Rock N' Road

It's a sad day: Captain Beefheart dies at 69

2010-12-19T23:30:00.004-03:00

Yesterday Captain Beefheart passed away at the age of 69. He was a fantastic musician and a fantastic creator...We'll miss him. (In some days I'll post my review of his marvelous album Trout Mask Replica)

A pic with Zappa, two masters together:

Source: http://www.hitfix.com/articles/captain-beefheart-dies-at-69

Captain Beefheart, aka Don Van Vliet, dies at 69

By Katie Hasty - Pioneer collaborated with Frank Zappa, paved way for experimentalism in rock

Don Van Vliet -- better known as his music persona Captain Beefheart -- has died at the age of 69 due to complications from MS.

Born Don Vliet, the musician and artist was known for his early collaborations with musical kindred Frank Zappa, and for he and his backers Magic Band's experiements in rock, combining traditional pop musics like blues, garage rock and R&B with neo-classical and free jazz.

Captain Beefheart released more than a dozen albums, with a couple live and anthology sets after he retired from music in 1982. One of the best known efforts "Trout Mask Replica" was released in 1969, met with confusion, then critical acclaim; it is now part of the permanent rock canon, for its experimental nature, unusual production qualities and its epic 28 tracks, recorded with the freedom granted by friend, producer, fellow musician and label founder Zappa.

Vliet retired a pair of times in his music career, wanting to working in and out of the visual arts and out of frustration with the industry. After 1982, he moved back to the Mojave desert -- a critical space in his upbringing -- and continued painting out of a trailer before dropping out of public sight entirely in the 1990s.

New wave, punk music and rock music in general benefited from Captain Beefheart's contributions. Despite having disappeared for two decades, he will still be truly missed.

Es un día triste: Murió Captain Beefheart

2010-12-19T23:18:00.004-03:00

Es un día triste para la música: Captain Beefheart murió a los 69 años víctima de una complicación en la esclerosis múltiple que padecía. Lamentablemente se nos va otro grande...

Adjunto una foto con Zappa...dos grandes juntos:

Así lo reflejo la Rolling Stone:

El rock llora su partida: a los 69 años Don Van Vliet, mejor conocido como Captain Beefheart, representante fundamental de la vanguardia musical que cerró la década del 60, murió debido a una complicación surgida como consecuencia de la esclerosis múltiple que padecía. La extravagancia de su capacidad compositiva, su innovación, su influencia en la obra de las generaciones posteriores, lo ubican en la historia de la música como uno de los artistas más originales de todos los tiempos. Su álbum Trout Mask Replica de 1969, producido por Frank Zappa bajo su sello Straight Records (una relación amistosa-competitiva los unía, recordemos que también Beefheart cantó para "Willie the Pimp" del disco Hot Rats del mítico bigotudo) fue considerado uno de los 500 mejores discos de todos los tiempos por Rolling Stone.

El incomparable Captain, junto con su Magic Band, se erigió con un estilo único mediante su rock experimental con reminiscencias bluseras. A pesar de su talento, después de dos décadas, se retiró de los escenarios para dedicarse a la pintura y el dibujo. Y su mirada particular, genialmente extraña, se tradujo en obras de arte. Un representante de la galería Michael Werner de Nueva York, cuna de sus trabajos como pintor, anunció la triste noticia dejando en claro que, también, "Don Van Vliet constituyó una figura compleja y con mucha influencia en las artes visuales".

Un genio indiscutible. Que en paz descanse.

http://www.rollingstone.com.ar/1334715-fallecio-captain-beefheart

Exclusive Interview: Gary Lucas

2010-12-03T20:30:00.010-03:00

After all these years of music, art and creation, Gary Lucas invites us to take stock of his life and his personality as an artist in this exclusive interview. Portrait and profile of this musician, who’s American but also has his heart in the rest of the world.

Human, citizen of the culture and the world, Gary Lucas isn’t a common artist (if you listen to some of his albums you’ll notice that). He can be considered the son of a great generation. He was nominated for a Grammy and was described as one of the best and most original guitarists in the United States (and he only took lessons for a month!). He leads a super-band called ‘Gods & Monsters’ (called a ‘21st century Cream’ by Rolling Stone magazine), that used to have the marvelous Jeff Buckley in the early 90’s. Nowadays it features Gary (vocals and guitar), Ernie Brooks (bass), Billy Ficca (drums), Jason Candler (alto sax) and Joe Hendel (trombone and keyboards). Ocasionally Jerry Harrison (keyboards) joins them live or in the studio. The name of the groups comes from the movie ‘The Bride of Frankenstein’, where Dr Praetorious says ‘To a New World of Gods & Monsters’.
He has played with a lot of artists: Nick Cave, Captain Beefheart, Iggy Pop, Elli Medeiros, Bruce Springsteen, David Johansen, Lou Reed, Najmha Akhtar, Patti Smith, John Cale, Sally Kwok, among others. He also has played with the talented Leonard Bernstein, who was an excellent pianist and a remarkable American conductor of the New York Philharmonic Orchestra.

He’s a globetrotter who takes a tape recorder wherever he goes to record every idea he has (he learnt this from his friend Captain Beefheart).His musical influences have ardently marked him and his shows are 50% improvisation.
He talks about his musical influences in this interview:
-Pocho: Would you agree with me if I say that you're a multi-skilled artist?
Gary: Absolutely. I try and do it all.
-Pocho: Your first contact with the music was through Duane Eddy's song 'Dance with the Guitar Man'. What artists do you feel have influenced you and your work?
Gary: So many: Syd Barrett, Bela Bartok, Richard Berry, Jeff Beck, Rolling Stones, The Smiths, The Doors, Incredible String Band, among others.
Gary’s taste for classic cinema is reflected even in the name of his band. This is a characteristic that identifies him: he has played in a lot of film festivals all around the world, playing compositions to accompany the film projection. He has done this with the 1920 film ‘The Golem’ and with the 1931 movie titled Spanish ‘Dracula’. Last year, he played in the Havana Film Festival, where he’ll be playing again the 10th of December presenting a Brazilian film called ‘Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver’.
-Pocho: You're very related to the classic cinema. How did you discover it?
Gary: I just got a taste for it at screenings at Syracuse University and also occasionally on television and fell in love with this enchanted world of dancing shadows.
Lucas has played in a lot of places around the world, including Russia, Spain, Brazil, Mexico, Colombia, Italy, France, Belgium, Holland, United Kingdom, Cuba, China, among others (unfortunately for us, he hasn’t played in Argentina yet). He has a very strong commitment with the global culture.
-Pocho: You've played in so many places around the world, Are you optimist about the future of the humanity?
Gary: Not sure, I try and ignore all the pessimistic and gloomy developments (today I just read a report that the polar ice caps were indeed melting (bad news for Patagonia, and the rest of the world)) and just continue on my way trying to entertain and astonish people. I think that's the best thing one can do as an artist to help cheer up the populace as we race towards extinction.

On his album ‘the Edge of Heaven’ he plays mid-century Chinese pop songs. As an artist, he picks up the native culture of every country he visits and that’s another characteristic that we have to take into account to understand and identify him.
-Pocho: The Chinese culture seemed to have caused you a great impression (because of your album called 'The Edge of Heaven'). What things do we have to learn about that culture?
Gary: I am no sociological expert, I just love that music. I hesitate to make any sorts of pronouncements about Chinese culture except that I find it profoundly elegant and moving, but I feel the same way about Latin culture!
-Pocho: Considering that the American culture has dominated the world since the mass media and the globalization period, and also considering that you're a musician that picks up the native culture of every country you visit...Do you see this influence as a negative influence or as a positive influence?
Gary: I think the contributions that America has made in music historically (particularly in the fields of jazz, blues and rock) remain significant, world-shaking, and worthy of veneration, but the prevailing trends in the current American culture vis-a-vis films and television I cast a rather more jaundiced eye upon...I think these trends have contributed to the dumbing down of the world by their very prevalence and mass influence by and large, and I weep for that , I am ashamed about a lot of it quite frankly.
Behind every artist is hidden a normal person, and Gary put us on the surface to understand more about his life, and finishes the interview with a personal wish that he always keeps with him: he wants to play in Argentina.
-Pocho: After all these years that you've been sharing a lot of experiences in every part of the world (and also visiting Cuba)...Do you feel a privileged man?
Gary: Yes, but saying that, I can assure you it's not easy being me...and what may seem on the surface a very free-wheeling and easy and privileged lifestyle is actually filled with all the concomitant problems and challenges on a macro level of a survival nature just like any other non-mainstream artist . I am only happy when I am working, and I don’t feel I work enough to tell you the truth despite my efforts to fill up the calendar with gigs. I am not complaining mind you...but for instance, I still haven’t performed in Argentina despite repeated efforts!

Entrevista exclusiva a Gary Lucas

2010-12-03T18:08:00.004-03:00

Luego de todos estos años de música, arte y creación, Gary Lucas nos invita a hacer un balance de su vida y su forma de ser como artista, en esta nota exclusiva. Retrato y perfil de este excelente músico nacido en Estados Unidos, pero con el corazón en todo el planeta.

