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Nils Landgren Funk Unit TEAMWORK

joe — Fri, 26 Apr 2013 14:23:18 +0000

teamwork

This might well be the best Funk Unit that Nils Landgren has had gathered around him since 2010: technically outstanding, this is a group of team players who combine well with a great groove connection. James Brown meets Parliament meets Crusaders meets Funk Unit: that’s one way you could describe the musical concept on “Teamwork”. It is pure party feeling, the notes whirl coolly through the ranks, superb horn sets alternate with ecstatic solos, dance beats, smooth vocals and strong melodies, but there is also time for elegance and heartfelt blues. “Teamwork” is all that and then some, played by a dream team of sweat-inducing funk workers with soul in their blood.

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“I felt that Funk Unit had so much more to give,” recalls team captain Landgren, whose funk formation still shows no signs of fatigue even after 8 albums. With “Teamwork”, this star player puts more emphasis on the skill of the collective, and pursues the same creative strategy that made funk legends like James Brown and George Clinton’s Parliament great: go with the flow, follow where the groove takes you. “Hours of jamming preceded the recording sessions. We just turned the recorder on and played. Magnum Coltrane Price and Robert Ikiz laid the groove foundation that inspired us to new melodies and horn riffs. Then we checked out what we’d recorded together: where is there potential, where is there a great melody, which riffs get under your skin? It was like panning for gold. The songs emerged bit by bit. Then we went into the Atlantis Studio in Stockholm, where ABBA once recorded their unforgettable hits.” The result is an album that wasn’t planned or calculable, but that was born live, so to speak. Nothing sounds deliberate, it’s all organic.

So “Teamwork” isn’t just an empty phrase, it is the essence. You need more than just great individualists, you need a gang of conspirators with the right team spirit. It is the wisdom of the many that gives the album that something special: most of the 13 compositions emerged out of the collaboration with the entire Funk Unit, with various individual leaders. Jonas Wall showed his particular mettle in the horn arrangements and Magnum Coltrane Price gave the album the final polish at the mixing console and as producer, “I feel right at home with this Funk Unit. I’m really happy that we’ve been playing together in this group without interruption since 2010. The boys are all good friends.”

With his 7-man European team, Landgren finds the square of the circle: creating authentic-sounding “black music” and gaining top American protagonists to do so. True greats of the scene are on the new Funk Unit album, including the two Crusaders legends Joe Sample and Wilton Felder. As Landgren explains, “I’ve been a member of the Crusaders for some years now, and I’ve known Joe since the 80s. We recorded the album “Creole Love Call” together. Wilton is perhaps not that well known to some, but when you hear the amazing solo he plays on Mr Masumoto, there is no doubt at all why he is still in the top league, even at the ripe old age of 72.” Till Brönner is also without doubt top class. He is Germany’s number one trumpet player, as can be heard on “Rhythm Is Our Business”. “He was on some of the earlier Funk Unit records too, and he’s simply a member of the family.”

The title “Rhythm Is Our Business” could easily serve as the sub-heading for “Teamwork”. Seldom has a Funk Unit album sounded so intoxicating and fresh, right from the outset the album opener “Get Serious Get A Job” drives up the blood pressure. The monster groove of “Mr Masumoto” is sliced up time and time again, as if by a guillotine, by crisp and snappy horn riffs. And there is no stopping your feet from tapping on “Where the Funk Is At”. “Papa Bull” adds Caribbean flair, and an outstanding flute solo by Magnus Lindgren makes the difference on “Tracksuit”.

With “Teamwork” Nils Landgren once again fulfils his never-ending mission to conquer the hearts and legs of his fans. It is an expedition that underscores his position in the Champions League of international funk, this Funk Unit enthrals, excites and is just downright fun. A real working band where every member does his bit and, as “Teamwork” proves without the shadow of a doubt, that’s just what was needed.

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radio.string.quartet.vienna POSTING JOE celebrating Weather Report – live

joe — Thu, 25 Apr 2013 11:35:25 +0000

radio.string.quartet.vienna

“I’ve shaken his hand once, so I guess you can’t call it a closer acquaintance.” A typically Viennese answer by Bernie Mallinger, the violinist and head of radio.string.quartet.vienna (r.s.q.v.), to the question about his personal relationship to Joe Zawinul. Nonetheless, the music of his Austrian colleague has been omnipresent for him and the other members of the string quartet. It could hardly be otherwise, Zawinul is one of the most significant personalities of jazz: the style-forming pianist of the hard bop era with “Cannonball” Adderley, a pioneer of fusion on Miles Davis’ groundbreaking recordings “In A Silent Way” and “Bitches Brew”, with his own band “Weather Report”, founded together with Wayne Shorter, and finally with “Syndicate”, a combination of jazz and world music.

Ever since r.s.q.v. was founded in 2003, it has been innovatively broadening the spectrum of the string quartet. The idea to dedicate the fifth album “Posting Joe” to the great jazz genius from Vienna was not new. “Although we have never had a specific plan,” Mallinger says, “Zawinul’s music has always been there. Already after our Mahavishnu album, which made us internationally known, we were about to start a Zawinul project. But then we became engaged with “Radiotree” together with accordionist Klaus Paier. Even so, the album included two r.s.q.v. versions of Zawinul’s pieces.”

However, the expansion of the idea was postponed due to a proposition by the irresistible Rigmor Gustafsson, which resulted in the album “Calling You”. After this project the urge to work with material of their own was even greater. Their own compositions of dream interpretations on “Radiodream”, released in 2011, on which Igmar Jenner replaced Johannes Dickbauer on the second violin, marked in a way the completion of r.s.q.v.’s search for identity.

After that the timing was perfect to go about a project that had long been postponed. Not least due to an invitation to the “Zawinul Music Days” in Vienna by the official Zawinul biographer Brian Glasser and Zawinul’s former manager Theresia Zinke. There was a further advantage to the project as well. “Not only had Zawinul been in our hearts for ages, but we had also been thinking of doing a live album for a long time, since our concerts had developed certain dynamics of their own in comparison to the studio recordings.”

That is why the second part in all “Radiodream” concerts was dedicated to Zawinul. “We recorded at least eight of these sets. That way we could choose performances that we were completely satisfied with.” Recordings from all over Europe are combined into a Zawinul homage – from the legendary Music Association in Vienna, from Pori in Finnland, from Zagreb, Warsaw, Zürich and Ravensburg. On “Posting Joe” r.s.q.v. is sending musical declarations of love to one of the greatest jazz musicians of all times.

