Senzafiato

Oh Yeats!

2012-02-06T19:32:00.001+01:00

Quando tu sarai vecchia e grigia e sonnolenta,

col capo tentennante accanto al fuoco, prenditi questo libro,

e lentamente leggilo, e sogna del tenero sguardo

che gli occhi tuoi ebbero un tempo, e delle loro ombre

profonde; quanti furono a amare i tuoi attimi

di grazia felice, e quanti amarono, con falso o vero amore,

la tua bellezza; ma uno solo amò l'anima peregrina

che era in te, e il dolore del tuo volto che muta.

Curva di fronte ai ceppi risplendenti mormora,

con lieve tristezza, come Amore fuggì, come percorse,

passando, i monti che ci stanno alti sul capo,

e nascose il suo viso fra un nuvolo di stelle.

(W. B. Yeats, 1865 - 1939)

p.s. Quando si ha voglia di bellezza, leggere poesie può essere la soluzione. E leggerle ad alta voce una bella scoperta.

Il tempo scandito dai libri

2011-12-30T20:17:00.002+01:00

Quando si chiude un anno mi risulta molto difficile non pensare al tempo trascorso, scandito dai libri che ho letto e dagli stati d'animo che inevitabilmente hanno accompagnato le letture.
Spiegate le ragioni del post, posso cominciare.

Tra i tanti libri letti quest'anno, la grande sorpresa è stata sicuramente Open, il libro di Andre Agassi, che rientra a pieno titolo nella mia personale top 3.

Un libro scritto veramente col cuore, in grado di creare quasi da subito empatia e coinvolgimento. Mi ha conquistato.

Da ricordare c'è pure Voi non sapete che cos'è l'amore di Carver, scrittore che sento quasi come un amico. I suoi sono racconti che colgono la vita senza inganni, così com'è. Lo fanno con l'immensa umanità che contraddistingue Raymond Carver, un'anima grande quanto il suo talento.
La delusione? Altà Fedeltà di Hornby, un libro che probabilmente avevo caricato di troppe aspettative.

Ma Hornby merita un'altra possibilità, forse anche due.
La conferma invece è rappresentata da Mr. Paul Auster, oramai assiduo frequentatore dei miei scaffali, mensole, comodini, pavimenti, scrivanie, etc...

Lo scrittore di Newark ha meritato la conferma con La Musica del caso e L'invenzione della solitudine.
Diciamolo, Auster per me è uno scrittore-rifugio. Quando sono deluso o triste, torno da lui e avviene la riconciliazione col mondo. Letture terapeutiche e raramente scontate.
Anche se ne ho parlato in altre sedi, voglio rammentare ancora una volta Un calcio in bocca fa miracoli di Marco Presta, leggetelo e poi mi farete sapere.

La palma di miglior saggio musicale va invece a Le provenienze dell'amore di Stefano Pistolini.

L'autore racconta di un artista speciale, Nick Drake, senza lanciarsi in imbarazzanti apologie, con onestà e trasporto. Se vi piace Drake leggetelo.

Per la serie "libri che parlano di libri" vorrei ricordare e consigliare sia Con due libri nella tasca di Luis Stevenson, (edito dagli amici di Edizioni Spartaco) corredato da un'imperdibile prefazione di Antonio Pascale, sia il recentissimo I ferri del mestiere, di Sandro Ferri. Il primo offre un sacco di spunti sulla lettura e la scrittura, riflessioni di un maestro la cui penna ha creato personaggi immortali. Il secondo è il libro di un altro maestro, questa volta dell'editoria. Il suo è un libro che tratta del mondo editoriale a trecentosessanta gradi, in cui vengono poste questioni spinose e interessanti, affrontate con intelligenza e chiarezza. Le parole di Ferri generano dubbi e fanno nascere un mucchio di nuove domande, quello che dovrebbero fare un po' tutti i libri.

In ultimo, due libri speciali di due scrittrici casertane che ho il piacere di conoscere personalmente.

Si tratta di Eleven in September di Silvia Tessitore, e del recentissimo Caffè Trieste, colazione con Lawrence Ferlinghetti di Olga Campofreda. Due libri diversissimi, che raccontano esperienze totalmente differenti e che in comune hanno una sola cosa: il viaggio da cui nascono.

Un viaggio negli Stati Uniti, il primo sulla East Coast e l'altro sulla West Coast, entrambi inevitabili.

Due esperienze fortemente volute, vissute come uno spartiacque. Adesso c'è un prima e un dopo, le cose non saranno più le stesse. Silvia Tessitore e Olga Campofreda hanno raccontato lo sgomento e lo stupore, il dolore e lo stravolgimento, e pure l'entusiasmo e la curiosità con cui, ognuna a modo suo, guardano alle vicende del mondo.

Lo hanno fatto con passione e dedizione totali.

In ogni caso, i loro sono racconti capaci di cambiare la percezione delle nostre certezze, e scusate se è poco.

Per mano mia

2011-11-13T12:12:00.001+01:00

Su questo blog parlo raramente di libri gialli che hanno come protagonisti il commissario o l'ispettore di turno. Per mano mia di Maurizio de Giovanni è un ottimo pretesto per un'eccezione. Lo seguo da qualche tempo de Giovanni e pure se non lo conosco mi sta simpatico. Sarà perché è gran tifoso del Napoli (e ne scrive), o perché ha creato questo personaggio sui generis, il commissario Ricciardi, uno che vorrei dargli delle pacche sulla spalla e dirgli che la sua vita potrebbe essere molto meglio di quella che è. Se solo pensasse pure a se stesso. Parlare con il personaggio di un libro, ecco cosa riesce a farti fare un bravo scrittore.

Fatto questo breve preambolo veniamo al romanzo e al suo protagonista: Luigi Alfredo Ricciardi, di professione commissario di polizia alla questura di Napoli.
Siamo negli anni '30, in pieno regime fascista.

Parentesi.
Ricciardi oramai dovrebbe essere una superstar tra i commissari letterari - nel senso che qualcuno dovrebbe conoscerlo, siamo al quinto romanzo - epperò, visto che in Italia quasi metà della popolazione ha letto appena un libro nell'ultimo anno, è ben comprensibile che possa risultare sconosciuto.
Sono d'obbligo due parole. Il commissario, napoletano d'adozione, ha una caratteristica che lo rende diverso da Montalbano e compagnia: vede i morti.
Li vede in un momento preciso, quello del trapasso, e li ascolta pronunciare le ultime parole ripetute come una nenia. Egli si aggira ogni giorno tra i vivi e i morti, aggiungendo altrui dolore al proprio, e non può farci niente.
Non può raccontare, né condividerlo con nessuno.
E' questa una circostanza che potrebbe far storcere il naso a qualcuno. Si dirà che potrebbe minare la credibilità della storia. Nient'affatto. Questa capacità o potere, che dir si voglia non aiuta Ricciardi nel suo lavoro di ricerca, non è un potere da supereroe, è solo una condanna. E proprio in ciò risiede la bravura del suo demiurgo che riesce a rendere assolutamente credibili sia le storie che il personaggio Ricciardi. Un personaggio vero, con un cuore pulsante.
Chiusa parentesi.
L'ambientazione del romanzo merita qualche cenno.
La Napoli di Ricciardi è una città fredda, densa di miseria e umanità, che tenta di festeggiare dignitosamente il Natale, nonostante tutto.
Veniamo al racconto.
Siamo a ridosso del Natale e c'è stato un duplice omicidio: un uomo e sua moglie sono stati brutalmente ammazzati a Mergellina.
Lui, funzionario della milizia portuaria, è a letto, trafitto da decine di pugnalate come un San Sebastiano.
Lei giace riversa in una pozza di sangue, con un profondo taglio al collo.
Sulla scena del delitto c'è un presepe cui manca San Giuseppe: è a terra, in frantumi, nascosto sotto il presepe. Ecco il quadro in cui dovrà muoversi il commissario Ricciardi accompagnato dal brigadiere Maione, suo fidato collaboratore, la cui storia si dipanerà di pari passo con la principale, riproponendo l'eterno dilemma morale: è giusto porre rimedio da sé, laddove la giustizia ha fallito?
L'architettura della storia è dunque quella classica, ci sono dei morti ammazzati - peraltro eccellenti - c'è un commissario e c'è un colpevole da trovare. Eppure diverse circostanze contribuiscono a rendere questo libro diverso dai suoi simili. Certo un personaggio singolare come Ricciardi potrebbe essere sufficiente. Ma c'è dell'altro.
Forse è il sentimento di profonda pietà e compassione che si respira.
O forse i personaggi, abilmente intagliati proprio come le statuine di un presepe.
O perché alle spalle della storia, sullo sfondo, s'intravede la complessa rappresentazione di una città che affonda le proprie radici in una cultura millenaria e trova nel presepe la sua perfetta raffigurazione.
Ci sono i pescatori, i mendicanti, i ladri e gli assassini.
C'è l'estremo degrado che il fascismo tenta in ogni modo di nascondere e l'odiosa ricchezza dei corrotti.
E' in questo scenario che Ricciardi dovrà mettersi sulle tracce del colpevole e scoprire sulla propria pelle quanto nera può essere un'anima.

Fra

Cose che non vorrei passassero inosservate

2011-11-11T16:39:00.001+01:00

Le recensioni di questo mese per cittàdelmonte.info:

Un Calcio in bocca fa miracoli, di Marco Presta.

Possibile sottotitolo: combattere la vecchiaia con l'ironia.

Vince la vecchiaia, questo è sicuro. Ma almeno ci si diverte.

Eleven in September, di Silvia Tessitore, ilmiolibro.it

Storie dall'11 settembre 2001. La voce appassionata di Silvia Tessitore fa da guida in quel di New York. I testimoni degli attentati al World Trade Center fanno il resto.

Infine, il mio invito alla lettura dell'autore americano Philip Roth, per il quale nutro sincera ammirazione.

A fine articolo le mie proposte di lettura.

Fra

Japan Animation Vs U.S.A.

2011-11-09T23:03:00.002+01:00

Una tomba per le lucciole è un film di animazione giapponese del 1988, tratto dal romanzo “Hotaru no Haka” di Akiyuki Nosaka, sceneggiato e diretto da Isao Takahata. La DeAgostini ha distribuito anni fa questo commovente anime nella collana Japan dvd Animation, definendolo uno dei capolavori dell’animazione giapponese. Ovviamente, considerato l’interesse di vendita della DeAgostini e l’uso spesso improprio dell’appellativo “capolavoro”, ho guardato l'anime senza troppe aspettative, solo con la speranza di cogliere qualcosa di buono. Devo dire di esserne rimasto positivamente colpito. La storia narrata è ambientata nel Giappone del secondo conflitto mondiale (1945), guerra che tutti ricordano per la Germania Nazista, il terribile Olocausto o conflitti Europei, ma ben pochi ricordano per il terribile scontro tra Giappone e Stati Uniti; un Giappone non esente da colpe e molto combattivo durante la guerra, che, a conflitto concluso, pagherà amaramente ed eccessivamente (a mio parere) gli attacchi al “gigante buono” statunitense.

