Salsa Brava

LETTY SANDOVAL – PROMOCIONALES

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 28 Jul 2017 01:47:00 +0000

Letty Sandoval Promocionales

La cantante venezolana Letty Sandoval “LA DIVA DE ORO” pone a disposición los temas promocionales a continuación para Descargar Gratis.

“Pedacito De Mi Vida” Producción Juan Pulia Liendo, “Aprendiz” Producción de Isidro Infante, “Siempre Mejor Que Ayer” Producción de Isidro Infante, “En Carne Viva” de Manolo Aldana (Venezuela) Producción hecha en USA y donde participan músicos de talla Bomberito Zarzuela de Fania y Orlando Feliz de Puerto Rico, bajista de Franklin Ruiz, Bolero “Pesar” de Rafael Ballumba Landestoy, autor quien reside en su tierra natal República Dominicana Producción, arreglos de Venezuela Juan Pulia Liendo.

En el enlace podrán reproducir y descargar los temas.

Disfruten y Descarguen sus temas.

Willie Rosario Y Chamaco Rivera - Se Volvieron a juntar

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 11 Jul 2017 14:08:00 +0000

Después de 45 años Vuelven a grabar juntos Mr: Afinque Willie Rosario Y Chamaco Rivera con un Nuevo tema titulado "Se Volvieron a juntar" Autor del tema Juan Jose Hernandez.

Salsa y Aché

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 06 May 2012 12:37:00 +0000

Para el Equipo de Producción (lasalsabrava.com), es un honor hacerles llegar una recopilación de Temas en homenaje a la religión Yoruba, interpretados por excelentes Músicos Venezolanos e Internacionales, quienes hacen posible el enriquecimiento de este sitio Web, disfrútenlos!!

PARA DESCARGAR EL DISCO CLICK AQUI

Lista de Temas:

1.- Oshun - Joel Uriola

2.- Oni Oni - Alexander Abreu

3.- Y tu que quieres que te den - Adalberto Alvarez

4.- Siácara - Gonzalo Grau y la Clave Creta

5.- A los Orishas - Mercado Negro

6.- Fiestas de los Orishas - Manolito Simonet

7.- Chango - Angel Melendez

8.- Vengo con Ire - Isaac Delgado

9.- El Hechizo - Adalberto Alvarez

10.- Yemaya y Oshun - La India

11.- Abriendo Camino a Eleggua - Joel Uriola

12.- Orula y Chango - Adalberto Alvarez

13.- Oh Mayi

14.- La Bendición - Mercado Negro

15.- Chango ta veni - Willie Rosario en concierto

16.- Agua para Yemaya - Elito Rev. y su Charangon

17.- A Eleggua - Cesar Monges y Rodrigo Mendoza

18.- Rumba a los Santos - Gilberto Santarrosa

19.- Canto a Chango - Henry Fiol

20.- Soy Todo - Los Van Van

Promocionales de Interpretes Venezolanos Vol. 2

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 11 Apr 2012 00:59:00 +0000

Para la WEB del Salsero con Clase lasalsabrava.com, es un honor colocar a disposición de nuestros seguidores, la segunda recopilación de Temas Promocionales de nuestros Músicos venezolanos. De esta manera, cumplimos con una de nuestras premisas más importantes que es el apoyo 100% al talento nacional. A nuestros músicos GRACIAS por su receptividad, dedicación y constancia, aspectos que se ponen de manifiesto en cada uno de sus trabajos… Seguimos en Salsa!!!!

YA LIBERADO PARA TODOS MI GENTE SALSERA

PARA DESCARGAR EL DISCO ENTERO CLICK AQUI

Lista de Temas:

Nº	TEMA	INTÉRPRETE
1	LA LLAVE	OSCAR D’ LEÓN Y ORQ LA LLAVE
2	SE ACABÓ EL SILENCIO	RUMBEROS DEL CALLEJÓN
3	INSTINTO ANIMAL	MUNDITO Y ORQ. LA CELESTIAL
4	NO PUEDO VIVIR SIN TI	BAILATINO
5	LAMENTO DE CONCEPCIÓN	TRINA MEDINA
6	SI ASÍ LO QUISO	PORFI Y SUS ADOLESCENTES
7	TE PONES A BAILAR	PIBO MÁRQUÉZ
8	Y LLORÉ	GUILLERMO “MEMO” ARROYAVE
9	PRINCESA, REINA Y DUEÑA	WILLMAN CANO
10	LA NUEVA GENERACIÓN DE LA SALSA	J&K SALSA
11	RENUNCIO	PROYECTO “A”
12	A TIEMPO	ELIEZER MEDINA
13	MI RELIGIÓN	LA NEGRAMENTA
14	OIGO UN TAMBOR	LA SÉPTIMA BOHEMIA
15	SIÉNTEME	ORQUESTA ADOLESCENTES
16	LA BATA DE OYÁ	LOS GENERALES DE LA SALSA
17	MI CARRITO	LYO
18	COSAS DE LA VIDA	MENUDO Y SU ORQUESTA
19	ESTOY EN ALGO	LOS INCÓGNITOS
20	ANHELANTE	VÍCTOR QUINTANA
21	LA TRIAGO YO	SANOVA
22	MUJER DE VIRTUD	MARIANELLA
23	YAMBEQUEANDO	TROY PURROY
24	TÚ AMOR POR SIEMPRE	ANTONY LEBRON
25	EL COBRADOR	MAGIA CARIBEÑA Y FEDERICO BETANCOURT
26	OLVIDARTE	LOS SATÉLITES
27	DOBLE SABOR	CONJUNTO ANTILLANO
28	MALA PATA	NESTOR PACHECO
29	MI ETERNO	DAVIS BRAVO
30	NIÑA	LUIS PAPO MÁRQUEZ

Promocionales de Interpretes Venezolanos Vol. 1

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 11 Nov 2011 12:06:00 +0000

Para el Equipo de Producción (lasalsabrava.com), es un honor hacerles llegar esta primera recopilación de Temas Promocionales de nuestros Músicos Venezolanos, que hacen Posible el Enriquecimiento de este sitio Web, disfrútenlos y apoyénlos..

DESCARGAR EL DISCO ENTERO CLIC AQUÍ

Ir al Vol 2 del Promocional...

Lista de temas:

1.- Cuando Te Toque Llorar	Rumberos del Callejón
2.- El Loco	Joel Uriola
3.- A Donde Estará Margot	Bailatino
4.- Será O No Será	Porfi Baloa y sus Adolescentes
5.- Pasión, Pasión, Pasión	Magia caribeña
6.- Tres Cueros	Pumaband
7.- Musiqueando	Orquesta Los Soprano
8.- La Gente	Cheo Linares
9.- El Legendario	Elio Pacheco
10.- Quiérela	Sanova
11.- Nuestra Historia	Troy Purroy & Orquesta
12.- Poco Hombre	Angelito
13.- Lluvia	Orquesta Son Colon
14.- Como Te Digo	Guillermo José Arrollave
15.- Patatín Llego	Patatín & Orquesta
16.- Para Mi Tierra	Víctor Quintana
17.- Cambias Mi Amor	Eukaris
18.- Dulce Habanera	Orquesta Sinsayé
19.- Prohibido Amarte	Rey Torcat
20.- Dime Tú	Sexteto Juventud

WEB SALSA BRAVA

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 09 Apr 2011 13:15:00 +0000

Amigos así como la evolución de la Buena Salsa, estamos creciendo y quiero invitarlos a visitar la web "SALSA BRAVA" que es la continuación de este desarrollo que comenzamos con este Blog, que ha sido punta de lanza para los proyectos venideros de la buena música que nos identifica.. espero nos sigan apoyando como lo han venido haciendo a través del tiempo...

si tienen alguna sugerencia o quieren hacernos llegar información ponemos a disposición el siguiente correo: salsabravave@gmail.com

Gracias.. Team Salsa Brava

Biografia: Nico Monterola

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 16 Jan 2011 17:41:00 +0000

Pedro Nicolas Monterola Espinoza, nació en el Sector Las Martínez del Estado Miranda. Se inicio en el año 1965, para ese momento ejecutaba el “Cuatro” con Francisco Castillo (Manco), en las Martínez. Luego en Caracas comienza con la ejecución del “Tres Cubano”, posterior a esto se convierte en tumbador profesional, integrando un conjunto llamado “Los Perfectos”. Para el año 1966, forma parte de una agrupación llamada “La Rareza”, en 1967, trabaja con “Los Players”, luego con la “Orquesta de Alex Sánchez” en 1968 y finalmente con la “Orquesta Riverside” al inicio del año 1969, y por si fuera poco, con el boom del Rock y del movimiento Hippie, participó en algunas agrupaciones de este género, como “Gas Light" y "Fermentación”.

Organizó su propio conjunto llamado “Black Power”. Es importante destacar que el maestro Nico, se dedicaba a la confección de bufandas, corbatas y accesorios alusivos a los movimientos…En las noches trabajaba en un centro nocturno llamado “El Arlequín”, alternando con el Trío Universo, precisamente con este grupo inauguraron las cervecerías “Burbuja”, el “Centro” y el desaparecido Night Club “La Guajira”. en los Años 70 graba con Vitas Brener, Gimeno, Tony Luna, Alfredo Sadel, Lila Morillo y José Luis Rodríguez, Nelson Henríquez y su Combo, con el cual acompaño a la prestigiosa bailarina Mexicana “La Tongolele”, a Celia Cruz y Oscar D` León en la entrega de un Meridiano de Oro.
Fue el primer baterista del maestro Juan Galea y estuvo en las filas de Federico y su Combo latino y Los Dementes de Ray Pérez. En el año 1972 agrupo una serie de músicos, que más tarde se denominarían “Dimensión Latina”, pero debido a divergencias musicales con Oscar D'León, fue objeto de cuestionamientos que lo obligaron a dejar el grupo.El 06 de Febrero de 1973 funda la orquesta “La Renovación”, cuyos integrantes originales fueron: Orlando José Castillo “Watussi” y Humberto Moreno (cantantes), Francisco “kiko” Rivero (piano), Nicolás “El venao” Ponce (tres) , Rafael García (bajo), Los Hermanos Piñango “Taito y Nene” (trombones), Alfredo “Cutuflas” Franchesky (timbal), Hungría Rojas (bongó y campana), Nicolás “Nico” Monterola (director, tumbadora y coro). Con la Renovación desplazaron en la discoteca de moda para la época “La Distinción” a la Dimensión Latina, y precisamente tocando en este lugar el Sr. Olinto Medina, director del Sexteto Juventud, pone a Nico Monterola en contactó con la gente del Sello Velvet y es así como graban su primer LP, denominado “Echa Pa`Lante”(1974), Luego con la Empresa “Suraméricana del disco”, graban el segundo LP “Llegó la Renovación”(1975), en la voz de Leo Pacheco y en los coros estuvieron Wladimir Lozano y Nico Monterola, es importante destacar que en esta producción Wladimir, interpreta dos temas, pero los mismos no se incluyeron en el disco, ya que Lozano vuelve nuevamente con la Dimensión Latina, y la disquera le prohíbe grabar con otra orquesta. En el mismo año 1975, La Renovación graba su tercer disco titulado "Pare Cochero", siendo está producción la que abre las puertas en los paises de Sudamérica, La Orquesta “La Renovación” es reconocida en el Festival de Salsa realizado en el Poliedro de Caracas, como la mejor orquesta de salsa nacional y unas de las mejores internacionalmente; este festival trajo consigo muchos triunfos y La Renovación fue compensación por Venezuela de todas las orquestas visitantes de New York, Colombia, Puerto Rico y Miami, tales como al Gran Combo, Orquesta Harlow, Corraleros de Majagual, Willy Colón, Bobby Rodríguez y la Compañía, Mongo Santamaría, Pete Conde Rodríguez, Pacho Galan y su Orquesta. La Renovación tuvo la oportunidad de realizar un acompañamiento magistral al inquieto anacobero Daniel Santos. En el año 1976, la Renovación graba su cuarta producción titulada, “A Todo el Mundo le Gusta”, donde nuevamente se destaca en la parte vocal Leo Pacheco.Seguidamente graban su quinta producción para el disco denominada “Lo Máximo” (1976) y al año siguiente el sexto disco titulado “Hacia un nuevo horizonte”(1977), en ambas producciones se destacan como vocalistas Carlos Daniel Palacios y Enrique Zinza.

En el año 1977, la Orquesta “Salsa Mayor” de Oscar D' León tuvo una baja en sus integrantes lo cual obligó a D’León a recurrir a la Renovación, y de once músicos que integraban el grupo, se llevo siete, proponiéndole a Monterola dirigir su orquesta, la cual bautizó con el nombre de la “La Crítica”, Nico no aceptó la propuesta. Involuntariamente la Renovación tuvo un lapso de dos años fuera del ambiente musical, retornando en el año 1979 y 1980 con nuevo estilo, donde “Nico” le incluye dos trompetas, un trombón, un saxo barítono y flauta, todos ejecutados por la misma persona, recurriendo a un nuevo cantante llamado Jesús Laya, grabando de inmediato un nuevo LP para el sello Corpodisco, el cual entro nuevamente con éxito en Panamá, Republica Dominicana, Perú y New York, este disco trajo consigo la compensación de Willie Colon y Rubén Blades en el Poliedro de Caracas, y de Cuco Valoy y sus Virtuosos, con estos ultimos recorrierón entarimados juntos durante tres años.Con la entrada del ritmo la agrupación se toma un receso prudencial y aprovechando este lapso "Nico" imparte clases de percusión y se hace difusor de la clave y la nueva forma de tocar los instrumentos percutivos, creando gran polémica en el momento; posteriormente algunos de sus alumnos que viajarón al exterior pudierón corroborar su tesis, que como bien lo señalo el maestro en esa oportunidad resulto ser la verdad.Permaneció durante dos años con la orquesta de Coco y su Sabor Matancero, en donde tiene la oportunidad de presentarse en programas televisivos, acompañando a Celia Cruz y a Oscar D'León. Con la sonora de Coco, tuvo el grato placer de inaugurar prestigiosos centros capitalinos tales como: "La Habana Vieja", "La Bodeguita del medio", "El Bohio habanero", "El Le'Cache" y "El Lermitage". Luego de esto Nico ensambla la "Sonora Habanera", en donde acompaña a excelentes cantantes como Alci Sánchez, Kiko Mendive y Nelsón Pinedo.En la actualidad y desde hace varios años, Nico se desempeña como fabricante y restaurador de instrumentos de percusión, labor que alterna con las actividades del mundo artístico. Monterola ha tenido una participación muy acertada en diversos seminarios que se han dictado. Como por ejemplo: “Encuentro de Percusionistas”, organizado por Fundarte… El 11 de Abril de 2002, la orquesta "La Renovación", realiza un ensayo pero por problemas terminó en un intento fallido. Fue después de tantos años de espera que Nico Monterola logra entrar al estudio. Desde el 11 de Septiembre de 2006 y hasta el 02 de febrero de 2007, se realiza un gran trabajo en los Estudios FX Records de los Romeros (Ray, Félix y Ray Jr), el cual se cristaliza en una excelente producción musical, el nuevo CD de Nico Monterola y la Orquesta “La Renovación”, titulado “Mi Creación” en donde incluye diez (10) temas inéditos de su autoría, allí ejecuta toda la percusión los coros y debuta como cantante.

biografía tomada de asocosalsa

Tema: El Sonido Del Tambor

Biografía "Orquesta La Recopilación"

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 12 Aug 2010 12:36:00 +0000

FELIX MARIA ROMERO “ RAY ROMERO”

FELIX MARIA ROMERO “ RAY ROMERO” forma parte del sexteto, llamado “El Bachata”, el cual estaba conformado entre algunos por Wilfredo Mejías (tres), José Alvarez (conga), Luís Romero (bongo) y Ray Romero era el cantante. Al cabo de cierto tiempo agregan dos trompetas cambiando el nombre de la agrupación por “La Supersalsa”.

Era el año 1981, y estando Ray Romero cantando con “La Supersalsa” en unos carnavales en el barrio San Miguel de Petare, fue observado por José Hernández trombonista de la Orquesta “La Recopilación” también de Petare, quien le propone asistir a un casting, ya que estaban buscando un cantante. Para ese entonces esta agrupación ya contaba con la grabación de un larga duración y su cantante líder Richard Cottín, quién estaba con ellos desde el principio decide abandonar la orquesta.

Ray Romero es seleccionado como cantante de la orquesta, junto a otro joven proveniente del pueblo de Guarenas, Tomas Mata (Tommy), luego de haber competido con más de diez cantantes de la zona.

De esta forma Ray debuta con “La Recopilación”, con quien graba en la producción “Tesoro de amor” (1982), en donde interpreta dos de los temas éxitos de esta orquesta, “Mi Barrio” y “Estrellita”, que con el correr de los años se convertirían en clásicos de la salsa venezolana.

En el año 1983, graba nuevamente con la Recopilación, en la producción titulada “Algo Distinto”. Durante seis años comparte con sus compañeros de entonces: Luís Escalona (bongo), Alfredo Aponte (timbal), Gustavo Vesdan (bajo), José Alvarez (conga), Gilberto Key (piano), Tommy Mata (cantante), Eduardo Pérez, José Hernández y Pedro Escobar (trombones). El disco “Tesoro de amor”, logra vender más de trescientas mil copias y cuando se disponían a ser agasajados por la disquera, fallece el propietario de la misma, no sin antes haber sido suficientemente beneficiados con equipos de sonido y otros enseres requeridos para la ejecución musical.