Humano, ciudadano de la cultura y del mundo, Gary Lucas no es un artista común, sólo basta escuchar sus álbumes para darse cuenta. Puede ser considerado como el hijo de una gran generación. Fue nominado al Grammy y fue descripto por la revista Rolling Stone como uno de los mejores y más originales guitarristas de Estados Unidos (¡y pensar que sólo asistió un mes a clases!). Lidera una excelente superbanda llamada Gods & Monsters (catalogada por la revista Rolling Stone como la Cream del siglo 21), que supo tener al gran Jeff Buckley como miembro al principio de los 90’, actualmente integrada por él mismo en la voz y la guitarra, Ernie Brooks en el bajo, Billy Ficca en la batería, Jason Candler en el saxo alto y Joe Hendel en trombón y teclados. Ocasionalmente se les suma Jerry Harrison en los teclados tanto en estudio como en vivo. El nombre del grupo viene de la película The Bride of Frankenstein, donde Dr Pretorious le dice al Dr Frankestein: ‘To a New World of Gods & Monsters’.

Tocó con muchísimos artistas: Nick Cave, Captain Beefheart, Iggy Pop, Elli Medeiros, Bruce Springsteen, David Johansen, Lou Reed, Najmha Akhtar, Patti Smith, John Cale, Sally Kwok, entre otros. De esa lista no hay que dejar de nombrar al talentoso y notable pianista y director de orquesta norteamericano Leonard Bernstein.

Es un trotamundos que lleva un grabador para registrar sus ideas en cualquier lugar donde se encuentre, tal como aprendió de su amigo Captain Beefheart. Sus influencias musicales lo marcaron fervientemente a lo largo de su vida, y sus actuaciones son 50% improvisación.

De estas influencias nos habla en la entrevista:

-Pocho: ¿Estarías de acuerdo conmigo si dijera que sos un artista multifacético?

-Gary: Absolutamente, es lo que intento ser y hacer todo el tiempo.

-Pocho: Tu primer contacto con la música fue a través de la canción de Duane Eddy “Dance with the Guitar Man”. ¿Qué otros artistas sentís que te han influenciado a ti y a tus trabajos?

-Gary: Muchos: Syd Barret, Bela Bartok, Richard Berry, Jeff Beck, The Rolling Stones, The Smiths, The Doors, Incredible String Band, entre otros.

El gusto de Gary por el cine clásico se ve reflejado hasta en el nombre de su banda Gods & Monsters. Esta es una característica clara de él, de hecho se ha presentado en varios festivales de cine del mundo tocando composiciones con su guitarra para acompañar la película que se proyectaba: se presentó haciendo esto con el film ‘The Golem’ en Brasil y en Corea del Sur. También participó del festival de La Habana el año pasado presentando “Dracula”, donde volverá a presentarse en pocos días: el 10 de diciembre para tocar sobre el film de culto brasilero ‘Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver’ (Esta noche poseeré tu cadáver).

-Pocho: Estás muy relacionado con el cine clásico, ¿Cómo lo descubriste?

-Gary: Le encontré el gusto en las proyecciones de la Universidad de Siracusa y también de vez en cuando en televisión. Me enamoré de ese mundo encantado de sombras danzantes.

Este autentico trotamundos ha tocado en varios rincones del planeta: Rusia, España, Brasil, México, Colombia, Italia, Francia, Belgica, Holanda, Reino Unido, Cuba, China, entre otros. Todavía no ha venido a la Argentina. Su compromiso con la cultura global está bien marcado.

-Pocho: Has tocado en muchos lugares del mundo, ¿sos optimista sobre el futuro de la humanidad?

-Gary: No estoy seguro pero es lo que intento, e ignoro todas las pesimistas y lúgubres involuciones. Hoy leí en una noticia que los casquetes polares se están derritiendo por dentro (malas noticias para la Patagonia y para el resto del mundo). Yo continúo en mi camino de entretener y sorprender a la gente, en mi opinión eso es lo mejor que uno puede hacer como artista: animar a la gente mientras nos acercamos hacia la extinción.

En su álbum ‘The Edge of Heaven’ toca canciones pop chinas de mitad de siglo. Como artista, él recoge la cultura autóctona de cada lugar al que va, y esa es otra característica que permite entenderlo más.

-Pocho: La cultura china parece haberte impresionado mucho (como vemos en tu álbum ‘The Edge of Heaven’). ¿Qué cosas tenemos que aprender sobre esa cultura?

-Gary: No soy un experto en sociología, sólo amo a esa música. Dudo en hacer algún pronunciamiento sobre la cultura China excepto sobre que me resulta profundamente elegante y emotiva, ¡pero me siento de la misma manera con respecto a la cultura latina!

-Pocho: Considerando que la cultura norteamericana ha dominado el mundo desde el período de la globalización y de los medios de comunicación masivos y también teniendo en cuenta que sos un músico que se interesa por la cultura de los países que visitas, ¿ves esta influencia como negativa o positiva?

-Gary: Pienso que los aportes que Estados Unidos ha hecho en la música históricamente (particularmente en los campos del jazz, blues y rock) continúan siendo importantes, sacuden al mundo y son dignos de ser venerados, pero proyecto un gran recelo sobre las tendencias preponderantes en la actual cultura norteamericana con respecto a la televisión y el cine. Pienso que estas tendencias han contribuido a la baja del nivel intelectual del mundo por su preponderancia y su influencia masiva y extensa, lo cual realmente me duele. Francamente estoy un poco apenado respecto a este tema.

Detrás de todo artista está el hombre, y Gary nos pone en la superficie para entender un poco más su vida, y termina la entrevista con un deseo que lleva en él desde hace algún tiempo: venir a tocar a la Argentina.

-Pocho: Después de todos estos años en los que has estado compartiendo experiencias en muchos lugares del mundo. ¿Te sientes un privilegiado?

-Gary: Sí, pero diciéndote esto te puedo asegurar que no es fácil ser quien soy, y lo que puede parecer como un estilo de vida libre y espontaneo, fácil y privilegiado está actualmente lleno de problemas concomitantes y retos en un macro-nivel de supervivencia, como otros artistas que no están de moda. Sólo estoy feliz cuando trabajo y no siento que trabaje lo suficiente como para decirte la verdad, a pesar de mis esfuerzos por llenar el calendario de conciertos. No me estoy quejando aunque eso sí, ¡todavía no he tocado en Argentina a pesar de los esfuerzos repetidos!.

B.B. King: 7 temas, para los amigos

2010-01-26T13:29:00.014-03:00

Después de tanto tiempo vuelvo a escribir en el blog para volver a darle vida. Desde hace rato venía pensando sobre el regreso y como lo efectuaría. Les comento que desde que abrí este blog vengo teniendo una especie de "deuda" con B.B. King por dos razones: soy un gran admirador de su blues y además todavía no he escrito sobre músicos negros, lo cual crea una segunda "deuda" personal con ellos, ya que su invaluable aporte a nuestra cultura mundial moderna no ha sido devuelto ni gratificado en una vasta magnitud por la mayoría de las sociedades occidentales.
Parado ante estas dos razones mi perspectiva me llevaba hacia un solo lugar posible al oír "Friends" como tema de apertura del álbum "Amigos", una incunable edición nacional del rey distribuida bajo el sello Probe (en LP claro está). Un B.B. King riendo con una guitarra roja en sus manos es la tapa de este disco el cual en una primera definición podría entrar en la categoría de discazo. El tema de apertura es "Amigos" (Friends) un pegadizo tema con un aire que excede lo estrictamente blusero, es más, se me ocurre decir que llega hasta lo country o folk, lo cual justamente lo hace tan pegadizo. El juego entre King y los coros es además gran parte de la vida del tema. "Tengo tus tristezas" (I Got Them Blues) hace imaginar al guitarrista cantando, bien al estilo bohemio, en la calle cantándole no se a quien, con ciertos tonos de opacidad y alegría mezclados entre sí creando un equilibrio perfecto, logrando la atmosfera marca registrada de B.B. King. "Nena, soy tuyo" (Baby I'm Yours) reflotado por los Arctic Monkeys últimamente es la tercer canción y quizás, si no sos estrictamente del blues, es el tema que más te va a gustar, por lo tenaz de "el rey" para aferrarse al tema e interpretarlo y cantarlo con pasión. El lado A cierra con "Levantado a las 5 am" (Up at 5 am), el tema más opaco de todos (en el buen sentido, referido a los graves) que llega a las raíces del género, con una guitarra que acompaña perfectamente lo que se quiere decir en el tema, el equilibrio blusero del disco.
El lado B empieza con el tema más largo del disco "Filadelfia" (Philadelphia) y en este punto tengo q hacer un alto para destacar el bajo de Ronnie Baker que marca el tema y le da su identidad. Un tema instrumental para escucharlo claramente y atentamente con unos buenos coros que aparecen ya sobre el final del tema. "Cuando todo el mundo se haya ido" (When everything else is gone) es un tremendo tema con un B.B. King que siente lo que dice más que nunca y transmite lo que instrumentalmente se quiere decir (algo constante en el disco, pero notable en los temas puntualmente señalados) con un toque de tristeza en este caso al estilo Baby I'm Yours. "Mi canción" (My song) es el cierre perfecto para este disco de blues con el rey ya suelto mandándose un solo bien de la atmosfera del tema, con una voz que marca una presencia digna de destacar y que se complementa perfectamente con los vientos. Pensándolo a la distancia, este disco, del año 1975, marca el quizás decir "acá estamos" por parte de este género, en el contexto de un mundo "convulsionado" y en "transición" por el auge del rock y el nacimiento de nuevas tendencias y corrientes no mucho tiempo después (música de los 80's, auge de la música disco).
Como dije al principio, un discazo.

