Rock'n Geral

Canal de Violão Clássico no Youtube

2017-08-27T23:29:00.000-03:00

Como disse na postagem anterior, a minha ausência aqui no blog foi devida ao Curso de Bacharelado em Música que fiz na Universidade do Estado de Minas Gerais. Embora tenha concluído o curso, ainda não posso precisar quando retomarei as atualizações de forma regular devido a outros compromissos. Enquanto isso, irei divulgando aqui minhas atividades musicais. Tenho me dedicado mais ao violão clássico atualmente e criei um canal no Youtube para apresentar esse trabalho. Os leitores que tiverem interesse podem conhecê-lo clicando no link abaixo:

https://www.youtube.com/channel/UC17kqtf17kGS22QcMC2yQ9A

Aos que gostarem do trabalho e quiserem se inscrever no canal eu deixo antecipadamente meus agradecimentos!

Abraço a todos!

O Último Poema - Recital de Formatura - Robert Moura

2017-06-10T13:57:00.001-03:00

Eis o principal motivo da minha ausência e quase abandono desse blog: nos últimos quatro anos venho me dedicando ao curso de Bacharelado em Música da Universidade do Estado de Minas Gerais. No próximo dia 19, farei meu recital de formatura para o qual convido os amigos e leitores do rockngeral. O título desse recital, assim como o anterior, Noturno da Rua da Lapa, foi inspirado em um poema de Manuel Bandeira presente em seu livro Libertinagem.

No repertório estão presentes obras de Heitor Villa-Lobos, Radamés Gnattali, Claudio Santoro, João Pernambuco, Garoto, Agustín Barrios, Stanley Myers, Lennon e McCartney e Jacques Ibert.

Contarei com a participação especial dos amigos, Felipe Anunciação (violão), Stefane Adriene (flauta) e Carolina Claret (canto).

O Último Poema

Manuel Bandeira

Assim eu quereria o meu último poema
Que fosse terno dizendo as coisas mais simples e menos intencionais
Que fosse ardente como um soluço sem lágrimas
Que tivesse a beleza das flores quase sem perfume
A pureza da chama em que se consomem os diamantes mais límpidos
A paixão dos suicidas que se matam sem explicação.

Libertinagem, 1930

O Último Poema – Recital de Formatura - Robert Moura

Local: Conservatório da UFMG. Av. Afonso Pena, 1534, Centro. BH/MG

Data: 19/06

Horário: 19h30

Entrada Franca

Banda Várias Variáveis + Robert Moura em Belo Horizonte

2015-12-06T14:26:00.000-02:00

A partir de um convite feito pela Roma Produtora, irei tocar nos próximos dias 19 e 20 de dezembro numa festa de confraternização de fãs da banda Engenheiros do Hawaii. O show será no formato voz e violão. No repertório, apenas canções da fase Gessinger, Licks & Maltz com uma atenção especial às canções do chamado lado B da banda.

Na sequência, haverá apresentações da banda cover de Brasília, Várias Variáveis. A banda é formada por Nando Lima (voz, baixo, teclados e programações), Daniel Reis (guitarra, violão, harmônica e voz) e Jhonata Pikeno (bateria e percussão). Entre outras canções de todas as fases dos Engenheiros, eles tocarão na íntegra os álbuns "A Revolta dos Dândis" no sábado e "Várias Variáveis" no domingo.

Programa imperdível para quem curte os Engenheiros do Hawaii.

O site enghaw.com.br publicou uma matéria super caprichada sobre o evento. Para acessar clique no link: http://enghaw.com.br/vc-enghaw/banda-varias-variaveis-e-robert-moura/

Endereço: Rua Espírito Santo, 348, Centro BH. (Caminhada de 3 minutos | 220 metros | ao Cine Theatro Brasil Vallourec)
Data: 19 (sábado) e 20/12 (domingo)
Horário: 19/12 - sábado (16h às 20h) - 20/12 - domingo (14h às 18h)
Ingressos: https://www.sympla.com.br/varias-variaveis--robert-moura__50825

Em tempo: A banda Várias Variáveis também se apresenta na capital mineira na sexta-feira dia 18/12 na Casa Cultural Matriz (R. Guajajaras, 1353 - fone: 031 3212-6122) a partir das 22h.

Augusto Licks - Workshop em Belo Horizonte [CONFIRMADO]

2015-09-29T00:07:00.000-03:00

Oito dias antes do encerramento da campanha de financiamento no site Kickante e com 52% do valor arrecadado, os produtores confirmaram a realização do Workshop "Do Quarto Para o Mundo" de Augusto Licks em Belo Horizonte no dia 17 de outubro.

Entre as cotas de apoio à campanha, ainda tem disponíveis opções para quem pretende participar do workshop, e também para aqueles que querem simplesmente apoiar o projeto, mas que também receberão algumas recompensas como pôsteres, palhetas, participação em grupo privado na web e aulas de música.

Abaixo segue o link de um vídeo criado pela produção do workshop focalizando dois momentos da carreira de Augusto, o primeiro ainda nos anos 1990 e o segundo há duas semanas atrás no qual consta trecho da entrevista feita exclusivamente para a campanha no qual ele respondia exatamente a uma pergunta deste que vos escreve:

https://www.youtube.com/watch?v=GcNqGBTk_gM

O link do projeto: http://www.kickante.com.br/campanhas/augusto-licks-workshop-do-quarto-para-o-mundo-em-bh

Augusto Licks - Entrevista sobre Workshop "Do Quarto Para O Mundo"

2015-09-20T00:22:00.000-03:00

Essencialmente um blog de textos autorais assinados por mim e guardando (sem receios) pontos de vistas, por vezes, altamente pessoais, parafraseio vocês sabem quem para dizer que “nunca antes na história do Rock’n Geral” uma postagem teve foco em algum vídeo, áudio ou texto de terceiros. Mas, diante do brilhante discurso de Augusto Licks em respostas às perguntas de fãs enviadas pela internet como parte da campanha de financiamento de seu Workshop “Do Quarto Para O Mundo” a se realizar em Belo Horizonte no dia 17 de outubro, não resisti e resolvi postar na íntegra aqui a conversa realizada com ele por intermédio de Rodrigo Pedrosa e Manu Meneses que faz uma pequena introdução a temas que serão abordados pelo músico no workshop. Augusto Licks permanece com a mesma sobriedade que caracterizou sua carreira ao longo do tempo, extremamente consciente de seu papel na música e do músico em geral em seu contexto social. Entre as dezenas de perguntas realizadas sobre tecnologia musical, escolha de instrumentos, influências musicais, improvisação, vocês poderão ouvir uma enviada por este que vos escreve, mas destaco aqui a última resposta dada por Licks para uma pergunta recorrente que já ouvi muitos músicos responderem, mas que realmente evidencia quem é o homem Augusto Moacir Licks. Um cara que se coloca diante da vida de forma humilde, mas ao mesmo tempo consciente de sua capacidade de trabalho. Apesar de todas as realizações e glórias conquistadas, ele se mostra despido de vaidades tolas tão comuns no meio musical. Muito além do músico, é possível ver o exemplo de ser humano que ele é. Abaixo, a pergunta e resposta final da entrevista (apenas transcritas sem edição) e no link a entrevista completa em áudio.

P -... você se apresentou para grandes platéias, públicos de milhares de pessoas, dividiu o palco com grandes artistas no Hollywood Rock, no Rock In Rio, fez turnês por vários países do mundo, qual recado você deixa um músico que está iniciado agora? Qual recado você deixa realmente?

R - Olha, você fez menção à muitas coisas, digamos assim, grandiosas, né? Grandes eventos, grandes viagens... eu diria para um músico iniciante, que ele não se deixe sensibilizar tanto pela grandiosidade do evento, se ele tocar no bairro dele, num local para meia dúzia de pessoas ou menos, aquelas poucas pessoas vão desafiá-lo, desafiar no bom sentido, a dar o seu depoimento musical, a tocar a sua música para elas, e isso, às vezes, é muito mais difícil do que tocar num estádio lotado. Então, não se preocupe com a grandiosidade das coisas, apenas que nesse ritual que é fazer uma apresentação, um concerto, isso é uma coisa que, muda a tecnologia, aparecem máquinas novas, isso aí não muda. Esse ritual de alguém chegar ali pegar um instrumento, ou voz, cantar alguma coisa, de repente, umas das poucas pessoas que está ali assistindo, ouvindo, talvez para uma dessas pessoas, a vida mude.

Clique no link abaixo para ouvir a entrevista na íntegra:

https://www.youtube.com/watch?v=sPRk6bUw_d8

A campanha de financiamento do Workshop "Do Quarto Para O Mundo" de Augusto Licks em Belo Horizonte segue até o dia 6 de outubro. Já foram arrecadados 41% do valor total. Para os músicos iniciados ou iniciantes, a cota 7 dá direito a um mês de aula na Alaúde Escola de Música. Participe!

http://www.kickante.com.br/campanhas/augusto-licks-workshop-do-quarto-para-o-mundo-em-bh

Jeff Beck – Who Else! (1999)

2015-09-13T19:08:00.001-03:00

Jeff Beck é um músico que sempre procurou explorar novos sons com sua música e esse desafio fez com que seus trabalhos sempre soem distintos. Não foi diferente em Who Else!, álbum lançado pelo guitarrista em 1999 no qual ele explora a música eletrônica, através de uma abordagem ritmíca techno, ainda que mantenha sua assinatura com um pé no blues e no rock clássico dos anos 60.

As duas primeiras faixas do disco, “What Mama Said” e “Psycho Sam”, trazem a influência da música techno e um pouco do peso do rock industrial. A guitarra de Jeff soa rascante, e bastante “moderna”, com frases gerando resultados bem diferentes do que um guitarrista pensaria normalmente. Jeff parece pensar no instrumento como um DJ nessas duas músicas. “Psycho Sam” traz Pino Paladino no baixo e Manu Katches na bateria e percussão. A banda base do disco tem Jennifer Batten na guitarra, Steve Alexander na bateria, Randy Hope-Taylor no baixo e Tony Hymas (também produtor do disco junto com Jeff Beck) nos teclados e efeitos. “Brush With The Blues”, gravada ao vivo, apresenta o guitarrista com sua sonoridade mais “tradicional”, digamos assim, num daqueles seus momentos de solos geniais. Uma aula de improvisação. “Blast From The East” retorna à onda techno, mas combinando com um riff de guitarra bem anos 60, com um quê de surf music, algo meio Dick Dale. “Space For The Papa” segue na mesma toada eletrônica, porém numa abordagem mais “lounge” com um riff meio hipnotizante, quase um mantra. O longo interlúdio no meio da música também reforça o clima oriental da faixa, e ao mesmo tempo nos traz Jimi Hendrix à mente. “Angel (Footsteps)” tem um som etéreo que se mantém todo o tempo de forma contemplativa e meditativa. Em “THX138”, Jeff busca novamente apoio no techno, mas sem a inspiração das faixas anteriores, fica parecendo aquela típica música para “completar o disco”. Se eu falei na melodia hipnotizante de “Space For The Papa”, e isso acontece também com outras músicas do disco, essa intenção de Jeff se faz presente na faixa seguinte de maneira explícita desde o título: “Hip-notica”. Curiosamente a faixa não consegue atingir tanto esse objetivo como algumas de suas parceiras anteriores. “Even Odds” com uma pegada mais rockeira clássica já chega com um riff à lá Jimmy Page, até a levada da bateria tocado por Jan Hammer tem algo de John Bonham, lembrando muito o Led Zeppelin. No entanto, logo depois dessa breve primeira parte da música (praticamente uma introdução), surge uma bela melodia de Beck (que na verdade até me parece tocada por Jennifer Batten em sua guitarra midi soando próxima de um saxofone). “Declan” tem o velho truque de Jeff Beck tocando usando o botão de volume da guitarra, de forma que se aproxima do ataque de um arco no violino. A música tem participação de Clive Bell (flautas), Bob Loveday (violino), Mark John (violão) e Simon Wallace (sintetizadores). A música nos faz viajar por paisagens campestres norte-americanas, alguma coisa dos velhos westerns está implícita nela. “Another Place” fecha o disco, executada apenas por Jeff Beck num arranjo solo de guitarra. Um breve, mas tocante improviso.

