Iraq, une unité spéciale de l’armée américaine tente de sécuriser des lieux publics dans lesquels n’importe quels objets, n’importe quel civil peut devenir une menace potentiel pour la sécurité des habitants. Cette unité d’élite est composée de trois soldats:

• Will James, qui désamorce les charges explosives les unes après les autres avec un sang froid flegmatique. Ce guerrier ne semble pas craindre la mort, même s’il a laissé derrière lui son épouse et son fils.
• JT Sanborn est sans doute le soldat qui fait preuve de la plus grande rigueur. Il désapprouve les méthodes employées par James et ne supporte pas les risques qu’il fait prendre son unité.
• Owen Eldridge est le plus jeune des trois soldats. Depuis le début du conflit il a pour hantise l’idée de mourir au combat. On sent qu’il s’interroge sur son rôle dans l’unité, sur ses capacités et sur son adversité face aux situations les plus risqués.

Le compte à rebours a commencé, il doivent tenir encore 39 jours !

Critique du film : The hurt locker

La pauvreté scénaristique a pu en offusquer plus d’un. Notre unité enchaine les missions en deux petites heures. Pas une minute pour souffler et les traits de caractères des personnages sont très brièvement tracés. Pour moi, c’est plus un atout qu’autre chose. Ce qui permet aux spectateurs d’entrer dans le film rapidement, c’est la spontanéité et l’aisance avec laquelle les personnages évoluent à l’écran. Au point de se demander s’il ne s’agit pas de vrai soldats, lors d’interventions réelles.

Soit ma vision des conflits est limitée, soit la vision rapportée par Kathryn Bigelow se rapproche énormément de la réalité. La caméra tremble à chaque explosion et les ralenties sont impressionnants. C’est sans doute parce que je n’ai jamais mis les pieds en Irak qu’il me semble que le cadre qui sert de décors est très réaliste. Qu’il s’agisse de la séquence dans le désert ou bien lors des combats de rue, tous semble coller à merveille avec la réalité.

Finalement ma critique de Démineurs est plutôt positive parce j’avais une forte attente avant de voir ce long métrage. Mais les 6 oscars récompensent l’oeuvre cinématographique, qui plonge les spectateurs et les immerges au coeur d’un conflit important pour l’Histroire.

J.J. Gittes, détective privé à Los Angeles dans les années 1930, enquête sur une affaire d’adultère. Depuis quelques années, c’est devenu son gagne-pain. Evelyn Mulray l’engage car elle soupçonne son mari de voir une autre fille. Son mari n’est pas n’importe qui puisqu’il est ingénieur en chef et a construit tout le système de distribution des eaux de la ville. Mettant ses talents à rude épreuve, le détective fait ce qu’il sait faire de mieux : photographier les personnes sur lesquelles il enquête en pleine action.

Faisant éclater le scandale dans la presse en vendant les clichés qu’il a obtenu à prix d’or, Gittes va peu à peu comprendre qu’il s’est empêtré dans une affaire mêlant corruption des autorités municipales et meurtre. La femme qui l’a engagé n’était pas la vrai Mrs Mulray. Dès qu’il l’apprend, J.J. Gittes va faire de cette affaire une obsession et en quête de vérité, le détective va chercher à comprendre pour quelles raisons avait-il été  impliqué dans cette histoire, qui prendra définitivement un tournant dramatique lorsque Hollis Mulray est retrouvé mort noyé.

Critique du film Chinatown :

Mêlant un casting prodigieux, Chinatown a longtemps été considéré par les amoureux du cinéma comme un classique du genre. Pour moi, il est incontestablement l’un des films du réalisateur Roman Polansky que j’apprécie le plus, même si The Ghost Writer reste un très bon film.

L’intrigue y est construite avec une délicatesse très particulière, et les acteurs qui évoluent dans ce film y sont évidement pour quelque chose. Ainsi on retrouve un Nicholson époustouflant, au ton et aux expressions toujours justes. Il excelle dans son rôle de détective qu’il incarne avec une facilité déconcertante. Accompagné par la belle Faye Dunaway,  les deux héros illuminent l’écran et forme un duo épatant.

