SEDE DAS CIAS

ÚLTIMO MÊS DE SEDE DAS CIAS

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Wed, 22 Jun 2016 19:41:00 +0000

Dia 1º de Junho a Sede das Cias encerrará suas atividades após 3 lindos anos, onde fomos reconhecidos por ser um Teatro referência em projetos de experimentações artísticas e performance. Recebemos companhias de diversos lugares do país (e de fora!), espetáculos renomados, consagrados e também experimentais, sendo alguns o primeiro trabalho de um grupo.

Tivemos oficinas gratuitas mensais. Tivemos mais um monte de oficinas incríveis, para todos os gostos, linhas e bolsos: de crítica teatral à corpo, passando por direção, atuação e até roteiro.

Tivemos belíssimos projetos, tais como: Jardins Portáteis, Maratona na Sede e agora, a Mostra Solos Na Sede, entre outros.

Abarcamos poesias, encontros e até movimentos político-artísticos fundamentais.

Tivemos nossas festas, nossos encontros. E muitos, muitos outros encontros e parcerias e amizades e amores saíram de tudo isso. Sempre tornando possível a aproximação de platéia / artistas / criadores / pensadores.

Berço de projetos. Casa de realização. Lugar de sonho e realidade. De aproximação. De batalhas. De homenagens, como a inauguração da Sala Bel Garcia, em homenagem à grande atriz e diretora Bel Garcia, da Cia. dos Atores, que nos deixou precocemente.

Agradecemos de corpo e alma à todos que mantiveram acesa a chama da nossa Sede. E continua... Ainda não acabou!!!

Acompanhe a nossa programação de junho, que conta ainda com 2 apresentações de BANDIDA (hoje e amanhã) às 20h; com o último solo da MOSTRA SOLOS NA SEDE, com o monólogo MEU CARO AMIGO, com a atriz Kelzy Ecard e direção de Joana Lebreiro (sábado, domingo e segunda; sem falar na nossa FESTA DE 3 ANOS DA SEDE DAS CIAS, no dia 1º de julho!

Esperamos vocês. Venham ocupar a Sede com amor!!!

AGUSTINA GATTO MINISTRA OFICINA E ESTREIA ESPETÁCULO DE SUA AUTORIA NO RIO DE JANEIRO

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Fri, 15 Apr 2016 18:48:00 +0000

Agustina Gatto, dramaturga e diretora argentina premiada, responsável por peças como “La Pendencia”, “Buscado”, “Revelación”, “Rodeo”, “Ifigenia en”, “Algo sobre una Pareja y un Hijo”, cujas obras foram apresentadas na Argentina, no México, no Chile, em Cuba, está agora na Sede das Cias ministrando uma oficina de dramaturgia. O prazo para as inscrições foi extendido até HOJE! Então, corre lá que ainda dá tempo.

A Oficina “Recursos para uma Nova Escrita Dramática (NED)” com Agustina Gatto acontecerá de 19 a 21/04 aqui na Sede das Cias, em 3 encontros de 3h30 de terça a quinta, das 10h às 13h30 e
custa R$ 300,00. Para se inscrever, envie um e-mail para sededascias@nevaxca.com.br
com currículo e foto em anexo. O público-alvo da oficina é de autores, diretores, atores, produtores e estudantes de teatro.

Recomendamos que os alunos tenham lido/visto os seguintes materiais:

Édipo Rei, de Sófocles (Teatro)
Old Boy, Park Chan-Wook (Cinema)
Hamlet, W. Shakespeare (Teatro)
House of Cards, Beau Willimon - Episódio piloto (Série)
Dollhouse, H. Ibsen. (Teatro)
Mad Men, Matthew Weiner - Episódio piloto (Série)

A oficina de escrita dramática propõe uma visão contemporânea sobre o ofício do autor. Consiste em historicizar esta escrita desde o teatro grego, passando pelo cinema, até as séries de TV atuais. Serão realizadas análises de textos importantes da história da dramaturgia para compreensão e aplicação das suas técnicas de escritura.

Seu texto BUSCADO, que entrará em cartaz de 22 de abril a 12 de junho no Oi Futuro Flamengo, recebeu prêmio no Concurso Nacional de Dramaturgia do Instituto Nacional Del Teatro (INT), em 2007, na Argentina.

Visite a página do espetáculo AQUI.

Para saber mais informações da temporada de BUSCADO, você também pode acessar o evento AQUI.

Em cartaz na Sede das Cias: Está à venda o jardim das cerejeiras

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sat, 07 Nov 2015 17:17:00 +0000

Espetáculo baseado em clássico “O Jardim Das Cerejeiras”, de Tchekhov, está em temporada aqui na Sede das Cias.

Foto: Larissa Elias/Divulgação

O espetáculo “Está à Venda o Jardim Das Cerejeiras“ é constituído por quatro atos.As profundas transformações sociais e econômicas vividas na Rússia ao final do século XIX são o pano de fundo da peça, que estreou nesta quinta-feira (05/11), às 20h, aqui na Sede das Cias. Com direção e dramaturgia de Larissa Elias e Vanessa Teixeira (também assinando o texto) o espetáculo é baseado no clássico “O Jardim Das Cerejeiras”, do russo Anton Tchékhov (1860-1904).

Encenada em quatro atos, a montagem chega ao ápice no terceiro, durante um baile. Liubov, a dona do jardim do título, organiza o evento para promover o leilão da propriedade. Após todos os lances serem dados, Lopakhin, o filho de um antigo “servo” do jardim, é anunciado como o vencedor da corrida pela compra do latifúndio, um claro sinal dos novos tempos no país do leste europeu.

Ao traçar um paralelo entre a Rússia do fim do século XIX e o Brasil de hoje, Os Cênicos Cia. de Teatro reestruturam o texto de Tchekhov segundo uma lógica de pensamentos, de sensações, de não-ditos, de inquietações, de dores, de recordações, de paisagens e imagens intraduzíveis, que não corresponde à ordem cronológica da ação presente no drama. A versão original de P. Brook e Meierhold também serve como inspiração estética para a direção de arte do espetáculo.

Conheça a página do espetáculo: AQUI

Informações sobre a temporada: AQUI

Assista ao teaser:

ENTREVISTA COM JULIANA PAMPLONA - DIRETORA E AUTORA DE "DOMÍNIO DO ESCURO"

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sun, 20 Sep 2015 15:39:00 +0000

Conversamos com a dramaturga e diretora Juliana Pamplona sobre o espetáculo DOMÍNIO DO ESCURO, que fez uma temporada de sucesso aqui na Sede das Cias até o dia 18 de setembro. Tanto texto quanto direção são assinados por ela. Mas a conversa foi além. Que bom. Disfrutem...

Juliana Pamplona - acervo pessoal

Laura Limp: Oi, Juliana, tudo bom? Você já tem muitos trabalhos como dramaturga, inclusive, assinou como dramaturgista no último espetáculo da companhia Os Dezequilibrados: "Beija-me como nos livros". Como é isso? Qual a diferença de dramaturga pra dramaturgista?

Juliana Pamplona: Olá, amiga. Vamos nessa! De modo resumido, “dramaturgo” é quem escreve peças teatrais. Se formos mais rigorosos com o termo, seria quem escreve peças a partir de certas convenções do drama. Há quem prefira usar o termo “autor teatral” para se referir aos escritores de textos teatrais não dramáticos. Dramaturgista (ou dramaturg) é uma função no teatro ligada à pesquisa, discussão de ideias, conceitos e sentidos implicados no processo de uma montagem. Muitas vezes o dramaturg é definido como um “critico interno”. Assim como o trabalho do autor teatral, o trabalho do dramaturg/dramaturgista pode variar muito de acordo com cada proposta, ele atua em sintonia com as necessidades de cada projeto, coletivo, direção. Acho legal falar sobre isso porque são termos muitas vezes confundidos. Eu adorei trabalhar com os Dezequilibrados no "Beija-me como nos livros". Foi um processo de pesquisa teórica muito intenso, e de conversa e troca sobre os sentidos implicados nessa criação. A dramaturgia do “Beija-me” (em gromelô) é do Ivan Sugahara com a colaboração dos atores Ângela Câmara, Claudia Melle, José Karini e Julio Adrião e da Lívia Paiva (que fez a assistência de direção). Algumas vezes foi divulgado como se a dramaturgia fosse minha porque alguns revisores não familiarizados com o termo “corrigem” automaticamente a palavra dramaturgismo para dramaturgia, ou dramaturg para dramaturga/o.

L: Atenção revisores! (risos) Bom, o que mudou ao longo dos anos na sua escrita, na sua forma de enxergar o teatro e de escrever?

J: Na verdade tenho poucas peças teatrais inteiras, tenho mais exercícios e proposições híbridas. As peças longas que considero concluídas são: “Tipo de coisa que se perde fácil”, “Fora da máquina de lavar”, “Entre análises”, “O céu sueco” e “Domínio do escuro”. Acho que nas minhas primeiras peças eu era menos consciente como autora das suas possibilidades de inventividade formal. Essa é a maior diferença. Eu gosto da experimentação na escrita, gosto de não saber tudo sobre as questões que estou pesquisando, dos laboratórios práticos nesse lugar de investigação. É como enxergo o teatro que eu faço hoje/quero fazer. Quero que seja um campo para experimentação. Procuro processos de trabalho e questões que não estejam resolvidas à priori, que possam me transformar.

B – (B faz anotações numas folhas) Como você está se sentindo hoje?

A – Como uma pessoa traída… O tempo me traiu. Agora. Neste instante. O tempo está me traindo. (A é empurrada. Cai e se levanta como se estivesse acostumada) é como… (Tentando ser compreendida. Explicativa. Desiste.) eu me sinto.

(trecho do texto "Entre Análises")

L: Essa é a primeira vez que você dirige uma montagem. Como foi a experiência? Foi mais fácil ou mais difícil do que você imaginava?

J: É muito difícil! Mas eu pude contar com uma equipe muito boa. Tive a alegria de trabalhar com profissionais talentosos que entraram acreditando no projeto e para somar. A equipe toda foi muito parceira. Quando digo que é minha primeira direção é porque, de fato, é a minha primeira montagem. Isso de orquestrar diferentes funções foi uma experiência nova pra mim. Mas tem muito nessa direção de cena de Domínio do escuro que é uma continuidade de anos dirigindo os laboratórios práticos na UNIRIO (entre 2007 e 2014), o Desestabilizadores de cena, entre outros. O Domínio do escuro tem jogos cênicos que eu só pude propor porque eu havia amadurecido alguns caminhos nos laboratórios nos anos anteriores. A parte mais legal de dirigir é poder falar para os atores coisas do tipo: “nessa cena vocês não são pessoas, são imãs” e ser compreendida. A linguagem é muito misteriosa...

foto do espetáculo "Domínio do Escuro"

L: De onde surgiu a ideia/vontade de fazer DOMÍNIO DO ESCURO? Como começou?

J: Surgiu, em parte, de uma vontade de fazer algo em que o processo em si envolvesse encontros potentes e transformadores. Por isso as entrevistas, que são também registros de um pedaço da nossa história e exige encontro, diálogo. As conversas com a Barbara Hammer também foram muito importantes.

Barbara Hammer

Fotos do arquivo pessoal de Luiz Sérgio

Em 2013 eu fiz uma assistência de produção e alguma pesquisa para o longa metragem dela sobre a Elizabeth Bishop, Welcome To This House, que vai estrear no Brasil no Festival do Rio esse ano. Eu acabei conhecendo um pouco o trabalho da Barbara nessa época, vi o Maya Deren’s Sink e o Nitrate Kisses. E ela me contou que as primeiras exibições do Nitrate Kisses em NY chocaram a comunidade gay, não porque havia cena de sexo entre gays, mas porque eram cenas de sexo entre idosos! Teve casal de jovens homossexuais saindo no meio da sessão escandalizado. Ou seja, é preciso mexer nesse preconceito, esse pânico social com o envelhecer. Há muito tabus em relação à sexualidade e a velhice. Essa conversa com a Barbara me fez pensar que, estranhamente, eu não conhecia quase nenhum idoso gay, e é claro que eles existem em toda parte. Porque não estavam visíveis? Porque as histórias dessas pessoas não chegam à nós? Que legado está sendo silenciado e por que e qual a importância de ter esses registros? Foram essas as indagações que me motivaram a fazer o Domínio do escuro.

L: O desenvolvimento do texto foi feito junto com os atores? A pesquisa também?

J: Eu escrevi o texto ao longo do processo laboratorial e de ensaios, para mim foi importante desde o início trabalhar com atores-pesquisadores. Tem muito das colaborações dos atores na peça inteira, principalmente por ter sido um processo laboratorial, investigativo, mas eu não dividi a responsabilidade pelo texto, as funções são bem definidas. A Clarisse Zarvos e a Lívia Paiva participaram das entrevistas com os idosos, o Pedro Henrique Müller entrou um pouco depois no processo mas também acabou conhecendo alguns dos entrevistados a posteriori. Eu considero pesquisa todo o processo, inclusive os ensaios onde nós pesquisamos e criamos a linguagem cênica. Há desenhos de cena que só poderiam ter sido criados nesse processo com a disponibilidades dessas pessoas específicas. E muito do material de cena que levantamos junto não entrou, porque esse tipo de processo é assim. Mas confesso que sou controladora em relação as palavras do texto. Há muito intertexto – uso Ali Smith, Siri Husvedt, Michael Foucault, E. E. Cummings, João Pedro Arruda (Bustanga), Roland Barthes, etc.; há referências à filmes, etc. – então parte do meu trabalho foi fazer a curadoria dessa colagem, adaptações, definir esses diálogos. Sou controladora até com o intertexto. De qualquer maneira, escrevi todas as cenas da peça em algum momento do processo em casa, isolada, a partir das muitas histórias que ouvi nesse período, as entrevistas, a pesquisa teórica, o material de improvisação dos atores nos ensaios, o material que serviu de intertexto e também da minha própria criação ficcional. Mesmo nesse processo híbrido ainda precisei desse modo de produzir texto, editar, revisar, mais solitário. O que acontece agora (nessa primeira temporada) é que eu peço aos atores um certo rigor com determinadas cenas nas quais a precisão de palavras que para mim são mais inegociáveis, mas há outras cenas em que eles falam frases que partiram de improvisações deles que foram ficando, e há ainda trechos na peça em que eles podem improvisar a cada dia (bem pouquinho. rárá) porque essa margem de liberdade é importante para que o jogo fique vivo. Mas confesso que prefiro a precisão em relação às palavras e ritmo das falas. Talvez numa próxima temporada eles tenham uma surpresa. Ou eu.

foto: Bruno Mello

L: Por que a escolha específica de três performers de até 25 anos, identificados com questões LGBTTQs para o elenco?

J: Tem a ver com a premissa intergeracional do projeto. Os entrevistados estão idealmente na faixa dos 70 ou 80 anos. Esse gap entre duas gerações no limiar de seus anacronismos dá a ver as diferenças de um modo mais dramático. O tempo e as mudanças ou pontos de estagnação ficam em evidência. Então a escolha por atores na faixa dos 20 se justifica de modo relacional. Essa distância define conceitualmente o trabalho, é preciso fazer uma ponte maior para que esse diálogo se dê e isso me interessa muito.

A identificação com as questões LGBTTQ é porque, a meu ver, não há como fazer um projeto desses de modo burocrático, eu queria fazer uma peça com pessoas tão apaixonadas pela ideia quanto eu. As questões tem que ser relevantes para quem faz, já é um processo muito utópico e suado, esse de juntar gente para fazer uma peça, então tem que ser minimamente significante para os envolvidos.

foto de cena - "Domínio do escuro"

L: Como está sendo a recepção do público? Quais as reações?

J: Tem sido muito surpreendente (pra mim). O teatro tem estado cheio, algumas sessões lotadas, mesmo nesses dias difíceis para o teatro, de quarta à sexta. As pessoas falam coisa bonitas depois da peça, algumas voltam para ver de novo, outras choram (mas não é culpa nossa, choram por conta própria). Só vi uma pessoa dormir durante o espetáculo até hoje, e soube de outra que ficou bastante irritada com alguma cena – se mexia e resmungava muito – , mas eu não consegui identificar o que. Tem uma coisa – e aí é uma observação pessoal – que eu sempre quis fazer e nunca consegui nas peças anteriores que acabavam sempre meio mal: o Domínio do escuro fala de questões muito duras, mas não joga o espectador no fundo do poço. Se joga, - talvez jogue sim – também resgata. Eu considero esta uma peça alegre, acho que ela também convida à um empoderamento. O público da Sede tem sido muito legal.

L: Depois da Sede, vocês pretendem levar o espetáculo para outros espaços?

J: Sim. Nós vamos fazer a circulação nas lonas culturais e arenas no Rio de Janeiro no ano que vem. Isso está certo. Mas queremos muito fazer mais uma temporada antes disso. Estamos procurando pauta.

L: E quais são seus futuros projetos? Algo em mente?

J: Estou desenvolvendo uma pesquisa no Pós Doc na UFRJ que é também a escrita de uma peça-ensaio a partir de alguns conceitos da teoria queer. E estou começando um projeto teatral, que é da Fernanda Avellar, e que vou fazer como diretora. É a peça “O Corpo da mulher como campo de batalha” do Matéi Visniec (O título original é “A Mulher como campo de batalha ou Do sexo da mulher como campo de batalha na guerra da Bósnia”). Essa vai ser a minha primeira direção de um texto que não é meu. É um projeto que exige uma pesquisa difícil, fala de racismo, preconceito étnico, crueldade e estupro de guerra etc. Exige um posicionamento feminista, humanista, complexo. A ideia é intervir no texto do Matéi, atualizando e deslocando essas questões para as urgências do nosso contexto, falar de um lugar assumidamente parcial, criar um dialogo junto e em tensão com o texto original.

