Scrivenny

Rogue One: A Star Wars Story (2016)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 29 Dec 2016 17:54:00 +0000

★★★★

Alla principessa Carrie Fisher,

mortale sulla Terra

immortale nell'immaginario collettivo.

Tanto tempo fa, in una galassia lontana lontana... I Jedi sono scomparsi, la gloriosa Repubblica è caduta, l'Impero Galattico è sorto sprofondando gli animi di tutti nella più buia paura e i membri della Vecchia Repubblica, ormai perseguitati, si stanno nascondendo, e solo i membri dell'Alleanza Ribelle hanno osato contrapporre le loro forze contro la minaccia imperiale. Il direttore Krennic ha scoperto il luogo in cui vive un brillante ingegnere capace di completare l'arma più potente dell'Impero: la Morte Nera.

Rogue One: A Star Wars Story si colloca alla perfezione tra La vendetta dei Sith e Una nuova speranza. Anche qui, come nel settimo capitolo, la protagonista è una donna: Jyn Erso (Felicity Jones), figlia dell'ingegnere che completò la Morte Nera, la quale non ha mai avuto "il lusso di un'opinione politica" e che della bandiera dell'Impero non importa molto visto che "Non è un problema se non guardi in alto". Sarà grazie a un messaggio olografico del padre (un po' come succede a Luke e Obi-Wan nel capolavoro del '77) che inizierà a provare quel sentimento chiamato speranza. "Le ribellioni si fondano sulla speranza" dice prima di viaggiare verso Scarif "ribellandosi" all'Alleanza assieme a un gruppo variegato di soldati che credono in lei. Se la prima parte appare (almeno a una prima visione) leggermente confusa, è dalla seconda parte in poi che Rogue One mostra tutta la sua energia diventando una vera e propria goduria.

Gareth Edwards firma una pellicola potente ed emozionante, capace, a differenza de Il risveglio della forza, di centrare in pieno il cuore pulsante di Star Wars. Non c'è buonismo, lacrima facile, personaggi scritti con la penna senza inchiostro. Cassian Andor uccide un informatore senza fare una piega e Saw Gerrera è un estremista che si è allontanato dalla stessa Alleanza divenendo una sorta di ribelle terrorista. E nell'avvincente seconda parte del film avviene una vera e propria carneficina tra truppe imperiali e ribelli. Ma avviene un'altra cosa al di sotto della superficie: Jyn, Cassian, K-2SO, Imwe e Malbus prendono coscienza del sacrificio. Sono pronti a morire affinché l'Alleanza abbia la meglio sull'Impero. Perché Rogue One: A Star Wars Story vuole raccontare proprio questo: non c'è vittoria, battaglia, guerra senza il sacrificio. Un giorno, quei piani passati di soldato in soldato attraverso un corridoio in quegli splendidi minuti finali, porteranno un giovane Luke Skywalker a unirsi alla ribellione e a distruggere la Morte Nera donando alla galassia una speranza. Una nuova speranza.

Il Post (it) #7: Café Society (2016), Ave, Cesare! (2016), 31 (2016)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 14 Oct 2016 10:17:00 +0000

★★★

Woody Allen quest'anno ci ha voluto fare un doppio regalo. Invece del solito film annuale ce ne ha regalato un altro sotto le mentite spoglie di serie Tv: la sua Crisis in Six Scene, infatti, è praticamente un film diviso in sei parti che vi consiglio caldamente di recuperare se gradite vedere un Allen ispiratissimo nei dialoghi e nelle situazioni. Ma qui parliamo del suo quarantaseiesimo lungometraggio (il primo interamente girato in digitale), quindi apriamo le danze senza indugio. Café Society narra la storia di Bobby Dorfman (Jesse Eisenberg) che, negli anni '30, lascia l'amata New York per cercare un lavoro nell'assolata Los Angeles dove suo zio Phil Sterne (Steve Carell) è un importante agente cinematografico. Qui conoscerà e s'innamorerà di Vonnie (Kristen Stewart) il cui cuore, però, batte per una persona che Bobby conosce molto bene.

Più delizioso e magico di Magic in The Moonlight, dieci volte più bello di Irrational Man, e quasi al livello di Blue Jasmine, Café Society è a sorpresa uno dei più validi lavori del Woody Allen post-2000. Una costruzione maniacale degli anni '30, una fotografia sublime ad opera di Vittorio Storaro, e un cast ben diretto (eh sì, la Stewart sa recitare) all'interno di una storia d'amore, di crescita e di scelte, il tutto filtrato dallo sguardo pessimista (eppure ancora in grado di sognare) di un regista ottantenne il cui tocco è quello di un giovincello che si è appena innamorato del cinema. E dopo il finale agrodolce si chiede spontaneamente a Woody di non smettere mai di fare film. Perché ne abbiamo bisogno più che mai.

★★★½

Negli anni '50 Eddie Mannix (Josh Brolin), come il Mr. Wolfe di Q. Tarantino, risolve problemi; quelli delle star della Capitol Pictures. Senza la sua granitica e rassicurante presenza l'intera organizzazione crollerebbe su se stessa causando un cratere immenso. Quando la grande star del cinema Baird Whitlock (George Clooney) viene rapito dal set di Ave, Cesare! Eddie Mannix riceve una lettera di riscatto firmata da Il Futuro; onde evitare che il film perda il suo protagonista, Eddie Mannix, da uomo di ordine qual è, andrà fino in fondo alla faccenda. Riuscendoci oppure no? Questo sta agli spettatori. Ave, Cesare! dei mitici fratelli Coen è una cristallina e spassionata dichiarazione d'amore verso la settima arte. Eddie Mannix è l'eroe di questa storia. Deve mettere a tacere uno scandalo riguardante DeAnna Moren (Scarlett Johansson), incinta da nubile; convincere Laurence Laurentz (Ralph FIennes) che la star dei western Hobie Doyle (Alden Ehrenreich) è l'attore perfetto per il suo dramma in costume; e ovviamente ritrovare Baird Whitlock. Per fare cinema ci vuole ordine e metodo. Per rompere gli schemi bisogna conoscerli come le proprie tasche. Per raddrizzare le star e mandarle sul set ci vuole uno schiaffo di Eddie Mannix. La sua storia non finirà mai "perché il suo racconto è scritto con la luce eterna". La luce di Dio Cinema.

★★★

Rob Zombie is back. Dimessa l'impostazione quasi polanskiana del controverso Le streghe di Salem, il regista accoppiatosi con Sheri Moon Zombie (che a cinquant'anni ha il corpo di una ventenne) torna sui suoi passi sfornando un film horror grezzo, lurido e cattivo. 31 è una goduria di sangue, personaggi fuori di testa, sangue, morti truculente e soprattutto è l'unico film che può andare in giro a testa alta dicendo "C'abbiamo il miglior Joker dai tempi Jack Nicholson, altro che Suicide Staceppa". Infatti neanche il regista stesso si offenderebbe se qualcuno gli dicesse che vale la pena di vedere il film solo per l'interpretazione magistrale di Richard Brake, che in 31 è il killer Doom-Head, incaricato dai tre parrucconi (uno dei quali è Malcom McDowell), di mettere fine alla vita delle vittime rimaste in gioco. Alla fine la trama è questa: un gruppo di circensi viene rapito e costretto da tre bizzarri tipi abbigliati con abiti settecenteschi a partecipare a un gioco chiamato 31 dove vince chi rimane in vita per un tot di ore. Tra nani nazisti, vecchi col tutu e fratelli di motosega, ci sarà il ribaltamento dei ruoli: le vittime si trasformeranno presto in carnefici pronti a tutto pur di sopravvivere. Nel finale, come era già successo con La casa del diavolo, Rob Zombie (che non sbaglia un brano musicale neanche a pagarlo, ma che eccede in cinepresa a mano troppo spesso traballante) sfiora nuovamente la poesia. Da recuperare senza indugio.

Strade perdute (1997)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 04 Oct 2016 07:00:00 +0000

★★★★

In collaborazione con la mia morosa Federica

"Dick Laurent è morto". Questa frase enigmatica scuote la vita di due coniugi. Fred (Bill Pullman) è un jazzista, mentre di sua moglie Renee (Patricia Arquette) si conosce ben poco se non che è bellissima. Il matrimonio inizia a spezzarsi gradualmente dopo l'arrivo di tre videocassette che riguardano in modo sempre più morboso la loro vita privata fino a quando Fred non viene incolpato dell'omicidio di Renee. Segregato in una cella di massima sicurezza, l'uomo è continuamente preda di fortissimi mal di testa che lo porteranno a scoprire nuovi sconvolgenti lati della sua personalità.

Guardare un film di David Lynch è come esporsi a un colpo di pistola: il grilletto può incastrarsi, ma se la pallottola riesce a fuoruscire dalla canna c'è il rischio di essere colpiti e di vedersi scardinare certezze sia valoriali che cinematografiche. Strade perdute ne è un esempio; partendo da una semplice storia di gelosia morbosa, il regista mescola le carte per far penetrare lo spettatore dal suo stesso tarlo mentale ovvero la passione amorosa. Infatti essa rappresenta per Lynch un topos sul quale interrogarsi, capace di condurre spesso, se declinata in possesso morboso, a delle conseguenze tragiche e violente. La gelosia di Fred non poggia su delle basi instabili: alla richiesta di andare ad ascoltarlo al club, la moglie risponde dicendogli che leggerà, scatenando una risposta sarcastica del marito. I suoi dubbi sono confermati la sera stessa, quando, chiamando a casa alla conclusione dell'esibizione, non riceve risposta. Dove sarà Renee? E soprattutto, con chi?

I dubbi si amplificano su più temi nel momento in cui sulle scale di casa vengono rinvenute ogni mattina per tre giorni delle videocassette anonime che ritraggono sia l'esterno dell'abitazione sia l'interno. Che siano opera di un amante rifiutato? Questo potrebbe suggerire la diversa reazione dei due coniugi: mentre Renee è visibilmente scossa tanto da affidarsi alla polizia, Fred è quasi impassibile, si potrebbe azzardare soddisfatto, perché forse ottenuta la prova del tradimento di lei. Non è un caso, infatti, che dopo una festa a casa di un amico di Renee (Andy) Fred sia particolarmente suscettibile, riempiendola di domande sull'uomo conosciuto durante la giovane età e che Fred aveva precedentemente visto uscire assieme alla moglie dal locale in cui si esibisce. In un climax di tensione ascendente il sospetto si evolve da passivo ad attivo esplodendo nell'atto più violento possibile: l'uxoricidio. Fred, in un impeto di gelosia incontrollata di cui non è completamente consapevole, sembra aver ucciso sua moglie. Lo si può vedere dall'ultima videocassetta in cui è ritratto in un bagno di sangue con il cadavere di Renee ai suoi piedi.

Nessun spettatore potrà inizialmente avere la certezza che Fred sia colpevole. E forse neanche il protagonista stesso tanto che è lui a dire ai poliziotti che preferisce ricordare le cose a modo suo, non necessitando quindi dell'uso di una videocamera. Sarà solo la sua stessa mente a rivelarsi/ci l'esatta realtà degli eventi filtrata dalle tre istanze dell'io: secondo le topiche freudiane Es, Io e Super-io. La complessità del capolavoro lynchano risiede infatti tutta in questa tricotomia narrativa ben amalgamata tanto da rendere difficile la sua scissione. L'Es appare nella prima mezz'ora del film, rappresentato da un misterioso uomo in nero con il volto bianco. Egli si presenta a Fred dicendogli di conoscersi già precisando che non si reca mai nei luoghi dove non è invitato. Lo sgomento del protagonista è dovuto al fatto che l'uomo gli comunica di essere a casa sua e lo sfida a chiamarlo. In virtù del suo ruolo psicodinamico, spinge Fred a liberare i suoi istinti più beceri e animaleschi. Ed esso stesso rappresenta la morbosità attraverso l'uso di una videocamera che nelle parti conclusive seguirà il protagonista come una minaccia (comunque interna) per ciò che ha compiuto.

L'Io emerge in tutta la sua prepotenza dopo l'incarcerazione di Fred. Egli infatti non rimane nelle sue fattezze durante la segregazione, ma viene "sostituito" da un uomo di nome Pete (Balthazar Getty), finito dentro per reati di poco conto. Incredula, la polizia è costretta a rilasciarlo. Pete lavora come meccanico in un'officina, ha l'orecchio più sensibile della città, ed è visto come una risorsa da un gangster locale. Contrariamente a Fred è altamente performante con le donne tanto da esserne circondato. In termini psicodinamici, quindi, si potrebbe definire l'ideale dell'Io, ovvero ciò che Fred vorrebbe essere ma che invece non è. Pete si scontra con un altro ideale, la trasfigurazione di Renee che prende il nome di Alice; una dark lady che nonostante l'apparente interesse per il ragazzo conferma e racchiude con una frase finale tutte le paure di Fred ("Tu non mi avrai mai").

In ultimo vi è il Super-io rappresentato dal gangster che ha Pete sotto la sua ala protettiva (un indimenticabile Robert Loggia) e che nella mente di Fred è la trasfigurazione di Dick Laurent, l'uomo annunciato come morto all'inizio del film. La sua funzione normativa e regolatrice emerge chiaramente in due scene (di cui una gustosissima): inizialmente prende di mira un automobilista scalmanato a cui ricorda alcune regole del codice stradale; successivamente avvisa Pete che Alice è di sua proprietà e che ammazzerebbe chiunque avesse intenzione anche solo di sfiorarla. Paradossalmente sarà proprio lui a morire per primo per mano di Fred stesso spinto dall'Es (che gli passerà l'arma del delitto). La sua morte, annunciata al citofono da Fred a se stesso nella scena precedente il grandioso finale, sancisce la morte del Super-io e la liberazione totale dell'Es che potrà quindi macchiarsi del più crudele dei delitti.

In una narrazione opposta a quella, basata su una tematica similare, della sua più recente pellicola Mulholland Drive, il film dà spazio a un finale cromaticamente lynchano: inseguito dalla polizia (o dalle sue due istanze rimaste) Fred si immerge in un vellutato blu nel buio della notte urlando e contorcendosi dal dolore provocato dalle scosse elettriche a cui è condannato per il suo omicidio. Allo spettatore rimane solo questa lunga strada solitaria a cui si giunge dopo la perdita delle lost highways del protagonista, da percorre con un bagaglio di riflessioni e inquietudine che lascia senza fiato.

Il Post (it) #6: Election (2005), The Raid - Redemption (2011), Ichi The Killer (2001)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 26 Sep 2016 09:24:00 +0000

★★★★

La potente triade di Hong Kong, come ogni due anni, deve eleggere il suo nuovo presidente tra due candidati: Lam Lok (Simon Yam) - pacato, riflessivo e molto apprezzato dai membri anziani - e Big D (Tony Leung Ka-Fai) - l'esatto opposto. Dopo discussioni polemiche da parte dei sostenitori dei due candidati viene eletto nuovo presidente Lam Lok. Ma Big D non prende affatto bene la notizia dimostrando il suo scontento con una serie di azioni, come impedire a Lok che gli venga dato il bastone simbolo della supremazia del leader, che porteranno la triade verso il suo primo delicato punto di rottura. Con Election il regista Johnnie To mette in scena una storia di potere centenario e di supremazia data dallo stringere tra le mani un semplice bastone di legno intagliato. Lok è il capo, ma fino a quando non avrà tra le mani questo sacro oggetto non lo sarà mai a tutti gli effetti. Può sembrare quantomai strano per uno spettatore occidentale assistere a questa guerra per il possesso dell'oggetto quando si è abituati ai gangster movie dove un battesimo di sangue chiude ogni tipo di contrattazione. Ma qui sta la bravura del regista: nel dipingere un mondo reale e crudo, fatto di uomini fedeli alla triade che entrano ed escono dalle proprie celle per parlare con capi della polizia e avvocati, un mondo con le sue regole, con il rispetto per gli antenati e con i suoi riti (bellissima la sequenza del giuramento), il tutto senza l'utilizzo di musiche che enfatizzino i momenti importanti. Il finale pazzesco mostra senza giri di parole inutili che chiunque ottenga il potere, l'idea di condividerlo è completamente inaccettabile.

