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Critique : Doctor Who (2005) 7.13

Fri, 17 May 2013 17:52:37 +0200

Pour le 13ème épisode de la saison 7, Doctor Who nous livre un épisode maudit. Dans tous les sens du terme.

Le problème avec les œuvres créatrices ou fictionnelles qui durent longtemps, c’est qu’elles risquent un jour ou l’autre de décevoir leur public d’origine. Même Emile Zola, en publiant son quinzième tome des Rougon-Macquart, La Terre. se prit une jolie volée de bois vert (voir la controverse du Manifeste des Cinq). Un auteur a des idées limitées dans le temps et, à force de publications, finit souvent par aborder les mêmes thèmes.

J’ai déjà et à plusieurs reprises crié tout l’amour que j’ai pour Steven Moffat. J’aime profondément le travail de cet homme en tant que scénariste de Doctor Who, mais aussi comme co-adapteur brillant de l’œuvre de Conan Doyle et comme showrunner d’une parfaite sitcom anglais méconnue. Cette année, il me faut reconnaitre que l’Ecossais n’y est plus. Cette année, Doctor Who ne nous livre pas une saison de qualité. Cette année, je traine des pieds avant de regarder chaque épisode.

Pourtant, avec celui de cette semaine, j’avais de l’espoir. La seule présence de Neil Gaiman au scénario garantissait à coup sûr une écriture fine et un épisode de qualité. Alors, je vais stopper tout suspense et vous avouez la triste vérité : je déteste cet épisode. Non, je hais cet épisode qui représente – selon moi – le symbole absolu de l’échec créatif de cette saison.

Steven Moffat aux abonnés absents

Steven Moffat n’aime visiblement pas être showrunner de Doctor Who. Ou plutôt si, il aime bien l’être juste pour pouvoir apposer sa touche personnelle dans l’univers vaste de la série. Pour tout le reste (relecture des scénarios des autres, construction d’une intrigue globale et uniformisation autour d’un ou plusieurs thèmes), il ne répond pas présent. Alors non, je ne crois pas que Moffat soit un égoïste/incapable de communiquer. C'est juste quelqu'un qui ne souhaite pas travailler en équipe, soit par pudeur ou par peur de bouleverser ses co-scénaristes, soit parce que l'envie ne lui prend pas. Et on ne peut pas vraiment lui en vouloir car il a toujours travaillé comme cela : sur Sherlock, lui et Mark Gatiss se gardent 80% des épisodes clefs, sur Jekyll c'est plus simple, il scénarise l'ensemble des six épisodes, et sur Coupling, c'est encore mieux puisqu'il est le scénariste unique des 28 épisodes du show. Moffat, c'est un auteur de comics qui commence un run avec une idée précise et qui la développe seul sur la longueur. Au final, nous saurons quoi penser de son véritable travail sur Doctor Who (non pas en tant que showrunner, mais en tant que scénariste) lors de la 8ème saison qui devrait boucler toutes les intrigues (et il y en a un paquet).

La construction de cette « saison » 7 est donc pour lui une solution rêvée. Il donne un pitch (résumable en une ligne) à chacun des scénaristes, deux – trois idées directrices de ce qu’il veut faire cette saison. Puis il se barre. Neil Gaiman, dans une interview donnée avant la diffusion de cet épisode, explique le processus de travail entre l’Ecossais et lui, l’Anglais : Steven Moffat l’a informé de la façon dont « Clara s’exprimait » et c’est tout. Rien sur son rôle. Rien sur la relation entre elle et le Docteur.

Neil Gaiman aux abonnés absents

Dans l’épisode, on voit tout de suite le problème : tout sonne faux. Clara a encore moins de substance qu’elle en a eu les épisodes précédents (seul Neil Cross arrive à lui en donner dans « Hide »), Matt Smith joue n’importe comment (à sa décharge la performance qu’on lui demande d’accomplir est très ardue), les guests ne savent pas quoi faire et surtout l’épisode entier est bourré de failles scénaristes assez hallucinantes. Pêle-mêle, on peut citer : le Docteur qui évoque des personnes disparues dans le parc d’attractions sans que jamais il n’y ait été fait mention auparavant et Porridge qui risque la vie d’un tas de soldats, de deux enfants et du Docteur et de sa compagne parce qu’il avait peur des responsabilités (WTF !). L’épisode est presque un jeu de piste constituant à reconstituer ce qui a été coupé au montage par rapport au scénario originel. Neil Gaiman admet lui-même sur Twitter que le nombre de scènes coupées est très élevé.