Ray Romero, con la Orquesta La Recopilación, realizó innumerables presentaciones muchas de ellas inolvidables por la cantidad de personas que asistían a las mismas. En esa década de los años ochenta alternaron en diferentes espectáculos con las agrupaciones del momento en Venezuela: El Grupo Mango, La Salsa Mayor, La Banda y su Salsa joven, Naty y su Charanga, La Quinta Galaxia, Tabaco y sus Metales, entre otras. Participan como invitados en el famoso Festival de música afro caribeña, celebrado en el Nuevo Circo de Caracas, con la participación de más de treinta orquestas nacionales, en donde resulto ganadora la “Orquesta Sabor Latino” del 23 de Enero. También realizan presentaciones en televisión, las cuales le sirven para ser contratados en el interior del país.
En el año 1988, ya disuelta “La Recopilación”, Ray Romero, graba una producción intentado rescatar el nombre de la orquesta “La Recopilación”, titulada “La Chandía”, bajo la dirección musical de Alejandro “Trini” Wallcot, hoy en día director de la orquesta Aleaje.

luego de la disolución de “La Recopilación”, Ray Romero, hace una breve pausa en su carrera y se dedica a su familia, realizando presentaciones y grabaciones de temas aislados con amigos y colegas, entre los cuales se encuentran dos temas que se hicieran con el pianista Alberto Crespo, “Oliendo a ti” y “Si no estuvieras tú”, con arreglos del mismo Crespo.
En el año 1999, Ray, participa en la reagrupación de la orquesta “La Recopilación”, para luego en el año 2003, editar dos discos con temas de distintas etapas titulados, “Grandes Exitos de Ray Romero con La Recopilación”. Vol 1 y 2.

junto a sus dos hijos Félix y Ray Jr, forman la Orquesta LOS ROMEROS, siguiendo la misma base rítmica de “La Recopilación”. Ese mismo año graban su primer disco titulado “Rompecabezas”, donde incluyen un buen repertorio de temas muy bailables como: “Fiesta Negra” y “Ay Juliana”. También participa en la producción “Buscando Nuevos Caminos” del trombonista venezolano Gonzalo Palacios, en donde además de hacer los coros, interpreta un tema a dúo junto al sonero Orlando “ Watussi” Castillo.

En el año 2006, “Los Romeros”, graban dos trabajos, uno llamado “Esto es serio”, con temas como: Española, Caramelo de piña, El Turpial y Mi barrio en su segunda versión. Los arreglos estuvieron a cargo de Danilo Muñoz y Pedro Escobar (Trombonista y fundador de la Orq. La Recopilación), en la armonización de los temas de Escobar, estuvieron Gonzalo Palacios y Alberto Palacios.

biografía tomada(asocosalsa).

Como Nace Una Canción

Hay melodías que al ser lanzadas a la calle llegan al publico con tanta naturalidad que el tiempo se encarga de convertirlas en clásicos del cancionero popular, tanto así es que en la salsa mundial hay infinidades te temas inmortales.
En Venezuela ocurre esto con muchos de los temas interpretados por nuestros soneros.
El tema que ahora les presentaremos tiene una historia muy particular y esta historia es contada por el mismo Ray Romero.

MI BARRIO

Era Sábado por la tarde en Petare y la orquesta "La Recopilación" había terminado de ensayar en la platabanda de la casa del Sr. Godofredo Landaez, Q.E.P.D. miembro fundador de la agrupación, luego del ensayo estábamos sentados en unos escalones mas abajo de la casa donde nos quedábamos tomándonos las infaltables cervezas o el "Aniceto" sabatino.
Fue entonces cuando Nestor Torrealba se puso a tararear una canción mientras tocaba el tres, yo le pregunto ¿como se llama esa canción? y el contesto "Mi pueblo" le pedí que me cantara ese tema y comenzó así: (Siento un dolor en el corazón, siento pena por mi pueblo, por su triste situación) en ese momento lo interrumpí y le dije que por que no le cambiaba mi pueblo por mi barrio ya que vivimos en un barrio y el me dijo "no hay problema si va", continuo cantado y ya para ese entonces estaban varios de los muchachos del grupo y nos animamos a seguir, después de cada trago de anís que nos echavamos la cosa se ponía mejor y logramos terminar solo el cuerpo del tema ese día ya que estábamos "prendidos".

A la semana siguiente Pedro le dio un vuelco total y hasta donde nos permitían nuestros conocimientos que eran pocos lo ensayamos, la sambase la inventamos en el ensayo a petición del mismo Pedro y quedo listo "pa' dale".
El día que íbamos a estrenar varios temas juntos con mi barrio era eldebut de Tommy Mata, el otro vocalista, de Jose Alvarez el conguero y mio con el grupo en la zona 5 del barrio Jose Felix Ribas de Petare, construimos una tarima con la ayuda de los vecinos del sector, la presentación era el día Domingo asi que Pedro y yo "nos quedamos a cuidarla ya que era echa con tablas y se las podían robar ya ustedes saben para que" esa noche tuvimos que dormir debajo de la tarima acompañados de una botella de "El Muco" en plena madrugada sentimos que nos estábamos mojando, llame a Pedro y le dije "chamo esta lloviendo" y al darnos cuenta era un borrachito que nos había orinado, no nos quedo mas remedio que tomarnos lo que quedaba de la botella y esperar a que amaneciera.

Asi nacio MI BARRIO, una canción hija de la bohemia, del pueblo y bautizada con la esencia de la esquina.

Nota: este relato fue extraido de la primera edicion de la revista SALSA RÉCORDS..

Elio Pacheco 50 años de “PURA SALSA”

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 18 Dec 2009 02:46:00 +0000

Elio Ernesto Pacheco, reconocido músico fundador de la Dimensión latina, nació en Caracas el 08 de Abril de 1944. Elio Pacheco proviene de una familia musical, su padre un gran bajista y percusionista, y sobre todo su hermano Kiko Pacheco, fueron los que influyeron en su formación musical. Elio solía hacer las suplencias a Kiko, cuando este formaba parte de agrupaciones como, el Quinteto Vitola, Los Megatones de Lucho, La Orquesta de Pedro.J. Belisario, entre otros.

Elio Pacheco se da conocer en el ambiente musical venezolano, cuando pasa a formar parte de la Orquesta La Dimensión Latina.

Su comienzo en la Dimensión Latina fue gracias a su hermano mayor el popular Kiko Pacheco, quien sostenía una gran amistad con Oscar D’león, ellos tenían un quinteto de nombre “Los Junior”, con el cual tocaban en un viejo local llamado “La Sabra”, para ese entonces Oscar no cantaba, solo ejecutaba el bajo. En esta misma época existía también otro local muy conocido llamado Cervecería “La Distinción”, en donde tocaban como orquesta de planta “Los Satélites”, los cuales a raíz de un problema surgido en el mencionado lugar, son despedidos. Con “Los Satélites”, participaban el pianista Jesús “Chuito” Narváez y como primer trombón el gordo Cesar Monge. Lo cierto es que el Sr. Aurelio, dueño de “La Distinción” necesitaba de los servicios de otra orquesta, y es cuando Oscar sin pensarlo mucho, le dice ha este que él tenía la orquesta, y de esta manera comienza a buscar a los que serían los integrantes de está agrupación, naciendo así “La Dimensión Latina”.

Oscar D’León fue quien invito a Elio Pacheco, para que formara parte de este proyecto Llamado Dimensión Latina.

Elio Pacheco llego a recorrer con esta orquesta muchos países entre los cuales podemos nombrar: Los Estados Unidos, Francia, Italia, España, Panamá, Colombia, México, entre otros. Según comenta el propio Elio Pacheco. “...Muchos se han atribuido ser fundadores de esta gran orquesta, pero los que verdaderamente la ensamblaron y estuvieron con ella en aquellos años dorados fueron: Oscar Emilio León, Cesar Anual Monge, José Antonio Rojas, José Rodríguez, Jesús “Chuito” Narváez y mi persona...Solo seis personas lograron hacer lo que ninguna orquesta venezolana había logrado alcanzar, el éxito internacional...”

En el año 1977, Elio Pacheco se separa de la Dimensión Latina, y al año siguiente inspirado en la legendaria Orquesta Aragón de Cuba, decide formar una charanga y es así como nace “La Magnifica”, con la cual logra grabar dos discos. El primero “Elio Pacheco y La Magnifica”(1977), en donde participan como vocalistas: Freddy Bogado y Luís Rivas, el segundo “Con clase, sabor y algo mas”(1978), con la vocalización de Nal Belmonte. La Magnifica de Elio Pacheco fue la primera charanga hecha en Venezuela.

Primer disco de la Magnifica

Segundo Disco de la Magnifica

Luego para el año 1979, Elio Pacheco con el apoyo en los arreglos de Cesar Monge conforma lo que sería “La Orquesta La Mafia Latina”, la cual obtiene un gran exito con el tema “Sabor a Caney”, incluido en la primera grabación de esta orquesta y cuyo cantante fue Fernando “Chino” Suárez.

En el año 1983, Elio Pacheco, vuelve a la Dimensión Latina y graba en el disco titulado “Producto de exportación”. En esta nueva etapa con la Dimensión Latina, Elio realiza varias giras internacionales por: USA, Centroamérica, Suramérica, Europa y las diferentes Islas del Caribe.

Elio Pacheco también se ha destacado como productor musical, trabajando en el año 1993 con la Orquesta Magia Latina en donde participó como vocalista Andy Montañez. En el año 1996 fue el productor de 2 discos de Bebo Moré, hijo del popular Benny Moré. También realizó la producción del disco de Franklin Virguez en 1996.

En el año 2005, con motivo del 35 aniversario de la Dimensión Latina, varios sus integrantes originales entre ellos Elio Pacheco, decidieron reunirse una vez más y nace la agrupación “Los Generales de la Salsa”, grabando un CD, en donde plasman toda esa gran calidad profesional que les ha merecido el nombre que llevan con gran orgullo “Los Generales de la Salsa”.
En el año 2006, el maestro Elio Pacheco, nos presenta su más reciente trabajo musical, bajo el nombre de “Elio Pacheco y su Orquesta”, en donde incluye varios temas inéditos y otros temas que fueron éxitos con las orquestas Mafia Latina y Dimensión Latina., todos vocalizados en forma excelente por su nuevo cantante Eudys Borromé “El único indio catire”.

En el 2009 sus 50 años de Vida artística, con quien estuvo acompañado de Rodrigo Mendoza, Wilmer lozano, Marcial Izturis, Socrates, Edgar Dolor Quijada, Wiwi Busnego, Erick Francheski, Angel Flores, Mariana la sonera, Wilmer Cobos, Alexis Martinez, Miguel Araujo, Arturo Guaramato, Edgar Lopez, Cheo Valenzuela, Eudys Borrome, Ronald Montpache, Hector Pacheco, Luis Muñoz, Wladimir Lozano y la Super Orquesta la MAFIA LATINA.

DESCARAGA TEMAS PROMOCIONALES DE SUS 50 ANIVERSARIO

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Temas a descargar

Mi Tumbao	El Legendario
Sabor a Caney	Señora

Correo Electrónico: pachecoson8@hotmail.com

Video tema: Irimo Los Generales de la Salsa de Elio Pacheco

Etiquetas de Technorati: biografia,Biografia Elio Pacheco

Troy Purroy “EL SONERO DE HOY”

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 08 Dec 2009 23:25:00 +0000

Troy Purroy es un cantante de la nueva generación, nacido en Caracas Venezuela, que posee el talento y las condiciones necesarias para impactar y cautivar a todo el público melómano, debido a su experiencia en tarimas con distintos artistas, al gran manejo de la improvisación, a su potente y afinada voz que lo convierte en un gran sonero… “El Sonero de Hoy” Ha hecho presentaciones con su orquesta en distintas locaciones, ciudades, tarimas y escenarios, alcanzando éxito, ganando adeptos por todas partes. Ha acompañado con su orquesta a artistas de fama internacional tales como: El Cano Estremera Yolandita Rivera, Luigi Texidor, José Mangual Jr. Entre otros. Ha alternado con grandes orquestas como El Gran Combo de Puerto Rico, Oscar D’ León, Ray Barreto y Grupo Libre de New York en importantes conciertos de Venezuela como “Noches de New York”.

Después de obtener la experiencia necesaria durante estos últimos años se lanza con su producción Discográfica con temas como “Arranca en Fa” , “Bomba de Amor” , “Que se Sepa”, "Yambequeando " "En la onda del jazz", una versión del bolero “Escríbeme” popularizado en la década del 50 por Alfredo Sadel, y un polémico tema contra el regaeton titulado “Ponle Salsa” entre otros, con los que espera cautivar el público nacional e internacional, con arreglos de alta calidad, adaptados a las nuevas exigencias del marcado salsero internacional tomando como bandera el rescate del sabor genuino de la salsa, y llevando como grito de Guerra

“La Resistencia Salsera”

Tema Promocional de Troy Purroy y su Orquesta "ARRANCA EN FA" esperen su nuevo disco..

Descarga el tema Promocional “ARRANCA EN FA”

e-mail: elsonero67@gmail.com

Biografía: Joe Quijano Esterás “Precursor de la Salsa – Balada”

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 21 Nov 2009 19:58:00 +0000

Nacido el 27 de septiembre de 1935, en la parada 5 de Puerta de Tierra. Hijo de don José Quijano García y doña Luz María Esterás. Transcurrió su infancia en el edificio A, apartamento 1, de la comunidad del Falansterio. José Quijano Esteraz construye su vida en la ciudad de Nueva York, adonde sus padres emigraron en 1941 buscando mejor fortuna.
El barrio del Bronx se convirtió en su comunidad y desde allí absorbió las tendencias musicales imperantes en la época con las que fue educando su oído musical, sin pensar que la vida le aguardaba un asiento en la escena de los futuros protagonistas del ritmo latino.
Poco después, sus padres lo matricularon en clases de piano con los profesores Edubijes Bocanegra y María Luisa Lecom, esta última madre de Luis Varona, el pianista de "Machito". Esa experiencia lo relacionó con dos jóvenes habilidosos que pronto se convirtieron en figuras relevantes para la música latina: los hermanos Charlie y Eddie Palmieri.
Un viaje a Puerto Rico en 1943 interrumpió su formación musical. En la Isla, Joe Quijano residió con su familia por cuatro años en el barrio La Muda de Caguas, tiempo que no trascendió en su formación musical, mas le sirvió para familiarizarse con las producciones discográficas en moda y las que disfrutó desde el sonido de una vellonera que había en un bar a la esquina de su hogar.
De regreso a Nueva York, en 1950, retomó sus aspiraciones musicales y logró su primera experiencia artística con un grupo escolar cantando y tocando el bongó, en el que también participó Orlando Marín (timbal), Eddie Palmieri (piano), Chiqui Pérez (conga) y Larry Acevedo (voz). El grupo se bautizó con el nombre de Banana Kelly´s Mambo, en referencia al lugar donde vivía la mayoría de estos jóvenes alumnos: la calle Kellys, en el Bronx.
Joe Quijano es una de las figuras musicales de mayor trascendencia de la música caribeña, siendo uno de los principales protagonistas del ritmo de la pachanga de Nueva York que es, a su vez, el puente para la conformación del sonido salsero de finales de los años 60. Varios grandes músicos de la época también se convirtieron en exponentes de este ritmo, Pero entre todos, el trabajo y la creatividad de Joe Quijano posicionó esta musicalidad en una dimensión mayor.
Considerado como miembro de "la vieja guardia" de la música latina de Nuava York en los años 50 y 60, Joe Quijano se siente salsero aunque asegura que hay quienes no lo consideran en el grupo de los pioneros del género. Atendido o no como miembro de la grey salsera –fundamentalmente por no haber sido grabado para el sello Fania–, Joe Quijano es uno de los baluartes más destacados en el desarrollo de la música caribeña. También incursionó en la grabación de baladas con montuno. Con su voz grave impuso algunos temas en esta década y en la siguiente. El coleccionista Ricardo Sánchez sugiere que si se quiere dar una paternidad a la "salsa-balada", Quijano merece la primera oportunidad porque fue el que más hizo méritos en estos años.

