Steel Country es un thriller bastante servicial que sobresale por encima de la mediocridad de una película de la sobremesa de los domingos gracias a un protagonista atípico y bien interpretado por el actor irlandés Andrew Scott.

Un detective amateur está lejos de ser algo desconocido en el género, pero sí que es inusual que no tenga una profesión llamativa como escritor o mentalista o que no sea una ancianita aficionada a hacer punto.

En Steel Country, en cambio, el protagonista es un basurero que se interesa por el caso de un niño que se ha ahogado en un río en un trágico accidente (¡ja!) pronto sospecharemos, como no podía ser de otra manera, que de accidente no tuvo nada y el film recrea con bastante acierto la atmófera apática y lúgubre de «ciudad con un secreto».

El protagonista también tiene algún tipo de trastorno, que de algún modo le incapacita en las interacciones sociales. Esto no sólo lo hace más entrañable a la audiencia sino que es usado como herramienta narrativa.

El mejor halago que le puedo dar a Steel Country es que siendo quizá del género que menos me gusta me entretuvo. Recuerda un poco a algunas películas de Clint Eastwood.

Tigers are not afraid

Tigers are not afraid (título original Vuelven) es una película escrita y dirigida por la cineasta mexicana Issa López que narra la dura realidad de los niños que viven en barrios dominados por los cárteles de la droga. Una historia con toques fantásticos que la convierten en un oscuro cuento de hadas.

Una película muy bien construida que gustará especialmente a aquellos que tengan predilección por el realismo mágico y el mensaje social. A mí me recordó a algo que pudo haber escrito Neil Gaiman, así que si os gustan sus cómics y novelas dadle un tiento a este film.

Los jóvenes actores lo hacen bastante bien, en especial los que hacen de Estrella y El Shine que son los personajes principales de la película.

Emotiva. Dura. Oscura. Mágica. Entrañable.

Cutterhead

Cutterhead es una película danesa que nos narra como tres personas de trasfondos muy diferentes quedan atrapados bajo tierra en el tubo de ventilación de una tuneladora y como se desesperan bajo la perspectiva de que quizá no los vayan a rescatar.

También yo me desesperé, siento decirlo, pero por la película que falla a varios niveles. A los personajes les falta esa chispa que hace que me importen o que al menos me entretengan, algo muy necesario en una película que apenas cambia de escenario.

Tampoco sentí que tuviera éxito en transmitir el mensaje social que pretendía al enfrentar a dos trabajadores, uno de los cuales es un inmigrante, y a una periodista, entendemos más privilegiada, en una situación límite.

Un film que dura menos de hora y media y aún así se me hizo largo. Prescindible.

Mi segundo día del Fancine fue cuanto menos interesante, empecé viendo Piercing una película basada en una novela de Ryu Murakami, el autor de Audition (la cual también fue adaptada al cine, en el año 1999. Gracias a Mensajera del Mojave por este dato).

Una comedia negra, y creedme su humor es bastante negro, que empieza lenta pero va cogiendo carrerilla a medida que avanza.

Su premisa es la siguiente: un padre de familia alquila una habitación de hotel con la intención de contratar los servicios de una prostituta y matarla allí. Su falta de decisión y el hecho de que la prostituta se revele como una mujer bastante extraña dificultarán sus planes…

Es una película, que aunque me gustó y la disfruté bastante, me resulta difícil de recomendar. Si tuviera que definirla de algún modo diría que se trata de una parodia bastante macabra de la típica fórmula de la comedia romántica «chico conoce a chica».

Mia Wasikowska está fabulosa en esta película como una escort a la que le falta un tornillo, verdaderamente el aspirante a asesino no sabe dónde se ha metido. Un gran acierto de casting.

Os podría decir que si os gustó Audition os gustará Piercing (aunque esta no la dirige Takashi Miike sino Nicolas Pesce el director-guionista de The Eyes of My Mother), excepto que a mí Audition me dejó frío y esta sin embargo como ya he dicho me ha gustado bastante.

Tiene un final redondo y eso juega a su favor. Además en una escena de la película alguien se coloca un piercing, por no hablar de otras perforaciones menos ortodoxas, así que podemos decir que el film cumple con lo que promete.

No recomendada para aprensivos, aunque no sale nada en pantalla que dé demasiada grima (a diferencia, de nuevo, de Audition). En definitiva, una parodia cabrona, sangrienta y cínica de Pretty Woman, echadle un vistazo.

The House That Jack Built

Lars Von Trier se hace un canutillo con sus apuntes subrayados de filosofía e historia del instituto y aspira con ellos varias rayas de cocaína dispuestas sobre la superficie de un ejemplar de La Divina Comedia de Dante Alighieri, el resultado es esta película: The House That Jack Built.