Em Who Else!, Jeff Beck continuou sendo o músico inventivo de sempre, reafirmando sua musicalidade ímpar, com timbres de guitarra absolutamente únicos, e apesar de sua origem musical no blues e rock britânico dos anos 60, sua música continuava (e continua) apontando para algum lugar no tempo muito mais à frente. Ouvindo esse disco lançado em 1999, tenho a sensação que ainda não chegamos ao ponto em que Jeff estava quando o gravou há 16 anos.

Ainda: a campanha de financiamento do Workshop "Do Quarto Para O Mundo" de Augusto Licks em Belo Horizonte começa a entrar em sua reta final. Já foram arrecadados 30% do valor total. A nova cota dá direito a um mês de aula na Alaúde Escola de Música. Confira!

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Nei Lisboa - Pra Viajar no Cosmos Não Precisa Gasolina (1983)

2015-09-06T10:47:00.001-03:00

A movimentação em torno da campanha de financiamento coletivo para a realização de um workshop de Augusto Licks em Belo Horizonte me remeteu a esse disco. Pra Viajar No Cosmos Não Precisa Gasolina foi o álbum de estreia do cantor e compositor gaúcho, Nei Lisboa. Na época, tocando com Nei Lisboa, além de sua guitarra marcante, Licks assinaria algumas parcerias com ele. Entre elas, a faixa título. Coincidentemente, sua produção também foi resultado de um projeto de financiamento coletivo ancorado pelo artista. Quem comprasse antecipadamente o “Nei Lisbônus” garantia seu exemplar do disco.

“A Tribo Todo Dia Em Festa” abre o disco com uma levada reggae. Um tecladinho malandro reforça essa inclinação da música. A letra traz um jogo de palavras onde sobressaem aliterações, “Keka qué casá com Zeca, Lolô loca coca? Cola e som, Marta Maharish meditação”. A tribo todo em dia em festa da qual Nei fala, não poderia ser outra senão “o povo brasileiro” que “sofri pá pagá o pão, bebi chopp e faz a revolução”. A curiosamente intitulada “Me Chama de Robert” é um frevo que fala de um certo gringo americano chamado Robert que Nei Lisboa conheceu em Porto Alegre e que depois de tomar umas e outras se “transformava” num "super-herói" que jogava bola como Pelé, e entre outros "super poderes" se tornava uma chaminé ao fumar, e também virava a mãe do Brasil (se não conseguiu entender muita coisa, essa música já rendeu uma resenha no rockngeral depois de um encontro meu com o Nei Lisboa que você pode conferir aqui e se inteirar mais). O blues “Não Me Pergunte A Hora” foi escrita por Nei em parceria com Augusto Licks. Provavelmente a melhor faixa do disco, ela tem um dos muitos grandes solos que o guitarrista deixou registrados em sua carreira discográfica. A voz agradável e bela interpretação de Nei valorizam ainda mais cada um dos versos que ele escreveu para a canção. “Síndrome de Abstinência” traz a sonoridade gaúcha mais à tona com uma característica milongueira, mas também apresenta um breve interlúdio jazzístico. Com arranjos delicados de violão, “Doddy II” é outra faixa tocante do disco. A faixa título surge incorporando mais uma vez o blues ao som de Nei. Outra bem sucedida parceria com Licks e que também traz sua guitarra como destaque. Aliás, foi Augusto quem completou a frase, iniciada por Nei Lisboa ao dizer que “não precisa gasolina” pra viajar no cosmos. “No no chance” é quase uma vinheta que passeia do jazz ao frevo e ao samba, tirando um leve sarro com os sobrinhos do Tio Sam (olha o Robert gringo aí de novo). “Rabo de Foguete” é uma parceria de Nei com Iotomar Polsko que traz uma citação à “Prenda Minha”, música tradicional gaúcha. “Exaltação” é uma elegia à erva...à erva com a qual se faz chimarrão. A música também se aproxima da sonoridade tradicional gaúcha. “Sinal Azul” é uma balada caprichada de Nei Lisboa em parceria com Augusto Licks, Glauco Sagebin e Peninha. “Água Benta” de Nei, Augusto e Clóvis Frimm fecha o disco com um quê de otimismo, e como a sonoridade geral do disco, tem aquela dose de “nostalgia artificial” dos anos 1980 que ficou datada tão rápido.

Com uma forte raiz gaúcha, mas sem se prender a tradicionalismos forçados, Nei revigorou a música de sua região, porém, atento a outras influências de diversas fontes como o rock, o jazz, o reggae, bem como diversas vertentes da música brasileira, como o frevo e o samba. Seus trabalhos seguintes tratariam de reafirmar isso a cada novo lançamento. Pra Viajar No Cosmos Não Precisa de Gasolina lançado como disco independente foi um grande cartão de apresentação de Nei Lisboa à música brasileira.

Em tempo: segue a campanha de financiamento do Workshop do Quarto Para O Mundo de Augusto Licks em Belo Horizonte. Já foram arrecadados 26% do valor total. Participe!

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Eric Clapton - Unplugged (1992)

2015-08-30T00:30:00.000-03:00

Eric Clapton Unplugged foi o primeiro dos projetos acústicos lançados pela emissora MTV a render uma grande repercussão e vendagem de discos. O álbum foi top 1 da revista Billboard, rendeu seis prêmios Grammy ao músico e vendeu 24 milhões de cópias. Nem sempre esses prêmios e posições nas paradas querem dizer muito. É sabido como essas coisas podem ser manipuladas, comercial e politicamente, e que elas não são, necessariamente, indicadores de qualidade. Mas, no caso desse Unplugged, o trabalho realmente justifica seus méritos. Grande parte desse sucesso foi sustentando pela canção "Tears In Heaven" e a brilhante regravação de "Layla".

O disco abre com "Signe", instrumental despretensioso escrito por Clapton, cuja função era mesmo a de servir como um leve prelúdio do show feito para a TV. Na sequência Clapton ataca com dois blues, "Before You Accuse Me" de Bo Diddley e "Hey Hey" de Big Bill Broonzy que explicitam o quanto o músico domina o estilo. Mesmo tendo abordado vários estilos ao longo da carreira, como o rock, o reggae, o pop, a soul music, Clapton tem suas raízes musicais fincadas no blues que sempre aparece em seus trabalhos. O grande hit do disco, "Tears In Heaven" foi composta por Clapton em parceria com Will Jenenings em razão da perda de seu filho Connor de apenas 5 anos que faleceu ao cair do 53º andar do prédio em que morava na cidade de Nova York. A música havia sido lançada um ano antes na trilha sonora do filme Rush totalmente assinada por Clapton que também resultou num trabalho primoroso. "Lonely Stranger" é daquelas baladas que "só um rockeiro sabe fazer". Um dos grandes momentos do Clapton compositor que se une com maestria ao intérprete genial. "Nobody Knows You When You´re Down and Out" de Jimmy Cox é outro clássico do blues revisitado por Eric. O blues, sem dúvidas é o que guia este álbum. A inesperada versão de "Layla", clássico absoluto da carreira de Clapton, foi a investida mais ousada do disco, despida das marcantes linhas e riffs de guitarra da versão original, e o belo solo de piano tocado pelo baterista Jim Gordon (que assina essa composição com Clapton), transformando o estridente rock, numa balada sutil. O vocal rasgado e gritado torna-se suave, quase sussurrado. Talvez nem mesmo seu autor, esperasse que essa nova abordagem da música alcançasse tamanha relevância em seu repertório. "Running On Faith" de Jerry Lynn Williams, gravada originalmente por Eric em 1989 no disco Journeyman, é outro dos grandes sucessos apresentados no disco. Esta permanece mais próxima do original, até mesmo pela proximidade dos períodos das gravações. Da obra de seu grande ídolo e lenda mor do blues, Robert Johnson, surge "Walkin' Blues" e "Malted Milk" que Eric toca com absoluta autoridade. "Alberta" música tradicional com arranjo de Huddi Ledbetter e "San Francisco Bay Blues" de Jesse Fuller são outras músicas pinçadas do repertório blues que fizeram a cabeça a do jovem Eric Patrick Clapton e que ele apresenta com um misto de reverência e respeito aos velhos mestres. Também do disco Journeyman (e da mesma forma ficando mais próxima do original) é a música, "Old Love", parceria entre Clapton e o guitarrista Robert Cray. "Rollin' & Tumblin" de Muddy Waters fecha o disco num clima agitado de rythm and blues, de forma improvisada e despretensiosa, como a faixa de abertura.

Um dos pontos que mais fortalecem esse disco, junto ao repertório, e justifica o nome de "Unplugged" (Acústico) ao disco, é o domínio com que Eric Clapton toca violão. De importância inquestionável no trato da guitarra elétrica, ele toca violão com cordas de nylon, aço e um de 12 cordas com as pegadas características de cada um deles. Seja no dedilhado no violão com cordas de nylon de "Tears In Heaven" e "Lonely Stranger", seja na pegada mais blues/folk de "Layla", ou no slide de "Running On Faith". Na banda, os velhos companheiros, Nathan East no baixo, Andy Fairweather-Low no violão, Chuck Leavell nos teclados, Steve Ferrone na bateria, Ray Cooper na percussão, Katie Kisson e Tessa Niles nos backing vocals. O disco que teve produção de Russ Titelman, parceiro de Eric em outras empreitadas, tornou o formato "unplugged" tão popular que o conceito quase se tornou um "estilo de música". Em seus shows, os sets "acústicos" também viriam a ser sempre um momento marcante. Porém, com a sabedoria de quem estava no ramo há muito tempo e de como são frívolas algumas variantes do mercado, no disco seguinte, ele se concentraria na gravação de um disco de clássicos do blues From The Craddle (sendo essa a ligação com o "Unplugged"), mas totalmente eletrificados. Vivendo um momento difícil com a perda do filho, Clapton se apoia no blues, canta e chora seus lamentos em seu violão, porém consegue manter a austeridade e equilíbrio de um velho bluesman para seguir na estrada.

Ainda: segue a campanha de financiamento coletivo do Workshop do Quarto Para O Mundo de AugustoLicks em Belo Horizonte. Já foram arrecadados 22% do total do projeto. Para saber mais, participar e/ou colaborar: http://www.kickante.com.br/campanhas/augusto-licks-workshop-do-quarto-para-o-mundo-em-bh

Augusto Licks - Workshop "Do Quarto Para O Mundo"

2015-08-23T09:00:00.000-03:00

Nos últimos dois anos, ele foi citado com freqüência nas postagens do rockngeral na retrospectiva discográfica que fiz sobre sua carreira com os Engenheiros doHawaii. Agora, Augusto Moacir Licks reaparece por aqui numa das melhores notícias do ano para os músicos em geral e apreciadores de seu trabalho. Ele pode ter confirmado uma edição de seu workshop “Do Quarto Para o Mundo” em Belo Horizonte (cidade natal e residência deste que vos escreve). Organizado por Rodrigo Pedrosa e Manu Meneses, o workshop está em campanha no site kickante e uma vez que o financiamento seja concluído, Augusto Licks estará na capital mineira no dia 17 de outubro para a realização do evento. A campanha vem conquistando rápida adesão de músicos e estudantes, bem como de fãs interessados em apoiar o workshop e que embora não possam participar, seja por não serem músicos ou impossibilidade de estar na cidade na data do evento, receberão recompensas como palhetas personalizadas, posters, entre outros brindes elaborados pela produção.

Uma das recompensas dos colaboradores da campanha será a participação em um Grupo Privado no Facebook que está prestes a ser lançado. Segundo informação obtida pelo rockngeral em primeira mão junto à produção do workshop, os participantes se surpreenderão com o conteúdo e depoimentos do próprio Augusto para o grupo.

Além do trabalho de sete anos com os Engenheiros do Hawaii, fase que rendeu os discos mais marcantes e de maior vendagem da carreira da banda, Licks tocou com o músico gaúcho Nei Lisboa nos anos 1980 com quem também registrou algumas parcerias. Depois de sua saída da banda atuou na composição de trilhas sonoras para cinema e teatro. Também realizou trabalhos como jornalista em rádio e TV, além de ter sido colunista de futebol para o Estado de São Paulo Online.