Poseedor de una clave espléndida, con la que afirma "me puedo batallar con cualquiera", su obra musical matizó uno de los primeros ejercicios de creación artística al fusionar elementos de sonora y charanga para imprimirle un distintivo a la expresión de la pachanga, un ritmo que para muchos es el precursor de la salsa, y que conserva, además, el carácter sórdido con el que se identificó la salsa en sus inicios como representante del sentimiento latino en Estados Unidos.
Su conjunto, que tuvo su primer ensayo en noviembre de 1956, en las facilidades del Club Tritons, en el 163 y Boulevard, el mismo día que Johnny Pacheco inició su proyecto musical, pudo articular la sonoridad que vaticinó el rumbo de la musicalidad caribeña en el mercado de Nueva York. En ese sentido, fue la antesala salsera, una especie de frontera que marcó el tiempo en el desarrollo de nuestra música en el ejercicio de cohesión de la rumba, la guaracha, el mambo, el cha-cha-chá y la pachanga, para darle vida en la expresión de la salsa.
A finales de 1951, la iniciativa de los Banana Kelly´s Mambo se fue ampliando bajo la dirección de Orlando Marín con la incursión de tres trompetas y un bajo, y en poco tiempo se transformó en Joe Quijano y su Conjunto y El Conjunto de Eduardo Palmo –que era como solía llamarse Eddie Palmieri. Al mismo tiempo, Joe Quijano dirigió un conjunto con el que se presentó por tres años consecutivos en las fiestas de verano que celebraba la población judía de Nueva York y en la que interpretaba en inglés variaciones en cha-cha-chá y mambo de temas famosos del repertorio anglosajón, ganando $90 a la semana. Corría la época de mediados de los años 50, justo en el auge del salón de baile El Palladium, donde dominaban las orquestas de Machito, Puente y Rodríguez y en el que pronto se habilitó un espacio para el destaque de su trabajo creativo.
Mientras, Joe Quijano se ganó la vida como mensajero de una compañía fotográfica que ubicaba al lado del Palladium, en la calle 63 y Broadway, de donde salió a laborar como vendedor de los sellos Tico y Fiesta Records, con lo que ganó experiencia en el manejo de la industria del disco. En el año 1956, Joe Quijano viajó a Cuba con la intención de familiarizarse con el movimiento musical de ese país, fascinado con el trabajo que desempeñaban grupos como la Orquesta Aragón, La Sonora Matancera, Benny Moré y otros.
De todos fue armando su propuesta armónica, marcando la diferencia en la combinación de dos trompetas, una flauta y un coro al unísono, persiguiendo el sonido de la tradicional charanga cubana.
1958 es el año de la grabación del tema “La Pachanga se baila así”, después de haber grabado “Descarga Charanga”, en el cual decía que bailaran Charanga, Joe Quijano reconoce que él y todos los que decían lo mismo estaban equivocados, realmente se debía decir van a bailar con esta Charanga (refiriéndose a la agrupación musical); lo que se baila con el formato de Charanga es el Danzon y otro ritmo para bailar es la Pachanga.
“La Pachanga se baila así”, se convirtió desde sus inicios en el tema bandera de Joe Quijano, se ha grabado en múltiples sellos musicales de diferentes países y aun ahora suena como en sus mejores días.
La formación inicial de su orquesta estuvo integrada por Bobby Valentín (trompeta), Hermán González (trompeta), Bobby Nelson (flauta), Pedro Pérez (piano), Lidy Figueroa (bajo), Luis Goigochea (conga), Chiqui Pérez (timbal) y Paquito Guzmán (voz). Como líder de orquesta, Joe Quijano logró su primera grabación en un disco de 45 rpm, que incluyó los temas "Rumba en Navidad" y "Descarga charanga", en 1959.
Un año más tarde grabó su primer disco de larga duración para la firma Spanoramic, "A Cataño" (1960), seguido por "Volví a Cataño", el mismo año. En ambas producciones se destacó la participación de Paquito Guzmán cantando pachangas, boleros y guarachas.
La distinción en la voz de Paquito Guzmán acompañó a Joe Quijano en las producciones "Mr. Pachanga en Changa" (1960, sello TeeJay), "La pachanga se baila así" (1961, Columbia Records), "Everything Latin" (1962, Columbia Records) y "Dance to the Bossa Nova, the Mambo, the Cha Cha Cha" (1962, Columbia Records), en los que se destacaron, entre otros, los temas "La flauta de Bartolo", "La lluvia" y "Desafinado".
Luego de establecerse con solidez en el mundo de la canción latina de Nueva York, la siguiente hazaña de Joe Quijano fue fundar su propio sello discográfico, Cesta Records, emprendiendo así una carrera artística que combinó la faceta de músico, cantante, productor y empresario.
Su primera producción para su firma fue "The World´s Most Exciting Latin American Orchestra and Revue" (1962), que incluyó la participación de Paquito Guzmán, Charlie Fox, Bobby Valentín y Eddie Palmieri, entre otros grandes músicos.
Tras ese álbum se produce la salida del vocalista Paquito Guzmán, que fue sustituido por Chaguito Montalvo y Willie Torres, quienes permanecieron por espacio de cinco años con el grupo, participando en los álbumes "Swings Uptown and Downtown" y "Shings-a-lings" , ambos producidos en 1963.
En 1964 aparece el disco "Party Album", que es el primero en que figura como vocalista Joe Quijano, acompañando a Chaquito Montalvo. Ese mismo año aparece "Joe Quijano with Strings", el primer trabajo netamente romántico del percusionista y director orquestal y que apareció al mercado luego de su participación con Edye Gorme y el trío Los Panchos.
Tras la salida del grupo de Chaguito Montalvo, Joe Quijano reclutó a Pedro "Bolita" Gómez, quien fue el último cantante que mantuvo en su Cachana, al optar por asumir él toda la responsabilidad vocal.
En la misma década de los sesenta, Joe Quijano también incursionó en la grabación de baladas con montuno. Con su voz grave impuso algunos temas en esta década y en la siguiente. Entre otros mencionemos: "Love Story" de Francis Lai, "Cómo has hecho" de Domenico Modugno, "Yo soy aquel" el éxito de Raphael, "Lo mismo que a usted" de Palito Ortega, "Mary es mi amor" de Leo Dan en sabrosa versión de chachachá, "It's too late" de Carole King, "Quién" de Charles Aznavour --incluido en un álbum de 1977 con el sugestivo nombre de "Joe Quijano canta boleros para amores fracasados" donde también incluye otros temas de baladistas norteamericanos--; "New York, New York", el mismo conocido por todos por Frank Sinatra, ahora en una versión mambeada y "María va camino a la vejez" de Leonardo Favio. El coleccionista Ricardo Sánchez sugiere que si se quiere dar una paternidad a la "salsa-balada", Quijano merece la primera oportunidad porque fue el que más hizo méritos en estos años.
A finales de la década de 1960, su desempeño como disquero no pudo contener el control que ejerció sobre la industria el naciente imperio de Fania, que más allá de mantener un monopolio sobre las producciones de salsa, controló sus talentos e influyó sobre las programaciones radiales.
en noviembre de 1969 comenzó una jornada de trabajo como orquesta de planta en el salón Siboney del hotel San Gerónimo Hilton (hoy Condado Plaza), acompañado de un grupo de valiosos músicos que encabezó Israel López "Cachao", Paquito Pastor y Heny Álvarez.
Dos años más tarde, en 1971, fundó su propio club, el Latin Loundge en Isla Verde, al tiempo que se mantuvo haciendo producciones discográficas con su conjunto aunque sostiene que era "para hacer catálogo".
Al filo del año 1976 regresó a Nueva York y armó una orquesta grande para tocar en los Junior´s Dancers, una experiencia que no duró mucho tiempo.
"Volví a salirme del giro de la calle porque casi no pagaba. También había que ir a batallar con el masacote del conjunto y como no tenía quien me respaldara, y la Fania estaba muy fuerte y se había quedado con la radio, me fue difícil y volví a trabajar para los bailes de sociedad", manifiesta..!!

A Joe Quijano debe mirársele como uno de los responsables del desarrollo de la música latina en la década de los sesenta del siglo pasado en Nueva York durante el desarrollo del ritmo de Pachanga y la proliferación de los grupos de Charanga…!!

Biografía: Dimensión Latina “Historia”

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 09 Nov 2009 00:36:00 +0000

LA DIMENSION LATINA, ORQUESTA VENEZOLANA SE CONVIRTIÓ EN UNA LEYENDA VIVIENTE DE LA MUSICA LATINA, TANTO DENTRO COMO FUERA DE SU PAIS.

Biografia Actualizada en Salsa Brava

EL 15 de marzo del año 1972 nace la Dimensión Latina en una Cervecería Caraqueña de nombre “La Distinción”donde solían reunirse un grupo de jóvenes músicos. En este lugar se acelera el proyecto de Orquesta; una vez montado el repertorio y estando listos para tocar…solo faltaba algo ¿qué nombre ponerle a esta incipiente agrupación? ….el nombre lo sugirió el Saxofonista y Jazzista Venezolano Víctor Cuicas quien dijo “pónganle Dimensión Latina”… el nombre les gustó, y así se lanzaron sin saberlo, a la conquista del gusto del soberano, y en el año 1972 se produce en la “La Distinción” el debut de la “La Dimensión Latina”, la cual en sus inicios estuvo conformada entre otros por: Oscar D' León, en el Bajo y Vocalista, Cesar Monge (Albóndiga) en el Trombón, Dirección, Coros y Arreglos Musicales y José Rodríguez (Joseito) en los Timbales, Bongó y Campana.

La primera grabación de “La Dimensión Latina”, la hacen en un disco de larga duración compartido con el “Clan de Víctor”, su primer éxito, fue el sencillo “Pensando en ti”. La Dimensión, empezó ha expresarse de manera muy personal logrando con ello una identificación con la que se coloca en el primer plano de popularidad, con un aire compacto profesional y con ángel escénico. Sus innumerables éxitos han sido motivo para que se hayan hecho acreedores de importantes premios recibidos en su gran trayectoria musical.
Comienzan a cosechar éxitos, con: LLORARAS, PARAMPAMPAM, entre otros, que les da conocer en el gusto musical, nacional e internacional y que los catapulta a la fama. En años posteriores serian incorporados otros miembros, que a la postre por su calidad y estilo, marcarían éxitos que muy difícilmente los desligaría del género musical que representaban y representa la “ Dimensión”, entre ellos Vladímir Lozano, bolerista de gran calidad vocal, se incorpora en el año 1974, quien vio crecer a la Dimensión y al cual se le deben muchos éxitos musicales de la Orquesta, tales como: TABOGA, DOLOR COBARDE, SIN TI, MI ADORADA, LA PIRAGUA, entre otros.

En el año 1987 “Dimensión Latina”, es adquirida por Luis Pérez un Empresario Artístico Venezolano, que desde el año 1972 había sido un seguidor de esta Orquesta.

En el año 1988 Luis Pérez, su nuevo Director y Propietario, decide realizar un gira que lleva a la Orquesta por primera vez a Europa, en un recorrido por los siguientes países: Francia, Italia, Holanda, Bélgica, España e Islas Canarias, la cual es complementada en los Estados Unidos en las siguientes ciudades: New York, Miami, Los Ángeles, San Francisco, Las Vegas entre otras.

Todas estas razones fueron suficientes para que el 24 de Julio del año 2003, la Alcaldía Metropolitana, declarara a la “Orquesta Dimensión Latina”, Patrimonio Histórico Cultural de Caracas, condecorándola con la Orden Francisco Fajardo, lo que se suma a otros reconocimientos recibidos con anterioridad tales como:

24 de Diciembre de 1996.	Orden Buen Ciudadano en su Única Clase, otorgada por el Concejo Municipal Libertador.
17 de junio de 1999.	Orden Diego de Lozada en Primera Clase, otorgada por el Consejo de la Orden Diego de Lozada
22 de julio de 2003	ORDEN FRANCISCO FAJARDO. Declarada: “Patrimonio Histórico Cultural de la Ciudad de Caracas”. Distinción que la otorga la Alcaldía Metropolitana

Asimismo la “Dimensión Latina”, ha tenido el privilegio de haber recibido innumerables reconocimientos, entre los que se cuentan: Seis (6) MERIDIANOS DE ORO, Dos (2) GUAICAIPUROS DE ORO, Tres (3) MUSA DE ORIENTE, Tres (3) MARA DE ORO, Dos (2) CONGO DE ORO en Colombia, Un (1) BUHO DE ORO en Panamá y un (1) Mara De Platino en el año 2003 en Venezuela así como otros de significativa importancia. Se estima que la “Dimensión Latina” en toda su historia, ha vendido no menos de 30 millones de de Discos y acumula más de 3000 presentaciones en vivo, entre los que se cuentan los siguientes conciertos:

Año	Evento
1977	Festival de Salsa Internacional, Madison Square Garden
1978	Festival de Salsa Fever, Madison Square Garden
1979	Festival Mundial de Salsa, Coliseo Roberto Clemente, Puerto Rico
1980	The Boston Globe Jazz Festival, Boston
1983	Festival de Salsa Internacional, Madison Square Garden
1986	Festival Mundial de Salsa de New York, Madison Square Garden
1990	Festival de Can Cun, Mexico
1991	Festival de Nime, Francia
1993	Festival de Orquestas, Puerto Rico
1997	Festival Mundial de Orquestas, Bogotá-Colombia
1998	Festival de Orquestas, Miami
2001	Festival Mundial de Orquestas, Bogotá-Colombia
2003	Festival Mundial de Salsa Caracas Venezuela
2004	Festival Mundial de de la Salsa en Panamá.
2005	Sauce, World-Wide Festival, Francia.

Cuentan los entendidos de la Salsa, que gracias a la nueva gerencia bajo la dirección de Luis Pérez, durante estos últimos diecisiete (17) años es que podemos hablar hoy de una nueva institución de la salsa..!!

El jazzista venezolano Víctor Cuica, fue quien sugirió el nombre a la banda.

Dimensión Latina Actual

Nombre	Actividad
Luis Pérez	Director
Héctor Velásquez	Trombón
José León	Trombón
Franklin Sánchez	Cantante
Marlon Aráujo	Cantante
José A. Torres (tuki)	Piano
Daniel Silva	Bajo
Alfredo Padilla	Timbales y Timbalito
Moisés García	Congas
Tony Duarte	Bongó y Coreografía

Para la Fecha de esta Publicación.. ya no se encontraba físicamente entre nosotros el Maestro del Timbal “ALFREDO PADILLA”

*03/01/1946 - †18/12/2008

VIVA LA SALSA, VIVA LA DIMENSIÓN LATINA

Biografía: Carlos Emilio Landaeta “Pan con Queso”

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 07 Nov 2009 20:09:00 +0000

Nombre: Carlos Emilio Landaeta.
*04/11/1920, Caracas-Venezuela.
†30/09/1991, Caracas-Venezuela.

CARACAS, VENEZUELA, LA LEYENDA MUSICAL, CARLOS EMILIO LANDAETA. ESTA FAMOSA LEYENDA MUSICAL, CUYA MÚSICA TRASPASÓ FRONTERAS A TAL PUNTO DE CONVERTIRSE EN TODO UN EMBLEMA DENTRO DE LA MÚSICA AMERICANA. CON EL TIEMPO FUE SIENDO CONOCIDO DENTRO DEL MEDIO ARTÍSTICO CON EL REMOQUETE DE “PAN CON QUESO”, EL CUAL TERMINÓ POR HACERSE MÁS POPULAR QUE SU NOMBRE DE PILA Y, A PESAR DE LO GRACIOSO QUE PUEDA SONAR, UN NOMBRE DE RESPETO DENTRO DE LA SALSA MUNDIAL, EMPEZANDO POR EL LEGENDARIO TRABUCO VENEZOLANO QUE LE RINDIÓ UN MERECIDO TRIBUTO.

Nacido en la popular parroquia de Altagracia, durante su juventud, fue testigo de la visita a Venezuela, de las grandes agrupaciones y conjuntos de la época, entre los que se encontraba el conjunto de Miguel Matamoros, cuya presentación en el teatro Ayacucho en el año 1933, lo marcaria musicalmente. A la edad de 14 años comienza a hacer investigaciones, de todo lo relacionado con el son cubano. Sus primeros pasos en este genero fue a la edad de 18 años como cantante de uno de los tantos tríos que se congregaban en el bar Democrático de la esquina de la Torre, en espera de alguna presentación o fiesta familiar, donde fueran contratados sus servicios, los que combinaba con sus oficios de cartero y posteriormente de oficinista del Ministerio de obras publicas.

Fue precisamente en el bar Democrático, donde recibe el apodo de pan con queso, de parte de un trompetista al que llamaban Guelito, debido a que Carlos Emilio consumía este tipo de sándwich mientras los demás presentes, conversaban e ingerían licor, al que Landaeta no era afecto.
Ingresa a la banda de Manuel Dessman que se disuelve rápidamente y es llamado a formar parte en una pequeña agrupación que tocaba en la taberna del famoso Hotel Magestic. Su debut profesional fue como maraquero de la orquesta de Luis Alfonzo Larraín en 1947 a la edad de 27 años.
Posteriormente ingresa al trío Siboney del que se separa en 1948 para fundar la Sonora Caracas en la que permaneció hasta el año 1951 fecha en la que ingresa a la orquesta Billo's Caracas Boys, ejecutando en ellas el bongo.

Es durante su permanencia en la Orquesta Billo's específicamente en el año 1955, donde hace su primer aporte a la música latina, al inventar las maracas de cuero, lo que compartía también, al formar un equipo de baseball con el nombre de la orquesta. En el año 1957 se disuelve la Orquesta Billó's y pasa por diferentes bandas como la de Pedro J. Belisario, Alberto Muñoz y nuevamente con Luis Alfonso Larraín y los Magatones de Lucho. En el año 1968 forma parte de la orquesta los Dementes de Ray Pérez, donde paralelamente se dedica a la fabricación de instrumentos de percusión, realizando su segundo aporte a la música del Caribe, al crear las llaves para estos instrumentos y su famoso bongo de 5 llaves.
Durante varios años se dedica a la fabricación de sus instrumentos y a fomentar las raíces y los ritmos del son cubano. Formo el conjunto Pan con Queso y su guaguancó en 1975 luego lo llamaría los Puretos ( apelativo que se da a la personas mayores en Venezuela ), pero el viernes 3 de Diciembre de 1976, en pleno "boom" comercial de la llamada "Salsa", el arquitecto Domingo " el Flaco" Álvarez organiza un concierto-recital en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela, para ilustrar el ciclo de conferencias que venía dictando llamado, Son Montuno y Guaguancó, y así demostrar cómo en el origen y evolución del son, se encontraba la columna vertebral de las expresiones musicales contemporáneas del Caribe, incluyendo la salsa.
Los invitados principales fueron, el conjunto de Landaeta que por sugerencias del Flaco, pasarían a llamarse el Sonero Clásico del Caribe y ser la mayor institución Cultural del Caribe encargada de difundir los tradicionales géneros musicales cubanos.

