Rollingmovie Cinema, Musica e ......

Ratatouille

2013-05-10T11:13:00.000+02:00

Dal 1995 la Pixar Animation Studios ci ha abituati ad uno stile ben differente da quello che aveva caratterizzato la produzione Disney degli anni precedenti; con l’unione delle due case di produzione è venuta a crearsi una fusione perfetta che mira al mantenimento della tenuta classica dei cartoni animati Disney “vecchio stampo” con l’aggiunta dell’effervescenza della Pixar. Dialoghi brillanti, personaggi coloriti, ambientazioni suggestive, musiche trascinanti e una grafica stupefacente. È la ricetta perfetta che la famosa casa di produzione americana (nata inizialmente come una divisione della “ LucasFilm” di George Lucas) utilizza da anni per affascinare i più piccoli, e adesso anche i grandi.
In Ratatouille (nome di una famosa ricetta di cucina, ovvero l’insalata di verdure), l’unione tra immagine e comicità consolida un’armonia che era già stata affermata con Toy story, A bug’s life, Monsters & Co.. Dall’esilarante sceneggiatura di Brad Bird, che è anche il regista, scritta insieme a Jan Pinkava, la Pixar ne ha ricavato un memorabile film di animazione che punta più degli altri sulla riflessione; forse proprio per questo piace di più agli adulti che ai bambini. Nel mostrare la figura del vecchio critico culinario Anton Ego, bisogna ammettere che l’etica di questo film va al di là dei semplici messaggi morali dei comuni film di animazione. È una “favola” di magica eleganza, di una leggerezza fluida e svagata, di un umorismo sottile e intelligente, sempre divertente e coinvolgente, con una Parigi disegnata da un’eccellente grafica digitale. Qui, a differenza degli altri cartoni della Disney, la grafica degli umani (fattore che in precedenza aveva un po’ penalizzato i film di animazione Disney-Pixar) è più attendibile, più realistica; anche l’apparato psicologico sembra più definito, sempre attento ad evitare schematismi sentimentalisti, e proprio per questo più sincero ed efficace.
A chi lo considera un semplice film per ragazzi gli si potrebbe citare la scena in cui Ego, critico severissimo e rigido nella sua fermezza di carattere, assaggiando la ratatouille, sfocia in un dolce ricordo infantile in cui la madre lo coccola nella sua cucina: un momento di grande cinema, che suscita anche rimembranze letterarie se si pensa a Proust e alle evocative descrizioni di Alla ricerca del tempo perduto. È, insieme a Wall-E, il film che nella classifica Pixar occupa sicuramente uno dei primi posti. E non è facile.

Danilo Cristaldi

La donna che visse due volte

2013-05-10T11:05:00.000+02:00

San Francisco. Scottie (James Stewart), ex agente di polizia che soffre di vertigini, riceve il compito di sorvegliare la moglie di un suo ex compagno di scuola. La donna mostra tendenze suicide e tenta di mettere fine alla sua vita gettandosi in mare. Scottie la salva e si innamora di lei. La tragedia incombe.
Dal romanzo D’entre les morts (1954) di Pierre Boileau e Thomas Narcejac. Alfred Hitchcock - in uno dei suoi risultati più alti, sia a livello stilistico che tematico - ne trae un'angosciosa e labirintica love story, ossessiva nei toni e claustrofobica nell'uso della tensione. Il suo è un viaggio nei meandri della mente umana; un incubo ad occhi aperti impregnato di necrofilia, senso di sbandamento, vertigine. La volontà, da parte di Scottie, di ricreare un'immagine sessuale impossibile, è uno dei più inquietanti esempi di "sesso psicologico" della storia del cinema, capace di conferire allo spettatore, nello stesso tempo, disagio e curiosità. È anche una storia di doppi, di immagine nell'immagine. Convivono, in questo intrigante thriller, romanticismo, passione, mistero, suspense e tragedia morale. Tutto è avvolto da una cupa atmosfera spettrale resa magnificamente dalla fotografia di Robert Burks. Hitchcock decide di allontanarsi leggermente dal romanzo per modificare i meccanismi narrativi del finale, rivelando anticipatamente un colpo di scena.
Molte le innovazioni registiche e visive, tra cui il cosiddetto effetto vertigo, ottenuto attraverso una sincronia tra zoomata in avanti e carrellata all'indietro. Musica di Bernard Hermann, mirabile recitazione degli attori, straordinari titoli di testa di Saul Bass. Il film ebbe una tiepida accoglienza da parte dei critici, ma fu riscoperto e rivalutato in seguito; non a caso, dopo decenni di monopolio assoluto, supera Quarto potere, posizionandosi al primo posto nella lista dei migliori film di tutti i tempi. Come in Notorious, l'amante perduta, non c'è spazio per l'ironia, angelo custode di gran parte dei film di Hitchcock. Il regista aveva pensato a Vera Miles per il personaggio di Judy, ma l'attrice rimase incinta poco prima delle riprese e la parte fu affidata a Kim Novak, splendido esempio di eleganza e animalesca sensualità. A differenza di altri film del regista inglese, molto spesso caratterizzati da svolte rapide e improvvise, vi è, in questo film onirico dai mille volti, una lentezza ed un ritmo contemplativo fuori dal tempo. Un capolavoro assoluto.

Danilo Cristaldi

Il terzo uomo

2013-04-22T12:40:00.002+02:00

Il terzo uomo

Holly Martins (Joseph Cotten), uno scrittore di romanzi western, arriva a Vienna e riceve subito una terribile notizia: l’amico Harry Lime, che lo aveva chiamato a trascorrere un po’ di giorni nella città austriaca, è morto in un incidente stradale. Martins sente puzza di bruciato e pensa che Lime sia stato assassinato, così cerca di scoprire il mistero. Tutto porta alla necessità di conoscere l’identità di un “terzo uomo”, un testimone che potrebbe risolvere l’enigma. Chi è costui? Scritto da Graham Green, è un thriller di taglio espressionistico incredibilmente suggestivo e affascinante, coadiuvato splendidamente dal bianconero di Robert Krasker e dall’accompagnamento musicale su cetra di Anton Karas. Carol Reed è il regista, ma potrebbe essere considerato un film di Welles a tutti gli effetti. Vi è, infatti, tutta la sua concezione cinematografica, con un largo uso dei suoi ingredienti preferiti: inquadrature insolite, atmosfera inquietante, attori dalle facce giuste, narrazione in crescente evoluzione. Nell’assistere ad un racconto dai tipici tratti da film giallo, si assiste al classico esempio di un film di genere che ne trascende i limiti per virtù di stile. Oltre all’evidente qualità figurativa, vi è da sottolineare la compattezza dei suoi elementi, tenuti insieme da una rete di componenti stilistiche non prive di una maestria narrativa che è insieme innovazione e saggezza cinematografica. Nell’accoppiare felicemente spensierato romanticismo e cruda visione della realtà umana, Reed tiene d’occhio la psicologia dei personaggi e non trascura uno degli elementi più importanti del genere: la suspense. Il personaggio di Harry Lime è il riassunto della crudeltà del nostro secolo, composta da menzogne e atrocità assurde, all’interno di una cornice (una Vienna caratterizzata da ombre e penombre) apparentemente linda e cristallina fuori, ma putrida e marcia dentro, dove il tarlo del peccato ha già mostrato la sua orrida presenza. Assistito da un cinico umorismo, è un film magistrale sotto tutti i punti di vista, con una memorabile interpretazione di Welles e una battuta che divenne celebre: “Sai che cosa diceva quel tale? In Italia sotto i Borgia, per trent’anni, hanno avuto assassinii, guerre, terrore e massacri, ma hanno prodotto Michelangelo, Leonardo da Vinci e il Rinascimento. In Svizzera hanno avuto amore fraterno, cinquecento anni di pace e democrazia, e che cos’hanno prodotto? Gli orologi a cucù”.

