J’apprécie cette vidéo pour trois raisons :

• Le graphisme, qui est à la base du motion design, offre une cohérence remarquable, tout au long de l’animation. Le fait de prendre la simplicité comme fil rouge n’y est pas pour rien.
• Diane von Fürstenberg est la narratrice de cette publicité (elle est aussi accessoirement la créatrice de la marque DVF). Elle nous raconte sa vision du voyage, et ce de manière très concrète. Cela donne une forte crédibilité à la vidéo, ce qui est relativement rare pour une publicité.
• Les animations justes et légères, les transitions sont réfléchies, l’ensemble est riche et agréable. Le rythme, par contre, est très instable, sans que cela soit justifié.

L’art du “packing lightly”, que l’on pourrait traduire par voyager léger, est un thème central pour les minimalistes. Vous pouvez par exemple lire les blogs suivant pour aller plus loin dans cette thématique :

• missminimalist.com
• mnmlist.com
• zenhabits.net

Cette expérience ludique s’inscrit dans la mouvance du “Guerrilla Gardening“. Ce dernier est un mouvement d’activisme environnemental qui a débuté à New-York avec la green guerrilla lancé par Liz Christy.

Steve Wheen, l’initateur du projet, a filmé la réaction de passants qu’il a regroupé dans la vidéo Holes Of Happiness.

The pothole gardener est un réel succès, on commence à voir débarquer d’autres initiatives similaires à travers l’Europe, que ce soit aux Pays-Bas ou en Italie par exemple. A bientôt pour plus de micro guerrilla gardening

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Grant Hamilton a un œil aiguisé du détail, des formes et de la couleur, et son travail révèle la beauté qui existe dans notre vie quotidienne. Dans un coin de rue, sur un autobus ou sur un panneau d’autoroute, aucune forme colorée n’échappe à son objectif! Cet artiste Américain photographie des détails du quotidien avec son Polaroïd SX-70.

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“A travers mes photos, je m’efforce de trouver la beauté dans le banal.”

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Faster // Chicago // 2007

At The Mall // 2007 // Coralville

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Ses images abstraites et minimalistes sont extrêmement bien exécutées, et malgré le nombre de prise de vue qu’il a déjà réalisé, chaque “pola” est unique et tout aussi passionnant. Le mystère qui se dégage de ses images est captivant, d’ou provient cette forme, cette couleur…

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The Eclectic Company // 2008 // North Riverside

Neopolitan No 1 // 2009 // Lowa Coty

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Inspiré par Rothko et d’autres artistes contemporain qui travailles sur la couleur, Grant aime comparé son travail avec celui des peintres :

“Les Polaroïds sont spéciaux, il n’y a pas de négatif donc chaque photo est unique dans le monde. À cet égard, ils sont comme des peintures. J’aime aussi imaginer que les produits chimiques sont des sortes de peinture qui imprime l’image grâce à des rouleaux. C’est un processus très mécanique.”

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Going Down // 2008 // San Francisco

Smile // 2007 // Seattle

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Grant est très attaché au Polaroïd, et avec la fermeture des fabriquent aux Etats-Unis en 2009 son travail est menacé. À l’heure actuelle Grant travaille sur un documentaire intitulé “Time Zero-la dernière année de film Polaroid”. Vous pouvez-regarder la bande-annonce ici

Vous pouvez également retrouver Grant Hamilton qui présente son amour pour le SX-70 ici

Et enfin son site ici et visiter sa galerie pour voir d’autres Polaroïds.

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Spectrum // 2008 // Denver

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Originaire de Girona en Espagne, ce graphiste de 23 ans vit et travaille aujourd’hui à Londres ou il développe divers projets personnels. Son projet le plus connus se nomme “Philographics”, il s’agit d’une série de 24 affiches illustrant différents mouvements philosophiques de façon minimaliste. Genis voulait, avec ce projet, modifier la perception d’un domaine qui semble au premier abord ennuyeux et compliqué, en quelque chose de plus attrayant et plus simple.

En illustrant des théories complexes au travers de formes géométriques simples Genis nous propose une lecture à la fois pédagogique mais aussi très libre.

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L’idée de lier la philosophie et le graphisme n’est pas un hasard car Genis à toujours été attiré par la philosophie, et cela depuis de nombreuses années. Il aime plaisanter en expliquant que s’il n’avait pas réussi dans le graphisme il aurait fait des études de sociologie et de philosophie!

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Les premières affiches étaient en noir et blanc mais la couleur s’est rapidement imposée comme indispensable pour pouvoir communiquer d’avantage avec un minimum de moyen. Le minimalisme est bien encré dans la culture graphique de Genis Carreras, ses inspirations proviennent de grand typographes des années 50 tel que Wim Crouwel ou Muller-Brockmann mais aussi des graphistes contemporains comme Noma Bar ou Olly Moss. Il résume sa façon de penser très simplement :

“Some other designers just try to make things look more sophisticated by overcomplicating them. I like to think that simple is the new clever, in the way that you can explain a lot with simplicity.”

