RUTAS

teatro y cine: ¿la gallina o el huevo?

noreply@blogger.com (RUTAS) — Fri, 10 Feb 2012 12:33:00 +0000

Llegó el turno de mi reflexión del mes…y en estas que estaba pensando y me vino a la cabeza un tema que me ronda desde hace tiempo (uno de esos “clásico” personales con los que atormento a los más cercanos)…y bueno, pues me he animado por fin a compartirlo con vosotros (uff!…., me acaba de venir a la mente un flash de la película Aterriza como puedas, ese peliculón, de lo que le pasaba a todos aquellos con los que el ex piloto de combate se decidía a compartir sus recuerdos…lo siento, de verdad)

De siempre, una siente debilidad por las versiones, los trasvases culturales, las inspiraciones multidisciplinares y los guiños entre las distintas artes. Quizá por esa razón me parezca haber notado como poco a poco, el cine le está robando la primacía al teatro como fuente absoluta y primigenia de inspiración. Me explico: siempre ha sido el teatro, medio culto y con solera donde los haya, el que ha servido de guía para el hermano menor y menos listo, el cine, con un lenguaje quizá para muchos más pobre, más inmediato y sobre todo sin ideas propias (sigo diciendo que para algunos) cediéndole sus argumentos. Tanto era así, que no contentos con dictar las historias en la sombra, hubo una temporada en el que además lo hacía de forma evidente potenciando el verso y otras de sus características propias, sin ocultarse y con gran éxito, por cierto, como ocurrió con El perro del Hortelano o Mucho ruido y pocas nueces, por poner ejemplos.

Sin embargo, de un tiempo a esta parte, sobre todo en los últimos años, el cine se ha colado en el teatro. Literalmente. La primera vez que reparé en ello fue con la adaptación de la película Familia, de Fernando León de Aranoa. Me resultó muy curioso, por la película que era, porque era muy reciente y porque me resultó una versión demasiado fiel al original y demasiado cinematográfica, y una es amante y defensora de las peculiaridades propias de cada universo y de sus aportaciones. Estamos hablando de mis años de instituto…algún año ya ha pasado, ejem!. Pero a este sorprendente atrevimiento les siguieron muchos otros: El pisito, El verdugo, Ser o no ser, La extraña pareja, Sarabanda/Secretos de un matrimonio, Dogville, Lilya forever, La caída de los dioses, Crimen perfecto, Atraco a las tres, Dias de vino y rosas La guerra de los Rose, 39 Escalones, El viaje a ninguna parte, Elling (uno de las últimos estrenos)….y seguro que muchas más que ahora mismo no recuerdo.

Por lo que he podido saber, esto no es sólo una tendencia que se aprecie en los escenarios españoles. Curiosos son los proyectos ya antiguos de llevar a las tablas Todo sobre mi madre en Londres y la adaptación de Reservoir dogs en tierras ecuatorianas. Bueno, y si ya hablamos del musical…necesitamos un capítulos a parte (aun dejando a un lado esa loca espiral de “¿qué fue antes?” con viaje de ida y vuelta de grandes clásicos como Hair, Chicago, Nine, Sonrisas y lágrimas, etc): Billy Elliot, Cabaret, Spyderman (por lo visto un fiasco en los teatros londinenses) y toooodas las películas de dibujos que os podáis imaginar…hasta Ghost será un musical !!!

¿A qué se debe esta nueva vuelta de tuerca del mestizaje cultural? A mí se me ocurren varias razones posibles y muchas de ellas van cogidas de la mano:

Quizá se deba a que paralelamente a un auge en la década de los del cine, donde se dieron buenas historias, se diversificaron los temas y las formas de hacer (en la década de los noventa) se dio un letargo del teatro encallado en el pasado pero de donde ahora está saliendo con fuerza gracias a las referencias al cine y a su actual momento de crisis (entre otras cosas porque por un poco más de lo que cuesta la entrada de una película se puede ver teatro de alta calidad).

También porque ante un aumento espectacular del numero de montajes los argumentos tradicionales escasean y es necesario dar cabida a nuevas historias y llegados a ese punto…se tira de donde haga falta

E incluso porque se trata de llevar a los teatros a un nuevo tipo de espectador más joven y cuyos intereses están alejados de los clásicos y para los que además, descubrir o revisionar ciertos títulos que les son conocidos es una excusa bien buena, fuera de purismos y de dependencias.

Sea lo que sea, lo que está claro es que el teatro, en nuestro país concretamente, está cual Ave Fénix respirando de nuevo, cuando muchos le daban por muerto, y merece la pena disfrutar de este momentoy si de paso nos sirve para descubrir alguna referencia cinéfila de calidad pues... mejor que mejor!.

Ben Gazzara

noreply@blogger.com (RUTAS) — Tue, 07 Feb 2012 11:38:00 +0000

El actor Ben Gazzara falleció en la noche del viernes 3 de febrero, a los 81 años, víctima de un cáncer de páncreas. Hijo de inmigrantes italianos, Biagio Anthony Gazzara nació en 1930 en Nueva York. Fue alumno del Actor's Studio y entre sus primeros papeles en Broadway destaca el de Brick en 'La gata sobre el tejado de zinc' a las órdenes de Elia Kazan.

Nominado tres veces al Premio Tony por su trabajo en el escenario, Gazzara hizo su debut en el cine como cadete de una agresiva academia militar en el drama de 1957 The Strange One, seguido por su papel estelar en la película de Otto Preminger de 1959 Anatomía de un asesinato.

Supo combinar sus trabajos comerciales con otros más alternativos y fue uno de los primeros en apostar por el cine independiente, especialmente de la mano de su amigo y director John Cassavetes, con personajes para el recuerdo en cintas como 'Maridos' (1970), 'El asesinato de un corredor de apuestas chino' (1976) y 'Noche de estreno' (1977). Aunque se sentía más cómodo en el teatro, su participación en el cine nos deja más de sesenta películas, entre las están: 'Capones' (1975), de Steve Carver; 'Lazos de sangre' (1979), de Terence Young; 'Saint Jack, el rey de Singapur' (1979), de Peter Bogdanovich; 'Ordinaria locura' (1981), de Marco Ferreri; 'La trama' (1997), de David Mamet; 'Buffalo '66' (1998), de Vicent Gallo; 'Happiness' (1998), de Todd Solondz; 'El gran Lebowski' (1998), de los hermanos Coen o 'Dogville' (2003), de Lars von Trier. Gazzara fue siempre honesto al confesar su continua lucha contra la depresión, aunque irónicamente uno de sus últimos papeles en cine fuera en la película Hapiness de Tom Solondz. Fue uno de los primeros actores de renombre que apostó por la televisión y es recordado por su trabajo en la miniserie 'QB VII'.

En el plano personal, se casó en tres ocasiones y tuvo dos hijas, una de ellas de su segundo matrimonio y la segunda adoptada tras casarse con su tercera esposa.

En 2004 sufrió un cáncer de boca pero eso no le impidió seguir trabajando ni viajar por el mundo, especialmente a Italia donde pasaba largas temporadas. En septiembre de 2005 llegó a San Sebastián para recibir el Premio Donostia, comentado que, al conocer la noticia del galardón, se acordó del "trabajo realizado con amigos como Cassavetes, Bogdanovich o Kazan. También de todos aquellos con los que empecé en esto de la interpretación. No podría haber recibido este premio si no hubiera sido por ellos que me formaron".

En la Red de Bibliotecas Municipales podéis encontrar:

Opening night, dirigida por John Cassavetes (Torrente Ballester)

Maridos, dirigida por John Cassavetes (Torrente Ballester)

Anatomía de un asesinato, dirigida por Otto Preminger (Torrente Ballester)
The killing of a chinese bookie, dirigida por John Cassavetes (Torrente Ballester)

Dogville, dirigida por Lars Von Trier (Torrente Ballester, Gabriel y Galán, Miraltormes, Vidal y Vistahermosa)

El gran Lebowski, dirigida por Joel Coen (Torrente Ballester, Gabriel y Galán, Vidal y Vistahermosa)

Happiness, dirigida por Todd Solondz (Torrente Ballester, Gabriel y Galán)

Buffalo '66, dirigida por Vincent Gallo (Torrente Ballester, Vidal , Vistahermosa)

Paris je t'aime (Torrente Ballester y Gabriel y Galán)

El viaje de los malditos, dirigida por Stuart Rosenberg (Gabriel y Galán, Miraltormes)

Despedida de soltero, dirigida por Gavin Wilding (sólo en Gabriel y Galán)

¿Quién mató a J.F. Kennedy? dirigida por Gordon Davidson, David Greene (sólo en Miraltotmes)

Sin comentarios

noreply@blogger.com (RUTAS) — Wed, 01 Feb 2012 16:19:00 +0000

En 1934 Enrique Santos Discépolo compuso el tango Cambalache (¿visionario?). A pesar del tiempo transcurrido, esa denuncia de la confusión y pérdida de valores bien podría haberse escrito ayer mismo, ya que han proliferado los "chorros", los estafadores, los maquiavelos, los aprovechaos…, en fin, los inmorales. No sé si esto tiene arreglo. ¿Qué ha sido de la ética, la honestidad, la responsabilidad, tener en cuenta al otro…? Disculpen… Me "enciendo"

Les dejo con aquél y éste Cambalache
(Música y letra de Enrique Santos Discépolo)

Que el mundo fue y será una porquería
(¡En el quinientos seis

y en el dos mil también!).

Que siempre ha habido chorros,

maquiavelos y estafaos,

contentos y amargaos,

valores y dublé...

Pero que el siglo veinte

es un despliegue

de maldá insolente,

ya no hay quien lo niegue.

Vivimos revolcaos

en un merengue

y en un mismo lodo

todos manoseaos...

¡Hoy resulta que es lo mismo

ser derecho que traidor!...

¡Ignorante, sabio o chorro,

generoso o estafador!

¡Todo es igual!

¡Nada es mejor!

¡Lo mismo un burro

que un gran profesor!

No hay aplazaos

ni escalafón,

los inmorales

nos han igualao.

Si uno vive en la impostura

y otro roba en su ambición,

¡da lo mismo que sea cura,

colchonero, rey de bastos,

caradura o polizón!...

¡Qué falta de respeto, qué atropello

a la razón!

¡Cualquiera es un señor!

¡Cualquiera es un ladrón!

Mezclao con Stavisky va Don Bosco

y "La Mignón",

Don Chicho y Napoleón,

Carnera y San Martín...

Igual que en la vidriera irrespetuosa

de los cambalaches

se ha mezclao la vida,

y herida por un sable sin remaches

ves llorar la Biblia

contra un calefón...

