Rockrítico

Anochecer en Waterloo: Manifiesto no solicitado sobre el estado de la crítica musical, dadas las circunstancias

noreply@blogger.com (Quixote) — Wed, 31 Jan 2024 02:43:00 +0000

Madre mía, "Desmotivaciones", qué salva inicial, ¿no?

Para hoy tenía programada una entrega más del recorrido solipsista por mis 250 canciones favoritas, pero recientes acontecimientos me instan a dar un paso atrás. Pitchfork, el adalid de la música independiente, ha sido engullido por el capitalismo, pasando a ser una parte más de un conglomerado acéfalo al que poco le interesa, todo apunta a ello, el último disco de Ty Segall. Pero eso no es lo peor.

¡Lo peor es que nadie me ha preguntado a mí! Quince años hace ya, y quince años tenía, de la primera reseña de este blog, una vaporosa review de Back in Black de AC/DC, sin contenido redimible alguno. Las tildes son opcionales, el análisis es somero como poco, y en cada palabra fluye una diminuta corriente de esnobismo mal disimulado, tratando de ocultar el hecho de que, si soy sincero, Back in Black me suda bastante las narices, y también lo hacía entonces.

El caso es que mi veteranía es un grado, y en esta década y media (muy interrumpida, todo hay que decirlo) creo haber ganado algo de integridad periodística, cosa que se ha traducido en un número de visitas en perenne mengua. Rockrítico es una víctima más de la muerte de este formato, especialmente si fingimos que algún día nos leyó alguien. Que ese presunto millón de turistas en este nuestro apartahotel de la melodía que me indica la página de estadísticas de Google no está compuesto, en un 95%, de spambots y robots de crawling para buscadores. Pero prefiero creer que no; en parte por sentido común y humildad, en parte porque si cada lectora me diera una peseta... Falta de sentido empresarial, qué le vamos a hacer.

Que no, que esta mota de polvo en el ciberespacio que es, y siempre será, un hobby, es irrelevante, y más aún puesta al lado de gente real perdiendo su empleo, viendo como años de dedicación, de pasión, se van por el retrete de los informes de beneficios. Pero ahora el punto de mira pivota, como es inevitable, al diagnóstico de la situación. Yo a Ted Gioia no lo he leído, en parte porque no he querido contaminar mi propia perspectiva antes de ponerla por escrito, pero por la cantidad de veces que he visto su nombre pululando por las redes, ya ha dicho todo lo que había que decir al respecto. Así que si tu viaje en este artículo acaba en ese enlace fucsia, enhorabuena: es probable que sea una mejor inversión de tu tiempo.

No pensé que iba a decir esto, pero volvamos a Back in Black. En su zafiedad patente, creo que mi comentario de entonces condensa bastante bien una escuela de pensamiento bastante extendida en lo que a la materia crítica se refiere: el prescriptivismo. Alguien, con el poder que le otorga un ejemplar de primer prensado de Hot Rats, por decir algo, se erige en autoridad máxima de lo que es moralmente aconsejable escuchar. "Imprescindible para todo heavy o melómano en general", me pronuncio, esdrújulas esquivas aparte. Qué arrogancia. Ni una frase se malgasta en explicar el porqué de tal estatus; es, al parecer, autoevidente.

Tales pretensiones son un síntoma, por suerte no terminal, de rockismo hasta la médula, una palabra que causa vade retros sea cual sea tu posición en el espectro de opiniones al respecto. Por definir el término, en palabras parafraseadas a Kelefa Sanneh, el paladín que lo derrotó un poco a su pesar, el rockismo es "reducir la música rock a una caricatura, y luego usar esa caricatura como arma". AC/DC son un ejemplo de lo más adecuado: una banda de gamberros disfrazados con ganas de liarla parda, cuya obsesión con el sexo y el alcohol ha dado en ser, en vez de una patología que habría que revisarse un poquillo, la maldita EBAU de la autenticidad. La postura rockista viene a condensarse en que si lo que sale de tus altavoces no lo engendraron cuatro anfetamínicos a golpe de guitarra, cámbialo.

Hay matices, por supuesto: no es igual considerar prototipos del rock a AC/DC que a Queen que a Pink Floyd que a los Ramones que a los Red Hot Chili Peppers. Cambia la droga (bourbon a bidones / cocaína / LSD / pegamento / heroína, aunque los hay polifacéticos), y cambia el sonido. Pero el quid de la cuestión sigue siendo el mismo, la vara de medir igual de larga, de blanca, de masculina... ¿Qué jardín, eh?

Pronto, llamémoslo la ley del péndulo o dialéctica hegeliana o que lo de Nickelback era ya indefendible (mentira), ese rockismo imperante fue derrocado por su opuesto, con un nombre (como sus canciones fetiche) más pegadizo. El poptimismo nos liberaría del yugo de tener que decir que al Use Your Illusion no le sobra ni una coma, y pondría el foco por fin en los sectores olvidados. El pop, por supuesto, pero también el hip hop, el country, la electrónica, la música regional de Afganistán a Zimbabwe, todo con un enorme regocijo. Una apisonadora de amor que, desafortunadamente, llevaba en su maletero un germen de destrucción.

Que yo, si me tengo que poner a un lado de la balanza o al otro, lo haré del que dice que E·MO·TION es una obra maestra del arte occidental sin duda alguna, faltaría más. Pero es cierto que, desde lo meramente práctico, la segmentación del mercado existente con el régimen previo era más sencilla de mantener. Antes tenías a les heaviatas, contentes cual castañuelas de tener un nuevo y potable disco de Judas Priest que llevarse a la boca, ajenes a la existencia siquiera del adictivo disco de Chic, con les fans de esta última banda totalmente indiferentes a ese tal Waylon Jennings y su honky-tonk salvaje. Y a les primeres podías recomendarles a Saxon, a les segundes a Evelyn "Champagne" King, a les últimes a Tom T. Hall con una ligera certeza de que la sugerencia no caería en saco roto, que sus oídos colectivos disfrutarían de esas nuevas opciones.

Un momento, ¿recomendar? ¿Para eso estamos aquí? Sí, creo que es la palabra que mejor lo resume: el cometido de la crítica, en origen al menos, es ahorrar esfuerzo a les consumidores, seleccionando por elles los productos que pueden aportarles la mejor relación calidad/precio posible. Es muy noble ese objetivo, pero al mismo tiempo me temo que es un taburete de dos patas. Como la rata de Paquita.

Primero porque la métrica esa de la "calidad" es, y me da igual a quién me lleve por delante con esta opinión, subjetiva, cuando no irrelevante. Incluso si imaginamos que hay unos KPIs mensurables, unos diodos LED que se ponen en verde cuando metemos una obra maestra en el input de nuestro circuito, está claro que a nuestros cerebros, a groso modo, se la refanfinflan. Me da igual que Fantano, o Christgau, o Theodor Adorno resucitado de entre los muertos digan, con todo su buen criterio, que tal cosa o tal otra es merecedora de entrar en el olimpo artístico de nuestra especie; una vez puse el Kid A en casa y mi madre preguntó si lo había hecho yo. Quizá no sea la forma más dañina de gatekeeping, pero la preexistencia de un canon determinado por unos pocos y a menudo inaccesible, debe haber ahuyentado a incontables aspirantes a melómane. "Oh, aquí dice que The Velvet Underground & Nico es el álbum más influyente de la historia, vamos a ver qué taaaaAAAAAAAAH MI CÓCLEA". Mentira, porque empieza con "Sunday Morning" que es muy bonita, ¿pero qué cara se le queda a nuestro strawperson para cuando llega "Venus in Furs"?

O sea, que salvo que queramos seguir contribuyendo a este proyecto de preservación de artefactos culturales para futuras generaciones que, oremos al Señor, compartirán nuestros estándares estéticos (y vistas las fluctuaciones en opinión que han exhibido algunos medios especializados, parece bastante utópico pensar que así sería), habría que ir reemplazando el concepto de calidad por algo más tangible, como "disfrute". Una cosa como más personal, en la que les lectores puedan encontrar joyas adecuadas a sus cada vez más fragmentados gustos, casi como si de un perfil a medida se tratara...

Esto ya existe, obviamente, y es el principal responsable de que haya saltado por los aires el gremio de la crítica musical. El villano de la historia. El algoritmo.

Ya no hay tribus; ahora hasta al tío con la camiseta de Kreator más pringosa del mundo se le ilumina la cara con Phoebe Bridgers, la gran fan de Charli XCX se pone mustia porque se le solapa con La Paloma en el Primavera. La propia música de nuestros días refleja este eclecticismo, y no hace falta irse al underground para verlo: intentar encasillar al ser de luz himself Omar Montes en el flamenquito, el urbano, el rap, o la música latina, es tan fútil como pretender que el susodicho intente dar una nota afinada. "Abandon all hope!".

Nuestro amigo invisible consigue de un plumazo aventajar al humano: es consciente, a su programática manera, de la totalidad de la creación musical (aspectos éticos de ello aparte), y capaz de suministrarnos cápsulas de oxitocina con mayor o menor efecto. Delegar en su cuasi-infinita sabiduría nos ahorra tiempo, salvándonos de tener que excavar por nuestra cuenta. Que para mucha gente, yo incluido, es parte de la magia de la música, pero queda claro que no estamos en mayoría. Añade a los parámetros unas gotitas de payola, el ingrediente secreto, y te queda un sistema inhumano, aburrido, y perfectamente funcional para el 99% de la población.

Con las manos atadas ante lo inviable de cribar todo lo que existe, y sin la atención de la opinión pública, la crítica se vio ante el dilema de especializarse y disminuir su nicho de mercado hasta la insignificancia, o hacerse uno con el establishment. Esto último es lo que los reductos rockistas achacan al poptimismo, haberse convertido en una especie de club de fans de las superestrellas, dando más espacio a Beyoncé, Taylor Swift, BTS, etcétera, que a los pequeños grupos que se beneficiarían más de ese chute de publicidad. Ante la precariedad que las olas de despidos han expuesto, no se les puede culpar de ir a donde están los clics, pero el discurso alrededor de todo esto ha quedado mermado, consistiendo poco más que en reacciones mononeuronales como "who?", "we stan", "Cardi better", "come to Brazil" y sucedáneos.

Eso en el mainstream; está claro que hay vida más allá en magazines y portales independientes que sobrevivirán a duras penas, y a los cuales deseo la mejor de las suertes. Quizá sea eso a todo lo que se pueda aspirar, pero estos canales suelen pecar de ese positivismo excesivo (para qué arriesgarse a ofender a nadie con opiniones poco favorables) del que se quejan los férreos puristas. En los medios más humildes, además, tiende a gestarse un desequilibrio, deshonesto aunque comprensible, que se materializa en una relación simbiótica entre artista y articulista donde ambas partes se encargan de darse visibilidad mutuamente. Un método lento, y no muy fiable (he leído en no pocas ocasiones que una vez la reseña está en el éter de Internet, al objeto de ella se le ha olvidado dar el retweet de rigor, un faux pas imperdonable), pero al que toca recurrir cuando no queda otro remedio.

Es en este punto donde sería lo suyo plantear soluciones, aunque apetezca dar la batalla por perdida. Yo lo tengo fácil: escribir sobre música es una afición, y dispensar homeopatía a estas alturas parece pretencioso hasta para mí. Aun así, todo esto pesa un poco, y uno no puede evitar preguntarse qué tiene que aportar desde su amateurismo ante esta vorágine. Así que esto es lo que quisiera hacer yo:

Evocar: tengo por ahí posts analizando álbumes y canciones que transmiten la misma joie de vivre que el prospecto del Enantyum. No hace falta ser Cortázar, pero hay que tratar infectar al que lee de un sentimiento lo más próximo posible al que irradia la música de la que escribo. Que se note que hay algo de pasión aquí, que eso el perverso algoritmo no lo puede imitar.
Educar: suena condescendiente pero es todo lo contrario. La sobreexposición al contenido constante, de alguna manera, no ha aniquilado la curiosidad de la gente. Si se desmontan las barreras tradicionales de la divulgación, y se acerca uno a la gente para irla llevando poco a poco a su terreno, hay futuro. Altozano tiene millones de seguidores, y no creo que estén todes en el conservatorio.
Explorar: asumiendo que la vida tiene una duración finita, hay que congraciarse con la realidad de que nuestro mapamundi de la música va a quedarse con cuadrantes sin cartografiar. Pero cuanto más se navega, más referentes se crean, y más te enamoras, tanto de lo conocido como de las inmensas posibilidades de la terra incognita. Es la mejor forma de mantener viva la llama.
Exponerse: si queda algún rastro de tu persona entre tus palabras, pues mejor que mejor. Mira a Bangs, a Kael, a Ebert: sus opiniones, salvo en casos muy puntuales, se han olvidado, pero lo que latía dentro no. Gasolina ardiendo, veneno iconoclasta, fervor contagioso; fuera lo que fuera, es la impronta que ha permanecido. Nada de medias tintas, de tibieza, de paparruchas. Hay que sangrar.

¿Salvaré a las ballenas? Quizá no, pero en el mejor de los casos habré hecho algo de lo que estar orgulloso, que ya puedo darme un canto en los dientes.

Iron Maiden: el legado de la bestia sigue vivo. Wanda Metropolitano 14/07/18

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Jul 2018 12:51:00 +0000

Un cómic y un juego son las excusas perfectas de hacer una gira y petarlo

Se prometía que el concierto de Iron Maiden iba a ser histórico. Vale, se abusa mucho por parte del periodismo esa palabra. Pero pocas veces se ha engalanado tanto España para recibir a la Doncella de Hierro. Uno iba sabiendo que en el Wanda Metropolitano iba a ser el recinto de un gran espectáculo. Y un servidor ya es un veterano de shows de los británicos que ha vivido el hype del primer concierto y un épico segundo. Mi trilogía personal con Maiden se cierra con un concierto apoteósico, de los que marcan y no se olvidan, superando ampliamente a los anteriores.

Uno ha aprendido mucho hoy. Lo primero es que se hace mayor. Verme con el pelo largo a estas alturas (me lo deje crecer cuando Cristiano Ronaldo fichó por el Madrid y el luso ya está por Italia) no lo disimula. Pero aún puedo resistir horas al sol con alguna quemadura, un dolor que me impide girar el cuello y una rodilla quejándose. Pero eso es signo de un gran concierto y todavía uno no es carne de grada. La espera en las horas de la cola se soporta con cerveza, la compañía de Salva, el redactor fantasma de este blog que ya no vemos salvo para cargarse a Tongo en el Hall of Fame, y una bandera gigante del Atlético de Madrid que evoca el recuerdo de un palo de Juanfran y un gol de Ramos en el 93. La promesa de Maiden es suficiente para sobrevivir y recibir un gran premio: estar a poca distancia del escenario para poder disfrutar el espectáculo como se merece.

Iron Maiden ha cuidado con tanto detalle esta gira que los teloneros eran absolutamente espectaculares. El primero es una banda con muchas similitudes con la Dama de Hierro: los suecos Sabaton, que es que como si Maiden se hubiera obsesionado con los Panzer, manteniendo la épica pero con un sonido más metálico (en el sentido que te sientes como si estuvieras en las Ardenas). Un concierto más que solido, sabiendo cual es su lugar, atentos al público y dispuestos a la broma, la chanza y de provocar que el público coreé PUTA MADRE al guitarrista mientras el cantante le preguntaba si sabía lo que significaba en español. Alguien le regaló un libro al cantante. Buen detalle, pero el tipo no sabe español. Tocaron los temas esenciales suyos (Ghost Division, Carolus Rex, Primo Victoria), la juguetona Swedish Pagans y temas recientes que van desde cargas de caballería polaca, aviadoras soviéticas, samuráis y la Guardia Suiza. Un concierto que solo invita a verles en un concierto más grande.

De otra onda muy distinta es Gojira, que posiblemente es lo mejor que ha dado Francia desde Zidane. Vale, el listón no estaba alto, pero esta mezcla entre death metal y progresivo es como una bomba en estudio y en directo. Temazos absolutos como Stranded, Flying Whales o Backbone lo corroboran. El concierto fue una brutalidad llena de virtuosismo que calentaba a un público que ya tenía ganas de explotar. El público estaba tan loco que un tipo algo afectado por ciertas sustancias se puso a ligarse a la camarera, luego al bueno de Salva, luego a emparejar a Salva con la camarera y ponerse a invitar a minis. Su labor para que en cada concierto haya un personaje estrambótico es agradecida, y la cerveza gratis siempre es bienvenida.

Pero aquí estamos por Maiden. Y cuando llega la hora no defraudan. Eso es para bandas veteranas ya pasadas de vueltas que se empeñan en tocar tres horas eternas de versiones y baladas. No, los puto Maiden te sacan un puto avión en el escenario mientras suena Aces High. A partir de ahí, soy suyo, un muñeco que grita, canta, se emociona, salta, y todo otra vez. No era el único. Era un día grande, el día donde Iron Maiden hace una actuación para su legado (no en vano la gira se llama Legacy of the Beast).

El concierto tiene todo. Maiden es una banda musicalmente potente y en forma. La edad no ha hecho mella en ellos y hacen valer su experiencia, su poderío, la química entre ellos y un Dickinson, que parece increíble que haya tenido hace poco un cáncer de lengua que el achaca a un cunnilingus.

La actitud de la banda es sobresaliente. A pesar de llevar décadas en la cresta de la ola, no bajan el pistón. Todos colaboran con energía en el show, desde el hiperactivo Janick Gers, el comandante Steve Harris y el simpático Nicko McBrain que se marchó ovacionado por el estadio cuando todo termino. La dupla Adrian Smith y Dave Murray es magnífica. Y ya lo de Dickinson es otro nivel. Está en su salsa, disfrazándose, dando suelta a su vena teatral (especialmente en Sign of The Cross, un añadido poco esperado pero de un gran resultado al setlist) capaz de mantener un duelo a espada con Eddie. The Trooper tiene estas cosas.

El setlist está elegido con mimo y con intención, como si en el concierto Maiden nos quisera contar una historia sobre la guerra y la lucha por la libertad. Las primeras canciones como Aces High, Where the Eagles Dare, Two Minutes To Midnight, The Clansman, The Trooper o For The Greater Good of God son bélicas, cada una con su matiz como la melancolía desesperada de este último tema. Todo intencionado, con Dickinson hablando antes de Clansman sobre como hay guerras que hay que librar. Sobre todo si son contra nazis, añadió. Todo sea por la libertad.

En la segunda parte del concierto Dickinson seguía siendo el rey. Sign of The Cross fue un despliegue de fuegos artificiales y carisma como pocos se pueden ver en un escenario. Y que decir cuando volvieron a tocar Flight Of Icarus tras veinte años en la nevera, con un ángel volando y Bruce con dos lanzallamas provocando el éxtasis y el terror. Comparar a Dickinson con la reciente actuación de Axl Rose es injusta, porque para hacerse Axl debería dejar de ser un divo y un gilipollas, pero es tarde para eso así que nos quedamos con Dickinson.

Es grandioso que los Maiden te sorprendan tras empollarte sus conciertos, y creas que has visto todo sus trucos de directo. Porque Iron Maiden es una banda de directos, a pesar de su virtuosismo en estudio, es la energía en el escenario la que la ha convertido en quien es. La batería final de clásicos fue demoledora. Fear of the Dark fue evocadora, Number of The Beast tremenda e Iron Maiden salvaje. Ni tras los bises Maiden pararon el listón con The Evil That Men Do, Hallowed By The Name y Run To The Hills. Dickinson mientras jugaba con una horca y simulaba andar como John Wayne. El resto no dejaba de moverse, y jugar entre ellos, demostrando su química.

El show fue histórico, en una gira que promete superar lo que han hecho hasta ahora, cosa difícil Fueron dos horas que demuestran a otras bandas como se puede seguir siendo la primera línea de batalla del heavy metal si se tiene actitud. Porque creo que es la clave en Maiden, a pesar de todas sus grandes virtudes. Por eso conectan con el público y lo hace enloquecer. Saben quienes son, lo grandes que son pero a la vez tienen responsabilidad de hacer un gran espectáculo. Y por eso no no pones baladas absurdas sin venir a cuento. Y no alargas el concierto hasta las tres horas por tu ego. Sí, todavía sigo quemado por lo que me trague de Guns N' Roses en el Download. Pero bueno, hablemos de los que importan. Iron Maiden ha mostrado a España su poderío, su poder de convocatoria en un estadio que rozó el sold out con 40.000 almas entregadas a la doncella y que ha llegado a la prensa, siempre esquiva con la banda. Uno de esos conciertos que no se olvidan, y que permanecen en el recuerdo de los fanáticos. Porque ante todo, Maiden es el legado, suyo y el del todo un genero que siempre busca reivindicarse ante el estupor y el olvido general. Una banda que aún promete seguir en la trinchera y luchar como la vida fuera en ello, capaces de dar una experiencia apoteósica a unos fans que aún están con el riff de Run To The Hills en la cabeza.

Judas Priest - Screaming for Vengance (1982)

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 06 Jun 2018 13:28:00 +0000

Cuando Iron Maiden se consolidó como la gran banda del momento con The Number Of The Beast, Judas Priest llevaba ya mucho tiempo picando piedra. Posiblemente sin Judas, Maiden no hubiera encontrado un contexto tan favorable para su explosión. La historia de Judas Priest nos muestra como una banda trata con el tiempo de encontrar su propio estilo, evolucionar, convivir con una situación poco propicia para su estilo y cruzarse toda Gran Bretaña en concierto en concierto hasta encontrar su momento y finalmente convertirse en pioneros tanto en cuestiones musicales como estéticas de todo un género. En 1980 llegó su gran triunfo comercial con su mítico British Steel en el que al ritmo de “Breaking The Law” y otros himnos metaleros dio comienzo a una etapa de de gran éxito y reconocimiento por la crítica y el público.

Un año después publicaron Point of Entry - enfocado sobre todo al mercado estadounidense - que siguió la senda de éxito de su predecesor, aunque no llega a su calidad. Ya instalados en el mainstream, Judas Priest sentía que era una nueva época tanto para la escena musical como para la banda. El cantante Rob Halford proclamó sin complejos: “Es una nueva generación, es una nueva década”. Era su momento, y su siguiente trabajo, Screaming for Vengance, fue una declaración total de intenciones, reivindicándose a ellos mismos, a todo un género musical y a sus seguidores.

Con un portada majestuosa con una águila gigante de metal abalanzándose hacia nosotros como “un guerrero alado” y gritando por venganza. Ese monstruo recibirá el nombre de "The Hellion” y da nombre a una breve pero muy épica introducción que es un puñetazo en la boca que para meterte en dinámica desde el primer segundo. Además nos presentan sus señas de identidad: las guitarras endiabladas de Glenn Tipton y K.K. Downing que seguirán presentes en todo el disco. Eso es patente en “Electric Eye” (no se la puede separar de "The Hellion"), que desde el principio se convirtió en una de esas canciones que se han convertido en imprescindibles en el repertorio de Judas desde el primer día. El riff y la gran química entre ambos guitarristas es la clave de la canción pero también tiene un gran estribillo cantado por Rob Halford. El tema nos habla de concepto aún hoy de moda como el Gran Hermano de 1984 que nos amenaza “feel my stare, looking there” tiene como objetivo “keep the country clean”.

Con “Riding in the Wind” todo sube de revoluciones y la voz aguda de Rob Halford se vuelve totalmente protagonista escoltada por dos guitarras que más allá de su creatividad, el virtuosismo de sus solos, la rapidez o la agresividad lo que de verdad llama la atención es lo bien que mezclan entre las dos, siendo uno de los dúos más característicos del Heavy Metal. El siguiente corte es más melódico y coreable pero mantiene una epicidad presente en todo el conjunto del disco. “Bloodstone” sigue la estela de un disco que ya nos ha demostrado su fuerza y contundencia, sin renunciar al virtuosismo de sus integrantes y componiendo canciones que enganchan al oyente sin remedio.

“(Take These) Chains” es una powerballad que tengo que reconocer que es una debilidad personal. Es una canción pegadiza y la voz de Halford nos presenta nuevos matices no vistos antes en el albúm y un gran manejo de la emoción. Además nos permite darnos un cierto respiro y que el disco repose y tenga más variedad para no caer en la monotonía. No es la única canción sobre el fin de una relación amorosa, ya que la siguiente es la masoquista “Pain & Plesure”, que no es mala canción pero es posiblemente la más olvidable dentro del disco. Aún así tiene momentos destacables de la voz de Halford y un aroma a los Judas clásicos. En este tema se puede ver mejor el trabajo del batería Dave Holland y el bajista Ian Hill.

Judas no ha destacado en su carrera por ser grandes letristas. Pero lo que sí logran es dar al disco un carácter propio que viene desde la actitud y sus riffs de guitarras. En ese sentido, “Screaming For Vengance” es la canción más característica de esta intención reivindicativa y combativa desde la parte lírica, siendo una voz de una clase obrera no conforme de la situación social y económica con la llegada al poder de Margaret Thatcher. La voz de Halford está totalmente desatada tanto en las estrofas como en el agresivo estribillo. Ya sus primeros en versos nos ponen en guardia de lo que nos vamos a encontrar.

“Hey listen don't you let them get your mind.

Fill your brain with orders and that's not right.

They're playing at a game that draws you closer.

Till you're living in a world that's ruled by fear”

Instrumentalmente la canción es otra maravilla con una gran poder guitarrero que no se limitan a ser meros comparsas de la voz de Halford. La canción se encadena con uno de los grandes himnos de la banda: “You've Got Another Thing Coming”. Es todo un hit que a pesar de ser una inclusión de última hora se convirtió en el primer sencillo que salió al mercado y todo un gancho comercial. Es una canción con una gran actitud, poseída por guitarras rockeras y un ritmo marcado y pesado. La letra va sobre como tomar protagonismo en la vida y como alzarse frente a ella.

“If you think I'll sit around as the world goes by

You're thinkin' like a fool cause it's a case of do or die

Out there is a fortune waitin' to be had

You think I'll let it go? You're mad

You've got another thing comin'

You got another thing comin'”

Después de estos dos trallazos, Judas Priest nos vuelven a dejar reposar todo con “Fever”, una canción que da un contrapunto al albúm con una introducción melódica y cuya mejores virtudes son un estribillo pegajoso aunque tópico y un muy buen solo de las guitarras que nos recuerdan el gran trabajo en ellos en todo el disco, no solo en los riffs.

“Devil Child” es un gran cierre al disco donde se condensan las ideas que encierra el disco tanto por su agresividad sin perder el virtuosismo, una voluntad de llegar al gran público con canciones con fuerza y pegadizas, el agudo poder vocal de Halford y la combinación de las guitarras de Tipton y Downing que tanto han significado en el heavy metal y que tanto ha influido en bandas posteriores.

