ROYAL TRILOGY

JUSTIN HAYWARD: UN PROLIFICO COMPOSITOR

2026-10-14T06:00:00.000-05:00

Hoy, 14 de Octubre, es un día especial para los que amamos la mágica música de los Moody Blues, porque está cumpliendo 80 años, el gran JUSTIN HAYWARD, vocalista y guitarrista de los Moodys, y también un extraordinario y prolífico compositor. Y además es el único sobreviviente de los Moody Blues. Y la ocasión es propicia para actualizar el post que le dediqué hace algunos años aquí en el blog, como realmente se lo merece este gran músico, el cual –me atrevo a decir- es uno de los más subvalorados en el mundo del rock. Además, en lo personal, es mi otro músico favorito de siempre, y siempre lo he admirado por su gran calidad como compositor y su gran sencillez y calidad humana como persona. Dentro de la vasta y prolongada trayectoria musical del grupo, Justin ha contribuido con maravillosas composiciones, además de tener también muy buen material como solista. Es más, solamente con un tema tan extraordinario como “Nights In White Satin”, Justin ya tiene ganado un sitial en la historia de la música, por tan hermosa melodía y sobre todo, por tan bella e inspirada letra. Con esa canción, Justin se graduó con todos los honores como compositor, pero lo mejor es que la obra musical de Justin va más allá de ello. Como siempre, este post no pretende ser 100 % biográfico ni estadístico -ya que ello implicaría dividir este post en dos o tres partes-, sino enfocarlo desde mi experiencia personal con alguna información básica e interesante, y más centrado en Justin que en los Moody Blues –los cuales ya tienen su post-, poniendo énfasis en su brillante carrera musical como solista -algo que también me atrevo a decir que es totalmente desconocido por el 95 % de quienes estén leyendo este post-, para que al menos, puedan conocer y descubrir un poco de su música.

A modo de información, Justin nació un 14 de Octubre de 1946, en Swindon, Wiltshire, UK. A la edad de 7 años, tomó algunas clases de piano y a los 9 aprendió a tocar el ukelele, pero al escuchar a Buddy Holly, ello contribuyó con su deseo de tener una guitarra, lo cual logró a los 10 años con la ayuda de sus padres. Cuando estaba en la escuela, Justin tocaba en clubes juveniles y pubs alrededor de Swindon, comenzando a fines de los 50’s con su grupo The Woodpeckers, luego con The Satellites, The Rebels Rock Group y finalmente, The Whispers y All Things Bright. A los 15 años, pudo adquirir una guitarra Gibson y un amplificador Vox, mientras tocaba con grupos locales en clubes y salones de baile, y tocando mayormente canciones de Buddy Holly. En una entrevista señaló: "Desde que escuché a Buddy Holly, me enfoqué en saber lo que quería. El es mi héroe de siempre". Entre sus influencias están Johnnie Ray, Elvis, Bobby Darin y Cliff Richard & The Shadows. En 1965, Justin contestó un aviso en “The Melody Maker” y fue parte del trío “The Wilde Three”, compuesto por Marty Wilde -padre de Kim Wilde- y su esposa Joyce. Fue Marty quien lo empujó a que escribiera sus propias canciones. En 1966, hace 50 años, luego de contestar otro aviso en “Melody Maker” –esta vez puesto por Eric Burdon-, Justin fue contactado por Mike Pinder de The Moody Blues, luego de que Burdon le pasara a Pinder la carta y los demos de Justin. Días después, en Setiembre de 1966, Justin ya reemplazaba al saliente vocalista y guitarrista del grupo, Denny Laine. Poco después entraría John Lodge como bajista y de esta forma, quedaría definitivamente conformado el quinteto y pasaron de ser un grupo que tocaba solamente temas con un sonido R & B, a una banda de rock progresivo e innovador. Sin duda, la llegada de Justin y John le cambiaron la dirección musical del grupo, y junto con el uso del Mellotron, le dieron un sonido propio y exitoso. Al respecto, Justin dijo: “Mike y el Mellotron hicieron que mis canciones funcionaran”. Luego vendría el clásico “Nights In White Satin” y el álbum “DAYS OF FUTURE PASSED” en 1967, y el resto es historia.

Como mencionara en el post que dediqué a los MOODY BLUES, la razón por la cual me fascina tanto esta banda es porque todos sus miembros cantaban, componían y tocaban, y tenían la misma importancia dentro de la banda. No era el caso de una banda con un rock star y sus amigos o su grupo de apoyo. Y la importancia de Justin era grande, no sólo porque aportó temas muy bellos en cada álbum, sino que además contribuía con el sonido distintivo de la guitarra y también con los coros de apoyo en los temas, como elemento característico del sonido musical de los MOODY BLUES. En la primera etapa de los Moodys con Mike Pinder, Justin contribuyó con piezas claves en cada album, destacando: "Nights In White Satin" y "Tuesday Afternoon” del album “DAYS OF FUTURE PASSED”; “Voices In The Sky” y “The Actor” en “IN SEARCH OF THE LOST CHORD”; "Lovely To See You”, “Never Comes The Day” y “Are You Sitting Comfortably” en “ON THE TRESHOLD OF A DREAM”; “Gipsy” y "Watching and Waiting” en “TO OUR CHILDREN’S CHILDREN’S CHILDREN”; “Question" en “A QUESTION OF BALANCE”, "The Story In Your Eyes” en “EVERY GOOD BOY DESERVES FAVOUR”; y “New Horizons” en “SEVENTH SOJOURN”.

Cuando la banda decidió tomarse un descanso sabático de seis años, tanto en lo que se refería a giras y sesiones de grabación, Justin se unió con John para crear el hermoso álbum llamado “BLUE JAYS” en 1975, por el cual salieron de gira por Inglaterra. Asimismo, en 1977, lanzó su primer y único álbum solista llamado “SONGWRITER”, sobre el que hablaremos después. Cuando el grupo regresó en 1978 con el álbum ”OCTAVE”, Justin pasó a adquirir mucho más protagonismo dentro de la banda, junto con John, y en dicho álbum contribuyó con los temas “Driftwood”, “Had To Fall In Love” y “The Day We Meet Again”. A partir de los 80’s, compuso el hit “The Voice”, “In My World” y “Meanwhile” en el “LONG DISTANCE VOYAGER”; y “Blue World” y “It's Cold Outside Of Your Heart” en “THE PRESENT”. A partir del album “THE OTHER SIDE OF LIFE” en 1986, Justin y John pasaron a constituir la fuerza conductora del grupo y sus composiciones, tanto invidividuales como conjuntas, predominaban en cada album, y destacó “Your Wildest Dreams” y “The Other Side Of Life” en “THE OTHER SIDE OF LIFE”; y “I Know You’re Out There Somewhere”, “No More Lies” y “Vintage Wine” en “SUR LA MER”. En la década del 90, destacaron sus temas “Say It With Love” del álbum “KEYS OF THE KINGDOM”; y “English Sunset”, "The Swallow" y “Foolish Love” en “STRANGE TIMES”.

En el plano personal, Justin está casado con Ann Marie Guirron –a quien dedicó el tema “Marie”- desde el 19 de Diciembre de 1969, lo cual significa que van a cumplir 57 años de casados. Tienen una hija llamada Doremi Celeste, nacida en 1972. La pareja vive en el sur de Francia. Justin siempre ha manifestado lo importante que representa su familia para él, la cual es su roca, y es muy unido a su familia. Su comida favorita es el puré de papas mezclado con col, y su carro favorito es el Mercedes. Entre sus hobbies está el hacer ejercicio, cocinar, ver fútbol y montar a caballo. Le encanta estar en Gran Bretaña, Barbados y Francia y su ciudad favorita es Oxford. Su escritor favorito es Nigel Barley y su film favorito es “Dr. Strangelove” de Stanley Kubrick. Su color favorito es el azul y amarillo. Y su tema favorito con los Moodies es “I Know You’re Out There Somewhere” y a nivel solista, su canción favorita es “Broken Dream”, una belleza de canción. Además, Justin confiesa que lo que más le atrae de las mujeres son sus ojos y sus piernas y que lo que más le atrajo a su esposa de él fueron sus ojos.

A nivel solista, Justin ha tenido una carrera musical bastante buena y muy pareja. Después del proyecto de “BLUE JAYS”, en 1977 tuvo su primer álbum solista llamado “SONGWRITER”, el cual es una joya de principio a fin, donde mantiene esa esencia musical con la que brilla en los Moody Blues, en donde destacan bellezas musicales como “Stage Door”, "Songwriter 1 & 2", “Country Girl”, “Raised On Love”, “One Lonely Room” y “Nostradamus”. En 1978 participó en el álbum de Jeff Wayne, “WAR OF THE WORLDS”, y contribuyó con la extraordinaria canción “Forever Autumn”, que fue un gran hit en toda Europa. En los 80’s tuvo los albums “NIGHT FLIGHT” en 1980, “MOVING MOUNTAIN” en 1985, y “CLASSIC BLUE” con Mike Batt en 1989.

En 1996 cuando lanzó el brillante álbum “THE VIEW FROM THE HILL”, que fue grabado principalmente en Italia y Justin describió este álbum de la siguiente manera: “Hacer música maravillosa, en un lugar hermoso, con tus mejores amigos, es el sueño de todo músico. ¡Nosotros lo logramos! Este álbum es una celebración de hermandad musical y alegría como nunca antes lo había experimentado”. De este álbum, destacan la joya “Broken Dream”, “”It’s Not Too Late”, “I Heard It”, “Troubador”, "Something To Believe", "Shame" y “Children Of Paradise”. En verdad, todo el album es una delicia musical y con la mano en el pecho, recomiendo a ojos cerrados a todos ustedes, escuchar esta maravilla de album, porque es una experiencia relajante al comprobar lo que Justin es capaz de crear musicalmente. En una entrevista en 1995, Justin manifestó: "La diferencia entre los Moody Blues y 'The View From The Hill' es que mientras escribo para los Moodys, estoy escuchando cosas que otras tres personas quisieran expresar, y cuando escribo para mí mismo, es sólo acerca de lo que quiero decir, justo exactamente lo que hay en mi corazón".

En el año 2013, 17 años después de su último álbum en estudio, Justin lanzó el 26 de Febrero su nuevo álbum “SPIRITS OF THE WESTERN SKY”, de muy buen nivel y mostrando como siempre, su enorme calidad como compositor, en donde destacan los temas “In Your Blue Eyes”, “The Western Sky”, “The Easter Sun”, “Lazy Afternoon” y unas muy agradables versiones country de sus temas “Broken Dream”, “It’s Cold Outside Your Heart” y “What You Heart Persists”. Este álbum trajo consigo una corta gira de Justin como solista por la costa este de USA en el mes de Agosto del 2013, y estuvo acompañado del tecladista Alan Hewitt y la corista Julie Ragins, ambos músicos de apoyo en las giras de los Moody Blues. El último show de la gira en Atlanta fue grabado para un futuro lanzamiento en DVD, el cual finalmente fue lanzado el 19 de Agosto del 2014 con el título de "SPIRITS ... LIVE - AT THE BUCKHEAD THEATRE, ATLANTA". en DVD, Blu-ray y CD. En el 2014 también realizó una corta gira por USA en Mayo y Junio, y en el 2015 entre Julio y Setiembre, volvió a hacer una gira por UK y USA. Justin considera que es importante para él seguir con una carrera solista por la razón que con los Moody Blues han estado bastante de giras por USA en los últimos 20 años, radios shows y cosas como esas, pero muy pocos álbumes en estudio. Al respecto, Justin dijo en una entrevista en 1995: "Porque grabamos con poca frecuencia, tengo canciones para tocar. Escribir canciones fue todo lo que hice en mi juventud. Es mi principal actividad y no puedo dejarlo ir. No puedo dejar morir a las canciones".

En el DVD “AN AUDIENCE WITH JUSTIN HAYWARD” del 2004, Justin señaló que por encima de todo, él se consideraba como un compositor y dijo: “Es como una droga. Soy como un adicto a ella (…). No puedo imaginarme estar sin componer, sin tener esa expresión. No sería una completa persona sin ello. Es la verdad. Es un mundo de imaginación que me libera”. Y en 1967, Justin dijo que encontraba que sus canciones formaban una especie de biografía o diario de su vida, ya que ellas eran acerca de gente que él había conocido o gente que solo había conocido en su imaginación, lugares que él solo había visto por un momento y lugares que el había vivido en toda su vida. Su esperanza era que a través de su música, él hubiera ayudado a hacer del mundo un lugar mejor. Y sobre su forma de componer, en otra entrevista, Justin declaró: "Hay uno, dos o tres métodos. Uno es tanteando con un instrumento. No soy exigente ni quisquilloso, utilizo con frecuencia mi guitarra o a veces un piano y lo recorro para llegar a un buen sonido. Si uso la guitarra, es solo la guitarra. Si toco el sintetizador o teclados, pondré un sonido de batería de sintetizador para el ritmo y simplemente lo tocaré. Yo toco todo el día por diversión. Así que tocaré y de repente, una emoción es evocada y aparece luego dentro de un fragmento de una canción, donde puedo ver cosas como en una pantalla, e imágenes vienen dentro de esa pantalla, colores, gente en la canción, imágenes. Otra forma es, si tengo una frase, o sólo escribo algunas frases que la gente dice. A veces ¡, solo un fragmento de una canción me inspira para escribir una canción alrededor de ello". Cuando en en el 2013, le preguntaron como se describía en una frase, Justin contestó: "Un guitarrista que canta un poco y que escribe canciones".

Por otro lado, Justin también ha recibido diversos premios y reconocimientos por su labor como compositor. En 1974 recibió un premio de la American Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP), en 1985 junto con los Moody recibieron un Ivor Novello por su importante contribución a la música. En 1988 recibió otro Ivor Novelo como Compositor del Año por “I Know You're Out There Somewhere”. En el 2000 recibió un “Golden Note Award” de la ASCAP por los logros de toda una vida y por ese mismo motivo, recibió en el 2004 un “Gold Badge” de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors (BASCA). Y en Mayo del 2013, nuevamente fue galardonado con otro Ivor Novello por “Outstandng Achievement” por sus prominentes logros de toda una vida. Y quien le entregó este premio en la ceremonia fue Marty Wilde, su amigo y héroe, quien le dio su primer trabajo en su grupo. Un merecido reconocimiento a un grande como Justin Hayward. Finalmente, en el año 2016, se cumplió medio siglo de su llegada a los MOODY BLUES, y en Setiembre realizó una gira solista por UK y lanzó el DVD "LIVE IN CONCERT AT THE CAPITOL THEATRE", de su show en Clearwater, Florida, en Octubre del 2014. Y el 14.10.2016, lanzó el recopilatorio "ALL THE WAY", de su carrera solista, e incluyó un tema nuevo, titulado "The Wind Of Heaven", que coescribió con David Minasian, para el film del mismo nombre. Y como ya es costumbre, el tema es una verdadera belleza musical. Finalmemnte, a inicios de este 2022, Justin grabó una nueva canción, en colaboración con Alberto Parodi en Italia, titulada "Living For Love". Sobre la inspiración para este tema, Justin señaló: "Soy de una generación que como adolescentes si éramos afortunados, vivíamos solo por amor; con la música más maravillosa, libertad y optimismo. Realmente no lo entendíamos en el momento, pero tengo que celebrar aquellos días ahora, mientras estamos aquí y recordamos". Y el lanzamiento de este single precedió a una corta gira de Justin por UK desde el 11 hasta el 23 de Setiembre.

Hoy, con 80 años, JUSTIN HAYWARD continúa en actividad de manera solista, realizando giras por UK y Europa. Con su álbum solista que lanzó a inicios del 2013, Gran cantante y guitarrista, es uno de los músicos más subvalorados en el mundo de la música y además, ha demostrado ser una persona sencilla, centrada, de hablar calmado y pausado, siempre amable con sus fans, y que toda su carrera ha tenido los pies bien puestos en la tierra y nunca ha estado expuesto a escándalos –igual que todos los Moodies- ni estar envuelto en chismes para impulsar su carrera –algo tan común el día de hoy. Es un hombre de familia que va a cumplir 57 años de casado, siempre ha manifestado profesar un gran amor por su esposa Marie, y con la pinta que tiene, por la cual debe haber sido objeto de deseo por las fans femeninas, quizás otros –como Mick Jagger o Rod Stewart- ya se hubiera levantado a medio USA. Desde este modesto blog, he querido recordarlo en este día y por qué no, generar que muchos de los que lean este post, conozcan un poquito más sobre este gran músico. Y le deseamos todo tipo de felicidades en su día al lado de su familia, que Dios le dé muchísimos años más de vida y que nos siga regalando su enorme talento para componer y también, más canciones maravillosas que tocan la fibra de muchos.

¡¡FELICES 80 AÑOS, JUSTIN HAYWARD!!

THE CARS: RECORDANDO A BENJAMIN ORR

2026-10-03T06:00:00.000-05:00

Hoy, 3 de Octubre se cumplen 26 años de la muerte de BENJAMIN ORR, bajista y una de las voces de la recordada agrupación norteamericana THE CARS, y con motivo de esta fecha, he querido actualizar el post que le dediqué hace algunos años a THE CARS, uno de mis grupos favoritos de siempre, y publicarlo con fecho de hoy, enfocándolo como siempre desde mi experiencia personal y cómo llegó su música a mi vida y cómo fue su popularidad aquí en nuestro medio.

La primera vez que escuché y a su vez ví algo de THE CARS fue en “Disco Club”, y fue con el tema “Let’s Go”, en 1980. Y me gustó ese ritmo fresco y el estilo con que era interpretado este tema por el bajista Benjamín Orr. Poco después ví el video de la canción “Just What I Needed” y me gustó muchísimo esta canción, nuevamente interpretado por su rubio bajista. Ambos temas no eran de ese año 80, sino de 1978 y 1979 respectivamente, y ello generó en mí interés en escuchar algo nuevo de esta banda. Y en ese año, Gerardo Manuel estrenó en su programa “Disco Club”, la canción “Touch And Go”, que me pareció interesante, pero no me gustaba tanto como los dos temas previos. A estas alturas, me parecía un buen grupo, pero no para considerarlo entre mis favoritos. Pero mi opinión comenzó a cambiar en 1982 cuando escuché por Radio Doble Nueve el tema “Shake It Up”, con un ritmo super pegajoso, que combinaba el sentimiento rockero de la banda de sus primeros albums con los sintetizadores y batería electrónica para crear así un ritmo bailable muy agradable. Esta canción rompió aquí en las radios y era infaltable en las discotecas y recuerdo que tuve la suerte que un amigo de mi hermano Alex le prestó el disco 45 importado y sonaba espectacularmente en los parlantes del equipo 3 en 1 que teníamos en la casa. Y cuando ví el video en “Disco Club”, me encantó porque realzaba la canción y por las modelos que salían al final del video y su video fue bien difundido en ese programa. Con este tema y su siguiente single “Since You’re Gone”, me comencé a interesar un poco más en esta banda y allí supe que eran provenientes de Boston, Massachusetts y se formaron en la segunda mitad de los 70’s y que estaba liderada por Ric Ocasek, quien era el vocalista principal y compositor de todos los hits de la banda, Benjamín Orr, bajista y vocalista de algunos éxitos, el guitarrista Elliot Easton, el tecladista Greg Hawkes y el baterista David Robinson. Pero la cosa cambiaría dos años después.

En 1984 lanzaron el album “HEARTBEAT CITY” y ese fue el pico más alto de la popularidad de la banda en todo el mundo, e incluso también en nuestro medio. Los temas “You Might Think”, “Magic”, “Hello Again” y sobre todo, “Drive” tuvieron bastante difusión radial, así como sus videoclips en los programas musicales de TV, como “La Máquina del Rock”. Y la canción que fue un mega éxito en este album fue “Drive”, que una vez más, era cantada por Benjamín Orr. Una balada con harto feeling y que tampoco faltaba en las fiestas de ese entonces, y cuyo video fue muy bien realizado. Aquí la banda ingresó a mi galería de favoritos de siempre y escuché sus hits anteriores, los cuales estaban muy buenos. Y al año siguiente, en 1985, el grupo lanzó su esperada recopilación “GREATEST HITS”, y contenía todos los hits de la banda, y fue una compilación muy completa, del cual se incluyó un nuevo tema, el estupendo tema “Tonight She Comes”, que también gozó de gran éxito en nuestro medio. THE CARS había llegado a un tope en su carrera y a partir de allí, vendría un período de descanso que sirvió para que tanto Ric Ocasek como Benjamín Orr lanzasen proyectos solistas. De Ocasek se recuerda los temas “Emotion In Motion” y “True To You”, y de Benjamín Orr se escuchó la hermosa balada “Stay The Night”, incluida en el album “THE LACE”. En esos años se comenzó a especular sobre el futuro de la banda, si seguirían o si tomarían rumbos separados.

En 1987 la banda se volvió a reunir y lanzaron el album “DOOR TO DOOR” y del cual se extrajo la canción “You Are The Girl”, que en lo personal, es uno de mis favoritas de THE CARS y me encantó desde la primera vez que lo escuché. Esperé ese album con bastante expectativa y recuerdo que mi hermano se compró el cassette del “DOOR TO DOOR” y cuando lo escuché completo, me gustó mucho. Aquí en nuestro medio, “You Are The Girl” fue todo un hit en Radio Doble Nueve y algunas otras radios más. Y su video fue bastante ocurrente y jocoso. De este album, recuerdo mucho los temas “Strap Me In”, “Coming Up You”, “Everything You Say” y “Door To Door”. Pero lamentablemente no repitió el éxito de su antecesor y nuevamente volvieron a generarse especulaciones sobre el futuro del quinteto. Pero esta vez, las especulaciones sí fueron ciertas y en febrero de 1988 la banda anunció su separación. Así se terminaba la carrera de una de las bandas más queridas en los 80’s. Recuerdo que esta noticia la supe después cuando en 1989 me prestaron una edición especial de 1988 de la revista Rolling Stones y mientras la hojeaba, me detuve en una página que señalaba en un cuadro “The Cars crashed” y en el que se mencionaba su separación y me dio mucha pena porque era uno de mis grupos favoritos en ese momento.

