ADO creation

art space BEAT 131 미디어 아트 프로젝트

2013-03-08T20:33:00.001-08:00

BEAT 131

art space

임진각 평화누리 공원 내

아트스페이스 BEAT 131은 군사시설로 사용 중인 지하 벙커의 원형을 유지하며 재구성한 예술 체험 공간으로, 임진강, 임진각과 자유의 다리, 경의선, 증기기관차의 이야기들을 주제로 한 영상자료와 인터랙티브 미디어 아트를 만날 수 있습니다.

참여작가: 정상희(큐레이터), 문준용, 오상석, 최승준

<어떤 동네 이야기>

2013-03-03T08:15:00.000-08:00

<어떤 동네 이야기>

2012. 12.21-2013.01.13, 인천아트플랫폼

기획: 황순우/정상희/인천아트플랫폼

참여작가: 김봄, 김혜지, 신태수, 유동훈, 황순우

마주하기와 기억하기 - 이웃을 바라보는 다섯 시선

정 상 희 (큐레이터)

나란히 또는 가까이 있어서 경계가 서로 붙어있음이라는 사전적 의미를 지니는 이웃은 이웃사람, 이웃집, 이웃마을이라고 말하듯이 물리적 거리 범위를 기준으로 한 개인이나 지역공동체를 의미한다. 또한 사회적 거리의 가까움을 기준삼아 이웃사촌이라는 단어를 사용하기도 한다. 일반적으로 물리적 거리의 근접은 친밀한 사회관계를 형성하는 전제 조건 중 하나일 것이지만 오늘날 이러한 근접성만을 가지고는 이웃사이의 친밀함을 형성하기 쉽지 않다. 거리 근접으로 인한 한 이웃 무리의 친밀함 증대는 그들을 스스로 외부와 격리시키는 상황으로 결말지어지기도 하며, 서투른 사회적 친밀함 증대는 선입견과 불편한 판단으로 이어지기도 한다. 그러나 시공간을 초월해 친밀함의 영역이 확장될 수 있는 사회적 문화적 예술적 통로의 연결로 마주하고 기억한다면 또 다른 결말로 이어질 수도 있을 것이다.

<어떤 동네 이야기>는 인천 동구의 대표적인 쪽방촌인 괭이부리마을이라는 마을공동체의 역사와 현재를 바라보는 다섯 이웃의 시선에 대한 예술적 기록이다. 일제강점기의 부두 노동자들의 숙소였으며 6.25.전쟁 이후 피란민의 정착촌으로 인천의 대표적인 빈민촌으로 재개발로 인해 서서히 역사의 뒤안길로 사라지고 있는 공간의 정체성이 외부와 격리되는 상황으로 결말지어질 것에 대한 우려의 극복을 위한 일종의 예술적 대안의 제시이다.

공간적 이웃 조차도 단순히 이웃이라는 이유로 가까워지기 쉽지않다. 그러니 심지어 공간적으로 뿐만아니라 인식적으로 사회적으로까지 완전한 타자와 같은 이웃이라면 얼마가 가까워지기 어려울 것인가. 이웃을 내가 전혀 모르는 사람이라면, 그리고 그 이웃 스스로의 가치가 내 감정생활에 아무런 의미도 부여하지 못한다면 그것을 우리는 소중히 여길 수 있을까? 여기, 한 한적한 동네의 물리적 거리의 낯설음은 다섯 시선으로 구성된 예술적 친밀함을 통해 '그들'에서 '우리'가 되고 있다. 낯설음을 대하는 예술적 접근은 철저한 외부적 기준에 따른 재단이라기 보다는 그들과 차분히 그리고 꾸준히 마주하며 그들을 이해하기 위한 노력의 과정이고 결과이다.

김봄은 재개발의 위협 앞에서 흔들리고 있는 괭이부리마을의 현실적 모습을 상상과 상징의 그물망 속에 통합시키고 있다. 김혜지는 작가의 극히 주관적 기준에 따르기 보다는 철처히 한 공동체의 있는 그대로의 모습을 보여주기 위한 직설적 의도를 바탕으로 괭이부리마을을 파편화된 이미지와 사운드로 기록하고 있다. 신태수는 한 동네의 외형적인 요소들 뿐 아니라 그 내부에 깊이 배여있는 극히 사람냄새나는 정서와 함께 펜과 연필을 재료 삼아 서정적 화폭에 담았다. 유동훈은 오랜 세월동안 괭이부리마을의 주민들과 함께하며 쌓아온 오랜 기록들을, 세상을 향해 때묻지 않은 미소를 전해주는 아이들의 모습, 한 세월 힘든 시기를 온몸으로 겪으며 겸손함과 선함으로 가득한 노인들, 그리고 이들이 함께하는 공동 공간에 대한 이야기들로 나눠 사진과 영상의 시선으로 선보인다. 황순우는 좁은 골목과 갇힌 공간 그리고 그 공간들을 세상과 연결해주는 창을 담은 흑백사진을 통해 공간과 소통하고 있다. 이는 단순한 공간과의 소통이 아닌, 끊임없는 공간 주인과 공간 그 자체와의 직접적인 만남을 통해 이뤄낸 총체적인 소통의 결과물이다. 그로 인해 사진 속 고요함은 소외감과는 다른 차원의 공간에 대한 집중도를 보여준다. 이와 같은 다섯 시선의 시작과 끝은 대상에 대한 관찰과 탐색이 아닌 기억하기 위한 애정어린 눈길의 단순한 마주바라봄으로 이해해야 한다.

사물과 공간은 전적으로 낯선 타자 안에 있는 어떤 것과의 마주침을 통해 실재를 얻는다. 하지만 마주쳐지는 대상과 마주치는 타자의 이질성은 마주침 그 자체에서 소통이 끝난다면 온전한 실재의 탐색으로 이어지지 않는다. 괭이부리마을과 예술의 만남이 우연한 마주치기와 판단하기로 이어졌다면 단순히 개별화된 이질성에서 끝날 것이다. 마주치기의 결과는 시공간적 연속성을 만들어내지 못한 채 한 순간 스쳐 지나가는 무심한 마주침 그 자체로 끝나는 것이다. 또한 판단하기의 결과는 결국 무의미한 불편함만을 유도할 뿐이다. <어떤 동네 이야기>를 통해 만날 수 있는 괭이부리마을을 바라보는 물감, 영상, 연필과 펜, 흑백사진, 컬러사진이라는 다섯 시선은 철저하게 마주치기와 판단하기를 지양한다. 예술의 다섯 시선을 만들어내는 과정이 단순한 마주치기에서 그쳤다면 원초적 대상과 그것들을 구성하는 것들 사이의 양가성은 한 순간의 스쳐지나감과 결과적 부재로 결말지어질 것이다. 또한 다섯 시선의 결과가 판단하기로 종착된다면 이 동네와의 친밀함은 엄격함과 거리감 만들기를 바탕으로 한 불편한 바라봄에 그칠 것이다.

괭이부리마을의 공간과 구성요소들은 침묵하는 듯 보이지만 타자와의 애정어린 마주보기를 통해 기억될 수 있다. 대상과 시선 사이의 판단 속에 만들어진 오감의 속성들과 다섯 시선이 이웃을 바라보는 방법은 마주치기와 판단하기가 아닌 마주하기와 기억하기이다. 괭이부리마을과 그 주민들과의 물리적 사회적 문화적 거리감을 느낄 수 밖에 없는 모든 시선은 이러한 다섯 예술적 시선을 통해 이 동네와 진정 마주바라보게 될 것이며 그로 인해 기억하게 될 것이다.■

2012-04-20T11:24:00.001-07:00

숨 쉬는 나무

부평굴포누리 기후변화체험관 공공예술프로젝트 (2012. 03. 14 ~ )

정상희 (총괄기획)

“숨 쉬는 나무”는 부평굴포누리 기후변화체험관의 실내외의 참여 예술적 환경을 조성하기 위한 프로젝트이다. 기후변화체험관은 1992년에 신축된 갈산배수펌프장 시설에 증축하여 건립되었다. 재난 안전에 대비 24시간 운영되는 시설인 배수펌프장 중심의 공간으로 지역의 과거와 미래가 담긴 장소적 가치를 공공예술을 통해 부각시키고자 한다. 2011년 11월부터 프로젝트 진행이 착수되어 2012년 3월에 완공되어 반영구적으로 설치 활용될 작품 네 점으로 구성되었다.

“숨 쉬는 나무”의 제안배경은 다음과 같다. 기후변화체험관이 증축된 갈산배수펌프장은 자연재난으로부터 지역을 보호하는 중요한 역할과 기능해 온 부평 내 역사적으로 중요한 장소적 가치를 지닌 것으로 그 가치를 공공예술의 가치를 부여해 부각시킬 필요가 있었다. 또한 녹색 도시 공간의 이미지를 재생, 즉 생명의 순환적 가치에 초점을 맞춰 공공예술과 함께 시각적으로 강조할 필요가 있으며, 그로 인해 과거의 배수펌프장이 그 본연의 의무를 유지하며 새로운 문화체험공간으로 변모한 재생 공간의 개념과 함께 다양한 측면에서 재생 및 재활용적 요소를 공공예술을 통해 강조해야할 필요가 있었다. 더불어 기후변화체험관 내부의 다양한 체험 학습 환경에 실외 공간에서 자연스럽게 이어지는 예술적 체험과 예술 교육 프로그램을 더해 그 효과를 배가시킬 필요가 있었다.