“Prisioner of your Eyes” es uno de los añadidos extras posteriores en un lanzamiento posterior, y es totalmente distinta al disco. No en vano, fue grabada en la época del Turbo en 1986, un disco bastante distinto a lo que nos había acostumbrado Judas Priest. La canción es una balada que nos muestra la flexibilidad de Judas, que dentro del heavy ha realizado una gran exploración musical y nunca han rechazado ampliar sus horizontes. La instrumentalización acompaña al poder vocal de Halford que nos vuelve a mostrar un gran manejo de las emociones con un tema que encandiló al mismísimo Julio Iglesias, que la oyó mientras se grababa en su momento y afirmó que es una canción que a él le gustaría cantar.

Y eso es el Screaming For Vengance, un disco poderoso que terminó de consolidar la época dorada de Judas Priest y es una de las razones por la que están en el Olimpo del metal; un albúm emblemático, con varios himnos que son imprescindibles en sus conciertos como “Electric Eye” o “You've Got Another Thing Comin” y todo un éxito comercial, superando los dos millones de copias vendidas en todo el mundo. El sonido de fábrica inglesa pocas veces ha sonado tan épico y aunque no es el mejor trabajo de la banda inglesa (aunque sí que lo colocaría en un top 3), es uno de los más representativos y de los más considerados por sus fans con un canto poderoso ya sea por venganza, para la batalla o para el disfrute.

10 artistas españoles (y sus equivalentes internacionales)

noreply@blogger.com (Quixote) — Thu, 01 Mar 2018 23:33:00 +0000

Este artículo es basura y merece ser tratado con el mayor de los desdenes.

Sin embargo, me apetecía escribirlo. Una conversación con un amigo dio como resultado esta pequeña lista, que en tono mayormente jocoso, demuestra que la música nacional tiene poco que envidiarle al mundo en general. Al fin y al cabo, quién puede negar que...

10. La Oreja de Van Gogh son nuestros No Doubt

Unos son vascos melancólicos, otros coloridos amantes del ska. Pero si San Sebastián estuviera en California, serían exactamente iguales.

9. OBK son nuestros Depeche Mode

Cada vez que hago esta comparación temo perder la vida. Pero mírales, en blanco y negro tecno darks. Solo les faltan las gafas de sol.

8. Duncan Dhu son nuestros The Smiths

Mikel Erentxun no tenía el carisma de Morrissey, ni su ácido humor, ni sus ganas de montar bronca. La verdad es que no sé por qué están en esta lista. Ah, sí, ya me acuerdo.

7. Camilo Sesto es nuestro Cliff Richard

Dos leyendas de la música que nos llevan a hacernos una misma pregunta: ¿peluca o no?

6. Los Pecos son nuestros Air Supply

Puedes ser más del rubio, o más del moreno. Pero seas de quien seas: házte mirar la diabetes.

5. Pereza son nuestros The Strokes

Reconozco que esta está cogida por los pelos. Los pelos rizados, quiero decir.

4. Le Mans son nuestros Stereolab

Qué felices son los indies. Qué twee. Qué chic. Qué vergüenza.

3. Estopa son nuestros Crowded House

Son hermanos, ¿no?

2. Rosario Flores es nuestra Janet Jackson

Llega un momento que las palabras como que sobran.

1. Manolo Escobar es nuestro Johnny Cash

¿Por qué he puesto dos fotos de Manolo Escobar en la imagen?

Avenged Sevenfold - City of Evil (2005)

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 18 Jan 2018 11:00:00 +0000

En los inicios del siglo XXI el metalcore se puso de moda en la juventud próxima al metal mientras los fans más clásicos quedaban horrorizados y clamaron al cielo. Fue cuando surgieron bandas como Trivium, Bullet For My Valentine y, quizá la que mejor ha madurado de todas ellas, Avenged Sevenfold. Avenged surgió de unos amigos de instituto que se pusieron nombres guays como el cantante M. Shadows, el batería The Rev o el guitarrista Zacky Vengeance. Pronto se fueron sumando al grupo otros apodos guays como el bajista Johnny Christ o el guitarrista Synyster Gates. Estos chicos se convirtieron en solo dos discos en los referentes del metalcore y por el camino ganaron adeptos y haters.

Sin embargo, con su tercer disco City of Evil decidieron dar un cambio de estilo a su sonido para volver a un heavy metal más clásico y una forma de cantar más limpia, eliminando el uso de gritos que tanto les había caracterizado en el álbum anterior: Waking the Fallen. Su intención era ser más melódicos y más fieles a las bandas que más les habían influido como Gun's Roses, Iron Maiden o Pantera. El resultado fue un gran éxito comercial y también contaron con la aprobación de la crítica. Avenged pasó del denostado metalcore y se abrió al heavy más clásico, convirtiéndose en una de las bandas que más seguidores reclutaba en los institutos.

El disco se abre de forma potente y magistral con “Beast and the Harlot”, toda una declaración de intenciones de como suenan los nuevos Avenged Sevenfold. Se les nota que están más cómodos, que no están haciendo un cambio forzado sino natural. Las señas están claras con el protagonismo de una voz limpia que brilla en los estribillos mientras las guitarras van doblándose a una alta velocidad. La letra nos lleva a uno de los temas estrella del disco: la corrupción del ser humano dentro de esa “ciudad del mal” llena de referencias bíblicas. Como ejemplo el puente de la canción:

"The day has come for all us sinners,
if you're not a servant you'll be struck to the ground.
Flee the burning, greedy city
looking back on her to see there's nothin' around.
I don't believe in fairy tales
and no one wants to go to Hell,
we've made the wrong decision and it's easy to see.
Now if you wanna serve above
or be a king below with us
you're welcome to the city where your future is set forever."

Inicialmente “Beast and The Harlot” iba a ser una canción más larga pero finalmente se dividió en dos canciones: ella y “Burn It Down”. Es evidente la conexión entre ambos temas, ya que llegan a encajar en un todo perfectamente. Además mantiene las nuevas señas de identidad de la banda. The Rev demuestra aquí, al igual que en todo el disco, ser un batería de primera, siendo rápido como un demonio sin restar un ápice a la contundencia. Los coros aquí son más patentes aún y también es cierto que la canción tiene un punto más agresivo. La letra nos habla de celos, traiciones y de alguien que está muy enfadado y la va a liar parda.

“Blinded in Chains” es otro tema explosivo de temática bélica donde la batería queda aún más marcada. Las guitarras demuestran tanto su agresividad como una gran química entre ellas. Mientras M. Shadows se luce cuando llega su turno, tanto en el fraseo como en los estribillos, y está muy bien apoyado por los coros. Sin embargo, aquí vemos los dos principales problemas de los que peca el disco: la canción sufre un exceso de duración y se hace algo repetitiva y pesada al ir perdiendo frescura las características que dio la banda al disco. A este tema en concreto le sobre el último minuto.

“Bat Country” es una de mis canciónes favoritas de la banda y una de las responsables de que me acercara a ella. Más allá de temas personales, es un tema pegadizo, de una estructura simple y donde de nuevo las guitarras vuelan mientras M.Shadow demuestra su carisma y versatilidad tanto en las partes más lentas como en las más agresivas. No en vano, el protagonismo de la voz es mayor respecto a otros temas. Es un auténtico petardazo que se convirtió en uno de los himnos de la banda y una de las principales responsables del éxito comercial del albúm. Personalmente me gana por la inspiración de la letra en el libro de Hunter S. Thompson Miedo y Asco en las Vegas, donde nos hablan de drogas y de la corrupción del hombre por el vicio (otra vez el mismo tema que en “Beast and the Harlot”). El estribillo reza:

"Can't you help me as I'm startin' to burn (all alone).
Too many doses and I'm starting to get an attraction.
My confidence is leaving me on my own (all alone).
No one can save me and you know I don't want the attention."

Aunque me quedo con esta parte de la letra:

"Sometimes I don't know why
we'd rather live than die,
We look up towards the sky
for answers to our lives.
We may get some solutions
but most just pass us by,
Don't want your absolution
cause I can't make it right."

En “Trashed and Scattered” las guitarras se desatan por completo con unos riffs diabólicos. Por su parte, The Rev sigue estando brillante, el bajista no desentona y la voz tiene momentos verdaderamente sobresalientes. Estamos en el tema donde más se podrían acercar a sus influencias más fuertes como Pantera, aunque el estribillo y los coros siguen siendo una parte importante de la canción. La canción va sobre vengarse, ya sea de alguien en concreto o de la ciudad corrupta que es el centro por donde gira todo el disco. También podría ser una canción sobre no cambiar y de ser uno mismo. Pero sobre todo de vengarte. Parece que a Avenged le gusta plantar cara. Y eso me encanta.

"I won't be the victim, but the first to cast a stone.

Sedated nights to the bar room fights as metropolis takes its toll

And don't you try to stop me, it's a place you'll never know.

Don't try to judge or take shots at me, I'll never let you seize control."

Ya he hablado de la calidad de los guitarristas, pero haciendo hincapié en los riffs y no en los solos, donde también demuestran una gran calidad, aunque se nota que siguen de forma descarada la estela de Slash. Esto lo podemos comprobar en dos canciones tan distintas como “Trashed and Scattered” o “Seize the Day”. En este tema son más Guns N' Roses que nunca con un solo a lo “November Rain” - el videoclip también se inspira al de los Guns - y musicalmente recuerda a canciones como “Civil War”. Estamos ante la balada del disco, que tiene la sencilla premisa de no perder el tiempo porque podemos arrepentirnos después. El paso de temas más fuertes y contundentes a la balada lo llevan estupendamente y consiguen brillar, incluso cuando se ponen bastante sentimentales. De hecho la letra llega a extremos muy ñoños como:

"So, what if I never hold you, yeah, or kiss your lips again, oh?
So, I never wanna leave you and the memories of us to see
I beg don't leave me"

o...

"Will you take a journey tonight, follow me past the walls of death?
But girl, what if there is no eternal life?"

A partir de aquí el disco comienza a decaer y se nota que la frescura se desvanece. “Sidewinder” no es un mal tema pero tiene una duración excesiva (supera los 7 minutos). Además lo que tan elogiable era en cortes anteriores aquí se torna pesado y es poco original. Aunque se esfuerzan en evitarlo, sacando de la nada una guitarra acústica. La letra va de una serpiente venenosa que va a cazar a alguien (Mercy's all that you need, mercy's empty in me).

Avenged sigue sin renunciar a sus armas y en “The Wicked End” vemos unos riffs iniciales que son lo mejor de la canción. Como en el caso anterior la canción es demasiado larga y que no nos muestra apenas nada novedoso en el disco. Eso si, el nivel musical sigue siendo notable. La letra nos vuelve a contar metáforas religiosas satánicas y de profetas cristianos donde nos habla de la corrupción del mundo y su inevitable fin. Ya parece un disco conceptual donde le dan la turra a su novia sobre el fin del mundo, lo corrompido que está el hombre y como deben de aprovechar el momento porque se va perdiendo pero antes van a cabrearse con alguien que les debe una. Pero la novia tiene más razones para cabrearse como veremos en el siguiente tema. Antes, un pequeño extracto de la letra de “The Wicked End”:

"Voice your prophecy, shed us some light
Feel sorrow for mankind's chance to survive
Swallowed lies and swam in our own tears
A stab in the dark but it wounded our will
Dust the apple off, savor each bite
And deep inside you know Adam was right
Lust and power, indulgence, no fear
Left with his sins, how does this end?
We won't be here tomorrow, hold on to me for one last time"

Con “Strength of the World” el disco remonta. Tiene muchos arreglos a lo Morricone que le da un tono bastante épico en su introducción. Eso consigue que recuperé un punto de originalidad y, a pesar de ser el tema más largo del disco con más de 9 minutos, no se hace larga. Avenged se nota cómodo en temas teatrales, dramáticos y extensos como este. De todas maneras, lo que me ha deslumbrado de verdad no ha sido tanto el tema instrumental, que es un mejor uso de los recursos ya descritos anteriormente, sino la letra que va de una joven que ha perdido a toda su familia y finalmente da entender que abandona al narrador para suicidarse o vengar a su familia. Sigue encajando nuestra teoría de disco conceptual. El final es verdaderamente desgarrador (So far forever now alone, a greater punishment on me has been imposed. A killer falling from the light, I'll miss my family, I'll never be alright) pero no es el único gran momento como por ejemplo:

"Avenge the dead, kill all who crossed me in my path

Suicidal, I never planned on coming back

I want it, I need it, revenge is dripping from my teeth

Need nothin', to feel power, and bring the killers to their knees

Nothin' to lose vengeance to gain (you know I'll never be the same)

So taste my breath I'm close behind you (so desperate on your final day)

Sorrow swallows my screams"

Por mucho que la canción se base en Dimebag Darrel – el guitarrista de Pantera asesinado en un concierto – “Betrayed” es el tema más olvidable del disco. Ni siquiera encaja con mi teoría, a no ser de que esa traición sea el motivo de la venganza del sujeto. Entonces todo tiene sentido. Todo lo que nos puede ofrecer la canción ya nos lo ha dado la banda en cortes anteriores.

A pesar cierto saturamiento, “M.I.A” es un magnífico tema de cierre. Posiblemente las guitarras están en el punto más alto en todo el disco con una gran compenetración y un M. Shadows realmente deslumbrante. El secreto del tema es la combinación entre las partes más lentas, los coros, los riffs más agresivos y el dramatismo inherente a todo esto. La canción es la culminación de la idea que la banda tenía para el disco. Se vuelve al tema bélico, con el relato de un soldado joven en una guerra que está realmente asustado por la muerte de sus compañeros y compungido a causa de sus actos (llega a afirmar que mató a una madre delante de su hijo). El estribillo es una gozada:

"Fight for honor, fight for your life.
Pray to God that our side is right.
Even though we won, I still may lose
Until I make it home to you
I see our mothers filled with tears,
grew up so fast where did those years go?
Memories won't let you cry
unless I don't return tonight."

Finalmente el soldado vuelve de la guerra y pide perdón por sus crímenes (Forgive me for my crimes; don't forget that I was so young. Fought so scared, in the name of God and country).

Podemos concluir que City of Evil es un verdadero salto de calidad y uno de los discos de metal más destacables de su década. No es perfecto, sobre todo por su excesiva duración y su reiteración en las mismas ideas, pero fue el albúm que demostró que estos chicos, que muchos despreciaban por provenir del metalcore, realmente tenían talento y la posibilidad de ser una de las bandas capaces de sustituir a los viejos dinosaurios. Mi valoración es un notable alto y lo recomiendo para los interesados en el metal sin que haya prejuicios de por medio.

King Gizzard + Igorrr: dos joyas de 2017 que quizá no conozcas

noreply@blogger.com (Diego Esteban Barranco) — Sun, 31 Dec 2017 11:08:00 +0000

En 2017 he hecho de todo… excepto publicar en este nuestro blog. Y eso había que enmendarlo, aunque fuera a última hora. Por suerte, gracias al trabajo de Jorge, Álvaro y de fichajes recientes como Adri no se habrá notado mi ausencia. Sea como fuere, aprovechando que se acaba el año, he venido a hablar de ~mi libro~ dos joyas de este año que quizá hayan pasado desapercibidas para los que estáis leyendo estas líneas. Vamos allá.

King Gizzard & The Lizard Wizard - Flying Microtonal Banana

Muchos grupos tienden a simplificar su sonido cuando van ganando fama. Los australianos King Gizzard & The Lizard Wizzard… pues bueno, este año han publicado nada más y nada menos que 5 álbumes grabados con instrumentos microtonales.

Pero, antes de nada, ¿qué carajo es un instrumento microtonal? Veamos, un instrumento musical es un aparato que emite un sonido que hace vibrar el aire de su alrededor unas cuantas veces por segundo. Ese número de vibraciones por segundo es lo que denominamos frecuencia. Y cuando le damos un nombre propio a una frecuencia, definimos una nota. En la música occidental, asignamos el mismo nombre a dos notas que tengan el doble de frecuencia entre sí la una de la otra. Y entre medias, colocamos otras 11 notas, de forma que tenemos 12 en total. Entonces, la distancia que queda entre una y la siguiente llamamos semitono.

La escala cromática contiene todas las notas de la música occidental

Esta elección se debe a Bach, y es muy útil. Pero es arbitraria, y, por ello, podría ser distinta. De hecho, el sitar, uno de los principales instrumentos de la música india, tiene trastes móviles, que permiten cambiar la distancia entre notas.

Con lo cual, este año en King Gizzard se han dedicado a experimentar con guitarras, teclados, vientos y demás instrumentos cuya separación entre notas es menor de la habitual(en occidente). En Flying Microtonal Banana, en particular, aplican este concepto en canciones cuyas bases son notas estáticas (o motivos que se repiten una y otra vez), donde la línea principal juega con estos microtonos. Además, a nivel de producción, el disco deliberadamente imita el sonido de grupos como Cream o The Doors, con esos instrumentos grabados de una forma sucia o pistas de batería que ocupan un solo canal. ¿El resultado? Una más que curiosa (y original) carta de amor a la psicodelia de finales de los años sesenta.

Igorrr - Savage Sinusoid

¿Cómo sonaría una banda de Black Metal que colaborase con una cantante de ópera? ¿Y un productor de electrónica mezclado con un pianista romántico? Estas parecen ideas salidas de un par de músicos en una noche de borrachera. No obstante, algo parecido deberá ocurrir en la cabeza de Igorrr (seudónimo del productor francés Gautier Serre) para dar luz a discos como el que hoy nos ocupa.

Quizá la mejor forma de definir su estilo sea como surrealismo musical. Sus canciones, al igual que un cuadro de Dalí, por ejemplo, nacen de la unión de elementos sin conexión aparente. Además, encontramos desarrollos abruptos, pero que, como en un sueño, están entrelazados para darnos una sensación de continuidad dentro de lo absurdo.

Analicemos, por tratar alguna, la tercera canción del disco, "Houmous". Esta empieza con los acordes de un acordeón al que se suma una batería con un marcado ritmo de black metal, que poco tarda en ser modificada por elementos de dubstep. Nada anticipa que sólo unos dos minutos después la canción concluya con un bajo muy funky sobre una melodía procesada en 8 bits (el sonido de una máquina de videojuegos de los años 80, para los profanos). Todo ello en escasos tres minutos y medio de duración

Sin embargo, el gran mérito de este disco no es mezclar sonidos dispares, sino que las canciones se sientan como tal, y no sólo como collages musicales. Cabe destacar una gran atención por el detalle, empezando porque ningún instrumento (excepto las partes electrónicas) está programado digitalmente; cada uno fue grabado por un músico que domina su instrumento. Además, tanto Laure Le Prunenec como Laurent Lunoir demuestran una gran versatilidad como cantantes, ya que se sienten tan cómodos en registros operísticos como en voces guturales.

En definitiva, Savage Sinusoid es una experiencia de 40 minutos tan impredecible como maravillosa

Antes de terminar, me gustaría dar las gracias a Luis Monge, enciclopedia musical y redactor de Metal Hammer, quien me descubrió estos dos álbumes y me inspiró a la hora de escribir el artículo.

Con esto, os deseo un próspero y feliz 2018. ¡Salud y buena música!

Entrevista a The Penrose Project

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 28 Dec 2017 11:00:00 +0000

Fotografía realizada por Ana Villamuelas

La existencia puede ser muy complicada, incluso en la vida del blogger. Tras múltiples intentos que nos llevaron plantear ir a Faunia para luego acabar en el Retiro, estamos aquí Adrián y Jorge con The Penrose Project, una banda de metal cuyo primer EP reseñamos ayer mismo, y que vienen a contarnos su vida, o algo. Aquí están el cantante José y los guitarristas Salva y Diego. Lo primero que queríamos preguntar es una pregunta que ya nos hicimos en la crítica, ¿qué es The Penrose Project?

Salva: The Penrose Project es un proyecto, sí, que nació de las cenizas de un par de bandas pasadas. Simplemente, queríamos hacer algo distinto, algo que se saliera de nuestra zona de comfort y nos permitiera experimentar un poco más allá del Sota-Caballo-Rey del metal actual. La cosa empieza cuando un buen día me encuentro en el Retiro con José, y le tiro el viaje para empezar una banda juntos, con influencias ochenteras y oscuras, Mercyful Fate por ejemplo, y algo más actuales, como Ghost. Poco a poco el grupo fue evolucionando hacia un sonido más noventero (Tool, A Perfect Circle) y cercano a sonidos progresivos.

Entonces, ¿actualmente dirías que vuestro sonido está cercano al metal de los noventa como Tool o tenéis más influencias en vuestro trabajo?

José: Creo que una de las cosas que hace a esta banda especial es que cada uno nos traemos nuestras influencias de casa. Yo, por ejemplo me encuentro vocalmente influenciado por bandas como Trivium, y eso tiene un impacto en el sonido del grupo.

Diego: Del mismo modo, por ejemplo, yo me he visto muy influenciado por grupos como Dream Theater, Leprous o Mastodon. De hecho, en alguno de los solos es imposible no escuchar el estilo de Brent Hinds, guitarrista de estos últimos.

Salva: Como último apunte, yo he estado redescubriendo la vertiente extrema del metal recientemente, con su correspondiente impacto en la composición. No será extraño encontrar resonancias (tanto en el presente como en el futuro) de grupos como Death, Opeth, Enslaved, Emperor o Darkthrone, por citar algunos.

Esa variedad de influencias enriquece mucho el sonido, desde luego, pero… ¿ayuda de igual manera en el proceso de componer? ¿Cómo soléis parir los temas?

Salva: A todo este crisol de influencias hay que sumarle el bagaje que aporta Carlos Fernández, nuestro batería, aficionado al jazz. Quiero decir, cuando un batería es bueno, si no hace cosas difíciles se aburre. De modo que un gran porcentaje de los compases de amalgama (para los de la LOGSE: raros) son culpa suya. En el aspecto musical, él y yo somos los principales compositores. Solemos partir de una idea bastante cerrada del uno o del otro, nos reunimos para terminar de pulirla, y ponernos de acuerdo en la ejecución de las partes más conflictivas. Diego, por su parte, es un magnífico arreglista, de modo que él es el que termina de hacer encajar las cosas en muchos casos.

José: En cuanto a las letras y la voz, se podría decir que depende de la canción. Algunas veces mis compañeros traen preparado un tema al que solo le faltan las voces y por medio de la improvisación en el propio local he conseguido encajarlas con alguna letra que tuviese ya escrita. Otras veces, como en el caso de "Stockholm Sex Syndrome" (la cual no está incluida en el EP y tendréis que venir a escucharla en directo) se parte de la idea que tenga algún componente, en este caso Salva y se desarrolla desde ahí.

¿Cuál es la inspiración de las letras y como es el proceso de escritura de las mismas?

José: Generalmente me gusta escribir sobre cosas que me mueven, o que tengo dentro. Y pueden ser tan profundas como la tristeza o la depresión o tan sencillas como la historia de un videojuego.

Salva: O viceversa.

José: Contestando a la pregunta, las letras salen solas. No quiero decir que sea fácil componerlas ni mucho menos, sino que lo que intento es no forzarlas, y esperar a que me vengan ellas. A veces tardan poco y en una semana tengo una canción lista o a veces es cuestión de meses. Lo importante es no forzar la máquina, o los resultados no serían buenos.

Habéis mentado un tema que se ha quedado fuera del EP ya. ¿Cuánto material habéis compuesto en estos meses?

Salva: Humm. El proceso de composición de este EP duró un tiempo. La banda dio sus primeros pasos hace dos años, pero tardamos un tiempo en encontrar el estilo que queríamos tener. Una vez fue localizado, desde septiembre del año pasado hasta marzo de este año, estuvimos componiendo la mayor parte de los temas incluídos en este EP. Diego se unió en marzo, y pudo escribir los arreglos finales del EP. Luego, grabamos el proyecto entre julio y septiembre de este año, no obstante, a la vez sí que iban surgiendo ideas. Podemos decir que tenemos material suficiente para un posible EP, pero todavía son cosas que están en bruto.

Diego: Yo he sido el último en en llegar, cierto, por lo que mi impacto en este EP se ha reducido a limar asperezas en las voces, sugerir algún cambio en las guitarras y el bajo, pero todo un poco desde la barrera. Y como decía Salva, en estos últimos meses tanto Carlos, como él y yo mismo hemos estado explorando nuevos territorios. Puedo adelantar que este nuevo material suena más complejo, más oscuro y más atrevido en general.

Vuestro primer adelanto del EP fue "The Maze". ¿Por qué elegisteis este tema y qué nos podéis contar de él?

Salva: Nos gusta mucho “The Maze” porque viene a ser una recopilación de la mayoría de elementos que se verán en el EP. Fue la última canción que compusimos, y sirvió para dar homogeneidad al estilo de este disco. En lo que se refiere a la letra, no pude resistirme a citar un par de versos de La Tierra Baldía de T.S. Eliot, pues encajan muy bien con la temática de la misma y sirven para dar una apertura espectacular al EP.

José: Respecto a la letra puedo decir que es una de mis favoritas. El comienzo, después del señor Eliot, surgió improvisado en un ensayo, en un momento en el que simplemente quería trabajar la melodía vocal de esa zona, y esas palabras salieron solas. A partir de ahí comencé a desarrollar la idea de un personaje atrapado en una especie de laberinto, y un monstruo acechándolo, lo cual realmente sirve de metáfora para hablar de la ansiedad y la depresión.

Nos ha llamado mucho la atención a ambos la versatilidad de la voz que puede usar varias técnicas vocales tanto cantar de forma limpia como con guturales. Especialmente se ve en "Echoes Of The Black Days".

José: Es gracioso que pongas ese ejemplo, ya que justo en ese tema no soy yo quien hace las voces limpias, sino Diego y Salva. En directo sí que las canto yo, pero en estudio me apetecía que fueran ellos, ya que esa línea tan bonita fue obra suya.

Diego: No obstante, José alterna entre la voz limpia y los guturales en el resto del EP. Uno de los puntos en los que vi que había más margen de mejora respecto de la demo del año pasado eran las voces, y como tal estuve pinchando a José en algún que otro aspecto en el estudio. El resultado, aparte de alguna anécdota graciosa, creo que es notable. Es raro encontrar un cantante que se deje aconsejar, y creo que eso es un gran punto a favor de José.

¿Y esas anécdotas se pueden contar o están bajo secreto de sumario?

Salva: Jando, que, aparte de ser el señor que nos grabó, es un cachondo mental, para chincharme empezó a pasar nuestras voces por el Autotune. Como si del Trap más rancio se tratara.

José: Tengo un vídeo de ese momento con Diego y yo haciendo playback y Salva autotuneado de fondo. Crema.