Et il est bien là le problème avec cet épisode. Installez-vous tranquillement sur votre canapé que je vous explique le tout en une phrase : on n’embauche pas un scénariste de renom pour ne lui donner aucune consigne en pré-production, lui laisser écrire son scénario sans rien y corriger, filmer le dit-scénario pour ensuite massacrer son travail en post-production. Car au final, tu obtiens deux choses :

Jamais plus ton scénariste ne retravaillera avec toi.
L’œuvre projetée aura autant de cohérence que la première fin de Blade Runner.

Disney Who ?

On en vient directement à ce qui me gêne vraiment avec cette saison et que cet épisode nous résume en une seule image :

Voilà, tout y est : deux enfants. Qui sautent. Devant un Drapeau. L’Amérique. Le scénario de Gaiman fait encore plus fort en proposant au groupe des gentils de protéger un parc d’attractions, puis un château de princesse face à une armée de méchants. Je sais bien que j’ai la surinterprétation facile, mais il est assez aisé de voir dans le parc d’attractions une métaphore de Disneyland. Je ne pense que cela soit vraiment volontaire de la part de Gaiman, mais il est pourtant amusant de voir dans cet épisode une défense de l’américanisation du show anglais (la BBC semble beaucoup tenir à la diffusion de la série sur BBC America qui engrange beaucoup d’audience) face à une horde de fans défendant une certaine mécanique d’origine de la série.

Après, je n’ai pas grand chose d’autre à dire sur cet épisode qui cumule tout ce que je déteste dans Doctor Who : des mauvais acteurs (la fille), une approche « familiale » du show, des effets-spéciaux faits par-dessus la jambe, un montage affreux (il y a même des plans qui se répètent – amusez-vous à les trouver -), une absence de fil rouge, une écriture sans fond, un scénario incohérent et profondément stupide. Mais cela je l’ai déjà dit je crois.

« The Nightmare in Silver » est un cauchemar absolu de fan et se place au firmament des plus grosses daubes produites par le show. Plus qu’une déception, une confirmation que la série de Steven Moffat est en train de prendre une très mauvaise voie.

J’aime :

La bande annonce en fin d’épisode de « The Name of Doctor » (et encore, elle n’était pas si terrible que cela)

Je n’aime pas :

L’intégralité de l’épisode

Ma note : 05/20.

Critique : How I Met Your Mother 8.24

Thu, 16 May 2013 21:48:49 +0200

De ce final de la huitième saison de How I Met Your Mother, on ne retiendra, je pense, qu’une seule et unique chose : c’est l’épisode où The Shins était en bande son. Et ça c’est bon.

J’aime beaucoup le groupe de James Mercer. Découvert à la fois dans Garden State (ce film a une bande son de fou) et dans Scrubs (pour rappel, Zach Braff est le réalisateur de Garden State et JD dans Scrubs), New Slang des Shins est l’une des chansons qui peuple mon top ten des meilleures chansons que j’ai pu écouter, quelque part entre 99 luftballons de Nena et Un jour en France de Noir Désir sur lesquelles j'aime me casser la voix. Et donc je me suis tout naturellement mis à suivre le groupe car, en plus de produire du bon son (à mon goût), leurs chansons sont superbement classes pour draguer à la guitare (et ça, ça n’a pas de prix).

Toujours est-il qu’en 2012, le groupe sort un nouvel album, Port of Morrow, sur lequel on retrouve le très bon Simple Song qui tourne régulièrement sur ma chaîne hifi. Et qui, coup du hasard, se trouve être la chanson accompagnant ce final de How I Met Your Mother. Donc autant dire que ça m’a fait des guillis au ventre quand j’ai entendu les premières notes dans l’épisode : enfin un truc mémorable dans un épisode de How I Met Your Mother ! Allez, pour le plaisir, on le réécoute ce morceau ! (J’ai oublié de préciser que toute personne critiquant cette chanson ou ce groupe en commentaire se verra casser la figure à son domicile par mon auguste personne. Juste pour prévenir).