★★★★

Siamo nei bassifondi di Giacarta. Una squadra operativa di 20 uomini guidata dall'ufficiale Rama (Iko Uwais), il sergente Jaka (Joe Taslim) e il tenente (Pierre Gruno) è incaricata di stanare il pericoloso boss del crimine Tama Riyadi (Ray Sahetapy) che possiede un intero palazzo presieduto dai suoi sottoposti. Sarà una carneficina senza precedenti. The Raid - Redemption non è solo una carrellata di violenza gratuita: perché Gareth Evans confeziona e struttura un film vero e proprio, con una trama semplice ed efficace, farcendolo di combattimenti perfettamente coreografati e di un realismo soprannaturale. La fotografia anch'essa dura come i pugni del protagonista. Regia e montaggio di una qualità tecnica indiscutibile. E' impossibile che durante le riprese di The Raid nessuno si sia fatto male seriamente. Ci sono certe scene che sono in grado di procurare del dolore fisico. Gente che viene lanciata dal parapetto e atterra di schiena su quello sottostante rompendosela di netto (con tanto di crack), facce tagliate da macheti, teste che sbattono violentemente contro muri e stipiti delle porte. Nel finale (ottimo) avrei preso tutti quei registi che inseriscono scene al rallenty ad minchiam e li avrei sottoposti a una bella cura Ludovico.

★★★★

Ichi The Killer è follia violenta elevata all'ennesimo splatter. In ogni scena è come se il film volesse farti a pezzi. Non mi sono mai sentito così martoriato ed esausto se non dopo la visione di questa pellicola diretta da quel genio criminale di Takashi Miike. Ha degli amici che vogliono passare del tempo con lui? mi domando. Penso di no. Almeno io non lo vorrei neanche morto dopo essere stato torturato. Il prolifico regista nipponico ha esplorato qualsiasi genere armato del suo stile e di un bisogno fisico impellente di masticare e defecare cinema (l'immagine non è delle più poetiche, lo so). Forse non si arriverà mai ad annunciare "L'ultimo film di Takashi Miike!" perché troverà il modo di fare film anche dall'oltretomba. Tratto dall'omonimo manga di Hideo Yamamoto, la pellicola narra principalmente di un incontro: l'incontro tra il (molto sado)masochista Kakihara (Tadanobu Asano) e il sadico Ichi (Nao Omori), manovrato tramite ipnosi dal subdolo Jiji (interpretato dal regista "figlio di Cronenberg" Shinya Tsukamoto), prende quasi la piega di un patologico melò. Kakihara lo attendeva da tutta una vita uno come Ichi. Quando il sadico arriva nella sua tana e stempia i suoi sottoposti invece di correre ai ripari Kakihara gli va incontro come un amante impaziente. E' talmente invaso dalla delusione quando Ichi si avviluppa in se stesso come un bambino qual è facendosi picchiare da Takeshi (il bambino a cui Ichi ha appena ucciso il padre) che Kakihara, nel finale, pur di non sentirne i pianti si buca i timpani con degli spilli. Ed è inutile, per noi, pensare anche solo lontanamente di trovare il modo di eliminare dalla mente le torture che il film ci ha inflitto. Per Ichi The Killer non ci sono spilli che tengano.

Velluto Blu (1986)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 06 Sep 2016 07:00:00 +0000

Recensione a cura della mia morosa Federica

★★★½

Lumberton. Un nome anonimo per una cittadina di provincia tanto luminosa, quanto così apparentemente tranquilla da sembrare un locus amoenus puro e impeccabile.

Su questo sfondo si muove silenziosamente la vicenda di Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), uno studente costretto a lasciare il college per tornare a casa a causa della malattia paterna. È proprio al rientro dall'ultima visita al padre in ospedale che Jeffrey fa uno strano ritrovamento sull'erba: un orecchio umano, un reperto raccapricciante che al suo interno (mai espressione potrà essere più corretta) nasconde la vera faccia della cittadina americana: un sottosuolo da scoprire che pullula di insetti che si ingozzano di violenza, perversione e corruzione. Il canale Tv Iris, in occasione del trentennale della pellicola, ha deciso di regalare ai cinefili insonni della domenica un dono con carta da regalo di velluto e fiocco blu. Questa è stata infatti la meravigliosa possibilità che ho colto per recuperare questo famosissimo lungometraggio di David Lynch che segue cronologicamente, nella mia personale esperienza lynchiana, I Segreti di Twin Peaks, Fuoco Cammina con me, Mulholland Drive e Una Storia Vera. Proprio questi pregressi, successivi però al lancio sul grande schermo di Velluto Blu, permettono di vedere subito una falla precisa in quest’opera magistrale: l’immaturità di un regista già capace di giocare coi significati e gli oggetti messi in scena, ma non ancora pronto a sperimentare modalità eclettiche per farlo.

Velluto Blu è, nella sua linearità e chiarezza, “narrazione” nel senso più letterale del termine. Un modus narrandi che con la crescita Lynch (fortunatamente) perde a favore di una maggiore competenza visionaria di cui comunque si vedono già elementi, come piccoli indizi del genio, come antipasti preparatori di ciò che sconvolgerà le menti. In Velluto Blu Lynch fa quasi della linearità un mantra. Una sfida allo spettatore stesso, che rimane incollato per le due ore successive pur avendo praticamente già visto tutto nei primi minuti. Bastano infatti pochi fotogrammi e tutto è già svelato: la provincia così luminosa, così colorata, con delle tinte talmente saturate da far sembrare le strade di Lumberton un set pubblicitario, cela del marcio. Il buio è nascosto forzatamente in una bellissima sinestesia dalla canzone di Bobby Vinton che ispira il titolo stesso del film. Lynch carica il volume del brano, quasi a voler creare un ossimoro con ciò che vediamo di più infinitesimale e contrastante in modo sinestetico: gli insetti.

In questo gioco di figure retoriche dei sensi della vista e dell’udito, ciò che è bellissimo nel macroscopico a un occhio poco attento diventa subito spaventoso nel microscopico, nelle profondità. Questa divisione tra torbido e lucente è visibile anche dalle scelte cromatiche: oltre alle tinte iniziali, un perfetto esempio è il percorso alla luce del sole delle scale per arrivare all'interno sette dove abita Dorothy (Isabella Rossellini). In questo contrasto anche di interni e di esterni lentamente la luminosità si perde, a favore di ambienti sempre più contrastati e toni scuri. Coloristicamente c’è però un'eccezione: “l’uomo giallo”. Il colore dei suoi abiti, perennemente uguale, sembra stridente e altamente comunicativo, tanto da prestarsi a una molteplicità di interpretazioni. Considerando il ruolo del personaggio, corrotto pur essendo al servizio della comunità, la scelta cromatica nasconde da un lato la volontà di sottolineare, tramite il tono usato per eccellenza come evidenziatore, la presenza di un’essenza sudicia anche e soprattutto in ciò che appare e dovrebbe essere inattaccabile. Dall'altro è un campanello precisamente contestualizzato nella dinamica narrativa lineare adottata: ancora una volta Lynch ci sbatte davanti agli occhi la contraddizione più esperita nelle nostre vite: spesso il buio si nasconde proprio sotto i nostri occhi, anche nelle modalità più semplici. Peccato non essere capaci di coglierlo.

Gli accenni sinestetici che aprono la pellicola tornano ancora più precisi nell’immagine utilizzata per mettere in scena l’intenzione narrativa: l’orecchio. Velluto Blu è un’opera visiva che si centra e si snoda su un organo uditivo. In varie interviste Lynch ha spiegato che la scelta dell’orecchio ha per certi versi una motivazione, ma è impossibile non apprezzare anche per questa duplicità sensoriale la sublime scelta delle due inquadrature dell'orecchio aprono e chiudono la vicenda. Esse sono contrapposte: in quella iniziale si entra nell'orecchio, quasi volendo analizzare il più piccolo dettaglio del tessuto epiteliale (passaggio tenebroso al microcosmo della provincia), mentre nella conclusiva ci si apre a un mondo, di onirica premonizione, di pettirossi che mangiano gli insetti.
Il taglio dell’orecchio (che quasi proviamo sulla nostra pelle quando, dopo essere stato annunciato nell'ufficio del detective, è ripreso acusticamente da un taglio del nastro della polizia), in una dimensione dove il sottofondo musicale, nelle note omonime e non solo, è preponderante e telo per nascondere ciò che nessuno deve vedere e sapere, è quasi uno squarcio netto di silenzio (silenziosa è stata infatti definita inizialmente la vicenda di Jeffrey) dopo tanto assordante rumore.

La costruzione dei personaggi offre sicuramente altrettanta ricchezza. Lynch concentra tutto il suo genio in fieri in Frank (Dennis Hopper), una figura decisamente rumorosa (è lui stesso a chiedere a Ben di cantare In Dreams e a usare la versione di Blue Velvet dello Slow Club quasi come tranquillante mentre stringe un brandello di velluto blu della vestaglia di Dorothy) nel tentativo di aprire una crepa di silenzio. Egli rappresenta un classico caso di personalità multipla (facilitato dal gas) su base traumatica dovuta all'abuso in tenera età da parte di entrambi i genitori, che lo costringe ad assumere e a far assumere i ruoli del bambino, della madre o del padre nella dimensione sessuale. La stessa situazione della sessualità morbosa, malsana e brutale, in cui si cala anche la sua vittima traendone piacere, forse per identificazione con l'aggressore come mi suggerisce la mia deformazione professionale, è frutto della violenza subita in età infantile. Anche in questo caso Lynch pecca di self-disclosure delle sue intenzioni narrative: nella sovrapposizione finale tra Frank e l’uomo con la valigia fotografato nell'incontro con l’uomo in giallo è come se si volesse inoculare nello spettatore la riflessione sul tema del doppio che, amplificato e contestualizzato, potrebbe non solo richiamare la duplicità della personalità ma anche quella tra microscopico e macroscopico a cui precedentemente accennato.

Sandy, pur essendo un personaggio non totalmente inglobato nella vicenda, sembra quasi voler rappresentare l'estremo opposto di Frank, anche coloristicamente parlando. Spesso vestita con toni rosati, come se fosse una donna angelica che poco si mescola al marcio della città perché non ha per nulla queste caratteristiche (“Sei una brava ragazza” le dice proprio Jeffrey) e che, in un parallelismo con la Beatrice dantesca, porta direttamente (è infatti lei a fungere da catalizzatore per la curiosità di Jeffrey) a un percorso di conoscenza e di esperienza del personaggio nei bassifondi infernali per poi liberarlo e fargli raggiungere una "candida rosa" di pettirossi.

In questo Lynch già molto pieno di contenuto, l’eccessiva e deludente comprensibilità narrativa si salva in corner grazie a piccole briciole che solleticano il flusso mentale preparatorio alle più complesse opere lynchiane. Chi ha visto Mulholland Drive non può non aver notato già in questo caso l'attenzione ai cartelli stradali e ai luoghi in cui avvengono alcune vicende o un certo parallelismo tra la condizione che prelude al secondo incontro tra Dorothy e Jeffrey e al primo tra Rita e Betty. I personaggi per entrare in contatto devono nascondersi l'uno all'altro nella casa di uno dei due, che in entrambi i casi è a suo modo un artista. Le stesse scene dello Slow Club rimandano per assonanza al Club Silencio: manca la tensione poetica che arriverà solo nel 2001, ma il dettaglio allegorico delle tende rosse è già un bel segnale della produzione futura. Anche il richiamo a Twin Peaks risuona preponderante in molte scelte. Velluto Blu si articola in una profonda ricerca degli oscuri segreti della provincia all'apparenza perfetta che daranno poi il nome a quelli di un’altra cittadina in cui l’agente a capo delle indagini sarà proprio Kyle MacLachlan.

Lo stesso Jeffrey in qualche modo si riallaccia a Laura Palmer: al risveglio dopo la tremenda notte che non è stata affatto “un giro del piacere”, è sicuramente vivo, non avvolto nella plastica e il colore della sua pelle non parla di morte. Egli però si ritrova comunque in un luogo d’acqua, più precisamente un lago, la sua pelle ha i colori della tumefazione e porta con sé della sabbiolina simile a quella sulla fronte di Laura.
Frank sembra poi essere una costruzione prodromica di Bob: egli non rappresenta il male, ma una modalità in cui tale astrazione (rappresentata concretamente in un’entità nella famosa serie) può esprimersi.

Ciò che è più notevole è però una dicotomia sottile che torna come un’assonanza in entrambi i casi: il peggior nemico dei giovani (e quindi di ciascuno di noi che in potenza, aristotelicamente parlando, sarà un adulto) sembra essere la noia, il migliore amico il mistero. La noia e, per certi versi, l’equilibrio permettono di insinuarsi nelle vicende più disparate, di aprire portoni proibiti che fanno lasciare sulla soglia la muta dell’innocenza per comprendere la vita di una donna dell'interno sette o per finire nel giro del One Eyed Jacks. Insito in noi perciò non sembra esserci nient’altro che un desiderio di palingenesi continua, come ci sottolineano gli ultimi fotogrammi completamente sovrapponibili a quelli iniziali: se solo i pettirossi fossero sempre vivi per mangiare insetti, saremmo veramente capaci di esistere? E potrebbe davvero esistere un mondo talmente utopico o è solo l’ennesima facciata di sicurezza di cui necessitiamo?

Nel finale, unica perla di non linearità di quest’opera, facilmente confondibile con i rassicuranti toni della speranza, David Lynch ci ricorda che, pur illudendoci del contrario, siamo condannati a colori luminosi e poco contrastati di cui abbiamo profondamente bisogno e a un macrocosmo che deve continuare a bendarci gli occhi per mezzo di un assordante Blue Velvet di sottofondo.

Suicide Squad (2016)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 29 Aug 2016 08:48:00 +0000

★

L'agente governativo Amanda Waller (Viola Davis) decide di assemblare la Task Force X ovvero una squadra composta solo da super-criminali - Harley Quinn (Margot Robbie), ovvero la morosa del Joker (Jared Leto), l'infallibile cecchino Deadshot (Will Smith), il pirocinetico El Diablo (Jay Henrnandez), il ladro Capitan Boomerang (Jai Courtney) e il mostro Killer Croc - da utilizzare come pedine in missioni rischiose. La trama termina qui per mancanza della materia stessa di cui è fatta una trama.

"Siamo cattivi. Siamo fatti così" dice l'Harley Quinn interpretata da Margot Robbie non dopo aver sparato in mezzo agli occhi di un povero clochard o dopo aver torturato un bambino, no, lo dice dopo aver rotto la vetrina di un negozio ed essersi chinata per prendere una borsetta. Che cattiveria, eh? Che cattivi che sono i protagonisti di Suicide Squad. E il film di David Ayer non fa che ripeterlo e ripeterlo e ripeterlo. La verità però è che i membri della task force suicida sono acefali testosteronici che fanno a gara a chi fa lo sguardo più da duro; e Viola Davis - senza alcun costume o pelle squamosa o tatuaggi tamarri - rende di ghiaccio le gonadi molto meglio di quanto riesca a fare l'orrendo, osceno e ignobile Joker di Jared Leto, un emo tamarro dagli impulsi adolescenti dalla cui bocca a rana non esce mai nulla di inquietante, surreale o folle.

Per la prima ora David Ayer si preoccupa di presentare tutti i personaggi mediante sempre lo stesso schema: musichetta-flashback-quanto-sono-cattivo. Tolta una sensuale Margot Robbie e una carismatica Viola Davis, il cast si compone solo di sconosciuti inespressivi tombali capitanati dall'espressivo-quanto-un-frigorifero Will Smith che qualsiasi ruolo faccia sembra sempre il padre de La ricerca della felicità. Essi non interpretano dei cattivi puri bensì degli emarginati sociali che si sono trovati dall'altra parte della barricata più per costrizione che non per scelta. Della serie: non siamo cattivi, è che ci dipingono così.

Per la seconda ora invece assistiamo alla missione suicida dei cattivoni DC: andare in una zona di New York - e nel film la città sembra grande quanto Roccaccannuccia - dove la strega millenaria Incantatrice, che possiede la dottoressa Moon (interpretata dalla staffellosa Cara Delevingne), e suo fratello Coso chiamato solo "Fratello", stanno gettando il panico in mezzo al nulla e alimentando un cono energetico la cui utilità ci è indecifrabile. E questo è quello che avrebbe dovuto essere il cinecomic scorretto, cattivo (repetita iuvant) e psichedelico in grado di far orinare in dosso la Marvel? No, è solo una noiosissima festa dei coscritti criminali che dopo manco un'ora che si conoscono uno di loro (El Diablo) arriva a dichiarare convinto "Ho già perso una famiglia, non ne perderò un'altra".