El Sonero Clásico del Caribe, el grupo cuya pureza y calidad en la interpretación del auténtico Son, le valió ser reconocido en Cuba, la cuna del género; brindará un concierto especial, en la Plaza Rolando, frente al Teatro Cajigal, de Barcelona, el viernes 7 de octubre, como parte de la programación de apertura de la Trigésima edición del Festival Internacional de Teatro de Oriente.

El 3 de diciembre de 1976, en pleno boom comercial de la llamada Salsa, el arquitecto Domingo Álvarez organiza un concierto-recital en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela, con la finalidad de demostrar, al público juvenil, cómo en el origen y evolución del Son, se encontraba la columna vertebral de las expresiones musicales contemporáneas del Caribe. Para ello, recurrió a un grupo de músicos que habían aprendido el Son en su forma más genuina y pura, formando un sexteto a la manera de los que sonaban en la Habana, por allá por los años veinte del siglo pasado.

Aquel encuentro se convirtió en el punto de partida del Sonero Clásico del Caribe, fundado y dirigido por el músico Carlos Emilio Landaeta ("Pan con Queso"), conocido por la elaboración de instrumentos de percusión, admirado en toda el área del Caribe y avalado, musicalmente, por sus participaciones en la Orquesta de Luis Alfonso Larraín (1947); La Sonora Caracas (1948, de la cual fue fundador); la Orquesta Billo's Caracas Boys (1951); y Los Dementes (1968).

Temas como Carmelina, su primer gran éxito; Sobre una tumba una rumba; Qué extraño es eso y Son de la loma, entre otros, tendrán la oportunidad de disfrutar los barceloneses, y, en especial, los amantes de la música caribeña, en el Concierto de celebración de los treinta del Festival Internacional de Teatro de Oriente.

El Sonero Clásico del Caribe, por su pureza y calidad en la interpretación del son cubano, se convirtió en invitado de honor en el Festival del Son, en homenaje a Ignacio Piñeiro, celebrado en Santiago de Cuba, en 1982. También fundo los tambores de Guaguancó por iniciativa del folklorista Oswaldo Lares.
Carlos Emilio Landaeta el popular Pan con Queso, que con sus aportes a la percusión le dio un cambio a la música del Caribe fallece el 30 de Septiembre a los 70 años en la ciudad de Caracas, Venezuela.

"...Sin embargo, este Sonero Clásico del Caribe, a pesar de esos elementos no salsosos, nos resulta importantísimo a la hora de conformar el balance global de la salsa".
César Miguel Rondón
El Libro de la Salsa
Caracas, 1980

Fuente: deguataca.com

Biografía: GRUPO FOLKLORICO Y EXPERIMENTAL MADERA

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 03 Nov 2009 18:30:00 +0000

EN MEMORIA A LOS MUSICOS FALLECIDOS DEL GRUPO MADERA

Foto: Miembros Fundadores del Grupo Madera

Por Nelly Ramos

El Grupo Madera nace en el año 1977, y viene a ser una síntesis de todo lo que hasta ese momento había ocurrido, en lo social, cultural y musical en la Parroquia San Agustín del Sur.
Cuantos encuentros tuvieron que producirse entre aquel músico inquieto, alegre y soñador llamado Juan Ramón Castro y sus amigos del barrio Marín de la Parroquia San Agustín del Sur, esos compañeros de toques y bohemias, para, entre todos darle forma a una idea que desde hacia rato ocupaba su mente. Había que encontrar una manera de recoger toda la experiencia musical de la parroquia y difundirla. Eran el canto, la música y el baile, materias fundamentales en cualquier expresión cotidiana, más aún cuando cada uno de ellos: Ricardo Quintero, Jesús “Chu” Quintero, Felipe Rengifo “Mandingo” y Carlos Daniel Palacios registraban en su haber la participación en un grupo, bien haya sido de gaitas o de aguinaldos, de zamba, de rock, de salsa o por lo mínimo haber sido serenatero. Como manifestar el resultado de esas “descargas callejeras”, reuniones obligadas el 1º de Enero de cada año, donde todos tenían posibilidades de cantar, tocar y bailar. Y que decir del ingrediente migratorio arraigado por muchos años en la parroquia. Personas llegadas de barlovento y del oriente del país con sus cargas de costumbres y tradiciones. Tal cual se trataban de diversas formas trasladadas del medio rural al urbano. De igual manera fue el alto índice de población procedente de Colombia y Trinidad, hoy incluso comienza a percibirse una marcada presencia de nigerianos. En esencia el objetivo consistía en recopilar y difundir las danzas, canciones, poesías y todos aquellos elementos que a través de décadas se habían acumulado en años de tradición musical en el barrio.
Al fin, cuando se logra concretar la idea, en forma entusiasta pero muy celosamente se fue extendiendo la convocatoria hacia aquellos que cumplían con un perfil para participar como integrantes. Es así como el grupo queda integrado por Juan Ramón Castro, Felipe Rengifo, Jesús “Chu” Quintero, Farides Mijares, Ricardo Quintero, Héctor Romero, Carlos Daniel Palacios, Lesvy Hernández, Ángel Silvera, Luís Orta, Alfredo Sanoja, Ricardo Orta, Miriam Orta, Nelly Ramos, Alejandrina Ramos, Nilda Ramos, Tibisay Ramos, grupo al que luego se sumo Marcela Hernández, Cecilia Becerrit, Mirna Isturiz y José Rivero. También participaron como colaboradores en el inicio, Eva Francia Martínez y Aleida Hernández.

Se da inicio al trabajo bajo un concepto empírico, la guataca individual fue el mejor aporte para comenzar. Se prepara un montaje el cual recoge buena parte de la tradición cultural del barrio Marín, con miras a lo que pudiera ser un trabajo científico. El Grupo esta listo y preparado; “Cantándole a todo el pueblo sin importar su color. Si eres blanco, si eres negro y sientes ese clamor, sólo has de vibrar ahora y compartir su dolor. Y también sus alegrías al fuerte son del tambor”. Todo estaba listo “al pie de la conga y el bongo te traigo de mi barrio la expresión”, pregonó más adelante Ricardo Quintero.

Y que nombre se pondría al grupo, la tarea estaba fácil. Había una espinita por allí pendiente que Juan Ramón debía sacarse. Que mejor manera de decirle a un reconocido director de orquesta de la época, quien se dio a la tarea de subestimar el trabajo de los músicos de la parroquia que “San Agustín si tiene MADERA” y razón por la que Ricardo Quintero se plantó para inspirarse y entonar: “Canto para que la gente sepa lo que siento, canto para que la vida tenga una razón, quiero dar un buen ejemplo a todo el que canta, nada puede impedirme dejar de cantar. Canto también al que canta a sin fin de cosas, la realidad de este mundo tienes que expresar, el canto debe ser arma de usar en la lucha, porque su canto lo escucha el que va a luchar. Cántale al pueblo sin odio y sin falsedades, llévale con tus cantares toda la verdad, dile que todos podremos lograr una vida de fe e igualdad y pensar en el mañana por la victoria final”. Con ello la respuesta estuvo dada. Primero se pensó en el nombre, como respuesta artística y luego el adjetivo en sí mismo se convertiría en el recordatorio recurrente de tal cualidad para hacer referencia a las aptitudes y actitudes de sus integrantes. Fue el ya fallecido Filarberto Guzmán “Fili” (artista plástico y escritor) quien la colocación de “Folklórica y Experimental”, por consideración a las formas como se desarrollaba el proceso de creación y producción.
Ya el reto estaba planteado, lo sucesivo requería enriquecer la propuesta, afianzar la investigación. Ensamblar la guataca con los antecedentes y soportes teórico-prácticos de las expresiones culturales en las que se basaba el trabajo artístico. No en vano llegó a señalar Alejandrina Ramos para describir al grupo Folklórica y Experimental “Madera”, que él “…era un intento de actuar y representar los valores del pueblo, sus creencias, en una forma tal que llegue a todos los rincones de la población”. Más claro no pudo interpretarlo Ricardo Quintero en el tema “Canción con todos”: “el llamado lo hago con Madera a los barrios, ghettos y favelas”. Por lo tanto, el mensaje debía ser original y bien fundamentado.
Tan definido estuvo este propósito, que Alejandrina terminó por afianzarlo en el contenido del tema “Mi cantar” guajira-son cuyo texto en voz de Carlos Daniel Palacios y Ricardo Quintero dice: Ahora va mi cantar, para las damas presentes, también para los ausentes, yo lo voy a dedicar, al hombre trabajador, albañil o labrador, a todos va mi cantar. El canto debe llegar, a toditos los rincones, no importe el tono que tome, tan sólo debe expresar, todo el que hacer de la gente, lo que hace y lo que siente, de los pueblos su pensar. El canto debe llevar, las tristezas y alegrías con sus tonos y armonías, su texto has de matizar, haciendo vibrar el alma, produciéndonos la calma, haciéndonos despertar. PARA TODO EL PUEBLO ES MI CANTAR. Y que decir de las inspiraciones de Ricardo y Carlos Daniel en el desarrollo del tema, recuérdese que se trata de una composición en tiempo de guajira cubana, razón por que en la alternancia entre ambos los pregones fueran: de la tierra de Martí, al pueblo venezolano, traigo este ritmo cubano, para los bolivarianos, porque soy latinoamericano, este canto es para ti, expresando mi sentir, sentir de este pueblo hermano, como un atardecer cubano, y como la caña de azúcar, traigo este dulce poema preñado, preñado de notas venezolanas, de toditos los rincones, esto es dedicado al hombre trabajador.

Termina por agregar Alejandrina, que el grupo “trata de representar un espectáculo que vaya más allá de la danza por la danza y la música por sí misma; es la suma de renovadas experiencias adquiridas en el quehacer diario y en la vida profesional de algunos de sus integrantes; el ritmo candente de sus bailarines, el sentimiento y rebeldía de sus músicos al hacer vibrar los instrumentos, se conjugan no para divertir, sino para contribuir con lo que deberá ser, para invitarnos a participar del momento actual, para decirnos, que la historia se construye luchando, aportando lo que tenemos de sí, y ahora, es este su aporte… Es un trabajo que se desprende del alma del pueblo, su sentir y el de una raza sometida en época de esclavitud, pero que ahora orgullosa, está ante nosotros tomando su papel histórico con sus cantos, su música, su poesía y todo lo que le permita una expresión clara y un mensaje de solidaridad y amor” (Texto introductorio del Curriculum Vitae del Grupo Madera redactado por Alejandrina Ramos. 1.977-1978)
Todo ello, constituye el soporte para que el grupo estructure su primera propuesta artística tomando elementos de la región de barlovento, bailes y toques yoruba, rumba afrocubana, y son montuno en tiempos de son-guaracha y guajira-son. Tan comprometida era la participación en el grupo como obligatorio el manejo y conocimiento de lo que se estaba haciendo. La población infantil, un valor importante en el conglomerado, razón por la que Alejandrina logra aglutinar a un buen porcentaje de niños y niñas de la parroquia para comenzar su inducción en la ejecución de instrumentos de percusión y el aprendizaje de danzas y bailes tradicionales. No se debía descuidar la labor preventiva entre los habitantes. Este grupo de niños paso a conformar al Grupo “Maderita” el cual también cumplió con una agenda de invitaciones.

Superando hasta cierto punto los obstáculos, el grupo hace su primera presentación el 18 de noviembre de 1977 en la Casa “Monagas”, realizando en lo sucesivo alrededor de 60 presentaciones entre el 77 y el 78, en sitios como la UCV (Aula Magna y diferentes Escuelas) Pedagógico de Caracas, Universidad Católica Andrés Bello, Universidad Simón Bolívar, Teatro Municipal, diferentes liceos, Colegio Universitario de Los Teques, Patronato de Ancianos, Teatro París, Cárcel del Junquito, el Poliedro, Carpa del Ateneo, Plaza públicas de Caracas, Teatro Alcázar, Concha Acústica de Bello Monte, en diferentes barrios populares del área urbana y en regiones del interior como Curiepe, Río Chico, Sotillo, Ocumare del Tuy, La Guaira, Caucagua, Barquisimeto todas ellas, sin discriminar ningún lugar al que fuese invitado y sin condicionar las invitaciones al recibimiento de contraprestaciones económicas determinadas. De igual manera participo con interés y sentido de compromiso en los actos de solidaridad a los que fue invitado. Compartió actuaciones con el querido y siempre recordado Alí Primera y también con grupos y artistas como Ofrenda de Vittas Brenner, Frank Quintero y los Balzeguaos, Sonero Clásico del Caribe, Trabuco Venezolano, Nuestra Orquesta “La Salsa Mayor”, Los Papines, Ela Calvo. En el 78 participó en la IV Sesión Mundial de Teatro de las Naciones, en julio del mismo año participó en el programa ¿Qué pasa? Con Ligia Duarte y Antonio Sánchez en Venezolana de Televisión, grabó también un programa para el “Show del Sindicato de Radio y Televisión y a inicios del año 1979 participó en el documental “La salsa del barrio”. Corto realizado por Jacobo Penzo y Carlos Azpúrua el cuál, después fue conocido con el nombre de “El Afinque de Marín”, aporte realizado por el hoy fallecido cultor y promotor de las descargas callejeras y muchos grupos de salsa en la parroquia, Sr. Jesús Blanco conocido con el remoquete de “el pure” (padre de los reconocidos músicos Felipe y Jesús “Totoño” Blanco) Para este período y como resultado de todas esas actuaciones el grupo ya se encontraba posicionado en un sector de la población que se fue convirtiendo en su fiel seguidor

Fotos tomadas en una presentación del Grupo Madera en el Club Bancario, el Paraiso, Caracas el 30 de Diciembre de1977

En un formato de 24 minutos, “El afinque de Marín”, logra recoger y sintetizar las inquietudes, el movimiento musical y la vida misma del barrio. Posterior a lo que fue su primera proyección en la parroquia, hubo quienes propusieron al grupo la creación de un movimiento social el cuál llevara el mismo nombre del corto, para lo cual se le proporcionan las debidas orientaciones. Deciden entonces constituirse en Asociación Civil. El grupo se mantendría al margen sin asumir ningún cargo de representación en la Junta Directiva, se espera que dicha organización aglutine a todas las personas de la comunidad sin distingos de ningún tipo.

El disco, un nuevo reto. Ahora, abocarse a hacer comprender a las casas disqueras que ese era nuestro trabajo, por lo tanto, lo que se deseaba grabar. “Ese trabajo no es comercial”, decían ellas, “esas letras son revolucionarias”, “un disco con ese material no se va a vender”. Finalmente alguien acepta realizar la grabación, pero no todo fue color de rosas. “Hay que mover esto de aquí para allá”, “esto está muy largo”, el coro de “Canción con todos” no se oye bien diciendo “barrios con barrios unidos”, mejor digan “todos los barrios unidos”, “tienen que recortar “El Negro Lorenzo”, eso está muy largo. Con la autorización de su autor, Miguel Otero Silva, afortunadamente con vida para el momento, se reestructura el poema y finalmente se concluye con la grabación del disco.

1er. Disco del Grupo Madera

2do. Disco de el Grupo Madera

3er. Disco del Grupo Madera

Acontecimientos y experiencias experimentadas en el seno de una comunidad, dieron origen a la creación de un grupo que definió su conciencia ética, moral e ideológica a partir de sus creencias y convicciones sin que ello exigiera el establecimiento de alianzas o militancias con y en organizaciones políticas alguna. El concepto político estaba implícito en la propuesta misma, en el mensaje, en el pensamiento y en la práctica cotidiana. El reconocimiento social que el grupo pudiera obtener tenía que ser el resultado de una posición ante la vida socio sociocultural que claramente fue interpretada y que sabemos llegó a quienes estaba destinada, sin haber requerido para ello, suscribirse a opciones presidenciales que estimularan un sentido arribista para alcanzar estatus o posiciones en el gobierno que estuviera de turno.

El 30 de julio de 1980, el Grupo Folklórica y Experimental “Madera” lleva a cabo una presentación en la sede de la Asociación Musical en ocasión de la elección de su nueva Junta Directiva. Se aproximaba con estas a las noventa actuaciones. Posterior a ello, es invitado por el Conac a través de la Dirección de Promoción y Difusión a realizar una gira por el Estado Amazonas. Esta gira debía realizarse entre los días 9 al 18 de agosto de 1980 a través de los pueblos indígenas Zamariapo, San José, Moriche y San Fernando de Atabapo. A decir de esta gira, quizás una invasión a los espacios ocupados por las Nuevas Tribus que en nada conciliaban con el mensaje que transmitiría el Grupo Madera. De este compromiso institucional, quedó un boucher como comprobante de pago a Juan Ramón Castro, el cual dice textualmente “50% de anticipo de un total de 22.500,00, por Honorarios Profesionales Artísticos como representante del Grupo Experimental Folklórico “Madera”, el cual viajará del 13 al 18.08.80, por la Región Sur”. Este fue elaborado el 10-07-80 y cobrado el 06-08-80. Puede que este sea, un dato irrelevante, el es usado sólo como referencia para dar a conocer, cual fue el monto de los honorarios profesionales que el grupo percibiría por una gira de 10 días. Gira esta que en forma contundente, marcó y definió el futuro del Grupo Folklórica y Experimental “Madera”.
El desplazamiento es el eslabón más débil en la cadena, que ata un artista con el ejercicio de su labor. Allí se rompió la cadena el 15 de agosto de 1980 para Madera. La Falka Esther, a quince minutos de haber zarpado en Puerto Ayacucho, Zamariapo para ser más exactos, en el Amazonas venezolano zozobró, y elevó a la altura de las estrellas a este grupo que sigue tocando sus tambores y bailando con frenesí los ritmos que sus ancestros los africanos les legaron.
El impacto que se produjo en los miembros del grupo que por una u otra causa no corrieron con la misma suerte: Carlos Daniel Palacios, Marcela Hernández y Felipe Rengifo (sobrevivientes) Miriam Orta, Nelly Ramos, José Rivero y Farides Mijares, como resultado de la tragedia en el Orinoco, además del impacto emocional, generó la creencia de promover su continuidad como el mejor homenaje que se le pudiera rendir a los compañeros fallecidos. Entre el dolor, el desánimo y la confusión se acomete la reestructuración. “Sólo se mojaron y en la orilla están” fue el mensaje de esperanza que ante la impotencia de todos les hizo llegar Ali Primera. Entre el llanto y la rabia, así lo pensamos así lo creímos.