Danilo Cristaldi

Harry a pezzi

2013-04-22T12:06:00.002+02:00

Harry a pezzi

Harry Block è uno scrittore che cerca, seppur in maniera scomposta, di mettere un pò di ordine nella sua vita, soprattutto quella sentimentale, all’insegna del tradimento e dell’insoddisfazione. La sua crisi personale mette a rischio anche la sua creatività artistica. Troverà pace solo nell’arte. Irriverente, sfacciato, dissacrante, blasfemo, ironico, divertentissimo e a tratti anche un pò nostalgico.. E’ uno dei migliori film di Woody Allen, soprattutto per quanto riguarda la struttura narrativa. Le invenzioni abbondano in questo film dal ritmo veloce e leggero, ma non privo di intelligenti riflessioni alleniane su: religione, umana sofferenza, relazioni sentimentali, sesso, morte. Nonostante la struttura rapsodica, a livello tematico è più solido di quel che appare. Può sembrare disconnesso, disarticolato, ma non lo è. Sfilano una dozzina di personaggi, tenuti in gioco da una maestria narrativa d’alta scuola. Molto originale, anche dal punto di vista visivo, con la memorabile invenzione di R. Williams “fuori fuoco” e l’accattivante sequenza di Harry che scende all’inferno e incontra il Diavolo, impersonato dal suo migliore amico. Ricco di battute esilaranti e momenti di vera comicità, è un film diretto, esplicito, sincero. Per i fan di Allen è un vero gioiello. Con Harry a pezzi il regista sceglie una via leggermente diversa rispetto ai suoi film precedenti: più controversa, cinica, spietata, allontanando, lievemente, i risvolti melodrammatici caratteristici delle sue migliori pellicole. E’ anche il film dove si vede il più sregolato Allen di sempre: bevitore, rapitore, inguaribile infedele, egoista. Ma la sua è una dignità personalizzata, una ricerca della verità che trova le sue risposte non nella vita, ma soltanto nell’arte. Tra battute a raffica e situazioni paradossali Allen rinnova il suo stile comico, introducendo, molto spesso, ingredienti surreali o visionari. La commedia ne trae vitalità e brio. Un elogio ai colori e alle luci di Carlo Di Palma, ma soprattutto al folto cast di attori assolutamente strepitosi, con una bravissima J. Davis.

Danilo Cristaldi

Gran Torino

2013-04-21T22:52:00.001+02:00

Gran Torino

Sopravvissuto alla guerra di Corea, Walt Kowalski ha fatto dell’odio verso i “diversi” la sua ragione di vita e vive ormai isolato dal mondo, pronto a scagliarsi contro chiunque oltrepassi il suo territorio. I suoi unici interessi sono: il suo cane, la birra e una Ford Gran Torino del 1972 che custodisce con una cura maniacale. Dopo aver salvato Thao, un giovane ragazzo della famiglia dei suoi vicini di casa Hmong, dalle mani di un branco di teppisti fannulloni, sarà costretto (ironia della sorte) a fare i conti con la propria coscienza e ad accettare il confronto, le differenze e le tradizioni degli “altri”, simili ad esso più di quanto egli creda. Il 30° lungometraggio di Eastwood regista mette in scena la crisi esistenziale di un uomo e il suo tragico, tormentato rapporto con la propria anima, evidenziando i demoni di quella che è forse la componente americana più intrisa di sangue in assoluto: l’orgoglio. E’ l’orgoglio di essere un americano che spinge Walt Kowalski a rannicchiarsi nel suo habitat, insultando ed inveendo contro qualsiasi individuo che non gli appartenga. La sua, infatti, è una guerra ancora aperta; una ferita che non vuole rimarginarsi neanche quando, in prossimità della vecchiaia, la sua vita non ha ancora un significato e il suo mondo si riduce ai confini di un prato ben curato ma deserto. Illuminato splendidamente dalla fotografia di Tom Stern, si respira l’aria di una felicità soffocata nel film, in bilico tra la speranza di un futuro migliore e la rassegnazione al proprio stile di vita. Ancora una volta nei film del regista americano, è il passato a condizionare la vita di un uomo e le sue azioni. E’, infatti, sotto le mentite spoglie di un thriller, un’amara parabola sull’America di ieri, animata da tribolazioni, dalla cui bandiera gronda ancora del sangue, e su quella di oggi, spiazzata e annichilita dal sangue di ieri, il cui futuro è ancora incerto, costantemente sull’orlo di un insondabile abisso. In questo film dove l’America è composta da tutti (polacchi, italiani, asiatici), si dà l’idea di una nazione dal cuore di tenebra contaminato da più razze, tradizioni, ideologie. Attraverso lo sguardo disincantato del protagonista, Eastwood costruisce, grazie al funzionale apporto di una semplice, asciutta, spoglia eppur efficace struttura stilistico-narrativa, un film ricco di simmetrie e antinomie, tutte rivolte verso la riuscita caratterizzazione di un mondo alla deriva, senza una vera e propria guida morale che ne stabilisca i toni e il carattere, instaurando la consapevolezza di abitare in un universo dominato dall’odio e dal dolore. Sorretto da un tono sarcastico, dissacrante e blasfemo nella sua pacata furia ribelle, opta per certi codici filmici classici e moderni al tempo stesso, frutto di un’esperienza registica qui portata ad un livello di veterana abilità, capace di integrare perfettamente il genere del thriller americano con l’approfondimento psicologico dei personaggi. Eastwood non altera il suo inconfondibile stile; con il suo ritmo disteso, l’affetto per i personaggi, la complessa semplicità, lascia allo spettatore il tempo e lo “spazio” di commuoversi, arrabbiarsi, rifiutare e immaginare; ne cava, così, un dramma di dolente intensità e risalto figurativo, che adotta, sotto la duplice insegna di vita e morte, una stratificata poetica dei contrasti che trova il suo apice nel memorabile finale. Racconto di formazione o tragedia morale? Forse tutti e due.

Danilo Cristaldi

The Hurt Locker

2013-04-21T22:49:00.002+02:00

The Hurt Locker

E’ la storia di un’unità di disinnescatori di bombe in Afghanistan e in Iraq, la EOD, corpo speciale dell’esercito americano. Tra tensioni, conflitti, momenti di panico, la vita va avanti in un luogo dominato dalla paura e dal dolore. Con un efficace, secco e fluido stile documentaristico, K. Bigelow ci porta così tra gli anfratti della guerra più “silenziosa” degli ultimi anni. Ha lo scopo di descrivere, con puntigliosa meticolosità, ma anche con un’energia narrativa da manuale, il terrificante e amaro microcosmo dei soldati USA in un territorio da salvare e da “evitare”. Ruvido, amaro, serrato, teso come una corda, è un film che fa aspettare e coinvolge sia dal punto di vista emotivo che da quello visivo. Nelle scene di suspense lo spettatore si immedesima istintivamente nel protagonista e ne cattura le incertezze, i problemi, ma anche le gioie e i piaceri adrenalinici; il tutto calato in un’atmosfera di sinistra ambientazione. La figura del sergente capo (co)protagonista della vicenda è inedita nella storia del genere cinematografico a cui appartiene il film; una sorta di reinvenzione della realtà che più vera di così non si potrebbe. Un realismo, quindi, che sfocia nell’iperrealismo. La psicologia dei personaggi è quasi sempre legata alle situazioni, ai luoghi, alle attese interminabili durante le quali ognuno si pone delle domande: “Fino a quando resterò in vita?; Vale la pena essere qui? Perché siamo qui se nessuno ci vuole?”; gli interrogativi vanno di pari passo con l’azione e il ritmo sincopato di un film di guerra. Il titolo (traducibile in “Il pacchetto del dolore”) si riferisce ad un modo di dire del giornalista Mark Boal che indica le bombe da neutralizzare. Nel cinema della californiana Bigelow il movimento è sempre subordinato al pensiero, la tensione alla riflessione; si crea così, attraverso un coraggioso incontro con la realtà, un universo spiazzante e inquietante, tenuto sotto osservazione dall’occhio di un’antropologa. Nell’immaginario cinematografico degli anni 2000 occupa un posto d’onore per la sagacia con cui nasconde la sua anima calcolatrice sotto un velo opaco di improvvisazione, percorrendo una cifra stilistica ferrea e solida nel suo assetato sapore di verità. Due o tre scene mozzafiato affidate ai tempi filmici della Bigelow e un finale amaro, potente e riflessivo al tempo stesso, in cui vengono parafrasate, attraverso le immagini, le parole dell’incipit iniziale: “La guerra è una droga”.