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A l’heure actuelle Genis aimerait faire publier son livre ”Philographics”, donc n’hésitez pas à vous rendre dans sa boutique sur society6. Vous pouvez retrouver toute ses affiches  sur son site et pour les plus courageux vous pouvez lire une interviews par le Gomediazine

Point-Dume Malibu, CA, Sunrise, 5:46am

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A première vue on pourrait penser qu’il s’agit de tableaux aux couleurs abstraites, mais ces visuels sont des photographies de ciel prisent au lever et au coucher du soleil.

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Bridgehampton, NY, Sunset, 7:48pm 

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Basé à New York, le photographe Eric Cahan capture ces magnifiques horizons multicolores dans une série de photographies intitulée “Sky Séries”.

Eric Cahan explore à travers ces clichés le pouvoir de la lumière. Son travail s’inspire des artistes comme Mark Rothko ou James Turrell et le mouvement Light and Space (un mouvement minimaliste qui a pris naissance dans le sud de la Californie dans les années 1960 et s’est concentré sur les phénomènes perceptifs comme la lumière, l’espace et le volume).

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Two Mile Hallow, NY, Sunset, 7:22pm

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Les photographies de la “Sky Series” sont toujours capturées au lever ou au coucher de soleil. Cahan utilise jusqu’à quatre appareils différents allant du 6×7 argentique au numérique et emploie des dizaines de filtres colorés traditionnellement utilisés par les cinéastes. Son objectif est de créer une fenêtre dans un temps et un lieu, et de montrer comment les souvenirs et les couleurs changent et deviennent abstraites.

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San Paulo, Brazil, Sunrise, 6:55am

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Il est particulièrement intéressant de voir la description très précise du moment de capture de l’image, car cela ajoute une couche d’observation et d’enregistrement qui permet au spectateur de visualiser le moment, comme s’il faisait l’expérience.

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Palm-Beach, FL, Sunrise, 6:33pm

Dune Road, Southampton, NY, Sunset, 7:33pm

Venice-Beach, CA, Sunrise, 6:15am

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Si vous voulez plus d’informations ou voir plus de photos de cette série, vous pouvez vous rendre sur son site, très complet ICI.

La chaîne anglaise Channel 4 a fait appel à l’agence Not To Scale pour réaliser le générique du game show The Bank Job, à ne pas confondre avec le film homonyme, que l’on vous recommande en passant.

Le travail sur les transitions est remarquable, les “plans” s’enchaînent sans accrocs tout en servant la narration. Les éléments graphiques sont composés de simples aplats de couleurs, qu’une ombre légère vient parfois rehausser.

Ce style de vidéo n’est pas sans rappeler le travail de Saul Bass, le pionnier du motion (graphic) design, dont l’héritage s’était déjà exprimé dans le générique du film Catch me if you can, et dans le générique de la série Mad Men.

Andy Gilmore est un graphiste, illustrateur et musicien qui vit et travaille à Rochester (NY). Après des études d’Art au SUNY Empire State College, il part à San Clemente (CA), ou il travaille pour FourStar Distribution, son premier job, qui le formera et jetera les bases d’une carrière dans l’art numérique et du design.

Aujourd’hui, installé à Rochester, il a comme client le New York Times, Warp Records, les magazines Dazed & Confused, Fil, Wired, Fast Company et bien d’autres…

Dans ses créations, Andy Gilmore revisite et met au gout du jour un style des années 60, le Op art ou art optique. Ses oeuvres sont décrites comme kaléidoscopique et hypnotique, ou se mêle couleurs vives tourbillonnantes, lignes entrelacées et compositions géométriques sur fond noir qui semblent planer comme des vaisseaux spatiaux.

Son travail contient une certaine musicalité, et ce n’est pas par hasard, car Andy Gilmor est aussi musicien. Profondément intéressé par la physique du son et à l’acoustique, il explore dans ses créations la représentation visuelle des vibrations et des ondes sonores, produisant des images complexes et minimales.

Si pour Bach, la musique était le son des mathématiques, pour l’artiste Andy Gilmore, l’art graphique est la géométrie de la musique.

Mais Andy Gilmor n’est pas seulement un artiste surfant sur la tendance des arts numériques, ses dessins et croquis sont d’une force et d’une finesse incroyable.

Tout simplement magnifique!…

Pour plus d’infos :

son site ICI et ses croquis ICI

Jan Kempenaers vit et travaille à Anvers en Belgique. Il a étudié la photographie à l’Académie royale des Beaux-Arts à Gand (Belgique) et à l’Académie Jan van Eyck à Maastricht (Pays-Bas). Depuis 1991, Jan Kempenaers immortalise des paysages urbains dans le monde entier.

De 2006 à 2009, le photographe belge a parcouru l’ex-Yougoslavie (aujourd’hui Croatie, Serbie, Slovénie, Bosnie-Herzégovine, Monténégro et Macedoine) pour photographier des constructions érigés dans les années 1960 et 1970 pendant l’ancien régime communiste, sous la direction du président (dictateur) yougoslave Josip Broz Tito.

