Brazilian Progressive Rock

Novo Endereço/ New Blog

2008-02-22T18:21:00.007-03:00

Bom pessoal, todo o conteúdo foi passado para um novo sítio. Espero que apreciem!
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Made In Brazill

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Tantra

2008-02-18T21:34:00.007-03:00

Apesar de uma formação padrão (teclados, guitarra-vocals, baixo & bateria-percussionista), os TANTRA tocavam canções progressivas e muito bem elaboradas, belamente construídas e arranjadas em português, que figuraram no mesmo nível creativo que os melhores compositores ingleses (Yes, Gentle Giant, Camel ...) mas com um carácter distinto. Esta é uma banda extremamente sinfónica contando com muito bom leque de musícos. As construções e as combinações musicais eram complexas e inventivas, os sons originais e as melodias muito bem construídas. “Mistérios E Maravilhas” (1978) & “Holocausto” (1979) são dois marcos no Rock progressivo, este último ligeiramente influenciado pelo jazz-rock progressivo dos THE MAHAVISHNU ORCHESTRA's.

Os Tantra para quem não sabe mantêm uma actividade musical de invejar ainda hoje, com excelentes propostas de rock progressivo. Pelo meio de uma paragem de cerca de 20 anos sem lançamento de originais, mas com noticias que vinham a publico relativas ás actividades musicais paralelas do seu mentor Manuel Cardoso aka Frodo, e com noticias vindas a publico da sua vontade de reunir novamente os Tantra.

Em 1998 iniciaram-se alguns ensaios com vista á reunião, e tal veio a suceder.

Discografia:

Novos Tempos 1976
Misterios E Maravilhas 1977
Holocausto 1979
Humanoid Flesh 1981
Holocausto (1979) 2002 - remasterizado
Terra 2003
Live Ritual 2003 (gravação do excelente concerto em 1977)
Delirium 2005

Novos Tempos - 1976 (single)

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Misterios E Maravilhas - 1977

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Holocausto - 1979

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Humanoid Flesh - 1981

Senha: maranus

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Delirium - 2005

Sigla

2008-02-18T20:50:00.001-03:00

Nenhuma informação.

Sigla - Roupa Suja 1970

Saga

2008-02-18T20:35:00.004-03:00

Saga foi uma banda portuguesa dos anos 70 encabeçada pelo multi-instrumentista José Luís Tinoco. Lançaram apenas um disco, "Homo Sapiens", em 76.

Musicalmente, é um típico progressivo sinfônico dos anos 70, mas com um sonoridade bem portuguesa. Temos um variado trabalho de teclados ao longo do disco graças a Tinoco, o que enfatisa o lado sinfônico do álbum. Outros instrumentos também tem destaque, como bateria e percussão, além dos instrumentos de sopro, que são um tanto limitados, mas modificam musicalmente o disco. E não podemos esquecer dos vocais, que são excelentes.

Saga - Homo Sapiens - 1976

Obs: Link e informações retirados do site Museo Rosenbach

Red Snakes

2008-02-18T20:16:00.004-03:00

Houve uma época, no Rio, em que os Red Snakes reinaram quase que absolutos no circuito de bailes do Grajaú, Tijuca e arredores. Nessa região da cidade, desfrutaram de fama equivalente, ou até mesmo superior, às duas bandas mais famosas de então: os Analfabitles, eternos rivais, e a energética The Bubbles. Mas, menos de um ano depois do lançamento do seu melhor disco, o terceiro e ótimo Trying To Be Someone (de 1969), e depois de uma rotina inalterada de shows ao longo dos cinco anos de sua existência, deram por finda a sua história.

Tudo começou na casa dos irmãos Ronaldo e Renato Bakker. Era lá que se reuniam os amigos de rua, a rua Gurupi, localizada no arborizado e aprazível bairro do Grajaú, Zona Norte do Rio. Em meio às brincadeiras típicas da adolescência, quando falavam de música, o que era freqüente, o faziam com a seriedade de gente adulta. O universo musical era outro, não era apenas uma variante eventual daquelas brincadeiras de garoto de 10, 12 anos. Com o endosso dos pais, seu Godescardo e dona Iraci, cantores diletantes e apaixonados por música, os meninos decidiram formar um conjunto instrumental inspirados pelos norte-americanos Ventures e pelos brasileiros Jet Blacks. Foi quando surgiu o Red Snakes, liderado por Ronaldo, um menino de 12 anos de idade. Com ele na guitarra solo e bandolim, seu irmão Renato, quase dois anos mais novo, na guitarra ritmo, Hélcio José, no baixo, Ricardo, no órgão e escaleta, e Carlos Henrique, o mais velho de todos, com 14 anos, na bateria, os Red Snakes estavam prontos para estrear. 1966 estava apenas começando.

Geraldo Trindade, dono de uma pequena gravadora, cujos discos eram vendidos principalmente através de catálogos enviados pelo correio, gostou da banda, que viu num desses shows, e a contratou para gravar um disco para a sua etiqueta, a Getrim. Numa única sessão, como se fosse ao vivo, sem direito a tomadas extras e muito menos overdubs, a banda registrou 12 temas instrumentais que perfizeram o seu primeiro LP, intitulado Jovem Brasa. Nele, o ouvinte se deparava, por exemplo, com temas de filmes (O Dólar Furado, Thunderball, Un Homme et Une Femme, Born Free), romantismo ( Temas Para Jovens Enamorados), música francesa ( T'En Vas Pas) e sucessos recentes como Winchester Cathedral, do New Vaudeville Band, e Bus Stop, dos ingleses The Hollies. Lançado em 1966, o disco retratava com fidelidade o momento musical vivido pelo grupo, estampado em foto, com uniforme e tudo, na contracapa do LP.

Ainda que o disco tenha sido gravado às pressas, resulta evidente que os jovens músicos ainda careciam de amadurecimento. Mesmo assim, vendeu bem, tão bem que Geraldo Trindade os convocou novamente para registrarem outro LP, o que foi feito no ano seguinte, em 1967, quando Jovem Brasa 2 foi editado. Tal como o título, Jovem Brasa 2 é uma mera continuação do estilo empregado no primeiro disco, com a banda deslizando sua sonoridade através de canções românticas (Love Is A Many Splendored Thing, Tudo Morreu Quando Perdi Seu Amor), sucessos internacionais (Sunny, There's A Kind of Hush) e MPB ( Tributo À Martin Luther King). No entanto, pouco tempo após seu lançamento, a banda percebeu que já era hora de dar uma guinada à procura de um estilo mais condizente com o atual universo do pop/rock internacional. Afinal, "Sgt. Peppers", dos Beatles, já dera às caras, marcando o inicio de uma notável revolução musical da qual os Red Snakes queriam se aproximar. O primeiro passo foi reformular a própria banda: sairam o baterista Carlos Henrique, cujo estilo não agradava muito a Ronaldo, e o baixista Hélcio, e entraram Dirceu (baixo) e Antonilton (guitarra), passando Renato para a bateria. Em seguida, a providência imediata foi a de abandonar o velho estilo predominantemente instrumental, que já soava anacrônico, e explorar ainda mais canções à base de vocal, que eles pouco à pouco vinham inserindo em suas apresentações, com reforço de uma base sonora mais consistente. Então, ao lado de temas dos Beatles, Dave Clark Five, Herman's Hermits, entraram rocks mais pesados, até então evitados pelo grupo, extraídos dos discos do Steppenwolf, Rolling Stones e, mais tarde, até do power trio Cream, de Eric Clapton, Jack Bruce e Ginger Baker. Também incorporaram obras pouco conhecidas de gente como os Young Rascals e Brooklin Bridge. Quanto aos temas mais suaves, Mr. Diengly Sad, essa bela melodia dos Critters, era uma das mais constantes.

E foi em 1969, ano de tremenda ebulição na carreira dos Red Snakes, que eles tiveram uma nova chance de gravar mais um LP, desta vez para a Equipe. Com sua última formação, que incluia Marcinho, nos teclados, em lugar de Maurício, os Red Snakes gravam o LP que viria a se chamar Trying To Be Someone nos estúdios Havaí, no bairro central da Saúde. Pela primeira vez a banda deixou escoar, através das fitas magnéticas, composições próprias. Foram cinco delas, todas de Álvaro, sendo uma em parceria com Dirceu e outra com Marcinho. E todas no idioma de Lennon & McCartney. Entre os covers, as velhas Slow Down (de Larry Williams) e Bye Bye Love (que os Everly Brothers tornaram famosa), a bela e desconhecida Onie, o blues pesado de Born Under A Bad Sign, e mais Chester Fever e Welcome My Love. Nesta última o destaque fica por conta do excelente vocal da banda que faz lembrar as melhores interpretações do Fifth Dimension, Association, Orpheus e grupos vocais da época do flower-power californiano.