Staff del disco:

Coros: Dave Crawford y Charles Mann
Batería: Earl Young
Bajo: Ronnie Baker
Guitarras: B.B. King, Deryll Inman, Norman Harris, Eli Tarkestry, Roland Chambers
Teclados: Dave Crawford, Will Boulware, Ron Kersey
Conga: Larry Washington
Vibráfono: Vince Montana
Vientos: Andrew Love, Wayne Jackson - Memphis Horns
Cuerdas: Don Renaldo - Philadelphia Stings

Imagen 1: Derechos reservados/All rights reserved a/to © John Van Hasselt/CORBIS SYGMA / 1982 The Hague, NetherlandsImagen 2: Derechos reservados/All rights reserved a/to © John Van Hasselt/CORBIS SYGMA / 1982 The Hague, Netherlands

Led Zeppelin: 1980-1995: Reuniones ya sin Bonham (Parte 2)

2009-08-22T20:19:00.034-03:00

Bonham fue para Zeppelin y la historia del rock un actor fundamental. Y naturalmente luego de la muerte de un integrante activo de una banda con semejante magnitud y prestigio se abrió el interrogante lógico sobre el futuro: ¿seguirán tocando juntos? ¿qué será de la vida de sus integrantes individualmente y como banda?. En materia de incertidumbre, Led Zeppelin ha sido una de las bandas de la cual más se ha hablado y especulado luego de la muerte del inigualable Bonham.
Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones asumieron el shock lógico y luego de tres meses del trágico hecho (Bonham fallece el 25 de Septiembre del 80') lanzan un comunicado, mas precisamente el 4 de Diciembre, para despejar los rumores de reemplazo en la batería (ya que se barajaban muchos nombres para tomar los palillos en la base rítmica) y así anunciar la disolución definitiva de la banda. "No podemos continuar como lo que éramos" fueron las palabras del comunicado con las que cerraron definitivamente una era dorada del rock n' roll.

5 años después, luego de muchas especulaciones, Page, Plant y Jones vuelven a reunirse juntos en un escenario para tocar en el famoso Live Aid (exactamente el 13 de Julio) en el estadio JFK de Philadelphia. Fue una actuación, lamentablemente, para el olvido por tres razones principales:

Una hora y media de ensayo con Tony Thompson (baterista de Power Station y Chic, entre otros) y ningún ensayo con Phil Collins, quien apareció y tocó de igual manera (increíble para un evento de esa magnitud ¿no?). Las dos baterías sonaron de forma indigna para una banda como Led Zeppelin.

Una Les Pauls desafinada con la cual Jimmy Page tuvo que arreglarse.

Una disfónica voz de Robert Plant producto de la falta de descanso por sucesivos ensayos

Tocaron tres clásicos: Rock N' Roll, Whole Lotta Love y Stairway to Heaven. El bajista Paul Martinez (quien trabajaba en ese momento en la banda solista de Plant) completó ese pseudo-zeppelin. Y digo pseudo porque el sonido ni alcanzó el más mínimo nivel previo que la banda pudo haber mostrado, cosa que reconocieron Plant y Page al calificar de "atroz" y "escandalosa" la actuación respectivamente.Naturalmente la historia siguió y luego de algún que otro intento de vuelta un año después (vuelta que quedó trunca por un accidente automovilístico sufrido por Tony Thompson, quien iba a ser el baterista), Zeppelin vuelve al ruedo para tocar el 14 de mayo del 88' en el 40 aniversario del sello Atlantic, en el Madison Square Garden. En esta oportunidad el que toma los palillos es Jason Bonham (hijo del fallecido John), quien había aprendido de su padre las canciones de Zeppelin y que, según declaraciones de Plant a la revista Rolling Stone, pensó en su momento que tocar las canciones del grupo era algo "hereditario". En aquella oportunidad tocaron Kashmir, Heartbreaker, Whole Lotta Love, Misty Mountain Hop y Stairway to Heaven. Nuevamente "fallan" (a mi juicio con una performance superior a la del 85'). Las razones luego exhibidas fueron:

La falta de descanso (llegaron con demoras)

La discusión entre Plant y Page sobre si tocar o no Stairway to Heaven.

Segun Jason Bonham en declaraciones a la Rolling Stone fue su culpa porque "no había hecho los deberes y se la tenía creída".

La falta de sonido de los teclados de John Paul Jones en la transmisión de TV.

A pesar de esta desilusión el Zeppelin del 88' sigue respetando su estructura y toca en dos fiestas privadas: en el 89' en el cumpleaños de la hermana menor de Plant y en el casamiento de Jason Bonham en el año 90'. En el 95' se produce un acontecimiento esperado: la introducción de Led Zeppelin al salón de la fama del rock en el Waldorf Astoria Hotel. Los encargados de introducir a esta mítica banda son Steven Tyler y Joe Perry de Aerosmith. En los discursos los tres agradecieron con Zöe y Jason Bonham agradeciendo en representación de su padre. El que produjo las mayores risas fue John Paul Jones. El bajista, con su perfil bajo característico, lanzó frente al micrófono: "Gracias a mis ex compañeros por acordarse de mi numero de teléfono", provocando la carcajada del público y las risas, quizás por compromiso, de Page y Plant. Luego de la ceremonia la banda toca junto a los dos Aerosmith (y junto a Jason obviamente) 3 temas: Bring it On home, Long Distance Call Blues, Baby Please Don't Go y junto a Neil Young y Michael Lee (quien toma el lugar de Jason Bonham) tocan la canción: When the Leeve Breaks. Esta presentación reflotó un poco la magia que se quería volver a ver, tocando en un gran nivel. Long Distance Call Blues y Baby Please Don't Go fueron los temas que en lo personal me gustaron mas, con una combinación entre Tyler y Plant fantástica.
Pero todavía faltaba la presentación que levantó mayor expectativa en la prensa de todas las reuniones de esta trascendental banda, pero esto señores quedará para la tercera parte...

Imagen 1: Derechos reservados/All rights reserved a/to © Photo by Ebet Roberts/Redferns (Led Zeppelin con el baterista Thompson en la previa del show en el JFK Stadium 13/07/1985) http://www.gettyimages.com/detail/85846934/Redferns

Imagen 2: Derechos reservados/All rights reserved a/to © Neal Preston/CORBIS (14/05/1988)-Concierto por el Aniversario de los 40 años del sello Atlantic http://pro.corbis.com/Enlargement/Enlargement.aspx?id=PN002506&caller=search

Imagen 3: Derechos reservados/All rights reserved a/to © Neal Preston/CORBIS (12/01/1995)-Introducción a Led Zeppelin al Hall of Fame http://pro.corbis.com/Enlargement/Enlargement.aspx?id=PN004503&caller=search

Les dejo la mejor presentación de las 3, Led Zeppelin en la ceremonia de su introducción al Rock & Roll Hall Of Fame tocando Long Distance Call Blues y Baby Please Don't Go:

Led Zeppelin: 1968-1980: Un zeppelin de plomo en los cielos del rock (Parte 1)

