock 'n' roll, atrás apenas do Revolver dos Beatles.
A Pitchfork classificou o álbum como o sexto melhor da década.
Em 2006, os leitores da Guitar World classificaram Nevermind em 8º lugar em uma lista das 100 melhores gravações de guitarra.
A Entertainment Weekly nomeou-o como o décimo melhor álbum de todos os tempos em sua lista de 2013.
Foi eleito o número 17 na terceira edição do All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin (2000).

Resta dizer que Nevermind supera a casa de 10 milhões de cópias vendidas, segundo estimativas, nos Estados Unidos.

Formação:

Kurt Cobain – Vocal, Guitarras

Krist Novoselic – Baixo, voz na introdução de "Territorial Pissings"

Dave Grohl – bateria, backing vocals em "In Bloom", "Drain You" e "On a Plain"

Músicos adicionais:

Chad Channing – pratos em "Polly"

Kirk Canning – Violoncelo em "Something in the Way"

Faixas:

Todas as letras foram escritas por Kurt Cobain; todas as músicas são compostas por Cobain, exceto as faixas 1 e 13 escritas por Krist Novoselic e Dave Grohl.

01. Smells Like Teen Spirit - 5:01

02. In Bloom - 4:14

03. Come as You Are - 3:39

04. Breed - 3:03

05. Lithium - 4:17

06. Polly - 2:57

07. Territorial Pissings - 2:22

08. Drain You - 3:43

09. Lounge Act - 2:36

10. Stay Away - 3:32

11. On a Plain - 3:16

12. Something in the Way - 3:52

Considerações Finais

Eu não me arvoro a presunção de tentar dizer algo que já não foi dito sobre Nevermind, sua importância, sua qualidade e seu legado.

A realidade é que, mesmo com uma duração tão efêmera, o Nirvana mudou a história do Rock – e da música – definitivamente. A força com que sua sonoridade simples, mas absolutamente arrasadora caiu no gosto do público sepultou o Rock farofa nos Estados Unidos e deu espaço para uma série de bandas que seguiriam seu caminho.

Também penso que não haja muitas dúvidas de que Nevermind foi sua obra máxima e que continua atual até os dias de hoje. A força avassaladora de suas canções permanecem impactantes mesmo hoje, mais de 3 décadas depois de seu lançamento.

Afinal de contas, qual outro disco possui composições impactantes como “Come as You Are”, “In Bloom”, “On a Plain” e, claro, nossas favoritas “Smells Like Teen Spirit e “Lithium”.

Em suma: você pode até não gostar, mas Nevermind é uma das obras definitivas da história do Rock e um dos melhores discos de todos os tempos.