Michael Haneke freut sich mit seiner Frau über die goldene Palme

Kein Preis für Leos Carax und seine Holy Motors. Sehr, sehr ungerecht. Dafür für Matteo Garrones eher schwachen Reality. Da kann man Jurypräsident Nanni Moretti bloss zurufen: “Mani pulite!”

Hier das Palmarès, jeweils direkt verlinkt zum enstprechenden Blogeintrag:

Palme d’Or
AMOUR von Michael Haneke

Grand Prix
REALITY von Matteo Garrone

Prix de la mise en scène (Regiepreis)
Carlos Reygadas für POST TENEBRAS LUX

Prix du scénario (Drehbuchpreis)
Cristian Mungiu für DUPÃ DEALURI (AU-DELA DES COLLINES)

Prix d’interprétation féminine (beste Darstellerin)
Cristina Flutur und Cosmina Stratan in DUPÃ DEALURI von Cristian MUNGIU

Prix d’interprétation masculine (bester Darsteller)
Mads Mikkelsen in JAGTEN von Thomas Vinterberg

Prix du Jury (Jurypreis)
THE ANGELS’ SHARE von Ken Loach

Am letzten Freitag habe ich gemeinsam mit Anke Leweke und Katja Nicodemus eine Bilanzrunde zum diesjährigen Wettbewerb gedreht. Die ist hier zu hören:

Und hier zu saugen: Bilanz-Reflexe Filmfestival Cannes 2012 (Rechtsklick für Download)

Robert Pattinson

“Ihre Prostata ist asymmetrisch.” Das erklärt der Ersatzarzt dem 28jährigen Milliardär Eric Packer (Robert Pattinson) beim Checkup in der weissen Stretchlimousine. Der Mann mit den Gummihandschuhen ist zu der Diagnose gelangt, während sein Klient sich mit seiner Analystin Vija Kinsky (Samantha Morton) über Währungsveränderungen und Geldflüsse unterhielt.

Kurz davor ist Juliette Binoche für einen Quickie zugestiegen, und um Packer einen Rothko schmackhaft zu machen. David Cronenberg packt den Roman von Don DeLillo in ein stockend durch New York cruisendes Roadmovie mit unablässig dialogenden Figuren. Dabei hält er sich, so weit ich das auf die Schnelle überprüfen konnte, an die vorgegebenen Dialoge des Romans, was beim Publikum hier in Cannes zu etwelchem Schnaufen und Stöhnen geführt hat.

Juliette Binoche

Dabei ist der Film ein echter Cronenberg. In seiner Fiebrigkeit erinnert er an frühe Werke wie Videodrome, auch in seinem souverän wirkenden Blick auf die Läufe der Finanzwelt. Schwer zu sagen, wie viel Bluff hinter den Sätzen der Hauptfigur und seiner Gesprächspartner steckt. Den Masters of the Universe-Ton haben sie jedenfalls mindestens so gut drauf wie seinerzeit die Yuppies in Tom Wolfes “Bonfire of the Vanities”.

Keine Ahnung, wie dicht Cronenberg an DeLillos Roman bleibt. Ich werde es aber bald wissen, denn zehn Minuten nach Verlassen des Kinos habe ich mir das Buch auf den eReader geholt. Cronenbergs Films fasziniert, die Bilder und der Rhythmus hämmern einen vorwärts, sogar Robert Pattinson wirkt für einmal wie ein souveräner Schauspieler und nicht bloss wie ein abgekämpfter Vampir. Aber was wirklich trägt, sind die Dialoge, die Wort- und Satzkaskaden, die sich um Ideen winden, Moral und Zuständigkeit und Abhängigkeiten erforschen.

Robert Pattinson

Cronenberg ist ein Film gelungen, der für sich selber besteht, und gleichzeitig Lust auf den Roman macht. Und da die wenigen handlungsgetriebenen Plotpoints nicht im Zentrum stehen, gibt es auch keinen Grund, sich nicht ausgiebig auf die Lektüre zu freuen.

Packer stellt übrigens im Film die Frage, welche Leos Carax in Holy Motors beantwortet: Wo gehen all die Limousinen hin in der Nacht, welche tagsüber in der Stadt umherfahren?