Suicide Squad, sfruttando il potenziale dei personaggi messi in campo, avrebbe potuto rappresentare una rivoluzione nel campo dei cinecomics, sprizzare veramente cattiveria da tutti i pori, inondare lo spettatore di immagini violente e divertirlo con azione esaltante, invece, fingendosi più cattivo e politicamente scorretto di quel che è, finisce per essere un prodotto più buonista, ingenuo e rozzo del solito.

P.s. Il momento clou in slow motion mi ha fatto rimpiangere i rallenty di Zack Snyder. E ho detto tutto.

Il Post (it) #5: Stranger Things (Stagione 1), It Follows (2014), Facciamola finita (2013)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 28 Jul 2016 07:00:00 +0000

★★★½

6 Novembre 1984. Una sera, la vita di un quadretto di amici (Will, Mike, Dustin e Lucas) che si divertono a giocare a emozionanti campagne anche di dieci ore a Dungeons and Dragons, che comunicano con enormi walkie-talkie, e hanno appesi in casa poster di film quali La cosa di J. Carpenter, La casa di S. Raimi e Lo squalo di S. Spielberg, cambia per sempre: Will, rincorso nella notte da una misteriosa creatura, sparisce nel nulla; una misteriosa ragazzina con un camice e la testa rasata scappa dalla struttura dov'era tenuta prigioniera e s'imbatte nel gruppo di amici; il burbero ma buono sceriffo del paese indaga sulla sparizione del ragazzino spinto dalla sofferente preoccupazione della madre Joyce. Stranger Things non è, come si potrebbe pensare già dalla splendida locandina, una mera operazione nostalgia verso gli anni '80; perché sotto la patina di citazioni e omaggi cinematografici e letterari, oltre a una colonna sonora tanto bella quanto furbetta, si nasconde una bella storia dalla solida struttura e con un cast di attori in grado di dare vita a personaggi che è impossibile non voler bene. Penso che il simpatico Dustin, chiamato Senzadenti, entrerà nelle grazie di tutti per il suo modo di fare (se in preparazione a una spedizione Lucas sparpaglia sul tavolo fionde, binocoli e bandane alla Rambo, lui sotterra tutti sotto una montagna di merendine e frutta perché le armi mica rigenerano le forze!). Stranger Things, pur non essendo il capolavoro a cui tutti si sono inginocchiati devotamente, è una buona serie, con ottime frecce al suo arco, che divorerete in un giorno solo.

Una domanda per chi l'ha vista: preferireste che la serie fosse antologica oppure il finale vi invoglia a scoprire come saranno trattati i punti lasciati in sospeso?

★★★

Una ragazza esce di casa mezza nuda intenta a guardarsi le spalle visibilmente scossa. Prende l'auto e raggiunge una spiaggia deserta dove telefona ai suoi genitori per dir loro che ha sempre voluto bene a entrambi. Il mattino dopo la ragazza è un cadavere brutalmente scomposto. Chi è stato a farle questo? E' stato un uomo, una donna oppure una misteriosa entità? Nel frattempo Jade esce con ...: dopo aver fatto sesso lui la cloroformizza. Quando il ragazzo gli spiegherà cosa le ha passato si apriranno per lei le porte di un incubo lento e inesorabile. Tocchi qui e là di carpenteriana memoria. Si è immersi in uno stato di allerta perenne. Dal punto di vista tecnico a It Follows non manca nulla: dalla fotografia alla colonna sonora tutto è ben curato. Spicca la regia di David Robert Mitchell che con inquadrature fisse, piani sequenza e pochi tagli di montaggio confeziona un horror interessante, al cui interno non manca una velata critica alla facilità con cui i giovani hanno rapporti sessuali, ma che dimentica per strada l'elemento più banale, se così vogliamo dire, di cui deve essere fatto un horror: la paura. It Follows angoscia, mette ansia, ma paura no, neanche per sbaglio. Peccato.

★★★½

Jay Baruchel (il protagonista di Man Seeking Woman) raggiunge l'odiata Los Angeles per trovare il suo amico Seth Rogen. I due, dopo aver passato delle ore in compagnia di videogiochi e canne, si recano alla festa di James Franco nella sua nuova casa interamente progettata da lui. Dopo aver gozzovigliato e conosciuto le altre star di Hollywood quali Jonah Hill, Michael Cera, Craig Robinson ed Emma Watson, i due escono per acquistare una bibita e qui scoppia il finimondo - nel senso letterale del termine. Dopo un fortissimo terremoto degli strani coni di luce blu avvolgono le anime buone e le risucchiano fino in Paradiso. Delle star non si salva nessuno. Tenteranno di sopravvivere all'Apocalisse anche se il loro essere meschini, bugiardi ed egoisti renderà la missione più complessa del previsto. In Facciamola finita - pessima traduzione di This is the End -, commedia surreale e demenziale scritta e diretta da Seth Rogen ed Evan Goldberg (gli stessi che recentemente hanno sviluppato e portato sul piccolo schermo lo stranissimo ed esaltante Preacher), alcuni giovani attori dello scintillante star system di Hollywood si mettono alla gogna autocriticandosi e ridicolizzandosi dimostrando infine di avere quell'autoironia che nella vita serve sempre. Tra omaggi cinematografici, scambi di battute tanto esilaranti quanto volgari, Facciamola finita è una di quelle commedie che si rivedono volentieri anche più di una volta. Anche solo per il WTF finale che mi ha steso.

Il Post (it) #4: Penny Dreadful (Stagione 3), Veep (Stagione 5), Game of Thrones (Stagione 6)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 22 Jul 2016 08:27:00 +0000

★★★★

Forse è stata la serie Tv più sensuale ed elegante degli ultimi tre anni. Penny Dreadful si è sempre differenziata dagli altri prodotti della serialità americana per toni, ambientazioni, dialoghi, costumi e temi trattati. Eva Green è semplicemente Penny Dreadful. La sua Vanessa Ives ci ha fatto compagnia tre anni e nella sua lunga battaglia contro le forze del male abbiamo avuto l'occasione di ammirarne la fede tenace, la volontà di vivere una vita normale senza più lotte con i demoni. Su tutto l'ottimo cast spicca Rory Kinnear. La creatura che il dottor Frankeinsten strappa dall'abbraccio gelido della morte e che da allora non trova più conforto tra gli uomini, che lo ripudiano per il suo aspetto, e si affida all'universale musicalità della poesia. E poi quest'anno John Logan firma uno degli episodi più belli mai scritti. L'episodio 4 intitolato A Blade of Grass vede due attori in scena all'interno di una stanza foderata di cuscini e basta, stop. Tutto il resto è dialoghi poetici, prove attoriali straordinarie e una regia completamente al loro servizio. Il creatore/produttore/sceneggiatore John Logan ha raccontato le vite di diversi personaggi della Londra ottocentesca (alcuni facenti parte della letteratura come Dracula, Victor Frankeinstein e la sua Creatura, Dorian Grey, il dottor Jekyll e Mr. Hide) mostrandoci i loro desideri più torbidi, i rimorsi che rosicchiano i cuori, i sogni inghiottiti dalla nebbia, i progetti più oscuri e pericolosi, le colpe che pesano sulle anime tormentate, sempre con un tocco elegante e un tatto sensibile che ha contraddistinto la serie in questi tre anni. Penny Dreadful, con la sua fotografia glaciale e le macabre vicende fatte di sangue, ossa, carne, miti e leggende, è stata un raggio di sole nella serialità americana che non si scorderà mai. Con l'episodio nove di questa terza stagione si è messa la parola fine a questa raffinata creatura che proprio come Dorian Grey sarà sempre qui quando torneremo a posarci sopra lo sguardo. Per sempre.

★★★★

Veep. La vicepresidente Selina Meyer ne ha fatta di strada (e di papere, soprattutto). E' arrivata sulla vetta della politica andando a poggiare le terga sulla poltrona dello Studio Ovale sempre attorniata dal suo irresistibile staff. Ma la sua presidenza poteva mai scorrere tranquilla senza impedimenti e pasticci? La risposta è semplice: no. Ed ecco che alla fine della brillante quarta stagione avviene un pareggio alle elezioni presidenziali. E mo' che si fa? Ma mi sembra ovvio: si cerca di stare attaccati alla poltrona con le unghie, con i denti, con i capelli, con qualsiasi cosa a disposizione. Senza farla troppo lunga (e assurdamente noiosa), si sono superati. Pur non essendo più showrunner, Armando Iannucci, affidando la sua creatura nelle mani di David Mandel & Co., ha semplicemente compiuto la miglior scelta possibile perché questa quinta annata di una delle migliori serie Tv in circolazione è stata esilarante, fulminante e, con gli ultimi due episodi, coraggiosissima. House of Cards - che si è contraddistinta con una quarta stagione apprezzatissima dal sottoscritto - non avrebbe mai l'ardire di percorrere la strada imboccata a testa alta da Veep nell'ultimo sconvolgente episodio. Sinceramente mi corre un brivido o due a pensare a cosa potrà venir fuori dalla sesta stagione. Non vedo l'ora.

★½

Non se ne può sinceramente più. Gli sceneggiatori di Game of Thrones dovrebbero essere presi assieme a quelli di The Walking Dead e messi su un treno direzione inferno, inferno città, senza possibilità di ritorno. Mandano in vacca storyline solo perché non hanno la più pallida idea di come farle proseguire (vedasi Dorne), assumono un attore del calibro di Ian McShane facendolo recitare per un solo episodio peraltro in un ruolo marginale (citiamo anche Max Von Sydow nei panni del Corvo con Tre Occhi), terminano quasi tutti gli episodi con sti cazzo di draghi e con Downerys che si è messa a fare comizi elettorali come una Donald Hilary Trump qualsiasi, scrivono ad minchiam i personaggi (Cersei ridotta a tre battute in croce, Jaime, ormai promesso alla bidimensionalità, l'hanno rovinato) salvo poi inserire una giovanissima Lyanna Mormont la cui giovanissima attrice caga in testa a mezzo cast di sfaticati. Tolta la scena di Hodor, il nono episodio tutto sommato ben diretto (nella media mediocre si fa anche in fretta) e con dei graditi omaggi a Il signore degli anelli, e i minuti iniziali del finale che precedono la grande esplosione di Slurm (non ho saputo resistere, scusate), con la sesta stagione Game of Thrones conferma di essere portatrice sana di sciatteria la cui attenzione che le viene data non solo dal pubblico, ma dalla giuria carampana degli Emmy Awards, i quali hanno ormai la credibilità di un Telegatto qualsiasi, è completamente e sonoramente immeritata. L'unica speranza? Che Georgione nostro finisca presto la saga cartacea mettendo ordine nel guazzabuglio creato da questi incompetenti.

Il Post (it) #3: American Crime Story - The People v. O. J. Simpson (Stagione 1), Jane The Virgin (Stagione 2), Modern Family (Stagione 1 e 2)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 10 Jun 2016 12:29:00 +0000

★★★★

"If it doesn't fit, you must acquit"

Senza star qui un anno ad arringare manco fossimo dentro un'aula di tribunale il mio verdetto su American Crime Story - The People v. O. J. Simpson è presto detto: la serie Tv prodotta e diretta da Ryan Murphy (creatore di quelle ciofeche di American Horror Story, Glee e Scream Queens) è tra i migliori prodotti seriali dell'anno. Tutti almeno una volta avranno sentito parlare di O. J. Simpson, giocatore di football professionista nonché attore di spot e film quali Una pallottola spuntata, che il 12 giugno del 1994 fu accusato del duplice omicidio della sua ex moglie Nicole Brown Simpson e del cameriere Ronald Goldman. Da quel giorno partì un processo che tenne incollato agli schermi l'intero popolo americano fino al verdetto avvenuto il 3 ottobre del 1995. Il cast è superbo: Cuba Gooding Jr., pur non essendo affatto somigliante al vero O. J., restituisce il vivido ritratto di un uomo abituato a essere venerato; e che quando la sua immagine viene messa in discussione, sembra uscire da se stesso, sempre in cerca del più flebile barlume della sua celebrità. Sarah Paulson, che interpreta Marcia Clark, determinata procuratore distrettuale divisa tra lavoro e i figli di cui vuole ottenere la discussione esclusiva dall'ex marito, dà il suo meglio in coppia con Sterling K. Brown (Christopher Darden): quando sono al tavolo dell'accusa, e ascoltano i discorsi della difesa, nei loro occhi appare il tarlo dell'angoscia e del dubbio. La voce di Brown, poi, è tra le più calme e affettate che abbia mai sentito. John Travolta invece è Robert Shapiro, avvocato dei vip, tipo borioso e dai gesti calcolati. David Schwimmer (il Ross di Friends) è Robert Kardashian, amico fraterno di O. J., uomo dalla personalità appannata e dalla verve di un lombrico, che durante il processo inizia a dubitare dell'innocenza del suo amico. Infine c'è lo straordinario Courtney B. Vance che interpreta l'orca assassina Johnnie Cochran, avvocato sanguigno e teatrale in aula quanto uomo banale e con scheletri nell'armadio nella sua vita dietro i riflettori. E' incredibile come un processo per duplice omicidio si sia trasformato in un processo razziale contro la polizia razzista di Los Angeles. "Bianchi che incolpavano un nero famoso di omicidio? Sempre la stessa storia. Basta che un nero faccia successo perché i bianchi si sentano minacciati e infastiditi". Io mi chiedo come abbia fatto la black community a sentirsi rappresentata da un'idiota come O. J. Simpson. Un uomo di talento sportivo innegabile che non era diverso dai bianchi: feste di lusso, droga, escort, eccessi. E violenza domestica. Scene drammatiche come le lacrime del padre di Ron Goldman di fronte a Marcia Clark, l'abbraccio di Chris Darden alla famiglia delle vittime, sono di un'umanità devastante. American Crime Story, prendendo in esame uno dei processi più famosi della storia, porta alla luce le ennesime mele marce dal cesto degli Stati Uniti d'America ovvero il razzismo e la corruzione dilagante nel dipartimento di polizia di Los Angeles, gli avvocati pavoni dalle parcelle dorate che si esibiscono in aula proprio come degli attori sul set e che utilizzano la carta della razza per annebbiare il giudizio del popolo, l'attenzione morbosa dei mass media verso le facezie (come l'antiquata pettinatura del procuratore distrettuale Marcia Clark) e il sessismo. Uno show da recuperare senza indugi.

★★★½

Jane Gloriana Villanueva ha partorito. Essendo vergine. Miracolo. Com'è Jane The Virgin, latineggiante serie Tv che ha dalla sua una dose massiccia di autoironia, il sano divertimento che traspare dal cast e l'intenzione del team di sceneggiatori di rafforzare un proprio stile di scrittura e di messa in scena. Con l'uso dell'immancabile voce narrante (forse il personaggio migliore della serie), delle scritte a macchina che appaiono sullo schermo per facilitare la comprensione delle scene o per aggiungere informazioni recondite, strutturando ogni episodio con un gioco di incastri e riferimenti veramente efficaci, e passando, infine, per omaggi (tanto inattesi quanto graditi) a serie quali Scandal e Man Seeking Woman, la seconda stagione di Jane The Virgin è stato un appuntamento settimanale imperdibile che ha ripagato (quasi) sempre. Se da una parte Gina Rodriguez conferma di essere un'attrice comica con i tempi giusti, oltre che una bellezza espressiva e per nulla impostata, nonostante però il suo personaggio abbia preso una spiacevole piega da so-fare-tutto-io verso gli ultimi episodi, dall'altra Yael Grobglas, ritrovatasi a dover interpretare la sua sorella gemella Anezka, ha dimostrato tutto il suo talento adottando tono di voce, gesti e tic completamente avulsi dalla compostezza elegante che ne caratterizza la bionda Petra Solano. Ultima cosa: non commettete l'errore di considerare Jane The Virgin un guilty pleasure perché per scrivere un episodio di questa serie si deve essere dotati di intelligenza, humour e passione. Trovatemi una qualsiasi telenovela che vi porge con arguzia un riferimento a Il Grande Lebowski e mi rimangerò tutto.
P.s. Finale di stagione shocking.