Este film nos narra la historia de Jack un inteligente asesino psicópata (interpretado por Matt Dillon) que da rienda suelta a su locura en el transcurso de doce años, cada uno de sus asesinatos él lo considera una obra de arte.

Una película minuciosa en sus detalles que abusa de la voz en off hasta el punto de que uno pensaría que Von Trier en realidad lo que quería escribir era una novela.

Sin embargo, si eres fan de Von Trier ya sabes a lo que vas y estarás encandilado durante sus 2 horas y 35 minutos de duración.

El buen hacer de Matt Dillon y sus toques de humor negro, negrísimo, amenizan lo que de otro modo sería un ladrillazo.

Y, bueno, al César lo que es del César, Von Trier sigue siendo el rey de la ingeniería surrealista y truculenta.

Para bien o para mal, The House That Jack Built no te dejará indiferente.

One Cut of the Dead

Con un presupuesto irrisorio de 27.000 dólares y un elenco de desconocidos, tengo que decir que One Cut of the Dead se ha convertido en una de mis favoritas de la edición del Fancine de este año 2018.

No puedo decir mucho de la película sin destriparla (y destripar es el trabajo de los zombis) así que seré sucinto con la sinopsis: un equipo está rodando una película de zombis de bajo presupuesto (no ya serie Z sino más bien serie omega), cuando de repente son atacados por zombis de verdad y el director de pacotilla al cargo de todo está empecinado en terminar de grabar la película a cualquier precio…

Hay cierto giro de guión, no puedo decir más, que la convierte en una película tan divertida como ¿entrañable? No os la perdáis. Esta película es esencial, recomendada sobre todo a aquellos que piensan (con razón) que el subgénero zombi está trilladísimo.

One Cut of the Dead le da una vuelta de tuerca al subgénero y se corona con el disfrute y carcajadas del público.

Mandy

Quizá sea culpa del hype casi constante al que fui sometido en la víspera de ver esta película pero Mandy se convirtió en mi gran decepción del Fancine 2018.

Sir Archibald Beltxi me sugirió que viera primero la anterior película del cineasta Panos Cosmatos, Beyond the Black Rainbow (2010). No lo hice porque, ¿quién tiene tiempo para esa mierda?

Así que fui virginal a Mandy, sin saber que podía esperar exactamente. Lo único que se me dijo fue que los primeros 40 minutos eran un sopor pero después la película se desataba y empezaba la locura.

Después de haberla visto, puedo decir que me engañaron. Toda la película es un sopor. Mandy tiene el ritmo plúmbeo de un perezoso cojo.

Y eso me da rabia, casi tanta rabia como la que siente el personaje de Nicolas Cage en esta película, porque si la película fuera más ágil y menos pagada de sí misma me habría encantado.

Mandy nos cuenta una historia de venganza: Red (Nicolas Cage), un leñador, vive apaciblemente alejado de la civilización en una casa en el bosque con su novia Mandy (Andrea Riseborough) cuando el líder de una secta (Linus Roache) se encapricha de ella, lo que conducirá a la sangrienta venganza de Red contra su siniestro culto.

Me da rabia el ritmo del film porque tiene momentos brillantes pero estos quedan anegados en un océano rojo de tedio.

Lo que más me ha gustado de Mandy es que es, en esencia, un relato de espada y brujería ambientado en la época moderna. El protagonista, un leñador, es el bárbaro, el noble salvaje, mientras que el villano, ese líder de un culto a la personalidad representa el misticismo, la decadencia de la civilización.

El surrealismo del que hace gala la película también es una de sus cualidades redentoras, y cierta escena que involucra un anuncio de macarrones con queso es una maravilla. Y por supuesto me encantó la banda sonora, sublime, compuesta  por el ya fallecido Jóhann Jóhannsson (en  los créditos finales Cosmatos dedica Mandy a su memoria).

Tengo que respetar que Panos Cosmatos ha hecho su película como que quería hacerla, en ese sentido es admirable: una oda a la psicodelia sesentera y ochentera y al heavy metal.

La pena es que no es una película hecha para mí, pero estuvo cerca de haberlo podido ser.

Les Fauves (a.k.a. Savage) tuvo el honor de hacer primera sangre en mi itinerario del Fancine, esta película francesa es una suerte de thriller y romance con la siguiente premisa: durante el verano en un camping al sur de Francia corre el rumor de que hay un gran felino rondando por la zona, la joven protagonista se siente atraída por un escritor maduro y a medida que se va acercando a él un joven desaparece. ¿Se lo ha zampado el felino o es el solitario autor un asesino?

