We Have Band

Poca. Muy poca gente. Mucho. Mucho frío. Aún así, el trío londinense compuesto por Darren Bancroft y el matrimonio de Dede y Thomas Wegg Prosser –junto a un baterista sesionista- cumplieron con su misión de hacer bailar al pequeño y puntual gentío que coronaba la línea más próxima al escenario. En su primera visita a Latinoamérica y bajo la excusa de presentar su segundo álbum -Ternion (2012)- los ingleses inauguraron la velada con un cóctel de funk sintético y abundante pop de corte dance con Steel in the Groove, Visionary y Divisive, éste último uno de los puntos de alto impacto de su primer y homónimo álbum.

Es difícil soslayar que el carisma de Bancroft –las inflexiones de su voz R&B, su sutileza percusiva, su frenesí corpóreo- va a la delantera de la comitiva, a pesar de los esfuerzos de Dede por cultivar un espíritu de frontwoman que nunca llega a alcanzar del todo detrás de sus ojos profundamente delineados, con poses marciales repetitivas y una tímida retroacción a la hora de arremeter contra los pads de su sampler. Los momentos álgidos llegaron con Where are your People y Honeytrap, las piezas más convulsivas del repertorio; y su próximo sencillo Tired of Running.

Darren tuvo la oportunidad de agradecer con la atención y se mostró complacido por la respuesta de un público que  -a pesar de la distancia geográfica- podía recuperar en gran medida las letras de sus canciones. El cierre con You Came Out y Oh! resultó en un momento de mayor protagonismo para la fémina del grupo, en el que se aproximó un poco más a la concurrencia y explotó los recursos de sus cuerdas vocales símil New Young Pony Club. We Have Band volverá a presentarse hoy en MSTRPLN donde, probablemente, su estilo encuentre un hábitat más acorde a su propuesta de pista bailable.

Wild Beasts

Cuando Hayden Thorpe abre la boca le sale un falsete hermoso. Y cuando Tom Fleming abre la suya le sale una voz de barítono hermosa. Si los dos se juntan para armar una banda, ya por el sólo hecho del impacto de sus cuerdas vocales, es difícil que el proyecto pueda fallar. Si a eso le agregamos que ambos tocan y alternan con total fineza y precisión guitarra, bajo y teclados ya no hace falta nada más. O sí, Ben Little en (otra) guitarra y Chris Talbot en batería para hacer la segunda, y ahora sí ya está: este cuarteto inglés al que dieron en llamar Wild Beasts se presentó por primera vez en Argentina para dar a conocer sus dos últimos discos -los impecables Two Dancers (2009) y Smother (2011)- con un set sobrio, contundente y, claro, inevitablemente hermoso.

Las mariposas en la panza comenzaron con Bed of Nails y enseguida se multiplicaron con ese canto de sirena (tritón en este caso) que abre We Still Got the Taste Dancin’ on Our Tongues. El que no le tenía fe a Hayden en vivo se equivoca y se cae de traste: su entonación, si acaso es posible, es aún superior que en los discos. Tom no se quiere quedar atrás y regala su cuota de dulzura frente al micrófono en Reach a Bit Further y luego se vuelve loco a puro alarido histriónico con el delirio de voces armónicas que es All the King’s Men.

Romanticismo y sensualidad giran, se muerden la cola y se fusionan con Albatross, The Fun Powder Plot, Loop the Loop y Hooting & Howling. También dejan en claro que no todo son sutilezas con una versión más guitarrera de This is Our Lot (y no es joda, el piso tiembla) y la pared de sonido que llega por asalto en el interludio de End Come Too Soon, canción con la que deciden cerrar dejando a los presentes un poco aturdidos, y, creo que no hace falta decirlo, profundamente enamorados.

Happy Mondays

Una pelea de bandas en La Hacienda de Tony Wilson entrada la década del ’80. Esa década que Shawn Ryder no dejará de convocar numerosas veces desde el escenario del Anfiteatro de Puerto Madero. Parece todo tan lejano ya: la Fábrica, la juventud, el éxtasis; toda esa demencia que se filtró en un EP de los propios Happy Mondays (Madchester Rave On) y que se convirtió en el estandarte musical de una ciudad y de una época.

Tres décadas después y numerosas readaptaciones mediante, los chicos de Salford salieron el miércoles a la cancha con su plantel original –Ryder y su hermano Paul en bajo, Mark “Cowhead” Day en guitarra, Paul Davis en teclados y Gary Whelan en batería- custodiados por el obsceno soul de la voz de Rowetta Satchell (pasada por la maquinaria Ex Factor) y el más que esperado histrionismo primate de Mark “Bez” Berry, quien ofició también de anfitrión. El show arrancó con una avalancha de la cosecha cumbre de la banda, esa fiesta eterna que es Pill ‘n’ Thrills and Bellyaches (1990): Loose Fit, Kinky Afro, Dennis & Lois, Donovan y God’s Cop se sucedieron sin respiro, produciendo una descarga energética realmente difícil de compensar. Shawn pasó la velada detrás de sus lentes oscuros en un intento de stand up inglés (si es que tal cosa existe), hilando una borrachera de chistes auto-festejados y en un intento de soliloquio en español que el resto de la banda interrumpía para darle paso a los nuevos acordes.

De su primer disco –Squirrel and G Man… (1987)-, 24 Hour Party People desató una verbena digna del registro de John Cale, seguida de algunas dosis menos estridentes de Bummed (1988): Dave On, Hallelujah, Mad Cyril. Un gran momento tuvo lugar allí con Bob’s Yer Uncle, la síntesis perfecta del eterno erotismo que Happy Mondays sabe dosificar en su combo marca baggy. El final con Jellybean y Wrote for Luck no reprodujo la lógica del encore memorable; y es que el hit más hitero –sí, aquel del video sobre el techo de un hotel barcelonés- había ya hecho de las suyas, dejando a todos con la sensación de celebración perpetua.