J: Obrigada, Laura! Adorei as perguntas, foram ótimas para pensar o processo e tudo mais.

L: Quê isso, Juliana. Foi um prazer desgraçado, como sempre!

foto de cena "Domínio do escuro"

DOMÍNIO DO ESCURO - FICHA TÉCNICA

Direção e dramaturgia: Juliana Pamplona

Elenco: Clarisse Zarvos, Lívia Paiva e Pedro Henrique Müller

Cenário e Figurino: Elsa Romero

Iluminação: Lara Cunha

Preparação Corporal: Duda Maia

Vídeo: Pedro Modesto

Trilha Sonora: Jonas Sá

Programação Visual: Clarice Pamplona

Produção executiva: Clarisse Zarvos e Marina Gadelha

Direção de Produção: Fernanda Avellar

Realização: Trestada Produções
Fanpage do espetáculo no Facebook: AQUI

:: :: Juliana Pamplona é autora e diretora teatral e pesquisadora na faculdade de Letras da UFRJ através do Pós-Doc da FAPERJ Nota 10 e do PACC. Bacharel em Teoria do Teatro (Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro - UNIRIO) e doutora pelo Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas na UNIRIO, foi também pesquisadora visitante no departamento de Performance Studies na NYU (New York University, 2012.2) através da CAPES/PDSE. Teve o seu projeto “Desestabilizadores de Cena” contemplado com a bolsa de pesquisa e criação artística da Secretaria de Cultura – RJ (2011), resultando na peça de sua autoria “O céu sueco”. Ministrou as oficinas curtas “Sesc Dramaturgia: Leituras em Cena” (entre 2009 e 2013) no Rio Grande do Sul, Paraná, Minas Gerais, Espírito Santo e Santa Catarina. Fez o dramaturgismo da nova peça da Cia. Os Dezequilibrados, “Beija-me como nos livros”, e está em cartaz atualmente com a peça “Domínio do escuro” contemplada pelo edital LGBT da Secretaria Municipal de Cultura – RJ, da qual é idealizadora, diretora e autora.

"CONSERTAM-SE IMÓVEIS" ESTÁ CHEGANDO NA SEDE

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Thu, 20 Aug 2015 03:24:00 +0000

Confira a matéria que saiu no BLAH CULTURAL sobre o espetáculo Consertam-se Imóveis, que re-estreia aqui na Sede das Cias no dia 22 de agosto.

‘CONSERTAM-SE IMÓVEIS’ FLERTA COM O ESTRANHO E O FANTÁSTICO

por Giselle Costa

O texto de Keli Freitas aborda as narrativas que mantém as relações familiares.

Partindo de um acontecimento traumático, a perda da figura materna, e livremente inspirada em obras literárias e cinematográficas que abordam este universo, Keli Freitas escreveu o espetáculo Consertam-se Imóveis, que está em cartaz no Rio de Janeiro. Com direção de Cynthia Reis, a trama tem como principal eixo o sistema familiar e acompanha os últimos momentos de vida da mãe idosa e enferma. Ao se verem diante de situações inesperadas e de um iminente colapso, todos os membros da família se articulam em desdobrados esforços para poupar a matriarca de sobressaltos que podem ser fatais.

LEIA A CRÍTICA DO ESPETÁCULO

Como determinadas situações são impossíveis de serem controladas, certos acontecimentos escapam do roteiro inicial, obrigando os irmãos a investir em mudanças justamente para que nada entre aquela família mude. Apesar da existência de um flerte com o estranho e o fantástico, Consertam-se Imóveis causa uma identificação imediata por parte do público, que consegue ver e enxergar suas próprias relações familiares no desenrolar da trama. Ao longo de 90 minutos, o espetáculo promove reflexões de ordem social, humana e também filosófica, investigando um universo comum à todos nós.

:: SERVIÇO

Temporada: 22 de agosto a 21 de setembro*

*excepcionalmente não haverá apresentação no sábado 29/08
Local: Sede das Cias
Rua Manuel Carneiro, 12 - Escadaria Selarón – Lapa
Informações: (21) 2137-1271 (a partir de 14 horas)
Ingressos: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia)
Horário: sábado a segunda, às 20h
Duração: 80 minutos
Gênero: Comédia dramática
Capacidade: 60 pessoas
Classificação: 14 anos
Lotação: 60 lugares
Bilheteria: diariamente, 1 hora antes do espetáculo

VEM AÍ NA SEDE DAS CIAS: DOMÍNIO DO ESCURO

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sat, 08 Aug 2015 23:08:00 +0000

Dia 26 de agosto, estreia na Sede das Cias o espetáculo “Domínio do escuro”, que mistura relatos reais de idosos homossexuais e ficção.

Dominio do Escuro (foto: Renato Mangolin)

Confira a matéria que saiu no SOPA CULTURAL:

“Um dia estava almoçando com a minha avó e perguntei se ela tinha algum amigo ou conhecido homossexual. Silêncio, em seguida interrompido pela resposta: “Não me lembro de ninguém”. Insisti: “Ah, vó, que pena, estamos pesquisando esse tema”. De novo um silêncio interrompido pela revelação: “Minha irmã era”. E então, com a voz embargada, me contou sobre como minha tia-avó, Leila, que fora uma jogadora famosa de vôlei, sofria de uma ‘enfermidade’ que teve de esconder para não atrapalhar sua carreira ou sujar a reputação da família. O final não é feliz. Leila, ainda moça, se internou num hospital psiquiátrico. Logo depois faleceu, levando com ela todo o peso de estar errada e desconforme com a sociedade em que vivia. O pouco que sabemos da história da minha tia-avó é repleto de hipóteses de ‘talvez’ e ‘eu acho que ela…’. O que não sabemos está para sempre silenciado.”

Histórias como essa contada pela atriz Lívia Paiva (23 anos), resgatadas ao longo do processo de pesquisa da peça, justificam a importância do projeto, segundo a dramaturga e diretora Juliana Pamplona, idealizadora do espetáculo “Domínio do escuro”, com estreia marcada para o dia 26 de agosto na Sede das Cias, na Lapa. Trata-se de um documentário poético teatral. A dramaturgia foi criada a partir de registros antigos – fotos, slides, desenhos e cartas – e depoimentos gravados de idosos homossexuais, dos quais muitos tiveram suas histórias silenciadas em algum momento da vida e quiseram, agora, deixar seus relatos. “A ideia inicial foi a de resgatar e produzir registros de um legado que não chegou até nós. Conversamos com os idosos sobre assuntos diversos como amor, medo, vergonha e sexualidade. Foi muito interessante esse encontro de gerações – entre os oito idosos entrevistados, quase todos na faixa dos 70 e 80 anos, e os atores da peça, todos com vinte e poucos anos. Foi uma troca muito rica”, diz Juliana. “A escolha de juntar essas duas gerações nesse projeto não foi à toa. A peça é, também, uma pergunta (em aberto) à nova geração sobre o que significa assumir modos de ser e de se relacionar que resistem aos padrões normativos hoje e de que maneira a discussão de sexualidade e de gênero atravessa suas projeções de futuro, seus desejos de mundo. Foi por meio da interseção entre essas projeções de futuro e memórias, que o material poético e estético de “Domínio do escuro” foi criado”, complementa.

Três jovens atores – Clarisse Zarvos, Lívia Paiva e Pedro Henrique Müller – levam à cena versões performatizadas desse material documental. “Falar de desejos silenciados de uma geração distante da minha é visitar memórias e atualizar uma infinitude de afetos. O amor entre pessoas do mesmo sexo há alguns anos representava um tabu maior do que representa hoje, mas que nem de longe está superado. Quais situações impensáveis e silenciadas atualmente serão resgatadas pelas gerações seguintes?”, questiona a atriz Clarisse Zarvos, de 25 anos. O espetáculo conta também com a criação de videografismos produzidos por Pedro Modesto e trilha sonora de Jonas Sá, recursos fundamentais para que as histórias fossem contadas na forma performática desejada para a forma da cena.

“Domínio do escuro” é uma resposta (em aberto) a uma dívida histórica, que faz com que, ainda hoje, haja uma ausência enorme de narrativas de idosos gays e lésbicas (além de outras identidades de sexualidade antes não classificáveis e que vêm ganhando visibilidade). A criação desse espaço cênico dá visibilidade a histórias desviantes que, de outro modo, seriam apagadas muito em breve, acumulando mais legados invisíveis à margem da história normativa.

Unindo investigação artística ao compromisso com uma dívida histórica, “Domínio do escuro” estará em cartaz de 26 de agosto a 18 de setembro, às quartas, quintas e sextas, sempre às 20h, na Sede das Cias., que fica na Escadaria Selarón, no boêmio bairro carioca.

Ficha técnica:Direção e dramaturgia: Juliana Pamplona
Elenco: Clarisse Zarvos, Lívia Paiva e Pedro Henrique Müller
Preparação corporal: Duda Maia
Cenário e Figurino: Elsa Romero
Iluminação: Lara Cunha
Vídeos: Pedro Modesto
Trilha Sonora: Jonas Sá
Programação Visual: Clarice Pamplona
Produção executiva: Clarisse Zarvos e Marina Gadelha
Direção de Produção: Fernanda Avellar
Realização: Trestada Produções

Serviço:Local: Sede das Cias (Rua Manuel Carneiro, 12 – Escadaria Selarón – Lapa)
Data: De 26 de agosto a 18 de setembro
Horário: de quarta a sexta, às 20h
Ingressos: R$ 20 reais a inteira, R$ 10 reais a meia
Duração: 70 min.
Gênero: Documentário LGBTTQ
Classificação: 16 anos
Lotação: 60 lugares
Informações: (21) 2137-1271 (a partir de 14 horas)
Bilheteria: diariamente, uma hora antes do espetáculo Informações: (21) 2137-1271

ENTREVISTA COM SUSANA RIBEIRO E MARCELO VALLE, DA CIA DOS ATORES

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Mon, 22 Jun 2015 02:24:00 +0000

A entrevista de hoje é com a atriz e diretora Susana Ribeiro e o ator Marcelo Valle, ambos da consagrada Cia. dos Atores, uma das três companhias de teatro residentes da Sede das Cias. Eles vão ministrar oficinas de teatro aqui e é sobre isso, entre outras coisas, que vamos conversar.

Dia 22 de junho começa a oficina "Transposição e construção da cena a partir do livro Por que Almocei meu Pai, de Roy Lewis" que a Susana Ribeiro ministrará junto com o ator Orã Figueiredo. E é com ela que a gente começa esse bate papo.

Laura Limp: Oi Susana, tudo bom? Conta pra gente de onde surgiu a ideia desta oficina e desta parceria com o Orã.

Susana Ribeiro: Oi Laura, tudo bem? Obrigada pela oportunidade de falar um pouco sobre a oficina que vamos dar. Essa idéia surgiu de um encontro que tive com Orã e Camila Amado, há uns dois anos. E neste encontro tocamos em temas que nos interessavam. Desses temas surgiram alguns textos e entre eles, o livro "Por que almocei meu pai” que o Orã trouxe. Eu li e adorei. E fiquei com ele na cabeça por um tempo. Depois resolvi retomar o assunto e convidar o Orã pra essa investigação.

LL: Como vai funcionar a oficina? Sabemos (já pelo título) que o trabalho é todo a partir do livro, que aliás, é leitura obrigatória antes de começar o curso. Fale um pouco sobre o livro e o por quê da escolha dele.

SR: A escolha veio de ter me encantado com o universo que o livro descreve e com o tom escolhido pelo autor pra contar aquela história. Vi ali conhecimento científico e antropológico de uma forma leve, engraçada e afetuosa. Achei que dava muito material pra o jogo teatral.

LL: Vocês tem um método de trabalho pré concebido ou vão descobrir o caminho a seguir de acordo com a turma que se formar?

SR: Acho que temos um ponto de partida que já norteia bastante nossa investigação, mas não sabemos no que isso vai dar. A idéia da oficina é justamente descobrir um possível caminho a partir do que a turma trouxer e produzir durante os encontros.

LL: A oficina é voltada para atores profissionais, dramaturgos e interessados no desafio da transposição da literatura para a cena. É bem amplo. O que vocês pretendem com a oficina? É pesquisa para algum futuro trabalho?

SR: A ideia é discutir dramaturgia a partir da prática. Desenvolver uma escritura cênica com os atores através de exercícios de improvisação e composição, tendo como base o texto do livro, e registrar o que surgir dessas experiências. Não queremos nos comprometer com um resultado ou uma finalidade. A idéia por enquanto é só investigar mesmo, livremente, e levantar as possibilidades.

LL: Quais os seus planos profissionais para 2015?

SR: Estou sendo convidada para dirigir, o que me deixa muito feliz. Tenho vontade de me desenvolver mais nessa função, que dentro da minha trajetória profissional ainda é uma prática bastante recente. Como atriz tenho projetos em teatro e cinema, mas nada que eu possa nomear agora. Estamos no momento anterior de criação e captação. Bico calado, dedinhos cruzados!

Susana Ribeiro e Bel Gracia recebendo o Prêmio Cesgranrio
de melhor direção por "Conselho de Classe

LL: Pra quem não sabe, a Susana Ribeiro dirigiu junto com a Bel Garcia o premiadíssimo espetáculo da companhia chamado CONSELHO DE CLASSE que, entre outros prêmios, levou o de melhor direção tanto no Prêmio APTR quanto no CESGRANRIO. O espetáculo continua em cartaz? Existem outros projetos da companhia em que você esteja envolvida no momento?

SR: Sim, Conselho de Classe ainda está de pé. O espetáculo tem bastante fôlego ainda. Estará se apresentando em Goiânia neste final de mês e esperamos voltar à São Paulo para uma nova temporada, assim como circular por este Brasil afora. A Cia dos Atores também está captando recursos para a digitalização do nosso acervo e estamos iniciando conversas e encontros para falarmos de nossos desejos artísticos. É um momento de estudo, de troca, que tá sendo muito bom.

Foto de divulgação do espetáculo Conselho de Classe

LL: Como é o seu processo particular de trabalho, como atriz? E como diretora? Tem diferença ou é complementar?

SR: Depende do trabalho, mas em comum entre eles é a minha tentativa de construir a partir das relações. Nesse sentido ser atriz ou diretora não faz muita diferença, já que o que estou tentando fazer o tempo todo é relacionar, pra produzir através dessas relações, a cena.

LL: Como é isso de dividir a direção?

SR: Muito bom. Já vivi essa experiência quatro vezes: com a Cristina Moura, com o Paulo José, com o Cesar Augusto e com a Bel Garcia. Quando tenho uma boa interlocução me enriqueço e a pressão é dividida, o que me ajuda bastante a criar em paz. Obviamente que essa parceria tem que rolar, senão é melhor fazer sozinho. Rs

LL: Se você pudesse dizer apenas uma coisa pra quem está começando a estudar teatro, o quê seria?

SR: Escute, se relacione, se apaixone e se deixe levar. Quanto menos você resistir, mais vai encontrar!

Laura Limp: Oi Marcelo, tudo bom? Vamos lá! A sua Oficina de Treinamento de Ator começa no dia 10 de agosto na Sede. Ela é voltada para atores iniciantes e profissionais? Qual o objetivo da oficina?

Marcelo Valle: Oi Laura, tudo bem? Na verdade, minha oficina é voltada para atores profissionais, ou, no mínimo, que estejam adiantados em alguma escola de formação. O objetivo da oficina é treinamento. Eu venho de uma temporada de estudos de técnicas de atuação em Madrid e quero trocar experiências com os atores. No futuro, pretendo ter um grupo fixo, em que eu possa aprofundar essa investigação e chegar a cena propriamente dita.

LL: Alguns pontos de foco do trabalho são o relaxamento, imaginação, presença, disponibilidade e critério. Por que esses pontos específicos? Como você vai trabalhar com os alunos? Qual seu método de trabalho?

MV: Cada um desses pontos, e ainda muitos outros, serão foco da oficina. Em duas semanas eu não consigo me aprofundar nos conceitos, mas pretendo dar uma boa pincelada e através de muitos exercícios, para que o ator possa começar a ter um arsenal de ferramentas que o ajude a atuar.

Bem, relaxamento é o fundamental, é o início de tudo, pois tenso nada que venha do ator pode ser desfrutado, nem por ele, nem pelo público. Depois, os outros conceitos fazem parte do alfabeto da linguagem cênica, no que tange o trabalho do ator. A oficina é de técnica, treinamos a técnica para ajudar na cena, principalmente quando não estamos inspirados. Existe uma ideia de que o ator depende de inspiração para fazer um bom trabalho. Na verdade, como trabalhamos com arte, a inspiração é realmente muito bem vinda e faz muita diferença, mas o domínio da técnica nos ajuda a atrair inspiração.

LL: O que o ator precisa para trabalhar com mais liberdade e criatividade?

MV: Confiança e critério, para fazer as escolhas certas. Ou seja, Técnica! (risos)

Foto de divulgação do monólogo LABORATORIAL

LL: Faz pouco tempo, você fez um monólogo, na comemoração de 25 anos da companhia, chamado LABORATORIAL. Fale um pouco sobre o espetáculo e sobre o seu processo de trabalho como ator.

MV: Esse foi um processo ímpar, pois a dramaturgia flertava com a performance e com as artes plásticas, então, foi um grande experimento. Provavelmente eu, Cesar, Diogo e Simon (os criadores) vamos nos reunir em algum momento numa sala de ensaio, para continuar a pesquisa relacionada ao trabalho. Esse trabalho desenvolvido em Laboratorial tem, não como resultado, mas principalmente como processo, muito em comum com o que vou tratar na oficina, pois se trata de um trabalho bastante autoral. Na oficina, vamos olhar muito pra essa questão da personalidade do trabalho do ator, ou seja, tornar o ator único, com opções absolutamente pessoais.