That this album by Mallinger, Jenner, Liao and Valcic is full of respect, diligence and vision, becomes apparent already on the first piece of the album, which is the only part recorded in a studio. It is a reflection on the very first, peculiar Weather Report song “Milky Way”. “Where does the weather come from? From the troposphere,“ Mallinger describes the line of thought behind the abstract collage of sounds. The piece is also reflecting upon the late world music influence of Zawinul.

Zawinul’s classic “Birdland” is breathtaking with its classical start, shimmering bass rhythms and wild violin sound. The interpretations of “Peace” and “Cannonball” are perfect examples of how r.s.q.v. deals with the extremes of rhythmic tension and clear melodics. The final piece “Volcano For Hire” shows that the classical string quartet is in no way inferior to a jazz band in terms of dynamics and tempo. Aside from “Wireless Wings” and the opening track “Trophosphere”, the only self-composed piece of the album is the formerly titleless composition by Asja Valcic. In the concerts it turned out to suit the Zawinul concept perfectly and thus received the dedication “For Joe”.

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This project was different from all previous ones: this time it was not primarily about virtuosity or structural opulence, but rather about details and minimal grooves in the background. The four musicians had to face Zawinul’s subtle compositions with an elaborate, almost Bachian part-writing using all possible sounds of the strings. Once again, r.s.q.v. is challenging our listening habits and precisely that makes the quartet sound so interesting and unique. Zawinul’s often repeated motto “play electric, sound acoustic” is reversed into r.s.q.v.’s slogan “We sing the body acoustic”. “Posting Joe” is Viennese string tradition and psychoanalysis at its best

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Quattro Macro Tendenze per il 2013

joe — Mon, 21 Jan 2013 15:15:25 +0000

Crowdfunding: le piattaforme di crowdfunding nel mondo sono aumentate notevolmente, in modo particolare nell’ultimo anno e, si prevede una ulteriore crescita ed utilizzo.

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Formazione: si prevede un forte incremento di corsi di formazione online e programmi universitari. Entro il 2020 il mercato dei prodotti e servizi mobile per l’istruzione seguirà uno sviluppo notevole.

electronic Health: App sanitarie e strumenti diagnostici mobile seguiranno un forte sviluppo e diffusione.

Grandi Dati: entro il 2020 miliardi di cose saranno connesse, con la conseguenza che ci saranno apparecchi/sistemi sempre più “intelligenti” in grado di comunicare e gestire tantissimi dati.

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Heinz Sauer & Michael Wollny DON’T EXPLAIN – Live in Concert

joe — Mon, 07 Jan 2013 19:07:45 +0000

When told he was considered one of the fundamental greats of German Jazz, Heinz Sauer replied that he saw himself “neither as old nor as a master”. So although the saxophonist, who will be celebrating his 80th birthday on 25 December 2012, is rightfully known as “a giant” (FAZ) and “grand master of saxophone” (DIE ZEIT), after all, he has been at the centre of European jazz history since his beginnings at the side of Albert Mangelsdorff. But in principle he remains to this day an adolescent; the kind of artist who knows that the path to mastery doesn’t have a final destination.

Sauer’s sparkling play became one of the distinctive timbres in the self-confident European jazz scene very early on, even though it continually occupied itself with the US tradition, with George Adams and Archie Shepp, later with Bennie Wallace, in recordings with Dave Holland and Jack DeJohnette – and repeatedly with pianist Bob Degen. As the last of these returned to the US in 1999 for a while, freeing up his piano stool in the hr Jazz Ensemble, which had been Sauer’s for half a century, destiny meant well with the choosy saxophone individualist: He met the young Michael Wollny, who left a lasting impression on him.

They gave their first concert as a duo in Darmstadt’s Literaturhaus, where the stage there has just enough space for two people. Despite not having had time to discuss what they would play and thus forced to improvise, the evening was a huge success. “One of the great saxophone individualists and the biggest piano talent in Germany develop fascinating dialogues full of unsentimental warmth, with often surprising payoffs. You just want to keep hearing them play,” wrote Munich’s TZ newspaper, as the duo’s first album “Melancholia” came out in early 2005. DIE ZEIT newspaper discovered fundamental qualities in the genuine expressiveness of the generation-crossing duo and exalted: “Jazz comes back to life here” and the WELT am Sonntag called it “among the best that German jazz has to offer”.

“Giving up the control and then seeing what happens” is how Wollny refers to the credo of playing together with Sauer in a duo. This is just as much a foundation of the improvisations moulded out of quietude, as of the voyages of discovery of their own compositions that present themselves to each other – or even the paths they take through classics by Monk and Billie Holiday.

On “Certain Beauty” the base camps of their expeditions include Gershwin, Gil Evans, Björk and Prince. The album made major waves outside Germany as well as within it. In France the popular magazine Jazzman honoured it with the CHOC as the Jazz CD of the Year 2006.

The concentrated dialogues don’t need many words, the melancholy tenor comes from profound experience. “If (Blue) Then (Blue)” was the name of the next album, and it shows Heinz Sauer in two duos: with the pianists Michael Wollny and Joachim Kühn respectively. “Quite simply a masterly performance!” the magazine Stereoplay raved, and the FAZ summarised: “Heinz Sauer’s playing is of incomparable density, wisdom, vitality, beauty and unpredictability. The still young jazz year has its first masterpiece.”

So they now release “Don’t Explain”, the fourth album of the Heinz Sauer/Michael Wollny duo – recorded live in Darmstadt, where the collaboration began 9 years ago. On 9 September they started the “Live! – Jazz in der Stadtkirche” series under the moniker ‘Open’, as Sauer explains “Open for the space, for the audience, the atmosphere and the vibes that reach us during the concert. A musical tightrope act without a net,”.

The duo’s improvisations develop their very own intensity among the late Gothic arches from the 14th century, “because the spontaneously invented sound unfolds differently here than in other concert houses,” Wollny adds.

Under these very special conditions, the duo dared to try a live recording. They could trust each other blindly. Their sound evolves “apparently from nowhere”, (Darmstädter Echo), motifs become major arcs that offer space for free inspiration. They resolutely test the limits of this phenomenon find their way back to quiescence with an intuitive understanding. Miles Davis, Billie Holiday, e.s.t., Prince, and even Bob Dylan, that other great narrative maverick, serve them as milestones on their dreamlike excursions.