Porque puede ser que la juventud se haya ido. También el éxtasis y Tony Wilson (fallecido en el 2007, el mismo año que los Lunes Felices, con una versión amputada, pisaron estas tierras por primera vez en el marco del Personal Fest). Pero hay un reducto de la imaginación donde las distancias se comprimen. Y sino pregúntenle a los presentes que saltaban al son de Step On, con un Bez a la cabeza como el monigote sulfatado que bien sabe aún ser -a pesar del tiempo de descuento- y con la insistencia de aquellos que saben lo que significa asistir a una fiesta que, en una época, bien supo durar las veinticuatro horas de la jornada completa.

Mariana Zalazar y Nayla Loza

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Ph. Ma. Celeste Escobar

Dj Cisco sonaba en las bandejas estimulando el ambiente -por sorpresa en su mayoría hombres- y los devotos eran una miscelánea no muy definida con un promedio de entre 25 y 30 años, rango etario en conjunción con David Macklovitch. El público femenino, por su parte, era más homogéneo.

Pasadas las 22, la dupla dió comienzo a la cita y la euforia llegó para quedarse. El show en su totalidad fue intenso, extremadamente entretenido y a David le cabían todas las letras de la palabra “canchero”: treintañero, con campera de cuero roja, lentes de sol negros y guitarra colgada.

Pocos minutos después de las 22.30, el público comenzó a corear la intro que abre su segundo álbum, Fancy Footwork (2007), mientras encandilaban las primeras luces escenográficas. Fiel al arte de tapa de este disco, los soportes de los teclados eran magníficas piernas de mujer fluorescentes. Don’t Turn the Lights On dejó entrever los primeros movimientos de los presentes, seguido de un “¿qué tal Buenos Aires?”, en un perfecto español por parte de Dave 1.

Con Tenderoni y Outta Sight la pista se volvió pura química con movimientos descarriados. Las melodías se tornaron más bailables y siguieron Opening Up y Hot Mess, canciones pertenecientes a Business Casual (2010). Con la llegada de Call Me Up la relación artista-fan se volvió más cercana y el pogo se hizo presente. P-Thugg, la otra mitad, soltó un “aguante Chromeo“, con voz robótica y distorsionada; minutos más tarde llegó el turno de la adorable Bonafied Lovin, que sonó en perfecta armonía.

“You guys are the most”, deslizó David y, luego de un cambio de guitarra, continuó con You’re So Gangsta y Momma ‘s Boy; el público por ese entonces coreaba “Cromeo no se va”. Los muchachos se retiraron y para el encore volvieron con When the Night Falls. Entre bailes excéntricos, se acercó el verdadero final con Grow Up en su fiel versión, dando por consumada una completa fiesta de diversión garantizada.

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Ph. Ma. Celeste Escobar

Al segundo tema, Yukimi Nagano ya se pone a cantar – con esa voz que parece un rejunte de todas las mujeres del trip hop de los 90′s- eso de que la unión del ritual la metió en líos otra vez. Y así será: en algo más de una hora, la alianza con los presentes quedará sellada a fuerza de un aluvión de beats y percusiones que darán vía libre al descajete físico y mental.

El primer signo de alboroto masivo llega con Brush the Heat y una coda a puro cencerro entre Yukimi y el larguirucho y simpático tecladista Fredrik Källgren Wallin, quien por momentos acapara toda la atención cuando su cuerpo queda sometido al pulso infeccioso de la banda. Es que como en un disco producido por Bob Ezrin, los temas fluyen sin solución de continuidad; las melodías varían pero la sólida consistencia de los sintetizadores vician el ambiente de ribetes mántricos difíciles de contrarrestar.

My Step y su feroz estribillo sintético se vuelve sin dudas el momento cumbre de la noche, conjugando pogo y baile por igual en gran medida gracias al enorme despliegue de Erik Bodin detrás de una batería cyborg, un verdadero acorazado orgánico-electrónico. Luego de un momento de calma con Crystalfilm empapada en luces azules, nos sumergimos con los acuosos efectos que dispara Håkan Wirenstrand desde su consola en la hipnótica y dubera Summertearz, otro tramo en que las percepciones se enrarecen. La compostura vuelve con Feather y ese bajo soberbio que hace su aparición en las manos de Fredrik, que sigue bailoteando, quizás inmerso en otra dimensión. Precious será la excusa para otro cuelgue lleno de groove que sólo me hace pensar que de estar presente se le caería la baba al mismísimo James Murphy.

Después de un nivel tan alto, los bises con Nightlight y Little Man parecen un poco chatos. Cerrar tan abajo con la balada Twice tampoco parece muy acertado pero en realidad es perfecta para consolidar con un broche final la unión ritual: Yukimi, frágil y hermosa bajo luces rosadas, canta desde lo profundo su canción más íntima y despojada. Abajo, a pocos centímetros, algunos logran cruzar su mirada. Otros ya no lo necesitan. Prefieren cerrar los ojos y dejarse llevar.

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Ph. Ma. Celeste Escobar

Quizás lo peor del show, dejando de lado la duración, fue que resultó predecible. Y eso no es culpa de los artistas, sino de la difusión que tuvo su show desde 2007. El documental A Cross The Universe, dirigido por Roman Gavras, reflejó a la perfección lo que genera Justice cuando presenta sus temas en vivo. Lo del sábado fue eso, De Rosnay y Augé repasando sus obras de estudio entrelazando todos los temas al mismo tiempo y dándole una índole totalmente rockera al ambiente netamente electrónico. Enfundados detrás de una cruz blanca que titilaba al son del ritmo y unos amplificadores Marshall (de cotillón) que también emitían luz, hicieron lío con los milagros de danza oscura que emite † y los aires de estadio comprimidos en Audio, Video, Disco.