2009-07-01T18:20:00.010-03:00

Quizás ni el propio Jimmy Page imaginaba desde la creación de Led Zeppelin un fenómeno de tal magnitud. Ya destacado por haber sido miembro de la valiosa banda Yardbirds (por sus filas pasaron Jeff Beck y Eric Clapton), con 24 años se decide a formar los “Nuevos Yardbirds” banda que a la larga mutaría en “Led Zeppelin” (nombre surgido por un chiste de Keith Moon), explosión de magia ocurrida en el verano del 68’, que contaba con John Paul Jones en el bajo (quien conocía a Jimmy Page de trabajos con los Yardbirds y lo llamó instado por su mujer cuando vió en la revista “Disc” que Jimmy quería formar una banda), Robert Plant en la voz (quien fue recomendado por Terry Reid, quien había rechazado el ofrecimiento de Jimmy) y John Bonham en la batería (virtuoso recomendado por Plant, quien había coincidido con él en The Band of Joy). “No quería solamente una banda, sino una usina: cuatro virtuosos que crearan el quinto elemento” le dijo Page a la revista Rolling Stone. De aquellos deseos de tomarse unas vacaciones de un par de años al formar esta banda de John Paul Jones, a la epopeya de convertirse indiscutiblemente en una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos. En palabras de John Paul Jones, zeppelín fue una banda áspera. Un zeppelín de plomo áspero que pronto levantó vuelo: aún bajo el nombre de the New Yardbirds en 1968 deciden embarcarse en una gira por la península escandinava (por Suecia y Dinamarca): su primer concierto fue en Gladsaxe (Dinamarca), el 7 de Septiembre (solamente con 15 horas de práctica) donde tocan temas luego incluidos en su primer álbum (como “You Shook Me”, “Communication Brakdown” y “Babe I’m Gonna Leave You”, entre otros).
El 12 de Enero del 69 sale a la calle su primer álbum: Led Zeppelin, grabado, mezclado y editado en una semana de Octubre del 68’ en los estudios Olympic de Londres, con 30 horas de grabación. El mismo fue producido por Jimmy Page (el que produjo todos los álbumes de su misma banda) bajo el sello Atlantic. Este álbum los llevó por primera por vez por Norteamérica, abriendo para Country Joe & The Fish., para luego empezar un propio tour a su nombre otra vez por Inglaterra, Suecia y Dinamarca. Para promocionar su próximo álbum se realiza el tour europeo de Otoño, un tour muy corto que empezó el 3 de Octubre del 69’ y terminó el 12 de ese mismo mes. Finalmente el 22 de Octubre del 69’ sale a la luz Led Zeppelin II, el cual incluía canciones como “Heartbreaker”, “Ramble On”, “Moby Dick”, “Thank You”, “Whole Lotta Love”, entre otras. El álbum vendió más de 500.000 copias en su primer año, lo cual denota el interés de la gente por el mismo, y donde se ganan el mote de virtuosos. La publicidad giró en torno al slogan: “El Zeppelin II está volando”. Las sesiones de grabación se hicieron en Inglaterra y EE.UU. Emprenden el tour de invierno por EE.UU. unos días antes del lanzamiento del álbum, más precisamente el 17 de Octubre hasta el 8 de Noviembre de ese mismo mes. En palabras de Peter Grant (manager de la banda) en ese tour se dieron cuenta que podían ser aún más grandes que los Beatles y los Stones, con todo lo que eso significaba para la época.
El año 70’ giraron por Europa y por EE.UU. hasta el lanzamiento de su tercer disco el 5 de Octubre del 70: Led Zeppelin III grabado en enero y julio de ese año. Dicho álbum abría con “Inmigrant Song” (un clásico), y contenía el terrible blues “Since I’ve been Loving You” y “Celebration Day”, etc. Por la crítica y los fans de Led Zeppelin el álbum no fue muy bien recibido por su faceta folk y acústica, aunque tampoco fue criticado. La banda se toma un descanso, y no volvería a girar hasta el año 1971. Ese año giran en Europa, EE.UU. y por primera vez por Japón, donde dan 5 shows (2 en Tokyo, 1 en Hiroshima y 2 en Osaka). Led Zeppelin IV sale a la calle el 8 de Noviembre del 71’ ante un cálido recibimiento por parte de la gente y la prensa. Actualmente es el álbum más vendido de la banda con 37 millones de copias (en Argentina es disco platino). El album incluía temas históricos como “Black Dog”, “Rock and Roll”, “Stairway to Heaven” (quizás el tema más famoso de la agrupación por su profundidad y sus cambios de ritmo) y “When the Leeve Breaks”. Los cuatro símbolos de la portada del disco se convierten en símbolo de cada miembro de la banda. Cierran el año con un tour por el Reino Unido.
Por primera vez en Australia y Nueva Zelanda tocan 6 veces en Febrero del 72. El resto del año se la pasan girando por Norteamerica, Japón y el Reino Unido, aunque también graban entre Enero y Agosto material para su próximo álbum: Houses of Holly que ve la luz en marzo del 73’ (durante un tour europeo). El álbum fue un éxito en ventas, lo cual no se vio reflejado en la prensa, la cual lo criticó bastante. “The song Remains the Same”, “The Rain”, “The Ocean” estaban en su repertorio. Se embarcan en un tour por norteamerica, el cual dura poco mas de dos meses. De este tour forman parte los históricos conciertos en el Madison Square Garden reflejados en el álbum y el dvd: The Song Remains the Same.
El 74’ fue un año de silencio de Led Zeppelin y no sería hasta el año 75’ donde volverían a aparecer y a despacharse otro álbum: el doble Physical Graffiti (donde yo personalmente noto otro concepto zeppeliano distinto al que se estaba desarrollando hasta el momento), que contenía el histórico “Kashmir”. Al momento de la salida del álbum estaban en un tour, donde tocan tres veces en el Madison Square Garden nuevamente, y donde Ronnie Wood se une a ellos a interpretar Communication Breakdown en Uniondale. Terminan con 5 shows en el Earls Court Arena de Londres. En el 76’ sale a la luz Presence , con el demoledor Achilles Last Stand como tema de apertura del álbum. Vuelven de un largo descanso entre abril y mayo del 77’ (estaba planeado para empezar antes pero se tuvo que posponer por una laringitis de Plant) luego del accidente auomovilistico sufrido por Plant en Grecia en el 75. Dan 44 shows de 51 acordados, lo cual se explica en la trágica muerte del hijo de Robert Plant por una infección estomacal.
En agosto del 79’, y luego de este gran golpe en la vida de Plant, se publica In Through The Out Door, álbum que incluye un tema de Plant en homenaje a su hijo llamado “All of My Love”. Se presentan ese mismo año en Knebworth ante 210000 y 180000 personas luego de 4 años sin tocar en el Reino Unido. En 1980 giran por Europa con 14 shows, lo que significaría el último tour de la banda, presentándose en Alemania, Bélgica, Holanda, Austria y Suiza.
La tragedia golpearía a la banda cuando estaban ensayando para un próximo tour americano: John Bonham es encontrado muerto por John Paul Jones y el tour manager Benji LeFevre. La causa de la muerte fue asfixia en su propio vómito luego de ingerir 40 medidas de vodka con naranja (y de haber seguido tomando ferozmente en el estudio). Con una pieza menos del rompecabezas la banda deja de existir, dejando abierto su legado al día de hoy como una de las leyendas del rock imposible de alcanzar...

Foto 1: Foto de PromociónPhoto by: Atlantic Records
Foto 2: Jimmy Page Photo by: Rolling Stone Magazine
Foto 3: L-R: Robert Plant, John Bonham, Jimmy Page. Photo by Neil Zlozower
Foto 4: Plant y Jimmy Page.Photo by: Rolling Stone Magazine

Les dejo Inmigrant Song en vivo en el año 72':

Jim Croce: Música y memorias

2009-06-05T17:39:00.004-03:00

Jim Croce fue de esos artistas que nos dejó joven. Que nos dejó boquiabiertos con la noticia de su muerte.
James Joseph Croce fue un artista norteamericano nacido en la ciudad de Filadelfia el 10 de Enero del 43 (uno más de la generación).
Con su aspecto "zappiano" (por Frank Zappa, aunque hacía música diferente) logró transmitir mediante sus discos esa mezcla de melancolía que sólo pueden comunicar los mejores artistas. Y esa gran generación pudo tocar el cielo con muchos, entre ellos con la voz y esa guitarra de Jim Croce tan particular que hoy por hoy si tuviera difusión creo que seguiría causando el mismo efecto pasando todas las barreras del idioma, ya que hacía un sonido muy adelantado y muy profundo.
Su álbum "You Don't Mess Aroud with Jim" (en el 74 alcanzó el número 1 en ranking de discos pop) vio la luz en el año 72, alcanzando su tema "Time in a Bottle" el número 1 en el chart de los singles del pop además de sus temas "You Don't Mess Around With Jim" y "Operator" la posición número 8 y 17 respectivamente en el año 72.
De la misma manera pero en el año 73 vio la luz el álbum Life and Times (número 7 entre los discos pop del 73), disco que contenía grandes temas como "Alabama Rain", "Dreaming Again" (temas muy emotivos) y "Bad Bad Leroy Brown" (mas movido con cosas del rock clásico de los 50 nada más que acústico).
La muerte lo encuentra a Jim de manera trágica en un estúpido accidente aéreo a raíz de un ataque de corazón sufrido por el piloto hecho que hizo que el avión chocara contra unos árboles. El avión que ocupaba este músico de 30 años (cuanta capacidad faltaba por explotar) estaba viajaba de Louisiana a Texas. 8 días antes había terminado su disco I Got a Name, el cual salió a la venta un día después de la tragedia, convirtiéndose en un éxito total con canciones recordadas hasta el día de hoy como "I Got a Name" y "I'll have to say I love you in a song".
Les recomiendo su álbum "Stories and Characters: Best of Jim Croce" para que lo empiecen a conocer.

Jim Croce y quien cambió su manera de ver la música y quien lo acompaño en muchas oportunidades (murió con él), Maury Muehleisen. Fuente: http://pages.prodigy.net/giantgene1/_uimages/jimmaury.jpg

Les dejo I Got a Name en vivo en el UCLA de los Ángeles, en Agosto del 73':

Hoy: Movie Awards de MTV a las 22:30

2009-06-04T12:52:00.002-03:00

Hoy por MTV se podrá ver finalmente los MTV Movie Awards celebrados el pasado domingo.
Como siempre, todo a latinoamerica llega tarde...