Gravado em quatro canais e usando o melhor em instrumentos musicais, incluindo um órgão Hammond B-3 acoplado em caixa Leslie, os Red Snakes fizeram um disco delicioso, caprichado, surpreendente e recheado de bons momentos, sobretudo quanto às composições originais. Com exceção de You Make Me A Fool, de Álvaro e Dirceu, um funk que mistura James Brown com Archie Bell and The Drells, com direito a riffs repetitivos de guitarra e baixo pulsante e firme, as demais (Trying To Be Someone, Please Come On And Hold Me, I've Been Just A Little Boy e Pehaps Someday, esta de Álvaro e Marcinho) são melodias bem cuidadas, envolventes, guiadas, como sempre, pelo excelente vocal da banda. Infelizmente, poucos conheceram o disco. Nem com a ajuda do eterno Big Boy, que elogiou o trabalho deles em seu programa, suas canções alcançaram a simpatia dos programadores de rádio, "sobretudo porque eram cantadas em inglês", diz Álvaro.

Do LP, somente Trying To Be Someone e Pehaps Someday foram incorporadas aos shows, cada vez mais adornados de projeções psicodélicas.

Texto de Nélio Rodrigues, publicado no site Senhor F.

Red Snakes - Trying To Be Someone 1970

Obs: Link e informações retirados do site Brazilian Nuggets

Paulo Bagunça

2008-02-18T19:50:00.002-03:00

Em 1974, o selo Continental lançava um disco estranho, com o nome da banda bem grande na capa: Paulo Bagunça e A Tropa Maldita, que fez especialmente a cabeça da galera roqueira. A expressão Bagunça já era uma certa provocação, Tropa Maldita, então, nem se fala, mas o mais intrigante era mesmo o som dos caras, que a mídia da época classificava de "pop eletrônico".

Apesar de homogêneo, o disco permite destacar algumas canções, pela sua avançada concepção, especialmente 'Grinfa Louca' (com uma batida afro alucinada) e 'Madalena' (um samba carnavelesco à la Jorge Ben, com presença de algo parecido com um moog, que dá um toque eletrônico à música). Com uma concepção arrojada de percussão, que também lembrava Santana, em certos momentos, algumas canções, como 'Apelo' ainda traziam climas orquestrais, resultado da participação do maestro Laércio de Freitas, responsável pelos arranjos do disco.

O disco não podia ser mais emblemático e futurista, fundindo as influências mais estranhas, indo de Jorge Ben aos ingleses Traffic, passando por percussão afro, levadas de jazz e outros sons negros da época. Em 72, em entrevista ao jornal Rolling Stone, o próprio Bagunça definia sua música como algo "que vem lá de dentro, do coração, da caverna, dos sonhos e pesadelos". Na mesma época, Nelson Motta destacava o humor da banda, e outros críticos identificavam influências de Bob Dylan, John Mayall e outros expoentes da época (e de sempre).

Oriundos da Cruzada de São Sebastião, na cidade do Rio de Janeiro, o grupo surgiu em 1972, em um festival de música organizado pela própria comunidade. Além de Bagunça, cantor e principal compositor, a banda contava com Guerra (atabaque), Oswaldo (violão), Gelson (bongô) e Flávia (baixo). Até a gravação do único disco, a banda destacou-se na cena underground do Rio de Janeiro, realizando shows no Teatro de Bolso e outros locais.

Texto publicado originalmente no site www.senhorf.com.br.

Paulo Bagunça e a Tropa Maldita - 1973

Obs: Link e informações retirados do site Brazilian Nuggets

Os Brazões

2008-02-18T19:35:00.003-03:00

Integrada por Miguel e Roberto nas guitarras, Eduardo na bateria e Taco no Baixo, Os Brazões era a banda que acompanhava Gal Costa no final dos anos 60. Cultivavam um estilo imerso no tropicalismo, com altas doses de psicodelia, evidenciada pela guitarra fuzz de Roberto e pela guitarra wah wah de Miguel. O rico trabalho de percussão, as letras em português e a utilização recorrente de ritmos regionais, completam a fórmula sonora dos Brazões. Uma comparação com Santana não é de todo errônea.

Os Brazões é uma das mais intressantes bandas da psicodelia brasileira. Este disco, que em determinados momentos parece estar a frente do seu tempo, com pinceladas bastante elaboradas de rock e até de fusion, lamentavelmente é o único legado da banda. Um grupo que com certeza poderia ter ido muito longe.

Os Brazões - 1969

Obs: Link e informações retirados do site Brazilian Nuggets

Liverpool

2008-02-18T19:29:00.003-03:00

Um modesto grupo nascido do mais tosco rythm'n'blues à la Rolling Stones, que flertava com o tropicalismo "mutante", mas que tinha mais pinta daquelas bandas psicodélicas californianas, gravou um dos grandes e esquecidos discos dos anos sessenta. Autor do feito: o quinteto gaúcho oriundo do bairro operário do IAPI, na Zona Norte de Porto Alegre, que atende pelo nome de Liverpool - um dos tripés da origem do rock gaúcho, ao lado dos Brasas e dos Cleans.

Misturando influências do rock clássico inglês/americano e da tropicália, Mimi Lessa (guitarra), Fughetti Luz (cantor), Marcos Lessa (guitarra-base), Edinho Espíndola (bateria) e Pekos (baixo) produziram uma obra que aproximou-se da genialidade dos Mutantes. O lp "Por Favor Sucesso" resultou da classificação do grupo na fase regional no II Festival Universitário da Música Popular, em que o grupo defendeu a música que deu nome ao álbum, de autoria de Carlinhos Hartlieb.

Abrindo com a faixa título, o disco reúne um conjunto de ótimas composições, com instrumental acima da média e letras inteligentes e expressivas do cotidiano da juventude da época. Destacam-se no disco as ultra-psicodélicas "Olhai os Lírios do Campo", "Impressões Digitais" e "Voando", todas com um impressionante trabalho de guitarra - com distorção no talo e harmonias rebuscadas. A quase bossa-rock "Planador", a tropicalista "Paz e Amor", o folk-rock "Tão Longe de Mim" e o boogie stoniano "Que Pena" mostram a diversidade das composições assinadas por integrantes do grupo, pelo já citado Hartlieb e, ainda, pela dupla Hermes Aquino e Lais Marques.

Da estirpe de Lanny Gordin e Sérgio Dias, Mimi Lessa é um dos mais importantes e menos valorizados guitarristas do rock nacional - brilhante no disco e mais ainda nos memoráveis e, digamos, coloridos, shows que banda promoveu no Sul e no Rio de Janeiro, para onde foi no início dos anos setenta. Espécie de Kim Fowley dos pampas (pelo apoio as bandas novatas), também o cantor e compositor Fughetti Luz é figura lendária do rock gaúcho, com suas memórias registradas em livro do jornalista Gilmar Eitelvain.

Com o fim do grupo, Mimi, Marcos, Edinho e Fughetti somam-se ao ex-A Bolha, Renato Ladeira, para formar o também lendário Bixo da Seda, que gravou um lp em 1976. Extinto o "Bixo", Mimi, Marcos e Edinho passaram a acompanhar artistas como As Frenéticas e Robertinho de Recife, e desenvolver trabalhos individuais. Fuguetti Luz retornou ao Sul, onde permanece na ativa - depois de compôr, produzir e tocar com bandas como Bandaliera, Guerrilheiros Anti-Nucleares e Barata Oriental.

Passados mais de trinta anos, a música de "Por Favor Sucesso" não soa datada, cobrando com suas elaboradas composições e refino instrumental o reconhecimento que faltou no seu devido tempo. Editado pelo selo Equipe, o álbum perdeu-se na burocracia das fusões e extinções da indústria fonográfica, em parte responsável pelo seu inedetismo em versão digitital. Recentemente, a Warner chegou a estudar a idéia de lançar um "dois em um" com o álbum mais o único lp do Bixo da Seda.