And so “Don’t Explain” is an impressive documentation of a vibrant musical partnership. It is the best birthday present Heinz Sauer could have hoped for. “Getting older doesn’t have to be a bad thing,” he says. “As a musician, an artist, I feel truly privileged.”

01 All Blues (Miles Davis) 6:40
02 Nothing Compares 2 U (Prince) 5:09
03 Don’t Explain (Billie Holiday) 9:26
04 Wenn der Pastor im grünen Hemd… (Heinz Sauer) 2:58 05 Open Fields (Heinz Sauer / Michael Wollny) 3:07
06 There Again (Michael Wollny) 5:43
07 Make You Feel My Love (Bob Dylan) 6:00
08 Believe Beleft Below (e.s.t.) 4:21
09 Space Cake (Michael Wollny) 4:11
10 Kind of Blues (Heinz Sauer / Michael Wollny) 3:21

Produced by Siggi Loch
Recorded live by Walter Quintus, September 2, 2012 at Stadtkirche Darmstadt
Mixed & mastered by Walter Quints

Chimica della Bellezza e Bellezza della Chimica : la Fine di una Storia…

joe — Mon, 19 Nov 2012 15:51:12 +0000

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…Ah, adesso capisco… Ti ha lasciata e, magari per un’altra. Ecco perché sei così giù ultimamente…

Voglio spiegarti una cosa: hai mai sentito parlare di una sostanza chiamata feniletilamina? Meglio conosciuta come PEA, è un ormone naturale che ti fa eccitare quando posi lo sguardo su una persona che ti piace, ovvero una persona, secondo te, Bella!
Sei soggetta in quel momento a una serie di stimoli visivi che in parole molto semplici ti procurano una specie di estasi visiva.

Da un punto di vista chimico, questa sostanza è un’anfetamina naturale, che eccita e stimola i tuoi sentimenti, togliendoti al contempo l’appetito. Quando ti innamori dentro di te si scatena una festa di ormoni! E ce ne sono di tanti altri tipi! Pensa che sono in grado di trasformarci completamente: le endorfine, l’adrenalina, la noradrenalina, la dopamina, l’ossitocina, la vasopressina, il cortisolo, la serotonina…

Quando poi ti separi dalla persona amata, tutti quegli ormoni naturali tornano al loro livello normale. L’incanto della PEA è rotto e l’effetto delle endorfine precipita: è come se si rompesse il “flash”. In quel momento i sintomi che si presentano sono paragonabili a quelli dell’astinenza; in particolare, un improvviso afflusso di adrenalina e dopamina, che vanno a sostituire l’effetto delle endorfine stimolando nuovamente i tuoi desideri. In buona sostanza provi una forte e durevole nostalgia di una relazione che in realtà è finita da tempo. In aggiunta a tutto ciò, c’è un altro ormone, il cortisolo, che aumenta rapidamente, procurandoti così attacchi d’ansia e probabile insonnia.

Vedi, ciò che vorrei dirti con tutto questo discorso, è di non prendere la tua esperienza in modo troppo personale. Vorrei mostrarti la tua situazione dall’esterno e guidarti a comprendere che non sei l’unica a provare questo profondo dolore. Spero di riuscire, almeno un po’, ad attenuare la tua sofferenza e, a farti capire che almeno l’ottanta per cento di ciò che ti succede ora è la reazione naturale del tuo corpo ai tuoi stessi ormoni: è in buona parte chimica.

Con il passare del tempo, i sintomi della “crisi di astinenza” scompaiono e quando, grazie alle tue difese interne, quei folli ormoni dell’amore si calmano, la sofferenza fisica svanisce. A quel punto, sarai pronta, sia sul piano fisico che morale, ad amare di nuovo.
In fondo è solo -si fa per dire- l’inizio e la fine di una storia: chimica della bellezza e, la bellezza della chimica!
~joe

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La Musica non è un lusso, ma una necessità: The El Sistema music revolution

joe — Mon, 22 Oct 2012 15:41:34 +0000

La Fondazione Musicale Simòn Bolìvar promuove un sistema capillare di educazione musicale pubblica (El Sistema) che garantisce l’accesso gratuito a 350.000 bambini e ragazzi di ogni ceto sociale. A questo progetto sono riconducibili 30 orchestre sinfoniche professionali e centinaia di orchestre e cori giovanili.

L’ideatore di tutto ciò è l’economista e musicista Josè Antonio Abreu il quale sostiene che la cultura per i poveri non può e non deve essere una cultura povera. Abreu sta impegnando la sua esistenza per fare in modo che giovani e bambini vengano educati e integrati nella società attraverso i valori della musica. La fonte di ispirazione di questo progetto è il compositore italiano Antonio Vivaldi, che nel Settecento creò una fortissima realtà musicale lavorando con le ragazze alloggiate presso l’Ospedale della Pietà, che a Venezia raccoglieva le piccole orfane.

Jose Antonio Abreu: The El Sistema music revolution

Testo del discorso tradotto in italiano da Francesca Bertolotto e revisionato da Daniele Berti
Jose Antonio Abreu: Cari amici del Premio TED, signore e signori, sono felicissimo, oggi, perché ricevo il Premio TED, un’onorificenza insigne, a nome di tutti gli illustri artisti, professori, direttori ed educatori musicali venezuelani che mi hanno accompagnato per 35 anni nella fondazione, la crescita e lo sviluppo delle orchestre e dei cori giovanili e infantili del Venezuela.

Sin da bambino nella più tenera infanzia volevo essere un musicista, e grazie a Dio, ci sono riuscito. Dai miei insegnanti, dalla mia famiglia e dalla mia comunità ho ricevuto tutto il supporto necessario per diventare musicista. Per tutta la vita ho sognato che qualsiasi bambino venezuelano avesse la stessa possibilità che ho avuto io. Mi è nata nel cuore, assieme a quel desiderio, l’idea di rendere la musica una realtà profonda e globale per il mio Paese.