Rod Stewart: Top Show en Los Angeles

2009-05-31T23:30:00.008-03:00

Este recital se dió en el Hollywood Bowl de Los Angeles, California el 31 de Agosto del 2004.
En aquella noche mágica el por siempre jóven escocés abrió el recital con una gran versión de Forever Young con mucha garra luego de una intro bien escocesa con unas gaitas. Siguiendo con un This Old Heart Of Mine con muy buena con gran participación del público y de las mujeres del coro, con un saxo en muy buen nivel.
Luego con dos versiones muy buenas de Some Guys Have All The Luck (vaya que Rod sí tiene suerte) y Addicted to Love con una gran performance de alguien que mas que un cantante ya se ha convertido en un showman.
Un clásico más: Young Turks, una versión muy cálida y llevadera que hace bailar a todo el Hollywood Bowl. Con un Rod en su tope se presenta la muy escocesa "Rhytm of my heart" hecha a la medida de él. Esa melodía celestial por su tranquilidad y suavidad de The First cut is the Deepest hace cantar a todo el público y poner romántico el ambiente, con lo cual el maestro de ceremonia Stewart juega perfectamente como ningun otro podría hacerlo.
Downtrain Train que juega una escalada perfecta con la audiencia y enciende el lugar. Un gran coro y firme banda marcando territorio funcionando de base para el nexo entre el público y el escocés, terminando como se habia empezando, suavemente (este es el público al cual Rod Stewart apunta actualmente aunque algunos quisieramos verlo al estilo Faces).
Un plato fuerte de la noche: sube su rubia hija Ruby Stewart de por entonces 17 años a interpretar un clásico de la música: Betty Davis Eyes. Se luce ante un padre que realmente se babea de la emoción. Demostrando gran personalidad sigue con Brass in Pocket (otro clásico) que lo interpreta de gran manera. Se retira ante los aplausos de los presentes.
Luego Ron Wood presenta a su "younger brother": Ron Wood. Y la llama de los Faces se enciende cuando interpretan Stay With Me con un Ronnie cantando el estribillo con su voz ronca que algunos detestan y otros aprueban (que bien que queda a veces su voz). Luego la mas rockera clásica Every Picture Tells a Story donde Ron se reserva solo a tocar su guitarra y no a cantar al igual que en You Wear It Well. I'm Losing You con una guitarra mucho mas rockera donde el uhh uhh con el que juegan ambos con el público es realmente digno de un show de Rod. La clásica I'd Rather Go Blind mas blusera y Ronnie se despide dejando el escenario encendido recordando aquellas viejas épocas.
Proud Mary, clásico de clásicos que nos hace acordar a los Creedence, arrancando de forma mas lenta y luego acelerando respaldados por los vientos que tan bien caben en esta versión.
Siguiendo con su aplanadora de éxitos no se guarda nada e interpretan Hot Legs junto a It Takes Two, siguiendo por Reason to Believe.
You're in my heart es una canción que le queda bien al Rod ese que nos podemos imaginar volviendo a pedir perdon o nostálgico, sabiendo como es este tipo.
Luego una canción imperial para introducir a As Times Go By, muy lenta para mi gusto, es típica canción que adelanto en los discos, siguiendo por una mas ceremonial They Can't Take That Away From Me y el clásico The Nearness of You (interpretada hasta por Keith Richards).
Luego de Bewitched, Bothered and Bewildered otro clásico para el público: Tonight's is The Night y la gente delira cantando junto al cantante. Un Have I Told You Lately y un The Way You Look Tonight que quizás describan la actitud de ese Rod mas tranquilo, menos real.
Despues de esos dos clásicos la banda toma el bando e interpreta Pennis from Heaven y On The Sunny Side Of the Street.
Pero si el fenónemo Faces se sentía con Ronnie ni se imaginan cuando subió otro histórico: Ian McLagan. Y por si fuera poco, además volvía Ronnie. Y los Faces volvieron: Maggie May ante la emoción de varios y a Gasoline Alley. Y realmente era emocionante, verlos ahi a estos tres mounstruos de la música y ver a Rod en el rol mas rockero nuevamente.
Como si fuera poco y como si la fiesta en realidad estuviera recién iniciada (recordemos que se estaba llegando al final del recital) tocan algo muy muy relacionado a esa noche: Having a Party. Y con Twisting the night away sí que volvieron todos: Ronnie, Ian, Rod y su entrañable hija Ruby en una interpretación excelente y dejar a la gente con sed de más y más espectáculo. Pero todo como empieza termina, y el final estuvo a cargo del stone Ron Wood con una versión de Oh La La a cargo de él en la voz cantando "I Wish That I Knew What I Know Now When I Was Younger" en el estribillo lo cual hacía contagiar a toda la audiencia. Gesto generoso de Rod para dejarle a Ron la tamaña responsabilidad de cerrar aquella noche, una noche que no fue una noche más para nadie.
Foto del Herald Sun de australia: http://www.news.com.au/heraldsun/story/0,21985,23987016-5006024,00.html

Les dejo Oh La La interpretada por Ron Wood en el concierto de Fender, año 2004:

Phil Spector: 19 años tras las rejas

2009-05-30T00:17:00.005-03:00

Phil Spector, el gran productor famoso por sus trabajos con los Beatles, Tina Turner y los Ramones, entre otros, fue condenado ayer viernes a 19 años de prisión luego de haber sido encontrado culpable del asesinato de la actriz Lana Clarkson en su mansión.
De este modo, Spector deberá cumplir un mínimo de 19 años (15 por el asesinato y 4 por el uso personal de un arma) en prisión para luego poder contar con la libertad condicional, lo cuál significa que recién a los 88 años podría obtener este beneficio.
Según palabras de los fiscales, el condenado era un matón y tenía problemas con sus emociones violentas, al no poder controlarlas. Sus problemas de chico pueden haber sido un gran peso en la formación de su personalidad ("bipolar, donde varios demonios pelean dentro de él" según sus propias palabras) ya que su padre se suicidó cuando él era un niño y su hermana pasó tiempo en instituciones para tratar enfermedades mentales.
Los abogados defensores no se quedarán con los brazos cruzados y según adelantaron apelarán el fallo de la corte de Los Angeles.
El productor neoyorquino conocido mundialmente por su técnica de producción "Wall of Sound", la cual consistía en reunir varios músicos que tocaban instrumentos usualmente no usados entre sí para acompañamientos para lograr un sonido compacto y fuerte, producto llamado por Phil como una aproximación “Wagneriana” al rock.
Foto: Spector en la corte esperando el fallo - Source: Gettyimages

Video del fallo por la CNN:

Hoy, además del artículo de los Guns N' Roses: Letra de Know Your Enemy de Green Day

2009-05-29T11:05:00.007-03:00

Debido a algunas controversias en torno a la veracidad de algunas letras que están circulando por Internet les dejo la que para mi es la correcta:

Do you know the enemy?
Do you know your enemy? - x3
Well,got a know the enemy

Violence is an enemy
against the enemy
violence is an energy

Bringing on the fury
the choir infantry
revolt against the honor to obey

Overthrow the effigy
the vast majority
burning down the foreman of control

Silence is the enemy a
against your urgency
so rally up the demons of your soul

Do you know the enemy ?
Do you know your enemy? -x2
Well,gotta know the enemy

The insurgency will rise
when the bloods been sacrificed
don't be blinded by the lies in your eyes

Violence is an energy
from here to eternity
violence is an energy
silence is the enemy
so gimme gimme revolution

Do you know the enemy?
Do you know your enemy? -x2
Well,gotta know the enemy

Overthrow the effigy
the vast majority
burning down the foreman of control

Silence is the enemy
against your urgency
so rally up the demons of your soul.

Foto: Rolling Stone Magazine Photograph by Barry Brecheisen

Guns N' Roses: Adolescencia, rebeldía y rock

2009-05-29T01:15:00.010-03:00

Si hablamos de bandas que marcaron una época, sin dudas no hay que dejar de hablar de Guns N’ Roses. Es difícil encontrar en estos tiempos bandas que en tan poco tiempo (su primer disco titulado “Appetite for Destruction” salió a la luz en 1987 y su último disco se publicó en el año 1993 bajo el nombre de” The Spaghetti Incident?) hayan obtenido tantos laureles. Ejemplos de éxito en tan poco tiempo quedaron en el pasado encarnados en Cream, Hendrix, y en menor medida quizás Stevie Ray Vaughan, Janis Joplin y Kurt Cobain.
Y esto lo fundamento de la siguiendo manera: pregúntenle a cualquier persona ajena al rock de entre 15 y 30 años de edad que les nombre dos o tres temas de los Guns N’ Roses y van a ver que les van a nombrar al menos dos (seguramente November Rain y Sweet Child O' Mine), cosa que quizás no pasa con otras grandes bandas que igualmente me gustan mucho como por ejemplo Pearl Jam. Pero como dije en la primera entrada de este blog esto no se trata de fama, esto se trata de calidad. Y Guns N’ Roses fue una de esas bandas que pudo sumar factores para obtener el producto: calidad.

Los Guns fueron principalmente:
• Axl Rose en voz desde su formación (quien sigue en la actualidad con los nuevos Guns)
• Slash en guitarra desde su formación hasta 1996 (actualmente en Velvet Revolver)
• Dizzy Reed en teclados desde el año 1990 (actualmente en los nuevos Guns)
• Izzy Stradlin en guitarra desde su formación hasta el año 1991
• Duff McKagan en el bajo desde su formación hasta 1998 (actualmente en Velvet Revolver)
• Matt Sorum en batería desde 1990 a 1997 (actualmente en Velvet Revolver)
• Steven Adler en batería desde su formación hasta el año 1990
• Gilby Clarke desde 1991 hasta 1995.
Sin dudas, tuvieron la capacidad de tomar todos los elementos que tenían a mano y agregarles su toque picante adolescente y desafiante (visto mas claramente en temas como Mr Brownstone, Dead Horse y ni que hablar de la agresiva Welcome to the Jungle) para lograr viajar en el maravilloso mar de los vientos. Un Axl que iba al frente, desafiaba y puteaba desde el escenario a aquellos que les dedicaba las canciones (recordémoslo haciendo fuck you desde el balcón del hotel por entonces llamado Hyatt y a un Mauro Viale tratándolo de idiota). Un Slash sintiendo cada nota con su sombrero-galera, su característico pelo enrulado tapando toda su cara haciendo vibrar a quien se atreviera a escucharlos. Una banda energética acompañando a estos dos monstruos de la industria (no nombro uno por uno aunque quizás Duff McKagan merecería este “tercer lugar” detrás de las dos caras más expuestas de la banda) que en poquísimo tiempo arrasaron con todo lo que tuvieron adelante.
Es entendible que los tradicionalistas de la época no los entendieran: ¿Cómo entender a un grupo de “forajidos” (en palabras del entonces presidente Menem) o “psíquicamente insanos” (calificados así por Monseñor Antonio Quarracino) que se paseaban desnudos por el hotel, y que promovían el sexo y las drogas? . ¿Cómo entender que el ejemplo de sus hijos e hijas era un tipo que iba preso por partirle un botellazo en la cabeza a una vecina o un tipo que se arrojaba al público para pelearse con un fan y luego se iba puteando a la seguridad provocando la ira de la gente ocasionando destrozos y su posterior encarcelamiento por este hecho?
Mentiras de la prensa argentina intentando sembrar el odio mediante el invento de un hecho jamás ocurrido: la quema de una bandera argentina por parte de Axl Rose.
Por suerte la mayoría de los por entonces adolescentes pudieron tomar lo mejor de esta gran banda y la pudieron entender. Más allá de los escándalos, los allanamientos y los disturbios, había música con mucho contenido (tensión, fuego, fuerza, potencia y sangre se fusionaban en una sola cosa). Y al que se atreva a cuestionar la calidad musical de Guns N’ Roses le hago la pregunta: ¿los Stones invitan a artistas con poca calidad a tocar con ellos en un recital propio? La respuesta casi automática es NO, ante eso los invito a escuchar Salt of the Earth de los Stones con Axl e Izzy de invitados en el histórico concierto de los veteranos del rock en Atlantic City del cual hablaremos en otra oportunidad.
Una certeza: no fueron una banda más. Un interrogante: ¿podrían haber sido más o se disolvieron en su momento justo? .La pregunta quedará siempre abierta mientras los optimistas seguiremos pidiendo lo imposible: que se vuelvan a juntar y demuestren ese nivel que supimos ver en su momento, lo cual sería casi como tirar el tiempo 20 años hacia atrás y volver a soñar con que esa lluvia de noviembre nos vuelva a mojar para golpear las puertas del cielo viajando en caballos muertos.