Desde entonces, cada uno de los miembros del grupo se abocó a sus proyectos solistas. Ocasek continuó con su carrera solista, habiendo editado siete álbumes en estudio. Robinson se retiró de la música y pasaba la mayor parte de su tiempo con su restaurant y en el 2005, Elliot Easton y Greg Hawkes formaron “The New Cars” con Todd Rundgren, Prairie Prince y Kasim Sulton, donde tocaban una mezcla de clásicos de The Cars y canciones de Rundgren. Y en cuanto a Benjamín Orr, grabó nuevo material con el guitarrista John Kalishes para un album posterior a “THE LACE”, que no llegó a ser lanzado. Desde el 98 hasta su muerte en el 2000 estuvo en tres bandas, incluyendo su propia banda "ORR", The Voices of Classic Rock y Big People.

En cuanto a Benjamin Orr –de nombre Benjamin Orzechowski-, nació un 8 de setiembre de 1947 en Lakewood, Ohio, y tocaba varios instrumentos como la guitarra, el bajo, teclados y batería. Lamentablemente en abril del 2000, fue diagnosticado con cáncer de páncreas y hospitalizado y luego continuó tocando en conciertos con la banda Big People en festivales de verano. Se reunió con sus compañeros de THE CARS por última vez en Atlanta, Georgia, para una entrevista que fue usada en un video y DVD de un concierto de THE CARS en Alemania en 1979, llamado “THE CARS LIVE”. Lamentablemente, en esa entrevista –de la cual extraemos la última parte y que puede encontrarse en Youtube- se le ve a Benjamín con la huella de la enfermedad, ya que lucía demasiado frágil, delgado y demacrado y con una semblante triste e intervino poco en la entrevista. Su última aparición fue el 28 de Agosto del 2000 en un concierto de Big People en Anchorage, Alaska. El 3 de Octubre del 2000, a la edad de 53 años, Benjamín Orr falleció en la casa de su novia, Julie Snider, en Atlanta, rodeado de sus amigos y miembros de Big People -grupo que aún toca algunos clásicos de THE CARS en tributo a Ben Orr. Por su parte, Ric Ocasek escribió y grabó la canción “Silver," su emotivo tributo musical a su viejo amigo Benjamín, que apareció en el album de Ocasek del 2005, “NEXTERDAY”.

A mediados del 2010, los cuatro miembros sobrevivientes de THE CARS insinuaron una posible reunión a través de su Facebook fan page, mediante una foto en la que salen Ric Ocasek, Elliot Easton, Greg Hawkes y David Robinson ensayando en un estudio en Boston, relajados y felices. No hubo ningún anuncio oficial ni nada por el estilo, pero se interpretó que la banda estaba haciendo saber de un posible retorno. Y el 10 de Mayo del 2011, THE CARS lanzó su nuevo álbum, "MOVE LIKE THIS", un muy buen trabajo musical con el acostumbrado y clásico estilo de siempre, aunque claro, se extrañaba la presencia de Benjamin Orr. El primer single fue "Sad Song" y también hubieron muy buenas canciones, y en mayo el grupo inició una nueva gira por USA y Canadá. Esa fue maravillosa noticia para todos los que admiramos a esta querida banda y también fue como una última oportunidad para todos sus fans de poder verlos en vivo y también una ocasión magnífica de rendirle tributo a al gran Benjamín Orr, quien fue el gran ausente. Y estoy absolutamente seguro que lo primero que deben haber dicho los fans al confirmarse esta reunión sería: “Just what I needed!”. Incluso, en las notas dentro del álbum, el grupo agradeció a Ben con las siguientes palabras: "Ben, your spirit was with us on this one!".

Finalmente, el 15 de Setiembre del 2019, RIC OCASEK nos dejó para siempre, a la edad de 70 años. No tengo la menor duda que debe haberse reencontrado con su viejo amigo Benjamin en el reino espiritual, después de 19 años. Con la partida de Ben y Ric, se fue una parte de nuestras vidas. Y THE CARS siempre tendrá un lugar especial en el corazón ochentero de los fans que gustamos y disfrutamos de su fresca y muy buena música, tanto por la figura del gran Ric Ocasek, como por la de su carismático y encantador bajista: Benjamín Orr. Hoy, a 26 años de la partida física de Benjamín Orr, sigue vivo en el recuerdo, y muy en particular, por aquellos temas en los cuales su voz es el signo distintivo de esas canciones: “Just What I Needed”, “Let’s Go”, y muy en especial, la inolvidable y maravillosa “Drive”. Que Dios lo siga teniendo en su gloria.

STING: UN GRAN MUSICO

2026-10-02T06:00:00.000-05:00

Hoy, 2 de Octubre, está cumpliendo 75 años de edad, Gordon Mathew Sumner, más conocido en el mundo de la música como STING. Como siempre suelo señalar en cada post que escribo sobre algún artista o grupo en particular, lo que haré es enfocarlo desde mi experiencia personal como fan que vivió la carrera solista de Sting en su momento de vigencia, con alguno que otro dato de interés y con algunas opiniones sobre este gran artista musical. Pero a modo de información, es bueno señalar que Sting nació un 2 de octubre de 1951 en Wallsend, Newcastle, Inglaterra y a la edad de 14 años sintió un apego a la música jazz y se compró una guitarra con acordes de bajo. Para 1972 tocó en The Newcastle Big Band y por esa época le pusieron el apelativo de “Sting”, ya que le gustaba usar un polo amarillo y negro con el que parecía una abeja. Y en 1975 conoció a Stewart Copeland, con quien junto a Andy Summers y Henri Padovani –quien se iría poco después- formaron en 1977 el grupo The Police. Como trío duraron siete años, aunque oficialmente se separaron en 1986. Con The Police, Sting lo había conseguido todo, pero ya desde antes daba señales de querer emprender una carrera solista y apuntar hacia otros horizontes. En 1985 salió su álbum solista “THE DREAM OF THE BLUE TURTLES” -aunque no fuese su primer album solista, ya que en 1982 hizo el soundtrack del film “Brimstone And Treacle”, que además marcó su debut en el cine y de donde salió su primer single “Spread A Little Happiness”. Y aquí me detengo y soy plenamente sincero.

Cuando Sting lanzó en 1985 el album antes señalado, uno todavía conservaba en la retina y en la memoria la trayectoria musical de The Police, quienes fueron uno de mis grupos favoritos en la primera mitad de los 80’s. Es más, después de la patinada de QUEEN con el “HOT SPACE” y tras el éxito arrasador del album “SYNCHRONICITY”, en ese año 1983, The Police pasó a ser mi grupo favorito -galardón que obtuvo en mis preferencias por todo ese año hasta 1984 cuando QUEEN lanzó “THE WORKS” y volvió a la cima de mis preferencias para no abandonarla jamás. Pero volviendo a Sting y The Police, ya en 1984 había escuchado en Radio Doble Nueve un tema solista de Sting, el cover del clásico “Tutti Frutti”, que era puro rock and roll. Y en ese año 85, sabiendo que Sting era el genio de The Police, uno esperaba escuchar más temas dentro del estilo del trío. Y por ese motivo -en forma equivocada de mi parte-, como que no me llegó a gustar ni su primer single “If You Love Somebody, Set Them Free” ni el álbum. Lo único que me llegó a gustar fue “Fortress Around Your Heart”, que tenía un aire a Police y “Russians”, que sí me parecía genial. Y además ni me tomé la molestia de escuchar el album.

Cuando The Police se separó definitivamente en 1986 tras lanzar el recopilatorio “EVERY BREATH YOU TAKE – THE SINGLES” y grabar una nueva versión de “Don’t Stand So Close To Me”, quedaba la esperanza de que el siguiente album de Sting conservase ese estilo que los fans de The Police queríamos escuchar. Y en el año 1987, Sting sacó su siguiente álbum “NOTHING LIKE THE SUN” y se alejó mucho más de lo que era The Police, consolidando un estilo propio y experimental. Y nuevamente en ese momento, le volví a dar la espalda y me gustó menos que el anterior álbum y solo me gustó el tema “Englishman In New York” y escuché solo tres temas y ni escuché el álbum en su totalidad.

Pero mi perspectiva y mi opinión sobre la carrera de Sting comenzó a cambiar en la década del 90. Primero con el album “THE SOUL CAGES” de 1991, pero principalmente con la maravilla de álbum de 1993 “TEN SUMMONER’s TALES”. Allí me di cuenta que había sido injusto en juzgar la carrera musical de Sting comparando con lo que había hecho con The Police y no haber analizado su música por el estilo que representaba de manera individual. Sobre el “TEN SUMMONER’S TALES”, a raiz que mi hermano Alex se compró ese CD, ya no tenía motivo para no ponerme a escuchar ese álbum completo. Y me habían gustado mucho los singles “If I Ever Lose My Faith In You” y sobre todo, “Fields Of Gold”, que me impactó apenas la escuché y gracias a esa canción, me animó a querer escuchar ese álbum. Y al hacerlo, quedé maravillado porque me gustaron todos los temas. Es bueno señalar que este álbum estaba inspirado en una tradicional obra literaria inglesa “The Canterbury Tales” y en una entrevista Sting afirmó: “Es un hecho que se te dibujará una sonrisa en tu rostro después de escuchar este disco. En mi álbum, dí un vistazo a las cosas más naturales de mi vida; la película de vaqueros en mi TV, los campos dorados de cebadas cerca a mi casa. En fin, traté de enfocar la historia dentro de ella, algo así como un narrador de cuentos, queriendo ser un buen peregrino en camino a Canterbury, ignorando todos los letreros de la ruta”. Y ese fue el efecto que causó en mí y luego de ello, me interesé en escuchar sus álbumes anteriores, comenzando con “THE DREAM OF THE BLUE TURTLES” y me di cuenta que era muy bueno y luego tras escuchar el “NOTHING LIKE THE SUN”, me quedé impresionado con esa joya musical llamada “Fragile”, la cual no había escuchado en su momento. Otro gran álbum de Sting que me había perdido de escuchar en la década anterior -el cual dedicó a su madre, quien había fallecido en junio de ese año 1987- y de donde se extrajeron muy buenos temas como “They Dance Alone” y “Englishman In New York”, la cual me pareció elegante y muy refinado, musicalizando la característica de un tipo inglés con la vida neoyorkina. Y por último, cuando escuché el álbum “THE SOUL CAGES”, el cual dedicó a su padre, mis impresiones sobre la música de Sting cambiaron de un lado al otro y me convertí en un gran fan de su música.

Una de las experiencias más gratas que tuve oportunidad de vivir fue cuando en los años 93, 84, 95 y 96, con mi gran amiga Dianita García, elaborábamos juntos una serie de especiales en su programa “Memories”. Yo la apoyaba con los textos que ella leía en cada especial y entre ambos elegíamos los temas a incluir en la hora que duraba cada especial. Y cuando llegó el turno de hacer un especial de Sting en el año 1994, le pusimos harto corazón y quedamos satisfechos con lo que habíamos preparado. Pero nunca esperamos la enorme receptividad de ese especial. Cuando terminó el especial, Dianita me llamó y me dijo: “Hermano, dimos en el clavo. No sabes la cantidad de llamadas que ha habido y no he tenido descanso en el especial. Y son varios los que me están pidiendo que lo repitamos”. Fue satisfactorio cuando escuché eso y la reacción de sus oyentes duró toda esa semana porque llamaban y pedían más temas de Sting en “Memories”.

En cuanto a su vida personal, en 1976, Sting se casó con la actriz Frances Tomelty. La pareja se divorció en 1982 y tuvieron dos hijos, la actriz Fuchsia Catherine "Kate" Sumner (1982) y el cantante Joseph "Joe" Sumner (1976), quien siguiendo los pasos de su padre ahora está en la música y es miembro de la banda Fiction Plane. Poco después comenzó a vivir con la actriz y más tarde productora de cine, Trudie Styler, con quien se casó en 1992. Tienen cuatro hijos: la actriz Mickey Sumner, la cantante Coco Sumner, el modelo Jake Sumner y Giacomo Luke Sumner. Con Trudi, Sting ha hallado la tranquilidad que deseaba. Aunque Sting posee varias propiedades en el Reino Unido y en USA, actualmente tiene su hogar en la región de Toscana, en Italia y se estima que su fortuna es de 180 millones de Libras, como apareció en el “Sunday Times Rich List of 2011”. Para mantenerse en forma, corre diariamente 8 kilómetros, hace aeróbicos y practica yoga. Sobre su estilo musical, en una oportunidad, Sting declaró: “Si alguien me dice que no he seguido la fórmula de The Police, contesto que a mí nadie me dicho cuál es la fórmula. Para mí, son más importantes mis campañas benéficas. Estoy identificado con ellas”. Ha participado en campañas ecologistas y en defensa de los indios amazónicos y de la preservación de la naturaleza y la selva amazónica.

Y algo que sin duda, quedará en el recuerdo de muchos peruanos, fue el gran concierto que Sting ofreció el 23 de febrero del 2010 en la Explanada del Estadio Monumental y que tuvo una duración de tres horas. Desafortunadamente por motivos financieros, no pude estar presente y ante la posibilidad, en ese momento, de la venida de Paul Mc Cartney, me guardé para el concierto de Paul. Pero me quedó por siempre esa espina clavada dentro de mí, al no haber podido ver a uno de mis favoritos. Pero, algo es algo, gracias a mi gran amiga Clarita Romero, pude escuchar por celular varios de los temas que interpretó como “If I Ever Lose My Faith In You”, “Fields Of Gold”, “Englishman In New York”, “Fragile”, “Russians” y los clásicos de The Police, “Roxane”, “Message In A Bottle”, “Every Breath You Take” y “King Of Pain”. Al menos pude escuchar la voz de Sting en vivo y en directo por celular. Y el 19 de noviembre del 2021, lanzó su último álbum en estudio, titulado "THE BRIDGE", con el single, "If It's Love", en el que mantuvo su esencia musical.

Por último, el 26 de febrero del 2025, tuve la oportunidad de estar presente en el gran concierto de Sting en el Costa 21, catorce años después de su anterior concierto, y al fín me pude sacar ese clavo. Pude disfrutar en vivo a uno de los músicos que más admiro, tanto sus canciones solistas como sus hits con The Police. Hoy, con 75 años a cuestas, Sting ha consolidado una brillante carrera solista, habiendo podido despegarse de la etiqueta de “ex cantante de grupo exitoso”, en base a una identidad musical propia que ha ido forjando. Desde 1985, cada álbum de Sting representaba una franca evolución musical y con innovaciones y experimentando con diversos estilos. Mega star con The Police, como solista ha logrado el reconocimiento unánime de la crítica por su gran concepción intelectual de la música y su gran talento para componer, pero sobre todo, por no haber tenido que depender de su glorioso pasado como miembro de The Police, logrando que su nombre destaque y triunfe, por mérito propio. Desde este blog, le deseamos todo tipo de felicidades en su vida y que nos siga regalando su talento por muchos años más.

¡¡FELICES 75 AÑOS, STING!!

MUSIC TRILOGY: GOODBYE II

2026-09-30T06:00:00.000-05:00

Llegamos al día 30 de setiembre, y hoy es un post muy especial. Cuando en enero del 2025 anuncié que “MUSIC TRILOGY” retornaba al blog, mencioné que hasta ese momento había publicado 56 posts en esta sección musical, y que en ese momento, mi objetivo era llegar a los 100 posts para bajar el telón. Y aquí estamos el día de hoy, hemos llegado al post número 100 y me siento muy feliz por ello por haberse cumplido dicho objetivo. Cien trilogías musicales con canciones diferentes que comparten un título en común. Y es razón más que suficiente para bajar el telón de este segmento musical. Pero no es adiós definitivo y eso lo detallaré después de presentarte la trilogía que corresponde a este post número 100. Y creo que el título elegido cae preciso para esta especie de despedida: “GOODBYE II”. Y pongo número II porque en diciembre del 2016, hace casi 10 años, hubo una trilogía de “Goodbye” con Mary Hopkin, Air Supply The Corrs. Hoy, una década después, he elegido tres grupos y artistas más.

En primer lugar, tenemos la muy hermosa canción del grupo femenino británico Spice Girls de 1998, escrita por Spice Girls, Richard Stannard y Matt Rowe, e incluido en el álbum “CALL ME”, llegando al número 1 en UK, Italia, Irlanda y Nueva Zelanda. En segundo lugar, tenemos a la banda británica Def Leppard, con este hermoso tema de 1999, y que fue escrito por Rick Savage e incluido en el álbum “EUPHORIA”. Y por último, tenemos esta buena canción de la cantante y compositora australiana Natalie Imbruglia, del año 2001, escrita por Natalie Imbruglia y Mat Wilder, e incluida en el álbum “WHITE LILIES ISLAND”.

Por último, en el primer párrafo dije que si bien es cierto, esto es una despedida, pero no es un adiós definitivo. Me explico. Siempre he dicho que este es mi segmento favorito del blog y realmente me encanta elaborarlo y publicarlo. Y en los últimos meses, he estado pensando bastante esta idea hasta poder estar 100 % seguro de la decisión que he tomado. “MUSIC TRILOGY” se despide del blog “Royal Trilogy”. Pero se mudará a su nueva casa. En la segunda quincena del próximo mes de octubre. Crearé un nuevo espacio, o blog, en la plataforma de WordPress, con el nombre de “MUSIC TRILOGY”, y solo estará dedicado a esta iniciativa de presentar tres temas musicales diferentes unidos con un título en común. Y los posts serán semanales, esto es, cada trilogía será publicada una vez por semana. “ROYAL TRILOGY” seguirá como siempre, pero “MUSIC TRILOGY” tendrá una vida propia y en su nueva casa. En Octubre estaré dando más detalles en mis redes en Instagram, y Facebook.

THE CORRS: FORGIVEN, NOT FORGOTTEN (1995)

2026-09-26T06:00:00.000-05:00

Hoy, 26 de setiembre, se cumplen 31 años del lanzamiento del álbum “FORGIVEN, NOT FORGOTTEN” del grupo irlandés The Corrs. Y he querido dedicarle un post a este muy álbum debut de esta gran banda. En primer lugar, debo señalar que en su momento, en 1995, nunca supe de la existencia de este álbum y de esta banda. Recién en noviembre del 2003 cuando ví en vivo en un canal de cable el concierto 46664, pude ver a esta banda y me llamó la atención de que eran cuatro hermanos -tres mujeres y un hombre- que tocaban sus instrumentos y su estilo bien particular que combinaba el pop rock con el sonido tradicional irlandés y celta. La banda era irlandesa y estaba conformada por los hermanos Corr: Andrea -quien es la vocalista principal y toca la flauta irlandesa, la mandolina y el ukelele-, Sharon -quien toca el violín, teclados y hace los coros-, Caroline -batería, percusión, pandero irlandés y coros- y Jim -guitarra, piano, teclados y coros. También pude ver a Andrea Corr junto a Brian May cantando muy bien el tema de QUEEN, “Is This The World We Created?”. Pasaron largos años y no volví a escuchar de ellos, hasta que ubiqué algunas canciones que utilicé para el segmento “Music Trilogy”, como “Runaway”, “Heaven Knows” y “Angel”, y sinceramente me gustaron muchísimo estas canciones, sobre todo, “Runaway”. Realmente me encantaban sus arreglos musicales, el sonido del violín con un estilo bien celta, que simplemente agregaban magia a su música, y en especial, la hermosa y angelical voz de Andrea Corr, quien además es hermosa enormemente carismática. Y precisamente en este mes de setiembre, decidí escuchar su álbum debut “FORGIVEN, NOT FORGOTTEN”, y francamente quedé maravillado y anonadado.

“FORGIVEN, NOR FORGOTTEN” fue lanzado el 26 de setiembre de 1995, y grabado entre mayo de 1994 y mayo de 1995 en los estudios Chartmaker en Malibú, California, y The Record Plant, en Los Angeles, siendo producido por David Foster y Jim Corr. Fue número 1 en Australia, número 2 en Irlanda y UK, número 4 en España, número 5 en Dinamarca, número 10 en Austria, número 11 en Nueva Zelanda, número 12 en Noruega, número 16 en Francia y Suecia, número 37 en Suiza y Bélgica, número 38 en Holanda, número 50 en Canadá, número 86 en Alemania y número 131 en USA. Los singles lanzados fueron: “Runaway” -número 10 en Irlanda y número 49 en UK-, “Forgiven, Not Forgotten”, “The Right Time” en USA, “Love To Love You” y “Closer”.

En cuanto al álbum, combina perfectamente el pop rock, folk rock y una fusión celta. Desde el inicio, con el intro instrumental “Erin Shore” de 27 segundos, te dice claramente que esta es una banda irlandesa y muy orgullosa de sus raíces. Acto seguido, viene el tema “Forgiven, Not Forgotten”, una hermosa balada suave y lenta, y con harto feeling, y desde el saque el sonido característico del violín con estilo celta. Y esto definitivamente va a ser algo que va estar presente a lo largo de todo el álbum. Después viene “Heaven Knows” -que ya la había escuchado la década pasada-, y con un estilo más rítmico y con hermosas melodías. A continuación, viene el segundo corte instrumental, “Along With , Girls”, otra bella pieza tradicional de 49 segundos. Luego de eso, está “Someday”, buen pop rock y con violines. Y después, viene mi canción favorita del álbum, “Runaway”, una gran canción que lo tiene todo, De inmediato, otro gran tema “The Right Time”, con buen pop rítmico, en donde destacan las voces de las hermanas Corr y el violín que es importante en el coro del tema. Y después de ello, dos maravillas instrumentales más, “The Minstrel Boy”, que te llega a la médula- y “Toss The Feathers”, sublime pieza instrumental. Tras ese magnífico relax, viene una belleza de canción, “Love To Love You”, una melodía hermosísima en donde la voz de Andrea simplemente te arrulla. Después, sigue “Secret Life”, otro buen tema pop rock, y nuevamente, otra belleza instrumental, “Carraroe Jig”, cuyo sonido te transporta a esos banquetes de hace dos o tres siglos. Y luego de ese disfrute instrumental, viene otra bellísima balada, “Closer”, en donde Andrea pone el alma y corazón en su interpretación. Y después viene la muy buena canción pop rítmica “Leave Me Alone”. Y para cerrar con broche de oro, el álbum termina como comenzó, con la pieza instrumental “Erin Shore”, pero esta vez con más de cuatro minutos de duración. Si te gustaron los 27 segundos del intro, escúchalo ahora en una versión completa. Simplemente magia.