Para mim é uma grande satisfação pode colaborar com esse projeto e assistir ao workshop realizado pelo guitarrista brasileiro que mais me influenciou no caminho que venho trilhando na música até aqui. Certamente uma oportunidade única para os músicos belo-horizontinos que poderão conferir dicas de Augusto Licks sobre a carreira musical, instrumentos, produção e tecnologia. Com duração de quatro horas, participação limitada a trinta pessoas e planejado para ser bastante interativo com metade do tempo sendo direcionado ao músico responder às perguntas dos participantes, o público terá uma rara oportunidade de tirar dúvidas sobre as mais diversas variáveis da carreira musical.

Durante toda a duração da campanha de financiamento, as postagens do rockngeral trarão sempre os links e um acompanhamento de como anda o projeto.

Para saber mais detalhes, colaborar ou participar acesse as páginas no site kickante e no facebook.

Kickante: http://www.kickante.com.br/campanhas/augusto-licks-workshop-do-quarto-para-o-mundo-em-bh

Facebook: https://www.facebook.com/workshoplicks?fref=ts

Sobre o Augustinho você também encontra mais informaçãos no blog: https://augustolicks.wordpress.com/

Paul McCartney - Many Years From Now – Barry Miles

2015-08-16T10:20:00.000-03:00

Publicado em 1997, Many Years From Now é a biografia autorizada de Paul McCartney escrita por seu amigo Barry Miles. A caprichada edição brasileira manteve o título original (um verso extraído da canção "When I’m 64") em inglês mesmo (curiosamente a editora, DBA também tem nome no idioma oficial do velho Macca, Dórea Books And Art).

Essa biografia tem um sabor quase de uma autobiografia, uma vez que o autor sendo amigo de Paul realizou diversas entrevistas com ele com um acesso que nenhum outro biógrafo teria, o que faz com que a obra tenha uma grande série de depoimentos até então inéditos do beatle. Embora apresente certa isenção, Barry Miles provavelmente não escreveu nada que o músico não gostaria de ler. O que não desabona o livro, já que é sempre bom conhecer a história do ponto de vista de quem realmente a viveu. E juntando outros depoimentos e livros, podemos ter um recorte razoável, e digamos talvez mais real de como de fato as coisas se deram. Alguns livros citados na enorme bibliografia que consta no final do livro são boas recomendações para isso.

O livro foca mesmo na fase beatle da carreira de Paul, relegando os Wings e a carreira solo a um breve resumo que consta no posfácio. Uma das críticas que ouvi de alguns fãs dos Beatles foi o fato de ao comentar cada uma das canções compostas com John Lennon, Paul tenha quantizado qual foi a participação de cada um na música, como “Drive My Car” que ele diz ser 70% sua ou “Girl” que ele atribui mais a John, embora ressalte que também contribuiu bastante. Mas, ele também se alivia ao mencionar que entre ele e John só duas músicas suscitaram desacordo quanto ao papel de cada um em suas composições, “In My Life” e “Eleanor Rigby”.

Many Years From Now revela muito da intensa vida social e artística de Paul nos anos 60 na “Londres Vanguardista” (esse inclusive é o título de um dos capítulos) e como ele influenciou e foi influenciado naqueles dias que revolucionaram tanto uma época que ainda hoje não parece ter sido superada culturalmente. Uma frase de Paul logo no início do livro resume bem essa ideia: “Sinto como se os anos 60 ainda estivessem para acontecer. Eles me parecem um período mais no futuro do que no passado”.

Rolling Stones – Voodoo Lounge (1994)

2015-08-10T09:04:00.003-03:00

Embora tenham realizado bons trabalhos com Bridges to Babylon (1997) e A Bigger Bang (2005), Voodoo Lounge é, até então, o último grande disco de estúdio dos Rolling Stones, capaz de figurar ao lado dos álbuns clássicos de sua carreira como Sticky Fingers (1971) ou Exile On Main St. (1972), por exemplo. Às vésperas de embarcaram numa monumental turnê mundial que viria a ser tornar a mais lucrativa da história, eles conseguiram o que toda banda projeta nessa situação, ter um álbum de sucesso tocando nas rádios. Pelo menos nos idos de 1994, isso ainda era fundamental antes da banda cair na estrada. (Tive o prazer de conferir um show dessa turnê. Exatamente o primeiro da banda no Brasil, realizado no Pacaembu em janeiro de 1995, mas isso fica para outra postagem).

As quinze músicas que constam no CD foram extraídas de uma lista de cerca de 70 canções que a dupla Jagger-Richards compôs para o trabalho. O resultado foi um álbum duplo primoroso. Começando pela faixa de abertura “Love Is Strong” puxada pela bateria de Charlie Watts anunciando a banda com a marcante guitarra de Keith Richards, o slide de Ron Woods e a gaita maliciosa tocada por Mick Jagger. A banda não foge de sua temática principal: canções de amor... ou melhor canções de sexo com um pouquinho de amor. Assim também é “You Got Me Rocking”, o rock rascante e pulsante que surge em seguida. No baixo, a novidade é o músico Darryl Jones, contratado depois da saída de Bill Wyman, membro original da banda. “Sparks Will Fly” mantém o pique “pra cima” do disco em mais um rock acelerado. O tradicional solo vocal de Keith Richards é também a primeira balada do disco, “The Worst”. Uma das melhores canções da discografia da banda com Keith nos vocais. O colorido extra da música fica por conta do pedal steel tocado por Ronnie Woods e o violino de Frankie Gavin. Jagger volta aos vocais também na balada “New Faces”, outro bom momento do disco, aonde o cravo tocado por Chuck Leavell é que dá a tônica. “Moon Is Up” afina um pouco a banda com a sonoridade da época, porém nada que faça a banda perder suas características. “Out Of Tears” retorna ao universo das baladas, dessa vez com o piano na condução. “I Go Wild” mostra a agressividade clássica da banda com pulsação forte e, não dá pra fugir do trocadilho, selvagem. Uma guitarra melindrosa com wah-wah tocada por Keith apresenta “Brand New Car” e somada ao sax de David McMurray fornecem o charme e particularidade da faixa no disco. Com um clima bem latino, “Sweethearts Together” vem com o acordeom de Flaco Jimenez e violão de nylon. O roquinho suingado “Suck In The Jugular” talvez seja a faixa menos inspirada do álbum, mas é imediatamente compensada por “Blinded By Rainbows”, outra grande balada, dessa vez com uma bela guitarra com efeito de tremolo em primeiro plano, mostrando a versatilidade e bom gosto de Keith Richards que não nos deixa esquecer a importância de uma boa guitarra base e como fazer uma textura eficiente com o instrumento. “Baby Break It Down” é uma amostra do lado rythm’n’blues dos Stones. Keith reaparece nos vocais em “Thru and Thru”, mais uma bonita balada na qual ele também realiza outro interessante arranjo de guitarra numa linha mais blues. O fôlego final vem na faixa “Mean Disposition” na qual a banda acelera o ritmo novamente lembrando que o Rock'n'Roll não pode parar. Produzido por Don Was e os Glimmer Twins (codinome da dupla Jagger-Richards), “Voodoo Lounge” é um daqueles discos de rock para se ouvir em volume alto, e o vizinho que tenha paciência, ou agradeça por você ter bom gosto pelo menos!

O disco tem um instigante projeto gráfico com a capa estampando um desenho do que seria o “Voodoo Lounge”. Nome dado por Keith Richards a um gato de rua que ele adotou e que ficava no estúdio enquanto a banda gravava. No encarte a banda aparece em fotos com suas imagens avermelhadas e num fundo preto que nos leva a pensar num ambiente de pecado, seja um rendez-vouz, ou seja o próprio inferno que aparece de forma explícita num extrato da foto de Jac Remise intitulada “Satan’s Play Room” (sala de jogos de Satã) presente em seu livro “Satan’s Daily Life In The 19th” (Diário da vida de Satã no Século XIX), no qual várias caveiras se divertem num ambiente de jogatina. A língua símbolo da banda aparece em nova versão na contracapa, agora prateada e cheia de espinhos.

Entregando a idade: quando terminava de escrever a resenha em questão, lembrei que durante muito tempo ouvi esse disco através de uma fita K7 que gravei de um CD alugado. Os mais jovens talvez nunca tenham ouvido falar em locadora de CDs, mas isso existiu por um breve período em meados dos anos 1990.

Nos Bastidores do Pink Floyd – Mark Blake

2015-08-02T12:30:00.000-03:00

Editado originalmente em 2007 com o nome bem mais interessante Pigs Might Fly: The Inside History of Pink Floyd, o livro do jornalista Mark Blake é uma aprofundada biografia da banda e seus integrantes. No Brasil, provavelmente devido a questões de marketing, ele recebeu o título menos representativo de Nos Bastidores do Pink Floyd, uma vez que a tradução do título original seria algo como “Os Porcos Podem Voar: Por Dentro da História do Pink Floyd”, tendo aqui os “porcos voadores” uma alusão ao suíno voador inflável que ilustra a capa do disco Animals, e que se tornou parte de alguns shows da banda.

O Pink Floyd é provavelmente, entre as bandas de grande sucesso surgidas entre as décadas de 1960 e 1970, a que tem sua história mais obscurecida, o que se deveu em grande parte a aversão de seus integrantes à grande mídia, em especial a postura do baixista, compositor e vocalista Roger Waters que evitava ao máximo dar entrevistas. Hábito também cultivado pelos outros integrantes da banda, David Gilmour, Rick Wright e Nick Mason. Esse, aliás, é um dos temas do qual o livro trata, a conturbada relação da banda com a mídia. Há de se dizer que o que não falta na história da banda são relações conturbadas. Assim como foi sua convivência com a imprensa, também foram as relações da banda com as gravadoras, entre os integrantes e mesmo da banda com seu público. (Devido exatamente a essa postura, eu custei para saber um pouco mais a respeito da banda quando comecei a ouvi-la no começo dos anos 1990. Durante algum tempo, uma fitinha k7 gravada de um especial no rádio, um disco de vinil emprestado por um amigo que não trazia nenhuma imagem dos integrantes eram toda a informação que eu tinha sobre o Floyd. A primeira vez que vi a "cara da banda" foi numa resenha publicada numa revista que trazia uma foto não muito nítida dos integrantes sentados na beirada do palco nos anos 1970).

Blake conseguiu equilibrar bem a presença de cada um dos integrantes da banda nas 454 páginas do livro, embora ele fatalmente acabe focando bastante na figura de Roger Waters, e em momento algum ele abandone a existência de Syd Barret na história do Floyd. O autor realizou um esmiuçado histórico do processo de gravação de todos os discos da banda (incluindo também os discos solos) e análise dos mesmos, bem como das turnês que eles realizaram. O texto começa pelo fim, ou por o que foi o último encontro público da banda tocando no dia 2 de julho de 2005, quando a improvável reunião de Waters, Gilmour, Wright e Mason se deu no palco do evento Live 8 em Londres. Vale lembrar que o livro foi publicado um ano antes da morte de Rick Wright. Em seguida, Blake já assume a ordem cronológica dos fatos, buscando lembranças da infância e adolescência dos músicos e dos primórdios da criação da banda, os caminhos que eles trilharam no underground até atingiram o estrelato e a fama com a qual a banda conviveu com certa dose de angustia e descontentamento, fruto da superficialidade gerada pela popularidade. Tema que seria inclusive o mote principal do disco The Wall. O livro retrata de forma bastante direta a verdade musical e psicológica da banda para além do bem e mal.

Ainda: Fatalmente as biografias que me interessam são aquelas que investigam a vida do biografado no sentido em que a mesma dialoga e tem importância com sua obra, mas às vezes também é legal descobrir algumas informações aparentemente bobas como o fato de David Gilmour ter contratado duas bandas covers para tocar em sua festa de 50 anos, uma de Pink Floyd e outra de Beatles, e ainda saber que George Harrison estava presente na festa.

Noturno da Rua da Lapa – Recital de Violão: Felipe Anunciação e Robert Moura

2014-11-30T20:46:00.001-02:00

Como parte do curso de Música – Bacharelado em Instrumento (Violão) da Escola de Música da UEMG (Universidade do Estado de Minas Gerais), no dia 9 de dezembro, realizarei um recital de violão clássico. A apresentação será em parceria com meu amigo, Felipe Anunciação. Tocaremos peças solos e faremos um duo no final do espetáculo. O repertório é todo composto por obras de compositores brasileiros: Heitor Villa-Lobos, Guerra-Peixe, Radamés Gnattalli, Dilermando Reis, Ernesto Nazareth, Garoto, Baden Powell e Egberto Gismonti.