위와 같은 제안 배경을 바탕으로 추진한 전략 및 기대효과는 우선 첫 번째 기후변화체험관 실내 콘텐츠와의 조화에 있다. 다양한 교육 중심의 콘텐츠에 따라 전시물들이 설치되어 있는 기후변화체험관 실내의 콘텐츠를 최대한 방해하지 않기 우해 실내 공공예술작품 설치를 최소화하며, 실외 공간과 벽면을 중심으로 프로젝트를 진행했다. 두 번째로는 재생과 환경요소를 강조함으로서 녹색도시의 중심 커뮤니티 이미지를 강조했다. 이를 위해 불용시설 펌프에 자연에너지와 인간에너지로 되살아난 생명력을 부여하며, 자연의 순환 과정을 상징적으로 보여줄 수 있는 주제를 통해 되살아난 부평 굴포천의 생명력을 퇴대한 강조했다. 마지막으로 시민들의 직접적인 참여를 유도할 수 있는 장을 마련하고자 했다. 이를 위해 작품에 시각, 촉각, 청각 등의 다양한 감각을 통해 직접 경험할 수 있는 요소를 최대한 예술적으로 적용해 체험 중심 예술 환경을 조성했다.

숨 쉬는 나무는 생명의 순환

겨울이면 잎사귀는 모두 떨어져 나무의 가지들은 메마르고 앙상해 죽은 듯 보이지만 여전히 숨을 쉬고 있다. 죽은 듯 보이는 그 순간에도 나무는 우리에게 아낌없이 맑은 공기를 주기 위해 숨을 쉰다. 어느덧 따뜻한 봄 햇살이 비치면 어김없이 나무는 푸르른 잎사귀를 내밀며 다시 생명력을 발휘한다.

태양, 바람, 비, 물 등과 같은 자연의 요소는 가장 기본적인 생명의 에너지원이다. 하지만 자연을 아껴주는 사람의 다정한 손길은 나무에 힘을 주고 숨을 쉬게 하며, 그 나무로부터 나온 에너지가 다시금 건강한 공기와 에너지를 생성해내는 긍정적인 순환과정의 가장 중요한 에너지원이다. 기후변화체험관을 둘러싼 장소가 생명의 순환이 일어나는 하나의 숨 쉬는 나무이다. 태양과 물, 그리고 토양의 에너지를 얻어 숨을 쉬던 나무가 다시 활발한 생명력을 발휘하듯, 기후변화체험관을 둘러싼 굴포천의 장소는 자연의 힘과 사람들의 참여의 힘으로 또 다른 숨 쉬는 생명체가 된다.

오경선 <생의 반복>/ 더 미디엄 <사운드펌프로봇>/ 오상석 <성장>/ 김태은 <생명의 정원>

***

숨 쉬는 나무 프로젝트는 크게 네 가지의 작품으로 구성된다. 기후변화체험관 입구를 장식하는 스트리트퍼니처 <생의 반복>은 삶의 순환을 보여주는 나무의 나이테를 조형화 한 오경선의 작품이다. 휴식공간과 동시에 놀이공간으로 사용되며, 체험관 내부의 콘텐츠와 상호관계를 형성해 교육과 오락 효과를 강화했다. <생명의 정원>은 김태은의 작품으로, LED 점멸 방식을 이용해 굴포천의 자연 이미지를 외부 미디어 파사드 예술작품으로 재탄생시켰다. 굴포천과 기후변화체험관의 장소적 정체성을 보여줄 수 있는 야관 경관 미디어 아트이다. 더 미디엄과 김태은이 함께 작업한 <사운드 펌프 로봇>은 태양과 물과 토양의 양분으로 생명을 만들어내는 나무와 같이 태양으로부터 기본 에너지를 얻고, 사람들이 펌프를 눌러주는 행위를 통해 에너지를 얻어 빛과 소리로 그들의 생명력을 발산하는 펌프 로봇 작품이다. 기존 배수펌프장에서 사용되었지만 지금을 불용시설로 남아있는 펌프에 예술작품으로서 새로운 생명력을 부여했다. 마지막으로 <성장>은 인터랙티브 싱글채널 비디오 작품으로, 1인 터치로 사람의 실루엣이 벽면에 비쳐지면서 여러 곳에 새싹이 나고 커지면서 잎이 푸른 나무로 성장하는 합성 영상을 활용한 작품이다. 나의 행위나 모습 그 자체로도 자연이 되고 자연의 일부로 함께 할 수 있음을 인터랙티브 미디어를 통해 경험할 수 있는 작품이다.

이와 같은 작품들로 구성된 프로젝트를 통해 순환하는 자연의 순리, 친환경적 요소와 장소적 가치를 다시 한 번 고려해보게 될 것이며 동시에 교육적 호기심과 예술적 체험이 강조될 수 있을 것이다. █

< 예술과 상품의 경계에 선 팝아트 >

2011-09-30T00:48:00.001-07:00

대중 속으로 들어간 예술,
20세기 미술을 바꾸다

[출간 의의]

현재진행형의 예술, 팝 아트

“예술은 박물관에 처박혀 있는 것 그 이상의 것을 행해야 한다.” - 클래스 올덴버그

팝 아트는 20세기에 등장한 새로운 예술이다.

팝 아트 이전의 예술은 상업성이나 대중문화와 거리를 두었지만, 대중매체와 산업사회의 발달은 결국 예술에까지 영향을 미쳤다. TV 광고나 영화배우, 누구나 구입할 수 있는 코카콜라・수프 캔・과자 등과 만화 이미지는 예술로 재탄생했다. 쉽게 소비할 수 있는 이미지가 팝 아트의 소재가 되었고, 대중문화와 예술의 경계는 무너졌다.

시공아트시리즈 55번째 책인 『예술과 상품의 경계에 서다 팝 아트』는 팝 아트가 탄생했던 시점으로 돌아가 그 현장에서 미술계를 지켜본 저자들의 다양한 시선을 담았다. 특히 페미니즘 미술의 1세대 비평가인 루시 R. 리퍼드, ‘팝 아트’라는 용어를 처음 만들어 낸 로런스 앨러웨이 등 네 명의 저자가 직접 전하는 팝 아트의 이야기는 참전용사가 들려주는 무용담과 같이 흥미진진하다.

[내용 소개]

팝 아트, 대중 매체를 이용하다
팝 아트는 1960년대 미국에서 유행한 미술로만 알고 있는 경우가 많지만, 실은 1950년대 영국에서 탄생했다. 영국에서 팝 아트의 시작을 알린 것은 1949-1951년 프란시스 베이컨Francis Bacon이 사진을 이용한 작업이었다. 예술가들이 대중문화를 자신의 작품 안에 동화시키면서 팝 아트는 본격적으로 시작되었다. 영화, 광고, 공상과학소설, 팝 음악 등 서구 산업사회의 새로운 문화는 누구나 접할 수 있는 것이었고, 곧 팝 아트의 소재가 되었다.
초기 팝 아티스트였던 리처드 해밀턴Richard Hamilton은 사회 저항적인 태도를 보이며 정치적이고 풍자적인 팝 아트를 만들었고, 리처드 스미스Richard Smith는 일상의 사물을 클로즈업하여 새로운 이미지를 선보이는 작업을 하며 추상적인 팝 아트로 좀 더 나아갔다. 피터 블레이크Peter Blake는 사진과 엽서, 단추나 장남감과 같은 것들을 배열한 구상적인 팝 아트의 대표 주자였다. ‘팝 아트’라는 용어를 최초로 만든 이는 로런스 앨러웨이다.
1950년대 후반 영국에서 인디펜던트 그룹의 젊은 예술가들과 공동 작품에 관련된 토론을 하던 중 이 용어가 만들어졌다. 당시 그가 사용했던 ‘팝’은 대중매체의 산물을 의미하는 것이었던 데 반해 오늘날 사용하는 ‘팝 아트’는 대중문화를 이용한 예술 작품에 가깝다는 차이점은 있다. 팝 아트의 탄생에 직접적으로 가담했던 로런스 앨러웨이의 글은 팝 아트가 어떻게 시작되었고 어디에서 영향을 받았는지를 생생히 알려 준다.

팝 아트, 날개를 달다
영국에서 탄생한 팝 아트는 1960년대 미국에서 화려하게 등장했다.
현재까지도 인기를 얻고 있는 대표적인 팝 아티스트들로는 앤디 워홀Andy Warhol, 로이 릭텐스타인Roy Lichtenstein, 탐 웨설먼Tom Wesselman, 제임스 로젠퀴스트James Rosenquist, 클래스 올덴버그Claes Oldenburg 등이 있다. 미국에서 팝 아트가 폭넓은 영향력을 가질 수 있었던 것은 대중적인 이미지가 어떤 배경, 종교와도 상관없이 모든 미국인들이 공유하는 경험이었기 때문이다. 팝 아트는 광고, 잡지, 신문 삽화, 골동품, 가구, 일상복과 음식, 유명 영화배우, 핀업 사진, 만화 등 평범한 일상의 것들을 선택해 예술로 만들었다. 기존의 예술 작품에서 느껴지던 신성함이라고는 전혀 찾아볼 수 없으며, 전통적인 작업 방식도 무시되었다. 팝 아티스트들은 일단 이미지를 선택하고 나면 그것을 있는 그대로 사용했다. 흔한 소재들을 작품 속으로 끌어들여 순수예술과 대중예술의 경계를 모호하게 만들었고, 산업사회의 현실을 적극적으로 수용함으로써 예술과 대중의 거리를 가깝게 했다.
미국의 팝 아트는 크게 뉴욕과 캘리포니아로 나눌 수 있다. 뉴욕의 팝 아트는 다양한 소재와 방식으로 끊임없이 새로운 모습을 선보였고, 캘리포니아의 팝 아트는 좀 더 미국적인 소재를 다루었다. 빌리 앨 벵스턴Billy Al Bengston, 에드워드 루샤Edward Ruscha, 조 구드Joe Goode, 멜 레이모스Mel Ramos 같은 예술가들의 작품을 통해 팝 아트는 서부 지역에 일찍이 뿌리를 내렸다. 캘리포니아 남부 지역의 독특한 개조 자동차 문화에서 비롯된 에어브러시 기법, 캔디애플 디자인, 줄무늬 디자인 기법들이 다양하게 사용되면서 캘리포니아 팝 아트는 독특한 특징을 가지게 되었다.