He disfrutado a lo largo de esta última semana este gran álbum debut de The Corrs, escuchándolo diariamente y ya tomé la decisión de escuchar toda su discografía completa, que consta de siete álbumes en estudio, como hice hace dos años con Supertramp. Y termino este post, tras recordar esta gran producción musical, recomendándote que escuches este maravilloso álbum en su totalidad. Date el permiso de dedicarle 50 minutos de tu tiempo a este gran álbum y con tus cinco sentidos bien puestos. No te vas a arrepentir y tu sentido auditivo te lo va a agradecer bastante.

25 DE SETIEMBRE: RECORDANDO SIEMPRE A MI QUERIDO VIEJO

2026-09-25T06:00:00.000-05:00

Hoy, 25 de Setiembre, mi padre hubiera cumplido 99 años de edad. Y por ello, quise actualizar el post que le dediqué en mi blog hace trece años y publicarlo con fecha de hoy. Además, no quería que esta fecha pasara desapercibida en mi blog sin evocar a mi padre, ALBERTO SAMUEL GUADALUPE WIESE, quien aunque no está físicamente entre nosotros, su recuerdo permanece duradero por siempre entre nosotros.

Mi viejo nació un domingo 25 de setiembre de 1927, en la provincia del Callao. Cuando aún estaba en la barriga de su madre -mi abuela Ida-, su padre Samuel, de nacionalidad ecuatoriana, falleció en circunstancias más que misteriosas –la versión “oficial” fue que se ahogó cuando viajaba de una provincia a otra-, y al nacer, desde el saque ya era huérfano de padre, y su madre tuvo que sacar sola adelante a su familia, lo cual le endureció bastante el carácter. Vivió parte de su niñez en la Calle Constitución, en una especie de quinta al lado de casi toda su familia materna, y años más tarde, se iría a vivir al edificio de la cuadra 14 de Arenales, hasta cuando se casó con mi madre, Sara Gioconda Tello Arrasco, un domingo 2 de abril de 1961. Cuando el que escribe vino al mundo, un domingo 3 de febrero de 1963 –una vez más, un día domingo vuelve a estar presente en una fecha importante en la vida de mi padre-, mi viejo tenía 35 años. Terminó en la universidad sus estudios de Ingeniería Química, pero su gran pasión fue el periodismo, que finalmente lo terminó reclutando en sus filas.

Fue un periodista de la vieja guardia y pasó por numerosos medios de comunicación, tanto en prensa, radio y hasta TV. En prensa, se inició en “La Prensa” en la década del 50, y trajinó por diarios como “Expreso”, “Correo”, "Ultima Hora", “Visión Peruana”, y hasta llegó a ser Director del diario “Actualidad” en 1986, y en un gesto que reflejó con creces su ética profesional, renunció a dicho cargo cuando los dueños de dicho diario, le cambiaron la primera plana de la edición del día siguiente, sin siquiera comunicarle nada y pasando por encima de él, sorprendiéndolo al día siguiente cuando el diario ya estaba en los kioscos. Sin pensarlo dos veces, mi viejo presentó su carta de renuncia, expresando literalmente en su carta su decepción total con ese tipo de actitudes. En radio, estuvo en Radio Libertad con su entrañable amigo Víctor Manuel Avendaño en “La Voz de Libertad”. Y en TV, estuvo en la Jefatura de Redacción del Noticiero del Canal 2, "90 Segundos" -en sus momentos de esplendor-, y también en el noticiero del Canal 7 junto con su gran amigo, y hermano del alma, Lucho Jiménez -el “Tío Lucho” para quien lo conocíamos. Además del periodismo, también fue Relacionista Público y trabajó en diversos lugares, como el Ministerio de Industria y Turismo, el INIE –Instituto Nacional de Investigaciones Energéticas-, el Ministerio de Energía y Minas, y como dirigente gremial participó en congresos internacionales de periodistas y representó al país en certámenes internacionales. Fue también asesor en la administración pública y privada y finalmente en 1989 entró como Asesor y Jefe de la Oficina de Prensa de la Municipalidad de Miraflores, en la gestión del alcalde Alberto Andrade -quien era amigo suyo-, y estuvo allí hasta el final de sus días, en 1993. Y si hubo unanimidad en algo, después de su partida, fue que todos los medios al informar la noticia, señalaron que se había ido "un señor del periodismo".

Mi viejo me llevó por primera vez al Estadio Nacional a un partido de la U cuando yo tenía 6 años, y recuerdo que fue ante el KDT y la U goleó 3-0 ese partido. Mi padre era chalaco de nacimiento, pero crema de corazón desde que era niño cuando veía jugar a su ídolo Lolo Fernández y eso intentó inculcar en su primer hijo, y vaya que lo logró. Como en esa época vivíamos en Jr. Huancayo 177, a media cuadra de la Av. Wilson, estábamos relativamente cerca al estadio, y fuimos con cierta frecuencia y así me hice hincha crema desde mi niñez. Algo que no logró con mi hermano Alex, ya que desde niño se hizo hincha del Sporting Cristal.

En casa mi viejo era una persona seria, estricta y a veces rigurosa, pero eso era parte de una época en que no había las amplias libertades que hay en nuestros días. Debo admitir que durante mi niñez, adolescencia y juventud, fui muchísimo más pegado a mi madre, y mi padre era más una figura de autoridad y respeto, pero tampoco era alguien lejano o distante. Era quien me daba las propinas cada fin de semana o a quien había que pedirle permiso para salir a tal o cual lugar. Tenía su geniecito, pero no era rencoroso ni albergaba en su espíritu resentimientos ni odios. Era de corazón noble, solidario, sensible, afectuoso y sobretodo justo. Me acuerdo que cuando llevaba algo a la casa para comer o beber, SIEMPRE llevaba cinco porciones: para mi padre, mi madre, mi hermano Alex, yo y nuestra empleada, Antonia -leal puneña que me vio nacer y nos acompañó durante mucho tiempo y que en Enero del 2014 nos dejó para siempre. No para nosotros cuatro solamente, siempre incluía cinco pedazos de todo aquello que llevaba a casa. Tanto en su familia como en la familia de mi mamá, fue alguien muy querido y apreciado, porque era bien neutral y no se compraba problemas ajenos. Recuerdo que me decía, que si dos familiares estaban peleados, él no lo estaba con ninguno de los dos y no se hacía problema ni tomaba partido ni por uno ni por otro. Mis primos siempre lo querían como el “Tío Alberto” y los primos de su generación del ala materna –no tuvo parientes del ala paterna acá ya que su familia paterna provenía de Ecuador y nadie vivía acá-, lo llamaban por su apelativo que desde niño le decían, “Cato”. Una vez me dijo que cuando era bien niño, era pequeñito, y su abuela –la famosa “mamita” Georgina Drago- le decía “Pocato”, por “pequeño”, hasta que se quedó en “Cato” y así lo recuerda TODA mi familia paterna.

Por su profesión misma de periodista, fue una persona bien bohemia y le gustaba reunirse con sus colegas, después de las jornadas de trabajo, algo que a veces a mi vieja no le hacía mucha gracia y tampoco a mí cuando era niño y adolescente, pero después con los años llegué a comprenderlo. Debido a su múltiple paso por diversos medios de comunicación, ello generó que tuviese una gran cantidad de amigos y relaciones que a la hora de contactar con un medio, las puertas se le abrían con facilidad. Era una persona bastante sencilla, con él no iban los snobismos ni las pituquerías ridículas. El se sentía identificado con el hombre común de la calle, de clase media que a base de esfuerzo y trabajo, labraba su camino para sacar adelante a su familia. Nadie le regaló nada en la vida. Tenía amplia cultura y como siempre debía estar informado de todo lo que acontecía en el mundo por su profesión, era alguien con quien podías conversar de todo, desde política, hasta de futbol o cine. Pero por encima de todo, fue un profesional honesto, honrado e incorruptible, dueño de una ética intachable. Algo que una vez nos dijo a mi hermano y a mí fue que el día que nos dejara no nos iba a dejar riquezas ni fortunas, pero sí dos cosas puntuales: una profesión y un apellido limpio. Y vaya que lo logró.

En la década del 80, en mis años universitarios, por la edad, mi prioridad eran mis amigos, las fiestas y las salidas nocturnas y mi familia quedaba relegada. Ya cuando mi madre nos dejó en setiembre de 1987, sin duda eso generó un acercamiento con mi padre y una mayor integración. En lo personal, me queda la satisfacción que su último cumpleaños en 1992, que cayó viernes y lo celebramos el sábado con algunos familiares y amigos, nos divertimos bastante en el otrora Restaurant "Bertolotto", y en épocas de toque de queda, nos quedamos con mi prima Chabelita hasta las 5 de la mañana, siendo un día inolvidable que siempre recordaremos.

En 1993 enfermó, originalmente con una esofagitis, y tras hacerse exámenes y análisis, resultó que tenía una posible metástasis, que fue confirmado en abril de 1993 cuando fuimos donde mi tío Hector Vizcardo –QEPD-, quien era Gastroenterólogo en la Clínica San Borja y tras hacerle más exámenes, al final confirmó los temores: metástasis hepática derivada de un cáncer al estómago. A la semana siguiente, por medio de la familia de la entonces enamorada de mi hermano Alex, Blamy, supimos de un médico naturista, Dr. Casanova y fuimos hasta Huachipa a la consulta. Y luego de que el doctor vio los resultados de sus exámenes, dijo que necesitaba quedarse internado y que necesariamente un familiar debía quedarse con él. En ese momento, mi hermano Alex trabajaba y yo estaba sin trabajo fijo, así que elegí quedarme y un 21 de abril nos fuimos a Huachipa y estuve con él hasta el martes 4 de mayo, cuando nos dejó para siempre. En verdad, su fase ya era terminal y no había nada que hacer, pero al menos se fue en paz y esos últimos 14 días de su vida fueron tranquilos y no se fue sufriendo, sino se apagó lentamente. Quizás en una clínica hubiera durado un poco más, pero a un precio quizás más doloroso para él.

Hace 33 años que nos dejó, pero su recuerdo siempre permanece imborrable en nuestras mentes y corazones. Desde que nos dejó, he podido avanzar en mi vida y sortear dificultades y superar momentos bastante duros, tanto sentimentales, económicos como laborales, y a Dios gracias, hoy me siento una persona agradecida con lo que Dios y la vida me ha dado. SE que si viviera, se sentiría feliz por mi y por mi hermano Alex. Y SE que hubiese adorado a mi esposa Silvana, no me cabe la menor duda de ello, y de hecho, debe haberse encontrado con ella en el reino espiritual. Es más, ahora que me ha tocó perder a mi amada esposa Silvana el 4 de Noviembre del 2020, entiendo y SE lo que debe haber sentido mi viejo cuando perdió a mi madre. SE que también hubiera estado feliz de ver que pude cumplir mi sueño de ver a la dupla sobreviviente de QUEEN en Chile, ya que él entendía mi pasión por QUEEN, ya que él sentía eso mismo por Carlos Gardel y sus tangos, y por la música criolla. Y también estoy seguro que le hubiera fascinado este blog personal y sería un asiduo lector y mi principal crítico también. Si algo heredé de mi padre fue mi pasión para escribir que proviene de su vena periodística y sobretodo, sin errores ortográficos, algo que se me inculcó desde niño. Me acuerdo cuando en el 93 estuve en el programa de radio “Cinco Noches” al lado de mi gran amigo Huguito Salazar, mi viejo me grababa cada miércoles los programas, y muchos meses después, cuando él ya se había ido, supe por una de las chicas que trabajaron con él en la Municipalidad de Miraflores, que mi viejo le contaba con orgullo a las personas con las que trabajaba, que su hijo estaba en la radio los miércoles. Y además, como todos los diarios pasaban por su escritorio, TODA noticia vinculada a QUEEN, era recortada por él y separada y me la llevaba a casa sin falta. Y también SE que estaría feliz de mi experiencia en Stereo Lima.com.

Su espíritu alegre, su caracter amiguero, su sencillez, sensibilidad y trato cordial con todos, su dedicado y entregado profesionalismo, y sobretodo, su intachable honradez y honestidad moral fueron su sello distintivo. Por eso es que quise desde este modesto blog, evocar a mi querido viejo y agradecerle por todo lo que me dio en la vida, por los valores que me inculcó y que me sirvieron tanto para ser un hombre de bien en la vida. Y desearle que donde quiera que se encuentre en el Reino de los cielos –estoy seguro que estará en una Zona Super VIP, al lado de mi madre-, pase un mágico cumpleaños y que desde arriba vea que sus hijos lo recuerdan siempre y siguen diariamente su ejemplo de vida, hasta el día en que llegue el anhelado reencuentro en el reino de Dios. Y concluyo este post con este tema que le gustaba tanto: "Only You" de The Platters.

¡FELIZ DIA MI QUERIDO VIEJO!!

MUSIC TRILOGY: HERE I AM

2026-09-20T06:00:00.000-05:00

Llegamos al día 20 de setiembre, y es momento de presentarte el segmento musical “MUSIC TRILOGY”, y en esta ocasión, nuevamente he querido escoger y compartir contigo este segmento musical con tres canciones distintas que comparten el siguiente título: “HERE I AM”. En primer lugar, tenemos la canción del cantante norteamericano Al Green de 1973, escrita por Al Green y Mabon Hodges, e incluido en el álbum “CALL ME”, llegando al número 10 en USA. En segundo lugar, tenemos al dúo ango-australiano Air Supply, con este hermoso tema de 1981, y que fue escrito por Normal Sallitt e incluido en el álbum “THE ONE THAT YOU LOVE”, llegando al número 5 en USA, número 18 en Canadá y número 43 en Australia. Y por último, tenemos esta buena canción del cantante y compositor canadiense Bryan Adams, del año 2002, escrita por Bryan Adams, Hans Zimmer y Gretchen Peters, e incluida en el soundtrack del film “SPIRIT: STALLION OF THE CIMARRON”, llegando al número 5 en UK, número 1 en Portugal y República Checa, número 2 en Polonia y número 7 en Canadá.

Una vez más, hemos tenido otra variada trilogía musical, para que la puedas escuchar y disfrutar. Y como siempre, te invito a escribir un comentario en el post, indicándome cuál de las tres te gusta más y por mi parte, compartiré contigo cuál es la que más me gusta cuando conteste tu comentario. Y quiero aprovechar para comentarte que este post es el número 99 de la sección “Music Trilogy”. Lo cual quiere decir que el siguiente post será el número 100 y quiero que sea algo especial. Espero que disfrutes de esta buena trilogía musical. Y nos volvemos a contactar el próximo miércoles 30 de setiembre, en donde tendremos otra trilogía de canciones, unidas bajo un mismo título, pero cada una con una riqueza musical diferente.

16 DE SETIEMBRE: RECORDANDO A MI MADRE

2026-09-16T06:00:00.000-05:00

Hoy 16 de Setiembre se cumplen 39 años de la partida de mi madre, SARA GIOCONDA TELLO ARRASCO, y quería compartir con ustedes su recuerdo y su imagen. Aunque no está físicamente entre nosotros desde 1987, su recuerdo permanece duradero por siempre.

Mi viejIta nació un miércoles 21 de marzo de 1934, en la provincia de Chiclayo, departamento de Lambayeque. Vivió su niñez y adolescencia en las cálidas tierras chiclayanas, al lado de su madre Petronila, y sus hermanas Letty, Aura y Norma, y años más tarde, se iría a vivir a Lima. Se casó con mi padre, Alberto Samuel Guadalupe Wiese, un domingo 2 de abril de 1961 en la Iglesia "Cristo Rey" en Santa Beatriz y se fueron a vivir al edificio que estaba en la cuadra 14 de la Av. Arenales. Cuando el que escribe vino al mundo, un domingo 3 de febrero de 1963, mi madre tenía 28 años y ya vivían en el Jr. Huancayo 177, Departamento 203, en Lima, donde estuvimos hasta febrero de 1971, cuando nos mudamos a nuestra recordada casa en Lince, en el Jr. Sinchi Roca 2538, al frente del parque "Mariscal Castilla".

En casa mi mamá -a quien llamábamos la "Chanchita"- fue una persona afectuosa y sobretodo, justa. Era una persona bien nerviosa y por ello, muchas veces era estricta cuando se trataba de darme permiso para salir con mis amigos a la calle, pero eso era parte de una época en que no había las amplias libertades que existen en nuestros días. Durante mi niñez, adolescencia y juventud, fui mucho más pegado a mi madre, quien a veces intercedía ante mi viejo para lograr un permiso mayor o para comprarme algunas cosas que me gustaban. Mientras mi padre trabajaba, todo permiso en la casa era con ella. Era una persona que se hacía querer por todo aquel que la conocía o trataba. Tanto en su familia como en la familia de mi padre, fue alguien muy querida y apreciada, porque era bien neutral y no se compraba problemas ajenos y también supo lidiar con mi abuela Ida, abuela paterna -quien tenía un carácter muy fuerte-, y con los años se convirtió en su mayor soporte y apoyo. Mis primos siempre la querían como la “Tía Gioco”, la tía conciliadora y que recibía siempre con los brazos abiertos a todos sus sobrinos, sin excepción.

Era una persona bastante sencilla, con ella no iban snobismos ridículos. Ella se sentía identificada con la persona común de la calle, y cuando iba a hacer sus compras al mercado, o cualquier otro lado, tenía sus caseras quienes le tenían mucho cariño y consideración. Recibía a todos por igual y cuando mis amigos del colegio o de la universidad pisaban a la casa, nunca dejaba de atenderlos y hacerlos sentir como en su casa.

Entre sus gustos, le encantaba la música instrumental, sobretodo la de Richard Clayderman –le fascinaba la “Balada para Adelina”-, y una de las mayores satisfacciones que mi hermano y yo tuvimos fue regalarles a nuestros padres por su aniversario de bodas número 26, dos entradas para ver a Richard Clayderman en vivo en el Auditorio del Colegio Santa Ursula, y recuerdo cuando regresaron del show, tenía una sonrisa de oreja a oreja por haber visto a un músico a quien admiraba. Pero si hay un tema que cuando lo escucho inmediatamente me hace evocar a mi madre y me mueve un poco el piso, es el instrumental “Love Is Blue” de Paul Mauriat, porque me traslada al año 1968 cuando tenía 5 años y vivíamos en la casa de Jr. Huancayo y mi hermano Alex tenía meses de nacido. Mi madre siempre me recogía de la escuela "Nuestra Señora de la Paz” y siempre nos íbamos a tomar lonche los viernes. También le encantaba el cine y sus actores favoritos eran Robert Wagner y Paul Newman. Le gustaba ver TV y siempre en las tardes y en las noches veía sus telenovelas al lado de nuestra empleada, Antonia -leal puneña que me vio nacer y nos acompañó durante mucho tiempo y que en enero del 2014 también nos dejó. Y por supuesto, le gustaba el fútbol, y en la casa había democracia para el fútbol. Mientras mi viejo y yo éramos cremas, y mi hermano era del Cristal, mi madre era aliancista de pura cepa y adoraba al “Nene” Cubillas y también le encantaba Oblitas. Pero era de las hinchas que cuando un equipo peruano distinto a su equipo blanquiazul jugaba contra un equipo extranjero, gritaba y vibraba con los goles que hacían. Y ni qué decir cuando jugaba la selección peruana, pegaba unos gritos de emoción cuando ganaba Perú, que perforaban nuestros oídos.

En la década del 80, en mis años universitarios, por la edad, mi prioridad fueron mis amigos, las fiestas y las salidas nocturnas y mi familia quedó relegada. Pero todo eso cambió en la setiembre de 1986 cuando luego de hacerse unos análisis, le diagnosticaron una fuerte anemia y una insuficiencia renal crónica. Fue un impacto fuerte porque en ese mes de setiembre, se puso muy mal y parecía que nos dejaba. Dejé todo por estar a su lado y estar atento a lo que necesitara. Luego que mi padre hiciera algunas gestiones, a partir de ese mes, comenzó con un tratamiento de diálisis para su insuficiencia renal y al comienzo, fue algo muy fuerte que la hacía sufrir mucho. Pero en los siguientes meses, ese tratamiento generó algunas mejoras en ella y pudo hacer su vida normalmente, pero sin dejar de someterse tres veces por semana al tratamiento de diálisis. Yo siempre la recogía de cada sesión y había veces que salía bien, como otras veces salía extenuada y muy agotada. Pero allí iba, lidiando de la mejor manera con este problema de salud. Recuerdo su último cumpleaños en marzo del 87, que en casa de mi tía Letty -su leal hermana con quien hablaba todos los días por teléfono-, le organizaron un almuerzo sorpresa y fue una velada muy grata y especial en familia.