Muchas, pero muchas personas apoyando, atendiendo las labores de rescate (las cuales pasaron más de dos meses) y aportando su grano de arena en lo que fuese posible. En medio de tal situación, una institución o empresa la cual no me perdono el poder recordar, realizó una importante donación de instrumentos musicales y equipos los cuáles fueron por mucho tiempo y creo que todavía el soporte del grupo. Por otro lado la Asociación Musical del Distrito Federal y el Estado Miranda la cual se mantuvo acompañando al grupo, a través de su Consultoría Jurídica, acuerda estimular la reestructuración legitimando su funcionamiento por medio del registro de una Fundación. Para ello, bajo su única voluntad decidieron estructurar una Junta Directiva que estuviera integrada por fundadores, familiares y amigos. Ninguno de los fundadores participo en la elección de cargos y de personas a ocuparlos, cosa que tampoco hubiésemos estado en capacidad de participar de manera racional. En torno a esto, válido acotar, que Juan Ramón Castro en sus puntos de agenda de reunión celebrada el día 05 de agosto de 1980, acotó lo siguiente “a partir del 04.08.80 apartado el nombre del grupo para registrar”. No obstante, el aporte de la Asociación fue recibido como un incentivo válido para continuar con el trabajo. A cargo de los fundadores se inicia el trabajo con nuevos integrantes y se realiza la reaparición del Grupo Madera el día 30 de mayo de 1981 en el barrio Marín. A partir de aquí, fueron interminables las invitaciones y los homenajes en su honor en los que se hubo de participar.

Cualquier vía de expresión, fue útil para rendir un tributo. Grupos de teatro que aún existen con el nombre de “Alejandrina Ramos”. Cuantas interpretaciones de “La Negra Lorenza” realizadas por escuelas y comunidades. En 1982, fue apadrinada una promoción de bachilleres del Liceo Urbaneja Achepol. La cantante Tania rindió su homenaje con el “Son de Madera”, Orlando “Watussi” les dedicó “Allí estaré”, Mauricio Silva y su Orquesta Anabacoa escribió “Canto al Madera” grabada en voz de Carlos Daniel Palacios. Conocimos versiones de “Compañeros” interpretadas por “Son 14”. “Mi cantar” grabada por la Sonora Ponceña, “Canción con todos” por Gilberto Santa Rosa”, Cheo Feliciano por su parte en “Los Entierros” de Tite Curet Alonso, les dedica un verso. Lo mismo hicieron lo suyo Andy Montañez, Willie Colón, Rubén Blades, y el Grupo Irakere entre otros.

A continuación colocamos una serie de fotos de periódicos como el Autana, Linderos, etc., de Puerto Ayacucho, Territorio Federal Amazonas, así como otras tomadas por fotógrafos del Ministerio de la Juventud para la época, nuestra intención es recordar lo ocurrido para que perdure en la memoria de los Venezolanos; por ello recordamos la canción del Cantor del Pueblo, Ali Primera: "SECANDOSE AL SOL, PRONTO SONARAN, SIENTO UN GRAN DOLOR EN EL COSTILLAR SE AFLOJA EL TAMBOR Y ES POR LA HUMEDAD" Grupo Madera recordaremos tu tradición cultural y a los Jóvenes Civiles y Militares que perecieron en este accidente.

Descarga: GRUPO SOUNARE (tema promocional)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 02 Nov 2009 18:56:00 +0000

SOMOS UNA BANDA CALI - COLOMBIA CON 5 AÑOS DE TRAYECTORIA ESTAMOS LANZANDO NUESTRO PRIMER SENCILLO "QUIERO CAFE" SON MONTUNO DISFRUTENLO CON TODO EL CARIÑO.

RESPETUOSAMENTE

OSCAR DEL CASTILLO
DIRECTOR GRUPO SOUNARE
310 508 2017
http://www.sounare.com/

Descarga tema promocional "QUIERO CAFE" AQUI

Biografia: Luis "Tata" Guerra

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 01 Nov 2009 20:18:00 +0000

Luis Tata Guerra, miembro de una familia humilde y trabajadora es el ultimo de 4 hermanos, nace de una tradicion musical, su padre tocaba guitarra, ademas mu hermano mayor Emerio Guerra es guitarrista en la habana.

Luego estudia musica y saxofón en la Escuela Salesiana de Guanabacoa. Aprende a tocar la tumbadora, y los ritmos de Rumba y Guaguanco en su barrio en la decada de los 50.

Integro la Orquesta Almendra 1954 realizando presentaciones en los mejores centros nocturnos de la isla. Ensayó con el Conjunto Casino y con el de Arsenio Rodriguez.

En el año 1956 llegó a Colombia con la Orquesta Cuban Swing, se quedo por 4 años trabajando con las agrupaciones Sonera del Caribe y la Orquesta de Pepe Reyes (cantante cubano). de allí siguio a Venezuela donde radica desde el año 60.

El maestro Guerra posee una amplia trayectoria como musico por su actividad en diferentes agrupaciones tales como: Los Melódicos, Victor Piñero y sus Casiques, Aldemaro Romero, Chucho Sanoja, El Pavo Frank, y acompañando en la percussion en Caracas a Tito Rodriguez, Miguelito Valdez, Rolando Laserie, Daniel Santos, Olga Guillot, Ruben Blades, Paco de Lucia, incluyendo al Rey del Timbal Tito Puente y muchos Otros.

Sus composiciones han sonado en los medios de comunicación de Santo Domingo, España, Cuba, Puerto Rico, Colombia, Venezuela.

La Composición "Son Matamoros" dedicada a ese famoso trio cubano, fue incluida en la pelicula "Salsa" allí participaron: Celia Cruz, Tito Puente, Mongo Santamaria, el Grupo Niche y otros Valores. Fue miembro de la Orquesta de VTV (canal 8), durante 23 años, (1965-1991).

Integrante y Director del trio Hermanos Rodríguez, en el año 1994 viajaron a las Islas Canarias invitados por el Presidente Hermoso, y son muy conocidos alli por el exito "Son Canario" (composición del mismo Guerra).

de nuevo en 1999, regresaron a las Islas Canarias estando por mas de 2 meses, ademas de presentarse en el fabuloso The Trump Taj Mahal Casino Resort en Atlantic City, New Jersey.

En la actualidad presenta su programa "RAICES CARIBEÑAS" por ANTV.

Cuando se Habla de Composiciones, Luis TATA Guerra es ampliamente conocido a nivel Internacional.

Tata Guerra Junto a Phidias Danilo Escalona y Tito Puente.

Foto Actual Para la Fecha: 30/10/2009 en el evento. CLAUSURA DEL MES DE LA SALSA EN CARACAS, en la foto posa con la Productora Radial Jessica Peñalver de la Radio Fe y Alegria.

Biografia: Nano Grant "EL SONERO"

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 31 Oct 2009 22:28:00 +0000

NANO GRANT, Sonero de mil batallas

*30/03/1945

† 14/08/2003

Nacido en la maternidad Concepción Palacios, el 30 de Marzo de 1945, y lo bautizaron con el nombre de Octavio Ramón Palacios, pero casi nadie lo conoce por su nombre de pila sino por el de batalla, Nano Grant. Nano, aprendió a cantar en la calle, en las esquinas del barrio de esa populosa parroquia llamada San Agustín del Sur. Él junto a su primo Carlos Daniel Palacios, cantaban y animaban en cuantas fiestas se armaban en el barrio.Nano Grant, se inicia formalmente en la música en el año 1961, cuando es contratado por una agrupación llamada “Los Aventureros”, la cual estaba dirigido por Carmelo Montezuma. En principio Nano, se desempeñaba como bongosero del grupo, y luego paso ser el cantante. Es en el año 1962, que Nano Grant, realiza su primera grabación profesional con Los Aventureros, un disco de 78 rpm, en donde interpreta el tema “Ignoro tu existencia”, un numero que pegó y con el cual debutó en el año 1954, el afamado cantante Alberto Beltrán con la Sonora Matancera. En esta misma época, Nano Grant, forma parte de agrupaciones del barrio tales como: Frank y su Tribu, el Sexteto Los Crema, entre otros.En el año 1967, graba con la orquesta del “Pavo” Frank Hernández en el disco “El Pavo en Salsa”, siendo esta su primera incursión en una banda grande, en donde comparte vocalización con: Tomás Martínez “El Bobby”, Rafa Pérez, Tata Guerra y William Hernández. Su estadía con la orquesta del Pavo Frank sería muy corta, ya que al terminar la grabación del disco sale de la agrupación.En ese año 1967, hubo bastante movimiento en la carrera musical de Nano Grant, ya que ingresa a la orquesta de Porfi Jiménez, pero ya antes había grabado en el primer y único disco de un sexteto del 23 de Enero, llamado “Los Brothers”, el cual estaba dirigido por el pianista Pedro Landaeta, conocido en el medio artístico como Peter William. Con el maestro Porfi Jiménez, logra grabar en varias producciones, entre ellas se encuentran: “Porfi 67’ Salsa & Boogaloo” , "Porfin Porfi "(1968) y “Quinceañera”(1968).Después de su transitar por la banda de Porfi, se integra a la orquesta “Los Dementes”, la cual para ese entonces estaba bajo la dirección del pianista Ignacio Navarro, ya que Ray Pérez se encontraba en Nueva York, graban entonces dos Lp, bajo el titulo de "Los Nuevos Dementes", en donde uno de los temas más recordados es el famoso "Guaguanco a Marín", en tributo al barrio que lo vio crecer.En esta etapa de los años setenta Nano Grant, participa como vocalista en distintas agrupaciones de la capital como la de Andrés y sus Estrellas, con el cual graba un disco en el año 1976, estuvo también con La Sonora Hípica, con el Sexteto Los Compadres, entre otras. Y finalizando esta década, específicamente en el año 1979, realiza una excelente grabación con la orquesta Antillana, titulada “Nano y la salsa cubana”. Más tarde, en el pueblo de Santa Lucia, fundaría la orquesta Epa, con la cual graba un disco. Luego se integra al Grupo Madera, después de la conocida tragedia. Con el Madera, graba en el segundo disco. Nano Grant al igual que tantos músicos venezolanos, participó en las famosas descargas de los barrios, dejando ver su gran calidad como sonero.En el año 1991, Nano graba con la Banda Sigilosa en la producción “Rumbacumlaude”, donde interpreta un sabroso guaguanco callejero titulado “Superman”. Luego se integra a la agrupación “Cadáver exquisito”, con la cual trabaja por varios años y en donde dejaría su voz grabada en un excelente disco en vivo desde la Terraza del Ateneo de Caracas, en Octubre del 2000. Para muchos esta sería la última grabación de Nano Grant, pero no obstante este gran sonero de mil batallas, unos meses antes de estar quebrantado de salud, grabó en un disco con una de las tantas agrupaciones que alegran las noches caraqueñas, “Emsamble 2”, en donde vocaliza con gran estilo el tema de Alejandrina Ramos, “Canción con todos”, en homenaje a sus hermanos del Grupo Madera.Este gran sonero además de sus múltiples actuaciones en distintos escenarios venezolanos, también tuvo la oportunidad de realizar giras artísticas a Puerto Rico y Santo Domingo. Es posible que se nos hayan escapado algunos nombres de agrupaciones en las cuales cantó y soneó Nano Grant, ya que era una persona muy entregada a su profesión de músico, y solía presentarse en diferentes locales nocturnos dedicados a música latina. Nano Grant, muere el 14 de Agosto del año 2003, dejándonos un excelente legado musical y para muchos quizás fue y es el mejor sonero venezolano.

Biografia: DORIAN ALBERTO GREY (D.A.G) "RENACIENDO"

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 30 Oct 2009 21:57:00 +0000

Nombre: Dorian Alberto Urdaneta Valbuena.
Nombre Artístico: Dorian Alberto Grey ( D.A.G ).
Fecha de Nacimiento: 11 de Abril de 1977.
Lugar de Nacimiento: Maracaibo, Edo-Zulia. Venezuela.
Edad: 32 años.

Un 11 de abril de 1977 nace en Maracaibo-Edo Zulia Venezuela, Dorian Alberto Urdaneta Valbuena conocido en el medio musical como Dorian Alberto Grey ( D.A.G ), como toda persona natural Dorian Alberto, comienza sus estudios a la edad de 3 años estudiando en un colegio de su región llamado Colegio Cagigal donde pasa todo su Pre-escolar y su Primaria en su infancia hasta llegar al 1er. Grado de estudios diversificados donde pasa a otra institución llamada U.E don Simón Rodríguez donde en el 2do Grado de estudios diversificado comienza su experiencia musical y participa en concursos liceístas de música venezolana a la edad de 13 años estos concursos se hacían a nivel regional donde gana el primer puesto en la final del concurso pasando así a los Festivales a nivel nacional donde también se impone como ganador, Luego como Campeón de los eventos hace una gira a nivel nacional pasando por los Colegios y Liceos de cada Estado a nivel nacional.

A los 14 años participa en el concurso regional de Gaitas de la ciudad ( Maracaibo-Edo Zulia ) donde también gana el Primer lugar, de allí en adelante comienza su trayectoria Profesional cuando a los 15 años es llamado como solista de la agrupación Galenos de la Gaita un grupo Profesional reconocido en su ciudad de origen donde se queda por 2 años trabajando y al mismo tiempo estudiando su 3er,4to y 5to Grado diversificado en la U.E Thomas de Heres donde se gradúa de Bachiller.
A los 17 años pasa hacer parte de otras agrupaciones regionales de gaitas tales como: Sensación Gaitera, Acumbaye y otros. Sigue estudiando en la Universidad La carrera de Electricista Industrial, Luego a los 18 años pasa hacer solista principal de la Orquesta Scala 7 de género de Salsa Brava donde graba por primera vez, un tema compuesto por Kelvi Pirela su compañero en la orquesta y amigo. El tema llamado Padre Soltero Arreglado por el Maestro y Pianista reconocido Cesar Croes ( El Conejo ) y la vez también trabaja en un puesto de comida rápida donde el mismo es el dueño.
Perdura en esta Orquesta como 2 años hasta que se disuelve y es llamado para la Orquesta Media luna a la edad de 20 años luego pasa hacer parte de la Orquesta Eclipse donde Graba 3 temas compuestos por el Arreglista Esthef Nuñez dueño de la misma haciéndolos también en Genero de Salsa Romántica, A los 21 años nace Orianna Claret hija del cantante el 22 de octubre de 1998 la luz de sus ojos y su Ángel como él la llama, luego a los 22 años pasa hacer parte de una Agrupación Folklórica muy reconocida en la región y a nivel nacional donde también trabaja como solista y director musical llamada a su vez Tambores de Ibangala al mismo tiempo alterna con la Orquesta La Única y Sentimiento Tu, A los 25 años incursiona de nuevo en la Gaita con el Grupo DE-K-DA grabando 5 temas del compositor y cantante Elvis Nava reconocido también en la región Zuliana por sus temas con la Orquesta Carángano en ese mismo año participa con el Grupo Verada Gaitera y Estrellas del Zulia hasta ese año Dorian Alberto Grey ( D.A.G ) se encuentra en el medio musical lamentablemente deja la música por problemas personales y sigue trabajando como taxista y estudiando en la Universidad luego ya a punto de graduarse comienza a trabajar en una Empresa Petrolera desempeñando el cargo de Electricista Rebobinador de Motores industriales y por medio de lo divino y lo espiritual retoma su camino en la música cuando Dios nuestro creador Padre celestial lo escoge para utilizarlo como instrumento para llevar sus mensajes al mundo y deja de trabajar para retomar sus raíces musicales, comienza de nuevo a los 30 años entrando como solista principal de la Orquesta Clave 7 donde graba un tema del cantautor Elvis nava su colega, maestro y amigo .
Pasa la etapa de Clave 7 que le sirve de fogueo para empezar de nuevo y Dios le brinda el talento para componer y así complementa su labor como Cantautor y es cuando con la confianza que Dios le brinda se atreve a realizar su Primera Producción como Solista y compositor de sus propios temas colocándose su nombre natural añadiéndole el grito de guerra de su ciudad que es grey que viene del alza de la voz de su región cuando se independiza y se le llama: La Grey Zuliana.