Ces structures futuristes, appelées “Spomenik”, commémorent les anciens site de batailles et camps de concentration de la Seconde Guerre Mondiale. Conçus par différents sculpteurs (Dusan Dzamonja, Vojin Bakic, Miodrag Zivkovic, Iskra Grabul Jordanie…) et des architectes (Bogdan Bogdanovic, Gradimir Medakovic…) ces monuments représentaient la fierté et la force du pays, et, dans les années 80, ils attiraient des millions de visiteurs par an. Avec la mort de Tito et la fin de la dictature, ils ont fini par être complètement abandonnés…

Ces gigantesques constructions avec une géométrie angulaire font penser à d’étranges formes de cristaux, des fleurs et des vues rapprochées de virus ou d’ADN.

Il est possible de voir plus de photo ICI, ou de feuilleter le livre paru aux Editions  Roma ICI en vente sur le site du photographe ICI

Le Solid Gray possède une enveloppe rigide, d’où son nom. Ce choix est en partie justifié par les possibilités qui en découlent :
Ce sac s’ouvre comme une boîte et permet d’organiser ses affaires personnelles grâce à deux compartiments internes. On peut aussi y attacher un pc portable à l’aide d’une sangle.

Le confort reste le point critique de cet objet, bien qu’à priori le dos semi-rigide offre un confort suffisant, à tester

Disponible à partir de 160 $ sur ebay.

Une création de l’agence de design hollandaise Lijmbach, Leeuw & Vormgeving.

 Frederico Mancosu

Frederico Mancosu est un jeune italien qui a plusieurs casquettes (ou costumes…): graphiste, illustrateur et webdesigner. Il travaille chez Medita, une  agence Web basée à Rome en tant que directeur artistique. A côté de cela, il crée des posters, bricole des tee-shirts, regarde des “western spaghetti” et autres films de Sergio Leone, Quentin Tarantino et Dario Argento dans lesquels il puise univers graphique déjanté!

“Depuis que je suis gamin j’ai toujours nourri une passion pour le dessin. Les dinosaures, les monstres, les robots et super héros que j’ai vu dans les livres, les bandes dessinées et les films m’ont toujours donné l’inspiration.”

Il était donc inévitable que Frederico Mancosu se mette à créer des affiches des plus grands films de genre du cinéma Italien des années 1960 à 1980 tels que : “Le bon, la brute et le truand”, “Il était une fois dans l’Ouest”, “Milan calibre 9″, ” le Venin de la peur” etc…

IL BUONO, IL BRUTTO, IL CATTIVO – Sergio Leone (1966)

Les affiches sont tous très soignés, et l’univers du film est extrêmement bien retranscrit. Ici, pour le film “Le bon, la brute et le truand”, on retrouve une couleur beige sable, une police à empâtement très grasse, qui sont des codes souvent utilisés pour les affiches de western.

(Pour ceux qui n’auraient pas vu ce film, c’est l’histoire de trois hommes liés par la quête d’une grosse somme d’argent cachée dans un cimetière…)

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Pour le film “L’oiseau au plumage de cristal”, Frederico met en avant un univers sombre, avec un oiseau de glace, fragile, précieux (l’intrigue du film se déroule dans une galerie d’art vitrée…).

L`UCCELLO DALLE PIUME DI CRISTALLO  - Dario Argento (1970)

La police nous fait penser aux affiches de Saul Bass comme : Vertigo  ou l’homme au bras d’or… La couleur jaune fait directement référence au style Giallo (polar à énigmes popularisé en Italie par les éditions Mondadori et leurs couvertures jaunes – giallo en italien).

Je vous laisse apprécier d’autres de ses créations :

UNA LUCERTOLA CON LA PELLE DI DONNA – Lucio Fulci (1971)

ROMA A MANO ARMATA – Umberto Lenzi 1976

MILANO CALIBRO 9  - Fernando di Leo (1972)

Pour voir plus de posters de film c’est ICI

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Frederico Mancosu est également connu pour ses posters de clip de musique :

THRILLER – Michael Jackson / Directed by John Landis (1983)

 Veste rouge, zombie, nuit, regard, loup, paranoïa, image sombre…

ENJOY THE SILENCE - Depeche Mode / Directed by Anton Corbijn (1990)

Un roi parcourant de vastes étendues désertiques avec une chaise longue bleu sous le bras…

D’autre de ces créations :

SCAR TISSUE – Red Hot Chili Peppers / Directed by Stephane Sednaoui (1999)

SABOTAGE - Beastie Boys / Directed by Spike Jonze (1994)

Frederico Mancosu à un réel talent pour retranscrire l’univers d’un film ou d’un clip dans une image, et ses créations nous permettent de redécouvrir des chefs-d’oeuvre du cinéma et des grands classiques de musique. Que du bonheur!

Pour voir d’autres posters de clips c’est ICI

Pour acheter ses posters c’est ICI

Enjoy!