Embora não esteja diretamente ligado à música, o título do recital, Noturno da Rua da Lapa, foi inspirado no poema homônimo de Manuel Bandeira. Ele tem a intenção de ressaltar o Brasil, e mais especificamente, o Rio de Janeiro, tendo o bairro da Lapa como palco, e a influência do choro, em especial, nas obras que serão apresentadas no programa.

NOTURNO DA RUA DA LAPA

Manuel Bandeira

A janela estava aberta. Para o que não sei, mas o que entrava
era o vento dos lupanares, de mistura com o eco que se partia
nas curvas cicloidais, e fragmentos do hino da bandeira.

        Não posso atinar no que eu fazia: se meditava, se morria
de espanto ou se vinha de muito longe.

       Nesse momento (oh! por que precisamente nesse mo-
mento?...) é que penetrou no quarto o bicho que voava, o ar-
ticulado implacável, implacável!

      Compreendi desde logo não haver possibilidade alguma
de evasão. Nascer de novo também não adiantava. - A
bomba de flit! pensei comigo, é um inseto!

      Quando o jacto fumigatório partiu, nada mudou em
mim; os sinos da redenção continuaram em silêncio; nenhu-
ma porta se abriu nem fechou. Mas o monstruoso animal
FICOU MAIOR. Senti que ele não morreria nunca mais, nem
sairia, conquanto não houvesse no aposento nenhum busto
de Palas, nem na minhalma, o que é pior, a recordação per-
sistente de alguma extinta Lenora.

Libertinagem, 1930

Todos convidados!

Noturno da Rua da Lapa – Recital de Violão Clássico com Felipe Anunciação e Robert Moura

Local: Auditório Fernando Coelho - Escola de Música da UEMG - Rua Riachuelo, 1351, Padre Eustáquio. BH/MG

Data: 09/12

Horário: 20h

Entrada Franca

Ainda: amanhã às 9h16 participarei de uma audição de música antiga interpretando obras de Sylvius Leopold Weiss e John Dowland também na Escola de Música da UEMG.

Rock’n Geral 5

2014-11-16T20:01:00.000-02:00

Depois de onze anos, estou produzindo novamente o evento Rock’n Geral, nome extraído de uma música presente no primeiro disco do Barão Vermelho e que também nomeia o quinto álbum da carreira da banda, e serviu de inspiração para o título deste blog e um programa de rádio apresentado por este que vos escreve. Como não poderia ser mais óbvio, o título teve o intuito de ressaltar a mescla de estilos entre as bandas convidadas, que com a próxima edição completará um total de 21 bandas participantes. O primeiro Rock’n Geral foi realizado em 2002, e teve suas outras três edições em 2003. A retomada do projeto se deu de forma acidental, mas vem com o mesmo ânimo e disposição presentes nas outras edições.

As bandas participantes do Rock’n Geral 5 serão: Bigodd’s de indie rock, Conteúdo Básico apresentando trabalho autoral e releituras de rock nacional e internacional, e a banda de blues Cafebluesband. O evento ocorrerá na Casa Cultural Matriz, palco de todas as outras edições, no dia 7 de dezembro, a partir das 21h.

Tanto tempo depois, é inegável certa dose de saudosismo da minha parte, no entanto não estarei tocando nessa edição, mas será uma grande satisfação ver ao vivo os trabalhos da banda Bigodd’s e Cafebluesband, e rever a banda Conteúdo Básico, antiga parceira em vários shows que realizei tanto produzindo quanto tocando.

Aguardamos a presença dos amigos presentes nas outras edições, como de novos adeptos. Então, é só chegar porque como diria Cazuza: “Rock’n Geral é até mais tarde”... e no dia seguinte é feriado em Belo Horizonte.

Local: Casa Cultural Matriz – http://matrizbh.com.br/
Endereço: Rua Guajajaras, 1353 - Terminal JK
Data: 7/12
Horário: 21h
Ingresso: R$15,00 (ant.) R$18,00 (port.)
Info: 31 3212.6122

Flávio "Santos" Show

2014-10-12T18:49:00.000-03:00

No próximo domingo, dia 19/10, vou tocar no evento intitulado Flávio "Santos" Show. O show que ocorrerá na Casa Cultural Matriz será em benefício do amigo Flávio Elias Soares, locutor e ex-segurança da casa. Há cerca de dois meses, Flávio foi vítima do despreparo de dois guardas municipais em Belo Horizonte, numa agressão que resultou na perda da visão do olho direito. Para agravar mais a situação, ele já tinha apenas 40% da visão do olho esquerdo. Toda a renda do evento será revertida para despesas médicas, entre outras, uma vez que ele ainda não pôde retornar ao trabalho.

A primeira vez que tive contato com o Flávio, ele estava trabalhando na portaria da Casa Cultural Matriz, onde eu tocava com certa frequência. Logo na entrada percebi a voz marcante de Flávio quando ele perguntou o meu nome para conferir na lista da produção. Batendo um papo com ele mais tarde, ele começou a imitar personalidades como o Sílvio Santos (que rendeu o apelido dos frequentadores, e explica o nome do evento) e Clodovil Hernandez. Num dos festivais que realizei na casa, aproveitei essa habilidade dele para fazer uma brincadeira com a plateia, enquanto eu estava no palco conversava ao microfone com ele como se estivesse falando ao celular. Escondido no camarim Flávio imitava a voz do "homem do Baú" e prometia que estaria no palco para entregar pessoalmente o troféu à banda vencedora do festival. Eleita a banda, Flávio subiu ao palco literalmente dando um show em sua interpretação do Senor Abravanel que levou a plateia às gargalhadas durante alguns minutos.

O show de domingo está sendo organizado de forma coletiva e contará com diversas bandas da cidade que conheceram Flávio durante o tempo que trabalhou na Matriz. Para essa ocasião especial, convidei meu amigo Rodrigo Braga para me acompanhar em algumas canções. No repertório pré-selecionado incluímos músicas de Hendrix, Dylan, Barão Vermelho, Nei Lisboa, Raul Seixas e Ramones.

O evento contará ainda com as bandas: Marla, Evil Matchers, Lumière, Dead Pixels, Drunk Demons, Retoma e Martyrizer. Mas, o que vale mesmo nessa data é rever o amigo, Flávio e mobilizarmos as pessoas sobre o lamentável ocorrido, não deixando que o caso passe impune.

Links para que possam conhecer o caso da forma mais isenta possível:

http://noticias.r7.com/minas-gerais/guarda-municipal-abre-portaria-para-investigar-agressao-contra-locutor-26082014

http://www.otempo.com.br/cidades/vendedor-denuncia-guardas-municipais-por-agress%C3%A3o-em-bh-1.905003

https://www.youtube.com/watch?v=IWE0G_rL9DU

E aqui um vídeo de quatro anos atrás de um programa TV Alterosa de Minas Gerais mostrando o trabalho de Flávio:

https://www.youtube.com/watch?v=9pmoAuiMs-U

Vídeo do Flávio convidando para o show:

https://www.facebook.com/video.php?v=371838196305832&set=vb.185603164929337&type=2&theater

Local: Casa Cultural Matriz – http://matrizbh.com.br/
Endereço: Rua Guajajaras, 1353 - Terminal JK
Data: 19/10
Horário: 14h
Ingresso: R$12,00
Info: 31 3212.6122

Engenheiros do Hawaii - Uma Breve Viagem Discográfica: Os Anos Gessinger, Licks & Maltz

2014-10-05T19:41:00.000-03:00

9. Posfácio

Simples de Coração (1995)

Como havia dito na postagem sobre o disco Filmes de Guerra, Canções de Amor, resolvi adicionar um posfácio à série publicada aqui sobre os discos dos Engenheiros do Hawaii gravados pela formação Gessinger, Licks & Maltz. O texto que segue abaixo é uma adaptação de um comentário que escrevi no blog de Humberto Gessinger em 11 de janeiro de 2012, quando ele comentava sobre o disco em questão.

Depois da saída do guitarrista Augusto Licks, a banda admitiu de imediato o guitarrista Ricardo Horn, o músico faria alguns shows com Humberto e Carlos ainda no formato trio. Sem alcançar a sonoridade desejada por eles, ou tentando fugir de se tornar um cover de si mesma, eles acabaram optando pela entrada de mais dois novos membros: o guitarrista Fernando Deluqui (ex-RPM) e o tecladista e acordeonista Paolo Casarin, transformando em quinteto a banda que sempre havia sido um trio.

Simples de Coração foi o primeiro disco da banda a não sair em vinil. A capa apresentava diferenças estéticas em relação aos trabalhos anteriores, começando pela ausência das engrenagens (presente nos sete discos do período GLM) e a mudança da fonte com o nome da banda (na edição em CD, um adesivo com o nome da banda vinha colado sobre a caixinha de acrílico, um Sagrado Coração estampava a capa).

No que tange a música, a banda apresentava inevitavelmente uma nova sonoridade em função da perda da guitarra tão característica de Augusto Licks. Os Engenheiros era uma das poucas bandas nacionais que tinha um som reconhecível logo na introdução de qualquer uma de suas músicas. Agora, eles apresentavam um som mais denso, de certa forma, devido à maior instrumentação das músicas com o formato quinteto e ainda a presença de músicos adicionais em várias faixas. Outra diferença fundamental foi a presença do produtor americano Greg Ladanyi que já havia trabalhado com os Jacksons, Jeff Healey Band, Kansas, Fletwood Mac, Toto, entre outros, o que levou a banda a gravar em Los Angeles. Talvez pelo fato da banda ainda estar procurando uma nova cara, juntamente com as referências dos trabalhos anteriores, o disco acaba por parecer mais com o produtor do que com a banda, o que acaba por não ser algo totalmente negativo, uma vez que Greg conseguiu um som espetacular no disco que contou com bons arranjos, e fazendo até com que o fraco guitarrista (?) Deluqui soasse bem no disco (num nível que nunca o tinha ouvido nem antes, nem depois em sua carreira). Já com o excelente tecladista Paolo Casarin ele não deve ter tido muito trabalho, o músico adicionou excelentes teclados e acordeons às músicas. Ricardo Horn com alguns bons momentos de guitarra também não comprometeu, assim como Maltz, agora com suas levadas de bateria um pouco limitadas, aparentemente pela nova (e maior) formação. Humberto manteve suas boas linhas de baixo, soando como um baixista mais “tradicional”, perdendo muito da pegada mais “guitarrística” que Augusto Licks, dizia que ele tinha.