John Huston incarne quant à lui un personnage complexe qui cache derrière son âge une cruauté sans limite. Avec un charisme remarquable, il donne la réplique à Nicholson, donnant place à des séquences uniques de l’histoire du cinéma.

Dans Chinatown, il n’est pas question de Happy ending, ce qui rend sans doute le film un peu plus attrayant.

Fière, voir même très fière de ses origines Écossaises, Imogène McCartery met son égo à rude épreuve alors qu’elle travaille au service de sa majesté depuis déjà de nombreuses années pour la sainte couronne d’Angleterre.  Au sein du service des renseignements pour la couronne, elle est inopinément envoyée dans la ville qui l’a vu naître pour livrer les plans d’un mystérieux avion…

Enchantée de partir pour cette superbe aventure, elle s’engouffre dans ce qui pourrait être sa dernière aventure !

Critique du film : Imogène McCartery

Je me garderai bien de faire un commentaire visant à comparer livre et film. Aller voir un film adapté d’un roman est rarement la copie conforme de ce qu’on retrouve sur papier. Pourtant, je connais assez peu l’œuvre de Charles Exbrayat (dont vous pourrez retrouver une courte vidéo dans les Archives TSR), mais il semblerait que les réalisateurs aient réussis à recréer ce personnage atypique et plein d’audace qu’elle Imogène. Sorte de portrait primitif de « l’écossais standard » sous les traits d’une femme vigoureuse.

Et pour le coup c’est réussi, dans un registre que connait très bien Catherine Frot d’ailleurs. Alors certes, les dialogues sont moins cocasses que dans « Mon petit doigt m’a dit », les séquences sont plus plates et la mise en scène est un peu moins fluide, mais on peut quand même passer un bon moment en regardant ce film. D’autant plus qu’à l’écran, le couple Catherine Frot et Lambert Wilson fonctionne assez bien.

De l’année 2010, je ne garderai peut-être pas ce film parmi mes sorties favorites, mais le film m’a détendu et m’a permis de passer un bon moment!

]]> http://www.septieme.net/comedie/imogene-cartery-alexandre-charlot/feed/ 0 http://www.septieme.net/comedie/imogene-cartery-alexandre-charlot/ http://feedproxy.google.com/~r/Septieme/~3/0jArql4o8RI/ http://www.septieme.net/drame/copie-conforme-abbas-kiarostami/#comments Mon, 07 Jun 2010 07:00:15 +0000 Alex http://www.septieme.net/?p=906 Synopsis du film : Copie conforme

Essayiste passionné par l’art, James Miller est accueilli par son éditeur dans une petite ville Toscane pour y promouvoir son dernier livre : Copie Conforme. Il y fera la rencontre d’une jeune française, qui va lui faire découvrir le petit village de Lucignano. James Miller est très mobile, il n’a que très peu de temps à passer en Toscane. C’est la raison pour laquelle il souhaite profiter de son séjour et découvrir les paysages somptueux offerts par cette région. En quelque sorte, la jeune française lui servira de guide.

Critique du film : Copie conforme

Nous avons pris beaucoup de plaisir à voir le long métrage d’Abbas Kiarostami, un réalisateur Iranien que nous ne connaissions pas du tout. Le film est simple et sans prétention, il séduit par la vérité qui transparait dans le jeux des acteurs. Juliette Binoche et William Shimel (un des plus grand chanteur d’opéra Britannique) forment à l’écran un couple énigmatique. Tout au long du film, ce couple est animé par un jeu de séduction. Les protagonistes s’éloignent et se rapprochent, se cherchent et s’énervent souvent. D’ailleurs les sentiments qui les animent semblent si fort que dès les premières scènes, les spectateurs peuvent déjà s’interroger sur la relation qui existe, ou qui a pu exister entre eux.