Und ja, Packer wäre am Ende nicht am Ende, wäre er dem Beispiel seiner Prostata gefolgt. Erklärt Paul Giamatti in einer rund zwanzigminütigen Rede- und Gegenredesequenz am Ende des Films. Da hat er wahrscheinlich recht.

David Cronenberg

Zweiundsiebzig Schnitte auf 127 Minuten Film. Das ist in der Tat ein monumentales Tempo und mit ein Grund dafür, dass Loznitsas Im Nebel hin und wieder an Tarkowski erinnert. Der andere, wichtigere, ist natürlich der, dass der grösste Teil des Films im Wald spielt. Und dass Russisch gesprochen wird.

Der Film spielt 1942 an der russischen Westfront. In den Wäldern Weissrusslands tobt ein leiser, aber tödlicher Partisanenkrieg gegen die deutsche Besatzung. Und Sushenya, ein Gleisarbeiter, gerät zwischen die Fronten, als er mit einer Gruppe von Saboteuren verhaftet wird. Aber nicht gehängt, wie die anderen drei, sondern bewusst freigelassen. Nun halten ihn seine Landsleute für einen Verräter, und die Deutschen warten nur darauf, dass sie ihn holen: Die perfekte Falle.

Vor zwei Jahren war Loznitsa hier in Cannes mit Schastye Moe (Meine Freude), einer ebenso irrwitzigen wie bösartigen Farce um einen Lastwagenfahrer auf Odyssee im menschlichen Niemandsland. Der Film war formal eine Tour de Force, einfallsreich und verpielt. Im Nebel dagegen ist gravitätisch, bedeutungsschwer, eine Pflichtarbeit. Die Zeit des zweiten Weltkrieges sei in Russland nie aufgearbeitet worden, nicht im Kommunismus, und schon gar nicht danach. Er habe es darum für seine Pflicht gehalten, Aufklärung zu betreiben.

Und so schickt er seinen Sushenya als Hiobsfigur auf einen Schicksalsparcour von einem Toten zu nächsten, von einer moralischen Entscheidung für das Richtige und gegen sich selber zur nächsten unvernünftigen, unpragmatischen Entscheidung gegen das Böe und Falsche.

Als abgrundtraurige Schwejkiade, als Parabel, und als realistisches Abbild einer fürchterlichen Zeit wäre dieser Film wohl ganz eindrücklich. Das ist untadeliges Handwerk, eine zwingende Geschichte. Und doch wirkt das staubig, altmodisch gar, nach den fordernden, verspielten Filmen von Carlos Reygadas und Leos Carax.

Eine seltsame Form der Festivalmüdigkeit hat mich übermannt: Die gestrigen Höhenflüge haben vorübergehend meine Geduld für die klassische Form vertrieben.

Regisseur Sergei Loznitsa

Cannes, Marché du film et le Palais des Festivals

Kino im Kopf – mit Brigitte Häring. Diese Woche mit vielen Filmen, vielen Themen, EINEM Ereignis: dem Filmfestival in Cannes. Michael Sennhauser ist vor Ort, hat viel gesehen und viel erzählt. Zum Schweizer Film Operation Libertad von Nicolas Wadimoff zum Beispiel. Zum Wettbewerb mit bekannten Namen wie Michael Haneke und Abbas Kiarostami. Und zu vielem mehr. Heute ist unsere Rolle fast eine reine Cannes-Rolle. Fast – denn Kurztipps und Tonspur gibt’s natürlich auch.

Hören:

Saugen: Filmpodcast Nr. 287 (Rechtsklick für Download

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Das ist vorläufig – und wohl noch für lange Zeit – der bizarrste Film, den ich je gesehen habe. Und zugleich eines der anregendsten und fruchtbarsten Leinwanderlebnisse überhaupt. wahrscheinlich wird sich kein Filmverleiher in der Schweiz trauen, diesen Film ins Kino zu bringen, weil sich ein durchschnittlicher Kinogänger wohl eher den Kopf abreissen würde, als sich diesen eben so schönen wie verstörenden, so bekannten wie fremdartigen Bildern auszusetzen.

