紐約古根漢在今年春天展出法蘭西斯卡伍得曼(Francesca Woodman)短暫生涯的120件早期實驗作品，其中有首度公開的攝影作品、藝術家手稿與錄像，展期將一直到6月13日。法蘭西斯卡在1981年22歲的芳齡，選擇結束結束自己的生命，在她匆匆人生裡留下了驚鴻一瞥且完成度高的百餘件作品，紐約古根漢的展覽現場除了熟悉的攝像作品，另外可見法蘭西斯卡新發現的罕見個人錄像，讓觀者重新回首反思法蘭西斯卡驟然而輝煌的藝術創作。

法蘭西斯卡的作品藉由了特定類型的自我肖像詮釋人體在空間中非常豐富與奇異的探險，她專注在女性主體以及其連續性實踐概念論，並探討攝影與文學和表演間的關係，她的出現讓當時美國攝影界為之振奮。這次回顧展提供了一次機會，更仔細地審查法蘭西斯卡非常主觀且連貫的藝術眼光的成熟度與表達能力。同時點出重要時機去重新評估70年代美國攝影的關鍵發展。

1958年出生在藝術世家的法蘭西斯卡13歲開始攝影，在1975年時進入羅德島設計學校就讀(RISD)，當時她已經能專注地完成相當成熟的創作，她在設計學校期間曾住在羅馬一整年，童年時到訪的經驗證實了她源源不絕的靈感來源。完成學位後，她搬到紐約並持續攝影，一邊完成數件大規模的個人創作之餘，她也實驗性地拍些時尚作品，如同其他藝術攝影家一樣，她也在生計與創作間奮鬥求生。1981年當法蘭西斯卡22歲，她選擇葬送自己的生命，悲劇性的驟逝突顯她短暫生涯中驚人且受注目的創作裡留下對人體的複雜解析。

法蘭西斯卡最愛的拍攝主體是自己，早從一開始她拿起相機她就開始自拍，利用正方形拍攝格式的相機拍下自己位於各種空間裡的身體，她衷情於陳舊腐朽的室內空間，尤其是牆上畫滿塗鴉或壁紙剝落的豐富層狀表面，她的身體會在這些場景中短暫消失，出現以後又不見，扶著碗櫃與櫥櫃，偽裝靠著牆壁或是溶解成一種模糊的動作。照片中經常可見某些物品，例如手套、鏡子，她賦予這些物品其他象徵性的意涵，往往刻意比喻出她崇尚的超現實與歌德小說中的典故。

紐約古根漢展覽推出近120件早期法蘭西斯卡的攝影作品，包括她在設計學校的實驗性作品以及她在羅馬求學的創作，還有她搬到紐約後涉足時尚攝影的作品以及1980年她著手進行大型寺廟中女神列柱的大規模藍圖研究計畫。除了攝影作品以外，展覽中公開兩本藝術家日記式的圖文書，拼貼了許多她的照片以及親筆寫下的重要文字，特別的是她人生將告尾聲時的珍貴表述。法蘭西斯卡曾經實驗性地製作錄像，其中六部最新發現相當罕見的錄像片段也在展中呈現。

法蘭西斯卡伍得曼展由舊金山現代美術館(SFMOMA)策劃的，策展人蔻利凱勒(Corey Keller)即是同館2011年11月新闢攝影美術館的副館長，她與古根漢的攝影資深策展人珍妮佛布雷斯(Jennifer Blessing)共同規劃展覽的呈現。此展另由古根漢美術館2012攝影展的領銜委員會贊助。

展期：2012年3月16日至6月13日
地點：紐約古根漢美術館 副館4樓(紐約第五大道1071號)

（紐約/STIR News•狠攪社®）

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東京舞台藝術祭F/T12日前一月底向亞洲各國優秀的劇場團體公開徵選，吸引了來自近10個亞洲國家地區共86組劇、舞團報名投件，昨(6)日主辦單位公布兩階段入選名單，台灣有兩團體獲得今年11月前往東京表演的機會，分別是「再一次拒絕長大劇團」(Against Again Troupe)與林文中舞團(Wcdance)，同樣來自台灣，與其一同通過第一階段影片評選的「曉劇場」(Shinehouse Theatre)最後未能通過面試官青睞，止於前27組角逐最終13席表演機會名單。

以「亞洲地區連動」作為號召的東京舞台藝術祭邁入第三個年頭，去年首度開放亞洲國家地區報名，廣徵150件作品最後選出11組團體前往東京演出，深獲好評。今年初再接再厲集結了達180部參選影片，選出日本與其他亞洲5個國家劇場團體，包括台灣的再一次拒絕長大劇團與林文中舞團、韓國的Co-Lab Project Group、印尼的Teater Studio Indonesia、新加坡的daniel kok diskodanny與中國的新年藝術劇團，一共13組代表預計今年11月5日至25日在東京都內各大文化會場進行表演。除日本代表佔半數以上，台灣較其他亞洲4國僅1席入選還多出1名獲得表演機會，可見台灣的劇場表演藝術水準逐漸趨向成熟，獲得普遍認同。