El comienzo fue cantado, al igual que siempre el tema que dio el puntapié inicial del corto set fue Genesis, una versión imperiosa con cuernos y tambores culminantes en un techno house pegadizo y bailable. En ese momento las luces parecían tímidas y los franceses apenas se veían cabizbajos detrás de la implacable cruz. De principio a fin comenzó una mezcla de temas entre humo y luz con puntos esenciales en Helix (más rock que nunca), Civilization (cuyos bises se repitieron más adelante) y Phantom (la parte más bardera). El momento de mayor entrega vino con D.A.N.C.E., momento en que la cruz se corrió a un costado para dejar ver un teclado y un banquito, donde se sentó Augé para tocar el armonioso solo que caracteriza al hit más hit de Justice. Ese que suena en el noticiero de Telefé y en Pachá por igual.

We Are Your Friends y DVNO aparecieron tan tímidamente como On´n´On y Canon. Sólo se percibían sus beats de fondo y los coros entrelazados a esa resaca techno de violas y distorsiones bien colocadas. Los dos momentos fuertes después de todo esto fueron Stress, esa oda al bardo que significó la etapa más techno de † y Audio,Video,Disco (el tema) que recién en vivo se termina de entender que funciona a modo de resumen del último álbum del dúo.

A la hora exacta del comienzo del show, llegó su final; y Augé, frente a la audiencia, levanto los dedos en formato casi peronista para saludar. Había chicas en corpiño bailando y, tanto el vip como el sector general, saltaban ante los franceses. Esta vez, a diferencia de la anterior, hubo justicia, cortita, pero justicia al fin para todos.

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Foto: Guido Adler

La expectativa era grande, al menos en mi caso. Es que James Blake se transformó, a fines del 2010, y con una serie de EPs experimentales editados en forma independiente y el segundo puesto del tradicional BBC Sounds of versión 2011, en uno de los hombres del momento. La edición de su debut lo confirmó como un extraño híbrido entre el dubstep (escena que lo vio surgir), las cadencias de la música gospel y soul, más un ADN indie (covers de Feist y posteriores colaboraciones con Bon Iver).

Pasados diez minutos de las 21, la anónima música de fondo subió de volumen y comenzó a sonar Burial, marcando el tono de lo que estaba por venir. El recinto de San Telmo estaba lleno, como suele suceder con gran cantidad de extranjeros, sub 25 salidos de una publicidad de jeans, un montón de aspirantes a hipsters, melómanos y, sobre el escenario, un grupo de fans que cantaron todas las (escasas) letras. James Blake, en teclados, estaba acompañado por un baterista y un guitarrista; los tres parecían unos ingleses de viaje de egresados recién salidos de un hostel del barrio. Así comenzó un show conciso, de poco más de una hora, pero sin ningún bache, un show de esos que se disfrutan de punta a punta.

El espectáculo comenzó con una sucesión de canciones nocturnas y ominosas (Unluck y Tep and the Logic), que dan la sensación de estar esperando un colectivo a las 4 de la mañana en Londres. Con Love what happened here, una especie de dazzstep, es decir un dubstep con aires jazzeros y un riff de guitarra procesada por efectos, el clima fue levantando. Siguió con Lindesfarne I y Lindesfarne II, una apoteosis de voces con efecto que desemboca en un gospel siglo XXI, que tranquilamente podría ser un cover de Bon Iver (no es casual la colaboración). CMYK, con su upbeat bolichero, marcó uno de los puntos altos de la primera parte del show.

Limit to your Love, el mayor hit de Blake, fue la canción más festejada hasta ese momento y, más aún, luego que terminara con una coda en plan dub. El antiguo single Klavierwerke mutó en un momento cercano al drum and bass de una pista de baile. Para el final, otro hit festejado y estirado a casi el doble de su duración, The Wilhelm Scream.

Ante la demanda del público, que había apreciado hasta ahí un show muy entretenido, Blake volvió con dos covers bien distintos y que, de alguna manera, marcaron la tónica general de todo el show: primero hizo Anti War Dub, del dúo de productores dubstep Digital Mystikz, una lectura casi hardcore y bolichera de este clásico del género que marcó el climax de la noche. El segundo y, última canción, fue A case of you, de Joni Mitchell. Las antípodas de la canción anterior: sólo Blake, un piano y su voz, sin beats, ni efectos, demostrando que puede cantar… Y muy bien.

Quizás allí resida su encanto: en un género pretendidamente anónimo, Blake aporta matices tradicionales del folk, el soul, el gospel, el indie y hasta el post rock, en su fragmentación y no linealidad, y hace que lo suyo sea atrapante por lo híbrido. Definitivamente un gran show, de un artista en el momento justo.

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Ph. Ma. Celeste Escobar

Hay una serie de factores que convierten a la performance en vivo de Merrill en una delicia. Definitivamente, no es lo mismo escuchar el resultado compacto de su trabajo a través de los parlantes del estéreo o de los auriculares del reproductor de mp3 que verlo allí, coetáneo, cuerpo gentil en directo. A pesar de la evidente presencia de los dos micrófonos y la loopera, cada capa sonora se hizo presente como si de artilugios se tratasen. Desde el comienzo con Party Can (Do You Wanna Live?) hasta el cierre con Fiya; uno tras otro, voces e instrumentos invadieron el espacio y dejaron a todos preguntándose cómo tamaña y bendita confusión podía salir de una misma persona, multiplicada al infinito. Porque ésta chica oriunda de Connecticut –pero con el afro-beat bajo la piel- no contentándose con su helicoidal carrusel sonoro, se entretuvo en llenarlo con lo que se le vino a gana: beatboxing en Es-So, prestidigitación en Powa, sintetizadores en My Country, una cuantiosa dosis de funk en Killa. Y su canto, capaz de pasar de la dulzura más tímida al alarido gutural más potente; sin falsetos, sin excesos, sin accesorios molestos.