Les séquences s’enchaînent avec fluidité, l’image est sobre et la composition des scènes assez simple. Un café, une mama, deux joueurs de carte, une conversation en champ, contrechamp. Abbas Kiarostami décrit un paysage  de Toscan sans jamais tomber dans le cliché. La mise en scène suit la même rigueur. On voit les sentiments qui animent les personnages dans leur gestuelle, leur regard ou le ton de leur voix et on est rapidement plongé dans la complexité de leur relation sans jamais y être directement confronté. On reste spectateur de cette curieuse histoire qui pourrait être une copie de la nôtre.

C’est l’histoire d’un couple qui revient sur les lieux de leur mariage après 15 ans de vie assez disparates. Au cours de cette confrontation à leur propre histoire, il vont croiser le chemin de jeunes couples et d’ainés. La jeunesse représente leur naïveté, sorte de « copie conforme » de ceux à quoi ils ont pu aspirer. A l’opposé, les ainés sont la copie de ce que leur couple pourrait hypothétiquement devenir. A la croisée de ces deux âges se trouve notre couple, partagé entre l’envie de croire en la beauté de leur union et des relations et les difficultés qu’ils éprouvent.

Et pour ceux qui comme moi n’ont pas encore eu la chance d’aller à Cannes pour les festivités, voici une petite vidéo de la conférence de presse

]]> http://www.septieme.net/drame/copie-conforme-abbas-kiarostami/feed/ 1 http://www.septieme.net/drame/copie-conforme-abbas-kiarostami/ http://feedproxy.google.com/~r/Septieme/~3/VTKEjFy0fNM/ http://www.septieme.net/comedie/back-up-plan-alan-poul/#comments Fri, 04 Jun 2010 09:00:26 +0000 Alex http://www.septieme.net/?p=917 Synopsis du film :

Zoé, passée les 30 ans, a enfin jeté par dessus la fenêtre l’espoir de croiser le chemin de son prince charmant.. « The one » se faisant attendre et désirer, elle décide de prendre ses rêves en mains, et va de l’avant.

C’est en sortant de son insémination artificielle, que notre héroïne tombe nez à nez avec Stan, son voleur de taxi. Qui au fils des évènements arrivera enfin à se rapprocher de Zoé, qui brille de bonheur.

Rencontre, quelques mois de pur bonheur, premières disputes, mariage, enfants.. Cet ordre se retrouve joliment chamboulé, notre couple s’y retrouvera-t-il?

Critique du film :

Film léger, film léger! On ne se prend pas le chou en allant voir ce film. Tout est à la rigolade, et bien que le sujet soit sérieux et moderne (des célibamères fières et consentantes!) Alan Poul réussie à faire un film qui coule.

Ok, on retrouve pas mal (voire un peu trop) de phrases clichées, mais les amis qui entourent Stan et Zoé sont hilarants, Stan ressemble un peu plus à l’acteur typique américain, mais Jennyfer Lopez amène sa fraîcheur et son naturel.. Quand cette dernière nous fait des yeux de biche ou se retourne vers la caméra, un doigt entre les lèvres, grand sourire éblouissant, plutôt que de se dire que c’est du sur-fait, on se dit bien qu’elle doit faire ça même en vrai!

Bref, comparé à « Juno » autre film parlant de la grossesse, on y ajoute en grosses tranches des blagues un peu lourdes, beaucoup beaucoup de légèreté, et voici votre film! Ne vous attendez donc pas à plus, allez vous décompressé de vos heures enchaînées de révisions de partiels! (Et évitez les salles où siègent des papis qui rient à gorge déployée!)

Jacques est propriétaire d’un bar miteux, presque mythique et difficilement accessible à n’importe quel pilier de comptoir. Et pour cause, le bar est situé dans une ruelle peu fréquentée de New York et il porte un nom vraiment étrange : The house of Oysters. Cela fait des années que Jacques tient se bar, son visage est fatigué, ses traits sont marqués. Pourtant il continue à fumer, et occasionnellement à boire.