Pero las cosas comenzaron a empeorar para setiembre del 87. La enfermedad había avanzado progresivamente y por más diálisis que tuviera, ya sus riñones se iban deteriorando cada vez más. Y a eso, se agregaba que el corazón se le había dilatado y había agarrado parte del pulmón, provocándole problemas respiratorios. Daba dos pasitos y se agitaba de cansancio. El martes 15 fue un día muy duro y esa noche, no durmió por el dolor que la aquejába –y ninguno de nosotros en la casa pudo dormir tampoco-, y para el día siguiente, miércoles 16, los dolores fueron en aumento. A eso del mediodía, decidimos internarla de emergencia en la Clínica Anglo Americana con el fin que la pudieran controlar mejor y estabilizar. Gracias al apoyo de mi tía Carmela y mi primo Fernando, nos trasladamos allá con mi viejo, mientras mi hermano Alex se quedó en casa. Al llegar a la clínica, aparentemente se había podido estabilizar y estaba más tranquila y la trasladaron a su cuarto. Todo iba bien hasta que en un momento comenzó a faltarle el aire y luego de una muy criticable indiferencia inicial por parte de los enfermeros, alguien se dio cuenta de la gravedad de la situación y eso generó que de inmediato llamaran a todos los paramédicos quienes entraron al cuarto, y mi padre y yo tuvimos que abandonar el cuarto. De inmediato llamé a mi hermano para que viniera a la Clínica porque la cosa era seria. La espera fue tensa y me comenzó a dar mala espina ver que las enfermeras salían lentamente del cuarto y en silencio. Y lo peor se confirmó minutos después. Mi padre y mi hermano se habían ido por otro lado y me encontraba solo esperando. Habían llegado mi tía Victoria y su hija Pilar, familiares cercanos del ala paterna y del cuarto salió el médico y se acercó hacia mí con semblante serio y con pesar me informó que mi madre nos había dejado para siempre por un paro cardiorespiratorio. Lo que vino después fue uno de los momentos más duros y dolorosos que me haya tocado vivir. Y a diferencia de mi padre, quien se fue sin sufrir, mi madre hasta el final se fue sufriendo y mucho.

Hace 38 años que nos dejó, pero su recuerdo siempre permanece imborrable en nuestras mentes y corazones. Desde que nos dejó, he podido avanzar en mi vida y sortear obstáculos y dificultades y superar momentos difíciles, tanto económicos, sentimentales como laborales, y a Dios gracias, hoy me siento una persona agradecida con lo que Dios y la vida me dio. SE que si viviera, me diría que se sentiría feliz por mi y por mi hermano Alex. Y SE que hubiese adorado a mi esposa Silvana, quien hubiera sido su “Aliada y Compañera Número 1”, no tengo la más mínima duda de ello. Y no tengo la menor duda que ya debe haberse encontrado con ella en el reino espiritual y deben haber charlado harto. Ella también sabía cuanto me gustaba QUEEN –varias veces cuando veía especiales de QUEEN en la TV, se sentaba en la sala a acompañarme- y SE que también hubiera estado feliz de ver que pude cumplir mi sueño de ver a la dupla sobreviviente de QUEEN en Chile, en el 2008.

Su caracter alegre, su sencillez y trato cordial con todos, sus sinceros deseos de atender siempre bien -con lonchecito incluido- a quien visitaba la casa y el enorme ángel que tenía, fueron siempre características esenciales de ella y su sello distintivo. Por eso es que quise desde este modesto blog, evocar a mi viejita y agradecerle por todo lo que me dio en la vida, por los valores que me inculcó y que me sirvieron tanto para ser un hombre de bien en la vida. Y desearle que donde quiera que se encuentre en el Reino de los cielos –estoy seguro que estará en una Zona Super VIP, al lado de mi padre, su mamá, su querida hermana Letty y por qué no, también de mi amada esposa Silvana-, vea que sus hijos lo recuerdan siempre y siguen diariamente su ejemplo de vida, hasta el día en que llegará el anhelado reencuentro en el reino espiritual.

MUSIC TRILOGY: YOU ARE NOT ALONE

2026-09-10T06:00:00.000-05:00

Llegamos al día 10 de setiembre, y es momento de presentarte el segmento musical “MUSIC TRILOGY”, y en esta ocasión, nuevamente he querido escoger y compartir contigo este segmento musical con tres canciones distintas que comparten el siguiente título: “YOU ARE NOT ALONE”. En primer lugar, tenemos la muy bella canción del recordado cantante norteamericano Michael Jackson de 1995, escrita por R. Kelly e incluido en el álbum “HISTORY: PAST, PRESENT AND FUTURE, BOOK 1”, llegando al número 1 en UK, USA, Bélgica, Francia, Irlanda, España y Nueva Zelanda, número 2 en Suecia y Dinamarca, número 4 en Alemania, número 5 en Italia y número 6 en Holanda. En segundo lugar, tenemos a la banda norteamericana Eagles, con este hermoso tema del 2007, y que fue escrito e interpretado Glenn Frey e incluido en el álbum “LONG ROAD OUT OF EDEN”. Y por último, tenemos esta buena canción de la cantante escocesa Emily Sandé, del año 2019, escrita por Emily Sandé, Salaam Remi y James Poyser, e incluida en el álbum “REAL LIFE”.

Una vez más, hemos tenido otra variada trilogía musical, para que la puedas escuchar y disfrutar. Y como siempre, te invito a escribir un comentario en el post, indicándome cuál de las tres te gusta más y por mi parte, compartiré contigo cuál es la que más me gusta cuando conteste tu comentario. Espero que disfrutes de esta buena trilogía musical. Y nos volvemos a contactar el próximo domingo 20 de setiembre, en donde tendremos otra trilogía de canciones, unidas bajo un mismo título, pero cada una con una riqueza musical diferente.

07 DE SETIEMBRE: RECORDANDO A BUDDY HOLLY

2026-09-07T06:00:00.000-05:00

Hoy, 7 de Setiembre, se cumplen 90 años del nacimiento del gran BUDDY HOLLY, quien murió en un accidente de aviación el 3 de febrero de 1959, junto con Richie Valens y Big Bopper, a la edad de apenas 22 años. Buddy Holly ha sido considerado como uno de los pioneros en el rock and roll, ya que sentó la base para lo que años más tarde, sería la estructura de una banda de rock and roll: dos guitarras, bajo y batería. Antes de ello, en el panorama musical solamente habían artistas individuales como Elvis, Little Richard, Chuck Berry, y también fue una gran influencia para grupos como los Beatles, los Rolling Stones, Bob Dylan y Elvis Costello, y músicos como Justin Hayward o Brian May han manifestado que Holly fue su “all-time music hero”, y ello se refleja en el hecho que muchos grupos y artistas han grabado covers de sus canciones, como una manere de rendirle tributo a Buddy. Además fue uno de los primeros en el género en escribir, producir y tocar sus propias canciones. Con hits como “That’ll Be The Day”, “Peggy Sue”, “Oh Boy”, “Maybe Baby” y “Heartbeat”, entre otros, Buddy Holly construyó una exitosa carrera musical que solamente la muerte pudo truncar. Y en esta fecha tan especial, he querido recordar al gran Buddy Holly, con cuatro trilogías de grandes covers de temas originales de Buddy Holly. Y la primera trilogía será de tres covers grabados en la década del 60 por tres legendarios grupos británicos: “Not Fade Away” de The Rolling Stones; “Words Of Love” de The Beatles y “Take Your Time” de The Hollies.

La segunda trilogía contiene los siguientes covers: “Peggy Sue” de John Lennon; “Maybe Baby” de Paul McCartney; y “Learning The Game” de Justin Hayward.

La tercera trilogía contiene las siguientes canciones: “It’s So Easy” de Linda Ronstadt; “Crying, Waiting, Hoping” de Chris Isaak; y “True Love Ways” de Cliff Richard.

Finalmente, la cuarta y última trilogía está compuesta por los siguientes temas: “Heartbeat” de The Knack; “It Doesn’t Matter Anymore” de The Seekers y "Everyday" de Don McLean.

De esta forma, he querido recordar al gran BUDDY HOLLY, en el 90° aniversario de su nacimiento, con estos muy buenos covers que hacen justicia al gran legado musical que dejó. Y por supuesto, me interesaría saber cuál o cuáles de estos covers son los que más te han gustado. Disfrútalo.

HAPPY BIRTHDAY FREDDIE MERCURY!!

2026-09-05T06:00:00.000-05:00

Hoy 5 de Setiembre, estaría cumpliendo 80 años nada menos que FREDDIE MERCURY, el legendario vocalista de QUEEN y dueño de una de las mejores voces que ha dado el rock en toda su historia.

Recuerdo cuando en diciembre de 1979 fue la Elección de la Más Más de Radio Panamericana y anunciaron a la “Segunda Más”. Fue Susana Alcántara quien presentó el video y los anunció como el grupo que tenía el espectáculo más caro del mundo, y antes que terminara de hablar, apareció en pantalla gigante el rostro de su vocalista, cantando el inicio de “Don’t Stop Me Now”. Para mala suerte, justo y solamente en esa canción, se malogró el audio y se escuchó pésimo, pero al menos había visto por primera vez a QUEEN en pantalla gigante. Llegó el año 1980, y QUEEN comenzó a verse un poco más seguido en el programa musical “Disco Club”, conducido por Gerardo Manuel, quien como fan de QUEEN, difundió los videos de temas anteriores de QUEEN, como “We Are The Champions”, “Bycicle Race”, “Fat Bottomed Girls” y hasta “Bohemian Rhapsody”. Paralelamente en la radio, en el verano del 80, “Crazy Little Thing Called Love” se convirtió en un enorme hit y ello motivó a una mayor presencia radial de QUEEN. Y en esos momentos, me llamó la atención el timbre de voz de su cantante, cuyo nombre en ese momento desconocía, y que poco después me enteraría, un nombre ideal para liderar una banda de rock: FREDDIE MERCURY. Fue en la segunda mitad del año 80 cuando “Disco Club” estrenó el video de “Play The Game” y ví el nuevo look de Freddie Mercury, con pelo corto y con bigotes. Recuerdo que me causó gracia ya que parecía un pizzero o el sobrino de “Don Vittorio”. Y con ese look, lo veríamos a lo largo de casi toda la década del 80.

Cuando comencé a descubrir la música de QUEEN, veía con agrado que los principales éxitos de la banda y las más prolificas composiciones dentro del grupo provenían de la autoría de Freddie. La primera vez que escuché “Bohemian Rhapsody” me rompió todos los esquemas y me parecía increíble que alguien pudiera haber escrito tremenda joya. Temas como “Somebody To Love”, “We Are The Champions”, “Don’t Stop Me Now” y “Crazy Little Thing Called Love”, colocaban a Freddie como un compositor exitoso en los charts. Pero, cuando en 1981 descubrí los tres primeros álbumes, fue como abrir un baúl lleno de tesoros. Sobretodo, ese completo lado B del album “QUEEN II”, que reflejaba la personalidad musical de Freddie, y también cuando escuché por primera vez “Killer Queen”. En ese momento, como señalara en un post anterior, QUEEN ya era mi banda favorita y además consideraba a Freddie como un brillante cantante y un gran compositor.

Pero fue en marzo de 1982 cuando ví por TV en canal 4 un especial de una hora del concierto de QUEEN en Sao Paulo, en el programa “Noche a Noche”, que pude ver por primera vez a QUEEN en concierto y a Freddie Mercury en plena performance y lo que ví me dejó impresionado, sobretodo cuando cantó con toda la audiencia del estadio Morumbi, el tema “Love Of My Life”. Fue algo que me dejó con la boca abierta, porque nunca antes había visto a alguien hacer cantar al público de la manera que Freddie lo hacía, demostrando ser un showman espectacular y un artista completo.

De nombre Farookh Bulsara, nació en Zanzibar y en 1954 se trasladó a Bombay, India. Allí todos lo llamaban Freddie y se quedó así con ese nombre. En 1964 arribó con su familia a Middlesex, Inglaterra y en 1966 conoció a Tim Staffell. En 1967 la llegada de Jimi Hendrix lo conmocionó e influyó mucho en él. A inicios del 69, Tim Staffell lo llevó a un ensayo de su grupo SMILE y lo presentó a los otros dos miembros, Brian May y Roger Taylor, haciéndose bien amigos. En 1969 entró al grupo IBEX, y luego estuvo en los grupos SOUR MILK SEA y WRECKAGE. Cuando en Marzo 1970 Staffell dejó SMILE, Freddie animó a Brian y Roger a seguir juntos. Freddie lo tenía claro: Seguir la línea de Led Zeppellin y Jimi Hendrix, pero con mayor aportación melódica y más sentido del espectáculo. Así en Abril de 1970 formaron una nueva banda, cuyo nombre fue idea de Freddie: QUEEN. “Es un nombre fuerte, universal e inmediato”, decía Freddie. “Tenía mucho potencial visual y estaba abierto a todo tipo de interpretaciones”. Fue allí cuando Freddie cambió su nombre a MERCURY.

Freddie siempre tuvo un claro concepto del espectáculo como parte visual de la música rock. Su vestuario y su puesta en escena fueron la esencia de la grandiosidad visual de QUEEN. Sobre el escenario era todo un showman y tenía un gran dominio de escena: su manera de moverse, sus gestos y el gran feeling que sabía intercambiar con su público marcaron época. Y para muchos, su mejor actuación en vivo fue en LIVE AID el 13 de julio de 1985, la cual ha sido considerada en una gran encuesta en Gran Bretaña en el 2005, como el Mejor Show en vivo de todos los tiempos, y mucho de ello se debió a la gran performance de Freddie, quien se metió a todo el Wembley en el bolsillo.

Freddie fue muy reservado y respetuoso de su propia intimidad y se supo muy poco de su vida privada, ya que odiaba dar entrevistas. “Cuando no estoy en escena soy yo mismo, lo que podría ser muy aburrido”, dijo. “Mucha gente se desilusiona cuando me conoce. Me tratan como si yo fuera igual que cuando actúo, pero soy un ser humano como cualquier otro”. Otra vez declaró: “No quiero cambiar al mundo. Para mí, la felicidad es lo más importante. Y si estoy feliz, se refleja en mi trabajo. Por lo que a mí respecta, trato de acaparar lo más posible de vida y diversión”.

Para ROGER TAYLOR, a Freddie le gustaba hacer todo a lo grande. “Sin embargo en la intimidad era una persona muy tímida, sensible, tranquila y generosa con sus amigos y su mayor virtud era que le gustaba cuidar a la gente que quería y sabía conservar sus amistades”. Para BRIAN MAY, los amores de Freddie eran la música y la vida. “La vida era para disfrutarla y vivirla plenamente y cuando ella lo hirió, vertió aún más pasión en perfeccionar su música. Para él, su arte y sus amigos lo fueron todo”. Para JOHN DEACON, Freddie fue muy sensitivo y siempre creaba una reacción, ya que nadie era indiferente hacia él.

Su ídolo máximo y principal influencia fue Liza Minelli. Una vez dijo: “Una de mis principales inspiraciones se remonta al film ‘Cabaret’. Amo a Liza Minelli. Me gusta el modo en que las luces destacan cada movimiento del show”. Adoraba el Ballet y la Opera y su cantante favorita era Aretha Franklin. Su actriz favorita era Marilyn Monroe y su film favorito fue “Una Eva y Dos Adanes”. Sus hobbies eran pasarla bien e ir de compras y su color favorito era el Negro. Su comida favorita era la Hindú y su bebida favorita era el Champagne y el Vodka.

Como solista tuvo dos álbumes: MR. BAD GUY (1985) y BARCELONA (1988), junto a Montserrat Caballé. Su último concierto con QUEEN fue el 09 de agosto de 1986 en el Knebworth Park, como final del MAGIC TOUR, su última actuación en público fue el 08 de octubre de 1988 en el espectáculo “La Nit” en Barcelona, junto con Montserrat Caballe, y su última aparición en video fue en el clip de “These Are The Days Of Our Lives”, filmado el 30 de mayo de 1991.

Como compositor fue prolífico. Fue autor de casi todos los hits de QUEEN en la década del 70. Su tema propio favorito fue “It’s A Hard Life”. Sobre su forma de componer, una vez Freddie señaló: “En lo que se refiere a las letras, son muy difíciles de estructurar y para mí esa es una gran tarea. Mis puntos fuertes están en la parte melódica, el contenido y principalmente me concentro en eso, en la estructura de la canción. La letra viene después”.

El 24 de noviembre de 1991, Freddie murió pacíficamente en su residencia en Kensington, 24 horas después de confirmar que tenía SIDA mediante un comunicado, y fue cremado tres días después en una ceremonia según el rito zoroastro. En noviembre de 1996 Freddie quedó inmortalizado con la develación de su estatua en Montreaux, Suiza, la cual se halla ubicada en la plaza del mercado de la ciudad frente al lago Leman.

Hoy 5 de setiembre, se cumplen 79 años del nacimiento de FREDDIE MERCURY, y sin duda alguna su gran legado musical es innegable. Su espíritu provocador, su pasión por vivir intensamente, su enorme sentido del humor, su fascinación por el espectáculo y su evidente genialidad calaron hondo en el mundo del pop y el rock, y en lo personal, me queda la satisfacción, felicidad y emoción de haber disfrutado en Chile esos dos momentos en que Freddie aparecía en pantalla gigante: en “Bijou” y sobretodo, en mi tema favorito de siempre “Bohemian Rhapsody”, uno de los momentos más emotivos de toda mi vida. Desde este blog, te recordamos y deseamos que desde donde te encuentres, sepas que los fans te recuerdan siempre y siguen disfrutando de tu música y mientras se siga escuchando la música de QUEEN, seguirá siempre presente la voz, la imagen y el recuerdo de su incomparable, carismático e inolvidable vocalista.

¡¡HAPPY BIRTHDAY FREDDIE!!

BARRY GIBB: UN GRAN COMPOSITOR

2026-09-01T07:00:00.000-05:00

Hace trece años, publicamos este post como el post número 800 en el blog y en el cumpleaños 67 de BARRY GIBB. Y justamente, hoy, 1° de Setiembre, Barry está cumpliendo nada menos que 80 años. Y siendo ésta una fecha muy especial, vale la pena actualizar este post y publicarlo con fecha de hoy. Como se sabe, BARRY GIBB es uno de mis músicos favoritos y único sobreviviente de los BEE GEES. A modo de información, es bueno indicar que Barry Alan Crompton Gibb nació un 1° de setiembre de 1946, en la Isla de Mann, Gran Bretaña. Hijo de Hugh y Barbara Gibb, fue el segundo de cinco hermanos: Lesley, los mellizos Robin y Maurice, y Andy. En 1955 con su familia, se trasladó a Manchester y formó su primer grupo, The Rattlesnakes, junto con Robin y Maurice, Paul Frost y Kenny Horrocks, quienes eran vecinos suyos. De acuerdo a Horrocks, la primera canción escrita por Barry fue “Hopscotch Polka” y recordaba: “Barry estaba armando palabras, mientras tocaba su guitarra en el jardín al frente de su casa por varios días, hasta que la canción estuvo terminada”. En Agosto de 1958, a los 12 años, por motivos económicos la familia Gibb se trasladó a Brisbane, Australia, donde los tres hermanos se presentaron como The Gibbs, surgiendo su primeras propuestas televisivas, y actuaciones en bares y night-clubs. Luego de tocar por 18 meses en el Queensland Club, firmaron con el sello australiano Festival Records, cambiando su nombre a BG’s, y finalmente, basándose en las iniciales de Brothers Gibb’s, a BEE GEES. En 1962 se mudaron a Sidney y en 1963 grabaron su primer single su primer single, “The Battle Of The Blue And Grey”. Barry componía ya para otros artistas y en 1965 fue elegido “Compositor del Año”. En 1967, la familia Gibb retornó a Inglaterra y poco después, comenzaría su camino al estrellato. Al inicio de su carrera, sus principales influencias fueron The Everly Brothers, Paul Anka y Cliff Richard. Pero cuando Barry escuchó por primera vez la canción “Crying” de Roy Orbison, dijo: “Eso fue todo. Para mí fue la voz de Dios”.

En la etapa musical del grupo en la segunda mitad de la década del 60 y la primera mitad de los 70’s, había un equilibrio en la interpretación de las canciones entre Barry y Robin, pero en 1975 conocieron al productor Arif Mardin, quien sugirió que la voz de Barry podía adecuarse a falsetos y ello produjo un cambio en el estilo musical del grupo. Al respecto, Barry recordaba: “No sabíamos a dónde íbamos. Por eso nos tomó tiempo para despegar. Hacíamos baladas y tuvimos un hit con ‘How Can You Mend A Broken Heart’ y desde ese momento Atlantic Records sólo quería baladas. Parecíamos enganchados a esa forma”. Ese cambio se vio reflejado en el álbum “MAIN COURSE” y en el gran hit “Jive Talking” y además fue la primera vez en que Barry experimentó cantando con falsetos en los temas “Nights on Broadway”, “Fanny (Be Tender With My Love)” y “Baby As You Turn Away”. A partir de ese momento, el rol de Barry adquiriría un mayor protagonismo en la interpretación de las canciones del trío y cuando se produjo la explosión de “Saturday Night Fever”, Barry fue la voz principal en los mega hits “How Deep Is Your Love”, “Stayin’ Alive” y “Night Fever”, así como “More Than A Woman”. Este protagonismo de Barry se repetiría en el álbum “SPIRITS HAVING FLOWN” de 1979, con los hits “Too Much Heaven”, “Tragedy” y “Love You Inside Out”, aunque en mi opinión, se hizo un uso excesivo del falseto. Eso hizo que muchos de los que conocimos la música de los BEE GEES en la década del 70, viéramos a Barry como la imagen del grupo, claro sin desmerecer en lo absoluto a Robin y Maurice. Y esa imagen hasta ahora perdura en la memoria de mucha gente que desconoce la trayectoria musical del grupo tanto en los 60’s como en los 80’s y en los 90’s, y solo conoce los hits que son cantados por Barry.