A pesar de la aparente autosuficiencia de Garbus, sería injusto afirmar que lo hace todo a solas. Además -y ella lo sabe bien- la omnipotencia a la hora del recreo puede llegar a resultar bastante tediosa. Nate Brenner, quien trabajó a sol y sombra con ella en su último disco w h o k i l l (uno de los álbumes estrella del año que pasó y razón del tour que la trajo por estos pagos), fue su principal aliado arriba del escenario, bajo en mano. La recientemente incorporada sección de saxos completaba la banda de infantes, con Kasey Knudsen a cargo del alto y Matt Nelson maniobrando el tenor, con sobrados swing y maestría; quienes, no conformándose con el metal de sus instrumentos, se dieron el gusto de hacer un poco de percusión con utensilios de cocina. Ya se dijo antes, la niñez es cosa seria. Y sino, pregúntenle a Merrill mientras graba una pista rítmica de Hatari golpeando el pie de uno de los micrófonos o mientras canta dentro del hueco de su ukelele para condensar la voz en Real We Flesh.

“A veces ustedes se escuchan más que el loop”, sonríe la dueña de los ojos verde agua mientras trata de empezar a tejer Killa. Ya lo había mencionado en su entrevista con Rocktails: el hecho de elaborar las pistas en vivo a veces trae sus inconvenientes. Pero ella pide todo –hasta el silencio- deshaciéndose en simpatía; esa es su verdadera arma secreta. En la esperada Bizness le pediría al público que grite al micrófono para grabar un loop multitudinario e incitaría a todos a saltar al ritmo de You Yes You, como merecida revancha. Y qué decir de su intento bastante logrado de español, agradeciendo a todos –incluidos a los Morbo y Mambo, quienes abrieron el show con la calidad a la que nos tienen a todos acostumbrados- en la lengua de Cervantes.

Cuando se quedó corta de vocabulario, continuó en su inglés natal: “No se dan una idea de lo feliz que me pone estar acá”. Y mostró, de nuevo, esa límpida sonrisa; el pelo revoltoso, la cara pintada. Es que es tan sólo una niña. Y qué placer da verla jugar, con sus más de treinta años encima.

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Foto: indie folks

Con esa cara y esa voz que se rehusan a envejer, Matthew Caws se ubica en el centro del escenario, se disculpa por la demora (luego el bajista de origen español Daniel Lorca pedirá perdón por “este puto quilombo”) y arremeten con Clear Eye Clouded Mind y Waiting for Something, flamantes temas de su última producción, The Stars are Indifferent To Astronomy. La mitad vacía de la pista evidencia lo escueto de la concurrencia, varios se habrán ido para no volver dejando sólo a los de fierro. Éstos pese a todo se muestran contentos y receptivos ante melodías irresistibles como las de Happy Kid, Hyperspace, Jules and Jim y Whose Authority, una de las más coreadas.

El trío, que se completa con Ira Elliot en batería, suena ajustado, contundente, no hay lugar para fisuras en una banda de power pop que se precie de tal. Además hay un agregado: acompañan a los Nada Surf en esta visita nada menos que el ex Guided by Voices, Doug Gillard (guitarra) y el Calexico Martin Wenk, que se ocupará de los teclados y de esporádicos (y muy festejados) solos de trompeta.

Matthew anuncia que van a tocar temas viejos y los presentes encantados. La seguidilla The Proximity Effect (1998) con Amateur y 80 Windows va levantando la temperatura de un recinto despejado y con ventiladores prendidos. Luego entramos en la dialéctica subibaja alternando tempos urgentes y calmos entre canción y canción: When I was Young, The Way you Wear your Head, la hermosamente emo Paper Boats, Imaginary Friends y así hasta llegar al pico máximo de agite (por ahora) con la veterana Treehouse.

En los bises se producirá una curva ascendente perfecta. Empiezan despacito, sensiblones, con la líricamente morrisseriana Inside of Love para luego explotar de bronca con esa guía para el adolescente popular que es justamente Popular, curiosamente el tema que los hizo populares como banda a mediados de los 90′s. Sigue otro hit, la muy cantada Always Love y para cerrar Blankest Year a todo trapo, con el público coreando ‘fuck it’ a pedido de Matthew y de sopetón la trompeta de Martin que transporta la energía de la canción hacia otro estado aún más alterado. Y así, en este estado alterado, vuelvo a mirar el reloj: 2.30. Es tarde pero da lo mismo. El sueño va a tardar en volver.

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Ph. Sacry

Éste barítono sí que ha viajado por las profundidades. A milímetros del desastre. Aprisionado en su propio cuerpo o en la mismísima cárcel. Fue su tercera visita al país y la excusa tenía nombre perfecto. Blues Funeral, su último trabajo en solitario, fue lanzado en los albores del año para asesinar la melancolía que siempre lo acompañó. También, esquizofrénico, para hacerla resucitar con nueva cólera. Los integrantes de su banda tocaya lo secundaron en la tarea de enterrar pecados como sepultureros de oficio. La batería de Jean-Philippe De Gheest clavó su hoz con mano firme en The Graveddigger’s Song y Tiny Grain of Truth, mientras el bajo de Frederic Jacques le apuntalaba la encomienda. A derecha de Lanegan, Steven Janssens echó cal a sus ya escaldados solos de guitarra que ardieron con especial fulgor en Gray Goes Back y en Hit The City, canción de Bubblegum (2009) donde casi pudo oirse a una PJ Harvey de préstamo. La comitiva la completaron los teclados de Aldo Struyf, quien tuvo la tarea de elevar la novel plegaria electrónica del último disco de Mark: la impronta dance de Ode to Sad Disco, la insistencia sintética de Harborview Hospital, el neblinoso órgano de St. Louis Elegy.