La idea en sí es atractiva. La ejecución, en cambio, no tanto. Una película que dura menos de hora y media y pese a ello se hace lenta. Los actores hacen lo que pueden pero al diálogo le falta cierta chispa y el ritmo no acompaña.

Quizá sea porque me estoy haciendo viejo pero tampoco entré demasiado en el romance, aunque después de todo es una protagonista adolescente atraída por un hombre maduro, escritor además, esa aura de experiencia y misterio mientras que los chavales de su edad van a lo que van… puede que no haya mucho más que pensar. Vale, compro.

Tiene un giro argumental cuestionable más por exigencia del género que porque beneficie al film. En lo positivo, tiene algunos buenos momentos de tensión; al no saberse si el felino es la imaginación de la protagonista o existe de verdad y el escritor es inocente. Además del personaje de una agente de policía que me cayó en gracia.

Como curiosidad decir que sale el actor que hacía de Franchute en La Monja, en un rol secundario.

Monstrum

Monstrum fue la película que se proyectó en la inauguración del festival. Al no poder acudir la vi en su segundo pase, siendo mi segunda película en el Fancine. Esta película de Corea del Sur es una pieza de época dentro del género fantástico.

En la Corea del siglo XVI, un terrible monstruo está devorando a los aldeanos del monte Inwangsang. El emperador Jung Jong se ve obligado a recurrir a uno de sus antiguos generales al que tuvo que exiliar hace años, ya que sólo un hombre tan diestro con la espada y con un genio militar como el suyo tienen alguna posibilidad de derrotar a la criatura, el Mostrum.

Mostrum da lo que promete: una película con monstruo y escenas sangrientas (aunque sin llegar al splatter del gore más bestia). Todo ello amenizado con un sentido del humor en ocasiones de sal gorda y un elenco principal entrañable que hace que nos pongamos de su parte durante el periplo de la aventura.

Un film la mar de entretenido, cuyo único defecto real es que el montaje en el tercer acto podría ser más ágil, después de dos primeros actos bastante dinámicos. Siendo esto un aspecto mejorable pero que no impide el disfrute de la película.

El monstruo generado por ordenador está bastante bien y no “canta” demasiado como ocurre en otros films con efectos especiales menos afortunados.

Su director Huh Jong Ho presentó el film en el cine Albéniz tanto en la ceremonia inaugural del Fancine como en el segundo pase.

Ghostland

Ghostland (también conocida por el título más largo Incident in a Ghostland) es una coprodución francesa-canadiense y el film de terror que me ha puesto en paz con su director-guionista Pascal Laugier al que tenía con la cruz echada tras el desencanto que sufrí con su Martyrs (2008).

Nuevamente, Laugier nos presenta un home invasion con un giro que lo hace destacar dentro de ese subgénero aunque  de forma menos frustrante y sin el excesivo torture porn del que hacía gala Martyrs.

Resulta irónico que si no fuera por cierto giro argumental que ocurre a mitad de la cita, Ghostland sería si bien menos sorprendente sí más original. Claro que también sería otra película muy diferente. Soy críptico adrede para no incurrir en spoilers.

Por su propia naturaleza no puedo contar mucho de la película así que seré sucinto con la sinopsis: Una madre y sus dos hijas se mudan a la casa que han heredado. Durante la primera noche, unos dementes se cuelan en la casa y la familia tendrá que luchar por sus vidas… y hasta aquí puedo contar.

Para mí un film muy disfrutable y la mejor de las películas presentadas a concurso ya que me tuvo pegado a mi asiento sin que en ningún momento se me hiciera larga.

Como algo negativo, destacar que no está exenta de jumpscares baratos. Más allá de esto, a título personal, me sentí muy identificado con su protagonista: una niña que aspira a ser escritora de terror, fan incondicional de Lovecraft. Esto hizo que me metiera aún más en la película.

Quizá resulta algo tramposo y conveniente que la casa que hereda la familia sea una verdadera casa de muñecas con decenas y decenas de muñecas de porcelana y que los perturbados que invaden la casa estén obsesionados con… (adivina) las muñecas, pero en aras del horror se perdona. A fin de cuentas, el juego de la película es crear un entorno de pesadilla; no del todo real.

La recomiendo a cualquier adicto al escalofrío, ¡especialmente a los que le tengan pánico a las muñecas!

Pese a que, en teoría, como es usual en los fantamas, el objetivo del acheri es buscar venganza no es selectivo a la hora de elegir a sus víctimas. Dará muerte a cualquiera lo bastante desafortunado como para cruzarse en su camino.

De hecho, prefiere acabar con la vida de niños (creando más acheri en el proceso). Y se gana la confianza de estos aparienciendo como la niña que era en vida, su verdadera forma es la de una niña consumida o esquelética.