L’anime racconta la storia sensibile ma amara del quattordicenne Seita e della sua sorellina Setsuko; il ragazzo muore d’inedia alla stazione di Kobe il 21 Settembre del 1945. Il suo fantasma ripercorre i drammatici eventi degli ultimi quattro mesi, i bombardamenti americani, la morte della madre e la difficoltà di procurare del cibo per sé e la sorellina Setsuko.

Questo film è il manifesto del grido silenzioso di dolore provato dal popolo Giapponese, e, per quanto questa mia espressione possa sembrare forte, credetemi è ben posata.

Siamo abituati solitamente a vedere un’altra tipologia di film sul conflitto mondiale, solitamente di matrice Hollywoodiana, si pensi ad esempio a Pearl Harbor film del 2001 diretto da Michael Bay. Indiscutibilmente un bel film, ma intriso di quello spirito nazionalistico americano e di quella voglia di “giusta” e “meritata” vendetta che difficilmente lasceranno gli spettatori biasimare le scelte e i modi di fare (ricordo le due bombe atomiche) degli Stati Uniti. Ricordiamo di Pearl Harbor alcune scene toccanti: Roosevelt che si alza dalla carrozzina e supera la sua menomazione, amici fraterni che superano i loro grandi ostacoli personali per difendere l’onore della patria, queste sono scene che difficilmente non coinvolgerebbero lo spettatore a tifare per la squadra più forte… bene, Una Tomba per le Lucciole è l’esatto opposto.

La delicatezza della piccola Setsuko si legge in ogni situazione negativa, la ritroviamo in una scena che spazza l’entrata della grotta dove abita assieme al fratello, con una scopa improvvisata fatta di rami e foglie, come a ricordarci una piccola Geisha. Seita, dal canto suo, costretto a diventare uomo troppo in fretta, ma pur sempre con lo spirito e gli errori di un adolescente, dimostra una forza di volontà ammirevole, il ragazzo cerca di farsi forza come un piccolo samurai sapendo che il padre, ufficiale di marina, difende la gloria dell’Impero. Questo anime mostra una nazione fragile, che subisce speranzosa gli esiti di una guerra folle, insensata. Eppure, nonostante tutto c’è collaborazione e rispetto delle tradizioni. I due protagonisti compiranno piccoli gesti di dolcezza reciproca, proprio come piccoli e silenziosi sono i bagliori delle lucciole nelle tristi serate che trascorreranno insieme. Ma, come ben sappiamo, all’alba non rimarranno lucciole. Momenti di effimera serenità dovranno lasciare spazio al terribile suono delle sirene e degli aerei in avvicinamento. Molti potrebbero pensare che questo anime sia la sottile e commovente risposta di un’animazione giapponese che non si confà a certi stereotipi Hollywoodiani e che tramite i propri usi e costumi, provi in un certo qual modo, a manipolare lo spettatore facendolo impietosire dinnanzi a tanta forza d’animo, ma non è così.

Questa fiaba è uno spaccato di storia giapponese servito quasi con profonda gentilezza, con estrema delicatezza, senza boria di sé, scevra da quella talvolta eccessiva spacconeria americana che tante volte ci ha fatto esclamare: “Sono proprio Americani…”.

Alessandro (Koji) Ciasca

Un nuovo album per Il teatro degli orrori

2011-11-04T02:07:00.000+01:00

Bisogna che lo spettatore abbia la sensazione che davanti a lui si rappresenta una scena della sua stessa esistenza, una scena veramente capitale. Chiediamo insomma al nostro pubblico un'adesione intima e profonda. La discrezione non fa per noi. Ad ogni allestimento di spettacolo è per noi in gioco una partita grave. Se non saremo decisi a portare fino alle ultime conseguenze i nostri principi, penseremo che non varrà la pena di giocare la partita. Lo spettatore che viene da noi saprà di venire a sottoporsi ad una vera e propria operazione, dove non solo è in gioco il suo spirito, ma i suoi sensi e la sua carne. Se non fossimo persuasi di colpirlo il più gravemente possibile, ci riterremmo impari al nostro compito più assoluto. Egli deve essere ben convinto che siamo capaci di farlo gridare.
Antonin Artaud, "Il teatro e il suo doppio", Einaudi, 1978
                                                                 - - - - - - - - - -
Era da qualche anno che non attendevo con interesse l'uscita del nuovo album di un gruppo italiano.             Il gruppo in questione è il Teatro degli orrori, a mio parere una delle migliori band in circolazione nel panorama nazionale. Proprio oggi sul loro canale Youtube è stato pubblicato un video che conferma l'uscita del nuovo album all'inizio del prossimo anno. Il video contiene anche qualche assaggio delle canzoni, che, ad un primo ascolto lascia ben sperare.
Il gruppo di Capovilla e soci ha già prodotto due ottimi lavori, con brani che sarebbe banale definire notevoli: una solida base noise-rock con attitudine progressiva e un sound cattivo e originale. E poi ci sono i testi. Si perché i testi hanno una loro importanza, soprattutto per un gruppo che si propone di stupire e scuotere chi ascolta, mettendo in scena un vero e proprio teatro in cui dinamismo e inventiva, impatto sonoro e distorsioni laceranti la fanno da padrone. Chi ha assistito ad un loro live sa di cosa parlo. L'energia che sprigionano e la loro voglia di stare sul palco, rendono i loro concerti un'esperienza spiazzante e ogni volta unica, costruita su canzoni potenti, veri e propri uragani sonori scanditi dalle stilettate chitarristiche di Gionata Mirai, dalla batteria martellante di Francesco Valente e dal basso aggressivo di Giulio Favero. E poi Pierpaolo Capovilla, frontman che riesce a calamitare l'attenzione come pochi, personalità istrionica, sfacciata, indiscreta e, quando meno te lo aspetti, pure romantica. Insomma, per tutti questi motivi c'è, almeno da parte mia, attesa per il loro nuovo lavoro. Certo, da un gruppo che ha avuto l'ardire di reinterpretare Majakovsky, scrivere un Padre Nostro fuori dagli schemi e celebrare la memoria di Ken Saro-Wiwa ci si aspettano grandi cose.

Nell'attesa, ecco la mia personale playlist, buon ascolto.

Dell'impero delle tenebre (2007)

1. E Lei venne!
2. Compagna Teresa
3. La canzone di Tom
4.Il turbamento della gelosia

A sangue freddo (2009)

5. Due
6. A sangue freddo
7. Mai dire mai
8. Padre Nostro
9. Majakovsky
10. E' colpa mia

Fra

On Nick Drake

2011-10-22T16:13:00.001+02:00

Un oggetto di bellezza è una gioia per sempre
John Keats

Da qualche tempo ho cominciato ad ascoltare i dischi di Nick Drake.
E’ stato un avvicinamento graduale, costante. Definitivo. Si perché dopo aver ascoltato Five Leaves Left, il primo album di Drake del 1969, è difficile restare indifferenti e non ascoltare anche il resto della sua scarna ma intensissima produzione. Fatto il primo passo, spontaneamente ho fatto il secondo, e, cercando di saperne di più su questo semisconosciuto musicista inglese, ho appurato che le notizie sulla sua vita sono pochissime. Così ho scovato questo libro, Le provenienze dell’amore, di Stefano Pistolini, edito da Fazi, in cui l’autore ha realizzato un'interessante fusione di esperienze personali legate alla scoperta di Drake, seguite dal racconto di quegli anni particolarmente creativi, e da un viaggio nei luoghi che hanno ispirato la poetica del musicista di Tanworth-in-Arden.
Poetica, parola quanto mai attinente ai testi e alla musica di Drake, sinergia perfetta di melodia e lirismo, evocazione e malinconia.

Dal rifugio di Hampstead, la musica di Nick entrerà in assonanza con la controcultura di quegli anni. Si proporrà come una specie di visione hippie acculturata, che ha guadagnato in eleganza, sa tener conto delle contaminazioni esotiche e rivaluta il valore dei classici. Sarà subito evidente che, ascoltando questa musica, ci si dovrà dolere un po’ di più delle bruttezze del mondo.
(Stefano Pistolini)

Drake è un personaggio complesso, musicista timido e geniale allo stesso tempo, dotato di una tecnica chitarristica particolare e difficilmente imitabile, incline alla solitudine e all'isolamento.
Fin dalla comparsa sulla scena musicale fu chiaro a tutti il suo enorme talento compositivo, tanto che persino Joe Boyd, tra i fondatori del leggendario UFO club nonché celebre produttore del primo singolo dei Floyd, si accorse di lui (grazie alla segnalazione del bassista dei Fairport Convention) e decise di prenderlo sotto la sua ala protettrice producendone il primo album, Five Leaves Left.
Nonostante l’altissima qualità del disco e la buona accoglienza della critica, la promozione dell’album è fallimentare, a causa dell’incapacità di Drake di suonare dal vivo. Le sue esibizioni sono rarissime: Nick ha grosse difficoltà a stare sul palco, al centro dell’attenzione, così le sue performance si riducono progressivamente fino al totale rifiuto, dopo alcune serate andate male, di continuare a suonare in pubblico. Il musicista comincia lentamente a cadere nella morsa della depressione, una parabola discendente che lo condurrà verso l'inevitabile conclusione, un progressivo allontanamento dal mondo reale, testimoniato con sincerità dalle parole delle sue canzoni.
Emblematico il testo di Place to be (Pink Moon, 1972), una delle sue ultime composizioni:

Ora sono più oscuro del più profondo dei mari
lasciami andare
e dammi un posto per riposare.

Ascoltando Drake si giunge alla conclusione che la sua arte è tutt’uno con la sua vita, egli esprime attraverso la musica il profondo disagio che lo affligge, utilizzando con maestria le immagini poetiche della natura nella quale è quotidianamente immerso.

Le provenienze dell'amore rappresenta una valida guida per orientarsi nell'universo del musicista britannico, l'autore racconta con onestà e coinvolgimento la figura di Nick Drake, le sue canzoni, i suoi luoghi e i musicisti che lo hanno influenzato.Questo libro può essere considerato un vero e proprio atto d'amore nei confronti del suo eroe musicale.

Dopo la sua morte avvenuta nel 1974, Drake è divenuto oggetto di culto, i suoi album sono ancora oggi venduti e considerati veri e propri classici, opere di una bellezza senza tempo. Ascoltare per credere.

Ecco la mia personale guida all'ascolto:

Day is done
River Man
Fruit Tree

da Five Leaves Left (1969)

Hazey Jane II
Northern Sky

da Bryter Layter (1970)

Place to be

da Pink Moon (1972)

Approfondimenti:

The Nick Drake Files, un vero e proprio apparato enciclopedico aggiornato e curato da alcuni appassionati svedesi. Probabilmente la più grande centrale informativa su Nick Drake.