Unas infaltables miradas fueron lanzadas hacia el pasado al caer las lágrimas. Lanegan enfundó su timbre más grunge para gruñir Crawl Space, canción de su primera y difunta banda, Screeming Trees. Y, a pesar de haber hecho énfasis en la última década de su carrera solista, el final comenzó con una siniestra joya de Whisky for the Holy Ghost (1994), Pendulum; e incluso se dio el gusto de versionar a Leaving Train como lo había hecho en I’ll Take Care of You (1999). Tampoco faltaron los momentos de desamparada rabia con los brazos empuñando violentamente el micrófono como ocurrió con Quiver Syndrome, Riot in my House y el cierre con Methamphetamine Blues.

Los inicios de los versos eran recibidos con estampidas de furia. Los fans enarbolaron los prólogos de las dos únicas melodías de Field Songs (2002) -One Way Street y Resurrection Song- al grito de “borracho” en alusión al segundo track (ausente en la velada) de Whisky for the Holy Ghost. Incluso se oyó un inesperado “¡Te quiero!” de garganta de algún chico rudo que no pudo contener su predilección en medio de Wedding Dress. Es que la música de Mark Lanegan parece provenir de un torbellino de pasiones donde las tinieblas, además de atemorizantes, resultan más que seductoras. Fe de ello dieron Sleep with Me y One Hundred Days, que sonaron mientras una pareja decidía consolarse con eternas caricias.

“¿Invocaste al sereno de la noche? / Hueles la sangre fluyendo tibia / Permanezco cerca de ésta gélida frontera / Tan cerca que puedo golpearla con una piedra”. El apocalíptico inicio de When Your Number Isn’t Up rasgó el piélago, arrastrando a todos al abismo de éste hombre legendario. Utópico –por completo utópico- pronosticar a dónde se podría encontrar el fondo.

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Ph. María Celeste Escobar

Dicen que el orden de los factores no altera el producto. Así pues, luego de la primera presentación el día lunes, se invirtieron los roles y le tocó abrir el show a papá Sonic Youth –no es momento de incertidumbre-. La poeta Mina Loy fue la elegida, ojos cerrados y atril a un lado. Thurston acercó la guitarra electroacústica al parlante, ya habría tiempo para deslizar sus dedos por el traste de la eterna Fender Jazzmaster en Groovy & Linda. Basta verlo para comprobar que este hombre sería capaz de robarle su orgásmica música al elemento más inesperado. No es preciso un gran esfuerzo de memoria para recordarlo, ventilador en mano, en el Personal Fest del año pasado (o en cualquier de las presentaciones que hizo en su vida, en solitario o junto a Ranaldo y compañía, si fuese el caso).

Moore aprovechó las dimensiones intimistas del lugar para hacer de su absurda simpatía la constante del show. “Esta canción reza sobre la luna, el cuerpo, la menstruación”, bromeó al presentar Circulation, o pidió perdón por ser tan geek (sic) al describir Never Day como una historia de amor de dos desconocidos en una tienda de discos. La banda -integrada por John Maloney en batería, Samara Lubelski en violín y Keith Wood en guitarra- le siguió el juego, además de secundarlo de maravillas en su rol de alquimista laureado en la conversión del ruido en oro. Antes de hacer catarsis romántica con Fri/End -¿quién no piensa en Kim al escucharlo jurar ser por siempre su amigo?-, dejó que un fan le obsequiara discos y retratos suyos; al tiempo que prometió, luego de interpretar Blood Never Lies, hacer un cover de Feel the Pain de The Damned en su próxima visita a Buenos Aires. “Los vi tocar cuando era más chico, junto a los Dead Boys y Patti Smith; ni deben saber quienes somos”, rió, mientras el resto pensó que eso debía de ser imposible. Sin jamás bajar la impronta explosiva/desfigurante, Thurston se despidió con Feathers y Staring Statues, dejándole la puerta abierta a su compatriota y la piel de gallina a unos cuantos.

Ya lo había anticipado Kim Gordon: “Soy culpable de escuchar a Vile, culpable de escucharlo demasiado”. Y no se equivocaba, lo de este treintañero oriundo de Philadelphia es digno de adicción. Con la mitad del rostro oculto detrás de su extensa cabellera, desangró por el suelo toda su herencia setentosa sin descuidar la actualidad de su música (aplausos para el electrobeat de Freeway). Más allá de las distancias, la posta de aquel que lo precedió se hizo latente en momentos álgidos como Freak Train o Ghost Town, reconvertidos al vivo, donde echarse al piso fue menester bajo el centelleo de las luces no aptas para epilépticos. También, en los profundos retornos de Peeping Boy. Mucho más austero en palabras, Kurt hizo prevalecer el repertorio de su último disco, Smoke Ring for my Halo (2011) y de su antecesor, Childish Prodigy (2009), ayudado por The Violators: Jesse Turbo en guitarra slide y saxo, Adam Granduciel en guitarra eléctrica y Mike Zanghi en batería; éstos dos últimos ex-compañeros de Vile en la banda de la cual fue miembro fundador, The War on Drugs. Hacia el final, mostró su perfil más folk bajo un haz multiradial que recortaba su desgarbada silueta; “tengo algo especial para ustedes”, se animó a decir antes de comenzar a rasguear los acordes de Baby’s  Arms en su guitarra y concluir con la dulzura de Runner Ups; tan sólo acompañado por Zanghi, quien merecería un capítulo aparte por su método percusivo de golpear los parches de la batería con maracas en lugar de palillos. Para el cierre, fue suficiente con que Kurt dijera “take it easy” y extendiera una mano hacia el público en señal de despedida. Sí, el público, ese que bien sabe que sólo se trata de rock. Pero cómo le gusta.