Como compositor, Barry ha sido muy prolífico, y entre 1976 y 1978, escribió varios temas que fueron grandes hits: “I Just Want To Be Your Everything” –en donde apoyó en los coros- para su hermano menor Andy; “Emotion” para Samantha Sang; “Shadow Dancing” para Andy, “Grease” para Frankie Vallie en el film musical del mismo nombre, y “Ain't Nothing Gonna Keep Me From You” para Teri Desario. En la década del 80, Barry siguió cosechando éxitos como compositor y también como productor: en 1980 produjo el álbum “Guilty” de Barbra Streisand y con sus hermanos compuso el gran hit “Woman In Love” y además cantó a dúo con Barbra en los temas “Guilty” y “What Kind Of Fool”; en 1982 produjo el álbum “HEARTBREAKER” para Dionne Warwick y compuso el hit “Heartbreaker”; en 1983 produjo el álbum “EYES THAT SEE IN THE DARK” para Kenny Rogers y compuso el hit “Islands In The Stream”; y en 1985 produjo el álbum “EATEN ALIVE” para Diana Ross y escribió el hit “Chain Reaction”. En el 2005, por los 25 años del album "GUILTY", se volvió a juntar con Barbra Streisand para el album "GUILTY PLEASURES". Y también ha logrado algunos records como compositor. En 1977, Barry vio cinco de sus canciones dentro del Top-10 en la Billboard Hot 100, y en marzo de 1978, cuatro de los temas que estaban en el Top-5 eran composiciones suyas. Entre el 24 de Diciembre de 1977 y el 2 de Setiembre de 1978, sus composiciones estuvieron en el N° 1 por 27 de las 37 semanas que estuvieron en los charts. Además, Barry mantiene el record de ser el único compositor en la historia en escribir cuatro temas que fueron N° 1 en USA de forma consecutiva en 1978: “Stayin’ Alive”, luego “Love Is Thicker Than Water”, “Night Fever” y finalmente “If I Can't Have You”. Como compositor, Barry ha tenido números 1 en las décadas del 60, 70, 80, 90 y en la década del 2000 –cuando “Island In The Stream” fue N° 1 por Comic Relief en el 2009. Sus temas han sido grabados por números artistas como Jose Feliciano, Al Green, Wyclef Jean, Janis Joplin, Jimmy Little, Barry Manilow, Olivia Newton-John, Roy Orbison, Elvis Presley, Kenny Rogers, Diana Ross, Nina Simone, Barbra Streisand, Tina Turner, Conway Twitty, Frankie Valli, Luther Vandross, Sarah Vaughn, Jennifer Warnes, Dionne Warwick y Andy Williams. También produjo albums para Andy Gibb, Kenny Rogers, Diana Ross, Barbra Streisand y Dionne Warwick. Y según el libro “Guiness World Records”, Barry es el segundo compositor más exitoso en la historia, solo detrás de Sir Paul McCartney.

A nivel solista, en 1970 lanzó su primer álbum solista “THE KID’S NO GOOD”, sin éxito. En Agosto de 1983, firmó con MCA Records para USA por un multimillonario contrato para varios álbumes, pero el único álbum que lanzó fue “NOW VOYAGER” en 1984, donde destacó el single “Shine, Shine”, que tenía un simpático ritmo bailable. En 1986 grabó el álbum “MOONLIGHT MADNESS”, pero fue rechazado por MCA, y en 1988 participó en la música del film “HAWKS” y todas las canciones fueron cantadas por Barry, y varios de esos temas fueron originalmente parte del proyecto fallido de “MOONLIGHT MADNESS”.

En cuanto a su vida personal, en Australia se casó con Maureen Bates el 22 de Agosto de 1966, cuando tenía 19 años. La pareja vivió junta solo por poco tiempo y se divorciaron en 1970. En 1967 cuando el grupo estaba en UK en el programa “Top Of The Pops”, Barry conoció a quien era Miss Edimburgo, Linda Gray y se enamoraron inmediatamente, casándose el 1° de Setiembre de 1970, el día de su cumpleaños número 24. En una entrevista dijo que escogió la fecha de su cumpleaños para nunca olvidarse de la fecha de su aniversario. Y ya llevan 56 años de casados y han tenido cinco hijos: Stephen (1973), Ashley (1977), Travis (1981), Michael (1984) y Alexandra (1991); y siete nietos. En una reciente entrevista, Barry dijo que Linda era el amor de su vida y que fue amor a primera vista.

El 21 de Febrero del 2012, Barry dio su primer concierto como solista en USA en el Seminole Hard Rock Café, en Florida, y donde cantó “How Can You Mend a Broken Heart" con Samantha, la hija de Maurice, y con su hijo mayor Stephen, como guitarrista de su banda. Y luego de la muerte de su hermano Robin, llevó a cabo en Febrero de este año 2013 un tour por Australia llamado “Mithology Tour” con bastante éxito, junto con su hijo Stephen y su sobrina Samantha. Y en el mes de setiembre del 2012 inició una corta gira de cuatro fechas por Inglaterra e Irlanda en las siguientes fechas: 21 de Setiembre en LG Arena en Birmingham, 25 de Setiembre en The O2 en Dublin; 29 de Setiembre en el Arena en Manchester; y el 3 de Octubre en The O2 en Londres.

En Mayo del 2013, Barry dio una muy interesante entrevista en “Daily Mirror” y entre algunas cosas señaló lo siguiente:

1)  Cuando le preguntaron qué lo relaja, Barry dijo: “Soy un gran lector. Colecciono primeras ediciones, tengo la primera edición de “Peter Pan” y La “Cabaña del Tío Tom”. Puedo perderme yo mismo en libros y mi mayor alegría es pasar horas en una bibloteca. Amo los libros de Sherlock Holmes y tengo dos bibliotecas en mi casa”.

2)    A la pregunta de con qué o con quién sueña, dijo: “Ocasionalmente sueño con estar pasando un día con Paul McCartney. Nos sentamos conversando, pasando algunas horas juntos tocando música en el estudio. Hoy no lo conozco a él, pero él es alguien con quien realmente quisiera conversar”.

3)  Cuando le preguntaron en qué era mejor y en qué le gustaría ser mejor, Barry declaró: “Soy mejor cantando y componiendo. Hay cosas que otras personas desean que fuera mejor –como la tecnología. No tengo celular ni e-mail”.

4)    Sobre lo mejor y peor de su carácter, contestó: “Tengo un muy buen desarrollado sentido del humor. Me río mucho. Pienso que si hay un Dios, El nos dio la habilidad de reir a través de los momentos duros. También creo que nunca deberías preocuparte sobre el mañana. Y por otro lado, me molesto muy rápidamente. Casi no lo veo venir y puede ser algo grande o pequeño. Cuando era más joven me amargaba por todo, como al ser interrumpido cuando estaba trabajando y volaba dentro de mi amargura. Pienso que tiene que ver con la vida que he vivido. Nadie te enseña cómo lidiar con la atención. Pero he trabajado en ello. Soy mucho más calmado ahora”.

5)    Al preguntarle quién es más cercano a él, Barry dijo: “Linda –su esposa-, mi madre Barbara y mi hermana Lesley”.

6)    Finalmente, sobre su más atesorada posesión, señaló: “Mis guitarras. Mis favoritas son mi Guild y mis dos Matons, que es una hecha en Australia. Cuando era niño, siempre quise una, pero era muy cara”.

De todos modos, para quienes quieran leer la entrevista completa, aquí tienen el link: http://www.dailymail.co.uk/home/event/article-2329118/Barry-Gibb-We-did-fights-brothers-going-sibling-rivalry.html#ixzz2dTgNtIJk .

Por último, quiero adjuntar el link de una entrevista a Barry, que fue realizada el 30 de Agosto del 2013 y en donde señalaba en algún momento, su deseo de querer venir a Sudamérica. Aquí tienen el link: http://www.wradio.com.co/escucha/archivo_de_audio/barry-gibb-de-los-bee-gees-hablo-con-la-w/20130830/oir/1960939.aspx.

Hoy, con 80 años a cuestas, BARRY GIBB es una leyenda viva de la música. Unico sobreviviente de uno de los grupos más exitosos de todos los tiempos, a pesar de lo muy duro que debe ser para él, haber visto partir a sus hermanos antes que él, siendo el hermano mayor. Este hombre de bien todavía tiene para seguir aportando en la música, no solo como cantante, sino como compositor y creador de bellas piezas musicales, porque por encima de todo, Barry siempre se ha considerado un gran compositor. Y esperamos que Dios le de muchos años más de vida. Y desde este blog, le deseamos todo tipo de felicidades en su día, así como también en su aniversario de bodas, y que lo haya disfrutado como se merece al lado de su hermosa y numerosa familia.

¡FELICES 80 AÑOS, BARRY GIBB!! Y TAMBIEN, ¡¡FELIZ ANIVERSARIO NUMERO 56 PARA TI Y PARA LINDA!!

MUSIC TRILOGY: RUN TO ME

2026-08-30T06:00:00.000-05:00

Llegamos al día 30 de agosto, y es momento de presentarte el segmento musical “MUSIC TRILOGY”, y en esta ocasión, nuevamente he querido escoger y compartir contigo este segmento musical con tres canciones distintas que comparten el siguiente título: “RUN TO ME”. En primer lugar, tenemos la muy bella canción del trío británico The Bee Gees de 1972, escrita por Barry, Robin y Maurice Gibb e incluido en el álbum “TO WHOM IT MAY CONCERN”, llegando al número 9 en UK, número 3 en Australia y Sudáfrica, número 4 en Italia, número 6 en Canadá y Nueva Zelanda, número 7 en Irlanda y número 16 en USA. En segundo lugar, tenemos a la cantante escocesa Kelly Marie, con este tema de 1977, y que fue escrito por Mike Tinsley y Peter Yellowstone, llegando al número 5 en Sudáfrica y número 22 en Holanda. Y por último, tenemos este tema del grupo británico Smokie, del año 1980, escrita por Chris Norman y Pete Spencer, llegando al número 13 en Austria y número 29 en Alemania.

Una vez más, hemos tenido otra variada trilogía musical, para que la puedas escuchar y disfrutar. Y como siempre, te invito a escribir un comentario en el post, indicándome cuál de las tres te gusta más y por mi parte, compartiré contigo cuál es la que más me gusta cuando conteste tu comentario. Espero que disfrutes de esta buena trilogía musical. Y nos volvemos a contactar el próximo jueves 10 de setiembre, en donde tendremos otra trilogía de canciones, unidas bajo un mismo título, pero cada una con una riqueza musical diferente.

MUSIC TRILOGY: ALONE AGAIN

2026-08-20T06:00:00.000-05:00

Llegamos al día 20 de agosto, y es momento de presentarte el segmento musical “MUSIC TRILOGY”, y en esta ocasión, nuevamente he querido escoger y compartir contigo este segmento musical con tres canciones distintas que comparten el siguiente título: “ALONE AGAIN”. En primer lugar, tenemos la muy hermosa canción del trío británico The Bee Gees de 1970, escrito e interpretado por Robin Gibb e incluido en el álbum “2 YEARS ON”. En segundo lugar, tenemos al recordado cantante irlandés Gilbert O’Sullivan, con este gran tema clásico de 1972, y que fue escrito por Gilbert O’Sullivan, llegando al número 1 en USA por 6 semanas. Canadá y Francia, número 2 en Australia, Irlanda y Nueva Zelanda y número 3 en UK. Y por último, tenemos este tema del grupo norteamericano Dokken, del año 1985, escrita por Don Dokken y Jeff Pilson, e incluido en el álbum “TOOTH AND NAIL”, llegando al número 64 en USA.

Una vez más, hemos tenido otra variada trilogía musical, para que la puedas escuchar y disfrutar. Y como siempre, te invito a escribir un comentario en el post, indicándome cuál de las tres te gusta más y por mi parte, compartiré contigo cuál es la que más me gusta cuando conteste tu comentario. Espero que disfrutes de esta buena trilogía musical. Y nos volvemos a contactar el próximo domingo 30 de agosto, en donde tendremos otra trilogía de canciones, unidas bajo un mismo título, pero cada una con una riqueza musical diferente.

HAPPY BIRTHDAY JOHN DEACON!!

2026-08-19T06:00:00.000-05:00

Hoy 19 de Agosto, es una fecha importante para el queenero: el cumpleaños Nº 75 del siempre recordado bajista de QUEEN, JOHN DEACON. Y hace quince años, publicamos este post en el blog, y he optado por actualizarlo y publicarlo con fecha de hoy, pero conservando la esencia del post creado en el 2009.

Como señalara en anteriores posts, cuando ví a QUEEN en TV por vez primera, presté atención solamente a Freddie Mercury y Brian May y no me fijé en los otros dos miembros, Roger Taylor y el bajista John Deacon. Cuando llegó 1980, y QUEEN era ya un poco más conocido para mí, le presté más atención a la presencia de John dentro del grupo y algo me llamó la atención: su sobriedad y perfil bajo al momento de tocar. No era el típico músico que hacía piruetas, que tuviese ansias de figurar o que le gustase hacerse notar. El se concentraba en lo suyo. En la década del 70 quienes más componían en la banda eran Freddie y Brian, mientras que John y Roger sólo aportaban uno o dos temas por album. No obstante ese poco peso autoral dentro de la banda, mi percepción sobre John cambió cuando escuché por primera vez el tema “You’re My Best Friend” -canción compuesta para su esposa Verónica con la que acababa de casarse- del álbum “A NIGHT AT THE OPERA”. Me pareció un bellísimo tema y donde John destacaba en el piano eléctrico, que le daba elegancia a la canción. Además en 1980, John alcanzó la fama como compositor cuando escribió el tema que se convirtió en el single más vendido de QUEEN en su historia: “Another One Bites The Dust”, del album “THE GAME”, que representa su contribución más exitosa en QUEEN, llegando al Nº 1 en los charts de USA y en varios países europeos y sudamericanos. De ese album, John sería también el autor de “Need Your Loving Tonight”, tema que me encantó cuando lo escuché. Al año siguiente, en 1981, cuando fui descubriendo la música de QUEEN, iba comprobando que los temas de John no tenían la exquisitez de los temas de Freddie, ni el estilo rockero de Brian o Roger. Pero eran sencillos, melódicos, de un estilo soft, y directos al corazón de los fans. Su primera composición en el grupo fue “Misfire” una balada simpática y agradable y durante los 70’s, sus temas mostraban un estilo parejo y lineal y que aportaban la nota melódica al grupo. Aunque en 1982 agregaría la nota funky a la banda -algo que fue duramente criticado por los fans-, para 1984 aportó a la banda uno de sus mayores hits, “I Want To Break Free”, que hasta ahora sigue siendo uno de los más preferidos por los fans. Curiosamente John fue el autor del tema que le dio el estrellato a QUEEN en USA, con “Another One Bites The Dust”, y a su vez, del tema que significó la estocada final a su popularidad en USA, “I Want To Break Free”, cuyo video escandalizó a la doble moral americana. En los siguientes años, John seguiría aportando con temas melódicos y algunos en coautoría con Freddie. En cuanto a sus composiciones dentro de QUEEN, mis favoritas siempre han sido “You’re My Best Friend”, “Spread Your Wings” y “Friends Will Be Friends”, y luego puedo mencionar los siguientes títulos que son parte de mis preferencias: “Misfire”, “You And I”, “Who Needs You“, If You Can’t Beat Them”, “In Only Seven Days”, “Need Your Loving Tonight”, "One Year Of Love" y “I Want To Break Free”.

Nacido en Leicester, su signo zodiacal es Leo y mide 1.75 m. En Febrero 1971 asistió a una discoteca y fue presentado a dos tipos, Brian May y Roger Taylor, quienes estaban buscando bajista para su grupo. Le preguntaron a John si le gustaría hacer una prueba y ésta tuvo lugar días después en el Imperial College. Brian y Roger pensaron que era muy bueno y que al ser un poco callado, podría adaptarse sin demasiados problemas. En pocos días fue llamado y aceptado y John se convertia así en el cuarto y definitivo miembro de QUEEN. Además, el hecho de ser un experto en electrónica inclinó la balanza para su aceptación y gracias a su formación como ingeniero electrónico, llegó a construir y adaptar equipos para la banda, siendo su creación mas conocida, el "Deacy Amp", usado por Brian May y él mismo.

Además del bajo, toca doble bajo y teclados. Es considerado uno de los mejores y más versatiles bajistas de la historia del rock. Su grupo preferido era The Police y su músico favorito era Stevie Wonder. Su película favorita era “Atrapados Sin Salida” y su artista favorita es Jean Alexander. Su bebida favorita es el Té y su principal hobby es la Electrónica. A nivel personal, está casado con Veronica Tetzlaff desde Enero 1975 y tienen 6 hijos: Robert (1975), Michael (1978), Laura (1979), Joshua (1983), Luke (1992) y Cameron (1993) y es el único que ha mantenido su matrimonio firme a lo largo de todos estos años.

Siempre fue el miembro “tranquilo” de la banda, y los otros miembros decían que él estaba a cargo de las finanzas del grupo. Es el único miembro de QUEEN que nunca cantó en algún tema en la voz principal. El mismo admitió que no podía cantar. Su estilo de tocar el bajo es uno pocas veces visto en las bandas de rock en los 70’s. En vez de sentarse al fondo del escenario tocando notas primarias o simples, él utilizaba el bajo como instrumento principal, así como también rítmico. Algunas de sus composiciones de bajo son bien difíciles de interpretar como "The Millionaire Waltz”, "Liar", "Sail Away Sweet Sister" y "You're My Best Friend”. Fue claramente influenciado por el estilo "Lead Bass" (El bajo como instrumento principal) de la Motown. Algunos temas de QUEEN cuentan con el bajo como instrumento principal, como por ejemplo “Dragon Attack”, “Another One Bites the Dust”, “Under Pressure” y “A Kind of Magic”. Cuando uno escucha a QUEEN, se nota la habilidad y la destreza de su bajista.

Luego de la muerte de Freddie, lo único que hizo con Brian y Roger fueron sus apariciones en el Tributo a Freddie en 1992 y su aparición junto a Elton John y el resto de la banda en una actuación benéfica en Paris en enero de 1997 y participando además en la grabación del single “No-One But You”. Eso fue lo último que hizo John en QUEEN.

A partir de allí se retiró completamente de la actividad musical y ni siquiera ha participado de los proyectos de remasterización, ni de los homenajes hechos a QUEEN en los últimos 25 años. Esto tendrá que ver con su deseo de llevar una vida familiar plena y feliz al lado de su esposa y sus seis hijos, lo cual se lo tiene bien merecido, y también al hecho que John siempre dijera que no había QUEEN sin Freddie -quien siempre lo alentaba para que escribiera y aportara a la banda-, y cuya muerte afectó muchísimo a John. Aunque no participó, John dio su visto bueno a Brian y Roger para la alianza “QUEEN + PAUL RODGERS” y ambos siempre han dicho que John estuvo al tanto de todo, pero que no participó por decisión propia. Una de las últimas fotos en la que se pudo ver a John Deacon, es la boda de su hijo mayor, en donde sale al lado de toda su familia, y que por cortesía de mi linda amiga chilena Nancy Jara, me autorizó publicarla. Adicionalmente, quiero compartir con ustedes un brillante artículo que en la web "El Blog de QUEEN", mi linda amiga Nancy Jara escribió sobre John Deacon. Ella como buena deaconiana y buena periodista, elaboró una nota sobre John y la comparto con ustedes dándoles el link: http://blog.queenero.com/2009/03/la-consecuencia-de-deacon-y-algo-mas.html

Hoy, con 75 años a cuestas, JOHN DEACON sigue en el recuerdo de todos los fans queeneros y es un músico reconocido por su calidad como compositor y bajista. John siempre tendrá lugar en el corazón de todos quienes lo admiramos por lo que representa en QUEEN. Muchos fans lo extrañan y algo que muchos deseamos ver sería una reaparición de John, lo cual sería un momento único en la historia de la banda. Quien sabe, quizás en un concierto de despedida, el buen John se anime a subir a un escenario junto a sus dos ex compañeros de tantas jornadas y nos regale una vez más, el sonido identificable de su bajo, al menos en uno o dos temas. Desde este blog, te recordamos y deseamos que Dios te de muchísimos años más de vida.

¡¡FELICES 75 AÑOS, DEAR JOHN!!

16 DE AGOSTO: RECORDANDO A ELVIS PRESLEY

2026-08-16T11:00:00.000-05:00

Hoy 17 de Agosto, se cumplen 49 años de la partida del Rey del Rock, ELVIS PRESLEY. Y en esta oportunidad deseo recordar al gran Elvis, con algunos muy buenos covers que se grabaron de algunos de sus éxitos. Y por supuesto, aprovecho también para recordar en esta fecha a quien fuera mi gran amigo Jorgito Cox, quien fuera el fan número 1 de Elvis en el Perú. ¡Se te extraña Jorgito! Y también a mi entrañable amiga, Dianita García, hincha acérrima del Rey del Rock.

A continuación, vienen seis canciones que en mi opinión, le rinden un justo tributo a Elvis y aportando ese toque adicional que hace que destaque cada canción. Y solamente te presentaré los temas sin información detallada, con el único fin de que puedas disfrutar directamente las canciones y así recordar al incomparable Elvis Presley. Si estuviera haciendo un mini especial en la radio, estos serían los temas que yo elegiría en dos trilogías musicales. La primera trilogía contiene los temas "Don't Be Cruel" de Cheap Trick, "All Shook Up" de Billy Joel y "Suspicious Minds" de Fine Young Cannibals.

Y la segunda trilogía incluye los siguientes covers: "That's All Right Mamma" de Paul McCartney, "Always On My Mind" de Pert Shop Boys y "Can't Help Falling In Love" de UB40.

Esta ha sido nuestra manera de recordar al gran ELVIS PRESLEY, quien con su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su enorme carisma, y demás cualidades, llegó a ser una de las mayores figuras musicales de la historia de la música contemporánea. Muchos reconocen que Elvis fue la chispa que cambió la música popular y a toda una generación, y que gracias a él, muchos grupos y artistas tomaron el mismo camino. Por más que pasen los años, su legado musical permanece intacto y su trono de Rey del Rock and Roll siempre seguirá ocupado por él. Y me encantaría saber cuál o cuáles de estos buenos covers son los más te han gustado. Disfrútalos.

ELVIS PRESLEY: EL REY DEL ROCK & ROLL

2026-08-16T06:00:00.000-05:00

Uno de los íconos musicales más importantes en la historia de la música contemporáneo ha sido ELVIS ARON PRESLEY, quien llegó a ser considerado como el indiscutido Rey del Rock and Roll. Y por supuesto, en el blog, no podíamos dejar de dedicarle un post, a la altura de su trascendencia en el mundo de la música. No pretendo en este post hacer una biografía detallada de Elvis ni un análisis estadístico de sus álbumes y canciones, sino más bien una breve semblanza sobre cómo llegó su música a mi vida, y cómo fui conociendo su importancia en la historia del rock. Y también quiero dedicar este post a la memoria de mi amigo Jorgito Cox.