Texto de Fernando Rosa, originalmente publicado na revista ShowBizz.

Liverpool - Por Favor Sucesso 1969

Obs: Link e informações retirados do site Brazilian Nuggets

Kris Kringle

2008-02-18T19:13:00.003-03:00

Nenhuma informação encontrada.

Kris Kringle - Sodom 1971

Obs: Link retirado do site Brazilian Nuggets

The Buttons

2008-02-17T20:30:00.000-03:00

Nenhuma informação encontrada.

The Buttons - 1970

Obs: Link retirado do site Brazilian Nuggets

Quarteto 1111

2008-02-17T20:13:00.004-03:00

Quarteto 1111 foi uma banda que contava com a estrela portuguesa José Cid. Esse grupo começou nos anos 60, e não eram exatamente os queridinhos do regime de Salazar, sendo muitas de suas músicas banidas durante esse regime. Em 1974, o segundo ditador, Marcello Caetano, caiu. Assim, no ano seguinte, Quarteto 1111 gravou o seu último álbum, entitulado "Onde, Quando, Como, Porquê Cantamos Pessoas Vivas", lançado pelo selo Decca. Esse álbum também marcou o primeiro flerte de José Cid com o Rock Progressivo. Sobre o som:

O álbum, conceitual, é tomado apenas por duas faixas. Nessa época, José Cid adquiriu um Mellotron e fez um grande uso dele neste álbum. Não esperem toda a atmosfera espacial de "10.000 Anos...", aqui a banda foca mais em sinfonismo, cheios de Mellotron e Moog. É um belo álbum, e mostra onde José Cid iniciou seu 'flerte progressivo', que culminou no álbum "10.000 Anos..." três anos depois.

A LENDA DO QUARTETO 1111 - 1971

ONDE QUANDO COMO PORQUE CANTAMOS PESSOAS VIVAS - 1974

Obs: Link e informações retirados do site Museo Rosenbach

Prólogo

2008-02-17T19:51:00.005-03:00

Prólogo (Single) - 1977

Obs: Nenhuma informação foi encontrada, se alguem tiver algo por favor mande para mim, que colocarei aqui!
Obrigado

Os Lobos

2008-02-17T19:32:00.002-03:00

Grupo de rock formado por Dalto e Cristina (voz), Ronaldo (guitarra), Cássio (guitarra), Fábio (teclados), Francisco (baixo) e Cláudio (bateria) na cidade de Niterói (RJ) no início da década de 1970. Fazia um rock psicodélico nos moldes dos Mutantes, chegando a lançar alguns discos pelo selo Top Tape. Posteriormente Dalto segui carreira solo, conseguindo emplacar alguns hits como "Flashback" e "Muito estranho".

Os Lobos - Miragem 1971

Obs: Link e informações retirados do site Brazilian Nuggets

Azimuth

2008-02-17T19:02:00.006-03:00

O grupo surgiu no início dos anos 70 (formado por José Roberto Bertrami, teclados; Ivan Conti "Mamão", bateria e Alexandre Malheiros, baixo) com o nome Grupo Seleção, tocando basicamente covers. Em 73 mudaram o nome para Azymuth (inspirados em uma música com esse nome, de Marcos e Paulo Sérgio Valle) e dois anos depois lançaram o primeiro disco, "Azymuth", que inclui a música "Linha do Horizonte", incluída na trilha sonora de uma novela. Em 1976 gravam "Melô da Cuíca", um compacto que estourou nacionalmente. Outro grande sucesso dos anos 70 foi "Jazz Carnival", do disco "Light As A Feather", de 1978. Mudaram-se para os Estados Unidos no princípio dos anos 80 e lançaram vários discos que não saíram no Brasil, apostando num estilo batizado de MPB-jazz, que mistura samba, funk e jazz. Uma das exceções lançadas no Brasil é "21 Anos", de 1996.

Azimuth - 1975

Águia não come mosca - 1977

Light as a Feather - 1979

Obs: Links e informações retirados do site Cogumelomoon

Flying Banana

2007-06-21T14:27:00.000-03:00

Trio de pop-rock formado na cidade de São Paulo, em meados da década de 1970.
Seguindo a linha inaugurada por Zé Rodrix, Sá e Guarabyra, que se convencionou chamar de rock rural, o grupo era acompanhado, em participações especiais, por Rodolfo Grani Jr. no baixo, Dudu Portes, na percussão e M. Werneck, na flauta.
O grupo lançou um LP pela Philips em 1977, logo depois encerrando suas atividades.

Formação:
Bê - vocal
Passoca - vocal, violão
Carlão - viola e violão 12 cordas

Flying Banana - 1977

Senha: rockprogressivobr

Blow Up

2007-06-21T13:47:00.000-03:00

Em 1966, nascia em Santos, no bairro do Macuco, o grupo The Black Cats, formado por Robson (guitarra solo), Hélio (bateria), Tivo (baixo e vocal), Zé Luis (vocal), Nelson (teclado) e Adalberto (guitarra base), com forte influência dos Shadows, Jovem Guarda, Beatles e Bee Gees. A primeira apresentação do grupo foi em setembro de 1965, na TV Excelsior, no programa Almoço Musicado, de Hugo Santana. Na onda beatlemania, começaram a ensaiar e tocar nos bares da região, onde conheceram o cantor e compositor mineiro Zegê (mais tarde conhecido por Zé Geraldo), que os convidou para acompanha-lo em seus shows.

Em 1968, por já existir outro grupo com o nome de The Black Cats, inclusive patenteado, trocaram o nome para Blow Up, tirado de um filme homônimo de Antonioni. Um ano mais tarde gravam o seu primeiro disco, chamado Blow Up, pela gravadora Caravelle, e participam do filme Se Meu Dólar Falasse, com Grande Otelo e Dercy Gonçalves. O segundo álbum veio em 1971, novamente chamando-se Blow Up, o disco que também é conhecido por Expresso 21, já trazia mudanças da formação inicial, com a entrada de Lobão no vocal, em substituição a Zé Luis. Os dois álbuns integram as listas de mais procurados por colecionadores, inclusive internacionais, sendo que o seugndo tem sua capa publicada no livro 1001 Record Collector Dreams, do austríaco Hans Pokora, e também pode ser visto no site Rato Laser.

Em 1974, ocorre outra substituição: entra Adalberto no lugar de Dielson, autor da composição de maior sucesso do grupo - Rainbow lançada em 1976 pela Philips. A música entrou na trilha sonora da novela Anjo Mau (primeira versão) e, com ela, o grupo participou do Globo de Ouro da Rede Globo, do programa Fantástico, da mesma emissora, e entrou na compilação Sua Paz Mundial - Volume 4. Em 1974, ganharam o prêmio de melhor banda do estado de São Paulo, segundo a imprensa especializada, entregue no ginásio do C.A. Juventus.

O Blow Up ainda gravaria mais um compacto Pamela Poon Tang, em 1977. Depois de tentativas frustradas com gravadoras que impunham condições, ou queriam grupos populares no seu elenco, a banda até que tenta fazer um disco independente, mas os obstáculos da época eram muitos e o projeto acaba ficando na gaveta. Em 1988, depois de brigas internas, o Blow Up resolveu encerrar suas atividades. O retorno veio alguns anos depois, com o grupo voltando a se apresentar em clubes e bares de Santos, com um público fiel, que lota todas as suas apresentações.

A formação atual conta com Lobão (vocal), Hélio (bateria), Marinho (baixo), Lando e Edú (guitarra), Alex Lobinho (sax e flauta) e Oliver Alex (teclado), tocam várias músicas dos Beatles (sua especialidade), Creedence Clearwater Revival, Bee Gees, e até de grupos atuais como R.E.M., entre outros. Atualmente, o grupo se prepara para lançar um álbum ao vivo, sem nenhuma pretensão de retorno ao cenário musical, simplesmente deixar um registro na história cultural do rock nacional.