Salva: Afortunadamente, nada de eso trascendió a la grabación. Prefiero machacarme los huevos y la garganta a usar Autotune.

Diego: Doy fe de ello. Lo único, que en vez de grabar una toma y corregir los pequeños detalles digitalmente, no usar Melodyne / Autotune implica grabar más tomas.

Salva: Y desafiar la paciencia del que nos graba. Pero el resultado final mereció la pena.

Diego: Bueno, el resultado final y todo el material descartado en forma de tomas falsas. Jando no sólo es un muy buen profesional, sino que además tiene un gran sentido del humor. Te manda el bruto del EP y las tomas falsas producidas a lo C. Tangana, con una voz ultragrave o lo que se le ocurra.

Ya lo habéis avanzado, pero ¿cómo fue el proceso de grabación y producción del disco?

Salva: En un primer momento, difícil. Algunas de las canciones suponían un desafío técnico al que no estábamos habituados. Es muy bonito componer cosas en 5/4, 7/4, 9/8 y cosas así, pero eso luego hay que grabarlo. De modo que nos llevó un esfuerzo adicional al que teníamos pensado en un principio, y por ende más tiempo. Por lo demás, bastante orgánico: lo grabamos a caballo entre el local de ensayo de Jando y su casa. Las baterías están grabadas de manera acústica, natural, y salvo las voces, el resto de instrumentos fueron grabados por línea. Bendita informática, que nos permitió jugar un montón con el sonido de los instrumentos para alcanzar el sonido que queríamos pero que ni siquiera imaginábamos. Si le sumas eso a que Jando es un genio...

En vuestras canciones es posible encontrar referencias tanto a criaturas lovecraftianas (en "Seas Of R'Lyeh") como a súcubos o mitología griega. ¿Van a seguir presentes en un futuro?

José: Una de las cosas que más tenemos en común todos los miembros del grupo es nuestro amor incondicional por la obra de H. P. Lovecraft. Y, como ya he dicho en “The Maze”, jugar con metáforas monstruosas y deidades para describir los sentimientos más mundanos es un recurso al que le hemos cogido bastante el gusto. Así que podéis esperar más terror cósmico, es algo que nos tira mucho.

Con ansia lo esperamos. Pero por ahora, el próximo día 29 tenéis un concierto donde presentáis el EP. ¿Qué nos podemos encontrar? ¿Tenéis alguna sorpresa preparada? ¿Salva se ha asegurado ya la mano?

Salva: A este ritmo, debería jajaja. En el último concierto que dimos sufrí un accidente relacionado con una caldera de gas. Fui a encender la caldera para darme una ducha; sin embargo, el sistema de seguridad de esa caldera falló, de modo que estuvo expulsando gas durante un minuto más o menos (lo que tardamos en cambiar la bombona). El resultado fue encender una llama en una bolsa de gas que… prendió. Afortunadamente, solamente sufrí quemaduras de primer y segundo grado en la mano derecha (y perder la chaqueta que llevaba puesta, que quedó chamuscada). Fui al médico de inmediato, y le pregunté si podía tocar. El médico me dijo que no habría secuelas a posteriori, pero que me iba a doler. Mucho. De modo que los analgésicos fueron los verdaderos MVP de aquel bolo. Le pedí al médico que me vendó la mano que me dejara libres las puntas de los dedos pulgar e índice para poder sujetar la púa y bueno… Salvamos la noche, y tenemos una foto en el EP para el recuerdo, en el que se me ve con esa venda. No he cancelado un concierto en mi vida, es algo que va contra mi religión. ¡Espero que en este no haya sorpresas de ese tipo!

José: Contestando a vuestra pregunta, habrá sorpresas como en todos nuestros conciertos, pero ninguna que tenga que ver con mutilaciones. Al menos hacia los miembros del grupo. Del público no podemos estar tan seguros. Id con navajilla por si acaso.

Diego: Como adelanto, os garantizo que ocurrirá una de estas tres cosas: nos desnudaremos en directo, tocaremos "Sweet Child o’ Mine", o se nos reventará una cuerda en directo.

Salva: Me quedo con la cuerda o despelotarme.

José: ¿Solo una? Pensaba hacer las tres.

Diego: SPOILER.

Para ir concluyendo, ¿qué valoración tenéis del EP? ¿Hay algún tema al que tengáis un cariño especial o que queráis destacar?

Salva: La verdad es que cariño les tenemos a los cinco temas. En lo que se refiere a la temática, hay uno que particularmente me gusta. No es otro que “Succubus”, que le da el título al EP. Esa canción en una primera escucha parece la más facilona del disco, sonando a algo muy ochentero. Hard rock básico. No obstante, en la letra está la clave. Es un tema que se suele esconder debajo de la alfombra, pero el machismo y los babosos dentro del mundillo del rock y del heavy están ahí. Es muy común ver a bandas lideradas o compuestas íntegramente por chicas, a las que van a ver los babosos de turno no a disfrutar de la música, sino a babear a las tías. Así que nos imaginamos qué ocurriría si uno de estos ejemplares se encontrara con un súcubo, de ahí que el sonido se acerque a estas bandas ochenteras de cardados, ahí está la parodia. El resultado lo encontramos en el estribillo: Fuck me, you know I deserve to die.

José: A mí me gustaría destacar "Hunter’s Dream" porque es la primera que compusimos juntos, y con la que nos dimos cuenta de que esto podía funcionar. Habla de la historia del videojuego Bloodborne desde la perspectiva del protagonista, y… no sé, me gusta mucho.

Diego: Mi preferida es “Echoes of the Black Days”. Para mí, la más divertida de tocar, pero también la más compleja. En el fondo, necesitamos nuevos retos, nuevas montañas que escalar. Y, principalmente, lo que me llevo en la mochila de este EP es un progreso como músico. Ya no tanto a nivel técnico, que también, sino de actitud. Me noto más concentrado, menos fallón; más centrado a la hora de tocar, en definitiva. Y eso es algo de lo que estoy orgulloso.

Eso es una buena noticia para el público, que en un par de días podrá juzgarlo. ¿Hay algo más que queráis añadir o vais a hablar ya de vuestro lib… concierto?

Salva: Poco más que añadir. El viernes 29 estaremos en Hangar XIX dándolo todo, y queremos compartir este esfuerzo con todos vosotros. Gracias por vuestro tiempo y por la entrevista. ¡Nos vemos allí!

Diego: Citando a Maynard James Keenan: “BUY MY NEW RECORD”.

José: ¡Un abrazo a Rockritico!

Gracias a vosotros, chicos, ha sido un placer. Y a todo nuestro (e)lectorado, este viernes a las 20:30 de la tarde tenéis una cita en Madrid, en el barrio de La Hortaleza, calle Servator 19. Por 6 euricos nada más. Y conociéndoles, habrá cerveza. En cantidades. ¡No faltéis! Y recordad: ¡CEPEDA SE QUEDA!

The Penrose Project - Succubus (2017)

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 27 Dec 2017 11:00:00 +0000

JORGE: ¡Ho, ho, ho...der, qué frío hace! La semana pasada no hubo reseña conjunta, por cuestiones que escapan a nuestro control, y por ahora Álvaro se encuentra en unas merecidísimas vacaciones indefinidas, así que hoy me acompaña Adrián tras su debut en solitario. Y como los chicos de The Penrose Project nos han sobornado con dineros para decir cosas bonitas del EP que acaban de lanzar, pues vamos a ello.

A: Yo no he visto ese dinero. O se me paga o hago la crítica con frases aleatorias de críticas de Boyero.

J: Espero que seas consciente de que eso únicamente nos anima a no pagarte. Dicho esto, el EP Succubus... Más de lo mismo, menuda matraca, ¿no?

A: En realidad no. He seguido la incipiente carrera musical de gran parte de los miembros de la banda, y nunca habían llegado a este estilo. Ya hiciste en su momento un repaso a Brütal Köala, en la que estuvieron gran parte de la formación de The Penrose. Pero vayamos a lo importante, ¿qué es The Penrose?

J: No empecemos a imitar a locutores míticos, que no acabamos. Pero respondiendo a la pregunta, son una banda madrileña de jóvenes metaleros muy frikis que en el nombre de su banda referencian a geometría imposible, y en sus canciones a cosas tan dispares como la depresión, el machismo en el mundo heavy o nuestro amo y señor Cthulhu. Casi nada.

A: Yo me refería al estilo. Porque es bastante particular y tratan de darle un toque de bandas de los noventa, especialmente Tool. Canciones oscuras, letras que siguen esa senda como por ejemplo en la depresión que has comentado, cierto toque progresivo y alternativo en las guitarras y una voz que combina los guturales con sonidos más limpios. ¿Estás de acuerdo o añadirías algo más?

J: No, creo que tienes bastante razón. Toda esa influencia noventera está ahí, sea en el prog metal o en lo que beben del black metal de esa gente que quemaba iglesias y mataba miembros de otros grupos. Para mi gusto, que también llevo siguiendo la carrera de estos chicos años, es este su trabajo que me parece estilísticamente más atractivo (más que, por ejemplo, el thrash de Holycide, otra banda del guitarrista Salvador que lo está petando muy, muy fuerte ahora). Pero desgranemos los temas, que hay mucha tela que cortar.

A: Empezemos por el principio, por “The Maze”. Ha sido el adelanto de este EP, y es el principal ejemplo de lo que hemos comentado anteriores. Las guitarras (Salva y Diego) son protagonistas aquí y demuestran una gran creatividad tanto en riffs como en los solos. Ahora mismo de hecho acabo de escuchar un solo de la canción que me ha encantado. En este tema la voz de José es bastante limpia, cosa que cambiará en el siguiente tema.

J: He de reconocer que José fue, en el primer momento, lo que menos me gustó del disco, cuando oí el adelanto, quizás por estar más acostumbrado a la voz de Salva en Brütal Köala. Pero en cuanto me hice a ella me di cuenta de que es uno de los puntos fuertes: tiene una versatilidad soberbia, capaz de pasar de la pulcritud en “The Maze” a la ironía sutil de “Succubus”, o la oscuridad envolvente y gutural (tanto fry como growl, o cómo se llame eso) de la increíble “Echoes of the Black Days”.

A: Y además puedo asegurar que José tiene buenas tablas en un escenario, lo que es un plus para un concierto.

J: Concierto que, por cierto, dan dentro de nada. Pero volveremos a eso luego. Mentabas antes la creatividad de las guitarras, que sin duda dejan algunos solos increíbles, como en “The Maze” o “Echoes of the Black Days”, pero también la batería de Carlos es fantástica. Baste ver la intro de “Succubus” para darse uno cuenta; en general toda la instrumentación está a un gran nivel.

A: Quizá porque el tema lo tenía ya escuchado desde que lo sacaran hace un año, pero también me gusta bastante “Hunter’s Dream”. Además tiene un estribillo coreable y pegadizo. También me gusta porque esta canción y “Succubus” tienen un toque agresivo y una temática de asesinatos que me gusta. Otra cosa bastante interesantes en las letras es el uso de figuras mitológicas, especialmente del mundo de Lovecraft.

J: Con “Hunter’s Dream” tengo un problema, y es la manera en que se abre, que me parece lo puto peor del disco: “It was another day, / I mean, another night”... A ver, cronista, aunque seas imbécil podrías evitar demostrarlo en la canción. Aún así, no es más que una mancha en un expediente de letras por otra parte magnífico: los dos temas que mentas trabajan el sarcasmo y las referencias poéticas desde extremos muy dispares, pero es que “The Maze” o “Echoes of the Black Days” también dejan versos increíbles. Ese “Accept the last breath that you refuse to take. / And live (always and forever)” de esta última, por ejemplo, me parte el alma en cada escucha.

A: En los dos primeros temas predomina la ansiedad y la depresión como tema. Yo me quedo con el estribillo de la misma canción (“Echoes of the Black Days”) “The sound of the echoes of the black days. / A song that’s stuck on its replay. / Tempt the wills of our fate / Or drown yourself under the rain”. Creo que el tema se merece más de una escucha para valorarlo como es debido y profundizar en lo que cuenta. Y ya que antes no me has cogido el guante te lo voy a preguntar directamente ¿qué te ha parecido “Seas Of R’Lyeh”?

J: Que haría palidecer de orgullo al mismísimo Lovecraft. O bueno, igual exagero un poco, pero no cabe duda de que es un tema que traslada a la perfección el terror cósmico de los Mitos, al tiempo que condensa bastante bien el espíritu del EP y de estos chavales. Como cierre, resulta soberbio. Y la guitarra que abre el tema está tocada por los dioses, sin duda. Qué preciosidad de riff.

A: ¡Qué pelota que eres! A ver si voy a tener que ir ya sacando las frases de Boyero.

J: También puedo sacarles pegas. Por ejemplo, los coros de Salva y Diego, aunque en general me parecen un buen contrapunto, me sobran en temas como “Echoes of the Black Days”. Y, as much as I like la tralla heavy, echo de menos algún tema más relajado. Es una media hora muy intensa, que roza lo agotador.

A: Eso tú, que eres un flojo. Yo creo que es un disco equilibrado, con momentos oscuros, otros con más fuerza y otros limpios. Son canciones que no se repiten, y eso se agradece, pero también tienen su coherencia tanto en la música como en las letras. Por lo que veo te quedas con “Echoes of the Black Days” como tema favorito.

J: ¿Quién es el pelota ahora, eh, PAYASO DE LOS COJONES? Pero sí, es mi tema favorito, y muy de lejos (y que yo diga eso de un tema tan dominado por guturales da idea de lo bueno que me parece). Me recuerda un poco a mis temas favoritos de Amon Amarth, o incluso Alice in Chains, aunque imagino no son las referencias principales… pero hey, así funciona mi mente. Y tú qué. Cosas de matar, supongo.

A: Antes de volver a escuchar el EP unas cuantas veces mientras escribía esto, me hubiera quedado con “Hunter’s Dream” pero me han ganado mucho en las sucesivas reescuchas los dos primeros temas. Están muy ahí ahí “The Maze” y “Hunter’s Dream”. Y voy a quedarme con esta última porque ha muerto Charles Manson hace unos días y tal.

J: ¿Y “Seas of R’Lyeh”? ¿Es que nadie piensa en los Primigenios?

A: Cito al maestro: “una modernez vacía”, “un coñazo importante”, “me aburre un montón, me carga, me irrita”, “pretenciosa gilipollez” y “celebérrima estupidez”. Ahora quiero una columna en El País para pontificar.

J: Otro día, quizás. Por ahora, da notas.

A: Como odio esto. En fin, yo les pondría un notable.

J: ¿Así, a secas? ¿Sin valoración alfanumérica?

A: Soy seco como el clima de los Monegros. O un soriano. No sé, me apetece meterme con los sorianos hoy.

J: Además de seco como un soriano eres tonto como tú solo, por lo que veo. Como sea, mi valoración es similar: un 8 para un disco que no es perfecto, pero sí muy disfrutable, lleno de momentos soberbios, y que confirma a un grupo bastante prometedor. Ahora hazles publi del concierto para que nos paguen.

A: Penrose va a tocar su segundo concierto -el primero fue todo fuego- el 29 de diciembre junto a Suburban Incident. El lugar es Hangar 19, calle Servator, número 19, en el barrio madrileño de Hortaleza. Los metros más cercano son Pinar del Rey y Hortaleza. La apertura de puertas es a las 8:30 y el precio son 6 euros. Imagino que me pasaré si invitan a cerveza o algo. ¿Quieres decir algo antes de cerrar?

J: Que vivan el Sputnik-1 y los calcetines navideños, Lovecraft ya.

Iron Maiden - The Number Of The Beast (1982)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 23 Dec 2017 11:23:00 +0000

Ya es hora para que yo debutase en solitario de forma oficial como miembro efectivo de este blog y lo hago hablando de uno de los discos fundamentales de mi vida. Estamos hablando de The Number Of The Beast de Iron Maiden. Y como mi vida y mis gustos subjetivos no interesan a nadie, incidiré en lo que supuso de verdad el disco.

Tras sobrevivir cuando la escena musical estaba dominada por el punk y resistir peticiones de que se cortaran el pelo y se integrarasen en esta nueva corriente, Iron Maiden estaba a punto de alcanzar el estrellato. Estamos hablando de la conocida New Wave of British Heavy Metal, la nueva ola de heavy metal británico, que había surgido en conciertos underground y que estaba ya reclamando su puesto. Iron Maiden se convirtió en el principal referente y, tras conseguir dos grandes éxitos con su disco homónimo en 1980 y Killers en 1981, en 1982 entrarían definitivamente en el mainstream y se consolidarían como banda y a su particular sonido con The Number of The Beast.

El disco se abre con una canción contundente como pocas. "Invaders", cuya letra va sobre invasiones vikingas, nos presenta la nueva voz de la banda. Paul Di Anno fue un hombre importante, pero sus adicciones le impidieron mantener el ritmo y la banda decidió fichar al cantante de Samson, un tal Bruce Bruce, al que lo primero que le dijeron es que dejara de llamarse así y usará su nombre original, Bruce Dickinson. La voz es totalmente distinta a la Di Anno, y pasamos del estilo punk grave original a una voz aguda propia de un tenor pero de una gran intensidad. Sin desmerecer a Paul, Bruce fue un salto gigantesco en cuanto calidad, lo que además obligó a Steve Harris (principal compositor) a adaptar las canciones a su voz. Iron Maiden evolucionó y tenemos como resultado su sonido característico con las guitarras veloces de Adrian Smith y Dave Murray corriendo a gran velocidad junto al cabalgueo de Steve Harris y la contundencia de la batería de Clive Burr.

Invaders en un puntazo perfecto de gran intensidad para abrir el disco, pero el siguiente corte baja drásticamente la velocidad e incluso el inicio podría ser tomado como una balada triste. "Children Of The Damned", basada en una película de terror de unos niños con poderes enfrentados a los adultos, deja a Bruce Dickinson lucirse vocalmente y exprimir aún más sus cuerdas vocales tanto como cuando grita "CHILDREN OF THE DAMNED" como en las estrofas. Iron Maiden demuestra aquí que saben ir despacio al inicio y manejar el ritmo y el tempo a la perfección para finalmente correr al toque de corneta y dejar a los solos estallar.

Tenemos una introducción grabada antes de un tema bastante fetiche para mí. Es el perfecto exponente del sonido Maiden sin ser uno de sus grandes himnos. "The Prisioner", tiene un riff pegadizo y potente, un cabalgueo incesante y un estribillo épico. La canción puede pasar desapercibida debido a la alta calidad del disco. Y realmente sería una pena porque es un tema 100% Maiden.

Cuenta la leyenda que Adrian Smith compuso "22 Acacia Avenue" con 14 años y que finalmente Steve Harris terminó de darle los últimos arreglos. Estamos en una canción que evolucionando y cmabiando según el paso de la canción junto a la letra. La canción cierra la trilogía sobre Charlotte The Harlot (aunque volvería a aparecer en otras ocasiones), una prostituta de la que se encapricharon varios miembros de la banda. La canción empieza invitándonos a ir a verla si estamos “deprimidos y solitarios” y nos dice que esta señorita que nos enseñará muchas cosas y que si decimos que vamos de su parte nos hace descuento. Sin embargo, acaba siendo toda una declaración desesperada de amor y de temor que la vida de Charlotte acabé con corromperla.

"Charlotte isn't it time you stopped this mad life
Don't you ever think about the bad times
Why do you have to live this way
Do you enjoy your lay or is it the pay"

La canción musicalmente demuestra una gran riqueza y se amolda a la letra y lo que quiere trasmitir. Una de las canciones más particulares en la historia de Maiden.

Y llegamos al temazo absoluto que es "The Number Of The Beast", la canción que da nombre al disco y que marcó tanto a la banda en cuanto actitud y en imagen. También es una canción que evoluciona, desde esa grabación tenebrosa que nos recita el Apocalipsis. La letra va de un sueño tras ver la película de La Profecía. Primero un hombre se asusta (Cause in my dreams/ It's always there/ The evil face that twists my mind and brings me to despair) tras ser testigo de un ritual satánico que va creciendo en intensidad hasta estallar en un desesperado alarido que Dickinson clava a la perfección. A partir de ahí se abandona toda contención (especialmente en directo con Dickinson y compañía corriendo a todos los lados del escenario) y aumenta la velocidad y se van describiendo las correrías del ritual. Finalmente, el ritual fascina al visitante, que se convierte en un acólito más. Las guitarras logran solos y melodías realmente fascinantes, como si fueran productos de este ritual satánico. Y qué decir de la voz de Dickinson y su final declaración como Satán:

"I'm coming back, I will return
And I'll possess your body and I'll make you burn
I have the fire, I have the force
I have the power to make my evil take it's course"

El temazo fue un auténtico petardazo y se ha convertido en una canción obligada en todos sus conciertos hasta la fecha. Como lo es también "Run to the Hills", que es uno de los grandes ejemplos del cabalgueo del bajo Steve Harris. Primero se presenta como un lamento de los indios:

"White man came across the sea

He brought us pain and misery

He killed our tribes, he killed our creed

He took our game for his own need

We fought him hard, we fought him well

Out on the plains we gave him hell

But many came, too much for Cree

Oh will we ever be set free"

Pero entonces batería aprieta y llegan los vaqueros saqueando y matando:

"Soldier blue in the barren wastes
Hunting and killing's a game
Raping the woman and wasting the man
"The only good injins are tame"
Selling them whiskey and taking their gold
Enslaving the young and destroying the old"

La canción es un chute de adrenalina, más aún que "Invaders". Maiden tiene facilidad en hacerte cabalgar hasta el infinito con temas como este o el posterior tema del Peace of Mind "The Trooper". Es una canción que reúne la épica y la lleva a la extrema velocidad y aún así logra conmover.

Después de estos dos auténticos himnos llegan los temas menos relevantes del disco. Y eso que "Gangland" es una transición perfecta donde nos habla de gansters a una velocidad endiablada y la voz de Dickinson logra ser de nuevo bastante pegadiza. Cumple con su función, pero la competencia es demasiado alta como para ser recordada, a pesar de ser un muy buen tema.

"Total Eclipse" baja las revoluciones y se nota un poco. Sin embargo, tiene un regusto más oscuro (de hecho habla de un colapso ecológico) aunque cumple perfectamente como tema Maiden. Riffs de guitarra agresivos y a la vez creativos, continuos cambios que permiten la evolución de la canción, manejo de los tempos para ser rápidos o más lentos, fiabilidad absoluta en la parte rítmica de la banda y una voz aguda carismática que destaca.

El último tema es el posiblemente mejor tema de Iron Maiden. Aunque "The Number Of the Beast" es agresiva y lleva al máximo nivel el estilo clásico de Iron Maiden, "Hallowed By The Name" es la perfección a la que puede llevarnos la banda. Un comienzo lento onde nos acompañan las campanas donde un hombre lamenta como va a ser condenado a la horca y como no tiene miedo a morir que empieza a plantearse su vida hasta finalmente encomendarse a Dios tras darse cuenta que la vida es una “extraña ilusión”. Las guitarras van subiendo de intensidad al tiempo que la voz de Dickinson pasa de casi recitar a realmente desgañitarse. Aunque las letras de Maiden son siempre reseñables, está es la mejor que han escrito nunca. Este es el inicio:

"I'm waiting in my cold cell, when the bell begins to chime.
Reflecting on my past life and it doesn't have much time.
'Cause at 5 o'clock they take me to the Gallows Pole,
The sands of time for me are running low."

Después llegan las reflexiones desesperadas como:

"Somebody please tell me that I'm dreaming,
It's not easy to stop from screaming,
But words escape me when I try to speak.
Tears fall but why am I crying?
After all I'm not afraid of dying.
Don't I believe that there never is an end?

As the guards march me out to the courtyard,
Somebody cries from a cell "God be with you".
If there's a God then why has he let me go?"

Musicalmente es una canción de matrícula, y que en su parte instrumental consigue transmitir esa desazón en cada momento. Los solos en la que ambas guitarras se desatan son una auténtica y bendita locura. La voz de Dickinson llega hasta donde pocos cantantes han llegado, con notas verdaderamente agudas y calando en el alma de todo el que escucha el tema. Y en directo la canción (como el resto) mejora porque la banda es un auténtico monstruo del directo, especialmente por el hiperactivo Bruce Dickinson. De hecho antes del disco, presentaron algunos temas en su mítico concierto en Hammersmith.

Se puede discutir cual es el mejor disco de Iron Maiden y sacar tanto discos clásicos como el Powerslave o el Seventh Son of a Seventh Son. Pero creo que es indiscutible que uno de los más importantes y que consolidó definitivamente a la banda es The Number Of The Beast. Encontró el sonido clásico de Maiden y la banda se convirtió en el monstruo que sigue siendo hoy en día. Mi nota es un sobresaliente y recomiendo el disco para todos los que estén interesados en la banda y el Heavy Metal.

Rockrítico Weekly: Cloud Nothings + Donna Summer + Living Colour

noreply@blogger.com (Quixote) — Sun, 17 Dec 2017 11:11:00 +0000

CLOUD NOTHINGS - LIFE WITHOUT SOUND (2017)

De un tiempo a esta parte, Cloud Nothings se han convertido en uno de los nuevos grupos de rock que más elogios ha recibido de la crítica, con ese sonido indie punk que tiene un público tan fiel. En sus inicios, especialmente en el que es su disco más reconocido Attack on Memory, su agresividad y energía estaban muy presentes, pero como suele ocurrir con estas bandas, se suavizan con el tiempo. Por eso "Up to the Surface" es un tema tranquilo que está más cerca de Good Charlotte que de Fugazi. Antes daban berridos y eran peligrosos, y en ese sentido lo que aquí se escucha es una regresión. Pero mejor eso que ser Simple Plan forever and ever, ¿no?

Comparando a Cloud Nothings con esta gente, parece que me estoy riendo de ellos, pero no es mi intención. Es un grupo de rock que, sin reinventar la rueda, ofrece un producto asequible para todos los públicos. "Enter Entirely" pasaría, 100%, por un tema de Weezer, si Weezer no estuviera de nuevo agotado creativamente. El más fantástico tema de los que aquí se reunen es "Modern Act", que es el que tiene las melodías mas pegajosas y las guitarras más afiladas: un tema indie de manual de los que por algún motivo tanto escasean. En general el trabajo de batería es destacable, del que está a cargo Jayson Gerycz: los ritmos de temas como "Sight Unseen" son más complejos de lo que podrían parecer a simple vista, cosa también común en este tipo de bandas. El disco se cierra con "Realize My Fate", la canción más rara del disco con sus disonancias, su ritmo insistente y los primeros atisbos de la voz gritada de Dylan Baldi. No es un disco fundamental, pero siempre está bien saber quienes son los que intentan mantener vivo al rock, tengan éxito en su cometido o no.