LL: Na sua opinião, porque tão poucos atores se arriscam em um monólogo? O quê é que assusta tanto? O que é importante ter em foco?

MV: Não é fácil fazer monólogo, não ter o outro ator ao lado é árduo, mas eu acho que todos os atores deveriam passar por essa experiência, pois há um crescimento muito grande dentro desse tipo de trabalho. Você precisa estar ligado ao todo, ter capacidade de se superar se for necessário. Acho que o que é importante é ser autoral, é querer falar verdadeiramente sobre o assunto tratado. Isso faz a diferença e novamente esbarramos na questão da pessoalidade no trabalho do ator.

LL: Algum novo projeto em vista com a companhia? Quais seus planos profissionais para 2015?

MV: Sim, temos projetos juntos, que giram em torno da Sede. Desde que a sede da Cia dos Atores se transformou na Sede das Cias, nós nos afastamos um pouco da casa, a fim de tomar um fôlego e dar liberdade pros Dezequilibrados e Pangéia poderem desenvolver seu trabalho ali, pra que eles se sentissem em casa. Isso já aconteceu, agora vamos ocupar um pouco o espaço junto com eles. Queremos desenvolver o nosso site, dar oficinas e fazer uma mostra de cenas, com pesquisas e debates.

LL: Você atualmente interpreta o Wilson, tanto na série O PASSADO ME CONDENA quanto no filme. Quais as principais diferenças entre a atuação na tv, cinema e teatro pra você. E o que mais te atrai?

A essência é a mesma. Claro, como a mídia é completamente diferente, a forma de fazer é distinta também. A principal diferença já se sabe: A TV tem um ritmo frenético, o cinema, uma subjetividade e o teatro conserva o processo de experimentação e pesquisa. Muito bom é que ultimamente, a TV e o cinema têm se valido de processos mais representativos.

Cia dos Atores

LL: Como vocês conciliam a companhia e seus trabalhos fora dela, projetos pessoais, cursos e ainda os trabalhos na TV?

MV: A Cia dos Atores vai fazer 30 anos juntos. Acho que só conseguimos trabalhar tanto tempo juntos pela admiração que temos um pelo outro e pela liberdade que temos de trabalhar fora da Cia. O trabalho em companhia é uma opção e não a falta dela. Então, conciliar fica mais fácil, quando parte do desejo. Agora, às vezes, não conseguimos fazer um trabalho que gostaríamos muito, mas assim é a vida, ganhamos e perdemos a todo instante.

LL: E você, se pudesse dizer apenas uma coisa pra quem está começando a estudar teatro, o quê seria?

MV: Comece seus estudos com critério. Faça as eleições certas, de escola principalmente. E se dedique a estudar de verdade, sempre atento ao seu próprio processo. Da mesma forma como atualmente se demanda um envolvimento pessoal, muito particular do ator ao atuar um personagem, por isso mesmo, cada ator descobre o seu processo, que é distinto. Cada um terá, por exemplo, uma gama de exercícios e práticas que o colocará em estado para atuar. A cada dia será diferente, pois a cada dia o ator está diferente. Consciência que existe técnica para apoiar o talento e sustentar a vocação.

Bom, a conversa fica por aqui. Mas quem quiser saber mais e aprender com esses dois que tem MUITO a ensinar, já sabe... Corre e se inscreve nas oficinas!

Amanhã começa a da Susana Ribeiro com o Orã Figueiredo. Não perca tempo!
Saiba mais aqui no evento: http://on.fb.me/1GgKhiG

Pra saber sobre a oficina do Marcelo Valle, acesse: http://on.fb.me/1LdVINR

BOM DOMINGO!

VIVER PREPARA SEU CORPO PARA VIVER

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Fri, 06 Mar 2015 23:18:00 +0000

Diana Behrens, integrante da Pageia cia.deteatro, fala sobre sua oficina na Sede das Cias

Tenho pesquisado a relação entre corpo e felicidade e vivenciei uma mudança radical na minha qualidade de vida depois que aprendi a relaxar meus músculos de forma profunda. Este relaxamento só foi possível através da ação e expressão de sentimentos. Massagens, cremes e remédios ajudam, mas são paleativos. Nossos condicionamentos e posturas fazem com que rapidamente eles voltem a se tensionar. A verdade é que expressamos muito pouco nossas emoções a ponto de nem perceber o quanto reprimimos nossos impulsos. Vamos nos desconectando do nosso corpo, que é a vida em si! É o que temos de certeza. É o estar aqui.

Mesmo sem saber, eu sempre estive pesquisando o corpo. Pesquisando, porque eu precisava entender com ele funcionava para fazer o que eu queria. O que eu queria dependia de boa execução, busca de equilibrio e prática: pirueta, o galho mais alto, salto mortal, parada de mão... Fiz ginástica olímpica por muitos anos e 17 anos de balé clássico. Fazia obsessivamente até, e lidar com muita dor física era perfeitamente natural. Descobri o que é um corpo sem dor há pouco tempo. Meu corpo doía não só pelas dores do esforço muscular mas por emoções reprimidas.

Expressamos nossas emoções através do corpo, não há outro modo. E o fato de sentir emoções, é incontrolável. Quando você, vê a emoção já existe. Já a nossa mente é lenta. A nossa mente é um softward. Ela consegue registrar algumas coisas, armazenar, fazer links e tal, mas ela não consegue dar conta do fluxo emocional e de memória. Por isso sonhamos, e por isso o ser humano tem uma necessidade de dormir. Dormimos para fazer download, concluiu-se de pesquisas sobre o funcionamento eletromagnético no cérebro.

O que acontece no nosso dia-a-dia é que precisamos usar a mente a maior parte do tempo. Pra fazer coisas, cumprir a agenda,as expectativas, o trabalho, e a gente superutiliza esse "sistema". Quando ele fica super carregado, tenta fazer com que diminua o fluxo de informações com os quais ele tem que lidar.

Isso é feito por um mecanismo biológico: inconscientemente diminuímos drásticamente a profundidade da respiração e o volume de ar que inspiramos. Ficamos no stand by, agimos menos e assim a mente acredita que terá que lidar com menos coisas. Porque, se você respira intensamente, seu coração vai bater mais forte, você vai sentir raiva, dor, tesão e alegria um tanto mais latentes. Nosso corpo é cheio de possibilidades de alegria e sensações indescritiveis.

Quanto mais se respira mais se sente. São inúmeras as técnicas, terapias, coachs, etc que focam na respiração, diversos tipos de yoga, psicocalestenia, bioenergética, terapia Reichiana e por ai vai. Já tive contato com muitas delas na minha pesquisa. E com certeza você escuta de qualquer treinador "respira!", porque sim, o que fazemos em situação de aperto ou dor é travar a respiração.

A nossa parte do cérebro que lida com as emoções é herança dos mamíferos e sua tática de sobrevivência em grande maioria é: se fingir de morto, congelar. O fato de respirar pouco faz com que não tenhamos força para expressar as nossas emoções, principalmente por temer a reação do outro, ou a intensidade dos nossos próprios sentimentos.(mesmo que esse medo esteja escondido por uma indiferença `a questão.) E o fato de expressar pouco as emoções faz com que seja difícil respirar profundamente pois os músculos vão formando uma couraça de tensão.

O trabalho como atriz me mostrou que ao reproduzir um corpo e sons de determinada emoção é possível atingir essa emoção. O diferencial é que na atuação esse afloramento emocional deve ser consciente. A consciência também é uma evidência da conexão corpo-mente, porém de uma forma relaxada, acredito eu.

Temos dificuldade de relaxar porque nosso corpo vai acumulando essas emoções que não foram expressadas. Isso porque os músculos tiveram que se contrair para, literalmente, "segurar" essas emoções. Por exemplo quando você quer gritar e não o faz os musculos do pescoço e diafragma se contraem e se mantêm tensionados até que esse grito seja liberado. Essa tensão acumulada pode causar vários problemas físicos como ulcera e dores de cabeça e deve ser o maior responsável pelas rugas, inclusive. Não adianta passar creme com sêmem de baleia. Se você passa muito tempo malhando a testa ao franzi-la, provavelmente ela contará essa história. Os corpos contam história.

"Essa é a parte bonita da coisa: a vida existe mesmo é no corpo."

Na história do meu corpo, eu tenho o privilégio e a escolha de trabalhar em cias de teatro. Através da Pangeia cia.deteatro, vivo a oportunidade de usufriur da ocupação Sede das Cias. E com ela liberdade quanto às propostas artísticas. Lá temos amplidão e aconchego para experimentar novos formatos, e é isso que temos feito. A ocupação nos permitiu aprofundar na pesquisa de: como criar em conjunto, como criar com o público. Esse desejo nos ronda faz tempo, talvez impulsionados pelo curso da Judith Malina (Living Theater) que nós da Pangéia fizemos em 2008, mas acredito que foi realmente na ocupação que isso começou a brotar. Tinhamos um espaço. E vontade de criar com ele.

Por exemplo, como processo da peça “Maratona” fizemos Maratonas para o público dançar. O evento era permeado por jogos de eliminação, numeros musicais propostos por nós, e pelo publico, que podia se inscrever para apresentar algo. Nós atores ensaiavamos, faziamos cenas durante e dávamos o nosso melhor no rebolado. Nunca nenhum de nós ganhou as Maratonas que promovemos. Isso pra mim é o aprendizado mais gratificante. Significa que o que despertávamos nas pessoas era muito mais grandioso do que algo que poderíamos fazer.

Esse tipo de interação humana que fomos descobrindo me incentivou a organizar uma oficina. É renovador promover encontros que são intensos e prazerosos simplesmente porque as pessoas perdem o medo de interagir entre si.

No dia 28/02 começou a oficina: Descubra seu estar bem. Nela, proponho dinâmicas para fortalecer a conexão corpo-emoçāo através de relaxamento, respiração e autoconhecimento. Reaprender a mobilizar todo o corpo para se expressar gera bem estar e plenitude.

Tenho muito a agradecer meus colegas de Pangéia. Nesses oito anos aprendi imensamente com os nossos trabalhos ao mesmo tempo que tive apoio às minhas pesquisas e carinho para minha inseguranças.

No primeiro dia, a sala estava cheia, os participantes chegaram com serenidade e abertura. É bonito ver que a interação entre eles é bem diferente na entrada e na saida. Houve um momento bem bonito durante uma dança: eles se tornaram cumplices silenciosos de uma aventura alegre. Se eles tiverem partilhado coragem, mesmo que por um momento, pra mim já valeu a pena.

Este foi o dia dedicado a conexão corpo-quereres. O próximo focará na respiração fluida, o terceiro postura e o quarto na coragem. É com alegria que promovo esses encontros. Meu objetivo é despertar o interesse em descobrir o corpo como meio de mergulhar na vida.

Diana Behrens é formada em Artes Cênicas (CAL) , Cinema (PUC) e Balé clássico. Tem continua experiência em dança, técnicas teatrais, terapias corporais como bioenergética e meditações. Integrante da Pangeia cia.deteatro, Jardins Portáteis e Teatro Catapulta.

www.dianabehrens.jimdo.com

www.ventriloqua.wordpress.com

OFICINA: DESCUBRA O SEU BEM ESTAR

NOVIDADE NA PROGRAMAÇÃO DA SEDE DAS CIAS

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sun, 25 Jan 2015 23:19:00 +0000

Imagine um lugar, um lugar não, um espaço-tempo onde você possa ir toda semana, ou quase toda semana, onde outros também possam ir, com talvez o mesmo propósito que você, ou melhor, os mesmos propósitos. Isso tudo pode parecer muito abstrato, assim de início, mas quando você chega nesse espaço-tempo, pode ser muito concreto. É que o outro inaugura algo. E esse algo talvez inaugure algum algo em você, ou confirme aquele algo seu, ou amplia, ou...

É que são tantas possibilidades que, nesse momento, talvez seja necessário fazer junto. É assim: esse lugar é a Sede das Cias. Esse fazer junto é com cada um que for, como uma pangeia a cada noite. O espaço-tempo é o: #1MOL-sededeportasabertas.

Foto: interação proteica - fonte: internet

A Pangeia cia.deteatro, para celebrar seus 8 anos de trabalhos continuados em 2015, inaugura esse espaço de troca, discussões e ações. É que desde 2013, quando passou a ocupar a Sede junto com os Os Dezequilibrados e a Cia. dos Atores, foi intensificando essa cumplicidade com aquele que sobe os primeiros degraus da escadaria e entra na casa de azulejo-selarón, ali, à direita, que tem cravado em suas paredes o nome TEATRO.

A Casa em Obra, por exemplo, criada durante os primeiros meses da ocupação em 2013, para o festival Nova Cena Carioca, foi o reconhecimento desse espaço, com ensaios na escadaria, conversas pelos arredores, troca com os freqüentadores daquele cantinho da lapa, sonhos e cerveja no Ximeninho, e por fim, uma peça que era realizada a cada noite com o espectador-participante, que também assinava a dramaturgia.

Espetáculo "A casa em Obra" - foto: Paula Mello

E como não lembrar das noites intensas e divertidas das Maratonas Abertas, onde o público chegava com o pretexto de uma competição de dança e se esbaldava no salão, conhecendo novos parceiros a cada música ao longo daquele grande jogo. Mais uma vez, o espectador era integrante da cena e colaborava com a dramaturgia da noite e que, posteriormente, se tornou material para a elaboração da peça Maratona (realizada com as queridas Outra Cia e Teatro Catapulta).

"Espetáculo Maratona " - foto: Aline Macedo

"Maratona Aberta"- foto: Diego de Angeli

Sem falar nos encontros dos Jardins Portáteis, parceria com os Dezequilibrados, sob o comando de Cristina Flores, ah, esse tão sonhado jardim num terracinho de concreto que nos fez acampar lá no início, sob aquele céu, para imaginar o melhor jardim possível.

"Jardins Portáteis" - foto: Letícia Isnard

Foram tantas maneiras de compartilhar afetos que resolvemos intensificar esse processo criando #1MOL- sededeportasabertas onde a onda é, basicamente, tornar esse espaço de quem freqüenta.

Então, se você (artista, técnico, acadêmico, estudante, cidadão, interessado, tudo isso ou outra coisa ou um pouco disso tudo), enfim, se você tem alguma proposição, estamos abertos para fazer #1MOL gostoso a cada terça com você.

Por mês, um ciclo novo com palavras que vão dar o tom do que pode acontecer em cada encontro. Você também pode ajudar com esses tags. E se ao longo do mês, sentir que quer fazer parte, apresentar uma pesquisa, abrir uma discussão, fazer uma exposição, leitura, performance, tantas e tantas possibilidades, chega junto.

Esse é o e-mail para fazer contato: pangeiaciadeteatro@gmail.com e colaborar na construção do #1MOL- sededeportasabertas.

Nessa primeira edição, as palavras que vão compor as terças são:

#encontro #debate #sexualidade #performance #feminino #trans #masculino #valericarvalho #teatro #beyonce #medeia #fotografia #claytonleite #LGBT #sexismo #cristinaflores #leitura #caioriscado #drag #cultura

Os convidados e a programação você pode conferir no evento: CLIQUE AQUI

E outra novidade para o ano é o Circuito de Oficinas, que vai oferecer uma oficina bacanérrima aos sábados. Esse mês, por exemplo, começamos com a oficina de Maíra Maneschy: Compor linguagem através da linguagem do corpo, que você também pode participar fazendo aulas avulsas. Segue o evento com as atividades: CLIQUE AQUI

Nesse ano de celebração dos 8 da Pangeia: 8 anos de grupo, 8 integrantes, 8 que é o infinito em pé, desejamos que seja de muito encontro e troca. Um beijo que abraça, abraço que aperta, aperto que faz cócegas, cócegas que fazem sorrir, sorriso que aproxima, aproximação que a gente agradece.

Daniel Kristensen, Diana Behrens, Diego de Angeli,

Gabriel Salabert, Gabriela Carneiro da Cunha, Izadora Mosso Schettert,

João Marcelo Iglesias e Ramon de Angeli, Pangeia cia.deteatro.

Pangeia cia.deteatro - foto: Pedro Florim

ENTREVISTA COM O DIRETOR IVAN SUGAHARA

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sun, 30 Nov 2014 20:16:00 +0000

A entrevista de hoje é com o diretor Ivan Sugahara. Quem acompanha seu trabalho sabe que ele é diretor da companhia teatral OS DEZEQUILIBRADOS, uma das três companhias que ocupam a Sede das Cias. Além disso, ele é diretor artístico da Sede das Cias e um dos encenadores mais requisitados da atualidade.

os três diretores residentes da Sede das Cias: Diego de Angeli (Pangéia cia.deteatro),
Ivan Sugahara (Os dezequilibrados) e Marcelo Olinto (Cia. dos Atores)

Seu mais recente trabalho é o Cabaré Foguete: A insaciável e umedecida saga de Ana Foguetinho, que está em cartaz aqui na Sede das Cias e fica em temporada só até dia 13 de dezembro, aos sábados, sempre às 23h. Ele assina a direção e dramaturgia junto com Gustavo Damasceno.

O espetáculo narra desde a infância de "Ana Foguetinho" no interior do Paraná até a sua ida para o Rio de Janeiro, onde se consagra como uma prostituta de fama internacional. A trama desenvolve a história de uma das personagens da peça “Sarau das Putas”, apresentada com sucesso no Teatro Poeira em 2013.

fotos do espetáculo para o site Neon

LAURA LIMP: Ivan, a personagem Ana Foguetinho surgiu no Sarau das Putas, que fez um baita sucesso. Conta pra gente como foi o espetáculo e como a Ana Foguetinho (personagem da Nara Parolini) surgiu?