Fin dalla prima prova generale ho visto il futuro che si prospettava, perché già quella prova mi mostrava la grandezza della sfida che mi si presentava. Avevo ricevuto una donazione di 50 leggii, una donazione molto generosa, che 100 ragazzi avrebbero usato alle prove. Quando sono arrivato si erano presentati 11 bambini, e io mi son detto: “O chiudo il programma ora o lo moltiplico per mille” Quella stessa notte ho deciso di accettare la scommessa e ho promesso a quegli 11 bambini che avrei trasformato la nostra orchestra in una delle principali orchestre al mondo. Mi sono ricordato di quelle mie stesse parole due mesi fa, quando nel London Times un eminente critico inglese ha pubblicato un articolo dove si chiedeva chi candidare per la Coppa Mondiale delle Orchestre. Cinque orchestre. Quel critico nominava quattro grandi orchestre mondiali, e la quinta era l’Orchestra Sinfonica Giovanile del Venezuela. Oggi possiamo dire che l’arte in America Latina ha smesso di essere monopolio di un’élite e si è trasformata in un diritto sociale, un diritto di tutti.

Ragazza: Qui non c’è differenza tra le classi, tra bianchi e neri, tra chi ha soldi e chi no. Semplicemente, se hai talento e vocazione, e la volontà di stare qui, entri, la condividi con noi e fai musica.

JA: Durante il recente tour dell’Orchestra Giovanile Venezuelana Simon Bolivar negli Stati Uniti e in Europa abbiamo visto quanto profondamente la nostra musica commuovesse i giovani ascoltatori, abbiamo visto bambini e adolescenti correre sul palco per avere le divise dei nostri musicisti; le standing ovation, talvolta di 20 minuti o mezz’ora, sembrava non finissero mai e abbiamo visto il pubblico, dopo il concerto, raggiungerci in strada per portare i nostri ragazzi in trionfo. Non era solo un trionfo artistico, ma proprio una profonda sintonia emotiva che si stabiliva tra il pubblico delle nazioni più avanzate al mondo e la gioventù latino americana del Venezuela, che dava a queste persone un messaggio di musica, vitalità, energia, entusiasmo e forza.

Nella loro essenza, l’orchestra e il coro sono molto più che strutture artistiche. Sono esempi e scuole di vita sociale, perché cantare e suonare assieme significa coesistere profondamente e intimamente rivolti alla perfezione e nel desiderio di eccellenza, in una rigorosa disciplina di cooperazione e condivisione, che mira a creare un’interdipendenza armonica di voci e strumenti. Così si crea uno spirito di solidarietà e di fraternità, si sviluppa l’autostima e si coltivano i valori etici ed estetici legati in ogni senso all’esercizio musicale. Per questo la musica è così immensamente importante nel risvegliare la sensibilità, nel forgiare i valori e abituare i più giovani a diventare maestri di altri giovani e di altri bambini.

Ragazzo: Dopo molto che sei qui, la musica è la vita. Nient’altro. La musica è la vita, per noi.

JA: Ogni adolescente e bambino del Sistema ha la sua storia e ognuno ha la stessa importanza e significato per me. Faccio l’esempio di Edicson Ruiz, un bambino di una parrocchia di Caracas che frequentava con passione le sue lezioni di contrabbasso presso l’Orchestra Giovanile di San Agustin del Sud. Grazie ai suoi sforzi e grazie al supporto esemplare di sua madre, della sua famiglia e della sua comunità, è diventato uno dei membri principali della sezione contrabbassi nell’Orchestra Filarmonica di Berlino. Abbiamo un altro caso famoso — Gustavo Dudamel. Gustavo ha cominciato da piccolo nell’orchestra infantile nella sua città natale, Barquisimeto. Lì, è cresciuto come violinista e direttore. E’ diventato direttore delle orchestre giovanili del Venezuela, e oggi dirige le maggiori orchestre mondiali. E’ il direttore musicale della Filarmonica di Los Angeles, e ancora è il leader delle orchestre giovanili venezuelane. E’ stato direttore dell’Orchestra Sinfonica di Gothenburg ed è un esempio insuperabile per i giovani musicisti, in America Latina e nel mondo.

La struttura del Sistema si basa su uno stile di gestione nuovo, flessibile, innovativo, adattato alle caratteristiche di ogni comunità e regione, e oggi si occupa di 300.000 allievi, provenienti dalle classi sociali minori e medie di tutto il Venezuela. E’ un programma di riscatto sociale e profonda trasformazione culturale per tutta la società venezuelana assolutamente senza restrizioni, ma con un’enfasi sui gruppi sociali più fragili e a rischio.

Sono tre i livelli sociali su cui El Sistema esprime il suo impatto — quello personal-sociale, quello familiare e quello della comunità. A livello personal-sociale, si distingue lo sviluppo intellettuale e affettivo dei ragazzi impegnati nei cori e nelle orchestre. La musica diventa una fonte di sviluppo delle dimensioni dell’essere umano, elevando la sua dimensione spirituale e portandolo a un sviluppo integrale della sua personalità. Dunque, i vantaggi emotivi ed intellettuali sono enormi: si acquisiscono capacità di direzione, di insegnamento e allenamento, senso dell’impegno, di responsabilità, generosità e dedizione agli altri, del contributo individuale al raggiungimento di immensi obiettivi comuni. Tutto questo fa sviluppare autostima e fiducia in se stessi.

Madre Teresa di Calcutta, figura mondiale, insisteva su un punto che mi ha sempre colpito molto — la cosa più miserabile e tragica della povertà non è la mancanza del pane o di un tetto, bensì sta nel “sentirsi nessuno”, essere nessuno, non avere identità, non avere stima pubblica. Ecco perché lo sviluppo di un bambino all’interno dell’orchestra e del coro gli da un senso di identità nobile e lo converte in un modello per la sua famiglia e la sua comunità. Lo rende uno studente migliore perché ispira in lui il senso di responsabilità, di perseveranza e di precisone, che lo aiuteranno molto a scuola.

All’interno della famiglia, il supporto dei genitori diventerà incondizionato. Il figlio diventa un modello per entrambi i genitori, e questa è una cosa importantissima per un bambino povero. Una volta che un bambino scopre di essere importante per la sua famiglia cerca nuovi modi per migliorarsi, aspira al meglio, in senso individuale e collettivo e allo stesso modo, spera nel miglioramento sociale ed economico della sua famiglia. Così si crea una dinamica sociale costruttiva e ascendente. Come ho già detto, l’immensa maggioranza dei nostri ragazzi proviene dagli strati più vulnerabili della popolazione venezuelana. Ciò li incoraggia ad abbracciare nuovi sogni, nuovi obiettivi, e a progredire nelle varie opportunità che la musica offre.