Dorian Alberto Grey ( D.A.G ) es el nombre del primer solista salsero que sin estudios musicales ni de canto ha logrado producir música de alta calidad y de un contenido muy completo. Es el Primero en hacer una Producción completa e inédita de su Autoría y Composición en el Género de Salsa Brava en el estado Zulia-Maracaibo.
La Producción que se titula Renaciendo, viene del nuevo comienzo y del regreso del Cantante y contiene 8 temas inéditos de los cuales 6 de ellos son de su Letra y Música añadiéndole uno de los temas al disco que grabo con la Orquesta Clave 7 del Cantautor Elvis Nava y el segundo en añadir del Maestro, Arreglista y Compositor Alfredo Franco conocido musicalmente como; Al Franco. También Arreglista de todos los temas en la Producción Renaciendo.
En la Producción Renaciendo participan músicos de categoría y de excelencia en ejecución de cada instrumentos todos profesionales como por ejemplo: Alejandro Ávila ( Pianista ), José Luis Chacin conocido como ( bibi ) , ( Pianista ), Johan Morales ( Pianista ), Al Franco en los Bajos, José Lorenzo Jansen conocido como ( Pachin ), en la percusión de todos los temas, en los metales tenemos:
Kender Medina Excelente (Trompetista) y en los Trombones al Virtuoso Jiovany Morales entre otros más que participaron en esta Producción que con devoción a Dios y esfuerzo lograron brindarle la efectividad a los arreglos del Maestro Al Franco y a través de la amistad de tanto tiempo apoyar el talento de este Virtuoso Cantautor que en su haber tiene como 80 canciones inéditas fuera de las 6 canciones que grabo en su primera Producción y sigue Componiendo a medida del tiempo.
Este Cantautor también se está dando a conocer por medio de otros Artistas como por ejemplo: Bonny Cepeda de República Dominicana ya consagrado en el ambiente musical extranjero donde le brinda de su letra y música 2 de sus canciones y también con Artistas nacionales como Gustavo Nucette donde también le brinda 2 temas y Rony que se encuentran Grabando sus temas actualmente.
En lo Familiar este Cantautor tiene a sus Padres vivos quienes le han tendido la mano para que pueda lograr todas sus metas, sus 4 hermanos 3 de ellos varones y 1 hembra donde todos tienen el Don musical y lo desarrollan. Actualmente su hermano Rony que es su nombre Artístico también está incursionando en el ambiente ya que también tiene una trayectoria musical extensa y profesional donde se encuentra grabando temas compuestos por su hermano ( DAG ). Mientras que otros 2 son pianistas concertistas infantiles y están en el proceso musical educativo.
Dorian Alberto Grey ( D.A.G ) a compartido y a tenido la experiencia de alternar con Artistas como: Oscar D’Leon, Argenis Carruyo, Los Blancos, Guaco, Carángano, Adolescentes, Combinación 77, Dimensión Latina y Mana entre otros.
En el Género de la gaita a compartido tarima con Agrupaciones tales como: Cardenales del Éxito, Gran Coquivacoa, Estrellas Del Zulia, Galenos de la Gaita, Birimbao y muchos más.
Dorian Alberto Grey ( D.A.G ) reconocido por sus colegas y amigos como un talento virtuoso, persona humilde, Creyente fielmente en Dios, Paciente, Amoroso, Familiar, de respeto por los demás, también a dedicado su experiencia en ayudar aquellos que comienzan y bridarles su talento como cantante participando en coros y producciones musicales sin ningún interés propio ni económico.

Dorian ( D.A.G ) fiel amante del Genero de Salsa Brava Actualmente reside en la ciudad de Maracaibo donde en estos momentos se encuentra de Gira Promocional por todo el Territorio Nacional visitando, exponiendo su música a través de los medios de Radio y Televisión y afines tratando de poner en alto el talento nacional tanto en su país como en el extranjero, comunicándose por medio de la música de más alto nivel como lo es la Salsa Brava……
Para ver y escuchar a Dorian Alberto Grey puedes visitar y solicitar su cuenta en facebook por medio de su nombre Artístico, también puedes encontrar más información por e-mail Artístico:Dag.cantautor@hotmail.com Para contrataciones telf.: 0424-2337216\0261-3294920 También para obtener su Producción discográfica puedes llamar a los mismos telf. De Contrataciones.

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Biografia: Vitín Avilés

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 30 Oct 2009 16:43:00 +0000

Cantante y Compositor

Nombre verdadero : Víctor Manuel Avilés Rojas

Fecha de nacimiento : 30 de septiembre de 1924

Lugar: Barrio San Silvestre, Mayagüez , Puerto Rico

Falleció el 1ro. de enero de 2004 en Manhattan, Nueva York (EE.UU.)

La trayectoria artística de Víctor Manuel Avilés Rojas, conocido por todos como Vitín Avilés, abarcó fructíferas pasantías por varias de las más célebres orquestas exponentes de la música afroantillana , colaboraciones discográficas con otras tantas y exitosas etapas como solista. Este admirado cantante fue calificado por los críticos más exigentes como tan buen rumbero como bolerista . Dicho en palabras claras, se trata de un intérprete versátil y de estilo único. A juicio de muchos de sus seguidores, su mayor mérito lo constituyó haber sido seleccionado por Xavier Cugat como vocalista del álbum “Merengue by Cugat !” (CBS, DKC-10454), grabado en 1955, respondiendo a la petición del entonces dictador dominicano Rafael Leonidas Trujillo. Tal producción sigue siendo considerada la más exitosa, a nivel mundial, en la historia del merengue.

Irónicamente, el nombre de Vitín Avilés alcanzaría pleno cartel estelar a partir de 1974, luego de más de 30 años de intenso quehacer artístico, durante los cuales intervino destacadamente en cerca de 40 álbumes de música cubana tradicional y salsa, acompañado por bandas y conjuntos estelares. Aquel año grabó el disco de boleros “Canta al amor” (Alegre, SALP-8676) que generó tres exitazos: “Fui más leal” y “¿Por qué ahora?” (de Bobby Capó) y “Temes” (de Tite Curet Alonso). Esta producción es considerada un clásico de la discografía nacional.

Vitín Avilés era un músico intuitivo. Jamás estudió canto ni instrumento alguno. Nació el 30 de septiembre de 1924 en el barrio San Silvestre, Mayagüez. Durante su temprana juventud ejerció el oficio de barbero que aprendió con su progenitor, al tiempo que hacía sus pinitos como aficionado en diversos programas de la radioemisora WPRA en su natal Mayagüez. Por su privilegiada voz, se le anunciaba pomposamente como « Mojiquita », remoquete con que se pretendía compararlo con el aclamado tenor mexicano José Mojica .

En 1943 emprendió su carrera profesional al incorporarse a la Orquesta Hatuey , dirigida por el pianista William Manzano. Con aquella organización, en la que también figuraba Mon Rivera, estuvo cerca de un año. Y, luego de varios meses en Orquesta Anacaona , del pianista cubano Abdías Villalonga, decidió radicarse en San Juan, en 1944.

En la Ciudad Capital encontró rápidamente acomodo en la naciente orquesta del trompetista Miguelito Miranda. Fue acompa?ado por esta banda que, en 1947, grabó un disco por primera vez. Tal placa (78 rpm ) contenía la guaracha “La televisión”, en cuya letra sus autores, los cubanos Tony Fergo y José Carbó Menéndez, anunciaban la llegada a Latinoamérica del que sería considerado “el invento del siglo”. Pocos meses después, nuestro biografiado decidió establecerse definitivamente en Nueva York que, entonces, era una de las plazas más importantes para los músicos hispanos.

En la Gran Urbe agotó una pasantía de doce años (1947-1959) con la famosa orquesta del cubano Pupi Campo, también cantante. No obstante, en el interín colaboró en grabaciones con la Lecuona Cuban Boys , Machito & His Afrocubans , las encabezadas por Enrique Madriguera, Moncho Usera , Tito Puente y Tito Rodríguez, así como con Payo Alicea & Sexteto La Playa, el Cuarteto Marcano y, como apuntamos al principio, con la gran banda de Cugat.

Culminado su ciclo con Pupi Campo, este talentoso puertorriqueño fue reclutado por su compatriota Noro Morales, con cuya orquesta trabajó en muchas ciudades de Estados Unidos y en Puerto Rico. Desde 1959 hasta el fallecimiento de aquel virtuoso pianista, actuó permanentemente en el Hotel La Concha, en San Juan, aunque mantenía su residencia oficial en Nueva York . Posteriormente, fue vocalista oficial de la batuteada por Usera (1964-1965); dirigió su propio combo y grabó como solista para los sellos Seeco y Musicor , así como con Steve Hernández y Su Orquesta Latinoamericana (1970). Durante el período 1971-1975 – además de actuar frecuentemente frente a su grupo – fue habitual en la nómina de la banda de Charlie Palmieri . Con éste se acreditó tres exitazos: las guarachas “La vecina” y “La hija de Lola” (originales de Raúl Marrero ) y el bolero “Dueña de mi corazón”, de Pepé Delgado.

A su álbum mejor vendido, “Canta el amor”, cuya producción dirigieron Tito Puente y Joe Cain , le siguió el titulado “El mensajero del amor” (ASLP-6004), editado por Alegre Records en 1975 y cuya dirección musical se delegó en el argentino Horacio Malvicino . A raíz de aquellos lanzamientos se recrudeció una vieja polémica basada en la similitud de su estilo y de su timbre vocal con los de Tito Rodríguez. ¿Quién imitaba a quién? Tal era la incógnita que muchos admiradores de ambos anhelaban develar. Pero, en realidad, ninguno intentó jamás imitar al otro. Todo era pura coincidencia. Se recuerda que, en 1954, compartieron la grabación de un disco con cuatro canciones en 33 rpm . Y, cuando cada cual hacía solos, hasta a los más fervorosos seguidores de ambos les resultaba difícil diferenciarlos. Por otro lado, tanto Vitín como Tito, amigos desde muy jóvenes, disfrutaban de la controversia que había surgido en torno a ellos y nunca uno acusó al otro de pretender imitarlo, aunque la mayoría de los coleccionistas y conocedores seguirían insistiendo en que la característica de acortar la duración de las notas “dejándolas caer” y entonar semi -hablando las melodías, así como el peculiar timbre vocal que guiara al estrellato a Tito Rodríguez se evidenciaron primero en Vitín Avilés.

Desafortunadamente, la compañía Fania – que había adquirido el catálogo Alegre – no dio seguimiento al impacto de aquellas producciones bolerísticas que hubieran encaminado a este gran cantante hacia la consagración definitiva. Además, en Nueva York , Puerto Rico, Venezuela y otros mercados importantes la radio limitó la difusión de música romántica para dar paso a la balada pop, forzándolo a concentrarse en el ámbito salsero. En 1979 grabó en Caracas el álbum “ Vitín Avilés con la Súper Orquesta Venezuela” ( Velvet , GS-3007), compartiendo las vocalizaciones con Nelson Pinedo y Nelson Alizo , éste último, también pianista, arreglista y director de la referida banda. A partir de los 80 dedicaría la mayor parte de su actividad musical al trabajo de estudio, integrando los coros en grabaciones de otros artistas. Con cierta regularidad se presentaría en salones de baile acompañado por diversos conjuntos.

Vitín Avilés contrajo nupcias con la dama Isabel González en 1983. De su primer matrimonio es fruto Víctor Manuel Jr . (n. en 1944), quien se desempeña como mecánico de la empresa Norelco . Tiene otro hijo, Christopher (n. en 1979), que es adoptivo. Hasta el 2000, había grabado 50 álbumes como cantante de orquestas estelares y en calidad de solista. Sus colaboraciones con otros solistas y agrupaciones salseras integrando los coros sobrepasaron el centenar.

El artista mayagüezano que se conoció en el ambiente como “El Cantante del Amor” falleció el 1ero. de enero de 2004 en un hospital de Manhattan en la ciudad de Nueva York.

Biografia: Joe Ruiz "El Duro de la Clave"

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 30 Oct 2009 16:07:00 +0000

Joe Ruiz nació en la población oriental de Pariagúan el 17 de Julio de 1948. Desde pequeño evidenció sus aptitudes para el canto y su disposición para subir a los escenarios a cantar. Trasladado con la familia a Caracas, Joe, cuyo nombre de bautismo fue Búlmaro José Ruiz Barrios, se integró a diferentes grupos amateurs en ese movimiento naciente de la salsa. Debutó profesionalmente a los 19 años, el 25 de Julio de 1967, durante las festividades del cuatricentenario de la fundación de Caracas, fue en la Pastora. A las pocas semanas ya estaba grabando con “los Juniors Star”, agrupación que lideraba Kiko Pacheco. Con “los Juniors” permaneció un buen tiempo y graba dos discos. Para finales de la década de los sesenta pasa a formar parte de “Federico y su Combo Latino”, en donde logra grabar en tres producciones discográficas, la ultima de ellas denominada “Vibración y Ritmo”, donde él numero musical titulado “el cobrador”, pega de tal forma en Colombia, y así viajan a este vecino país para realizar presentaciones en las fiestas de carvanales. En el año 1972, Joe, entra a la orquesta de Cheo Palmar “Las Estrellas Latinas”, grabando en el segundo y tercer disco de esta agrupación y compartiendo vocalización entre otros con el Negrito Calaven, Canelita Medina y el mismo Cheo Palmar. En el año 1974 graba un disco en homenaje a Benny More con la “Orquesta Sabor Típico”, en donde participaron entre otros músicos, Rafael Araujo, El pollo Gil, Pepe el mexicano y Carlos Daniel Palacios en los coros. En este mismo año Joe Ruiz, integra la "Orquesta Rumbón diez", bajo la dirección de Mon Carrillo y grandes músicos como Cheo Navarro, Rafael "Muerto" Silva, José "Flaco" Bermúdez, Gustavo Quinto, Luis Pérez, Edy Toro y otros. El año 1976 es el más movido en la carrera profesional de Joe Ruiz, ingresa a las filas de la Orquesta del maestro Porfí Jiménez, donde permanece aproximadamente diez meses. Paralelamente a esto Joe, ya se encontraba ensayando con el “Grupo Mango” y finalizando el año graba su primer disco con este gran sexteto.

Joe Ruiz con el Grupo Mango

El Mango alcanzo a ganar el premio al mejor sexteto del mundo, latiéndole en su propia cueva al sexteto de Joe Cuba. En ese mismo año 1976, el negrito Joe, graba bajo la tutela del pianista peruano Alfredo Linares, un disco con gran derroche de salsa y sabor, titulado “Alfredito y sus Estrellas”, que por la falta de difusión paso desapercibido por el publico melómano. Al año siguiente continua la carrera avasallante de Joe Ruiz con su ingreso al “Trabuco Venezolano”. El Trabuco bajo la dirección de Alberto Naranjo reunió lo más representativo de los cantantes e instrumentistas del ámbito musical caraqueño. Joe graba en las tres primeras producciones de esta superbanda, reviviendo temas tradicionales venezolanos como: El muñeco de la ciudad y el Cumaco de San Juan. En el año 1979, graba otra producción con el Grupo Mango y trabaja también con “La Banda y su Salsa Joven”, en la producción “Tremenda salsa con la banda”, vocalizando el numero “En mi humilde barrio”. En ese mismo año Joe Ruiz y el Bobby son los vocalistas del disco de la “Orquesta La Monumental”, cuyo director era Roy Herrera, los arreglos y la mayoría de las composiciones estuvieron a cargo de Héctor Poleo. En el año 1982 participa en una grabación de Jorge Beltrán y Los Peñiques. Luego al año siguiente graba un disco para el sello Sonografica titulado “Joe”, donde sigue evidenciando su gran calidad como sonero.

Joe Ruiz con el Trabuco Venezuela

La orquesta “Café” en 1986, la Orquesta de Charangas en 1988 y su participación en la banda de Gerardo Rosales en 1990, marcan la etapa final de la vida profesional de Joe Ruiz. La salud, ya resentida, comenzaba a trastocar los planes del sonero. Sin embargo, apartando un poco el trasnocho y la intensidad vital. Joe Ruiz se dedicó con ahínco al gremio al que perteneció siempre. Luchó al lado de muchos de sus compañeros y alcanzó la Secretaria General de la Asociación Musical para el periodo 1993-1995. Falleció el 18 de Febrero de 1995, sin culminar su gestión gremial, pero dejando logros y proyectos de organización y protección al músico. El querido vocalista, llamado por sus compañeros “El duro de la clave” pues respetaba mucho el sentido del ritmo, llegó a cantar al lado de Ricardo Ray y Bobby Cruz, Jhonny Pacheco, El Gran Combo de Puerto Rico, Tito Puente y José Fajardo. Con todos ellos dejo muy en alto sus condiciones vocales. Nota: Joe Ruiz, ya quebrantado de salud, comenzó a grabar un disco de boleros, bajo el arreglo de Roberto González, el cual no pudo concluir. Esperemos que algún día salga a la luz publica, algo editado de este material, como un homenaje a quien en vida y aún después de fallecido es considerado uno de los mejores “soneros” de Venezuela “el duro de la clave” , JOE RUIZ.