팝 아트, 경계를 넓히다
팝 아트는 어떤 예술보다도 현실과 밀접하게 연관되기 때문에 각 지역, 각 시기마다 다른 모습을 보일 수밖에 없다. 대중문화와 자본주의가 발달한 미국에서 팝 아트가 가장 번성했던 것은 당연한 결과다. 그렇기에 미국과 다른 전통을 가진 나라에서는 팝 아트가 미국만큼 번성하지 못했다. 유럽은 제2차 세계대전 이후 미국보다 경제발달의 속도가 느렸기 때문에 팝 아트 역시 미국에서만큼 영향력이 크지 않았다.
또한 미국에 대해 가지고 있는 각 나라의 정서가 달랐던 것도 팝 아트가 빠르게 발전하지 못했던 이유다. 유럽에는 이미 현실의 오브제를 그대로 작품에 도입하려는 ‘누보 레알리슴’ 예술이 존재했고, 그들에게 팝 아트는 너무나 직접적인 표현 방식이었을 것이다. 즉 유럽의 예술가들은 미국 예술가들처럼 공격적이지는 않지만 더욱 감정적이며 사회참여적인 특징을 보였다. 하지만 대중문화를 차용하는 팝 아트의 작업 방식은 유럽의 누보 레알리슴에도 영향을 끼쳐 두 양식은 공존하며 발전했다. 서구의 대표적인 자본주의 국가인 캐나다 역시 미국만큼 도시 문화가 발달하지 않았기 때문에 팝 아트의 중심지가 될 수는 없었다. 캐나다의 대표적인 팝 아티스트는 아먼드 플린트Armand Flint, 마이클 스노우Michael Snow, 수나오 우라타Sunao Urata다. 유럽과 캐나다 모두 미국만큼 팝 아트를 발전시키지는 못했지만, 적극적인 현실 참여 정신을 작품에 포함시키며 팝 아트의 범위를 넓히는 역할을 했다. 팝 아트는 미술사에서 혁신을 이루었다. 고급예술과 저급예술이라는 구분을 없애고, 발달한 산업사회의 이미지를 차용함으로써 미술의 작업 방식을 새롭게 바꾸었다. 무엇보다 팝 아트는 대중이 예술을 가깝게 느낄 수 있도록 해 주었다는 점에서 주목해야 할 예술이다. 이 책은 현대 미술에서 여전히 한 축을 담당하는 팝 아트를 이해하는 데 훌륭한 기초가 되어 줄 것이다.

[저자/역자 소개]

루시 R. 리퍼드Lucy R. Lippard는 저명한 미술사가로, 『빌리지 보이스Village Voice』에서 오랫동안 미술평론가로 활동했고, 미국미술대학협회American College Art Association의 매더 상Mather Award을 받았다. 저서로는 『의미 이해하기: 사회 변화를 위한 십 년의 예술Get the Message: A Decade of Art for Social Change』 ,『6년: 예술 작품의 소멸Six Years: The Dematerialization of the Art Object』 등이 있다. 로런스 앨러웨이Lawrence Alloway는 영국의 미술평론가이자 큐레이터로, 1950년대에는 영국 인디펜던트 그룹을 이끌었고 1960년대에는 미국에서 작가이자 큐레이터로 왕성한 활동을 벌였다. 그는 대중문화적 성격이 뚜렷한 미술 작품을 가리켜 ‘팝 아트’란 용어를 처음으로 사용했다. 낸시 마머Nancy Marmer는 『아트 인터내셔널Art International』지의 편집자로 활동했고, 『아트포럼Artforum』의 기고가이기도 하다. 니컬러스 캘러스Nicolas Calas는 시인이자 미술평론가로『빌리지 보이스』와 『아트포럼』 등에서 활동했다. 그의 글을 모아 『위기 시대의 예술Art in the Age of Risk』, 『1960년대의 아이콘과 이미지Icons and Images of the Sixties』가 발간되었다.

정상희는 서울시립대학교 환경조각학과와 홍익대학교 미술사학과 석사과정을 졸업한 후 오하이오 대학교 비교예술학과 박사과정을 수학했으며, 현재 서울시립대학교 건축학과 박사과정에 있다. 미술평론가와 독립기획자로 활동하고 있으며, 인천아트플랫폼 1기 입주 평론가/기획자로 선정되었다. 홍익대학교, 고려대학교, 강남대학교, 안양대학교, 세종대학교, 대구대학교 등에서 미술사와 건축사를 강의하고 있다. 옮긴 책으로는 『죽기 전에 꼭 봐야 할 세계 건축 1001』, 『Art: 세계미술의 역사』, 『천사와 악마, 그림으로 읽기』 등이 있다.

[차 례]
저자의 말
서문
1 영국 팝 아트의 전개   로런스 앨러웨이
2 뉴욕 팝 아트   루시 R. 리퍼드
3 캘리포니아 팝 아트   낸시 마머
4 팝의 아이콘   니컬러스 캘러스
5 유럽과 캐나다의 팝 아트   루시 R. 리퍼드
주
참고문헌
도판 목록
찾아보기
옮긴이의 말

[원문] http://blog.naver.com/sigongbooks/123032122

천사와 악마 - 그림으로 읽기

2011-09-14T01:20:00.001-07:00

도서출판 예경 | 당신의 아틀리에
http://blog.naver.com/yekyong1/20125487489

로사 조르지| 정상희 역
2010-05-10|ISBN 978-89-7084-426-8|

명화와 함께 인간 존재의 근원을 탐구하는 새롭고 흥미로운 지식여행!

성서에 묘사된 창조의 순간부터 최후의 날까지
천사와 악마가 가진 다양한 상징을 친절하게 풀어낸 명화 안내서

천사와 악마, 그 비밀의 베일을 벗긴다
우리는 천사와 악마의 모습을 머릿속에 쉽게 떠올릴 수 있다. 커다란 날개를 단 천사는 평화로운 천국의 하늘을 날아다닌다. 반대로 악마는 머리에 뿔을 달고 무시무시한 표정을 지으며 지옥불 앞에서 죄인들을 고문하고 있다. 그런데 실재하지 않는 천사와 악마에 대해 공통되는 구체적 이미지를 가지고 있는 것은 왜일까? 그것은 성서와 그리스도교적 사고를 바탕으로 한 문학작품, 그리고 이에 영감을 얻은 수많은 예술가들이 남긴 그림이 있기 때문이다. 특히 그림은 이미지를 명료하게 보여줄 뿐만 아니라 많은 상징들을 내포하고 있기 때문에 그 안에서 다양한 의미를 발견할 수 있다. 이 책은 천사와 악마라는 영적 창조물의 본질과 모습, 그들이 살아가는 장소와 시대의 흐름 속에서 그들의 여정은 어떠했는지를 명화를 통해 읽어낸다.

지상에서 천국으로 이어지는 이야기
이 책은 전체적으로 천사와 악마라는 방대한 주제를 시간과 지역을 기준으로 분류하고 지상에서 천국으로 이어지는 행로를 따라 구성되어 있다. 첫 번째 장에서는 사후 세계가 어떻게 전개되었는지 에덴동산, 지옥, 연옥, 낙원 등의 개념을 성서와 문학작품을 통해 알아보고 두 번째와 세 번째 장은 선과 악의 기로에서 그 선택에 따라 인간의 행로가 어떻게 결정되는지를 보여준다. 이어서 삶과 죽음, 죽음과 사후 세계와 관련된 이미지를 통해 종말론적인 믿음에 대해 이야기하며 지옥의 군대에 대한 장은 유대-그리스도교적인 전통에 근거한 악마와 악령에 관한 내용으로 악마의 행동과 모습 속에서 ‘악’이라는 정신에 대한 도상을 찾아본다. 마지막 장에서는 천사의 이미지에 초점을 맞춰 다양한 천사의 모습과 성서 이야기 속에서 등장하는 천사들의 활동상을 정리한다. 이렇듯 천사와 악마라는 주제에서 파생된 다양한 이야기들을 다양한 시대, 장소, 특징, 신학적 개념에 따라 다양하게 소개함으로써 입체적인 이해를 끌어낸다.

선과 악, 천국과 지옥… 그리고 천사와 악마에 대한 모든 것
천사와 악마라는 개념을 살펴보면 그 안에는 나름의 체계가 세워져 있고 다양한 의미가 함축되어 있다. 에덴동산을 지키는 천사와 지옥을 관장하는 악마, 천사는 그들의 직분과 위치에 따라 9단계로 계급이 나눠져 있으며 악마 역시 하느님에게 대항해 반역을 일으킨 반역천사 루시퍼를 비롯해 사탄, 마왕 등으로 분류되는데 이를 구분하고 각각의 특징까지 이해하는 사람은 많지 않다. 이 책은 천사, 악마와 관련된 명화를 통해 보다 구체적인 이미지를 읽어내고 그 안에 담긴 의미까지 새롭게 발견하는 숨바꼭질 같은 책이다. 천사와 악마를 비롯해 에덴동산과 지옥이 어떻게 구성되어 있고, 수호 천사, 음악 천사와 같은 천사들의 모습이 어떻게 표현되었는지, 악마를 상징하는 동물에는 무엇이 있는지 등 알면 알수록 흥미로워지는 천사와 악마의 세계로 떠나보자.