Discografia

* Zegê/The Black Cats (compacto 7", 1968 - Mocambo)
* Blow Up (LP, 1969 - Carvelle Discos do Brasil)
* Blow Up (LP, 1971 - Caravelle Discos do Brasil)
* Rainbow (compacto 7", 1976 - Philips)
* Pamela Poon Tang (compacto 7", 1977 - Philips)

Blow Up (2nd) - 1971

Senha: rockprogressivobr

Beatnicks

2007-06-21T13:18:00.000-03:00

Não foi uma existência pacífica, a dos Beatnicks. Com uma história de sobrevoa as décadas de 60, 70 e 80, a banda seguiu durante esses anos uma diversidade de abordagens estéticas - em inglês, em português ou apenas empurrados pela conjunctura. Em resumo, hoje, apeteceu-me regressar ao rock progressivo nacional. Com uma existência que começa em 1965 e só termina no início da década de 80 e da qual Lena D'Água também fez parte, os Beatnicks teriam quase só por isso o seu merecido lugar na história da música moderna portuguesa - agitada existência.
O motivo da conversa de hoje chama-se "Somos o Mar", single lançado em 1978 pela Alvorada/Rádio Triunfo; uma pequena e boa recordação. Formados na altura - porque foram várias as formações dos Beatnicks - por Luís Araújo na bateria, Ramiro Martins no baixo e nas cordas, António Emiliano nos teclados, Jorge Casanova nas guitarras e Tó Leal na voz e percussão, os Beatnicks haveriam de dar à luz na sua fase mais luminosa esta pequena maravilha de feições ecológicas, chamada "Somos o Mar". É um single, tem apenas dois temas e no lado B, aparece "Jardim Terra", outra cativante deambulação pelos terrenos mais prog.
Mais história...infelizmente foi sol de pouca dura pois com o tal do boom, a banda sofreria nova inflexão estética, perdendo de vez o rumo e o sentido.

Beatnicks - Somos o Mar 1977

Senha: rockprogressivobr

Júpiter Maçã

2007-06-21T12:45:00.000-03:00

JÚPITER MAÇÃ é o codinome do cantor, compositor e guitarrista gaúcho Flávio Basso. Músico veterano desde os anos 80, antes de tornar-se Júpiter Maçã (em homenagem ao planeta e à gravadora dos Beatles, Apple), Flávio fez parte da banda Os Cascaveletes. A música de Júpiter Maçã é um mergulho nos anos 60, com referências de Kinks, Mutantes, Syd Barrett (ex-Pink Floyd), Beatles e Walter Franco. O primeiro álbum intitulado "A Sétima Efervescência" tem agradado críticos e público.

Fonte: SomBarato

Júpiter Maçã - A Sétima Efervescência 1997

Senha: rockprogressivobr

Musicas:

1 - Um lugar do caralho
2 - As tortas e as cucas
3 - Querida superhist x Mr Frog
4 - Pictures and paintings
5 - Eu e minha ex
6 - Walter Victor
7 - As outras que me querem
8 - Sociedades humanóides fantásticas
9 - O novo namorado
10 - Miss lexotan 6 mg garota
11 - The freaking Alice (hippie under groove)
12 - Essência interior
13 - Canção para dormir
14 - A sétima efervescência intergaláctica

Aratanha Azul

2007-06-21T11:15:00.000-03:00

A Aratanha Azul surgiu em 1973, como uma espécie de banda de colégio. Thales Silveira (contrabaixista) e João Maurício (guitarrista) estudavam juntos no Colégio de Aplicação e eram aficionados por rock’n’roll. Zaldo Rocha Filho (tecladista) conheceu a ambos, de olho nas coleções de discos deles: a de Thales, dos Beatles, e a de João, dos Rolling Stones. Daí, para se juntarem e formarem uma banda foi uma conseqüência não mais que ‘supernatural’ – só para lembrar Carlos Santana.
Todos eram muito novos na época. O mais velho, João Maurício, tinha 18 anos de idade, seguido por Zaldo, 17, e Thales, 14. A bateria, inicialmente, ficou a cargo do colega Flávio Menezes, 15. Mas não por muito tempo.
Com a saída de Flávio, e já com a proposta de levar o projeto a sério, o trio inicial buscou outro baterista. Paulo Daniel, primo de Zaldo de apenas 12 anos, vivia “batendo lata para mim”, como lembra o tecladista. Fizeram uns testes e decidiram incorporá-lo à Aratanha.
Esta formação foi responsável pelos quatro anos de trajetória do grupo, e pelo ressurgimento, agora em 2000. “Paulo era tão pequeno que a bateria o encobria, junto com o cabelo”, conta o primo.
A estréia oficial do grupo se deu em outubro de 1974, durante a Semana de Arte do Colégio Padre Abranches. Apesar da sombra da ditadura estar sempre presente, era um período especial para o que se poderia chamar de a gênese da música pop pernambucana. Laílson e Lula Côrtes haviam lançado o Satwa, um ano antes; e o grupo Ave Sangria o LP homônimo, no mesmo ano. “A gente era fã do Ave Sangria”, afirma Thales.
Seguiram-se diversos espetáculos pela capital pernambucana e, depois, por outras cidades do Nordeste. Zaldo recorda que, antes de se apresentar, a Aratanha ensaiava pelo menos uns três meses. “Cada show tinha que ter coisa nova, porque a gente tocava muito no Recife”, explica Thales.
As canções mostradas por várias escolas (São Bento, em Olinda; São Luís, no Recife, quando da inauguração da quadra de esportes) e teatros (do Parque; Valdemar de Oliveira), formaram um repertório com mais de 50 composições. Destas, apenas três contam com registro fonográfico – o compacto duplo Aratanha Azul, prensado pela Rozenblit em 1979, que traz ainda uma releitura do choro Escorregando, de Ernesto Nazareth.
“As músicas eram super-censuradas, principalmente as que tinham relação com sexo, religião e drogas”, relembra Zaldo. “Numa delas, eu apenas falava a palavra ‘Deus’ e eles (os censores) não acharam adequado ao contexto”.
*Zaldo Rocha, que além de tocar piano e órgão também cantava, revelou-se o principal compositor da Aratanha Azul. Quando da formação do grupo, ele havia chegado recentemente dos Estados Unidos – onde fizera um ano de intercâmbio – e se encontrava sob forte influência do que escutara lá fora (Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Beatles e Stones). “Eu havia parado e voltei a tocar piano. Curtia muito Rick Wakeman e o Yes também. Yes era ‘a’ banda. Mas eu curtia muito o piano de Chopin”, ressalta.
A banda que mais influenciava a Aratanha, contudo era a Rolling Stones. Não apenas no aspecto musical, mas também no que dizia respeito a performance e cenários no palco. Em alguns shows, Thales e João iniciavam com um duo de violão. O Teatro do Parque era o local preferido, “a casa do Aratanha”, como define Zaldo. “Foram os melhores shows”, lembra.
Além dos músicos da banda havia uma ‘galera’ de amigos que ajudava na produção, fazendo luz, cenário e espalhando cartazes pela cidade com um balde de grude. “No último ano (1978), a gente fez uma turnê até Salvador (passando por Maceió), com esses amigos, sem pagar nada”, conta Zaldo.
O tecladista lembra que dois componentes da equipe de apoio viajavam em uma Kombi com toda a parafernália, enquanto os músicos seguiam de ônibus regular. “Como eu era aluno do Conservatório, gostava mais de tocar com piano (um modelo ‘de armário’). A gente andava o Recife todo com ele na Kombi. Uma vez, subimos o Pelourinho (na Bahia) com um piano de (meia) cauda”.
Tamanha produção resultava, segundo Zaldo, João Maurício e Thales – que hoje vivem no Recife – em ótimo retorno por parte do público. “Em 1976, no aniversário da banda”, diz o baixista, “colocamos no Parque mais gente do que (Raimundo) Fagner, que se apresentou uma ou duas semanas depois”.
No ano seguinte, eles viriam a tocar na primeira edição do festival Vamos Abraçar o Sol, ao lado de Cães Mortos e Flor de Cactus. Em 1978, gravariam o único disco da carreira, e dariam por encerrada a trajetória da Aratanha Azul.