Infine, nella sfera della comunità le orchestre si dimostrano gli spazi creatori di cultura e fonti di interscambio di nuovi significati. La spontaneità che si lega all’esperienza della musica e che la esclude dall’essere un bene di lusso, convertendola in patrimonio sociale comune, fa si che un bambino suoni il violino a casa mentre il padre lavora nel suo laboratorio, fa si che una bimba suoni il clarinetto a casa, mentre sua madre fa i lavori domestici, e che infine tutta la famiglia partecipi con gioia e orgoglio alle attività delle orchestre e dei cori cui partecipano i figli. L’immensa ricchezza spirituale che è propria della musica e che è insita nella sua essenza finisce per prevalere sulla povertà materiale. Quando gli insegni a suonare, un bambino non è più povero. Entra in una fase di progresso, acquisisce un livello di azione professionale che lo trasformerà in un vero cittadino e tutto ciò esercita una funzione preventiva primaria contro la prostituzione, la violenza e le cattive compagnie e qualsiasi cosa faccia regredire o degradare la vita dei bambini.

Pochi anni fa lo storico Arnold Toynbee affermava che il mondo fronteggia un’immensa crisi spirituale. Non si trattava di una sfida economica o sociale ma spirituale, e io oggi affermo che dinanzi a questa crisi solo l’arte e la religione possano dare le risposte adeguate ai sentimenti collettivi, all’aspirazione più profonda dell’uomo e alle esigenze storiche dei nostri tempi. E specialmente l’istruzione, come sintesi del sapere e della conoscenza, è il mezzo per lottare in favore di una società più perfetta, consapevole, più nobile e più giusta.

Salutiamo TED con rispetto profondo, con animo e fervore fraterno per il suo eccezionale umanesimo, la portata dei suoi principi, per la promozione aperta e generosa dei valori giovanili. Speriamo che TED possa contribuire in modo pieno e fondamentale a costruire una nuova era di insegnamento della musica dove i propositi sociali, comunitari, spirituali e di rivendicazione di bambini e adolescenti diventano il faro e lo scopo di una vastissima missione sociale. Non più una società al servizio dell’arte, ancor meno arte asservita al monopolio di un’élite, quanto invece arte al servizio della società, al servizio dei più deboli, al servizio dei bambini, al servizio dei malati, dei vulnerabili, di tutti coloro che gridano chiedendo di rivendicare lo spirito della loro condizione umana e l’elevarsi della loro dignità.

L’attuale Direttore Artistico di questo progetto è il geniale maestro Gustavo Dudamel, appena 31 anni di età ma un vero genio, lui stesso un prodotto di El Sistema e, di recente nominato direttore della Los Angeles Philharmonic.
In questo video lo vediamo all’opera con la fondazione.

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Se la Chimica dell’Amore fosse una Canzone…

joe — Sun, 14 Oct 2012 19:56:10 +0000

René Magritte – “Gli Amanti”

Sorprende come chimica ed emozione, razionalità ed irrazionalità siano parte di una stessa medaglia. Nell’amore sessuale per esempio c’è un aspetto fisico/chimico: grande irrorazione di sangue su per i vasi del corpo, muscoli e nervi attivi e reattivi al tempo stesso; i sensi: visivo, tattile, olfattivo, …, trasmettono stimoli che a loro volta attivano la produzione di sostanze alla base delle sensazioni di piacere. E vi è poi un secondo aspetto, emozionale, invisibile ma tangibile uguale. A “dirigere il concerto” ci sono gli ormoni, che costituiscono l’azione per definizione.

A me personalmente piace come l’arte musicale descrive questa fusione: sensazioni ed emozioni che coinvolgono in sé aspetti fisici e chimici. Ho così stilato una mia personale lista, non esaustiva ovviamente, di 10 canzoni che trattano l’argomento da un proprio punto di osservazione.

L’Ascensore

Carlo Marrale
In questa canzone l’amore è vissuto come un coinvolgimento sensoriale totale, a tal punto che qualunque cosa, anche la più misera, appare come un qualcosa di speciale: ubriacarsi con acqua minerale, il bilocale che sembra una cattedrale e, tutto quello che succede intorno non fa alcun rumore, per il resto c’è solo questo amore, orizzontale e verticale, carico di sensazioni, che sale fino al blu…

Feel Like Makin’ Love

Roberta Flack
Rivoluzionaria nel testo, Roberta Flack, che con questa canzone ha ottenuto 3 Grammy Nominations nel 1974, esprime molto semplicemente e con delicatezza le sensazioni che prova da amata: mentre cammino e vedo l’inverno che diventa primavera e mentre siamo al ristorante mano nella mano a lume di candela, proprio in quei momenti mi sento come di fare l’amore con te…, ho voglia di sognare…, quando poi tu mi stai toccando e cominci a gemere…

Sexual Healing

Marvin Gaye
Canzone del 1982 che introduce un concetto molto semplice e inequivocabile: il sesso come cura. Un pronto soccorso psico-fisico contro un disagio emotivo, un rimedio alla depressione, un qualcosa che in definitiva interagisce a livello chimico nel corpo e rimette tutto a posto: così se un male si scatena in me, la mia stabilità emozionale se ne va, piango dallo sconforto, alzo il telefono e ti chiamo, ho bisogno di una cura sessuale, il tuo amore mi guarirà…

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Slow Hand

The Pointer Sisters
Questa canzone del 1981 interviene su un tema caldo: come toccare una donna. Voglio un uomo che mi tocchi lentamente, esprime il testo, voglio sentirmi amata, voglio un uomo con il quale perdermi…
Le sensazioni tattili sono sicuramente quelle più potenti in amore e, non solo da un punto di vista sessuale. Si pensi per esempio alla semplice stretta di mano, quante informazioni di sé può scambiare o, un semplice abbraccio quanto può risultare addirittura terapeutico a volte.