저자소개

로사 조르지(Rosa Goirgi)
도상학을 연구하는 미술사학자이며 미술사 교사로도 활동했다. 주로 그리스도교 도상학에 대한 글을 쓰며 저서로는 <카라바조>, <벨라스케스>, <엘 그레코> 등이 있다.

정상희는 서울시립대학교 환경조각학과와 홍익대학교 미술사학과 석사과정을 졸업한 후 오하이오 대학교 비교예술학과 박사과정을 수학했으며, 현재 서울시립대학교 건축학과 박사과정에 있다. 미술평론가와 독립기획자로 활동하고 있으며, 인천아트플랫폼 1기 입주 평론가/기획자로 선정되었다. 홍익대학교, 고려대학교, 강남대학교, 안양대학교, 세종대학교 등에서 미술사와 건축사를 강의하고 있다. 옮긴 책으로는 『죽기 전에 꼭 봐야 할 세계 건축 1001』, 『Art: 세계미술의 역사』, 『천사와 악마, 그림으로 읽기』 등이 있다.

도서 펼침면 보기

MEMOPHILIA - MEMORY + PHILIA

2011-09-12T04:45:00.000-07:00

기억애 MEMOPHILIA - memory + philia 기억에 대한 애착

인천아트플랫폼, 2010.11.26 ~ 2011.02.25
정상희(예술감독)

인천아트플랫폼은 오랜 역사를 구축하고 현재와 미래를 연결하며 지리적, 역사적, 문화 예술적 경험을 일으키는 독특한 공간이다. 서로 다른 각자의 역사를 지닌 작가들이 창작활동을 위해 일정 기간 동안 상주하며 이러한 경험들을 공유해왔다. 더불어 서로 부대끼며 나름의 과거와 현재와 미래를 만들어왔다. 이들의 같으면서도 다름을 하나로 묶어주는 것은 동일한 시간과 공간 안에서 형성되어온 기억과 그 기억에 대한 애착이라 할 수 있을 것이다. 정보를 저장하고 유지하고 때에 따라 회상에 의해 의식화하는 것을 우리는 기억이라 한다. 이는 특정한 시간과 공간에 의해 형성되는 상황의 파편화된 인덱스이다. 여럿이 완벽하게 일치하는 기억을 공유한다는 것은 거의 불가능하다. 아무리 깊고 충분한 교감이 보장되는 관계라 하더라도 결국 각자가 특정한 상황에서 느끼는 시간과 공간은 극히 주관적이기에 존재하는 기억 역시 주관적일 수밖에 없기 때문이다. 하지만 특정한 시간과 공간은 다각도에서 접근하는 기억에 대한 애착, memo-philia를 통해 비로소 공감대를 형성하며 그 정체성을 찾아갈 수 있을 것이다.

인천아트플랫폼 특별전 《기억애 Memophilia》는 입주기간동안 지속적인 소통을 나눠온 작가들과의 수차례에 걸친 개별 인터뷰와 함께 시작되었다. 이미 각자의 견고한 예술 세계에 따라 선보일 작품의 방향이 정해졌거나, 기획에 따라 새로이 작품을 제작하고자 인터뷰에 응했던 작가를 비롯해 거리상 시간상 문제로 깊이 있는 대화를 나누기 어려웠던 작가들. 근본적으로 상이한 예술적 성향들을 한데 모아 그 사이를 아우르는 큰 흐름을 잡아갔다. 그리고 마침내 수많은 의미들이 시간과 공간이라는 주제와 그 안에서 흐릿하게 또는 강렬하게 정체를 드러내는 기억이라는 주제로 모아졌다.《기억애》는 시간과 공간에 담긴 기억을 다양한 조형적 해석으로 선보인다. 감각과 인지와 개념을 통해 경험되고 사유되는 기억에 대한 기록이다. 이는 크게 기억의 흔적과 기억을 관통하는 배경인 시간과 공간을 기준으로, B동 전시장과 그 외 장소들로 나뉜다. B동 전시장에는 시간을 중심으로 한 기억의 이미지가 담겼다. 기억의 파편들을 한데 모은 ‘삽화적 기억Episodic Memory’과 역사와 사건과 같은 특정 문맥 하에서만 읽히는 ‘문맥적 기억Contextual Memory’, 쉽게 잊히지만 기록의 방법으로 뒤틀린 채 남는 기억을 담은 ‘기억과 망각Memory and Oblivion’과 ‘기억과 기록 - 기억 세포Memory Cell’로 구성된다. 또한 근대문학관예정지와 아카이브관 및 인천아트플랫폼 야외 공간은 특정 장소에 대한 기억과 관객과의 소통을 통한 사적인 기억의 생성을 유도하는 이미지들로 구성된다.

기억은 부분을 통해 비로소 전체를 추측할 수 있는 파편화된 존재이며, 나름의 역사를 소유하기 때문에 특정한 문맥 하에서만 올바르게 그 존재를 드러낸다. 존재의 파편화된 이미지를 통해 기억의 본질을 시각화하거나 시각적 물리적 경험을 통해 파편화된 존재를 보여주는 김혜란, 노정하, 장진, 지민희, Another Dimension의 작품을 통해 ‘삽화적 기억’을 느껴볼 수 있다. 김혜란의 한정된 공간에 갇힌 기이한 모습의 인형들은 관객들이 버튼을 누르는 행동을 통해 얻을 수 있는 사적이고 분절된 시각적 경험과 그로 인한 기억들과 함께 다양한 내러티브를 만들어간다. 섬세한 움직임이 연출된 노정하의 자화상은 사진과 영상 이미지의 부동성과 유동성의 중간지점에 위치한 채 파편화되고 동시에 통합된 이미지를 보여준다. 장진은 달빛 프리즘을 통해 굴절된 달밤의 기억을 화폭에 담았으며, 지민희는 문학 텍스트 생성 원리를 기반으로 한 이야기의 기억을 종이로 콜라주 했다. Another Dimension은 파편화되고 왜곡된 채 가슴 속에 남아있는 기억이 현실에 대한 은유이듯, 흔히 현실로 오해되는 현실의 재현 방법에 의문을 제기하며 가상과 현실 사이의 매개체로서 대상의 3차원 이미지를 다뤘다.

또한 특정한 역사적, 주관적, 일상을 벗어난 초경험적 시공간의 ‘문맥적 기억’의 이미지는 김영수, 김태은, 배진호, 오경환, 찰리한, 최혜영의 작품을 통해 확인할 수 있다. 김영수의 <사람-문>과 <분단-DMZ>는 우리 역사와 사회와 민중에 대한 현실과 애정과 연민과 소외 및 인간 본연의 내면적인 슬픔과 욕망 등을 드러내고자 한다. 두 작품에 등장하는 사람들은 서로 다른 모습과 표정을 하며 완전히 서로 다른 환경에 노출되어 있지만 분명히 동시대의 사람들이다. 이들을 보며 과연 오늘날 우리는 이 과거에 대해 무엇을 기억하며 또는 우리의 기억은 어디로 가고 있는가에 대한 의문을 제기한다. 김태은은 영화 속에서 등장하는 인위적인 문맥이 존재하는 특정 공간과 이 공간이 특정한 영화상의 문맥에서 벗어나 리얼리티 속으로 들어왔을 때의 이미지를 뒤섞어 보여준다. 배진호의 작품 속 등장하는 인물은 클로즈업과 극사실의 기법으로 인해 현실적인 특정인물과 동일시되는 동시에 상상 또는 구체적으로 시각화되지 않는 특정 기억 속 인물의 이미지로 순간적인 전이를 일으킨다. 오경환의 작품은 우주라는 초경험적 시공간 속의 문맥적 기억을 이미지화 했으며, 심연의 우주 공간은 보는 이들에게 또 다른 시공간으로 빠져드는 경험을 제공한다. 최혜영은 파괴되고 부서져 외면당하는 공간의 자연 이미지를 면사테이프를 붙이고 다시 떼어내는 방법으로 보여주며 특정한 공간의 흐릿해지는 우울한 기억에 새로운 생명감을 불어넣는다.

***

예술과 역사를 포함한 문화를 인간의 지식과 경험의 결정체라고 한다면, 그 지식과 경험은 다름 아닌 기억과 망각 그리고 기록의 방법으로 형성될 것이다. 기억-망각-기록의 방법을 통해 서로 다른 문화 사이의 연관관계를 만들어갈 수도, 그 사이를 단절시킬 수도 있다. 더불어 개인이나 일종의 크고 작은 공동체 사이의 관계와 입장관계에서도 마찬가지다. 이는 공적이며 사적인 여러 문화를 바라 볼 수 있는 다양한 시점을 제공하기도 한다. 이와 같은 세 요소 사이의 관계는 강혁, 김장프랙티스!!, 남대웅, 박윤회, 양승수, 이옥련, 오유경, 이탈, Strange Air in the Night, DNA의 작품을 바라볼 수 있는 해석의 포인트를 제공한다.

강혁은 서사 형식 속에 시간성과 존재성을 담아내며 기록과 서사의 함축적 구현을 통해 존재의 본질을 드러내는 사진 매체의 핵심을 충실히 다룬다. 김장프랙티스!!는 도시 안에서 기억되지 않는 공간을 기록한 작품을 선보였으며, 박윤회는 인천의 유동적인 과거와 현재 사이에서 희비가 엇갈리는 구도심과 신도심을 실제 자전거로 이동하며 기록하는 방식을 통해 마치 타임머신을 타고 서로 다른 시간과 장소를 넘나드는 듯한 경험들을 이미지화 했다. 양승수는 관람객이 지나치는 회전목마의 움직임과 그 장면이 투영된 이미지 사이에 시간적 간극을 설정한다. 실질적인 실물을 바라보는 경험적 기억과 동시간적 영상이 아닌 과거의 영상으로 그 기억의 이미지가 다시 제어됨으로써 한순간에 제어적 기록이 경험적 기억을 집어 삼키는 무의식적 망각의 경험을 유도한다. 이옥련은 세계 각지의 풍토와 기후에 따라 특이한 모양새를 지니는 도토리나뭇잎의 수집과 기록을 통해 그가 직접 경험한 다양한 문화에 대한 기억과 그 사이의 미세한 차이를 유추해보는 작품을 선보인다. 프로젝트성 그룹 DNA는 증강현실 방법을 이용해 전시장 B동을 비롯해 아카이브관과 근대문학관 예정지 및 A동 교육관에 이르는 인천아트플랫폼의 모든 공간들의 과거와 현재, 미래의 이미지를 통해 특정 공간의 정체성을 시각화했다.