VALORACIÓN: ☯₆

GÉNERO: Indie emo de tranquis

DONNA SUMMER - ONCE UPON A TIME (1977)

Donna Summer, la mítica diva del disco, ofrecía en algunas ediciones de este Once Upon a Time "más de 70 minutos de disco", cuando en la realidad el número estaba alrededor de los 69. Podría acabar la crítica aquí y suspender el álbum por publicidad engañosa, pero tras la maravilla que es Bad Girls, su disco inmediatamente posterior (y considerado mejor) que escuché hace no mucho, necesito un poco más de Donna para sobrevivir. Y sobreviviré, aunque esa es de Gloria Gaynor, no de Donna Summer.

Hoy no estoy para mierdas. Si escuchas "Once Upon a Time", con esas vibrantes cuerdas, la guitarra funky y la voz perfectamente calibrada entre la calidez y la distancia de Donna Summer, y sigues considerando que la música disco fue el cáncer que aniquiló la música de verdad, sustituyendo la chaqueta de cuero por los pantalones de campana y dando una voz y una cultura a las minorías que no se veían representados por el machismo, el racismo y la homofobia que llevó a la quema masiva de vinilos y a una campaña de propaganda que dejó al género moribundo (¿pero quién río último?) entonces eres basura y largo de aquí. Sí, no tengo un buen día y lo estoy pagando contigo. Busca alguna manifestación de Vox a la que ir, agujero negro de la diversión.

Y si no, agita tus alitas ante "Faster and Faster to Nowhere", que no podría tener un título más representativo de lo que eran muchos de los temas de la Summer: un crescendo apoteósico, que en el fondo nunca acababa. Y ahora lo entiendo. ¿Por qué tiene que acabar? ¿Por qué el mismo fervor de "I Feel Love", que Patrick Cowley extendió hasta los 15 minutos, no podía durar una hora, diez horas, toda la vida? Las canciones aquí no concluyen, siempre dan pie a lo siguiente sin fisuras, porque no quieren dejarte sin bailar o sin disfrutar un microsegundo.

Parece que toda la música que sea menos profunda que el libro promedio de Heidegger es bazofia banal. Algo como "Fairy Tale High", que podría ir sobre la farlopa o sobre cualquier otro tipo de cosa exaltante, no se puede contemplar con la misma severidad que Bob Dylan, por ejemplo. El hecho de Donna Summer y otros artistas disco conjugen el deseo carnal del infierno con la liberación final del cielo mejor que Dante mismo es algo que no se le pasa a nadie por la cabeza. Pero el purgatorio es una discoteca.

"Now I need you I need you I need you right now" nos imploran mil voces, y si necesitas treinta mil palabras y un diccionario de sinónimos para expresar ese sentimiento, preséntate a Pasapalabra y piérdete. Si cada golpe electrónico de bombo te oprime hasta que tu corazón parece que se te va a salir del pecho, y realmente el agobio es insoportable, no vas a buscar la lírica más florida, a tener un gabinete de expertos analizando cada imagen para decodificar el significado. Vas a gemir las palabras más básicas.

"Working the Midnight Shift" está tallada en hielo y luz, y el aire de la voz de Summer es el que insufló la vida al primer hombre. Y sí, peco de preciosismo pero si no peco con Donna Summer, no peco nunca. Aguanto estoicamente el aluvión de temas sobrehumanos, y me pregunto si no estoy fingiendo al escribir esto, porque mi cara no ha cambiado su expresión de seriedad desde los primeros compases del álbum. ¿Acaso estoy diciendo sólo lo que quiero leer? ¿Estoy realmente exorcizando algo y nada volverá a ser lo mismo? Sé que no he escrito nada parecido aquí, pero si esta fuera mi última crítica, yo creo que ya hubiera dicho todo lo que tenía que decir. Aunque mañana toca Living Colour, y igual mañana vuelvo a mi ser y empiezo la crítica con fríos datos como que "Living Colour fueron de las primeras bandas rock afroamericanas en gozar del éxito comercial". Trago saliva.

Me he alejado un poco de la fuente de la música para seguir reflexionando, distrayendo un poco mi atención del álbum. Quizá podría haber sido cualquier otro álbum el que desencadenara esto. Tal vez no tendría ni siquiera que haber sido particularmente bueno. De lo que estoy seguro es que una crítica que enumere instrumentos, describa hechos y compare canciones (en otras palabras, una de mis críticas habituales), es una mierda de crítica que puede haber salido de Wikipedia. La función del crítico no es la de ser un cronista histórico, es la de revelarse a la audiencia y conectar de una manera casi íntima con ellos, permitiendo a la gente acceder a la música de manera totalmente libre de prejuicios. Conectar con la música a través de un lazo emocional, no de una exasperante recopilación de anécdotas y datos. Cualquiera puede distinguir una guitarra de una trompeta, y distinguir el krautrock del zeuhl tampoco es más difícil. Pero distinguir lo que cada cosa nos hace sentir es una de las cosas que necesitamos aprender en nuestro paso por el planeta.

Así que diré qué me hace sentir Donna Summer. Cada canción deshace un nudo, y mi cerebro trabaja frenéticamente para volver a atarlos. Como la redecilla de un redondo de ternera, que lo permite mantener la forma. Qué poesía hago. Donna y Giorgio contra mí en una carrera a muerte por mi integridad emocional que acabaré ganando. Y perdiendo. Hace un rato que no enlazo a una canción así que "Rumour Has It", venga.

Hablábamos de simplicidad y concisión, y qué mejor que un tema que se llama "I Love You". El hamorrr. "I Feel Love" bombeaba la sangre como un corazón, "Love to Love You Baby" era el sudor del éxtasis y, por descarte, "I Love You" son las lágrimas de la felicidad plena. Eso sí que son trilogías y no Star Wars, impresentables. La velocidad de desatamiento aumenta exponencialmente y nos acercamos al final del viaje. Tengo que darme prisa.

Al final, me interrumpen en "Happily Ever After" e, inmediatamente, todos los nudos vuelven a su ser. Algunos menos espirituales que otros, porque no tengo ni hambre. A ver si se me pasa. De momento no creo que vuelva a escuchar esto, ni a leer lo que escrito, en bastante tiempo.

VALORACIÓN: Paso.

GÉNERO: Ninguno.

LIVING COLOUR - VIVID (1988)

"John Cena, mientras estás ahí tirado, a poder ser tan incómodamente como sea posible, quiero que me escuches. Quiero que digieras esto porque antes de que me vaya en tres semanas con tu campeonato de la WWE, tengo muchas cosas que no puedo dejarme dentro."

Ayer fue un día raro.

Living Colour fueron de las primeras (y únicas, la verdad sea dicha) bandas rock afroamericanas en gozar del éxito comercial. Tal vez tenga que ver algo con que si ves una foto suya, son virtualmente indistinguibles de New Edition. En una época donde la imagen era tan importante, sin duda se aprovecharon más que bien de la repercusión de la MTV, llevando incluso a que Mick Jagger se convirtiera en su tutor y productor. No se puede decir que no se lo montaran bien.

Es este un rock duro lleno de soul, como demuestra ya la sobradamente conocida "Cult of Personality". Lo que más presencia tiene en estos temas es la guitarra de Vernon Reid, que se marca en torno a veinticinco solos vertiginosos por canción. El segundo de "Cult of Personality" es un obelisco a la velocidad sobre la precisión, que por lo menos transmite más que... no sé, Satriani (BOOM). Hay gente que insiste en llamar a esto funk metal, que es un género bastante extraño: lo más funk aquí es el slapping and popping del bajo de Muzz Skillings, aunque el groove de temas como "Middle Man" sin duda se aproxima también al funk. Otros, como "Desperate People", son un revoltijo que no se sostiene por ningún sitio. Entre los temas más destacados se encuentran la muy sentida "Open Letter (to a Landlord)", quizá lo más soul aquí; una versión de Talking Heads en tu cara ("Memories Can't Wait"), y el tema final, "Which Way to America?". Es un disco resultón, agradable, pero que no ofrece más que un par de emociones fuertes.

VALORACIÓN: ☂_6.5

GÉNERO: Funk metal, que tiene poco de funk y menos de metal.

Regina Spektor - Soviet Kitsch (2004)

noreply@blogger.com (Quixote) — Wed, 13 Dec 2017 12:31:00 +0000

JORGE: Es diciembre y hace sol, ¿por qué no escuchas mi canción? ¡Hey, ho! ¡Todos al paredón! Y después de este breve inciso fruto de no saber cómo empezar, que nos hable Álvaro de Regina Spektor y sus aires arrusados en Soviet Kitsch, o algo, ¿no?

ÁLVARO: Siempre soy yo el que habla. Bueno, igual no siempre. Soviet Kitsch es el único álbum hasta la fecha que personalmente no había escuchado antes de la elección de nuestras críticas. Si bien amaba el single “Us” que aquí se encuentra y del que hablaremos detalladamente más tarde, por lo que a mí respectaba el resto de la discografía de la señora Spektor me era totalmente ajeno. Pero estoy hablando de mí, así que hablaré de Spektor ahora. Nacida en Rusia y con el sueño (como todos los rusos, a mi entender) de convertirse en pianista clásica, tuvo que emigrar a Estados Unidos porque su familia no estaba cómoda con el antisemitismo que imperaba en ciertos sectores de la sociedad soviética. Convertida en cantautora un poco peculiar, se recorrió los garitos de moda de Nueva York con sus pintorescas canciones, en las que el piano jugaba el papel co-protagonista junto con la voz de Spektor, rica en gorgoritos y matices de ese estilo. Soviet Kitsch fue su tercer álbum y también su debut con un sello de los grandes. Y a partir de ahí, bueno, encontró su sitio en el panteón de las cantantes a un piano pegadas. Creo.

J: Pero si es que no paras de hablar, madre mía, y luego te quejas. La definición de Spektor bien podría valer tanto para ella como para Phoebe Buffay, pero es totalmente accurate. En mi caso, es este el primer disco suyo que escucho, pues la descubrí en la banda sonora de Kubo y las dos cuerdas mágicas (versionando a los Beatles) y aunque me gustó en temas sueltos nunca le di la oportunidad a discos. Mala decisión, porque me ha cautivado desde la primera nota de “Ode to Divorce”, que se construye con una delicadeza y un dolor que quizás no se anticipan en el título. El tema es sintomático del espíritu del trabajo, con un piano y su voz dominándolo todo, y un acompañamiento (cuerdas, en este caso) que exorciza un poco el minimalismo, pero no demasiado.

A: Hay exactamente un tema que se desvía de esa fórmula, el extrañamente punk “Your Honor”, con un muy pegadizo “DOODOODOODOODOODOO” que resulta ser uno de los fragmentos más inolvidables del disco. El tema está interpretado con la ayuda de una banda a la que no conoce ni Perry que se llama Kill Kenada, de la que no tengo referencia alguna. El resto de canciones siguen lo que has dicho: piano y cuerdas, y tal vez alguna percusión extraña como los golpes de madera que aportan el ritmo en “Poor Little Rich Boy”, que parece prácticamente improvisado por la forma en la que Spektor arrejunta las palabras en lo que se podría considerar el estribillo. No es un punto álgido del álbum, pero no está mal.

J: “Poor Little Rich Boy”, aparte de hacerme odiar mucho al protagonista, tiene esa percusión que me encanta, pues aunque las baquetas (creo que son baquetas golpeándose entre sí) aportan el ritmo, hacen pequeñas variaciones constantes que impiden seguir un patrón uniforme. Por otra parte, aparte de las dos que mencionas (y del breve interludio que introduce “Your Honor”, con el hermano pequeño de Regina preguntándole que cuando empieza la canción, de manera extrañamente tierna, porque no pega nada con lo que llega luego), todo va en la misma línea, de baladas suaves tirando hacia la melancolía. O hacia la depresión, directamente: “Carbon Monoxide” habla del suicidio. Sin más rodeos. Y de forma muy desalentadora.

A: Es una de esas canciones que sirve para hablar de otra característica del álbum, y es que Regina Spektor tiene la capacidad de dejarse llevar por la extravagancia cándida en muchas de sus canciones, y esto puede poner a algunos de sus detractores de los nervios nerviosos. Aquí puede ser la repetición de “walk walk walk” o “come on daddy” o “I’m so cool”, que supongo que tienen que ver algo con el tema de la canción. En “The Flowers”, esto le lleva a algo más divertido, que es una interpretación impromptu de la famosa canción judía “Hava Nagila”, o algo que se le parece, como homenaje a los orígenes étnicos de la cantante imagino. Hay bastantes momentos así que a muchos les podrían resultar cargantes. En ese caso, alejarse muchísimo de Joanna Newsom.

J: A mí esa extravagancia (y no entiendo a qué te refieres con la lejanía de Newsom) me encandila. En “Carbon Monoxide”, por ejemplo, la manera en que el “come on, daddy” da paso a un juego de palabras con “dead-a, dead-a, dead-a, dead-a” que machaca el mensaje hasta la saciedad, es soberbia. “The Flowers” quizás lleve al extremo esa cuestión en lo formal (yo había interpretado ritmos cosacos, pero lo de “Hava Nagila” tiene más sentido), aunque en lo que a contenido se refiere, “Chemo Limo” domina absolutamente. No sé si tiene algo de biográfico con ella misma o algún familiar, pero… No sé, es que no sé cómo hablar de esta canción. Básicamente, da a entender que en un sueño que tuvo Benjamin Franklin le dijo que tenía cáncer, o algo, y el seguro de empresa no se lo cubre, y no se puede permitir la quimioterapia, porque con ese dinero preferiría conducir una limusina. Qué.

A: Con lo de Newsom me refería a que si a alguien le supone un problema la excentricidad de Spektor, que de por sí es bastante asequible dentro de lo que cabe, Newsom hará que quieran prenderle fuego a algo. “Chemo Limo” como bien dices es uno de los temas más estremecedores que hay aquí, por esa temática que tan bien has descrito (aunque con Benjamin Franklin creo que se refiere a una metáfora del dinero, pero a saber). Lo más conmovedor del tema, sin duda es esa repetición de “oh my God, Barbara, she looks just like her mom”, que me parece uno de los momentos más potentes del disco. Similar, aunque con una temática algo más confusamente dickensiana, es “Ghost of Corporate Future”, otro de los destacados en lo que a letra se refiere, me parece.

J: Totalmente de acuerdo, en todo (no había pensado en lo de Franklin, pero makes sense). El momento “she looks just like her mom” es desgarrador, y “Ghost of Corporate Future” es también preciosa, aunque el dolor que deja traslucir lo palia un poco esa candidez tan, tan… tan Phoebe Buffay, porque la estrofa sobre cortarse el pelo es maravillosa y muy suya. En cualquier caso, es una especie de crítica a la alienación en la sociedad de hoy, o quizás no, pero siempre queda bien decirlo. Y queda poco de qué hablar, quizás, salvo por el tema que cierra, “Somedays”, y el tema central del trabajo, “Us”. Uno está bien y supone una conclusión que revierte a la melancolía del principio, que conmueve bastante, pero es que el segundo es arrollador. ¿Cierto?

A: Estoy de acuerdo. “Us” es el mejor tema del disco a una distancia que a mí me parece bastante notable del resto. Las cuerdas vibran, el piano danza, y Regina canta lo que podría ser una condena del estalinismo, o no, según quién la lea. El estribillo es digno de un monumento como los que menciona Spektor en la letra, y ese “it’s contaaaagious-ah-oh-us” es, valga la redundancia, contagioso. Las rarezas de la cantante se usan de la manera más efectiva, y es imposible no cantar con ella. Casi tan imposible como seguirla, porque madre mía, los giros que le da a la voz son vertiginosos.

J: La verdad es que leer las interpretaciones de la gente de esta canción me ha demostrado que la gente es imbécil y que estudiar historia está sobrevalorado, o algo. Pero dejando al margen esa cuestión, el tema en sí es absolutamente precioso. La manera en que las cuerdas van creciendo (de una manera que me recuerda muchísimo a Max Richter) mientras su voz se pierde en gorgoritos, es genial. Y… No sé. Ah, “Sailor Song”, que no la hemos mentado, creo. Pues “Mary Ann’s a bitch”, dicen. Y la gente lo interpreta a lo loco. Desde decir que “Mary Ann” es “Marian”, que significa “mar amargo”, hasta decir que “Mary Ann” es un barco, y que como está lleno de “se(a)men” es… eso. Terrible. Pero la canción es muy divertida (y también se despega un poco del rollo general del disco).

A: Ojalá más interpretaciones terribles de letras. O menos. Son divertidas, como poco. Dicho esto, creo que podríamos ir pasando al tema notas. Sé que tienes pensado darle una bastante buena a este disco.

J: Pero buena, buena, buena. Aunque comparto tu opinión de que “Us” está a años luz del resto del disco, eso solo significa que me parece una canción de matrícula de honor with merit distinction, mientras que temas como “Chemo Limo”, “Ghost of Corporate Future”, “The Flowers” o “Somedays” los veo de sobresaliente. Y ninguno que baje del notable. Por tanto, un magnífico 9’5 para Regina.

A: Bueno, bueno, división de opiniones. A mí me gusta, es un disco entretenido que hace su trabajo transmitiendo la visión del mundo de su autora, pero aparte de “Us”, no hay ningún tema que me enamore más de la cuenta. Así que le doy un ínfimo 7, ok, ✓, aprobado con creces y ya está.

J: Pero qué puta vergüenza es esta. Eres peor que los que usan “Us” para llamar a Lenin dictador sanguinario. O a Stalin. Terrible, terrible. No por la nota, digo, sino porque no has puesto tu simbolito raro.

A: En la crítica final SALDRÁ. Prometido. Y ahora dí algo comunista para cerrar.

J: Eh… Hmmm. “Decidir una vez cada cierto número de años qué miembros de la clase dominante han de oprimir y aplastar al pueblo en el parlamento: he aquí la verdadera esencia del parlamentarismo burgués, no sólo en las monarquías constitucionales parlamentarias sino en las repúblicas más democráticas”. Dicho queda.

Rockrítico Weekly: Adam Green + Robyn + That Petrol Emotion

noreply@blogger.com (Quixote) — Sun, 10 Dec 2017 11:08:00 +0000

ADAM GREEN - FRIENDS OF MINE (2003)

A primera vista, Adam Green es otro de esos cantautores indie que son bichos raros con una guitarra en su habitación. Ex-miembro de los Moldy Peaches, banda puntera del movimiento anti-folk neoyorquino que también vio nacer como artista a la persona que nos ocupará en la crítica de la semana que viene, lo que nos ofrece "Bluebirds" de entrada es un sonido soleado y melancólico, como un pop barroco y algo twee, muy de otra época, aliñado con algunas de las letras más extrañas que recuerdo ("Cleaning out my wisdom teeth / I found a diamond in my gums"). La voz de Green es cálida y grave, no especialmente expresiva, pero para eso están las cuerdas, para añadir el preciosismo cuqui que evita que las canciones se parezcan a las de un campamento episcopaliano.

Las canciones duran lo justo: "Jessica" es una balada de dos minutos y medio sobre Jessica Simpson y lo falsa que es, y resulta conmovedora de alguna manera extremadamente extraña. Green está siempre por delante en la mezcla de una manera casi agobiante, aunque la parca instrumentación hace que sea más llevadero: una batería muy sutil, una guitarra acústica, un bajo, y por supuesto las cuerdas. "The Prince's Bed" habla de esposas muertas y amigos nazis y Jesús, y es que como ya he mencionado, las letras son más una serie de imágenes incoherentes con la intención de subvertir los temas habituales del folk, y eso cuando se entiende: "Friends of Mine" es un tema romántico al uso, con un sonido de girl group sesentero maravilloso, hasta que uno empieza a pensar que la pareja protagonista son dos narcotraficantes escapando de la policía. y lo que se intuye en "Bunnyranch" es también bastante turbio. Y de las letras de "I Wanna Die" y "No Legs" no digo nada ya. Un disco profundamente bizarro, pero superficialmente accesible.

VALORACIÓN: ✓_6.5

GÉNERO: Folk-pop barroco outsider.

ROBYN - BODY TALK (2010)

La sueca Robyn perfectamente hubiera podido ser tan grande como Lady Gaga, o Sia, o cualquiera de estas estrellas del pop que no encajan perfectamente en los estándares de la industria (aunque ahora ya han creado escuela). Pero aunque goza de prestigio y de la admiración de la crítica, no ha logrado conquistar el mundo aún. Lo más cerca que ha estado es Body Talk, que se puede ver como un recopilatorio de singles, la unión de dos EPs, o un disco de estudio. Sea como sea, no hay fisuras: el disco se abre con un himno archiconocido llamado "Dancing On My Own", cuya esencia discotequera tan fundamental ha sido desecrada por versiones acústicas de mierda sin alma alguna como tantas otras grandes canciones. Pero qué le vamos a hacer.

La especialidad de Robyn es, por tanto, temas bailables pero contundentes y con fuerza: no usaré el cliché de "mujer de hielo" pero títulos como "Fembot" o "Indestructible", que cuenta con un solo de sinte a caballo entre Bach y Moroder, pueden hacer pensar a uno en eso. Es cierto que la distancia escandinava puede aparecer de vez en cuando, pero arpeggios tan brillantes como los de "Hang With Me" son capaces de derretir cualquier cosa. Las mejores canciones aquí son edificantes, como lo es "Call Your Girlfriend", épica con todas las letras, que usa un sample de la voz de Robyn para marcarse otro solo muy creisi. Quizá se hace un poco largo, aunque la espera nos recompensa con el gran final que es "Stars 4-Ever". Un disco de pop excelente. Abstenerse alérgicos a los bajos sintetizados machacones, eso sí.

VALORACIÓN: ✓₇

GÉNERO: Synthpop discotequero.

THAT PETROL EMOTION - MANIC POP THRILL (1986)

La verdad es que no había oído nunca hablar de That Petrol Emotion, descendientes directos de los punk poperos Undertones que tanto gustaban al mítico John Peel. Prometen excitante pop, y si Wikipedia dice la verdad, aseguran tener influencias de gente tan variopinta como The Beatles, Can, Afrika Bambaataa o Sly & the Family Stone. ¿Así que como no me iba a poder la curiosidad? El disco se abre con un puñetazo encima de la mesa llamado "Fleshprint", que combina un ritmo rockabilly con una urgencia punk, como una especie de Clash indies.

Las disonancias post-punk de "Can't Stop" no consiguen ocultar una evidente sensibilidad por la melodía, que es más obvia en los singles que salieron para promocionar el disco: "A Natural Kind of Joy" es un caprichillo que recuerda a los Split Enz, y que rompe por completo los esquemas (¿mala elección como single tal vez?); por su parte, "It's a Good Thing" supone la fusión definitiva entre los Jesus & Mary Chain, Television y los Teardrop Explodes (gran elección, sin duda). Otros temas destacados son el machacón "Mouth Crazy", con unas guitarras atonales espectaculares, y el aún mejor "Tightlipped", con un ritmo surfero imposible de ignorar. Puede que se parezcan bastante poco a sus supuestas influencias, pero su música es consistente, disfrutable, y en bastantes casos muy original.

VALORACIÓN: ✓_6.5

GÉNERO: Pop punky-alternativo.

Manic Street Preachers - Everything Must Go (1996)

noreply@blogger.com (Quixote) — Wed, 06 Dec 2017 10:26:00 +0000

ÁLVARO: Hoy es el día de la Constitución Española. Dato curioso. Eso tiene que ver, de alguna manera u otra, con el disco que reseñamos a continuación, un clásico de un trío galés que respondían al nombre de Manic Street Preachers. Y como quien nos pidió esta crítica es también nuestro metalero becario, Zlatan, pues le llamamos a filas (o se llamó él, ya no sé) para que nos apoyara. Somos tres, como tres eran los Manics, aunque a nosotros no se nos ha perdido nadie. ¿No?

ZLATAN: Hombre, por el camino han pasado muchos redactores que desaparecieron. Pero tenemos noticias suyas, no como en el caso de Richey Edwards, del que no se sabe si está en la India, en las Canarias, muerto tras tirarse por un puente o preparando su regreso a los Manics.

JORGE: Bueno, ahora que se ha callado el pesado infiltrado este, hablemos los mayores. Como han dado a entender mis compañeros, Richey Edwards, guitarrista y co-letrista de los Manics cuando aún eran cuatro, desapareció un aciago día de 1995, o por ahí. Este disco, que salió un año más tarde, supone la evolución del también increíble The Holy Bible, y en muchos aspectos, si no todos, un puente con la etapa de Edwards y un testimonio de que los Manics no estaban, ni mucho menos, acabados. ¿Sí, o sí?

A: Ja. Que es sí, en alemán. Eran circunstancias excepcionales las que rodeaban a los Manics por estas fechas, y la decisión de continuar o no haciendo música tuvo que ser extenuante, un verdadero calvario con dud... ah no, que en cuanto volvieron a juntarse lo tuvieron claro. Las letras de Edwards, de hecho, tampoco se echan de menos por muchos motivos. El primero es que cinco canciones hacen uso de sus versos, y el segundo que Nicky Wire tiene un estilo bastante parecido. Imágenes crudas y concretas, estribillos de estadio, guitarras y orquestación. Unos nuevos Manics para una nueva etapa.

Z: No hay duda que Edwards está en el disco. No solo por las letras que él compuso, sino también en varios momentos; ya sea indirectamente o ya cuando no se cortan y se refieren a él, como el caso del tema que da nombre al disco “Everything Must Go”. Edwards era sobre todo la estética, el alma y alguien polémico capaz de cortarse en directo en plena entrevista. Está claro que sus compañeros le echan de menos, pero también veo que siguen su camino y una evolución clara al britpop.

J: A menudo se ha comentado, también por los propios integrantes, o eso he leído, que este es el álbum “menos Manic” de su carrera. A pesar de ello (o precisamente por ello), es uno de sus más conocidos, y de los que más fácil resulta escuchar y disfrutar desde la primera nota (The Holy Bible, por ejemplo, me requiere un poso mayor). En buena parte se debe a todo ese guitarreo con estribillos de estadio, que se perpetúa desde el tema homónimo ya mentado hasta otros grandes clásicos de la banda. “A Design for Life”, para empezar, que no sé si es un himno a la clase obrera o una premonición de El Club de la Lucha, pero que mola bastante.

Z: Es un himno de borrachos. Evidentemente me encanta. Si tuviera que destacar dos canciones que se me hayan pegado a la cabeza tras las escuchas elegiría a este último y “Australia”. No sé si estáis de acuerdo.