Alors qu’il vient d’avoir sa cinquième crise cardiaque, il va effectuer un bref séjour à l’hôpital, au cours duquel il va rencontrer Lucas, un jeune homme sans abris. Il vit sous le pont de Brooklyn avec son petit chaton. Lucas est un jeune homme très simple d’esprit, qui n’a ni problème d’alcool ou de drogue, ni problème mental; il est simplement très simple et son cœur est ouvert au point qu’il ne puisse se rendre compte que cela pourrait lui jouer de mauvais tours.

Quelques conversations dans une chambre aseptisée et Jacques décide de prendre le jeune Lucas sous sa protection.  Jacques sait que ses jours lui sont comptés. Il cherche à transmettre son savoir et son patrimoine. Et comme Jacques n’a aucun parent, cette rencontre avec Lucas tombe à point nommé ! Cherchant à tout pris à faire de lui son « successeur », il va lui transmettre tout ce qu’il sait sur son métier. De là naitra une amitié, et une relation très simple entre deux personnes ordinaires !

Critique du film : The Good Heart

Vu comme ca, The Good Heart ne doit pas trop faire envie. Deux personnes dont les destins se croisent et qui s’influencent mutuellement … Un thème classique et presque redondant dans le cinéma contemporain. Et pourtant, le film est marquant pour plusieurs raisons :

D’abord par sa simplicité : pas de fioritures. Des plans simples épurés voir minimalistes. Pas de maquillage ou d’objets clinquants, inutiles. Le bar, véritable héros de l’histoire, est rustique. Sa cuisine, plutôt sale, ne sert plus qu’à la torréfaction du café ! Vous l’aurez compris, le franco-islandais Dagur Kári se débarrasse du superflu pour se focaliser sur l’histoire et le jeu des acteurs.

Ensuite grâce à la distribution et aux jeux d’acteurs : Brian Cox, Paul Dano et Isild Le Besco, trois acteurs que j’apprécie pour leur charisme. Après Gigantic, Dano revient dans un type de rôle qu’il semble apprécier. Alors que d’autres acteurs de sa génération semble être d’avantage intéressés par la gloire ou la reconaissance, Dano fait presque figure d’ovnis. Depuis Little Miss Sunshine ou There will be blood, il adopte des personnages d’une étrange sobriété. Comme dans Gigantic, Paul Dano croisera sur sa route une jolie fille, qu’il finira par séduire.

Enfin, pour le fond de l’histoire qui par sa simplicité et son dynamisme, donne au film une fraicheur et un cœur qui arrive à toucher les spectateurs. C’est en tout cas ce que j’ai ressenti en regardant The Good Heart ! Tout oppose nos deux protagonistes au début du film. Face au roc incarné par Brian Cox, qui semble avoir traversé les pires épreuves, Paul Dano manifeste une générosité et un cœur immense. En choisissant d’écouter son cœur, il risque à tout moment de décevoir le propriétaire de « La maison des huitres », et de se retrouver à la rue. De son côté, Jacques ou April (Isild Le Besco) ne tirent jamais profit de la faiblesse d’esprit de Lucas à leur avantage. Cette simplicité de vue et d’esprit peut laisser penser que la vision de Dagur Kári est idyllique. Mais pour les plus septiques, Dagur Kári met en scène une fin qui ramène le spectateur à des enjeux et des problématiques concrètes !

Et vous, quel a été votre ressenti au regard du dernier film de Dagur Kári : The Good Heart ?

Après avoir dominé l’arène politique,  Lang et sa femme s’isolent sur une ile au large des États Unis. Ils habitent une somptueuse maison d’architecte à quelques centaines de mètres de l’océan, et disposent de l’assistance de gouvernants, de secrétaires et d’une garde d’escorte. Le couple engage un nègre littéraire ( et non pas le fantôme écrivain) qui sera en charge de la poursuite de la rédaction de ses mémoires. Acceptant une somme rondelette, le nouveau ghost succède à son prédécesseur qui disparaît mystérieusement.