這次公開徵選共180件作品報名，其中94件出自日本當地，其他86件來自於台灣22件、印度2件、印尼1件、韓國23件、新加坡2件、泰國2件、中國18件、尼泊爾3件、菲律賓3件以及其他亞洲地區10件，近10個亞洲國家地區角逐最後13席為期3周的表演機會。主辦單位以10分鐘內的表演影片作為第一階段評審依據，台灣22件作品當中除了「再一次拒絕長大劇團」的【美國夢工廠】與「林文中舞團」的【小南管】挺進面試階段，另外，台北藝穗節常客「曉劇場」也名列27組團體名單中。最後二次審查以面試與過去表演影片綜合性的考量，以表演企劃具有探討問題的深度意識，並在表演手法上有自覺性以及團體至今活動經歷和未來存續性等觀眾評價作為標準，前兩者較獲得評審肯定而擊退了印、泰、菲、尼泊爾等地區國家的競爭團體，獲得演出機會。

欣賞第一階段徵選通過的27組團體影片

「再一次拒絕長大劇團」的【美國夢工廠】投件影片達6分51秒中穿插了許多人夢想成為的時代巨星的紀錄影片，如台灣旅美棒球好手王健民在老東家紐約洋基隊的投球畫面和前龐克樂團NIVIRNA的主唱Kurt Cobine的演唱畫面，加上帶著面具穿扮成麥當勞叔叔、麥克傑克森與登上月球的阿姆斯壯卻帶著類似愛因斯坦臉譜演員的獨角戲，以「夢了一個夢」(I am dreaming a dream)的文字闡述美國夢工廠製造了人類做夢的機會，卻華而不實，最後悄然脫下面具，手腳痙攣而落寞離場的背影留給觀者一席白日夢的唏噓。

「林文中舞團」的【小南管】則是去年2011年的舞碼創作，以「小」系列的現代舞打響知名度的林文中舞團嘗試佐以中國樂器南管的獨特旋律，採東、西方元素的融合維持一直以來優雅精準的舞蹈風格。參選影片中由團內年輕舞者們首先在鏡頭前一一自我介紹且各自表述對南管樂器的不確與陌生感，最後在聚光燈籠罩的舞台上看見他們的身體隨著南管演奏出來的樂音、節拍自然的律動與結合成為了身體與聲音的並行落實了觀眾視覺要求的精彩度。

（東京/STIR News•狠攪社®）

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國家地理學會和國家地理頻道，宣布展開大規模跨平臺計畫，以紀念鐵達尼號沉沒一百週年，國家地理頻道將於2012年4月23日至4月27日周間晚間10點起推出「回首百年鐵達尼」特輯，包括三部全球首播紀錄片與《重建鐵達尼》系列節目。

三部首播影片，其中兩部由國家地理頻道駐會探險家詹姆斯卡麥隆和羅伯巴拉德擔綱，並於4月23日與4月24日晚間10點全台首播。在《鐵達尼號：超級名導卡麥隆的終極調查》中，奧斯卡金獎導演卡麥隆針對這起悲劇展開終極懸案調查，邀集全球頂尖的鐵達尼號專家，解答一些多年來懸而未決的問題，比方說鐵達尼號是怎麼解體的？為什麼有一部分殘骸和其他殘骸相隔甚遠？在《搶救鐵達尼號》中，發現鐵達尼號殘骸的知名探險家巴拉德，要回溯船上不幸乘客的腳步，並重新致力於保護鐵達尼號遺緒及這艘海底墳場。

《鐵達尼號：結案祕辛》提出了歷史學家提姆馬丁的革命性新理論。這個理論解釋了有關鐵達尼號事件最讓人納悶的疑問：為何兩名熟練的瞭望員都沒有看到正前方的巨大冰山？因為在無雲的夜晚、明亮的星空下應該不可能看不到。國家地理頻道將於4月27日晚間10點首播。

另外，國家地理頻道「回首百年鐵達尼」特輯首部曲《鐵達尼號：超級名導卡麥隆的終極調查》首度跨頻道搶先4月11日晚間11點在STAR MOVIES曝光。STAR MOVIES在4月10日與11日晚間9點將推出耗資六億的《鐵達尼號》迷你影集。