IVAN SUGAHARA: O Sarau foi um espetáculo muito importante na minha vida e, acredito, na vida de toda a sua equipe. Nos fez repensar questões importantes como o feminino e a sexualidade. Na importância de procurarmos cada vez mais nos distanciarmos das grandes e pequenas atitudes machistas que ainda estão em nós, homens e mulheres, após séculos de dominação masculina. No quão é fundamental nos libertarmos de preconceitos sexuais e sexistas, aproximando-nos de uma sexualidade mais livre, plena e feliz.

A personagem da Foguetinho surgiu da própria aparência física e personalidade da Nara, que tem uma cara jovial e ingênua e ao mesmo tempo se permite falar com maturidade e liberdade de sexo. Trata-se de uma personagem incrível para abordar as questões que mencionei acima de forma cômica e sofisticada.

elenco de SARAU DAS PUTAS: Nara Parolini, Laila Garin, Laura Limp, Juliana Terra, Carolina Ferman, Tatiane Meyer, Rose Lima, Rita Fischer, Gisela de Castro, Carol Garcia e Lívia Paiva

LAURA: A ideia do Cabaré Foguete veio de onde? Da vontade de explorar mais o tema da prostituição? A sexualidade, como no espetáculo "Antes que você me Toque"? Ou veio da vontade de trabalharem juntos mais uma vez, você e a Nara? Quem sabe tudo junto? (rs)

IVAN: Sim, tudo junto! Embora o tema da prostituição seja abordado, não é esse o tema central do Cabaré, assim como não era o mote principal do Sarau. Lá, penso que o foco principal era a mulher. E aqui eu diria que o tema do espetáculo é a liberdade sexual. E, claro, trabalhar com a Nara é sempre um prazer, assim como com outros parceiros que também estão no projeto.

LAURA: Além da Nara, estão no elenco Rita Fischer (que também fez o Sarau das Putas), Catarina Saibro, Thiago Ristow e Joel Vieira, acompanhados pela "Banda Hétera": Antônio Ziviani, Breno Góes, Felipe Ridolfi e Pedro Leal David. Como funcionou o processo de seleção de atores e músicos? Como você escolhe quem vai trabalhar contigo num espetáculo? Afinal, tem muita gente aí querendo trabalhar com você...

IVAN: Evidentemente, é preciso gostar do trabalho do ator, mas também passa muito pelo afetivo. Nara, Rita, Catarina e Thiago são amigos que eu adoro, admiro e com quem eu já havia trabalhado antes. O Joel foi a Rita que trouxe e, além de ser um talento, é uma pessoa querida que se integrou muito bem ao grupo. Quanto à banda, foi o Ricardo Góes, parceiro de muitos trabalhos e diretor musical da peça, que montou. O Antonio já havia trabalhado com a gente no espetáculo “Pacto”.

Elenco de Cabaré Foguete: Joel Vieira, Catarina Saibro, Nara Parolini, Rita Fischer e Thiago Ristow.

LAURA: A encenação é composta por números musicais, coreografias eróticas, mágicas e cenas de humor burlesco. Os atores cantam e dançam, além de comporem uma série de personagens divertidos e sedutores. Qual foi o método de trabalho de você e do Gustavo? E como foi o processo de ensaios de uma forma geral?

IVAN: O espetáculo foi criado a partir da cena da Ana Foguetinho que havia no Sarau das Putas. A cena abre o Cabaré e traz várias informações e outros personagens que usamos para desenvolver o restante da trama. Além disso, procuramos explorar os talentos individuais de cada ator em improvisações e composições criadas por eles. De forma geral, foi um processo divertidíssimo.

LAURA: Neste trabalho você dividiu a direção e a dramaturgia com o ator, dramaturgo e também diretor Gustavo Damasceno, mas isso não é muito comum nos seus processos. Como se deu essa parceria? E como foi a experiência de trabalharem juntos não só na direção, mas também na dramaturgia?

IVAN: Adorei trabalhar com ele. Eu queria a ajuda de alguém para criar a dramaturgia e o nome do Gustavo surgiu de modo natural, uma vez que ele já havia trabalhado com a Nara e o Thiago. A sua entrada no processo foi muito frutífera, ele chegou com idéias ótimas e muita vontade de participar. Nós nos afinamos imediatamente e a evolução da nossa parceria para a direção se deu de modo natural. Foi tão bom o nosso entrosamento que queremos repetir a experiência.

LAURA: Como está sendo a temporada na Sede e qual a recepção do público?

IVAN: A temporada está sendo incrível, estamos tendo a casa lotada em todas as sessões. O público se diverte à beça e muitas vezes segue com a gente para o bar (rs).

Cena do Cabaré Foguete - foto de Laura Limp

“A irreverência dá o tom do espetáculo. Trata-se de um evento festivo, no qual o espectador poderá tomar uma cerveja enquanto se diverte com as peripécias da Ana Foguetinho”, conclui Sugahara.

LAURA: Sei que ainda é cedo, mas existem planos de levar o Cabaré Foguete para outro espaço em 2015?

IVAN: Planos sim, mas ainda não temos nada certo. O certo é que estaremos na Sede até 13 de dezembro, por isso corram pra assistir!

Ivan Sugahara - foto de Lenise Pinheiro

LAURA: Ivan, do jeito que você é...Provavelmente já está ensaiando, no mínimo, outro espetáculo. Pode contar qual é e do que se trata?

IVAN: Estou mesmo... Comecei a ensaiar o novo espetáculo dos Dezequilibrados. Tem o título provisório de “História do Amor” e se propõe a pensar a evolução do sentimento amoroso ao longo dos tempos. Estamos ainda no início do processo, que será longo. A previsão de estreia é junho de 2015. Mas estou contentíssimo com o elenco que formamos: Ângela Câmara e José Karini, integrantes do grupo, Claudia Mele – fizemos uma parceria super bacana em “Antes que você me toque” – e Julio Adrião, com quem eu há muito tempo eu tinha vontade de trabalhar.

LAURA: E férias? Você não tira não? (rs)

IVAN: Tiro! Viajei durante um mês no meio do ano e vou viajar no réveillon. Férias são fundamentais pra gente se renovar.

LAURA: Existe algum tema que você nunca tenha abordado no teatro e tenha vontade?

IVAN: Muitos. Tenho uma grande sorte porque adoro o que eu faço e ainda tenho vontade de fazer muita coisa.

LAURA: Pra encerrar... Quais são próximos planos para a companhia Os Dezequilibrados?

IVAN: Além do novo espetáculo nós seguirmos trabalhando juntos para sempre. Eles são a minha família, meus melhores amigos e meus maiores parceiros de trabalho.

companhia OS DEZEQUILIBRADOS

Bom, depois desse bate papo rápido, lá se foi o Ivan para a Sede das Cias. E se eu fosse você faria o mesmo. O Cabaré Foguete tem apenas mais duas apresentações: dias 6 e 13 de dezembro.

Dica: Os espectadores podem consumir bebidas enquanto assistem à comédia musical, mas levem dinheiro, porque a casa não trabalha com cartão.

FICHA TÉCNICA

Direção e Dramaturgia: Ivan Sugahara e Gustavo Damasceno
Direção Musical e Preparação Vocal: Ricardo Góes
Elenco: Catarina Saibro, Joel Vieira, Nara Parolini, Rita Fischer e Thiago Ristow
Banda Hétera: Antônio Ziviani, Breno Góes, Felipe Ridolfi e Pedro Leal David
Direção de Movimento: Kelly Siqueira
Assistência de Direção Musical: Breno Góes
Cenário: André Sanches
Figurino: Tarsila Takahashi
Iluminação: Ricardo Grings
Montagem de Som: Luciano Siqueira
Colaboração Dramatúrgica: Valéria Motta
Fotografia e Programação Visual: Thiago Ristow
Assessoria de Imprensa: LEAD Comunicação
Assistência de Produção: George Luis Prata
Direção de Produção: Maria Alice Silvério e Alan Isídio
Administração: Isídio Produções

SERVIÇO

Pré-estreia para convidados: 04 de outubro de 2014
Temporada: de 11 de outubro a 13 de dezembro de 2014
Horário: Sábados, às 23h
Gênero: Comédia Musical
Duração: 70 minutos
Ingresso: R$20,00
Bilheteria: aberta 1h antes da sessão
Capacidade: 60 lugares
Classificação: 16 anos

Quer saber mais? Confira na nossa página o evento do espetáculo. Lá também é possível acessar o link para comprar seu ingresso antecipado sem sair de casa. Basta clicar AQUI.

Conheça também a página da companhia Os Dezequilibrados: AQUI.

E se gostou da nossa conversa com o Ivan Sugahara, compartilhe a entrevista por aí!

ENTREVISTA COM O DIRETOR LEANDRO ROMANO SOBRE A OCUPAÇÃO DO TVNI NA SEDE DAS CIAS

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sat, 01 Nov 2014 19:32:00 +0000

Hoje começa na Sede das Cias a Ocupação do grupo TEATRO VOADOR NÃO IDENTIFICADO com a estreia de O PROCESSO. Confira a conversa que tivemos com o diretor Leandro Romano.

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LAURA LIMP: Primeiro, obrigada pelo seu tempo! Assinando a direção dos quatro espetáculos, imaginamos que a correria está grande (risos). Três deles já eram do repertório da Companhia. E agora tem também a estreia de "O Processo". Então, pelo visto, a gente tem muita coisa pra falar. Vamos do começo. Como surgiu o TVNI, quem faz parte do grupo e a quanto tempo ele existe?

LEANDRO ROMANO: O Teatro Voador Não Identificado surgiu na Unirio em 2011. Reuni um grupo de pessoas para desenvolver uma pesquisa sobre as relações entre ficção e realidade na arte contemporânea, um interesse que tínhamos em comum. Até então não havia uma ideia clara de criar um espetáculo, era só um estudo mesmo. Mas, com o tempo, isso foi virando uma necessidade e assim montamos o "Ponto fraco". Ao término das primeiras apresentações, convidei algumas dessas pessoas para virar um grupo: Elsa Romero, Isadora Petrauskas, Julia Bernat e Luiz Antonio Ribeiro. Desde então tivemos uma parceria constante com a Gaia Catta e a Lia Maia e posteriormente as convidamos para o grupo.

LAURA: Qual é a pesquisa de vocês? Vocês procuram uma linguagem e estética próprias do grupo ou para cada trabalho individualmente?

LEANDRO: Temos diversas pesquisas. Cada integrante do grupo tem interesses distintos e interesses em comum, que acabam por se complementar. Algumas estéticas teatrais contemporâneas estão presentes em todo o nosso trabalho. Por exemplo: as dramaturgias fragmentada, colaborativa e do ator; e também o teatro documentário. Todas elas partem do meu interesse em investigar os limites reais e ficcionais do teatro. Outra pesquisa nossa é sobre teatro e tecnologia, o que acaba contribuindo bastante para o lado estético (cenário, luz etc.) Eu diria que todas as nossas perguntas se resumem à uma: por que fazer teatro hoje?

LAURA: Como é construída a dramaturgia das peças?

LEANDRO: O Luiz, nosso dramaturgo, tem um olhar muito atento. O que costuma acontecer é: estabelecemos a concepção dos projetos juntos. Eu entrego as minhas ideias e ele começa a escrever um esboço do que será aquilo. Esse trabalho inicial é de fato muito embrionário porque tudo vai depender de quando vamos para sala de ensaio. É lá que tudo acontece. Neste sentido, temos fragmentos de textos escritos pelos próprios atores, colagens de textos de outros autores e a dramaturgia principal vai se alterando de acordo com as intervenções que surgem nos ensaios. Aliás, não só dos ensaios, mas também durante a temporada. A gente sempre acaba descobrindo coisas a melhorar. O Luiz não se apega ao texto, o que é ótimo! Ele pode ser alterado, reescrito, modificado, até se encaixar na boca do ator. Uma curiosidade é que o Luiz está sempre anotando o que acontece fora dos ensaios. Então, muitas vezes, alguns diálogos das peças são momentos reais que aconteceram em momentos de descontração. A Julia, quando foi escrever a dramaturgia de "Tempo real", de certa forma utilizou recursos semelhantes, ainda que nós não tivéssemos estabelecido um método para isso.

"Ponto fraco" é um espetáculo sobre os limites entre a ficção e a realidade. A partir de depoimentos pessoais de três atrizes, a peça expõe as fragilidades da contrução narrativa e de suas próprias histórias, sejam estas reais ou não.

LAURA: O espetáculo "Ponto Fraco" foi o primeiro e surgiu ainda dentro da UNIRIO, certo? Como foi o processo de trabalho?

Certo! O processo de trabalho foi bastante divertido. Ontem mesmo estávamos ensaiando a peça e rimos muito. A peça é muito gostosa de fazer... Na verdade, na época não tínhamos muitas pretensões. Então a peça acaba parecendo pouco séria, o que não é verdade. Começou com a pesquisa sobre ficção e realidade que eu comentei. Nós trabalhamos muito, cerca de 1 ano, para levantar o espetáculo. Em "Ponto fraco" começamos a investigar as tensões entre o ficcional e o real a partir de muitos depoimentos das atrizes. Foi um processo difícil nesse sentido pois elas precisaram expôr muitas fragilidades, daí o nome do espetáculo. "Ponto fraco" tem um viés muito dramatúrgico por conta disso. Temos uma cenografia simples, é uma peça calcada na palavra e na relação entre atrizes e público. Nós temos muito carinho por ela porque, em certa medida, foi ali que nos conhecemos, aprendemos a trabalhar juntos e desenvolvemos um esquema de criação muito particular.

Em "Shuffle", um homem ganha um iPod Shuffle e sua vida passa a ser condicionada pelo aparelho. No espetáculo, a ordem das cenas é também controlada por um iPod, mudando a ordem da peça diariamente. Confira cenas do espetáculo AQUI

LAURA: O segundo espetáculo foi o "Shuffle". De onde veio a ideia e como foi o processo?

LEANDRO: Na época em que o iPod Shuffle foi lançado pela Apple, o Luiz escreveu um conto chamado "Shuffle". O conto contava a história de um homem que ganhava um aparelho desses e sua vida passava a ser condicionada pelas músicas que o iPod escolhia. Era muito releitura do "O Estrangeiro" do Camus mas também questionava a situação homem x máquina na época atual. Quando li o conto me apaixonei de cara e tinha uma ideia de adaptar o conto para o teatro. Alguns anos de passaram, sentei com o grupo e falei dessa minha vontade. Foi quando eu tive a ideia de associar a ideia de "shuffle" (aleatório, em inglês) ao formato de um espetáculo. Assim, temos um espetáculo onde para cada cena há uma música e um iPod Shuffle determina a ordem das músicas, ou seja, a ordem das cenas. Foi um processo exaustivo pois, além de ser o primeiro espetáculo que tem essa característica de "experiência única" (visto que ele nunca é o mesmo), tivemos que lidar com uma dramaturgia que sofresse os impactos dessa situação sem perder o conteúdo que queríamos tratar e uma direção que previsse todas as possibilidades do acaso. O que acabamos descobrindo ser impossível. "Shuffle" pode ter mais de 1 milhão de ordens diferentes, mas foi difícil aceitar isso. Foram seis meses de ensaio intensos, de segunda a sexta, 4 horas por dia. Lemos muito, pensamos muito, estudamos muito... E tínhamos também uma outra responsabilidade pois esta foi a nossa primeira vez fora do ambiente acadêmico.

LAURA: Este espetáculo também marcou uma mudança no grupo, quando cada um assumiu funções específicas. Como foi isso? E essas funções se mantêm até hoje, ou variam?

LEANDRO: Fomos percebendo que é muito difícil fazer um trabalho sem um direcionamento. Até certo ponto isso é possível depois fica inviável. Até hoje variamos funções, mas isso é estabelecido a priori. Eu estou sempre na direção, mas isso não significa que será sempre assim. A Julia já dirigiu comigo, escreveu "Tempo real", atuou em "Ponto fraco" e atualmente faz minha assistência em "O processo". O Luiz escreve, faz minha assistência... A Elsa é atriz de "Ponto fraco", fez os cenários de "Shuffle" e "Tempo real" e por aí vai... Estou esperando minha vez (risos).

LAURA: Qual a relação da companhia com o uso da tecnologia?

LEANDRO: Ela começou em "Shuffle" e depois surgiu novamente em "Tempo real". Eu considero a tecnologia fundamental para qualquer área. De certa forma, é ela que impulsiona novas descobertas. No teatro isso fica muito potente porque, na maioria dos casos, é um adendo para o ator. No nosso caso específico, interfere também na direção, no texto e na estética visual. Estamos fazendo teatro para uma geração que cresceu com a tecnologia. Não agregá-la é um desperdício. Claro que não produzimos os espetáculos especificamente para isso, mas quando o conceito exige uso de tecnologia fazemos questão de explorá-la ao máximo.

"Tempo real" é um espetáculo sobre o agora. A partir de estatísticas em tempo real, a dramaturgia se transforma e constrói um panorama sobre as relações simultâneas no mundo contemporâneo.

LAURA: O terceiro espetáculo do repertório a ser apresentado aqui na Sede é "Tempo Real". Como foi o processo e a construção da dramaturgia?