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Ph. María Celeste Escobar

Llegamos, miramos el escenario y nos encontramos con una pantalla super enorme con el logo de la cerveza a los costados del escenario. Al lado, otra muchísimo más pequeña y modesta para la proyección de los recitales ¿Era necesario? Quiero decir, toda la gente que estaba ahí había pagado una suma exagerada de dinero para asistir al “espectáculo”, ¿no es abusivo que por el simple hecho de seguir haciendo publicidad los espectadores tengan que ver los shows en miniatura?

Entre absurdos, mala organización, problemas de sonido y un puñado de grandes bandas, transcurrió el Quilmes Rock 2012 que, una vez más, deja esa eterna pregunta flotando en el aire: ¿Tan difícil será organizar un poco mejor las cosas?

Cuando el último resabio de sol pegaba sobre la Platea San Martín, a la hora señalada, unos forajidos con tatuajes tomaban el escenario por asalto bajo una cortina musical estridente e inentendible. Precisamente, inentendible. A los bonachones de Band of Horses les tocó bailar con la más fea. Con una apertura a la altura de las circunstancias, los provenientes de la Capital del Grunge arremetieron con Islands of the Coast, Is There a Ghost y Great Salt Lake, remándola en un charco de brea contra las inclemencias sonoras y una brisa traicionera. Y para colmo de males, en Cigarettes, Wedding Bands, simplemente, el sonido general, ¡se cortó! Por dos minutos, el público se apiadó de ellos y los cubrió de palmas. Loas a ellos, que permanecieron inalterables y merecieron más que eso. Queremos revancha.

Hace mucho tiempo que todos sabemos que MGMT es una banda de psicodelia y poco tienen de ese pop ganchero al que se los supo asociar en algún momento a raíz de algún que otro hit. Si el año pasado habían venido a la playa de Mar del Plata para dejar en claro eso, con el show del martes en River no hicieron más que reafirmarlo. Ya desde el primer segundo los neoyorquinos dejaron en claro su intención de romper con absoulutamente todo lo convencional: el tema elegido para arrancar el recital fue Pieces of What, esa hermosa balada flotante que forma parte de Oracular Spectacular. Enseguida cambiaron el clima y cargaron a todos de energía con Time to Pretend, surfearon la ola psicotrópica con It´s Working y volvieron a bajar las revoluciones con Weekend Wars. “Esta canción está dedicada a todos los que aman a los cachorros”, dijo risueño Andrew VanWyngarden y enseguida empezaron a tocar Hot Smoke & Sassafras, un cover de la banda de rock psicodélico Bubble Puppy.

Uno de los momentos más interesantes de la noche llegó cuando empezó a sonar Siberian Breaks “¿La tocarán entera?”, se preguntaba alguien. Sí, lo hicieron, tocaron la versión del disco de 15 minutos y demostraron, una vez más, que están más allá de todo. Apenas terminó la canción, el público, compuesto en su mayoría por jóvenes conservadores devotos de la distorsión e incapaces de comprender el universo sonoro de MGMT, empezaron a abuchear a la banda y pedir por la salida de FF al escenario. “No se merecen esto”, dijo VanWyngarden y dio la señal de inicio para que empiece a sonar Kids, himno inmortal de la banda y hit a prueba de balas.

Ya sobre el final, sonaron Congratulations (donde las visuales psicodélicas y sintetizadas de las pantallas desaparecieron para mostrar por primera vez a los músicos) y Of Moons, Birds & Monsters. Hubo un momento del show en el que la banda confesó que fue su primera vez en un estadio y que se sentía raro. Nosotros también lo sentimos raro y está claro que MGMT no es una banda de estadios, no por nada en los cientos de shows que dieron en todo el mundo jamás fueron programados en un evento de este tipo. Pero eso no importa, lo bueno es que durante poco más de una hora nos pudimos prender al viaje con ellos y se sintió muy bien.

“Ahora entiendo, es: olé,olé, olé, olé, algo, algo”, repasó sonriente Dave Grohl al caer en cuenta del canto de devoción manifestado por la horda recitalera argentina. Ese momento del martes pasado a la noche sirve para evidenciar una comunión que hacía falta: Foo Fighters, la banda actual de rock más grande del mundo, y el público local, famoso por ser el más caliente de todos, se comían a besos en un Monumental donde entraba mucha más gente de la que había pero no sobraba ningún silencio ante un ruido demoledor de guitarras, gritos y una batería implacable. En el fiel repaso extendido de una carrera de 18 años, los otros chicos de Seattle cerraron el primer día del Quilmes Rock con más de dos horas tocando al palo.

La herencia del rock de estadio que Foo Fighters acarrea desde Queen dando vuelta Wembley o Guns ´n´ Roses bardeando en cuanta cancha se les presente, se evidenció desde el momento que Grohl apareció a los gritos corriendo por el escenario. No tenía capa ni escudo pero si una viola inmaculada y una actitud hiperquinética capaz de justificar su puesto de frontman frente a las melodías rockeras surgidas desde las guitarras de Pat Smear y Chris Shiflett. El paralelismo entre un super héroe de ficción y una banda de rock como FF se puede respetar al ver a jóvenes, grandes y chicos ilusionados hasta las lágrimas en pleno acto, como si la banda estuviera a punto de salvarnos del mal usando poderes mágicos (ruido). Esa esperanza elevó la imagen de los artistas, celebrados en cada movimiento y canción. La lista fue un hit (en todo sentido de la palabra) tras otro, desde el comienzo incendiario con Bridge Burning seguido de Rope hasta repasar las caras más conocidas: Learn To Fly, Breakout, All My Life, Best of You y Big Me, tema que no acostumbran tocar en vivo. “Un regalo para ustedes, chicos”, excusó Grohl. El cierre se dio con la adrenalina de Bad Reputation (interpretada junto a Joan Jett) y la hermosa Everlong. El repetorio incluyó obras ajenas, Rock Away Beach, himno ramonero que fue festejado con un “Hey, ho, let´s go!” de parte del público, y también In The Flesh? de Pink Floyd, que hace muy poco había sonado en el mismo lugar pero con Roger Waters.