★★★

Modern Family - rinnovato per un'ottava stagione - è stata una delle mie ritardatarie scoperte di quest'anno. Confezionato come un finto documentario, la serie della ABC si basa sulle vicende della famiglia Pritchett, una famiglia moderna e allargata che ha un unico comune denominatore: le risate. Partiamo da quello che è diventato uno dei miei personaggi comici preferiti ovvero Phil Dunphy (Ty Burrell). Padre di tre figli (Haley, Alex e Luke), sposato con Claire (Julie Bowen) da quasi vent'anni, è il ritratto dell'uomo che sarò (o che vorrei già essere) tra vent'anni: buffo, surreale, capace di far ridere pure una pietra, con la testa sulle nuvole e il corpo poco presente a se stesso, e allo stesso tempo amorevole, fedele, leale e comprensivo. Poi abbiamo Jay Pritchett (Ed O'Neill) sposato con la bellissima Gloria (Sofia Vergara) di trent'anni più giovane (colombiana dal sangue caliente) che ha un figlio, Manny, il quale è un piccolo ometto racchiuso nel corpo di un bambino di dieci anni (esilarante l'episodio in cui si festeggia il suo compleanno). E poi abbiamo Mitchell (Jesse Tyler Ferguson) e Cameron (Eric Stonestreet), avvocato lui e casalingo/clown/cantante/organizzatore lui, che hanno adottato la piccola Lily di origine vietnamita. Queste prime due stagioni scorrono che è una bellezza grazie a una scrittura mai banale e a un cast in grado di entrare nelle grazie dei telespettatori fin dalle primissime puntate (amerete subito Phil con Ladri di biciclette). Se non l'avete mai recuperata, e desiderate farvi quelle proverbiali quattro sane risate, allora è il momento di farlo.

AND THE LIEBSTER AWARD 2016 GOES TO...

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 06 Jun 2016 07:00:00 +0000

I premi fanno piacere a tutti; se poi se ne ricevono due da due colleghi stimati allora è ancora meglio. Voglio ringraziare Kris Kelvin di Solaris e Alfonso Maiorino di Non c'è paragone che hanno deciso consapevolmente di premiare il mio blog nonostante una latitanza che ha preso la piega della serialità televisiva. Senza indugio andiamo a iniziare.

Ecco le regole del Liebster Award 2016 in breve:

1) ringraziare e rispondere alle undici domande di chi ti ha premiato
2) scrivere undici notizie/curiosità su te stesso
3) premiare altri undici blogger "meritevoli" (che non raggiungano i 200 followers)
4) comunicare la vincita sulle bacheche dei blog premiati
5) proporre ai premiati altre undici domande

Le risposte alle domande poste da Kris Kelvin di Solaris:

1) Il regista più sopravvalutato?

Steven Spielberg, of course.
2) Il regista più sottovalutato?

Michael Mann.
3) Cosa rispondi a chi dice "era meglio il libro"?
Se lo dice dopo aver visto Shining gli dò una badilata in testa, se invece lo dice riferito al film La Bussola d'oro allora pacca sulla spalla. A parte gli scherzi, essendo letteratura e cinema forme d'arte molto diverse, penso dipenda molto dal talento e dalla sensibilità del regista che dal cartaceo ne trae un film perché spesso tagliuzzando-modificando-inserendo il film può essere decisamente meglio del libro.

4) Il film che "ce l'hai lì da vedere" ma non ne hai il coraggio...

Farò un epic fail ma tant'è: L'esorcista. Ahò, c'ho una fifa nera.

5) Il film che avresti voluto vedere al cinema.

Il padrino. Datemi una macchina del tempo, please.

6) Il film che hai visto più volte.
Se la giocano Scarface di De Palma e ovviamente Il padrino di Coppola.

7) Sei mai uscito dal cinema prima della fine di un film?
No, anche se era una ciofeca.

8) Sei favorevole all'intervallo al cinema?
Assolutamente no. Andate al cesso prima della proiezione, giuda ballerino.

9) Quanta strada sei disposto a fare per vedere un film che non viene programmato vicino a te?
Sono pigrissimo, il massimo è 50 km.

10) Quanto tempo dedichi al tuo blog?

Prima molto più tempo ora mooolto meno. Scusate, lettori, tornerò in carreggiata, promesso.

11) Come hai scelto il nome del tuo blog?

E' la fusione tra Denny e Scrivere ;)

Le risposte alle domande poste da Alfonso Maiorino di Non c'è paragone:

1) Qual è il film che piace a tutti, ma tu odi impunemente?
La trilogia del latte alle ginocchia: Dirty Dancing, Flashdance, Ghost.

2) Il tuo lavoro/ambito di studio ha a che fare con il cinema oppure fai

tutt'altro?

Scrivo di Tv, ma voi incrociate le dita per una cosa, eh.

3) Che sport segui?

Nessuno.

4) Cosa succede nella tua testa cuando noti un errore grammaticale gravissimo?

Presente la scena finale de Il dottor Stranamore? Ecco, succede quello.

5) Qual è il tuo libro preferito?

Umm, "io sono un fautore della legge" come dice Ricky Roma in Americani ergo ne dirò due: Grandi speranze di Dickens e Meridiano di sangue di McCarthy.

6) E uno che hai cominciato ma non sei mai riuscito a finire?

Il signore degli Anelli. Un mattone indigesto e assolutamente non necessario.

7) Hai mai messo una canzone in repeat talmente tante volte da impararla a

memoria subito?

When Wee Were Young di Adele. Sì, cazzo, amo Adele e la sua voce è Patrimonio dell'Umanità.

8) Qual è la cosa di poco conto che ti fa più incazzare al mondo?

Quando la gente sputa per strada come dei lama.

9) Amore o odio? Ammazzamenti o baci e abbracci?

Amore e ammazzamenti ovvero Kill Bill :)

10) Sei una brava persona come me che detesta le ship nelle serie TV oppure sei una di quelle che se non shippano muoiono dentro?

Io odio coloro che guardano le serie per trovare le ship. Si trovassero un gatto o un cane o qualcuno che li sopporti.

11) Dì il nome di un paesino sconosciuto ai più che a te piace tantissimo.

Monte Giberto.

Ecco le undici notizie/curiosità su me stesso che nessuno ha richiesto:

1) Ho fatto indigestione di ciambelle una settimana fa.
2) Ho tanti di quei film da recuperare che non mi basterebbero tre vite.
3) Da diversi mesi ho una nuova droga: le serie Tv. Chi mi legge se ne sarà accorto.
4) Piango da quando inizia C'era una volta in America a quando finisce. Ininterrottamente.
5) Mi spaventavo per qualsiasi film horror vedessi, ora mi sono fatto più coraggioso. Ma non chiedetemi di vedere L'esorcista, non ce la fò.
6) Temo che Giorgino Martin possa schiattare prima di terminare le Cronache del Ghiaccio e del Fuoco.
7) Amo, amo, amo il trash.
8) In Maria De Filippi I'm Trust.
9) Dopo queste due ultime confessioni ho perso i lettori che mi rimanevano, vero?
10) Ho scoperto da poco la bellezza del personaggio di John Locke di Lost. Avrei voluto crearlo io.
11) Al Pacino è Dio. Se qualcuno se lo fosse dimenticato.

And the Liebster Award goes to...

Recensioni Ribelli
Solaris
Cinematografia Patologica
Mari's Red Room
Non c'è paragone
Combinazione Casuale
La fabbrica dei sogni
Delicatamente Perfido
Director's Cult
Scratchbook
Ieri, oggi, domani

Le undici domande a cui dovranno rispondere sono le seguenti:

1) Con quale regista passeresti una serata insieme? E perché?
2) Ti danno la possibilità di rifare un film che a te (o a tutti) ha fatto cagare: quale scegli?
3) La critica cinematografica è morta o è soltanto in coma?
4) Alla domanda "Qual è la più grande serie Tv mai fatta?" sei uno che risponde Breaking Bad senza aver mai visto una sola puntata de I Soprano?
5) Ti piacciono i dolci?
6) Hai un sogno nel cassetto?
7) Qual è il tuo videogioco preferito? Se non giochi non mi offendo...
8) Cederesti mai il tuo blog a terze persone?
9) Ti stai rompendo le palle di rispondere?
10) La scena cinematografica preferita di sempre?
11) La pagina più bella che tu abbia mai letto?

La premiazione è finita, andate in pace, Amen.

Black-ish (Stagione 1 e 2): The Best Sit-com of the World

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 23 May 2016 09:42:00 +0000

★★★★

A chiunque poneste la domanda "Qual è la miglior sit-com d'America?" di sicuro vi risponderebbe The Big Bang Theory. Per quanto anche a me divertano Sheldon, Leonard, Penny & Compagnia Nerd credo che tale scettro (preferirebbero una spada laser) non spetti a loro, bensì a Black-ish, una vera bomba comica a orologeria, uno degli spettacoli più appaganti, arguti ed esilaranti che vi spingerò (guardatelo, sciocchi) mai a prendere in considerazione.

Colui che narra le vicende della divertente famiglia Johnson è il padre, Andre Johnson (il superbo Anthony Anderson), un afroamericano che è riuscito a conquistare l'american dream: ha una bella casa in un quartiere esclusivo di Los Angeles, una bella auto, una cabina armadio colma di abiti firmati e scarpe di marca e una posizione di prestigio in un'azienda pubblicitaria. E' sposato con Rainbow (Tracee Ellis Ross), stimato medico, con cui hanno ben cinque figli uno più diverso dall'altro. Se Zooey (Yara Shahidi), la maggiore, è una tipa sempre alla moda e assai popolare nella sua scuola, Junior (Marcus Scribner) è il bullizzato nerd che scrive piani d'evacuazione in dothraki e che non ha una ragazza da quando è nato. Poi ci sono i gemelli Diane (Marsai Martin) e Jack (Miles Brown). La prima è una cinica realista le cui frecciate fanno stramazzare al suolo morti e stecchiti mentre il secondo è un adorabile e vivace bambino che con un sorriso farebbe sciogliere pure una pietra. Ah, e come dimenticare i genitori di Andre? Il padre - chiamato semplicemente "Poops" (Laurence Fishburne) - vive nella depandance dove oltre a gustare raffinato scotch rimorchia delle ventenni; la madre, Ruby (Jenifer Lewis), la quale mal sopporta la nuora, è invece una fervente cattolica che per suo figlio sarebbe disposta anche a fronteggiare un'invasione aliena a suon di "Black Jesus save me". E ovviamente c'è Charles "Charlie" Telphy, uno dei character comici più riusciti degli ultimi anni interpretato dal bravissimo Deon Cole, totalmente surreale, misterioso, contraddittorio, con cui ha un rapporto di odio/timore con la piccola Diane tanto che quando si vedono l'aria si fa rarefatta, i loro occhi si assottigliano e pronunciano l'uno il nome dell'altra con un'enfasi mefitica.

Creata da Kenya Barris, Black-ish si guarda con un animo totalmente rilassato. Si ride, tanto, e si riscopre il gusto che la risata lascia in bocca. Offre continui riferimenti, spiegazioni, aneddoti sulla black-culture di cui non ero mai venuto a conoscenza. Voi sapevate che il barbiere per le black person non si tradisce mai facendosi tagliare i capelli da un altro? E che la parola "nigger" la possono pronunciare solo i neri, lo sapevate? E che per l'amor del cielo "di colore" è un'espressione che non si può sentire? Oh, e in pochissimi sanno nuotare perché "durante i trecento anni del nostro tirocinio non pagato non siamo stati proprio incoraggiati a rinfrescarsi le membra". E ovviamente votano tutti il Partito Democratico. Uno dei momenti migliori dello show, infatti, è quando Junior dice al padre di essersi iscritto a un gruppo Repubblicano.

Oltre ad apprezzati omaggi a sit-com quali I Robinson (in una puntata la famiglia Johsnon replica perfettamente la sigla dello show), a Good-Times (il finale della seconda stagione ripropone la sit-com con tanto di costumi e scenografie identiche) e I Jefferson, Black-ish, che in Italia guarderanno due persone su dieci, parla di amore, rispetto, onestà, solidarietà e di tutti quanti i valori che una famiglia può offrire ai propri figli (e ricordare ai propri genitori, perché no?) sotto forma di episodi sempre divertenti, sempre originali, sempre deliziosamente black.

Però è con l'episodio 16 della seconda stagione, intitolato Hope, che Black-ish diventa uno di quei rari spettacoli vivamente ed eticamente necessari allo spirito di ognuno di noi. E' un gioiello di episodio. Un capolavoro. Da far vedere nelle scuole, nelle stazioni di polizia, negli ospedali, ovunque. Bisognerebbe regalarlo al posto di santini e rosari. L'episodio si svolge interamente nel salotto della famiglia Johnson dove, seguendo in Tv il processo a due poliziotti che hanno aperto il fuoco contro un uomo nero, si parla della brutalità della polizia, del razzismo in cui l'America sguazza da sempre, se è giusto che i bambini piccoli vengano a conoscenza del mondo reale che li circonda, e della gioia che l'insediamento del Presidente Obama ha dato alle persone che solo quarant'anni fa doveva sedersi esclusivamente sui posti dietro dell'autobus. Anthony Anderson, con occhi commossi e voce rotta da un inizio di pianto, ricorda la paura durante l'insediamento del presidente, la paura che quel "simbolo di speranza ci venisse portato via". Kenya Barris firma una dichiarazione potente e allo stesso tempo delicata: non abbandonate mai la speranza. E in una sit-com questo è ciò che non mi sarei mai aspettato di vedere.

Il Post (it) #2: Unbreakable Kimmy Schmidt (Stagione 1 e 2), Vikings (Stagione 1), Marseille (Stagione 1), New Girl (Stagione 5)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 17 May 2016 07:00:00 +0000

★★★

Unbreakable Kimmy Schmidt è stata una delle serie Tv comedy rivelazioni dell'anno scorso. Sgargiante, allegrotta, graziosa e con la testa fra le nuvole. Un po' come la protagonista Kimmy (Ellie Kemper) che, dopo aver passato quindici anni reclusa insieme ad altre ragazze in un bunker, sotto il controllo del misterioso Reverendo (se vi dico che è Jon Hamm correreste subito a guardarla, non è vero?), si ritrova in un mondo con cui non ha mai fatto amicizia. Ma Kimmy ha un'arma che la rende un essere umano quasi indistruttibile: l'inossidabile buonumore. E' così che a New York incontra Titus Andromedon (Titus Burgess), attore squattrinato omosessuale che sogna di calcare i prestigiosi palchi di Broadway, l'affittuaria Lillian (Carol Kane) che è un'estrema difenditrice del degrado del quartiere in cui risiede, e infine Jacqueline (Jane Krakowski), la classica moglie mantenuta dal marito miliardario che non saprebbe aprirsi una bottiglietta d'acqua da sola. Kimmy è pronta a riappropriarsi dei colori dell'esistenza, ma il passato tornerà a chiedere un'ultima resa dei conti. La prima stagione della creatura nata da Tina Fey e Robert Carlock (30 Rock) si è fatta divorare senza singhiozzi, abbioccamenti o mal di pancia. E' nella seconda stagione, invece, che non è andato tutto liscio come un ballo da sala. Quel minimo di trama presente al suo debutto qui appare sfilacciato come il filo a cui si appende il bucato ad asciugare al sole. Una sequela di episodi non molto sganasciosi si muovono come delle lenzuola o magliette grazie all'aria provocata da uno sbadiglio. La serie, una volta svoltato in Successo Road, ha preso Assurdo e Surreale Boulevard lasciando un senso di straniamento. Certo, il finale di stagione regala una sorpresa (anzi due) che riesce a far salivare in attesa della terza stagione, ma si sente la mancanza di Pinot Noir di Titus tutti i momenti.