Foto 1 Rolling Stone Magazine by Marino/Retna - Foto 2: Rolling Stone Magazine by Tilton/Retna - Foto 3 Rolling Stones Magazine by Vogeli/Dalle/Retna

Les dejo Used To Love Her en Argentina 1993 (último recital de la banda junta) con el repartidor de pizza vestido con la ropa de la cadena "Domino's" que luego se queda a tocar el bongo:

Local Natives: Una Grata Sorpresa

2009-05-28T01:01:00.005-03:00

Llevo mucho tiempo sin escribir sobre alguna banda reciente, de hecho es la primera vez que lo hago en este blog. Siento la necesidad de escribir porque en mi constante "investigación" sobre el rock indie me he topado con una banda que me ha sorprendido gratamente ya que no esperaba tanto de ellos al ser una banda nueva. Les pido que les presten atención.
Los Local Natives son de Silverlake, estado de California, y son 5: Taylor Rice (voz y guitarra), Kelcey Ayer (voz, teclados y percusión), Ryan Hahn (voz y guitarra), Andy Hamm (bajo) y Matt Frazier (batería). Tocan rock indie, estilo que me cae en lo personal muy pero muy bien.
Tienen un disco próximo a salir titulado Gorilla Manor bajo la producción de Raymond Richards.
No les voy a adelantar mucho porque quiero que escuchen pero personalmente considero que su mejor canción es Airplanes, un tema de 3:58 en la cual se forma un aire muy tranquilo y emotivo con unas voces (principalmente la de Kelcey Ayer) que van perfectamente con el estilo indie.
World News es otro lindo tema que personalmente me hace recordar en algunas cosas a Mardy Bum de Arctic Monkeys en ciertos períodos del tema (las partes de la guitarra).
Stranger things creo que definitivamente hace honor al título del tema: un tema raro con tintes "arábigos" y suaves a la vez.
También interpretan Warning Sign de los Talking Heads con mucha prolijidad y rasgos countries en cierta parte del tema. Otros temas de ellos que se pueden escuchar por YouTube en versiones en vivo son Camera Talk, Only Son y Sunhands.
Su sitio web es: http://www.myspace.com/localnatives donde podrán escuchar los temas que les he comentado allí arriba y sacar sus propias conclusiones.
Estos son:

Foto: The Local Natives ::: Photo by Benjamin Hoste

Acá les dejo el temazo Airplanes:

Sting gana premio internacional Cubadisco

2009-05-27T19:26:00.004-03:00

Sting, el fino inglés de 57 años, se adjudicó el Premio Cubadisco 2009 por su disco "El Viaje y el Laberinto" donde está acompañado por el bosnio Edin Karamazov.
El encargado de recibirlo en su nombre fue el guitarrista cubano Leo Brouwer, amigo personal del músico inglés. La ceremonia se llevo a cabo en el teatro Karl Marx de la capital cubana. En la carta que leyó su amigo, Sting manifestó su admiración por la música y la cultura cubana. También recordó su visita privada a la isla en la cual junto a su esposa visitaron escuelas, aprendieron a bailar y escucharon música en salas de concierto, hoteles, bares y hasta en la calle.
El ex bajista de The Police agregó que el nivel de música cubano es inspirador y extraordinario.

Photo by Frazer Harrison/Getty Images North America)

Les dejo "Charlie Rose" de Sting y Edin Karamazov:

Muse: La resistencia hasta Septiembre

2009-05-26T21:01:00.004-03:00

El grupo británico Muse, integrado por Matthew Bellamy, Dominic Howard y Christopher Wolstenholme, dió a conocer mediante Twitter y su website oficial el nombre de su próximo disco con salida a la venta para Septiembre. "The Resistance" será el nombre del nuevo corte de Teignmouth. Además la banda dejó entrever el nombre de una canción del album: "United States of Eurasia".
Recordemos que meses atrás en declaraciones a la BBC Bellamy definió al nuevo album de Muse como "muy orquestal".
Actualmente la banda se encuentra trabajando en estudios ubicados cerca del lago di Como, en el norte de Italia.

Foto: © Warner Music UK Ltd // Photo credit: Perou

Les dejo Hysteria (quizás el tema mas conocido de Muse por estas tierras) en vivo Glastonbury 2004:

Little Wing por Clapton y Sheryl Crow: Sentencia de música

2009-05-25T20:00:00.006-03:00

Sabemos lo que son Eric Clapton y la australiana Sheryl Crow por separados. Imaginemos lo que son juntos. Pero por qué en vez de imaginarlos no los vemos. Apreciemos esa magia suspendida en el aire de un dueto genial con una banda mas que importante: David Sanborn en el saxofón merece mas que un aplauso y un impecable y sólido Steve Gadd en la bateria funcionando con la potencia de un motor de 300 caballos de fuerza y con la justeza de un reloj suizo.
En esta versión podemos apreciar un Clapton enfundado en su limpia guitarra dibujando con sus dedos tan bien como hacía Miguel Angel con su pincel, tal como como un guerrero con su mejor espada y a una Sheryl Crow como en sus mejores hits: una voz que mezcla fuerza y sensualidad. Un saxofonista que lleva el tema hacia lo alto sin titubeos entretejiendo con un guitarrista espléndido tal como sólo los mejores músicos pueden.
Una interpretación cálida pero a la vez con fuerza, ideal para un teatro o un arena, donde se puede observar a una formal y clásica banda (al mejor estilo Clapton) junto a una innovadora Sheryl Crow, formando una fórmula que funciona a la perfección.

Foto: Eric Clapton y Sheryl Crow en el Crossroads Guitar Festival 2007. Photo by Tasos Katopodis/Getty Images Entertainment.

Acá les dejo la versión en cuestión:

Queen: En busca del próximo cantante

2009-05-24T22:01:00.007-03:00

Así es, Paul Rodgers dejó Queen y la banda se queda nuevamente sin vocalista. "Tuvimos gran éxito con dos giras mundiales, grabaciones en vivo y un álbum de estudio que fue histórico para Brian May y Roger Taylor" le dijo el saliente cantante a la revista Billboard. Fomentando esta decisión en seguir con su banda "Bad Company" el cantante sin embargo dejó una puerta abierta para el futuro: "Me gustaría volver a tocar con Queen para algún acto de beneficencia o algo así".
Recordemos que Queen pisó dos veces suelo nacional: en 1981 con su formación original incluyendo a su mítico cantante Freddy Mercury y el año pasado justamente con Paul Rodgers en sus filas.
Ante esto, Queen no perdió el tiempo y salió a buscar (o se encontró) nuevo cantante: Adam Lambert podría ser el elegido. "Entre todo el furor, no hubo en realidad un momento tranquilo para conversar", dijo Brian May a la revista Rolling Stone luego de la actuación del grupo con Adam Labert en American Idol el miercoles pasado. Y lo dijo, claro está por este cantante de 27 años, favorito del público y los jueces a lo largo de todo el American Idol 2009. Sin embargo, dejaron en claro que se van a tomar su tiempo para decidir: "Roger Taylor y yo estamos definitivamente esperando tener una conversación (con Lambert) en algún momento. No es que nosotros, como Queen, nos apresuremos en unirnos a otro cantante así como así. No es tan fácil. Pero definitivamente me gustaría trabajar con Adam"declaró May a la revista.

Foto: Visita Queen a la Argentina en 1981, con Diego Maradona.

Les dejo "We are the champions" de Queen con Lambert (vestido de chaqueta marrón) en American Idol:

Green Day: El espíritu intacto

2009-05-23T12:30:00.005-03:00

En una muy buena presentación colmando las expectativas del público, ayer se presentó Green Day en el show televisivo Good Morning America (en vivo desde el Central Park), como fue anunciado en este blog hace unos días atrás.
La performance constó de 4 temas: los nuevos y conocidos "Longview" y "American Idiot" (presentado por los presentadores y la banda como "Good Morning American Idiot") y dos nuevas que sonaron muy bien: la sencilla y pegadiza "Know Your Enemy" (se convertirá en un nuevo hit?) y 21st Century Breakdown, canción más al estilo Green Day.
Foto: AP Photo/Peter Kramer

Aca les dejo Know Your Enemy de esta presentación:

El apogeo de los Who en vivo: Isla de Wight 1970

2009-05-22T12:38:00.016-03:00

Demoledora. Esa es la palabra con la cual defino esa actuación de The Who en la Isla de Wight. Con la fuerza del cambio de década presagiando quizás lo que vendría despues, demostrando de esta manera que eran unos adelantados en la materia.
Con un Keith Moon al borde de la locura total demostrando un gran nivel en la batería; un John Entwistle convirtiendose en uno de los mejores bajos de la época en un grupo de rock de ese estilo dejando sus huesos al descubierto con el mítico traje de esqueleto; un Pete Townshend demostrando ser un músico con todas las letras y una electricidad llamativa; completando con un Roger Daltrey poseedor de un carisma destacado en sus actitudes y sus formas de vestirse (un tanto hippies), los Who le sacan fuego al escenario mostrando al mundo lo que son capaces de producir.