Während Reygadas’ Meisterwerk Stellet Licht von 2008 auf der Leinwand aus der Dunkelheit heraus kam, mit einem Sonnenaufgang und allen Naturgeräuschen in Echtzeit, mach Post Tenebras Lux das Umgekehrte. Wir sehen ein glücklich umher rennendes ganz kleines Mädchen auf einer Weide. Sie jauchzt den Kühen nach, die vorbei laufen, den Pferden, die durch den Hintergrund galoppieren, den Hunden, welche die Kühe und die Pferde jagen: “Vaccas … perros …” und während sie um Hunde und Pfützen herum tappst, fällt langsam die Dämmerung, die Leinwand wird schwarz.

Im nächsten Bild sind wir in einer nächtlichen Wohnung. Die Eingangstür geht auf und der Teufel kommt herein, eine neonrot leuchtende Gestalt mit Ziegenkopf und Hörnern, einem Schwanz und Hufen, vorsichtig, leise, und mit einem Werkzeugkoffer in der Hand. Die Gestalt blickt sich um, alle in der Wohnung scheinen zu schlafen. Aus dem Kinderzimmer heraus allerdings schaut ihn ein Junge an, aufmerksam, reglos.

Morgen. Ein Mann und eine schöne Frau schlafen nackt im Bett. Ein Kind beginnt im Nebenzimmer zu weinen. Die Frau steht auf, zieht einen Morgenmantel über und geht ins Kinderzimmer. Es ist das kleine Mädchen vom Anfang, sie nimmt es mit ins Elternzimmer. Ihr Bruder steht unter der Tür, seine Augen funkeln, er zieht seine Windel aus und wirft sie energisch durch den Raum, dann toben die Kinder auf dem Elternbett, wecken den Vater.

Ich könnte nun Szene für Szene beschreiben, ohne auch nur ansatzweise zu vermitteln, was der Film macht. Von zwei Männern werden im Wald Bäume angesägt, die am Ende des Films umfallen werden. In einer Sequenz sehen wir den Mann und die Frau in einem riesigen Dampfbad in Paris, das offenbar auch so etwas wie ein Swingerclub ist. Ein Familienfest. Zwei Rugbyteams.

Das Bildformat des ganzen Filmes ist das klassische, fast quadratische Akademieformat. Dem breitwandgewohnten Auge erscheint es fast höher als weit – und so will es Reygadas auch eingesetzt haben: Der Horizont ist in diesem Film über den Bergen, dem Wald, in der Höhe. Und Menschen sehen grossartig aus in diesem Rahmen.

Wobei: Rahmen. Den definierte Frame des Kinos, die scharf abgesetzten Ränder des Bildes, die löst er in fast allen Aussenaufnahmen auf. An ihre Stelle tritt ein Bild mit Tilt-Shift-Effekt, scharf in der Bildmitte, mit unscharfem Vorder- und Hintergrund und Bilddoppelungen gegen die Ränder aussen. Auf der riesigen Leinwand in Cannes wirkt das paradox: Ein Kamerabild, das künstlich miniaturisiert und dann aufgeblasen und maximal projiziert wird.

Es gab Kollegen hier in Cannes, die haben diesen seltsamen Tunnelblick dem Teufel zugeschrieben, der am Anfang (und gegen Ende) des Films auftritt. Ich selber war versucht, die Perspektive als Blick des sterbenden Vaters zu interpretieren. An der Pressekonferenz meinte Reygadas, beide Interpretationen seien ihm recht. Der Blick allerdings rühre eher daher, dass er für seine Familie ein Haus gebaut habe und dann mit dem perfekten modernen Fensterglas nicht glücklich gewesen sei: Man könne es nicht sehen.

Der Filmtitel Post tenebras lux (auf die Dunkelheit folgt das Licht) ist programmatisch, passt zum letzten Film, und genau darum habe er auch gezögert, ihn zu setzen, sagt Reygadas. Überhaupt empfinde er es als das grösste Kompliment, dass niemand seinen Film verstehe. Der verzweifelten jungen Filmjournalistin aus Italien, die ihn bat, ihr eine brauchbare Synopsis zu formulieren, erklärte er ganz ernsthaft, wenn er das täte, bräuchte man ja den Film nicht mehr.