★★½

Ragnar (Travis Fimmel) è un vichingo. Fattore, pescatore, cacciatore e razziatore. Abile guerriero e sopra ogni cosa ambizioso e sognatore. Convinto di essere destinato alla gloria, cerca di convincere il suo signore, il Conte Haraldson (Gabriel Byrne), a fargli guidare delle navi che lo portino ad attraversare il mare del Nord verso occidente, alla ricerca di terre ricche e rigogliose. Aiutato dall'abile costruttore di navi Floki (Gustaf Skarsgard), da suo fratello Rollo (Clive Standen), e incoraggiato dalla sua forte moglie guerriera Lagertha (Katheryn Winnick), Ragnar riuscirà in tale impresa divenendo tra il popolo sempre più rispettato (e temuto dal suo signore). La serie Tv di History Channel cerca di unire l'intrattenimento puro con una interessata divulgazione della storia e della mitologia norrena. Peccato che il pathos venga dimenticato sul campo di battaglia e lo spessore psicologico dei personaggi sia sottile quanto la lama di una spada. E poi il sorrisetto compiaciuto di Ragnar alla lunga è insostenibile e irritante. Una discreta stagione, piuttosto veloce nel tratteggiare l'ascesa del protagonista, ma che non mi fa smaniare per la seconda. Staremo a vedere.

★

Confidavo molto in Marseille. Vuoi per il trailer accattivante, vuoi per un Gerard Depardieu che, bottiglie di vino scolate in un giorno e ospitate nella tenuta di Al Bano a parte, è un attore bravissimo, vuoi per gli avventati e ingiustificati parallelismi con House of Cards, questa produzione al 100% francese targata Netflix ha accalappiato le mie aspettative piuttosto alte; decedute prematuramente dopo la seconda puntata. Robert Taro è il sindaco di Marseille da più di vent'anni. Arrivato al suo ultimo mandato è pronto a lasciare il potere al suo delfino Lucas Barres (Benoit Magimel) il quale però nasconde un piano tutto fuorché limpido e onesto. Dopo il pilot tutto sommato discreto, dove il colpo di scena finale è più sgonfio della tetta di quella tizia colpita da Red di Orange is the New Black, Marseille dimostra di essere maldestra nella sceneggiatura, scolastica nella struttura, pessima nel montaggio e nello studio dei luoghi (due o tre ville, il comune della città, e un quartiere malfamato), e incresciosa nella direzione degli attori. Neanche un Depardieu monumentale solo nel fisico non riesce a salvare neanche una scena. Invece di voler essere a tutti i costi una sorta di House of Cards alla francese se gli sceneggiatori avessero lavorato sodo affinché diventasse l'esatto contrario il risultato sarebbe stata un'autentica sorpresa (molto probabilmente) vincente. Prendere un uomo ligio al dovere, cristallino e brillante, che vede la propria amata città minacciata dal suo successore e farlo combattere per salvarla mettendo a repentaglio i propri ideali arrivando anche a sporcarsi le mani non sarebbe stata una mossa più intelligente invece di confezionare questo prodotto di serie B il cui posto ideale sarebbe il palco senz'arte né parte di Rai1?

★★½

New Girl me l'ha presentata la mia morosa. Dopo il frizzante pilot e un paio di puntate seguenti tutte passeggianti sulla linea di Risata e Spensieratezza ho capito che valeva la pena recuperare tutte le quattro stagioni in vista della quinta. Protagonista di questa serie Tv comedy targata Fox è Zooey Deschanel che interpreta Jessica "Jess" Day (praticamente se stessa) la quale, dopo aver lasciato il fidanzato fedifrago, finisce per andare a vivere in un loft abitato da tre ragazzi: Schmidt (Max Greenfield), Nick Miller (Jake Johnson) e Coach (Damon Wayans Jr.). Jess assieme ai ragazzi e alla sua migliore amica Cece (Hannah Simone), pur essendo molto diversi tra loro, formeranno presto una combriccola irresistibile. Le prime due stagioni scorrono all'insegna del divertimento. Per fortuna Coach, dopo il pilot, viene sostituito da Lamorne Morris che interpreta l'esilarante Winston Bishop, gattaro e appassionato di camice con uccelli stampati sopra. Schmidt - maniaco dell'ordine, sognatore, e modaiolo - si invaghisce di Cece mentre quest'ultima lo utilizza solo a scopi sessuali. Nick - disordinato, disorganizzato, pasticcione, ma leale, onesto e spassoso - e Jess scappano assieme nel finale della seconda annata. La terza non potrebbe andare meglio, tanto che gli sceneggiatori scrivono due tra i più bei episodi di New Girl: Compleanno al cinema (dove Nick organizza la festa di compleanno di Jess a sorpresa) e A casa di Prince (dove la buonanima di Purple King si presta con grande ironia alla serie). Purtroppo quest'idillio dura pochissimo, infatti, dal sedicesimo episodio in poi (con l'arrivo della sorella di Jess per intenderci) le risate lasciano il posto alla rabbia e l'amarezza è lo state of mind durante tutta la pessima quarta stagione. In questa quinta annata però (dove avviene il coronamento del rapporto tra Cece e Schmidt), oltre a essere tornata a far ridere, c'è stata una rivelazione a doppio taglio che potrebbe cambiare in futuro le sorti della serie. Mi spiego meglio: dopo cinque o sei puntate Zooey Deschanel esce di scena (doveva partorire). Niente Jess. "Oddio, dopo la mestizia di una stagione orrenda ora ci fanno questo? Ma dove andremo a finire? Cosa ci capiterà ancora?". Presto detto: Megan Fox. Ora, io gliene ho dette di ogni appena l'ho saputo, ma ho dovuto mordermi la lingua perché - maledetti sceneggiatori - il suo personaggio (totalmente diverso da Jess) ha funzionato e si è amalgamato bene con il cast. Ma vi dirò di più: la mancanza di Zooey non si è sentita affatto. Con Jess fuori dalle scene tutti gli altri personaggi hanno avuto modo di splendere soprattutto Winston, che - partito in sordina e relegato nell'angolo sfigato con le donne e con un gatto di nome Ferguson come unico affetto - ha dimostrato di essere non solo il personaggio collante dello show bensì il personaggio davvero insostituibile, quello che se non ci fosse bisognerebbe inventarlo. Ecco perché parlavo di scelta a doppio taglio: gli sceneggiatori, senza neanche accorgersene come loro solito, hanno svelato la serena sostituibilità di Zooey Deschanel in qualsiasi momento. E il prossimo anno, con il ritorno di Megan Fox in pianta stabile, daranno il via al classico triangolo amoroso tra lei, Jess e Nick? Mah, vedremo cosa s'inventeranno.

Captain America: Civil War (2016)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 11 May 2016 07:00:00 +0000

★★★

Un anno dopo la battaglia contro Ultron, Captain America (Chris Evans) assieme a Scarlet (Elizabeth Olsen), Vedova Nera (Scarlett Johansson) e Falcon (Anthony Mackie) impediscono a Brock Rumlow di rubare un'arma chimica da un laboratorio a Lagos in Nigeria. Purtroppo però Scarlet, tentando di limitare i danni di un'esplosione, uccide diversi volontari del Wakanda aumentando la sfiducia nei confronti degli Avengers. E' così che le Nazioni Unite decidono di siglare un accordo che limiterà i poteri decisionali del gruppo di supereroi stabilendo che il loro intervento verrà richiesto solo in caso di estrema necessità. Mentre il capitano Steve Rogers non vuole piegarsi al volere delle istituzioni, Tony Stark (Robert Downey Jr.), in colpa per la creazione di Ultron, è favorevole a una supervisione esterna. Il piano di Helmut Zemo (Daniel Bruhl), oltre al coinvolgimento del Soldato d'Inverno Bucky Burnes (Sebastian Stan) nelle vicende, sarà l'ulteriore scintilla per una guerra interna che metterà in serio pericolo l'unione degli Avengers.

La promozione di Captain America: Civil War è stata tanto dilagante quanto semplice: #TeamCap o #TeamIronMan? Questi hashtag hanno invaso i social come degli aliens senza contare tutte le parodie legate ai motivi della Civil War. Meglio il cioccolato al latte o il fondente? Marvel o DC? Bionde o more? Insomma, gli utenti si sono sbizzarriti, e coloro che si sono recati al cinema erano o dalla parte di Captain America o di Iron Man. Tranne me che preferivo tifare per l'estinzione di entrambi. Quando mai avrei pensato di uscire dalla sala soddisfatto quasi come dopo la visione del divertentissimo Guardiani della Galassia? Mai, appunto.

Ognuno ha le sue ragioni. Steve Rogers (Captain America) non si fida dalle istituzioni e l'idea di essere controllato da un ente nominato dalle Nazioni Unite lo rende inquieto; opponendosi all'accordo difende il suo diritto di scegliere quando e dove intervenire. Dall'altra parte Tony Stark (Iron Man) si dice favorevole a un controllo degli Avengers con leggi e regole precise perché "Senza leggi non siamo migliori dei criminali che combattiamo". Il film non tende mai verso l'uno o l'altro, tranne nella mezz'ora finale, dove sembra trasparire chi sia l'eroe e chi il villain (sempre in termini molto ampi e discutibili).

I fratelli Anthony e Joe Russo firmano un blockbuster inaspettatamente intelligente, in grado di coinvolgere e divertire lo spettatore, sapendo esattamente come dosare le battutine ironiche con i momenti più seri, e aggiungendo un tocco di pathos che rende profumato il risultato finale. Captain America: Civil War, distaccandosi dalla giocosità dei film di Joss Whedon, è tra i lavori cinematografici più godibili usciti dalla Casa delle Idee.

La pellicola scritta da Christopher Markus e Stephen McFeely non è esente però da alcuni difetti: uno in particolare è un fatto totalmente inspiegabile e campato in scena senza uno straccio di spiegazione plausibile. Infatti, come diamine ha fatto Tony Stark a scoprire l'identità di Spider-Man? Si presenta in casa di zia May (Marisa Tomei) nel Queens come se lo avesse sempre saputo. Per caso uno degli sceneggiatori gliel'ha suggerito all'orecchio? E sull'assenza di Hulk e Thor le spiegazioni o sono lasciate a un'alzata di sopracciglio da parte di Vedova Nera oppure non ce n'è traccia. Infine il ruolo della "madre" sembra essere ormai il motivo principale che spinge un supereroe alla lotta rabbiosa. Buon cielo, non toccate più le mamme ai supereroi.

L'entrata in scena di Black Panther ha un senso così come il suo personaggio in questo film. Quella di Spider-Man, lo ammetto, mi ha divertito. L'Uomo-Ragno di Tom Holland è un cazzone che chiacchiera mentre combatte, che si scusa perché "E' l'emozione della prima volta", e che, fermando il pugno di Bucky, gli dice "Figo, ma è un braccio di metallo?". E' un ragazzo a malapena ventenne, da sei mesi ha scoperto i suoi poteri, che si vede arrivare in casa Tony Stark pronto a farlo entrare nella sua squadra in una lotta più grande di qualsiasi cosa abbia mai visto. E' naturale che si stupisca delle abilità dei supereroi coinvolti, che esclami "Porca paletta" e chiacchieri nervosamente. Mi piace. Ah, c'è anche Ant-Man. E la loro presenza non dà mai il sentore di troppa carne al fuoco, al contrario, tutto scorre fluido tra scene d'azione ben girate che evitano sempre di scadere nella mera baracconata. Certo, Captain America: Civil War non avrà dalla sua l'inventiva registica di un Sam Raimi, non avrà l'anima visionaria di un Guillermo Del Toro, non sarà dark e realistico come il duetto di Christopher Nolan, ma sa intrattenere con piacere sua e soprattutto nostra.

Il Post (it): Vinyl (Stagione 1), Hap and Leonard (Stagione 1), Shining (S. King), Canne al vento (G. Deledda)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 25 Apr 2016 07:52:00 +0000

★★★½

Vinyl è rock, è blues, è la musica anni '70, è la disco music, è il punk. Prodotto da Mick Jagger, Martin Scorsese e Terence Winter, la serie Tv trasmessa da HBO è tra le conferme delizia-timpani dell'anno. L'episodio pilota di Vinyl è tra le cose più straordinarie che abbia girato Martin Scorsese: un'ora folle, esagitata, carismatica, brillante che si vorrebbe non finisse mai. Facciamo la conoscenza di Richie Finestra (il bravissimo Bobby Cannavale che gli intenditori ricorderanno per il ruolo di Gip Rosetti in Boardwalk Empire), fondatore e presidente dell'American Century Records, casa discografica sul punto di essere venduta. Richie, sposato con la bella Devon e con due figli, ha sempre avuto un orecchio d'oro con cui ha creato un impero dal nulla, ma la droga e gli eccessi l'hanno portato sull'orlo della bancarotta. Ma un incidente in cui scappa il morto e un concerto al quale assiste Richie dove i muri si crepano e il palazzo crolla lasciandolo illeso gli fanno ricordare che la vita è Rock e, mandati a quel paese i tedeschi a cui voleva inizialmente vendere, decide di risorgere dalla ceneri come una fenice portandosi appresso però le ire dei suoi soci. I primi quattro episodi sono eccellenti (il pilot è il migliore da circa cinque anni a questa parte). Stupendo è il il sesto (dove si omaggia David Bowie) e fantastico il settimo dal titolo The King and I. L'ultima scena del finale di stagione (Alibi) chiude con abilità il cerchio che ha inizio con il crollo del palazzo alla fine del primo episodio. Omaggi e riferimenti a True Detective, I Soprano, Il Padrino, Carlito's Way. Ma anche qualche difetto (si è distolto lo sguardo sui personaggi femminili e la componente mafiosa non è necessaria ai fini della serie). Speranze per la seconda stagione? Meno di zero. Terence Winter ha lasciato il posto di showrunner per divergenze creative (leggasi: licenziato), al suo posto due sconosciuti alle prime armi. God save the Rock e anche Vinyl.

★★★

Tratto da Una stagione selvaggia di Joe R. Lansdale, Hap and Leonard è l'affermazione dell'amicizia autentica dai toni pulp, country/western, con qualche non invitata fuoriuscita nell'horror. Hap e Leonard sono amici da sempre. Raccolgono rose sotto il sole cocente del Texas e sopravvivono tra una scazzottata nel fienile e una birra in compagnia. Hap Collins (James Purefoy) ha trascorso alcuni anni in prigione per diserzione e ha un debole per le donne (soprattutto per una, Trudy, con la quale stava per sposarsi). Leonard Pine (Michael Kenneth Williams), invece, è un afroamericano gay dal carattere fumantino che ha combattuto in Vietnam. La loro virile serenità però viene interrotta dal ritorno di Trudy (Christina Hendriks, ovvero Joan di Mad Men), una femme fatale che convincerà Hap - nonostante le rimostranze di Leonard il quale detesta Trudy - a partecipare al recupero di un'auto affondata nel fiume al cui interno si troverebbe un tesoretto di un milione di dollari. Tra una banda di hippie con la pretesa di cambiare il mondo smerciando droga solo ed esclusivamente per soddisfare la questione liquidità, un perverso narcotrafficante dal grilletto facile di nome Soldier (nota di merito a Jimmy Simpson) che si accompagna a una donna di nome Angel che di angelico non ha nulla (alta due metri, vesti di latex, tanga in bella vista, spietata orca assassina), Hap and Leonard si è rivelata come una delle sorprese dell'anno che i fan di Lansdale non possono lasciarsi scappare. Comunque, il penultimo episodio è di una violenza realistica a cui non ero più abituato.

E' meglio il libro di Stephen King o il film di Stanley Kubrick? Black Jesus, che domanda scassaquallera. Almeno ora so rispondervi con assoluta certezza: è meglio il film. Non che il libro sia una ciofeca non commestibile, tutt'altro, ma di fronte alla paura pura che il capolavoro kubrickiano riesce a infondere nel cuore, nella mente e nelle vene di chi lo guarda allora le descrizioni di King sembrano arcobalenose (tié, petaloso) come le code dei My Little Pony. Allo scrittore del Maine, però, voglio dare atto della sua discreta capacità di descrivere una famiglia disfunzionale preda di frecciate velenose, gelosie ed episodi di violenza domestica. Shining, più che un romanzo su un hotel infestato, è un romanzo su tre persone che non riescono a stare sotto lo stesso tetto senza che l'anima di uno si avveleni. Danny è un bimbo adorabile, Jack uno scrittore fallito facilmente irascibile, Wendy una moglie apprensiva e soffocante, e quando i genitori scherzano tra di loro, si sorridono, e sembrano amarsi come una volta, ti viene difficile credere che da lì a poche pagine l'Overlook Hotel (inquietante invenzione) inizierà il processo che porterà Jack Torrance alla follia. Il finale? Thank you, Stanley. Solo questo.