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You’re Makin’ Me High

Tony Braxton
In questa canzone vi è uno spunto interessante, ovvero il semplice pensare, immaginare di essere toccati dal/la proprio/a partner produce sensazioni forti e attività chimica reale: non posso fare a meno di pensarti…; immagino che mi tocchi nelle mie intimità e non posso fare a meno di toccarmi…; la mia temperatura aumenta quando sono vicino a te…; il solo pensiero di te mi fa venire voglia di spogliarmi…; quando sono vicino a te posso toccare il cielo…

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Hot Stuff

Donna Summer
Questa canzone tocca un altro tema caldo: ardere interiormente d’amore. Sono qui a rodermi aspettando un amante…; ho bisogno di un amante scatenato questa notte…; ho bisogno di un uomo dal sangue caldo…

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Physical

Olivia Newton-John
Il contatto fisico è ciò che viene cantato in questo brano in modo inequivocabile: basta parlare, siamo andati al cinema, al ristorante, adesso ti voglio fisicamente…
L’impazienza è un tema ricorrente in amore: qualcosa si agita dentro di sé e spinge a muoversi, a cercare.

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Jealous Guy

John Lennon
A volte si può amare in modo sbagliato e l’amore a volte può fare male, diventare possessivo. Ci si ritrova a scusarsi: non volevo farti del male…; mi dispiace averti fatto piangere…; pensavo volessi nasconderti da me…; sono solo un uomo geloso… Uno spunto interessante in questa canzone è la perdita del controllo di sé per cause irrazionali non dipendenti da sé: non è colpa mia, è che sono geloso…
(in una versione di Curtis Stigers)

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Mi Sono Innamorato di Te

Luigi Tenco
La pena d’amore è il tema di questa canzone. Non c’è nulla a livello fisico che non va, il corpo sta bene, non c’è nessun taglio, nessuna ferita visibile, ma il dolore è ugualmente forte e crea sofferenza…
(in questo video anche il ricordo di questo Grande Autore: Luigi Tenco)

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Una Lunga Storia d’Amore

Gino Paoli
La relazione d’amore tra due persone può essere magica a volte: quando ti ho vista arrivare, bella così come sei , non mi sembrava possibile che tra tanta gente tu ti accorgessi di me. È stato come volare, qui dentro camera mia, come nel sonno più dentro di te, io ti conosco da sempre e ti amo da mai.
Fai finta di non lasciarmi mai anche se dovrà finire prima o poi questa lunga storia d’amore, ora è già tardi ma è presto se tu te ne vai.

Ma se la Chimica dell’Amore fosse una canzone, per me sarebbe questa: poche parole per interrogarsi sul senso delle cose, della vita della morte e, in fondo amare è un po’ come morire, e poi solo un grande concerto nel cielo…

The Thrill is Gone – il fallimento di una storia d’amore

joe — Fri, 28 Sep 2012 15:06:59 +0000

The Thrill is Gone è un blues in minore scritto da Roy Hawkins and Rick Darnell nel 1951 e, parla del fallimento di una storia sentimentale tra un uomo e una donna.

La ripetizione continua The Thrill is Gone è il richiamo costante all’essere positivo, al divertirsi socialmente, all’essere felice in generale, all’aprirsi a una nuova storia magari.

Nella prima parte del testo, Lui prova dei sentimenti forti: si sente ferito, tradito, prova rancore: Le augura di sentirsi fallita come donna e, che qualunque tentativo di ricerca di una nuova relazione le vada male.

Nella seconda parte del testo, Lui guarda definitivamente avanti, è consapevole che ne deve fare a meno di quel rapporto e, spera in un possibile nuovo romanticismo.

Fino alla parte finale del testo, nella quale Lui raggiunge una posizione più matura e, lascia definitivamente andare via Lei e, con Lei il suo risentimento, fino ad augurarle tanta buona fortuna e felicità.

E non ho amato mai tanto la vita! …

joe — Thu, 27 Sep 2012 17:13:08 +0000

E Lucevan le Stelle
Tosca di Giacomo Puccini (1858 – 1924)

Mario Caravadossi è stato condannato a morte e, sopraffatto dai ricordi dei giorni felici trascorsi insieme all’amata Tosca, dà un disperato addio alla vita.

Caravadossi
E lucevan le stelle…
e olezzava la terra…
stridea l’uscio dell’orto…
e un passo sfiorava la rena…
Entrava ella, fragante,

mi cadea fra le braccia…

Oh! dolci baci, o languide carezze,
mentr’io fremente
le belle forme disciogliea dai veli!
Svanì per sempre il sogno mio d’amore…
L’ora è fuggita
e muoio disperato!
e muoio disperato!

E non ho mai amato tanto la vita! …
tanto… la vita!

Liberare la Creatività

joe — Fri, 14 Sep 2012 16:41:48 +0000

Spesso la creatività risulta limitata dal dover necessariamente dare una definizione a ciò che si sta facendo/creando: questo il senso del discorso di Mark Applebaum, lo scienziato pazzo della musica.

In realtà Mark ha ragione, preoccuparsi troppo del risultato rispetto a nozioni e paradigmi, costituisce un grosso limite. Piuttosto, è opportuno considerare la possibilità di rivestire ruoli diversi rispetto alla definizione professionale. Se è interessante o meno, ciò che stiamo facendo, questa sarebbe la domanda corretta da porsi.

Testo del discorso di Mark.
Traduzione in Italiano di Anna Cristiana Minoli. Revisione di Gianluca Finocchiaro
Ho pensato che saltellare potrebbe aiutare i miei nervi, in realtà sto avendo una reazione paradossale, quindi era una cattiva idea. (Risate)
Sono felice di essere stato invitato per presentarvi la mia musica e alcuni dei miei brani come compositore, presumibilmente perché interessa il mio abbondante e noto narcisismo. (Risate) Non sto scherzando, ho pensato che fosse giusto dirlo e andare avanti. (Risate)

Molto rapidamente è sorto un dilemma, ossia che la musica mi annoia molto, e fare il compositore mi annoia molto, quindi ho deciso di mettere quell’idea, la noia, al centro della mia presentazione di oggi. E condividerò la mia musica con voi, ma spero di farlo in modo che racconti una storia, che racconti una storia di come ho usato la noia come catalizzatore della creatività e dell’inventiva, e come la noia mi abbia costretto a cambiare la domanda fondamentale che mi ponevo sulla mia disciplina, e come la noia, in un certo senso, mi abbia spinto ad assumere ruoli che vanno oltre la definizione in senso stretto di compositore.