O disco abre com a música “Hora do Mergulho”, mais exatamente ainda, com um coro infantil cantando à capella em sua introdução, precedendo à entrada da banda e o bonito arranjo de guitarra de Ricardo Horn. Ele também apresenta um bom solo no meio da canção. Humberto adiciona uma linha de baixo, fazendo um acompanhamento com acordes, algo não tão recorrente no instrumento. Na letra, Gessinger continuava mandando bem, rebuscando seu estilo e mitificando sua imagem: “Eu sou um déspota esclarecido/nessa escura e profunda mediocracia”. “À Perigo,” já apresenta o acordeom de Casarin, instrumento que seria uma marca do disco. Deluqui (pasmem!) realiza um bom solo de guitarra. Humberto fala de resistência: “eu sigo em frente, pra frente eu vou/eu sigo enfrentando a onda/onde muita gente naufragou”. “Simples de Coração” tem a melodia reaproveitada da música Sweet Begônia II (cuja letra consta no encarte do disco A Revolta dos Dândis, mas nunca foi lançada pela banda). Cantando corajosamemente em tons mais altos, esse talvez seja o melhor disco de Humberto como vocalista. “Lance de Dados” tem uma levada acústica e traz a participação especial do percussionista Luís Conte. A temática segue falando em resistência, sobrevivência, novos rumos e comenta sobre um acidente automobilístico sofrido por Humberto pouco tempo antes: “Os deuses jogam pôquer/E bebem no saloon doses generosas de BR101”. “A Promessa” foi a música de lançamento do disco, um bom trabalho de Horn e Deluqui fazendo dobras nas guitarras e o piano de Casarin. Gessinger recorria à sua linha de crítica social: “Propaganda é a arma do negócio/No nosso peito bate um alvo muito fácil”. “Por Acaso” ressalta a mistura que resultou na sonoridade do disco, um lado acústico com violões e acordeom induzindo à música gaúcha e, de outro lado, guitarras que puxavam um pouco para o hard rock setentista (essa era inclusive a principal referência do novo visual da banda). “Ilex Paraguariensis” gravada apenas com instrumentos acústicos traz mais claramente a influência da música gaúcha desde o título que leva o nome da erva-mate com a qual se faz a bebida tão apreciada nos pampas: “Hoje eu acordei mais cedo/Tomei sozinho o chimarrão”. “O Castelo dos Destinos Cruzados” de Carlos Maltz, Ricardo Horn e Kleber Lúcio trazia o baterista novamente nos vocais desde a música “Filmes de Guerra, Canções de Amor” gravada no segundo disco da banda. “Vícios de Linguagem” tem Casarin brilhantemente tocando piano e um hammond B3 e participação especial de Julia e Maxime Waters e Carmen Twillie nos backings vocals cantando versos em inglês que evocam muito o Pink Floyd. “Algo Por Você”, parceria de Gessinger e Deluqui, tem um efeito de distorção na voz que soa interessante na primeira audição, mas logo se torna cansativo nas audições seguintes. “Lado A Lado”, de Gessinger e Casarin, tem letra e melodia comoventes que ganham muito com o coro de Kipp e Mark Lennon. Kevin Cronin, vocalista da banda REO Speedwagon também participa da faixa, tocando violão. A letra traz mais uma referência à obra de Roberto e Erasmo Carlos (“Esqueça as curvas da estrada de Santos/Se tu quiseres saber quem eu sou”), dupla citada algumas vezes por Humberto em músicas como “Nossas Vidas” e “Sopa de Letrinhas”: Apesar dos esforços, a formação não emplacou. Humberto nunca pareceu ter realmente gostado do quinteto, nem do disco. O que foi comprovado com a dissolução da formação no ano seguinte, com Humberto investindo num projeto "quase" solo que foi o Gessinger Trio, para em seguida reformular os Engenheiros do Hawaii com novos integrantes, dessa vez até mesmo sem a presença do co-fundador da banda, Carlos Maltz.

P.S.: Eu sempre me pergunto por que continuar a escrever textos e resenhas como essa, se como dizia Ezra Pound: “a melhor crítica não adiciona nada para quem lê”. Ou como canta Humberto Gessinger em "Vícios de Linguagem": “o principal fica fora do resumo”. Talvez estes textos sirvam como despretensiosas recomendações aos poucos leitores, talvez sirvam para iniciar algumas discussões musicais, ou ainda, e mais provavelmente, não sirvam realmente para nada.

Em tempo: reproduzo abaixo nos comentários, o que escrevi na citada postagem de Humberto Gessinger que traz ainda um comentário de pessoa uma anônima sobre o tamanho do texto que escrevi na ocasião.

The Beatles In America – Spencer Leigh

2014-09-28T18:23:00.000-03:00

Para quem gosta de Beatles, o assunto nunca acaba. Numa das últimas postagens, comentei sobre o livro Can’t Buy Me Love de Jonathan Gould que trata da história da banda, dando enfoque na repercussão que a banda causou na Inglaterra e nos EUA. O livro The Beatles In America: The Stories, The Scene, 50 Years On de Spencer Leigh, editado pela Omnibus Press em 2013, vai no mesmo caminho. Porém, tendo apenas os Estados Unidos como alvo (o autor tem ainda dois livros sobre os passos dos Beatles em Liverpool, e outro em Hamburgo).

Tendo um estilo de diário e livro de fotografia, o volume repassa a trajetória da banda em terras norte-americanas desde a histórica primeira visita em 1964 até o rompimento oficial em 1970, não deixando de incluir uma introdução sobre os primórdios da banda na Inglaterra, e um prólogo no qual cita momentos relevantes de John, Paul, George e Ringo EUA depois da separação, entre eles, o fatídico assassinato de John Lennon em Nova York.

A intenção de Spencer Leigh não foi fazer um estudo e análise mais aprofundada da carreira dos Beatles, como fez Jonathan Gould em Can’t Buy Me Love. Leigh, na verdade, coletou materiais que ilustram bem o texto com muitas fotos, recortes de jornais, e declarações de artistas, entre outros norte-americanos que de alguma forma cruzaram o caminho dos FabFour. Nesse caso, The Beatles In America, funciona como um ótimo complemento ao livro de Gould. Sem edição em português, o livro ricamente ilustrado, vale até mesmo para quem não lê no idioma dos rapazes de Liverpool, em razão do extenso arquivo fotográfico.

Bob Dylan - Oh Mercy (1989)

2014-09-21T21:43:00.000-03:00

Assim como me ocorreu com o disco Blue de Joni Mitchell, quando conheci esse disco de Bob Dylan não tinha noção alguma da grande importância que o mesmo teve em sua carreira. Só vim a descobrir a relevância do álbum para o artista ao ler seu livro intitulado "Crônicas – Volume Um", no qual ele dedica um dos apenas cinco capítulos totalmente a esse álbum. Oh Mercy representou uma fase de recomeço para Dylan. No livro ele narra todo o processo de feitura desse trabalho, desde a composição até o último take da gravação. Boa parte do texto cita o produtor Danny Lanois, com quem Dylan teve uma intensa convivência e divergências criativas durante o processo de gravação do álbum.

“Political World” foi a primeira música composta dessa leva e coube a ela também a função de abrir o disco. Com sonoridade sombria e uma voz rascante de Dylan, os versos inicias já definem a música: “We live in a political world, Love don't have any place” (Vivemos em mundo político, amor não tem lugar). A letra foi escrita toda de uma vez e tinha pelo menos o dobro dos versos antes do compositor descartar parte deles.

“Where Teardrops Fall” soa muito próxima do Dylan dos anos 70, especialmente pelo lap-steel tocado por Lanois e a o acordeom de Rockin’ Doopsie.

Segundo Dylan, o produtor Danny Lanois considerava “Everthing Is Broken” uma canção descartável. Dylan obviamente discordava dele. E o tempo provou que o compositor estava certo.

“Ring Them Bells” é uma das faixas mais “enxutas" do disco, com acompanhamento apenas de piano, teclados e guitarra; e tem uma letra de tom épico e religioso: Ring them bells, for the time that flies/For the child that cries/When innocence dies (Toque os sinos para o tempo que voa/Para a criança que chora/Quando a inocência morre).

“Man In The Long Black Coat” e “Shooting Star” foram escritas praticamente ao mesmo tempo. Sobre a soturna “Man In The Long Black Coat”, Dylan escreveu que ela “tenta falar de alguém cujo próprio corpo não lhe pertence. Alguém que amou a vida, mas não pode viver, e cuja alma se amargura porque outros são capazes de viver”. Incerto de que conseguiu escrever músicas históricas para o disco como desejava o produtor Lanois, Dylan acredita que tenha chegado perto em pelo menos duas, e essa seria uma delas. Ele pensou nela como a sua “I Walk The Line”, música de Jonnhy Cash, que na visão de Dylan: "promove um ataque a nossos pontos mais vulneráveis, as palavras afiadas de um mestre".

“Most Of The Time” tem uma letra romântica como provavelmente apenas Dylan escreveria, na qual os primeiros versos sequer revelam que este é o tema da canção na qual ele apresenta um personagem forte e confiante que se curva diante uma paixão e, consegue compor versos diferentes para um assunto totalmente trivial: “Most of the time/I'm clear focused all around/Most of the time/I can keep both feet on the ground/I can follow the path, I can read the signs/Stay right with it, when the road unwinds/I can handle whatever I stumble upon/I don't even notice she's gone/Most of the time” (Na maioria das vezes/Eu sou tranquilo e focado com o que acontece ao meu redor/Na maioria das vezes/Eu posso manter os dois pés no chão/Eu posso seguir o caminho/Eu posso ler os sinais/Permanecer assim, quando a estrada se desenrola/Posso lidar com qualquer coisa que eu esbarre/Nem sequer noto que ela se foi/Na maioria das vezes).

A levada arrastada de “What good Am I?” soa como um blues improvisado. A letra também foi composta toda de uma vez, como Dylan revelou.

“Disease of Conceit” que ele assume ter um toque gospel, nasceu a partir da notícia da proibição de pregar ao pastor Jimmy Swaggart que também foi destituído da liderança da Assembleia de Deus devido à sua ligação com uma prostituta. Dylan que discordava da punição escreve no livro: “A Bíblia está cheia dessas coisas. Um monte daqueles antigos reis e líderes teve várias esposas e concubinas, e o profeta Oséias até foi casado com uma prostituta e isso não o impediu de ser um homem santo. Mas aqueles eram outros tempos, e para Swaggart foi o fim da linha”. Para Dylan que gravou o piano nessa faixa, disse que Arthur Rubinstein teria sido o instrumentista perfeito para tocá-la.

“What Was It You Wanted?” foi outra que ele diz ter composto rapidamente, letra e melodia ao mesmo tempo. Depois de uma pausa, o compositor voltava à ativa com o ímpeto dos primeiros trabalhos. Os timbres de guitarra com bastante efeito de tremolo e reverb que aparecem em várias faixas do disco reaparecem aqui e Dylan adiciona solos marcantes de harmônica.

Para a gravação de “Shooting Star”, Dylan confessa que gostaria de ter um ou dois clarinetes na gravação, mas fizeram com o que estava disponível na ocasião: Brian na guitarra, Willie, na bateria, Tony no baixo e Lanois no omnichord (um instrumento de plástico que soa como uma cítara) e, ele na guitarra e harmônica. A canção que segundo Dylan foi uma daqueles que surgiram completas, lhe dá a sensação de que ele mais “a recebeu” do que compôs. Nas palavras do compositor, era como se ele estivesse viajando pela trilha do jardim do sol e simplesmente a encontrasse ali. “Ela era iluminada. Eu tinha visto uma estrela cadente do quinta de nossa casa, ou talvez fosse um meteorito”.

Como afirmou Dylan no livro "Crônicas": “... o disco não me colocou de volta ao mapa do mundo do rádio... ele obteve algumas resenhas boas, mas resenhas boas não vendem discos. Todo mundo que lança um disco consegue pelo menos uma resenha boa, só que há sempre uma nova sagra de discos e um novo conjunto de resenhas”. Ainda assim o disco se tornou um trabalho extremamente importante na obra de Dylan, a ponto de ser o único a intitular um dos capítulos do seu livro de memórias. Concluindo com palavras do próprio: “O negócio musical é estranho. Você o amaldiçoa, mas o ama”.

Bob Dylan – voz, violões, guitarra, piano, harmônica, órgão

Daniel Lanois – dobro, lap steel, guitarra, omnichord

Rockin' Dopsie – acordeom em "Where Teardrops Fall"

Willie Green – bateria em "Political World", "Everything Is Broken", "Most of the Time", "Disease of Conceit", "What Was It You Wanted", "Shooting Star"

Tony Hall – baixo em "Political World", "Everything Is Broken", "Most of the Time", "Disease of Conceit", "Shooting Star"

Malcolm Burn – meia-lua, teclados, baixo em "Everything Is Broken", "Ring Them Bells", "Man in the Long Black Coat", "Most of the Time", "What Good Am I?", "What Was It You Wanted"

John Hart – saxofone em "Where Teardrops Fall"

Daryl Johnson – percussão em "Everything Is Broken"

Larry Jolivet – baixo em "Where Teardrops Fall"

Cyril Neville – percussão em "Political World", "Most of the Time", "What Was It You Wanted"

Alton Rubin, Jr. – “Tábua de lavar” em "Where Teardrops Fall"

Mason Ruffner – guitar on "Political World", "Disease of Conceit", "What Was It You Wanted"

Brian Stoltz – guitarra em "Political World", "Everything Is Broken", "Disease of Conceit", "Shooting Star"

Paul Synegal – guitarra em "Where Teardrops Fall"

Obs: Todas as citações de Bob Dylan foram retiradas do livro "Crônicas - Volume Um", editora Planeta, 2005.