Abriendo el recital con una interpretación de "Heaven and Hell" puntillosamente afilada, siguiendo con el clásico "Can't Explain" con una solidísima base rítmica, la banda se presenta ante un público visiblemente feliz y shockeado que los ovaciona muy fuerte despues de cada tema.
Con un Keith Moon absolutamente sacado en "Young Man Blues" (versión que fue pasada por televisón en el programa de Capusotto) tirando un palillo hacia arriba haciéndolo rebotar en su redoblante, mientras el bajo de Entwistle era prácticamente "destripado" y un Townshend llevando el tema a su cumbre con su guitarra, con unos aullidos que encajan justo en el tema.
Prosiguiendo con el tema "I don't Even Know Myself" (otro clásico) y una simpática introducción al tema "Water" (buenisima versión con muy buenas tomas desde atrás de la batería haciendo una de las canciones que mas me gustan de esta actuación) donde Moon es bofeteado en tono de broma por Townshend.
Un riff bien rocker abriendo el tema "Shakin' All Over" para hacer un medley con "Spoonful" de Willie Dixon (donde la voz se destaca) y un clásico de los Beatles "Twist and Shout" (en un dueto en la voz de bajista y vocalista), en lo que antecediera a un plato fuerte: "Summertime Blues". Extraordinaria interpretación del tema de Cochran con la voz rasposa y retumbante del bajista esqueleto aquella noche y un muy buen solo de guitarra como Pete Townshend nos tiene acostumbrados. Luego llegaría una canción con mucho aire juvenil de aquella época: "My Generation" donde el tema toca bien las venas de los jovenes en "I Hope I Die Before I Get Old", criticando quizás a la sociedad conservadora de aquellos tiempos. Siguiendo con un "Magic Bus" donde Roger agarra la armónica y arranca una versión mas lenta del tema con un baterista golpeando los aros (bordes) hasta la explosión.
El tema sucesor sería el "Overture" de "Tommy" alisando el camino para una histórica interpretación de esta ópera del rock (sólo faltó Tina Turner en "The Acid Queen") de forma completa destacando (segun mi perspectiva) "Eyesight to the blind" y "Christmas", la siempre efectiva "Pinball Wizard", "Do You Think is Alright?", la aplaudida y acompañada por el publico ademas de muy bien cantada por Roger "Go to the Mirror", ademas de "Miracle Cure" y "I'm Free", para dejar lugar a "See Me/Feel Me" donde se ve al cantante con una presencia extraordinaria simulando la figura de un dios mezcla alcón lo cual justifica por qué es considerado un gran frontman arrancado una subida interminable de potencia hasta terminar dejando el ambiente bien caliente para irse del escenario dejando a todos felices y con ganas de volver a verlos.
Recomiendo que escuchen este concierto que segun mi punto de vista fue el mejor de los Who en vivo y que miren la pelicula de "Tommy", donde se puede ver a una Tina Turner bien caliente, un Keith Moon terriblemente impiadoso en "Uncle Ernie", a una Ann Margret deslumbrando con su actuación, a un Jack Nicholson, Eric Clapton y Elton John en interpretaciones sobresalientes, además de a los integrantes regulares de la banda.

Foto 1: tapa del disco The Who en vivo en la Isla de Wight

Foto 2: http://www.thewho.net/whotabs/images/sg-wight69.jpg

Aca les dejo una parte de Water del recital que les hablo:

Rolling Stones en Argentina 2006: Lágrimas, aplausos y saltos

2009-05-21T00:06:00.011-03:00

Me resulta imposible describirles con palabras lo que sentí aquella noche del 21 de Febrero del 2006 en el estadio de River. Si les digo que me es posible poner todo mi sentimiento en palabras, les mentiría. Al hablar de los Stones tengo que recordar viejos momentos: hablar de "Mi Primer Disco" cuando compré el No Security en Musimundo cuando mi viejo me llevó a los 8 años y me dijo: elegí cualquier disco de cualquier artista que te guste. Quizás si mi intuición (o no se que circunstancia o cualidad) no hubiera funcionado de esa manera, hoy no estaría hablando de Rolling Stones. No se que fue lo que me llamó la atención, pero alguien debe haber estado ahi para forjar mi destino en parte, y ese alguien (quizás para algunos llamado azar) no se equivocó. Pero escribo para representar el sentimiento de muchos de los que nacimos, crecimos y moriremos con el rock en nuestra sangre, lo hayamos descubierto a temprana o tardía edad. Y dentro de ese sentimiento sin lugar a dudas que estamos los que tuvimos el privilegio de ver a esta banda aquella noche. Y cuando digo aquella noche, digo ESA noche.

Asistían los fanáticos que los veian por primera vez (mi caso): muchos pibes de 15 para arriba, 45 años menores que los músicos increiblemente (¿en que otro país del planeta pasa eso?) y que cuando vinieron por primera vez teniamos 5 años. Los ya experimentados: aquellos que compraron los primeros discos y que ahora veian con un poco de asombro cómo un cantante de su misma edad corría de un lado al otro del escenario mejor que cuando tenía 40 años. Los de mediana edad: aquellos que vivieron a fines de los 60's y principios de los años 70's (en su adolescencia) con esta música y al ritmo de los aires de la nueva onda proveniente del hemisferio norte del planeta (más precisamente de Inglaterra y Estados Unidos, los polos del rock).

Hasta tres generaciones que se mezclaban (o cuatro, porque algunos llevaron a sus hijos de 8-9 años) y vivían con expectativa la llegada de estos tesoros de la historia de la música a Buenos Aires. Y al final nos cercioramos de que habia valído la pena la espera (8 años) para verlos y agitar nuestras remeras, transpirar hasta estar casi bañados y saltar hasta tener los tobillos rojos sacando fuerzas de quien sabe donde.

Y en una noche de calor agobiante los Stones duplicaron la temperatura en base a su entrega, potencia y profesionalismo, tres cualidades fundamentales en la historia de ellos y que formaron esa noche un cóctel de lujo.

Ya con la oscuridad bien presente como elemento adicional en River, los Stones se hacían esperar. Pero sus majestades satánicas siempre cumplen y con creces (esta de más decirlo no?). Y a eso de las nueve y pico de la noche si no me equivoco (no recuerdo bien el horario) se encendió la pantalla gigante del escenario. Con todo River absolutamente a oscuras se empezó a reproducir el clip característico que antecedió durante todo el tour a la salida de la banda al escenario. Y el "Bigger Bang" ocurrió, y pues que no cupo ninguna duda de que fue una verdadera explosión. Y cuando hablo de esta manera no estoy maximizando las cosas, estoy siendo realista. Escuchar los acordes tan esperados de "Jumping Jack Flash" y soltarse a disfrutar como nunca ese momento tan esperado (algunos dijeron que no volverían jamás) fue un regalo del mas allá. Fuimos realmente privilegiados. Y todos reaccionamos de distinta manera: el campo de juego empezó su fiesta característica saltando de un lado al otro y haciendo temblar las estructuras del estadio, mientras algunos en la platea saltaban tambien en un espacio chico, algunos otros simplementen miraban impactados el tener a sus majestades allí y otros simplemente no pudimos contener las lagrimas (mixed emotions no?).

Al terminar Jumping Jack Flash se produjo algo dificil de explicar, para algunos volver a cargar energías, para otros mirar consternados todo el estadio y para otros seguir llorando de emoción y asombro. Y a medida que iba avanzando el recital, parecía que era una carrera por la mejoría constante entre ambos actores principales aquella noche: ellos y el público.Luego de "It's Only Rock N' Roll" el gran showman y maestro de los escenarios a nivel musical tomo el microfono y se paró ante la audiencia para saludar de forma cortez con un "Hola Argentina, hola Buenos Aires" (que buen estilo que tiene para hablarle a las masas, ¿se lo habrá concedido el que aparece por los cruces de caminos?). Y la fiesta siguió con un versión de "Shattered" muy buena luego de la cual Jagger volvió a tomar el micrófono en uno de los momentos de mayor importancia para el público: "Muchas Gracias. Pasaron 8 años, los extrañamos mucho, ¡estan igual!" para luego introducir la canción "Oh No, Not You Again" del A Bigger Bang, luego de la cual Jagger invita al público a la ducha por el calor agobiante del momento. Y con la potencia de lo clásico y lo mágico de esos vientos que tambien acompañan al tema arranca "Tumbling Dice" (a todo esto les digo que di vuelta mi cabeza por un momento y pude ver a gente que todavía seguía ingresando por el campo de juego). El fútbol entra en juego y el inigualable Mick primerea (con una gran dósis de carisma): "¿Estan esperando el mundial? ¿Quien va a ganar?" ante una respuesta unánime del público al grito de "Argentina! Argentina!".

"Worried About You" no fue personalmente un tema mas, fue lo que se llama una verdadera joyita. Un regalo dentro de semejante show. Con una voz excelente, unos teclados que le daban un aire perfecto, un solo de Ronnie Woods destacable y un Charlie Watts perfecto y con presencia a la hora de marcar el tempo.