A: “Australia” es quizá lo más descaradamente pop que ahí aquí, con ese tema de escapismo también relacionado con la desaparición de Richey. Es difícil destacar temas, porque es un disco muy uniforme: “Everything Must Go” utiliza las cuerdas spectorianas en el estribillo como nadie más en el britpop (quizá The Verve, o algo), lo que resulta sorprendente sabiendo de dónde venían. Es que en general me quedo con toda la primera cara, desde la sarcástica “Elvis Impersonator: Blackpool Pier” hasta la que tal vez sea la más conmovedora de todas, “Small Black Flowers That Grow in the Sky”, una balada con arpa que compara las experiencias personales de Edwards con las de un tigre enjaulado. Todos esos temas me parecen increíbles.

J: Estoy bastante de acuerdo. La uniformidad del disco es tan destacable que me cuesta poner unas canciones por encima de otras. De las que ya hemos ido mencionando “Australia” me gusta, pero no se me grabó a fuego en una primera escucha; “Elvis Impersonator”, por otra parte, no la entiendo demasiado, y no sé si es solo cosa mía, y “A Design For Life” la tenía muy oída ya (aunque sigue siendo soberbia). Eso sí, “Small Black Flowers That Grow in the Sky” me enamoró desde el primer instante, y quizás sea para mí el gran descubrimiento de este disco. O el segundo gran descubrimiento, junto con la inesperada “Kevin Carter”, también en esa primera mitad, que dedican al fotógrafo ganador del Pulitzer y suicidado por esas fechas del mismo nombre (fun fact: en una primera escucha entendía “heavy cutter” y pensaba que era una canción sobre guardacostas, porque, hey, mi mente funciona así de mal).

Z: Estoy de acuerdo con que la primera mitad del disco es soberbia. También me pasa que, más allá de los temas que más se me han pegado, me gustan más los temas donde Edwards había participado. Ya habéis mencionado “Kevin Carter” o “Small Black Flowers That Grow in the Sky” pero también me pasa con “Removables”. Dicho esto, estoy repasando “Interiors (Song for Willem de Kooning)” y también sigue la estela pop de “Australia”. ¿En otros discos eran tan pops como aquí?

J: Yo diría que antes de este no lo eran tanto. No en The Holy Bible, creo, y aunque los dos primeros los he oído más bien poco, tengo entendido que llevaban un rollo más punk-rock. Eso sí, luego volverían a sacar a relucir con muchísima fuerza la vena pop. No hay más que escuchar, por ejemplo, hitazos como “Your Love Alone Is Not Enough” o “(It’s Not War) Just The End of Love”. ¿Cierto, Álvaro?

A: Sí, se volvieron más pop con los años, aunque Generation Terrorists no está tan alejado de lo que escuchamos aquí (si bien con una producción y un sonido más descuidado, y algún dueto con actrices porno que siempre queda bien). Y por cerrar un poco la opinión, he de decir que los dos temas finales, “Further Away” y especialmente la espléndida “No Surface All Feeling” (esta última ya apunta a sendas futuras) están sin duda al nivel de los iniciales, aunque puedan pasar algo más desapercibidos por su ubicación. Es un disco asequible y de una calidad innegable.

J: “No Surface All Feeling” me resulta un tema absolutamente increíble y desgarrador (supongo que en parte por las circunstancias que rodean al álbum), de una manera que quizás solo diría de otro single, anterior, de los Manics, como es “Motorcycle Emptiness”. Si es cierto que quizás al encontrarse al final no se destaquen tanto, pero suponen un cierre perfecto y bastante mítico a este trabajo, sin duda.

Z: La verdad es que me dan ganas de cortarme las venas o de irme hacia no sé donde mientras oigo el tema. Y coincido, de hecho he reparado en este tema ahora en la última escucha al disco. ¿Algo más que decir o pasamos a las valoraciones?

J: Por mi parte, querría hacer mención a algo con que me he topado leyendo sobre este disco: según la gente, el tema “The Girl Who Wanted to Be God”, del que creo no hemos hablado aún, es “one of the most uplifting and unabashedly positive”, porque es catárquico o nosequé leches. Un tema que se abre con el verso “There are no sunsets, there is just silence”. A ver, que para estar inspirado el título/estribillo en algo de Sylvia Plath pues sí que resulta positivo en comparación, pero madre mía los traumas de la gente.

A: Un día tendrías que hablarnos detenidamente de Sylvia Plath y sus campanas de cristal. O tal vez no. Tal vez deberíamos ir ya a los votos y esas cosas.

J: Que comience nuestro invitado, sugiero yo. Plath para otro día.

Z: ¿Invitado? Pero si ya tenemos un acuerdo verbal. Yo ya estaba esperando mi presentación por todo lo alto. En fin, el disco me encanta pero reconozco que es demasiado blandito para mi gusto. Si tengo que poner una nota le pondría un 8’5.

A: Estás en período de prueba todavía.

Z: “Zlatan no hace pruebas”, como bien dijo Zlatan Ibrahimovic.

J: Que te calles ya, so pesao. Yo voy a ser más mejor persona, y le voy a dar un pedazo de 9’25 como una catedral. Pero porque la portada que homenajea un poco a la del anterior trabajo mola mucho también. A ver, el jefe.

A: El jefe da la razón al becario. Porque yo también le pongo un 8’5, no porque sea blandito. Es uno de mis discos favoritos, la verdad, y por eso como símbolo adjunto un corazón (♥) así muy precioso para dar fe de mi amor por los Manic Street Preachers. Y ya está.

J: Pues ya está, pues sí, pues eso. Pues ahora qué.

Z: Podemos hablar de OT con libertad hasta que Jorge haga como Richey Edwards. Yo creo que esta es la última semana de Cepeda. Eso o la lía muy a lo bestia con un ejército de tuiteras detrás.

A: Sabes que no me puedo resistir a hablar de OT. Está claro que los apoyos de Cepeda parecen irse derrumbando y polarizando con cada semana. Hoy mismo ha sido criticado por no haberse despedido de Pastora Soler, que había ido a la academia a decir algo, o no sé. Cada día hay algo nuevo, pero no faltan los tweets en plan “quieren hundirte, pero cada ves que cantas veo majia #cequeda”. Y si hay algo que no respetamos en un blog de música serio como Rockrítico, es el apoyo ciego a un triunfito. Puestos a apoyar, apoyemos a Ana War, que es la más grande, altanera, presiosa, orgullosa, etc.

J: Como sigáis hablando de OT a quien voy a imitar no será a Edwards, sino a Plath. Aunque total, ya tengo sustituto que sabe tan poco de música como yo en este blog, así que a quién le importa. Lo que yo haga. A quién le importa… Et caetera, et caetera.

A: Ay, mira, van a cantar esa la semana que viene en la gala. Deberías verla porque seguro que te gusta. Con lo que adoras tú a Alaska.

Z: Yo he oído rumores de guerra entre Ana War y Cepeda. Y claro, ante la reina poco se puede hacer. Pero bueno, podemos seguir hablando de ello para que Jorge cumpla su promesa.

J: [static noise]

Rockrítico Weekly: Discharge + Die Antwoord + Fripp & Eno

noreply@blogger.com (Quixote) — Sun, 03 Dec 2017 09:54:00 +0000

DISCHARGE - HEAR NOTHING SEE NOTHING SAY NOTHING (1982)

Discharge fueron una de esas bandas increíblemente influyentes, que tomaron el punk anti-todo de los Sex Pistols y lo llevaron un par de pasos más allá, tendiendo un puente entre ese género y otras corrientes más extremas como el hardcore o incluso el thrash (sin olvidar a su propio subgénero, el "d-beat", caracterizado por ese ritmo omnipresente: "tum-tutum-tutum"). Hear Nothing See Nothing Say Nothing son veintisiete minutos de tralla pura que abren con el tema de título. Como unos Motörhead punkarras, en minuto y medio se suceden riffs demoníacos, un solo de guitarra vertiginoso y los gritos desaforados del cantante Cal Morris.

Es difícil hablar del disco, porque la variedad no es precisamente su fuerte: "The Nightmare Continues" sigue esencialmente la misma estructura. Los riffs que se utilizan en este álbum son, sin duda, increíbles: parece que hayan purificado la esencia de la agresividad musical y luego condensado en secuencias de tres acordes (o cuatro, cuando se ponen en plan Pink Floyd). Así me suena "Protest and Survive", o "A Hell on Earth" (que es más Motörheadiana que la media, incluso). El disco avanza más deprisa que yo escribiendo sobre él, y no levanta el pie del acelerador ni un segundo: incluso "Cries of Help", que con sus tres minutos de duración es prácticamente una suite progresiva, es absolutamente arrolladora (con un dramático final sacado de un documental bélico). No es difícil darse cuenta de porqué este disco es tan importante, así que seguidores de metal que podáis no conocerlo, no sé qué estáis haciendo. Lo que es yo... bueno, ya me conocéis.

VALORACIÓN: ☂_6.5

GÉNERO: Anarcopunk anfetamínico.

DIE ANTWOORD - TEN$ION (2012)

Que Die Antwoord encajen en este mundo fuera de su extraño contexto de poligoneros sudafricanos es poco menos que un milagro. Es una cosa que nadie sabe explicar, como las reglas del críquet o el final de 2001: Odisea en el Espacio, pero sea como fuere, Die Antwoord son estrellas internacionales. Ninja, el rapero pastillero, y Yolandi, una especie de roedor albino que nos deleita con su rareza en la carátula, han llevado su particular sello hasta el cine, con Chappie, dirigida por nada menos que Neill Blomkamp. Pero basta de introducciones, porque Ten$ion dice más de lo que puedo decir yo sobre esta panda. El disco es una colección subversiva de temas con horribles sketches de vez en cuando, y si la voz y el acento distintivos de Ninja y Yolandi no son plato de tu gusto, las letras no te van a hacer cambiar de opinión (que tampoco se entienden a primera vista), cuando no son directamente objetables.

Dicho esto, "I Fink U Freeky" es un temazo, la mejor muestra del hip house físico que nos pueden ofrecer estos tipos: el momento en el que se para el mundo para que Ninja escupa su estrofa ("hoooooold up wohwohwoh wait a minute minute minute Jesus Christ"), más y más deprisa, es uno de mis favoritos ya no del disco, si no de la música pop EN SU CONJUNTO. Y él te dice que saltes, y tú saltas. Pero nada más se aproxima, ni lejanamente, a estas cotas de grandeza. "Hey Sexy" se aleja de las pistas de baile para ofrecernos una base algo más étnica y una Yolandi con mucha mala leche preguntando dónde está su café. A las discotecas vuelven con la insistente "Fatty Boom Boom", que podría estar en un FIFA si no fuera tan soez. "So What?" es más o menos gangsta californiano, pero en Ciudad del Cabo; "Baby's on Fire" lo más próximo que tenemos a "I Fink U Freeky", pero aquí se nota que los diamantes son falsos, aunque esos teclados trance casi la rescatan. En resumidas cuentas, las aportaciones culturales de Die Antwoord, incluídos sus videoclips, pueden ser bastante interesantes, pero musicalmente no dan demasiado de sí. Mi nota personal les da un poco de bonus, en parte por "I Fink U Freeky" y en parte por la referencia a "I Think We're Alone Now" en la por lo demás horrorosa a muchos niveles "U Make a Ninja Wanna F***".

VALORACIÓN: ☢_4.5 ¡Primer álbum suspenso de la vida!

GÉNERO: Rap-rave sudafricano.

FRIPP & ENO - (NO PUSSYFOOTING) (1973)

Robert Fripp, el visionario guitarrista detrás de los atrevidos experimentos sónicos de King Crimson. Brian Eno, el pionero del ambient que dio forma a incontables géneros y ayudó a Roxy Music, David Bowie o Talking Heads a encontrar nuevos horizontes. Juntos por primera vez en una combinación soñada. Y si ambas luminarias hubieran hecho un disco de rock vanguardista, estaríamos hablando de una maravilla asegurada... pero en 1973, ambos estaban ya haciendo ese tipo de álbumes, así que al unirse decidieron dar rienda suelta a inquietudes menos obvias.

En el disco hay dos piezas, de extensa longitud, que exploran nuevos territorios que incluyeron innovaciones en la grabación y en la posterior manipulación de dichas grabaciones. "The Heavenly Music Corporation" da comienzo con un zumbido como la bocina de un barco carguero (en mi casa pensaban que pasaba un avión) que comienza a tomar forma con pretensiones muy minimalistas, con dispersas notas de la guitarra de Fripp añadiéndose a la armonía y formando una estructura en capas. En 21 minutos este paisaje monótono, como de raga indio, evoluciona a su ritmo, sin abandonar esos ingredientes esenciales. "Swastika Girls", con su título poco halagüeño, suena más a tiovivo, con un arpeggio muy de ciencia-ficción que interpreta un sintetizador y una guitarra a la que luego se unen de nuevo los fraseos y el tono distorsionado tan propio de Robert Fripp. Dados los nombres involucrados, uno podría sentirse decepcionado, pero el pensamiento progresivo de estas dos figuras es más que evidente en este álbum.

VALORACIÓN: ☯₆

GÉNERO: Loops ambientales con guitarra improvisada.

Boris - Boris at Last -Feedbacker- (2003)

noreply@blogger.com (Quixote) — Wed, 29 Nov 2017 10:34:00 +0000

JORGE: Como flores de cerezo en un invierno en el bosque de Aokigahara, que no sé si tiene cerezos, pero creo que no, este Japomés toca a su fin y cierra sus pétalos con una despedida que parece más una introducción, pero mira, es lo que hay. Total, que volvemos por última vez con un grupo extraño, ecléctico, principalmente instrumental, con canciones que ocupan el disco completo, y un nombre que no me queda del todo claro cómo es. Esto es Boris at Last: Feedbacker, de los tokiotas noiserockeros Boris.

ÁLVARO: Esta será una crítica divertida, en la que diseccionaremos lo que es un clásico que hemos dado en llamar... ah, si ya has dicho como se llama. Es que no te leo, por eso a veces repito cosas. En fin, Boris no es solo el tertuliano salidorro de Crónicas Marcianas (bueno, era, que ya ha llovido), o aquel primer ministro ruso con tanto pelazo, si no también una banda, un power trío japonés, que pese a no gozar de la misma fama en su patria que otros de los que aquí hemos reseñado, son quizá los más respetados fuera de sus fronteras. Lo suyo es el drone, un género muy underground en más de un sentido: suena como si viniera del centro de la tierra, como una masa de magma que se desliza lentamente. Pero no es tiempo de ponerse poéticos.

J: APPARENTLY el magma puede alcanzar velocidades de 40 km por hora de manera previa a una erupción, y el tiempo de llegada desde el manto hasta la chimenea volcánica puede rondar apenas 4 horas, pero tampoco es momento de ponernos científicos. Ese rollo underground que comentas se hace notar, en lo que al sonido se refiere, mucho en este disco, que parece una suerte de introducción de tres cuartos de hora a un disco de metal experimental que nunca llega. Pero bueno, tampoco les gusta mucho constreñirse con definiciones de géneros musicales, tengo entendido.

A: Quizá una aseveración dura, la que haces. Como pieza de 43 minutos, me parece un monolito consistente, aunque difícil de tragar por su propia naturaleza. Los primeros minutos son más pesados de lo normal, una cascada de guitarras que amenazan con causar un corrimiento de tierra. Wata, la guitarrista que también aparece en la portada del álbum sobre un charco de sangre porque... sí, supongo (en otras ediciones aparecen los otros dos miembros del grupo, Atsuo y Takeshi), toca nota tras nota de muro de sonido infranqueable. El disco se llama “feedbacker” y desde luego, el feedback lo trae en cantidades industriales.

J: Las guitarras tiene una distorsión y una reverb que probablemente seguirán retumbando por algún lado mucho después de que Wata y Takeshi hayan muerto. Aunque por un instante me gustaría poner el foco en el tercer miembro, Atsuo, que demuestra una pericia a la batería que me resulta apabullante en varios momentos. Que no identifico fácilmente porque estamos en las mismas que con otros discos de este mes: es una sola pieza de 43 minutos dividida en algunas ediciones en 5 partes, pero de manera algo arbitraria, a decir verdad.

A: He de decir que acabo de ponerme esta parte 1, la de las guitarras por doquier, y al terminar ha hecho un crossfade maravilloso a “La Revolución Sexual” de La Casa Azul, que hubiera sido una continuación más que digna al álbum. Lo que realmente recibimos, en cambio, no es menos genial: catorce minutos de una especie de metal doom que avanza adormecido durante la primera mitad. Atsuo, como bien has dicho, brilla con su sutileza también en esta parte, hasta que Wata decide romper con todo nuevamente y hacer su propio “Maggot Brain”, un solo de guitarra funkytime que sería capaz de fundir el casquete polar. Son quizá los mejores momentos del disco, y también sirven como presentación a la voz de Takeshi, que... bueno, es bastante normal. Lo que la hace extraña a su manera.

J: En torno al minuto 12 de esta segunda parte, creo que es (o sea, como a los 20 minutos de empezar el disco) entra por fin la letra, sí, con una voz de Takeshi que ni destaca especialmente ni tampoco me resulta floja, la veo interesante en el conjunto. La letra, que estalla más en la tercera parte (donde estalla TODO: batería, guitarras, voces gritando, distorsión, tempo y cualquier palabra relacionada con la música que se me ocurra) habla de… De… Esto… Bueno, os diré lo que dicen los dos primeros versos y los dos últimos: “Las crisis dejan atrás bellos restos, / ayer apareció en un sueño. [...] Las explosiones de polvo que se unen se convierten en el mundo, / un mundo infinito, / vive hasta la infinidad”. Y entre medias, pues cosas de imágenes que parecen sacadas de una peli de terror japonés, o algo. Cuya banda sonora podría ser la parte 4, por cierto. O no, yo por decir.

A: Ay, pues que vonitos versos. Con v. La parte 4 es básicamente ruido puro, japanoise de denominación de origen. Nueve minutazos también, para bajar la intensidad de la parte 3. Está de más describir lo que es, básicamente ruido de amplificadores y armónicos y cosas desagradables que a alguna gente les mola porque les recuerda al útero, o yo qué sé. Quién soy yo para juzgar, ojalá me gustara a mí esto, lo petaría en los guateques.

J: A ver, no soy yo muy fan del rollo yo tampoco, para qué engañarnos. Me resulta muy logrado, claro, como música ambiental que creo que encajaría perfectamente en ciertas obras (videojuegos, cine y demás) que busquen transmitir ese desasosiego y sensación de… No sé, un tanto alienante. Pero disfrutable, per se, no me parece. Y, en todo caso, prefiero, por ejemplo, el cierre mucho más sosegado con la parte 5, la más breve del disco (3 minutos y medio tan solo), que va poniendo el broche final a todo con unos platillos que se repiten y unas guitarras suaves que se apagan poco a poco sin abandonar la distorsión hasta el final.

A: Sí, el tema final cierra el círculo pareciéndose bastante al inicial. Bueno, los llamo temas pero no son temas, pero se me entiende. En fin, se me ha hecho corta la conversación, y eso que el disco tiene mucha tela que cortar... aunque tampoco se me ocurre nada de lo que hablar. Boris hicieron muchas cosas después de esto, cada una distinta de la anterior, y tal vez Feedbacker no sea la forma inicial de empezar a indagar en su carrera. Heavy Rocks, del año anterior, me parece bastante más asequible, aunque no es tan contundente como esto.

J: Reconozco que es este el único que he escuchado. Indagando un poco, he visto que es el mejor valorado, si bien empezarían a pegarlo más fuerte (sobre todo en Occidente) con discos posteriores, quizás con el Pink en 2005, y especialmente con Smile en 2008. Creo, vaya. Y sí, hay mucha tela que cortar, pero no se me ocurre cómo cortarla, la verdad, porque el disco no es lo bastante variado o conocido como para que alguien que no sabe de música como yo diga cosas más técnicas. No sé si tú querrías añadir algo.

A: Yo quiero decir que Almaia es real. Le pese a quien le pese. Y dicho esto, podemos ir a por las notas porque está todo el pescado vendido. Empieza tú.

J: Yo le voy a poner un 7’5. Hace bien lo que quiere hacer, pero no me gusta lo que quiere hacer. Creo que funciona mejor como acompañamiento sonoro y creador de sensaciones poco agradables que como disco en sí mismo. Still, está ok, I guess.
A: Yo le doy un 6’5 ☂, que es exactamente la misma nota que le dí al Vision Creation Newsun de nuestros admirados Boredoms. Creo que ese disco era más original, pero también que los puntos altos de Feedbacker superan a los de Newsun. Aunque es todo opinión personal. ¿Tú quieres añadir algo más?

J: No mucho, la verdad. Que a ver qué hacemos ahora que el Japomés ha tocado a su fin. Habrá que ir pensando en la siguiente gran celebración. Por lo pronto, nos vemos en el próximo Rockrítico Weekly y en nuestras reseñas conjuntas.

A: A mí me gustaría hablar de algo que no tiene nada que ver, pero lo voy a hacer de todas maneras porque ha quedado corta la crítica. Hace poco se ha estrenado una serie en Movistar que se llama Vergüenza y que viene a emular a los clásicos del cringe comedy como The Office o Curb Your Enthusiasm. Pero algo se ha debido perder en la traducción porque el personaje principal es un cuñado insufrible y casposo sin el menor tipo de encanto, por lo que me gustaría hacer un análisis sobre cómo debería funcionar la vergüenza ajena en la comedia. O no.

J: Mi único contacto con dicha serie ha sido a través de un anuncio en una marquesina que tenía un mensaje, no sé si de manera intencional crítica o de manera acrítica, bastante machista. Tampoco recuerdo el eslogan concreto, así que no entraré en el tema. Pero adelante con tu análisis.

A: Sí, todos los anuncios tienen que ver con cosas así, aunque creo que sí es de forma crítica porque el personaje es el colmo de lo desagradable. Y ese es el problema: la vergüenza ajena funciona exclusivamente si el personaje que la provoca tiene a) humanidad, que haga que exista esa vergüenza (porque si ves a alguien siendo horrible sin un valor positivo alguno no te da vergüenza, te da repulsión: se supone que la vergüenza viene de la identificación con el personaje, me cago en todo ya) y/o b) un personaje que se ría del personaje que provoca la vergüenza. David Brent, por ejemplo, interpretado por Ricky Gervais en The Office (versión británica, claro), comparte cosas con el personaje de Javier Gutiérrez en Vergüenza: se cree un jefe genial que es idolatrado por sus empleados, y hace cagadas similares a las de su “homólogo” español, pero en The Office tenemos a la audiencia representada en Tim (Martin Freeman), que se ríe de él a sus espaldas y aporta la humanidad necesaria al conjunto. Larry David en Curb Your Enthusiasm tiene enormes momentos de vergüenza ajena y gigantescos faux pas, pero el público se puede poner en su piel y ver que, si bien está conducido por su propio egoísmo el 99% de las veces, no tiene maldad ninguna y simplemente entiende las reglas de la sociedad pero no les ve ningún sentido y decide hacer lo que le viene en gana. Lo cual es bastante diferente de los chistes de Vergüenza en plan “le he mirado el canalillo a tu madre” o “sé que sois gays pero uno tiene que ser la mujer para la foto de la boda”. Que son muy españoles, claro que sí. Y bueno, ya está, si quieres dar tu visión aprovecha que me vengo arriba.

J: Nah, no añadiría mucho, la verdad. Me resulta más que interesante el punto a), pues creo que ahí radica parte del éxito de una serie como Rick y Morty (en la última temporada, sobre todo) en algunos momentos, y del éxito de BoJack Horseman de manera casi casi absoluta. En esa identificación con el personaje que hace que los vergonzosos actos que perpetran te lleguen a doler, porque en el fondo son buena gente y quieres que no sean unos capullos. Pero lo son. No sé si pinta mucho aquí esta reflexión, pero quería soltarla, y tal. ¿Algo que añadir? Puedo contar curiosidades cientéficas para cerrar, o algo.

A: Pues claaaaaaro.

J: ¿Alguna vez has oído hablar de los quitones, o poliplacóforos?

A: Ilústrame, oh, sabio.

J: Pues son unos PRECIOSOS moluscos con un caparazón realmente colorido y dividido en ocho placas articuladas, que les permite enrollarse en una bola si están en peligro (cochinillas de mar les llama alguna gente). Lo molón no es eso: lo molón es que en la capa inmediatamente inferior a la superficie del caparazón tienen unos órganos sensoriales sensibles a la luz, llamados aestetos, que pueden agruparse para formar ocelli (ojos simples en invertebrados); algunos quitones tienen millares de ocelli en un solo caparazón lo que significa que pueden ver con, básicamente, toda la parte superior de su cuerpo. Y además, reitero, son bonicos como ellos solos. No me digas que no mola eso. Insertemos foto aquí de este portento evolutivo.

A: Bieeeeen. Entonces creo que puedo vislumbrar cuál será tu frase final. Adelante, compañero.

J: Pues que vivan los poliplacóforos, molusco ya.

Rockrítico Weekly: Tatsuro Yamashita + Kōenjihyakkei + Ground-Zero

noreply@blogger.com (Quixote) — Sun, 26 Nov 2017 10:39:00 +0000

TATSURO YAMASHITA - FOR YOU (1982)

Hoy nos las vemos con el enésimo subgénero nipón que descubrimos este mes: el city pop. El sonido es sofisticado y artificial, una especie de versión asiática del yacht rock norteamericano de Miami y Los Angeles. Como el nombre del género indica, es un sonido urbano que también bebe de la música de baile. Así que tenemos un cóctel maravilloso, al menos en lo que a mi respecta (¡la mezcla entre Rick James y Boz Scaggs, al fin!). Por si fuera poco, es un disco influyente, puesto que la combinación descrita es también el germen de ese movimiento virtual, casi más un meme que otra cosa, el Ｖａｐｏｒｗａｖｅ (si no lo escribes así no cuenta). Pero esa es otra historia, y será contada en otra ocasión.

Tokyo son gigantescos rascacielos, luminosas vallas publicitarias, y masas de gente. Y esto es "Sparkle", música ligera con guitarras funk y brillantes metales. Es exactamente la conjunción astral que se esperaba, música completamente occidentalizada pero con el encanto de lo exótico. "Music Book" es similarmente fabulosa, con ese horterismo delicioso de los solos de saxofón. Son los setenta/ochenta que la gente odia, los de la música de centro comercial, de Sheena Easton, Christopher Cross y Captain & Tenille. Todo llevado al extremo: "Morning Glory" tiene un shuffle jazzero de cliché máximo, y "Loveland, Island" no desentonaría en absoluto en un espectáculo de Barry Manilow en Las Vegas, de los que están pensados para jubilados salseros. O en la sintonía de Vacaciones en el Mar. Y qué decir de "Love Talkin' (Honey It's You)": como el resto del álbum, consigue inexplicable mantener esa sobredosis retro en niveles moderados, sin atosigar con una producción demasiado brillante, como lo conseguía hacer Nile Rodgers, por ejemplo (el tema extra "Your Eyes" quizá sí que lleve la sacarina un poco lejos, pero es tan sentida que se perdona). No lo sé, el lector promedio escupirá sobre un disco como éste, pero me parece que es increíble dentro de lo pasadísimo de moda que está.