Canne al vento è uno dei classici della letteratura italiana che mi sono sempre ripromesso di leggere. Ci sono i romanzi di formazione, familiari, corali, il libro di Grazia Deledda è un romanzo di paese. Mentre leggi la sensazione provata è quella di esserci già stato in quei luoghi; forse nei sogni; o nel momento in cui le due palpebre sono ancora distese mentre l'occhio è già di per sé pronto a essere inghiottito dal buio. Siamo in un piccolo villaggio sulla costa tirrenica della Sardegna. In un umile poderetto di proprietà delle nobili donne Pintor vive Efix, devoto servo della famiglia da sempre, la cui esistenza è un pendolo che oscilla tra il poderetto che cura proprio come se fosse suo e la casa decadente in cui vivono le sue padrone, Ruth, Ester e Noemi, le quali conducono una vita accanto al lume della malinconia, come "i santi di legno nelle chiese" che "guardano, ma non vedono". Su Efix grava un pesante senso di colpa che non lo abbandona mai. Sogna con fervore la rinascita della nobile famiglia e questa speranza si riaccende quando Giacinto, il figlio di Lia Pintor (fuggita in America contro il volere dei genitori), arriva per la prima volta in paese. E porterà tutto tranne che la speranza.
Una prosa suggestiva, lirica e profumata. Le descrizioni dei paesaggi sono delicate, attraversate dalla fantasia e pregne di simbolismo e superstizione. Tra i personaggi principali e secondari spiccano saggezza popolare, istinti primitivi, orgoglio nobiliare, devozione, amore. Tutti sono "proprio come delle canne al vento [...] Siamo canne, e la sorte è il vento".

22.11.63 - Miniserie Tv

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 19 Apr 2016 15:40:00 +0000

★★

Una miniserie Tv tratta da quel libro bellissimo che è 22.11.63 di Stephen King non poteva non crearmi una lieve salivazione, che è stata quasi prosciugata alla vista del nome dell'attore che avrebbe interpretato il professore di letteratura chiamato a viaggiare nel tempo al fine di salvare J. F. Kennedy: l'incapace James Franco. Se quest'ultimo non si fosse interessato al progetto in contemporanea con J. J. Abrams (produttore esecutivo della miniserie assieme a Franco e allo stesso King) con tutta probabilità si sarebbe scelto tutt'altro attore protagonista. Anzi, diciamola tutta: se Jonathan Demme (il primo a essersi mostrato interessato a una trasposizione cinematografica del romanzo) e Stephen King avessero trovato un punto d'incontro sulla stesura della sceneggiatura avremmo ottenuto un ottimo film invece di una miniserie qualitativamente nella norma.

Jake Epping (James Franco) è un infelice professore d'inglese nella cittadina di Lisbon Falls (Maine), appena stato lasciato dalla moglie ex alcolista. Dopo le lezioni tiene un corso di scrittura creativa dove incontra Harry Dunning, un bidello affetto da zoppia, che riversa in un tema assegnatogli l'episodio tragico di cui è stata vittima la sua famiglia nella notte di Halloween del 1958. Un giorno Al Templeton (Chris Cooper), gestore di un bar, affetto da un cancro ai polmoni, rivela a Jake un segreto incredibile: proprio nel retro del locale, dove c'è la dispensa, è presente un varco che se attraversato ti catapulta direttamente alle 11.58 del 9 settembre 1958. E Al, dopo aver convinto Jake a provare le sue parole onde evitare che lo prenda per matto, gli affida una missione impensabile: fermare Lee Harvey Oswald (Daniel Webber) prima che conficchi una pallottola nella testa del presidente J. F. Kennedy. Jake, dapprima riluttante, accetta e viaggia nel passato per cambiare il futuro. Ma presto Jake capirà che il passato è inflessibile e non vuole essere cambiato.

A 22.11.63 manca il cuore. Non si riesce a instaurare un rapporto d'empatia con i personaggi coinvolti nella vicenda. E se in un prodotto seriale - anche solo una miniserie - manca il coinvolgimento e il sentimento, qualunque esso sia, nei loro confronti allora tra fissare un frigorifero e guardare una serie non c'è alcuna differenza. Si è deciso inoltre di inserire il personaggio di Bill (finto fratello di Jake) poiché dal punto di vista televisivo la missione in solitaria di Jack (raccogliere informazioni su Lee Harvey Oswald così da scoprire chi era la mente che ha ordinato al dito di premere grilletto) poteva non funzionare.

Ora, comprendo le esigenze di sceneggiatura, il doversi "piegare al mezzo televisivo", tutto quello che si vuole, però poi non si passa sopra un intero episodio su Rick e Carl di The Walking Dead che si rifugiano in una casa e allora uno s'accascia sul divano mezzo morto e l'altro si abbuffa di budino scaduto. In quel caso non ci sto e invece di farmi venire l'ulcera vado a farmi un giro nel parco.

Al di là dell'intreccio temporale affascinante, della missione che sotto sotto fa presagire un falso aroma di panegirico buonista pro-kennedy (fidatevi, non è così), 22.11.63 convoglia la sua attenzione unicamente sulla storia d'amore tra Jake e Sadie (un'eterea Sarah Gadon) finendo per far passare in secondo piano il momento rivelatore dell'intera vicenda (quando Jake torna nel futuro). Piacevolmente sentimentali i minuti finali, ma non basta.

Shameless - Stagione 6

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 14 Apr 2016 12:42:00 +0000

★★★½

Sesto anno gallagheriano e allo stesso tempo primo anno in cui il sottoscritto assiste alle (dis)avventure della famiglia più amata della Tv in contemporanea con gli USA. Dopo aver fatto la conoscenza dei Gallagher nella prima stagione, esser rimasto deluso guardando la seconda, provato divertimento guardando la fiera dell'illegalità nella terza, rimasto in l'estasi per la quarta insuperabile stagione ed essermi goduto il viaggetto della quinta sui binari della piacevole godibilità, questa sesta stagione, giunta ahimé al termine la scorsa settimana, ha saputo nuovamente emozionare, divertire e coinvolgere, confermando il pedigree di cui sono dotati i Gallagher.

La svolta di Carl - il Gallagher dell'anno - da delinquente ad aspirante poliziotto (e il pensiero di Carl in veste di agente di polizia fa molta più paura rispetto ai panni di Pablo Escobar in miniatura); la nuova relazione di Ian dopo l'importante storia con Mickey (tutti speriamo ritorni nella settima stagione); la brutta piega che ha preso la vita di Lip (da piccolo genio ad alcolista sregolato); la nascita della figlia di una teen Debbie piuttosto irritante; a Kevin e Veronica (a cui si aggiunge la simpaticissima Svetlana) è affidata la parte puramente goliardica e fanno come al solito centro; dopo una lista di uomini sbagliati vi è il consolidamento del rapporto tra Fiona e Sean e il perno della famiglia Gallagher sembra(va) aver trovato finalmente l'uomo giusto; e poi c'è Frank, sempre il solito stronzo sempre a un passo dalla redenzione.

Uno dei momenti da brividi di questa sesta stagione è sicuramente la perdita della casa è un colpo durissimo non solo per i Gallagher, ma anche per noi tutti amanti di Shameless dove a ogni nuova stagione siamo stati accolti oltre la soglia di quella porta che ha visto entrare e uscire moltissime persone. Quella porta che conduce alla base dei Gallagher. Quante ne ha vissute quella casa? Quanta storia c'è dentro quelle mura? Ne conosciamo ogni crepa, incrinatura, stucco, scheggia e scalini pericolanti. La casa di Fiona, Lip, Ian, Debbie, Carl e Liam è anche la nostra casa. Cosa sarebbe Downton Abbey senza la tenuta dei conti di Grantham? Sicuramente più povera. Ciò vale anche per Shameless: perché non sono solo i personaggi a tenere viva una serie Tv, ma soprattutto i luoghi dove le loro vicende prendono vita.

Incominci a guardare il nono episodio di questa sesta annata di Shameless con una mente nostalgica, e si finisce inevitabilmente a fare dei paragoni con le precedenti stagioni, specialmente con l'intensità della perfetta quarta stagione. Ecco, mancano dei momenti davvero intensi e sembra che agli autori manchi l'ispirazione. Certo, la perdita della casa è un bel/brutto momento, ma l'annosa situazione, risolvendosi nel giro di una puntata, non la si è sfruttata a dovere. Il finale è amarissimo e sconsolante e quando l'amico di Carl compie un determinato sanguinoso gesto la forza della serie si fa sentire alla base dello stomaco.

Poi però assisti - sempre nell'episodio nove - al breve ritorno di Mandy che nel frattempo si scopre essere diventata una escort; a Lip che rischia seriamente di imboccare la strada alcolica dell'odiato "padre" Frank; alla prima volta di Carl; al primo orgasmo di Debbie; e soprattutto alla proposta di matrimonio di Sean a Fiona. E niente, finisci per ricordarti perché ami Shameless, perché ami i Gallagher. Perché a ogni loro prima volta sorridi e alzi il calice per brindare in loro onore.

House of Cards - Stagione 4

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 04 Apr 2016 12:41:00 +0000

★★★★

Uno dei miei personaggi seriali preferiti è Frank Underwood. Freddo manipolatore, impagabile opportunista, micidiale stratega, omicida impenitente, affascinante affabulatore. No, non è la descrizione di un narcotrafficante o di un boss degli anni '30. Ma del Presidente degli Stati Uniti d'America. E l'attore che lo interpreta è colui che indico come il Figlio nella mia speciale (e indiscutibile) trinità d'attori viventi: Kevin Spacey. Fin dalla prima puntata di House of Cards - tratta dalla trilogia letteraria di Michael Dobbs, sviluppata per la televisione da Beau Willimon e prodotta, tra gli altri, da David Fincher - si è affermata come una delle serie Tv più intriganti e interessanti, in grado di rendere la politica (che barba e che noia) addirittura sexy.

Frank Underwood, da quando è subentrato a Walker, non ha avuto una presidenza facile e come se non bastassero le pressioni dei russi, le beghe di partito e un Doug (suo braccio destro) in riabilitazione al termine di un negoziato finito male, che ha non poco minato la credibilità politica di sua moglie Claire, il suo speciale rapporto con lei sembra destinato a finire. Claire è satura del ruolo di First Lady e mira in alto: la vicepresidenza. Frank sa che sarebbe un suicidio politico se la nominasse senza una buona ragione e in questo caso il destino gli viene in soccorso sotto forma di una pallottola che fa centro nella sua carne.

Come si è capito fin dalla prima puntata, dove un Kevin Spacey in bretelle e camicia bianca pone fine ai guaiti di un cane investito da un auto, House of Cards è una serie Tv disumana. Le poche volte in cui il sentimento danza sui volti dei personaggi come una flebile fiammella noi proviamo quasi della repulsione; perché il sentimento stona maledettamente in quella fotografia dai toni glaciali e quando compare il sesso, beh, è soltanto un altro modo per esprimere il potere dell'uno sull'altro.

E' vero, Frank non sputa su un crocifisso, non piscia sulla tomba del padre, non vorrebbe buttare giù dalla tromba delle scale il presidente russo Petrov, ma quando rompe la quarta parete in questa stagione non lo fa mai a sproposito e si fa perdonare per non averlo fatto prima, e noi lì, incantati da questo pifferaio magico con le mani lordate di sangue. E manca poco che si ritrovi a banchettare all'inferno come un Kennedy qualunque. Inoltre scene come quella nello studio ovale con il Segretario di Stato Cathy Durant rimarranno nella storia dello show per tensione e atmosfera.

Poi, finalmente, gli autori, accortisi che la Dunbar era una concorrente troppo debole per un figlio di buona donna come Underwood, hanno inserito il governatore Conway, candidato repubblicano alle elezioni presidenziali, dall'immagine pubblica immacolata i cui reali appetiti vanno a braccetto con quelli del suo tenace e scaltro avversario (nonché presidente). Per questo e per altri motivi (su tutti la regia elegante e decisa di Robin Wright) questa quarta stagione di House of Cards supera in qualità la terza, si può accostare senza problemi alle prime due imperdibili stagioni, e non fa che accrescere la salivazione in attesa di una quinta presumibilmente debordante di caos, violenza e terrore.

Batman v Superman: Dawn of Justice (2016)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 28 Mar 2016 07:00:00 +0000

★½

Diciotto mesi dopo il suo scontro con Zod, Superman (Henry Cavill) divide l'opinione pubblica: c'è chi lo ama come se fosse un dio e chi teme che sia una pericolosa minaccia per il mondo intero. Tra coloro che provano nei confronti di Superman un odio profondo c'è il miliardario Bruce Wayne (Ben Affleck), che da più di vent'anni combatte il crimine a Gotham City vestendo i panni di Batman, il quale lo considera colpevole della morte di centinaia di cittadini di Metropolis. Nel frattempo il giornalista Clark Kent (identità dietro cui si cela Superman) indaga sul vigilante di Gotham che usa metodi tutt'altro che sottili mentre il giovane Lex Luthor (Jesse Eisenberg), convinto che il supereroe di Metropolis sia una minaccia per l'umanità, trama al fine di scalfirne la sua invulnerabilità.

Uno dei cinecomics più attesi degli ultimi anni, più di centocinquanta milioni spesi per la promozione, accompagnato da uno strascico di polemiche fin dalla conferma di Ben Mascellone Affleck nel ruolo di Bruce Wayne e di Zack Incapace Snyder alla regia, Batman v Superman: Dawn of Justice non solo riportava al cinema il Cavaliere Oscuro dopo l'ignobile capitolo finale della trilogia di Christopher Nolan, ma lo posizionava in una lotta all'ultimo brandello di mantello contro quel supereroe che solo Quentin Tarantino è riuscito a rendere interessante nel monologo di Bill in Kill Bill ovvero Superman (esistono davvero quelli che vanno al cinema con il suo logo stampato sulla maglietta?). Inoltre l'armatura e relativa maschera che Batman indossava durante i trailer era chiaramente ispirata a quella disegnata da Frank Miller - l'autore di fumetti che più di ogni altro ha rivoluzionato la figura del supereroe della DC comics - senza contare il suo mordace atteggiamento e la sua rabbia repressa che sembrava scaturire direttamente dalle pagine de Il ritorno del cavaliere oscuro, in più alla festa a base di pugni e sguardi truci partecipavano pure Lex Luthor e Wonder Woman. C'erano tutti gli elementi per sfregarsi le mani, leccarsi i baffi, e andare al cinema godendo della visione non di un capolavoro (ma chi ci sperava, dai), ma di un ottimo e solido film d'intrattenimento. Le alte aspettative saranno state ripagate?

Il film si apre con efficaci titoli di testa in cui si narra l'arcinota storia che ha portato Bruce Wayne a diventare Batman, il vigilante oscuro che di notte combatte il crimine nella città di Gotham. In seguito vediamo Bruce Wayne accorrere a Metropolis dove infuria lo scontro tra Superman e Zod (L'uomo d'acciaio): tra cittadini impauriti fatti evacuare, pezzi di palazzi che si infrangono al suolo, e caos ovunque, Bruce, mentre la lotta imperversa nel cielo, assiste al crollo di uno dei palazzi della Wayne Enterprises. In un colpo solo centinaia di morti gli si riversano su quella parte di sé che vorrebbe ardentemente salvare tutti, e l'odio per quell'alieno sceso dal cielo (e diciotto mesi dopo acclamato dal popolo come una sorta di Gesù Cristo salvatore) si fa strada attraverso il suo animo tormentato fino ad arrivare alle porte del suo cuore dove viene accolto e fatto crescere come una creatura a se stante.

I cittadini di Metropolis vedono in Superman non un alieno dai fini poco umanisti, bensì una sorta di Dio in tuta blu e mantello rosso che tra nuvole squarciate dai raggi solari appare a chi si trova in difficoltà. Bruce Wayne/Batman, d'altro canto, vorrebbe che tutti lo vedessero come una potenziale minaccia per il mondo intero, e il ricco imprenditore Lex Luthor, convinto che i diavoli arrivino direttamente dal cielo, trova un misterioso minerale (la kryptonite) che è in grado di corrompere e alterare le cellule kriptoniane. E la prima ora e mezza di Batman v Superman la si accantona, talmente piena zeppa di roba da risultare debordante e spesso confusionaria.