Nickdrake.co.uk, altro sito molto completo, con tanti link interessanti, photogallery ed altro.

Francesco

Viaggio a Berlino

2011-10-05T17:30:00.003+02:00

La colonna della vittoria

A metà settembre ho avuto l’occasione di visitare Berlino, il viaggio non era programmato e forse anche per questo motivo ha riservato un bel po’ di sorprese. Mi preme dire subito che Berlino è una città meravigliosa, che ti lascia tante cose da raccontare. Il primo impatto con la città è stato l’aeroporto di Schonefeld dal quale si arriva facilmente al centro con i mezzi pubblici (sono circa trenta chilometri).
I mezzi pubblici. Due parole sulla rete di trasporti berlinese sono d’obbligo per chi non c’è mai stato e vorrebbe farlo. Berlino ha una metropolitana molto grande, la U-Bahn, integrata dalla linea dei treni di superficie, la S-Bahn. Queste due linee su rotaia coprono tutta la città e collegano Berlino con i suoi aeroporti. A completare la rete dei trasporti ci sono infine gli autobus e i tram. E’ possibile ( e molto semplice) pianificare i propri spostamenti anche prima della partenza utilizzando il sito dell’azienda di trasporto pubblico di Berlino, bvg.de, consultabile sia in tedesco che in inglese. Io l’ho usato trovandolo molto utile, peraltro i mezzi sono estremamente puntuali, soprattutto la metro.

Arrivato a Birkenstrasse, la strada in cui alloggiavo, a sole tre fermate di metro dal celebre Zoo, la prima cosa che mi ha impressionato è stata la massiccia presenza di alberi su ambo i lati della strada. Alberi alti anche venti metri ornano tutta la strada dall’inizio alla fine. Visitando la città nei giorni seguenti ho appurato che tutta la città è piena di alberi, le strade sono alberate in modo magnifico ed è quasi sempre possibile passeggiare all’ombra, sia a piedi che in bici, percorrendo le onnipresenti piste ciclabili. Si, perché ho scoperto pure che a Berlino la bici è un mezzo di trasporto come un altro, manager, impiegati in giacca e cravatta ed eleganti signore in tailleur utilizzano le ininterrotte piste ciclabili che collegano la città da un capo all’altro. Circostanza abbastanza sconvolgente per me che vengo dalla provincia casertana, dove le piste ciclabili, tranne poche e lodevoli eccezioni, sono ancora un miraggio. Figuratevi quando ho notato che tanti viaggiatori entrano con le loro bici fin dentro i treni, e che i treni hanno appositi alloggiamenti. Ammetto di aver provato invidia. Sana invidia per una civiltà diversa. Forse anche per questo motivo il traffico mi è sembrato più che tollerabile rispetto a quello di Roma, Napoli o Milano.

La East Side Gallery

Capitolo a parte meriterebbe il verde pubblico della città tedesca. Oltre gli alberi, onnipresenti, di cui ho già detto, Berlino è costellata di parchi pubblici attrezzati, sia di piccole dimensioni che di grandi o grandissime, come il Tiergarten, il parco pubblico più esteso della città, situato nel distretto di Mitte, proprio al centro della capitale tedesca.
C’è poi il capitolo monumenti, sul quale potrei si dire qualche cosa, ma nulla più di quanto potreste trovare in una buona guida. Numerosi sono i monumenti-simbolo come la Porta di Brandeburgo, la Colonna della vittoria, la Torre della televisione, che offre una vista a 207 metri d’altezza (è alta complessivamente 368 metri), senza dimenticare la East Side Gallery, il più lungo tratto di muro ancora in posizione originale. Oggi è una vera e propria galleria a cielo aperto con 105 dipinti realizzati da artisti di tutto il mondo. Detto ciò, i monumenti da elencare sarebbero ancora tantissimi, ma non è questa la sede. Certo che un monumento lo meriterebbe anche il Kebab berlinese ( per non parlare della birra …). Se dovessi trascorrerci un mese la prossima volta, ritornerei con un inestinguibile profumo ( si, profumo) di cipolla, ne sono sicuro. E poi il pane. Con mia grande sorpresa ho scoperto che a Berlino il pane è buonissimo e se ne può assaggiare davvero di ogni tipo.
Altra questione che tanti ignorano, è la massiccia presenza di ponti, pare che Berlino ne abbia più di Venezia ed Amsterdam. La capitale tedesca è infatti attraversata dal fiume Sprea e da numerosi canali che la rendono una vera e propria città d’acqua. D’acqua e d’alberi.

Dopo aver vissuto anche solo una settimana a Berlino ed essere tornati in Italia, al sud Italia, ci si rende conto davvero del motivo per cui la Germania è la migliore economia europea. Berlino è una città pulita, moderna ed efficiente, con una rete di trasporti invidiabile. Inoltre, pur avendo subito le conseguenze della seconda guerra mondiale e della guerra fredda, e scusate se è poco, la città è sempre ripartita alla grande. E’ probabile sia questa circostanza a renderla unica. Ogni quartiere ha infatti una sua fisionomia, è un misto di vecchio e nuovo in proporzioni diverse, piccole città nella città con caratteristiche architettoniche completamente differenti le une dalle altre.

Uno scorcio di Potsdamer Platz

Mirabile esempio di riqualificazione e architettura di alto livello è Potsdamer Platz, un’enorme area completamente rasa al suolo durante la guerra e abbandonata durante gli anni della guerra fredda. Dopo la riunificazione della Germania, Potsdamer Platz ha subito profondissimi interventi di restyling. La maggior parte dei terreni ivi situati furono acquistati, a seguito di una gara d’appalto, dalla Daimler e dalla Sony che incaricarono rispettivamente gli architetti Renzo Piano e Helmut Jan di costruire i loro centri, veri e propri gioielli architettonici. Quando si arriva a Potsdamer Platz provenendo che so, dall’Isola dei Musei, si prova una sensazione di straniamento, si vede un'altra Berlino, non più palazzi che si sviluppano per lo più in orizzontale, con lunghi colonnati, come il maestoso Altes Museum, ma grattacieli simmetrici, cupole in vetro e acciaio, insomma, tutta un’altra storia. Bella uguale però.

p.s. Avrei voluto aggiungere qualche link da Wikipedia ma non è stato possibile. Il sito è temporaneamente chiuso per protesta contro la cosiddetta legge bavaglio e il famigerato comma 29 (per i più pigri è a pag. 10), una vera e propria aberrazione giuridica che, se approvata, costringerebbe wikipedia e molti altri siti e blog, a chiudere. Per maggiori informazioni potete andare qui (articolo molto chiaro di Guido Scorza) e qui.

Qui invece, qualche foto del viaggio.

Fra

Sogno di una lettura in piena estate.

2011-09-13T16:25:00.001+02:00

Sapevo che quest’anno (come gli altri anni del resto) avrei letto poco nei giorni di piena estate, così in vacanza ho deciso di portare con me solo tre albi: All Star Batman e Robin, Sandman- Cacciatori di sogni e Superman terra uno.

Il primo albo, disegnato da Jim Lee (co-publisher della DC Comics) ma scritto dall’immenso Frank Miller, è stato oggetto di una lettura “automobilistica”, letto metà all’andata e metà al ritorno, rigorosamente in auto. Sandman è andato su tutto d’un fiato in spiaggia, il secondo giorno. Superman invece, nonostante la copertina parecchio minacciosa, si è goduto solo il viaggio nella bellissima Puglia.

Anche se il primo in ordine di lettura è stato il capolavoro di Miller, va data giusta precedenza e menzione al titolo di Neil Gaiman, sul quale vorrei soffermarmi.

Sandman - Cacciatori di sogni è un titolo molto particolare. Più che una grapich novel, va catalogato tra i libri illustrati, e, onde evitare fraintendimenti, cercherò di spiegare il perché di questa mia scelta. Il fumetto, scritto da Neil Gaiman e disegnato da Yoshitaka Amano, è strutturato come se fosse un libro vero e proprio. Le bellissime illustrazioni di Amano si alternano, pagina dopo pagina, alla sola parte scritta di Gaiman, accompagnando magistralmente le parole dello scrittore britannico e rendendo questo fumetto alquanto particolare.

La storia è ispirata ad una vecchia leggenda Giapponese: la volpe e il monaco. Un giovane monaco buddista accoglie nel suo piccolo tempio una giovane volpe mutaforma, animale capace di trasformarsi in una bellissima donna. I due protagonisti instaurano un legame pur sapendo che il loro è un affetto quasi surreale, addirittura impronunciabile. Alcuni demoni però, tramano nell’ombra e la vita del giovane monaco è in pericolo. La volpe cercherà di salvare la vita del suo amato spingendosi oltre il mondo reale, nelle terre dei sogni, dove chiederà aiuto al signore Morfeo (Sandman).

Il fumettista britannico da una impronta del tutto personale alla leggenda giapponese senza snaturare la storia originale. Leggere Gaiman vuol dire lasciarsi accarezzare da profumi soavi e leggeri, ci si abbandona in uno stato di trance, come se si vivesse tra il sogno e la veglia. La sua capacità di lasciare la mente libera ma al contempo assorta e desiderosa di sapere, è decisamente spettacolare. In questo fumetto, grazie anche ai disegni molto caratteristici dell’artista giapponese Amano, si avverte particolarmente il bisogno di lasciarsi trascinare nella storia, di sfogliare con irresistibile avidità pagina dopo pagina. Parte del merito va riconosciuto al già menzionato Yoshitaka Amano (ammetto che mi era sconosciuto, mea culpa), le cui tavole sono veri e propri dipinti capaci di condurti nel mondo dell'antico feudalesimo Giapponese. La loro intensità è tale da farti percepire la passione dei personaggi, il culto della religione, le ansie e l’amore dei protagonisti, i paesaggi tentano il lettore ad intraprendere viaggi nel Giappone più bucolico, lo inducono a mescolarsi con la cultura nipponica, e ad assimilare le particolari tradizioni del Paese del Sol Levante.

Sandman - Cacciatori di sogni è una lettura che sento di poter consigliare non solo agli amanti dei fumetti e a chi diffida di essi, ma anche a chi ama la lettura in generale. Gaiman, capace come sempre di trasmettere emozioni uniche, con la saga di Sandman esprime tutto il suo gran talento. In questo speciale dedicato al Signore dei Sogni, sfruttando pienamente le potenzialità dei disegni dell’illustratore giapponese (influenzato anche dall’art nouveau) ed utilizzando un linguaggio tenero ed essenziale, quasi poetico, riesce a catapultare il lettore in una dimensione parallela e ad avvolgerlo in una storia affascinante e mai banale, completa di sensazioni ed emozioni che solo Neil sa dare.

Alessandro "Koji" Ciasca.

Gli emo visti da Vasta.