Como espíritu de la enfermedad, el acheri ni siquiera tiene que tocar a sus víctimas. Le basta con proyectar su sombra sobre ellas, esto les impide respirar hasta que finalmente expiran.

El acheri odia el color rojo y llevar brazaletes o colgantes de ese color puede repelerlo. Es más, se dice que anudarle un lazo rojo alrededor del cuello es la única forma de matarlo de forma definitiva.

Por sus formas infantiles y porque habitan en montañas y colinas a veces a los acheri se les llama hadas de las colinas.

Algunos expertos en mitología sostienen que en realidad la leyenda del acheri se originó en la India, y no en América.

En el capítulo 21 de la segunda temporada de la serie Sobrenatural aparece un acheri.

Si os gusta la sección de la Monstruopedia y sois aficionados a los juegos de rol (o si queréis iniciaros en ellos), os invito a probar el juego de rol Tesoro y Gloria, ¡gratis!

Tiene monstruos increíbles, algunos salidos del folclore vasco. Si os resulta atractivo y queréis más podéis participar en su mecenazgo pero daos prisa pues en el tiempo de publicación de este artículo estará a punto de acabar.

En el blog de maese Kha, Un Paladín en el Infierno, tuve una entrada como invitado en la que podéis leer la Clase fanmade, creada por vuestro seguro servidor, Aqueri; basada ligeramente en este monstruo y sobre todo en los niños malrolleros del cine de terror.

¿Os imagináis a un niño demoníaco en el clásico grupo de aventureros con el guerrero, el mago y el ladrón? ¡Qué risas! Ahora vosotros podéis crear esa historia.

Con esto cierro la entrada, gracias por leer y, ¡hasta la próxima, adictos al escalofrío!

¿Qué es lo contrario a un milagro, Padre?

La Monja (2018) es, en el momento de escribir esta reseña, la más reciente entrega de la franquicia del Warrenverso, y es que cada monstruito de las películas de Expediente Warren va a tener su spin-off, o eso parece.

Primero le tocó a la muñeca Annabelle, ahora le ha tocado a La Monja (a.k.a. el demonio Valak) y en el futuro El Hombre Torcido (que apareció por primera vez junto a La Monja en Expediente Warren: El Caso Enfield) también tendrá su propia película.

Hay que ordeñar al máximo la ubre de la franquicia mientras sea rentable.

La premisa de La Monja es la siguiente: el Vaticano manda a un sacerdote atormentado (Demián Bichir) y a una novicia risueña (Taissa Farmiga) para que investiguen los sucesos paranormales de un convento de Rumanía en el que una monja se ha suicidado.

La película de la Monja sirve de ejemplo de todo lo malo que hay en gran parte del cine de terror moderno.

Personajes caracterizados lo mínimo: el cura es serio, la novicia es alegre y el guía local apodado Franchute (sic) interpretado por Jonas Bloquet es… el gracioso. No van a importarnos demasiado cuando sufran a manos del monstruo.

El film cree que acumulando cosas terroríficas dará más miedo cuando, de forma irónica, el resultado es lo contrario: comedia involuntaria por saturación.

El terror, como el drama (género al que más se parece), se vuelve comedia en la exageración. Un niño judío atrapado en la Alemania nazi es trágico, un niño judío en la Alemania nazi alcohólico, retrasado mental y con un perrito con cáncer es hilarante.

Del mismo modo, La Monja no sabe cuando parar. Tiene escenas que podrían haber sido memorables pero al no resistirse en terminar con un burdo sobresalto, poniendo un primer plano de la monja demoniaca u otra cosa risible, termina estropeando toda la secuencia.

Sólo le falta poner a todo trapo la canción Spooky Scary Skeletons para terminar de hacer estallar al público en carcajadas.

La tragedia de La Monja es que se atisba el principio de una buena película de género sepultada por chorradas. Hay muchas oportunidades perdidas en el guión.

Al principio de la película, mediante unas astutas líneas de diálogo, se nos da a entender que la novicia alberga dudas sobre si tomar los votos y convertirse en monja.

Uno esperaría que La monja demonio, a.k.a. Valak, que ya en The Conjuring 2 se nos decía que tomaba la forma de monja para burlarse de la fe cristiana de los Warren, se aprovechase de esto y pusiera a prueba la ya tambaleante fe de la protagonista de La Monja. Pero no, nada de eso ocurre.

Me imagino a los cineastas responsables del guión de La Monja discutiéndolo:

—¿Conoces eso de las anticipaciones (foreshadowings)?
—Sí, hombre, lo de que se plantan semillas en la historia que se recogen en escenas posteriores y que críticos y público están de acuerdo en que es la marca de un buen guión… ¿qué pasa con eso?
—¿Y si pasamos de esa mierda?