回首百年鐵達尼首播的節目包括：
《鐵達尼號：超級名導卡麥隆的終極調查》
在這個長達兩小時的特別節目中，國家地理頻道和奧斯卡金獎導演暨國家地理駐會探險家詹姆斯卡麥隆，邀集全球頂尖的鐵達尼號專家，包括工程師、造船工程師、藝術家和歷史學家，揭開號稱「不沉之船」的鐵達尼號沉沒背後的真相。藉由卡麥隆三十多次潛水拍到的驚人水底畫面、史料紀錄和卡麥隆的電影片段，這支精英團隊應用了無與倫比的專業知識，揭開了鐵達尼號解體的原因。影片由海底的殘骸倒敘，利用動畫（動畫由卡麥隆監製，製作動畫的是當年負責《阿凡達》影像擷取作業的公司）精確呈現船身的解體過程和殘骸散布海底的原因。

《搶救鐵達尼號》
一百年前，鐵達尼號在冰冷的大西洋裡沉沒，如今這艘二十世紀命運最多舛的船，面臨了新的危機，因為鐵達尼號飆升的人氣，吸引了大批尋寶獵人和乘坐特製潛水艇的觀光客。如今發現鐵達尼號殘骸的國家地理駐會探險家羅伯巴拉德，有了一個新的任務：保護巨大的海底墳場鐵達尼號。這個特別節目回溯鐵達尼號的誕生，及檢視它從未被拍攝過的原始藍圖，揭開鐵達尼號英雄不為人知的故事，及鐵達尼號來不及實現的未來。巴拉德在節目中也跟當年鐵達尼號品保小組成員的後代子孫見面，品保小組的九名成員參與了這艘豪華郵輪的建造工程，最後為了保護它而犧牲生命，他們的勇氣激勵了巴拉德，在品保小組家人的支持下，他為了搶救鐵達尼號多方奔走，他能及時搶救鐵達尼號嗎？

《鐵達尼號：結案祕辛》
鐵達尼號建造得有如一艘戰艦，在晴朗無雲的夜晚航行於平靜海面，擁有當時最優秀的船長和一流船員。儘管如此，這艘世上最豪華的郵輪還是在一百年前一個寒冷夜晚不幸沉沒，造成一千五百多人喪生。這個不幸的船難事件，衍生出一個讓人百思不得其解的謎團：怎麼會發生這樣的悲劇？《鐵達尼號：結案祕辛》介紹了史學家及作家提姆馬丁的革命性新理論，審視為何兩名熟練的瞭望員，都沒有看到正前方的巨大冰山…在無雲的夜晚、明亮的星空下應該很容易就看到冰山，以及為什麼附近一艘遠洋輪船沒有趕來幫鐵達尼號？馬丁發現他要的答案其實藏在星空裡，鐵達尼號當時遭遇了非常奇特的大氣條件組合，連經驗豐富的船員都會看走眼，最終導致鐵達尼號在北大西洋中沉沒。

1912年的4月15日，號稱不沉之船的鐵達尼號，在他的虎女航中不幸撞上冰山，一千多位乘客沈沒在冰冷的大西洋底。2012年，適逢鐵達尼號沈船悲劇屆滿百年，英國獨立電視台（ITV）特別耗資超過六億打造240分鐘的《鐵達尼號》迷你影集。由《唐頓莊園》（Downton Abbey）奧斯卡金獎編劇朱利安‧費羅斯（Julian Fellowes）重新詮釋這個經典的史詩悲劇。

費羅斯版的《鐵達尼號》迷你影集，與好萊塢名導詹姆斯卡麥隆，聚焦男女主角愛情戲的電影版本截然不同。影集版主要演員高達89人，多線的敘事、綿密的情節，透過不同階級、不同視角，還原鐵達尼號悲劇處女航所不為人知的那一面。

船上形形色色的人物，具體而微展現了當時英國各階級的眾生相。他們面對生離死別時的展現出的人性縮影，希望、浪漫、勇氣、貪婪；加上特殊的時代氛圍；及超震撼的視覺效果，讓這部《鐵達尼號》迷你影集，成為經典的史詩巨構。電視機前面的觀眾，將可以如同身歷其境一般，與角色們一起經歷鐵達尼號沈船前的幾個小時，體驗從愉悅到絕望的心理轉折。

編劇
【唐頓莊園】【迷霧莊園】朱利安‧費羅斯Julian Fellowes
導演
【諾桑覺寺】Jon Jones
主要演員
【蝙蝠俠：開戰時刻】萊納斯洛區Linus Roache
【夢露與我的浪漫週記】托比瓊斯Toby Jones
【空戰英豪】Ruth Bradley
【美國隊長】Jenna-Louise Coleman
【時時刻刻】Lyndsey Marshal

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邊城啟示錄 放映暨導演交流會
時間：2012/４/7 (六) 14:00
地點：台北數位藝術中心　一樓主展間
票價：免費
註：4/8(日)放映時段:14:00-15:00 、15:30-16:30、17:00-18:00