LEANDRO: Depois de "Shuffle" estávamos muito desgastados. Ficamos 10 meses quase sem se encontrar. Uma característica desse processo é que ele foi praticamente construído na Europa (risos). A Julia, a Elsa, a Isadora e a Gaia estavam lá por diversos motivos. Uma foi ver a mãe que mora lá, outra estava em cartaz, outras foram para um evento de Set Design, enfim... Nos falamos muito por Internet e decidimos montar "Tempo real" mesmo nestas condições. Inicialmente fomos selecionados para participar do Projeto CoIsA, do Jefferson Miranda, e ele nos deu muitas indicações sobre a peça. O conceito inicial era construir uma dramaturgia que estivesse sempre interligada ao dia em que a peça fosse apresentada. Então é um texto cheio de lacunas, onde o Alonso e a Diana (os atores da peça) vão preenchendo e informando ao público sobre o que está acontecendo naquele momento através de iPads. O espetáculo é uma forma de potencializar a questão da presença no teatro. É um espetáculo sobre agora. Nele trabalhamos de novo com o imprevisível, mas sem tantos riscos.

Quinze diferentes interpretações, todas de improviso, para um único personagem, o protagonista. Esse será o grande desafio enfrentado pela companhia Teatro Voador Não Identificado na temporada de “O Processo”, seu novo espetáculo, que estreia hoje às 20h aqui na Sede das Cias, no Rio de Janeiro. Afeito à experimentação, o jovem grupo receberá um ator convidado em cada uma das 15 apresentações programadas até o dia 24 de novembro. Sem ter lido o texto ou ensaiado, eles contracenarão com o elenco fixo da peça.

LAURA: Me conta agora tudo sobre O PROCESSO, que será o quarto espetáculo do grupo e que estreia aqui na Sede hoje! Por que vocês escolheram este texto? Como vocês chegaram na ideia de ter um convidado diferente a cada apresentação para fazer "Joseph K."? Como está sendo "o processo" de trabalho?

LEANDRO: Eu sempre quis montar este texto. Conversando com o Luiz, chegamos à conclusão de que, tanto pelas características do grupo quanto pelo momento histórico em que vivíamos (as manifestações de junho), não faria sentido montar de forma tradicional. Deveria haver algo que explicitasse essas questões que o Kafka levanta. Eu queria que o ator não soubesse de nada, pensei em algo meio Big Brother ou um pouco parecido com o filme "A falta que nos move" da Jatahy, mas essas coisas não bastavam. Foi quando o Luiz sugeriu que o ator não ensaiasse, não conhecesse a peça e entrasse em cena mesmo assim. Daí a necessidade de convidar um ator diferente por dia. A produção disso é uma loucura! O processo é uma loucura! Acho que ainda não nos acostumamos plenamente a prever o imprevisível! Mas isso é muito bom porque é uma peça muito rica em possibilidades, a gente fica muito a vontade para brincar com o jogo que a concepção nos oferece. Isso, para mim, é o mais importante. Mas tenho certeza que o público pode esperar um espetáculo muito intrigante.

LAURA: O que vocês percebem que mudou durante essa trajetória do grupo?

LEANDRO: Acho que principalmente a maturidade. É difícil ser profissional. O teatro é um lugar tão prazeroso que às vezes parece que nem é trabalho, mas acho que a disciplina é uma das coisas mais fundamentais para uma companhia. Nossos medos também diminuem, a gente acaba ficando mais tranquilo. E tem também o reconhecimento. A gente acaba sendo lembrado e isso é um barato!

LAURA: Como vocês se mantêm como companhia? Vocês possuem alguma sede própria? Algum apoio financeiro?

LEANDRO: Aos trancos e barrancos! (risos) Não temos sede, não temos dinheiro, apoio, nada... Nos mantemos com muita vontade e disposição. Mas não lamento. Tudo na vida é um processo, né?

LAURA: Verdade. (risos) O que vocês esperam desta ocupação na Sede das Cias? Além da estreia e do repertório terá também uma oficina, certo? Como será?

LEANDRO: Essa ocupação é uma oportunidade única para o grupo. Ter o repertório completo sendo exposto é uma responsabilidade enorme. Mas também é uma oportunidade para o público, que pode acompanhar de perto toda a nossa trajetória. Estamos todos muito ansiosos e comemorando essa fase! E eu, pessoalmente, também estou muito ansioso com a oficina. Vou trabalhar a questão da figura, que é uma técnica de interpretação que desenvolvemos nos nossos trabalhos. É algo muito particular nosso e que vamos abrir para novas pessoas pela primeira vez.

LAURA: Agora pra fechar bonito, conta um pouco da sua trajetória profissional pra gente:

LEANDRO: Eu comecei cedo, em Petrópolis (onde nasci) como assistente na companhia Lira Theatral Mama Tonalona. Vim para o Rio estudar Teoria do Teatro na Unirio. Comecei a trabalhar na companhia Papa Vento, onde aprendi muito sobre teatro de bonecos. É uma outra linguagem, mas tão rica quanto. Em 2011 criei o Teatro Voador Não Identificado. Criamos 4 espetáculos, ganhamos alguns festivais e estamos crescendo cada vez mais. É isso.

Bom, se vocês curtiram tanto essa entrevista quanto a gente, então não podem perder o trabalho desta companhia! Durante todo o mês de novembro eles ocupam a Sede das Cias, ou seja, chances não faltam! Difícil será decidir quais dias escolher para assistir "O Processo", já que cada dia conta com uma participação especial diferente. Nomes como Fábio Porchat, Gregório Duvivier, Johnny Massaro, George Sauma e Charles Fricks já estão confirmados!

Confira o SERVIÇO abaixo e programe-se!

Ou visite o evento na página da Sede: AQUI

:: :: O PROCESSO

01 a 24 de novembro (sexta a segunda, às 20h)
Ingressos: R$30,00 (inteira) | R$15,00 (meia)
Classificação: 18 anos | Duração: 60 minutos
Elenco: Alonso Zerbinato, Amanda Grimaldi, Cirillo Luna, Daniel Passi, Larissa Siqueira da Cunha e Pedro Müller

Sinopse: "O processo" é baseado no livro homônimo de Franz Kafka. No espetáculo, a cada apresentação, um ator diferente é convidado para interpretar o personagem principal sem nunca ter ensaiado.

Ficha técnica

Concepção: Leandro Romano e Luiz Antonio Ribeiro
Direção: Leandro Romano
Dramaturgia: Luiz Antonio Ribeiro (baseado na obra homônima de FRANZ KAFKA)
Elenco: Alonso Zerbinato, Amanda Grimaldi, Cirilo Luna,
Daniel Passi, Larissa Siqueira da Cunha e Pedro Muller
Cenografia, iluminação e figurino: Elsa Romero, Gaia Catta e Lia Maia
Assistência de direção: Julia Bernat
Trilha sonora original: Felipe Ventura e Gabriel Vaz
Orientação teórica: Danrlei de Freitas
Direção de produção: Leandro Romano
Produção executiva: Renata Giardini
Casting: Renata Magalhães
Arte gráfica: Leandro Romano e Nan Giard
Apoio institucional: Projeto Entre e UNIRIO
Realização: TEATRO VOADOR NÃO IDENTIFICADO

:: :: PONTO FRACO

05 e 06 de novembro (quarta e quinta, às 20h)
Ingressos: R$20,00 (inteira) | R$10,00 (meia)
Classificação: 12 anos | Duração: 60 minutos
Elenco: Elsa Romero, Larissa Siqueira da Cunha e Tainá Louven

Sinopse: "Ponto fraco" é um espetáculo sobre os limites entre a ficção e a realidade. A partir de depoimentos pessoais de três atrizes, a peça expõe as fragilidades da contrução narrativa e de suas próprias histórias, sejam estas reais ou não.

Ficha técnica

Concepção e direção: Leandro Romano
Dramaturgia: Luiz Antonio Ribeiro
Elenco: Elsa Romero, Larissa Siqueira da Cunha e Tainá Louven
Cenografia e iluminação: Isadora Petrauskas
Figurino: Manoela Moura
Assistência de direção: Luiz Antonio Ribeiro
Assistência de arte: Gaia Catta
Trilha sonora original: Jayme Monsanto
Orientação teórica: Leonardo Munk
Colaboração na pesquisa: Diana Herzog e Luar Maria
Produção executiva: Leandro Romano
Realização: TEATRO VOADOR NÃO IDENTIFICADO

:: :: SHUFFLE

12 e 13 de novembro (quarta e quinta, às 20h)
Ingressos: R$20,00 (inteira) | R$10,00 (meia)
Classificação: 12 anos | Duração: 60 minutos
Elenco: Gabriel Vaz

Sinopse: Um homem ganha um iPod Shuffle e sua vida passa a ser condicionada pelo aparelho. No espetáculo, a ordem das cenas é também controlada por um iPod, mudando a ordem da peça diariamente.

Ficha técnica

Concepção: Leandro Romano
Direção: Julia Bernat e Leandro Romano
Dramaturgia: Luiz Antonio Ribeiro
Elenco: Gabriel Vaz
Cenografia e iluminação: Elsa Romero e Isadora Petrauskas
Figurino: Anna Cecilia Cabral
Preparação vocal: Julia Bernat
Assistência de direção: Luiz Antonio Ribeiro
Assistência de arte: Gaia Catta e Lia Maia
Edição de som: Jayme Monsanto
Voz em off: Estrela Blanco
Consultoria teórica: Danrlei de Freitas
Direção de produção: Julia Bernat e Leandro Romano
Produção executiva: Leandro Romano
Realização: TEATRO VOADOR NÃO IDENTIFICADO

:: :: TEMPO REAL

19 a 20 de novembro (quarta e quinta, às 20h)
Ingressos: R$20,00 (inteira) | R$10,00 (meia)
Classificação: 12 anos | Duração: 60 minutos
Elenco: Alonso Zerbinato e Diana Herzog

Sinopse: Tempo real é um espetáculo sobre o agora. A partir de estatísticas em tempo real, a dramaturgia se transforma e constrói um panorama sobre as relações simultâneas no mundo contemporâneo.

Ficha técnica

Concepção e direção: Leandro Romano
Dramaturgia: Julia Bernat
Elenco: Alonso Zerbinato e Diana Herzog
Cenografia e iluminação: Elsa Romero e Isadora Petrauskas
Figurino: Gaia Catta
Assistência de arte: Lia Maia
Assistência de direção e supervisão de dramaturgia: Luiz Antonio Ribeiro
Supervisão de concepção: Jefferson Miranda
Arte gráfca: Leandro Romano e Nan Giard
Fotografia: Bruno Mello e Nan Giard
Produção executiva: Leandro Romano
Realização: TEATRO VOADOR NÃO IDENTIFICADO

SEDE DAS CIAS
R. Manoel Carneiro, 10 - Escadaria do Selarón - Lapa
Telefone: (21) 2137-1271
E-mail: sededascias@nevaxca.com.br
Funcionamento da Bilheteria: abre 1 hora antes do espetáculo

ENTREVISTA COM A DIRETORA DE "JUMBO - EU VISITO A TUA AUSÊNCIA" - JOANA LEBREIRO

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sat, 25 Oct 2014 21:14:00 +0000

Conversamos essa semana com a diretora Joana Libreiro, que atualmente está ministrando a OFICINA DE CRIAÇÃO aqui na Sede das Cias e que também é a diretora de JUMBO - EU VISITO A TUA AUSÊNCIA, em cartaz por aqui até o dia 27 de outubro.

A Joana, além de ser uma simpatia, arrumou um tempo entre todas as suas atividades para contar pra gente como foi o processo de criação de JUMBO - EU VISITO A TUA AUSÊNCIA desde o início. Papo bom à beça.

Para quem não sabe, JUMBO é o nome dado ao embrulho de comida, roupas e produtos de higiene que é levado ou enviado rotineiramente aos detentos do sistema prisional (carcerário) por suas famílias.

LAURA LIMP: Como surgiu a ideia do espetáculo e qual foi a participação das atrizes na construção da história?

JOANA LEBREIRO: Bom, a ideia desse espetáculo surgiu das próprias atrizes, né? Do Baú da Baronesa. Elas tinham acabado de se formar na CAL e resolveram fazer uma companhia, montar uma companhia para poder trabalhar, continuar trabalhando... E falar de alguma coisa que interessasse a elas. E a primeira coisa que as unia era o fato de serem todas mulheres. Elas começaram a se perguntar que tipo de espetáculo elas poderiam fazer que fosse só de mulheres e que saísse de algum tipo de lugar comum, né? O que que elas poderiam fazer? E aí pesquisando vários temas elas chegaram neste: das mulheres que visitam os presos na cadeia. Ou seja, um espetáculo que só poderia ser feito por mulheres. E imediatamente esse tema já apaixonou todas elas, que ficaram muito encantadas pelo tema.

Foi nesse momento que eu entrei, que elas me convidaram. Inclusive, quando elas me falaram do tema, foi o que mais me seduziu! Quando elas me convidaram pra uma primeira reunião, pra me convidar pra estar junto do projeto e eu perguntei: "Mas o quê que cês tão pensando em fazer?" Elas me falaram que essa era uma primeira ideia. Eu fiquei absolutamente apaixonada porque eu achei muito contundente... Jovens atrizes...

"E por quê vocês vão falar disso?" A gente chegou e uma das coisas que a gente falou logo no início da pesquisa foi por quê falar dessas mulheres que visitam presos? Essas mulheres que frequentam as penitenciárias (que são tão diferentes da nossa realidade, da realidade delas). O quê que nos interessaria? E a gente falou muito sobre exercitar o olhar para o que nos é absolutamente estranho e diferente. Então... É o olhar pro que justamente elas não são. Porque a gente falava muito disso, que é um universo muito diferente da vivência de vocês (das atrizes). Então, acho que uma coisa que foi muito importante nesse início foi: "E o quê que a gente têm em comum com essas mulheres? O que que poderia ter?" E a gente foi começar a nossa pesquisa por isso. A gente foi fazer uma pesquisa no início do trabalho. Era um trabalho totalmente aberto, ainda não tinha texto. A gente começou a ensaiar sem texto, só com a ideia, e começou a investigar o universo feminino. Começamos a fazer exercícios sobre isso ao mesmo tempo em que a gente lia material sobre essas mulheres.

Elas (as atrizes) já tinham feito uma pesquisa prévia bem bacana. Eu levei mais coisas, a gente conversava muito, via filme, e também pesquisa sobre a linguagem do documentário. E um dos primeiros exercícios que a gente fez foi uma aproximação afetiva, porque na verdade a gente conversou muito, assim... Que ninguém escaparia... Ninguém tá imune a ter algum parente, algum homem... Nenhuma mulher tá imune a ter algum homem da sua vida preso, né? Porque qualquer um pode cometer um crime. Você poderia ter um irmão, um marido, um namorado, um pai, um filho preso... Então o primeiro exercício que a gente fez foi de uma aproximação afetiva, se fosse com você? Com algum homem da sua vida?

Então esse foi um exercício importante, que uniu muito as atrizes, que cada uma se colocou e fez uma coisa de verdade. A gente fez uma visita, uma carta. Ela tinha que apresentar uma carta que ela escreveria pra essa pessoa. E que JUMBO ela levaria? Justificar o JUMBO, e foi um exercício muito emocionante, onde a gente entendeu uma questão da peça que foi muito importante depois pro processo. Que a gente sabia que aquilo não era verdade, a gente não pretendia que fosse verdade porque se alguém falava e fazia um exercício dizendo que o pai tá preso, a gente sabia que não era mas sabia que ela tava falando de verdade. Se o meu pai fosse preso o que eu diria pra ela seria isso. E o exercício era entrar em contato com isso, né? Como seria? Que tipo de afeto seria despertado aí? E o jogo se deu entre a gente que estava vendo e a atriz que na hora tava fazendo. E foi um jogo muito verdadeiro que fez a gente pensar em muitas questões que a gente depois foi abordando no decorrer dos ensaios.

cena do espetáculo JUMBO - EU VISITO A TUA AUSÊNCIA

LAURA: Então esse foi o processo de dramaturgia?

JOANA: Esse foi o processo de participação das atrizes e de dramaturgia. Tudo isso fez parte do processo de dramaturgia. A gente começou a ensaiar tendo um tema, lendo histórias, mulheres discutindo, fazendo paralelos com o que a gente sentiria, com o que a gente pensaria e estudando esse universo feminino. A gente fez alguns exercícios também, pra trazer material sobre feminilidade, relação de afeto das mulheres na vida com seus homens, seus filhos, seus maridos. A gente fez um exercício também que foi bem marcante no nosso processo que foi o "museu do feminino". Cada uma tinha que apresentar, a partir de frases que a gente pescou. E a gente foi dividindo. Elas tinham que fazer uma apresentação que tinha uma música, um objeto... E a gente passava e fazia uma espécie de visita guiada por cada uma dessas mulheres que a gente tava inventando ali.

Isso foi trazendo muito material, enquanto a Cilene Guedes, que é a autora do espetáculo e que também era uma das atrizes, tava começando já a rascunhar e botar as ideias dela pra fora. Até que um dia a Cilene fez uma primeira sinopse dessas personagens. E a gente já tinha visto filme, feito vários exercícios... Este dia, o primeiro dia, quando chegaram as sinopses dos personagens, foi um dia muito decisivo.

LAURA: Que elementos você usou na direção da peça?

JOANA: Nesse dia eu já dividi essas personagens, mas sem ter certeza se realmente seria isso, foi uma primeira experiência de divisão, e aí nesse dia a gente já imediatamente marcou um exercício que virou parte integrante do espetáculo, que era o que a gente chamou de "entrevista pro documentarista". Como a gente tava trabalhando com a estética do filme documentário, um pouco de brincar com a estética do filme documentário mas com conteúdo que vinha do documentário, mas que era ficção e se assume enquanto ficão, mas que mistura elementos do documentário, isso é: o conteúdo. Mas a estética... A gente queria brincar com a estética do documentário que sempre tem o momento da entrevista para o documentarista.