A modo de información, es buenos señalar que Elvis Presley nació un 8 de Enero de 1935. Y la primera vez que supe de Elvis Presley fue por su labor en el cine y fue entre los años 1976 y 1977. En ese momento, desconocía su glorioso pasado musical y me imaginaba que era un actor de cine que cantaba o un cantante que hacía películas. Calculo que habré visto unas dos o tres películas de Elvis, y no fueron nada del otro mundo. Recuerdo que el 16 de agosto de 1977 llegaba de mis clases de inglés en el Británico, y al llegar a casa, mi hermano Alex -quien tenía la costumbre de armar álbumes de fotos de artistas de cine-, me enseñó su álbum y lo abrió en la letra “P” y ví que debajo de la foto de Elvis Presley, había escrito “1935-1977”. Me quedé sorprendido con la noticia y supe por mi hermano que había muerto de un ataque al corazón a los 42 años de edad. Esa misma noche, esperé hasta las 10 pm para el comienzo del noticiero “24 Horas” y me acuerdo que Ernesto García Calderón anunció entre los titulares, “Los amantes del rock están de duelo: murió hoy Elvis Presley”. En ese momento me di cuenta que Elvis era algo más que un artista de cine que cantaba. En los siguientes días, los canales de TV -el 4 y 5- pasaron algunas películas suyas y el canal 4 difundió el especial “Aloha from Hawaii”, donde por primera vez escuché algunos de sus temas. Pero fue recién en 1982 cuando ví un documental sobre la historia del Rock and Roll, llamado “Héroes del Rock And Roll”, o algo así por el estilo, que supe por primera vez de su enorme importancia en la historia del rock y porqué era considerado como el Rey del Rock. Y realmente terminé de confirmar mis impresiones sobre Elvis cuando ví por TV en los 80's el documental "This Is Elvis".

En la segunda mitad de la década del 50, Elvis arrasó con todo y cosechó éxito tras éxito, con clásicos del rock and roll, como “Heartbreak Hotel”, “Hound Dog”, “Don’t Be Cruel”, “All Shook Up” y “Jailhouse Rock”, entre otros temas más. En esa década incursionaría en el cine en films que fueron bien recibidos por los fans y los críticos como “Love Me Tender”, “Jailhouse Rock”, “King Creole”, entre otros, todas enormes éxitos de taquilla. Del 55 al 59 era el mayor exponente del rock and roll y era el artista que más vendía discos en USA. Rompió todos los récords de ventas, alcanzando once números uno en forma consecutiva en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la lista de álbumes. Pero era obvio que Elvis Presley era visto como una amenaza por los viejos conservadores, quienes lo consideraban un mal ejemplo para la juventud y sus movimientos de caderas escandalizaban las mentes cucufatas de ese entonces, al punto que en una de sus presentaciones en “El Show de Ed Sullivan” al cantar “Hound Dog”, la cámara lo mostró de la cintura para arriba. En 1958, hubo algo más poderoso que Elvis: El Ejército Norteamericano. Elvis fue llamado a servir en el Ejército y durante dos años, estuvo destacado en Alemania.

Cuando regresó de haber servido en el Ejército, su imagen como ícono del rock and roll no era la misma, y estaba más cercana al “establishment” que como una figura de rebeldía juvenil. Y para remate, en esa década del 60, y gracias a la “astucia” de su manager, el Coronel Tom Parker, Elvis priorizó su carrera cinematográfica en vez de la música, participando en películas para el olvido -cada cual más mala que la otra-, rodando un promedio de tres por año, hasta un total de 31, en donde era cualquier cosa menos un cantante símbolo del rock and roll, y en más de una película más parecía un payaso por las vestimentas que usaba. Todo ello opacó bastante su carrera musical en la década del 60 y el mismo Elvis reconoció que mientras él se dedicaba a hacer películas estúpidas, los Beatles conquistaban el mundo. Elvis se había convertido en una caricatura de sí mismo. A partir de 1964 comenzó el descenso en su hegemonía en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.

Pero en el año 1968, volvió al top de los hits parades norteamericanos después de su exitoso “1968 Comeback Special” para la televisión, cuando volvió a sus raíces y reivindicó su imagen, mostrándose como todos esperaban verlo: como el Rey del Rock. Al año siguiente reafirmó su vuelta a los conciertos en directo en el Hotel Internacional de Las Vegas, Nevada. Elvis había vuelto a lo suyo, a la música, de la cual nunca debió apartarse. En esta década del 60, destacó con muy buenas canciones, entre las que podemos mencionar a “It’s Now Or Never”, “Are You Lonesome Tonight”, “His Latest Flame”, “Can’t Help Falling In Love” y sobre todo, “Suspicious Minds”.

En los 70’s su apariencia tendría cambios debido a sus problemas de sobrepeso, y su adicción a las pastillas, que poco a poco fue minando su organismo y su salud. En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia desde Hawaii, conocido como “Aloha From Hawaii”, y visto por un número estimado de 1.500 millones de personas. En esta década Elvis se abocaría a las giras y aunque su imagen pudiera haberse deteriorado, su voz permanecía intacta y con el mismo magnetismo de siempre, y así la mantuvo hasta antes de su muerte. De esta década, tenemos los temas “The Wonder Of You”, “Always On My Mind”, “Moody Blue” y “My Way”.

Luego de conocer su trayectoria musical y su presencia en la historia de la música, llegué a la convicción de que Elvis fue único y no ha habido nadie como él, ni lo habrá. Si bien es cierto, antes de él, hubieron cantantes como Bill Haley con su tema “Rock Around The Clock”, o Little Richard con “Good Molly Miss Molly” que fueron los primeros himnos del rock and roll, pero la llegada de Elvis Presley fue un punto de quiebre que marcó un antes y un después y fue fundamental para llevar el rock and roll a todos los públicos y que no se quedara únicamente en música para gente de color. Elvis fue un blanco que cantaba y se movía con el sentimiento de un negro y por ello, rompió esquemas y se convirtió en el símbolo de toda una generación que veían en él a alguien con quien podían identificarse. Y de paso, abrió la puerta para los que vinieron después. Todos se refieren a él como obligada influencia, y John Lennon dijo claramente cuando murió Elvis: “Si no hubiera existido Elvis Presley, jamás habrían existido Los Beatles”. Así de simple.

Cuando escucho a Elvis, es inevitable que no recuerde a dos grandes amigos míos, quienes ya no están entre nosotros: Diana García y Jorge Cox. Dianita era hincha de Elvis y en sus programas musicales del recuerdo, el inmortal “Memories”, comencé a escuchar muchos de sus éxitos por primera vez. Cuando nos reuníamos en su casa a escuchar música, era infaltable la música de Elvis. Y sus especiales de Elvis cada 8 de enero y 16 de agosto eran maravillosos, y una satisfacción que tuve fue colaborar con un especial en el año 94 y que abarcó todo el programa. Dianita se encargaría del especial de Elvis en "Memories" y el que escribe coprodujo con Diana un especial de una hora que fue en el programa "Tu, Yo y Mis Discos", y que consistió en covers de Elvis: la primera media hora fue de artistas y grupos de USA y la segunda mitad fue de Gran Bretaña. Y ese especial rompió en sintonía y me quedé con ese gusto de haber sido parte de un especial dedicado a Elvis. Y en cuanto a Jorgito Cox, era sin duda alguna, el fan número 1 de Elvis en el Perú. Fue un tipo sencillo, campechano y sobretodo, amante de la buena música y del buen criterio musical. Presidente del Club de Fans de Elvis en el Perú, era un apasionado de la música de Elvis y siempre se preocupó en difundir el legado de Elvis en el Perú. Sin duda alguna, Jorgito Cox era un referente aquí en nuestro país en lo que se refiere a la difusión musical y popularidad de Elvis Presley. Era un conocedor total de su vida y su trayectoria, coleccionista de variada y surtida memorabilia de Elvis y sobretodo, principal artífice del club de fans de Elvis en el Perú, al cual se entregó en cuerpo y alma. Gran amigo, excelente persona y un profesional impecable con una trayectoria intachable en el mundo de la radio, y tuve la enorme suerte de contar con su amistad y confianza.

Por último, si Elvis viviera hoy, tendría 91 años. No me o imagino a Elvis de viejo noventón, y creo que una de las ventajas que proporcionó su repentina muerte, fue el haber inmortalizado para la posteridad su imagen juvenil de los 50’s, como un ícono del rock. Sobre el tema de su muerte, ha habido algunas versiones que cuestionan su muerte, en particular en el libro “Is Elvis Alive?”, de Gail Brewer Giorgio. Mi hermano me regaló ese libro en 1990 en mi cumpleaños y he podido leerlo y es interesante porque plantea diversas interrogantes. Y hace algunos años le dediqué un post con mis impresiones sobre dicho libro. Pero hoy estamos recordando los 49 años de la partida del Rey del Rock and Roll: ELVIS PRESLEY, quien con su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su enorme carisma, y demás cualidades, llegó a ser una de las mayores figuras musicales de la historia. Además de sus innumerables récords, la calidad en las canciones que interpretó es lo que sigue generando que nuevas generaciones se interesen en su música. Ha encabezado por muchos años, la lista de de los artistas fallecidos con mayor recaudación por sus productos y anualmente su mansión Graceland es visitada por miles de personas de todo el mundo, siendo la segunda casa más visitada de los Estados Unidos, detrás de la Casa Blanca. Muchos reconocen que Elvis fue la chispa que cambió la música popular y a toda una generación, y que gracias a él, muchos grupos y artistas tomaron el mismo camino. Con el tiempo, Elvis Presley dejó de ser un icono estadounidense, para llegar a convertirse en uno de los mayores iconos mundiales de la música de todos los tiempos.

¡¡ELVIS PRESLEY SIEMPRE EN EL RECUERDO!!

EL MAGO DE OZ: 87 AÑOS DE MAGIA

2026-08-15T06:00:00.000-05:00

Este mes de agosto del 2025, se cumplen 87 años del estreno en los cines y teatros norteamericanos de uno de los filmes más queridos y recordados en la historia del cine, y que además, es mi película favorita: “EL MAGO DE OZ”. La premiere fue en el Strand Theatre, en Wisconsin el 12 de Agosto de 1939 y en el Grauman's Chinese Theatre en Hollywood el 15 de Agosto. La premiere en New York fue en el Loew's Capitol Theater el 17 de Agosto, y finalmente fue exhibida a nivel nacional el día 25 de Agosto. Todo esto sucedió, hace 87 años. Hace 16 años, le dediqué un post a este clásico del cine y hoy he querido actualizar dicho post, ordenarlo mejor y publicarlo con fecha de hoy.

“The Wizard of Oz”, uno de los más grandes clásicos de la historia del cine, es todo un ícono en la cultura popular, y hasta el día de hoy mantiene toda su magia intacta y vigente. Basada en la novela de L. Frank Baum, la historia se centra en Dorothy -una adolescente Judy Garland en el papel que la consagró en el mundo entero- y en su perro Toto, quienes son absorbidos por un fuerte tornado en Kansas y acaban en la tierra de Oz. Allí conocen a la Bruja Buena del Norte, quien les recomienda que sigan por el camino de baldosas amarillas en dirección a Ciudad Esmeralda para ubicar al Mago de Oz, quien podrá ayudarles a regresar a casa. Además, la hechicera le regala unas zapatillas rojas a Dorothy y en ese camino Dorothy conoce a tres acompañantes: un hombre de hojalata que desea un corazón, un león que sueña con recobrar la valentía perdida y un espantapájaros que ansia tener un cerebro. Todos van en busca del Mago de Oz, para que los ayude a cumplir sus deseos, pero en ese recorrido tendrán que lidiar con la Malvada Bruja del Oeste, que quiere recobrar las zapatillas rojas que lleva Dorothy e impedir que los personajes consigan sus propósitos. Las aventuras de Dorothy y sus tres amigos suponen “la quintaesencia de las películas de estudio en Hollywood”. Así lo aseguró a Efe Randy Haberkamp, programador del ciclo “El mejor año de Hollywood: las candidatas a mejor película de 1939”, organizado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en el Teatro Samuel Goldwyn, de Los Ángeles. “Cada toma fue rodada en un escenario. No hay nada real en el filme. Todo es una fantasía, una completa creación artística. Fue un trabajo específico correspondiente a una época específica, y eso convierte la película en un cuento de hadas eterno”, comentó Haberkamp.

Pero la cinta, en su primer estreno, perdió dinero, habiéndose gastado demasiado en escenas que no fueron incluidas, en vestuario costoso y en un largo proceso de casting. Y además pudo haber tenido un aspecto muy diferente si se hubieran llegado a cumplir ciertas exigencias de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Por ejemplo, en un principio se pensó que la Malvada Bruja del Oeste debía tener un aspecto glamouroso, que las zapatillas de Dorothy serían plateadas como en la novela o que el célebre tema “Over the Rainbow” no iba a aparecer en el film, por considerarse triste y que podría desviar la trama hacia un público adulto. “Fue un rodaje complicado, toda la producción resultó difícil y muy cara para la época”, comentó Haberkamp.

Aunque en honor a la verdad, hubiera sido un crimen si se hubiera prescindido de este inmortal tema, que es considerado como uno de los himnos de la época dorada de Hollywood. Es más, "Over The Rainbow" fue elegida Mejor Canción del cine en EEUU, encabezando la lista de los cien mejores temas de películas, según decidió el Instituto Americano del Cine (AFI). En segundo lugar se ubicó "As Time Goes By", del film "Casablanca", seguida de "Singin' in the Rain" del musical "Cantando bajo la lluvia", y las cien canciones fueron seleccionadas por 1.500 actores, directores, guionistas y críticos de una lista de 400. Una canción que te dice que a pesar de los problemas que te agobien en tu vida diaria, siempre hay un arcoiris por el cual debemos luchar por alcanzar.

En lo personal, debo decir que ví por primera vez esta película en el cine en el año 1975, cuando tenía 12 años. Recuerdo que era en el otrora cine “Western” y fui con un amigo a verla, y al comienzo me parecía una película para niños –cuando uno es adolescente, odia que lo califiquen como a un niñito-, y medio que me estaba aburriendo. Hasta que llegó la secuencia cuando la casa de Dorothy aterriza en Oz luego del tornado y el blanco y negro de la película se convierte en un vistoso tecnicolor, lleno de magia y armonía. Pero al terminar la película, recuerdo que me gustó y estuvo bonita, pero nada más. Bueno, a los 12 años no se puede pretender analizar con seriedad una película, ya que uno quiere ver películas de acción, diversión y hasta de terror.

Muchos años después, allá entre los años 1992 y 1993, volví a verla pero en VHS, ya que por esa época todos los fines de semana alquilaba películas para ver, y habían buenas ofertas y un fin de semana, quise alquilar “El Mago de Oz” para volver a verla. Y la ví con otra óptica y ya no como un adolescente, sino con la perspectiva de alguien en sus 30 años. Además, sabía que era la película favorita de Brian May, guitarrista de QUEEN, y uno de mis músicos favoritos. Y esta vez, a diferencia de lo vivido años atrás, me gustó muchísimo y me pareció una película para todas las edades. Pero, todavía no la consideraba entre mis cinco películas favoritas de siempre.

Hasta que en el año 2004, en unos talleres vivenciales de Life Simphony, que me sirvieron de mucho en la vida, me tocó vivir una experiencia vivencial en grupo, alrededor de esta película y pude sentir la esencia de este maravilloso film. Y luego de lo vivido en esa oportunidad, de una cosa estoy seguro: de esa película no me voy a olvidar nunca jamás. Me fascinó cada detalle y me quedó grabado los mensajes más importantes que encierra: el de seguir tus sueños y perseverar hasta llegar a tu meta; el verdadero trabajo en equipo; y que realmente no hay nada como el hogar. Muchas veces queremos buscar por fuera aquello que tenemos por dentro y no vemos, y por ambicionar lo que no tenemos, no valoramos lo que realmente tenemos.

Ese camino amarillo encierra mucha simbología, y es lo que nos separa de nuestras metas, y por más lejano que parezca esa meta y por más difícil e incierto que pueda ser ese camino, de todas maneras hay que recorrerlo con fe, confianza y seguridad en sí mismo y sabiendo que de todas maneras llegaremos a nuestra meta ansiada. Y eso resultó aplicable más que nunca en mi sueño de ver a QUEEN + Paul Rodgers en concierto en Chile. Nunca sentí tan preciso ese mensaje de “El Mago de Oz” en las semanas previas a mi viaje, con tantas barreras que se iban apareciendo en el camino, y luego en nuestro viaje. El Estadio San Carlos de Apoquindo, donde fue el concierto, era como Ciudad Esmeralda, y el camino era largo y sinuoso. Y lo curioso fue que éramos cuatro las personas que estaríamos juntos en ese concierto: mi amada y recordada esposa Silvana, mi gran amiga Mapi Zevallos, mi entrañable amigo Abraham Noblecilla y quien escribe. Y lo mas gracioso fue que cuando ya nos íbamos al estadio, y caminábamos por el Metro de Santiago, las escaleras eran de color amarillo y veíamos eso y nos matábamos de la risa, diciendo, "falta poco para Ciudad Esmeralda". Hasta bromeábamos para ver con qué personaje de la película nos identificaríamos. Recuerdo que le decíamos a Mapi, "tu te ganaste el derecho a ser Dorothy, y por su pelo rizado, Silvana es el león. Y entre Abraham y yo decidimos quién será el espantapájaros y quién el hombre de lata". Cuatro años después de haber vivido la esencia de este film en mi proceso vivencial en los talleres antes mencionados, en noviembre del 2008 este maravilloso film se convirtió en mi película favorita de toda la vida. Y justo también en ese 2008, para suerte mía, mi hermano Alex, en un viaje a Argentina, me regaló el DVD original doble de "El Mago de Oz", que contiene abundante material extra y material imperdible para los que amamos este film. Y aproveché para regalarle la copia que tenía en muy buen estado a mi amiga Mapi, como un recuerdo de lo que nos tocó vivir en Santiago.

En el año 2013 se reestrenó en formato IMAX 3D el 20 de septiembre en Estados Unidos en el TCL Chinese Theatre, por una semana, como parte del aniversario número 75 del filme. Y el 1° de Octubre también salió en formato Blu-ray y en DVD, con cinco discos con infinidad de extras, libretos con fotografías, un mapa del territorio de Oz y demás material. Para terminar, agrego el comentario del reputado crítico e historiador de cine inglés David Thomson, quien señaló lo siguiente: “Esta película trata de esa magia en las que nos gusta creer y acerca de los sueños que ambicionamos en lo más profundo: ser felices. Al mismo tiempo, nos habla de la realidad, de amar nuestro hogar y a las personas que nos rodean”. Hoy, 87 años después de su estreno, "EL MAGO DE OZ" es un film para verlo siempre en familia y está más vivo que nunca, y en épocas como las actuales, en las que se suele vivir de prisa y sin descanso, y donde la gente no lucha por sus sueños, prefiriendo su trabajo antes que su familia y su hogar, sus simples mensajes siguen siendo aplicables en el mundo: perseguir tus sueños y trabajar en equipo, y porque además no hay mejor lugar que el hogar.

QUEEN EN LA CEREMONIA DE CLAUSURA DE LONDRES 2012

2026-08-12T06:00:00.000-05:00

Hace catorce años, un 12 de Agosto del 2012, se llevó a cabo la Ceremonia de Clausura de las Olimpiadas de Londres 2012, y en su momento posteé sobre lo que fue la presencia de QUEEN y su música en dicha ceremonia de clausura. Como suelo hacer con algunos posts, he querido actualizarlo y publicarlo con fecha de hoy.

Para los que amamos el rock clásico británico el domingo 12 de agosto del 2012 quedará siempre en el recuerdo. Ese día se llevó a cabo la ceremonia de Clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, la cual fue sencillamente majestuosa e inolvidable, en donde desfilaron los más representativos nombres del panorama musical británico de los últimos 50 años. Hubo para todos los gustos. Desde el arranque con Madness y un viaje a los 80’s con su clásico “Our House”, desfiló gente como George Michael, Annie Lennox, Liam Gallagher de Oasis, las Spice Girls y Muse, así como un tributo a Pink Floyd con Ed Sheeran y Nick Mason de Pink Floyd con el clásico “Wish You Were Here”. También hubo un emotivo tributo a John Lennon, en donde un coro de niños interpretó el clásico himno “Imagine”, junto con un video de Lennon cantando el tema. Y dos grupos británicos legendarios que nacieron en los 60’s estuvieron también presentes: The Kinks con el clásico “Waterloo Sunset” y The Who con un medley de sus éxitos. Pero sin duda alguna, uno de los puntos más destacados en esa memorable noche fue la presencia de la música de QUEEN. Y como era de esperarse, una vez más, quien se robó el show fue Freddie Mercury, como lo había hecho 40 años atrás en ese mismo lugar.

Días antes ya se sabía la relación de artistas que participarían en la Ceremonia de Clausura y en una conferencia de prensa el día sábado 11 de Agosto, el director artístico de la Ceremonia de Clausura, Kim Gavin señaló que quería que el evento fuera el mejor “after-show party” que hubiera existido. Y vaya que lo lograron. Y para los que somos queeneros, desde semanas atrás ya sabíamos que Brian y Roger, como QUEEN, iban a estar presentes en la Clausura. Lo que se ignoraba al comienzo era si estarían solamente los dos o si tocarían con algún cantante. Y los rumores estaban a la orden del día, se hablaba de un reencuentro con Paul Rodgers, o con Adam Lambert, aunque esto último era poco probable, ya que Lambert es americano y la gente que participaría era británica por ser las Olimpiadas en Londres. Al final, se reveló que Brian y Roger –como QUEEN- estarían junto a la cantante británica Jessie J. La consideraba como una muy buena cantante con una excelente voz y en lo personal, me parecía genial la posibilidad que cantase junto a Brian y Roger uno de los clásicos de QUEEN. Y cuando salió el set list de las canciones que desfilarían el domingo 12, el tema elegido para QUEEN + Jessie J era el inmortal himno “We Will Rock You”. Y para agregar más expectativa se comentó que aparecería un holograma de Freddie Mercury. ¿Mejor? Imposible.