Danilo Cristaldi

1997 - Fuga da New York

2013-04-21T22:46:00.000+02:00

1997 - Fuga da New York

L’isola di Manhattan è diventata un carcere di massima sicurezza. Non vi sono guardie al suo interno, ma l’intero territorio è controllato dagli elicotteri della polizia. Nonostante i controlli, un aereo, con a bordo il presidente degli Stati Uniti e alcuni membri del governo, viene dirottato verso un grattacielo. Il presidente riesce a salvarsi ma viene rapito dai carcerati. Non hanno alcuna intenzione di dialogare, di conseguenza l’unico sistema per salvare il presidente è infiltrare, all’interno dell’isola, un reduce di guerra (condannato a una pena da scontare nel carcere). Ha esattamente 24 ore di tempo per farlo, se no morirà. In caso contrario sarà libero. Carpenter attinge dall’estetica dei fumetti; riesce così, attraverso la costruzione di un ingegnoso apparato scenografico, a dirigere un thriller fantascientifico d’azione al di sopra della media per ricchezza di idee, invenzioni visive, tematiche trattate. L’invenzione di una New York in via di “estinzione” è geniale; solo Carpenter poteva modellare così la “grande mela”, iniettandovi, con stravagante spavalderia, quel suo radicale pessimismo che lo rende unico. Il film camuffa abilmente il suo contenuto attraverso l’originale fantasia visiva e sonora che, sotto la direzione del regista, raggiunge un’energia insolitamente inquietante e rara nei film del genere a cui appartiene. A tratti ingolfato dagli stereotipi dell’action movie, ha il suo punto di forza nell’apocalittica sottotraccia; smontando ironicamente l’intero sistema socio-politico americano, riesce ad essere attendibile e incredibilmente moderno, a tratti addirittura profetico (l’attacco terroristico per mezzo di un aereo che si schianta su un grattacielo). Si avvale di una secca energia narrativa, surrogata egregiamente dai notevoli contributi tecnici (fotografia di Dean Cundey; scenografia di Joe Alves). Il fascino notturno delle scene coniuga sguardo visionario e lucida percezione della realtà. Permeato da quell’anomalo fascino degli ’80.

Danilo Cristaldi

La congiura degli innocenti

2013-04-21T22:39:00.000+02:00

La congiura degli innocenti

Il cadavere di un uomo viene sotterrato e dissotterrato quattro volte da un gruppo di persone che ha qualcosa da nascondere. Nella sua calcolata mistura di comico e tragico, è una commedia caratterizzata da un umorismo nero, affidato in gran parte a una serie di avvenimenti paradossali. Una delle rare commedie di Hitchcock, contiene in sé quell'aria tipicamente british, che il regista ha saputo conservare nonostante la trasferta a Hollywood, accompagnata da una dose di sano cinismo. La trama, affollata da personaggi in gran parte stravaganti, è il pretesto per raccontare la “normalità del delitto”, che poi qui non esiste. Quasi tutti i personaggi tendono a nascondere la verità, seppur innocua, all'interno di una cornice elegantemente autunnale, dai colori forti e accesi della fotografia di Robert Burks. Attraverso le peripezie di una sgangherata squadra di falsi colpevoli, assistiamo ad una ballata macabra dal tocco decisamente ironico e leggero, dove la suspense fa da contorno e assume, per la prima volta in Hitchcock, un incarico secondario. Non è, per chi conosce il regista e la sua maestria narrativa un difetto, ma un metodo alternativo per raccontare, con allegra sfacciataggine, la paura che l’uomo possiede della colpa, anche se quest’ultima non esiste. Un’ottima squadra di attori, tra cui una Shirley Mclaine adorabile nel suo ruolo di bizzarra ragazza di campagna. E’ un film di puro divertimento, assistito dall'angelo custode dell’ironia.

Danilo Cristaldi

Attore Americano Robert De Niro

2013-04-20T13:18:00.000+02:00

Robert De Niro

Robert De Niro Jr. è un attore, regista e produttore cinematografico statunitense. Attore prolifico e versatile, è generalmente considerato tra i maggiori interpreti della sua generazione, soprattutto ... Wikipedia

Data di nascita: 17 agosto 1943 (età 69), Manhattan

Altezza: 1,77 m

Coniuge: Grace Hightower (s. 1997), Diahnne Abbott (s. 1976–1988)

Figli: Raphael De Niro, Elliot De Niro, Drena De Niro, Aaron Kendrick De Niro, Julian Henry De Niro, Helen Grace De Niro

Premi: Oscar al miglior attore, Golden Globe alla carriera, Altro

Abbiamo voluto dedicare una particolare scheda filmo-grafica a uno dei monumenti del cinema mondiale Robert de Niro, scegliendo qui di seguito una lista di 10 film o meglio di 10 indimenticabili personaggi nella lunghissima carriera ( oltre 60 film all'attivo e quasi un'altra decina in programmazione) di Bob. Dobbiamo dire che è stato molto difficile fare le scelte. Una vita di successi (incredibilmente solo 2 oscar), uno splendido sodalizio con una dei più ..cineasti della storia, Martin Scorsese e appunto, personaggi portati sullo schermo diventati ormai miti, cinematografici s'intende, per milioni di persone. Oltre che per il grande carisma e talento artistico innato, Bob è da rinomare per l'incredibile dedizione e professionalità legata al suo lavoro, accettando qualsiasi ruolo. anche il più spregevole non avendo mai paura di rischiare

John "Johnny Boy" Civello - Mean Street (1973). Al suo undicesimo film dopo aver lavorato con grandi registi come Brian de Palma e Roger Corman, Bob recita diretto da colui che poi verrà considerato un fratello, Martin Scorsese. Nei panni di un giovane irrequieto e attaccabrighe di Little Italy lascia il segno con una recitazione sorniona e sopra le righe.

Scapestrato

Vito Corleone - Il padrino parte II (1974) Dopo il successo mondiale del Padrino, Francis Ford Coppola decide di affidare le vesti del più famoso Boss della mafia italo-americana al trentenne Robert. Scelta azzeccatissima che non fa temere gli immancabili paragoni con l'altra star Marlon Brando. Una recitazione contenuta ma ugualmente memorabile in perfetto dialetto siciliano premiato con un'Oscar al miglior attore non protagonista.

Travis Bickle - Taxi Driver (1976) ritorna a lavorare con Scorsese in uno dei film più discussi e al tempo stesso acclamati dalla critica e dal pubblico. Il ruolo del tassista reduce del Vietnam al limite della follia, in una lurida New York mette in luce le complesse doti di recitazione di Robert che da un contributo importante al film anche con improvvisazioni (tra cui quella allo specchio) divenute Cult.

Schizofrenico

Michael Vronsky - Il cacciatore (1978) anche con Michael Cimino veste i panni di un americano che vive la guerra nel Vietnam

Jake La Motta - Toro scatenato (1980) A nostro parere la sua migliore interpretazione, di straordinaria intensità, un film fortemente voluto da Bob che dovette convincere Martin farlo. Per questa straordinaria performance, premiata con un Oscar (l'unico da protagonista!!), ci vollero 2 anni di riprese, centinaia di incontri di boxe per apprendere lo stile alla perfezione e il suo peso è oscillato di oltre 30 kg. Se non è dedizione questa! Obbligatoriamente :

Scatenato

Rupert Pupkin - Re per una notte (1983)

David "Noodles" Aaronson - C'era una volta in America ( 1984). La pellicola epica di Sergio Leone, costata ben 10 anni di lavorazione,

Max Cady - Cape fear, il promontorio della paura ( 1991) A quasi cinquant'anni Bob veste i panni del più terribile personaggio da lui interpretato. Nel remake dell'omonimo film del '62, Scorsese delinea i contorni di un vero mostro ma che comunque alla fine riesce a portare con se una macabra simpatia da parte dello spettatore. De niro con quell'aspetto da galeotto non si dimentica facilmente..

'There is nothing in the dark that isn't there in the light. Except fear.'