A gente quis fazer um exercício que era: você pega a sua sinopse (que era uma sinopse grande que dava pontos sobre o personagem) estuda sua sinopse e vai trazer um depoimento pro documentarista, como se ele tivesse vindo te entrevistar. Você vai parar e falar.

cena do espetáculo JUMBO - EU VISTO A TUA AUSÊNCIA

A gente fez alguns exercícios de aquecimento com coisas que a gente já fazia e também com coisas que entraram no espetáculo como: posições de espera na fila, posições de espera sentada, deitada, dormindo, em pé... Muitas coisas que depois a gente usa em várias passagens do espetáculo.

E aí elas fizeram essa entrevista que era absolutamente improvisada. E foi um exercício também muito forte, que marcou muito o processo, porque a gente viu que aquele formato tinha uma força, gerava um interesse e era de uma simplicidade que me interessava na direção. De uma simplicidade mas também de uma potência que me interessava explorar. E nesse dia as personagens ficaram, nunca houve mudança e foi muito impressionante também ver que as personagens apareceram ali, nesse primeiro dia. Eu acho que é porque elas já vinham fazendo um trabalho de investigação muito grande. Então quando chega a sinopse, elas conseguiram se apropriar muito rapidamente de muitos elementos dalí. Então tiveram um grau de concretude muito bacana pra um primeiro exercício com essa sinopse, com esse perfil.

Então, depois desse exercício da entrevista pro documentarista, a gente decidiu que ele iria entrar, que ele ia ser uma ligação entre as cenas, parte da ligação entre as visitas e as cenas coletivas. E aí a dramaturgia cada vez mais foi tomando uma forma. A gente foi entendendo na discussão com a Cilene, que teria as histórias. Que o drama de cada personagem se daria geralmente dentro da visita e que a gente teria essa camada da visita, essa camada da entrevista ao documentarista e essa camada das cenas coletivas, das cenas que tem histórias. Histórias na fila, histórias fora. A história da Quiara por exemplo, que é... Que se passa fora dali.

cena do espetáculo JUMBO - EU VISITO A TUA AUSÊNCIA

E aí a Cilene começou cada vez mais a construir. Teve uma hora que ela se afastou mais mesmo do ensaio pra escrever. Ela ia trazendo aos poucos as visitas, tipo: a gente experimentou um pouco aquele formato de 6 visitas simultâneas, 7 visitas simultâneas, né? A gente começou a experimentar e viu que dava certo. Então as visitas vinham chegando. As cenas coletivas iam chegando, até que a gente estruturou. Ela (Cilene) foi estruturando o texto todo e foi o que ficou. Então foi realmente um texto escrito durante o processo. Ela ia nos ensaios, ela participava como atriz, ela ia pra casa, ela escrevia, ela trazia coisas e a gente testava. Foi muito bacana poder passar por isso. Foi realmente uma experiência muito enriquecedora mesmo.

LAURA: Joana, falar um pouquinho pra gente sobre a sua trajetória profissional.

JOANA: Eu me formei em direção teatral na UFRJ. Comecei trabalhando como assistente de direção do Antônio Guedes no Teatro do Pequeno Gesto. Fiquei 4 anos com ele. Foi uma experiência muito importante com ele e com a Fátima Saad e depois eu comecei a dirigir meus próprios trabalhos. E os primeiros trabalhos que eu dirigi eram musicais biográficos. Assim, ainda em 2004, tava começando esse movimento... O primeiro musical que eu dirigi era uma coisas muito pequena, a gente chamava de "musical de bolso". E era um grupo que era o Núcleo Informal de Teatro (porque a gente queria trabalhar isso, uma linguagem informal e brasileira pra musical).

Então, era um musical de bolso, era sobre o Antônio Maria. Era bem pequenininho e ali eu comecei a ver o quanto eu gostava desse tema da memória em teatro né? Eu já gostava na faculdade, mas eu ainda não tinha entendido em que âmbito eu poderia trabalhar isso. Então eu dirigi um espetáculo sobre o Antônio Maria, um outro sobre o Mário Lago e outro sobre o Ary Barroso. Sempre um pouco sobre esse ponto de vista da memória, do documento, das histórias, de como a memória coletiva e as memórias individuais se entrelaçam. Sempre um pouco nesse âmbito também. Como é que isso tudo se entrelaça com a história da cidade e como é que a música também faz parte dessa memória coletiva, individual, memória da cidade, memória nacional...

Joana Lebreiro - diretora de JUMBO - EU VISITO A TUA AUSÊNCIA

Isso tudo foi me fascinando cada vez mais e aí eu fui fazer um mestrado em memória social, que a princípio não tinha nada a ver com teatro. Era um mestrado focado em memória onde eu desenvolvi um trabalho, uma dissertação sobre as histórias de vida de moradores de copacabana, né? Na verdade eram fragmentos de memórias de Copacabana a partir dos velhos moradores do bairro.

Esse tema da dissertação é um dos temas que eu quero explorar, num trabalho. Eu já estou há anos com isso, com esse material. Eu quero pegar essas entrevistas e transformar num espetáculo de teatro. Inclusive, esse material é o que eu tô usando na oficina que eu tô dando na Sede das Cias. Eu tô usando essas entrevistas (trechos dessas entrevistas) pra trabalhar a teatralidade disso. O potencial teatral disso com os alunos.

E aí, depois que eu acabei esse mestrado eu fui enveredando cada vez mais nesse caminho. Dirigi um espetáculo chamado "Meu caro amigo" com Kelzy Ecard, que foi um espetáculo importante, assim, na minha carreira. Porque ela é uma grande atriz, era um monólogo e trabalhava exatamente isso: a memória individual e a coletiva. Era uma fã do Chico Buarque que declara o amor dela pra ele, mas passando pela memória dela. De como as músicas dele influenciaram a vida dela. E aí a gente trabalhava com toda a história dos últimos 50 anos do Brasil nisso. E foi uma experiência também muito intensa, onde eu entendi que isso era cada vez mais o que eu gostaria de falar, né? Esse tipo de assunto.

Assista ao trecho do espetáculo MEU CARO AMIGO clicando no vídeo.

E aí, entre outras coisas, eu comecei a me interessar cada vez por teatro documentário. Por cinema documentário. Pela relação entre ficção e documentário... Foi nessa época que as meninas do Baú da Baronesa me chamaram para dirigir o JUMBO e eu aceitei. E foi, como eu já falei, uma experiência importante e muito transformadora. E logo nessa época também eu dirigi (voltando pra música e pra memória, só que não mais biografia) um musicalchamado "Funk Brasil - 40 anos de Baile", que não é um musical nos moldes tradicionais. É uma peça de teatro, uma peça baile, onde os atores dançam o tempo todo. E ali a gente pesquisou linguagem mesmo. Assim: "Como é que a gente consegue fazer um espetáculo que é todo dançado mas que não é dançado como coreografia?". É dançado como... Os passos são a marcação mesmo. É totalmente anti naturalista. É uma brincadeira mesmo com o fato de você não parar de dançar, mas você tem diálogos... Tudo normal. Só que você tá dançando. Os atores dançando o tempo todo. E a gente contava a história do funk dos anos 60 até os dias de hoje e é um espetáculo com texto do Pedro Monteiro que eu dirigi.

O espetáculo JUMBO - EU VISITO A TUA AUSÊNCIA está em cartaz na Sede das Cias até 27 de outubro (segunda-feira). De sexta a Segunda, sempre às 20h.

> Quer saber mais sobre a Companhia BAÚ DA BARONESA? Clique AQUI

> Leia a crítica sobre o espetáculo na Revista Questão de Crítica AQUI.

> Acesse a página do espetáculo no facebook: AQUI.

> Maiores informações sobre a peça no evento da Sede das Cias: AQUI

PEQUENAS BIOGRAFIAS - a dramaturgia

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Thu, 09 Oct 2014 19:46:00 +0000

Dramaturgo explica conceito da peça Pequenas Biografias

Por Leonardo Torres para o site Teatro em Cena

O espetáculo “Pequenas Biografias” é o segundo texto metalinguístico do dramaturgo e diretor Marcio Freitas. O anterior foi “Sem Falsidades”, no qual cinco atrizes davam vida justamente à conversa de jovens atrizes sobre os primeiros contatos com o teatro. Eram relatos narrados como autobiográficos, embora não fossem das artistas que estavam em cena. Eram verídicos, resultantes de entrevistas com outras atrizes, mas não delas. Em “Pequenas Biografias”, é parecido. Seis atores estão em cena para contar a história… de outros atores, que pesquisam sobre a vida de pessoas diversas (uma cantora, um colega de infância, uma vizinha…). Os relatos também não são de todos os atores que estão em cena, mas foram capturados em uma pesquisa real, igual à cênica, com um grupo de artistas. Difícil de entender? Marcio explica melhor.

(Foto: Divulgação)

Ele deu início ao projeto entre 2011 e 2012, incitando cada ator a pesquisar independentemente seu objeto, que poderia ser qualquer personagem a gosto. Nos encontros frequentes, ele supervisionava o andamento e gravava as conversas em áudio. Foi um processo que durou muito tempo, e serviu de base para o roteiro semificcional. “Nem todos os atores que estiveram no processo estão em cena, nem todos os atores em cena estiveram no processo. Quando os atores falavam das suas pesquisas, acabavam falando muito de si, e o que aparece em cena é essa mistura entre a vida dos atores e os objetos que eles escolheram”.

É nessa relação entre pesquisador e pesquisado que se baseia o texto. Uma personagem, por exemplo, fala de seu incômodo com a figura de um músico proeminente, tentando esconder o quanto tal história torna visível um segredo seu. Outro revira os restos de sua relação com o irmão mais velho, investigando o choque da idealização do passado com os eventos presentes. “Esse passo para fora acaba se perdendo e virando um passo para dentro, ou seja, a tentativa de biografar acaba apontando de volta para o sujeito biógrafo”, Marcio tenta explicar ao Teatro em Cena, em entrevista realizada por e-mail. “Mas sempre investigando aquilo que falha, que fracassa, que não dá certo, que é algo que me interessa bastante”.

(Foto: Divulgação)

Com a encenação reproduzindo em parte o que aconteceu nos encontros gravados em áudio, ainda que de maneira ficcional, o dramaturgo visa problematizar a imagem documental. “Quis falar disso, tocando em questões como memória e esquecimento. Mas, além disso, a peça tem uma enxurrada de pequenas coisas que se ligam, algumas fortemente e outras mais sutilmente”, aponta. “Meu desejo era construir uma rede de sentidos, que tivesse coerência sem determinar leituras fechadas, que fizesse o espectador se perder nas imagens e também desse a ele pontos de ancoragem para leituras interessantes e talvez inusitadas”.

Em “Sem Falsidades e “Pequenas Biografias”, Marcio Freitas dirige seus próprios textos. Mas é inegável que, na peça atual, houve uma abertura maior, e enorme, ao processo colaborativo, graças às pesquisas dos atores. “Algumas camadas são muito abertas para o que cada um tem a dizer ou propor, tendendo quase ao caótico”. Mas ele ressalta que ninguém está em cena dizendo exatamente o que falou nas reuniões. É um reprocessamento rigoroso de formação cênica. “Ao mesmo tempo, é o ator revivendo suas próprias questões. É interessante ver o que sobra desse choque. Em cena, o público não vê exatamente a verdade dos atores. Não é a ilusão de verdade que buscamos, mas uma verdade reprocessada. É uma imagem estranha, que induz à estranheza”.

A temporada na Sede das Cias começou ontem, dia 08 de outubro e segue até o final deste mês. As sessões são quarta e quinta, às 20h, e os ingressos custam R$ 20 (inteira) e R$10 (meia).

É possível comprar online AQUI.

OS SAPOS - como tudo começou

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sun, 21 Sep 2014 19:35:00 +0000

Conheço a Renata (Renata Mizrahi) há muito tempo! Desde o ano 2000, ela foi ser minha aluna numa oficina dos Privilegiados, aliás era minha primeira turma!!! Fizemos 3 peças juntas, eu dirigindo e ela atuando. Depois ela começou a escrever, largou História e foi pra UNI-RIO estudar teatro. Começou a escrever peças e um dia em 2009 ela me pediu pra fazer uma leitura na minha casa, ela queria que uns amigos conhecessem o texto novo dela. Quando lemos Os sapos pela primeira vez eu pensei - essa é a peça que eu quero fazer!! Achei a peça incrível de cara, nem sabia ainda que personagem que eu gostava mais, mas sabia que queria fazer.

Sugeri que ela chamasse os atores com os quais eu tinha acabado de trabalhar, Gisela de Castro, Paulo Hamilton e Otto Jr, e ela chamou a Morena Cattoni pra completar o elenco. A Renata chamou a Inez Vianna pra dirigir uma leitura que fizemos na Casa da Gávea, em 2010, e ela iria dirigir o projeto se tivéssemos ganhado algum patrocínio, mas isso não aconteceu...

E em 2013 a Renata nos convidou a fazer peça com a cara e a coragem, sem ganhar pra trabalhar. A Inês não iria mais poder fazer, então ela estava assumindo a direção ao lado da Priscila Vidca. Eu e Gisela topamos na hora, os outros 3 atores tinham problemas com a data da estreia e não puderam fazer. Assim entraram Veronica Reis, Ricardo Gonçalves e Peter Boos, e começamos os ensaios diários.

Foram dois meses de ensaios em horários pouco convencionais, pois não tínhamos salário pra ensaiar. Mas todos acreditavam na força da peça, e isso era nosso motor diário. Além do que os ensaios eram muito divertidos, a gente ria muito enquanto descobria as loucuras dos personagens, enquanto os colocava de pé.

É importante frisar a entrada dos profissionais maravilhosos que fizeram a peça com a gente, Nello Marrese (cenógrafo) Renato Machado (luz) Bruno Perlato (figurino) Sandro Rabelo (produção) Marcio Freitas (programação visual) e Lorena Lima (cenógrafa assistente).

Estreamos no dia da primeira manifestação no Rio, dia 20 de junho de 2013!! Ficamos com medo de não ir ninguém ao Galpão do Tom Jobim, mas foi um estreia lotada e bem sucedida, com direito a caldo verde da Neila (nossa administradora). Tivemos várias noites de lotação esgotada.

A maioria das críticas foi positiva, e logo ganhamos o Fomento para circulação em 6 lonas do Rio, foi nosso primeiro incentivo.

Na sequencia do Tom Jobim veio o convite pro Teatro da Laura Alvim, às terças e quartas, foram apenas 4 semanas, mas a cada semana o público crescia na plateia, foi uma linda temporada. Durante essa temporada Peter Boos saiu da peça pra fazer outro trabalho e entrou pra ficar nosso querido Fabrício Polido, que nos convidou pra seis apresentações no Teatro Dulcina, na sequência do Laura Alvim.

Depois disso ainda fizemos um fim de semana na Gamboa, e assim terminou nosso ano de 21013.

Em 2014 cumprimos 3 lonas e 3 arenas do Rio, e em setembro estamos aqui, na Sede das Cias, para 4 lindas semanas, e de outubro a dezembro a peça foi convidada a fazer o circuito Sesc Rio, serão nove apresentações.

Para 2015 estamos tentando uma temporada em São Paulo, e esse elenco quer muito ficar junto ainda por muitos anos, fazendo essa peça que amamos tanto!!

por Paula Sandroni

TODOS OS ESPETÁCULOS E PERFORMANCES QUE JÁ PASSARAM POR AQUI...

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Mon, 08 Sep 2014 20:20:00 +0000

Se recordar é viver... estamos aqui vivendo pra c@#$%&ˆ%!!!

Este ano a Sede das Cias fez 1 ano! Aí bate aquela nostalgia. A gente meio que olha pra trás e olha pra frente. Faz novos planos, reflete sobre tudo que já aconteceu. Revê alguns álbuns de fotografia. Reavalia. Muita coisa mudou nesse ano. Muita gente passou por aqui.

Temos lutado constantemente para atrair e formar um público da casa. E é casa mesmo. Tem gente que passa aqui pra tomar um café com a gente. Visitar o Jardim. Coisa boa. Astral legal.

Tem sempre ensaio por aqui. E muitos planos. Antigos e novos. Teve reforma. Por dentro e por fora. Mudou a gerência do Café das Cias. Teve espetáculo polêmica. Tiveram acontecimentos. Ocupação da escadaria do Selarón. Ocupação de repertório de companhias. As que habitam a casa, e outras novas. Outras nem tanto.

Tiveram festas. E muitas outras que ainda virão. Tiveram escolas, enchendo de alegria os horários alternativos. Sim, teve infantil também. Comédia. Drama. Teve festival. Apresentação Única. E temporadas prorrogadas.

Muitas outras memórias vão dar espaço à essas aí. Muitas outras fotos. Muitas outras companhias. Muitas outras pessoas. Graças a vocês!

Um forte abraço,

Sede das Cias, Nexaxca Produções, Os Dezequilibrados, Pangéia cia.deteatro, Cia dos Atores e Qtal Design e Marketing Digital.