Trêve de bavardage et venons en à la partie la moins intéressante, l’épisode dans sa globalité. Alors, autant être honnête tout de suite : j’ai arrêté How I Met à l’épisode Ring Up, soit le quatorzième épisode de cette saison. Depuis, je n’en ai plus rien eu à carrer de cette série qui tourne en rond et n’est pas drôle. La seule raison qui m’a poussé à regarder cet épisode, c’est bien entendu la curiosité de voir à quoi ressemble cette f…ameuse Mother. Comme tout le monde, je pense. Ah, et puis j’ai regardé l’épisode en mode gros branleur aussi (en faisant 4-5 trucs à côté), j’ai peut-être loupé des trucs (juste pour préciser mes conditions de visionnage, histoire de bien montrer que je n’en avais rien à carrer).

En tout cas, je me suis rendu compte en visionnant cet épisode qu’il ne s’est pratiquement rien passé en 10 épisodes de temps. À part Lilly et Marshall qui doivent bouger à Rome (je dirais bien tant mieux mais je n’y crois pas trop), rien de nouveau dans la série. Ted pleurniche toujours sur le fait qu’il n’a pas trouvé l’amour de sa vie (franchement, le jour où je deviens comme ça, venez me foutre un coup de pied dans les burnes), Robin et Barney doivent toujours se marier, Lilly et Marshall sont inutiles (surtout Lilly) et ce n’est pas drôle. Bref, j’ai l’impression d’être un petit vieux qui radote puisque je peux copier-coller cet avis sur les trois précédentes saisons (grosso modo).

Bis Repetita Placent

Donc, cette semaine, nous avons le droit à nouveau à trois intrigues autour des différents personnages : Ted et Lilly, Marshall et le duo Barney/Robin. Ted, comme je l’ai dit, pleurniche une nouvelle fois sur le fait de ne pas avoir trouvé l’amour de sa vie. Il décide donc de vendre sa maison pour partir vivre à Chicago, là où il pourra peut-être la trouver. En fait, Lilly, qui n’est pas idiote (pas complètement) comprend très vite que si Ted veut partir, c’est pour s’éloigner de Robin parce qu’il a toujours des sentiments pour elle (sic). On en vient finalement à une histoire de collier que Robin voulait porter pour son mariage avec Ted mais qu’elle a caché (je n'ai pas trop cherché à comprendre, ça remonte à la saison 4 et le mariage de Ted et Stella), que Ted retrouve et qu’il compte bien offrir pour le mariage de Robin et Barney (pour quoi faire, je m’en fiche totalement).

Bref, l’histoire de Ted est non seulement répétitive (Ted + Robin, franchement) mais elle est également gonflante. Ou alors c’est la lassitude de toujours voir la même rengaine ? Josh Radnor arrive à bien faire passer la détresse de Ted avec son air de chien battu mais j'ai vu ça tellement de fois que ça ne passe plus. Et franchement, je me demande parfois s'il n'en a pas marre de toujours rejouer la même scène tellement c'est vu, re-vu et encore re-re-vu. Même Lilly qui se posait la en confidente et était supportable se voit obliger de nous ressortir pour la 1500ème fois son fameux "Where is the poop ?". Allo ? Non mais allo quoi ? Une catch phrase c'est bien qu'en c'est drôle, c'est comme si je disais que... (j'arrête là sinon il faudra que je paye des droits et ça m'embetterais beaucoup).

Surtout pas d'allusions lourdes, que des mé-ta-phores..

Marshall de son côté ne s’en sort pas vraiment mieux en s’exilant dans sa famille, pour que sa maman puisse dire au-revoir à son petit fils. Ce qui est l'occasion de nous offrir un paquet de gags à deux balles autour de la belle-mère qui ne veux pas laisser partir son fils à l’étranger, comme toute bonne sitcom des années 80. C’est à chier mais c'est probablement ce qui se rapproche le plus du mot humour dans cet épisode (l’humour selon Anne Roumanoff hein, pas la définition commune). Finalement, Marshall est contacté pour prendre un poste de juge (il avait postulé en début de saison), ce qui va contrarier son voyage avec Lilly… Tin tin tin, intrigue de saison 9 : Marshall va devoir annoncer la vérité à Lilly, comment va-t-elle réagir ? Suspense… Là encore, pas super folichon même si les échanges téléphoniques de Marshall n’était pas foncièrement mauvais. Mais c'est tellement attendu et convenu qu'on ne ressent rien.