影片簡介：
為了一紙身分證,他們成了泰國的雇傭兵 回到魂牽夢縈的台灣,他們卻成了祖國的邊緣人
1949年,國共戰爭失守撤台,但最後一批從雲南撤出的國民黨部隊,仍埋藏在泰緬山區的叢林之中待命,他們在韓戰前後甚至兩度打回了雲南,但1961年在聯合國的壓力下,被要求撤軍回台, 而此時卻接獲蔣介石的密令,要他們明撤暗留,躲藏起來,等待時機反攻大陸; 然而這一等就是50年, 他們在泰北成了名符其實的孤軍 沒有任何補給.為了生存下去,他們最後甚至淪為泰國的僱傭兵,幫忙清剿泰共; 這群流浪在異域的部隊,成了沒有國籍的人,不得不用鮮血交換泰國的身分證,而他們的子弟, 生在異域卻認同遙遠的台灣, 抱著滿腔熱血回到台灣”祖國”, 卻一直遲遲無法得到台灣的認同和身分證. 在這齣歷史的悲劇下,身份的錯置,卻改變不了他們對台灣的認同;在泰北的每一所華校,每逢雙十國慶日,他們的子弟,仍手舉青天白日, 高唱著中華民國頌, 在兩岸日漸交融的當下,他們成了意識型態的犧牲品, 這群老兵們的堅持, 也彷彿成了一齣歷史荒謬劇, 在民國百年的雙十國慶之下,揮舞著國旗當下,而他們的處境卻值得台灣當下的我們好好反思…

導演介紹：
李立劭 從年少時單純的一個攝影愛好者,到電影資料館的研究員,歷經了紀錄片的攝影師.導演,浸淫在體制內工作許久,卻始終保持著對紀錄片的熱情與電影的憧憬,拍過一些單元戲劇,也擔任過製作人 直到1999年開始比較有意識地開始拍攝紀錄片.專題片至今，共約20多部品長短紀錄作品。作品曾4度獲台灣金穗獎，4度獲台灣地方志影展獎項，4度入選台灣國際紀錄片雙年，3度入圍台北電影節,及其他國外影展獎項。劇情片方面曾入圍金鐘獎及台灣國際兒童影展。

指導單位：行政院文化建設委員會
主辦單位：臺北市政府文化局、財團法人數位藝術基金會
承辦單位：台北數位藝術中心
台北數位藝術中心／福華路180號 捷運芝山站2號出口直行3分鐘
02-7736-0708 ／WWW.DAC.TW

藝文環境與空間。2月3日非常歡迎各位媒體先進蒞臨，一起感受台北的魅力，見證當代藝術的新紀元！

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展覽名稱：夜越台北-大衛．維貝克影像展
展覽日期：2012/01/20-2012/02/26 ｜地點：台北當代藝術館Studio(台北市長安西路39號)
開幕記者茶會：2012/2 /3（五）下午2：00
座談會：2012/2 /3（五）下午3：30，與談人：大衛．維貝克、陳以文

深夜的城市如同暗夜叢林般神祕而迷人，荷蘭導演大衛維貝克（David Verbeek）覺得台北更是一座在熱帶島嶼中生長茁壯的現代城市，迸發出多元而茂盛的生命力，多次來台的他對台北深深著迷，以西方的視野觀察記錄台北的各種樣貌。【夜越台北】是大衛首次於美術機構舉辦的個展，展出2010年入選坎城影展-特別注目單元」、以台灣元素作為創作主題的電影作品《R U THERE》，及65幅以台北都會夜景的為主角的攝影作品《夜台北》，帶領觀者感受深夜台北魅惑的氣息。

曾旅居亞洲各城鎮的大衛，覺得台北是個非常特別的城市，在各新興城市超速追求現代化、除舊革新的同時，台北依然堅持自己的步調與個性，讓新與舊在城市裡完美交融；台北集結了科技、金融、資訊等構築現代城市所需的元素，但在城市的各角落、水泥垣壁縫隙，卻隨處可發現大自然的蓬勃生機。大衛為了要確實描繪台北這座現代城市和其生長的熱帶島嶼交錯共生的關係，刻意在日落日出間的深夜遊移，以鏡頭捕捉那些在城市街燈下生長的植物們，在他的攝影作品《夜台北》裡，那些在城市街燈或廣告霓虹光線下的植物叢，瀰漫一股神祕的張力，而人類則彷彿是漂浮在水泥銅牆上的靈魂，藝術家希望傳達人類只是世界的過客，當我們的形體隨時間凋零消逝，唯有靈魂和自然會永恆存在世上。