Rapidement, Adam Lang revient à la une de tous les médias pour son implication dans des ententes suspicieuses avec les autorités américaine. Le peuple britannique et les médias dénoncent alors le fait qu’il soit allé trop loin, qu’il ai agit dans son propre intérêt pour favoriser l’éclosion de relations privilégiées entre les deux peuples. Tous ca dans un contexte de guerre en Irak et de marchand d’arme.

Le nègre littéraire prend alors conscience qu’il possède bien plus que le brouillon que lui a laissé son prédécesseur. En acceptant le contrat, il s’implique dans une histoire qui le dépasse, mais il sait qu’il ne peut plus reculer !

Critique du film : The ghost writer

« Même si j’avais pu, je ne serai pas venu parce que la dernière fois  que je suis allé à un festival pour recevoir un, j’ai fini en cellule »

C’est la déclaration faite par Polansky alors qu’il était assigné à résidence en Suisse. Ce jour là, il aurait du recevoir le prix du meilleur réalisateur au festival international du film de Berlin. Certains journalistes ont interprétés cette récompense comme un signe de soutien. D’autres reconnaissent le travail du réalisateur.

Pour couper court à la polémique, je fais parti de ceux qui soutiennent le réalisateur pour son travail. Adapter la nouvelle de l’écrivain britannique Robert Harris et le porter sur grand écran n’a pas du être un exercice facile. Ewan Mc Gregor, Pierce Brosnan ou Tom Wilkinson font confiance au réalisateur qui dirige ses acteurs avec minutie. La dualité et la complexité des relations entre le premier ministre Adam Lang interprété par Brosnan et son « Ghost » interprété par Mc Gregor donne au film toute sa crédibilité et sa profondeur.

Ewan Mc Gregor,l’écrivain auquel on ne pourra donner d’autre nom que « The Ghost » est dans une forme époustouflante? Il incarne parfaitement le rôle dans lequel l’histoire le piège ! C’est l’homme de la situation ! Dès qu’il initie sa collaboration avec Lang, le Ghost Writter sait qu’il est impliqué dans une affaire international. Cette prise de conscience entraîne les spectateur dans un thriller palpitant, percutant, bien construit et super efficace. De surprise en rebondissements, l’écrivain déduit que la mort de son prédécesseur était tout sauf accidentelle !

La découverte d’une photo et d’un numéro de téléphone entraîne notre écrivain dans un voyage sur le continent. Il y rencontrera Paul Hemett, ancien camarade de Lang et personnage important des renseignements américains avec qui se dernier aura fomenté son ascension politiqué.

En résumé, The ghost writer est une adaptation brillante de la nouvelle de Harris parce que le film est percutant, divertissante, et surtout parce qu’il est super bien construit ! Même les acteurs qui ont un rôle minime dans l’histoire sont convainquant. Adam Lang n’est pas sans rappeler un certain Tony Blair. Ne connaissant pas particulièrement le contexte et les faits liés à cette époque, et qui sont en partie relaté dans ce long métrage de Roman Polansky, je ne peux qu’apprécier « The Ghost Writer » qui interroge sur la politique d’une période clé du début du 21ème siècle.

Caractéristique du personnage : muet, borgne, combattant hors pair, visions apocalyptiques…

One eye, ou le borgne est un gladiateur, prisonnier d’un maître cupide. Il ne se bat pas pour la gloire, ni pour une éventuelle liberté. Assisté par un enfant, il va s’échapper et se lancer dans une quête mystique et métaphysique, dont le but reste incertain. Dans sa quête, il rencontrera un groupe de croisés, qui lui promet gloire et prospérité si il les accompagne vers la terre sainte.

Même si le guerrier accepte, ce n’est pas la terre sainte que nos missionnaires atteindront mais un lieu beaucoup moins accueillant qu’ils ne l’imaginaient.

Dans une atmosphère étrange, ils vont lutter contre un ennemi effrayant et invisible.

Critique du film : Le guerrier silencieux

Inspiré par la nouvelle de l’auteur américain Clive Cussler, Le guerrier silencieux est divisé en six chapitres. D’une rare violence, les premiers choqueront les plus sensibles, tandis ce que les cinéphiles y verront sans doute bien plus à travers la réalisation fantastique du danois Nicolas Winding Refn.