Et pour finir, on en vient au couple de futurs mariés, Ted Barney et Robin. Lesquels décident de pourrir la vie d’un autre couple qui ne supportait pas l’odeur des cigares et qui leur avait piqué leur place au restaurant. Ils y arrivent et finalement, ils n’y arrivent pas. Voilà voilà. Sinon vous connaissez la blague de l’homme sans pouce ?

How I See The Mother For The First Time

Tout ce remplissage nous conduit au meilleur moment de l’épisode, la chanson des Shins ! Tout le monde est sur le départ pour se rendre à Farhampton où aura le lieu le mariage : Ted et Lilly qui ont le super collier de Robin, Marshall qui se demande comment il va annoncer son départ à Lilly et Robin et Barney qui ont l’air super heureux d’aller se marier. Et là, Ted annonce qu’il partira rapidos après le mariage, en prenant le train.

Et là, bim, on est dans une gare et on voit des bottes. Oh mon dieu, les bottes de la Mother ! Retour sur les différents personnages de la série qui partent puis de nouveau la gare. Oh mon dieu, l’étui pour la basse de la Mother et son parapluie jaune ! Zoom sur la tête des différents personnages (je fais la même tête que certains quand je vais à la selle le matin) et enfin, terminus à la gare avec la Mother !

On pense à vous sur Serieall, on ne vous spoile pas. Pas comme CBS sur sa page Facebook...

Parce que oui, ça y est, on a vu la Mother, on sait à quoi elle ressemble ! Alors Ted ne l’a pas encore rencontré (faut garder de la substance pour la saison 9 quand même) mais on nous la montre quand même. Pourquoi ? Tout simplement parce qu’ils avaient promis qu’on la verrait cette saison (au départ, la saison 8 était la dernière) et que les showrunners se seraient fait insulter de bêtises s’ils ne la montrait pas.

Et du coup, le passage est franchement mal foutu : la Mother est dans son coin, on ne sait rien d’elle, n’a aucune interaction. Ils auraient pu nous la montrer en fin de saison 5, 6 ou 7, ça aurait été pareil tant le passage est déconnecté du reste. Je veux dire, si on l’avait vu discuter avec Robin ou Barney, voir Lilly ou Marshall, on se serait dit : « Tiens, c’est machin qui la connait, c’est qui ? Sa sœur, une amie ? ». Il y aurait eu un intérêt, un sujet de discussion. Là, elle est tellement déconnectée du reste que l’on aurait pu montrer un Orang-outan que ça n’aurait choqué personne ni apporté plus d’informations. Ok, on l’a vu mais c’est tout. On ne sait rien de plus : après tout, la série, c’est bien How I Met Your Mother, pas Your Mother Looks Like What ?

Et du coup, bah, on en est réduit à des considérations physiques sur cette Mother. « Bof, pas top » « Ouais, mais Ted ce n’est pas un canon non plus » « Il s’est tapé des bonnasses, celle là fait tâche » « Elle ressemble un peu à Lilly » « Elle a un accent anglais ». Pathétique. Comme cet épisode au final, on reste dans le thème.

Et puis on ne peut même pas jouer au jeux des théories pour la saison 9. Si l'on en croit ce que Carter Bays aurait dit après le final de cette saison :

Our ninth season will tell the epic story of the longest wedding weekend ever. We hope you like it.