除了靜態的照片展覽，本次展覽中將繼金馬影展後，首次在台公開免費循環放映大衛以台灣為主題拍攝的電影作品《R U THERE》，電影描述一位荷蘭藉電玩選手來台比賽後認識了一位擁有多重身分的神祕台北女生後所發生的故事，片中主角穿梭現實與虛擬世界中不斷追尋著女主角，如同沈溺網路的現代人對於「關係」的飄渺疏離。該片也讓大衛入選2010年的坎城影展。

為了讓觀眾感受台北深層的內在風景，展覽現場特別以燈箱及投影設備打造深夜氛圍，讓觀眾浸淫在黑暗的恐懼中，從而張開平日封閉的視聽，更敏銳的接受藝術衝擊。2月3日下午兩點【夜越台北】將在當代館一樓活動大廳舉行記者會暨開幕茶會，當天成立滿十周年的當代藝術基金會也將宣告2012年與Moca Studio合作的「藝術洄流計畫」，十年來當代藝術基金會為台灣培育了許多優秀藝術人才，而台北當代藝術館更是讓藝術家們發聲展現的好空間。101年當代藝術基金會將提供經費資源，與當代館合作辦理「藝術迴流計畫」，期待透過生生不息的迴流作用，發掘更多藝術新銳，讓藝術家們未來持續將能量「迴流」，為台灣創作更美好的藝文環境與空間。2月3日非常歡迎各位媒體先進蒞臨，一起感受台北的魅力，見證當代藝術的新紀元！

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《形、音、異 Mobility、Sound and Form》，為法國里昂國立音樂創作中心(GRAME)首次在台灣進行大規模展出。策展人詹姆斯‧吉魯東依據北美館展場的空間結構、建築本體與環境對於聲音的接納性，規畫展出由GRAME製作，共13件聲音錄像作品受邀展出，是來自不同背景的當代藝術家與程式設計師、工程師、技術開發人員等合作完成的跨界藝術新典範，融合舞蹈、音樂、聲音、視覺、空間裝置等多向度的藝術形式，藉由實體呈現的視覺造形作品，更深一層次地探索音樂隱形於空間中的流動軌跡。希望觀眾置身在展覽場域時，將不僅是「觀看」影像裡的律動、姿勢、色彩變化，同時需要「聆聽」每一件聲音裝置的編曲或配樂，在加入電子數位科技而激盪出充滿變化的視聽感受。

GRAME，法國里昂國立音樂創作中心，於1982年由詹姆斯‧吉魯東與皮耶-亞蘭‧傑夫荷努(Pierre-Alain Jaffrennou)共同創立，鼓勵、促進創意作品的製作與發行，貢獻於音樂發展與跨學科領域的研究，進而搭起創作者和觀眾群之間的橋梁。GRAME擁有研發實驗室、作曲工作坊、以及由作曲家和演奏家所組成的團隊，每年提供藝術家駐村機會，在全球推出如音樂劇、多媒體製作、公共活動與聲音裝置等作品。

以物理性本質而言，音樂的聲音呈現受｢空間」配置所產生的投射、震動而有所變化，但數位科技的研發如喇叭設備、音軌模擬、速度調適、程式編寫等，將可打破固有的收聽模式及時空限制。新技術的發展促進了視覺元素與聲響間的混合創作，不同領域的藝術家將科技手法視為創作的工具，或是達到作品展示的策略之一，讓各種藝術形式在同一時間與空間場域內同時存在，產生種種跨界混合的可能性。GRAME所合作邀請的藝術家背景皆各具多重專業的創作專才，在作品的表現形式與內容上都各有表述。如身兼作曲家與電影導演的提耶德‧德‧梅(Thierry de Mey)，是當代融合舞蹈、音樂、影像為一體的知名創作者，善於以音樂完整地表達舞蹈的內涵。玻璃裝置創作的丹尼‧凡桑(Denys Vinzant)，本身具合聲、對位、音樂史的學術背景，同時亦研究教授電子原聲音樂，他的作品經常從古典詩歌汲取靈感，再透過電腦計算創作聲音的發響。策展人吉魯東本人在音樂的創作範疇橫括電子音樂、音樂劇、獨奏、重奏樂篇以及唱片發行等，同時極力促進音樂藝術節與展覽館的合作。。

《形、音、異》展出焦點之一，為展現物體、事件的運動與速度間的變化效果。如作品《移動音樂》，採取似音樂會概念，運用大量的音樂參數、隨機運算的程式編排，在觀眾周圍裝置八聲道喇叭來傳播電子原聲，急速而不定的播放，突顯聲音在數位技術的控制下，時間與空間的連結效果。作品《時間長痕在此》，聲音的編排結構是要營造出流轉竄動四方、無法辨識來源的聲響效果，而同時移動式的投影機投射出慢速而後殘留、淡化，最終消失的影像。