Conflictos (por llamarlos de algún modo) de fácil resolución es un problema que toda la saga del Warrenverso tiene, así que no tenía esperanzas en que La Monja fuera la que dejase de tenerlo.

Sí, dicen que La Monja tiene guiños al cine clásico de terror: Argento, Fulci… seguramente sea cierto. Pero los guiños no hacen buena a una película de terror; tan sólo añaden curiosidades, trivia.

Evitando el spoiler, añadir que un giro de guión digno de Shyamalan termina por hacer que las apuestas del enfrentamiento final sean incluso más bajas. Cuando en un tercer acto que se precie se debería haber hecho lo contrario.

Prescindible.

• Lo mejor: Los minutos iniciales del film, hasta que Franchute llega al convento por primera vez y ocurre el único jumpscare bien hecho de toda la película.
• Lo peor: Casi todo lo demás. Sobre todo que los personajes no tengan arco argumental.

Cuando la hija de Mónica (Belén Rueda) entra en un coma diabético, del cual le dicen que no se volverá a despertar nunca, un desconocido le ofrece una alternativa: la vida de su hija a cambio de otra vida.

Es una pena que con una premisa tan atractiva luego la película se haya quedado en algo tan… vacío.

Reconozco desde ya que El Pacto me ha decepcionado, quería que me gustase el primer largometraje de la joven promesa David Victori pero no ha habido manera. Ni siquiera teniendo a Belén Rueda como protagonista que tan bien ha funcionado en otras cintas de terror patrio como El Orfanato (2007) o Los Ojos de Julia (2010).

Como thriller sobrenatural, el Pacto falla porque todo es demasiado prosaico y evidente. ¿El Pacto que el personaje de Belén Rueda hace con el extraño? Hay información abundante en Internet sobre el tema.
El propio extraño, aunque no tengo problema en que sea un siervo del Diablo y no él mismo en persona,  es alguien tan tangible que incluso lo llegamos a ver en una escena arrestado en comisaria. Nada misterioso.

Como film de terror, el Pacto falla porque no hay dilemas reales que corrompan a la protagonista. El guión tiene pretensiones de mostrar un horror personal pero éste, sencillamente, no se encuentra por ningún lado.

El guión, plagado de problemas propios de una primera escritura, es lo que lastra la película. La protagonista en lugar ser obligada a matar a gente buena para salvar a su hija, lo cual habría sido bastante dramático, tiene que matar a gente despreciable. Ni siquiera asesinarlos, ¡sino dejarlos morir por inacción!

Un fiasco sin tensión alguna. ¿Esta es la corrupción diabólica que prometía la sinopsis? Menudo diablo chapucero, ¡el satanás español tenía que ser!

Los efectos especiales son dispares, a veces aciertan como con la araña blanca que resulta algo inquietante y otras vecen erran el tiro como ocurre con una especie de hiedra que recubre a algunos personajes cuando están a punto de morir, bastante burda.

La solvente actuación de Belén Rueda es de lo poco rescatable que encontramos en el film, hace que El Pacto se quede en mediocre en lugar de ser una película mala.

Sin embargo, en la era de contenido audiovisual a la carta, de Netflix y Amazon Prime, las películas mediocres no tienen cabida. La oferta es demasiado grande para conformarse con lo mediocre. Me duele decirlo pero, a pesar de sus buenas intenciones, El Pacto es prescindible.

Lo mejor: Belén Rueda.
Lo peor: Poco misterio para ser thriller, poca turbiedad para ser terror.

Curiosidades

El director quería que la protagonista fuera pelirroja, por ese motivo Belén Rueda lleva peluca.

Hombre contra megalodón no es un combate, es una masacre.

¿Alguna vez os habéis preguntado como sería la típica gamberrada de bajo presupuesto con animal mortífero rollo The Asylum si hubiera DINERO en la producción? No busquéis más, porque ha llegado Megalodón (2018, título original The Meg). Bueno, casi, no del todo. En realidad le falta tener más cachondeo, pero me estoy adelantando.

Un grupo de cientificos están investigando profundidades oceánicas inexploradas, el sumergible de la expedición recibe el impacto de una enorme criatura y queda averiado en el fondo del oceáno. Sólo hay un hombre capaz de rescatarlos: Jonas Taylor (Jason Statham). Pero rescatar a los científicos sólo será el principio, ya que han perturbado a un tiburón prehistórico (el Megalodón del título) que no cesará en su empeño por devorarlos a todos.

Y esa sería la premisa, o mejor aún podría haber dicho simplemente que el bueno de Statham usa tecnología y sus músculos, sobre todo sus músculos, para matar a un tiburón extra grande.