No voy a abundar en detalles sobre lo que ya deben haber visto o sobre lo que verán en el video que incluimos en el presente post. Pero sin duda, fue totalmente emocionante ver la imagen de Freddie Mercury en el centro del estadio con cuatro pantallas, con las imágenes del concierto en el Wembley Stadium en 1986, en la que Freddie hace sus acostumbrados juegos vocales e interactuando con el público. Fue un justo y merecido homenaje a un grande de la música británica contemporánea y fue emotivo ver cómo todo el público le respondía a Freddie, coreando sus juegos vocales, de la misma manera que aconteció hace 40 años. Es increíble confirmar que alguien que tiene casi 35 años de haber muerto, sigue generando una respuesta tan abrumadora por parte de la gente. Eso lo logran solo los grandes. Y así como sucedió en el homenaje a John Lennon, me atrevo a decir que esos fueron los momentos más emocionantes de esa noche.

Y tras finalizar esa mágica aparición de Freddie, acto seguido Brian May tomó el escenario para regalarnos uno de sus acostumbrados solos de guitarra con su clásica Red Special y con extractos de “Brighton Rock” y luego el clásico riff inicial del inmortal himno “We Will Rock You”, como QUEEN solía hacerlo en vivo y Roger Taylor en el centro en la percusión y de ambos lados, tanto Brian como Jessie J iban caminando hacia el centro del escenario al compás del riff de guitarra.

Al unirse los tres, Jessie J comenzó a interpretar el tema mientras todo el estadio aplaudía al unísono y fue un momento espectacular en mi opinión, donde Brian y Roger mostraron toda su energía y su fuerza en el escenario. En lo que concierne a la británica Jessie J, me encantó su performance junto a Brian y Roger, y no me extrañó porque ya la había escuchado antes y sabía de la buena voz que tenía. Y aquí me quiero detener un momento. Al día siguiente de esta performance, como ya es habitual, salieron los “fanáticos mercurianos” a ponerle la cruz a Jessie J y por los mismos estúpidos motivos de siempre: que arruinó el tema, que no la cantó igualito a Freddie, que estaba vestida con poca ropa y tontería y media. Ya veo que en eso, el fan de QUEEN –y hablo del fanático irreflexivo y cegado- es el fan más obtuso, imbécil y estúpido que hay en el planeta. En vez de relajarse y disfrutar de la música de QUEEN, prefieren sólo criticar y criticar, pero con calificativos y sin argumentos. Se enfocan en el árbol y no en el bosque, que en este caso, es el hecho que Brian y Roger hayan estado juntos y tocando en vivo en un acontecimiento importante como lo fue la Clausura de las Olimpiadas en Londres 2012 y encima, haciéndolo muy bien. Pero eso les importó poco, solo se enfocaron en lo negativo porque alguien osó cantar una canción de su “Dios Freddie”. Veo demasiada y ridícula sacralización al respecto, y si Freddie viera todo esto, se reiría de ver cuán necios, estúpidos, intolerantes y radicales son aquellos que dicen ser sus fans. En fin, eso nunca va a cambiar y lo único que queda es disfrutar los momentos en que Brian y Roger estén juntos en un escenario, sea cual fuere el o la cantante que los acompañe. En unos años, eso ya solo será un recuerdo.

Finalizo este post enfatizando que lo mágico de aquella noche fue comprobar una vez más, la eterna vigencia de QUEEN y su música, y QUEEN estuvo presente a través de las imágenes de Freddie y luego con la performance de Brian y Roger al lado de Jessie J. Fue buena la elección de “We Will Rock You”, porque es un tema que enciende a la gente y la invita a ser parte de ella, aplaudiendo y cantando a voz en cuello –como yo lo hice en el 2008 en Chile. Aunque en mi opinión personal, hubiera sido extraordinario si también hubieran tocado “We Are The Champions” ya que era la ocasión propicia y perfecta. Cuando pasen los años y se recuerden estos Juegos Olímpicos de Londres 2012, algo que siempre permanecerá en el recuerdo será la gran ceremonia de Clausura y dentro de ella, la eterna y vigente presencia musical de QUEEN.

MUSIC TRILOGY: TALK TO ME

2026-08-10T06:00:00.000-05:00

Llegamos al día 10 de agosto, y es momento de presentarte el segmento musical “MUSIC TRILOGY”, y en esta ocasión, nuevamente he querido escoger y compartir contigo este segmento musical con tres canciones distintas que comparten el siguiente título: “TALK TO ME”. En primer lugar, tenemos la muy buena canción del cantante norteamericano Chris Isaak de 1986, escrito por Chris Isaak e incluido en el álbum “SILVERTONE”. En segundo lugar, tenemos a la recordada cantante norteamericana Stevie Nicks, con este tema proveniente del álbum “ROCK A LITTLE” de 1985, y que fue escrito por Chas Sandford, llegando al número 4 en USA, número 10 en Canadá y número 68 en UK. Y por último, tenemos este tema del cantante y compositor irlandés Chris de Burgh, del año 1992, escrita por Chris de Burgh, e incluido en el álbum “POWER OF TEN”.

Una vez más, hemos tenido otra variada trilogía musical, para que la puedas escuchar y disfrutar. Y como siempre, te invito a escribir un comentario en el post, indicándome cuál de las tres te gusta más y por mi parte, compartiré contigo cuál es la que más me gusta cuando conteste tu comentario. Espero que disfrutes de esta buena trilogía musical. Y nos volvemos a contactar el próximo jueves 20 de agosto, en donde tendremos otra trilogía de canciones, unidas bajo un mismo título, pero cada una con una riqueza musical diferente.

09 DE AGOSTO DE 1986: EL ULTIMO CONCIERTO DE QUEEN

2026-08-09T06:00:00.000-05:00

Un día como hoy, 9 de agosto de 1986, hace 40 años, fue la última vez que la banda británica QUEEN estuvo sobre un escenario, ofreciendo el que sería a la postre, su último concierto en el Knebworth Park y ante la presencia de 120,000 espectadores. Fue un magnífico y espectacular broche de oro para la muy exitosa gira europea denominada "THE MAGIC TOUR", en donde se dieron memorables conciertos, como los dos shows con “Sold Out” en el mítico estadio de Wembley, en Inglaterra -el 11 y 12 de Julio de 1986-, y el concierto histórico en la ciudad de Budapest, en Hungría -el 27 de Julio de 1986-, en plena época de la Cortina de Hierro. Hace catorce años publiqué aquí en el blog un post dedicado a este apoteósico concierto, y como ya vengo haciendo cada año, nuevamente procedo a actualizarlo para publicarlo con fecha de hoy y agregando también algunos links de Youtube que no habían hace trece años.

Tras el concierto realizado el 5 de agosto en el Estadio Municipal de la ciudad de Marbella, España, originalmente el objetivo buscado por QUEEN era cerrar esta apoteósica gira con un nuevo show en Wembley para una tercera noche. Pero desafortunadamente el renombrado estadio británico se encontraba ya reservado, y ante este impase, se vieron obligados a desechar dicha opción y decidieron que el concierto se llevaría a cabo en el Knebworth Park, en la ciudad de Stevenage, en Inglaterra, el día sábado 09 de Agosto de 1986. Las entradas se vendieron en apenas dos horas y la banda voló hacia el Knebworth Park, en Hertfordshire en un helicóptero especialmente pintado con los personajes de la carátula de su álbum "A KIND OF MAGIC". Sin duda alguna, este concierto atrajo la mayor cantidad de audiencia en esa gira al congregar 120,000 espectadores y asimismo originó uno de los más grandes congestionamientos de tráfico en la historia en Inglaterra, ya que todos querían arribar a tiempo al concierto. Como teloneros, se presentaron los grupos británicos Bleouis Some, Status Quo y Big Country.

Alrededor de las 8:50 pm, QUEEN subió a escena y ante la enorme expectativa del público asistente, brindando uno de sus mejores shows en toda su historia. A modo de información, el set list de aquella fecha estuvo conformado por las siguientes canciones: One Vision, Tie Your Mother Down, In the Lap Of The Gods revisited, Seven Seas Of Rhye, Tear It Up, A Kind Of Magic, Vocal improvisation, Under Pressure, Another One Bites The Dust, Who Wants To Live Forever, I Want To Break Free, Band Jam, Brighton Rock solo, Now I'm Here, Love Of My Life, Is this the World We Created?, (You're So Square) Baby, Hello Mary Lou, Tutti Frutti, Bohemian Rhapsody, Hammer To Fall, Crazy Little Thing Called Love, Radio Ga Ga, We Will Rock You, Friends Will Be Friends, We Are The Champions y God Save The Queen.

Muchos de los temas tocados en esta presentación se pueden escuchar en el album “LIVE MAGIC” -editado en Gran Bretaña en diciembre de 1986- y en un CD pirata llamado “ELECTRIC MAGIC”. Asimismo pueden verse escenas de este concierto tanto en los videos de "THE MAGIC YEARS, Volumen 3", "RARE LIVE" y "CHAMPIONS OF THE WORLD", y fotos de este show se encuentran en el libro "GREATEST PIX II". Se ha dicho bastante de este concierto, incluso se rumoreaba que en algún momento se lanzaría un DVD de este concierto, pero el mismo Brian May llegó a admitir que no se tiene una grabación completa en video de este show. Quizás en ese momento, en pleno año 1986, todos pensarían que solamente se trataba del cierre de un exitoso tour, y con la idea de que en los siguientes años, QUEEN seguiría emprendiendo otros tours para promocionar nuevos álbumes. Lo único que se conserva es una grabación pirata en video del concierto, pero filmando la pantalla y no el escenario, y de la cual hemos incluido tres temas en este post. Con el tiempo, este concierto en Knebworth Park ha sido oficialmente considerado como el último concierto de QUEEN en su historia, la última vez en que Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, juntos los cuatro en un escenario como QUEEN, dieron lo mejor de sí y ofreciendo lo mejor de su vasto repertorio musical. Y eso sucedió hace 40 años y no puede olvidarse.

Finalmente, luego de este show, QUEEN ya no volvería a ofrecer conciertos. Incluso ha habido tanta desinformación al respecto, que se comentaba ligeramente que QUEEN había tocado en shows luego de este concierto de 1986, lo cual es totalmente falso. Como un plus y a modo de ilustración, es bueno saber que en 1987, Freddie, Brian y Roger estuvieron abocados a sus proyectos solistas, y en diciembre del 88, lo más cercano a una performance de QUEEN, fue en una fiesta de Navidad organizada por el QUEEN Fan Club, y en donde Brian, Roger y John se juntaron para tocar algunos temas, pero no temas de QUEEN. Ya en 1989, cuando se lanzó el álbum “THE MIRACLE”, la expectativa fue grande al esperar una nueva gira mundial de QUEEN, pero el grupo anunció que por primera vez en su historia no harían ningún tour promocional para dicho álbum -en verdad, Brian, Roger y John sí querían salir de gira, pero Freddie se negó, alegando sentirse demasiado viejo para salir a escena en mallas a los 42 años y que ya lo había dado todo en la anterior gira y no quería repetirse, lo cual trajo desazón en los fans. Para 1990 QUEEN fue invitado a ser parte del Festival de Knebworth, concierto que agrupó a todos los ganadores del Silver Cleff Award, pero ellos alegaron estar grabando un nuevo álbum, que a la larga sería el apoteósico “INNUENDO”. Y cuando este álbum se lanzó en 1991, tampoco hicieron gira alguna de promoción, aunque la verdad era que Freddie estaba ya demasiado enfermo para subir a un escenario. Como ya sabemos la muerte de Freddie Mercury, privó para siempre a los fans de volver a QUEEN en concierto, y por ello, adquiere una gran trascendencia este último concierto del 9 de agosto de 1986. Posteriormente a ello, las dos únicas veces que Brian, Roger y John se juntaron en un escenario fueron en 1992 en el inolvidable tributo a Freddie, y en 1997 en Paris como una presentación no anunciada al final del estreno de la obra de ballet Queen Bejart, tocando con Elton John, el clásico "The Show Must Go On". De allí en adelante, John Deacon se retiraría de la actividad musical y Brian y Roger se encargarían de darle vigencia a la música de QUEEN, tanto con el musical teatral "WE WILL ROCK YOU" -estrenado en el año 2001- como con las alianzas que sostuvieron por un lado, con el legendario cantante Paul Rodgers, que los trajo de vuelta a las giras bajo el nombre de "QUEEN + Paul Rodgers", tanto en el 2005 en Europa y Japón, en 2006 en USA y en el 2008 en Europa y Sudamérica -que fue acompañado del lanzamiento de su nuevo álbum en estudio, “THE COSMOS ROCKS”-, y por otro lado, con el norteamericano Adam Lambert.

Finalmente, los fans esperamos que ojalá algún día pueda verse un documental actualizado sobre este concierto en el Knebworth Park de 1986, y con la cobertura que en verdad se merece. Y es muy poco lo que se tiene de archivo en imágenes, pero se puede hacer una edición interesante con lo poco que se tenga en imágenes y complementado con entrevistas a Brian, Roger y a todo aquel que estuvo presente en esa histórica ocasión. Pero si eso no ha ocurrido cuando se cumplieron 30 y ahora 40 años de estre concierto, ya es iluso esperar algo. Es por todo ello que esta fecha adquiere una enorme importancia para el fan de QUEEN y es bueno recordar que hace 40 años, la banda británica QUEEN realizaba apoteósicamente su última presentación en vivo, ante 120,000 personas y cerrando su vasta y memorable trayectoria de conciertos en todo su esplendor y por la puerta grande.

ABBEY ROAD: LA HISTORIA DE UNA FOTO INMORTAL

2026-08-08T06:00:00.000-05:00

Hoy miércoles 8 de Agosto se cumplen 57 años de una de las fotos más célebres en la historia de la música: la famosa foto que da vida a la carátula del álbum “ABBEY ROAD”, que marcó la despedida del grupo más importante de la música popular contemporánea: los Beatles. Una fotografía simple, cuya elaboración fue quizás algo improvisada y sin tanta planificación, que solamente reflejaba a John, Paul, George y Ringo cruzando un paso peatonal en el cruce de Grove End Road con la calle Abbey Road, frente a la puerta de los estudios de grabación donde los Beatles trabajaban. Y el momento es oportuno para actualizar el post que le dediqué hace tres años en el blog a la historia de esta fotografía que con el tiempo se convirtió en un ícono de la cultura pop contemporánea, y que desde entonces, se ha convertido en el post más visitado en la historia del blog, con 75,600 visitas hasta este preciso instante.

Como es de conocimiento, los Beatles se encontraban en la etapa final de la grabación del que sería su último álbum en estudio, “ABBEY ROAD”, cuyo título fue extraído de la calle de Abbey Road, en Londres, en donde estaban ubicados los estudios de grabación donde los Beatles habían grabado casi todas sus canciones. Siendo Abbey Road una calle con bastante tráfico, ello generó que el tiempo que tendrían para tomarse las fotos correspondientes iba a ser muy limitado. Y la idea era tomarse unas seis fotos, de las cuales tenía que salir la portada oficial del próximo álbum. Realmente no hubo una razón especial para elegir el escenario, solamente se quiso buscar lo más cómodo para el grupo: el paso de cebra que estaba situado justo enfrente de la puerta de los estudios de grabación. No tendrían que trasladarse a otro lado y terminadas las sesiones, estaban cerca del estudio.

En cuanto al vestuario, los cuatro Beatles aparecieron en la foto tal como iban vestidos aquel día, como solían usar por aquella época. Paul, que vivía muy cerca de los estudios de grabación, había llegado ese mismo día de la foto con sandalias al trabajo, y en algunas de las otras fotos tomadas ese día, se le puede ver caminando llevándolas consigo puestas. Pero pese a lo casual que fue aquella sesión de fotos, hubo algunos preparativos. Había un Volkswagen Escarabajo que aparecía en la foto y que solía estar aparcado en ese sitio con frecuencia, y era propiedad de alguien que vivía en los pisos de al lado del estudio. Antes de la sesión fotográfica, la policía trató de quitarlo de la acera, pero no pudo hallar a su dueño. La policía había cortado el tráfico previamente, y de hecho en la portada del disco se puede ver una camioneta policial estacionada en la acera derecha. No hubo, sin embargo, restricción para el tráfico peatonal, y la foto muestra algunas personas que estaban en la calle en ese preciso momento. La sesión de fotos duró sólo 10 minutos. Los cuatro Beatles salieron del estudio de Abbey Road a las 10:00 am en punto, el viernes 8 de agosto de 1969, con la ropa que llevaban puesta. El fotógrafo Ian McMillan se subió a una escalera en la mitad de la calle y les pidió que cruzaran normalmente y sin actuar. Cruzaron cuatro veces y se hicieron seis tomas. Y la elegida fue la quinta toma. Desde el punto de vista técnico, la foto no tiene ningún misterio, fue tomada del modo más simple, sin flash, sin trípode, sin filtros, sin teleobjetivos sofisticados. Apenas con un lente de 28 mm. McMillan hizo el encuadre sin perder el protagonismo de ellos cuatro y sin descuidar el entorno. John Lennon, Ringo Starr, Paul McCartney y George Harrison caminando de izquierda a derecha, sin mirar a la cámara: esa fue la única consigna. Tras la sesión fotográfica, los Beatles se reunieron para tomar algo en casa de Paul, que vivía entonces en Cavendish Avenue Nº 7, a poco más de 50 metros del lugar de la fotografía. De esta forma, nació una de las portadas más famosas de la historia de la música contemporánea.

Pero hay algunos detalles interesantes que resaltar. Sobre la derecha de la imagen se ve a un hombre de pie con saco marrón, pantalón negro, camisa blanca y lentes gruesos. Su nombre era Paul Cole -quien murió a los 96 años, en febrero de 2008- y estaba de vacaciones en Londres con su esposa. Ella quería entrar a un museo, pero él no y prefirió salir a caminar y tomar un poco de aire. Fue así como paseando por el barrio llegó casualmente hasta la puerta de Abbey Road, donde vio que un policía estaba cortando la calle y que cuatro jóvenes caminaban por el paso cebra, y que un tipo subido a una escalera les sacaba fotos. La camioneta que está al lado de Cole es una unidad policial. Cole observó la secuencia y no le dio importancia. Media hora después volvió al museo para encontrarse con su esposa. Al día siguiente volvieron a Deerfield Beach, donde vivían en ese momento. Un año más tarde Cole vio la tapa del disco en su propia casa, su esposa estaba aprendiendo a tocar una canción de George Harrison en el piano. No salía de su asombro y le contó la historia a ella y a sus hijos. Tras una razonable incredulidad, fueron en busca de una lupa y disiparon las dudas. Había salido en la carátula del “ABBEY ROAD”.

Pero también esta carátula dio lugar a que se esparcieran aquellos absurdos rumores que hablaban acerca de que Paul había muerto y que había sido suplantado por un doble. Y se estas suposiciones se basaban en el hecho que en el Volkswagen blanco se podía leer en su matrícula LMW 281F, e interpretaban esta placa de la siguiente manera: “LMW” significaba Linda McCartney Waits (Linda McCartney espera) y 28IF, se la interpretaba como 28 if, que en inglés era una referencia a que si Paul viviese tendría 28 años, ya que “if” significa “si” como condicional. Pero hay dos cosas: en primer lugar, cuando Paul se tomó esa foto tenía 27 años, no 28. Y en segundo lugar, si como se decía, Paul hubiera muerto en 1966, nunca hubiera conocido a Linda Mc Cartney, entonces ¿por qué tendría que esperar Linda a quien nunca conoció? Pero la verdad era otra, ya que ese auto pertenecía a un hombre que vivía en un piso exactamente al lado del estudio. También se llegó a afirmar que Paul había muerto, porque era el único que estaba descalzo, con un cigarro en la mano derecha siendo zurdo y con el paso cambiado. Pero, con respecto a lo de los zapatos, Paul comentó que aquel día hacía calor y que en un momento determinado se los quitó sin más. De hecho, en fotos desechadas de la misma sesión, aparece calzado con unas sandalias.

Esta foto realmente pasó a la posteridad, e incluso ha dado lugar a una serie de parodias, cada cual más graciosa y ocurrente que la otra. En lo personal, me encanta la de los Simpsons, que me parece muy ocurrente, la de Mafalda que la encuentro genial y divertidísima, con Manolito botando todo su encono por los Beatles, o la de Snoopy, Plaza Sésamo y hasta Condorito. Hasta el mismo Paul McCartney se tomó el asunto a la broma, y varios años después, en 1993, ironizó sobre esto en su buen disco en vivo, “PAUL IS LIVE”. En la portada del mismo, aparecía Paul cruzando la misma calle y paseando a su pastor inglés, y el escarabajo blanco, estacionado en el mismo lugar, curiosamente tenía por matrícula LMW 511F -su edad en ese año 1993.

Finalmente, es bueno señalar que en diciembre del 2010, el lugar recibió el grado Monumento Clasificado por su "importancia cultural e histórica", y los estudios Abbey Road también recibieron una categoría similar a inicios del año. Han transcurrido 57 años de ese momento, y lo que quizás en su momento fue considerado como algo simple y sin mayor trascendencia, con el correr de los años se ha convertido en un ícono de la cultura pop de todos los tiempos, y en una de las carátulas más influyentes y veneradas en la historia de la música. Hasta el día de hoy, no hay beatlemaniaco que estando por allí, no aproveche en tomarse una foto cruzando esa famosa pista. Y todo ello se originó en una calurosa mañana de agosto del 69 y quedó registrada para toda la vida.

