La chaîne anglaise Channel 4 a fait appel à l’agence Not To Scale pour réaliser le générique du game show The Bank Job, à ne pas confondre avec le film homonyme, que l’on vous recommande en passant.

Le travail sur les transitions est remarquable, les “plans” s’enchaînent sans accrocs tout en servant la narration. Les éléments graphiques sont composés de simples aplats de couleurs, qu’une ombre légère vient parfois rehausser.

Ce style de vidéo n’est pas sans rappeler le travail de Saul Bass, le pionnier du motion (graphic) design, dont l’héritage s’était déjà exprimé dans le générique du film Catch me if you can, et dans le générique de la série Mad Men.

Andy Gilmore est un graphiste, illustrateur et musicien qui vit et travaille à Rochester (NY). Après des études d’Art au SUNY Empire State College, il part à San Clemente (CA), ou il travaille pour FourStar Distribution, son premier job, qui le formera et jetera les bases d’une carrière dans l’art numérique et du design.

Aujourd’hui, installé à Rochester, il a comme client le New York Times, Warp Records, les magazines Dazed & Confused, Fil, Wired, Fast Company et bien d’autres…

Dans ses créations, Andy Gilmore revisite et met au gout du jour un style des années 60, le Op art ou art optique. Ses oeuvres sont décrites comme kaléidoscopique et hypnotique, ou se mêle couleurs vives tourbillonnantes, lignes entrelacées et compositions géométriques sur fond noir qui semblent planer comme des vaisseaux spatiaux.

Son travail contient une certaine musicalité, et ce n’est pas par hasard, car Andy Gilmor est aussi musicien. Profondément intéressé par la physique du son et à l’acoustique, il explore dans ses créations la représentation visuelle des vibrations et des ondes sonores, produisant des images complexes et minimales.

Si pour Bach, la musique était le son des mathématiques, pour l’artiste Andy Gilmore, l’art graphique est la géométrie de la musique.

Mais Andy Gilmor n’est pas seulement un artiste surfant sur la tendance des arts numériques, ses dessins et croquis sont d’une force et d’une finesse incroyable.

Tout simplement magnifique!…

Pour plus d’infos :

son site ICI et ses croquis ICI

Jan Kempenaers vit et travaille à Anvers en Belgique. Il a étudié la photographie à l’Académie royale des Beaux-Arts à Gand (Belgique) et à l’Académie Jan van Eyck à Maastricht (Pays-Bas). Depuis 1991, Jan Kempenaers immortalise des paysages urbains dans le monde entier.

De 2006 à 2009, le photographe belge a parcouru l’ex-Yougoslavie (aujourd’hui Croatie, Serbie, Slovénie, Bosnie-Herzégovine, Monténégro et Macedoine) pour photographier des constructions érigés dans les années 1960 et 1970 pendant l’ancien régime communiste, sous la direction du président (dictateur) yougoslave Josip Broz Tito.

Ces structures futuristes, appelées “Spomenik”, commémorent les anciens site de batailles et camps de concentration de la Seconde Guerre Mondiale. Conçus par différents sculpteurs (Dusan Dzamonja, Vojin Bakic, Miodrag Zivkovic, Iskra Grabul Jordanie…) et des architectes (Bogdan Bogdanovic, Gradimir Medakovic…) ces monuments représentaient la fierté et la force du pays, et, dans les années 80, ils attiraient des millions de visiteurs par an. Avec la mort de Tito et la fin de la dictature, ils ont fini par être complètement abandonnés…

Ces gigantesques constructions avec une géométrie angulaire font penser à d’étranges formes de cristaux, des fleurs et des vues rapprochées de virus ou d’ADN.

Il est possible de voir plus de photo ICI, ou de feuilleter le livre paru aux Editions  Roma ICI en vente sur le site du photographe ICI

Le Solid Gray possède une enveloppe rigide, d’où son nom. Ce choix est en partie justifié par les possibilités qui en découlent :
Ce sac s’ouvre comme une boîte et permet d’organiser ses affaires personnelles grâce à deux compartiments internes. On peut aussi y attacher un pc portable à l’aide d’une sangle.

Le confort reste le point critique de cet objet, bien qu’à priori le dos semi-rigide offre un confort suffisant, à tester

Disponible à partir de 160 $ sur ebay.

Une création de l’agence de design hollandaise Lijmbach, Leeuw & Vormgeving.