****

기억을 구성하는 요소 중 장소에 의미 무게를 둔 작품들로 구성된 아카이브실과 근대문학관 예정지에서는 직선적이며 곡선적인 기억의 애착을 경험할 수 있다. 과거와 현재와 미래로 이어지는 시간의 흐름이라는 동일선상에서 이어지는 기억은 그 기억의 생성 위치와 재인식 위치 사이의 거리 차이에 따라 강렬하거나 흐릿하게 다뤄지는 직선적인 특징을 지닌다. 하지만 기억은 본질적으로 생성과 인식 사이의 거리 차이와 상관없이 끝없는 강약을 반복하며 회전하는 곡선적인 특징을 지니기도 한다. 이 과정에서 기억의 대상과 배경은 의미가 변질되고 진동이 증폭되거나 약화되는 변화를 겪게 된다.

아카이브관에는 과거의 흔적이 남아있는 공간을 이용한 장소 특정적 설치 작품들을 통해 과거와 현재와 미래가 담긴다. 채지영의 장소 특정적 설치 작품이 자리한 과거의 금고 공간과 지민희의 모빌 설치 작품이 채워진 오늘날 회의실로 사용되는 공간의 장소적 정체성은 모두 과거에 지녔던 실질적인 기능에 비해 지금은 구체적이지 못하며 약화된 채 남아있다. 금고 공간은 인천의 개항장이라는 역사적 특수성을 바탕으로 여러 변화와 역사가 담겨있는 장소로, 과거에는 우선주식회사의 금고로 사용되어 극히 소수의 사람들만이 들어갈 수 있었던 탐욕과 권력의 상징이었다. 하지만 지금은 일반인들의 관심조차도 받기 어려운 구석진 골방에 불과하다. 금고 안은 천정과 바닥을 가로지르는 흰색 네오프렌 고무판들로 가득 채워졌다. 한 사람 겨우 간신히 고무판들을 뚫고 들어갈 수 있는 좁은 공간 내부를 관객이 적극적으로 경험함으로써 오랜 세월 특정한 지역을 점유한 사람들과 그들이 겪어온 역사의 시간을 느껴볼 수 있도록 의도했다. 한편 지민희의 모빌은 이미 버려지고 가치를 잃은 마른 나뭇잎이나 나뭇가지와 같은 자연 오브제를 모아 깨끗이 닦고 그 위에 총천연색으로 화장을 시키면서 시작된다. 수많은 오브제들이 천정에 매달려 잔잔히 창가를 뚫고 비치는 빛과 함께 새로운 의미와 생명을 부여받는다. 더불어 과거에 비해 구체적인 용도와 정체를 찾지 못했던 설치공간은 새롭게 태어난 버려졌던 자연 오브제들로 생명이 가득 채워지며 또 다른 생명의 공간으로 정체성을 얻게 된다.

한편 강혁, 김태은, 노정하의 영상작품들이 설치된 근대문학관예정지에는 어둠과 빛으로 가득한 공간적 기억이 담겼다. 벽을 가득채운 김태은의 빈 집과 노정하의 뉴욕 센트럴스테이션의 영상이미지는 특정한 공간에 대한 기억을 재구성해 또 다른 기억으로 재탄생시키며, 강혁의 인물 영상이미지는 우리가 바라보는 또는 경험하거나 사고하는 대상의 실질적인 주체와 존재론적인 주체 사이의 간극을 엄숙한 공간 속에서 다시금 되돌아보게 하다.

또한 가시적 장소와 비가시적 장소의 의미를 담은 야외 설치 작품들에서는 경험과 소통을 통한 주관적이면서도 객관적인 기억의 시선을 느낄 수 있다. 박혜정의 작품은 경계의 소멸, 중심의 부재, 입구와 출구의 불확정성과 같은 문제들을 통해 인천의 정체성에 대해 의문을 제기하며 비가시적으로 장소를 해석한다. 하지만 동시에 관객이 작품 위를 걸어 다니며 예술을 경험할 수 있게 하는 장소의 가시적 역할을 보다 중요하게 다룬다. 이옥련과 장진의 작품 역시 관객과의 직접적인 소통을 통해 이미 존재하는 작가 중심의 기억의 이미지가 아닌 객관적이면서도 극히 주관적인 기준으로 관객에 의해 직접 만들어질 수 있는 또 다른 기억의 생성을 유도하며 야외 공간에 예술적 기운을 채웠다.

*****

우리가 살아가는 매 순간은 기억으로 가득 채워져 있다. 낯선 곳으로 떠난 여행길에서 이국적인 풍경과 그 느낌을 기억하고자 사진을 찍고 글로 기록을 남기곤 한다. 창가를 흐르는 빗줄기를 보며 과거의 가슴 아픈 그 무언가를 기억하기도 하며, 우연히 얼굴을 스치는 봄바람에서도 살랑거리는 기억으로 가슴 설레기도 한다. 《기억애》는 잊고 싶은 기억과 잊기 싫은 기억들로 가득한 삶의 순간들을 다양한 방법으로 시각화 한다. 하지만 모든 세부들을 기억과 그 기억에 대한 애착이라는 영역 하에 포함시키고자 하거나 그 요소들을 바탕으로 해석하고자 하지는 않는다. 기록은 과거의 정보를 유지하고 경험을 재구성하는 기억을 지배한다.《기억애》에는 다름 아닌 일정 기간 동안 같은 공간에서 함께 했던 소중한 예술적 기운들이 가슴 아프면서도 가슴 설레는 기억들로 기록되어 남기를 바라는 애착이 담겨있다. 비록 시간의 흐름과 함께 서로에게 또는 이들을 바라봤던 외부의 시선에도 망각의 옷이 입혀지겠지만, 인천아트플랫폼 입주 작가들 간의 소통을 통해 얻은 나름의 정보를 오래도록 공유하고 특별한 경험들을 재구성하며, 그 기억을 소중히 하고자 하는 바람이 담겨 있다.

(사진. 이재복)

Incheon Art Platform Residency Exhibition 2010.11.26~2011.02.25

Sanghee Jung

(Art Director of MEMOPHILIA)

Being a place with a long history connecting the present to the future, Incheon Art Platform is a unique space that invites visitors to have experiences in geography, history, culture, and art. Residency artists with different histories and backgrounds have shared such experiences while living here at IAP for a certain period of time creating artworks. While interacting with others, each of them has built his or her own past, present, and future. They are alike yet different. And what brings them cohesively together is memories that have been formed in the same space during the same period of time and attachment or philia to such memories.
To store and keep information, and sometimes to conscientize by recollecting-we call this memory. A memory is a fragmented index of a situation from a specific time and space. It is almost impossible for a multiple number of people to perfectly share an identical memory. However close and rich the communion in a relationship may be, the time and space of each partner in the relationship seems to be in a specific situation, and their experiences are extremely subjective. A memory is also, therefore, necessarily subjective. However, specific time and space form a bond of consensus eventually and can see its identity through memo-philia, which in approached from multiple angles.

The IAP special exhibition, Memophilia, started with many individual interviews with artists who have remained in communication during their residency: interviews with artists who already decided on the direction of their works for this show according to their firmly established art, artists who planned to produce works anew in line with the intention of this show, and artists with whom in-depth communication was difficult due to problems pf proximity and lack of time. A common thread was discovered by putting together artistic inclinations that are fundamentally different from each other. And finally, numerous meanings are brought together into a theme of time and space and a theme called memory, which emerges vaguely and sometimes very strongly from within the theme of time and space.

Memophilia presents diverse interpretations of memories contained in time and space in artistic forms. This is a record on memory that has been experienced and mediated on through senses, recognition, and concept. Based on traces of memory and time and space, which are in the background penetrating memory, artworks are divided into groups to be shown in the exhibition space of Building B and other places. The exhibition space of Building B presents images of memory with emphasis on time. “Episodic Memory,’ which puts together fragments of memory, “Conceptual Memory,’ which is read only in a specific context such as history and an incident, ‘Memory and Oblivion,’ which shows memory easily forgotten but left distorted as a means of record, and ‘Memory Cell.’ The hall of modern literature scheduled to be built, Archives, and outdoor space of IAP present images that invite the viewers to make a memory about a specific place and induce creation of personal memory through communication with the viewers.

EPISODIC MEMORY

A memory is a fragmented being, the whole of which can be grasped at last through a part (of the whole). As a memory has history of its own, its existence is properly revealed only in a specific context. Seeing works by Kim Hye-ran, Noh Jung-ha, Jang Jin, Jiminy, and Another Dimension, which show fragmented images of existence by visualizing the essence of memory or through visual physical experience, the viewers can feel ‘Episodic Memory.’