2011-08-14T18:48:00.002+02:00

“Quando raggiungo piazza Politeama vedo gli emo: pierrot post-punk, abitanti di Gotham City, reminiscenze, tra sguardo e capelli, del Corvo Brandon Lee - un occhio coperto dalla frangia asimmetrica, l’altro libero e in affaticamento diottrico cerchiato con la matita nera, in alcuni segnato da una raggiera di trattini esclamativi a rimarcare che l’organo visivo sopravvissuto è in continuo malinconico stupore. Indossano cravattine a quadretti bianchi e neri su camicie a maniche corte viola o bordeaux, pantaloni aderenti e le Converse di vari colori; uno di loro ha delle manette al collo e altro metallo cromato in vita”.

Tratto da Spaesamento, di Giorgio Vasta, edito da Laterza nel 2010.

Di Giorgio Vasta ho già avuto occasione di parlare tempo fa, al termine della lettura de Il Tempo Materiale, il suo primo romanzo. Mi interessava riportare questo breve estratto per mostrare la sua scrittura e, in particolare, la descrizione di un esemplare della moderna fauna urbana, veramente notevole e indicativa del suo stile complesso e, qualche volta, ostico. Scrittore di grande erudizione, Vasta sfoggia una maestria fuori dal comune soprattutto nelle descrizioni, e in Spaesamento di descrizioni ce ne sono tante. Tre giorni a Palermo, sua città natale, riempiono le pagine di questo libro e la mente del lettore di parole, spesso difficili, inusuali, tuttavia potenti, esatte. Tre giorni in cui lo scrittore, osservando la città, “carotando” la sua realtà, ne scruta attentamente gli abitanti, prende coscienza dei cambiamenti, della perdita d’identità di un paese “spaesato” in cui il fantasma di Berlusconi – la semplificazione del reale che il termine porta dentro di sé - pervade ogni cosa, il linguaggio, l’immaginario collettivo, i discorsi da bar; descrivendo Palermo, Vasta descrive l’Italia intera, un paese rassegnato, senza rabbia, un’operazione “a somma zero”.

La lettura, devo dirlo, lascia addosso una leggera ma inestinguibile sensazione d’impotenza, uno spiacevole pessimismo difficile da mandar via.

Fra

Circolazione delle idee.

2011-08-11T17:38:00.000+02:00


Thomas Jefferson

“Chi riceve un’idea da me ricava conoscenza per sé senza diminuire la mia; come chi accende la sua candela con la mia ricava luce senza lasciarmi al buio”.

Thomas Jefferson, citato da Chris Anderson in Gratis, Rizzoli, 2009.

Robert Louis Stevenson

2011-08-07T19:39:00.001+02:00

"I romanzi non incatenano il lettore a un dogma che scoprirà poi essere fallace, né gli impartiscono una lezione che dovrà successivamente dimenticare. Essi ripetono, riassestano e chiariscono le lezioni della vita, ci liberano da noi stessi, ci costringono a conoscere gli altri e ci mostrano la trama dell'esperienza come non riusciamo a vederla con i nostri occhi, ma attraverso un'altra prospettiva che, per una volta, non è il nostro ego, mostruoso distruttore. Per fare questo, essi devono essere ragionevolmente fedeli alla commedia umana".

Robert Louis Stevenson, I libri che mi hanno influenzato, tratto da Con due libri nella tasca (p. 35-36), Edizioni Spartaco, 2008, con introduzione di Antonio Pascale.


Robert Louis Stevenson ( (1850-1894)

Fra

Nel mondo dell’Infame: intervista a Massimo Spiga e Francesco Acquaviva

2011-08-02T13:57:00.005+02:00

La visione cinica e cruda di una società italiana sempre più allo sbando, vittima consapevole dei propri reggenti avvoltoi. "Made in Italy - L'infame" è una graphic novel ricca di spunti di riflessione su temi attuali, pubblicata prima dalla Hybris Comics e adattata ora in versione digitale per Ipad, disponibile nella sezione Libri dell'App Store.

Ho intervistato gli autori della graphic novel, lo scrittore Massimo Spiga e il disegnatore Francesco Acquaviva, irriverenti e politicamente scorretti. L'intervista è molto interessante perché mostra i possibili scenari futuri in campo fumettistico.

Ecco un estratto dell'intervista realizzata per LoSpaziobianco.

Con il fumetto "Made in Italy - L'Infame" è iniziata una collaborazione con la MeLeto Software, che renderà presto disponibili le vostre graphic novel sull'App Store dell'iPad. Da cosa nasce questa scelta e cosa pensate di questa nuova veste digitale del fumetto?
Massimo Spiga: Made In Italy è sempre stato un fumetto digitale. Fin dal concepimento, è rimasto un mucchio di elettroni impazziti che rimbalzano tra i circuiti di un computer. E' stato pubblicato per la prima volta dalla (pionieristica, in molti sensi) Hybris Comics, nel 2006, in formato PDF. Ora torna più bello, più ricco ed è proposto per una piattaforma che si adatta bene alla lettura di fumetti. Penso siano questi fatti ad aver spinto la MeLeto a contattarci. Il risultato mi sembra ottimo: al contrario delle pubblicazioni cartacee, i tablet offrono l'opportunità di mostrare i fumetti esattamente come gli artisti li hanno concepiti. Ormai sono in pochi a lavorare con carta e matita. Gran parte della produzione artistica, in generale, avviene su uno schermo. Ora i lettori potranno vedere le tavole nella loro forma "pura" e ideale, senza la mediazione di un foglio di carta. Platone ne sarebbe orgoglioso.

Perché questa scelta ancora più radicale della ripubblicazione? E quanto ha cambiato il modo di pensare alla storia e alla sceneggiatura?
MS: Dal mio punto di vista, il fumetto elettronico è da considerarsi un media separato rispetto a quello cartaceo. Col tempo troverà un suo specifico tecnico e narrativo. Per ora ha trovato una voce, ma non un'anima. Sono stati fatti soltanto tentativi (piuttosto "conservatori" e cauti) di trasporre una storia a fumetti in modo che sia fruibile su uno schermo. In questo senso, Made in Italy non è una sperimentazione spericolata e non sfrutta tutte le potenzialità del mezzo. E' un anello di congiunzione tra il vecchio Topolino ingiallito che hai in cantina ed il Turbo-Fumetto del Futuro, ipercinetico e multidimensionale, che vediamo all'orizzonte. Per questo, è stato prodotto in maniera analoga ai suoi fratelli di carta, senza pesanti influenze dovute alla sua forma elettronica.

Avete già dei primi riscontri della vendita digitale di Made in Italy? Inoltre, questa graphic novel e le altre, sono in uscita solo per iPad o anche per altri Tablet?
MS: Made in Italy ha esordito al secondo posto nella classifica delle nuove applicazioni della sezione Libri. Poi è migrato tra le applicazioni Nuove e Consigliate dalla Apple. Al momento, è settimo tra i libri più venduti nell'App Store, parecchie posizioni sopra l'unico titolo che riconosco, cioé Diabolik. L'App Store è ancora un mercato elitario in Italia, certo, ma il risultato è positivo. Spero che la MeLeto produca al più presto un Made in Italy per gli altri tablet (ed anche una per il vostro cellulare, computer, lavatrice e frigorifero, se è per questo). Credo che sia una questione di tempo, dovuta ad ostacoli tecnici più che ad una mancanza di attenzione. Non abbiamo alle spalle una grossa organizzazione: siamo un mucchio di visionari dall'aria sospetta che parla in strane lingue nel deserto. Ci sono avvoltoi sopra le nostre teste. Ma non abbiamo timore. Noi ci nutriamo di avvoltoi.

Le grandi case sembrano ancora titubanti sulla scelta del fumetto digitale e molti appassionati lettori asseriscono che la bellezza del cartaceo non potrà mai essere rimpiazzata. Pensate che il digitale possa essere una opportunità, una sorta di nuovo corso per la storia della nona arte, oppure credete anche voi che ci sia ancora bisogno di muoversi coi piedi di piombo?!
MS: Non sarà di certo un "nuovo corso". Se il fumetto è un albero che cresce, quello elettronico sarà un nuovo ramo che si svilupperà per i fatti suoi. E' vero che la bellezza del cartaceo non può essere rimpiazzata, ma è assurdo pensare che il fumetto elettronico voglia farlo. L'obiettivo è aumentare e differenziare la quota globale di bellezza, non usurpare il trono delle pubblicazioni tradizionali. La carta e gli schermi possono procedere in parallelo. Le grosse case editrici ci arriveranno un passo alla volta. Sarebbe folle gettarsi a peso morto in una forma di fruizione del fumetto che non ha ancora una forma definita ed un pubblico consolidato. Se il mercato del fumetto elettronico non prendesse piede, io e Francesco rischieremmo di aver perso un pò di tempo e sprecato qualche incazzatura, mentre un mammuth come la Bonelli rischierebbe di far perdere il posto di lavoro a svariate decine persone.

Si fa tanto parlare ultimamente del ruolo dell'editore oggi, non sempre all'altezza dei bisogni di autori e lettori: questa è una terza via rispetto all'editoria e all'autoproduzione?
MS: Non saprei. Seppur eccentrico rispetto agli editori tradizionali, il CEO della MeLeto è pur sempre un editore e svolge tutte le funzioni classiche di questo ruolo. Se parliamo specificamente del fumetto su tablet, c'è una forte "selezione all'ingresso". Non tutti sanno programmare un applicazione per cellulare. Chi non lo sa fare, deve proporsi ad un editore, seppur un editore più cyberpunk della norma, e seguire il solito iter. E' anche vero che gli autori di fumetto ed i lettori che si dedicano alle pubblicazioni di questo tipo sono per ora pochi, quindi la scena è meno affollata di quella cartacea. Io la considero una frangia lunatica dell'editoria, più che di una forma nobilitata di autoproduzione.

L'intervista continua qui su LoSpazioBianco

Koji (Alessandro Ciasca)

Lamento di Portnoy, Woody Allen e associazioni di idee.

2011-07-29T14:45:00.000+02:00

Qualche tempo fa, dopo aver visto Manhattan (1979), il celebre film diretto da Woody Allen, la mente è corsa con naturalezza ad un libro letto nel 2008, Lamento di Portnoy di Philip Roth. Come nasce questo legame?
In realtà Philip Roth e Woody Allen sono molto simili, trattano tematiche affini e affrontano spesso le stesse questioni. Entrambi sono ebrei americani ed entrambi, in alcune opere, hanno criticato l'educazione e le tradizioni ebraiche, soprattutto le numerose imposizioni e la chiusura del microcosmo ebraico-americano svilippatosi in America nel secondo dopoguerra. Epperò, pur criticando questa società chiusa, dimostrano comunque un attaccamento alle tradizioni che dileggiano nelle loro opere, e la loro critica si dirige parimenti verso l'antisemitismo latente riconducibile in gran parte alla borghesia cattolica e protestante americana.Comunque, il parallelismo Roth-Allen necessiterebbe di ulteriori approfondimenti che non intendo fare in questa sede. Peraltro, a proposito di lamenti, il tono del personaggio interpretato da Allen di Manhattan è innegabilmente - a tratti - pedante e lamentoso. E' il tono di un personaggio pieno di dubbi e paure. Altro legame tra le due opere.