Damit hat Carlos Reygadas gleichzeitig die Magie seines Werkes definiert und seine Unabhängigkeit von allen Spielregeln deklariert. Buster Keaton sei einer seiner Helden. Und zugleich könne er nicht verstehen, warum viele Leute seine Filme deprimierend fänden: Er habe einen grossen Sinn für Humor. Das hat er tatsächlich. Und ein grosses Auge, grossen Mut und eine grosse Ernsthaftigkeit dazu. Carlos Reygadas ist tatsächlich ein Künstler des Kinos, einer der wenigen, dem es mit jedem Film wieder gelingt, eine neue Sicht vorzuschlagen.

Was Leos Carax mit Holy Motors vor allem auf inhaltlicher Ebene gelingt, versucht Reygadas radikal und erfolgreich auch formal und technisch. Er will keine Sicherheiten, er will das Leben.

Nicole Kidman

Nicole Kidman im “oversexed Barbiedoll”-Modus (Zitat aus dem Film) ist so ziemlich die einzige wirklich interessante Figur in diesem überwürzten, überstürzten, zu einem Brei verkochten Sumpfland-Thriller. Der lokale Zeitungsverleger (Scott Glenn) und seine beiden Söhne, Journalist Ward (Matthew McConaughey) und der von der Schule geflogene Schwimmer Jack (Zac Efron) sind eher Funktionen als Charaktere. Der von John Cusack gespielte widerliche Todesstrafe-Kandidat Hillary Van Wetter, um dessen Schuld oder Unschuld am Mord an einem rassistischen Sheriff sich die Geschichte dreht, lehrt einen zwar das Fürchten, sonst aber gar nichts.

Die einzige Figur, an welcher Regisseur Lee Daniels wirklich ein Interessen zu haben scheint, ist das langjährige schwarze Hausmädchen der James-Familie. Sie ist es auch, die in einer ansonsten völlig unmotivierten Rahmenhandlung als Erzählerin eingeführt wird.

Matthew McConaughey, Zac Efron

Die von Kidman gespielte “White Trash”-Vierzigerin Charlotte Bless hat es sich in den Kopf gesetzt, den Todeskandidaten aus dem Gefängnis zu holen und zu heiraten. Der Journalist will Schlampereien in der Prozessführung aufdecken und dafür ebenfalls die Unschuld des Verurteilten beweisen. Sein kleiner Bruder will zunächst eigentlich gar nichts, dann aber unbedingt die Sex-Barbie heiraten – wohl wegen seines Mutterkomplexes, wie das Hausmädchen es sich erklärt.

Und, eh ich es vergesse, Van Wetter und sein noch widerlicherer Vater sind echte Sumpfmänner; sie leben vom Töten und Häuten wilder Alligatoren. Die Themen des Films sind Rassismus, Lust an sexueller Gewalt und Gewalt überhaupt und ein wenig vielleicht noch das Justiz-System und das Newspaper-Business.

John Cusack

Lee Daniels machte 2009 mit Precious Furore, der Geschichte eines übergewichtigen, illliteraten, häuslicher Gewalt ausgesetzten schwarzen Mädchens. Der Film war so drastisch wie sein Thema, hat schockiert und eingeschlagen.

Aber The Paperboy ist nun nicht viel mehr als Trash-Kino. Nicole Kidman ist mit Herz und Körper dabei, pisst auf Zac Afrons Gesicht (vom Drehbuch wohl motiviert notabene), spreizt die Beine und zerreisst sich die Strumpfhose im Schritt für ihren Gefängnis-Beau. Das ist alles kalkuliert schockierend gemeint, wirkt aber eher peinlich. Zumal die gute Charlotte im letzten Drittel des Films ihr wahres, trauriges Gesicht zeigen darf, und Nicole Kidman damit Gelegenheit bekommt, schauspielerische Breite zu demonstrieren.