Joe Ruiz con la Orquesta Cafe

Biografia: Carlín Rodríguez

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 29 Oct 2009 01:49:00 +0000

Su nombre de pila es Carlos Asicio Rodríguez Villasana, pero en el ambiente musical venezolano lo conocemos como “Carlín”, apodo este que le colocará el finado Fidias Danilo Escalona, en los años sesenta. Carlín Rodríguez nació en Caracas el 17 de Noviembre de 1939. Su inquietud por la música comienza desde niño, cuando cantaba en los actos culturales de la escuela. Pero según nos relata el propio Carlín, su vocación musical crece, cuando una vez siendo todavía un muchacho, el gran Benny Moré, se estaba presentando en el famoso Teatro Alameda de San Agustín del Sur, y al terminar el espectáculo esté se dirige hacia un pequeño bar que se encontraba justamente detrás del teatro, el sitio era conocido como “La Atarraya”. Allí estaba el Benny, tomándose unos tragos y cantando con su guitarra, y de repente alguien le dijo “aquí tenemos un chamo que canta muy bien”, llamaron a Carlín y cantaron a dúo el tema “Alma Libre”, que había grabado antes con Alfredo Sadel. Después de haber cantado el Benny le coloca la mano en el hombro a Carlín, como diciéndole que bien lo haces muchacho, esté gesto marco definitivamente la vida de Carlos Rodríguez, quien según nos cuenta fue algo así como su bautizó en la música.Posteriormente a esto, ya para el año 1956, varios jóvenes del barrio deciden formar una agrupación musical a la cual la llamaron “Las Estrellas del Trópico”, sus integrantes eran: Frank Rengifo, Cesar Mosquera, Marcial León, José Naranjo, Julio Barrios, Melquíades Torrealba, Cruz Alvarez y Carlín Rodríguez.Con este grupo fueron a concursar en un programa de televisión llamado “Lo de hoy” conducido por el finado Renny Ottolina y era trasmitido todos los días desde las siete de la mañana. Fueron varios días de competencia pero al final “Las Estrellas del Trópico”, tuvieron la fortuna de ganar el concurso y la premiación fue una semana de contrato en Radio Caracas Televisión y al mismo tiempo la Asociación Musical los carnetizó, es decir los hizo profesionales.

Después de este concurso, a principio de los años sesenta Carlín Rodríguez debuta profesionalmente como cantante con la Orquesta de Próspero Díaz, con la que tocaban en muchas fiestas familiares, utilizando en su mayoría el repertorio de la Sonora Matancera. Luego, de su paso por está orquesta Carlín, trabaja con varios grupos amateurs de la capital, como el “Quinteto Vitola”, en donde tocaban música popular, hasta que es llamado por Leonardo Pedrosa, para que formara parte de su orquesta “Los Caciques”, en donde permaneció aproximadamente tres años.En el año 1964, se separan varios músicos de “Los Caciques”, y por iniciativa del finado Roberto Montserrat, nace el Combo Latino. Estos logran grabar un 45 rpm, con los temas: “En Cadenas” y “Yo vendo unos ojos negros”, vocalizados por Raúl Mayora, cantante de San Agustín que luego se marcharía para Europa y nunca más se supo de su existencia. Carlín Rodríguez y el Bobby son los encargados de hacer los coros en dicho trabajo.

Era el año 1966, y en el ambiente musical caraqueño ya se escuchaban los buenos comentarios acerca del Combo Latino. Sin embargo, nos relata Carlín que había la necesidad de varios instrumentos y uniformes para el grupo. Es cuando un día apareció Federico Betancoar habló con Roberto Montserrat, quién era director del Combo, ambos llegarón a un acuerdo económico, y deciden llamar a la agrupación “Federico y su Combo Latino”, e inmediatamente graban un 45 rpm en donde incluyen los temas: “Conmigo” y “Celosa”, en la voz de Carlín Rodríguez, que luego serían complemento para el primer Lp titulado “Llego la Salsa”, siendo este el primer disco en utilizar el término “Salsa”. Los cantantes en esta producción fueron Dimas Pedroza y Carlín. Luego en ese mismo año 1966, graban el Lp “Salsa y Sabor”, posteriormente el disco “Mas Salsa”(1967).

En el año 1968, Carlín Rodríguez sale del Combo Latino y entra el cantante Oswaldo Rey. Ese mismo año Carlín es llamado por su amigo y colega Ray Pérez, y graba en el segundo disco de los Calvos “Y que calvos”, y en el primer disco de “Los kenyas”.
En el año 1969, Carlín por invitación de Richie Ray y Bobby Cruz viaja a Nueva York, pero antes deja grabada su voz en la producción del “Pavo” Frank Hernández, “Mi nuevo sonido”(1969). En apenas su primera noche en N.Y, Richie y Bobby, llevan a Carlín a una de sus presentaciones en un famoso club de la ciudad, en donde Carlín Rodríguez, interpreta en tarima el tema “Las Caraqueñas”, del finado José Quintero.

En Nueva York, se consigue con otro venezolano Johnny Sedes, quien lo invita a grabar en la producción “Mama Calunga”(1969), e interpreta el tema: Guajira Dancers”, acompaña en este disco a dos grandes vocalistas, Chirivico Dávila y al también venezolano Leo González. Para el año 1972, Carlín regresa a Venezuela, e ingresa en las filas de la Orquesta del maestro Porfí Jiménez en sustitución de Nano Grand.En el año 1974, vienen por primera vez a Venezuela las Estrellas de Fania, y se presentan en Nuevo Circo de Caracas, alternado con una orquesta de músicos venezolanos ensamblada por Porfí Jiménez, a la cual le colocaron el nombre de “Las Estrellas de Venezuela” y los vocalistas eran: Freddy “Coco” Ortega, Chico Salas y Carlín Rodríguez.
En 1975, graban la producción "El Rico Sabor de Porfi", en donde se mantenian los mismos vocalistas: Coco, Chico y Carlín.En 1976, el maestro Porfí Jiménez, graba dos producciones, “Tiene de todo Porfí” y “Salsa Venezolana” en donde los vocalistas eran: Carlín Rodríguez, Coco Ortega y Joe Ruiz quién entra en sustitución de Chico Salas.

Ricardo Quintero, Carlos Daniel Palacios y Carlín Rodríguez, grabando con el Trabuco Venezolano.

Al año siguiente es decir 1977, Carlín es llamado para integrarse a “El Trabuco Venezolano”, grabando en los dos primeros discos de esta sensacional orquesta. Paralelamente a esto, Carlín Rodríguez continua trabajando con la orquesta de Porfí Jiménez.

Finalizando de la década de los años ochenta, Carlín es nuevamente invitado a grabar en compañía de su gran amigo el negrito Calaven, en una producción titulada “El Milagro”, con la Orquesta Los Dementes de Ray Pérez. Allí se destacó interpretando los boleros “Cuando te vayas” , “Caminemos hasta allá”, y el sabroso tema “Aquí estoy de nuevo”, cantando a dúo con Calaven, quien a su vez deja grabada su incomparable voz en una sensacional versión del tema: “Convergencia”. Esta fue la ultima grabación en vida del gran Calaven.

En el año 1999, Carlín Rodríguez, viaja a Cuba y participa en el Festival de Boleros de Oro, y a raíz de esto graba un excelente material discográfico con diferentes agrupaciones cubanas, entre ellas podemos nombrar al “Sexteto Bayamo”, “La Orquesta Tempestad Latina” y “Hora Buena Banda Show”.

Carlín Rodríguez, sigue activo en sus actividades artísticas y recientemente fue nombrado Patrimonio Cultural de la Gran Caracas, condecorado en acto público por la Alcaldía Mayor, gracias a su gran aporte como Coordinador de Eventos Culturales en la Parroquia San Agustín.

Orlando "Watussi" Castillo, Felipe "Mandingo" Rengifo, Carlín Rodríguez, Carlos Daniel Palacios y Freddy "Coco" Ortega, en la Descarga de Los Barrios.

Biografia: Willie Rosario "Mr. Afinque"

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 28 Oct 2009 14:36:00 +0000

El músico Willie Rosario es una de esas figuras del pentagrama de la salsa que han cargado sobre sus hombros la lucha por la permanencia del género, lidiando contra las adversidades que, en muchas ocasiones, impone el mercado artístico.
A sus 74 años de edad, el veterano percusionista aún mantiene viva la más arraigada tradición del quehacer salsero, ostentando una agrupación que por más de cuatro décadas ha cultivado un historial musical colmado de éxitos.
Su propuesta artística, montada sobre el patrón armónico de cuatro trompetas y un saxofón barítono, se consolidó temprano en los años 60, luego de haberse nutrido de múltiples experiencias como líder de orquesta y bajo la sombra de la agrupación de Johnnie Seguí.
Se formó como guitarrista
Natural del pueblo de Coamo, donde nació el 6 de mayo de 1930, en la calle Ramón Emeterio Betances, Fernando Luis Rosario Marín, su nombre de pila, comenzó sus pasos en la música atraído por el sonido de la percusión.
Recuerda que al salir de la escuela, con siete años de edad, solía entretenerse tocando sobre unas latas de galleta en el balcón de su casa, imitando el sonido de las orquestas de Rafael Muñoz y el Sexteto Puerto Rico.
Su madre, asombrada por la pasión artística del niño, no dudó en enviarlo a estudiar guitarra, tan pronto se anunció en su pueblo la inauguración de la primera escuela de música, en el año 1942.
Para entonces, Willie Rosario tenía 12 años de edad y aprendió a solfear y familiarizarse con el valor de las notas musicales gracias al empeño del profesor Juan Suárez, el único maestro de música que había en el pueblo.
"Las clases tenía que tomarlas fuera del salón porque cuando se creó la escuela yo estoy graduándome de noveno grado y estaba pasado de edad. Sin embargo, Juan Suárez me atendía detrás de la cortina donde estudiaba Bobby Valentín, Willie Rodríguez, Luis Manuel Rodríguez y Carlos Luis Martínez ('Coamito')", comenta.
Recién cumplidos sus 15 años de edad, logró su primera experiencia musical junto a un grupo de amigos de su pueblo que habían formado el Conjunto Coamex y en el que necesitaban un bajista.
"Yo sabía un par de tonos en la guitarra y cuando hacen el grupo no hay quien tocara el bajo, y yo lo hice tocando los acordes de la guitarra", asegura.
Esa experiencia, aunque efímera, fue importante en su formación y determinante para lo que años más tarde desarrollaría en la ciudad de Nueva York.

Obrero, militar, artista y periodista
Willie Rosario abandona el país junto a su familia en el año 1947, como consecuencia de la estrechez económica de la época, situándose en la "Gran Manzana" al igual que otros miles de puertorriqueños para quienes la emigración representó una alternativa para mejorar su condición de vida.
A su arribo a Estados Unidos trabajó de obrero en el Departamento de Correos de la Joyería Cartier –ubicada en el privilegiado sector de la Quinta Avenida de Manhattan–; también laboró en la fábrica de gabinetes de oficina Arts Steel Company y fue comisionista de bodegas. Años más tarde, se enlistó en el ejército, justo en el periodo en que se gestó la agresión contra Corea.
Siendo militar, Willie Rosario fue de visita en una ocasión al salón de baile El Palledium y quedó deslumbrado al ver a Tito Puente tocando los timbales de pie.
"Nunca lo había visto (a Tito Puente) y me entusiasmó su estilo, por lo que decidí que quería aprender a tocar percusión y comencé clases con un judío que se llamaba Henry Adler y con un músico famoso de esos años de nombre Willie Rodríguez, hermano de Augusto Rodríguez, el fundador del coro de la Universidad de Puerto Rico", narra.
Tras concluir sus años de soldado, en 1952, regresó a Puerto Rico a visitar a su familia, estadía que se prolongó por un año al ser convidado a formar parte de la orquesta Fiesta, en calidad de baterista, sustituyendo a Mon Rivera.

"Cuando llegué a Coamo había varios muchachos del pueblo que habían hecho un grupo. Estaba 'Coamito', Waldo Seda y Luis Guillermo Ortiz, y con ellos estuve un año y también hice algunas cosas con tríos y conjuntos de poco reconocimiento y sin nombre", dice el músico, quien retornó a Nueva York en 1953 para cumplir unos compromisos con la orquesta Fiesta y decidió no regresar a Puerto Rico.
Ese mismo año conoció a Johnnie Seguí, quien le ofreció trabajo en su orquesta, que para entonces había establecido una pauta en la sonoridad latina, al armonizar su grupo con el sonido de cuatro trompetas antes de que esa fórmula fuera utilizada por Tito Puente y Tito Rodríguez.
"Ahí tuve mi escuela. Aprendí de la disciplina de una orquesta, a ser responsable, honesto, a manejar un grupo y a vestirme bien. Ésa fue la base para formar mi agrupación", sostiene.
Junto a Johnnie Seguí grabó el álbum "Cha cha chá", recordado por los éxitos "El bodeguero", "Duerme" y "Tati", un tema de Rafael Hernández. También hizo varios discos de 78 y 45 rpm, en los que se destacaron las melodías "Malcriada" y "Nicolasa".
En esos años también colaboró con el conjunto de Joe Quijano y el grupo del pianista venezolano Aldemaro Romero, de lo que afirma "fueron experiencias de un tiempo".
Mientras se desempeñaba como músico, Willie Rosario decidió cursar estudios universitarios e ingresó a la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Gannon, en la ciudad de Erie, en Pennsylvania, donde se especializó en periodismo radial. Como reportero obtuvo su primera oportunidad laboral en la estación radial WALO, de Nueva York, donde se inició en un programa de recetas de cocina en compañía del conocido músico Machito Grillo y su hermana Graciela.
Esa experiencia le permitió, además, conocer a los más distinguidos músicos de la época y establecer con solidez su nombre en las listas de las figuras más destacadas del mundo musical latinoestadounidense.
Marcando el ritmo
El trabajo musical de Willie Rosario es fiel a la tradición de las orquestas bailables.
Confiesa que Tito Puente le recomendó que siempre procurara que su nombre y su foto encabezaran la carátula de sus discos porque, según recuerda las palabras del "Rey del Timbal", "no es que uno sea egoísta ni mala gente, pero pon sólo tu nombre en la carátula porque tú siempre vas a estar ahí y cuando pones el nombre de un cantante ellos se levantan un poco y se creen que son la orquesta".
A finales de los años cincuenta fungió como timbalero designado en las orquestas de Tito Puente y Tito Rodríguez, de quienes confiesa haber aprendido "cómo hacer esa clase de música, aunque luego nuestra generación elaboró su propio sonido y estilo".
El artista asegura que nunca le interesó destacarse como solista en su propia orquesta, más se concentró en armar un sonido orquestal en la que los músicos lograran un desempeño honroso supeditado al patrón armónico de la pieza.
Uno de los momentos más duros de su carrera musical ocurre cuando lo desplazan de la dirección de la orquesta en el Club Caborrojeño porque, señala, en ese tiempo su mamá estaba muy enferma y necesitaba el trabajo.
La diferencia del tiempo de entrada de Gilberto Santa Rosa y Tony Vega a la orquesta fue de meses, igual que sus respectivas salidas.
Los éxitos "Lluvia" y "Botaron la pelota" no fueron considerados para incluirse en una producción discográfica, pero la reacción del público fue tan favorable que se decidió grabarlos.
Con la salida de Gilberto Santa Rosa también se produjo la partida de Jimmie Morales (conga), Tito Echevarría (bongó) y Mario Viera (coro).
Cuenta Willie Rosario que cuando Tony Vega abandonó la orquesta Junior Rosado, que estaba a cargo del sonido, completó la sección de coros cantando detrás de una cortina.
Tony Vega regresó al grupo al poco tiempo de su partida, aunque se trató de una presencia efímera.
La orquesta de Willie Rosario fue nominada a un premio "Grammy", en 1987, por su álbum "Nueva Cosecha", en el que cantan Gilberto Santa Rosa y Tony Vega, compitiendo con Mario Bauzá, Willie Colón y Rubén Blades.
La orquesta se mantiene vigente con la participación de los cantantes Canito Rodríguez ("El Canito de Sabana Seca"), Omar Negrón y David Anastacio.