Un incubo

Sam "Asso" Rothstein - Casinò (1995). Ultimo film (perora) dello splendida collaborazione Scorsese-De Niro. In questo film Bob mette in luce . Luck has nothing to do with the games they play

Calcolatore

Estratto da "Viaggio al termine della notte" di Louis-Ferdinand Céline

2009-08-06T17:48:00.007+02:00

Così a quel proposito mi raccontò che durante la ritirata di Russia, i generali di Napoleone hanno avuto il loro bel daffare per impedirgli di andarsi a far fare un pompino a Varsavia un'ultima suprema volta dalla polacca del suo cuore. Era così, Napoleone, anche in mezzo ai più grandi disastri e sventure. Niente di serio insomma. Anche lui, l'aquila della sua Joséphine! Il fuoco al culo, è il caso di dirlo per e contro tutto. Niente da fare d'altronde fin quando ci hai il gusto di godere e spassartela ed è un gusto che hanno tutti. Ecco la cosà più triste. Non si pensa che a quello! In culla, al caffè, sul trono, nei gabinetti. Dappertutto! Dappertutto! L'uccello! Napoleone o no! Cornuto o no! Prima di tutto godere! Che crepino i quattrocentomila allucinati imberesinati fino al pennacchio! si diceva il grande sconfitto, purché Poleone spari ancora un colpo! Che maiale! E alè! Così è la vita! E' così che tutto finisce! Mica serio!......... ........Mentre il cinema, questo nuovo piccolo stipendiato dei nostri sogni, te lo puoi comprare quello, procurartelo per un'ora o due, come una prostituta. E poi in più di artisti, ai nostri giorni, ne hanno messo dappertutto per precauzione tanto si ci annoia. Anche nelle casa chiuse ne hanno messo di artisti con i loro brividi che traboccano dappertutto e le sincerità che schizzano da un piano all'altro. Fanno vibrare le porte. Vince chi freme di più e con più faccia tosta, di tenerezza, e s'abbandonerà più intensamente del collega. Adesso decorano tanto i vespasiani quant i mattatoi e pure i Monti di pietà, tutto quello per divertirvi, distrarvi, farvi uscire dal vostro Destino. Vivere per vivere, che gattabuia! La vita è una classe in cui la noia è il professore, è lì tutto il tempo che ti spia, bisogna aver l'aria d'essere indaffarati, costi quel che costi, in qualcosa di appassionante, altrimenti arriva e ti mangia il cervello. Un giorno, che sia solo una semplice giornata di 24 ore non è tollerabile. Non dev'essere altro che un lungo piacere quasi insostenibile, una giornata, un lungo coito una giornata, con le buone o con le cattive. Ti vengono anche delle idee spregevoli quando sei frastornato dalla necessità, quando in ognuno dei tuoi secondi si sfracella un desiderio di mille altre cose e altri posti......

Louis-Ferdinand Céline

pubblicato da Mash84

Charlie Chaplin: l'arte della commedia

2009-07-15T15:01:00.004+02:00

La perfetta fusione tra dramma e commedia è stata, sin dai tempi dell'antichità, una delle qualità più interessanti e tipiche dell'arte in generale; il concetto per cui si associano i due stili (drammatico e comico) viene comunemente riassunto nel termine “tragicomico”. Per “tragicomico” infatti si intende un qualsiasi componimento teatrale, letterario o cinematografico nel quale a vicende gravi e dolorose proprie della tragedia fanno contrasto, oltre che il lieto fine, spunti e procedimenti propri tradizionalmente della commedia.Nei numerosi film diretti e interpretati dal grande artista Charlie Chaplin si racchiudono i concetti, le idee e le sensazioni del “tragicomico”; analizzando infatti attentamente le pellicole di Chaplin si percepisce una struttura divertente e spensierata in superficie ma dolente e amara nel fondo, nel quale si avverte un'acuta e graffiante requisitoria contro le malvagità e le insoddisfazioni quotidiane dell'esistenza. Nello studiare la natura “tragicomica” di Charlie Chaplin si deve senza dubbio evidenziare la situazione paradossale che viene a crearsi tra la finzione e la realtà; nel corso della sua vita, infatti, egli ha dovuto patire non poche dolorose vicende, attenuate però dai suoi grandi successi cinematografici. Il personaggio attorno al quale costruì larga parte delle sue sceneggiature, e che gli dette fama universale, fu quello del "vagabondo" ("The Tramp" in inglese; "Charlot" in italiano, francese e spagnolo): un omino dalle raffinate maniere e la dignità di un gentiluomo, vestito di una stretta giacchetta, pantaloni e scarpe più grandi della sua misura, una bombetta e un bastone da passeggio in bambù; tipici del personaggio erano anche i baffetti e l'andatura ondeggiante. L'emotività sentimentale e il malinconico disincanto di fronte alla spietatezza e alle ingiustizie della società moderna, fecero di Charlot l'emblema dell'alienazione umana - in particolare delle classi sociali più emarginate - nell'era del progresso economico e industriale. Attraverso la visione di alcuni dei suoi celebri film (Tempi moderni; La febbre dell'oro; Il monello ecc....) si scopre la qualità fondamentale del suo pensiero: nell'affrontare temi tipici della società del suo tempo (alienazione, crisi economica, critica alla società), Chaplin ricorre ad una piena compenetrazione tra le forme tipiche della tragedia classica e i meccanismi fondamentali della commedia; risiede proprio in questo contrasto l'energia cinematografica di Chaplin, nell'accoppiare, in maniera esemplare, dolore e gioia, ottimismo e crudo realismo, tragedia e commedia. Queste rilevanti qualità vengono racchiuse in uno stile cinematografico classico, semplice e asciutto, senza formalismi o compiacimenti, tutto improntato sulla chiarezza e nitidezza delle immagini, capace di riunire in sè, in una divertente sfilata di cinema, le due facce dell'umanità: il dramma e la commedia.

Danilo Cristaldi

Into The Wild

2009-06-30T17:53:00.003+02:00

Nel 1990 il 22enne Chris Mcandless lascia il suo paese d'origine (Georgia) e, creandosi una nuova identità, evade dalla famiglia e da tutti i suoi beni materiali per iniziare un viaggio alla ricerca della libertà e della natura, preferendo principalmente una meta: L'Alaska.Tratto dal romanzo di John Krakauer, è, sotto le cadenze di un film on the road, un potente ritratto dell'anima di un uomo. Caratterizzato da un passo lento ma deciso, la sceneggiatura di Penn, come la regia, adotta uno stile classico e originale al tempo stesso, frutto di una serie di esperienze cinematografiche qui abilmente integrate. Nel tracciare la figura di un giovane smanioso di trovare la libertà, Penn costruisce un film antropologico che si presta a diverse chiavi di lettura: politica, filosofica, religiosa, sociologica.
Un'opera sincera, coraggiosa, attuale più che mai. A tratti divertente ed euforico in superficie, ne rivela in seguito il carattere amaro e dolente nel fondo. I paesaggi, bellissimi e splendidamente fotografati da Eric Autier, riflettono l'interiorità del protagonista lungo tutto il suo cammino. Nonostante la lunghezza e qualche impercettibile dose di ruffianeria, funziona, coinvolge, sorprende e commuove. E' un inno alla libertà e alla gioia di vivere, un trattato sulla consapevolezza di essere uominie non dei meccanici prodotti della nostra società. Sullo sfondo di una natura pura, incontaminata dalle scorie nocive dell'umana società, Penn avanza una tesi utopica sulla volontà di riuscire a cambiare la propria posizione, sociale e morale, politica e spirituale. Nel farlo, si sente la mano di un regista energico, che rifiuta qualsiasi inibizione, instaurando la consapevolezza di ricevere un messaggio, più o meno interpretabile, deciso, forte, sincero. Nello scavare a fondo sulle complesse ragioni che portano Chris a svegliarsi da un opprimente incubo ad occhi aperti, la sceneggiatura procede lentamente, lasciando ampio spazio ad aneddoti crepuscolari e malinconici, creando un'atmosfera di rara suggestione. Non vi sono compiacimenti in questa solitaria e impassibile odissea dello spirito, ma solo un'autentica gioia di narrare e mostrare, eliminando costantemente il dubbio di qualsiasi indecisione stilistica. Nell'affrontare alcuni temi (rapporto con la famiglia, voglia di evadere, critica alla società) può risultare a tratti forzata e un pò troppo programmatica la sua struttura, ma sono difetti che si dissolvono facilmente nella grazia di un tocco magico, diretto e inimitabile. Attraverso una calcolata naturalezza, una sensibilità ipereccitata e uno sguardolucido, lo spettatore si immedesima facilmente nel protagonista, provando piacere nel partecipare attivamente al suo vagabondaggio reale, morale ed esistenziale. Penn partecipa con il suo carattere onnivoro, utilizzando tutte le cifre stilistiche a sua disposizione: primi piani, ralenty, split-screen, carrellate aeree; un'ammirevole tecnica di brio audiovisivo che, sorprendentemente, stimola lo spettatore in più di un'occasione, con la memorabile scena in cui un orso fiuta il protagonista, lo guarda e lo lascia libero; qui la natura, più che cattiva, è impassibile al suo destino.