Jimi Hendrix Experience: Axis: Bold As Love (1967)

2014-09-14T20:29:00.000-03:00

A primeira vez que eu ouvi Jimi Hendrix foi nos anos 1990, assistindo pela TV sua apresentação no Festival da Ilha de Wight em 1970. Ele viria a morrer 18 dias depois. Já antevendo que iria gostar (e gostei imensamente), coloquei o videocassete em ação e gravei o show que ainda permanece no meu arquivo. Tempos depois, tomei conhecimento de que aquela teria sido uma das suas piores apresentações, devido a problemas técnicos, e que entre uma canção e outra, o show era interrompido no intuito de sanar os problemas (essa parte obviamente não aparece no vídeo editado). A segunda experiência com sua música foi novamente audiovisual, assistindo a uma reapresentação também pela TV do seu show em Woodstock (outro registro que permanece guardado nos meus arquivos em VHS). Perdi a conta das vezes que assisti a essas fitas. A primeira vez que eu “só” ouvi o Jimi, foi através da coletânea “A Arte de Jimi Hendrix” lançado pela gravadora Philips. Consegui o vinil duplo emprestado de um amigo e copiei em fita K7 (desnecessário dizer que a fitinha ainda está devidamente guardada comigo?). Foi um susto (positivo), em razão de estar acostumado às performances enlouquecidas e altamente improvisadas do guitarrista, espantei-me ao perceber que ele realmente cantava (não apenas um trecho ou outro da letra como fazia ao vivo, parecendo não controlar sua energia musical e a vontade de tocar guitarra, como se a música brotasse contra a sua vontade em diversos momentos), também me surpreendeu a qualidade das gravações, os timbres, arranjos. Passei a gostar mais do Hendrix de estúdio do que o ao vivo, talvez contrariando a regra em que suas performances de palco eram altamente exaltadas. Certamente deve ter sido mágico para quem pôde vê-lo in loco.

Axis: Bold As Love foi o segundo álbum de Hendrix. Lançado no dia primeiro de dezembro de 1967, exatamente seis meses após o não menos icônico Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band dos Beatles. Dois daqueles álbuns que devem ter sido ainda mais impactantes no universo pop para quem ouviu na época de lançamento, sem todas as informações musicais que vieram depois deles. O disco tem produção de Chas Chandler, baixista da banda The Animals, que foi uma espécie de “descobridor” do Hendrix, ao levar o músico norte-americano para a Inglaterra e tê-lo lançado lá, prestando um enorme serviço à música de todos os tempos.

A faixa de abertura, “EXP”, é na verdade uma vinheta na qual um radialista fictício (narrado pelo baterista Mitch Mitchell) apresenta o também personagem Paul Caruso (narrado por Jimi) que convida os ouvintes para a experiência sonora que virá em seguida, já apresentando uma série de ruídos criados pela guitarra de Hendrix. “Up From The Skies” tem algo da influência jazzística de Hendrix, mas, sobretudo a bateria de Mitch Mitchell adiciona uma levada não muito comum ao pop de então. Hendrix cria uma base utilizando um pedal de wah-wah durante toda a música (não me recordo de uma gravação onde esse efeito fosse explorado durante toda a canção na base harmônica principal). “Spanish Castle Magic” apresenta um de seus riffs mais marcantes, e mais uma das bases não usuais de Hendrix que definiu muito do que viria a ser a sonoridade dos powers-trios junto com o baterista Mitch Mitchell e o baixista Noel Redding. “Wait Until Tomorrow”, outro dos clássicos do guitarrista tem uma guitarra com um swing funk que depois seria extremamente recorrente na música pop, mas que talvez também ainda não se tivesse ouvido antes de Hendrix. “Ain’t No Telling” com seu ritmo “quebrado” e passagens inesperadas, é mais uma das músicas de Hendrix que reforçam as palavras de Eric Clapton, quando disse que Hendrix fazia tudo diferente. Uma das suas mais belas melodias, senão a mais bela de todas é “Little Wing”, música que em pouco menos de dois minutos e meio de duração consegue condensar a melodia da canção a arranjos geniais de guitarra (a começar pela marcante introdução), unido a timbres singulares e um solo curto, mas de intensidade única. O glockenspiel tocado por Mitch Mitchell ajuda a realçar a identidade sonora original da canção. E não podemos esquecer que Jimi também sabia dar o recado nos vocais (lembrando daquela surpresa que comentei no início do texto ao descobrir que ele também cantava). “If 6 was 9” tem uma contundente e individualista letra escrita bem no meio de toda a questão hippie: “Now if 6 turned out to be 9/I don't mind, I don't mind/Alright, if all the hippies cut off all their hair/I don't care, I don't care/Dig, 'cos I got my own world to live through/And I ain't gonna copy you” (“Agora, se 6 acabasse por ser 9/Eu não me importaria, eu não me importaria/Certo, se todos os hippies cortassem todos os seus cabelos/Eu não me importaria, eu não me importaria/Sabe, porque eu tenho o meu próprio mundo para viver/E eu não vou copiar você”). Algo do tipo “seja você mesmo”, ou “seja seu próprio herói” como diria Lennon, que provavelmente deve ter agrado à mente do beatle. No solo e no final da canção, toda aquela sonoridade caótica de Hendrix que denunciava que o mundo não vivia tão em “paz e amor”.

“You Got Me Floatin’” inicia o lado B do disco com um riff rascante com distorção na medida certa, e a mesma loucura sonora que fecha o lado A. “Castle Made of Sand”, tem na introdução, mais uma das sacadas simples e geniais de Hendrix com acordes ascendentes e descentes passeando pela escala da guitarra e depois um turnaround ainda na onda de “Little Wing” com aquele timbre estalado característico das guitarras Fender Stratocaster. Junto aos versos, frases de guitarra invertida, inovação trazida pelos Beatles um ano antes no álbum Revolver (vide as músicas I’m Only Sleeping e Tomorrow Never Knows). Além do som, Hendrix revela-se um bom cronista na letra em que fala de forma cinematográfica de uma recorrente briga de casal: “Down the street you can hear her scream "you're a disgrace” /As she slams the door in his drunken face/And now he stands outside and all the neighbours start to gossip and drool” (“Descendo a rua, você pode escutar o grito dela: "você é um d*!"/Enquanto bate a porta na cara embriagada dele/e ele fica na rua/ enquanto os vizinhos começam a fofocar e conversar”). “Shes´s so fine” é a única música do disco não composta por Hendrix. O baixista Noel Redding assina a composição e assume o vocal principal da faixa que lembra muito o Cream em músicas como “Strange Brew”. “One Rainy Wish” é mais uma variante da sonoridade clássica de Hendrix com uma levada inicial meio arrastada que é atropelada no meio da canção por uma agressividade súbita e frases hipnóticas de guitarra. “Little Miss Lover” tem uma levada de bateria que depois seria muito presente nas músicas do Led Zeppelin, como “Heartbreaker” ou “The Song Remais The Same”, por exemplo. “Bold As Love” nomeia e fecha o álbum, outra grande melodia de Hendrix, quase nunca lembrado por esse seu lado compositor. Afora isso, a música foi gravada com a genialidade de sempre de Jimi. Apesar do lugar-comum e de todos os clichês que exaltam apenas o Hendrix guitarrista, é bom lembrar que mais do que o instrumentista genial, ele era um grande músico no conceito mais amplo do termo. As faixas desse álbum mostram isso, seja pelas suas composições, seja pela concepção dos arranjos, ou ainda o cuidado com timbres, e com todo o processo de gravação. Não esquecendo que suas letras também merecem respeito, especialmente pensando nos compositores de rock americano (em detrimento dos ingleses) que nunca foram dos melhores letristas, com algumas exceções óbvias, como Dylan.

Engenheiros do Hawaii - Uma Breve Viagem Discográfica: Os Anos Gessinger, Licks & Maltz

2014-09-07T18:40:00.000-03:00

8. Capítulo VII - Final

Filmes de Guerra, Canções de Amor (1993)

Assim como fizeram em 1989, ao lançar o disco ao vivo Alívio Imediato, após três discos de estúdio, os Engenheiros do Hawaii colocaram na praça, Filmes de Guerra, Canções de Amor (título de uma música presente no segundo disco da banda A Revolta dos Dândis), segundo álbum ao vivo, depois de outra sequência de mais três trabalhos de estúdio. No entanto, ao invés de apenas fazerem um registro da turnê como fizeram no "ao vivo" anterior, eles optaram por um novo formato. O set básico do disco era composto por Humberto Gessinger e Augusto Licks tocando guitarras semi-acústicas e Carlos Maltz na percussão. Com eventuais momentos de Gessinger ao piano ou acordeom, e Licks na harmônica. Outra ideia tirada do Alívio Imediato foi a inclusão de novas canções (duas delas registradas em estúdio e duas gravadas ao vivo). A escolha do repertório não necessariamente privilegiou as canções de maior sucesso, e eles buscaram faixas de todos os álbuns da banda (exceto do disco Gessinger, Licks e Maltz, do qual a música “Parabólica” só aparece no vídeo lançado em VHS na época e relançado em DVD anos depois). O disco contaria com a produção de Mayrton Bahia, depois de vários anos com a banda se autoproduzindo. A capa com um fundo que reproduz uma madeira com uma boca em f (a abertura presente em instrumentos como o violino e a guitarras semi-acústicas) atentava para a sonoridade mais acústica do trabalho.

Com participação da Orquestra Sinfônica Brasileira, arranjada e regida por Wagner Tiso, a nova música “Mapas do Acaso” abre o oitavo disco dos Engenheiros, sétimo e derradeiro da formação Gessinger, Licks e Maltz. Humberto e Licks empunham guitarras semi-acústicas com Maltz na percussão a qual se soma a sonoridade sutil da orquestra. Licks passeia suas frases de guitarra elegantemente pela música, como faria em todo o álbum, mostrando sua versatilidade musical. Raramente lembrado, esse talvez seja um de seus melhores solos em seus trabalhos com os Engenheiros. As novas letras de Humberto também estariam entre seus melhores momentos da discografia da banda. A música, assim como todas com orquestra, foi gravada sem a presença da plateia que já surge na segunda música, “Além dos Out-doors” também apresentada com a “nova” formação instrumental da banda, com Augustinho brilhante na execução de sua guitarra Gibson 175. Apesar do formato e sonoridade mais leves, a banda consegue manter a pulsação firme, levando as músicas em vários momentos para uma pegada mais jazz e blues. “Pra Entender” vem amarrada à “Além dos Out-Doors”, quase transformando as duas músicas em partes A e B de uma mesma canção. Licks sola a guitarra cantando as notas ao mesmo tempo, a mixagem esconde um pouco isso no disco (no áudio do vídeo é mais evidente). Outra novidade do disco é a música “¿Quanto Vale a Vida?”, uma das mais belas e singelas da banda. A harmônica de Licks materializa em notas o lirismo da letra escrita por Humberto (“Nas garras da águia, nas asas da pomba, em poucas palavras, no silêncio total, no olho do furacão, na ilha da fantasia, quanto vale a vida”?). No final da canção, trechos de “Piano Bar” e “Perfeita Simetria”. “Crônica” reapareceu no repertório da banda, se renovando de tal forma que seria mantida por muito tempo no setlist dos Engenheiros. Dispensável citar mais um grande solo de Licks. Humberto registra sua primeira gravação tocando acordeom na música “Pra Ser Sincero” que encerra o lado A do disco, deixando a marca da música gaúcha na sonoridade da banda, especialmente na segunda parte.