Quello che voglio fare oggi è cominciare con un brano di un pezzo al pianoforte. (Musica) Ok, l’ho scritto io. (Risate) No, non è vero — (Applausi) Oh, grazie. No, no. Non l’ho scritto io. In realtà questo è un pezzo di Beethoven, quindi non svolgevo la funzione di compositore. Ora svolgevo la funzione di interprete, ed eccomi qui, interprete. Allora, interprete di cosa? Di un brano musicale, giusto? Ma ci poniamo una domanda, “È musica?” E lo dico in maniera retorica, perché ovviamente secondo qualunque standard, dobbiamo ammettere che questo, ovviamente, è un brano musicale, ma lo sottolineo qui perché è solo per impostare il vostro cervello per il momento, perché ritorneremo sulla questione. Sarà una specie di ritornello mentre andiamo avanti con la presentazione.

Allora, qui abbiamo questo pezzo musicale di Beethoven, e il mio problema è che è noiso. Voglio dire — oddio, fatelo stare zitto — è un po’ — (Risate) È Beethoven, come fai a dire una cosa del genere? Ma, non so, lo conosco molto bene. Dovevo esercitarmi da bambino e non ora ne posso più. Allora — (Risate) quello che mi piacerebbe fare è provare a cambiarlo, trasformarlo in qualche modo, personalizzarlo, potrei prendere l’introduzione, come questa idea — (Musica) e potrei sostituirla — (Musica) e poi potrei improvvisare su quello melodia che da lì prosegue — (Musica) (Musica)
Potrebbe essere quel genere di cosa — grazie. (Applausi) Questo sarebbe il tipo di cosa che farei, e non è necessariamente migliore di Beethoven. In realtà, non credo che sia migliore. Il fatto è — (Risate) secondo me è più interessante. È meno noioso, secondo me. Insisto su “secondo me”, perché IO, perché IO devo pensare alle decisioni che IO prenderò al volo mentre il testo di Beethoven scorre nella mia testa e sto cerando di capire che tipo di trasformazioni farò. È un’impresa impegnativa e ho veramente insistito sul pronome in prima persona, e ora il mio viso compare due volte [Improvvisatore], quindi penso che siamo d’accordo che questa è un’impresa sostanzialmente solisistica. (Risate) Ma è impegnativa e per me è interessante per un po’, ma poi mi annoio, e con questo, intendo il piano, perché diventa — è questo strumento familiare, l’estensione del timbro in realtà è abbastanza compressa, perlomeno suonandolo sulla tastiera, e se non fate cose come ascoltarlo dopo avergli dato fuoco, o cose del genere. Diventa un po’ noioso e molto presto passo ad altri strumenti, ci faccio l’abitudine e allora mi scopro a progettare e costruire il mio proprio strumento, e ne ho portato qui uno oggi. Ho pensato di suonarlo un po’ per voi in modo che possiate sentire come suona.

(Musica)
Dovete avere dei fermaporta, questo è importante. (Risate) Ho dei pettini. Sono gli unici pettini che possiedo. (Musica) Sono tutti montati sui miei strumenti. (Risate)
(Musica)

Posso fare qualunque cosa. Posso suonare con un archetto da violino. Non devo fare esercizi. Fa questo suono. (Musica) E con un po’ di elettronica, posso cambiare radicalmente il suono. (Musica) (Musica) Così, e così. (Musica) E così via.
Questo vi dà un po’ l’idea della gamma di suoni di questo strumento, che credo sia abbastanza interessante e mi fa assumere il ruolo di inventore, e la cosa bella — Questo strumento si chiama Moschettiere. (Risate) La cosa bella è che sono il più grande suonatore di Moschettiere del mondo. (Risate) Ok? (Applausi) Da quel punto di vista è una delle cose — è uno dei privilegi dell’essere — ed ecco un altro ruolo, l’inventore, e comunque, quando vi ho detto di essere il più grande, se state tenendo il conto, segnate narcisismo e solipsismo e ora una buona dose di egocentrismo. So che qualcuno di voi sta segnando. Bingo! O non so. (Risate)
Comunque, anche questo è un ruolo piacevole. Devo ammettere che sono anche il peggior suonatore di Moschettiere del mondo ed era la distinzione di cui ero più preoccupato nella mia funzione precedente della suddivisione dei ruoli Sono contento di averlo superato. Non ci torneremo. Ne sto ancora soffrendo. Ho ancora le cicatrici.

Ma il punto è che tutte queste imprese mi stanno coinvolgendo nella loro molteplicità, ma come ve le ho presentate oggi in realtà sono imprese solitarie, e quindi molto presto ho voglia di entrare in contatto con altre persone, mi fa piacere riuscire a comporre per loro. Scrivo, qualche volta per solisti e lavoro con una persona, qualche volta per intere orchestre e lavoro con tante gente, e questa è probabilmente la capacità, il ruolo, creativamente, per cui sono più noto professionalmente. Alcuni dei miei spartiti da compositore sono così, altri sono così, e alcuni sono così. Faccio tutto a mano ed è molto noioso. Ci vuole molto, molto tempo per fare questi spartiti, e ora sto lavorando su un pezzo da 180 pagine, ed è una lunga parte della mia vita, da strapparsi i capelli. Ne ho molti, suppongo che sia una cosa buona. (Risate)

Per me diventa molto noioso e molto stancante. Dopo un po’ il processo di notazione è noioso, ma voglio che anche la notazione sia più interessante, e questo mi ha spinto a seguire altri progetti come questo.