Woody Allen e Mariel Hemingway in una scena di Manhattan

Detto questo, la battuta che ha dato causa all'associazione di idee è riconducibile ad Isaac Davis, uno dei protagonisti di Manhattan.
Isaac, durante una conversazione, confessa di aver scritto un racconto sulla madre intitolato "La sionista castrante". Da qui la mente è volata al primo capitolo del Lamento di Roth, in cui Alexander Portnoy, seduto sul lettino dello psichiatra, racconta la sua vita partendo proprio dal tormenato rapporto con la madre ("il personaggio più indimenticabile che ho conosciuto"), donna tuttofare che controllava in maniera ossessiva la vita del piccolo Alex, disseminando qua e là infinite regole e veti di ogni tipo. I "Non fare questo", "non fare quello", "attento-a", e simili, avevano instillato nel giovane un senso terroristico della vita cui Alex attribuisce le sue incertezze da adulto. Non solo. La rigida educazione ricevuta induce Alex a rifugiarsi nel sesso sfrenato e perverso, senza riceverne alcuna gratificazione. Anzi. Senso di colpa, senso di colpa schiacciante e timore di espiazione. Alex entra ed esce da storie con ragazze rigorosamente non ebree come a voler prendersi gioco della castrante educazione ricevuta, sfidandola ogni giorno. Però non funziona, perchè inconsciamente egli subisce l'influenza del suo ambiente di nascita, non trova pace, nè stabilità di alcun tipo. La sua vita è un perenne contrasto tra l'altruismo e la grande intelligenza di un uomo di successo (Alex è un importante funzionario del comune di New York) e i violenti impulsi sessuali che alzano continuamente l'assicella della perversione e dell'ossessione.

Il Lamento di Portnoy è un vero e proprio fiume in piena che fa ridere e pensare mediante un linguaggio esplicito e disinibito, un bombardamento di parole travolgenti sottoforma di sfogo e invettiva nel quale ad un certo punto si rischia di affogare. Pubblicato nel 1967 (anno magico per tanti motivi) destò scalpore per le tematiche trattate e per il contenuto "trasgressivo". Certo oggi con tutta questa trasgressione a buon mercato (spesso gratuitamente volgare e di infimo livello) non costituirebbe una novità nel panorama letterario, ma il suo linguaggio intelligente, il suo tono sospeso tra il disperato e il comico-grottesco e la sapienza stilistica di Roth ne fanno tuttora un capolavoro.

Fra

Open

2011-07-05T10:42:00.000+02:00

Rieccomi dopo quasi due mesi di assenza da questo blog. Assente ma non inattivo, non ho mai smesso di leggere, naturalmente. Ho letto e riletto cose diversissime, da Roth ad Agassi passando per Russell (Bertrand). Ci tengo a dire qualcosa sul libro di Andre Agassi, Open, edito da Einaudi ed uscito in libreria da circa due mesi perché è stato una vera e propria sorpresa, l'ho divorato e lo consiglio a tutti. E' un racconto che trasuda umanità e sincerità e, peraltro, mi è sembrato davvero ben scritto.

La storia comincia dalla fine. Siamo agli US Open del 2006, Agassi gioca contro Marcos Baghdatis, il match potrebbe essere l’ultimo della sua carriera. Da qui si dipana il filo dei ricordi: parte dal rapporto col padre, suo primo allenatore, passando per i suoi due matrimoni, quello frettoloso con Brooke Shields e quello con Steffi Graf, suo grande amore e madre dei suoi figli, senza dimenticare gli amici.
Come tanti professionisti dello sport, anche Agassi ha iniziato prestissimo, praticamente costretto da un padre-tiranno che aveva già scelto il suo destino: numero uno del tennis mondiale, a tutti i costi.
Durante una partita di ping-pong, il padre Mike si accorge che il suo bambino segue la palla muovendo solamente gli occhi, senza il minimo movimento della testa. Qualcosa scatta in lui. È consapevole del talento del figlio, ma sa che il talento da solo non basta, è necessaria la fatica, la disciplina e la dedizione per essere i primi al mondo. Così la vita della famiglia Agassi comincia a scorrere in funzione di quest’obiettivo. Perfino la scelta dell’abitazione ha un ruolo chiave: la casa deve avere lo spazio necessario per costruirci un campo da tennis in cui allenare Andre. Quel campo, costruito metro per metro dal padre, diventerà la sua prigione.

"Papà dice che se colpisco 2500 palle al giorno, ne colpirò 17.500 alla settimana e quasi un milione in un anno. Crede nella matematica. I numeri, dice, non mentono. Un bambino che colpisce un milione di palle all’anno sarà imbattibile."
Queste poche righe sono emblematiche e non richiedono altre spiegazioni. C’è però una contraddizione che Agassi mette subito in chiaro: "Gioco a tennis per vivere, anche se odio il tennis, lo odio di una passione oscura e segreta, l’ho sempre odiato". Questa confessione, fatta quasi in apertura, costituisce il filo conduttore dell’odissea di un professionista in grado di vincere 896 match in carriera, 60 tornei ATP, 8 Slam. Unico giocatore nella storia a vincere i quattro più importanti tornei dello Slam, la medaglia d’oro alle Olimpiadi, il torneo ATP World Championship e la Coppa Davis. Insomma, non uno qualunque.
La disciplina ferrea che il padre gli impone, fatta di allenamenti interminabili contro il “drago” sparapalle, da un lato fa crescere nel giovane Andre l’odio per il tennis, e dall’altro lo rende una macchina che a 9 anni non solo non ha ancora perso un match, ma riesce a battere senza difficoltà l’incredulo ex campione di football americano Jim Brown, incontrato per caso in un campo d’allenamento. Il racconto procede con precisione, apparendo di una sincerità disarmante. E’ come se tutta la verità che Agassi ha tenuto per sé in anni di interviste preconfezionate, in cui raccontava solo ciò che i giornalisti volevano sentirsi dire, sia stata riversata in queste pagine come una liberazione.
Il tennista di Las Vegas ripercorre – aiutato dal Pulitzer J. R. Moehringer, verso il quale ha un debito di riconoscenza – numerosi match della sua carriera, ricordando soprattutto le interminabili sfide con la storica nemesi Pete Sampras. Di ogni avversario Andre porta con sé un ricordo, il dolore di una sconfitta, la fatica per la conquista di un punto o un particolare stato d’animo. Si percepisce la grande pressione alla quale si sente sottoposto e la solitudine di uno sport in cui due atleti si sfidano, restando per ore in un rettangolo di gioco, soli con i propri pensieri.
Molto sentite ed emozionanti le pagine dedicate a Gil e Brad, preparatore atletico il primo e coach il secondo, due figure di cruciale importanza sia da un punto di vista sportivo che umano per Agassi. Rovinose cadute ed entusiasmanti risalite hanno caratterizzato sia la vita che la carriera di questo campione insicuro e generoso, che ora dedica gran parte del suo tempo all’altro suo grande progetto: l’Andre Agassi College Preparatory Academy, una scuola per preparare i ragazzi di strada all’università. Andre ha realizzato, con l’aiuto di amici, un campus da 40 milioni di dollari in un uno dei quartieri più poveri e difficili di Las Vegas, dando la possibilità ai bambini del quartiere di ricevere un’istruzione qualitativamente elevata in grado di condurli fino all’università.
In definitiva, questa parziale autobiografia suscita curiosità ed empatia perché mette a nudo le incertezze e le contraddizioni di uno dei più grandi tennisti di sempre, mostrandoci da vicino l’uomo che per tanti anni si è nascosto dietro l’atleta.

Questa recensione è stata pubblicata anche qui.

Carver e la scrittura.

2011-04-30T19:10:00.000+02:00

Carver in buona compagnia.

Una volta ho sentito Geoffrey Wolff dire a un gruppo di aspiranti scrittori :" Niente trucchi da quattro soldi". Ecco un'altra frase che dovrebbe andare su un cartoncino sei-per-dodici. Anzi, io la correggerei un po': "Niente trucchi". Punto. I trucchi non li sopporto. Quando leggo narrativa, al primo segno di trucco o di trovata, non importa se da quattro soldi o elaborata, mi viene istintivo cercare riparo. In definitiva i trucchi sono noiosi e io tendo ad annoiarmi facilmente, cosa che potrebbe avere a che fare col breve periodo di attenzione di cui sono capace. [...]. Gli scrittori non hanno bisogno di ricorrere a trucchetti e trovatine né sta scritto da nessuna parte che debbano essere sempre i più in gamba di tutti. A costo di sembrare sciocco, uno scrittore a volte deve essere capace di rimanere a bocca aperta davanti a qualcosa, qualsiasi cosa - un tramonto o una scarpa vecchia - colpito da uno stupore semplicemente assoluto.

Troppo spesso lo "sperimentalismo" viene usato come una specie di licenza per scrivere in modo sciatto, sciocco o mimetico. O, peggio ancora, una licenza per tentare di brutalizzare e alienare il lettore [...].

Bisogna tenere presente che in narrativa la vera sperimentazione dovrebbe essere originale, conquistata con fatica e motivo di soddisfazione. [...] I veri sperimentatori devono RENDERE TUTTO NUOVO, come consigliava Pound, e in questo processo devono scoprire le cose da soli. Ma, a meno che non siano usciti di senno, devono anche voler rimanere in contatto con noi, portare a noi notizie dal loro mondo.

In una poesia o in un racconto si possono descrivere cose, oggetti comuni usando un linguaggio comune ma preciso, e dotare questi oggetti - una sedia, le tendine di una finestra, una forchetta, un sasso, un orecchino - di un potere immenso, addirittura sbalorditivo.

Questi stralci sono estratti dal saggio "Il mestiere di scrivere" di Raymond Carver, contenuto nel volume "Voi non sapete che cos'è l'amore". Il libro, uscito nel 1984 e pubblicato in Italia da Minimum Fax nel 2001, delinea la figura di questo grande scrittore attraverso saggi, poesie e racconti.
Nei primi saggi, Carver mostra il suo sincero punto di vista sulla scrittura e sul mestiere di scrivere, parla degli inizi, delle difficoltà della sua famiglia e del suo maestro, John Gardner, verso il quale nutre un debito di riconoscenza.
E' un libro che, da un lato, delinea i tratti rappresentativi dell'uomo e dello scrittore, dall'altro è ricco di consigli sullo scrivere racconti e sui meccanismi che innescano una buona scrittura, raccontati mediante esperienze personali ed aneddoti riguardanti altri scrittori come Flannery 'O Connor e Checov ; mai con tono saccente o con aria da trombone.
Una meraviglia il primo racconto, "Vita di mio padre", tenero e pieno di un'affetto autentico, non ostentato.
Dalla lettura emerge un uomo che ha amato profondamente il suo lavoro, un narratore talentuoso, consapevole che "le parole sono tutto quello che abbiamo, perciò è meglio che siano quelle giuste, con la punteggiatura nei posti giusti in modo che possano dire nel modo migliore quel che devono dire".