Quitando el primer acto, que es un poco más sobrio, la peli es un glorioso desfile de cliches altamente disfrutable. E incluso el principio que es la parte más floja tiene a Statham quitándole las palabras de la boca a los tíos que vienen a reclutarlo porque él ya se ha retirado de los trabajos de rescate (glorioso).

Hay bastantes caras reconocibles en el film, tenemos a Rainn Wilson (al que los horror lovers recordamos por haber salido en Cooties) haciendo de ricacho capullo, el entrañable Masi Oka (Heroes, Hawaii Cinco-0) y la icónica Ruby Rose (que hacía un papel cojonudo de mala en John Wick 2: Pacto de Sangre).

Por supuesto, una película con tantos clichés como esta no estaría completa sin el interés romántico y el film cuenta con Li Bingbing en el rol de Suyin, una talentosa y, cómo no, guapa oceanógrafa. La química entre Statham y Bingbing es uno de los puntos fuertes de la película.

Al contrario que en otras pelis, eso sí, en lugar de ser una inútil damisela en apuros aquí su personaje es junto con el del prota el que más contribuye en machacar al monstruo. Por no hablar de que entre los dos, el eye candy es sin duda Statham. En ese sentido la peli será un disfrute para las mujeres de la audiencia (y algunos hombres).

Lo único que le puedo criticar con severidad a una película como Megalodón es que no haya sido aún más cachonda de lo que ha resultado el producto final, dicho esto a la hora de la verdad la película no se toma en serio a sí misma para nada, lo cual es de agradecer.

Bueno, en realidad sí que hay otra cosa criticable: su calificación PG-13. Aunque hay que decir que la película estira al máximo lo que es un PG-13 hoy día, esto es, hay mucha sangre cuando es el megalodón el que está siendo machacado y sangre discreta o mínima cuando se trata de las víctimas humanas.

Por supuesto tampoco hay nada de sexo. Si queréis un gorefest con desnudos, recordad que existe Piraña 3D (2010). Tampoco busquéis profundidad psicológica, eso ya lo teníais en Tiburón (1975). En cambio si queréis ver una película palomitera de animal mortífero bastante entretenida, dadle una oportunidad a Megalodón.

Al menos no se trata de algo cínico y ordeña nostalgias como las pelis de Jurassic World.

• Lo mejor: Statham, que sea una peli sobre un enorme tiburón prehistórico, los gloriosos y cómicos cliches.
• Lo peor: Que no haya sido aún más alocada, que no haya más sangre.

Curiosidades

Por lo visto la película está inspirada en una serie de novelas escritas por Steve Alten. No estoy familiarizado con ellas pero si se parecen a esta película deben de ser bastante pulp.

Al título original de la película se le añadió el artículo «the» para evitar que el espectador medio pudiera pensar que el film tratara de una chica o algo así de titularse simplemente como «Meg».

Ya no me siento tan mal al recordar que en España se cambió el título a Capote (2005) por Truman Capote, no fueramos a pensar que aquella película iba de toreros en lugar del escritor.

Por lo visto, los productores y distribuidores de cine piensan que la audiencia es imbécil en todo el mundo.

Esta cinta nos narra el asedio que sufre una joven surfista en la recóndita playa en la que decidió surfear, un enorme y, por supuesto, hambriento tiburón blanco le impide volver a la seguridad de la orilla.

Los animales mortíferos son ya un subgénero de sobra conocido entre los adictos al escalofrío y los tiburones son, si cabe, los animales más veces retratados entre toda la fauna del cine de terror. Infierno azul no va a inventar la rueda a estas alturas, y lo sabe.

Infierno azul se ve lastrada por las limitaciones inherentes a la historia que cuenta, la protagonista Nancy (interpretada por Blake Lively) se pasa gran parte de la cinta sobre la cima de una roca marina (la única parte de esta no sumergida, el bajío al que hace referencia el título original), por lo que las oportunidades de interactuar con otros personajes son breves e infrecuentes.

Hay una gaviota que le sirve de compañera a la protagonista y que es el recurso de la cinta para que el personaje tenga alguien a quien dirigirse y no hable sola aunque en realidad sea justo eso lo que haga.

Aunque el tono de Infierno azul es serio, ciertas decisiones argumentales en el tercer acto parecen pertenecer a una cinta más ligera y desenfadada que el film que tenemos entre manos. La protagonista que se nos presentaba como alguien normal, lista y en forma, sí, pero normal, alcanza facultades superhéroicas que no desentonarían en un videojuego.