Bizarre-looking dolls contained in limited space by Kim Hye-ran create diverse narratives through personal and fragmented visual experience the viewers get by pushing a button and the memory created from such experience. Self-portrait by Noh Jung-ha with delicate movements is placed between the immobility and the mobility of photography and video images and shows an image that is fragmented and at the same time unified. Jang Jin shows a refracted memory of the moon at night through a prism of moon light through his painting on canvas. The collage pf paper by Jiminy is about a memory of a story based on the theory of text generation from literature. Another Dimension deals with a 3-dimensional images as a medium between the virtual and reality, posing a question about the method to reproduce reality, which is commonly misunderstood as reality, as if a memory left fragmented and distorted in our hearts is a metaphor for reality.

CONTEXUAL MEMORY

Images of ‘Contextual Memory,’ which is a higher level of experience of time and space that breaks away from specific historic, subjective, and everyday life experience, and be confirmed through works by Kim Young-soo, Kim Tae-eun, Bae Jin-ho, Oh Kyung-hwan, Charlie Han, and Choi Hye-young. ‘People-Moon’ and ‘Division-DMZ’ by Kim Young-soo intends to reveal the reality of Korean history, society, and people as well as love, sympathy, neglect, and inner sadness and desire inherent to humans. The people appearing in these two pieces have different appearances and expressions from each other, and are exposed to totally different environments. However, it is apparent that they are all living in contemporary times. When we see them, we ask what we living today remember about this past and where our memory is going.

Kim Tae-eun mixed images – images of specific spaces in an artificial context that appear in movies and images showing such specific spaces become reality, breaking from the context of movies. People appearing in the work by Bae Jin-ho are made identical with a certain figure in reality by a close-up and hyperrealist techniques, which simultaneously causes momentary transfer to the image of a person in a specific memory that is not visualized concretely. The work by Oh Kyung-hwan creates an image of contextual memory within super-ultra time and space called the universe. The universe space of an abyss invites the viewers to experience immersion in yet another time and space. Choi Hye-young shows a natural image of space, which is destroyed and neglected, using the technique of attaching and removing pieces of cotton tape. By doing so, she brings new vitality to a dimming, increasingly gloomy memory of a specific space.

MEMORY, OBLIVION AND MEMORY CELL

If culture including art and history is considered a crystal of knowledge and experience of human beings, this knowledge and experience should be fromed with nothing less than the method of memory, oblivion, and recording. Through this memory-oblivion-recording method, relations connected with different cultures can be created, or severed. This applies equally to relations between individuals or communities, big and small. It also provides varied perspectives enabling us to see various cultures both public and private. The relationship between these three elements is the key point to interpret for the viewers to enable them to look at works by Kang Hyuk, KimChangPractice!!, Nam Dae-woong, Park Youn-hoey, Yang Seung-soo, Lee Okyohn, Oh You-kyeong, Lee Tal, Strange Air in the Night, and DNA.

Kang Hyuk delivers a message about time and existence within a narrative form. Through implicative realization of record and narrative, he faithfully deals with the core of photography, which reveals the essence of existence. KimChangPractice!! shows works that recorded spaces that are nor remembered within a city. Using the method of recording while riding a bicycle herself across the old downtown and the new downtown with mingled feelings of joy and sorrow between the past and the present of dynamic Incheon, Park Youn-hoey created images of experiences that seemingly cross over times and spaces as if riding a time machine. Yang Seung-soo sets up a time gap between the movement of a merry-go-round passed by the viewers and images reflecting such scene. Experimental memory of looking at real things and the images in that memory are controlled and made images of the past rather than images of today, which induces the viewers to experience oblivion unconsciously and controlled record takes over experimental record instantly. Through collection and recording of oak leaves in peculiar shapes according to the topography and the climate of various places throughout the world, Lee Okyoun shows memories about diverse cultures she herself has experienced and inferred minute differences between them through her work. DNA, a group for this project, used the method of augmented reality to visualize the identity of a specific space through images of the past, present, and the future of all spaces of Incheon Art Platform from the exhibition space of Building B to the Archives, a place slated to be a hall of modern literature, to the education and training hall.

SITE-SPECIFICITY – READING TOPOPHILIA

The Archives and the future Hall of Modern Literature present works that give meanings to the element of ‘place’ among all the elements of memory, through which viewers can experience attachment to memories, straight and curved. Memory connected on the same line called ‘flow of time’ linked from the past, present, and to the future is characterized by something like a straight line, which is dealt with strongly or vaguely depending on the distance between the location where the memory was generated and the location where the memory or perceived again. However, a memory repeats dynamics endlessly regardless of differences in distance between generation and perception, showing rotating, curved characteristics. In this process, the meaning of the object and background of the memory change, and the vibration simplifies or weakens.

Works presented at the Archives are site-specific installation in spaces where traces of the past remain. These works contain the past, present, and future. The site-specific installation work by Chae Ji-Young is displayed in the space that used to be a safe in the past and a mobile installation by Jiminy is presented in a space that is used as a meeting room today.

The place identity of these spaces is les specific than in the past when they had practical functions. Their identities are now attenuated. The space used as a safe underwent various changes against the backdrop of the historically distinct characteristics of Incheon as an open port. In the past, this space was used as a safe of Wuseon Corporation. This space symbolized greed and power, and very few specific individuals were authorized to enter. Today, the same space is nothing but a small secluded room that hardly draws even the attention of ordinary people. The safe is filled with white neoprene rubber boards across the ceiling and the bottom. By allowing viewers to fully experience the inside of this space, which is so small that only one person can manage to penetrate through the rubber boards, Chae Ji-young invites the viewers to get sense of the people who had occupied a specific region for a long and time through history. The mobile work by Jiminy started with collecting natural objects such as fried leaves and twigs of trees that were discarded when they no longer had any value. She cleans the collected objects dangling from the ceiling are given new meaning and new life under the light penetrating from the window. This installation space, which could not find concrete function and identity compared with those in the past, is also filled with vitality with newly born natural objects that had been thrown away.

Inside the place planned for the hall of Modern Literature are video works by Kang Hyuk, Kim Tae0eun, and Noh Jung-ha. This place contains space memory full of darkness and light. Video images of an empty house by Kim Tae-eun and New York Central Station by Noh Jung-ha, which completely fill the walls, re-construct a memory of a specific space, and create another memory. Video images of people by Kang Hyuk induce us to look back again at the difference between the real subject and ontological subject of things we look at, and experiences or think about the subject in a solemn space.

Installation works displayed outdoors containing of a visible and invisible place induce the viewers to feel objective and yet subjective memory through experience and communication. The works by Park Hye-joung asks questions about disappearance of boundaries, absence of the center, and uncertainty of the entrance and the exit. Through these questions, Park suggests doubts about the identity of Incheon, and interprets the place invisibly. At the same time, she also deals with the visible role of a space by having the viewers walk on her work to let those experiences art. The works by Lee Okyohn and Jang Jin also induce generation of another different memory that can be created by the viewers with objective and yet extremely subjective standards rather than the artist-centric image of memory, which is already in existence, through direct communication with the viewers, thereby filling the outdoor space with artistic vitality.

Every moment we live is completely filled with memories. On the journey to a strange place, we take photographs and leave records in writing to remember the exotic landscape feelings of it. Looking at rain drops running down windows causes us to recall something broken-hearted in the past. Spring wind blushing past our faces make our hearts flutter with memories gently blowing. Memophilia visualizes moments of life filled with memories we wish to forget and memories we do not wish to forget by various methods. But Memophilia does not intend to include all the details in the realm of a memory and philia of the memory, nor does it intend to interpret based on elements of memory. Record controls memory, which keeps information in the past and recomposes experience. Memophilia contains a desire for precious artistic energies shared for a certain period of time in the same space to be perspectives of the artists towards each other or perspectives of outsiders looking at these artists should disappear into oblivion with the passage of time, Memophilia embodies wishes to share information acquired through communication among residency artists of Incheon Art Platform for a long time to come, re-compose special experiences, and to make the memory precious. ■ (photo. Jaebok Lee)

Korean Version: http://sheryjung.blog.me/80135102735

Choi Hye-young's New Discovery of Nature

2011-07-11T19:00:00.000-07:00

The Aesthetic Pleasure of Addition and Reduction

Sanghee Jung (Art Critic)

Choi Hye-young develops an evolving perspective throughout her works from a critical mind to the focus on materials and to an aesthetic pleasure of visualization. Her critical perspective on the environment around the land redevelopment areas that has crumbled and collapsed presents a new discovery of the beauty of natural shapes and colors created amidst destruction and confusion. Just like a travel for enjoying the beauty of the nature, she goes on the journey to those places crumbled and collapsed over time. This is the moment when an object of interest of the artist with critical thinking starts to move toward materials; at that moment, she focuses more on the life cycle of materials from creation to destruction rather than criticizing the reality of what is happening. The process of experiencing the space and place first hand, developing criteria for selecting images and producing art through addition and reduction, continued or occasional, lies at the heart of this very private aesthetic experience.

Choi’s taping work - the repetition of addition and reduction – began with her compassing and defiance in the face destruction of the environment including those land redevelopment areas. Such emotions came from her venturing into many districts where rich and poor people reside including land redevelopment areas and from experiencing first hand the changes that took place inside those areas. Growing discontent with the urban land redevelopment policy, which was recklessly implemented without taking into account the delicate situations of poor people the main theme of her works. She raises an alarm about the destruction we cause and our tendency to turn a blind eye to the history and traces of what is inside, which is symbolized in her work; it is similar to what can be found in the general image of a map where the entire land is divided into a number of big frame in a uniformed and standardized manner without showing what is really inside. Skepticism takes root where pain and sorrow are simply dismissed in the process of the transformation and reshaping of a city.