Ulteriore nota personale: Carver non l'ho amato subito, c'ho messo un po' ad entrare nel suo mondo, ma poi mi ha conquistato, devo ammetterlo. Ora gli sono affezionato. Mi piace la sua sincerità, la cura per i dettagli e per il lettore, gli attacchi dei suoi racconti. Spero di leggerne ancora tanti, ma senza fretta.

P.s. ( 2 Maggio 2011) - Del volume esiste anche un'altra versione, senza i tagli dell'allora editor di Carver, Gordon Lish, pubblicata da Einaudi nel 2009 e intitolata Principianti (titolo originale Beginners).
A tal proposito Tess Gallagher , sua compagna per anni e infine sposa, ricorda in un 'intervista che :"Ray fu per anni vittima dell' implacabile forbice imposta dal suo editor, Gordon Lish - spiega -, che dimezzò il manoscritto di Di cosa parliamo quando parliamo d' amore, cambiando titoli e riscrivendo pagine intere. Lish ha stravolto non solo la prosa - aggiunge -, ma anche il tono e l' anima del libro".
Detto questo, la mia curiosità è arrivata a livelli estremi e dunque approfondirò la vicenda. Seguiranno sviluppi su questo blog.

Fra

Racconti di calcio.

2011-04-22T12:37:00.000+02:00

L'universo calcistico è stato attraversato nel tempo da personaggi di ogni tipo. Alcuni sono diventati celebri non tanto, o non solo, per le imprese sportive che li vedevano protagonisti, ma per i loro modi di dire, per l'atteggiamento fuori dal campo, insomma per il loro essere diversi da tanti colleghi calciatori e allenatori. Penso a Boskov, Trapattoni, Mazzone, solo per fare qualche esempio tra gli allenatori. Ci sono stati calciatori eroici, uomini simbolo per intere generazioni, sportivi che hanno segnato per sempre il nostro immaginario sportivo. Dino Zoff, Gaetano Scirea, Sandro Mazzola, Diego Armando Maradona.
Un gradino più sotto ci sono gli eroi per un giorno, quei calciatori poco conosciuti, bravi ma sempre nell'ombra, protagonisti casuali di un 'impresa, una singola impresa. E poi ci sono le pippe colossali, le immense fregature, i calciatori che, giunti nel nostro paese, non sono riusciti a dimostrare il loro valore.
Per fare qualche nome, mi viene in mente lo strapagato Quaresma, condannato dalla sua "trivela", oppure, andando un po' indietro nel tempo, Ibrahim Ba del Milan, William Prunier del Napoli, soprannominato da me e i miei amici "il palo", per la sua limitatissima mobilità. Ce ne sarebbero da ricordare, ma mi fermo qui. Anche perché non è di questo che volevo parlare, ammetto di aver sconfinato un po'.

Quello di cui volevo parlare è un libro - uscito nel 2010 per le Edizioni Spartaco - intitolato "Per segnare bisogna tirare in porta", lapidaria risposta che Vujadin Boskov diede al giornalista che gli chiese di commentare lo zero a zero della sua squadra. E' stato chiesto agli autori ( il libro contiene tredici racconti ) di raccontare - da tifosi - la storia di un calciatore al quale sono particolarmente affezionati, un mito calcistico immortale oppure l'eroe di un momento. Il risultato è questa raccolta, piena di curiosità e aneddoti personali sul rapporto tra gli autori e il calciatore scelto per il racconto, un insieme di storie diverse tra loro, accomunate unicamente dalla passione di chi le narra. C'è un racconto sul quale vorrei dire due parole, un racconto emozionante sul grande centrocampista della Roma Agostino di Bartolomei, calciatore atipico dotato di visione di gioco e gran tiro, dal carattere timido e introverso. Uno che fuori dal campo leggeva Dostoevskij e amava la pittura, uno che voleva fare l'allenatore ma non ha avuto il coraggio di chiedere. Morì suicida nel 1994 sparandosi dritto al cuore con una Smith & Wesson calibro 38, a dieci anni esatti dalla finale persa ai rigori dalla sua Roma contro il Liverpool. Ma il racconto - La sezione aurea (1) di Agostino di Bartolomei - non è solo questo.C'è dentro la sua storia, il rapporto con Niels Liedholm, l'allenatore che ne inventa letteralmente il ruolo, tra la difesa e il centrocampo, c'è il suo carattere; infine c'è il tiro, o meglio la rappresentazione del suo tiro. La sagoma di un uomo con il piede sinistro lievemente appoggiato al suolo, il destro proteso in avanti ad imprimere forza alla sfera e le braccia nella direzione opposta, il pugno destro chiuso, stretto, i lineamenti contratti. E' un'immagine che da l'idea della perfezione, basta fermarsi a guardarla e si comprende come mai sia diventata l'icona di Agostino di Bartolomei.

La raccolta contiene anche altri racconti che meriterebbero qualche parola. Ad esempio quello su Alexi Lalas, mitico calciatore americano con sogni da rockstar, che vestì la maglia del Padova negli anni novanta, scritto da Athoz Zontini; "Heroes (Just for one day)" in cui Gianliuca Morozzi racconta Sergio Volpi, eroe per un giorno e "La Palla del Negro" in cui Maurizio de Giovanni ci porta a Città del Messico, nel 1986, facendoci rivivere con il suo sguardo appassionato, l'epica cavalcata di Maradona contro l'Inghilterra.
Mi verrebbe da ricordarne altri, ma a questo punto non mi resta che consigliarvi di leggere il libro. Chi volesse saperne di più, ho parlato di questa raccolta anche qui.

(1) Per saperne di più sulla sezione aurea potete andare qui.
Fra

Il tempo per leggere.

2011-04-14T15:21:00.000+02:00

"Si, ma a quale dei miei impegni rubare quest'ora di lettura quotidiana? Agli amici? Alla tivù? Agli spostamenti? Alle serate in famiglia? Ai compiti?
Dove trovare il tempo per leggere?
Grave problema.
Che non esiste.
Nel momento in cui mi pongo il problema del tempo per leggere, vuol dire che quel che manca è la voglia. Poiché, a ben vedere, nessuno ha mai tempo per leggere. Né i piccoli, né gli adolescenti, né i grandi. La vita è un perenne ostacolo alla lettura.
"Leggere? Vorrei tanto, ma il lavoro, i bambini, la casa, non ho più tempo...".
"Come la invidio, lei, che ha tempo per leggere!".
E perché questa donna, che lavora, fa la spesa, si occupa dei bambini, guida la macchina, ama tre uomini, frequenta il dentista, trasloca la settimana prossima, trova tempo per leggere e quel casto scapolo, che vive di rendita, no?
Il tempo per leggere è sempre tempo rubato (come il tempo per scrivere, d'altronde, o il tempo per amare).
Rubato a cosa?
Diciamo, al dovere di vivere.
[...]
Il tempo per leggere, come il tempo per amare, dilata il tempo per vivere".

da Come Un Romanzo di Daniel Pennac, Feltrinelli.

La strada – Cormac McCarthy

2011-04-09T19:00:00.000+02:00

La strada, un titolo che dice già tanto. La strada evoca il cammino, un viaggio, la strada può essere quella della vita o parte di essa. La strada può essere la vita stessa. Possiamo percorrerla da soli o con qualcuno. Nel romanzo di McCarthy, edito da Einaudi e meritevole del Pulitzer nel 2007, un padre e suo figlio percorrono la strada che attraversa un mondo alla fine dei suoi giorni, un luogo morto, distrutto da un’immensa catastrofe di non specificata entità, alla quale pochissimi sono sopravvissuti. Tra questi, un bambino e suo padre. I due sono in cammino lungo la strada che li porterà verso una possibile salvezza, in una situazione che sembra offrire poche speranze; intraprendono il viaggio a piedi con poche cose, la loro vita è tutta nel carrello da supermercato che faticosamente si trascinano dietro. I giorni passano tutti uguali, scanditi dalla ricerca di cibo tra le rovine coperte di cenere di quelle che un tempo erano abitazioni e le gelide notti trascorse sotto un telo di plastica tra coperte logore. In una tale desolazione emerge il rapporto tra il bambino e suo padre, un uomo pronto a tutto pur di difenderlo dai predoni che vagano in cerca di cibo e vestiti. "Noi siamo i buoni perché portiamo il fuoco, vero papà? " chiede più volte il bambino. Il fuoco, elemento che in questo romanzo riveste un’importanza vitale, assieme all’acqua rappresenta lo spazio che separa la vita dalla morte: senza il fuoco non si resiste alle notti fredde. Il fuoco come elemento simbolico di conoscenza e civiltà portato lungo la strada da padre in figlio, a rappresentare l’eterna continuità della vita.
McCarthy ha una grande capacità di evocare e rappresentare visivamente ciò che scrive, riesce letteralmente a farci vedere ciò che accade, le scene descritte sembrano prendere vita, al punto che potremmo considerare il romanzo una sceneggiatura. Il paesaggio cinereo, gli alberi morti, i cadaveri lungo il cammino. La desolazione è totale, soffocante, in alcuni momenti si percepisce la silenziosa disperazione del padre, la paura che qualcuno possa trovarli e coglierli di sorpresa; il padre, colui che ha il compito di proteggere il bambino e prepararlo al momento in cui sarà da solo. Eppure è la speranza a tenere vivo il racconto, speranza inestinguibile che spinge i due protagonisti a cercare la vita quando sembra non esserci, speranza che esce dalle pagine ed entra nel lettore consentendogli di provare empatia per un uomo e suo figlio.

La sapienza di McCarthy consiste nell’essere riuscito a scrivere una storia con due soli personaggi principali e pochi altri secondari che appaiono fugacemente durante la narrazione, tenendo alto il pathos dell’intera vicenda. Il tutto con una grande poesia, toccante ma non melliflua, commovente ma non artificiosa. Infine due parole sui dialoghi, asciutti e serrati, composti da poche parole, senza i due punti e le virgolette, brevi, ma profondi.

La strada è un libro che rileggerei altre dieci volte tanto è bello. La sua non è una bellezza rassicurante ma oscura, che ti avvolge in un abbraccio soffocante dal quale è difficile uscire, per un attimo il mondo ti sembra davvero così, bruciato, reso cadavere inerte da immense esplosioni atomiche, sempre grigio e livido di pioggia. Poi guardi fuori dalla finestra e c’è il sole, è una bella giornata di primavera e ti rendi conto che l’apocalisse può ancora aspettare.

Fra

p.s. Ho aggiunto un nuovo elemento al blog, compare sotto ogni post e serve a visualizzare gli articoli correlati. E' in fase sperimentale. Se mi convince lo tengo.

Questa recensione è stata pubblicata anche qui --->http://cittadelmonte.info/2011/04/08/la-strada-di-cormac-mccarthy/#axzz1J2ck9nmO , con un finale diverso.