Ben Affleck, tutto sommato, si rivela essere un buon Bruce Wayne/Batman: arrabbiato, rancoroso, quasi stremato da vent'anni di lotta al crimine, ormai fuori posto, quasi estraneo alle feste mondane, assorbito dal suo odio verso quell'alieno che ha causato la morte di centinaia di innocenti. Certo, se avesse evitato di dire "Ommerda" come un Massimo Boldi qualsiasi sarebbe stata cosa assai gradita. Henry Cavill sarebbe meglio perderlo tra le macerie che ritrovarselo in un'altra pellicola. Gal Gadot voleva essere il simbolo dell'affermazione femminista nel mondo DC mentre è semplicemente calata in un ruolo (per ora) piuttosto "inconsistente" che pronuncerà sì o no cinque battute in croce; discorso diverso per Jesse Eisenberg che rende il suo Lex Luthor, attraverso una logorrea accigliata, uno psicopatico burattinaio di supereroi.

Batman v Superman: Dawn of Justice, senza tanti giri di parole, è una sòla, un bluff a poker che ti fa rimanere in mutande schiumante di delusione, una storia potenzialmente epica e rinvigorente soffocata dalla regia di uno Zack Snyder intento a riempire ogni scena di caotica CGI, muscoli, pioggia che guarda caso non sfiora mai i volti e i mantelli dei supereroi neanche fossero immuni, e dalla sceneggiatura ignorante di un Chris Terrio e David S. Goyer che forse lungo tutta la loro vita non hanno leggiucchiato di sfuggita neanche un graphic novel dedicato al Cavaliere Oscuro, tanto meno i capolavori di Frank Miller (soprattutto Il ritorno del cavaliere oscuro) da cui pareva essere tratto questo Batman dark, feroce e violento. Invece la possanza e l'oscura presenza del Batman di Zack Snyder viene buttata nel tritarifiuti del ridicolo nel giro di un'unica vergognosa e imperdonabile scena.

Dalla lotta con Doomsday fino al termine della corsa il film - che era entrato nel pieno del conflitto fra Batman e Superman - prende una piega insopportabile (è avvilente vedere Batman diventare best friend di Superman e nascondersi dietro le macerie con un caspita di fucile mentre lui e Wonder Woman lottano contro la creatura aliena) e soporifera dove ci si ritrova a sperare solo che finisca al più presto così da andare a mangiare un boccone. Come se non bastasse il caro Zaccaria Smerder posiziona tre o anche quattro possibili finali uno dietro l'altro, in sequenza, di modo che (manco fosse un istruttore di fitness) costringa lo spettatore ad alzarsi dalla poltrona altrettante volte proprio come se dovesse fare degli esercizi per mantenere tonici i glutei.

Batman v Superman: Dawn of Justice aveva tutte le carte in regola per essere la scala reale dei cinecomis: l'epica dietro i due supereroi più famosi del mondo avrebbe permesso a qualcuno dotato di senso estetico, conoscenza della materia, e abilità nell'arte visiva di trarne il meglio possibile e immaginabile; purtroppo il risultato ottenuto non è nient'altro che una pellicola incassa-incassa con il compito principale di preparare il terreno per i prossimi film della Justice League. Davvero un epico spreco.

Veep - Stagione 4

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 17 Mar 2016 08:00:00 +0000

★★★★

Veloce recap delle stagioni precedenti: la seconda stagione di Veep parte benissimo, si affloscia leggermente nel sesto e settimo episodio con una Selina sull'orlo di una crisi di nervi, e finisce per prendere il volo con la VP che decide di candidarsi alle elezioni presidenziali. La terza stagione invece, incentrata sull'impegnativa campagna elettorale di Selina Meyer, inizia in maniera fiacca per poi riprendersi sempre più vivacemente. Da segnare l'episodio 6 che tratta l'annosa questione delle armi e l'episodio 7 il cui viaggio a Londra di Selina è esilarante.

Ma è nella quarta stagione che Veep fa un salto di qualità incredibile diventando una serie Tv davvero da non perdere per nessuna ragione al mondo la cui quinta stagione (che inizierà il 24 aprile) attendo con trepidazione. Perché a differenza del suo collega House of Cards, la serie Tv creata da Armando Iannucci, attraverso gli errori comici dello staff e del presidente Selina Meyer, e non mediante trame spionistiche, omicidi, intrighi infiniti, fa riflessione politica e satira feroce e deliziosamente (s)corretta.

Il cast è tra i più affiatati in circolazione. Ogni attore dà al suo ruolo una particolarità, non si potrebbe fare a meno di nessuno dei personaggi (che Veep sarebbe senza Gary? Dai) e quando si intuisce l'improvvisazione è tutto grasso che cola. Julia Louis-Dreyfus è una mattatrice di prim'ordine, figlia del Saturday Night Live, non sbaglia né un tempo comico né un'espressione a pagarla e le sue uscite ("Ti piace fare sesso e viaggiare? E allora vai a farti fottere") metterebbero in imbarazzo anche un masso di granito come Frank Underwood.

Ma è dall'episodio 5 di Veep che gli effetti dei pastis di Selina Meyer cominciano a venir più o meno contenuti grazie all'entrata in scena del nuovo Vicepresidente. Lui, senza bastone, senza barbetta grigia, non attorniato dagli immancabili Chase, Foreman e Cameron e per nulla facente uso di Vicodin. Sì, sto parlando proprio di Hugh Laurie. Immaginate le mie urla quando ho scoperto che il senatore Tom James il quale accetta di essere il nuovo VP di Selina Meyer è l'attore che volente o nolente sarà sempre l'amatissimo/odiatissimo Dr. Gregory House. Entusiasmo da groupie manco a dirlo.

Nella storia dell'umanità non si è mai verificato un pareggio nella notte delle elezioni presidenziali americane e quel genio di Iannucci non solo lo pensa, ma lo racconta in uno splendido episodio tirando in ballo il XX emendamento della cui esistenza, forse, neanche gli statunitensi sono a conoscenza. Chiudo col dire che il penultimo episodio di questa incredibile quarta stagione è difficilmente (perché scriverlo deve essere stato tutt'altro che semplice) sorprendente.

Shameless - Stagione 5

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 10 Mar 2016 08:00:00 +0000

★★★½

Molto probabilmente se rimanessi chiuso in una stanza con Gus Fring, Pablo Escobar e Carl Gallagher avrei una paura fottuta di ritrovarmi appeso per i piedi e torturato non dai primi due temibili e organizzati narcotrafficanti, bensì dal membro psicopatico della folle famiglia Gallagher che in questa quinta stagione raggiunge il luogo di cui si interessava maggiormente fin da quando era un bambino che inseriva la bambole nel forno a microonde: la prigione.

Impensabile come nella quinta stagione di Shameless ci si ritrovi a parteggiare per Frank nella sua lotta contro quella sciroccata di Sammi (figlia maggiore acquisita), inimmaginabile fino a quattro stagioni fa vedere Frank tenere veramente a una donna senza provare a circuirla, e poi è strano come Debbie sia cresciuta e rimasta bambina allo stesso tempo: picchia le ragazze, le minaccia nei bagni della scuola per ricevere consigli in fatto di ragazzi, ma resta quella ragazzina insicura, bisognosa d'affetto, che per il bacio di colui che le piace salta, fa le giravolte, e ha il viso radioso di chi non ci crede ancora.

E' appurato che la fedeltà non è tra i valori di Fiona Gallagher, ma le vogliamo bene lo stesso. Il suo carosello di uomini in questa stagione (Sean - un Dermot Mulroney ritrovatosi - che non ci sta, finora; Guss, musicista jazz che sposa nel giro di due giorni; e Jimmy che fa il suo ritorno solo per dimostrare quello che è ed è sempre stato: un cazzone) non fa che accrescere la voglia di vederla sistemata con un uomo dabbene che sappia accettare il caos della sua famiglia che inevitabilmente si porta dietro uno strascico di illegalità (Carl finisce in galera per spaccio), problemi di salute (Ian è bipolare proprio come la madre Monica), di cuore (Debbie e Fiona),di coppia (Kevin e Veronica) e di parenti nuovi che spuntano come tumori (Sammi, la detestabile Sammi e suo figlio ritardato Chuckie).

Momenti che ti demoliscono (il ricovero di Ian e il suo arresto da parte dei militari dopo un bellissimo pomeriggio trascorso con Mickey), piccolissime scene mute che fanno la differenza (La sera del giorno in cui Sean dice a Fiona "Tu porti il caos" lei porta Debbie a un concerto e lì, per difenderla dalle avances di un viscido, fa a botte. Scappano dal locale a rotta di collo. Per riprendere fiato si fermano. Debbie è eccitata, sconvolta. Fiona si accascia contro un muro e guarda sua sorella. Le vediamo negli occhi la realizzazione delle parole di Sean), la vivace colonna sonora che accompagna le gesta dei Gallagher, e quell'affezione ai personaggi che ho provato solo per quelli de I Soprano, The Leftovers, Mad Men e Downton Abbey: tutto questo e altro ancora è la quinta stagione di Shameless che pur non raggiungendo i fasti della quarta si mantiene su un livello di piacevolissima godibilità.

Insomma, dopo cinque stagioni ci si rende conto che la famiglia Gallagher è una malattia. Una malattia decisamente sana, però.

Benedizione di Kent Haruf

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 03 Mar 2016 09:59:00 +0000

Una benedizione. Questo libro è una benedizione in mezzo al tritacarne di gialli scandinavi, libri sul Papa, autori italiani al di sotto della soglia di mediocrità, fantasy di dubbio gusto e porcate erotiche che di erotico non hanno neanche i brividi di repulsione che solo la loro vista in libreria provoca. E una benedizione è NN Editore il cui merito è quello di aver pubblicato due dei tre libri della Trilogia della pianura di Kent Haruf (Benedizione, Canto della pianura e il terzo, intitolato Crepuscolo, è previsto per giugno) - doverose le congratulazioni a Fabio Cremonesi per l'ottima traduzione - oltre ad aver fatto scoprire ai lettori italiani uno splendido autore americano che, tolti i paragoni esagerati con William Faulkner e Cormac McCarthy, tratteggia la vita americana con una placidità su cui ci si merita di essere cullati.

Nella piccola cittadina di Holt in Colorado a Dad Lewis viene diagnosticata una malattia incurabile che lo porterà alla morte in pochi mesi. Accanto a lui vi sono la devota moglie Mary e l'amorevole figlia Lorraine che lascia il lavoro per accudire il padre e aiutare la madre. In questo piccolo e quieto spaccato di vita americana vi troviamo personaggi i cui gesti sono ancora intrisi di una bontà disinteressata: vi sono le Johnson, madre e figlia, cortesi e disponibili, la prima vedova da molti anni e la seconda ormai zitella consapevole e rassegnata; la vicina di casa dei Lewis, Berta May, che cresce la nipote dopo la morte prematura della madre; i fedeli e leali aiutanti di Dad, Bob e Rudy, che sono parte integrante del negozio di ferramenta che da anni gestisce in Main Street; e infine il reverendo Lyle, arrivato da poco a Holt, che, tentando di smuovere le menti dei cittadini abituati sempre ai soliti discorsi dal pulpito, mette a rischio il suo ruolo e la sua già fragile realtà familiare.

La scrittura di Kent Haruf è impeccabile. Esatta e sobria, come la descrive il traduttore. I capitoli (il 15 è un esempio di sintesi e pacata intensità narrativa) sono condensati in cinque pagine o poco più. Le descrizioni dei personaggi di solito sono lunghe mezza riga. Perché sono i dialoghi (in puro stile McCarthy ovvero senza virgolette) e le azioni che vanno a scolpire la loro psicologia, il loro carattere, il loro esistere all'interno del romanzo.

Leggendo Benedizione ci si riappropria del senso del gesto come sedersi fuori sulla veranda a godersi la pioggia che bagna il terreno arso dall'estate calda o sentire l'acqua fresca di un abbeveratoio sul proprio corpo o una piacevole brezza sulla pelle o ancora guardare dal di fuori il luogo in cui si ha lavorato tutta la vita. Ed è proprio la vita, quella che ci restituisce Kent Haruf: con tutto il suo fiatone dopo essere arrivata al termine della corsa. Ebbene sì, il traguardo sta per essere tagliato anche se troppo presto. E' stata una bella vita, quella di Dad Lewis, anche se non perfetta (e quale lo è?). Amato da una moglie devota e da una figlia che conosce bene il senso di vuoto che lascia una perdita. Forse con qualche rimpianto, come quello di non essere riuscito a capire suo figlio. Ma così è la vita. La si prende e si dice grazie. Grazie, Kent Haruf.

Life Is Strange - I toni caldi del tempo (e dell'amicizia)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 01 Mar 2016 08:00:00 +0000

Amo i videogiochi. Forse è la prima volta che lo ammetto in un post ed è sicuramente la prima volta in cui prendo in esame - con tutto il trolley d'ignoranza che mi porto dietro - un videogioco vero e proprio. E' un po' come quando ho dedicato un post a The Leftovers dopo essermi promesso che mai avrei scritto di serie Tv: succede che vedi qualcosa che ti sconvolge talmente in positivo che la tua prima azione è quella di condividere l'entusiasmo per l'esperienza provata con il tuo caro e amato pubblico. Ed è ciò che è successo con Life Is Strange, un'avventura grafica divisa in episodi rilasciati a cadenza bimestrale a partire dallo scorso anno, che da poco meno di un mese ha potuto essere fruita da tutti i possessori di console grazie all'edizione retail avente i tanto agognati sottotitoli in italiano.

Tra le esperienze emotive più fortificanti che abbia mai provato ve ne sono sicuramente quattro o cinque legate al mondo videoludico: l'entrata paradisiaca nella città di Columbia circondata dalle note angeliche di Wille The Circle Be Unbroken in Bioshock Infinite; il viaggio da incubo di James Sunderland che si reca a Silent Hill dopo aver ricevuto una lettera dalla sua defunta moglie Mary in quel capolavoro d'atmosfera e di orrore psicologico che è Silent Hill 2; il momento in cui John Marston, eroe di Red Dead Redemption, oltrepassando il confine che separa gli Stati Uniti dal Messico, mette piede per la prima volta sul suolo messicano e cavalca verso il tramonto sulle note di Far Far Away; l'epicità in un joystick quando si gioca alla saga di Mass Effect e i brividi causati da una semplicissima melodia di pianoforte verso la fine di una delle avventure videoludiche più intense ed emozionanti che possiate mai portare a termine.

Max Caulfield è una giovane studentessa che frequenta la prestigiosa Accademia Blackwell in una piccola cittadina dell'Oregon, Arcadia Bay, affacciata sull'Oceano Pacifico. Qui studia fotografia e sogna un giorno di poter diventare un'artista. Ama scattarsi quelli che in gergo sono i selfie, è affascinata dal professore Mark Jefferson, ed è presa di mira dalle ragazze chic e figlie di papà della scuola per via del suo look per nulla alla moda. Un giorno, dopo essere entrata nel bagno delle donne, assiste a una lite tra Nathan Prescott (il classico figlio del più generoso benefattore della scuola) e la sua migliore amica Chloe che sfocia nella morte di quest'ultima per mano del ragazzo. Ed è qui, soltanto uscendo allo scoperto e gettando un braccio verso l'amica morente, che Max scopre di avere un potere immenso capace di cambiare per sempre la sua vita e quella di tutte le persone che la circondano: il potere di riavvolgere il tempo.