VALORACIÓN: ☺_7.5

GÉNERO: Horterismo funk-pop de muchos quilates.

KŌENJIHYAKKEI - NIVRAYM (2001)

Como es el último Rockrítico Weekly del Japomés, he decidido agrupar los sonidos más raros al final. Koenjihyakkei es una banda de brutal prog, que lejos de ser un género de ruidos metal extremos, tiene más que ver con la movida Zeuhl de gente como Magma (ignoro si las letras están también en kobaiano), pero dándole una vuelta de tuerca discordante con influencias jazzeras. En este disco, el trabajo a la batería impresiona desde el segundo uno, con "Nivraym". Hay toques un poco de klezmer, también, con esos giros de la melodía. Tras un comienzo ominoso como pocos, con esos coros wagnerianos, se da paso a una sección free jazz con un saxofón disonante. Es una locura que desde luego deja la mente como un bombo después de los 58 minutos que dura el disco. Pero en peores plazas hemos toreado, que se dice.

"Becttem Pollt" no supone un respiro: tenemos un sintetizador que es como un pulso de protones, y que se asemeja más a un prog moderno (¿Liquid Tension Experiment, por ejemplo?) con alguna anfetamina de más. Intenta seguir las líneas rítmicas con los dedos, si puedes, y probablemente acabes con síndrome del túnel carpiano. Las voces en "Lussesoggi Zomn", el corte más largo del álbum, son absolutamente perturbadoras, aullidos y psicofonías demoniacas que aparecen de vez en cuando entre el caos métrico más absoluto. "Axall Hasck" tiene más de lo mismo, aunque a eso de la mitad de la canción aparecen elementos más japoneses... aunque no sabría decir por qué son más japoneses. Una muchacha canta medio atropellada mientras los instrumentos suenan algo más convencionales, con una guitarra que en otras circunstancias podría incluso haber sido descrita como "funky". Es uno de esos raros álbumes que te remueven el cerebro y requieren toda la atención, así que incluso en el caso de que lo disfrutes (yo lo hago), cuando se acaba lo agradeces mucho.

VALORACIÓN: ✓_6.5

GÉNERO: Pandemónium prog.

GROUND-ZERO - REVOLUTIONARY PEKINESE OPERA VER.1.28 (1996)

Los japoneses y los chinos no han tenido siempre una relación ideal, precisamente, y tampoco sé si este disco pretender hacer algún tipo de declaración al respecto. Pero echando un ojo a los géneros a los que se adscribe (música concreta, noise, jazz, prog, samples y turntablism...), es difícil no pensar que es un intento conciliador de alguna manera, aunque solo sea por el formato collage que se emplea. De lo que sí estoy seguro es de que jamás en Rockrítico se ha reseñado ni se reseñará algo tan profundamente vanguardista como esto. "Opening~Flying Across the J.P.Yen" dura nueve minutos y medio de inexplicables golpes de crótalo, ráfagas aleatorias de tres notas de una marcha militar y una especie de ladrido electrónico que convergen lenta pero decididamente hacia un ritmo industrial. Como poco, desorienta.

La desorientación es al fin y al cabo uno de los objetivos de la "musique concréte", la distorsión y manipulación de los sonidos hasta hacerlos casi imposibles de identificar: retransmisiones de radio, cortes de películas, y súbitos estallidos jazz prog ("Rush Capture of the Revolutionary Opera - 1") que parecen más un jingle del inframundo que otra cosa. Todo acaba convirtiéndose en un caos: en "Red Mao Book by Sony" el loop de la banda se ve ahogado poco a poco por voces de mujer diciendo Dios sabe qué. "Paraiso - 1" es un bello respiro, una voz acompañada por una batería dispersa y unas guitarras ambientales hasta que, cómo no, todo se vuelve a desmoronar y el feedback de la guitarra amenaza con destruir los altavoces. En la segunda mitad, los temas son más cortos pero se mantiene el desorden: locutores, saxofones, gritos desaforados, ruidos de vinilo, largos silencios, cintas rebobinadas y "When You Wish Upon a Star". Desconcertante, cuando menos.

VALORACIÓN: ☂_6.5

GÉNERO: Collage revientatímpanos.

BABYMETAL - BABYMETAL (2014)

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 24 Nov 2017 10:42:00 +0000

El mes especial de Japón sigue adelante y yo me pongo a pensar de qué pasaría si un grupo de metal se juntase con un grupo de J-Pop. Ya saben la dureza y la contundencia del metal con las voces inocentes de unas adolescentes japonesas. No soy el único que ha pensado sobre eso, ya que el productor Amuse Kei Kobayashi (ahora conocido como Kobametal) pensó que lo podía petar. Y vaya si lo hizo.

Babymetal ha pegado fuerte en el metal. Y ya no como fenómeno viral ni como curiosidad extraña. El grupo se ha consolidado como uno de los grupos emergentes del metal con más éxito. Ya han traspasado la barrera y llegar a Occidente, tocando en festivales prestigioso como el Download. La revista Metal Hammer afirmó que su disco homónimo era el mejor del género del siglo XXI. Incluso ha llegado a colaborar con leyendas del género como Rob Halford de Judas Priest.

Kobametal juntó a Babymetal alrededor de Suzuka Nakamoto (desde ahora Su-Metal) a la que se unieron Yui Mizuno y Moa Kikuchi (Yuimetal y Moametal respectivamente). Pero para que el grupo realmente sonase a metal se necesitaba una base musical. Para ello se reclutó a la banda Kamiband que tienen un estilo cercano al Death Metal, que exige una gran precisión técnica además de un sonido contundente. Y es esta mezcla lo que tenemos en el álbum, voces virginales y puras con riffs poderosos y una batería tan dura como fiable como un reloj.

Para advertir a los curiosos que aún no se toma en serio la banda, el disco debut bautizado con el mismo nombre que la banda comienza con "Babymetal Death". Una brutal exhibición de fuerza y contundencia. La parte instrumental cobra total protagonismo al tiempo que corean DEATH DEATH DEATH. Es un reconocimiento al verdadero estilo de la banda y muestra sus señas de identidad claramente.

En el segundo tema tenemos uno de sus temas más populares, "Megitsune". Todo se inicia con el teclado y las voces femeninas emergen para darnos lo que de verdad es Babymetal. El estribillo es verdaderamente pegadizo y las estrofas son verdaderamente fuertes. Las voces femeninas son fieles al J-Pop, pero no por ello pierden fuerza. Por supuesto, la música sigue siendo metal extremo.

El tema más conocido es "Gimme Chocolate!!", que es lo que he mencionado anteriormente pero aún más marcado. Hasta tiene un nombre comercial para que los occidentales no lo olvidemos. Es la canción viral del grupo que inició el movimiento Babymetal. Aprovecho para hablar sobre las letras que imagino que se influye en las temáticas del J-Pop. Son bastante superficiales y utilizan metáforas exageradas. Este tema en concreto nos habla de como les gusta el chocolate.

El siguiente corte es "line!", en la que nos enfrentamos nos llega de unos teclados locos a juego de una batería que no se corta en lo de dar hostias se refiere. Los coros guturales se combinan con las suaves voces de sus cantantes. Por un momento nos encontramos con un perfecto tema de un anime, sensación que nos acompaña en todo momento. Pero luego estalla la locura y se ponen a rapear de la nada. Cuando te vas acostumbrado vuelven a los guturales y acto seguido a los teclados locos y a repetir el estribillo como si no hubiera pasado nada. Lo más raro es que queda bien a pesar de los contrastes extremos.

Ya es el quinto tema y toca balada. "Akatsuki" también parece sacado de un anime, siendo épico y a la vez romántico. Que sea una balada no implica que se abandonen las espídicas guitarras. Los músicos en todo el disco muestran un nivel sobresaliente tanto en técnica como en contundencia. Según las traducciones que he consultado la letra dice algo así como: “Pasando miles de noches/ algo del amor debe sobrevivir/ Así que hasta que mi cuerpo perezca/ hasta que mi vida desaparezca /debo seguir protegiendo con este amor”.

"Doki Doki ☆ Morning" podría parecer una canción simpática con un ritmo pegadizo y tontorrón japonés al ritmo de "Ring. Ring. Ring. Good Morning. Wake up!". Lo parece hasta que entran los riffs de guitarra. La letra es como Sailor Moon hubiera retocado el "Maquíllate" de Mecano. Es posible el punto de no retorno de su locura. Antes de adentrarnos, comentaré de que a pesar de mi ignorancia del género del J-Pop las voces consiguen su objetivo de ser inocentes y a la vez fuertes, sin desentonar con las guitarras.

"Onedari Daisakusen" empieza con épica al tiempo que rapean de nuevo. Tras eso se convierte en una canción perfecta para dar botes. Después se ponen a repetir dinero una y otra vez para después hacer lo mismo con comprar. La letra va sobre engañar y ser buena con tu padre para que te compre cosas. Ante todo letras profundas.

Ahora viene "Song 4", que va sobre el número 4 y una supuesta superstición sobre su mal agüero que debe de existir en Japón. Las señas de identidad que distinguen al grupo continúan, incluso un momento que podría ser tildado de reague de regalo sin venir a cuento para después regalarnos una serie de guturales. Es posible que haya cierta caída con respecto al inicio del albúm, pero es de agradecer que intenten sorprendernos siempre aunque se les vayan acabando los trucos. O no.

"Uki Uki ★ Midnight" me gusta en solitario. El problema es que ya llevo mucho metraje y empiezo a sentir cierto agotamiento. Pero sirve para remontar el ánimo, y cuadra perfectamente con ¿a que no sabéis que? CON UN ANIME. La canción va de jóvenes saliendo de juerga por la medianoche y hay un momento Dubstep. Porque se lo pueden permitir y están todos locos. Yo ya me espero cualquier cosa en lo que queda de disco.

El metal extremo vuelve a su forma más cruda y se muestra menos experimental con "Catch Me If You Can". Pero las voces de las chicas consiguen hacerse protagonistas incluso tras los momentos más burros. Aquí ya se nota que la creatividad se les ha ido agotando, pero el tema en el fondo no está mal.

"Rondo of Nightmare" es la transición para volver a la senda inicial de temas menos bizarros y con un tono más épico. Sin embargo, es con el single "Headbangeeeeerrrrr!!!!!" cuando vuelven a alcanzar la calidad del inicio del disco. La canción es poderosa en las estrofas, con un riff de guitarra muy marcado a la vez que los estribillos vuelven a ser tan adictivas como las sustancias que debe consumir el tipo que se le ocurrió esto.

Con "Ijme, Dame, Zettai" termina el disco. Es otro single que ralla un grandísimo nivel. Así que ya podemos decir, sin desmerecer al resto que lo mejor del disco es el comienzo y el final.Es un tema anti-bulliyng y sobre la amistad. Es uno de los momentos álgidos del álbum, aunque como canción favorita me quedo con Megistsune o incluso Death. Aunque reconozco que ha sido gratamente sorprendente la balada Akatsugi.

Y esto es el primer disco de Babymetal. Un disco que sobre todo sabe que hacer y no se pierde dentro de su originalidad y las locuras que realizan. No es un grupo de una serie de singles, sino uno serio que piensa seguir triunfando como demostraron en su siguiente albúm. Aquí se llevaron el aplauso de la crítica y la atención del mundo. Puede que en ocasiones parezca una música algo tonta pero, ¿quién no lo es durante un rato o toda su vida? Mi valoración no es sino que recomendar encarecidamente la escucha. Eso sí, sin prejuicios de ninguna parte.

The Seatbelts - Cowboy Bebop (1998)

noreply@blogger.com (Quixote) — Wed, 22 Nov 2017 10:52:00 +0000

ÁLVARO: Que bonito es todo este Noviembre, este Japomés que tantos descubrimientos nos ha regalado. Mientras veo la final de MasterChef, escribo esto con mi querido Jorge, que hoy será el verdadero alma de la reseña. Hoy nos toca la banda sonora de un anime que no he visto, y él se ha tragado en una semana sólo por esta crítica. Así que en tus manos dejo la introducción.

JORGE: Oioioioi. Pero qué ilusión que me hace ser el hihan no tamashī hoy, jope. Cierto es eso de que me he tragado al completo Cowboy Bebop esta semana, con la excepción del último capítulo doble que no he podido finiquitar porque mi internet es basura. Cuestión esa aparte, para quien no la conozca, la serie es una suerte de space opera muy influida por el western y el noir, que destila a chorros amor por la música: cada capítulo, de hecho, lleva por título el nombre de una canción. Y de esa guisa, responsabilizaron a los Seatbelts, liderados por Yoko Kanno, que ya había trabajado en cosiñas en cine (arreglos para Miyazaki, y todo), TV, juegos y anime, de la banda sonora. Aunque en realidad eso no es del todo cierto: responsabilizaron a Yoko, que formó Seatbelts ex profeso para la banda sonora del anime. Como sea, eso dio pie a cuatro discos solo de la serie original, y luego más cosillas sueltas por aquí. Y de esa producción este es el primero y más destacado. Y tal.

A: Una de las críticas que algunos individuos de la especie humana achacan a quienesquiera que lanzó estos discos al mercado es que decidieron diseminar los “temazos” de la serie en los distintos recopilatorios para vender más. Yo no he escuchado otros discos de Cowboy Bebop, así que no sé si tú que has visto la serie has podido echar algo en falta.

J: A decir verdad, sí. No he escuchado yo tampoco el resto de álbumes, pero en comparación con la banda sonora de la serie, esta primera entrega tiene para mi gusto dos graves carencias: la ausencia casi total de temas no instrumentales (solo hay uno, y a lo largo de la serie saltan unos cuantos bastante notables), y cierta falta de variedad. El disco está centrado principalmente en el bebop, con concesiones a otros estilos, tanto dentro del jazz como fuera de este. O eso creo, tampoco soy un experto. Pero vamos, queda muy lejos de la serie, donde tan pronto suena un tema de jazz como te lanzan heavy metal o pop a la cara.

A: La verdad es que eso hace que me apetezca muchísimo darle una pasada a esos otros álbumes. Porque es que este primero que nos ocupa me parece fantástico, sin ser yo tampoco un fanático del jazz. Es un bebop, tal vez, que es más primitivo y simple, más divertido que algunos géneros más sesudos. El tema de apertura, “Tank!”, que tengo entendido que es el tema de inicio de la serie también, es una bomba de relojería. El bajo golpea violentamente, el saxofón chilla, y la melodía se queda en la cabeza durante días y días. Muy espectacular, una declaración de intenciones en toda regla.

J: Así es, abre la serie de una manera espectacular, tanto es así que me quedaba embobado con la intro a cada capítulo que me ponía (especialmente con los últimos momentos). Es, sin duda, el tema estrella de la serie, y quizás el que mejor define a la banda sonora de entre los más conocidos. Porque ahí tendríamos, por ejemplo, “Rain”, cerca del final, una balada super recargada, con órgano, coros y gritos desgarrados, que es una de las piezas más importantes del disco (la única con letra). Y el cierre del álbum, claro, “Memory”, una simple melodía de caja de música que tal vez a Álvaro no le diga mucho, pero que cuando uno ve la serie es sin duda una de las que se te quedan en la cabeza por más tiempo, dado su significado. Quizás parece precipitado tras este párrafo lo que dije antes de la falta de variedad, pero creedme, desde un punto de vista relativo, la variedad de esto no existe en comparación con la de la serie.

A: Soy muy fan de “Rain”, la canción que más me gustó en la primera escucha años ha (aunque parece ser que mucha gente la odia). Y me gusta que tengamos distintos enfoques sobre la banda sonora. Los temas más jazzeros me gustan mucho por lo general, tanto el loco “Rush” como “Too Good Too Bad”, quizá un homenaje demasiado literal al “Chameleon” de Herbie Hancock. Pero es que aquí hay de todo. Otra de mis favoritas es la medio africana/oriental/exótica “Space Lion”, la pieza más extensa del disco. Es un poco ambient, con tambores tribal y cánticos en un idioma desconocido, y transmite una paz y una serenidad dignas de un monasterio tibetano.

J: “Space Lion” podría ser fácilmente mi canción favorita del disco. En general lo son los temas más lentos, y los que se alejan un poco del jazz o del blues de la línea de “Spokey Dokey”. Que no me disgustan en absoluto, pero la serie me hace asociarlos a los momentos de acción o de “no está pasando nada” (“Cat Blues” es eso, ni más ni menos), mientras que los otros son lo más cercano a la profundidad filosófica que todo el mundo le achaca al anime y que yo no he visto mucho. Quizás porque he visto demasiada ciencia ficción, o quizás porque no he leído a Sartre ni a Camus. Bueno, total, que la otra gran balada del disco, tras las dos ya mentadas, sería “Waltz For Zizi”, una pieza que parece sacada de cualquier composición de Joe Hisaishi, bucólica como ella sola. Y luego, otra de mis favoritas, “Cosmos”, retrotrae muchísimo a esa influencia noir de la que hablaba antes, y que a ratos hace que Cowboy Bebop beba quizás mucho de Blade Runner. Cosa que mola, por otra parte.

A: Hay bastante de Blade Runner en algunos puntos de la banda sonora. En la misma “Space Lion”, sin ir más lejos, me suena mucho a ciertos momentos de la música de Vangelis para esa película. Otros ratos suena un poco a Badalamenti, o Nino Rota. Todos los grandes de poner música a imágenes, vamos, a los cuales se incorpora de sobra nuestra querida Yoko Kanno a partir de ahora. Lo que no es en absoluto es una música muy japonesa, porque todas las influencias aquí son norteamericanas a más no poder (y me dicen que el anime en sí es similarmente yanqui en inspiración). Lo mismo el country de “Felt Tip Pen” que el blues de armónica que aparece en “Spokey Dokey” o “Digging My Potato”. Los temas más inclasificables son, quizás, el Brubeckiano “Piano Black”, un vals jazz con sonidos bastante alienígenas, y “The Egg and I”, una especie de folk campestre con flautines y slide guitar. Ah, y también hay ska en el disco. Porque sí.

J: “Bad Dog No Biscuits” pinta un poco tirando a nada, pero en el caos sonoro que es esto tampoco es que quede fuera de lugar. Como dices, hay poco poso japonés aquí, como lo hay en la serie, aunque en el fondo… La serie es básicamente una space opera, que es un género que bebe mucho del mismo western que se cimentó en base a películas de samuráis. Así que quizás al final queda todo un poco en casa. Oh, y en cuando a la inclusión de Yoko Kanno entre esa gente grande que pone música a imágenes (que secundo), cabe destacar que Cowboy Bebop fue su primer trabajo digamos de primera primerísima línea, pero no se quedaría ahí: la hemos podido escuchar en otros clasicazos de la animación japonesa, como son Ghost in the Shell o la injustamente olvidada Wolf’s Rain.

A: Cosas para frikis, todas ellas. Pero bueno, cada uno es cada uno. ¿Hay algo más que añadir? Porque hemos dicho tantas cosas, o a mi me lo parece a lo mejor.

J: Yo por mi parte no creo tener mucho que añadir. Podemos pasar a las notas, si quieres.

A: Estupendamente. Yo por mi parte le doy un fabuloso 7.5, ☀. Un clásico de culto que me parece más que decente.

J: Yo estoy confuso. Confuso e indeciso. Tras la primera escucha le iba a dar un 7/7’5, cuando empecé a ver el anime saltó al 8’5/9, y cuando me di cuenta de que no le hacía justicia a la banda sonora realmente volvió a bajar fuerte… Pero la última escucha y análisis le ha hecho subir de nuevo. Supongo que ponderando podría ponerle un… 8’25. Ya está. Y todos contentos.

A: Que montaña rusa emocional tu valoración. Pero me parece correcta. Tenía pendiente la serie, aunque tampoco me la has puesto demasiado bien. ¿Peor que Prometheus entonces?

J: Ignoraré esa última pregunta. Y no era mi intención ponerla mal en absoluto: la banda sonora es de matrícula de honor, la animación es una pasada, y la trama, aunque un tanto predecible, está bien llevada y entretiene. Creo que está bastante sobrevalorado el poso filosófico existencialista que tiene, que no rivaliza mucho con el de otras grandes obras de ciencia ficción, pero más allá de eso, es una aproximación de enorme calidad y muy realista al género. Cazarrecompensas en el sistema solar con jazz de fondo. Qué más quieres, hombre, si es la definición del molerío.

A: Bueno, una pregunta menos troll: ¿mejor que Firefly? Aunque no sé si has visto Firefly.

J: He visto tan solo Serenity, porque me gusta hacer las cosas al revés. Pero le recomendaría Cowboy Bebop a cualquier fan de Firefly/Serenity, y viceversa (no sé cuál es mejor, y no quiero entrar en un terreno tan polémico). Es un clásico de la ciencia ficción ya, y del anime en general.

A: Bueno, con esto y un bizcocho, hasta mañana a las ocho. O algo. Concluya usted.

J: ¿Grito cosas al azar?

A: Pues claro.

J: 戦いは唯一の方法です, 既にアニメ!!!

Rockrítico Weekly: Nujabes + X Japan + Kyary Pamyu Pamyu

noreply@blogger.com (Quixote) — Sun, 19 Nov 2017 10:39:00 +0000

NUJABES - MODAL SOUL (2005)

Nujabes, nombre artístico de Jun Seba, sigue siendo uno de los artistas más queridos de Japón tras su trágica muerte en 2010 en un accidente de tráfico. Ahora su obra forma parte de esos canales de YouTube que ofrecen 24 horas de beats hip hop relajados para mejorar la concentración durante el estudio, que es un propósito loable, supongo. Tonterías aparte, es cierto que su producción de ritmos hip hop, muy influida por el jazz y el soul, dista mucho de lo normal. No hay tambores en tu cara ni samples agresivos; en "Feather" tenemos un suave piano y un contrabajo dando forma a prácticamente todo el fondo del tema, hasta que aparecen unos contenidos metales. El rap tampoco nos lanza contra una pared, si no que es más conversacional y tranquilo. En "Ordinary Joe" cuenta con la inestimable ayuda del soulman Terry Callier, que resulta ligeramente desaprovechado por desgracia, quizá porque la batería invade su espacio.

El piano es una presencia omnipresente aquí, el hilo conductor de todas las armonías, y con un sonido casi siempre romántico. Como lo es en general "Luv (Sic.) Part 3", la tercera parte de una especie de sinfonía que Nujabes desarrolló a lo largo de los años y los discos. Esta entrega es una de las mejores, de nuevo con la instrumentación jazz y los versos sobre la magia de la música y la fragilidad de la vida humana. Hay un uso frecuente también de influencias más bien latinas, como en "Thank You", que suena casi a Santana, o "Modal Soul" que se va por derroteros más brasileños. La pista final, "Horizon", es una extensión de todo el disco, que no aporta nada nuevo pero al mismo tiempo resume lo anterior a la perfección en 7 minutos instrumentales. Hay algo en el disco, no sabría decir exactamente qué, que hace que las canciones leviten unos cuantos metros sobre la superficie. La idea de coger prestadas cosas del jazz para hacer hip hop no es exactamente nueva, pero nada se parece esto a ATCQ, por poner un ejemplo. Gente en busca de música para estudiar, este es vuestro sitio. Y si no queréis, tampoco está mal.

VALORACIÓN: ☀_7.5

GÉNERO: Jazz rap celestial.

X JAPAN - ART OF LIFE LIVE (1998)

El visual kei, una corriente musical y de moda, es algo así como el equivalente japonés del glam metal. Sus intérpretes eran ídolos de masas, con melenas al viento y una apariencia andrógina que volvía locas a las chicas, como ya pasó con Bon Jovi o... yo qué se, Boy George. En estudio, el EP de Art of Life es una maravilla de power metal over nine thousand, una extensa suite de 29 minutos que para muchos es la cumbre de la banda. Pero, y no suelo decir esto muy a menudo, en directo las dimensiones que cobra "Art of Life" son extraordinarias. El griterío de la audiencia es ensordecedor en esta grabación (advertencia para epilépticos, porque madre mía las luces) de la Nochevieja del 93, que luego se lanzaría también como EP. Cuando entra Toshi, con esa voz a lo Steve Perry ahogándose, el Tokyo Dome se hace oir más que el propio cantante.

Pero tan protagonista o más que Toshi es Yoshiki, un músico inmensamente talentoso. Su trabajo a la batería es ya de por sí excelente, lo mismo con virtuosos breakdowns que con intensos blastbeats, pero es en la introducción y, especialmente, en el laaaaaaargo, laaaaaaargo intermedio que parte la canción en dos mitades llenas de estrofas metaleras, estribillos de estadio y solos neoclásicos cortesía de hide. Y en pleno centro, como digo, ocho minutos de piano solo porque sí. Lo que comienza como un dulce y melancólico punto y aparte empieza a subir en intensidad y a convertirse en una cacofonía absoluta con Yoshiki aporreando literalmente las teclas mientras da vueltas y vueltas y pone posturitas (parte del piano estaba pregrabado, pero a estas alturas no vamos a llamarle a nadie la atención por eso). Para fanáticos del metal más extravagante y recargado (y no muy puristas), esto es una escucha muy recomendable.

VALORACIÓN: ✓₇

GÉNERO: Metal sinfónico con pintas.

KYARY PAMYU PAMYU - NANDA COLLECTION (2013)

¡El kawaiismo ya llegó! ¡¡¡¡NANDAKOREKUSHOOOOOOON!!!! Kyary es una de las mayores estrellas mundiales del j-pop, y quizá hasta una figura de culto en según qué círculos. Videos coloridos, disfraces infantiles, y un mundo de gominolas... su imagen es tan importante como su música, pero tampoco va necesariamente escasa de lo segundo. Una orquesta de juguete nos da la bienvenida con un pequeño jingle, hasta que los sonidos chiptune-dance se apoderan de la escena. "Ninja Re Bang Bang" nos da toda la información que necesitamos. Sintetizadores de Nintendo, alguna melodía de aires más nipones, y esa voz artificial que le hace a uno preguntarse si Kyary es en realidad una persona humana o un programa de síntesis por ordenador.