另一關注焦點在於運動中的身體，呈現的是以舞蹈姿勢做為其藝術意圖的中心。作品《自由之家》內舞者被要求以倒置九十度的姿勢，在懸崖峭壁上進行動作與拍攝；《房間》也是選擇非常極端的場所，讓舞者於固定的空間內韻律動作；這兩部片的後製經過剪接、切割、重組，而產生不同重疊組合的變化，讓影像跨越了空間場景的限制。

提耶德‧德‧梅與比利時編舞家安娜‧泰瑞莎‧姬爾美(Anne Teresa de Keersmaeker)合作的作品，除了視覺上舞蹈與影像的效果，聽覺上音樂的搭配與意涵更是突顯藝術家的創作意圖。如《俯拍》，姬爾美在美國極簡音樂家史提夫‧萊希(Steve Reich)的作品襯托下獨舞，舞蹈與音樂不協調的組合，舞者在一片白沙上，持續不斷的腳步拖移留下痕跡，最後「畫」出如薔薇花狀的曼陀羅圖騰，影像的拍攝採由上往下俯拍這完整的過程，現場裝置則是重現一片白沙的場景，由上往下投射舞者當初的運動。而《對立說法》的十部短片是提耶德‧德‧梅邀起請十位音樂家各自為影片作曲，再配上姬爾美的編舞。《海前奏》則將舞蹈場景移到艱困的環境─鹹海，重新詮釋德布希「牧神午後前奏曲」中幻想的夢境。

在互動裝置作品的部份，《無聲音樂》用很簡單的喇叭和電線，互相連結高頻率蜂鳴器，藝術家利用高挑的牆面以及美術館透光的落地窗，循著光源的方向擺置，蔓延狀似開著花朵的樹枝；它所播送出的音響結合河流溪谷的自然聲，與電子合成的低鳴混音，時而靜止、時而慢速流動，整個空間因為作品視覺與聽覺的介入，形成一個宛如有機體的構造物。

《此時此地》是一組大型聲音模組裝置，由43塊尺寸不一的聲學玻璃板以及兩顆玻璃水晶球，貼連蜂鳴器及電線，當玻璃振動所發出的清脆聲響，透過喇叭放大音量，直接連接與電腦計算的流水聲音背景，在不同空間中形成獨具一格的變化。藝術家在玻璃板上用金色墨水手繪出精緻的阿拉伯裝飾圖樣以及螺旋交織的古代樂譜、音符記號，當大小、高低的玻璃板在空間中此起彼落地發出聲響，彷彿書寫於板面上樂譜旋律，無形地再度被演奏呈現。

《聲音盒子》，如作品名稱所示，工作團隊搭建出一個長、寬、高各3公尺的立方盒子，將之放至於一個完全黑暗寂靜的房間內，四周設置麥克風和喇叭收音系統，參觀者在房間內所製造出聲響如拍手、呼喊或是竊竊私語等，和空間內的視聽設備發出共振和循環，同步影響盒子發光體表面的顏色轉換與速度變化。

《姿勢—有關誕生的三種變異》，是一件三D影像顯現與觀眾行為互為依存的裝置作品，影像的基礎是藝術家用抽象的彩色圖樣表現出古希臘酒神的恍惚精神、太陽神阿波羅的華麗夢境，觀眾視覺上的感官感受端看每個個體於展場空間的移動與姿勢。同時鼓勵觀眾戴上紅外線感應的指環，在展場中央隨著自我心境做出如指揮家的手臂揮動，屏幕裡的色彩、圖騰將隨著觀眾的想像力不斷演進與變化。
 

展場：台北市立美術館一樓B區
展期：2010.06.05 – 08.15
開放時間：每週二至週日9:30-17:30、週六延長開放至20:30

（台北/STIR News•狠攪社®）

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第58屆 ＮＩＫＫＯＲ ＰＨＯＴＯ ＣＯＮＴＥＳＴ【日本Nikon俱樂部主辦】
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「森山大道的世界」攝影展的策劃著實醞釀長達十二年之久，匯集了森山大道過去數十年攝影生涯中的精華，包含大家耳熟能詳的《光與影》、《攝影啊 再見》、《狩人》、《犬的記憶》系列等，約50 – 60件大師親作，都將從日本空運來台呈現給台灣觀眾。
 

森山大道是當今日本攝影界一代巨擘，在日本國內與荒木經惟、杉本博司並列為日本戰後最重要的攝影家之一。過去十年間，森山大道不僅榮獲歐美藝壇高度評價，更獲邀於各國舉辦大型個展與及回顧展，作品廣受各國美術館收藏。他以敏銳的直覺、獵人式的拍攝手法，擅長的快拍 ( Snapshot ) 或肆意不觀看觀景窗的隨手拍風格，將日本的街頭攝影推向前所未有的嶄新視界。其不拘形式與攝影技巧的拍攝概念徹底顛覆觀者對於攝影一貫紀實的印象，而森山作品中常見粗粒子、模糊、晃動等特色，也成為他個人獨樹一格的影像手法，藴涵強烈的視覺衝擊感，震撼著觀者的感官經驗。
 