“Muros & Grades” abre o lado B com novo arranjo, aonde a batida da guitarra tocada por Humberto traz a canção para o que se convencionou chamar de MPB. Licks toca a guitarra com e-bow (equipamento que empresta ao instrumento uma sustentação prolongada, soando próximo ao que o arco faz em um violino). Assim, como no disco Alívio Imediato, a banda permite a “participação” da plateia que tem assobios e gritos registrados no decorrer dessa e outras faixas. E a música seguinte, é exatamente a que deu nome ao primeiro disco ao vivo (gravada então numa versão de estúdio). A nova versão da música “Alívio Imediato” ganhou também nova letra, com mudanças feitas à original (“Holofotes iluminam a libido e o vírus, o álibi perdido, elo de ligação, não há nada de concreto entre nossos lábios, só um muro de batom e frases sem fim, é que tudo se divide, todos se separam, uma república no pampa, um ponto em circunstância, um muro nos divide, uma grade nos separa”). A pesada “Ando Só” gravada no disco Várias Variáveis, também recebeu o toque sutil do disco com Gessinger ao piano e mais uma vez a participação da Sinfônica Brasileira regida por Tiso, como também acontece com as duas partes de “O Exército de Um Homem Só” unidas, fechando a parte ao vivo do disco. Momentos finais e épicos do show gravado na Sala Cecília Meirelles, no Rio de Janeiro. Ao executarem essas músicas a banda certamente não imagina estar realizando ali o que seria o “canto do cisne” da formação, e sem dúvidas, a música seria um bom resumo dos momentos finais, “livres dessa história, a nossa trajetória não precisa explicação, e não tem explicação”. Na sequência eles apresentariam duas novas canções apontando os rumos que a banda poderia seguir, caso a formação não viesse a ser desmanchada poucos meses após o lançamento do disco com a saída de Augusto Licks, em maio de 1994. São elas: “Às Vezes Nunca” que começa ainda com a presença das guitarras semi-acústicas e a percussão somadas à clarineta do genial Paulo Moura e ao acordeom de Wagner Tiso. No final, a música ganha um trecho pesado com o retorno da guitarra, baixo e bateria. E fechando o disco, “Realidade Virtual” com piano, acordeom e baixo tocados por Humberto, guitarra e violão de Licks e bateria de Maltz, participação especial no coro dos Golden Boys (que já haviam gravado com os Engenheiros na música "O Papa é Pop") e das cantoras Jurema, Ana, Cecília e Nair. A letra rezava que era “preciso fé cega e pé atrás” e que “viver não é preciso e nem sempre faz sentido”. Ainda que provavelmente não soubessem que esse seria o último trabalho do trio Gessinger, Licks e Maltz, a banda inconscientemente encerrou a formação com um grande disco e que acabava relendo toda sua obra até então.

Em tempo: assim como escrevi sobre o disco Longe Demais das Capitais quando a banda ainda não contava com a presença de Augusto Licks como um prefácio dessa série, vou aproveitar um comentário que escrevi no blog do Humberto Gessinger, sobre o disco subsequente à saída de Augusto da banda, Simples de Coração para adicionar um posfácio à série.

O maior músico do mundo (ou “uma das muitas histórias que acontecem comigo”)

2014-08-31T23:15:00.000-03:00

Pego o ônibus para voltar pra casa depois de um dia de aula e trabalho. Entro carregando meu violão. Dentro do veículo, apenas um passageiro. Um senhor de 65 anos (como ele veio a me dizer mais tarde), trajando uma inusitada camiseta do Boston Celtics, e razoavelmente embriagado. Ele vê o estojo do instrumento e pergunta se é um violão, como se tivesse alguma dúvida, apenas para puxar papo. Digo que sim, e ele responde que toca um pouco, sabe acompanhar algumas músicas e fazendo os acordes no ar começar a cantar uma inesperada “Parei...Olhei” , lançada pelo Roberto Carlos no longínquo ano de 1965 ao que eu respondo completando a letra e dizendo que ele foi “fundo”. Ele emenda com “O Calhambeque”, para depois começar a cantar a música “Ninguém Poderá Julgar-me Nem Mesmo Tu”, sucesso do cantor Jerry Adriani, que segundo ele, veio da Itália para o Brasil quando tinha 17 anos, e inclusive tinham a mesma idade. Eu digo que o Jerry é brasileiro mesmo, e que a confusão se dá por ele ser descendente de italianos e ter gravado o primeiro disco nesse idioma. Ele não me ouviu e reafirmou que o Jerry era italiano. Resolvi concordar.

Ele explicou então que tocava violão, mas só fazia acompanhamento porque solar é difícil e ele não estudou. Disse que tocava só de ouvido, mas que eu deveria estudar porque quem estuda toca melhor que ele. Para exemplificar, ele citou a música “O Milionário”, gravada pelo conjunto Os Incríveis, a qual ele sabe tocar o acompanhamento, mas não o solo. Nem cogitei tentar argumentar que não necessariamente um solo é mais difícil de tocar do que determinados acompanhamentos. Acho que por algum motivo durante o papo ele concluiu que eu ainda estava começando a estudar violão, tentei explicar que eu já tocava há algum tempo, mas novamente ele não entendeu. Como não faria diferença, mais uma vez o deixei acreditar no que ele tinha entendido mesmo (até porque eu sei lá se realmente toco violão). Coincidentemente, nos levantamos para descer no mesmo ponto. Ele me perguntou se aquela era a Avenida Augusto de Lima, e eu confirmei que era sim. Agradecendo-me, ele se despediu, mas não sem antes dizer em tom profético: não desanime não, você vai ser o maior músico do mundo!

Então ‘tá!

Pintura: Vieux Guitariste Aveugle – Pablo Picasso

Minha Fama de Mau – Erasmo Carlos

2014-08-24T21:42:00.000-03:00

Eu o ouvi dizer, sei lá quantas vezes em entrevistas à época do lançamento em 2009 que esse livro não seria uma autobiografia, mas sim um apanhado de casos que ele viveu e que achava engraçados, interessantes ou no mínimo curiosos. Ainda assim a primeira crítica que li do livro Minha Fama de Mau de Erasmo Carlos começava chamando-o de “a autobiografia de Erasmo Carlos”. Mesmo que qualquer um que o leia veja claramente que não se trata de uma autobiografia no sentido mais restrito da palavra, o tal crítico malhava a falta das informações que uma biografia deveria ter e mais uma série de besteiras literárias que não cabem aqui. Mas, o que importa mesmo, é que essa é uma leitura muito válida para quem gosta de Erasmo e da música brasileira.

Sem carregar o peso e a preocupação de fazer uma autobiografia, Erasmo juntou uma série de casos que passeiam por toda a sua vida e carreira, desde encontros na infância com Tim Maia e, na adolescência com Roberto Carlos (que mereceu um capítulo só seu, além de aparecer em vários casos nos outros capítulos), o início da carreira artística com o conjunto The Snakes, a glória atingida com a Jovem Guarda, a fase mais experimental que se deu por influência da Tropicália (que por sua vez teve lá sua influência por parte da Jovem Guarda), o casamento com Narinha, os filhos, amigos que apareceram no caminho, alguns que já se foram, mas sempre lembrados com estórias que guardam um tom de alegria e satisfação, um pouquinho de amargura mesmo só quando se sente obrigado a lembrar da morte da ex-mulher Narinha.

A narrativa de Erasmo flui de forma fácil e estimulante. Um livro para ler numa sentada só. Ele não tem muito pudores e fala na maior tranquilidade de casos e mais casos com mulheres, ainda que nunca cite os nomes e não esconde suas fraquezas se elas lhe renderem boas histórias. O livro se torna mais saboroso ainda para quem tem um conhecimento razoável da história da música brasileira nos últimos cinquenta anos porque em vários momentos se têm uma visão por outro ângulo de uma série de casos públicos e de bastidores já conhecidos. Junte a ele os livros de Nelson Motta: Noites Tropicais e O Som e a Fúria de Tim Maia e, Verdade Tropical de Caetano Veloso e já terá uma boa ideia de como a música brasileira se desenvolveu nesses anos, contados porque quem realmente viveu a história toda.

Quanto ao título em alusão a canção de mesmo nome composta por Erasmo e Roberto Carlos, ele não faz tanto jus assim ao que o Tremendão (eterno apelido de Erasmo) realmente parece ser. Ele sempre foi um cara direto e sincero, pelo menos sua música mostra isso, na Jovem Guarda também fazia o tipo mais cafajeste com canções como “Terror dos Namorados”, “Você Me Acende” e outras além de “Fama de Mau”, mas talvez a sua fama de mau seja muito fruto do fato de seu parceiro musical mais frequente e melhor amigo ter sustentando sempre uma imagem com "ar de moço bom" demais (um pouco daquela coisa Beatles/Stones, aonde os primeiros eram os rapazes certinhos e os segundos os rebeldes, quando na verdade nenhum deles era só uma coisa ou a outra).

Barão Vermelho - (2004)

2014-08-17T20:49:00.000-03:00

Ouvindo esse disco hoje, me assustei ao perceber que já se passaram dez anos desde o seu lançamento, e a correria nossa de todo dia, ainda não me permitiu apreciá-lo como se deve. O lado bom disso é ter um disco que na minha cabeça é praticamente “novo”, já que não o ouvi muito, mesmo o considerando um ótimo trabalho da banda. Da turnê que eles realizaram nesse período tive o prazer de ver cinco shows.

Esse disco registrou a volta do Barão Vermelho, depois de um intervalo no qual os integrantes se dedicaram a projetos paralelos. Intitulado simplesmente como Barão Vermelho, assim como o primeiro álbum da banda, ele marcou um recomeço que infelizmente viria a ser interrompido com uma pausa a partir de 2007 da qual eles ainda não saíram (exceto para uma curta turnê em comemoração aos 30 anos da banda entre 2012 e 2013).

O Barão retornou ao seu som mais característico com uma pegada vigorosa, lembrando alguns de seus melhores discos como Na Calada da Noite e Carne Crua. “Cara a Cara” do baixista Rodrigo Santos com o baterista Guto Goffi abre o disco e representa bem essa sonoridade com guitarras, violões, baixo e bateria marcantes como deve ser um bom Rock’n’Roll. “Cuidado” de Roberto Frejat (guitarra e voz), Maurício Barros (teclados) e Marcelo Rosauro foi o “single” que lançou o disco, não está entre as minhas prediletas, mas é aquele tipo de música que sempre funciona nos shows (assim como a assustadora “Puro Êxtase” que ao vivo ganhava muito em relação à gravação original no disco homônimo que esteve longe de figurar entre os melhores momentos discográficos da banda). “Mais Perto do Sol” revela mais uma boa melodia composta por Frejat e Rodrigo Santos, e tem letra de Mauro Santa Cecília. “A Chave da Porta da Frente”, parceria de Frejat e Leoni tem um clima latino e mais um bom riff de guitarra, coisa que o Barão talvez tenha feito de forma única no rock nacional. As melhores bandas de rock, sempre souberam fazer belas baladas, e foi o que Frejat, Maurício Barros e Mauro Santa Cecília realizaram em “Pra Toda Vida”. Desconheço o processo de composição através do qual a música foi feita, muito provavelmente letra e música foram feitas de formas separadas, mas elas se fundem de tal maneira que parecem terem sido feitas simultaneamente por um só compositor. Aliás, o letrista Mauro Santa Cecília que já vinha de outras colaborações com o Barão, e registrou várias parcerias nesse disco também está presente, em parceria com Frejat, na adaptação do poema “Embriague-se” de Charles Baudelaire na música que ganhou o mesmo título do poema. Uma ode ao álcool, (Embriague-se, embriague-se de noite ou ao meio-dia, embriague-se numa boa de vinho, virtude ou poesia). “O Dia Em Que Você Me Salvou” de Frejat, Fernando Magalhães (guitarra) e Mauro Santa Cecília, tem algo dos anos 60 e do punk dos 70 nas guitarras e é mais uma das músicas “ganchudas” do disco que acabou não tendo a divulgação que merecia. “Cigarro Acesso No Braço” composta pelo mesmo trio é uma balada com uma letra forte de Mauro ("Vendo o sonho morrer, eu pude perceber, você dormindo hoje ao meu lado, é um cigarro aceso queimando meu braço"). A gravação é de uma melancolia e intensidade profundas. Para quem já foi muito criticado quando começou a cantar, Frejat se revelou com o tempo um bom intérprete que sabe dar o recado como poucos cantores, inclusive uma penca deles que cantam com muito mais técnica. “Tão Inconveniente” de Fernando, Rodrigo, Mauro, Lúci, Tom Capone e Frejat, é outro bom rock do disco que talvez tivesse melhor sorte na década anterior quando ainda se tocava música de qualidade no rádio. “A Máquina de Escrever” foi outra realização muito feliz de Frejat e Guto Goffi que musicaram esse poema de Giuseppe Ghiaroni (creditado com o nome errado no encarte. O poeta já foi musicado também por Erasmo Carlos na música “Sou Uma Criança, Não Entendo Nada”). Uma das melhores, senão a melhor faixa do álbum. “Só O Tempo”, outra colaboração de Frejat, Fernando e Mauro, fecha o disco.