Visiblement, les scénaristes voudraient se la jouer 24 et raconter dans les détails ce mariage. Du coup, exit les théories suivantes :

Les scénaristes nous posent des flashs forward réguliers pour nous montrer comment Ted et la Mother ont vécu leurs premiers émois. On est toujours au mariage puis un petit "We have to go back" et hop, flashforward.
Les scénaristes nous posent des flashs back sur le trajet de la Mother depuis huit ans, avec les scènes déjà vues du point de vue de la Mother (le premier cours de Ted, les scènes parapluie, la colloc, ...)
Un mélange des deux
Les daleks débarquent au mariage, le doctor enlève la Mother et les voilà partis pour d'incroyables aventures

Non, on va se taper 24 épisodes sur le mariage, avec les voeux de Barney et Robin en version extended, un Marshall ivre, une chenille de 18 minutes et une combo Viens boire un petit coup à la maison/Le petit vin blanc/Le petit bonhomme en mousse. Après tout, 24*22 minutes, ça ne fait que 9 heures, c'est même pas la durée d'un vrai mariage. Personnellement, ça ne me donne pas envie d'en savoir plus. Mais sait-on jamais, ils réussiront peut-être leur sortie...

Une fois de plus, How I Met nous offre un épisode de piètre qualité. Pire : l’introduction de la Mother est complètement ratée, alors que ça aurait dû être le moment fort de l’épisode, de cette saison voir des trois dernières. La seule chose à retenir c’est la chanson Simple Song des Shins, qui fait du bien par où elle passe. Toujours est-il que ce n’est pas cet épisode qui va me faire reprendre la série ensuite.

J’ai aimé

Simple Song des Shins (mais je crois que je l’ai déjà dit, non ?)

Je n’ai pas aimé

How I Met Your Mother

Le come back de Jack Bauer

Thu, 16 May 2013 09:46:24 +0200

Le Bruce Willis de la série TV effectuera son retour l’année prochaine…

Longtemps considéré comme une rumeur urbaine, le retour de 24 a désormais été officialisé par la FOX. Notre ami Keith Sutherland reviendra donc en mai 2014 pour une nouvelle saison de seulement 12 épisodes (et non pas dans un téléfilm comme ça l’a été souvent annoncé). On a même le droit à un joli titre en prime : 24 - Live Another Day.

Cela fait déjà trois ans que Jack Bauer n’a pas sauvé les Etats-Unis, cela ne pouvait plus durer ! Plus sérieusement, devant les échecs récurrents de ses dernières séries (Alcatraz pour ne citer qu’elle), la FOX espère retrouver le succès avec l’une de ses séries phares d’antan.

Keith Sutherland ayant terminé son rôle dans Touch et la base de fans de 24 étant encore conséquente, tous les voyants sont au vert pour que le show reprenne efficacement !

Un premier trailer pour le retour d'Arrested Development

Wed, 15 May 2013 16:25:18 +0200

Vous ne le saviez peut-être pas encore mais Netflix a décidé de ressusciter la série Arrested Development précédemment diffusée sur la FOX. Cette nouvelle saison (la quatrième) se dévoile à travers ce trailer et une chose est sûre, l’esprit de la série semble conservé pour notre plus grand plaisir.

Pour ceux qui ne connaissent pas la série, en voici le résumé :

Veuf avec un fils de 13 ans, Michael est parti s'installer en Arizona pour débuter une nouvelle vie loin de sa riche famille. En apprenant l'arrestation de son père suite à des magouilles financières, Michael est contraint de rentrer auprès des siens.

La série revient sur les écrans le 27 mai. Pour certains rédacteurs de SerieAll, Arrested Development fait partie du haut du panier des séries comiques avec un humour très particulier et propre au show. A bon entendeur…

Critique : Mad Men 6.04

Sat, 27 Apr 2013 17:22:37 +0200

Cette semaine dans Mad Men, les femmes sont au coeur de la série. Enfin Joan, yes !

La semaine dernière, je me plaignais de n'avoir toujours pas pu beaucoup voir Joan en ce début de sixième saison. Dans l'épisode de cette semaine, c'est non seulement chose faite, mais la série nous donne à voir plus globalement plusieurs portraits de femmes, tous différents mais pouvant être une variation possible de la condition féminine à cette époque. Et pendant ce temps là, Don tombe encore un peu plus dans les abîmes de sa conscience.