Arquitecto de un sonido diferente
Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.
En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.
Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.
"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.
Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.
Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.
En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.
Willie Rosario acompañado de Silvestre Méndez (izq.) y Nelson Pinedo (der.) en el Teatro Puerto Rico de NY en 1955. (Colección Willie Rosario)
Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.
"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.
Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.
En 1962, Willie Rosario abandonó su participación en el Caborrojeño, alegando haber sido víctima de un "golpe de Estado".
"Al cabo de unos años de estar en el club, Yayo El Indio se empeñó en tener una orquesta y el dueño, como él era famoso, me sacó y me dejó sin trabajo. Ahí me fui a la calle a meterle el pecho de verdad al negocio y hago una (banda) nueva porque todos los músicos que tenía se quedaron en el club, excepto uno, el único honesto y decente: Bobby Valentín", comenta.
De esa manera, Willie Rosario inició una nueva etapa en su carrera armándose de una batería de músicos encabezada por Rudi Martin (piano), Izzy Feliú (bajo), Luis Rodríguez (conga), Bobby Valentín (trompeta), Eddy Snell (trompeta), Tony Cofresí (trompeta) y Frankie Figueroa (voz), y con quienes produce, en 1962, su primer disco, "El bravo soy yo".
Para entonces, el nombre del timbalero era reconocido en las lides musicales, no tan sólo por su rol de líder de orquesta, sino por su participación con el músico Herbie Mann y como miembro de la familia Alegre All Star, con quien participó en los discos "Way Out", "El Manicero" y "Perdido". También figuró en el disco "Salsa máxima", junto a Cesta All Star.
En 1964, produjo el disco "Fabulous and Fantastic", que incluyó, entre otros, los temas "Los generales de la capital", "A Villa Palmeras" y "Nos engañó la vida", interpretados por Frankie Rodrí-guez, seguido por "Latin Jazz Go-Go-Go" (1965), "Haida Huo" (1966) y "Boogaloo and Guaguancó" (1966), en los que se destacó como vocalista Paquito De Jesús, quien sustituyó a Frankie Rodríguez luego que éste se marchara a Puerto Rico para formar parte de la orquesta de César Concepción, para más tarde integrar las bandas de Nacho Rosales y Memo Salamanca, en México.
Innovó con su propuesta armónica
Una de las grandes aportaciones de Willie Rosario a la salsa fue la elaboración de una propuesta armónica novel, que a poco fue sellando su identidad sonora matizada por la combinación de cuatro trompetas y saxofón barítono, un experimento hasta entonces no explorado.
"Traté ser lo más original posible, con un estilo que nos distinguiera, por lo que pensé en añadir un violín, un clarinete y hasta un trombón, pero un día visite un salón de jazz en Nueva York, el Blue Note, y estaba tocando Jerry Moligan, que era un virtuoso del barítono, e hizo unos pasajes del piano, el bajo y el barítono en un tema de bossa nova que cuando lo oí supe que era lo que quería", comenta el veterano percusio-nista.
Desde entonces, la orquesta se distinguió por el uso del saxofón barítono en combinación con la armonía de cuatro trompetas provocando un sonido diferente y profundizando la esencia rítmica del grupo, concepto que se consignó en la producción del álbum "Too Too Much" (1967), en el que, además, reaparece la participación de Frankie Figueroa en la parte vocal, junto a Pete Bonet y Willie Torres.
El trabajo artístico de Willie Rosario prosiguió con la producción "El bravo de siempre" (1968), un trabajo que marcó una huella en la salsa con el éxito "La cuesta de la fama", en voz de Meñique Baltasnegras. Este álbum también incluyó "La esencia del guaguancó", "La realidad" y "Superman", entre otros.
En el año 1970, Willie Rosario reclutó al cantante Chamaco Rivera, quien es recordado por el éxito "De Barrio Obrero a la Quince", incluido en el álbum "De donde nace el ritmo" (1970), seguido por "Más ritmo" (1972), ambos con arreglos de Louis Ramírez y José Luis Cruz.
Estas producciones marcan la frontera para la transición del proyecto musical de Willie Rosario, quien a partir de ese momento optó por continuar su propuesta desde Puerto Rico, dejando atrás el mundo neoyorquino en el que se curtió.
Los años dorados de "Mr. Afinque"
Tras varias décadas vinculado al mundo musical latino de Estados Unidos, el timbalero Willie Rosario optó por radicarse en Puerto Rico, convirtiéndose en una de las figuras salseras más productivas y solicitadas de la década del 70 y 80.
Su opción de mudarse a la Isla, asegura, estuvo motivada por una combinación de factores familiares e intereses comerciales.
"Yo no quería que mis hijos se criaran en Nueva York, no me gustaba ese ambiente para ellos y prefería que crecieran aquí. Además, cada vez que me encontraba con la Sonora Ponceña y El Gran Combo me contaban que mi música se escuchaba mucho en Puerto Rico y que había mucho trabajo, entre fiestas patronales y graduaciones", sostiene.
De esa manera, el músico se instaló en su patria acompañado de su orquesta, y al cabo de unas semanas regresó a la "Gran Manzana" para cumplir con varios compromisos, momento en que su cantante, Chamaco Rivera, le indicó su interés de no regresar a la Isla, siendo reemplazado por Junior Toledo.
"Junior era el cantante nacido para la orquesta y es cuando nos levantamos bien y la cosa se puso fuerte", acota.
El primer trabajo de esta nueva era de la orquesta fue "Infinito" (1973), al que le siguió "Otra vez" (1975), consagrados por los éxitos "Juventud siglo 20" y "Casualidades", respectivamente.
A partir de ese momento, el veterano percusionista destacó en sus producciones discográficas a más de un cantante, incorporando la participación de Bobby Concepción y Guillo Rivera, con quienes produce "Gracias mundo" (1977).
Empero, las siguientes producciones de la orquesta, "From the Depth of my Brain" (1978) y "El rey del ritmo" (1979), no contaron con la participación de Concepción.
Diferencias entre Willie Rosario y Junior Toledo, que el líder de orquesta atribuye a problemas de disciplina, desembocaron en la salida del cantante, quien, dice Rosario, alentó la renuncia del grupo de su contraparte Guillo Rivera para desencajar lo que había sido hasta el momento una fórmula ganadora.
Justo en ese momento se incorporó en el grupo al joven cantante Tony Vega, que hasta entonces había participado en la orquesta de Raphy Leavitt y La Selecta.
"Junior (Toledo) y Guillo (Rivera) se van un jueves del grupo y al otro día estábamos tocando en Canóvanas. Llamé a Tony Vega y también me comuniqué con Bobby Concepción y Chamaco Rivera, que en esos días estaba en Puerto Rico, y así nos estuvimos defendiendo un par de semanas, hasta que le hablé a (Gilberto) Santa Rosa", cuenta el líder de la banda.
El primer álbum al mando de Tony Vega fue "El de a 20 de Willie" (1980), en el que también grabó Bobby Concepción y que logró éxito con el tema "Mi amigo el payaso". Luego, en 1981, la orquesta despuntó con el binomio Tony Vega y Gilberto Santa Rosa, en una periodo de cinco años colmado de fama y que se consignó en las producciones "The Portrait of a Salsa Man", "Atízame el fogón", "The Salsa Machine" –el último en el que participó Bobby Concepción–, "Nuevos Horizontes", "Afincando" y "Nueva cosecha", en el que se une como vocalista Pupy Cantor.
Esa fue la época gloriosa de "Botaron la pelota", "Lluvia", "Busca el ritmo", "Negrita linda" y "El antifaz", entre más de una decena de consabidos éxitos.
A partir de 1987, la salida de Tony Vega y Gilberto Santa Rosa maró un derrotero nuevo para la banda del también conocido "Mr. Afinque", quien mantuvo su proyecto musical con la participación de Pupy Cantor y Josué Rosado, para más adelante integrar a Primi Cruz (responsable del éxito de "Anuncio clasificado"), Bernie Pérez, Henry Santiago, Rico Walker y Ángel Luis Vergara.

Biografia: "Negrito Calaven"

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 28 Oct 2009 13:58:00 +0000

Carlos Rafael Perdomo Yáñez…"Negrito Calaven" *29/02/1940 - 03/05/2003.

Nace en Caracas, es el segundo de nueve hermanos, Calaven demostró un gran talento musical a muy temprana edad. Se inicia en la música junto a sus amigos de infancia en el Barrio "Tiro al Blanco" en Caracas Cantando Boleros (Vendrán-Parece Mentira) y Después Descargando Su melodiosa Voz en nadie se Salva De La Rumba Y El Carbonero) pero con Federico fue que alcanzo gran popularidad a mediados de la década de los 60’, hizo numerosas presentaciones en vivo y en televisión en Venezuela, Curazao y Colombia.

Poseía un estilo muy personal, influenciado por el liricismo, una gran diversidad rítmica lo cual hacia que fuera reconocido instantáneamente lo que lo llevo a ser calificado de innovativo y genial por unos y de radical e inusual por otros.Realizo sus primeras grabaciones con "Anguera y sus Muchachos".Participo en las agrupaciones “Los Kenya”, “Los Calvos” y “Los Dementes” dirigidos por el pianista Ray Pérez, “Pipo y sus Estrellas”, la orquesta "Los Caciques" dirigida por Leonardo Pedroza y “Las Estrellas Latinas” junto a Canelita Medina, Joe Ruiz y Carlin Rodríguez. En 1981 grabo con el pianista Jesús “Chuito” Narváez la producción “Calaven y Yo”. Calaven falleció en Caracas el 03/05/2003, dos anos después de haber sufrido un aneurisma cerebral. Aunque nunca recibió el reconocimiento que se merecía, es indudable su gran aporte al genero de la salsa en Venezuela, como lo demuestran las grabaciones que nos dejo, que aunque no numerosas son un testamento a su gran talento.

Biografia: Mon Carrillo (Venezuela)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 27 Oct 2009 20:41:00 +0000

Mon Carrillo, destacado músico, arreglista y compositor, perteneciente a la generación de músicos de basta experiencia en la Parroquia San Agustín del Sur, es un personaje que sin tanto alarde y quizás tímidamente, ha puesto también su granito de arena para lograr el fortalecimiento de la salsa venezolana a lo largo de varias décadas.Su nombre de pila es Amalio Ramón Carrillo Rodríguez, nació en la Ciudad de Cabimas en el Estado Zulia, el 29 de Mayo de 1940. A penas a los 6 años de edad es trasladado junto a su familia a Caracas y se radican en San Agustín.Su inquietud y pasión por la música afrocubana lo llevan en el año 1957, a formar lo que sería su primera agrupación, un sexteto llamado “Perla Antillana”, en donde hacia las veces de director y al mismo tiempo ejecutaba el tres. En este grupo lo acompañaron también Nene Quintero (padre) y Ángel Ramírez entre otros.

Al comienzo de los años 60, participa en calidad de bajista de una de las agrupaciones más legendarias de su Parroquia, como lo eran “Frank y su Tribu”, dirigida por el recordado Frank Rengifo. "Cada vez que tengamos la oportunidad de nombrar a esta agrupación, insisteremos en decir que fue toda una escuela para varios músicos venezolanos que posteriormente se harían un nombre dentro del movimiento salsero nacional e internacional".

En el año 1973, Mon Carrillo, forma un pequeño grupo al cual le coloca el nombre de “Mon Carrillo y su Sexteto”, con este graba dos discos Lp, el primero de ellos titulado “Aquí esta el sabor”(1973), integrado por músicos del mismo barrio: Melquíades “Melchor” Torrealba (vocal), Ramón Gil (bongo), Luis “Nene” Quintero (timbal), José Urbano (bajo), Enrique Mijares (conga) y Mon Carrillo (piano, tres, director).

El segundo disco se titula simplemente “Mon Carrillo y su Sexteto”(1973), ambos discos fueron grabados casi que en forma simultanea y en ellos se puede evidenciar el verdadero sonido de la salsa dura del barrio. Solo hay que acotar que el segundo Lp, nunca salió a la venta en mercado venezolano, se especula que el mismo fue llevado a Colombia y editado bajo un sello discográfico de ese vecino país.

Después de haber experimentado con este sexteto, Mon Carrillo, decide formar un grupo más grande y es así como nace el Grupo Azúcar, en el que participaron buenos músicos como: Rafael Prado, Simón Blanco, Pedrito Guapacha, Juan Ramón Castro, Hugo Herrera, entre otros.

En 1976, es llamado a formar parte del naciente “Grupo Tres”, el cual estaba dirigido por Rafael Silva, quien junto a los cantantes Freddy “Coco” Ortega y Joe Ruiz, habían desertado de la orquesta del maestro Porfi Jiménez, para ensamblar dicha agrupación y de los tres sale el nombre de la orquesta. La permanencia del Grupo Tres en el ambiente salsero fue muy corta y logran grabar tan solo una producción para el disco, en donde Mon Carrillo se destaca en el piano.

En el año 1978, nace una excelente agrupación salsera en San Agustín del Sur, “La Orquesta Salsa Suprema”, esta estaba integrada por grandes músicos de la mencionada parroquia. El director, pianista y arreglista era Mon Carrillo, acompañado por un trío de cantantes: Larry Francia, Carlos Piñero y Cesar Francia. “La Salsa Suprema”, demostró gran calidad durante su permanencia en ambiente musical venezolano, grabaron dos Lp: “En la Conquista del mundo”(1979) y “Salsa Suprema”(1980), en este ultimo viene insertado uno de los temas más exitosos de la orquesta el son montuno titulado “Juana”, en la voz de Larry Francia.

La Orquesta Salsa Suprema, se desintegra en el año 1981, y todos los músicos que la conformaban, con la excepción del cantante Larry Francia, forman una nueva agrupación bautizándola con el nombre de “Orquesta Barlovento”, bajo la dirección y arreglos del mismo Mon Carrillo. Esta orquesta graba un disco, en el cual pegan el tema“Que pasa, Que pasa”, este era un numero en el que se notaba una fusión entre la salsa y el pop, y el mismo gusto mucho en ese momento.

1er. disco de la Orquesta Salsa Suprema

2do. disco de la Orquesta Salsa Suprema

1er. disco de la Orquesta Barlovento

Mon Carrillo, como lo hemos dicho al comienzo, humildemente y sin mucho alarde se ha destacado muy bien como instrumentista, arreglista y compositor. Actualmente sigue evidenciando estas facetas, ya que se encuentra en los preparativos de una nueva producción musical, con una gran banda de músicos a la cual bautizó con el nombre de “Grupo Experimental San Agustín”.

Biografia: Alfredo Padilla Maestro del Timbal

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 27 Oct 2009 01:52:00 +0000

En Memoría al maestro del timbal Alfredo Padilla… *03/01/1946 - †18/12/2008*1946

Nace en la Ciudad de Caracas.Se inicia en el ambiente musical tocando el bongó con una agrupación muy popular en la Parroquia San Agustín de Sur para aquella época, llamada “Frank y su Tribu”, la misma que en aquel entonces dirigía Frank Rengifo.Frank Rengifo, ínsita a Padilla a tocar el timbal, y sin estudio alguno este comienza su aventura musical con este instrumento, hasta que un día Perucho Torcat le ofreció trabajo con la Sonora Tropicana, la cual dirigía el trombonista Eldy Toro. Con la Tropicana fue muy corta su estadía., ya que en el *1967 -Es llamado a formar parte de un grupo con jóvenes músicos algo excéntricos llamado “Los Dementes. Según el propio Alfredo Padilla, con los Dementes es que aprende a tocar el timbal, aunque de manera informal ya que para la época se le hacía bastante difícil prepararse académicamente. Es por eso que varios músicos de la época entre ellos Padilla, obstaron por el aprendizaje musical a distancia, observando a los músicos extranjeros que venían a tocar en nuestro patio. *1970 -Forma el Grupo Pan, junto a Carlos “Nené” Quintero, Jesús “Chú” Quintero, Carlos Guerra, Rubén Correa, Gustavo Colón, Henry Camba, David Azuaje y Cesar Monge. El Grupo Pan graba un disco en el cual se fusionaba el rock con los ritmos latinos. El Grupo Pan se disuelve y Alfredo se va a trabajar con la orquesta del Porfí Jiménez, en la cual se ve obligado a estudiar música, ya que en la misma todos eran verdaderos profesionales y había que entender el pentagrama. En poco tiempo y ha fuerza de constancia, Padilla se convierte en un músico muy solicitado, su fama se expande cada vez más, hasta tal punto que Frank “El Pavo” Hernández (Q.E.P.D), considerado para la época como una deidad musical y una de las fuentes inspiradoras de Padilla, requiere también de los servicios del mismo, para formar una banda. Más tarde entra a tocar con agrupaciones como las de los maestros Johnny Sedes y José “Cholo” Ortiz. Luego vendría su paso por la Orquesta Yacambú y el Grupo Tres y otras agrupaciones nacidas en el barrio como: "Salsa Dura".*1977 -Por recomendación de Miguelito Pacheco y Oscar Rojas entra en la Salsa Mayor de Oscar D’León, donde graba el timbal en las producciones “2 Sets con Oscar” y “El Oscar de la Salsa”. En tan solo un año con la agrupación del diablo de salsa, realiza infinidades de presentaciones tanto a nivel nacional como internacional, el éxito se hacía notar y las aspiraciones aún más. *1978 -siete de los músicos que conformaban la orquesta "Oscar D’León y su Salsa Mayor", deciden separarse de la misma, entre ellos se contaba Alfredo Padilla, quien junto Leo Pacheco, serían artífices principales para la formación de lo que fue una de las mejores bandas salseras nacidas en Venezuela, “Nuestra Orquesta La Salsa Mayor”. Según Padilla con esta orquesta logra obtener su mayor desarrollo como músico Alfredo Padilla fue el director musical de “Nuestra Orquesta La Salsa Mayor”, durante el tiempo en que esta gozo de más aceptación por el público, grabaron juntos cuatro discos, que reflejan el gran profesionalismo de un grupo de músicos Sin dejar a un lado el liderazgo de “Nuestra Orquesta la Salsa Mayor”, trabajó también con la Orquesta del maestro Billo Frometa. Más adelante realizó trabajos con la Banda Sigilosa, con la orquesta de Erick Franchesky y más recientemente con la Dimensión Latina, dirigida por el Sr. Luis Pérez. En el mes de Septiembre del año 2008, el maestro Padilla acompañado de un selecto grupo de músicos venezolanos y otros extranjeros, conforman la Orquesta Venezuelan Master, y dirigidos por el percusionista Gerardo Rosales viajan al Festival Toros y Salsa realizado en Francia, en donde recibieron una gran aceptación de parte del público que se dio cita en dicho evento. Alfredo Padilla, fallece en Caracas el 18 de Diciembre de 2008, producto de un paro respiratorio..

El músico salsero murió en su residencia víctima de un paro respiratorio. Padilla, timbalero y percusionista, tuvo una larga y destacada carrera musical en Caracas, haciendo parte de grupos pioneros de la salsa como Los Dementes, junto a Ray Pérez, y tocando con Perucho Torcat. Pero el punto más alto fue con La Salsa Mayor, orquesta que fundó con Oscar De León en 1976. Entre ese y el siguiente año grabó los discos Bajo y Todo, Oscar De León y su Salsa Mayor, y Dos Sets con Oscar, considerados los momentos más brillantes de la carrera del sonero. Cuando De León se retiró, Padilla asumió la responsabilidad de la agrupación y grabó los discos De Frente y Luchando, Sello de Garantía, Strong & Hot Sabrosa; además del trabajo titulado Nuestra Orquesta La Salsa Mayor, con Pellín Rodríguez, Carlos El Grande de Panamá y Leo Pacheco. Padilla colaboró también con La Orquesta Sigilosa (Siempre Pegando), y actualmente trabajaba con Gerardo Rosales y Las Leyendas de la Salsa Venezolana.

Venezuelan Masters Orchestra
Gerardo Rosales, Alfredo Padilla