¡Siglo veinte, cambalache

problemático y febril!...

¡El que no llora no mama

y el que no afana es un gil!

¡Dale nomás!

¡Dale que va!

¡Que allá en el horno

nos vamo a encontrar!

¡No pienses más,

sentate a un lao,

que a nadie importa

si naciste honrao!

Es lo mismo el que labura

noche y día como un buey,

que el que vive de los otros,

que el que mata, que el que cura

o está fuera de la ley...

También lo dijo Gabriel Celaya: "La poesía es un arma cargada de futuro"

La mirada de Theo Angelopoulos: un último homenaje

noreply@blogger.com (RUTAS) — Thu, 26 Jan 2012 12:39:00 +0000

"Puede que resulte triste, pero mi ancestro Aristóteles decía que la melancolía es la fuente de la creación".

Estas palabras del propio Angelopoulos constituyen una perfecta declaración de intenciones y un resumen del espíritu creativo que homogeiniza su filmografía, obra que ha quedado interrumpida por el fallecimiento de este director griego, a los 77 años, el pasado martes, día 24 en Atenas en un accidente callejero, mientras buscaba localizaciones para su nueva película, “The ohter sea”. La melancolía, instalada en su pupila, fue una de las notas características de su cine de paisajes grises y brumosos, invernales, muy lejanos a las visiones de los mares azules y los pueblos blancos de la Grecia más pintoresca y turística. Pero, como él mismo manifestó en alguna ocasión: "Necesito sentir el invierno, el gris es para mí el color más poético, me permite salir de la cárcel de mi imaginación, todo lo que es gris me va bien. El gris me ayuda a imaginar"

Angelopoulos, Palma de Oro en Cannes en 1998 con La eternidad y un día, emparentado con la mejor tradición moderna europea, heredero de Antonioni, hermano de Tarkovski, cineasta del presente y la memoria histórica era uno de los más destacados representantes del cine pausado, de la acción lenta ante la cámara , intentando, en sus propias palabras, "hacer de la lentitud una especie de pausa musical entre dos escenas", como en algunos de los más bellos momentos de La mirada de Ulises (1995), su trabajo más conocido en España, que relata el viaje de un director de cine por los Balcanes sumidos en la guerra, en busca de las primeras imágenes del cine griego. Era, como han señalado algunos especialistas, “un cineasta del tiempo, un escultor de grandes bloques de espacio-tiempo, coreógrafo y orquestador de espectaculares tableaux vivants que funcionan como escenario simbólico para la Historia, lúcido y necesario pesimista en una época de optimismo institucional falaz y carroñero, cineasta del silencio (un silencio acompañado por la música Eleni Karaindrou) y la contemplación como vías de acceso a la verdad del hombre” Su estilo está hecho a base de esbozos y elipsis, la narración mezcla a veces el pasado y el presente, la anécdota y la amplitud épica, en un mismo y lento plano secuencia.

Su obra ha constituido una de las mejores reflexiones sobre la historia moderna de su país. Así, en "El viaje de los comediantes" (1975), una antiepopeya de cuatro horas hace un recorrido por los momentos más sombríos de la historia griega contemporánea, evocando la guerra civil, la ocupación, la dictadura y el facismo, o como en otra de sus obras más significativas, "Alejandro El Grande", premiada con el León de Oro en la Mostra de Venecia en 1980, donde hace una denuncia del totalitarismo que se inspira en la tragedia clásica, la liturgia bizantina y la vida rural de un pueblo de Macedonia. Después de haberse interrogado sobre todos los problemas sociales y la historia de Grecia, al tiempo que proponía un punto de vista estético y experimental sobre el cine, este apasionado de la historia acababa de empezar el rodaje de su nueva película, en la que iba a reflexionar a cerca de la crisis financiera y el fracaso de su país y de Europa.

En definitiva una gran pérdida para todos sus compatriotas y para los amantes del cine, como el propio Ministro de Cultura griego, Pavlos Gerulanos, manifestó ayer al expresar que "el cine de Theo Angelopoulos es un punto de referencia no solo para sus colegas de todo el mundo, sino para cualquier persona que busque en el arte un impulso para el pensamiento y el sentimiento".

Por su estilo tan personal y arriesgado y por la importancia de su obra, desde la Videoteca de la Biblioteca Torrente Ballester, queremos rendir un sincero homenaje a la obra de este autor, para lo que hemos preparado en la Videoteca un centro de interés sobre este autor, a fin de que le descubráis todos aquellos que hasta entonces no habíais compartido su mirada y que volváis a él y a sus historias profundas entre lo humano y lo mitológico para todos aquellos que deseéis redescubrirle y así, entre todos hacerle una cariñosa y sentida despedida.

Filmografía de Theo Angelopuolo en la Biblioteca Torrente Ballester:

• La eternidad y un día (1998)

• La mirada de Ulises (1995)

• Paisaje en la niebla (1988)

• El final de una eternidad (1998)

• Días del 36 (1972)

• El viaje de los comediantes (1975)

• Los cazadores (1977)

• Reconstrucción (1970)

El día que dejé el cine

noreply@blogger.com (RUTAS) — Mon, 16 Jan 2012 16:23:00 +0000

Entonces esperaba que los fuegos artificiales aparecieran por detrás de mi cabeza. Y más al fondo, a la derecha, ver la luna llena. Y todo acompañado por una música de violines.

Pero nada de ésto ocurrió y me sentí muy triste. Me sentí una víctima desconsolada y sin fuerza de voluntad para revertir la situación.

Y esta indolencia desconocida hasta entonces me hizo perder seguridad en mí mismo.

Y mi frágil imaginación, subida en ese viaje deslumbrante, perdió el equilibrio de repente y se dio de bruces con la triste realidad. Supe en ese momento por qué no era feliz. Sin querer admitirlo, esperaba cada vez que se me averiaba el coche que la primera persona en aparecer sería una mujer sensual. O que cada vez que se cerraba una puerta se abrían mil ventanas. O que siempre había una primera vez. Pero no.

Todo eso yo lo había visto en las películas y me convencí inconscientemente que en la vida real sucedería de igual forma. Sin embargo en ese momento comprendí el gran engaño. Descubrí que a las mentes débiles como la mía el cine nos había dado seguridad al mostrarnos el sistema de valores, el código de honor sobre el que debemos comportarnos para cumplir nuestros sueños. Nos enseñó qué es bueno o malo, quién el héroe y por qué, cuáles son las pautas morales adecuadas como nobleza o fidelidad, frente a las despreciables como vanidad o hipocresía.

El cine no debía haberse inventado. O debería prohibirse. Al menos para los que en la clasificación de Hipócrates de los cuatro tipos de temperamentos que definen al ser humano, nos inclinamos hacia el melancólico y soñador.

Porque ahora sé todo lo que me han arrebatado esas imágenes: sobre todo la capacidad de sorpresa.

Gracias a él, antes de ir a Nueva York, París o África ya sé lo que me voy a encontrar. Conozco de antemano sus colores, su escala, la vestimenta y costumbres de sus habitantes, su música, su geografía física y humana... Y el cine ha tenido la culpa de que pierda esa virginidad. Me pregunto lo que hubiera sentido al disfrutar en toda su plenitud de la belleza irrepetible de un atardecer a los que sin embargo siempre sobreponía los de "Dersu Uzala". O cuán extasiado hubiera quedado al ver las Pirámides egipcias o la inmensidad del océano de no haber tenido las referencias cinematográficas.

Todas estas revelaciones anticipadas, junto a esas falsas expectativas que nunca se cumplen cuando sales del cine y vuelves a la realidad, me han hecho más infeliz (¿tendrá la gente que ama el cine la menor idea de lo que es eso, la felicidad?), y me han demostrado que fui un inconsciente más que un valiente al embarcarme en ese viaje con retorno para mí desde el día que dejé el cine.

La canción del camino

noreply@blogger.com (RUTAS) — Tue, 10 Jan 2012 18:09:00 +0000

Pather Panchali (1955), Satyajit Ray

Ritornelo
(Del it. ritornello).
1.m.Mús. Trozo musical antes o despúes de un trozo cantado.
2.m. Repetición, estribillo

La canción del camino es un principio cualquiera de ambos elementos. Toma la vida y la presenta como camino por el que se transita cantando. La canción, el tarareo, la repetición melódica de sílabas, palabras y frases es refugio y calmante frente al esfuerzo y la fatiga resultantes de recorrer el camino. Idas y venidas, repeticiones de la misma dirección, cruces, vueltas, revueltas, giros, urdimbre y trama de la canción que emana del movimiento, del cambio.

La pobreza aquí es particular escenario, punto cercano a la naturaleza y sus ciclos de nacimiento y muerte. Instalados en ella, una familia de pueblo vive en contacto permanente con el entramado del camino y su latido musical.
No hay cubiertos que les separen de la comida; del agua, el leal y plateado recipiente que la sacraliza. Ropas sencillas les separan de las inclemencias. De la lluvia, sólo los años que, conservadores y taciturnos, buscan la costumbre del cobijo. De la muerte, el espacio que recorre el cuerpo erguido hasta que da con sus huesos en la tierra y allí se integra. De la vida, el más puro, fino y transparente velo humano.

En ella la infancia también muere en pelo gozo: una vida mutilada y perfecta. La vejez está llena de infancia y sorpresa: una vida insaciable y prolongada. La enfermedad es una renuncia obligada al canto y una sospecha de ausencia. El calor da paso a la lluvia que refresca las pieles y las tierras. La comunidad se desarrolla en plena necesidad. Los reproches vuelan de cuando en cuando y desaparecen con las esperanzas. Las oraciones toman el pulso al canto universal y florecen con parsimonia. Hay, en este cuento, lugar para el reposo y el viaje, el amor y la sombra que proyecta el progreso cuando cruza el horizonte.

Y los cambios omnipresentes que se extienden para recoger todo lo anterior y plegarse conteniéndolo, que son en sí mismos y a un tiempo, canción y camino.

La Casa Azul, La Polinesia y Yo

noreply@blogger.com (RUTAS) — Wed, 28 Dec 2011 11:04:00 +0000

A mí, a estas alturas, ya me dan igual las amenazas de los calendarios mayas y los augurios apocalípticos que se vaticinan para este 2012. El mundo por mí ya puede desintegrarse porque yo ya he escuchado el disco, el nuevo y gran disco de la Casa Azul: La Polinesia Meridional. La espera ha sido larga pero ha merecido la pena. Cuatro años, cuatro, hemos tenido que esperar para disfrutarlo pero cuando por fin lo hemos escuchado…Uffff!!!!!!