MUSIC TRILOGY: DON'T STOP

2026-07-30T06:00:00.000-05:00

Llegamos al día 30 de julio, y es momento de presentar el segmento musical “MUSIC TRILOGY”, y en esta ocasión, nuevamente he querido elegir y compartir contigo este segmento musical con tres canciones distintas que comparten el siguiente título: “DON’T STOP”. En primer lugar, tenemos la muy buena canción del grupo angloamericano Fleetwood Mac de 1977, escrito por Christine McVie e incluido en el álbum “RUMOURS”, llegando al número 3 en USA, número 1 en Canadá, número 5 en Holanda, número 6 en Bélgica y número 32 en USA. En segundo lugar, tenemos a la banda británica The Rolling Stones, con este tema proveniente del álbum recopilatorio “FORTY LICKS”, y que fue escrito por Mick Jagger y Keith Richards, llegando al número 36 en UK. Y por último, tenemos este tema del grupo británico Oasis, del año 2020, escrita por Noel Gallagher, llegando al número 80 en UK.

Una vez más, hemos tenido otra variada trilogía musical, para que la puedas escuchar y disfrutar. Y como siempre, te invito a escribir un comentario en el post, indicándome cuál de las tres te gusta más y por mi parte, compartiré contigo cuál es la que más me gusta cuando conteste tu comentario. Espero que disfrutes de esta buena trilogía musical. Y nos volvemos a contactar el próximo lunes 10 de agosto, en donde tendremos otra trilogía de canciones, unidas bajo un mismo título, pero cada una con una riqueza musical diferente.

HAPPY BIRTHDAY ROGER TAYLOR!!

2026-07-26T06:00:00.000-05:00

Hoy 26 de Julio, está cumpliendo 77 años nada menos que ROGER TAYLOR, el legendario baterista de QUEEN. Y he querido actualizar el post que le dediqué a Roger hace algunos años y publicarlo con fecha de hoy. El miembro de QUEEN con mayor jale para el público femenino, hoy ya es un setentón. Cuando ví en TV por primera vez un video de QUEEN, a los únicos que presté atención fue a su cantante, Freddie Mercury y a su guitarrista Brian May. Honestamente ni me fijé en los otros dos miembros, el bajista John Deacon y el baterista Roger Taylor. Cuando llegó el año 1980, y comencé a ver un poco más seguido a QUEEN en el programa musical “Disco Club”, le presté más atención a la presencia de Roger dentro del grupo. De lo que había escuchado de QUEEN hasta ese entonces –aún no había escuchado sus tres primeros álbumes-, sus composiciones eran los que menos me gustaban y era el que le ponía la nota pesada y hasta dura en la música de QUEEN. Además en la década del 70, desde el primer album “QUEEN” hasta el “NEWS OF THE WORLD”, los que más aportaban con composiciones en la banda eran Freddie y Brian, mientras que John y Roger sólo aportaban un tema por album. Voy a ser sincero, en esos primeros años en que fui conociendo, poco a poco, la música de QUEEN, consideré a Roger como el de menor importancia dentro del cuarteto, el de menos peso musical. Tenía mis razones, equivocadas por cierto, que obedecían a esa etapa inicial de “conocimiento queenero”. Pero esta percepción comenzó a cambiar cuando escuché por primera vez el tema “Rock It” del album “THE GAME”, con el que se iniciaba el lado B del LP. Me sorprendió escuchar un muy buen tema y lleno de rock y con una voz apropiada para ese estilo y me causó una muy buena impresión.

Al año siguiente, en 1981, me enteré, primero en una revista “Bravo” de Alemania y luego en “Tele Guía”, la noticia que Roger iba a lanzar su primer album solista llamado “FUN IN SPACE”, y en donde tocaba todos los instrumentos y cantaba todas las voces. La nota de esa revista señalaba que con este álbum –el cual llegué a escuchar años después-, sólo quería demostrar que era más que un simple baterista. En 1982, con la canción “Calling All Girls” lanzada como single en USA, fue la primera vez que un tema de Roger figuraba como lado A, aunque no tuvo éxito. Hasta ese momento, él era el único de la banda que no había escrito un tema que llegara al número 1 en los charts. Freddie con “Bohemian Rhapsody”, Brian con “We Will Rock You” y John con “Another One Bites The Dust” lo habían logrado ya. Pero eso cambiaría en 1984 cuando escribió el tema que significó uno de los singles más exitosos en la carrera de QUEEN: “Radio Ga Ga”, con el cual adquirió protagonismo dentro de la banda a nivel autoral y que representa su contribución más exitosa en QUEEN, llegando al número 1 en los charts de varios países europeos. Con ese tema, Roger se equiparaba a sus compañeros de banda y QUEEN se convertía en uno de los pocos grupos, en donde todos sus integrantes habían escrito un número 1. La historia se repetiría dos años después, con el lanzamiento del single “A Kind Of Magic”, que volvió a triunfar en los charts europeos. Roger volvía a saborear el éxito. Posteriormente, seguiría contribuyendo con temas de su cosecha personal como “Breakthru”, “These Are The Days Of Our LIves” y “Heaven For Everyone”, con lo cual demostraría su calidad como compositor. En cuanto a sus composiciones dentro de QUEEN, mis favoritas siempre han sido “Tenement Funster”, “I’m In Love With My Car”, “Rock It”, “Radio Ga Ga”, "A Kind Of Magic" y “These Are The Days Of Our Lives”, y luego puedo mencionar los siguientes títulos que son parte de mis preferencias: “Modern Times Of Rock’n Roll”, “The Loser In The End”, “Drowse”, “Sheer Heart Attack”, “Ride The Wild Wind” y "Say It's Not True".

Nacido en King’s Lynn, Norfolk, su signo zodiacal es Leo y mide 1.79 m. A la edad de 9 años comenzó a tocar guitarra acústica y al cumplir los 12, se inclinó por la guitarra eléctrica y la batería. Cuando su familia se mudó a Cornwall, su padre le compró una batería y se dio cuenta que se sentía más a gusto en ella que en la guitarra y abandonó esta última. Usa una batería Ludwig grande y variada; usa tímpanos en muchas canciones y es famoso por el gong de metro y medio. Además de batería, toca percusión, sintetizadores, guitarra, bajo y teclados, y contribuyó en los coros de la QUEEN. Sus grupos preferidos son The Beatles y Led Zeppelin y su baterista favorito es John Bonham. Su película favorita era “Encuentros Cercanos del Tercer Tipo” y sus artistas favoritos son John Hurt y Maggie Smith. Su bebida favorita es el Vodka y un buen vino blanco y su comida favorita es la japonesa. Le encanta la velocidad y teme a las arañas.

A nivel personal, tuvo una relación con la francesa Dominique Beyrand, con quien tuvo dos hijos: Felix Luther (1980) y Rory Eleanor (1986). El 3 de enero de 1988, se casaron, pero 25 días después, Roger la dejó para irse a vivir con Debbie Leng –quien aparece en el video de “Breakthru”. Mucho se especuló sobre este hecho, pero la verdad es que la relación de Roger con Dominique ya había terminado hacía tiempo y Roger tenía una nueva relación con Debbie, y con el fin de que Dominique adquiriese la nacionalidad británica y pensando en sus dos hijos, acordaron casarse, y con la condición que luego se fuese a vivir con Debbie. Con Debbie tuvieron tres hijos: Rufus Tiger (1991), Tiger Lily (1994) y Lola Daisy May (2000). Hace varios años su relación con Debbie terminó y actualmente su esposa es la sudafricana Sarina Potgieter, con quien se casó en el 2010.

Como solista, ha sido el más prolífico de la banda. Fue el primero en lanzar un single solista en 1977 con “I Wanna Testify”, y un album solista en 1981 con “FUN IN SPACE”, aceptable para ser el primer álbum de un miembro de una banda exitosa. En 1984 lanzó “STRANGE FRONTIER”, de muy buena calidad, mostrando una madurez como compositor. Desde 1987 hasta 1993, formó su banda llamada THE CROSS, donde también figuraba Spike Edney -quien acompañara a QUEEN en los teclados de 1984 a 1986. En dicha banda, Roger era la voz principal y tocaba la guitarra rítmica. Editaron tres álbumes: “SHOVE IT” en 1988, que fue un fracaso y no gustó por sus coqueteos con los ritmos funkys; “MAD, BAD AND DANGEROUS TO KNOW” de 1990 que fue la antítesis del anterior álbum y volcado a un estilo rockero duro y con fuerza; y “BLUE ROCK” en 1991 que fue sólo editado en Alemania, y que mostró un aceptable nivel. En 1993 la banda se separó y en 1994 Roger lanzaría su obra maestra, “HAPPINESS?”, un excelente album de principio a fin. Su siguiente album fue en 1998 con “ELECTRIC FIRE”, un trabajo interesante y aceptable, pero sin llegar al nivel de su antecesor. En el 2013 lanzó "FUN ON EARTH", un trabajo bastante interesante, versátil y con una muy buena base melódica. En el 2020, lanzó una nueva canción, acorde con los tiempos actuales, "Isolation". Y en Octubre del 2021, lanzó su último álbum, "OUTSIDER", que fue inspirado por el confinamiento por la pandemia del Covid 19.

A nivel solista, mis temas favoritos de Roger son: “Interlude in Constantinopla”, “Let’s Get Crazy”, "Future Management", "Man On Fire", “Strange Frontier”, “Beautiful Dreams”, “It’s An Illusion”, "Nazis 1994", “Happiness”, “Touch The Sky”, "Freedom Train", “The Key”, “Old Friends” -que cuenta con la colaboración de Catherine Porter, corista de Brian, en los coros-, “Pressure On”, “Surrender”, “Heaven For Everyone” –con The Cross-, "Smile", "Sunny Day", y mi preferida, su colaboración con Yoshiki, “Foreign Sand”.

Hoy, con 77 años a cuestas, ROGER TAYLOR es un músico reconocido por su calidad como compositor, baterista y cantante, y admirado por sus fans en todo el mundo, Roger siempre tendrá lugar en el corazón de todos quienes lo admiramos por su talento y profesionalismo dentro del escenario. Y al igual que señalé la semana pasada en el post sobre Brian, en lo personal, me queda la satisfacción, felicidad y emoción de haberlo visto en vivo y a solo cinco filas de distancia. Desde este blog, te recordamos y deseamos que Dios te de muchísimos años más de vida.

¡¡FELICES 77 AÑOS, DEAR ROGER!!

RICK DAVIES: UN BRILLANTE MUSICO

2026-07-22T06:00:00.000-05:00

Hoy, 22 de Julio, se cumplen 82 años del nacimiento del gran músico y compositor británico RICK DAVIES, fundador junto con Roger Hodgson de la legendaria banda SUPERTRAMP, quien además fue el único miembro que estuvo presente en toda la historia del grupo. Y tras haber descubierto en este año la totalidad de la música de SUPERTRAMP, y sobre todo, la enorme calidad de Davies como compositor, la ocasión fue más que propicia para dedicarle un post aquí en el blog. Como sabemos, lamentablemente, el 6 de setiembre del 2025, Rick nos dejó para siempre a la edad de 81 años. Como suelo hacer con este tipo de posts, no pretendo hacer una biografía dedicada a Rick Davies. Ni hacer un recuento estadístico y detallado sobre la trayectoria musical de la banda, ya que eso lo estoy haciendo desde el mes pasado y hasta que termine este año. Deseo enfocar este post desde mi experiencia personal, dando mis opiniones sobre algunos momentos especiales y recogiendo alguna información interesante.

A modo de información, Richard Davies nació en Swindon, Wiltshire, Inglaterra, el 22 de julio de 1944, y fue hijo de Dick y Betty Davies. A los 8 años, tuvo su primer contacto con la música, cuando sus padres le regalaron una gramola de segunda mano con varios discos de su anterior dueño. Años después, un amigo de la familia le regaló una batería improvisada, y a los 12 años, se unió como tamborilero a la British Railways Staff Association Brass & Silver Jubilee Band. En una entrevista en el 2002, Davies recordaba: “Cuando era pequeño, solía escuchar la marcha de los tambores por la calle en Inglaterra, en mi ciudad natal, cuando había algún tipo de desfile, y era el sonido más fantástico para mí. Luego tuve alguna batería y tomé algunas clases. Pensé que si podía hacer eso -ser un batería de verdad, leer música y tocar con grandes bandas, bandas de rock, clásicas, latinas, y saber lo que estaba haciendo- tendría buena demanda y mi vida estaría solucionada. Con el tiempo empecé a juguetear con los teclados, y me pareció ir mucho mejor que con la batería, por alguna razón”. Y a la hora de tocar el piano, fue muy autodidacta, y de acuerdo a su madre Betty, “aprendió por sí mismo la mayoría de lo que sabe de música”. En 1959, se sintió atraído por el rock and roll y se unió a una banda llamada Vince and the Vigilantes. En 1962, mientras estudiaba en el Swindon College, formó su propia banda, Rick's Blues, donde tocaba un piano eléctrico Hohner, dejando de lado la batería. Cuando su padre enfermó, Davies disolvió el grupo y abandonó la escuela. En 1966, se convirtió en el organista del grupo The Lonely Ones, más tarde conocidos como The Joint, con quien grabó varias bandas sonoras de películas alemanas. Mientras The Joint estaba en Múnich, conoció a Stanley August Miesegaes, un millonario holandés que le ofreció financiar un nuevo proyecto musical. De esta forma, Davies decidió formar un nuevo grupo y volvió a Inglaterra para publicar un anuncio en el periódico musical Melody Maker, ofreciendo una verdadera oportunidad. Roger Hodgson acudió a la prueba y entabló una relación inmediata con Davies, con quien formó el grupo Daddy, rebautizado como SUPERTRAMP en enero de 1970.

Dentro de la banda, Davies compuso la mayor parte de su catálogo musical, con canciones caracterizadas en su mayoría por una mayor influencia de géneros como el R&B, el rock progresivo y el blues. A partir del segundo álbum “INDELIBLY STAMPED” de 1971, Davies compartió la voz y la composición en Supertramp con Roger Hodgson. En contraste con la voz tenor de Hodgson, Davies tiene una voz barítona áspera y cercana al rango del blues, y también es capaz de cantar en falsete. Sin embargo, a pesar de las diferentes influencias musicales y estilos para componer de Davies y Hodgson, el equilibrio entre esos dos distintos estilos fue lo que hizo grande a SUPERTRAMP, porque se complementaban maravillosamente bien, sin llegar a colisionarse entre ambos, o imponerse el uno sobre el otro. Y esto fue así hasta la decisión de Hodgson de retirarse del grupo en 1983. Luego de ello, Davies asumió el liderazgo de la banda, con cuatro álbumes más entre 1985 y el 2002, y de manera mucho más esporádica, orientando el sonido de la banda hacia el blues y el R & B. Y también ello fue acompañado de giras promocionales en la segunda mitad de los 80’s y también en los últimos años de la década del 90 y finalmente a inicios de la década del 2000. Pero cuando en el 2015, se anunció una nueva gira por Europa, Davies tuvo que cancelarla debido a que fue diagnosticado con un mieloma múltiple y tuvo que comenzar un tratamiento agresivo para lidiar contra el cáncer. Es bueno señalar también que Davies es propietario de la empresa Rick Davies Productions, dueña de los derechos de autor de las grabaciones de SUPERTRAMP.

En lo personal, la primera vez que ví a Rick Davies en SUPERTRAMP fue la elección de “La Más Más de 1979” de Radio Panamericana, cuando se vio el video de “The Logical Song”, tema que fue difundido en las emisoras de radios locales en ese año. Al año siguiente, Gerardo Manuel difundió bastante en “Disco Club”, los videos de “The Logical Song”, “Breakfast In America” y “Goodbye Stranger”, y en este último tema, se veía a Davies interpretando la canción. Poco a poco en los siguientes años, fui conociendo un poco más la música de SUPERTRAMP, pero sobre todo, aquellas canciones cantadas por Hodgson como “School” y “Dreamer”. Sería en 1983 cuando volví a ver el video de una tema cantado por Davies, y era la hermosa canción “My Kind Of Lady”, en donde todos los miembros salían afeitado y engominados, como si fueran los 50’s. Y años después, llegué recién a escuchar “Bloody Well Right”, que me pareció un tema buenísimo. Sin embargo, salvo “Bloody Well Right”, “Goodbye Stranger” y “My Kind Of Lady”, el resto de la música de banda que conocía eran las canciones interpretadas por Roger Hodgson. Pero desde que el año pasado descubrí y disfruté toda la discografía musical del grupo, pude llegar a algunas conclusiones: 1) Que la música de Supertramp no solamente eran las canciones escritas y cantadas por Hodgson –sí las más exitosas, es cierto-, sino también las muy buenas y creativas canciones compuestas y escritas por Rick Davies. Y estamos hablando en proporciones de 50/50. Y ese equilibrio musical se ve no sólo en los álbumes –sobre todo, los primeros siete álbumes con Hodgson-, sino también en sus conciertos. Y 2) Descubrir la enorme genialidad de Rick Davies como cantante y también como un gran compositor y un prolífico pianista y arreglista. Y eso lo ha seguido demostrando en los cuatro trabajos musicales de la banda posteriores a la salida de Hodgson. Estamos realmente frente a un músico completo y brillante.

En cuanto a mis canciones favoritas escritas y cantadas por Rick Davies en SUPERTRAMP, quisiera dividir en dos partes: 1) En los primeros siete álbumes con Roger Hodgson en el grupo; y 2) En los cuatro posteriores álbumes post-Hodgson y con Davies como líder de la banda y único compositor de las canciones. En esa primera etapa de la banda, me atrevo a decir que Rick escribió sus canciones más prolíficas. Por un lado, con temas con una estructura musical bien elaborada y con ritmos versátiles y arreglos musicales magníficos, y por otro lado, con baladas llenas de un sentimiento enorme y sublime. Y comparto en este post contigo mis temas favoritos, a través de tres trilogías musicales. Antes de entrar a la primera trilogía, vale la pena mencionar dos canciones de los dos primeros álbumes del grupo: "Shadow Song" del álbum debut, una hermosa canción con un sonido bien 60’s, y "Forever" del segundo álbum, un muy bello tema blues.

La primera trilogía arranca con tres extraordinarias canciones de la obra maestra de SUPERTRAMP, “CRIME OF THE CENTURY”: “Bloody Well Right”, “Asylum” y “Rudy”.

La segunda trilogía contiene en primer lugar un gran tema del álbum “CRISIS? WHAT CRISIS?”, “Another Man’s Woman” -en mi opinión, una especie de "pre-Goodbye Stranger". Luego viene una de mis tres favoritas, del álbum “EVEN IN THE QUIETEST MOMENTS”, la bellísima balada “Downstream”, con Davies al piano. Y del mismo álbum, cierra la trilogía, el gran tema “From Now On”, tema emblemático de Davies.

Y cierro esta primera etapa de la banda con esta tercera trilogía, la cual comienza con el que me atrevo a decir que es su tema más emblemático, del álbum “BREAKFAST IN AMERICA”, “Goodbye Stranger”. Luego del mismo álbum, viene la bellísima balada “Casual Conversations”. Y cierro esta trilogía con este muy hermoso tema del “… FAMOUS LAST WORDS”, con un estilo bien reminiscente de los 50’s, “My Kind Of Lady”.

Ahora en la segunda etapa post-Hodgson. También compartiré dos trilogías musicales más, comenzando con la primera con dos muy buenas canciones del buen álbum “BROTHER WHERE YOU BOUND”: “No Inbetween” y “Better Days”. Y cierra esta trilogía con mi canción favorita del álbum "FREE AS A BIRD", “It Doesn’t Matter”, que realmente parece un tema de Supertramp de los 70’s.

Y culmina esta segunda etapa con la segunda trilogía, que inicia con el hermoso tema "Free As A Bird", del álbum del mismo título. Luego viene mi canción favorita del “SOME THINGS NEVER CHANGED”, “And The Light”, una belleza de tema. Y cierra la trilogía un hermoso tema del "SLOW MOTION", "Over You".

Sinceramente espero que estas trilogías musicales enfocadas en los temas de Rick Davies en SUPERTRAMP sean de tu agrado y que descubras lo gran músico y compositor que fue y es. Y como un plus, o bonus track, cierro este post con tres temas más y de la etapa post-Hodgson: "Cannonball", del álbum "BROTHER WHER YOU BOUND", "When There's A Will" que cierra magistralmente el álbum "SOME THINGS NEVER CHANGED" y la que en mi opinión personal, es la obra maestra, musicalmente hablando, de Rick Davies, el tema "Brother Where You Bound", del álbum del mismo nombre, que dura 16 minutos, y que cuenta con la participación de Dave Gilmour en la guitarra.

Han pasado ya 24 años del último álbum en estudio de SUPERTRAMP en el 2002, y 15 años de su última gira en el 2011. En ese lapso hasta la actualidad, mucha agua pasó bajo el puente. En el 2015, Davies fue diagnosticado con un mieloma múltiple y tuvo que comenzar un tratamiento agresivo para lidiar contra el cáncer. Felizmente, en los siguientes años, estuvo bien de salud y en remisión total. Pero no hubo ningún acercamiento entre los miembros originales que quedaban en SUPERTRAMP –Helliwell y Seibenberg, ya que Doug Thompson se fue después de la gira del “FREE AS A BIRD”. Además, en el 2018, Davies volvió a los escenarios en tres conciertos con Ricky & The Rockets, junto a reconocidos músicos norteamericanos, y lo repitió en dos oportunidades en el 2019. Y en ese 2018, Davies señaló en una entrevista que era improbable que volverían a tocar juntos de nuevo como SUPERTRAMP. Finalmente dieron otro show el 10 de Junio del 2022 en New York. Hoy, con la muerte de Rick Davies, cualquier posibilidad de juntarse devino en algo imposible.

Este ha sido nuestra forma de homenajear a un extraordinario músico como Rick Davies, y desde aquí li recordamos y deseamos que lo disfrute en el reino espiritual.

¡¡RICK DAVIES, SIEMPRE EN EL RECUERDO!!