Irgendwie hätte das mit Nicolas Cage, ein paar aufgemotzten Autos und einem Cajun-Soundtrack Spass machen können. Aber der Film will ernst genommen werden … das ist fast schon tragisch.

Regisseur Lee Daniels

Bruce Willis in 'Moonrise Kingdom' ©ascot-elite

Erst diese fünf Filme sehen, dann alle anderen.

1. Moonrise Kingdom von Wes Anderson. Eine Insel, eine Familie, ein Waisenknabe, ein Pfadilager, Bruce Willis, Bill Murray, der Sturm – und Tilda Swinton. Noch Fragen?
2. The Dictator von Larry Charles. Baron Cohen schlägt wieder zu, unter und über der Gürtellinie, auf der Generallinie. Grenzwertig tabulos, aber immer feste drauf und mittemang clever.
3. Abrir puertas y ventanas von Milagros Mumenthaler. Zwischen Virgin Tales und Tschechows Drei Schwestern hat die junge Regisseurin aus der Schweiz in Buenas Aires ein ganz eigenes Dreimädchenhaus geschaffen.
4. Marley von Kevin Macdonald. Ein wuchtiger und einsichtsvoller Dokumentarfilm zur Reggae-Legende.
5. Kampf der Königinnen von Nicolas Steiner. Walliser Kampfkühe in Raging Bull-Ästhetik, Maultrommel-Bolero und das ganze nach (fast) allen Regeln der Dokfilmkunst: Hammer!

Im Filmpodcast morgen mehr. Zum 65. Filmfestival Cannes und Nicolas Wadimoffs Opération Libertad .

Monsieur Merde (Denis Lavant)

Monsieur Merde ist wieder da. Das Kanalisationsmonster aus Leos Carax’ Tokyo! Episode von 2008 ist eine der diversen Figuren, welche Carax’ Zentralschauspieler Denis Lavant in diesem wunderbar verschrobenen neuen Film spielt – und dies gleich im zweifachen Sinn. Holy Motors ist eine Art Science Fiction Fabel, ein abgrundlustiges, zuweilen trauriges, vor allem aber unglaublich anregendes Spiel mit dem Spiel.

Denis Lavant ist in Holy Motors eine Art Schauspieler. Er wird in einer weissen Stretch-Limousine in Paris herumchauffiert, von einer Fahrerin namens Céline. Sie verwaltet auch seine Termine und legt Dossiers für ihn bereit. In diesen findet er die Angaben zu seiner Figur und zu den Menschen, mit denen diese interagieren soll.

So ist etwa die Rolle, in der wir ihn am Morgen des Tages zum ersten mal sehen die eines Bankers mit Frau und Kindern und grossem Haus. Unterwegs zur Arbeit in der Limousine verwandelt er sich in eine alte Bettlerin und verbringt in der Maske ein Stunde auf dem Pont des arts. Dann steigt er wieder ins Auto und streift sich einen Anzug mit Sensorpunkten über, begibt sich in ein grosses Studio, wo er für ein riesiges Motion-Capture System zuerst Kampfszenen spielt, dann einen grotesken Sexualakt mit einer ähnlich gekleideten Frau. Das Ganze wird im Computer direkt umgesetzt und schliesslich ist der Akt als Animationsequenz mit zwei Drachenähnlichen Wesen zu sehen.

Weitere Stationen sind die Rolle als fürsorglicher Vater, der seine Tochter von einer Party abholt, als sterbender Mann, der einer jungen Frau an seinem Sterbebett Mut zuspricht und als Killer, der in einem Strassencafé einen Banker erschiesst. Und da stutzt man dann doch ein wenig, denn der Banker, den er erschiesst, ist der Mann, als den wir ihn am Morgen zum ersten Mal gesehen haben.

Monsieur Merde und Eva Mendes

Die nächste Szene ist noch bizarrer. Da begibt er sich als Auftragsmörder in eine grosse Halle, trifft dort auf einen Mann, dem er sein Messer in den Hals rammt und ihn dann rasiert und in die eigenen Kleider einkleidet. Schliesslich sehen die beiden einen Moment lang identisch aus.