 Frederico Mancosu

Frederico Mancosu est un jeune italien qui a plusieurs casquettes (ou costumes…): graphiste, illustrateur et webdesigner. Il travaille chez Medita, une  agence Web basée à Rome en tant que directeur artistique. A côté de cela, il crée des posters, bricole des tee-shirts, regarde des “western spaghetti” et autres films de Sergio Leone, Quentin Tarantino et Dario Argento dans lesquels il puise univers graphique déjanté!

“Depuis que je suis gamin j’ai toujours nourri une passion pour le dessin. Les dinosaures, les monstres, les robots et super héros que j’ai vu dans les livres, les bandes dessinées et les films m’ont toujours donné l’inspiration.”

Il était donc inévitable que Frederico Mancosu se mette à créer des affiches des plus grands films de genre du cinéma Italien des années 1960 à 1980 tels que : “Le bon, la brute et le truand”, “Il était une fois dans l’Ouest”, “Milan calibre 9″, ” le Venin de la peur” etc…

IL BUONO, IL BRUTTO, IL CATTIVO – Sergio Leone (1966)

Les affiches sont tous très soignés, et l’univers du film est extrêmement bien retranscrit. Ici, pour le film “Le bon, la brute et le truand”, on retrouve une couleur beige sable, une police à empâtement très grasse, qui sont des codes souvent utilisés pour les affiches de western.

(Pour ceux qui n’auraient pas vu ce film, c’est l’histoire de trois hommes liés par la quête d’une grosse somme d’argent cachée dans un cimetière…)

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Pour le film “L’oiseau au plumage de cristal”, Frederico met en avant un univers sombre, avec un oiseau de glace, fragile, précieux (l’intrigue du film se déroule dans une galerie d’art vitrée…).

L`UCCELLO DALLE PIUME DI CRISTALLO  - Dario Argento (1970)

La police nous fait penser aux affiches de Saul Bass comme : Vertigo  ou l’homme au bras d’or… La couleur jaune fait directement référence au style Giallo (polar à énigmes popularisé en Italie par les éditions Mondadori et leurs couvertures jaunes – giallo en italien).

Je vous laisse apprécier d’autres de ses créations :

UNA LUCERTOLA CON LA PELLE DI DONNA – Lucio Fulci (1971)

ROMA A MANO ARMATA – Umberto Lenzi 1976

MILANO CALIBRO 9  - Fernando di Leo (1972)

Pour voir plus de posters de film c’est ICI

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Frederico Mancosu est également connu pour ses posters de clip de musique :

THRILLER – Michael Jackson / Directed by John Landis (1983)

 Veste rouge, zombie, nuit, regard, loup, paranoïa, image sombre…

ENJOY THE SILENCE - Depeche Mode / Directed by Anton Corbijn (1990)

Un roi parcourant de vastes étendues désertiques avec une chaise longue bleu sous le bras…

D’autre de ces créations :

SCAR TISSUE – Red Hot Chili Peppers / Directed by Stephane Sednaoui (1999)

SABOTAGE - Beastie Boys / Directed by Spike Jonze (1994)

Frederico Mancosu à un réel talent pour retranscrire l’univers d’un film ou d’un clip dans une image, et ses créations nous permettent de redécouvrir des chefs-d’oeuvre du cinéma et des grands classiques de musique. Que du bonheur!

Pour voir d’autres posters de clips c’est ICI

Pour acheter ses posters c’est ICI

Enjoy!

Réalisé par CAAN Architecten, un studio d’architecture Belge, cette pharmacie est impressionnante de simplicité ! Construite à partir de briques grises et de parois de verre, sa structure rectangulaire moderne s’insère parfaitement dans le paysage urbain déjà saturé d’architecture hétéroclite.

Construite à la place d’une ancienne ferme, trop vetuste pour être réhabilitée, le studio  CAAN Architecten à eu la possibilité d’imaginer la pharmacie dans sa globalité. Le bâtiment à été construit sur l’emplacement exacte de l’ancienne ferme, pour que celui-ci s’intègre mieux dans le quartier.

Il est répartit en 3 surfaces :

1. Un sous-sol composé d’un petit laboratoire et d’un espace de stockage.
2. Un rez-de-chaussé ou se trouve la boutique.
3. Un étage ou il y a un petit studio et une terrasse sur le toit.

Fondé à Londres en 1992, par les designers Jonathan Ford, Karen Welman et Mike Branson, Pearlfisher est un studio de design mondialement réputé.