Por una parte La Polinesia… cuenta con lo de siempre (y que tanto nos gusta ... a la que escribe, por lo menos): esas canciones que presentan sonidos de otro tiempo, homenajes a la música disco, con especial atención a los años setenta, y que se adaptan al día de hoy y esos himnos escapistas que siempre están presentes en sus trabajos discográficos y que todos cantamos con liberación cuando ya hartos de todo decidimos dar un golpe en la mesa: de Shibuya a Esta noche solo cantan para mí o La Fiesta Universal y Los chicos hoy saltarán a la pista, ambas en este último trabajo.

Por otra parte lo nuevo: el camino que nos descubría en su Revolución sexual y en el que ya había alcanzado un alto nivel, con canciones más cerca de los arreglos electrónicos y llenas de complejidad armónica y de detalles y algunas que se alejan de lo habitual, como La niña más hermosa, que cierra el disco y que está más cercana en algunos aspectos al estilo de los antiguos Facto, Delafe y las Flores Azules.

Y por último, lo mejor: canciones cada vez más bailables, más positivas en sus melodías pero paradójicamente más demoledoras y depresivas en sus letras (a mí me impactó especialmente la primera escucha de Todas tus amigas y La vida tranquila), reflejando más miedos y aunque era difícil superarse en todos estos aspectos, incluso en la visión negativa de la vida….Guille Milkyway lo ha conseguido.

La Casa Azul comenzó siendo el desahogo contra el desamor, un compendio de canciones despotricando contra aquella cruel chica que le dejó (por la versión que extraemos de sus letras) y que le servía para gritar a los cuatro vientos a modo de revancha todo aquello que quizá no se atrevió a decir en su momento, argumentos cotidianos pero dolorosos con los que todos nos identificábamos (he ahí el éxito de su propuesta tan personal, porque es reconfortante encontrar a alguien que siente como tú, y sabe cómo expresarlo). Pero ahora el objetivo de sus críticas es él mismo. Guille ya es adulto y todo un sufridor del siglo XXI que está centrado en la angustia existencial que siente en todo momento: el miedo a envejecer, el terror a la rutina, la sensación de la fragilidad de los momentos de felicidad, todos esos temas que surgen cuando sobrevives al primer desamor y sigues viviendo. Bienvenido a la edad adulta. Miedos que se vislumbran a través de letras sencillas pero tan directas y sinceras que es imposible que no nos hayamos sentido reflejados en ellas en miles de ocasiones. Pero, sin embargo es toda una defensa, a pesar de todo y aunque pueda sorprender, del amor como única forma de mantener una actitud vitalista ante la realidad.

Os dejo algunos de los cortes de este nuevo disco que, a pesar de que encaje en vuestros gustos musicales o no, considero es un trabajo de alta calidad. A bailar!!!!

Fatoumata Diawara

noreply@blogger.com (RUTAS) — Tue, 20 Dec 2011 17:47:00 +0000

Creo que mi primer contacto consciente con la música de África y concretamente con la música de Malí fue a través del soberbio “Talking Timbuktu” de Ry Cooder y Ali Farka Toure. Tras él llegaron otras músicas y músicos: Toumani Diabaté (extraordinario su trabajo con Taj Mahal: "Kulanjan"), Salif Keita, Amadou y Mariam, Oumou Sangaré, Habib Koité, Rokia Traoré, Bassekou Kouyate… Ya dijo Salif Keita que la música es el petróleo de Malí.

Hace apenas dos semanas he descubierto a Fatoumata Diawara, polifacética joven: actriz, modelo, bailarina, cantante, multi-instrumentista…

Fatou, es el nombre con el que se conoce a Fatoumata Diawara. Nació en Costa de Marfil en 1982, de padres malís vinculados al mundo del arte y la danza de la mítica región de Wassoulou, del oeste de Malí. Con 12 años sus padres la envían a Bamako, capital de Malí, a casa de una tía actriz que la introduce en el mundo teatral y cinematográfico. El director de Taafe fangan (El poder de las mujeres) pensó que aquella niña bien podía ser uno de los personajes de su película. Y así debutó Fatoumata en el cine. "Durante el rodaje veía a las mujeres en pantalones, y bebiendo y fumando bajo la carpa, y a hombres que, en la película, cocinaban, se ocupaban de los niños. Fue una gran experiencia comprobar que era posible otra vida". Su familia adoptiva no quiso dejarla marchar con una compañía de teatro francesa, pero ella se fue. "Me fugué una noche a las diez. Saqué la basura y cogí un taxi al aeropuerto". Con la compañía teatral Royale de Luxe recorrió medio mundo. "Al llegar a Francia puse una cruz sobre mi familia. No podía contar con nadie. Y ese vacío es algo increíble. O creces o te hundes. Cuando estaba sola, me ponía a cantar”. Comenzó a cantar en el tiempo muerto entre representación y representación. "La voz ha sido mi primer compañero. Me separé de mis padres muy pronto y fue un cambio brutal porque descubrí la vida de golpe. Intentaba entender por qué mi padre me enviaba lejos y, en vez de llorar, convertí las lágrimas en canto. Escribía metáforas para entender las cosas. Cantaba para poder sentirme bien. Y recuperaba la sonrisa, como si cantar me aliviara". Cree que la voz es el único instrumento con el que no se puede mentir: "Me curo poco a poco con ella en lugar de ir a ver a un psicólogo. Y me asusta que mi gente no comprenda que estoy enferma, que me afectó mi infancia y que, para no ser una persona amargada que acaba volviéndose mala con los demás, me tienen que dejar cantar. Es lo único que pido".

Con la cantante de jazz Dee Dee Bridgewater salió por primera vez de gira. "Fue fantástico. Me di cuenta de que eso era lo que yo quería. Yo cantaba en locales de París, soul, rock, pop... Y tenía un público, pero aunque había compañías detrás de mí, les decía que no estaba preparada para grabar un disco". Allí la descubrió Cheikh Tidiane Seck, popular teclista y compositor malinés, con quien regresa a Bamako, donde participa en diversos proyectos musicales: en el disco “Seya” de la maravillosa Oumou Sangaré y en el álbum de la cantante de jazz afro-americana Dee Dee Bridgwater “Red Earth”. Su voz sedosa y contemporánea también está en los recientes discos de Cheikh Lô, AfroCubism, Herbie Hancock y Poli-Rythmo de Cotonou.

Ahora está dedicada completamente a la música. Animada por Rokia Traoré, aprendió a tocar la guitarra y se dedicó a componer. Debuta para el prestigioso sello británico World Circuit de la mano la mismísima Oumou Sangaré. Hasta once piezas ha grabado y en las que destaca su voz cristalina. Ha contado con la mano maestra del productor Nick Gold (Buena Vista Social Club, Ali Farka Touré, Oumou Sangare, Orquesta Baobab…) para certificar un primer y magnífico disco. Fatoumara canta en bambara, el idioma de sus padres, y habla de los grandes temas universales: el amor, la guerra, el dolor y el placer. Le dedica una de sus canciones a la cantante Oumou Sangaré a la que considera un ejemplo vital. En otra de las canciones dice que sueña con que un día una mujer presida su país. Su voz destaca entre el inmenso coro de las voces africanas y Fatou se mueve entre la sensibilidad y la urgencia.

"Hice bien en esperar porque Nick Gold, productor de Fatou y productor ejecutivo de Buena Vista Social Club, podía pensar: 'es joven, su primer disco, le pongo a alguien que le diga lo que tiene que hacer', pero él sabe que sé lo que quiero. Así no se ha perdido la inocencia del disco, que es muy minimalista. Guitarra, bajo, batería... No pretendo convencer a la gente, demostrar nada a nadie, sólo busco comunicarme, compartir. Con amor, ternura... Es Fatou en toda su sencillez".

Jane Eyre

noreply@blogger.com (RUTAS) — Tue, 13 Dec 2011 18:25:00 +0000

Las Hermanas Brontë, Charlotte (1816 -1855), Emily (1818 -1848) y Anne (1820 -1849) fueron tres novelistas inglesas cuyas obras transcendieron la época victoriana para convertirse en clásicas.

Su producción literaria presenta considerables diferencias con respecto a las principales líneas directrices de la literatura victoriana, cuyas corrientes narrativas básicas eran la crítica de costumbres y el idealismo satírico. Por el contrario, las Brontë forjan en sus obras -cada hermana con matices diferentes- un mundo propio que hunde sus raíces en la tradición.

Les tocó vivir en la sociedad inglesa del siglo XIX, donde las ocupaciones de las mujeres estaban más bien delimitadas. Este fue el principal problema de estas jóvenes inquietas. Apasionadas de la literatura, vivieron en una época que no las comprendía. La mujer no tenía cabida en el mundo intelectual.

La primera obra que se publicó de las Brontë, fue Jane Eyre (1847), de Charlotte, que tuvo un éxito inmediato y provocó un considerable escándalo por la forma directa -"vulgar" para la época- de abordar las pasiones de su protagonista. Aparecieron más adelante en ese mismo año: Agnes Grey, de Anne, una árida revelación basada en los comentarios autobiográficos del bajo nivel material y moral de una institutriz victoriana y Cumbres borrascosas, de Emily. Durante mucho tiempo la crítica descalificó Cumbres borrascosas. La intensidad de su sentimiento y la brutalidad de los personajes, las energías primitivas de amor y odio que impregnan la novela fueron juzgadas como salvajes y burdas por los críticos del siglo XIX.

La especulación sobre la identidad de las autoras se mantuvo hasta que visitaron Londres y se dieron a conocer a sus editores.

Toda esta introducción sobre las hermanas Brontë, me sirve para situar la última adaptación cinematográfica de la novela de Charlotte: Jane Eyre.

Dirigida por el joven realizador norteamericano, de origen sueco-japonés, Cary Joji Fukunaga, quién ya nos sorprendió con su primer largometraje: “Sin nombre” y con la joven actriz Mia Wasikowska (“En terapia” y la “Alicia” de Tim Burton) en el papel de Jane Eyre y el actor alemán-irlandés, Michael Fassbender (“Malditos bastardos”),esta nueva adaptación a la gran pantalla de la novela de la Brontë, supone un paso más en las numerosas interpretaciones que, de la relación tormentosa, apasionada y misteriosa de la joven Jane con el enigmático Mr. Rochester, han querido mostrarnos diferentes realizadores a lo largo de la historia del cine. Fukunaga aportar una visión renovada de la historia y, aunque respeta escrupulosamente el espíritu original de la novela, transmite una visión particular en la que recoge intensamente los sentimientos entre estos dos seres desgraciados y atormentados por su pasado.