Fonte: Uol

Aratanha Azul - 1979

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Musicas:

01 - A História De Vicente
02 – Escorregando
03 – Tema
04 - Como Os Aviões

Joelho de Porco

2007-05-07T12:14:00.000-03:00

Um dos grandes nomes do rock-humor brasileiro (“amadrinhado” pela cantora Aracy de Almeida) e precursor da atitude punk, o grupo paulistano Joelho de Porco foi formado em 1972 por Tico Terpins (ex-Os Baobás), Walter Baillot, Próspero Albanese, Conrado Assis e Rodolfo Ayres Braga. Em 1973, com o vocalista (e ator) Ricardo Petraglia, gravou o compacto simples “Se Você Vai de Xaxado, Eu Vou de Rock And Roll/Fly America”, produzido pelo ex-Mutantes Arnaldo Baptista. Dois anos depois, o Joelho lançou seu primeiro LP, “São Paulo 1554/Hoje”, um dos mais elogiados discos do pop da época, misturando rock pesado e referências tropicalistas em faixas como “Boeing 723897” e “Mardito Fiapo de Manga”. Em 1976, entrou o vocalista argentino Billy Bond, com quem a banda partiria para uma linha mais agressiva, próxima do punk rock que explodia naquela mesma época na Inglaterra. Em 1977, o Joelho gravou LP homônimo e, pouco tempo depois, encerrou suas atividades. Tico Terpins partiu para o mercado dos jingles publicitários, montando o estúdio Audio Patrulha. Com Próspero e o cantor e compositor Zé Rodrix (ex-Sá, Rodrix e Guarabira), ele logo remontou o Joelho, que voltou ao disco em 1983 com o LP duplo “Saqueando a Cidade”, das músicas “Vigilante Rodoviário”, “Vai Fundo” e “Funicoli, Funicolá” (versão roqueira da tradicional canção italiana). Com o vocalista e fotógrafo David Drew Zingg, a banda ganhou o prêmio de melhor letra do Festival dos Festivais da TV Globo (1985) por “A Última Voz do Brasil”. Em 1988, o Joelho de Porco lançou o LP “18 Anos Sem Sucesso”, com repertório do pop americano pré-rock. Em 1998, Tico Terpins morreu de enfarte.

Discografia:

• Se você vai de xaxado, eu vou de rock and roll/Fly América (1973) Pinter/Phonogram Compacto simples
• São Paulo 1554 - hoje (1976) Crazy LP
• Joelho de Porco (1978) Som Livre LP
• Saqueando a cidade (1983) Continental LP
• 18 anos sem sucesso (1987) LP

São Paulo 1554 hoje - 1976

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Joelho de Porco 1978

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O Terço

2006-12-15T13:17:00.000-02:00

Um dos mais importantes grupos brasileiros do rock anos 70, o Terço nasce com a seguinte formação: Hinds (guitarra), César das Mercês (baixo) e Vinícius Cantuária (bateria). Em 1970, com a substituição de Mercês por Jorge Amiden, o grupo lança seu primeiro LP (rock tipo anos 50, 60 com leves tintas progressivas). O segundo trabalho, também homônimo, traz uma sonoridade mais progressiva e é, talvez o disco mais homogêneo de toda sua carreira.

Dois anos depois, em 1975, seria lançado o LP que consagraria definitivamente a banda, formada então por Hinds, Magrão, Moreno e Flávio Venturini. "Criaturas da Noite" (que recebe, anos depois, uma versão em inglês entitulada "Shining days, summer nights") viraria hit nacional, vendendo centenas de cópias de milhares de cópias e presenteando o público com uma das obras-primas do progressivo brasileiro, a faixa "1974".

O Terço segue estrada, lançando, no ano seguinte, "Casa Encantada" (com participação na flauta e vocal, de Mercês), que também consegue boas vendagens. Esses dois álbuns seriam relançados em CD, na Itália, pela Vinyl Magic. Os trabalhos seguintes da banda, após a saída de Venturini (que funda o 14 Bis, com o qual grava 8 Lps e inicia carreira-solo...), seriam decepcionantes para os amantes do progressivo. "Mudança de tempo", "Som mais puro", "O Terço"...

Os fãs tem que esperar muitos anos até 1993, quando uma nova banda, formada por Hinds, Franklin Paolillo (bateria), Luiz de Boni (teclados) e Andrei Ivanovic (baixo), lança "Time Travellers", CD de progressivo sinfônico que, apesar de não ter nada a ver com os trabalhos consagrados do grupo, pelo menos resgata algo do estilo para os velhos seguidores. O grupo, em 1993, abriria o show do Marillion no Brasil com músicas do novo trabalho. Um ao vivo, pela Movieplay, seria publicado em 1994, apresentando o Terço junto a uma orquestra sinfônica."

Em 1994, A Record Runner lançaria o mesmo disco ao vivo com orquestra com duas faixas extras também ao vivo. Em 1996, pelo selo Velas de Ivan Lins, sairia o disco "Compositores", onde a banda (reduzida a um trio Hinds, De Boni e Fernando Fernandes (baixo)) interpreta composições inéditas de músicos como Ivan Lins, Arnaldo Antunes, Vinícius Cantuária, Flávio Venturini, Lula Barbosa entre outros, mas também com músicas de Hinds e De Boni, entre elas uma bastante controversa: os riffs iniciais da guitarra de "Poeira" são idênticos à música da banda inglesa Arena "Midas Vision", do CD "Songs from the Lion's Cage", de 1995. Creio que nem a própria banda sabe disso.

Em 2000 a banda se apresenta no Rio Art Rock Festival, no Rio de Janeiro com um show curto mas aclamado como um dos melhores do evento.
Em 2001/2002, a banda ensaia uma volta com a formação clássica do disco Criaturas da Noite. Alguns ensaios chegam a se realizar mas a morte repentina de Moreno adia o projeto momentâneamente. Fonte: Rock Progressivo.com.br

"DISCOGRAFIA ANOS 70"

O Terço - 1970

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Terço - 1972

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Criaturas da Noite - 1975

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Casa Encantada - 1976

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Mudança de Tempo - 1978

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Saecula Saeculorum

2006-12-10T13:26:00.000-02:00

Saecula Saeculorum é uma lendária banda de rock progressivo que foi criada em 1974, no estado do Minas Gerais. A banda era formada por Giacomo Lombardi (piano e voz), José Audisio (guitarras), Bob Walter (bateria), Edson Plá Vieguas (baixo), Juninho (baixo) e, especialmente, pelo renomado violinista Marcus Viana, que depois viria a formar o excelente Sagrado Coração da Terra.

Este álbum “Saecula Saeculorum” foi gravado em 1976 e se trata de um trabalho que segue a linhagem do Symphonic Rock com tendências clássicas muito fortes. Os maiores destaques são o violino e o “great piano” executado com bastante virtuosismo.

A letras são em português, mas, devido a gravação, muitas pessoas não entendem o que é cantado. Não que a gravação esteja ridiculamente ruim. Dá para se ouvir tranquiliamente todos os intrumentos, bem definidos.

A banda acabou em 1977, mas ainda chegou a se apresentar, recentemente, num tributo ao baterista Mário Castelo, porém com uma formação diferente, apenas mantendo Marcus Viana e Giacomo Lombardi.

Este trabalho é altamente recomendável para qualquer amante do rock progressivo, tanto pela virtuosidade por parte de alguns integrantes da banda, como também pela curiosidade dos fatos.

Fonte: House of Progressive

Saecula Saeculorum - 1976

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Pato Rocco

2006-12-08T17:42:00.000-02:00

Após uma hipnótica afasia musical, e uma assepcia à verdadeira qualidade de se
fazer música anti-midia-comercial, nasce em 2003 a banda Pato Rocco, nas garagens
de Formiga.

Abruptamente se transforma numa febre entre os amantes das epopéias de 60 & 70.
Não é com esplêndidos augúrios, que mecaniza-se a platéia, quando depara-se com
jovens, alguns sequer haviam ainda nascido quando as guitarras gritavam ao mundo paz
& amor, pelo menos até o primeiro acorde ser premido.

Ao final de seu primeiro ano de existência, a banda se firmou com novos componentes, sintetizando um veículo natural para um drama de amor pelo velho rock´n blues!
Apaixonados por um tempo que não conheceram, e escravos de seu próprio tempo, onde tudo é plastificado, se divertem caracterizando as músicas ao seu estilo, com uma balística sonora, de ideais agregados, e musicalidade extrovertido.
De Pink Floyd, The Beatles, contornando os clássicos do blues, e batendo com mutantes, Doors e Raul Seixas!
Com paixão em excesso, e vontade intensa, a banda firmou-se rapidamente no cenário regional.

Com o lançamento de seu segundo single "Noite Fria", Se consolida então sua participação nos mais diversos eventos e festivais, tornando-se sinonímia de casas cheias e bilheterias esgotadas.
Com extraordinária performance de palco e frondoso arquivo musical, não demorou muito para a capital mineira se render ao seu estilo único de fazer música, com paixão e agressividade, fazendo com que os clássicos inesquecíveis façam da noite de cada expectador, uma "Noite Fria" e também inesquecível!
As releituras de bandas como Free, rolling stones, Jimi hendrix,são de uma compleição incomparável.