Her sympathy and resistance against destruction is visualized by taping work, which acts as a metaphor for the repetitive actions of creation and destruction by humans. Instead of using colors, the commonly used material in painting, she chose duct tape with a relatively short life span to express the temporary features of various situations. At first, the artist cut off and stuck together large pieces of duct tape to bring the image of the landscape of her choice. Like the geometrical from of the earth is created when looking down from satellite. Choi reconstructed various landscapes in geometrical figures. However before long she realized that, while she criticized as a third party the ongoing destruction of land redevelopment areas with a hope to to keep those areas as they were, residents there wished to see their living space improve so that it could bring them greater financial benefits at the end of the day. Her sympathy vanished when she realized it came from the arrogance she had as a person who belonged to the haves. Such realization led her to a skeptical view about her ability for true and direct interpretation of what had been experienced indirectly; she was just an observer of the situation and therefore was not in a position to talk about land redevelopment areas as if it had been her won story. By deeply understanding that her sympathy and criticism on the situation could mot be real, she began to grasp visual pleasures from those spaces with no critical view involved.

The central image of her works starts at the moment of discontinuation; destruction and collapsed does not mean the closure of an event or process. It is a link from one process to another, which develops into an image. Initially when she felt sympathetic about those land redevelopment areas, she searched for images of complete collapse to convey the message of an endless cycle of creation and destruction with her duct tape instead of colors, thus she wanted to erase the traces of discontinuation. But now she focuses on the process, not the site of complete destruction as a result of it, to discover what has been hidden beneath it; the moments of creation and destruction lead to new aesthetic pleasures out of coincidence and consequence.

On some of the walls destroyed, Choi found pieces of duct tape made of cotton mesh; when she saw the cotton backing with tight weaves and high thread counts on the back of torn and shredded pieces, a different way of looking at the world came to her mind. It was when her interest was taken to another level beyond the seen; just like the molecules of air that one cannot see, she pays attention to objects unseen yet existing that weave our world. She reflects in her works the fact that what is seen is not the entirety of it. This is why she uses duct tape instead of colors as a material for her art, which requires more time and energy to be put into the creation of it. By putting on the canvas the pieces of duct tape with the cotton backing knitted loosely flowy, she tries to emphasize that, in this world, there are hidden and unseen networks intertwined.

In the process of adding the pieces of tapes onto the canvas, she discovered the beauty and harmony in the natural yet incomplete structure. However she soon realized that the more you are obsessed with what you have gained, the more chances of losing, and that you can gain more by giving. She stated to take off the pieces of tapes stuck on the canvas. For her, putting and taking them off is the same ritual as drawing and erasing sketches by other artists. As she experienced the same image can look different with a change of distance; when seen from close and from distance, one can understand that his view will change depending on the level of intervention as a person deeply involved or an observer.

Choi Hye-young's works completely overturns the conventional view that practicality is the best and most effective in this capitalist society. With a hope to add a more variety of forms and shapes to artworks beyond the canvas, the artist wants to more away from limited boundaries to widen the horizon of her interest into deep within and out to the world through the aesthetic exercise of addition and reduction. ■

Jang Jin's Moonlight Prism

2011-07-10T21:11:00.000-07:00

The Naturally Intentional Traces Reverberating under the Moonlight

- the cycle for synchronous beings -

It has readable space and time in the momentary landscapes in the extreme looked on passing by the crowd and the wooded forest. None of the strict form, silhouette and even boundary goes into the landscape. However, the senses of depth and afterimage manifest more powerful agency only in the passing pace. Jang Jin's painting has the earnest power of influence absorbing the surroundings, despite without drawing boisterously provocative attention.

Sanghee Jung (Art Critic)

Jang Jin's painting is gradually completed with endless disintegration and oneness of space and time penetrating a prism. As if light retractively waves in the boundary with the medium of air and glass, a stream of consciousness swiftly gets over the boundary through the medium of action and time in the moments of union and disunion of the bottom plate and papers. It means that inevitability and the past stream toward contingency and the present in the medium of action and time.

A Circulation of Necessity and Fortuity is expanded in his action per se and process. It makes progress in consensus moments between pure labor actions and ideas and consists of extremely conceptual, experimental, dynamic stages. Jang enjoyably and repeatedly pours paint paste on the bottom plate, rubs and draws forms and lines on the surface and then erase them. Until forms and lines on the plate put a paper in print, the painting can not get a basic shape. And then scattered moisture and colors intervene in the final stage for the painting. The end of the processing journey to stress and then erase his own traces is finally gained in the moments without any intentional trace. It is like the technique of abstract expressionist allowing thinned paint to soak into the raw canvas, called 'soak stain'.

The painting looks like the translucent landscapes of piled-up sheer texture blowing around. The smooth streams of physical properties originate sort of illusionism of depth. For a fleeting moment, the painting would appear that these have compliance with something traditional and passiveness in an innovathon. It is more important, however, deeply getting to know jang's intention that to leave vacant is more beautiful and honest ways than to fill up in the whole understand ng of his paintings. All of actions and processes of drawing, painting and erasing to get compositive results through the ways deleting complexities should look through to be a part of his own art.

The process of actions embraces subconscious Experiences of Space and Time. The senses of space and time can meet with movements and looseness and tenseness respectively. Every proceeding has specific structure space and time work up but it is hard to reveal the looks consciously. It is because the results appear to be an accidental effects at improvising out of accustomed visualities.

The contingency of Jang Jin's works, like of an interesting impromptu poem, reflects the creative function of subjective simulation like in the symbolic features of languages. To paint with specific tools and media is equal to write something. Chomsky mentioned that what language can get revolutionary functions in even its slightest usage is for the action of subjective simulation creating meanings. As if to show and to write about one petal on the ground cause diverse interpretations and understandings according to the subjective simulation, Jang Jin's moonlight prism creates abundant stories on the flexible subject and object.

Based on Instant and Phenomenal Synchronicity, Jang Jin creates absolutely new ones with the motive of essential indeterminacy. The instant synchronicity meaning coexistence of the past and the present is visualized to be abstract forms under the present cognition which puts up, takes apart and draws out nostalgical memories. The abstract concept in his painting is not to stress the lack of contents, but to show spatial and time stories of the past and the present. Jang brings sort of paste painting and scratch techniques from his childhood for the painting. It is the moment to meet the purest experience in the past and another experience in the present. The synchronicity of existing past and present is in the middle of the intention to bring beings lost to the present.

Moreover, the phenomenal synchronicity indicates kind of organic forms focused on the modern function of homogeneous images and pellucid unconscious expressions under opaque consciousness at the same time. It is one of the ways to explore our present between the others' and our past. It means that he searches the absolute coincidence with his arts like the events happened by totally separated causes and effects. It is seen as life in the dimension of organism being changed in terms of natural selection and adaptation under regularity and repetition. Based on the regularity and repetition, the modernly visual function of images lasts and, as a result, the phenomenal synchronicity is stressed with contemporary means, unconsciousness and fortuity.

Jang puts obvious natural existences, such as moonlight, cloud, star, mountain, tree, rock, river, and a human being, in his limited spaces with the subjective ways and actions. And then the existences make their obscure, intentioned appearance. The necessity and the fortuity, the space and the time, and the instant and phenomenon are on the itinerary from the natural to the intentional. The boundaries in the journey are determined as the very actions. The journey departing from the perfectly necessary world enters fleetingly to the accidental one and then finally meets the world of certainty. In this way, Jang Jin's painting has a place of naturally intentional results in the journey and boundary between the intentional and the natural. ■

Noh Jungha's Fantasy

2011-07-10T10:45:00.000-07:00

Fantasy made by Time and Space

Sanghee Jung (Art Critic)

Noh Jungha’s photographs are filled with a fantasy about something she never conquered, but wants to own and remember. In landscapes, artist’s ateliers, self-portraits sometimes gorgeous and flashy, sometimes pure and childlike, video clips composed of numerous still images, all captured with a pinhole camera, neither places nor people nor people clearly show their identity. It is the desire to protect the fantasy bound to be broken at the moment of complete disclosure that permeates Noh Jungha’s artistic world.

There is a place on Earth, filled with dazzling sunshine. No human traces are sensed, but this familiar space is full of invisible energy which is vague, but unique. The essence of Noh’s pinhole photography is the process of grasping the invisible energy from the surrounding space. The artist finds the true meaning of subjects, thoughtlessly abandoned by the relentless flow of information and complicated mechanisms, by using the charm of chance specific to pinhole cameras and drawing out the elements of time and space. The images of places reborn through the pinhole box are no longer the places in the real world, but the places in the memories we have of loved ones and the time spent with them.

To capture a scene, the film in the pinhole box must be exposed to the subject anywhere from 5 to over 20 minutes, with the length of time depending on whether the pictures are taken indoors or outdoors. During this period, beams of light come into the box and generate images by clashing, disappearing and appearing again in the meantime. The photographer can only control the exposure to a very small extent, and the created images are completely unpredictable. Time passes through the small space in the box, along with the anxious moments of waiting.

It is imaginary stories that are formed within the box. The fantasies become real images by combining with temporality and spatiality. The interference if time and space is inevitable in pinhole photography, where capturing a moment is impossible. Noh Jungha focuses on the invisible energy produced in the unpredictable time and space within the box.

Self-portraits are another method of fantasy-making. Still, the identity is obscure to the artist herself, and this obscurity is reflected in vague impulses of various colors. Gold, which the artist claims represents her, is the color of desire, and appears in a number of Nog’s photographs, including self-portraits, symbolizing a woman’s life driven by desire, which can either be miserable or extremely vital. However, Noh’s self-portraits do not carry feminist viewpoints exposing women as a way of complaining about male-oriented society. The artist rather tries to hide herself behind images that are sometimes gorgeous and flashy, sometimes pure and childlike. This is asking a question about the identity of the artist herself and the audience to envision their own self-portraits and consider their own identity. This time the fantasy-making regarding identity is not driven by chance, but by intentional use of time and space.