No hay una pizca de tristeza en los (excesivos) tres cuartos de hora de disco. Estribillos tontorrones como el de "Kimi ni 100 Percent", temas más movidos como el homenaje a los arcades "Invader Invader" (que cuenta hasta con un momento megadubstep), y otros absolutamente desquiciantes como "Mi": todos ellos se dan cita aquí. Por su parte, "Fashion Monster" es uno de los puntos altos, con la electrónica supercuqui dando un ligero paso atrás, con resultados menos estridentes (quizá un poco más "shibuya-kei", o algo). Es un álbum difícil de recomendar, porque la cantidad de azúcar por segundo sería capaz de poner patas arriba el negocio de la odontología. Pero temas como "Saigo no Ice Cream" o el final "Otona na Kodomo" son tan... adorables, que quizá, y sólo quizá, merezcan la pena los empastes. Y si no es la música, por lo menos los videoclips.

VALORACIÓN: ❄_5.5

GÉNERO: Nintendo-kawaii pop.

Shiina Ringo - Kalk Samen Kuri No Hana (2003)

noreply@blogger.com (Quixote) — Wed, 15 Nov 2017 10:53:00 +0000

JORGE: 我々は途中にいる! Que significa cosas que podéis buscar en Google Translate. Y ahora permitiré a Álvaro insultarme antes de presentar esto.

ÁLVARO: Cantamañanas. Hala, prosigue.

J: Bueno, pues a mitad del Japomés, día arriba día abajo, retomamos el camino de las críticas femeninas con una señora cuyo nombre nadie se pone de acuerdo en cómo romanizar. La llamaremos Shiina Ringo, porque sí, y desentrañaremos los secretos de este su tercer álbum, Kalk Samen Kuri No Hana, que significa algo mucho más weirdo que lo que he blasfemado antes. You move.

A: Parece que estemos jugando al ajedrez. La gente tampoco se pone de acuerdo en cuanto a cómo romanizar el nombre del álbum, pero hemos decidido adoptar ese título porque sí. Porque nos apetece. En Spotify, por ejemplo, se puede encontrar como Karuki Zahmen Kuri No Hana - Kalk Samen Chestnut Flower. En plan vamos a combinar ya todo locamente y que salga lo que tenga que salir. Que por otra parte es una buena manera de definir el disco en sí.

J: La cosa es que aquí la combinación es un tanto excesiva en el título mismo: “Kalk” es “cloro” en alemán, “Kuri no Hana” es “flores de cerezo” en japonés, y “Samen” es lo que estáis pensando si cambiáis la “a” por una “e”. Wikipedia dice algo de conversaciones de amigos de esta señora sobre a qué huele dicha cosa. Mira, no voy ni a preguntar si es verdad. Pero bueno, “combinar todo locamente” es una buena definición para un disco que es, básicamente, eclecticismo en estado puro. Muy llevadero, eso sí.

A: Es sorprendentemente llevadero, como dices. Lo que la fabulosa Shiina Ringo hace aquí es mezclar influencias pop, jazz, rock, experimentación extraña, algo de orientalismo, e instrumentos que a nadie jamás se le ocurriría utilizar en un disco normal. Tenemos en nuestras manos un disco tan original que es casi excesivo. Cada segundo está absolutamente recargado de música, y esta densidad, que en otros discos menos cuidados podría haber sido insufrible, es aquí como una golosina que no cansa nunca. ¿Cuál es tu golosina favorita, Jorge? ¿Los ositos? ¿Las coca-colas? ¿Tal vez el huevo frito?

J: Las coca-colas con un ligero toque de pica-pica. Aunque si hablamos del disco más concretamente quizás pensaría en el segundo tema, “ドッペルゲンガー” (“Dopperugengā”), una siniestra ¿balada? con mucha distorsión, sintetizadores, voces que vienen de algún pueblo fantasma y constantes opuestos en la curiosa letra. Y que, efectivamente, está recargada a más no poder. Pero bueno, qué esperar de un disco donde encuentras instrumentos que van desde el mellotron a la aspiradora, pasando por la zanfona.

A: Yo no voy a utilizar la nomenclatura kanji ni romaji ni leches en vinagre porque es superior a mis fuerzas. Ya hice la imagen de arriba y he tenido suficientes garabatos por este mes. Dicho esto, “Doppelganger” es extrañísima como dices. De esa experimental estrofa, casi Björkiana, al demencial estribillo que es casi como uno de esos dibujos animados que causan epilepsia hecho música. Aun así, creo que la canción que más me llamó la atención, cómo no, es la primera, “Shuukyou”. Lo que pasa en los cinco minutos de este tema es suficiente para carreras enteras. La disonancia orquestal del principio, esos versos ultracreepy como solo Japón puede hacerlo, la distorsión del estribillo, la bucólica sección de después. Alguien que he leído lo define como un buffet libre. Y puedes comer hasta reventar.

J: Un poco sí. De ese tema que abre, una vez leídas las traducciones de las letras, me sorprende muchísimo el nivel lírico que alcanza esta chica, que a veces no sé ni si entiendo, y cuando lo hago no sé si quiero hacerlo. Los primeros versos son algo así como “Que alguien me traiga caramelos deliciosos; / el veneno basta, asumo que son mentiras. / Si es posible, querría algo dulce: / ya lo pagaré luego, las caries no me importan”. O sea, qué. Pero bueno, creo que es la primera mitad del disco, no solo esta apertura, la que llama la atención más, con diferencia: de las dos ya mentadas al ritmo tan de los años 40 de "迷彩" ("Meisai"), a la que sigue la mucho más dulce balada "おだいじに" ("Odaiji ni"), que es casi una nana, aunque no abandone cierta distorsión en las guitarras y tono un tanto creepy. Y bueno, luego está el quinto tema, "やっつけ仕事" ("Yattsuke Shigoto"), que es básicamente música de ascensor por algún motivo que aún no comprendo.

A: “Yatsutsuke Shigoto” (me gusta escribir las cosas como me apetece, o como viene en Spotify por lo menos), es casi hilarante. Esos vientos en plan Tom y Jerry, el ritmo discotequero, es una delicia. Pero sí, algunos temas de la segunda mitad son “casi convencionales”. “Kuki” es un tema bastante cinematográfico, por ejemplo, con mucho piano y unos tambores militares porque sí, supongo, pero relativamente normal para los estándares anteriores. “Okonomi De”, por su parte, es prácticamente beatlesco, dentro de lo que cabe. Y sí, lo que dices de las letras es cierto. Creo que usó una forma del japonés algo anticuada, o algo así, y la cantidad de doble sentidos y matices que tienen las letras es impresionante. Me han dicho, vamos, no tengo yo pajolera idea de japonés. Pero me parece un idioma francamente interesante, con tanto significado en tan pocas sílabas.

J: “Kuki” está entre mis canciones favoritas del álbum, aunque es de las menos extravagantes (recargada es un rato, pero no tan alocada como otras), entre otras cosas por tener un verso que me resume muy bien el conjunto: “Reality is a dream”, que es un poco lo que siento escuchando a Shiina Ringo (como decíamos la semana pasada con Fishmans, solo que esto es un sueño más surrealista y menos natural, o algo). En cuanto a lo de japonés, comparto el desconocimiento y el interés. Añado que, además, me parece un idioma con un sonido precioso. Incluso cuando se usa para mandar a la mierda a la gente, como en "とりこし苦労" ("Torikoshi Kurô"). Y aún quedan algunos temas por delante, y sonidos de grillos por detrás, pero he de confesar que “Kuki” es el último tema que he logrado escuchar con verdadera atención en todos los repasos del disco. Después del mismo hay algo que me hace apagar un poco el interruptor mental. La sobrecarga sónica, quizás.

A: A mi francamente se me va la flapa un poco con el disco, porque si ya tiene este síndrome de déficit de atención de serie, me es imposible a mi prestársela más de un rato. Aunque lo disfruto enormemente, porque es divertidísimo. Por finiquitar las canciones que nos quedan, tenemos el vals de tiovivo de “Poltergeists”, la también prácticamente coherente “Ishiki”, salvo por los didgeridoos, y el tema final que me parece también excelente, “Souretsu”, una genialidad de reminiscencias indias y que pega un petardazo al final con un revientatímpanos de feedback, batería, órgano y qué se yo, que me parece genial. Ojalá todos los álbumes terminaran así, con ruido a lo bestia en tu cara y de gratis. Desde luego, es un disco que no va a dejar a nadie indiferente porque si te cansas de lo que está sonando, en veinte segundos va a estar sonando algo totalmente diferente.

J: “Ishiki” tiene una instrumentación apasionante, además de ser muy pegadiza. Y sí, termina con un bombazo a cara perro el disco, salvo por la edición en vinilo, que cierra con "映日紅の花" ("Ichijiku no Hana"), una balada dominada por un piano y por la voz de Shiina, al más puro estilo de algunas cantautoras intimistas que ya hemos ido reseñando por aquí. La verdad es que casi agradezco ese cierre frente a toda la locura anterior, porque supone un contrapunto sutil pero descansado. O sea, el disco son 45-50 minutos, pero es tan intenso que parecen horas. No sé si el resto de su carrera (aunque creo este fue el último disco en solitario que sacó en una temporada, pues pasó a liderar la banda Tokyo Jihen poco después, antes de volver a su independencia) será así, pero madre mía, qué viaje.

A: A Tokyo Jihen los tengo que escuchar todavía, pero me dicen que están bien así que tendré que ponérmelos pronto. Y sí, es un viaje muy agitado, para el que recomendamos que se pongan todos los cinturones. Bueno, creo que poco más quedaría que añadir. Es un disco difícil de describir porque la música es más densa que cualquier texto que se pueda intentar aproximar a explicar lo que está sonando. Así que hay que probar. Y notas, vamos con las notas.

J: Pues, pues, pues. Yo creo que le voy a dar un comedido 8. No es la gran cosa, pero tampoco está nada mal. Originalidad e intensidad a chorros, pero quizás demasiada como para que el conjunto sea tan disfrutable como podría llegar a serlo. Tú qué. Con tus simbolitos raros, que pareces egipcio.

A: Otro mes será el egipciomés. O algo. Pero de momento no. Yo le doy un 8 también, pero con el importante caveat de la carita sonriente (☺). Que significa que hay que oírlo porque me hase felis. Qué contento estoy con mi sistema de puntuación, y con este disco también. ¿Algo más?

J: Es todo tan bonito. Nada más, por mi parte. Ahora, el consabido cierre-grito-loa de cosas. Tuyo es. Adelante.

A: Qué viva Almaia, hombre ya.

Rockrítico Weekly: Mitski + Yellow Magic Orchestra + Akira Yamaoka

noreply@blogger.com (Quixote) — Sun, 12 Nov 2017 10:39:00 +0000

MITSKI - PUBERTY 2 (2016)

Mitski tal vez sea un poco hacer trampa, porque pese a ser japonesa su carrera se ha desarrollado por completo en Occidente. Pero vamos a ver, ella llamó a este disco Puberty 2 y ni siquiera hay un Puberty 1, ¿así que quién es el tramposo aquí? El disco es uno de ágil indie rock, y cortito, como a mi me gusta. El primer minuto y medio de "Happy" es extraño, con ritmos mecanizados y un saxo arty, hasta que la normalidad hace mella y se convierte en una oda al amor y las galletas. No hay muchas cosas más indies que esa. La voz de Mitski no es desganada ni agresiva, es muy expresiva y delicada, como también demuestra en la punky "Dan the Dancer". Podría estar cantando solemnes temas de folk, pero entonces nos quedaríamos sin Mitski (si bien algunos de sus primeros discos se acercaban más a este paradigma).

Quizá en "Fireworks" se acerca más a lo que me refiero: la manera en la que su grave voz se va inflando en sincronía con el sintetizador y el resto de instrumentos es completamente increíble, y ese crescendo representa uno de los grandes puntos del disco. A esta le sigue el singleazo que es "Your Best American Girl". Un verso como "Your mother wouldn't approve of how my mother raised me" es tan potente como las ruidosas guitarras que estallan a mitad de la canción. Es demasiado real, y más sabiendo cómo son las cosas en Estados Unidos (y en el resto del mundo, la verdad). Para darle variedad al asunto, hay cosas como "My Body's Made of Crushed Little Stars", una especie de folk hiperdistorsionado a gritos que te pega una patada en el estómago justo después del fin de la dramática y preciosa "I Bet On Losing Dogs". ¿Cómo encajar tanta diversidad en un mismo álbum? Con mucha alegría.

VALORACIÓN: ✓₇

GÉNERO: Indie ecléctico-sombrío.

YELLOW MAGIC ORCHESTRA - SOLID STATE SURVIVOR (1979)

La YMO del siempre genial Ryuichi Sakamoto fueron los sucesores lógicos de Kraftwerk en la evolución del synthpop. No tan abstractos como los alemanes, que parecían demasiado obsesionados con sonar lo más robóticos posibles. El título de la primer canción del disco, "Technopolis", parece socavar por completo mi argumento, pero en cuanto los bajos discotequeros entran en la escena, está claro que esta música tiene un aliento humano. Si son máquinas, son de juguete.

"Absolute Ego Dance" es... bueno, música de baile colorida para una fiesta infantil del futuro. Tiene algo de videojuego, aunque esa industria se encontraba en su tierna infancia (pero nació en el mismo lugar que la YMO, así que lógico que hubiera ideas compartidas). El tema más popular es "Rydeen", que actúa como síntesis de todo lo anterior: un arpeggiador loco de fondo, un tecladillo primigenio con ciertos aires asiáticos tocando una melodía enérgica, y un resultado que lo mismo valdría como sintonía de telediario que como cabecera de una serie de ciencia ficción. Otro miniclásico muy tarareable es "Behind the Mask", con esos vocoders del cretácico: temas como este son los que dieron vida al género entero del electropop. La versión del "Day Tripper" de los Beatles es descacharrante, como si de unos Devo nipones se tratara. Si alguien piensa que la japonesa es una música insular y con poca repercusión fuera de sus fronteras, más vale que escuche este disco.

VALORACIÓN: ☀_7.5

GÉNERO: Super disco ~~chino~~ japonés.

AKIRA YAMAOKA - SILENT HILL 2 (1985)

No he jugado nunca a Silent Hill. Bueno, creo que una vez, y solo recuerdo una tupida niebla por todas partes y andar por las calles de esa localidad buscando algo. Pero igual simplemente está ya en mi conciencia, al ser Silent Hill una franquicia tan establecida. Quizá todos hayamos estado en Silent Hill, sin haber jugado al juego. El caso es que no debería tener autoridad para hacer una crítica de la banda sonora de la segunda parte de la saga, pero aquí mando yo y critico lo que me apetece. Y como soy un crítico de método Stanislavski, voy a ponerme el videojuego mientras y bajar las persianas. Esta crítica promete ser más larga de lo normal, pero también es cierto que este álbum es mejor de lo normal.

Akira Yamaoka y el Konami Kukeiha Club se entregaron a la tarea de poner música al escalofriante pueblo del noreste americano. La banda sonora tiene 30 pistas así que no puedo aspirar a reseñarlas todas, aunque la que primero captó mi atención fue, inevitablemente, la primera de ellas, "Theme of Laura". Este es un tema precioso, melancólico con esos violines y la guitarra casi noir (siempre me ha recordado a ese sonido viejuno de los Portishead, siendo dos cosas totalmente distintas). "Theme of Laura" es una excepción, porque la mayor parte del álbum está compuesto por temas ambientales de carácter aterrador, como el disonante "White Noiz", el delicado "Forest", o la balada de piano "Promise (Reprise)", que inexplicablemente ocurre antes que "Promise" a secas. Todas ellas el fondo perfecto para mi gameplay, en el que incapaz de acostumbrarme a los controles de movimiento, hice moonwalking por todo lo que viene siendo la Avenida Nathan mientras el ruido estático comenzaba a subir y yo gritaba "Ay. Ay. Ay." por cada cúmulo horriblemente renderizado de píxeles que podría ser un monstruo perverso o un puñado de hojas.

Pese a que estaba escuchando la música de la banda sonora y no la del juego, pecado mortal por supuesto, los momentos de terror se sincronizaban con los del disco. Básicamente porque todos los momentos son de terror en los dos sitios. Algo me seguía y no sabía si andar o correr, porque hiciera lo que hiciera James Sunderland iba un poco hacia donde le venía en gana. Llegué a un misterioso pozo con la trip-hopera "Heaven's Night", y sufrí un perturbador flash rojo en toda la cara y el mensaje "MEMORY CARD IS NOT FORMATTED". Espeluznante.

Con "Alone in the Town", este ya un tema bastante Portisheadiano, llegué a un cementerio maldito donde un NPC horriblemente actuado me advertía de los peligrosos peligros de Silent Hill. Tras el bizarro metal de "Angel's Thanatos" que se cargó la lúgubre atmósfera del camposanto, me marché impertérrito hacia el desolado camino de tierra en dirección al pueblo, encontrándome con un rancho bastante majo que parecía cerrado a las visitas.

Fue en estas circunstancias en las que dime de bruces con una verja, así que viré a la izquierda, donde me esperaba impaciente una especie de pasadizo que más podía parecerse al interior de un contenedor de basura. Contraviniendo el aviso que me comunicaba un cartel colocado sobre una segunda verja, esta vez indoors (¿qué clase de majara ha diseñado esto?), atravesé una puerta y me supe en Silent Hill. Recibido por "Love Psalm", que tras un buen rato de ambient inquietante volvía a la fórmula del lounge guitarrero con visos de Steve Vai, comprobé que el mapa se había hecho más grande y que me encontraba en el camino Wiltse.

La arquitectura local es cuanto menos sobria, con muros de hormigón y restos de pósters a medio despegar allá por donde me adentrara. Para cuando quise darme cuenta mis pasos sonaban como si estuviera taconeando Sara Baras dentro de una pecera. La música era medio impracticable, con la extraña "Silent Heaven" y la espectral "Noone Love You". Pero nadie me seguía. No había nadie en la calle. Quizá afectada por la explosión de la burbuja del turismo, Silent Hill era un pueblo fantasma. Encontré un kit de primeros auxilios al lado de una floristería, en uno de esos ejemplos de lógica aplastante que solo puede tener lugar dentro de un videojuego.

Mientras sonaban los scratches y los murmullos al revés de la contundente "The Reverse Will", y con una niebla que parecía que iba a entrar al plató de Lluvia de Estrellas, vi al primer monstruo contonearse en dirección a la espesura. Desapareció, y tomé la sensata decisión de no seguirlo. En la encrucijada opté por la ruta alternativa de la calle Sanders, mientras Laura tocaba el piano. Se acaba el disco y no tengo aún ni idea de quién diablos es Laura.

El juego me impidió continuar por donde pretendía hacerlo, así que tuve que seguir al zombi del boogie. En la mayoría de las esquinas de la calle Lindsey había un charco de sangre, cada uno igual al anterior. Cualquier criatura capaz de dejar manchas de restos humanos tan uniformes sobre el pavimento podría acabar conmigo sin pensarlo. "Terror in the Depths of the Dog", una repetitiva marcha a lo Trent Reznor, acentuaba esta sensación de perdición ineludible.

Lo que encontré al final de la calle es que no había final de la calle, sino un socavón del tamaño de una plaza de toros, así que me tuve que dar la vuelta. Sonaba el ostinato de "True", una de las piezas más orquestales hasta el momento. En el mapa, un tachón carmesí me indicaba que por ahí no.

Los sonidos extraños estaban ya degenerando en psicofonías enloquecedoras, lo que unido al horripilante ruido industrial de "Betrayal", me informaba de un hecho: el monstruo estaba cerca. Este iba a ser casi el fin de mi viaje. Confinado tras una endeble barricada de tronco de abedul se encontraba la llamada "Figura Mentirosa", un agonizante ser del averno que lanzaba gases nocivos por el ombligo y que yo, armado con un cacho palo, tenía la infausta labor de doblegar. Sin tutoriales de lucha a mi disposición, me armé de valor y presioné todos los botones uno por uno hasta ver que mi montón de píxeles que respondía al nombre de James Sutherland hacía algo por aplacar al bicho, como por ejemplo darle en todo el cielo de la boca.

Esto es exactamente lo que hizo una vez me hube acercado lo suficiente, y los triunfantes acordes de "Overdose Delusion" me asistieron en mi ordalía. Me había enfrentado a la bestia y ésta había sucumbido. Me sentía capaz de cualquier cosa.

Dejando sangrientas huellas de zapato tras de mi, una vez más con el paso bloqueado por una verja (los verdaderos enemigos de este juego), busqué de nuevo mi primera opción, esperando que la voz de Dios (es decir los diseñadores de Silent Hill) me permitiera esta vez hacer lo que viniera en gana.

Cuando llegué al cruce donde debería haber tomado mi camino original, mi radio FM/AM volvió a emitir estática, y supe que tal vez no pudiera vencer dos veces. Me abalancé sobre la bruma, cegado y blandiendo mi madero, pues es así como actúan los héroes. Dos de las inhumanas huestes de Satán en fila me salieron al paso, y tras una breve refriega en la que me escupieron su tóxica Coca-Cola, asestéles dos porrazos, justo cuando la guitarra de "Promise" se desvaneció, y luego les pisé el cuello para que no se revolvieran en sus últimos momentos.

Fueron dignos contendientes, pero a la postre cayeron.

Mi viaje en Silent Hill había terminado de momento, como lo había hecho el disco. Si la música tiene sentido sin el videojuego es una pregunta innecesaria, pues está claro que no. Y aquí lo que juzgamos es lo que juzgamos. Pero aún sin haber escuchado lo que el juego quería que escuchara, ha sido una experiencia tensa y desesperante, y en buena parte es gracias al trabajo de Yamaoka.

VALORACIÓN: ☂₇

GÉNERO: Ambient caliginoso.

Fishmans - Long Season (1996)

noreply@blogger.com (Jorge Lázaro) — Fri, 10 Nov 2017 11:00:00 +0000

ÁLVARO: Llegamos tarde a nuestra cita, quizá aturdidos por nuestra última aventura, que nos encuentra invadiendo el canal de unos impostores llamados “Rockríticos”. Os ponemos el enlace a su página de Facebook por si queréis tirarles ladrillos virtuales. Más allá de estos sucesos de carácter fantasmagórico, por ejemplo, traemos un disco que, si soy sincero, es la razón por la que obligué a Jorge a instaurar el Japomés como fiesta musical. Hablo de Long Season, de Fishmans. Entre las buenas noticias que acompañan a esta decisión es que es casi imposible encontrar una crítica de este álbum, así que estamos abriendo nuevo territorio, que es de lo que se trata.

JORGE: Hoy mismo he leído a alguien en Twitter hablar de la importancia de indagar en la música japonesa, que va mucho más allá de bandas sonoras de animes y videojuegos, y no podría estar más de acuerdo con esa afirmación y la idea que subyace en el párrafo anterior. Efectivamente, no es este un trabajo sobre el que sea tarea muy fácil encontrar reseñas (apenas 60 opiniones en RYM, a pesar de estar en el Top 300 histórico, y en el Top 10 del año en que se lanzó) y eso hace que esta crítica sea más agradecida… pero no por ello menos complicada. Y eso por qué será, cuéntales, Álvaro.

A: Todo esto, unido a mis recientes lecturas, hacen que esta crítica sea muy especial. Recuerdo que la primera vez que escuché este disco fue, casi seguro, en el metro. Y no me causó ninguna sensación especial, creo que apenas le presté mucha atención. Lo olvidé muy rápido, como era de esperar. Porque pese a que es un álbum bastante asequible, comparado con alguna de nuestras propuestas anteriores, necesita cierta dedicación para no encajonarlo con otras de esas pretenciosas suites que se hacen eternas y en las que no pasa nada.

J: Es un disco que a mí, en una primera escucha, me gustó, pero tampoco atrapó, precisamente por esa falta de atención. En cuanto le dedicas tiempo, se convierte en una preciosa epopeya de 35 minutos que te agarra y sacude hasta hacerte trocitos. Pero pongamos un poco de contexto. Fishmans son (eran) unos señores japoneses que hacían sus cosas musicales de dub y rollos atmosféricos, y psicodelia y cosas así, en discográficas indie desde finales de los 80. Este álbum supuso su bautismo de fuego con una gran compañía (Polydor) y también el punto más alto de una carrera que terminó en el disco siguiente, y con la muerte del vocalista Shinji Sato. Es, con diferencia, su trabajo más conocido y mejor valorado, y aunque no he escuchado el resto, pues puedo afirmar que entiendo perfectamente el por qué.

A: La visión del dream pop de Fishmans, si es que les podemos meter en ese género, es bastante única. Su música me conjura imágenes de una extraña burbuja que rodea a una mastodóntica ciudad que al mismo tiempo está sepultada bajo una frondosa selva. Y además nieva. Igual debería leer menos.

J: A mí me evoca sensaciones más cercanas a las de alguien que se ha perdido en mitad de un bosque frío, ya entrado un otoño que se torna invierno poco a poco, y que no queda lejos de un mar que gotea desde el puerto mientras llueve. O no, no lo sé. El caso es que veo, más que oigo, melancolía, gris, nostalgia, algo de frío, y aún así cierta esperanza y calidez. Igual debería escribir menos yo.

A: Hay muchos goteos en el disco, un ambiente como subterráneo que subyace a todo. No sé por qué no tuvo éxito mi escucha en el metro. En fin, como es lógico para una pieza que dura 35 minutos, pasan bastantes cosas. El bajo retumba, producto de las influencias dub que ya mencionabas, y las guitarras resuenan muy lejanas. Durante tres minutos se construye un paisaje medio alienígena hasta que el primer riff de órgano comienza a repetirse. Hay varios de estos leitmotivs, el más potente de ellos el que sucede justo después de que la batería amenace con entrar en la canción: otro órgano, más sucio que el anterior, que es soportado por unos arpeggios de piano, una presencia casi constante.

J: Ese ostinato de piano es lo que le da una continuidad absoluta (entre otros elementos, si bien es el más destacado) al disco, y me ha sorprendido comprobar que el responsable, Honzi (que también es quien trabaja los teclados, violines, órganos y acordeones, con una presencia melódica fuerte), era más miembro colaborador del grupo que participante a jornada completa. En cualquier caso, el disco consta, como dices, de una pieza de 35 minutos que en algunas versiones, como la que yo he escuchado, se divide en cinco cortes de entre 5 y 10 minutos. Para reseñarlo es mucho más cómodo, claro, aunque a la hora de escucharlo, bastante innecesario: la división entre la segunda y tercera parte, así como entre la tercera y la cuarta, es bastante natural, pero el resto resultan un tanto artificiales y superfluas. Y, por supuesto, no tiene excesivo sentido el álbum si no es con el conjunto completo.