Danilo Cristaldi

Quiz musica: The AC/DC

2009-04-09T22:30:00.000+02:00

Get Your Own Quiz!, More Quizzes

Shine a Light

2009-03-26T16:29:00.003+01:00

L’unica rock band al mondo capace di confutare il tempo, restando immune alle modificazioni che quest’ultimo può causare, dà vita a quello che è forse il più bel documentario su un concerto della storia del cinema. Probabilmente saranno cambiati i volti, ma non la musica in questo storico gruppo dalla matrice blues, che usa il palcoscenico in tutte le sue forme, considerando lo spettacolo una componente predominante di un concerto. E’, proprio per questo, considerata una delle rock band più coinvolgenti dal vivo; rende palpitante, attraverso la sua energia, la voglia di fare musica e spettacolo, facendo quasi dimenticare che coloro che si muovono sul palco hanno la veneranda età di oltre 60 anni; il filtro della memoria non li scalfisce, anzi, li “illumina” in tutti i sensi, come il titolo suggerisce. L’energia, qualità che certo non manca ai Rolling Stones, non è solo presente nella musica, ma anche nella genialità visiva di M. Scorsese, regista energico per eccellenza. Con il considerevole apporto di 17 telecamere, infatti, le vorticose immagini fuoriescono da una staticità che molte volte è il limite di un concerto filmato, e la visione appare unica nella sua espressiva dinamicità. Oltre alle riprese, altri pilastri fondamentali sono le luci e i colori di R. Richardson, con un montaggio tipico scorse siano di D. Tedeschi. Chi ha avuto la fortuna di assistere (da vicino) ad un concerto dei Rolling Stones potrà facilmente ammettere che è la cosa che gli si avvicina di più, considerando che lo schermo e la realtà sono due cose ben diverse.

Recensione a cura di Danilo Cristaldi

Led Zeppelin - "Thank You" live at the BBC '69-'71

2009-02-21T16:15:00.000+01:00

Quando ci troviamo ad ascoltare un live, in linea di massima e a nostro modesto parere, siamo d'accordo per esperienza che il brano originale sia difficilmente superabile dalla corrispettiva interpretazione dal vivo, ma nel caso dei Led Zeppelin questo, ormai automatico, pregiudizio viene a cadere.Tutto merito naturalmente delle eccelse doti tecniche e artistiche del quartetto britannico che non a caso sono ritenuti come una delle migliori live band che abbia mai calcato i palchi di mezzo mondo.Anche in questo caso comunque il live non supera l'originale, ma la qualità e la differente interpretazione del live la portano alla stregua di quella in studio.Aprite bene le orecchie perchè Jimmy è nel periodo più florido della sua carriera e il suo assolo di chitarra è proprio da favola.P.S. anche Bonzo come al solito non scherza mica......

Il brano è contenuto nel doppio cd "BBC SESSION"

Disco 1

'You Shook Me' (Dixon-Lenoir) - 5:14
'I Can't Quit You Baby' (Dixon) – 4:22
'Communication Breakdown' (Bonham/Jones/Page) – 3:12
'Dazed and Confused' (Page) – 6:39
'The Girl I Love She got Long Black Wavy Hair' (Page/Plant/Jones/Bonham/Estes) – 3:00
'What Is and What Should Never Be' (Page/Plant) – 4:20
'Communication Breakdown' (Bonham/Jones/Page) – 2:40
'Travelling Riverside Blues' (Johnson/Page/Plant) – 5:12
'Whole Lotta Love' (Bonham/Jones/Page/Plant) – 6:09
'Somethin' Else' (Cochran/Sheeley) – 2:06
'Communication Breakdown' (Bonham/Jones/Page) – 3:05
'I Can't Quit You Baby' (Dixon) – 6:21
'You Shook Me' (Dixon/Lenoir) – 10:19
'How Many More Times" (Bonham/Jones/Page) – 11:51

Disco 2

'Immigrant Song' (Page/Plant) – 3:20
'Heartbreaker' (Bonham/Jones/Page/Plant) – 5:16
'Since I've Been Loving You' (Jones/Page/Plant) – 6:56
'Black Dog' (Jones/Page/Plant) – 5:17
'Dazed and Confused' (Page) – 18:36
'Stairway to Heaven' (Page/Plant) – 8:49
'Going to California' (Page/Plant) – 3:54
'That's the Way'(Page/Plant) – 5:43
'Whole Lotta Love' (Bonham/Jones/Page/Plant) meddley che include ( Boogie Chillun' di John Lee Hooker, Fixin' to Die di Bukkah White, That's Alright Mama di Arthur Crudup e A Mess of Blues di Doc Pomus e Mort Shuman – 13:45
'Thank You' (Page/Plant) – 6:37

a cura di Mash

Sangue blu di Robert Hamer

2009-02-14T00:00:00.001+01:00

1868, in un carcere inglese un Lord, aspetta la sua esecuzione

Trama: 1868, in un carcere inglese un Lord, Louis D'Ascoyne Mazzini, aspetta la sua esecuzione per un delitto non commesso scrivendo della sua vita, del suo amore e di come, molto abilmente, è riuscito a sbarazzarsi di ben 8 consaguinei eredi al titolo di Duca di Chalfont. Sul filo del rasoio arriva la prova che lo scagiona, esce, si trova ad un bivio ma al momento di scegliere arriva un'amara consapevolezza.Sceneggiato da John Dighton ispirandosi a un romanzo di Roy Horniman, Sangue blu è una notevolissima pellicola della commedia nera uscita negli anni del dopoguerra. Alimentato da una forte vena satirica, di critica verso l’inumana e arrogante borghesia inglese (non tutta comunque) e da un cinico atteggiamento verso la vita, il film procede spedito grazie anche alla narrazione del protagonista che in maniera sintetica ma esauriente ci guida all’interno della sua prospettiva. Nonostante vanti oltre mezzo secolo di vita, come un vino buono non sembra sentire il peso degli anni, anzi. Il giovane D'Ascoyne con la sua faccia di bronzo, inesorabile nella sua vendetta ma circondato da un’alone di malsana simpatia, è egregiamente rappresentato dal poco noto attore Dennis Price.A parte la subdola, mischina e materialista donnina Sibella di cui è invagito il protagonista e qualche attore secondario (come il buffo rettore carcerario) il cast è dominato dal camaleontico Alec Guinness. Sono infatti ben 8 i personaggi, da eliminare, interpretati dall’attore inglese che riesce nonostante il trucco non eccessivo a fuorviare gli spettatori non attenti; l’unico segnale a tal proposito viene da una alquanto brutta Lady Agatha. Guinness otterrà solo il titolo di miglior attore dalla National Board of Review Awards 1950. La regia di Robert Hamer, con cui in seguito Guinness collaborerà ad altri film, d'impronta classica e teatrale è comunque zelante e sorretta da un’ottima fotografia affidata al grande Douglas Slocombe; tiene perfettamente i tempi di una commedia in stile Old British ed è forse il miglior risultato del regista inglese.Musiche a cura di Ernest Irving dal Don Giovanni di Mozart.Segnaliamo infine la differenza del cognome dalla lingua originale, ossia Mazzini, con quello scelto per il doppiaggio italiano e cioè Martinez. Questo fa pensare che forse ai nostri distributori non è piaciuto che questo elegante assassino avesse origini nostrane, pensando bene di cambiarle scegliendo quelle dei nostri vicini spagnoli; forse al pubblico avrebbe dato fastidio di avere un assassino in casa?Non è un film che ebbe molto eco a livello internazionale e che tuttora resta alquanto anonimo, ma come al solito il successo non è mai proporzionale al valore, in quanto è più che meritiero di essere visto, anche più volte. Non a caso nel 1999 il British Film Institute l'ha inserito al sesto posto della lista dei migliori cento film britannici del XX secolo.