Si hay que destacar lo mejor de FF es imposible no hablar de Taylor Hawkings, baterista, a veces corista y dueño de una precisión imponente al subir y bajar de ritmos con una velocidad inentendible, pasando de el hard rock destructivo a un tempo bajísimo que seduce desde el redoblante y los platos. Más que base rítimica, yo lo llamaría simplemente base.

El show fue largo. Lo más discutible puede ser la extensión de cada tema justificada con solos por momentos metaleros y por otros hasta casi blueseros; eso servía en los hits inoxidables pero a la larga terminaba cansando, daba una sensación de que la cosa no acababa más ¿Hace falta hacer esos solos de guitarra súper veloces sin ningún tipo de sonido atrás sólo por el hecho de dejar a la vista el virtuosismo?

En fin, lo que importa es que Foo Fighters tocó por primera vez en suelo argentino y, como era de esperar, se metió a todo el público en el bolsillo; o el público se los metió en el bolsillo a ellos, da igual.

Cuando caía la tarde y empezaban a asomar las primeras señales de la tormenta, los comandados por Tunde Adebimpe salieron al escenario para seducir con su versatilidad sonora, que mezcla elementos de soul, rock, electrónica, pop, jazz y hasta gospel. Todo eso conjugado dinámicamente por un grupo de músicos negros, grooveros y delicados que durante casi una hora de show desplegaron sus mejores trucos para atrapar completamente a todos los presentes. Los puntos más altos del show se dieron con Golden Age y la explosiva Repetition. El saldo fue más que postivo aunque es innegable que quedaron las ganas de poder ver a estos monstruos en un recinto cerrado y con un sonido mucho más digno. Ya habrá tiempo para eso.

Es difícil saber si lo de Alex Turner tiene que ver con que es un tipo tímido o un arrogante. Pero lo cierto es que salió al escenario bien serio y durante todo el show no esbozó una sola mueca. Al igual que el resto de la banda, su único foco de atención estaba en las canciones. Los Arctic Monkeys son una de esas bandas a las que no les importa caer simpáticos o generar un feedback con el público, lo único que quieren hacer cuando suben al escenario es dar rienda suelta a su rock potente plagado de riffs de guitarra y rulos de batería.

A lo largo del show, la banda logró un set equilibrado con partes casi iguales de sus cuatro álbumes de estudio. Durante la primera parte se destacaron Crying Lightning (anunciando lo que se estaba por venir), I Bet You Look Good on the Dancefloor, Brick by Brick y la nueva R U Mine?

Ya sobre el final, con el agua empapando a todos los que estaban abajo y arriba del escenario, los ingleses se dispusieron a tocar Fluorescent Adolescent y When The Sun Goes Down, lo que significó el delirio total de la gente que enloqueció saltando y gritando abajo de la tormenta. Un final perfecto.

Txts: Ezequiel de la Parra, Facundo Enrique Soler y Agustín Domecq.

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Fotos

Ph. Tino Raimondi

Efectivamente, tal como se intuía, la segunda visita al país del trío inglés formado en el St Albarns School por Ed Macfarlane, Jack Savidge y Edd Ginson, poco tuvo que ver con los tonos grises con los que, erróneamente, se asocia a Londres y, mucho menos aún, con la defensa de una postura política. Más bien todo lo contrario: lo de Friendly Fires pasa, tal como lo plasmaron en el muy recomendado Pala, por la construcción de un universo imaginario, multicolor y hedonista al cual se puede escapar de la mano de un dance-punk texturado, con bases polirítmicas, guitarras de math rock y la obligada relectura new rave del synth-pop de los años 80. Y eso fue lo que ofrecieron.

Con puntualidad inglesa, a las 21:15, el trío subió a escena (completaba la formación un bajista/ percusionista y dos vientos) ante un recinto casi colmado por un público compuesto en partes iguales por sub-25, melómanos y las ya habituales hordas de turistas extranjeros en vacaciones. El comienzo con Love Sick, del homónimo disco debut, fue un indicador de lo que vendría: ritmos bailables, mucha potencia y energía (en vez de apostar a la sutileza, la banda apostó a la grandilocuencia sonora), versiones con más músculo que en los discos y una gran entrega escénica por parte del cantante Ed Macfarlane. Asi se fue dando una suerte de increscendo de intensidad, en el que se destacaron Blue Cassette y Running Away, y que culminó con True Love, donde el cantante bajó a la pista y cantó toda la canción bailando entre el público, generando un momento de éxtasis fotográfico para los poseedores de smartphones y cámaras digitales.

De allí en más la temperatura continuó subiendo y La Trastienda se transformó en una pista de baile, un tanto apretada para que la gente baile a gusto, principalmente con Skeleton Boy, cantada casi de punta a punta por el público; y con In The Hospital, una versión a mitad de camino entre el The Cure bailable de mitad de los 80 y los Talking Heads, que se convirtiò en uno de los momentos más inspirados del show. Promediando el show llegó el único momento relajado del set con la canción que da título al segundo disco, Pala; luces azules y un sonido más reposado que sirvió para prepararse para el final. El último tramo del show comenzó con una enérgica, aunque un tanto marcial versión del primer single del último disco, Live Those Days Tonight, que incluyó en la mitad palmas del público al estilo Radio Ga Ga de Queen y siguió con el math-rock saltarín de Pull Me Back To Earth para terminar con el festivo ejercicio aeróbico que fue Paris, uno de sus primeros hits. Para los bises se activó, directamente, el modo nu rave. Hawaiian Air y una explosiva e interminable Kiss of Life cerraron bien alto un show que dejó a todos contentos.