A: Yo lo he escuchado del tirón, y como dices, creo que es como debería ser. Una de las cosas que más me gustan es que evoluciona en tu cara, sin que te des ni cuenta. A eso del minuto doce entra un nuevo motivo de piano que cambia buena parte del carácter de la “canción”, aunque la progresión de acordes sea la misma. A eso de la mitad, se permiten tener el típico momento jazz de solo de batería, y despejan toda la muralla de instrumentos que han construido para dejar lo que parece solo el eco de lo que habían estado tocando, que escuchamos desde una alcantarilla, o algo por el estilo. Esta sección instrumental, que tiene ritmos casi africanos y campanas y rayos láser porque sí, culmina con una vuelta a lo inicial (pero no exactamente lo inicial) como si nos estuviéramos despertando de un coma en el minuto 22. Qué maravilla todo.

J: Esa sección de ritmos casi africanos y rayos láser con goteos de alcantarilla (la parte 3) me recordó un tanto a los Boredoms que reseñamos la semana pasada, y es un cambio de tercio absoluto, aunque a través de ese despertar (la parte 4) más guitarrero y con coros que cantan cosas muy complicadas (“paaaaa parapa papapaaaaa”) se vuelve a la idea inicial, siendo los últimos diez minutos del trabajo de nuevo un repaso a la melodía del piano, las voces lánguidas, el acordeón y las guitarras del comienzo del disco. Y hablando de voces lánguidas… Madre mía, Shinji Sato. Madre mía.

A: Tiene una voz peculiar, muy aguda, con poquitas ganas. Es muy dulce, y le viene bien a la música, supongo. Si la intención era que todo pareciera un sueño, Sato no quiere despertarte. Y en lo que se refiere a este disco, es un instrumento más, en cierto modo. Aunque el disco tiene letra, que habla de algo así como una escapada otoñal, es en japonés. Quién sabe japonés. Porque yo no.

J: Totalmente de acuerdo. La letra, cuya traducción he buscado, no hace falta entenderla mucho, porque transmite justamente lo mismo que buscan narrarte el resto de instrumentos. Es tan breve que podríamos ponerla entera aquí: son tan solo 14 versos, varios repetidos, que hablan de escaparnos al bosque juntos, y de correr, correr, correr, y de encontrarse en un sueño. Pues eso. Todo tan onírico como era de esperar.

A: Pos claaaaaaaaaaaaaaaro. Bueno, qué, ¿hemos dicho suficiente?

J: Pues no lo sé. Imagino que sí. Supongo. ¿Lo hemos hecho? Bueno, espera. Hemos mencionado a Sato y a Honzi, pero me gustaría dejar caer por aquí también el nombre de Yuzuru Kashiwabara (bajo) y, sobre todo, sobre todo, del genial Motegi Kinichi, a la percusión. Por ser justos. Y bueno, si quieres hablar un poco del Fishmans post-Long Season, pues tú mismo, pero yo ya.

A: No quiero yo hacer spoilers a nuestros lectores, aunque por desgracia creo que solo tienen un disco posterior a este. Si de verdad quieren fliparlo con Fishmans, recomiendo sus directos, el último de los cuales (28 de diciembre de 1998), contiene la que quizás sea la versión definitiva de este trabajo, extendida hasta los cuarenta minutos. Y dicho eso, notas.

J: Notas, notas, notas. Pues no me voy a enrollar: un 9, y santas pascuas. Ahí lo llevas.

A: Yo no tengo acceso ahora mismo a mis símbolos arcanos, pero la estrella de cinco puntas (⛥). Y un 8,5. Voy a cantar canciones de High School Musical con mi hermana. Cierra tú.

J: Pues. Esto… Ehhh… Anda mira, ya lo tengo. Hace pocos días tuvo lugar un bonito aniversario comunistoide revolucionario que la gente tal vez achaca a octubre, pero realmente no. ¿Puedo gritarlo?

A: Como decía aquel programa de Jesús Vázquez, allá tú.

J: ¡Feliz lanzamiento del Sputnik-2, camarada ya!

Rockrítico Weekly: Cornelius + Flower Travellin' Band + MONO

noreply@blogger.com (Quixote) — Sun, 05 Nov 2017 10:38:00 +0000

CORNELIUS - FANTASMA (1997)

Cornelius, pseudónimo de Keigo Oyamada, es uno de los nombres que más se asocian a la escena Shibuya-kei, el artificioso indie japonés de sonidos brillantes y coloridos y que de hecho es una de las corrientes niponas que más ha repercutido en otros artistas (en España mismamente tenemos a La Casa Azul, chiclosos como ellos solos). Shibuya es el epicentro cultural de la juventud tokiota, y se supone que la gente más cool de allí escucha cosas como esta. Fantasma es un totum revolutum de samples, trucos de estudio y juegos infantiles que se abre con un minuto de efectos de sonido hasta que un beat hip-hopero rompe con todo. Es "Mic Check", una especie de rap en el que la única letra es el título, repetido una y otra vez, y que se mezcla con teclados de ensueño hasta que Cornelius decide parar y pasar a "The Micro Disneycal World Tour". La cortinilla de arpas que en Hollywood significa "secuencia onírica" se utiliza a lo largo del disco con gran efectividad.

Este segundo tema es un pop psicodélico como de carnaval siniestro, moderno y clásico al mismo tiempo (esas cuerdas romanticonas que aparecen en la segunda mitad son sensacionales). La tercera canción de este potente inicio, y tal vez la mejor de las tres, es "New Music Machine", que decide ser indie rock con guitarras llenas de feedback pero de una manera muy despreocupada, que solo podría provenir de Japón. Quizá tiene mucho que ver esa batería de breakbeat, que le despoja de mucha seriedad, o también esas melodías tan lustrosas. No hay descanso, aunque "Star Fruits Surf Rider" parezca un respiro. Es un tema relajado, al principio, pero en el estribillo entra un ejército de glitches electrónicos que invaden el espacio, haciendo imposible el descanso. Cuando este por fin llega es en "Chapter 8 ~Seashore and Horizon~", un tema de folk hippy con armonías beatlescas y que sale prácticamente ileso de experimentaciones varias. El disco es recomendable, pero la experiencia termina asemejándose a tener a los Animaniacos alrededor intentando entretenerte sin parar durante 50 minutos.

VALORACIÓN: ✓₇

GÉNERO: Pop de dibujos animados.

FLOWER TRAVELLIN' BAND - SATORI (1971)

La tradición psicodélica de Japón viene de lejos, y está claro que grupos como Les Rallizes Dénudés o los Flower Travellin' Band que nos ocupan hoy han tenido una enorme influencia en grupos más recientes como Acid Mothers Temple o Boris, de los que nos ocuparemos a su debido tiempo. Este es otro álbum complicado de reseñar, en este caso por ser una pieza íntegra de cuarenta minutos, dividida en cinco partes más o menos poco conectadas. He de confesar que odié por completo este álbum la primera vez que lo escuché, no estando preparado para cosas como el chillido inicial de Joe Yamanaka, que en el fondo tampoco es tan distinto del de un Ozzy Osbourne. La parte 1 viene dominada por un riff de tritono excelente que hará las delicias de todo fan del metal primitivo.

La parte 2 se abre con un asalto de doble guitarra y tiene un trabajo interesante en la percusión, qu mantiene un ritmo sincopado y tiene unos segundos para brillar por si solo. El tono de la guitarra se acerca demasiado a un zumbido molesto, pero es sólo en esta pista. Otro riff majestuoso vertebra la parte 3, del que se deriva un solo improvisado que parece tener la intención de dejarte en estado de trance. Luego coge carrerilla y se acelera, convirtiéndose en un potente instrumental. Lo más happy que hay aquí es la parte 4, que suena un poco a Cream y nos presenta hasta un solo de armónica. Y, por último, la parte 5 es una extraña locura, quizá lo más doom del álbum. Sin duda lo infravaloré en su día, y aunque tampoco es mi tipo, es un interesante ejemplo de cómo un género que empezaba a forjarse cruza el mundo entero y es absorbido por una cultura completamente distinta de la original.

VALORACIÓN: ☂_6.5

GÉNERO: Proto-doom metal

MONO - YOU ARE THERE (2006)

El post-rock es ese género musical tan apreciado por unos pocos, de temas eternos con espectaculares crescendos, guitarras dramáticas y baterías ominosas: tiene la instrumentación rock pero estructuralmente se parece más a la música clásica. MONO son los máximos exponentes japoneses de este género, y todas las características de éste aparecen como si estuvieran verificando una checklist. Tenemos cuatro cortes laaaargos, de más de diez minutos, el primero de los cuales es "The Flames Beyond the Cold Mountain" (referencia a la portada, supongo). Las guitarras crean un denso muro de sonido que comprime a la batería, con un resultado que se asemeja casi al black metal. La dinámica suele ser siempre la misma, ya perfeccionada por bandas como Godspeed You! Black Emperor: comienzo suave, gran explosión, coda suave de nuevo (aunque aquí antes del final vuelve a revolucionarse todo).

Y podría seguir hablando, pero tampoco hay mucha más variación: podría utilizar las mismas palabras para describir "Yearning", aunque quizá el build-up sea más calmado. "Are You There?" tiene una sección intermedia un poco distinta, con unas conmovedoras cuerdas. La gran conclusión es "Moonlight", que es lo más similar a una desviación de la pauta: las guitarras trinan, los violines embriagan, las baterías arrollan, pero se hace con mucho más gusto y delicadeza, con un clímax de mayor peso. La valoración final es que MONO es una de las bandas que más estrictamente siguen la fórmula del post-rock, y en ese sentido, es una fantástica manera de introducirse en el género (igual que Explosions in the Sky, por ejemplo). Pero si ya eres aficionado y no los conoces, aunque su música es perfectamente placentera, no te estás perdiendo nada.

VALORACIÓN: ☂_6.5

GÉNERO: Post-rock genérico.

Boredoms - Vision Creation Newsun (1999)

noreply@blogger.com (Quixote) — Wed, 01 Nov 2017 10:00:00 +0000

JORGE: Ohayō! Yōkoso! Hoy es 1 de noviembre, Día de Todos los Santos, y también Día de los Muertos, creo, en México, y eso significa dos cosas: una de ellas es que da comienzo el JAPOMES, y la otra ya se me ha olvidado. ¿Y cómo comienza este mes de celebración, y aniversario del blog, y cosas? Pues con un grupo de rock experimental muy loco como son los Boredoms, y su penúltimo álbum, el Vision Creation Newsun. Porque nos va la marcha.

ÁLVARO: Hay tantas cosas que decir, que no sé por dónde empezar. Sí, es el Japomés, que puede ir con tilde o no, depende de cada cual. La música pop japonesa es por lo general, ampliamente desconocida por el usuario medio, salvo por aquellos que, en esta noche de Halloween, irán disfrazados de Naruto o Sailor Moon. Y eso es una injusticia, porque pocos individuos hacen una creación sónica tan especial e inimitable como los nipones. Segundo, es probable que en este mes se nos una un influjo nuevo de seguidores, por motivos que no vienen al caso, y qué mejor manera de recibirlos que con discos que muchos de ellos no habrán oído nunca. Y tercero, que mucha gente me lo ha estado preguntando: en nombre de la organización de Rockrítico, os debo pedir que os descarguéis la app de Operación Triunfo y por favor votéis “SALVAR A RICKY”. No solemos tomar partido en estas materias pero hay causas que desde luego lo valen. Y dicho esto, creo que podemos pasar al bombardeo auditivo de estos Boredoms, que de aburridos tienen poco.

J: Yo en realidad ya he dicho todo lo que sé del disco y casi que me voy a ir a leer La casa de hojas de Danielewski, por si había poco postureo aquí. ¿Si te dejo solo por comprometerme con la literatura ergódica te las apañarás?

A: Supongo que sí, pero sería un mal augurio para lo que nos queda del japomés. En fin, los Boredoms son un colectivo de noise psicodélico, por ejemplo, con orígenes muy extremos. Más en concreto, los destructores de tímpanos Hanatarash, liderados por Yamatsuka Eye, y que fueron muy conocidos por... no sé, destruir un escenario con un bulldozer, por ejemplo, o amagar con lanzar un cóctel molotov a su público. Es este amor al arte lo que sigue permeando la esencia de Boredoms, aunque se hayan calmado un poco, con el tiempo. Con la ayuda de integrantes clave como el guitarrista Seiichi Yamamoto o la increíble batería Yoshimi P-We (la que batallaba con robots rosas en aquel disco de los Flaming Lips), tuvieron unos años en los que llegaron a convertirse en miembros de la escena underground norteamericana, codeándose con los Sonic Youth y John Zorn, e incluso actuando en Lollapalooza. LOLLAPALOOZA.

J: Todo eso es verdad. Supongo. Tampoco estoy en posición de negar nada. En cualquier caso, este disco empieza a abandonar un poco el terreno del Japanoise para meterse más en ambient rock, músicas tribales (que son quizás la seña de identidad más evidente del disco) y un rollo un tanto espacial, sin dejar de lado sus raíces en temas como el segundo, diría yo. Un tema que se llama "☆", porque poner títulos normales a las canciones es de proxenetas, o algo, y donde las percusiones que llevan dominando el ritmo desde la primera canción, "◯", dan paso hacia el final hacia sintetizadores, distorsiones, acordes rotos y Amaterasu sabe qué más...

A: El primer tema, “Circulico”, nos pone en situación, con estallidos de ruido de feedback, baterías locas, y cánticos hippy-colgaos que repiten el mismo mantra que da título al disco. Este ambiente como de éxtasis mañanero me hizo querer levantarme al amanecer, para darle la bienvenida al nuevo sol con “Newsun”, pero soy muy vago y solo conseguí despertarme a las 9:30. Fue mi mejor escucha del disco, en la que la locura empezó a conectar. “Estrellita” es un krautrock (se compara a estos japoneses con los alemanes Can, liderados por Damo Suzuki en su apogeo, constantemente) ultraacelerado que se corrompe en glitches hacia el final. Es una bonita banda sonora para una fiesta muy loca, con gente que va muy puesta de todo y viste con túnicas y cosas. Qué profundos análisis hacemos.

J: Yo no voy a ocultar mi imposibilidad para enfrentarme a un disco así. Quiero decir, no es la primera ver que lo hago, pero a la hora de analizarlo, lo más parecido ha debido de ser el Amarok de Oldfield, que comparado con esto es un rompepistas comercial. Pero bueno, como fuere, los casi 14 minutos del tema inicial se deslizan poco a poco en temas que abrazan más lo instrumental (los cánticos no abundan excesivamente en el disco, son más un rollo de fondo esotérico) e incluso rozan lo que podríamos llamar baladas, como sucede en "ずっと" (“El pasiempre”)... Más o menos. Normalmente los temas abren enlazando con el final del anterior, y aun cuando lo hacen suavemente, la música va creciendo brutamente, sobre todo en esas percusiones tribales que decíamos, hasta llegar al paroxismo absoluto. Es raro encontrar un momento de respiro aquí.

A: En ese sentido, me parece que uno de los temas más intensos, y también de mis preferidos es “Churro”, o “Espiral”, o “Garabato”, o “Ҩ”. El cuarto, vamos. En mis notas que tomo mientras escucho los discos escribo: “si U2 fueran pacientes de un psiquiátrico”. No me acuerdo de que significa, pero tiene la guitarra atmosférica inacabable de un Edge sin los berridos autocomplacientes de un Bono, y además es un crescendo continuo que tiene su recompensa y todo. Esa recompensa es la relajación de “~”, con ranas croando y una batería que recuerda a grupos electrónicos inescrutables como Autechre o Satanás al Pil Pil. Esos últimos me los he inventado, pero no pasa nada. El disco es básicamente para pasarse setenta minutos golpeando cosas imparablemente al ritmo y compás de los tambores, y es muy adictivo a ese respecto.

J: Podría firmar ese párrafo, pero no lo haré, porque tampoco entiendo ni la mitad de cosas que dices. Pero sí, “El churro” también es uno de mis temas favoritos, y el que me parece más interesante en cuanto a intensidad, mientras que musicalmente me atrae más “La ola” que le sigue. Los dos, de lejos, son los que más se me graban en un disco que, no voy a mentir, se me hace bastante largo. Quizás porque los 70 minutos requieren una atención enorme, que me impide además tenerlos de fondo sin que me distraigan mientras hago cosas, a no ser que sean cosas destructivas, que hago menos a menudo de lo que podría parecer. Entiendo que a ti no te pasa igual.

A: No, me pasa, me pasa. Es sin duda un disco que tiene su momento y no podría decir que he encontrado ese momento, pero por vaguería, como ya comentaba. Y creo que decae un poquito en alguno de los últimos temas. “Omega”, sin ir más lejos, es una irritante ventosidad cósmica de siete minutos y medio que poco evoluciona, y que separa una serie de temas que tienen un motivo relativamente común: “Dos Redondeles” tiene un hipnótico loop burbujeante, “Flecha P’arriba” es más caótica pero se sigue basando en la misma repetición de dos notas, que se vuelven a recuperar en “Zutto”, el último corte, de una manera que me hace desear que se rindan ya y toquen “On Broadway” de The Drifters, que parece que lo están deseando. Ese hubiera sido el colofón perfecto a todo este desmadre.

J: Personalmente, hubiera cerrado de manera mucho más intensa (con “Churro”, o incluso con el “Circulico” que abre), aunque “Zutto” sea un tema que me gusta bastante también. Por lo demás, lo más destacable de “Omega” es la recuperación de los cánticos en su primer minuto y medio, pero sí, a partir de ahí, es pura monotonía irritante, que no tiene que ver ni con lo que viene antes ni con lo que cierra después. No sé si diría que hay temas flojos, aparte de este, pero sí que hay un claro descenso de calidad en la segunda mitad del disco, para mi gusto.

A: Estoy de acuerdo. Por mi parte no queda demasiado que decir, porque había un par de detalles de contexto que se me han olvidado pero ahora es too late. Como aquella vez que juntaron a 88 baterías para tocar en directo. O esa guitarra de siete mástiles que construyeron para ser aporreada. No están bien, es lo que quiero decir.

J: No mucho, no. Y creativamente quizás tampoco, porque después de este trabajo sacaron otro en 2004 y desde entonces, salvo directos o cosas así, nada. 13 años de silencio. Son como los SOAD japoneses, pero en más vagos. Y no sé, yo tampoco tengo mucho más que añadir.

A: Pues vayamos al tema de las notas. Que, por cierto, si algún valiente ha llegado hasta aquí, recuerdo que en el menú de la derecha tenemos una recopilación de todas las notas que he dado yo. He modificado por completo mi sistema de puntuación a una especie de alfabeto con símbolos extraños inspirados por los títulos de Boredoms. He de hacer saber a nuestra audiencia que Jorge no se atreve a que se publiquen sus valoraciones porque no quiere que la gente recuerde la exorbitada nota que le adjudicó a aquel disco de Huecco. Y, para mayor deleite de los lectores, también añadí una lista de 200 y nosecuántas canciones de pop esenciales para la vida. Porque tengo ese tiempo libre.

J: La exorbitada nota de Huecco no tiene nada que ver en mi negativa, que se debe a que rechazo frontalmente este sistema de puntuaciones en que me veo obligado a participar, como lo hago en todos los blogs en que trabajo, porque considero que es inútil, que distrae, que es mucho más falible que toda la reseña que desemboca en ella y no sé qué más cosas. Eso y que no quiero que la gente sepa que una vez aprobé un disco de Melendi. Mierda. Volvamos a esto. Di tu nota.

A: Una de las ventajas de mi nuevo sistema es que me es más fácil justificar mi nota, en el sentido de que no tengo que explicar algo que no tiene coherencia ninguna. Así que bueno, vamos allá. El disco no agrada a mis oídos una barbaridad, aunque hay alguna pista que otra que me sube la adrenalina un poquitín. Como ya he dicho, me falta cogerle el tranquillo, y sabiendo que Julian Cope es un fan fatal de este álbum, igual en un rato se convierte en mi disco favorito. El caso es que aprecio su originalidad y su aversión por lo cotidiano, por ejemplo, y eso lo hace justo merecedor de mi nota preferida: el ☂. Un paraguas para la lluvia.

J: Esto… Sí… Claro. Entiendo. Pues lo que él ha dicho, más o menos, pero convirtiendo el paraguas en un… 7’75. Porque no me cautiva y se me hace largo a rabiar, amén de muy árido, pero tiene un par de temas que me gustan mucho, una fuerza enorme y derrocha originalidad. Y porque sí.

A: Es que no te has leído mi sistema: “probablemente una joya poco conocida que algunos entendidos veneran pero que a mí, por lo que sea, no me termina de encandilar”. Eso es el paraguas. Yoko Ono seguro que me comprende.

J: Y Sianoto Gano también.

A: Venga, al primero que comente de dónde viene esa referencia le regalo la discografía entera de Boredoms. Incluso esas cintas incunables de las cuales se sacaron 100 copias y no se conserva ninguna. Y podemos ir cerrando, ya de paso.

J: Le conseguimos los Boretronix, pero no del 1 al 3, sino el 4, y hasta el 5 y el 6. Así, a lo loco. Y sí, es el momento de gritar algo incoherente o espeluznante. Que es el Día-de-que-la-Gente-se-Murióse, o algo. ¿Gritamos al unísono?

A: Venga, vale.

AMBOS: ¡UNÍSONO!

Rockrítico Weekly: Camera Obscura + The xx + Fleetwood Mac

noreply@blogger.com (Quixote) — Sun, 29 Oct 2017 09:54:00 +0000

CAMERA OBSCURA - UNDERACHIEVERS PLEASE TRY HARDER (2003)

Una rápida ojeada a los títulos de los temas de este disco nos da a entender que las de Camera Obscura son canciones por y para adolescentes paraditas, que ven películas francesas y visten con tartán y tal vez no existan fuera del universo de Wes Anderson. Pero esa visión simplista, como de costumbre, nos puede alejar del disfrute de algo maravilloso: a mi me encanta Camera Obscura, y no soy una adolescente paradita (creo). "Suspended from Class" para abrir boca, y el sonido twee inocentón de Belle and Sebastian es la referencia obvia (hasta el solo de trompeta a lo "Judy and the Dream of Horses" está aquí), aunque la voz de Tracyanne tiene un poco más de vida que la del gran Stuart Murdoch (en otros discos aún más, aquí le pone menos ganas). Alguno por ahí la ha comparado con Tracey Thorn, y también lo veo.

"Keep It Clean" mantiene ese mismo sonido, con el goteo de un Rhodes por aquí y por allá. Es una música inocentona que le pega mucho al sello que lanzó el disco originalmente, español y todo: Elefant Records, que ha dado cobertura a lo mejor del indie nacional (La Casa Azul, La Bien Querida, y hasta PAPÁ TOPO). "Teenager" se sale un poco de la fórmula, con ese riff sesentero. En algún momento el álbum se va al garete casi cuando empieza a cantar John Henderson y se ponen a imitar a Leonard Cohen o las Supremes sin motivo alguno, así que cuando recuperan el rumbo con temas como "Number One Son", se agradece. El disco termina con otro buen tema, "Lunar Sea", pero la conclusión final viene a ser que aún seguían un poco verdes, y lo mejor estaba por venir. Y así fue.

VALORACIÓN: 18/30

GÉNERO: Tweendie escocés

THE XX - I SEE YOU (2017)

Tras haber comentado uno de los discos en solitario de Jamie xx en un episodio anterior de Rockrítico Weekly, me enfrento al último álbum de estudio de la banda, uno que ha cosechado un amplio éxito y que les ha dado la credibilidad suficiente para ser cabezas de cartel del BBK, aunque a mi me siga pareciendo un headliner un poco flojo. Cogiendo el testigo del álbum anterior, vemos a los xx adentrarse aún más en la electrónica británica tras esos comienzos más indie. "Dangerous" tiene un ritmo garage contagioso y sirenas como de ataque aéreo. A la vanguardia siempre, combinan toques R&B (ese sample de metales) con un loop de batería. La repetición cansa un poco, por desgracia.

Romy Madley (haría mal en mencionar a Tracey Thorn dos veces seguidas, pero...) y Oliver Sim combinan sus voces, siendo en la práctica un dúo vocal verdaderamente efectivo. "Say Something Loving" me parece superior al primer tema, relajado y sofisticado. Es un disco que no exige en ningún momento tu atención, y temas tan apacibles y bonitos como "Replica" pueden pasar desapercibidos. "On Hold" consigue lo imposible: hacer que Hall and Oates suenen irritantes, lo cual francamente jamás les perdonaré. El disco suena muy bien, pero carece de interés casi por completo: todo es una amalgama de sonidos ambientales chill, las voces de los susodichos, muy suaves build-up que no terminan de conducir a la explosión de la que sabemos que son capaces (Jamie lo demostró en In Colour al fin y al cabo). Tras más de lo mismo en "I Dare You", termina con la insípida "Test Me", muy dispersa en sonido. La producción es excelente, pero no hay mucho de dónde sacar.

VALORACIÓN: 15/30

GÉNERO: Chilltrónica para dormir

FLEETWOOD MAC - BARE TREES (1972)

Fleetwood Mac de transición, sin Peter Green, y sin Lindsey y Stevie. La voz cantante la llevan en esta ocasión Danny Kirwan y Bob Welch, que trajeron consigo un rock ligero basado en el blues que, por consiguiente, actuó perfectamente entre ambas etapas: británicos con aspiraciones de cruzar el charco. Bob Welch, siendo americano, tuvo que tener parte de responsabilidad, pero claro, siendo Fleetwood Mac, el drama siempre le iba a acompañar: separaciones, despidos, y el amargo final de ni siquiera ser reconocido como miembro de la banda en su nominación al Hall of Fame. Pero basta de cháchara: "Child of Mine" le da al boogie bastante, y tiene sofisticación. La sensación de que este disco es un puente entre el océano está clarísima.

"The Ghost" tiene un estribillo californiano y lo que parece una flauta haciendo solos, suena a brisa y a viaje en coche, y no tiene nada de la lluvia de Inglaterra. Es un tema que parece estar diseñado específicamente para la radio de la costa oeste. Por su parte, "Sunny Side of Heaven" tiene las guitarras limpias y preclaras de unos Allman Brothers: es una especie de actualización (inferior) de su "Albatross", y demuestra que Kirwan estaba casi al mismo nivel que Peter Green. Hay tiempo de juguetear con los "bah-doo-baps" de "Bare Trees". La canción más conocida, y que luego se convirtió en el mayor éxito de Bob Welch en solitario, es "Sentimental Lady", una bonita balada. El disco se sale un poco de madre en la segunda mitad, con temas bastante insulsos, pero la primera es muy consistente y guarda unas pocas sorpresas para los fans de los Mac que no conocen esta edad oscura de la banda.

VALORACIÓN: 19/30

GÉNERO: Blues playero.