Il Portaborse, per la serie: film che hanno vent'anni e sembrano girati oggi

2011-04-07T19:03:00.000+02:00

Il Portaborse, di Daniele Luchetti, con Nanni Moretti e Silvio Orlando, è un film girato nel 1991, incentrato sulla storia del ministro Cesare Botero e del suo collaboratore, il professore di lettere Luciano Sandulli, interpretato dal bravissimo Silvio Orlando. Il film racconta la storia di un'Italia corrotta e cinica, arrivata oramai alla fine della prima repubblica. Cesare Botero (Nanni Moretti) è un ministro nel pieno della sua carriera, un abile trasformista, cinico fino al midollo, corrotto ma apparentemente pulito, un uomo scaltro e opaco, ascrivibile alla peggiore categoria nel bestiario della politica italiana.
Verrebbe da dire: un classico uomo politico. Poi per carità, anche in politica ci sono i "diversi" (bisogna cercarli bene ma ci sono), ma sono sempre meno. Ecco, sto divagando, lo so. Sono partito col film e sto andando a finire sulla politica in generale. E' che non ci posso fare niente, ovunque mi giri c'è la politica, mi affaccio al balcone e vedo un buco nella strada fuori casa mia, rientro e in tv ci sono Gasparri e Larussa che pontificano a tutte le ore , ormai sono le figurine di un presepe. Ritorno a studiare e penso a cosa farò quando avrò finito di studiare ed ecco ritornata la politica. La politica è dovunque, altro che non parliamo di politica. Ritornando al film, a me è piaciuto e ne consiglio la visione.
Notevole Nanni Moretti nei panni del ministro delle partecipazioni statali e Silvio Orlando nella parte del candido professore di lettere. La scena linkata sopra è l'emblematica caricatura ( a pensarci bene mica tanto caricatura ) di un paese, o almeno di parte di esso: persone che si recano dal politico di turno a chiedere favori. E' una scena grottesca, esagerata, ma la nostra realtà, da questo punto di vista riesce sempre a sorprenderci.

Fra

L'istantanea di una generazione, Il tempo di Woodstock di Assante e Castaldo.

2011-02-18T15:56:00.000+01:00

Cosa resta di Woodstock dopo più di quarant’anni? Per chi oggi ha vent’anni il nome Woodstock evoca probabilmente la grande folla di un concerto, il termine è oramai entrato nell’immaginario collettivo come stereotipo di una immensa distesa umana. Se solo questo è quello che resta, qualcosa deve essersi perso per strada. Il Tempo di Woodstock si propone di raccontarci questo qualcosa, di riempire il vuoto formatosi nel tempo e spiegarci l’evento Woodstock a tutto tondo per spazzare via i pregiudizi e restituircene un’immagine meno sfocata e sbiadita. L’obiettivo degli autori è quello di rompere il velo di superficialità che aleggia intorno al festival di Woodstock, cercando di chiarirne la portata quale avvenimento culturale arrivato al culmine della controcultura degli anni sessanta. E per fare questo, gli autori dedicano interi paragrafi al contesto storico, alla nascita del movimento Hippy, agli anni sessanta, decade certamente piena di contraddizioni nella quale la musica migliore era anche la più venduta. A Woodstock si riunirono le migliori menti musicali del momento per l’evento che avrebbe rappresentato l’istantanea di una generazione, la dimostrazione che quasi un milione di persone poteva convivere pacificamente per tre giorni ascoltando musica, nonostante un’organizzazione pionieristica e numerose circostanze avverse come la scarsità di cibo e acqua e la pioggia.

Il mondo stava a guardare questa enorme massa di persone che proveniva da ogni angolo dell’America per assistere ad un concerto che diventò gratuito ancor prima di cominciare, un concerto nel quale la sicurezza non era dotata di armi e si faceva chiamare “Please Force”. Tutti gli osservatori si aspettavano un imminente disastro per poter esprimere il loro stucchevole “ l’avevamo detto” nei confronti di un avvenimento in cui troppi erano i valori contro-culturali in gioco: il comunitarismo, il rifiuto della guerra, le droghe, la differente morale sessuale. Il movimento Hippy non si proponeva di cambiare la società, quanto di costruire un’altra società, al di fuori di quella “ufficiale”, fondata su valori differenti. Va da se che ciò spaventava l’establishment.

Veniamo brevemente alla struttura del libro.

Dopo gli indispensabili paragrafi d’apertura, utilissimi ad introdurre il lettore nell’atmosfera di quegli anni complessi e pieni di capovolgimenti, comincia il racconto del festival. Racconto che già di per se è il romanzo di formazione di una generazione. Scopriamo che Woodstock affondava le sue radici in altri due raduni, il Festival di Monterey e lo Human Be-In, entrambi del 1967. Questi due avvenimenti gettarono i semi per la nascita della leggenda e furono i primi mattoni della Woodstock Nation, come fu chiamata la popolazione che due anni dopo riempì la fattoria di Max Yasgur. Scopriamo anche che il festival non si svolse a Woodstock ma a Bethel, piccola cittadina della contea di Sullivan, stato di New York.

L’inizio della storia ha assunto i contorni della leggenda. Michael Lang, già organizzatore di alcuni concerti di piccole proporzioni, vuole costruire uno studio di registrazione a Woodstock, un’area attorno alla quale ruotavano Dylan, Janis Joplin, Richie Havens e altri artisti. Contatta così Artie Kornefeld, già discografico dal discreto successo, e i due decidono che sarebbe bello inaugurare lo studio con un concerto. Il sogno diventa realtà quando Lang e Kornefeld incontrano quelli che saranno i loro finanziatori, John Roberts e Joel Rosenman. “Giovani con un capitale illimitato cercano interessanti, legittime opportunità di investimento e proposte d’affari”: era questo il biglietto da visita di Roberts e Rosenman, un annuncio quantomeno bizzarro pubblicato sul New York Times.

Comincia così il racconto che si concluderà all’alba del Lunedi 18 Agosto 1969, quando Jimi Hendrix, davanti ad una folla che andava pian piano diminuendo dopo più di tre giorni di musica e fango (aveva piovuto due volte), suona l’inno Americano con la sua Stratocaster bianca in una maniera così intensa e dissacrante da lasciare tutto il pubblico a bocca aperta, una furiosa esplosione di genio che la storia del rock non avrebbe mai dimenticato.

Il Tempo di Woodstock è un saggio semplice e chiaro, pieno di notizie e curiosità, venato da una leggera malinconia, nel quale Ernesto Assante e Gino Castaldo, due tra i migliori giornalisti musicali italiani, provano a raccontare l’anima e il corpo di un evento unico ed irripetibile nella storia del ventesimo secolo.

(Il Tempo di Woodstock

E. Assante, G. Castaldo

Laterza 2009, 15 euro)

Fra

P.s.Questa recensione è stata pubblicata anche qui --> http://cittadelmonte.info/2011/02/18/tempo-woodstock-assante-castaldo/#axzz1J2ck9nmO

Cinema, i consigli del blog : Into Paradiso

2011-02-12T10:45:00.000+01:00

L'altra sera ho visto in anteprima al Cineclub Vittoria di Casagiove Into Paradiso di Paola Randi, con Gianfelice Imparato, Peppe Servillo e Saman Anthony, attore Srilankese alla prima esperienza con il cinema italiano. Le musiche, fondamentali in tutti i film e soprattutto in questo, sono di Fausto Mesolella, chitarra degli Avion Travel e già compositore della colonna sonora di Lascia perdere Johnny e de Il Ladro di Bagdad (con gli Avion Travel), film muto degli anni venti interamente rimusicato.
Veniamo al film. Potrei dire (molto semplicemente e anche semplicisticamente) che il film racconta la storia di un italiano che vive una condizione da straniero nella propria terra, ospitato dalla comunità srilankese di Napoli per motivi che scoprirete al cinema.
Non sto qui a raccontarvi storie e intrecci perchè ci sono siti appositi e a quelli vi rimando. Solo alcune cose. Mi è piaciuto tanto Gianfelice Imparato (Alfonso nel film) che intepreta il personaggio intorno al quale ruota la vicenda, uno scienziato precario, impacciato, sprovveduto e apparentemente spaesato, spontaneamente comico in alcuni momenti. Bravo anche Peppe Servillo alle prese col personaggio di un imprenditore corrotto che entra in politica.
Due cose sullo stile. La prima. Particolare ed appropriata la curiosa rappresentazione del processo emotivo del protagonista che in alcuni momenti del film si ferma a pensare, estraniandosi dal mondo con due vistosi tappi alle orecchie. I suoi pensieri si materializzano nel vero senso della parola e il tutto avviene in una maniera che allo spettatore sembra quasi naturale, senza troppi artifici visivi.
Dicevo due cose, la seconda è la fotografia, azzeccatissima per un film di strada come questo, girato tra i vichi di Napoli, in cui tante scene si svolgono in un "caseruoppolo", un palazzone con cortile al centro, alto e fatiscente ma dignitoso e pieno di colori. In una scena si vede persino un segnale di Stop sistemato sul tetto (foto sopra).
Insomma, secondo me è un film da vedere.

Francesco Rauccio

Un anno in libri, parte II.

2011-01-13T16:04:00.001+01:00

Nel post precedente parlavo della scelta dei libri. Per alcuni sono stato influenzato dagli ottimi consigli trovati su Slowbookfarm e sull'ottimo Nazione Indiana , in altri casi mi sono imbattuto in libri scritti da conterranei e presentati presso la libreria/casa editrice Spartaco (la libreria che frequento abitualmente) come La Malerba di Cesare Cuscianna, Carillon di Donato Cutolo e Ho Magalli in testa ma non riesco a dirlo di Marco Marsullo, presentazione peraltro divertentissima. In altri casi ancora i libri mi si sono quasi proposti, ad esempio Come un romanzo di Daniel Pennac (un altro libro sui libri e la lettura, Come un romanzo mi è piaciuto più di Leggere che citerò tra poco). Altri li avevo in casa e li ho osservati per un po' di tempo fino al giorno in cui li ho tirati fuori dalla libreria e li ho letti, come Il Grande Gatsby di Fitzgerald o Delitto e Castigo di Dostoevskij.