Questo è un estratto del mio spartito intitolato “La Metafisica della Notazione”. Lo spartito è largo 22 metri. È una serie di folli notazioni pittografiche. Allargando su una sezione, proprio qui. Vedete che è abbastanza dettagliato. Faccio tutto con le maschere per forme, con la riga, con curvilinei e a mano libera, e i 22 metri sono stati suddivisi in 12 pannelli da un paio di metri installati sulla balconata dell’atrio del Cantor Arts Center Museum Sono stati esposti per un anno nel museo, e in quell’anno veniva vissuta come arte visiva durante la settimana, tranne, come potete vedere in queste immagini, il venerdì, da mezzogiorno all’una, e solo in quel periodo vari musicisti venivano ad interpretare questi strani e indefiniti glifi pittorici. (Risate)
È stata un’esperienza emozionante. È stato musicalmente gratificante, ma penso che la cosa più importante sia che è stato emozionante perché ho dovuto assumere un altro ruolo, soprattutto considerando che è stato esposto in un museo, e quindi è il ruolo artista di arti visive. (Risate) Lo riempiremo tutto, non vi preoccupate. (Risate) Sono una moltitudine. (Risate)

Tra le altre cose, qualcuno direbbe “Oh, sei un dilettante”, e forse è vero. Posso capire perché non sono un professionista delle arti visive e non ho nessuna formazione specifica, ma è solo una cosa che volevo fare come estensione delle mie composizioni, come estensione di una specie di impulso creativo.
Però posso capire la domanda. “Ma è musica?” Voglio dire, non ha nessuna notazione tradizionale. Posso anche capire quella specie di critica implicita in questo pezzo, “S-tog”, che ho fatto quando vivevo a Copenhagen. Ho preso la piantina della metropolitana di Copenhagen e ho rinominato tutte le fermate trasformandole in provocazioni musicali, e gli interpreti, che sono sincronizzati con il cronometro, seguono gli orari, indicati in minuti di ogni ora.
Questo è un caso di adattamento di qualcosa, o forse di furto di qualcosa, trasformato in notazione musicale.

Un altro adattamento è questo pezzo. Ho preso l’idea da un orologio da polso che ho trasformato in uno spartito musicale. Ho creato io i quadranti, e li ho fatti fabbricare da un’azienda, e il lettore segue lo spartito. Segue la lancetta dei secondi; quando passa sui i vari simboli, il lettore reagisce con la musica. Ecco un altro esempio di un altro pezzo, e della sua realizzazione.

In questi due ambiti, ho fatto lo spazzino, nel senso che ho preso la mappa della metropolitana o forse ladro, e sono stato anche designer, nel caso degli orologi da polso. E ancora una volta, secondo me è interessante.
Un altro ruolo che mi piace avere è quello di artista, attore. Alcuni dei miei pezzi hanno questi strani elementi teatrali, e spesso li interpreto. Voglio mostrarvi un video di un pezzo intitolato “Echolalia”. È interpretato da Brian McWhorter, che è un interprete straordinario. Guardiamone un pezzo, e per favore notate gli strumenti.
(Musica)

Ok, vi ho sentito ridere nervosamente perché sentivate anche voi che il trapano era un po’ forte, l’intonazione era abbastanza discutibile. (Risate) Guardiamo un altro spezzone,
(Musica)
Vedete la confusione che continua e non c’erano clarinetti, trombe, flauti e violini. Questo è un pezzo che ha strumenti anche più insoliti, più particolari.
Questo è “Tlön”, per tre direttori d’orchestra e nessun musicista. (Risate)
Questo è basato sull’esperienza di osservazione di due persone che discutono violentemente nel linguaggio dei segni, che non produce nessun decibel, ma che affettivamente, psicologicamente è stata un’esperienza molto forte.
Quindi, con gli apparecchi più strani, la totale assenza di strumenti tradizionali e questo eccesso di direttori d’orchestra la gente potrebbe chiedersi “Questa è musica?”

Ma spostiamoci su un pezzo in cui mi comporto bene che è il mio “Concerto per Orchestra”. Noterete tanti strumenti tradizionali in questo video. (Musica) (Musica)
Questo in realtà non è il titolo del pezzo. Sono stato un po’ birichino. In realtà per renderlo più interessante ho messo uno spazio qui, e questo è il vero titolo del pezzo. [Concerto per Fioraio e Orchestra] Continuiamo con lo stesso brano. (Musica)
È meglio con un fioraio, vero? (Risate) (Musica) O perlomeno è meno noioso. Guardiamo un altro paio di video. (Musica)
Tutti questi elementi teatrali mi spingono ad un altro ruolo, ossia, eventualmente, il drammaturgo. Ho fatto il bravo. Ho dovuto scrivere per l’orchestra, giusto? Ok? Poi c’era quell’altra roba, giusto? C’era il fioraio, e posso capire, di nuovo, stiamo facendo pressione sull’ontologia della musica così come la conosciamo tradizionalmente, ma guardiamo un ultimo pezzo che voglio condividere con voi.
Questo pezzo si chiama “Aphasia”, ed è per la gestualità delle mani sincronizzata con il suono. Suggerisce ancora un altro ruolo, un ruolo finale che condivido con voi, che è quello del coreografo. Lo spartito è così, e indica a me, interprete, di fare vari gesti con le mani in momenti specifici sincronizzati con una traccia audio, e quella traccia audio è fatta esclusivamente di campionature vocali. Ho registrato uno straordinario cantante, ho messo il suono della sua voce nel mio computer, e l’ho distorto in mille modi per arrivare alla colonna sonora che state per sentire. Interpreterò per voi solo uno spezzone di “Aphasia”. Ok? (Musica) Vi dà un po’ l’idea del pezzo. (Applausi)

Sì, ok, è roba strana. È musica? Ecco come voglio concludere. Alla fine ho deciso che la domanda è sbagliata, che non è la domanda importante. La domanda importante è: “È interessante?” Seguo questa domanda e non mi preoccupo di: “È musica?” non mi preoccupo della definizione della cosa che sto facendo. Permetto alla mia creatività di spingermi in direzioni che semplicemente sono interessanti per me e non mi preoccupo dell’aspetto del risultato rispetto a nozioni, paradigmi, o quale composizione musicale si suppone che sia. Questo mi ha incoraggiato, in un certo senso, ad assumere tutta una serie di ruoli, e quindi quello che voglio che pensiate è in che misura potete cambiare la domanda fondamentale nella vostra disciplina, e aggiungerò una piccola nota perché mi sono reso conto di aver citato in precedenza alcuni difetti psicologici, e anche noi con il tempo abbiamo avuto una buona dose di comportamenti ossessivi, ci sono stati comportamenti che hanno deluso e cose di questo genere e qui posso dire che questa è una discussione sul disprezzo di sé e sulla schizofrenia, perlomeno nell’uso popolare del termine, e intendo proprio disturbi dissociativi dell’identità, ok. (Risate) Comunque, nonostante questi pericoli, vi esorto a pensare alla possibilità di assumere vari ruoli nel vostro lavoro, che siano vicini o distanti dalla definizione professionale.
E con questo vi ringrazio. (Applausi)
(Applausi)