El actor Óscar Jaenada hace un cameo en la película, pese a que su papel no es muy necesario desde desde un punto de vista narrativo da un poco de humor a la cinta a costa de la protagonista y la barrera idiomática antes de que el film se ponga serio.

Infierno Azul es una película de género de bajo presupuesto que resulta lo justo de entretenida pero que no resistirá los embites de nuevos visionados; para ver una sola vez.

• Lo mejor: Bonita fotografía (la playa es preciosa), Blake Lively en un papel muy físico.
• Lo peor: A veces demasiado minimalista, efectos especiales cutresalchicheros en la parte final.

—¿Quién va a cuidar de mí ahora?
—¿No crees que pueda cuidar de ti?
—Pero y cuando tú te mueras…

La familia de Annie (Toni Collette) se ve muy afectada cuando su madre fallece, en especial su hija Charlie (Milly Shapiro) que estaba muy unida a la abuela. Pero pronto descubrirán que la anciana guardaba un oscuro secreto…

Y ahí tengo que cortar la sinopsis, Hereditary es una de estas películas que es muy difícil de reseñar sin caer en spoilers pero lo haré lo mejor que pueda en esta entrada.

Hereditary ha sido la gran sensación entre la crítica que la ha encumbrado como la película de terror del año. De hecho, tan buena, aseguran, que 2018 ha de ser el año del terror. Tales declaraciones se han repetido tanto los últimos años con diferentes películas que no sorprende que algunos aficionados al género vayan a las salas de cine con recelo.

¿Por qué Hereditary ha gustado tanto a la crítica? Porque es de estas películas que hacen olvidar a los críticos que están viendo una película de terror, género que normalmente desdeñan como inferior.

Algo similar ocurría con La Bruja (2016) la cual estaba revestida como un drama de época y por ello era aceptable para la crítica valorarla positivamente.

El film que nos ocupa es una tragedia familiar cuyos elementos de terror y gore están muy dosificados a lo largo de sus dos horas de duración. Lo que la convertirá en una segura decepción para los aficionados al escalofrío que no quieran salirse del esquema de colección de sustos con música alta marcado por James Wan.

Toni Collette es la protagonista absoluta de la cinta. Una mujer justificadamente desquiciada por la pérdida y los númerosos infortunios que le ocurren a su familia durante la historia. Se luce en un rol muy emocional y perturbador sin llegar al histrionismo, una gran interpretación.

Destacar también a la jovencísima Milly Shapiro en el siempre agradecido papel de niña siniestra (sigo pensando que los niños son los mejores monstruos dentro del género). Buena actuación y caracterización, mi única pega con su personaje es que está bastante desaprovechado pero eso no es culpa de la actriz sino del guión.

Por suerte, para acompañar a Toni Collette tenemos a Alex Wolff que interpreta a su hijo, y hermano mayor de Charlie, un rol más contenido que sirve de contrapunto al papel más visceral de Collette.

Gabriel Byrne, aunque buen actor, es el que está más desdibujado ya que su personaje es el menos relevante para la trama.

Algo que me encantó del film es que aprovecha de forma muy ingeniosa la profesión de la protagonista como artista del modelismo; sus maquetas sirven para provocar inquietud y hacer transiciones de escena.

Hereditary podría encuadrarse como una cinta de terror de combustión lenta que se sirve del drama para hacernos sufrir por los personajes. Por estas características y su mezcla de géneros se la podría comparar con La Bruja.
Así que podría presumirse que a quien no le gustó aquella, no le va a gustar esta. Aunque esto no tiene porque ser así, por ejemplo para la audiencia moderna será más fácil empatizar con los problemas de los personajes de Hereditary que con los de La Bruja.

La banda sonora compuesta por Colin Stetson tiene un toque onírico que le viene como anillo al dedo al film, sobre todo en el tercer acto cuando el guión ya pone todas las cartas sobre la mesa y comienza a desvelarse el misterio.

Y hablando de misterio (tranquilos, no voy a desvelar los secretos de la película): pese a haber disfrutado durante su visionado, al llegar a casa caí en la cuenta de un importante agujero de guión. Quizá no sea importante, pero que sirva de aviso para los amantes de la verosimilitud.

En lo personal no estoy en contra de que el terror se mezcle con otros géneros, como el drama. Menos es más. Si bien, creo que Hereditary no siempre acierta con las proporciones.

Si algo se le puede achacar a Hereditary es lo reducido de su público ideal: los que gusten de la melancolía y emotividad de un drama familiar se verán espantados por las escenas más truculentas, mientras que los aficionados a la sangre y la casquería no tendrán suficiente.

A mí me ha gustado y la recomiendo, pero no he visto en ella la obra maestra que algunos señalan.