Es ist ein grossartiges, vergnügliches, zuweilen grusliges Wechselspiel, das Leos Carax veranstaltet. Und der Film vibriert vor Energie, die Einfälle und Ideen jagen sich. Dazu kommt eine Spielfreude und die Faszination am Handwerk. Allein schon Denis LAvant zuzusehen, wie er sich mit profesionellen Maskenteilen im Auto in neue Figuren verwandelt, ist ein Faszinosum. Dazu kommt ein musikalischer Entracte, ein Auftritt von Eva Mendes mit Monsieur Merde und ein weiterer mit der australischen Sängerin Kylie Minogue in der leergeräumten Samaritaine.

Der Blick von deren Dachterasse auf Paris ist dann eine weitere Erinnerung an die Mythenkraft, die Carax in seinen besten Filmen entwickelt hat. Denn die sind alle präsent. Ein Blick auf den Pont Neuf beschwört die Amants du Pont Neuf von 1991, Juliette Binoche mit Denis Lavant, andere Momente sind direkter, wie der Auftritt von Merde, oder indirekter, wie Friedhofsbesuche.

Dazu kommen Querverweise, richtig Hyerlinks im Film. Da steht zum Beispiel auf den Grabsteinen in Père Lachaise ‘visitez mon site’ und dazu eine Internetadresse mit dem Namen einer der Rollen, welche der Schauspieler im Verlaufe des Tages spielt.

Holy Motors ist ein Fest der Fantasie, eine Feier des Kinos und der Stadt Paris, des Zirkus und der Schauspielkunst, des Träumens und Alpträumens. Das ist ein Film, der keine Sekunde nachlässt, dauernd überrascht und zugleich vom reinen Handwerk dermassen besessen ist, dass das ansteckt.

Wenn dann am Ende in einer riesigen Einstellhalle mit den vielen Stretchlimousinen, die dem Film den Titel geben und seinen Figuren einen Rückzugsort, noch eine Dimension mehr aufgeht, beginnt das cinephile Herz zu hüpfen. Holy Motors ist ein Kunstwerk.

Sam Riley, Kristen Stewart, Garrett Hedlund

Was für ein Jammer. Es ist traurig, wenn Vorfreude enttäuscht wird. Aber es ist, zumindest in Cannes, noch trauriger, wenn Vorurteile sich bestätigen. Und bei diesem Film ist die “gepflegte Langeweile” welche mein geschätzter Kollege L befürchtet hat, nur gerade der Vorname. On the Road ist ein lebender Leichnam, ein Film, der bestenfalls die Farben des Buches durchschimmern lässt, wie unter Schutzatmosphäre abgepacktes Gemüse durch die Klarsichtfolie einer Vakuumverpackung.

‘On the Road’ galt und gilt wie die meisten Kultbücher als unverfilmbar. Francis Ford Coppola hat sein Leben lang versucht, den Stoff zu knacken; sein Sohn Roman als Produzent ist nun zusammen mit dem einschlägig vorbestraften Walter Salles (Diarios die Motocicleta, 2004) definitiv gescheitert.

Marylou 'On The Road': Kristen Stewart

An den Schauspielern liegt das nicht. Sam Riley bringt als Sal Paradise alias Jack Kerouac eine zurückhaltende Intensität auf die Leinwand. ein Gesicht erinnert nicht nur physisch manchmal an den jungen Leonardo DiCaprio. Garrett Hedlund als Dean Moriarty hat sowohl den Charme und das Charisma, wie auch die kaum verdeckte Verantwortungslosigkeit. Kristen Stewart bringt wieder die wilde Sehnsucht und Unbekümmertheit, mit der sie in Sean Penns Into the Wild überrascht hatte. Und selbst Kirsten Dunst funktioniert als Camille, gewinnt der heroisch farblosen Rolle eine gewisse Tiefe ab.

Sam Riley als Sal Paradise

Der Film scheitert am gleichen Fehler, den viele Literaturverfilmungen machen: Er versucht, das Lebensgefühl der Protagonisten in nachgestellten Szenen zu evozieren. Dazu fährt er hunderte von authentischen 40er Jahre Autos auf, geht an exotische Drehorte, konzentriert sich auf Schlüsselszenen und ist fast schon obsessiv in seinem Blick auf die sexuellen Experimente der Figuren. Solche Wörtlichkeit funktioniert nur bei Büchern, die von der Erzählung leben, von der chronologischen Abfolge von Ereignissen.