Ninguna de las versiones que he visto antes, exceptuando la adaptación de Robert Stevenson (1944), con el título. “Alma rebelde” con Joan Fontaine y Orson Welles, me ha conmovido tanto y tan profundamente como esta versión, estrenada en la primavera de 2011, de este joven director que, a pesar de su juventud, ha sabido captar a la perfección la esencia del lugar, de los personajes y del drama que se cierne sobre ellos. También el amor entre la pareja protagonista, contenido y apasionado, conservador y desafiante.

El resto de los actores dan forma con exquisitez a todos los demás personajes.

La Dame, Judi Dench, actriz británica ganadora de premios Óscar, Globo de Oro, Tony y BAFTA, en el papel de Mrs. Fairfax, la fiel ama de llaves de Mr. Rochester.

Jamie Bell, el inolvidable actor de "Billy Elliot", es el bondadoso pastor protestante que representa la cara amable y formal de la relación amorosa.

Sally Hawkins (“Happy-Go-Lucky” y “An Education”) interpreta a la tía egoista y cruel de Jane.

Una película que consigue emocionarnos, conmovernos y que, a pesar del tiempo que ha transcurrido desde que se escribió la novela, y de las numerosas veces que ha sido llevada al cine, sigue conectando perfectamente con el mundo de los sentimientos más básicos y necesarios del ser humano.

Os dejo aquí una relación de las distintas adaptaciones cinematográficas y un tráiler de la película de Fukunaga.

-1918 de Edward José con Alice Brady como Jane y Elliott Dexter como Edward.

-1921 de Hugo Ballin. Versión muda protagonizada por la esposa del director, Mabel Ballin.

-1934 de Christy Cabanne. Primera adaptación oficial como tal, con Virginia Bruce y Colin Clive.

-1944 de Robert Stevenson. La versión clásica más recordada, en la que trabajan Joan Fontaine y el propio Orson Welles.

-1970 de Delbert Man. Ésta es, sin duda alguna, la adaptación más vista y conocida, con George C. Scott como Rochester y Susannah York como Jane.

-1973 miniserie de la BBC protagonizada por Michael Jayston y Sorcha Cusack.

-1983 miniserie de la BBC con Timothy Dalton como Rochester y Zelah Clarke como Jane.

-1996 de Franco Zeffirelli, en la que trabajan Anna Paquin, Charlotte Gainsbourg y William Hurt.

-1997 de Robert Young, y que cuenta con Samantha Morton y con Ciaran Hinds.

-2006 miniserie de la BBC dirigida por Susanna White y protagonizada por Toby Stephens y Ruth Wilson.

-2011 de Cary Fukunaga con Mia Wasikowska como Jane y Michael Fassbender como Rochester.

(Traído a) Cuento

noreply@blogger.com (RUTAS) — Mon, 05 Dec 2011 10:06:00 +0000

Érase una vez un país muy muy lejano en el que ocurrió hace mucho tiempo algo increíble que os vamos a contar.

Sus habitantes vivían felices gobernados por un Sultán comprensivo y generoso. El entendimiento mutuo venía porque, tanto el Sultán como los ciudadanos, creían que la cultura era el mejor camino para alcanzar la felicidad, y el enriquecimiento espiritual era el objetivo de todas las leyes.

El pueblo, con lo que más disfrutada era cuando, todos los días, tras la jornada laboral, podían ver una película gratis. Porque además de disfrutar de buenas historias, los ciudadanos se deleitaban aprendiendo al mismo tiempo fotografía, música, historia y otras muchas artes englobadas en este arte mayor.

Murió el Sultán sin tener herederos y dejando establecida la convocatoria de elecciones para designar a un sucesor. A ellas se presentaron muchos partidos con el objetivo de proseguir con el legado del Sultán. A modo de muestra nombraremos sólo algunos: el PP: Partidarios de Pedro (Almodóvar); PSOE: Para que Sokurov sea Objetivo y Emblema; PNV: Paul Newman y Visconti; FMI: Fellini Mueve nuestras Inquietudes; BCE: Berlanga, Capra y Eastwood (Clint), etc. Y Junto a todos ellos, se presentó además otro partido llamado Disney: Damos Ilusiones, Sólo Necesitamos Eliminar a (Zhang) Yimou

Al contrario que los demás, las ambiciones de éste eran las de conseguir poder y dinero, y, reafirmado en sus convicciones por un avinagrado primo que se llamaba Riesgo, emprendió un maquiavélico plan: su promesa electoral consistió en que, a cambio sólo de trabajar una hora más cada día, proyectaría al pueblo dos películas en vez de una. Gracias a su gran oratoria ganó las elecciones y tuvo que cumplir lo prometido. Su estrategia era hacer las pelis por la mitad de dinero. Al tener que hacer el doble, ordenó que las rodaran muy rápido sin tener en cuenta los aspectos artísticos que tanto interesaban al pueblo. Además, las historias tenían siempre el mismo desarrollo con idéntico final, con lo que los ciudadanos enseguida se cansaron de la repetición de los argumentos

El primo de Riesgo y nuevo Sultán, Disney, se volvió avaro y huraño y con lo recaudado por esa hora de más trabajada fue acumulando más poder, oprimiendo y aniquilando, poco a poco, al resto de las otras opciones electorales De este modo eliminaba rivales para:

1. mantenerse en el poder eternamente y

2. devolver al pueblo a una incultura que le cegara para darse cuenta de lo infelices que eran.

Cuando el pueblo se dio cuenta de esta estratagema, ya no sabía cómo deshacerse del Sultán para regresar a la anterior etapa que recordaban con dicha. Sabían que si dejaban de pagarle actuaría contra ellos sin impunidad alguna. Para no desanimarse, unos a otros se repetían la frase que tomaron de la canción de Silvio Rodríguez “Si saber no es un derecho, seguro será un izquierdo”.

Y así pasaron los años, el Sultán tuvo un niño que para él era lo más sagrado y a continuación sucedió un hecho importante en nuestro relato. Pensando que en sus fronteras lo tenía todo controlado y ávido como seguía de acumular riquezas, decidió marchar a conquistar otros países, pero antes mandó contratar un mentor que instruyera a su hijo en su ausencia. Fue en esta situación en la que el pueblo, tomando como punto de partida la película que habían visto antaño de “Julio César” en la que aprovechan que está en la Galia para desde Roma planear una sublevación, trazó un plan que les devolvería esa ilustración que tanto anhelaban.

El plan era el siguiente: consiguieron que Disney encargará la tutoría de su hijo a un hombre muy conocido por todos por sus charlotadas cómicas, de donde le venía el apodo de Charlot. Cada anciano le contaba a Charlie (este era su verdadero nombre) la película que mejor recordaba de las que había visto en el pasado con todos sus detalles y enseñanzas, y Charlot, a su vez, se las contaba al atardecer al pequeño. Así, maravillosas historias como “Juan Nadie”, “Dersu Uzala”, “Ocho y medio”, “Casablanca” y muchas otras fueron forjando el imaginario del infante. Al niño, aburrido de ver siempre en las pelis de su padre los mismos argumentos y diálogos, con el único cambio en escenarios y protagonistas, le encantaban estas historias y las visualizaba en su mente con una expresión de absoluta felicidad e inmensa gratitud hacia el narrador.

Tras muchos años de conquistas, el Sultán regresó a su patria. Como sus expediciones habían sido provechosas y se acercaba la mayoría de edad de su amado hijo, le dijo que le pidiera cualquier regalo y él lo haría realidad. Su hijo le habló entonces de esas historias que había aprendido y le rogó que mandara rodarlas para verlas en lugar de las de Disney. El Sultán, aunque triste porque sabía que había perdido una parte del amor de su hijo, y que concederle su deseo supondría perder el dinero sustraído al pueblo y volver a darles una cultura que les proporcionaría las ideas para acabar con él, no pudo negarse a la petición.

Y de esta forma la cultura volvió a la calle, y los ciudadanos tomaron como bandera un lema que aún hoy perdura: ¡Quizá empobrecidos, pero no incultos!

Quizá otra película cuente cómo terminaron con la tiranía de Disney y, bajo la tutela del joven príncipe y su amor al cine, volvieron a ser un país en el que aquellos partidos primigenios ahora sí trabajaban por la felicidad de todo el mundo.

Y colorín colorado…

Las alas de la vida

noreply@blogger.com (RUTAS) — Mon, 28 Nov 2011 18:29:00 +0000

Carlos Cristos, médico de familia. Con 47 años le diagnostican una enfermedad neurodegenerativa poco habitual y letal a corto plazo. Sin tratamiento conocido, desde los primeros momentos es consciente de la situación en la que se encuentra y decidido a documentar esta última experiencia, sin duda la más importante de su vida, contacta con el director Antoni P. Canet, en el que deposita el encargo de acompañarle a través de su experiencia y grabar ésta con el fin de que perdure como testimonio. Es el propio Cristos el que dice: “A todos nos quitarán todo, no nos llevaremos nada, dejaremos hecho para los demás, nuestra única forma de trascendencia.”

Algunos antecedentes de Carlos: médico de familia, científico, agnóstico -pronto deja de acudir a la iglesia en el seno de una familia creyente-, volcado en la ayuda a los demás y con una curiosidad innata por todo cuanto le rodea. Se nos presenta un hombre plenamente responsable ante la realidad que debe afrontar, dueño de su muerte y de las postrimerías de la existencia. Afronta la muerte con curiosidad, humorismo, lucidez y circunspección, dando ejemplar valor al único escenario en el que actuamos: la vida.

Carlos no era la clase de persona que, confrontada brutalmente con la muerte, cambia radicalmente su visión de las cosas. La muerte se le presenta como un proceso natural tantas veces visto en otros, aunque no por ello aliviado de incertidumbre; un fenómeno que, en perspectiva, inyecta de vitalismo cada segundo de existencia que se vive bajo su sombra. Bajo la sombra de ese árbol inabarcable, temido y desconocido parece como si la vida se inflamase.

El documental nos introduce en la intimidad de Cristos con una naturalidad pasmosa, al tiempo que no tardamos en conectar con su historia. En ella no se esconden los momentos de flaqueza, absolutamente normales y parte indivisible del proceso de morir. Vemos como el equipo se instala en su rutina: colocación del instrumental cinematográfico, consejos de actuación frente a la cámara, elección de música para el resultado final, etc., elementos todos que contribuyen a crear una atmósfera de cercanía y espontaneidad. Con la crudeza propia de la historia, sin sentimentalismo ni dramatismo al efecto, somos testigos de todo un proceso que en nuestros días está oculto por completo, al que muchos médicos -denuncia que se deja caer- ven como un fracaso ante el que no admiten los límites de su acción y que produce en ocasiones un ensañamiento terapéutico intolerable y obstinado.