• Lo bueno: La gran interpretación de Toni Collette, el uso de las maquetas, la b.s.o.
• Lo malo: La niña está desaprovechada, las proporciones de terror y drama no siempre son las adecuadas, cierto agujero de guión.

La película de clausura fue Seuls, adaptación cinematográfica del comic franco-belga del mismo nombre. Antes de proyectarse el film nos entretuvieron con diversos espectáculos, primero unos ciclistas estuvieron haciendo piruetas y luego vino un coro; cantaron canciones conocidas (una de ellas fue la del Fantasma de la Ópera) con letras adaptadas a lo ocurrido en el festival.

Se anunciaron los ganadores de los diferentes premios del festival, algunos de los más importantes los he ido diciendo a lo largo de las reseñas pero me reafirmo en que estoy algo decepcionado de que el premio al mejor largometraje de la universidad de Málaga se diera a Let the Corpses Tan, una de las tres que menos me gustaron.

Por otro lado, el premio al mejor largometraje de la prensa acreditada sí que se lo llevó una de mis tres favoritas: Thelma. Sin embargo, de haber sido una de las películas a concurso estoy seguro que el premio habría sido para Mutafukaz, para mí la gran sorpresa del festival.

Crítica exprés: Seuls

La película de clausura Seuls empezó con cierto interés con cinco jóvenes viéndose de repente solos (de ahí el título, Seuls es «solos» en francés) en una ciudad desierta pero su ritmo irregular y un giro final decepcionante al estilo Shyamalan la pone en la categoría de películas que prometían pero acabaron por no gustarme (ver índice, más abajo).

Seuls fue la última película que vi y  me dejó un gusto agridulce al final del festival pero echando la vista atrás tengo que decir que el balance ha sido positivo. De las 22 películas que he visto, 15 de ellas me gustaron en mayor o menor medida y tan sólo 7 no me gustaron en absoluto. Así que en líneas generales el Fancine 2017 ha estado muy bien.

Como el año anterior, las pegatinas del gato chino, mascota del Fancine, en la guisa de una determinada película u otra estaban muy chulas. Mis felicitaciones a quien quiera que las diseñe. Se pueden comprar todas al final pero hay cierta sensación de triunfo al ganárselas viendo las películas apropiadas. En mi caso este año no me quedó otro remedio que comprarlas porque no se las dan a los que saquen entradas de prensa acreditada, lo que es lógico porque no sería justo.

Cerca del cine Albéniz donde se celebra el festival había una exposición de escenas de películas recreadas con clics de Playmobil que estaba de lo más simpática.

También había una réplica del Ecto-1, el coche de los cazafantasmas, para que niños y adultos se pudieran hacer fotos con él, por supuesto aproveché la oportunidad.

Siendo esta la primera edición del Fancine a la que he asistido acreditado carezco de punto de referencia pero tengo que decir que nos trataron muy bien, no tengo queja. Además conocí a gente de lo más legal.

Aquí abajo un índice de las reseñas de todas las películas que he visto:

Lo peor del Fancine, las películas que menos me gustaron de esta 27ª edición del Fancine: Before We Vanish, Dhogs y Let the Corpses Tan.

2ª serie de reseñas: Bad Match (thriller sobre los peligros de las apps de citas), Better Watch Out (home invasion navideño), Black Hollow Cage (thriller de ciencia ficción).

3ª serie de reseñas: Christine (terror, coche poseído), Downrange (terror gore, un francotirador caza a unos jóvenes), How to Talk to Girls at Parties (romance coming of age con toques de fantasía).

4ª serie de reseñas, películas que sobre el papel prometían pero acabaron por no gustarme: Free and Easy (comedia sobre timadores), Happines (drama fantástico), Les Affamés (terror, zombis).

5ª serie de reseñas, las películas más gamberras del festival: Meat Ball Machine Kodoku (comedia ultragore, zombis mutantes), Mom and Dad (comedia negra, padres obsesionados con matar a sus hijos), Rubber (comedia absurda sobre una rueda asesina).

6ª serie de reseñas: Salyut-7 (drama de acción, astronautas), The Lodgers (terror gótico, casa encantada), The Prison (thriller carcelario de acción).

Lo mejor del Fancine, las películas que más me gustaron de esta 27ª edición del Fancine: Buswick (guerra urbana), Mutafukaz (comedia animada, fantástico) y Thelma (drama de terror, lesbianismo).

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Eso es todo, aquí acaba el reportaje sobre el Fancine 2017. Mi agradecimiento a los organizadores del Fancine por montar un festival de cine fantástico y de terror excelente (y por permitirme ver tantas películas películas gratis, ja, ja).

Y como siempre gracias a vosotros, adictos al escalofrío, por leerme.

¡Hasta la próxima edición del Fancine!