SCHEDA: Sangue blu
Titolo originale: 'Kind Hearts and Coronets'
Paese: UK
Anno: 1949
Durata 106'
Colore: B/N
Genere: Commedia - commedia nera
Regia: Robert Hamer
Sceneggiatura: John Dighton
Musiche: Ernest Irving
Montaggio: Peter Tanner
Fotografia: Dougla Slocombe
Cast:
- Dennis Price (Louis)
-Valerie Hobson (Edith)
-Joan Greenwood (Sibella)
-Alec Guiness (The Duke/The Banker/The Parson/The General/The Admiral/Young Ascoyne/Young Henry/Lady Agatha)
-Audrey Fildes (Mama)

Recensione a cura di Mash

Woody's Time

2009-02-13T14:19:00.000+01:00

"In quel periodo uscivo con una ragazza e dovevamo sposarci, ma c'era un conflitto religioso. Lei era atea e io agnostico. Non sapevamo senza quale religione educare i figli."

Bob Dylan - Blowin' in the wind

2009-02-04T17:08:00.000+01:00

E' insieme a Knockin' on Heaven's Door la canzone più conosciuta del celeberrimo cantautore americano. Uno dei brani che forse più ha contribuito alla fama del menestrello Bob e che maggiormente ha coinvolto i giovani di mezzo mondo!
Leggi info su WikipediaTra i migliori risultati del connubio tra musica e poesia
Blowin' in the wind
How many roads must a man walk down
Before you call him a man?
Yes, 'n' how many seas must a white dove sail
Before she sleeps in the sand?
Yes, 'n' how many times must the cannon balls fly
Before they're forever banned?
The answer, my friend, is blowin' in the wind,
The answer is blowin' in the wind.

How many times must a man look up
Before he can see the sky?
Yes, 'n' how many ears must one man have
Before he can hear people cry?
Yes, 'n' how many deaths will it take till he knows
That too many people have died?
The answer, my friend, is blowin' in the wind,
The answer is blowin' in the wind.

How many years can a mountain exist
Before it's washed to the sea?
Yes, 'n' how many years can some people exist
Before they're allowed to be free?
Yes, 'n' how many times can a man turn his head,
Pretending he just doesn't see?
The answer, my friend, is blowin' in the wind,
The answer is blowin' in the wind.

Soffiando nel vento
Quante strade deve percorrere un uomo
prima che possiate chiamarlo uomo?
E quanti mari deve sorvolare una bianca colomba
prima di dormire sulla sabbia?
E quante volte devono volare le palle di cannone
prima di venir proibite per sempre?
La risposta, amico mio, soffia nel vento,
la risposta soffia nel vento.
E quanti anni può esistere una montagna
prima di essere dilavata, fino al mare?
E quanti anni può esistere un popolo
prima di essere lasciato libero?
E quante volte può un uomo volgere il capo
e fingere di non vedere?
La risposta, amico mio, soffia nel vento,
la risposta soffia nel vento.
E quante volte un uomo deve guardare in alto
prima di vedere il cielo?
E quanti orecchi deve avere un uomo
prima di sentir piangere gli altri?
E quante morti ci vorranno
prima che capisca che troppa gente è morta?
La risposta, amico mio, soffia nel vento,
la risposta soffia nel vento.

Quiz musica - The Beatles, il secondo sulla storica band

2009-02-02T16:40:00.000+01:00

Get Your Own Quiz!, More Quizzes

Wall-E - Non si ci ferma spesso a guardare i titoli di coda!

2009-02-01T16:14:00.001+01:00

Chiunque guardi un film seduto al cinema o sul divano di casa allo scorrere dei titoli di coda, riconosciuta logicamente la fine del film, abbandona la propria postazione per ridare brio alle proprie intorpidite gambe; ma non sempre! Non è certo la prima volta che viene dedicata particolare attenzione alla presentazione di coloro che hanno lavorato al progetto ma nel caso di Wall-E non si ci può esimere dal guardarli e dall'ascoltarli. 5 minuti che felicemte passano sull’armonia della canzone del grande Peter Gabriel intitolata “Down to the Earth” e peraltro candidata all’Oscar. Continuando idealmente la vicenda dei profughi terrestri ormai ritornati a casa, aiutati dai loro amici tutti circuiti, i disegnatori e tecnici della Pixar hanno la possibilità di lietarci ulteriormente con immagini che ci fanno ripercorrere la storia dell’arte pittorica e figurativa umana; dalle incisioni e decorazioni rupestri all'alba dei tempi alla civiltà ellenistica, dal rinascimento sino ai giorni nostri passando per Vincent Van Gogh, Georges Seurat e Auguste Renoir. Nel miglior film d’animazione degli ultimi anni Wall-E non un solo minuto è stato sprecato, tutto tende a divertire, ad affascinare e perchè no anche a riflettere.
A cura di Mash84

Alcuni film per non dimenticare la Shoah

2009-01-29T22:22:00.000+01:00

5 film, ognuno unico a suo modo, su una delle più grandi tragedie del secolo scorso! Opere per non dimenticare e non solo. Film specchio della meschinità umana e al tempo stesso emozionanti inni alla vita.

PRIMO LEVI
"Tutti coloro che dimenticano il loro passato, sono condannati a riviverlo"

"Essi [gli altri prigionieri di Auschwitz] popolano la mia memoria della loro presenza senza volto e se potessi racchiudere in un'immagine tutto il male del nostro tempo, sceglierei questa immagine, che mi è familiare: un uomo scarno, dalla fronte china e dalle spalle curve, sul cui volto e nei cui occhi non si possa leggere traccia del pensiero."

Train de vie - di Radu Mihaileanu 1998

Schindler's List - di Steven Spielberg 1993

Il pianista - di Roman Polanski 2002

La vita è bella - di Roberto Benigni 1997

La strada di Levi - di Davide Ferrario 2005

Un capolavoro: Mother dei Pink Floyd

2009-01-28T10:00:00.001+01:00

Mother do you think they'll drop the bomb
Mother do you think they'll like the song
Mother do you think they'll try to break my balls
Ooooh aah, Mother should I build a wall
Mother should I run for president
Mother should I trust the government
Mother will they put me in the firing line
Ooooh aah, is it it just a waste of time *
Hush now baby don't you cry
Mama's gonna make all of your
Nightmares come true
Mama's gonna put all of her fears into you
Mama's gonna keep you right here
Under her wing
she won't let you fly but she might let you sing
Mama will keep baby cosy and warm
Ooooh Babe Ooooh Babe Ooooh Babe
Of course Mama's gonna help build the wall

Mother do think she's good enough for me
Mother do think she's dangerous to me
Mother will she tear your little boy apart
Oooh aah, mother will she break my heart
Hush now baby, baby don't you cry
Mama's gonna check out all your girl friends for you
Mama won't let anyone dirty get through
Mama's gonna wait up till you come in
Mama will always find out where
You've been
Mamma's gonna keep baby healthy and clean
Ooooh Babe Ooooh Babe Ooooh Babe
You'll always be a baby to me
Mother, did it need to be so high.