Ce film m’a permis de découvrir un réalisateur qui m’était inconnu jusqu’à maintenant. Je n’ai toujours pas eu l’occasion de voir la trilogie Pusher, dont j’ai pas mal entendu parler !

Voici pour moi les quelques raisons qui font de ce film un plaisir visuel et assez cérébral :

D’abord, la prestance de son acteur principal Madds Mikkelsen, qui malgré son silence, est très expressif. La complexité du personnage qu’il incarne est mis en exergue par les plans serrés sur son visage si marqué et terrifiant.

Ensuite, les paysages vierges et somptueux, et qui semblent souvent irréels (traitement de l’image ?). Le spectateur est rapidement transporté dans les montagnes ventées et humides dans lesquelles les personnages évoluent au début du film. Et si les vues sont si spectaculaires, c’est aussi grâce aux compositions faîtes par  Nicolas Winding Refn, qui choisit ses plans avec attention. Graphiquement, le film est d’une sobriété exemplaire. Et pourtant, chaque séquence fait l’objet d’un travail minutieux. Les compositions des plans sont complexes, multipliant les profondeurs de champs. Les profils, toujours filmés de très près, donnent à chaque dialogue une tonalité unique.

Venons-on en maintenant aux scènes d’actions, qui restent importantes dans Le guerrier silencieux. En effet, elles donnent à One Eye un aspect effrayant. Le guerrier y est précis, réfléchi. Chaque coup porté est mortel pour ses ennemis. Le tout dans une chorégraphie sanglante, magnifiquement orchestrée.

Cependant, la trame de l’histoire reste pour moi assez vague. Peut-on considérer le chemin effectué par Le guerrieur silencieux comme une quête identitaire ou initiatique  ? Son silence ne nous permet pas d’en avoir la certitude. Au fur et à mesure du film, on comprend simplement qu’il a une grande importance car il influence tous ceux qu’il croise. Par sa détermination, il change le destin des hommes. Pourtant, le sien semble, pour d’obscures raisons, profondément déterminé.

Le dénouement du film est vraiment surprenant, marqué par une ambiance musicale très particulière. D’ailleurs, la musique semble avoir été composée avec la même rigueur que la photographie du long métrage.

Bref, certains spectateurs n’ont certainement pas trouvé leur compte dans ce film. Comme moi, ils s’attendaient peut-être à un film plus classique, musclé, et surtout moins cérébrale. Mais avec un minimum d’attention, on comprend que le réalisateur Nicolas Winding Refn délivre une interprétation très personnelle de ce qu’on pourrait appeler un roman de gare ! Pour moi, ce film a fait l’effet d’un électrochoc !

Ryan Bingham est presque quadragénaire. Libre comme l’air, il se balade sans aucune véritable contrainte. Sa vie pourrait se résumer à un sac à dos vide ! Son job  consiste à  remercier, des salariés à la chaîne, partout où le devoir l’appel ! Remercier, c’est le terme politiquement correct utilisé dans le film de Jason Reitman, « Up in the air« . La crise économique fait fleurir l’activité ede l’entreprise dans laquelle il travaille. Tout les secteurs d’activités sont touchés; pour son employeur, c’est le jack-pot assuré !

Mais une jeune première (Anna Kendrick, découverte grâce à Twilight) fraichement diplômée va changer sa vie en voulant révolutionner le fonctionnement de son entreprise. Ryan va devoir lui apprendre le métier. Il va aussi devoir remettre en question ses principes, et par la même occasion, remplir son sac à dos. S’en suit alors une rocambolesque remise en question des principaux objectifs de Ryan, qui se réduisait jusqu’à présent dans l’accumulation de points de fidélité d’une grande compagnie aérienne. Famille, travaille, relations, Ryan va tout changer pour enfin pouvoir retrouver sa vraie liberté.