O CD trazia ainda uma faixa interativa (que eu acho uma grande chatice que rolou quando começou a popularização dos computadores e ainda bem que já ficou para trás) através da qual você podia baixar duas faixas bônus, coisa que não fiz porque quando eu ganhei o disco já não estavam mais disponíveis e só consegui conhecer ouvindo de maneira gratuita num site (exatamente o contrário da ideia dos produtores, que era induzir o fã a comprar o disco original e não o pirata ou baixar o mp3 numa época em que as vendas já despencavam de vez no mercado nacional). Uma delas é “Círculos Loops e Repetições” de Frejat, Guto e Mauro que traz mais uma visita do Barão a música nordestina como fizeram em “Pergunte ao Tio José” (letra de Raul Seixas musicada por Frejat e gravada no disco Carne Crua), fundindo baião com rock, aliás, como o próprio Raul ensinou em “Let Me Sing, Let Me Sing” e outras de suas composições. A outra canção bônus se chama “É A Vida”, de Peninha (percussão) e Luiz Carlos Da Vila. Em se tratando de um álbum de 40 minutos numa época em que o CD já era o padrão e os discos já tinham avançado sua duração para até 60 minutos, acho que as duas podiam estar no CD sem a frescura de ter que baixar, mas ao mesmo tempo acho que ambas não acrescentariam muito ao disco que é muito bom por si só.

Bons arranjos de guitarra, belas melodias e letras com conteúdo, receita infalível de um bom Rock’n’Roll, resultaram num disco maduro, tanto na temática das letras quanto na qualidade musical da banda, porém, sem perder a energia e alegria juvenis do Rock.

Engenheiros do Hawaii - Uma Breve Viagem Discográfica: Os Anos Gessinger, Licks & Maltz

2014-08-10T20:28:00.001-03:00

7. Capítulo VI

Gessinger, Licks & Maltz (1992)

Nenhum título poderia ser mais direto do que esse que levou os nomes dos integrantes da banda, ou sobrenomes, na verdade. Gessinger, Licks & Maltz foi o sétimo disco dos Engenheiros do Hawaii (e sexto da formação) e manteve a tradição da banda de lançar um disco anual desde o lançamento do primeiro em 1986. Depois do sucesso arrebatador dos discos O Papa é Pop e Várias Variáveis, eles lançaram um álbum que teria menor repercussão radiofônica. Tornaram-se hits apenas as faixas “Ninguém=Ninguém” e “Parabólica”. O disco trazia uma sonoridade um pouco mais leve, com uma recorrência maior de baladas e muitos teclados. Porém, longe de parecer um disco fraco, ele apresentaria a banda num de seus melhores momentos, Humberto escreveu algumas de suas mais inspiradas (e longas) letras. Nos momentos power trio de guitarra, baixo e bateria, a banda apresenta a unidade e entrosamento conseguidos com os anos de estrada e gravações.

Uma guitarra slide acompanhada de um arpejo no contrabaixo abre o disco. Era a canção “Ninguém=Ninguém” que seria o primeiro single (ou música de trabalho como se diz de maneira infeliz no Brasil). Humberto seguia escrevendo letras que denunciavam seu incômodo com questões sociais e humanas, com título extraído de uma frase do livro A Revolução dos Bichos do escritor inglês George Orwell. A faixa apresentava a sonoridade atingida pelo grupo no disco anterior, Várias Variáveis, assim como a música seguinte:”? Até Quando Você Vai Ficar?” com seu arranjo e riffs intrincados de baixo e guitarra. Maltz se encontrava no seu melhor momento como baterista e contribui muito para uma das faixas mais marcantes da discografia da banda. “Pampa no Walkman” é uma milonga gaúcha, gravada de maneira acústica, apenas com os violões de Humberto e Augusto e a percussão de Carlos. A música foi composta por Gessinger ainda na adolescência e teve trechos revistos para a gravação, e assim como em muitos momentos da carreira da banda, dialoga com seu próprio trabalho ao fazer referência à música “Sampa no Walkman” gravada no álbum anterior. “Túnel do Tempo” é a primeira das várias faixas do disco nas quais o teclado assume papel importante na condução da música. “Chuva de Conteiners” retorna a sonoridade mais rock indo para uma linha mais virtuosística na construção do arranjo. Definitivamente os Engenheiros se encontravam num entrosamento musical excepcional. A música começa com Augustinho cantando uma segunda voz, coisa bem rara na história da banda. Da introdução leve acompanhada de violão, eles vão para uma quebradeira de guitarra, baixo e bateria como poucas vezes se ouviu no rock nacional. “Pose (Anos 90)”, outra das longas letras de Humberto, apresenta seus trocadilhos e aliterações, uma de suas marcas registradas que agradava muito aos fãs (e incomodavam imensamente aos que não curtiam a banda): “Não vou viver pra sempre, nem morrer a toda hora, como rasgos pré-fabricados num novo-velho blue-jeans”, “Pela TV a acabo uma baleia acaba de nascer”, “é pura pose, pois é, pós-qualquer coisa e o pior não é isso”. Depois de um falso final, a música retorna ao refrão para encerrar de forma abrupta o lado A.

“No Inverno Fica Tarde + Cedo” abre o lado B, tendo mais uma vez o teclado como base principal, sendo que a maior parte da música é conduzida apenas pelo instrumento com Humberto se acompanhando enquanto canta mais alguns de seus bons versos (“só depois de perder você descobre que era um jogo, um jogo que não acaba nunca, nunca acaba empatado”). “Canibal Vegetariano Devora Planta Carnívora”, parceria de Gessinger e Licks, tem letra longa que faz jus ao título tanto no tamanho quanto nos trocadilhos (“overdose homeopática, ode ao que se fode, humildade com “H” maiúsculo e dourado, enfant terrible veterano, calendário eterno, fuso anti-horário, luz difusa, confusa explicação, tara relax, safe sex, disneylândia dândi, a grande guerra, pantanal new age, bacanal cristão, fanatismo indeciso, fanática indecisão...”). E se naquela época o compositor já achava um pesadelo a possibilidade de todo mundo ser tudo, o que diria hoje então, nos tempos em que “todo mundo é poeta, todo mundo é atleta” e que todo mundo realmente parece ser (ou querer ser) tudo? O contrabaixo aparece fazendo de forma marcante na música que é a mais longa do disco. “Parabólica”, outra balada acústica, teve a letra composta por Humberto para sua filha, Clara, e tem música de Augusto Licks que também construiu um belíssimo arranjo de violão. A música se tornou outro hit da banda. O teclado retorna em “A Conquista do Espelho” para reinar nas últimas três faixas do disco que se emendam como uma suíte. Augustinho apresenta alguns bons momentos de guitarra, bem como o solo da faixa em questão. “Problemas...Sempre Existiram” aparece na sequência e desemboca em “A Conquista do Espaço” que fecha o disco de maneira comovente com a guitarra “chorada” de Licks acompanhando o texto declamado por Gessinger: A MÍDIA...A MEDIOCRACIA, MUITO ZORRO E NENHUM SARGENTO GARCIA, HÁ MUITO JÃO NÃO SOMOS COMO JÁ FOMOS: TODOS IGUAIS, IGUAIS AOS POUCOS QUE AINDA ANDAM, IGUAIS A TANTOS QUE ANDAM LOUCOS, IGUAIS A LOUCOS QUE AINDA ANDAM, IGUAIS A SANTOS QUE ANDAM LOUCOS DE SATISFAÇÃO...”

A capa azul com escritos na cor amarela trazia engrenagens que imitavam o logotipo utilizado pela banda Emerson, Laker e Palmer, e assustava mais uma vez numa época em que já não era tão comum o uso das cores primárias (o que dirão hoje?). Com Gessinger, Licks e Maltz, os Engenheiros escrevem mais um capítulo de sua história e, o penúltimo da carreira discográfica de sua formação clássica.

André Midani – Música, Ídolos e Poder – Do Vinil ao Download

2014-08-03T21:15:00.000-03:00

Nos últimos anos, o lançamento de biografias relacionadas à música têm se tornado mais frequente no mercado editorial brasileiro. Ao mesmo tempo em que parece ter sido descoberto um novo filão, em alguns casos, esses lançamentos acabam resolvendo um atraso sobre uma parte da história da música brasileira sempre relegada aos bastidores. O livro em questão, André Midani – Música, Ídolos e Poder – Do Vinil ao Download foi lançado em 2008 pela Editora Nova Fronteira.

André Midani, nascido na Síria e criado na França para onde se mudou aos três anos de idade, acabou por se tornar um dos nomes mais importantes da indústria fonográfica brasileira, tendo atuado também no mercado americano e mexicano. Ele chegou ao Brasil em 1955. Antes disso, trabalhou no setor de estoque e como vendedor na gravadora Decca na França. Seu primeiro emprego no Brasil foi na Odeon Records onde esteve ligado diretamente ao lançamento da bossa nova, uma vez que João Gilberto, Tom Jobim e Vinícius de Moraes foram contratados pela Odeon. No mesmo período, Lúcio Alves, Dick Farney, Sylvia Telles, Elza Soares, Anísio Silva, Isaura Garcia, Tony e Celly Campelo também gravavam pela Odeon. Depois de um período atuando pela Capitol Records no México e nos EUA, retornou ao Brasil ainda nos anos 1960 para assumir a direção da gravadora Phillips, tendo sido responsável pelo lançamento de discos de vários artistas ligados à Tropicália, como Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa e os Mutantes; além de Elis Regina, Nara Leão, Chico Buarque, Erasmo Carlos, Jorge Ben, Maria Bethânia, João Donato. Na época, a Philips fez um anúncio no qual apareciam todos seus contratos e trazia a frase: “Só nos falta o Roberto Carlos...Mas ninguém é perfeito”, pelo fato do artista ser contratado da CBS (hoje, Sony Music). Em 1976, foi o responsável pela inserção da gravadora Warner no país, lançando discos de Tom Jobim, Hermeto Pascoal, A Cor do Som, Marina Lima, Belchior, Zezé Motta, Ney Matogrosso, Banda Black Rio, Raul Seixas, Gil, Elis, Paulinho da Viola e Dona Ivone Lara. No início dos anos 1980, a Warner viria a se tornar um dos principais selos a lançar bandas do rock nacional, entre elas: Barão Vermelho, Titãs, Kid Abelha, Marina Lima, Lulu Santos. Em resumo: Midani atuou diretamente na carreira discográfica de quase todos os artistas brasileiros que estiveram na grande mídia dos anos 1960 aos 1980.

O livro, disposto em pequenos capítulos e numa narrativa que não se aprofunda em detalhes, lembra em alguns momentos a despretensiosa autobiografia de Erasmo Carlos, Minha Fama de Mau (que de tão despretensiosa, Erasmo evitou chamar de biografia dizendo que era apenas um apanhado de casos que se passaram em sua vida). Apesar de carregar a alcunha de autobiografia, Midani não entra muito em questões pessoais, de forma que o livro se torna um histórico de sua vida profissional, deixando-o bastante útil para quem tem interessa na história da música brasileira. Ainda que ele não funcione exatamente como o que poderíamos chamar de registro documental, ele traz muitas informações e questionamentos para quem sabe ler as entrelinhas. Em poucas, porém claras palavras, está nele toda a sujeira que permeou as grandes gravadoras: o surgimento e funcionamento do esquema de jabá; o envolvimento da máfia na indústria fonográfica; a perda da direção das gravadoras por “homens da música” para cair nas mãos de tecnocratas; a pirataria de cassetes e CDs que tomou conta do país nos anos 1990, num esquema fabuloso com origem na China. As palavras escritas por Midani deixam um pouco menos bela a história da música popular brasileira e internacional (ok, essa história nunca foi tão bela mesmo), ainda assim, essas palavras precisavam ser ditas e explicam muito de como o mercado chegou a essa miséria musical que hoje se encontra na grande mídia.

Em tempo: não consigo pensar no André Midani e não lembrar os versos de Raul Seixas na música “Conversa Pra Boi Dormi” (“André Sidami só faz confusão, sonhei com ele e mijei no colchão”).

Ainda: (O livro se encontra disponível para download no site de Midani: http://www.andremidani.net/)