Mamma pensi che lasceranno cadere la bomba?
Mamma pensi che a loro piacerà la canzone?
Mamma pensi che mi romperanno le palle?
Mamma devo costruire un muro?
Mamma devo cercare di diventare presidente?
Mamma devo fidarmi del governo?
Mamma mi metteranno in prima linea?
Mamma è davvero uno spreco di tempo?
Zitto adesso bambino non piangere
Mamma adesso farà avverare tutti i tuoi incubi
Mamma ti inculcherà tutte le sue paure
Mamma ti terrà sempre qui sotto le sue ali
Non ti lascerà volare ma forse ti farà cantare
Mamma terrà il suo bambino caldo e coccolato
Oooh, bambino
Oooh, bambino
Oooh, bambino naturalmente mamma ti aiuterà a costruire il muro
Mamma pensi che lei vada bene per me?
Mamma pensi che sia pericolosa per me?
Mamma pensi che farà del male al tuo bambino?
Mamma pensi che spezzerà il mio cuore?
Zitto adesso bambino,bambino non piangere
Mamma sceglierà per te tutte le tue amichette
Mamma non ti lascerà frequentare cattivi soggetti
Mamma aspetterà sveglia fino al tuo ritorno a casa
Mamma scoprirà sempre dove sei stato
Mamma ti terrà sempre sano e pulito
Oooh bambino
Oooh bambino
Oooh bambino tu sarai sempre il mio bambino per me
Mamma,c'è proprio bisogno di essere così per bene?

Academy Awards, le candidature per la 81esima edizione (anno 2009)

2009-01-26T13:00:00.000+01:00

MIGLIOR FILM
“Il curioso caso di Benjamin Button” (Paramount e Warner Bros.)
“Frost/Nixon - Il duello” (Universal)
“Milk” (Focus Features)
“The Millionaire” (Fox Searchlight)
“The Reader - A voce alta” (The Weinstein Company)

MIGLIOR ATTORE PROTAGONISTA
Richard Jenkins in “The Visitor”
Frank Langella in “Frost/Nixon - Il duello”
Sean Penn in “Milk”
Brad Pitt in “Il curioso caso di Benjamin Button”
Mickey Rourke in “The Wrestler”

MIGLIOR ATTRICE PROTAGONISTA
Anne Hathaway in “Rachel sta per sposarsi”
Angelina Jolie in “Changeling”
Melissa Leo in “Frozen River”
Meryl Streep in “Il dubbio”
Kate Winslet in “The Reader - A voce alta”

MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA
Josh Brolin in “Milk”
Robert Downey Jr. in “Tropic Thunder”
Philip Seymour Hoffman in “Il dubbio”
Heath Ledger in “Il Cavaliere Oscuro”
Michael Shannon in “Revolutionary Road”

MIGLIOR ATTRICE NON PROTAGONISTA
Amy Adams in “Il dubbio”
Penélope Cruz in “Vicky Cristina Barcelona”
Viola Davis in “Il dubbio”
Taraji P. Henson in “Il curioso caso di Benjamin Button”
Marisa Tomei in “The Wrestler”

MIGLIOR REGISTA
“Il curioso caso di Benjamin Button” — David Fincher
“Frost/Nixon - Il duello” — Ron Howard
“Milk” — Gus Van Sant
“The Millionaire” — Danny Boyle
“The Reader - A voce alta” — Stephen Daldry

MIGLIOR FILM D’ANIMAZIONE
“Bolt - Un eroe a quattro zampe” (Walt Disney)
“Kung Fu Panda” (DreamWorks Animation / Paramount)
“WALL-E” (Walt Disney)

MIGLIOR SCENEGGIATURA ORIGINALE
“Frozen River” — Courtney Hunt
“Happy Go Lucky - La felicità porta fortuna” — Mike Leigh
“In Bruges - La coscienza dell’assassino” — Martin McDonagh
“Milk” — Dustin Lance Black
“WALL-E” — Andrew Stanton, Jim Reardon (soggetto originale di Andrew Stanton, Pete Docter)

MIGLIOR SCENEGGIATURA NON ORIGINALE
“Il curioso caso di Benjamin Button” — Eric Roth (soggetto di Eric Roth e Robin Swicord)
“Il dubbio” — John Patrick Shanley
“Frost/Nixon - Il duello” — Peter Morgan
“The Millionaire” — Simon Beaufoy
“The Reader - A voce alta” — David Hare

MIGLIOR COLONNA SONORA ORIGINALE
“Il curioso caso di Benjamin Button” — Alexandre Desplat
“Defiance - I giorni del coraggio” — James Newton Howard
“Milk” — Danny Elfman
“The Millionaire” — A.R. Rahman
“WALL-E” — Thomas Newman

MIGLIOR CANZONE ORIGINALE
“Down to Earth”, da “WALL-E” [Musica di Peter Gabriel e Thomas Newman; parole di Peter Gabriel]
“Jai Ho”, da “The Millionaire” [Musica di A.R. Rahman; parole di Gulzar]
“O Saya”, da “The Millionaire” [Musica e parole di A.R. Rahman e Maya Arulpragasam]

MIGLIOR SONORO
“Il Cavaliere Oscuro” — Richard King
“Iron Man” — Frank Eulner e Christopher Boyes
“The Millionaire” — Tom Sayers
“WALL-E” — Ben Burtt e Matthew Wood
“Wanted - Scegli il tuo destino” — Wylie Stateman

MIGLIORI EFFETTI SONORI
“Il Cavaliere Oscuro” — Lora Hirschberg, Gary Rizzo e Ed Novick
“Il curioso caso di Benjamin Button” — David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce e Mark Weingarten
“The Millionaire” — Ian Tapp, Richard Pryke e Resul Pookutty
“WALL-E” — Tom Myers, Michael Semanick e Ben Burtt
“Wanted - Scegli il tuo destino” — Chris Jenkins, Frank A. Montaño e Petr Forejt

MIGLIORI EFFETTI VISIVI
“Il Cavaliere Oscuro” — Nick Davis, Chris Corbould, Tim Webber e Paul Franklin
“Il curioso caso di Benjamin Button” — Eric Barba, Steve Preeg, Burt Dalton e Craig Barron
“Iron Man” — John Nelson, Ben Snow, Dan Sudick e Shane Mahan

MIGLIOR SCENOGRAFIA
“Il Cavaliere Oscuro” — Direzione artistica: Nathan Crowley - Decorazione set: Peter Lando
“Changeling” — Direzione artistica: James J. Murakami - Decorazione set: Gary Fettis
“Il curioso caso di Benjamin Button” — Direzione artistica: Donald Graham Burt - Decorazione set: Victor J. Zolfo
“La Duchessa” — Direzione artistica: Michael Carlin - Decorazione set: Rebecca Alleway
“Revolutionary Road” — Direzione artistica: Kristi Zea - Decorazione set: Debra Schutt

MIGLIOR FOTOGRAFIA
“Il Cavaliere Oscuro” — Wally Pfister
“Changeling” — Tom Stern
“Il curioso caso di Benjamin Button” — Claudio Miranda
“The Millionaire” — Anthony Dod Mantle
“The Reader - A voce alta” — Chris Menges e Roger Deakins

MIGLIORI COSTUMI
“Australia” — Catherine Martin
“Il curioso caso di Benjamin Button” — Jacqueline West
“La Duchessa” — Michael O’Connor
“Milk” — Danny Glicker
“Revolutionary Road” — Albert Wolsky

MIGLIOR TRUCCO
“Il Cavaliere Oscuro” — John Caglione, Jr. e Conor O’Sullivan
“Il curioso caso di Benjamin Button” — Greg Cannom
“Hellboy - The Golden Army” — Mike Elizalde e Thom Floutz

MIGLIOR MONTAGGIO
“Il curioso caso di Benjamin Button” — Kirk Baxter e Angus Wall
“Il Cavaliere Oscuro” — Lee Smith
“Frost/Nixon - Il duello” — Mike Hill e Dan Hanley
“Milk” — Elliot Graham
“The Millionaire” — Chris Dickens

MIGLIOR DOCUMENTARIO
“The Betrayal (Nerakhoon)” — Ellen Kuras e Thavisouk Phrasavath
“Encounters at the End of the World” — Werner Herzog e Henry Kaiser
“The Garden” — Scott Hamilton Kennedy
“Man on Wire” — James Marsh e Simon Chinn
“Trouble the Water” — Tia Lessin e Carl Deal