Luego llegaron "Rain Fall Down" (donde Mick toma la guitarra para demostrar acto seguido que él tambien sabe tocar y no lo hace para nada mal) y la potente y arrasadora "Midnight Rambler" donde el estadio de River parecía una estación de tren con miles de locomotoras pasando (bah, en realidad las fuerzas unidas de Watts, Wood, Richards y Jagger que pueden alcanzar lo inalcanzable para muchos). Un ingrediente extra eran con los aullidos demoníacos de ese líder de masas que eran respondidos por el público.

Pero tambien estaba en el Monumental la provocativa y hermosa cantante Lisa Fischer, aquella pantera negra que supimos ver en los años del Bridges to Babylon tour interpretando versiones muy fuertes con ragos fantasmagoricos de "Gimme Shelter". Y esa cantante demostró que a pesar de tener 8 años mas sigue con un excelente nivel en el tema "Night Time is The Right Time" del grandisimo Ray Charles, al cual se lo pudo ver en la pantalla mientras sonaba el tema.

Despues de la presentación (donde Keith Richards se llevó una de las mayores ovaciones de su historia como músico y donde casi se le cae una lágrima) la imágen del rock n' roll agarró su guitarra para interpretar "This Place is Empty" y el interminable clásico "Happy" en un gran nivel.

Para la vuelta de Jagger al escenario con "Miss You" la cancha de River se convirtió en una gran discoteca de los años 80's con gran aporte del teclado del georgiano Chuck Leavell y con un escenario que se desplazaba hasta la mitad de la cancha (que para aclarar tambien se covirtió en un guardarropas para quien lo deseara, con muchas remeras) y para que a Jagger le gustara la visión "desde allí". Ya en la mitad de la cancha una prolija versión de "Rough Justice" y del clásico interminablemente bailado en las discos en el pasado y aún disfrutado por muchos habitantes de este mundo: "Start Me Up" adornaron aún mas la noche para dejar calentito el ambiente para lo que vendría. El pirata Keith en su posición de héroe del rock empezó a tocar Honky Tonk Women y muchas niñas argentinas se levantaban las remeras para endulzar el ambiente con esa canción llena de humo y magia. Pero la puesta en escena no terminaría ahi una vez de nuevo en los escenarios principales: una versión de "Sympathy for the devil" con el escenario teñido de rojo y un Mick vestido con pieles hacian corear a todo el estadio el estribillo de un tema con letra diabólica pero a la vez profunda.

Luego llegaría la oscura "Paint It Black", seguida por la tremendamente ágil y potente "Brown Sugar", el tema en donde el público toma un rol importantisimo respondiendo al temón (responder significa corear, sentirlo bien en la sangre y levantar las manos o agitar las remeras) con un Bobbie Keys en llamas desde lo alto mientras un tal Jagger animaba la fiesta como él solo la podría animar enfrente de gente que (vale decirlo) sabía de memoria sus temas.

Luego para rematar la noche llegarían "You Can't Always Get What You Want" donde los Stones contaban con un corista privilegiado de más: nuevamente el público. Pero una sorpresa se avecinaba (el interminable Mick llevaba puesta una camisa). Faltaba la frutilla del postre: "Satisfaction" donde Jagger se saca esa camisa y queda vestido con la camiseta de la selección nacional y todos tiramos todo (si a alguno le faltaba sacarse la remera se la saca y la agita). Coreamos el tema como un himno con el Uoooohh Uooohhh sacando llamas del pasto del estadio y convirtiendo las tribunas de River en un espectaculo: las remeras en todos los sectores del estadio eran puestas al viento en señal de celebración divina por el punto cúlmine de la ceremonia. Nadie queria que concluyera ni el propio Jagger que se mandó una corrida de punta a punta del escenario y lanzó un: "Buenas noches, Gracias, Nos vemos en la próxima" mientras sus compañeros seguían sacándole chispas a sus instrumentos. Pero asi como todo empieza todo termina y la electrizante versión del tema terminó y los Stones se despidieron, marcando otro hito en su historia personal y otro hito en su tercer visita a la Argentina.

Gracias al foro Banquete de Pordioseros por todo.

Como video les dejo Brown Sugar en vivo esé 21 de Febrero:

Green Day: A tocar con lagañas

2009-05-20T18:50:00.009-03:00

Green Day empezará su tour este 22 de Mayo tocando en el Central Park en el marco del programa de recitales del programa Good Morning America emitido por la cadena ABC.
Lo curioso de esto es que el show televisivo se emite desde las 7:00 hasta las 9:00 de la mañana, comenzando el show musical a las ¡¡8:30 de la mañana!!.Será la primera vez de esta banda con espíritu juvenil en este horario poco usual para tocar rock.
Greenday presentará en un corto show su nuevo album 21st Century Breakdown, el cual se presentará oficialmente en vivo ya que la banda dió ayer un show secreto para 1000 fans en el Manhattan's Webster Hall.
Foto sacada de: http://www.greenday.net/picturearchive/group.html

Les dejo Boulevard of Broken Dreams, un clásico de Green Day en vivo:

9 minutos para la humanidad: El día que Cocker nos elevó hasta el cielo (con una ayudita de sus amigos)

2009-05-19T18:14:00.007-03:00

Es raro describir con palabras lo que se nos viene a la mente cuando Joe Cocker interpreta With a Little Help From My Friends.
Para cualquier amante de la música es imposible no recordar aquella interpretación en Woodstock 69' con la Grease Band.Como olvidar esos teclados celestiales (intepretados por Chris Stainton) que daban introducción al tema (y que escribían páginas en la historia) mientras Cocker bebía de un vaso de plástico, con su particular forma de pararse mirando al horizonte (pose que nos hace imaginarlo en el cuerpo de un guerrero británico de la antiguedad), esa mirada que trascendía a la granja de Max Yasgurs y a las barreras del tiempo para modificar para siempre la historia de la música y meterse de lleno en la historia de la humanidad.
Una versión astillante con un Cocker casi entrando en estado de trance cuando empieza a sonar la batería de Bruce Rowland para terminar quebrando su cintura y sacudiendo su pelo (producto de su aspecto desprolijo, digno de cavernícola) al sonar los acordes de la guitarra de Henry McCullough, para completar con el bajo de Alan Spenner y la guitarra rítmica de Neil Hubbard.
Una interpretación que nos lleva nuevamente a lo más alto del cielo con los coros de Henry McCullough y Alan Spenner (algunas personas pensaban que eran coros intepretados por mujeres hasta ver la pelicula), dos arcángeles que nos dan la bienvenida al paraíso de lo impensando en el mundo actual y un Cocker pegando un grito desgarrador diciendo (y pidiendo quizás) Amor (Love).
Una versión que nos hace relajar sin salir de ese estado para luego volver a subir con fuerza y terminar con la potencia digna de una versión de The Who.
Una voz con muchisimas cualidades que la posicionan entre las mejores voces de la historia del rock: envolvente, ronca, dulce por momentos y tan fuerte como para sorprender a mas de un rockero experimentado.
9 minutos para la historia, 9 minutos trascendentales de Joe Cocker para el futuro.

Joe Cocker en el festival de Woodstock 69'. Foto de Robert Altman sacada de: http://www.woodstock69.com/altman.htm

Kings of Leon: Los leones rugirán en el MTV Movie Awards

2009-05-18T10:48:00.007-03:00

La gran familia de Tennessee (los Kings of Leon son tres hermanos y un primo, todos de apellido Followill) se presentará este 31 de Mayo en el Gibson Amphitheatre de California en el marco de los MTV Movie Awards para cerrar esta parte de su gira por EE.UU. y luego viajar a Londres para tocar en el 02 Arena el 15 de Junio.
La edición para Lationamerica se podrá ver el 4 de Junio a las 22:30.
El tema tan esperado por todos (personalmente me parece un gran tema) que ya han confirmado que tocarán es Use Somebody su último éxito del disco Only By The Night, que se dió a conocer al mundo en Septiembre del año pasado, que incluye tambien excelentes temas como "Sex on Fire" y "17".
Para los que no se acuerdan de Kings of Leon los invito a revisar el FIFA 2004 (por el que muchos pudimos conocer o leer el nombre de esta banda) donde en la presentación del juego se puede escuchar "Red Morning Light" fantástico éxito de ellos publicado en el disco Youth and Young Manhood, album debut de la banda.

Foto de: http://www.kingsofleon.com/ galería T in the Park

Les dejo el video de Use Somebody en vivo en el BBC Later's con Joss Holand (muy buena versión):

Arctic Monkeys: Los ingleses contraatacan en Agosto

2009-05-17T19:28:00.021-03:00

Sí señores, así parece: según declaraciones de Matt Helders (baterista de la agrupación de Alex Turner) a la BBC, la banda tendría listo su nuevo album en Agosto de este año, bajo la producción de Josh Homme (líder de Queens of Stone Age). Aún no ha trascendido el título de ninguna canción ni del album mismo, pero según se ha podido saber ya están realizando las mezclas.

Éste es el tercer album de estudio de los ingleses originarios de Sheffield, cuyo último trabajo publicado fue Favourite Worst Nightmare en el 2007.

Foto sacada de: www.arcticmonkeys.com

Mientras tanto para hacer menos tediosa la espera les dejo Mardy Bum en vivo en el Festival de Reading 2006: (si no se carga, ya que he visto fallas en otros blogs con videos de youtube, usen el link directo: http://www.youtube.com/watch?v=y5ySuWBIglI):