Critique du film : In the Air

Après Juno, que j’avais beaucoup apprécié (surement pour y avoir découvert Ellen Page, à mourir de rire dans Bliss), je m’attendais à passer un bon moment en regardant In the air. Les six nominations aux oscars jouaient en la faveur de cette production américaine, c’est avec légèreté que j’accrochais ma ceinture pour m’envoler une heure ou deux. En tout cas pour moi, je crois que le voyage ne s’est pas très bien terminé.

Je vous l’accorde, la distribution est intéressante. Vera Farmiga et Anna Kendrick sont vraiment touchantes, drôle sans jamais trop en faire. Mais le scénario est bien trop prévisible, il n’apporte aucun renouveau et des thématiques aussi intéressante que la famille ou la carrière aurait pu être abordés d’une façon plus personnelle et plus riche.

Aussi, le film part d’un contexte économique très difficile aux États-Unis et chercher à sensibiliser son public aux dérives capitalistes. Il met en exergue l’inhumanité et la lâcheté avec laquelle certains employeurs se séparaient de leurs salariés. Ryan cherche à faire son travail de la façon la plus intègre possible, justifiant sa présence comme palliatif à ce manque d’humanité. Hors le film ne fait référence qu’a de grandes sociétés américaines : American Airlines, Hilton, Hertz, GMC … Cette ambiguïté fait perdre au film son envergure et sa crédibilité. L’image d’homme publicitaire reste ainsi collée à George Clooney ! What else ?

Assez mitigé par In the air, qui reste pour moi un peu trop léger ! Il plaira aux plus grand nombre car il permet de retrouver George Clooney dans un rôle très simple, abordable et humain.

Jean Pierre traverse une période difficile alors qu’il vient tout juste de partir à la retraite. Ingénieur spécialisé dans la construction de ponts, il était très impliqué dans son ancien travail et trouve le temps long. Alors il s’occupe, construit de nouveaux ponts de bois qui lui permet de s’isoler dans un petit sanctuaire sur une ile artificiel, au fond de son jardin. Vivant dans une grande maison, avec une femme aimante, et alors qu’il ne devrait manquer de rien,il devient très anxieux. Persuadé qu’il ne lui reste plus que quelques jours à vivre, il interprète une réaction cutanée comme le début d’un cancer de la peau alors que le médecin familial n’y voit qu’un simple exema.

En plus de ces pérégrinations médicales, Jean Pierre doit faire face à des problèmes de grande ampleur : sa fille épouse un con, et son fils est homosexuel. Fuyant cette réalité, il préfère s’enfermer dans les toilettes, sombrer dans l’alcoolisme ou se perdre en forêt. Il explosera en apprenant que sa femme le trompe pour son ancien directeur, qu’il considérait jusqu’à présent comme un ami.

Critique du film: Une petite zone de turbulence

Comédie familial, franco-française, amusante et attachante, la distribution d’ « Une petite zone de turbulence » rassemble la crème des acteurs français ! Michel Blanc, Miou-Miou, Mélanie Doutey, Gilles Lelouche, Cyril Descours ou encore Eric Caravaca ( on l’a croisé dans « Le bel age« ).

Les dialogues sont souvent croustillants et le scénario est plutôt bien ficelé. On regrette cependant les excès d’un Michel Blanc, dont les exagération manquent parfois de crédibilité. Elles sont acceptables car ils vont de pairs avec le scénario qui se montre lui aussi parfois excéssif, tout en restant vraiment très drôle. Les deux séquences que je retiendrai pour de ce film seraient :

• La séquence où Jean Pierre surprend sa femme couchant avec David, et qu’il devient obsedé par son « cul de poulet »
• La séquence où ce même Jean Pierre décide de réaliser avec les moyen du bord son ablation de la hanche !

Sans grande prétention, le film arrive à poser des questions intéressantes autour des valeurs fédératrices de la famille, et des évènements qui peuvent unir ou désunir ses membres. La légèreté avec laquelle Alfred Lot nous propose ses questions dénote d’une réflexion intéressante, car elles sont abordés avec finesse. J’ai vraiment passé un bon moment devant  » Une petite zone de turbulence« .