Asistimos al implacable deterioro de su cuerpo; le acompañamos en su visita a diferentes personas que encarnan maneras distintas de encarar la vida y la muerte: científicos, médicos, religiosos; escuchamos a su entorno más cercano: familia, terapeutas, cuidadores, amigos; conocemos un poco cómo ha vivido y cómo quiere morir Carlos Cristos: quiere morir sin dolor y sin prolongar lo inevitable innecesariamente, sin sacerdotes cerca ni ritos sobre una materia que ya no es él, pero con la esperanza de encontrar la eternidad en el último instante.

Quiso morir con dignidad y contagiar humanidad a aquellos que se asomen a su trance.

Título: Las alas de la vida
Año: 2006
Web
Entrevista

Soy lo peor

noreply@blogger.com (RUTAS) — Wed, 23 Nov 2011 09:36:00 +0000

La primera vez que la escuché fue gracias a un amiga : ella la conocía en persona por haber estado trabajando de camarera en un bar de Madrid, y escucharla todas las noches cantar, mientras servía las copas al personal. Aunque no eran amigas (más bien todo lo contrario) me dijo que le gustaba mucho su voz y que el bar se llenaba siempre que ella cantaba. (Aunque viendo su sensual imagen no es de extrañar).
Ha recorrido, y lo sigue haciendo, muchas salas de Madrid con la guitarra. Tiene además de una larga trayectoria musical cantando en directo en salas de Buenos Aires y México, países en los que vivió un par de años. Ya tiene dos discos en el mercado, el primero titulado "Ya no soy moderna" y el segundo, que ha salido a la luz hace poco y que ya se ha oído por alguna emisora : “Lo que dicen en las pelis”...

Lo primero que llama la atención de Silvina es lo exuberante de su figura : labios carnosos con un jugoso carmín rojo (gloss que dicen ahora los de Loreal), flequillo marcado, una larga melena oscura, faldas, pañuelos, gafas y diademas todo muy pin-up.

Después de la radiografía que todas las chicas hacemos al encontrarnos una mujer de estas características, tuve que reconocer que tiene una voz diferente, que en ocasiones parece forzada pero que me parece especial, una peculiar y expresiva manera de interpretarlas y unas letras pegadizas que sobre todo hablan de desamor y que en muchas ocasiones no concuerdan con la frívola imagen que proyecta. Por eso me parece divertida : es como una caja de bombones con lazo pero con un lado friki y excéntrico.

Su primer disco tiene temas muy pegadizos, con letras divertidas y también sensualidad y desparpajo. Corona de flores, Ya no soy moderna o Llorará la luna son algunos de sus temas más escuchados y vistos en Youtube . Hace poquito que ha publicado su segundo disco, con el tema Soy lo peor como abanderado y presentación.

Espero que el video os haga sonreir porque es la pura imágen de la pereza que invade el desamor.... ;)

El juego de las parejas: La rosa púrpura del Cairo y Medianoche en París

noreply@blogger.com (RUTAS) — Thu, 17 Nov 2011 13:19:00 +0000

De los juguetes que tenía de pequeña, el que más recuerdo era un sencillo juego de fichas cuadradas de madera, lisas en una cara y con un elemento en la otra: un coche, una casa, una trompeta, una manzana….algo básico. La gracia del juego residía en que todo estaba repetido por parejas y cuando las ponías boca abajo conseguías un tapiz homogéneo que ocultaba las imágenes. Era a base de dar la vuelta a dos fichas a la vez y observar bien los resultados cuando ibas eliminando los pares de cada cosa. Pues bien, últimamente tengo la impresión de que podríamos hacer ese juego de encontrar parejas dentro de la extensa lista de películas de Woody Allen, unificadas en la superficie por los temas del amor y la vida en la ciudad, entre otros. Quizá es sólo una impresión e incluso a lo mejor es un punto de partida erróneo, pero a mí me va a servir para el post de hoy y seguro que a algunos de vosotros os servirá de excusa para disfrutar de nuevo de su filmografía.

Algunos habían ya señalado al hablar de Macht Point su similitud con Delitos y Faltas por escoger en ambas los dilemas morales como motor de la trama. Ya tenemos una. En mi opinión, Allen, cual Alicia, juega a través de los espejos en La rosa púrpura del Cairo al igual que en Medianoche en París. La segunda pareja. En las dos, propone un juego constante entre realidad y ficción, en un caso, y presente y pasado, en otro. Una oda al escapismo para abandonar la crudeza de la vida, en el caso de Cecillia, o por la falta de claridad en el rumbo que queremos que tome ésta, en el caso de Gil. En definitiva, el conflicto entre lo que es y lo que queremos que sea y la ficción que viene a rescatarnos en ambos casos. Hay que reconocer que estos planteamientos, pueriles en ocasiones y completamente rocambolescos en otras, si a alguien le pueden funcionar es a Woody, como sucede en el caso de estos dos títulos, creando pequeñas piezas de juguetería antigua con sencillez ingenua y delicadeza a partes iguales, porque, una vez quebrantadas las reglas, las posibilidades son infinitas si sabes cómo jugar con ellas.

Personalmente, pese al refinamiento y la belleza estética de la última, yo me quedo con la reflexión casi filosófica entre realidad y ficción, entre persona y personaje, entre la perfección de lo imaginado y la imperfección de la irrealidad (“Acabo de conocer a un hombre maravilloso; es de ficción, pero no se puede tener todo” dice Mia Farrow en un momento de la película), la agudeza de los diálogos, el poso melancólico de la primera y los guiños a la época dorada del cine. Desde el momento en el que el personaje, Tom Baxter abandona la pantalla, comienza a mi entender lo mejor de la película: las escenas en el cine, ver cómo los personajes no saben qué hacer acostumbrados a un guión, los diálogos, las reflexiones, la interacción con el público, presentándonos en estos fragmentos a un Woody Allen para mí de una calidad muy alta. Para la “relectura” parisina, Allen, quizá por el tono más amable que va adquiriendo su cine con los años, opta por el final feliz que no se permitió para La Rosa…dejándonos una escena final maravillosa pero dolorosamente realista, con los ojos brillantes de Cecilia de nuevo en la oscuridad de un cine, emocionados no sabemos muy bien si por descubrir una nueva fantasía (mecida en los brazos esta vez de Fred Astaire) o por la emoción que le produce el que un sueño que ha tocado con la punta de sus dedos de nuevo se haya desvanecido. Cecilia está en realidad enamora del cine, no sólo de un actor o un personaje, (“I´m in heaven” suena de fondo en las primeras escenas como reflejo de lo que siente cada vez que entra en la sala a oscuras), del mismo modo que Gil se enamora de París (en todas sus “dimensiones”).

Quizá vosotros hayáis empezado a jugar a esto antes que yo, así que os propongo que pongamos en común nuestros resultados…si no es así, ya sabéis, probad suerte, levantad dos fichas y observad los resultados. Buen cine a todos.

Las simples cosas

noreply@blogger.com (RUTAS) — Wed, 09 Nov 2011 11:39:00 +0000

Una vez más me detengo a escribir y vuelven las mismas preguntas de siempre. Una me recrimina no haber elaborado esta 'entrada' con más tiempo (¿alguna vez seré previsora y no trabajaré “bajo la presión” de los límites del tiempo? ¡Con qué facilidad se esfuman algunas buenas intenciones!); la otra me cuestiona el tema (¿le interesará a alguien lo que aquí escriba? Es más, ¿nos lee alguien? ¿Hay alguien ahí? ¿El que calla otorga?). Y una vez más me encuentro sin respuesta satisfactoria (¿la necesito?). Y es que hoy mi cabeza alberga una jaula de grillos, sin que ninguno mantega la quietud necesaria que me permita atraparlo. Y, sin embargo, es tan simple: “No preguntes… no cuestiones… no te metas en follones...”, ¡déjate ir! Dejar... ¡qué palabra tan bonita!
Y dicho y hecho. Al instante viene en mi ayuda Italo Calvino y el comienzo de “Si una noche de invierno un viajero”, una de sus deliciosas novelas, a la que me gusta volver de cuando en cuando. Y así, con paso lento me encamino a la estantería y la recupero, porque quiero asegurar que no me falle la memoria. Y ahora, de forma simple, y más por mí que por ustedes, voy a transcribir y seguir tan sabias instrucciones (no todas, evidente, el lugar no lo permite).
“Estás a punto de comenzar a leer…Relájate. Concéntrate. Aleja de ti cualquier otra idea. Deja que el mundo que te rodea se esfume en lo indistinto. La puerta es mejor cerrarla; al otro lado siempre está la televisión encendida. Dilo enseguida, a los demás: “¡No, no quiero ver la televisión!”. Alza la voz, si no te oyen: ¡Estoy leyendo! ¡No quiero que me molesten!”
Adopta la postura más cómoda: sentado, tumbado, aovillado, acostado. Acostado de espaldas, de lado, boca abajo. En un sillón, en el sofá, en la mecedora, en la tumbona, en el puf (...)
Regula la luz de modo que no te fatigue la vista (…). Trata de prever todo lo que pueda evitarte interrumpir la lectura. Los cigarrillos a mano, si fumas, el cenicero. ¿Qué falta aún? ¿Tienes que hacer pis? Bueno, tú sabrás.
No es que esperes nada en particular de este libro en particular. Eres alguien que por principio no espera ya nada de nada. Hay muchos, más jóvenes que tú o menos jóvenes, que viven a la espera de experiencias extraordinarias; en los libros, las personas, los viajes, los acontecimientos, en lo que mañana te reserva (…)"

Y sigue por espacio de cuatro páginas más, lectura que aconsejo hagan ustedes mismos siguiendo y, a ser posible, probando alguno o varios de los consejos que generosamente brinda el señor Calvino. Yo aún me atrevo a seguir "usando" (que no abusando) las palabras de otro, porque en numerosas ocasiones reflejan simple y acertadamente lo que yo pienso o siento. No es pereza, aunque puede que también; es... ¿nostalgia?