A SERPENTE

BALEIA

ÚLTIMOS REMORSOS ANTES DO ESQUECIMENTO

NÃO HÁ LUGAR MELHOR DO QUE A NOSSA CASA

MARATONA

SEGUNDO ENCONTRO DE TEATRO CHILENO,COM AS PEÇAS:

MUNDO MOZART, ROMEO Y JULIETA COMICAMENTE TRAGICA, SEIS MÁSCARAS À PROCURA DO ATOR e YO, MANUEL

ANTES DA CHUVA

O BANQUEIRO ANARQUISTA

UMA HISTÓRIA OFICIAL

O MÉDICO QUE TINHA LETRA BONITA

O INVENTÁRIO

OCUPAÇÃO ETHOS CARIOCA -

TRÊS ESPETÁCULOS DA CIA DOS ATORES: CONSELHO DE CLASSE, COMO ESTOU HOJE E LABORATORIAL

A PROSTITUTA RESPEITOSA

A CASA EM OBRA

BASEADO NA RUA DE TRÁS

VAZIO É O QUE NÃO FALTA, MIRANDA

ELEFANTE

[DES]CONHECIDOS

WANDERLUST - PRECISO ANDAR

CATÁSTROFE

AMORES

JARDINS PORTÁTEIS

CIDADELA

MORRO COMO UM PAÍS

DESALINHO

RETRATOS

A QUEDA

O CONFETE DA ÍNDIA

O CONFETE DA ÍNDIA NA SEDE DAS CIAS

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Mon, 01 Sep 2014 14:43:00 +0000

Hoje a Sede das Cias tem o prazer de receber às 20h e em ÚNICA APRESENTAÇÃO O Confete da Índia, às 20h. O mais novo espetáculo solo com André Masseno, que assina a concepção e direção do projeto, com colaboração dramatúrgica do renomado coreógrafo Tuca Pinheiro. O espetáculo dialoga com a experiência contracultural do desbunde, que influenciou arte e vida entre os decênios de 1960 e 1970, e que, inspiradas pela leitura do comportamento dos índios antropófagos feita pelos Modernistas da Semana de 22, deglutiam culturas e posturas estrangeiras para criarem um modo tipicamente extasiado de vivenciar e olhar o mundo.

Após o espetáculo, sempre acontecem debates, mediados por personalidades da contracultura brasileira, tais como o bailarino e coreógrafo Ciro Barcelos, que foi um dos integrantes do lendário Dzi Croquettes, o crítico literário Italo Moriconi, e hoje com Ana Cristina Chiara, professora da UERJ e autor do livro "Ensaios de possessão (irrespiráveis)".

“O espetáculo surgiu pela minha inquietação e urgência em repensar o nosso corpo na atualidade, porém tendo como ponto de partida alguma referência comportamental que tivesse uma ligação com a nossa história”, afirma André Masseno. Ainda, de acordo com o coreógrafo, O Confete da Índia, buscou referências históricas, artísticas e comportamentais dos períodos entre as décadas de 60 e 70, como na voz agressivamente doce de Gal Costa e na ambiência de seu álbum ‘India’, nas fotos de Artur Omar sobre foliões do Carnaval carioca, no embalo das cantoras da discoteca, nos falsetes de Jorge Mautner, no jogo andrógino dos corpos masculinos como os de Ney Matogrosso e Caetano Veloso, na postura artística de Hélio Oiticica, entre tantos outros artistas deste vasto período.

“No entanto, nenhuma destas referências está transparente neste espetáculo. Elas foram deglutidas, reprocessadas, e funcionaram, na realidade, como um ‘bisturi’ roubado, que me utilizei para cortar a minha ‘carnalidade’, e conclui: “é este jogo com uma corporeidade desbundada, carnavalizada, que considero um espetáculo sobre a urgência de uma atitude política nossa diante da posição desenvolvimentista que o país passa na atualidade. Porém, uma atitude política que passe não por partidarismos, mas sim por ações efetivamente críticas e, paradoxalmente, extasiadas, em nossa esfera social”.

Sobre o espetáculo

O espetáculo busca novas abordagens possíveis do desbunde, aqui considerado como uma experiência corporal do êxtase, quando o corpo se desloca para fora de si (ek-stasis) em direção a um estado de explosão e transbordamento. O Confete da Índia é um jogo de deglutição e reprocessamento do alheio, gerando um acontecimento repleto de gestualidades, imagens e estados de presença que revisitam a experiência física do corpo-em-desbunde, de sabor extático e tropical, e que pode ser entrevisto em algumas obras resultantes do período em questão e com as quais o espetáculo se confronta, entre elas, a performance da cantora Gal Costa no álbum Índia (1973), as fotos de foliões do Carnaval carioca, feitas por Arthur Omar na série Antropologia da Face Gloriosa (1973-1996) e a corporeidade andrógina do grupo Dzi Croquettes.

É um espaço de conflito e de pulverização entre passado e presente, fonte e influência. Uma experiência compartilhada, uma reflexão físico-crítica acerca das posturas e políticas corporais em vigor na esfera pública atual.

O projeto tem a concepção, direção e interpretação de André Masseno, com larga experiência na criação e produção de espetáculos solos, conta com a assistência de direção e colaboração dramatúrgica do renomado coreógrafo Tuca Pinheiro e com a produção de Verônica Prates (Quintal Produções). O desenho de luz é assinado pelo premiado Renato Machado, a direção de arte é executada pelo artista visual Fábio Carvalho, e a programação visual é de Karin Palhano.

O Confete da Índia é contemplado pelos prêmios Funarte de Dança Klauss Vianna 2011 e FADA 2011 – Fundo de Apoio à Dança, da Secretaria Municipal de Cultura do Rio de Janeiro.

Abaixo, uma entrevista com o artista André Masseno falando sobre o espetáculo logo após a apresentação no Solar de Botafogo. Ele fala também sobre a concepção do espetáculo e sobre como se insere na sua trajetória de trabalho:

SINOPSE

O Confete da Índia, de André Masseno, é uma obra solo em diálogo com a postura corporal do desbunde, arte e atitude contraculturais que, durante os decênios de 1960-1970, deglutiam culturas e posturas estrangeiras para criarem um modo tipicamente extasiado de vivenciar e olhar o mundo. Contemplado pelo APCA 2013 como Melhor Projeto Artístico em Dança, O Confete da Índia compõe-se por uma trilha sonora emblemática do período contracultural brasileiro e que embala um corpo em estado de êxtase, que, por sua vez, questiona as fronteiras entre passado e presente, entre fonte e influência. Para André Masseno, O Confete da Índia configura-se como uma aposta na experiência do êxtase e transbordamento como estratégia para se (re)pensar as posturas e políticas corporais em vigor na esfera pública atual.

FICHA TÉCNICA

Concepção, Direção, Dramaturgia e Performance: André Masseno
Colaboração Dramatúrgica e Assistência de Direção: Tuca Pinheiro
Desenho de Luz: Renato Machado
Direção de Arte: Fábio Carvalho
Figurinos e Seleção Trilha Sonora: André Masseno
Direção de Produção: Verônica Prates
Consultoria Teórica: Leonardo Davino
Programação Visual: Karin Palhano
Fotos Divulgação e Ensaio Fotográfico: Nilmar Lage
Equipe de produção: Anádia Oliveira
Realização: Quintal Produções

SERVIÇO

Local: Sede das Cias
Endereço: Rua Manuel Carneiro, 12 – Lapa (Escadaria Selarón)
Informações: (21) 2137-1271
Ingresso: R$ 20,00(inteira) R$ 10,00(meia)
Duração: 60 minutos
Bilheteria: abre 1 hora antes do espetáculo
Gênero: Dança
Capacidade: 60 pessoas
Classificação etária: 16 anos
Temporada: somente dia 01 de setembro, às 20h

OS INGRESSOS TAMBÉM PODEM SER GARANTIDOS ONLINE NO SITE COMPRE INGRESSOS, ATÉ ÀS 17 HORAS DE HOJE. PARA COMPRAR BASTA CLICAR AQUI .

CONCURSO JOVENS DRAMATURGOS

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Sun, 13 Apr 2014 19:22:00 +0000

Amigos da Sede das Cias,

O Espaço Cultural Escola Sesc lançou um edital para o concurso JOVENS DRAMATURGOS 2014, para quem tem entre 15 e 27 anos.

As inscrições são gratuitas e vão do dia 14 de abril ao dia 06 de junho!

Ficou interessado? Então não perca tempo!
Acesse o site AQUI para ler o edital e fazer o download da ficha de inscrição.

Boa Sorte!!!

VEM CHEGANDO O CARNAVAL!!!

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Thu, 20 Feb 2014 15:59:00 +0000

Sim, o pré carnaval já começou!

Vai ter projeto MARATONA - edição de Carnaval aqui na Sede das Cias, dia 25/02 às 20h. E para ir entrando no clima, que tal se inspirar nessa seleção de imagens que a atriz e designer Paula Delecave fez e gentilmente, compartilhou com a gente! Obrigada Paula!

Tem de tudo e nem tudo é exatamente fantasia de carnaval.

Mas sem dúvida, além de curiosas, as fotografias ajudarão a inspirar ou, no mínimo, a viajar no tempo.

Tem coisa bizarra, estranha, engraçada,elaborada, simples, antiguinha e antigaça! Algumas inusitadas, outras que dão arrepio. Tem umas politizadas, outras simplesmente lúdicas. Tem umas que nem são fantasias, mas podem vir a ser. Tem imagens de tribos, de ritos. Outras que parecem sair de um filme de terror ou ficção científica. Tem as bem humoradas. As ousadas. As baratinhas de copiar. Tem umas que são verdadeiras obras de arte. Umas coloridas, outras preto e brancas e, ainda, as amareladas pelo tempo. Tem Halloween, tem dia de los muertos, tem carnaval de rua. Tem expressionismo, tem surrealismo. Tem candomblé, tem personagem de teatro russo, tem máscara, tem abacaxi! Tem The Beatles, homem vestido de mulher e até umas que a gente nem sabe o quê que é.

Tem de TUDO!

O que importa é dar asas à imaginação e ser transportado para esse "mundo de fantasia", que afinal, é o Carnaval.

É para curtir ouvindo o samba TRISTEZA, na voz de Beth Carvalho:

E se quiser cantar junto, taí a letra:

Tristeza

Por favor vá embora

Minha alma que chora

Está vendo meu fim

Fez do meu coração a sua moradia

Já é demais o meu penar

Quero voltar aquela vida de alegria

Quero de novo cantar

CURIOSIDADES:

Você sabia que a música TRISTEZA foi composta por Niltinho para o carnaval de 1966? Mas como era muito longa, ficaria difícil para ser cantada no carnaval. Haroldo Lobo, já bastante experiente, deu-lhe então um toque mais propício para carnaval, tornando-a mais curta e modificando alguns versos.

Foi lançada por Ari Cordovil, mas fez grande sucesso com Jair Rodrigues, em gravação ao vivo no programa "O fino da bossa" da TV Record de São Paulo.

Recebeu dezenas de outras gravações, como a de Beth Carvalho.

Já o compositor Haroldo Lobo, nasceu no Rio de Janeiro em 22/7/1910. Desde menino interessou-se por música por influência da família. Aos 13 anos já compunha sambas para o Bloco do Urso. Foi compositor muito mais de músicas carnavalescas, tendo tido sempre muito sucesso.

Seu primeiro sucesso foi "Metralhadora" com Donga e Luiz Menezes, em alusão à Revolução Constitucionalista de 1932. Teve inúmeros outros sucessos como "Alla-lá-ô" em 1941 gravada por Carlos Galhardo. No ano seguinte fez "Emília" com Wilson Batista e gravada por Vassourinha. Em 1951 fez com Marino Pinto, "O retrato do Velho" em homenagem a Getúlio Vargas, que havia sido destituído da presidência do Brasil dois anos antes e gravada por Francisco Alves.

Seu último grande sucesso foi "Tristeza". Haroldo Lobo faleceu em 1966.

Imagens colhidas na internet.

Seleção de imagens: Paula Delecave

Texto da sessão CURIOSIDADES: Dárcio Fragoso

postado por: Laura Limp (marketing digital)

A MARATONA está de volta - edição de Carnaval!

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Thu, 20 Feb 2014 04:17:00 +0000

É isso mesmo! A Pangeia cia.deteatro, uma das cias residentes da casa, traz para a SEDE DAS CIAS, novamente, o projeto MARATONA - edição de CARNAVAL.

O evento promete sacudir o espaço, como fez nas edições anteriores. Foram 4 terças na Sede das Cias em Setembro de 2013 e um dia em São Paulo, na TENDA das SATYRIANAS, dia 16 de Novembro de 2013).

Confira o teaser do projeto em 2013:

Para quem não sabe, o projeto é assim: A sirene toca, os participantes tomam o salão, o juiz dita as regras, a música começa. A partir daí não se pode mais parar de dançar. Música após música, durante minutos, horas, dias a fio. Até restar o par vencedor.

Um dos casais vencedores!

A Sede das Cias abriu o salão para celebrar o início dos ensaios do PROJETO MARATONA, uma competição de dança fruto da parceria entre a Pangeia cia.deteatro e a Outra Cia. que resultará na criação de uma peça com estreia prevista para 2014. Ou seja, este ano vem coisa boa por aí!

Você está convidado a entrar na pista e participar do ensaio da forma que desejar: maratonista, jurado, torcedor ou espectador. É uma abertura de processo criativo da Pangeia cia.deteatro. Segundo o diretor Diego de Angeli trata-se de uma competição de dança que só termina quando um dos participantes cai morto. (Achamos que é verdade!) Vamos ver quem morre primeiro?

Brincadeiras à parte (claro que não dura dias à fio, mas pode acreditar, dura algumas horas de dança ininterrupta) é diversão garantida!

Olha a MARATONA na Sede das Cias, se apropriando e animando a escadaria do Selarón:

Você está achando que já viu ou ouviu algo parecido por aí? Você está certo! É que eles se inspiraram no filme norte-americano chamado "They Shoot Horses, Don't They?" (traduzido no Brasil como "A noite dos desesperados"), que é um drama de 1969, dirigido por Sydney Pollack. E que filme!!! O roteiro é uma adaptação do romance homônimo de Horace McCoy que em português foi traduzido como "Mas não se matam cavalos?".

cena do filme

O enredo é assim: Durante a Grande Depressão, nos anos 30 nos Estados Unidos da América, uma imensa maioria da população carecia de uma vida digna, sofrendo com o desemprego. Foi nessa época que, entre outras oportunidades inusitadas, apareceram os concursos de dança, que testavam ao extremo a resistência dos competidores em troca de comida, roupas e alguns míseros trocados.

Então, gostou?

Apareça na Sede nesta terça feira, dia 25/02 - às 20h.
Muitas surpresas te esperam! Basta trazer alegria e sua fantasia que a música é por nossa conta!

Esperamos todos lá!

Fotos do projeto MARATONA em São Paulo AQUI

Fotos do primeiro dia na Sede AQUI

Fotos do segundo dia na Sede AQUI

Fotos do terceiro dia na Sede AQUI

Fotos do quarto dia na Sede AQUI

postado por: Laura Limp (marketing digital)

VOCÊ SEMPRE APLAUDE DE PÉ?

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Fri, 24 Jan 2014 02:53:00 +0000

Você já passou pela situação de, ao final de um espetáculo (que embora fosse até bom, você não achou lá tão incrível assim) aplaudir sentado, enquanto todos se levantam e aplaudem calorosamente de pé?

Quem já passou por isso, conhece a sensação: um desconforto, um incômodo, um deslocamento. Mas independente disso, digamos que você se mantém íntegro na sua escolha de aplaudir sentado, apesar dos olhares de reprovação ao seu redor (sim, porque algumas pessoas olham mesmo e outras ainda fazem cara feia, como se você estivesse desrespeitando o artista). Então, você sabe exatamente do que estamos falando.

Hoje em dia essa atitude, para grande parte da plateia, é "quase" como se você estivesse vaiando. Só não é pior do que sair no meio do espetáculo. Ou vaiar mesmo (coisa rara hoje em dia).

Também, quem é que vai expressar assim, amplamente sua insatisfação (nem sempre você está insatisfeito, só não achou genial! ) quando pega tão mal? E porque pega tão mal? Porque virou um hábito. Aliás, está mais para vício do que hábito propriamente dito.
Mas enfim, essa é a nossa opinião.

Como artistas de teatro, sabemos que aplausos de pé não são mais termômetro de qualidade. Nem de gosto. Talvez, nunca tenham sido. Mas certamente, houve um tempo em que arrancar aplausos calorosos ao final de um espetáculo era, sem dúvida, mais emocionante.

Hoje, restam os aplausos em cena aberta. Ou ainda, aquele momento dos agradecimentos em que o público fica com as mãos vermelhas e doloridas de tanto aplaudir. O elenco agradece. Sai. Volta. Minutos mágicos e sinceros se passam. E os aplausos continuam, parecendo não ter fim...

O que você acha?
Como costuma se comportar ao final de um espetáculo?
Como artista, isso te incomoda?
E como plateia? Você tem vergonha de "mostrar"que não achou incrível?

Pois se tem, não deveria. O artista (no melhor sentido da palavra) gosta de elogio, quando verdadeiro. Mas senso crítico é F U N D A M E N T A L.

Nelson de Sá escreveu uma matéria (leia aqui) para a Folha de São Paulo intitulada: "FEBRE" DE APLAUSO DE PÉ INCOMODA ARTISTAS E CRÍTICOS DE TEATRO

Confira a matéria abaixo e compartilhe sua opinião com a gente! Está aberto o debate!

"FEBRE" DE APLAUSO DE PÉ INCOMODA ARTISTAS E CRÍTICOS DE TEATRO

A Europa era exceção, até poucos anos atrás. Mas também por lá o crítico inglês Michael Billington lamentou que esteja chegando o "hábito sujo americano" de aplaudir de pé no final da peça. Qualquer peça.

O crítico americano Ben Brantley concorda e até lançou um apelo público, no "New York Times", "pela volta do aplauso sentado". Aplaudir de pé, afirma, "virou um gesto social automático", sem sentido.

No Brasil, o diretor Antunes Filho e a atriz Nydia Lícia, com carreiras iniciadas há mais de meio século no TBC (Teatro Brasileiro de Comédia), atestam que "essa mania de levantar sempre", como ela descreve, é recente.