1938年於日本大阪出生的森山大道，20歲時成立個人的商業設計事務所，隔年成為日本當代攝影師岩宮武二助手，為期兩年後，森山對於攝影的熱情與執著驅使他前往東京，並加入當時影響日本現實主義攝影運動崛起的重要自主攝影家團體「VIVO」（1959~1961），該團體維持年代雖短，卻引導日本當代攝影界攝影家呈現眼中所及的拍攝手法，具有強烈的「主觀呈現自我」風格。VIVO解散後，森山大道受細江英公的指導，並協助其拍攝日本當代知名文學家三島由紀夫裸體影像「薔薇刑」的出版（1963）。1967年，森山大道獲得日本攝影評論家協會（1971年結束營運）新人獎殊榮，從此開啓專業攝影家之路，涉足展覽、出版、攝影評論，著名作品集有《攝影啊 再見》（《写真よさようなら》1972）、《光與影》（1982）、《犬的記憶》（1984）。

曾言「想把攝影帶到攝影的盡頭進行解體」的日本重量級攝影巨匠森山大道即將於個展開幕酒會當天6/13（日）舉辦座談會，詳細請洽詢1839當代藝廊。

森山大道官網

展期：6/11~8/1
地點：1839當代藝廊〈台北市大安區延吉街120號地下樓〉
開放時間：11：00~20：00〈週一休館〉

（台北/STIR News•狠攪社®）

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旅居紐約多年的台灣藝術家郭旭達即將在台北誠品畫廊迎接暌違三年的個展。展間將展出11件立體近作以及15幅平面作品，堪稱郭旭達在台灣發表最多平面作品的一個展覽。
藝術家大學時代習畫，卻因為對形體、材質的好奇和著迷而逐漸由畫家轉為雕塑家。後來移居紐約，歷史博物館成為他在當地最常流連忘返的一家博物館，從早期人類的藝術，他觀察到不同的民族對同一種形體或材料有著相同的感動，似乎人類在本質上存在著某種「共同性」，於是他展開了長期的溯源行動，對自然物做各種角度的觀察，並加以繪圖紀錄。他尋找「本質」上的形，這些形可以是部分的也可以是某些部份的重組，長久下來，他在腦海裡累積了許多這樣未完成的、片斷的形，然後在相互衝突當中自由地將它們結合，直到形成一個完整而對他有意義的形體，這才著手將之做成陶雕。藝術評論家游崴描述「郭旭達手中像是雕塑又像機具的物件，從一開始就帶著某種人類學的味道，堅強地連結著實存世界。」
 

近幾年郭旭達從對建築的興趣中察覺到建築物的內部就像陶雕的空心，進而體認到建築作品與雕塑作品的異曲同工之妙。因此，他的近作承襲了對原始、樸素造形的一貫追求，但一反過去對遠古的呼應，簡潔的線條呈現出更多的現代感和建築感。這也是郭旭達在同時進行的平面作品一個最顯著的象徵，他的平面作品即一種平面雕塑，以雕塑家的角度出發，把主要物件置於畫面中央，並捨棄畫筆而改用畫刀，將繪畫當作雕塑在進行創作。
 

藝術家個人表示「我在每一個展覽中都會展出幾幅畫或版畫，但以前顏料不如現在，平面作品做得不多。現在我可以在壓克力顏料中摻入各種媒材如纖維、雲母粉末、亮砂等，用顏料開發出新的創作可能性，賦予我的畫立體感。我也使用油性粉彩，為畫面做更細膩的處理。」過去曾有人說郭旭達的雕塑有繪畫性，現在他的繪畫也有了雕塑性，隨著平面作品繽紛的顏色和肌理變化具體表現出藝術家各種不同的情緒表徵。

展期：6/5~6/27
地點：誠品畫廊〈台北市松高路11號五樓〉
開放時間：11：00~19：00〈週一休館〉

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大陸的首屈企業經營芭蕾舞團－蘇州科技文化藝術中心芭蕾舞劇院來台演出改編自莎翁名著《羅密歐＆朱麗葉》，該劇巧妙的融合了東方元素，將精緻、古典的蘇州園林氛圍，帶入傳統的芭蕾舞劇中，呈現出截然不同中式芭蕾風格，該舞團總監李瑩自敘這一齣中式的《羅密歐＆朱麗葉》，乃純粹以符合當代人賞美觀的全新編制，表現出中國風的感覺。