"Da grandi poteri derivano grandi rotture di palle". Armeggiando con il vostro nuovo potere, vi ritroverete a dover convincere una studentessa a non gettarsi dal tetto del dormitorio; potrete scegliere se umiliare o meno la ragazza più cool della scuola; firmare o meno una petizione per salvaguardare l'ambiente marino di Arcadia Bay: a voi la scelta; preferite che una ragazza venga colpita da una palla da rugby in piena nuca oppure meglio riavvolgere il tempo evitando così che accada? Insomma, al giocatore viene lasciata la possibilità di scegliere il comportamento di Max da tenere con i compagni, i professori, il preside, il capo della sicurezza, e con la migliore amica Chloe. Il lavoro svolto a livello di sceneggiatura è egregio: gli adolescenti parlano come tali e i riferimenti al cinema, alle serie Tv (Twin Peaks in primis) non si finisce di contarli. La grafica texturizzata ad acquerello potrebbe far storcere il naso ai maniaci della grafica perfetta mentre per quanto mi riguarda (ammetto di cedere troppo spesso al fascino della grafica) appare splendida con quei toni caldi così avvolgenti e morbidi da sembrare di essere immersi in una poesia di Keats. Così come la colonna sonora si coniuga alla perfezione con le immagini dirette e montate con quel pizzico di savoir-faire registico che non si può non apprezzare.

Credo di non essermi mai goduto così un videogioco senza avere il pensiero fisso degli ultimi minuti finali. Anche perché ogni episodio viene concluso con un'immagine mozzafiato (o nel caso del penultimo con un cliffhanger) come un'inaspettata nevicata nel pieno dell'estate di una piccola cittadina dell'Oregon che tanto mi ha ricordato la pioggia di rane in Magnolia o con la sconvolgente scoperta di ciò che un cambiamento significativo compiuto nel passato può modificare il futuro e stravolgere completamente la vita di una persona cara (credetemi se vi dico che se non fossi stato seduto io sarei caduto privo di sensi sul pavimento).

Non importa se le scelte compiute durante Life Is Strange hanno pochissime se non nessuna ripercussione sul finale - il quale metterà di fronte lo spettatore a due scelte estreme (un po' come Beyond) che cambieranno radicalmente il futuro di Arcadia Bay e di Max e Chloe - perché le scelte che si compiono durante il videogioco vanno a influenzare pesantemente sia Max sia la vita di coloro che la circondano nel presente. Perché ciò che lascia al giocatore Life Is Strange è una di quelle fotografie da appendere alla testata del letto o vicino allo specchio: che sembrano dire questo: noi non siamo coloro che salgono sul palco per i saluti finali. Noi siamo il risultato delle scelte compiute durante questo strano viaggio chiamato vita.

Deadpool (2016)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 25 Feb 2016 08:00:00 +0000

★★½

Wade Wilson (Ryan Reynolds), ex soldato delle forze speciali, dopo essere stato congedato con disonore, per tirare a campare ha deciso di fare il mercenario. Un giorno, nel losco bar che frequenta, incontra Vanessa (Morena Bacarin) con la quale ha un'intensa vita sessuale che sfocia nell'innamoramento più totale. Purtroppo però a Wade viene diagnosticato un cancro terminale a vari organi del corpo e dopo aver incontrato un misterioso "reclutatore" in grado, a suo dire, di farlo completamente guarire dal cancro, si reca nella struttura per sottoporsi a una serie di interventi. Peccato che da quest'ultimi ne uscirà orrendamente sfigurato e con poteri solo un attimo prima inimmaginabili.

Dissacrante, sarcastico, sboccato, volgare, violento e irriverente. Questo è Deadpool. Un supereroe atipico che non si è abituati a vedere al cinema. Non salva donzelle in pericolo, ma solo ed esclusivamente la sua. Non dà la caccia ai cattivi per rendere il mondo un luogo migliore, ma va alla ricerca del sadico che gli ha trasformato la faccia in un misto tra un'ananas e un kiwi affettati affinché gliela rimetta a posto. Non si sposta in città né con un'auto super-attrezzata né tramite ragnatele né volando come un fringuello, ma prende semplicemente il taxi. Non lascia che la sua storia venga narrata da una roca voce fuori campo, ma è lui stesso che ne narra le vicende rivolgendosi allo spettatore come se fosse dentro il salotto di casa seduto sul divano accanto a lui.

Deadpool ha un discreto ritmo, delle simpatiche trovate, una sceneggiatura che strizza l'occhio a quella manica di nerd là fuori pronti a criticare qualsiasi cinecomics perché "anghegghe, è però il costume è di un rosso diverso rispetto al fumetto", oltre a sfoderare qualche battuta ardita ("Di solito alle ragazze non lo dico, ma tu non ingoiare") o autoironica ""Credi che Ryan Reynolds sia arrivato dov'è arrivato grazie alle sue doti attoriali?"), ma ci si ritrova comunque ad assistere all'ennesima fiera della CGI con personaggi secondari così sciapi che non li faresti entrare nemmeno in un villaggio vacanze figuriamoci inserirli all'interno di un film.

Se si fosse deciso di lavorare con più artigianalità, con l'uso di stuntman professionisti, un utilizzo del sangue e delle contusioni più realistico, e se la regia (Tim Miller ci prova, ma gniafà) avesse assecondato questo spirito con maggior ispirazione, Deadpool avrebbe indicato una piacevole svolta per i film Marvel. Così invece è un film su un supereroe anticonvenzionale - piacevole, per carità - che si rivolge direttamente allo spettatore sperando che non si accorga dei suoi difetti.

The Hateful Eight (2015)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 23 Feb 2016 11:54:00 +0000

★★★★

Un paio d'anni dopo la Guerra Civile americana, una diligenza si dirige di gran passo verso Red Rock prima che una bufera le morda la coda. I passeggeri sono due: il temibile cacciatore di taglie John Ruth detto "Il Boia" (Kurt Russell) e la latitante Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) su cui pende una taglia di diecimila dollari. Sulla strada, seduto su un cumulo di cadaveri mezzi congelati, il maggiore Marquis Warren (Samuel L. Jackson), ex soldato dell'Unione divenuto cacciatore di taglie, chiede al cocchiere O. B. un passaggio per Red Rock. John Ruth, dapprima riluttante, accetta di farlo viaggiare con sé. Sulla strada incontreranno anche un certo Chris Mannix (Walton Goggins) che va dicendo di essere niente meno che il nuovo sceriffo di Red Rock. La strana compagnia riesce ad arrivare all'accogliente emporio di Minnie prima che la bufera diventi impossibile da affrontare, ma qui, invece di essere accolti dalla giunonica proprietaria e dal placido Sweet Dave, si ritrovano di fronte facce completamente sconosciute a partire da Bob (Demian Bichir), un messicano che si occupa dell'emporio mentre la proprietaria è in viaggio, passando per il raffinato Oswaldo Mobray (Tim Roth), il taciturno Joe Gage (Michael Madsen) e il vecchio generale sudista Sanford Smithers (Bruce Dern). Questi otto viaggiatori si ritroveranno a condividere lo stesso tetto, fuoco e cibo mentre imperversa una bufera fuori da una porta che va aperta a calci e chiusa fissando delle tavole di legno. Potrebbe essere un soggiorno tranquillo, seppur affollati, peccato che qualcuno degli otto non è chi dice di essere.

Una diligenza si avvicina lentamente a un crocifisso di legno striato di neve candida come se fosse sangue che ha perso il suo antico colore. Il messaggio che galoppa sulle note della colonna sonora di Ennio Morricone pare fluttuare nell'aria caricando il paesaggio innevato di un violento presagio: pietà l'è morta. E l'ottavo film di Quentin Tarantino ha inizio nel migliore dei modi possibili per poi calare lo spettatore in tre ore di pura tensione narrativa - una sorta di Dieci piccoli indiani e Le iene ambientati nel west - dove ogni frase è il verso di uno scatenato Rimbaud del cinema, dove l'uso della colonna sonora e la scelta dei brani continuano a rivelarsi da sempre tra i pregi del suo cinema, dove gli attori, che si muovono in un'unica scenografia, sprigionano quella particolare gioia ispirata da un maestro dell'arte cinematografica che non sbaglia un colpo neanche a pagarlo.

Perché Quentin Tarantino opera sugli attori come un orafo fa con delle pietre preziose da incastonare in una collana o un bracciale: li lavora smussando gli angoli spigolosi, livellando i piccoli difetti, lucidandoli e permettendoli di brillare di fronte la cinepresa dando loro piena libertà di improvvisazione. Kurt Russell ci ha preso così gusto nell'interpretare John Ruth che durante una scena ha distrutto una chitarra d'epoca di valore inestimabile facendo scatenare l'ira del museo che l'aveva in custodia. Il monologo che sfodera Samuel L. Jackson in The Hateful Eight è ai livelli di Ezechiele 25.17 di Pulp Fiction. Jennifer Jason Leigh compete con tutti gli attori maschi sul set grazie al ruolo di scaltra serpe maledetta il cui collo speri di vedere presto fare crac e che il regista tratta da criminale quale è (chi taccia Tarantino di misoginia ha il torsolo della mela al posto del cervello). Tim Roth scimmiotta volutamente Christoph Waltz (l'abbigliamento è quello dell'attore in Django Unchained) con raffinatezza inglese e intercalari francesi mentre Bruce Dern impartisce lezioni di recitazione stando seduto tutto il tempo su una poltrona.

Per Michael Madsen ho un debole. Ogni volta che viene inquadrato il suo volto dagli occhi affilati come rasoi attendo che dica "Quella donna merita la sua vendetta... e noi meritiamo di morire" invece, quando viene interpellato da John Ruth, dice di essere tornato in questi luoghi, dopo aver tirato su un po' di soldi, per passare un po' di tempo con la madre perché "passare il natale con la propria madre è una cosa meravigliosa". Come si fa a non amare Tarantino, dico io? E come si fa a non sentire un moto nel cuore quando Madsen pronuncia questa frase? Proprio quando, pronunciando la sentenza in Kill Bill, si sentono brividi lungo la colonna del buon senso. Perché per quanto The Hateful Eight sia un'opera matura, magistralmente tesa, autocitazionista, e fortemente politica; per quanto Django Unchained sia uno spettacolo esaltante e trascinante, Bastardi senza gloria una goduria infinita, Jackie Brown un capolavoro fin troppo sottovalutato (per non dire dimenticato), Le iene un cult intramontabile e Pulp Fiction una pietra miliare del cinema, per chi scrive Kill Bill resterà per sempre il punto più alto mai raggiunto dal genio di Quentin Tarantino. "No, bimba, in questo momento sono proprio io, all'apice del mio masochismo". Che ve lo dico a fare?

Il valore aggiunto a The Hateful Eight, però, è la curiosità morbosa che si prova nei confronti degli otto personaggi bloccati nell'emporio di Minnie: quante volte mi sono chiesto il numero di colli assicurati alla giustizia (e spezzati dalla stessa) da John "Il Boia" Ruth, la storia di guerra e disonore del maggiore Marquis Warren, la provenienza dell'accento di Oswaldo Mobray, come si è composta la banda dei Domargue, cosa si cela dietro lo sguardo malinconico e sofferto di Joe Gage, senza parlare delle circostanze che hanno portato alla nascita dell'emporio di Minnie. E poi l'abbraccio tra i compari poco prima della messa in scena non solo è quasi commovente, ma è fonte di immaginazione tutta nostra, offerta per noi spettatori. Se non si fosse capito vorrei un film su ognuno di loro.

E pensare che era una bellissima mattinata, per citare Fargo dei fratelli Coen. Minnie preparava il caffè e arrotolava sigarette mentre Sweet Dave giocava a scacchi contro un uomo anziano seduti di fronte al fuoco allegro del camino. Ci si poteva riparare dal freddo, bere qualcosa di caldo, fare quattro chiacchiere, fumare la pipa, consumare dei bastoncini alla menta mentre fuori dalla finestra il bianco della neve continuava a brillare come un'innocenza ritrovata prima che delle macchie di sangue indicassero la via da percorrere per mettere a tacere l'unico testimone della strage compiuta dalla banda Domargue. Michael Madsen esce dall'emporio appena dopo il massacro. Respira l'aria fredda del mattino, getta il bastoncino alla menta ancora intatto, e preso il fucile dalla diligenza segue la scia di sangue fino alla latrina sulle note di Now You're All Alone e lì l'arma ruggisce zittendo la musica.

Il finale è di una finezza politica sorprendente. Non voglio rivelarvi le identità dei personaggi che restano sulla scena per non guastarvi la visione di uno dei migliori film dell'anno, ma non è affatto un caso che restino proprio quei due degli otto odiosi a guardare il cadavere di quel dato personaggio. La morte non guarda in faccia né il Nord né il Sud, né il bianco né il nero, né una pericolosa ricercata né un qualsiasi sceriffo di una città del Wyoming. La morte, ancora più della giustizia, è uguale per tutti.

Jane the Virgin - Stagione 1

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 10 Feb 2016 08:00:00 +0000

★★★

Ai tempi delle medie una delle azioni che compivo con maggior partecipazione oltre a corteggiare baldracche, regalare decimi alla Playstation e mangiare dolci (questo lo faccio ancora) era guardare le soap opera; soprattutto quelle tedesche. In estate Canale 5 propinava sempre una nuova soap opera e fu così che i miei occhi non ancora abituati al caro e buon cinema si sorbirono Tempesta d'amore (tre stagioni e ancora continua a essere prodotta), Cuori tra le nuvole (fortunatamente solo una stagione), My Life (come dimenticare la nonna con l'alzheimer? mi dicono che arriverà a 2000 puntate) e Alisa segui il tuo cuore (pregammo, io e la mia famiglia, che mandassero in onda anche la seconda, ma invano). Potrebbe far gridare allo scandalo, questo mio passato discutibile, lo so, ma chi non ha degli scheletri nell'armadio?

Vi voglio confessare una cosa: ciò che più mi piaceva delle soap opera non erano né i personaggi (banali, prevedibili e stancanti) né le situazioni (ripetitive) né i luoghi (dopo aver visto le sopracitate soap tedesche ormai so riconoscere le città in cui sono state girate con un colpo d'occhio), ma era l'atmosfera di condivisione che si veniva a creare in famiglia. Io, mia madre e i miei nonni davanti allo schermo del televisore febbricitanti in attesa di sentir partire la sigla e vedere se la protagonista era riuscita a confessare il suo amore al tizio di turno o se il cattivo era riuscito a combinarne un'altra delle sue.

Jane Gloriana Villanueva (l'espressiva e simpatica Gina Rodriguez) è una dolce ragazza di ventitré anni che ama due cose più di ogni altra cosa al mondo: i toast al formaggio e le telenovelas. In quest'ordine preciso. Ha un ragazzo, Michael (Brett Dier), da circa due anni; studia insegnamento e il suo sogno nel cassetto è quello di diventare una scrittrice. Vive con la sua esuberante madre Xiomara (Andrea Navedo), che ha avuto Jane a soli sedici anni, e la cattolicissima nonna Alba (Ivonne Coll) che fin dal tredicesimo compleanno ha messo in guardia Jane circa i rischi del sesso prematrimoniale. Da allora Jane non ha mai fatto sesso. Fino a quando non viene inseminata artificialmente, per errore, con lo sperma di Rafael Solano (Justin Baldoni), figlio del proprietario di una lussuosa catena alberghiera e fratello della dottoressa che l'ha inseminata.

Guardare Jane the Virgin quindi è come ritornare a guardare le soap opere con una lieve, ma sostanziale, differenza: mentre la si guarda il cervello è acceso. La serie Tv, la cui seconda stagione è attualmente trasmessa da The CW, ironizza sulle telenovelas sfruttando tutti i meccanismi tipici come colpi di scena, personaggi che ritornano, segreti di famiglia, incontri significativi, incidenti e morti improvvise. Una voce narrante onnipresente (il simpatico Massimo Lopez) svela e anticipa i pensieri della protagonista Jane Gloriana Villanueva commentando spesso sarcasticamente le varie situazioni che si vengono a creare. Inoltre, spesso, ci si avvale di scritte che appaiono sullo schermo per ricapitolare fatti o legami tra i personaggi.

Pur con tutti i suoi limiti e alcune puntate rompebolas Jane the Virgin è una visione leggera, divertente e disimpegnata, che non si prende mai troppo sul serio, ed è ottima tra una visione e l'altra di Shameless, Narcos o quant'altro. Rimarrete ammirati dalle numerose espressioni buffe di Gina Rodriguez e riderete di fronte al narcisismo innocente di Rogelio de la Vega (assoluto protagonista della seguitissima telenovela Le passioni di Santos). Infine l'idioma di nonna Alba (può piacere come irritare) è quel tocco di autenticità iberica che non guasta affatto.