Hoje a banda Pato Rocco foca suas forças na alquimia de seu primeiro álbum, o qual promete deixar de sobrancelhas arqueadas o mais estugado senil.
Se fosse no campo da patologia seriam definidos como “Distúrbio de Musicalidade Imparcial!!!"

Pois não se discute sobre política, futebol e religião.......Afinal, foi sobre rock'n roll que eles vieram falar!!!

Fonte: Site Pato Rocco

"Integrantes"

Michel - Vocal
Jorge - Bateria
André - Guitarra
Fábio - Teclado
Ricardo - Baixo

Clique aqui para ouvir: Pato Rocco - Noite Fria

Os Mutantes

2006-11-28T18:15:00.000-02:00

Os Mutantes foram a banda de rock mais original do rock brasileiro, ou quem sabe do mundo. O trio formado por Rita Lee, Arnaldo Baptista e Sérgio Dias apresentava um rock anárquico e experimental, que misturava desde psicodelia, Beatles, música concreta, música erudita e até o samba. Tudo isso com muita distorção de guitarra. Junto com seus colegas Tropicalistas: Caetano Veloso, Gilberto Gil, Tom Zé, Capinan e Nara Leão, eles atearam fogo no cenário musical brasileiro.

Tudo começou em 1964, quando os irmãos Baptista, Arnaldo (baixo, teclado) e Sérgio (guitarra) formaram a banda adolescente chamada Wooden Faces. Porém esta teve vida curta e logo depois eles montaram uma nova banda, o Six Sided Rockers, já com a presença de Rita Lee. O grupo ainda trocou de nome mais uma vez, para O Konjunto, até ser batizado definitivamente de Mutantes, que fora inspirada no livro de ficção científica “O império dos mutantes”, do francês Stefan Wul.

Em 1966, com o conjunto bem entrosado, os Mutantes passaram a fazer participações em programas de TV bem populares, tais com “Astros do Disco”, “Jovem Guarda”, “O Pequeno Mundo de Ronnie Von”. Isso permitiu que o som deles chegasse aos ouvidos do maestro Rogério Duprat, que encantado, os chamou para contribuírem no arranjo de “Domingo no parque”, canção de Gilberto Gil para o III Festival de Música Popular Brasileira da TV Record de São Paulo (1967). Não satisfeitos com isso, eles ainda acompanharam o próprio Gil em sua apresentação no mesmo festival.
Esse evento abriu as portas para um primeiro compacto – O RELÓGIO (1967) – e a participação no “disco-manifesto” TROPICÁLIA OU PANIS ET CIRCENSIS (1968), que deflagou o Movimento Tropicalista.

Em 1968, eles lançam o seu primeiro LP, OS MUTANTES chegam as lojas , apresentando um repertório forte, bem psicodélico, com muita microfonia e longas passagens instrumentais. Tudo isso sob a “batuta” do maestro Rogério Duprat e do irmão Cláudio César, nos efeitos de estúdio e nos instrumentos. Mas o impacto mesmo ocorreria ao acompanhar Caetano Veloso na canção “É proibido proibir”, no III Festival Internacional da Canção da TV Globo do Rio, no qual se ouvia vaias de um lado e gritos de guerra do outro.

O ano de 1969 também é rico em acontecimentos. Gravam o segundo disco MUTANTES, sensivelmente melhor, onde mostram grande evolução musical, principalmente no que concerne a arranjos e composições. Canções como “Dom Quixote”, “2001” e “Algo mais” mostram que estavam bem afiados, sendo esta última utilizada para um comercial da Shell.

Pela primeira vez viajam para o exterior, França e Europa. Na volta a “família mutante” cresce com a entrada dobaterista Ronaldo Leme (Dinho) e o baixista Arnolpho Lima (Liminha).

Os dois álbuns seguintes "A DIVINA COMÉDIA OU ANDO MEIO DESLIGADO (1970) e JARDIM ELÉTRICO (1971) manteve o nível, flertando agora com o blues, o soul e o hard rock. Eles ainda fizeram um show no Olympia de Paris, onde aproveitaram a estada na Europa para gravar um disco para o mercado internacional, todo em inglês, que só foi lançado vinte anos depois (2000).

Paralelamente aos Mutantes, Rita Lee vinha gravando discos solos, que alimentavam os rumores de sua saída da banda. Fato que se consumou após a gravação do fraco MUTANTES E SEUS COMETAS NO PAÍS DO BAURETS (1972). A partir daí tudo se modificou, enquanto Rita Lee se firmava como uma estrela de primeira grandeza da Música Popular Brasileira.

Arnaldo Baptista, continua com os Mutantes por mais um disco – O A E O Z (gravado em 1973 e lançado em 1992), para depois seguir em carreira solo, onde alterna bons e maus momentos, com destaque para o álbum LOKI? (1974). Já Sérgio Dias tentou levar a frente os Mutantes, agora progressivo, sem muito sucesso.
Mais dois discos foram lançados - o TUDO FOI FEITO PELO SOL (1974) e o AO VIVO (1976).

Contudo o fim da banda era inevitável. E dessa forma chegou ao fim a incrível jornada dos Mutantes, uma das bandas mais criativas do rock.

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"Discografia"

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Os Mutantes - 1968

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MUTANTES (Polydor, 1968) - Produção: Manoel Barenbein.

Primeiro álbum do grupo. É o disco tropicalista da banda. Espécie de carta de princípio, reúne, em suas 11 faixas, um pouco das propostas e possibilidades futuras. Com arranjos de Rogério Duprat e as participações de Jorge Ben no violão e voz, e do baterista Dirceu, o faz um mixer das propostas "fundamentalistas" da Tropicália - Panis et Circenses, Bat macumba e Baby - com a irreverência anárquica dos Mutantes. Fazendo de todos os absurdos, todas as incosequências: possibilidades - confrontar o principal parceiro de Luiz Gonzaga, Humberto Teixeira (Adeus Maria Fulô) com a existencialista-pop Françoise Hardy (Le Premier Bonheur du Jour); misturar Jorge Ben (A Minha Menina), com uma versão (não creditada, do pai César Dias Baptista) de uma semi-conhecida canção do grupo norte-americano The Mamas and The Papas (Tempo no Tempo / Once There was a Time i Thought) a uivos pré-históricos em homenagem a Gengis Khan (Ave Gengis Khan) e uma paródia kafkaniana (Senhor F). Completam o álbum: O Relógio e Trem Fantasma. Fonte: Arnaldo Baptista

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Mutantes - 1969

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MUTANTES (Polydor, 1969) - Produção: Manoel Barenbein.

Depois da estréia em 1968, o Mutantes, agora sem o artigo Os, lança, em 1969, o primeiro álbum dentro da verdadeira estética mutantropicalista. O álbum de 69 é o mais experimental do grupo. Não há nehum limite. Tudo - literalmente - tudo é possível. Tudo é funcional em sua estranheza. Da capa - com o trio simulando Dom Quixote - Sancho Pancha e Dulcinéia noiva - a audácia das audácias: gravar um jingle, da Shell, em um disco (Algo Mais); para o universo pop, o grupo constrói seus dois maiores hits (Fuga nº 2 e Caminhante Noturno); regrava Celly Campello (Banho de Lua); incorpora recursos paranomásicos da poesia concreta, com o auxílio do "pai" César Dias Baptista, em Dom Quixote; dialoga magistralmente com a tropicália enviesada de Tom Zé, em 2001 e Qualquer Bobagem; grava iê-iê-iê (Não vá se perder por aí) e psicodelia (Dia 36, parceria como o hippie performático Johnny Dandurand) e por fim, faz, talvez a primeira, meta-canção da MPB, isto é, uma canção falando sobre a própria cantora (Rita Lee). O álbum de 69 traz - ainda de que forma implícita - a participação dos outros dois mutantes: o baterista Dinho (Ronaldo Leme) e o contrabaixista (que no disco tocou viola) Liminha.
Fonte: Arnaldo Baptista

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A Divina Comédia ou Ando meio Desligado - 1970

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A DIVINA COMÉDIA OU ANDO MEIO DESLIGADO (Polydor, 1970) - Produção: Arnaldo Sacomani.