蘇州舞劇院舞團總監李瑩與藝術總監潘家斌，原是中國中央芭蕾舞團的主要演員，更是大陸芭蕾史上首對羅密歐與朱麗葉，此次新作中式《羅密歐與朱麗葉》以當代生活行為節奏及審美品味為前提，大膽結合中國文化傳統元素，巧妙地融入具有時代感的中國古典審美觀，包括扇子、傘、戲劇面具等，在精心編排下時而是舞蹈的表現工具、時而又成為了舞美的意境點綴。「西方芭蕾結合傳統東方文化，並非指用中國的故事編排芭蕾舞劇，而引用傳統西方的經典故事，在當今藝術領域突破傳統陳規模式的創作氛圍下，完全可以融入中國的傳統文化元素。一個故事一但成為經典，它是無國界的，它之所以成為經典，是因為它可能發生在世界的任何一個角落」，李瑩表示，「全新的現代中式芭蕾舞劇『羅』就是在這樣的理念下誕生」。

此外，《羅密歐＆朱麗葉》也在芭蕾的基礎上，融合了現代舞等不同的舞蹈風格形式，以其極為豐富的舞蹈語彙充分展現了舞團演員動作敏捷、幅度大的表演特色。為了讓這部跨世經典更生動地展現于觀眾，他們特別設定了充滿生活情趣、富有喜劇色彩的人物為烘托，使這部經典愛情悲劇更具感人的魅力。在舞劇結構上，則突破了傳統的三幕結構，重新提煉，改三幕為二幕，精簡人物結構，使舞劇奇蹟般地由25個演員完成演出，驚人而備受期待。

由新加坡和中資企業合作成立的蘇州科技文化藝術中心至今落成兩年多，藉由去年11月台北愛樂前往該地演出的因緣際會，今年台北愛樂力邀他們旗下的芭蕾舞劇院來台交流，台北愛樂文教基金會藝術總監杜黑表示「音樂與舞蹈通常是結合在一起的。尤其芭蕾舞劇，像柴可夫斯基的天鵝湖、胡桃鉗當中音樂與舞蹈元素更是密不可分」。唯礙於預算、場地和技術等限制，這次觀眾無緣聽到台北愛樂現場為舞劇伴奏。台北演出場將採用俄國音樂家普羅科菲耶夫專為《羅密歐＆朱麗葉》芭蕾舞劇的「交響樂速度｣作為演出音樂。

《羅密歐＆朱麗葉》是蘇州芭蕾舞劇院2010年度新編舞碼，這一次亞洲首演選在台灣，上週日以先行於高雄順利完成演出。本週五、六將移師台北新舞台進行表演。售票請洽兩廳院售票系統，或洽主辦單位台北愛樂2773-3691。

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在水彩創作中融入濃厚中國色彩及技巧的林順雄擅以物喻情，架構禪境山水。這一次「初夏的驚嘆號」個展，展露他2010年新作。攬盡妍麗花葉，輕點嬌俏蟲鳥，讓台北都會叢林的人們透過他的畫驚嘆自然之靈動絕美。
 

林順雄1948 生於台灣屏東，為台灣頂尖的水彩畫家。潛心於水彩創作已有四十餘年，他以西方繪畫的寫實技法彰顯出東方水墨的禪意內涵，多樣化的創作主題總不離自然萬物之本。其題材小至一花一草、大至一世界一天堂；技巧細膩之間、運筆耽美優雅，是一位將心中禪定顯於視覺體驗的藝術家。

初夏的到來意味著暖春之末、炎夏之初，萬物挾著富足的春尾，迎接熱鬧的夏天。林順雄對「水性」的掌握能駕馭自如，新作帶來初夏氛圍，空氣中蘊含和著清甜泥香的水氣，預告午後的一場即時雨，而朝露的暫留在葉脈花瓣邊引出清晨和煦的朝陽照映露珠粼粼。墨色濃淡自如能顯光影，暈染恰如其分則現花脈清透；獨樹一格的細膩筆觸，絲絲顯毫鬚，充分掌握實虛之間的對話。其作品構圖，總能引觀者入畫，無論是近距離的觀賞自然花卉、昆蟲，或以獨特的視角觀看浩瀚自然，他總貼心的為觀者安排好在畫中的位置，融人入景，體現自然與人共存天地之象。

從清晰而寫實的昆蟲、到逐漸模糊而留白的葉緣；或是近距離的觀賞老虎鬚鬢之傳形摹寫、至其炯神而現氣韻生動。以對焦和失焦，寫實與言意，林順雄能詮釋其境，創造獨特的場域，充滿靈動與孤美。人言僅能感知其作，將情感寄於天地間敖遊，時空在林順雄的作品中，凝練而奔放，形成獨特詩意。
 
 
 

展期：6/4~6/27
開幕式：6/6(日) PM15:00
地點：首都藝術中心〈台北市仁愛路4段343號2樓〉
開放時間：10：00~19：00〈週一休館〉

（台北/STIR News•狠攪社®）

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