Noh’s video images satisfy various impulses related to the audience’s unconscious acceptance of narratives in movies. They represent also a way of drawing fantasy out of segmented identity revealed in the images. Separate photos are combined to make a natural flow of time. Moments of separate times amalgamate into continuous time in a single space. The photo images show Central Station in New York, where nobody stays. The images of people that keep moving complete an event, which is reminiscent of the beams of lights clashing and interacting in the pinhole box to complete an image. Each person becomes a beam of light, moving, crossing and denying each other to ceaselessly make new reality, new images.

The artist makes a journey of life along with her works, making a journey of looking for the hidden fantasy in life. Recording different memories of different spaces, Noh takes pictures of women who, unlike men, are determined to take responsibility for love through childbirth. Their images are strong, but gentle. The journey to find her identity as a woman, and as an artist, is also remembered in photographs. Sometimes with a voyeur’s gaze, sometimes with a gaze of desire, she finds unreal images that are never to be found in reality. But, her artistic vision gives weight to communication and accordance with others, which keeps her unreality from going beyond the limit. The fantasy that Noh Jungha is looking for is not an escape from reality, but an alternative reality that many others can accept. ■

Mikyung Oh's Mimicry

2011-07-09T17:10:00.000-07:00

Mimicry in Sexuality, Home, and Self

Sanghee Jung (Art Critic)

Mikyung Oh’s works of art eclectically express “Sexuality and Home” and “Self.” Storytellers in the works make a voyage for long play of mimicry, while connoting contradicted associable images in one stage and concealing their own realities.

Eclecticism is given concrete expression with ‘the Existence of Self’ and ‘Home.’ The works are under the Cartesian ideas on which ‘I’ can be considered to be the subject for recognition, while they also simultaneously have a very solid implication about Kantian ones that the existence of ‘I’ can hardly be proved by ‘Self’ easily. According to the situation, Oh sometimes entirely denies ‘Self’ defining the existence of ‘I’. It is a look of incessant slide based on appearance of life controlled by environments without reference to self and total difference between self-existence of ‘to live’ and ‘to be lived’. Trying to catch two kinds of ‘Self’, Oh considers and explores the point in which different selves can be approved as realizations.

According to Oh, ‘Home’ is complex spaces for ‘Living,’ ‘Staying,’ and ‘Expiring’ of life and, what is more, the tool qualifying ‘Sexuality of self.’ Therefore, ‘Sexuality,’ ‘Home.’ and ‘Self’ are the main subjects creating complex relations which various circumstances are involved for whole life. Home plays a role of eclectic spaces of ‘consciousness and self-consciousness’ helping for understanding own sexuality by myself and ‘unconsciousness’ and ‘other-consciousness’ causing self to be understood by other factors at the same time.

In addition, Oh manages methods of mimicry for the eclectic interpretation of ‘Sexuality,’ ‘Home,’ and ‘Self.’ Mimicry is expressed with ‘Mask’ and ‘Red Shoes’ as means. In her works, real self hides under the masks like snails, flowers, and smoke. Showing fake appearances not real ones, she obstructs the possibility that self would be considered and formed with others’ gaze. The mask is, however, to hide self, but simultaneously to define self-existence. Then, the mask and the home are under the similar situation to qualify and repress, but protect self to be the eclectic means.

There is another eclectic means like the mask. That is the very red shoes, neither black nor white one. Like one of Surrealists’ fetishes, the red shoes have been continuously used Oh’s works in the various forms. The shoes, a utopia for a young girl who has intense aspirations to be a woman, play another means for the mimicry to hide realities. Sexuality, a symbolization of red shoes, means human beings’ identity created as the qualified environments. To be confined in the home, playing to be the mask, wearing red shoes which usually take off in the home, would be considered to be a struggling expression to realize the self ‘to live’ getting out of ‘to be lived.’

Meanwhile, as for ‘Raised Trees by Me’ and ‘Raised Fishes by Me,’ Oh believes that these are brought up by her own intension. It means that as the trees and fishes are being her possession regardless of their design, Oh already expectedly recognizes her own existence to be lived by the very ‘Home.’ She faces up to the difficulty: sexuality of self, another name of the identity, can be defined within home, even though the home is nothing but the mask qualifying self, then the self would be merely revealed regardless of the home. As parts of the endeavor to overcome the difficult limitation, she is starting on a long journey of mimicry with hope to be able to fine the real sexuality someday. ■

Hyunsun Park's Heaven

2011-07-08T17:35:00.000-07:00

Eternity - I shall not be in Want

Sanghee Jung (Art Critic)

“Never enter the Kingdom of Heaven, unless become like little children…

I am Praying at the altar of stones…

The Eternal Kingdom is just like this.”

Hyunsun Park’s works of art are religious symbols of eternity where we can reach through transcendental purity. The symbols of eternity based on fundamental materials and methods in art like clay and terra cotta show both childlike purity and wishful evidence of the kingdom of heaven, the terminal, eternal world being fullness of perfect satisfaction. The images of the heaven and the way for the heaven are representational one and all. The reality and understanding caused by the representation make a point of allegory of the eternal kingdom which Park wishes to convey with her works.

Never enter the Kingdom of Heaven, unless become like little children.

Hyunsun Park believes that the reality of our life is a trip toward the eternity and the pure guide for the way is very little children. Park tries to show that we can never enter the kingdom of heaven, unless become like the little children. Park finds the image of heaven with the one of a newborn baby, twins, brother and sister very much alike, and a student hanging her head. All of them are Park’s neighbors. It is to directly show the relationships between the childlike purity and the heaven to adults who are missing their fundamentally important things in the earthly surroundings. Park chooses the way to emphasis symbolic meaning with representation, in the circuiting areas of abstraction, representation, and symbols. Stressing the clarity and simplicity of image, Park represents the abstract image of the heaven with pure children and the images show the symbolic Word visually and clearly.

Praying at the altar of stones.

Hyunsun Park makes a choice an altar and praying hands as an evidence of earnestly wish for the eternal life of human beings on disunion and depravity. The altar and hands are also symbol of a natural recurrence took hold on human inside deeply for recovering the purity of beginning of the world. The altar of stones becomes stone walls and then an enclosure. The enclosure fulfilled with complete purity is the very Kingdom of Heaven. Wood enclosures, stone altars, and praying hands are all of hopeful messages for our wish to the eternal moment after the end of momentary earthly life.

The Eternal Kingdom is just like this.

‘We fix our eyes not on what is seen, but on is unseen. For what is seen is temporary, but what is unseen is eternal (2 Corinthians 4:18).’ Park chases after the unseen eternity with seen images of child. She presents familiar images for the transcendental and absolute abundance of the kingdom of Heaven being like treasure hidden in a field. Park expects at heart that people can meet the eternal world where is absent in thirsty, suffering, sin and death, but is fulfill with hope and joy. ■

Choi Jaeyeon's Perfect Coexistance

2011-07-01T09:11:00.000-07:00

The Perfect Coexistence against

the Trouble with Ambilaterality and Over

Sanghee Jung (Art Critic)

Everything surrounding lives considered and shared by us has been created and existed making a pair like light and darkness, earth and sea and so on since the beginning of the world. Human beings have both sides of good and bad and reason and sense represented as ambilaterality of which confrontation has always caused complications. However, the fundamental reason of troubles is from not the ambilaterality but another distinct existence in the unknown world over the both sides. Although one firmly believes that the directly opposed both sides can define, solve and make understanding for everything in the world, the gap between the ambilaterality and the over is far as much as one between the real and the ideal.

Jaeyeon Choi has doubts about something externally and rationally suitable but invisible and undefinable depending on the social order defined by ambilaterality. It starts with questions if it is fact or illusion/imagination, fiction or non-fiction, and truth or untruth. There are facts consistently used in the works: frames, mirrors, lines and shining stars. One is living confined in the trouble from the intention to break the frame and to be unable to do it and then sometimes abandons and collapses. However it is the fact that the frame can often give us senses of stability and tranquility. In Choi’s works, the frame means the stifling area of lives with artistic, social standards but unable to break as well as safe, cozy spaces. Therefore, the frame is the tool making the perfect coexistence to solve the trouble from the existence of ambilarterlity and over. The frame is ever the same, but only the different on the use and the result.

Expecting the reflection in a mirror absolutely acts like the outside, one is raising a hand toward another one in the mirror in front of it. Yet the one in mirror comes as different one overlapped, lengthened, overturned and ripped. The inside and outside one in mirror are totally different contrary to natural expectations. The mirror makes the reflection as well as the increasing confusion of the world and then causes unfixable, uncountable possibilities. Choi recognizes the existence of something over the ambilarterlity.

A clear frame and another rusty one stand putting the mirror between two sides. The two frames have wholly different external features, but fundamentally just in one body. The main reason making them different is not their own but outside elements surrounding them. This concept also shows in the diverse lines and stars in the works. The complex relationships in the world making our minds comfortable but sometimes indisposed. One human being in the entangled relationships becomes one general as well as special being like one of a great number of stars in the huge universe.

The stars are fully displayed in a night sky. The stars are not just light. It is the complex thing including many beautiful, sad stories and precious reminiscences of human beings. To be accurate, the star looks like the light, but it is not the light on the same case of that ‘I’ considered by me is not just everything of ‘I’. The star is in the unknown world transcending the time and the space where viewers are living and the viewers’ senses of visibility and discretion. However, we also know that the stars are in the frame called the universe as well.

Believing and admitting that everything is in the each frame, the complications can be changed into the free and the safety in the perfectly ideal frame of coexistence. And Choi is trying to find a way out the troubles and knows what the solution is now. Like in Choi’s works, the trouble caused by the complex ambilartelity and over might finally be solved with the perfect coexistence. ■