Relájate. Concéntrate. Busca una idea. Deja que el mundo que te rodea se esfume… (difícil, seguro que, cuando más inspirada esté, vendrá alguien, siempre pasa). Adopta una postura cómoda (umm, ya está). Dejo la vista perderse a lo lejos, recorro la sala aún semivacía en busca de un recuerdo que me atrape; en los ventanales se asoma el otoño, la tarde está gris, quizá llueva… Una idea. No vale cualquier cosa. ¿Por qué resultará tan difícil ver, disfrutar y entender que la mejor opción es siempre la más sencilla? Esta tendencia a complicarse la vida…
Lo importante no es cómo se empieza, es cómo se acaba (gran frase que, dependiendo de la situación y de quién la verbalice, puede sentar fatal pero, como la digo yo, no hay caso).
“Uno vuelve siempre a los mismos sitios donde amó la vida..."
Chavela y ‘Las simples cosas’, poema del argentino Armando Tejada Gómez. Mercedes Sosa también la interpretó, y Buika. Las tres me gustan mucho, pero en este caso, si hoy me dan a elegir, me quedo con Chavela (bueno, hay partidas que siempre ganará Chavela)

"Uno vuelve siempre a los mismos sitios donde amó la vida..." Volver a un lugar, a un libro, una canción o una película, rincones con los que me gusta reencontrarme, porque al hacerlo recupero momentos, emociones, gentes que disfruté mucho y que me impulsaron hacia alguna o ninguna parte; en ocasiones incluso me descubren detalles que no supe ver en su momento. ¡Qué difícil elegir! Aunque debo confesar que alguno de estos retornos no ha sido del todo afortunado, también confieso la seguridad que hay muchos que jamás me decepcionarán, o sí, pero se lo perdonaré.

La tarde ya ha caído. La sala vuelve a estar semivacía. Las luces pronto empezarán a perder su intensidad y todo quedará en silencio. Llega el momento de recoger. Pido disculpas, lo que se me ocurre ya es sólo para mi. Les dejo y me dejo llevar por la armónica de Ismael Lo

Forever friends

noreply@blogger.com (RUTAS) — Mon, 31 Oct 2011 10:34:00 +0000

8 de diciembre de 1.957.

En los estudios de Televisón de la CBS, se graba un programa especial: THE SOUND OF JAZZ. En una de las actuaciones se encuentran de nuevo Billie Holliday y el saxofonista Lester Young. No se hablan desde hace años, aunque en el pasado les unió una profunda y entrañable amistad. Durante los ensayos no se dirigen la mirada, se evitan. Billie canta el blues "Fine and Mellow". Llega el turno de Lester. Está enfermo, y a duras penas logra levantarse de la silla. El solo de "Prez" es un emocionado mensaje de amor, tristeza y melancolía. Lady Day contempla a su antiguo amigo y su rostro, que las cámaras no pueden dejar de enfocar, nos habla de complicidad y cariño, de una nostalgia infinita.

La estratigrafía del viajero

noreply@blogger.com (RUTAS) — Mon, 24 Oct 2011 08:41:00 +0000

No es el título del próximo caso de Lorenzo Silva en la saga de los Guardias Civiles Chamorro y Bevilacqua. Esto va de viajes y música. Y de recuerdos. Esos recuerdos de lugares lejanos que intentamos mantener vívidos eternamente como una sólida pirámide egipcia sin reconocer que son sólo una duna móvil y variable según el viento sople.

En esta Edad Dorada de Ryanair es lugar común en los turistas recurrir a distintos elementos que a posteriori nos hagan más fácil rememorar los viajes. El que casi siempre aparece es la fotografía. Tampoco suelen faltar los recuerdos materiales del tipo de una pieza de artesanía, una camiseta, unas monedas, un frasquito de agua del Ganges o un poco de arena del desierto.

Así, como si fueran diferentes estratos en la formación del proceso del viaje, vamos sumando las informaciones que cada uno nos aporta hasta reconstruir el puzle. Uno puede trasladarnos a un momento concreto, otro a un lugar, un tercero llevarnos a la imagen de alguien a quien conocimos…

Pero en este conjunto de elementos que se van integrando para formar un todo creo que nos falta normalmente uno de los que más informaciones puede aportar y además difícilmente sustituible. Aquí es donde pienso que debe aparecer la música del lugar de destino.

Esta nueva capa o estrato (al menos es mi experiencia) nos puede acercar además de los sonidos, aromas, olores y muchas otras características que hagan más fácil aglutinar todos los datos en una interpretación global de la evocación.

Evidentemente no propongo comprar cualquier disco de gasolinera cual si un alemán se llevara de la piel de toro un disco de Camela. Propongo informarse, preguntar y seleccionar para adquirir con un mínimo de criterio y fiabilidad.

Si alguno quiere tener en cuenta mi experiencia personal, le diré que entre lo que he traído de mi último viaje a Turquía están dos discos, “Su” de Mercan Dede y “Longing” de Omar Faruk Tekbilek. Además de ser dos fantásticos discos siempre recomendables, estoy seguro que en un futuro me devolverán a ese país, y me será mucho más fácil revivir el sonido de sus calles y bares con sus pipas de agua, añorar el sabor del té o invocar el alma de sus gentes.

Hasta aquí nuestro biblioconsejo de hoy. Esperamos que les sea útil.

El cine y la poética del espacio

noreply@blogger.com (RUTAS) — Sun, 16 Oct 2011 16:47:00 +0000

Más allá del hecho que supone que una historia nos guste más o menos, el cine alimenta el imaginario personal con su mera presencia física. Ya sea a través de las salas de proyección, ya sea a través de los propios escenarios que dotan de espacio a las historias filmadas, el cine proporciona lugares y paisajes en los que acomodar la nostalgia y el deseo.

Dejando a un lado, por hoy, el poder de fascinación que ejercen los espacios destinados a la proyección de películas, quiero centrarme en este breve apunte en los lugares que las películas toman como escenario para su desarrollo. Casas, calles, paisajes naturales, habitaciones, sótanos, pueblos, ciudades, etc. cuya evocación en el futuro dispara la nostalgia y el deseo de ellos. Movilizan y acogen sentimientos difusos y fugaces; sentimientos similares a aquellos que nacen al rememorar escenas de la infancia o al encontrar y reencontrar lugares cuya composición encuentra en nosotros un tallaje perfecto.

No son ellos, por sí mismos, los garantes de sus virtudes, sino que es a través de nosotros donde se produce una suerte de explotación de la delicia. Lugares y escenarios que se mantienen mudos y grises fuera de la cita casi alquímica con el espectador, pero que se convierten en refugio y consuelo al ser rememorados.

P.D. Espero que se me entienda. No obstante, en la sección de comentarios, pueden y deben llamarme cursi.

Day on Green

noreply@blogger.com (RUTAS) — Sat, 15 Oct 2011 08:39:00 +0000

Si, si .. está en todas las marquesinas de los autobuses pero igualmente os voy a hablar del "Day on green" por si alguno no os habeis enterado...

A todos nos gustaría mucho, seguro, y este festival puede ser un pequeño paso hacia algo más grande (con un Sonorama me conformo ;) .Ojalá. Se trata de “Day on Green”, el mini-festival que acogerá el sábado día 22 de octubre el Multiusos Sánchez Paraíso. Es la primera edición y no pretende ser la última , es más, pretende grabar un CD recopilatorio con temas cedidos por los músicos asistentes a este mini-festival.

Son doce horas ininterrumpidas de música, que comienzan a las 17:00, en las que veremos desfilar grupos más conocidos y consolidados del pop como Lori Meyers o Dorian hasta Dj’s de música electrónica como Dj Amable o Maral Salmassi., ¡que doce horas dan para mucho !

Lori Meyers es un grupo granaíno que cada vez tiene más y más fans. Con su disco Cronolánea alcanzó muchísimo éxito : es un disco, para mí, redondo, además de que todas las canciones son muy pegadizas. Alta fidelidad, Funcionará o Luces de neón pegaron fuerte durante una temporada y seguramente habreis escuchado muchas más del disco aún sin saber que eran suyas. Ahora, una de las bandas que junto a Vetusta Morla ha estado más presente en los últimos festivales, viene a traernos temas de su último disco y también de los anteriores, para que podamos corear y saltar.. Podrás encontrar Conolánea en la seccion de Pop-Rock de nuestra Fonoteca.

Otro de los grupos que encabezan el Festival es Dorian, de los que también podemos ofrecerte dos discos : El futuro no es de nadie, 2006 y La ciudad subterránea , 2009.

Dentro la segunda zona de actuaciones encontramos a un grupo local Lex Makoto , que con su primer disco Rojo, calor, fuego, 2008 ha comenzado su andadura cantanto en castellano, después de refundirse con nuevos integrantes y dejar a un lado los temas en inglés. Podrás encontrarlo en la Sección de Músicos Locales con la que contamos en la Fonoteca desde hace ya un par de años y que ha ido creciendo gracias a vuestras aportaciones de discos y maquetas.

Wagon cookin es un grupo que ya hemos visto alguna vez en Salamanca en salas como Cubic, que de vez de cuando nos sorprende con buenos conciertos. En la sección de nuevas músicas de la Fonoteca podrás encontrar un disco de este grupo Everyday life, 2004, en el que podrás encontrar fusiones de jazz, soul, junto a funk o house y también electrónica.

Esperamos que si os animais a pasar estas 12 horas con buena música, canciones pegadizas y buenos ratos descubriendo nuevos grupos nos lo contéis después para darnos un poquito de envidia a los que no podremos asistir.

Ahí va una versión que la banda granaína Lori Meyers hizo del tema La caza, de Juan Pardo.. ( Os prometo que es buena). ;)

Podéis adquirir las entradas en el Teatro Liceo, en ticketea.com o en el Corte Inglés. Las primeras 1.000 entradas estarán a un precio de 25 € a partir de ahí los precios irán subiendo a 35 y 40 € en taquilla.

Divina Comedia (musical)

noreply@blogger.com (RUTAS) — Tue, 11 Oct 2011 18:56:00 +0000

    “ Yo soy yo y mis circunstancias”. Qué gran verdad…incluso en lo que música se refiere. ¿No lo habéis pensado nunca? Pues yo ando dándole vueltas últimamente. En un altísimo porcentaje somos, tanto en lo referente a música, como en el resto de los aspectos que definen nuestros gustos y nuestra personalidad, un cúmulo de “accidentes”: el país y la época en la que hemos nacido, la familia que tenemos (los hermanos mayores o nuestros padres son en muchos casos la clave que justifican esa etapa en la que fuimos punks o ese extraño gusto por los boleros más rancios a pesar de haber nacido en los 90), la personas que hemos ido conociendo…hasta el trabajo que tenemos, por lo menos en mi caso.
     ¿Que por qué os cuento yo todo este rollo? (Eso me pregunto yo en ocasiones pero prefiero no reflexionar sobre las verdaderas razones ahora…(¡así tengo un tema para un post posterior!). Fundamentalmente os cuento esto ahora porque estas reflexiones me han venido a mi cabeza, además de en otros variopintos momentos, al escuchar por primera vez (con atención) el disco que os quiero recomendar desde aquí: “Bang goes the knightood “ de Divine Comedy.