La prima lettura del 2010 è stata quella del libro di Diego De Silva Non avevo capito niente, lettura che ha meritato anche una recensione su questo blog e che mi ha fatto iniziare l'anno in compagnia di un personaggio di cui spero facciate conoscenza al più presto.
Un po' deluso invece, mi ha lasciato Leggere di Corrado Augias, persona che ha tutta la mia stima e ammirazione, ma che in questo breve volumetto sul piacere della lettura non mi ha coinvolto più di tanto, forse per la brevità di alcuni capitoli che meritavano qualche parola in più e forse anche per le mie alte aspettative.
Degno di nota è sicuramente Friedrich Durrenmatt, scrittore e drammaturgo svizzero che ho conosciuto grazie al film di Sean Penn, La promessa. Ho letto Il Giudice e il suo Boia e poi proprio la Promessa, entrambi consigliatissimi. Uno scrittore cristallino di cui certamente leggerò altro.
Sempre in questo periodo ho letto Chiedi alla polvere di Fante, libro fortemente autobiografico il cui protagonista è l'alter ego di Fante, Arturo Bandini, un aspirante scrittore alle prese con una serie infinita di problemi economici e con una ragazza che segnerà la sua vita. Ho visto anche il film, ma non è che mi senta di consigliarlo più di tanto.
La primavera è cominciata con Follie di Brooklyn di Paul Auster, un libro che subito dopo averlo letto avrei voluto consigliarlo a tutti quelli che incontravo, Auster non ha deluso e infatti durante l' estate ho letto Moon Palace e qualche mese dopo l'autobiografico Sbarcare il lunario, senza dimenticare la Trilogia di New York.
Questo è stato anche l'anno di alcuni classici, come La linea d'ombra di Conrad, una vera sorpresa, libro da leggere e rileggere ogni tanto, e Delitto e Castigo di Dostoevskij, sul quale ogni parola è superflua. Raskolnikov, il protagonista del romanzo, è un personaggio letterario che resta nella mente del lettore a simboleggiare l'esistenza del doppio in ognuno.
Voglio ricordare due (tra le tante) proposte di Slowbookfarm : Il Tempo Materiale di Giorgio Vasta e Rosso Floyd di Michele Mari. Per ogni approfondimento vi rimando alle relative recensioni, qui voglio solo ricordare che Il Tempo materiale incarna perfettamente il tipo di libro di cui parla Cortellessa nel suo articolo, un libro che va letto lentamente, non "consumato" velocemente ma "masticato" con pazienza, dando il tempo alle parole di manifestarsi alla nostra coscienza per durare. Rosso Floyd invece è un libro che ruota intorno alla figura del diamante pazzo Syd Barrett, membro fondatore dei Pink Floyd. E' un enorme dialogo a più voci che vede come protagonisti personaggi della storia Floydiana, dai membri della band a registi come Antonioni o Kubrick, passando per conoscenti e manager. Rosso Floyd insomma, è un romanzo in cui verità e finzione si mescolano come in un sogno.
Degli altri libri ne parlerò, spero, in un terzo e ultimo post con il quale spero di chiudere Un anno in libri.
Qui sotto la lista completa.

Trilogia di New York di Paul Auster

Revolution. Storia del White Album di D. Quantick

Come un romanzo di D. Pennac

Il giorno dei morti di M. de Giovanni

Delitto e Castigo di F. Dostoevskij

Cattedrale di R. Carver

Sbarcare il lunario di P. Auster

Nel mare ci sono i coccodrilli di F. Geda

La linea d'ombra di J. Conrad

Moon Palace di P.Auster

Il giorno della civetta di L. Sciascia

Cristo si è fermato a Eboli di C. Levi

Rosso Floyd di M. Mari

Il Tempo materiale di G. Vasta

Il Porto delle nebbie di G. Simenon

L'eterno marito di F. Dostoevskij

Dieci piccoli indiani di A. Christie

Il fabbricante di Eco di R. Powers

Una cosa divertente che non farò mai più di D. Foster Wallace

Il Deserto dei Tartari di D. Buzzati

Follie di Brooklyn di Paul Auster

Il Grande Gatsby di Francis S. Fitzgerald

L'amico ritrovato di F. Uhlman

Opinioni di un Clown di H. Bol

Firmino di Sam Savage

Chiedi alla polvere di J. Fante

Fahrenheit 451 di Ray Bradbury

La Promessa di F. Durrenmatt

La Malerba di Cesare Cuscianna

Senza trama e senza finale di Anton Cechov

Il Giudice e il suo boia di F. Durrenmatt

Carillon di Donato Cutolo

Leggere di Corrado Augias

Non avevo capito niente di Diego De Silva

Francesco Rauccio

Un anno in libri.

2011-01-12T15:37:00.001+01:00

Siccome negli ultimi tempi sono un po pigro, è passato del tempo prima di ricominciare a scrivere sul blog dall'ultimo post datato 22 Dicembre 2010. Vorrei ricapitolare le letture di questo 2010, in parte perchè, non posso farci niente, ho lo spirito del catalogatore, in parte per ripercorrere il tempo scandito dai libri presenti sul comodino. Ho deciso che lo farò in due o tre post, perchè in un anno ci sono tante cose e non voglio scrivere post troppo lunghi. Comincio con la scelta dei libri, un processo diversissimo per ogni lettore. Per me quest'anno sono cambiate alcune cose.

Le modalità di scelta dei libri da leggere sono state molto diverse rispetto agli ultimi anni.
Pur restando legato al mio originario modo di procedere per autore (sempre per quella mania del catalogatore...) il metodo ha subito notevoli variazioni e deviazioni.
Una discreta importanza ha avuto un sito molto interessante intitolato Slowbookfarm che si propone di essere un "progetto di sviluppo per un modello di fruizione culturale che tenga conto di valori differenti se non alternativi all’orientamento oggi prevalente, pur essendo capace di affrontare e vincere la sfida del mercato con proposte “di sistema” inedite e operative".
In altre parole quelli di Slowbookfarm propongono libri ritenuti di qualità, con un grande occhio di riguardo alla piccola e media editoria, senza seguire gli orientamenti della grande editoria industriale. Come lo fanno? Il sito propone periodicamente interviste a scrittori che a loro volta sono invitati a consigliare letture e a indicarne i motivi, ma soprattutto mediante classifiche pubblicate ogni due mesi sul sito Pordenonelegge, secondo il modello dei Grandi lettori, proposto dai critici Andrea Cortellessa, Alberto Casadei e Guido Mazzoni. Per ulteriori approfondimenti vi invito a leggere l'ottimo articolo di Andrea Cortellessa, che secondo me è un po il manifesto filosofico dell'iniziativa, basata sul concetto di lettura lenta e (mi ripeto) su proposte di libri di "qualità". Spiega Cortellessa:"Se si legge con lentezza lo si fa nella speranza – o nell’illusione – che la lettura che oggi abbiamo scelto per noi non equivalga al “consumo” del libro, al facile trangugiare del testo che quel libro ci trasmette. Ci illudiamo che quelle parole non si lascino “consumare” tanto facilmente; che oppongano resistenza, che si manifestino alla nostra coscienza per durare. Si spera insomma che la sostanza misteriosa, che sospettiamo e speriamo sia contenuta in quelle pagine, nell’attraversarci non ci lasci indenni, non scorra via sulla nostra pelle senza fare attrito".
Mi sembrano idee che meritano di essere divulgate, tanto più se penso che la piccola e media editoria in molti casi è quella che ha veramente il coraggio di osare e di fare scouting, scovando talenti che in prima battuta non trovano collocazione presso le grandi case editrici spesso troppo attente alla letteratura industriale.
Chiudo con uno stralcio dell'articolo di Andrea Cortellessa, del quale vi consiglio assolutamente la lettura :" i libri da leggere con lentezza sono quelli che, in un modo o nell’altro, ci impongono questo «misterioso tempo incubatorio». Sono libri scritti nel tempo: per questo a loro volta ci richiedono tempo. Promettendoci in cambio, però, di donarci in futuro altro tempo. Sappiamo che daremo loro ragione, prima o poi: magari a distanza di anni".

Francesco Rauccio

Wishlist

2010-12-22T19:01:00.000+01:00

Ispirato da questa lista che vi consiglio di visionare, voglio stilarne una mia. Non indicherò i 10 libri da farsi regalare o da regalare, ma un numero, piccolo, di cose che vorrei ricevere ( e fatemelo sto regalo...!), vuoi mai che la lista possa ispirare anche voi...
Rigorosamente in ordine sparso:

L'amico magico, l'ultimo lavoro degli Avion Travel. Gli Avion Travel sono una garanzia e quindi lo avrei chiesto anche se non ne avessi ascoltato neanche una traccia. Ma di tracce tratte da questo album ne ho ascoltate eccome, sia dal vivo che a casa....(ehm ehm....). L'amico magico è una raccolta di brani del grandissimo compositore Nino Rota. Per chi non lo conoscesse, Rota ha scritto le magnifiche musiche di 8 e 1/2, Amarcord, Satyricon e un mucchio di altri film tra cui anche Il Padrino. Gli Avion Travel ne hanno rielaborato le musiche alla loro maniera e con la loro maestria, facendo un'operazione di riscoperta di grande merito.

Una Fender Stratocaster Made in Usa. Eh lo so, questo è un po utopico, diciamo che per arrangiare andrebbe bene anche una copia, una riproduzione, una cosa più economica, poi (prima o poi...) arriverà anche la Fender...comunque per fare un po di rumore blues va bene anche una modesta Squier...

Infinite Jest di Wallace. Non l'ho comprato ancora perchè costa tanto ( 27 euro!!!) e poi già so che lo leggerò per ultimo (tra i libri di Wallace). Però vorrei averlo lì. Così per guardarlo e aprirlo ogni tanto.

Il vinile di White Album. Eh si. White Album, quello dei Beatles. Va bene, non ho il giradischi, ma il vinile devo averlo e prima o poi lo ascolterò con un vero giradischi. Sentirò ogni tanto quel fruscio che rende il vinile imperfetto e affascinante, e ascolterò le note di Happiness is a Warm Gun uscire potenti dalle casse e l'urlo di McCartney che apre Helter Skelter sarà una puntura d'insetto sui timpani.

Mia suocera beve di Diego de Silva. Dopo aver letto Non avevo capito niente e aver riso in compagnia di un tipo come l'avvocato Malinconico voglio proprio vedere De Silva dove andrà a parare questa volta.

Leviatano di Paul Auster. Cominci a leggere Auster e non vuoi più fermarti. A me piace e questo non l'ho ancora letto, è bello che ci siano ancora libri di Auster da leggere. Mi fa stare bene.

Strategie oblique di Brian Eno. Nel 1975 Brian Eno pubblicò con il pittore Peter Schmidt un mazzo di 124 carte chiamate, per l'appunto, Oblique Strategy. Cosa sono? Le Strategie oblique sono semplicemente uno strumento di distrazione, concentrazione e rifocalizzazione. (cit. Giulio Mozzi) Sono nate dallo studio dei processi creativi e costituiscono un metodo per “sbloccare” il pensiero. Comunque le voglio.

Una chiacchierata con Giorgio Vasta. Vabbè questo è un regalo impossibile, ma appena lo incontro...tempo fa ho letto Il Tempo materiale, un suo romanzo e vorrei chiedergli come è riuscito ad inventarsi certi termini che neanche il vocabolario mi è stato d'aiuto, certi termini inusuali ma perfettamente incastrati. E poi l'idea dei terroristi bambini. Io una mia idea me la sono fatta, ma voglio sentire le sue parole.

Cercate di accontentarmi.
Francesco