Nuevamente Friendly Fires brindó un show efectivo, sin grandes sorpresas, propuestas innovadoras o virtuosismos, pero cumpliendo con algo que no es menor y pocas bandas logran: dieron un recital entretenido de casi una hora y media a pleno hedonismo en la que entregaron lo que el público esperaba de ellos. Lo que no es poco. Para preocuparse de la situaciòn polìtica ya habrá tiempo.

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Fotos

Ph. Iara Kremer

Con la impecable puesta escenográfica de Colectivo Toranzo y la “instalación interactiva de realidad aumentada” del laboratorio visual Los Amigos de la Imagen, la sucesión melódica adquirió el carácter de un continum, esa máquina capaz de enviar a los protagonistas hacia dimensiones paralelas, de hacerlos viajar en espacio y tiempo. “Tenía que abandonar la casa, aquella isla de vida perdida en el océano mortífero (…) abrí la puerta”. Los hombres ardiendo encabezados por Shaman Herrera, su voz de trovador y su sombrero a medida, viraron los ojos hacia esas calles cubiertas de nieve, cadáveres y autos colisionados con la intro de Son Nuestros y emprendieron con su desarrollo la bélica marcha, armados de furiosos vientos de trompeta y estrepitosos graves percusivos, mientras bolas de fuego caían en derredor. Al llegar al puente del ferrocarril General Belgrano, La Guerra Psicológica de El Perrodiablo estalló en la avenida con su orgánico rock&roll y el desnudo torso contorsivo de Doma, su voz cantante. “Rápidamente el combate se convertía en desastre”, y los acompañó en plan de refuerzo la armónica de Roy Milan Johansen de Excursiones Polares, quien en la entrada había asegurado efusivo saber dominar la situación. El ataque de los Cascarudos tuvo el impacto de la velocidad de la digitación de los riffs escalonados y de la explosiva personalidad del endemoniado can de cinco cabezas, que bien sabe cómo hundir a todos en el ritual y salir victorioso. “Estaba bien causarles bajas, pero… ahora sí que la persecución sería sin tregua”. Las rutas bloqueadas de escombros, los rieles ferroviarios retorcidos, el control de la Mano en el gazebo de Barrancas de Belgrano. La contienda se reproducía por doquier y se extendía junto a la expansión de Nunca, ese debate prolongado en los límites del pop y el rock tan propio de Mostruo! que decidió dar acuso de ciencia ficción con la incorporación alambicada del sonido de un moog detrás de sus notas bluseras y su sólida barricada de batería. Bajar hacia la soledad de la estación de subte de Plaza Italia parecía la única frugal escapatoria. “Sí, momentáneamente estábamos a salvo, nadie nos perseguía. Pero aquello era una ratonera. Pronto vendrían a rematarnos”. Y esa desolada paranoia cayó en manos de la asintomática Athesa, la oda de silencio acechado de muerte, cortesía incidental del universo de Pommez Internacional, que con sus eléctricas palmas y sutiles enclaves sónicos bien sabe que el truco de musicalizar también se halla en las ausencias.

Al margen de la historia, cada banda tuvo la oportunidad de desplegar su propio microshow dentro de la englobante presentación, ahondando en sus personalísimas facciones ya evidentes en las canciones mencionadas que fueron compuestas como ofrenda al homenaje colectivo. El folk orquestal de los chicos de Shaman y los Hombres en Llamas osciló desde la confesión que guarda El Primer Color hasta la armonía fantasiosa de El Árbol, pasando por el toque intempestivo de La Niebla. El Perrodiablo se deshizo en energía sobre y debajo del escenario con detonaciones como Racional, Los Amos del Boxeo o Carne Culpable que disiparon cualquier duda sobre la sangre de tradición rockandrollera, la autoafirmación que reza “ninguno de nosotros verá el cielo” y el poder de frontman de Doma, que bajó a toda hora a arengar y a revolcarse por el suelo junto al público. Le siguió el virtuosismo cohesivo de Mostruo! y su potente línea de bajo que brilló en paisajes tan disímiles como los de la alegre La Feria Jipi y la nostálgica Dénselo. Luego de Ausencia –cuyo estilo tanto hace pensar en los setenta-  los platenses remarcaron la naturaleza del día, la exigencia de memoria y justicia por las tantas ausencias que es preciso no olvidar. Incluida, por supuesto, la del propio Oesterheld -cuyo secuestro y desaparición a manos de la dictadura militar data del 27 de abril de 1977- y que Pommez Internacional recordó al tiempo que cerró la noche con su cóctel de denso experimentalismo, rítmica narcótica y violencia bailable, con pruebas más que contundentes en canciones tales Nueva África, La Celebración y Rosario de la Frontera.

Pero lejos de la mera coexistencia miscelánica de gigs; la proyección de fragmentos del documental sobre el proceso de elaboración del compilado -que se encuentra a cargo de Pi Producciones y que estará listo para mediados de año- se intercaló entre las cuatro performances señalando aquello que hizo a todos comulgar una noche de otoño, ya abandonado el calor estival: la intención de emplazar a la obra de Oesterheld y Solano López en la médula espinal de un prisma polimérico, de insuflarle nueva vida, de regalarle una banda sonora digna de su epicidad. Menuda empresa. ¿Será posible?, invade la incertidumbre a Juan Salvo desde la última viñeta de El Eternauta. Todo aquel que haya escuchado Los Ellos sabe que la respuesta, en este caso, no hace falta.

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Fotos

Ph. Sacry