	Lenise Pinheiro/Folhapress

	Público aplaude monólogo 'A Vida Sexual da Mulher Feia'

Antunes arrisca que o hábito se disseminou a partir dos anos 90. "Antes era mais seco", diz. "Agora é um touro bravo, vai que vai. Agora é absolutamente nada."

"Antes era um gesto estrondoso para o ator", relata Nydia, citando, entre os raros aplausos de pé no TBC, "Seis Personagens em Busca de um Autor" (1951), com Sergio Cardoso, Cacilda Becker, Paulo Autran e Cleyde Yáconis.

"Era excepcional", diz. "Agora levantam, assobiam, gritam e fica por isso mesmo. Você não tem mais medida, não sabe até que ponto agradou. O ator fica mimado."

Com a presença crescente de celebridades do cinema e da TV no palco, tanto aqui como no exterior, o fenômeno avançou para o meio das apresentações, para a entrada em cena. "A sugestão é, no caso de estrelas menos veneráveis, como Julia Roberts, 'bom para você, você é famosa'", critica Brantley.

PANDEMIA

Ele reconhece que aplaudir de pé é um "vírus" que pode ter tido sua origem na Broadway, seguindo depois para Europa e outros junto com as franquias dos musicais nova-iorquinos.

Cláudio Botelho, que ao lado de Charles Möeller ajudou a estabelecer os musicais no Brasil, também questiona o fenômeno, mas acrescentando ser mais acintoso por aqui —onde programas de auditório teriam instituído, segundo ele, que "quem quer que apareça é aplaudido".

Lamenta, sobretudo, que "não tem mais diferença: aplaudem de pé tanto Marília Pêra como qualquer grupo jovem". Citando também Bibi Ferreira e Fernanda Montenegro, cobra: "O que você vai dar como reconhecimento às grandes divas?".

São muitas as hipóteses para a "febre", segundo o "NYT": espectadores aplaudem para justificar o ingresso caro; por serem turistas, não habituados ao teatro; pelo alívio físico de se levantar; até para chegar antes à saída, nas plateias lotadas.

Antunes acrescenta um fenômeno local relativamente novo e semelhante àquele dos turistas na Broadway: "A classe média aumentou. É uma coisa boa, mas eles ainda não têm base. Ir ao teatro já é uma vitória social".

Saulo Vasconcelos, protagonista de musicais como "O Fantasma da Ópera" no Brasil e no exterior, soma ainda duas razões específicas, no caso de São Paulo. "As pessoas aplaudem já se levantando para ir embora, porque o estacionamento é um inferno. E também porque o espectador daqui é gentil, quer mostrar seu carinho."

AUTOENGANO

Ron Daniels, que começou como ator nos anos 60 no Teatro Oficina e a partir dos anos 70 se estabeleceu como encenador em companhias como a Royal Shakespeare Company e o American Repertory Theater, acredita que o problema é maior nos Estados Unidos e no Brasil.

"Em Nova York eles sempre se levantam. Na Inglaterra, só em musical, Shakespeare não", diz ele. "Eu detesto esses aplausos, o espetáculo perde o valor. Mas, quando é merecido, a 'standing ovation' [aclamação de pé] é maravilhosa."

Para Daniels, o fenômeno "é muito esquisito: a plateia se congratula a si mesma". Michael Billington, que é crítico do londrino "Guardian", concorda que a febre do aplauso de pé surgiu com o público "tentando enganar a si mesmo", sugerindo que a cura teria de partir dele.

Leia também: Applause is contagious like a disease (Aplauso é contagioso como uma doença)

por Laura Limp (Marketing Digital)

PÚBLICO INFANTIL / PEÇA INFANTIL

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Mon, 20 Jan 2014 19:12:00 +0000

Está lançada a polêmica!

Saiu uma matéria na Veja Rio sobre a falta de educação das crianças no teatro. Confira no site AQUI ou abaixo:

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Na selva das peças infantis

Montagens teatrais recorrem a avisos no início dos espetáculos para conter pimpolhos atirados e papais sem educação

por Rafael Teixeira | 02 de Novembro de 2011

Hábito crucial na introdução dos pequenos ao mundo das artes, frequentar peças infantis também pode ser uma experiência torturante. Gente fotografando o espetáculo, falando ao celular ou simplesmente desrespeitando atores e outros espectadores são cenas frequentes no roteiro de quem costuma ir às sessões no fim de semana. "Acontecem coisas inacreditáveis. Se fossem para o público mais velho, teriam de ser interrompidas", reconhece Fabiana Valor, atriz e diretora, atualmente em cartaz com O Patinho Feio. Não por acaso, várias montagens estão incorporando avisos para tentar domar o mau comportamento dos pimpolhos mais atirados e dos papais sem educação. Logo no início da encenação, com muito jeitinho, os próprios intérpretes alertam sobre as dificuldades enfrentadas pelas produções. Às vezes, os problemas ocorrem por pura desinformação. Um exemplo frequente: levar um pré-adolescente a uma trama recomendada para crianças muito pequenas (ou vice-versa). Em outras ocasiões, é falta de educação mesmo. Daí decorrem episódios como o do pai que explica a plenos pulmões cada cena ao filho, sem ele perguntar, ou que deixa o garoto brincar com seu videogame barulhento e luminoso durante a sessão. Resume o dilema a atriz e diretora Melissa Teles-Lobo: "A dificuldade é não tolher a espontaneidade de ninguém, sem deixar que essa atitude interfira e prejudique os outros espectadores". O bom-senso costuma ser um grande aliado na busca por esse ponto de equilíbrio. Veja ao lado (no caso, abaixo) as situações mais comuns e o que se poderia fazer para evitá-las.

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E aí? O que você acha?

Aqui na Sede das Cias já tivemos uma peça infantil. Era o espetáculo O MÉDICO QUE TINHA LETRA BONITA, dirigido pela Guta Stresser. Bom, por aqui a criançada se comportou. Mas o que nós estamos habituados por aí é isso mesmo. E a "SELVA" não é só infantil não. Tem muito adulto mal educado também, nos teatros e cinemas e pela vida à fora.

Mas nossa experiência por aqui não poderia ter sido melhor. A temporada foi curta. Dias 12, 13, 14 e 19 de novembro de 2013. O horário era alternativo. E a maior parte do público era de crianças de escolas públicas. Mas se tem algo que podemos dizer é que se comportaram muito bem e se divertiram muito. O artigo diz que se a peça é boa, as crianças costumam interagir. E esse era bem o caso. E a interação, mais do que bem vinda!

Sobre o espetáculo

Respeito à individualidade inspirou musical infanto-juvenil que une Guta Stresser e Vinícius Moreno fora da TV

A atriz Érica Mignon e crianças interagindo durante a peça

Todo mundo já foi alvo da chacota de colegas de classe ou mesmo dos amigos de infância. O que hoje é conhecido como bullying é um dos muitos temas tratados em “O médico que tinha letra bonita”, musical dirigido por Guta Stresser e no qual ela contracena com Vinicius Moreno (o Florianinho do seriado “A grande família”), Érica Migon e com Nervoso (nome artístico do músico André Paixão), idealizador e diretor musical da montagem. Com dramaturgia assinada por Pedro Brício (Prêmio APCA pelo infantil “O menino que vendia palavras”), o espetáculo, patrocinado por Furnas Cultural, estreiou dia 16 de outubro no Espaço SESC, em copacabana e depois teve curta temporada aqui na Sede das Cias, em novembro e atualmente está se apresentando na Gamboa. No palco há também uma banda cujos integrantes dão voz a outros personagens da trama.

Vinícius faz aos 14 anos sua estreia nos palcos na pele de Tom, menino cujo comportamento apresenta mudanças. Ter abandonado a escolinha de futebol ou descuidado do bom desempenho escolar são alguns deles. O mais evidente (e estranho) dos sintomas é o fato de que seus pés movem-se como se quisessem extravasar algo. É levado então ao médico pela mãe (Érica Migon), que deseja saber se o menino é alvo “dessas perseguições que acontecem nas escolas”. Durante a anamnese, Tom nota naquele médico uma característica raríssima: ter a letra bonita. O doutor lhe revela o fato de sua letra bonita ter feito dele alvo de provocações na infância. “Não é fácil ser diferente”, atesta antes de recomendar a Tom que encontre uma forma de extravasar seu talento (no caso a dança). “Descubra sua caligrafia”, aconselha.

A ideia da peça surgiu na cabeça de Nervoso após justamente uma visita ao oculista. Preenchida a receita, desabafou a respeito de os médicos não terem letra bonita. “Alguém tem de levar isso para o palco. E não serei eu”, devolveu-lhe o especialista. Foi a deixa para que temas como ser diferente, a descoberta de uma vocação ou a formação social de um indivíduo povoassem a cabeça do músico , que criou as primeiras canções daquilo que não sabia ainda se seria um show, uma peça ou as duas coisas. A primeira leva de canções foi testada, em 2011, justamente num show beneficiado por edital de um banco privado. Sem o mote lhe dar trégua, Nervoso compôs nova safra, levada à Sala Funarte de São Paulo, no ano seguinte.

E o fato de as canções terem surgido antes do texto diz muito sobre a concepção cênica. Não à toa que Guta e Nervoso referem-se à montagem como uma peça-show ou vice-versa. “Não se trata de um musical convencional, com maestro e orquestra no fosso, essas coisas. Quero a integração entre músicos e atores. Tanto que os músicos também são personagens. A ideia inicial é que todos usem um figurino-base sobre o qual serão adicionados acessórios, dependendo do personagem que interpretam”, explica Guta em sua terceira direção teatral e a primeira à frente de um musical.

O novo desafio pode até ter provocado nela aquele friozinho na barriga. Guta não teme buscar, como o pequeno Tom, uma (nova) caligrafia. Falando no menino, ele volta, tempos depois, ao médico. Quer mostrar ao amigo a música inscrita por ele no festival que o colégio prepara para o Dia dos Pais. E vai além: como seu pai viaja muito a trabalho, sugere que o amigo o substitua na homenagem. E como o médico sai dessa? Quem conferiu o espetáculo na Sede, sabe. Se quiser saber mais sobre o espetáculo que foi sucesso de público por onde passou, acesse a página da peça no facebook: AQUI

FICHA TÉCNICA

Texto: Pedro Brício
Direção geral: Guta Stresser
Idealização e direção musical: André Paixão (Nervoso)
Elenco: Guta Stresser, André Paixão (Nervoso), Erica Migon e Vinícius Moreno
Elenco musical: Maurício Calmon (bateria, teclado e vocal), André Paixão (guitarra e vocal), Joana Cid (baixo e vocal), Jayme Monsanto (teclado e vocal) e Leonardo Vieira (guitarra e vocal)
Direção de movimento: Paula Maracajá
Cenografia: Nello Marrese e Bia Kaysel
Figurino: Antônio Guedes
Iluminação: Daniela Sanchez
Vídeos: Joaquim Castro, Felipe Drehmer e Heloisa Duran

Programação visual: Luciano Cian
Assessoria de imprensa: Silpert e Chevalier Comunicação
Fotografia: Ana Alexandrino
Marketing Digital: Laura Limp (Qtal Design)

Assistência de direção: Ivan Vellame
Assistência de Figurino: Luz de Lucena
Cenotecnia: André Salles e equipe
Operador de luz: Orlando Schaider
Técnico de P.A: Fernando Fischgold
Diretor de Palco: Leandro Brander
Camareira: Ligia da Silva

Direção de Produção: Tárik Puggina
Gerente de Projeto: Carla Torrez Azevedo
Administração Financeira: Amanda Cezarina
Produção Executiva: Júlia Rónai
Assistência de Produção: Clara Rescala

Realização: Areia Produções e Nevaxca ProduçõesIdealização: André Paixão

Confira abaixo mais fotos (de Ana Alexandrino):

Agora, a incrível banda:

Curiosidade: Vocês lembram do "reality show" Geléia do Rock? Pois é. Olha eles aí, neste post desencavado do site do programa no MULTISHOW:

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Amigos para siempre

Joana e Jayme trocam camisetas de suas bandas

Vocês lembram de quando a Joana estava fazendo as camisetas da banda dela, né? Pois então, a arte da menina fez sucesso. Jayme saiu por aí desfilando todo feliz com sua camiseta da Tipo Uísque. Em compensação, Joana exibia com orgulho a camiseta da The Cheddars, banda do Jayme. Competição pra quê, né?

Música é união! Lindo!

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Isso foi em 2010, quando tanto Joana Cid quanto Jayme Monsanto e Leonardo Vieira participavam do "reality", se conheceram e conheceram o André Paixão (Nervoso), que acabou juntando a turma novamente no espetáculo. Já o músico Maurício Calmon que já era profissional há mais tempo, entrou para substituir o baterista anterior e foi ficando e ficou.

Só fera! Não é à toa que o espetáculo é um sucesso por onde passa e deixa muitas saudades!

E a criançada? De quem é a culpa? Da educação? Da permissividade dos pais? Adulto mal educado gera criança mal educada? Ou a culpa é do espetáculo? Ou joga pro universo e confia que vai dar tudo certo? rsrs

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por Laura Limp (Marketing Digital)

O COMEÇO DE TUDO

noreply@blogger.com (SEDE DAS CIAS) — Fri, 29 Nov 2013 06:15:00 +0000

Integrantes das cias residentes - Cia. dos Atores, Os dezequilibrados e Pangeia cia.deteatro - e da Nevaxca produções

COMO TUDO COMEÇOU

Quem anda pela Rua Joaquim Silva, no Centro do Rio de Janeiro, tem uma agradável surpresa no meio do caminho. É lá onde fica a base da Escadaria do Selarón, que liga o bairro da Lapa à Santa Teresa. Jorge Selarón foi um pintor chileno que fixou residência naquela área e adornou todos os 215 degraus com mais de dois mil azulejos diferentes, provenientes de cerca 60 países. Desde então, o lugar se tornou um importante ponto turístico da cidade, cujo movimento foi intensificado após a morte do artista, em janeiro deste ano. Logo no início da escadaria, na casa número 12, fica localizada a nova Sede das Cias. Depois de um período de reformas, o espaço retoma as atividades, reunindo três companhias residentes: a Cia dos Atores, Os Dezequilibrados e a Pangeia cia.deteatro.

Ivan Sugahara fica responsável pela direção artística da casa e divide com Diego de Angeli a curadoria, que decide o cronograma da programação. A eles, se juntou Tárik Puggina como diretor de produção. O objetivo é privilegiar o repertório de grupos teatrais, programando espetáculos e oficinas gratuitas das companhias residentes e outros coletivos. O programa conta com apresentações de segunda a segunda, sempre com ingressos a preços populares.

Temos aqui, no total, 20 atores e três gerações diferentes"

Ivan Sugahara

Clique na imagem para assistir ao vídeo na íntegra no GLOBO TEATRO

– Nós da Cia dos Atores já tínhamos feito uma residência nessa casa nos anos anteriores. Agora, os dois outros coletivos entraram com força total. A programação está excelente, complexa e abrangente. São oficinas para crianças e adultos, peças em horário nobre e alternativo, apresentações de grupos de fora que nos procuram. Começamos os trabalhos com uma temporada do repertório dos Dezequilibrados, que incluiu os espetáculos “A Serpente” e “Os Últimos Remorsos Antes do Esquecimento”, além de uma oficina gratuita ministrada pela atriz Cristina Flores. Eles também estão fazendo melhorias na casa, para dar mais conforto tanto para os artistas que estão aqui quanto para o público. Está bem bacana e estamos muito felizes – explica Marcelo Olinto, um dos fundadores da Cia dos Atores, que integra a programação de novembro da Sede.

O espaço existe desde 2004, quando ela recebeu sua primeira reforma. Na época, ela era ocupada apenas pela Cia dos Atores e foi inaugurada em 2006. Seis anos depois, a atriz Bel Garcia sugeriu que os Dezequilibrados passassem a ter uma sede própria e propôs uma parceria. Ivan Sugahara, que já tinha muita afinidade com o grupo, aceitou e decidiu convidar ainda a Pangeia cia.deteatro.

Desde o início deste ano, a sede de apenas uma companhia de tornou a Sede das Companhias. Em julho, o local foi fechado para obras: a fachada foi reformulada, a sala de espetáculos reformada e os jardins restaurados. Agora os artistas se dedicam à reconstrução dos telhados e à pintura interna da casa.

– Todo o processo foi natural. Já tínhamos nos apresentado aqui em 2007 e eu ajudei muito o Diego quando ele estava fundando a Pangeia. Temos aqui, no total, 20 atores e três gerações diferentes. Isso é muito rico por causa do intercâmbio, tanto que temos um espetáculo em mente para integrar as três companhias. A Sede está sempre movimentada, tem alguns em reunião, outros ensaiando. Nossa ideia é ser um espaço para todas as companhias de teatro. Acredito que dentro de dois meses já teremos a obra concluída – frisa Sugahara, que completa 17 anos à frente dos Dezequilibrados.

Atualmente, é realizado o NOVA CENA CARIOCA, com espetáculos de 4 cias que despontam na Cena Carioca atual. Além disso, está em cartaz a peça “A PROSTITUTA RESPEITOSA”, com texto de Jean-Paul Sartre.

Matéria sobre a Sede das Cias no Jornal O Globo
com Tárik Puggina (Nevaxca produções) e Ivan Sugahara (Os dezequilibrados)

Saiba mais sobre a programação na Página da Sede das Cias no Facebook, clicando AQUI. A SEDE DAS CIAS também está presente nas seguintes mídias sociais: TWITTER, PINTEREST e YOUTUBE