Depois de reler o Dom Quixote, de Miguel de Cervantes, o Mutantes parte rumo ao inferno da Divina Comédia e reconstrói o poeta italiano Dante Alighieri em versão pop-psicodélica. Se o álbum anterior foi experimental, este de 70 é - no sentido mais amplo - revolucionário. Nunca, na história da música brasileira, um grupo/artista foi tão longe em radicalidade. A Divina Comédia dos Mutantes jogou por terra todas as divisões e segmentações musicais. pop - experiência - vanguarda - cafonice - rigor - informalidade - rock, tudo se fundiu. Roberto Carlos & Erasmo Carlos (Preciso Urgentemente Encontrar um Amigo) com Sílvio caldas & Orestes Barbosa (Chão de Estrelas - o melhor arranjo - de Rogério Duprat - já realizou na MPB) bate cabeça com Dante (Ave Lúcifer e Oh! Mulher Infiel. Ao quinteto - Arnaldo - Dinho - Liminha - Rita & Sérgio), se juntam, em participações mais do que especiais: raphael Vilardi, violão e voz; e o percussionista Naná Vasconcelos. Nos arranjos, o tom magistral de Duprat. Fonte: Arnaldo Baptista

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Tecnicolor - 1970

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TECNICOLOR (Universal, gravado em1970 e lançado em 1999) - Produção: Carl Holmes.

"Tecnicolor" – a penúltima última viagem dos Mutantes

Existem coletâneas e coletâneas de sucesso. Na maioria das vezes, são sofríveis. Acompanham o bel-prazer – ou desprazer – das gravadoras. Quase sempre, com a pretensão de atualizar a obra do artista a onda do momento. Se o período é de romantismo, a coletânea deve trazer as canções mais melosas do artista. Poucos artistas têm suas obras bem administradas. Beatles; Madonna; Prince. Roberto Carlos; Marisa Monte; Paralamas do Sucesso.
Os contratos de cessão de direitos fonográficos ainda continuam na idade da pedra. Para as gravadoras, tudo – ou quase tudo. O que já é muito. Para os artistas, a possibilidade de fama, riqueza e glória. Como o risco é grande e com a incerteza não se deve brincar, geralmente, um lado (as gravadoras) ganha e o outro (os artistas) perde.
O mais absurdo dessa situação é a falta de gerência do artista sobre sua própria obra. Isso acontece no universo (da música pop) que mais lucro produz. Na literatura, no cinema, nas artes plásticas, esse desmando é raramente aceito.
Assim, a grande vingança desse "dono que nada possui" é quando ele administra sua coletânea como um lançamento, não como uma colcha de farrapos de retalho para encher mais o cofre das gravadoras.
Sem dúvida, a primeira grande obra dentro desse formato foi a gravação do álbum "Tecnicolor" dos Mutantes, em 1970. Era, ao mesmo tempo, uma brincadeira e um passo à frente, uma coletânea e um álbum de carreira. Pois dava nova roupagem para canções já lançadas pelo grupo. Novas roupagens realmente. Não uma gravaçãozinha com um adereço a mais.
O grupo, em sua proposta de "revolução permanente", no terceiro ano de sua carreira fonográfica (a estréia se deu em 1968 com o álbum "Os Mutantes"), sem medo e sem pudor, revirou e reviu as entranhas de sua história.
Segundo Carlos Calado, "Tecnicolor" é um "título virtual", provavelmente bem posterior. O álbum foi gravado em Paris, em novembro de 1970, no Des Dames Studio. Sob a produção de Carl Holmes.
O álbum, para seguirmos um conceito da época, faz uma coletânea de versões na melhor acepção do Poema/Processo. Isto é, versões a partir de obras primeiras que se transformam em novas obras. É uma espécie de "Abbey Road" (penúltimo disco dos Beatles) às avessas. Esse disco do "Fab Four" foi gravado depois do último ("Let It be") e foi lançado antes. Esse dos Mutantes foi gravado antes do "último" ("Mutantes & Seus Cometas no País dos Baurets") e só lançado duas décadas depois.
O disco é uma antologia especial. Pois reúne repertório recente, do álbum "Jardim Elétrico", do ano: "Virgínia"; "Tecnicolor"; "El justiciero" e "Saravah", com sucessos anteriores. Os "hits" tropicalistas: "Panis et circences" (em duas versões); "Bat macumba"; "She’s my Shoo Shoo" (isto é, a jorgeben-tropicalista "A minha menina") e "Baby", a canção mais regravada pelos Mutantes (três versões); os clássicos "I feel a little spaced out" ("Ando meio desligado"); "Adeus Maria Fulô" e "I’m sorry" ("Desculpe, babe"); e o tributo aos anfitriões franceses, uma regravação de "Le premier bonheur du jour", já gravada no primeiro álbum do grupo.
O efeito-Mutantes da empreitada é que o grupo, não se fazendo de rogado, traduziu quase todas as letras para o inglês. Exceto, obviamente, a concretista e intraduzível "Bat macumba", a brejeira "Adeus Maria Fulô" e a canção francesa. "She’s my Shoo Shoo" ficou mais Jorge Ben ainda. O refrão original, em português, só aparece como coda.
"Tecnicolor" foi lançado em 2000. Além da surpresa pela modernidade sonora, trouxe ilustrações e textos manuscritos assinados por Sean Ono Lennon. Isso mesmo, o filho "inteligente" de Yoko Ono e John Lennon. Que, reza a lenda, disse julgar mais revolucionário o grupo brasileiro do que o olímpico grupo do pai. A colaboração estrangeira foi vista como algum incomodo. Pois, como sempre, a crítica especializada brasileira achou que Sean não era a pessoa mais indicada para conceber a capa. Bobagem, "fosse um dia de sol", como diria Oswald de Andrade, o preconceito tupiniquim entenderia que esse gesto foi mais uma confirmação de que nosso "Astronauta Libertado", a cada dia que passa, por mérito, é mais entronizado no Panteão do pop-rock mundial. E que se aprenda de uma vez, parafraseando, Tom Jobim, Os Mutantes, assim como o Brasil, não é uma coisa para amadores.Fonte: Arnaldo Baptista

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Jardim Elétrico - 1970

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JARDIM ELÉTRICO (Polydor, 1971) - Produção: Arnaldo Baptista

Depois de três álbuns - um tropicalista, um experimental e um revolucionário - , o Mutantes lança o seu disco mais estranho. O jardim Elétrico é, sonoramente, bem proxímo da fotografia da contracapa. O quinteto zoando em um estúdio, entre parafernálias elétricas, instrumentos acústicos e alguns estimulantes. Basta notar que pela primeira e única vez, sempre que Rita lee e Sérgio Dias participam como compositores de uma música, é esta a sequência dos nomes, o que, à la Lucy in the Sky with Diamonds, dá para ler L (Lee) S (Sérgio) D (Dias). Disco de zoeira. Traz outro hit do grupo Top Top, um hard rock infernal Jardim Elétrico; uma doce versão (para o inglês) de Baby e uma paródia - homenagem a Tim Maia, Bemvinda. Completando o álbum: Tecnicolor, El Justiceiro; It's Very Nice pra Xuxu; Virgínia; Lady, Lady; Batmacumba e Saravá. Fonte: Arnaldo Baptista

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Mutantes e seus cometas no país dos Baurets - 1972

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MUTANTES E SEUS COMETAS NO PAÍS DO BAURETS (Polydor, 1972) - Produção: Arnaldo Baptista

1972 é o primeiro ano (chave) do resto da vida do Mutantes. Com o Baurets, Rita Lee dá adeus ao grupo. Mas antes, se une Arnaldo - Dinho - Liminha & Sérgio no álbum mais rock'n'roll. De Posso perder minha mulher, minha mãe, desde que eu tenha meu rock'n'roll até Rua Augusta, o disco é uma pauleira (ou lenha, como gosta de nomear Arnaldo Baptista) do começo ao fim. E dá-lhe rock and roll em Dune Buggy, Beijo Exagerado e A Hora e a vez do Cabelo Nascer (esta magistralmente regravada pelo Sepultura. Em contraponto, as suavidades ácidas de Vida de Cachorro e o hit dos hits do grupo Balada do Louco. No setor lisergia, a ópera-surrealista-progressiva de Mutantes e Seus Cometas no País dos Baurets, que inclui uma releitura de Tempo no Tempo / I Once There was a Time i Thought, do primeiro disco; e a vinheta dadísta Todo Mundo Pastou I e II. Ainda sobre o Baurets, resta dizer que o título do álbum e a canção homônima relêem mais um pilar da literatura mundial, o inglês Lewis carroll, e seu Alice no País das Maravilhas. É, obviamnte, o senhor Bill Halley e seu topete chuca e seus comets.Fonte: Arnaldo Baptista