   Creo que una de las cosas que me ha enamorado de este disco es que me ha recordado mucho, especialmente el primer corte “Down the street below” que es una pasada de canción, a las canciones de los musicales. Podía imaginar sin esforzarme mucho una historia para acompañar a cada canción (sin entender gran cosa de la letra que a una le han dado dones pero no el de los idiomas) y lo que es peor, una coreografía. Y ahí veía yo a unos y otros saltando por la calle y por las escaleras y colgándose de las farolas como un Gene Kelly de la vida….¿Y por qué me acuerdo yo de los musicales? Pues por mi padre y ahí vuelvo a la introducción de este post. Digamos que gracias a él y a su gusto por el musical clásico he visto muchísimos (digo gracias porque cuando te meten las cosas de pequeño y a sí sin pensar todo se acaba convirtiendo más en una afición que en una condena). De hecho los vinilos de la banda sonora de “Sonrisas y lágrimas” , “El violinista en el tejado” y “West side story” estaban en casa y los escuchábamos habitualmente, del mismo modo que otros escuchaban a Serrat, porque les gustaba a sus padres. Una de las primeras películas de las que tengo el recuerdo de haberla visto en pantalla grande fue “Siete novias para siete hermanos” ¡ y no debía yo llegar a los seis años!. Pues este disco tiene esa facilidad en las melodías, a pesar de sus cambios en los ritmos y la complejidad de algunos arreglos, y un regusto a pop nostálgico que en seguida me ha traído ecos de recuerdos amarillentos, con canciones en ocasiones tan naif que conseguían que te sintieras bien…obligatoriamente. Todo el mundo se siente mejor después de ver Cantando bajo la lluvia, no? Pues lo mismo pasa tras escuchar este disco.
     Pero por otra parte, tras la primera sacudida suelo buscar información sobre los grupos que descubro de este modo. Aunque por supuesto me sonaba el nombre de este grupo, me sorprendió que no hubiera reparado antes en él, ya que tienen una larguísima trayectoria. Y descubro entonces algunos otros de sus discos y pienso cómo he podido vivir todo este tiempo sin ellos… Confieso que en esos momentos siento vergüenza por mis lagunas musicales, por sorprenderme al descubrir cosas que llevan mil años entre nosotros. Pero más tarde me absuelvo pensando que al fin y al cabo es todo fruto del azar, de las circunstancias, del camino vital en el que nos vamos encontrando unas cosas, otras las buscamos y otras….simplemente las evitamos con todas nuestras fuerzas (¡incluso en lo musical!) Bueno, todo esto para deciros que le deis una oportunidad a este disco y disfrutéis con él tanto como yo lo he hecho sin importaros nada más, porque todos sus temas tienen algo y algunos además, la capacidad de hacer que vuestro día, tras su escucha sea algo mejor y que una sonrisa, aunque sea tímida, aparezca en vuestras preciosas caras. ¡A disfrutar!

Discos de Divine Comedy en Fonoteca:

Bang goes the knightood

Absent friends

Regeneration

Lejos

noreply@blogger.com (RUTAS) — Wed, 05 Oct 2011 10:39:00 +0000

Ya era tarde cuando regresaba a casa y, a pesar del cansancio, decidí seguir conduciendo un rato. Volver a escuchar "Outra vida" de João Afonso no me pareció buena idea (llevo varios días "enganchada" a esa música y esa voz), y tampoco tenía ánimos para trastear buscando en la guantera. Puse la radio. Sonaba algo como esto

Estaban entrevistando a Ara Malikian, un brillante y expresivo violinista libanés de raíces armenias, que vino un día a España (no recuerdo el motivo) y le gustó tanto que decidió quedarse. En mi bolso estaba el disco “Lejos”, un trabajo de Ara Malikian y Fernando Egozcue (guitarrista argentino) ¿Sería una casualidad que ese día hubiera decidido llevármelo para escucharlo con calma? Mientras me dejaba llevar por el placer de conducir y escuchar música, recordé la primera vez que asistí a un concierto suyo. No recuerdo cuánto hace, supongo que ese dato tampoco importa. El concierto fue “Las cuatro estaciones” de Vivaldi, una función familiar en el Liceo. Además de encantarme, disfruté muchísimo. No sólo con la música y el espectáculo que se estaba desarrollando en el escenario, sino con lo que pasaba en el patio de butacas, ocupado por muchos niñ@s acompañados de algún adulto. Ara Malikian les había enganchado, algunos estaban como hipnotizados (yo no me vi la cara, pero igual…). No sé qué hace, pero atrapa. Le ves tocar el violín y… ¡parece tan sencillo! Y además se permite dar saltos, correr , bromear… ¡Qué ataque para los puristas de la música clásica, tan seria, tan serios ellos…! Estoy segura que muchos de aquellos niños que vieron el concierto de Malikian se acercaron más tarde (o más pronto) a escuchar, como poco a Vivaldi y, tal vez, decidieran estudiar música. Comparto con él la idea de acercar la música clásica sin tanto "encorsetamiento", jugar con la música y mezclar culturas nunca ha sido malo, sino todo lo contrario. Volví a encontrarme con Ara Malikian en un espectáculo del que guardo un gran y grato recuerdo: “Pagagnini”, realizado con producciones Yllana. Lo estrenaron en 2007, si mal no recuerdo, y aún siguen representándolo. Eso lo dice todo. Juzguen ustedes mismos

"Lejos" es un encuentro del mundo clásico con la pasión del tango, mezclado con jazz y flamenco. "Lejos es un lugar al que vamos para crecer, para creer, para llenarnos de experiencia, de vida, o para saber que debemos volver. Cuando en nuestro camino vamos lejos no hay nada que perder. Pues yendo allá, lejos, ese lejos de cada uno, es donde nos encontramos a nosotros mismos"

Violín, Ara Malikian

Guitarra, Fernando Egozcue

Piano, Moisés Sánchez

Contrabajo, Miguel Rodrigañez

Percusión, José San Martín

Four Lions

noreply@blogger.com (RUTAS) — Mon, 26 Sep 2011 14:09:00 +0000

Four Lions (2010) de Christopher Morris es una de esas rarísimas ocasiones en las que la inteligencia se alía con el humor para crear un artefacto explosivo que desconcierta y descoloca a partes iguales.
La historia de cuatro británicos musulmanes que planean un atentado en Londres se convierte en una bomba que explota en la cara del demonio occidental que nos domina: el discurso políticamente correcto. La onda expansiva revienta, de paso, el fanatismo absurdo que lleva a ciertas gentes a encintarse con explosivos esperando que su acción les lleve al paraíso en bussiness class.

La explosión que Morris provoca no deja títere con cabeza. Caen bajo la metralla el fanatismo musulmán - representado por los incompetentes jihadistas- y la policía británica, que con igual incompetencia trata de contrarrestar la macabra idiotez de los primeros. Literalmente vuela por los aires las motivaciones de los mártires a base de reducir sus argumentos al absurdo y les infantiliza para presentarlos como retoños jugando con un fuego purificador que les desnuda en toda su imbecilidad.

La película transcurre entre exquisitas brutalidades llenas de humor negro y unos diálogos que recuerdan en ocasiones a los Monty Phyton, cuyo espíritu sobrevuela la cinta. Cuervos-bomba, hombres-bomba disfrazados de tortuga ninja, ovejas víctimas de atentados involuntarios, policía inepta que tiene problemas para diferenciar un wookie de un oso.

No recomendada para mentes débiles y cerradas, supone un admirable atentado contra la común forma de hacer cine que impera hoy en día. Sin miedo a levantar pasiones en contra ni a escocer, Morris hace gala y reivindica una manera de hacer crítica humorística necesaria en estos días en los que se nos repite como un mantra eso de "Nunca olvidar" -que hay que pronunciar con cara de concentración trágica-, de héroes de uno y otro lado, envueltos en una carrera criminal llena de nauseabunda y abundante propaganda. Se ríe y pone en solfa a todos con la estupidez humana infinita como bandera de sus actos.

Anécdotas del jazz I

noreply@blogger.com (RUTAS) — Mon, 19 Sep 2011 07:22:00 +0000

El bajista y escritor Bill Crow publicó en 1990 uno de los libros de jazz más divertidos que existen: "Jazz anecdotes" (Anécdotas del jazz), con cuentos, chistes, curiosidades e historias alrededor de lo que se define como el más grande aporte artístico que le ha dado Estados Unidos al mundo.

Aunque fue una música que ayudó a ir contra los prejuicios raciales, porque juntó en las agrupaciones a negros y blancos, muchos directores blancos no se arriesgaban a tener negros en sus bandas, y entre los negros se veía mal que se tocara con blancos porque el jazz era música de negros. Sonny Rollins fue criticado por tener en su grupo a Jim Hall, y Miles Davis por contratar a Bill Evans.

Cuando Nat King Cole se mudó a una urbanización de blancos en Los Ángeles, los vecinos comenzaron a reunir firmas contra "vecinos indeseables". Cole pidió la lista para firmarla también porque tampoco quería vecinos indeseables. La mismísima Bessie Smith murió porque después de un accidente automovilístico fue rechazada en un hospital de blancos y en la búsqueda de otro centro asistencial se desangró.

De la Smith, Louis Armstrong cuenta que una vez un tipo le pidió cambiar un billete de 100 dólares, a lo que ella se levantó la falda, sacó los billetes y le cambió el dinero. "Ese era su banco".

De Armstrong se cita también lo siguiente en torno una entrevista:-¿No ha terminado aún su autobiografía?-¡Oh, no! Todavía. Tengo 600 páginas escritas y sólo voy por 1929.

Sobre Jelly Roll Morton, otro de los pioneros del jazz, se narra que el trombonista Zue Robertson no quería tocar una de las piezas del repertorio como Morton deseaba, por lo que sacó una pistola y la puso encima de su piano. Robertson tocó tal cual se lo estaban pidiendo.

Edward Ellington fue bautizado en su adolescencia como "Duke" (Duque), por un amigo glamoroso que vestía muy bien y siempre iba a las mejores fiestas. "Para resaltar mi compañía y amistad me dio ese título". Ellington tenía una personalidad bien particular y era muy supersticioso: no le gustaban colores como el amarillo, no regalaba ni recibía zapatos porque el receptor podía irse y no volver; temía las ventiscas y mantenía las ventanas cerradas, tenía miedo de los aviones y sólo los tomaba cuando no había otra opción; no podías entrar a su camerino comiendo maní o algo parecido ni podías silbar; no usaba un traje si se le caía un botón, no tenía reloj pero todo el tiempo quería saber qué hora era; no echaba de su orquesta a ningún músico, sino que le hacía la vida imposible o contrataba a alguien que tocara el mismo instrumento -pero mejor- y se lo ponía al lado.