Dean (Garrett Hedlund) und Sal (Sam Riley) in Mexico

Der Wert und die Faszination von Kerouacs Buch aber liegt in seiner Wirkung. Spannend ist das, was während des Lesens in meinem Kopf passiert. Die Sehnsucht, die er weckt, die Begeisterung für Wörter, Bilder, Gefühle.

Wer ein Kultbuch verfilmt, muss das Erlebnis seiner Lektüre umsetzen, nicht den Text. Und sich bewusst sein, dass dieses Erlebnis ein individuelles ist, und zeitgebunden. David Cronenberg ist dem 1991 sehr nahe gekommen mit seiner Burroughs-Umsetzung von Naked Lunch. Und sieben Jahre später ist Terry Gilliam mit Fear and Loathing in Las Vegas eine Lektüre von Hunter S. Thompsons Buch gelungen, die noch immer nachwirkt bei jüngeren Generationen.

Walter Salles hat Illustrationen gebaut, Szenen nachgestellt, Momente fabriziert. Aber das Leben, das Kerouacs Figuren suchen, leben, verlieren, sich wünschen: Von dem ist keine Spur in diesem Film.

Regisseur Walter Salles

Die Zusammenarbeit von Ken Loach mit Drehbuchautor Paul Laverty ist ziemlich eingespielt – fast ein bisschen zu sehr, könnte man nach diesem Film sagen. The Angels’ Share ist ein Hybrid aus den ernsthaften Sozialdramen, für die das Duo bekannt ist, und den komödienhaften Ausflügen, mit denen es überrascht hat, etwa Looking for Eric, mit dem sie 2009 hier im Programm waren.

Der neue Film beginnt mit einer grossartigen Solonummer einer der Figuren an einem Bahnsteig und der Stimme Gottes über Lautsprecher. Danach ist allerdings erst mal Schluss mit lustig; wir lernen das harte Leben von Robbie und seinen Freunden kennen. Arbeitslosigkeit, Gewalt, Gerichtsverfahren – und Strafarbeit im Dienste der Gemeinde.

Bei diesem Himmelfahrtskommando der Halbwilligen lernt Robbie den Gruppenleiter Harry kennen, der ihm hilft, und ihn nebenbei eher zufällig in die Geheimnisse des Whisky einführt. Nach einer Führung in einer Distillerie und einer Whiskydegustation, bei der Robbie vom absurden Wert rarer Fässer erfährt, entsteht die Idee, sich vor einer dieser Auktionen einen Teil des millionenteuren Fasses abzuzapfen. Damit wechselt der Film vom Sozialdrama zum Heist-Movie und wird recht vergnüglich, wenn auch ziemlich absehbar.

Wie meist bei Loach/Laverty sind die Dialoge so geschliffen wie natürlich, die Darsteller authentisch und das Setting echt. Der Film macht ordentlich Spass, aber der Eindruck bleibt, dass die beiden, vielleicht zum ersten Mal, so etwas wie eine Formel ausprobiert haben. Das, was bei Looking for Eric noch überraschend war, geht nun eher Richtung Full Monty. Durchaus möglich, dass es de engagierten Duo darum zu tun ist, auch zuhause in England wieder ein Publikum zu erreichen. Denn die Menschen, die in den klassischen Loach-Filmen dargestellt werden, gehen sie kaum mehr gucken. Was mit Fussball (und der Legende Eric Cantona) seinerzeit funktioniert hat, dürfte aber ausgerechnet mit dem Thema Whisky wieder an der Zielgruppe vorbeischrammen. Auch wenn die Whisky-Enthusiasten ganz schön auf die Schippe genommen werden.

Ach ja: Der ‘Anteil der Engel’ des Titels, das sind jene zwei Prozent des Whiskys, welche pro Jahr im Fass verdunsten, wenn man ihn altern lässt.

Regisseur Ken Loach (Mitte)