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A e o Z - 1973

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O A E O Z (Philips, 1992; gravado em 1973) - Produção: Mutantes

Com a saída de Rita Lee, o quarteto - Arnaldo - Dinho - liminha e Sérgio - ainda grava, em 1973, um novo disco, que fica inédito até 1992. O A e o Z é a exacerbação da ópera-surrealista-progressiva Mutantes e Seus Cometas no País dos Baurets, do disco anterior. As seis faixas do álbum, embora independentes uma das outras, compões uma longa trilha sonora para um filme à la Zabriskie point, de Antonioni. Viagem. Trip. Good Trip. Da autobiográfica (de Arnaldo) Rolling Stones a Uma Pessoa Só (depois regravada por Arnaldo em seu 1º álbum solo Lóki?, de 1973), o álbum - sintomaticamente chamdo de O A e o Z - é o clique final na maravilhosa história do grupo Mutantes. Algum tempo depois, Arnaldo deixa o grupo e Dinho - Liminha e Sérgio seguem com o projeto (ou novo projeto) Mutantes, mas aí ja é outra história, outra mutação, outro coração, outra trip.Fonte: Arnaldo Baptista

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Tudo foi feito pelo Sol - 1974

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Ao Vivo - 1976

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Cavaleiros Negros - 1976

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Hoje é o primeiro dia do resto de sua vida - 1972

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HOJE É O PRIMEIRO DIA DO RESTO DE SUA VIDA (Polydor - 1972) - Direção de Produção: Arnaldo Baptista.

Dois anos após “Build up”, Rita Lee lança seu segundo álbum solo. A situação já é bem diferente. Se antes, Rita ainda era uma efetiva mutante; agora, a opção do grupo pelo rock progressivo (leia-se: influência do grupo Yes), praticamente jogava a artista para fora do Planeta dos Bauretz. Seu segundo disco é uma despedida e, ao mesmo tempo, o álbum mais Mutantes de todos os trabalhos do grupo. Nenhum dos seis álbuns da primeira fase do grupo – 1968-1972 – foi composto exclusivamente pelos integrantes, todos tiveram colaborações externas. O “Hoje é...”, não. Todas as faixas foram compostas pelo núcleo Arnaldo-Rita & Sérgio + Liminha: “Vamos tratar da saúde”; “Beija-me, amor”; “Hoje é o primeiro dia do resto da sua vida”; “Teimosa”; “Frique comigo”; “Amor branco e preto”; “Tiroleite”; “Tapupukitipa”; “De novo aqui, meu bom José?” (resposta irônica a lírica “José (Joseph)”, do “Build up”); “Superfície do planeta”. A censura retalhou algumas letras que, de ácidas, se transformaram em líricas. Em “Beija-me, amor”, ouvimos: “Para que eu sinta o seu gosto / Mesclado com o gosto de amor / “Mastigado entre os dentes meus...”. Mas, na verdade, o texto original dizia: “Para que eu sinta a saliva / E o gosto de cuspe / Escorrendo entre os dentes meus...”, (cf.: Carlos Calado: “A Divina Comédia dos Mutantes”, pág.285).
O único furo (novidade) no bloqueio-Mutantes é a (estréia) participação da cantora, compositora e instrumentista Lucia Turnbull, nos vocais. Futura parceira de Rita no projeto pós-Mutantes Cilibrinas do Éden, em 1973. Dupla que serviria de base, no ano seguinte, para o grupo Tutti Frutti, com a entrada do guitarrista Luiz Sérgio e do contrabaixista Lee Marcucci. Álbum de estréia: “Atrás do porto tem uma cidade”.
Embora contemporâneo do LP “Mutantes e seus cometas no País dos Bauretz”, “Hoje é...” é um volta e/ou um símile do primeiro disco do grupo – “Os Mutantes –, de 1968. Uma audição (e uma visão) atenta de ambos mostra a estranha e estrondosa semelhança. A começar pelas capas: o álbum de 1968 traz, na contracapa, um pequeno desenho do grupo feito por Rita; no álbum solo, a capa traz um auto-retrato de Rita, a simplicidade gráfica esconde para revelar um dos elementos básicos da estética do grupo: o humor. O que, infelizmente, a opção progressiva da época encobriu ou descartou.
“Hoje é...” se traduz em uma catarse final solo/coletiva rumo a esse elemento. Se de um lado, no “Bauretz”, o humor – muito presente – está submerso; no álbum solo, ele está explícito, sobre uma textura sonora que, às vezes, soa também progressiva.
O disco tem dois capítulos distintos:
(1) biográfico, na trilha de “Vamos tratar da saúde” e “Hoje é o primeiro dia do resto da sua vida”.
(2) Humorístico, em “Amor em branco e preto” (um hino não oficial para o Corinthians), “Tapupukitipa” e “Tiroleite”. Talvez a única tentativa vitoriosa de se fazer bom-humor com os valores da geração hippie. Essa canção, embora não tenha se transformado em sucesso rádio-televisivo, é um dos grandes “hits” das rodinhas de violão. Em algumas, divide o pódio com “Andança”, “No woman, no cry (Não chores mais)”, “Maluco beleza”, “Sobradinho” e coisas e tais.
Se “Hoje é...” é uma volta ao início do grupo, é, também, um disco-projeto do que seria a carreira-solo de Rita. Isto é, um amálgama da fórmula antropofágica de Oswald de Andrade: do AMOR / HUMOR.
Depois de 1972, nem Rita nem os Mutantes seriam os mesmos. Cada um seguiu seu caminho. Todos, porém, dentro de alguma trilha que já estava demarcada nas obras primeiras do grupo.
A partir dessa compreensão, podemos entender que, na verdade, a primeira fase do grupo não possui apenas cinco álbuns, mas oito – os cinco do grupo mais o tardio “Technicolor”, gravado em 1970 e lançado em 1999, os dois solos de Rita.
Fechou a discografia? Para mim, não. Na verdade, essa fase tem nove discos. Ainda incluo o primeiro álbum solo de Arnaldo – “Lóki?”, de 1974.
Como? É só reler este texto. Tudo que foi falado para os dois álbuns solos de Rita serve, com maior ou menor grau, para o “Lóki?”.
Isso, se não computarmos: o disco-manifesto “Tropicália – ou panis et circensis”; o LP “A banda tropicalista de Rogério Duprat”, de 1968; e o compacto duplo de Caetano Veloso com as faixas: “A voz do morto”; “Baby”; “Saudosismo” e Marcianita”, gravado ao vivo, todos de 1968.

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Rita Lee Build Up - 1970

Senha: rockprogressivobr

Obs: Direção Musical de Arnaldo Baptista.

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Mutantes Ao Vivo em Londrina - 1975

Senha: rockprogressivobr

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Mutantes Ao Vivo em São Paulo - 1978(Último Show dos Mutantes)

Senha: rockprogressivobr

O'Seis

2006-11-24T02:40:00.000-02:00

Uma mistura de Wooden Faces (Rafael, Arnaldo, Tobé, Robertinho, Sérgio Orlando) mais The Teenage Singers (Rita Lee, Suely, Jean e Beatrice, depois Eliane e Rosa), deu no Six Sided Rockers, apaulistado para O’Seis, o legendário pré-Mutantes.
Arnaldo e Rafael também tinham participado do grupo The Thunders, antes do Wooden Faces, e Rita Lee do Túlio Trio, tocando banjo, ao lado do tecladista Túlio e de Suely, que tocava violão. Ligados ao artista plástico Antônio Peticov, espécie de empresário da banda, O'Seis agitou a capital paulista, incluindo aparições na televisão, e no palco da Folha de S. Paulo, por mais de dois anos.
Em 1966, ainda como O'Seis, os futuros Mutantes realizam sua primeira gravação individual, com o antológico compacto pela Continental, contendo as clássicas 'Suicida' e 'Apocalipse' com letras vanguardistas e hilárias para a época.

Suicida Apocalipse - 1966

Senha: rockprogressivobr