Uno de sus saxofonistas tenor estrella: Paul Gonsalves, tenía problemas con el alcohol y las drogas. En una ocasión tenía que tocar un solo y él estaba dormido en el escenario. Lo despertaron, caminó sobre la tarima para ponerse al frente en el momento en el que el violinista Ray Nance acababa de intervenir y la gente aplaudía. en ese momento Gonsalves despertó y creyó que los aplausos eran para él, así que, convencido de que ya lo había hecho, regresó a su sitio sin tocar el solo.

A otro saxofonista: Charlie Parker, le pusieron el apodo "Bird" (pájaro) después de que el carro en el que iba atropelló a una gallina. Le dijo al chofer que regresara para buscarla y comérsela. Parker no asistía a los ensayos. Aparecía dos o tres minutos antes del concierto, le echaba una ojeada a sus partituras y cuando subía el telón ahí estaba tocando el tema como si le perteneciera, incluso incorporando nuevas ideas.

"HOMER Y LANGLEY", y La Música

noreply@blogger.com (RUTAS) — Mon, 12 Sep 2011 09:18:00 +0000

“… Homer, dijo Langley, quiero hacerte una pregunta. Hasta que empezamos a poner discos en los bailes, la verdad es que presté poca atención a las canciones populares. Pero son de lo más poderoso. Se te quedan en la cabeza. ¿Qué convierte una canción en canción, pues? Aunque le pusiéramos letra a uno de tus estudios o preludios o cualquiera de esas otras piezas que te gusta tocar, seguiría sin ser una canción, ¿no? Homer, ¿me escuchas?

Una canción suele ser una melodía muy simple, contesté.

¿Como un himno?

Sí.

¿Como Dios bendiga América?

Por ejemplo, sí, dije. Tiene que ser simple para que cualquiera pueda cantarlo.

¿Así que es por eso? ¿Homer? ¿Así que es por eso?

Además, mantiene un ritmo fijo, que no varía desde el principio hasta el final.

¡Tienes razón!, exclamó Langley. No había caído.

En las piezas clásicas hay múltiples ritmos.

En las letras también hay arte, comentó Langley. Las letras son casi más interesantes que la música. Destilan las emociones humanas hasta su esencia. Y plantean cuestiones profundas.

¿Como por ejemplo?

Pues pongamos esa canción donde él dice que a veces está contento y a veces triste.

“… mi ánimo depende de ti.”

Sí, ésa, pues… ¿y si ella dice lo mismo al mismo tiempo?

¿Quién?

La chica, o sea, ¿y si su ánimo depende de él al mismo tiempo que el ánimo de él depende de ella? En ese caso, prevalecería una de dos circunstancias: quedarían trabados en un estado inmutable de tristeza o felicidad, y en tal caso la vida sería insufrible…

Mala cosa. ¿y cuál es la otra circunstacia?

La otra circunstancia es que si al principio están desincronizados, y dependen de sus ánimos respectivos, se produciría entre ellos una corriente de estados de ánimo en continua alternancia, del sufrimiento a la dicha y viceversa, de manera que ambos acabarían enloqueciendo por la inestabilidad emocional del otro.

Entiendo.

Por otro lado, está esa canción sobre el hombre y su sombra.

Yo y mi sombra.

Esa misma. Él va por la avenida sin nadie con quien hablar aparte de su sombra. Ahí vemos el problema opuesto. ¿Te imaginas un universo así, sin nadie con quien hablar excepto tu sombra? Ésa es una canción salida directamente de la metafísica alemana.

En ese momento un borracho empezó a llorar y gemir. Enseguida se elevaron otras voces para ordenarle que callara. El bullicio cesó tan deprisa como se había iniciado.

Langley, dije. ¿Yo soy tu sombra?

En la oscuridad permanecí atento. Tú eres mi hermano, dijo…”

Fragmento sacado del fantástico libro de E.L. Doctorow que me llegó este verano gracias a una recomendación.

P.D. Para el que quiera seguir con el aniversario del 11-S debería ver la que creo que es la mejor película que se ha hecho sobre el atentado, “United 93” (está en la Biblioteca). Dice mucho más que la mayoría de reportajes que han aparecido y consigue transmitir la angustia y emotividad del acontecimiento sin el exceso de patriotismo que suelen destilar los americanos en estos casos.

Una Y Otra Vez

noreply@blogger.com (RUTAS) — Thu, 25 Aug 2011 08:55:00 +0000

Hablaba hace poco con alguien cercano del hábito de “re-leer, re-visionar y re-escuchar” y descubrí, no sin cierta sorpresa, que me comporto de forma completamente heterogénea ante los diferentes canales:

Me di cuenta mientras hablaba, de que, de forma contraria a mucha gente, no suelo releer. La verdad es que diría que lo he debido hacer en contadísimas ocasiones. El único título que ahora me viene a la cabeza al que he vuelto por mero placer y lejos de objetivos pragmáticos es “Cinco panes de cebada” de Lucía Baquedano, un pequeño librito de mi juventud, con una historia sencilla, al que pasados los años vuelvo, leyéndolo de un tirón y quedándome cada vez con algo nuevo de esa lectura. No me preguntéis por qué ese libro y no cualquier otros de los que también me gustan, porque no lo sé. Si algún día lo descubro prometo un post con las razones.

Con el cine en cambio ocurre que, de vez en cuando, por deseo propio o ajeno o puro azar televisivo, vuelvo a ellas y el resultado es también azaroso. He de confesar que también me cuesta revisionar películas pero en ocasiones celebro volver a ellas y en otras, desgraciadamente sirve para soltar lastre y eliminarlas de mi lista de imprescindibles, pérdidas más o menos dolorosas, pero habrá que dejar espacio para nuevas incorporaciones….

Sin embargo con los discos….mi comportamiento es otro. Algunos ya sabéis que una es de naturaleza obsesiva pero sobre todo, y para tranquilidad propia y de mi familia, se refleja casi exclusivamente por ahora en mi forma de escuchar música. Descubro un disco y lo escucho una y otra vez, algunas veces movida por un “subidón” de entusiasmo inusitado ante un fortuito hallazgo y otras, por un instinto de “cerdo trufero” escucho y escucho como quien va desenterrando poco a poco convencido de que bajo la tierra hay sin duda un tesoro. Tiempo después los abandono llegando incluso algunos a olvidarlos. Pero siempre, antes o después, por la razón que sea hay un momento en que vuelvo a recuperarlos y entonces, la verdad es que es como catar de nuevo un buen licor que tienes arrinconado en la bodega que te trae de nuevo ese gran sabor por el que una vez lo seleccionaste y guardaste con mimo. Siempre, siempre mientras los re-escucho me viene el mismo pensamiento a la cabeza: “Con razón me gustó este disco. Discazo. Tengo que rescatarlo”. Creo que no he tenido ninguna decepción, por lo menos ninguna que recuerde con dolor y haya quedado enquistada con resentimiento en mi memoria de melómana.

He vuelto hace poco sobre estas reflexiones al rescatar, aprovechando una limpieza, dos discos Those the brokes de The Magic Numbers y Shell Kids de Sidonie que encajan perfectamente en lo que os he comentado hasta ahora. Casualmente ambos no han sido señalados por la crítica como los mejores trabajos de estos grupos pero para mí escucharlos de nuevo ha sido un auténtico placer porque son una sucesión de canciones preciosas, con fuerza…todas tienen algo y desde aquí os los recomiendo. Y también os recomiendo otros dos discos de esos que ahora estoy escuchando con afán y que algún día olvidaré y que otro día, por casualidad volveré a poner en el equipo y que me dibujarán una sonrisilla de satisfacción en mi cara según vayan avanzando: la banda sonora de “(500) Días juntos” y “La joven Dolores”, el último disco de Christina Rosenvinge que ha sido una sorpresa auténtica para mí. Entró en mis oídos poco a poco pero ya está completamente instalado, sus letras en mi mente y sus melodías en mis tatareos. Los entendidos lo señalan como uno de los discos del año. Os lo digo por si este argumento os convence más que los míos. Que los disfrutéis.

En nuestra Fonoteca podéis encontrar:
    Those the brokes de The Magic Numbers (PR)
    (500) Days of Summer (BSO)
   La joven Dolores de Christina Rosenvinge (en nuestra cajonera de Novedades)

Hagas lo que hagas, ámalo

noreply@blogger.com (RUTAS) — Sun, 21 Aug 2011 21:04:00 +0000

"Verás, tarde o temprano, llega un momento en que hablar o estar callado es lo mismo. Por eso permanezco callado", decía Alfredo cuando, zapineando en busca de algo decente que ver, me reencontré con "Cinema Paradiso". Hay películas por las que no pasa el tiempo y cada vez que las veo es como si fuera la primera.
"Cinema Paradiso" (1988), para mí una joya del cine italiano. Escrita y dirigida por Giuseppe Tornatore, con música de Ennio Morricone e interpretada, entre otros, por un genial Philippe Noiret (Alfredo), proyeccionista junto al que crece Totó, un niño enamorado y fascinado por el cine. Podría ser una historia más, sin embargo, el hilo de la narración, la construcción de los personajes y las relaciones que establecen -especialmente entrañable la de Alfredo y Totó-, el amor incondicional y absoluto de Salvatore por Elena y las metáforas relacionadas con el mundo de cine -que Alfredo utiliza para aconsejar a Totó-, hacen que esta película tenga una narración universal donde todos, en algún momento, podemos sentirnos identificados. Incluso ayuda a evocar recuerdos. En mi pueblo había dos cines y, según me cuentan, uno de ellos, el cine Merayo, se parecía mucho al Paradiso: cambiaban de orden los rollos, a veces se incendiaba la película, cuando había un estreno se llenaba y la gente acudía con la silla de casa, se aplaudía en algunas escenas, en el gallinero se armaba mucho alboroto, había palcos, pero además de ser más caros las sillas eran incómodas... En fin, que puede dar paso a la nostalgia. En aquellos momentos el cine era una ventana a otros mundos, a otras vidas, a historias que apasionaban a la gente.

Aunque para mí hay momentos muy especiales en toda la película, quiero destacar dos: la despedida en la estación y la escena final, cuando Salvatore "abre" el legado de Alfredo

"Hagas lo que hagas, ámalo, como amabas la cabina del paradiso cuando eras niño"