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO DOCUMENTARIO
“The Conscience of Nhem En” — Steven Okazaki
“The Final Inch” — Irene Taylor Brodsky e Tom Grant
“Smile Pinki” — Megan Mylan
“The Witness - From the Balcony of Room 306″ — Adam Pertofsky e Margaret Hyde

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO
“Auf der Strecke (On the Line)” — Reto Caffi
“Manon on the Asphalt” — Elizabeth Marre e Olivier Pont
“New Boy” — Steph Green e Tamara Anghie
“The Pig” — Tivi Magnusson e Dorte Høgh
“Spielzeugland (Toyland)” — Jochen Alexander Freydank

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO ANIMATO
“La Maison en Petits Cubes” — Kunio Kato
“Lavatory - Lovestory” — Konstantin Bronzit
“Oktapodi” — Emud Mokhberi e Thierry Marchand
“Presto” — Doug Sweetland
“This Way Up” — Alan Smith e Adam Foulkes

MIGLIOR FILM STRANIERO
“La banda Baader Meinhof” (Germania)
“La classe” (Francia)
“Departures” (Giappone)
“Revanche” (Austria)
“Valzer con Bashir” (Israele)

Stanley Kubrick, un pò di luce su Arancia meccanica

2009-01-25T16:35:00.001+01:00

Parla il regista statunitense sul suo film più chiacchierato e forse il più frainteso, soprattutto nel contesto giovanile; interessante a proposito lo speciale mandato in onda su La7 con i pareri di Christiane Kubrick, di Jan Harlan, assistente di produzione in “Arancia Meccanica” e successivamente produttore esecutivo dei film di Kubrick. E ancora le parole di Malcolm McDowell e di Anthony Burgess.
La seguente intervista risale al 1972, più precisamente al 4 gennaio, pubblicata sul New York Times a cura di Bernard Weinraub.

Kubrick

"Il libro mi è stato passato da Terry Southern durante uno dei momenti in cui ero occupatissimo dietro a 2001", ricorda. "Lo misi da una parte e me ne scordai per circa un anno e mezzo. Poi un giorno lo ripresi in mano e cominciai a leggerlo. Il libro ebbe un impatto immediato su di me."
"Ero entusiasta di ogni cosa del libro, dalla trama alle idee, dai personaggi fino, ovviamente, al linguaggio. Inoltre, la storia aveva una dimensione maneggevole in prospettiva di un adattamento cinematografico."

Il film è una visione impietosa nel nostro prossimo futuro. Bande di vagabondi stuprano, uccidono, picchiano e rubano. I cittadini vivono in una cultura da pop art vadalizzata, vistosa, gelida e sporca. I politici e le forze dell'ordine sono corrotti. Il personaggio principale, Alex (Malcolm McDowell), è trasformato dagli scienziati conniventi col potere da un duro dei sobborghi ad un cittadino modello senza difese, solo per risorgere, alla fine, in una nuova forma non dissimile dal suo stato originario.

"La storia funziona, ovviamente, su vari livelli, politico, sociologico, filosofico e, più importante di tutti, su una sorta di livello psico-simbolico simile a quello dei sogni", dichiara Kubrick.

"Alex è un personaggio che alla luce di ogni considerazione logica e razionale dovrebbe suscitare antipatia e anzi, con ogni probabilità, il pubblico dovrebbe aborrirlo", continua. "Eppure, nello stesso modo in cui Riccardo III gradualmente riesce ad eludere la tua disapprovazione, Alex ti trascina dentro la sua visione della vita. La storia produce questo effetto, che è per la mente del pubblico l'illuminazione artistica più piacevole e sorprendente."

"Penso che il pubblico che guarda un film o assiste a un dramma teatrale si trovi in uno stato molto simile a quello dei sogni e ritengo che l'esperienza drammatizzata diventi una specie di sogno controllato. Ma il punto importante qui è che il film comunica ad un livello inconscio e che il pubblico risponde agli snodi basilari della storia ad un tale livello, come farebbe appunto con un sogno."

L'uomo nello stato naturale
"A questo livello, Alex simbolizza l'uomo nel suo stato naturale, lo stato in cui sarebbe se la società non gli avesse imposto i suoi processi civilizzanti."

"Quello a cui rispondiamo in modo inconscio è il senso di libertà di Alex, che gli permette di uccidere e stuprare senza sentirsi in colpa, che è in parallelo la nostra condizione naturale selvaggia. E' in questo lampo di consapevolezza sulla vera natura dell'uomo che risiede il potere di questa storia."

Come artista, Kubrick ha un punto di vista innegabilmente cupo. "Una delle fallacità più pericolose che ha influenzato molti ragionamenti politici e filosofici è che l'uomo sia essenzialmente buono e che sia la società a renderlo cattivo", afferma. "Rousseau ha trasferito il peccato originale dall'uomo alla società e questa visione ha contribuito in modo rilevante a quella che io ritengo sia una premessa incorretta su cui basare una filosofia politica e morale."

Questo invece è un estratto di una successiva intervista, 30 gennaio 1972, realizzata da Craig McGregor sempre per il New York Times

Per quanto riguarda i critici - "Trovo che molti critici interpretino male i miei film - o probabilmente quelli di chiunque. Davvero in pochi si soffermano un po' di tempo a pensare dopo averli visti. Guardano il film una volta, si ricordano a malapena quello che hanno visto, e poi scrivono una recensione nel giro di un'ora. Voglio dire, occorre più tempo perfino per scrivere il riassunto di un libro che ti fanno leggere a scuola. Sono molto soddisfatto di Arancia Meccanica. Penso sia il film più abile che ho mai fatto. Non ci trovo quasi nessun difetto."

Non crede che un'opera d'arte debba avere come scopo primario "formulare una dichiarazione politica o filosofica" e ritiene che il romanzo di Burgess avesse tutto ciò che serve: una grande storia, grandi idee e un personaggio principale, Alex, che rissume in sé tutto ciò che Kubrick ritiene sia proprio dell'uomo. "Ti identifichi con Alex perché in lui riconosci te stesso", spiega. "E' per questo motivo che alcune persone si sentono a disagio guardando il film."

Così, per la prima metà del film, Kubrick lancia addosso allo spettatore infinite scene di violenza sadica, stupri di gruppo, tortura e vandalismo, beandosi per ciascuno di questi crimini in dettagli lascivi. Alla critica di gratuità della messinscena, che non dimostra un grosso ragionamento intellettuale o fondamento satirico dietro di sé, Kubrick risponde sempre alla stessa maniera: "Era già tutto nel libro." E continua: "Parte della sfida artistica richiesta dal personaggio del romanzo risiedeva nel riuscire a mostrare la violenza attraverso i suoi occhi, non filtrata da uno sguardo moralista e critico, ma direttamente e soggettivamente, come la sente Alex."

Kubrick crede che il cinema sia un'esperienza simile al sogno ad occhi aperti, in cui possiamo rappresentare fantasie normalmente represse dalla nostra mente cosciente. Ma per un non meglio specificato motivo, non crede di sfruttare questo principio con Arancia Meccanica, né per sé stesso (nonostante ammetta una sua certa fascinazione per la violenza) né per quelli che potrebbero divertirsi a vedere nello splendore del grande schermo scene di stupro, tortura e ultra-violenza. "Non era mia intenzione sfruttare questi desideri, non ho fatto il film per questo motivo e non penso che abbia questo effetto."

Eppure non era stato attratto dal libro di Burgess a causa della violenza e del sesso sadico contenuto in quelle pagine? Kubrick resta completamente ambiguo e conclude: "Ad ogni modo non penso che il film sia socialmente pericoloso, come non credo che lo sia alcuna opera d'arte. Sfortunatamente, non credo neppure che possa essere socialmente costruttivo."

Ma allora le opere d'arte non causano nessun effetto sulle persone? "Ci toccano nel senso che ci illuminano su qualcosa che già avvertivamo confusamente, ma non possono cambiarci. Sono due effetti differenti." L'arte quindi non ci influenza? "Non posso proprio dire di essere stato influenzato da qualche opera d'arte nella mia vita."

Fonti da Archivio Kubrick

Quiz musica: Eric Clapton

2009-01-24T16:05:00.001+01:00

Get Your Own Quiz!, More Quizzes