Il est principalement connu pour son travail sur Absolut Vodka:

Nude Skincare:

 ou encore Innocent:

Récemment, les designers de Pearlfisher ont rafraîchi le packaging des produits de l’entreprise pharmaceutique Help Remedies.

Ils ont créé un nouveau code couleur, ajouté un relief qui reprend la forme de la pilule et créé une phrase d’accroche qui correspond au symptôme que le médicament est censé résoudre. Simple, efficace!

Jonathan Ford, partenaire créatif de Pearlfisher, déclare:

 ”We have refined the identity and colorcoded the embossed pill shape to make the overall brand architecture more visually strong and to give the brand better stand-out and immediacy of recognition. The design evolution dials up Help’s equities, creating an ownable secondary language through the pill iconography, that will be used across further brand touchpoints and communications.”

Help Remedies apporte un tout nouveau regard sur le secteur pharmaceutique avec des “médicaments minimaliste” :

“Everybody in the drug aisle likes to talk about more, bigger, extra, super, and maximum. But we’re not going to talk about that. We think people get enough drugs, dyes, and nonsense from other kinds of drug companies. Help® is a new type of drug company—a drug company that promises you less.”

Une société pharmaceutique qui vous promet plus avec moins:

- Moins d’ingrédient (les essentiels).

- Moins d’enrobage.

- Moins de texte, juste une phrase qui correspond au symptôme que le médicament est censé résoudre.

- Moins d’emballage (composé de pâte à papier et d’un plastique à base de fécule de maïs).

- Moins de cupidité (5% des profits sont reversés à des organismes qui permettent l’accès aux soins à des enfants américains qui en ont besoin).

Il n’est pas rare d’entendre des critiques par rapport aux bénéfices des grands groupes pharmaceutique, Help Remedies nous montre qu’il est possible de faire mieux avec moins (Less is more). En attendant que ça arrive en France (un jour peut-être…) vous pouvez rejoindre la page fan Facebook ou visiter leur très jolie site.

Vahram Muratyan est un directeur artistique free-lance, il a créé en 2005 le studio de création Viiiz avec Elodie Chaillous. Ce jeune créatif d’origine Arménienne quitte Paris et débarque à New-York en 2010 avec l’envie de publier des livres illustrés. Faute de contact il ne trouve que des portes closes.

Pendant son séjour, il lance un blog avec des visuels qui distinguent les caractéristiques et les symboles de deux villes : Paris et New-York… Ses petites vignettes minimalistes comparent les deux villes de façon percutante et drôle avec beaucoup de couleurs.

 « Je rêvais de vivre à New York depuis des années. Ça m’amusait de comparer les deux villes. »

Quelques semaines après son lancement, le blog fait le buzz sur la toile, les articles anglais et français se multiplient et des maisons d’édition commence à le contacter pour acheter les droits.

 « Au départ, je pensais faire une série d’affiches sérigraphiées, une exposition intime à mon retour. Mais le blog a très vite pris. C’était dingue apparemment. » 

Vahram Muratyan choisit la maison d’édition Penguin, l’une des plus importantes aux Etats-Unis, pour éditer son travail.

L’éditeur français 10/18 achète les droits du livre peu de temps après.

Vahram Muratyan définit sont travail comme une guide de voyage personnel, entre deux villes qui partage son coeur.

«L’urbanisation, la façon dont on vit dans les villes aujourd’hui, ça m’intéresse.J’ai choisi New York et Paris, mais je pense qu’un habitant de Londres ou Séville peut aussi se demander à quoi correspond tel ou tel dessin dans sa ville.»

Du 29 août au 24 septembre 2011 il exposait chez Colette une douzaine de tirages dédicacés.

Aujourd’hui le blog compte plus de trois millions de visites et Vahram Muratyan voyage entre Paris et New-York.

Le livre est sortit le 3 novembre aux éditions 10/18.

Pour acheter le livre :

Edition Américaine // Edition Française

Pour acheter les créations :

Sur society6 // Chez colette (avec dédicace)

Vous pouvez également retrouver une de ses interview ICI

Dans la série San Francisco Fog, la photographe Terence Chang utilise cette technique pour donner un effet similaire en utilisant le brouillard comme matière première. Mais à l’inverse d’une vaporisation, on observe une liquéfaction donnant l’impression qu’un océan onctueux recouvre SanFrancisco.

Les photos ont essentiellement été prises au crépuscule à l’aide d’un Canon 5d Mark II.

Personnellement, je ne souhaite pas manger sur cette table.