Mad Men et les femmes

Comme vous le savez, lors de la saison précédente, Joan avait été promue associée de l'agence. La série n'avait pas encore pris de temps de réellement explorer ce nouveau statut professionnel, particulièrement inhabituel pour une femme à cette époque. Ainsi, lorsque sa soeur vient lui rendre visite, elle compare sa situation de femme rangée et qui a réussi professionnellement avec la sienne, qui a également réussi professionnellement, mais qui ne l'assume pas encore pleinement. Pourtant, sa soeur l'admire pour avoir atteint une si haute place dans son agence, mais j'ai l'impression qu'elle n'y est pas à l'aise. A l'agence, elle en vient à virer un peu abusivement une employée comme pour prouver son autorité, tandis que Harry réclame la même place qu'elle en prétextant que LUI au moins, il l'a mérité. Malgré tout, le procédé du licenciement pour assurer son autorité avait déjà été employé par Peggy dans la saison 4, où Joan avait d'ailleurs été la cible d'une raillerie en rapport avec son physique et sa position sociale.

Peggy, de son côté, entre bel et bien en concurrence directe avec Don, ici pour Heinz. Le face à face à la sortie de son rendez-vous entre son agence et celle de Don en est d'ailleurs totalement joussive. Comme l'illustre bien le passage où elle s'approprie une citation de Don pour amadouer le client, elle dispose désormais des mêmes armes et dépasse peut-être bien à présent le maître. Ainsi, contrairement à Joan qui a encore du mal à trouver sa place, Peggy s'est totalement intégrée à son milieu, et encore plus surprenant, son statut de femme ne semble plus du tout lui faire défaut.

Don et les femmes

Quant à Megan, plus elle s'épanouie dans sa carrière d'actrice, plus Don et elle semblent s'éloigner. Ou plutôt, Don semble s'éloigner d'elle. En effet, s'il se montre d'abord plutôt compréhensif lorsqu'elle lui annonce qu'elle va avoir plus ou moins une scène d'amour, il change radicalement de comportement une fois la scène devant ses yeux. On peut d'ailleurs remarquer que la seule fois où il vient la voir sur son lieu de travail, c'est lorsqu'il sait qu'il va se passer quelque chose qui ne lui plaît pas. S'en suit alors une dispute entre les deux, qui ne dure pas très longtemps car Don préfère couper court et aller voir sa maîtresse.

Don est non seulement hypocrite, mais il est en plus incapable de faire un effort pour faire fonctionner son couple. Quand tout se passe bien, tout va bien, et quand ça se passe mal, il va voir ailleurs. Difficile de dire en revanche s'il est complètement détaché à son couple, où s'il se refuse tout engagement, comme en témoigne son « good luck » en réponse au « I love you, wish me good luck » de Megan. Ou alors, c'est peut-être les deux, car Don peut jouer plusieurs rôles, et personne n'est dupe.

En tout cas, Megan, elle, semble beaucoup plus dépendante de son couple, et ça ne m'étonnerait pas qu'elle finisse par s'apercevoir que son mari la trompe. Car même si elles ont à peu près le même âge, Betty et Megan semblent appartenir à une génération différente dans le rapport homme/femme au sein du couple. La chute de Don approche, mais reste à savoir si sa chute emportera Megan avec lui ou si elle arrivera à redresser la barre à temps et peut-être, qui sait, provoquer un chagement important chez Don. Car Megan, c'est la jeune fille pleine d'énergie et de bonne volonté, mais pourtant ce n'est pas elle qui se lance dans un trip échangiste psychédélique. Ce sont des femmes un peu plus mures, comme Joan, qui ont sans doute plus de regrets.

J'ai aimé :

L'ambiance psychédélique de l'escapade de Joan et sa soeur
Le face à face entre la team Don et la team Peggy
Et puis comme toujours, une bonne partie du reste

J'ai moins aimé :

J'ai du mal à voir où ils veulent en venir avec l'évolution de Don
Une légère redite de la série lorsque Joan essaye d'assurer son autorité

Ma note : 13/20.

Critique : Game of Thrones 3.04

Tue, 23 Apr 2013 19:33:57 +0200

Au menu cette semaine dans Game of Thrones : de la pisse de cheval, une grosse saucisse, des corbeaux à la broche et un délicieux méchoui !

Cette semaine, au terme du coup de massue final, on ne peut que se rendre à l'évidence : ça y est, après deux très bons épisodes d'introduction et un troisième épisode qui n'apportait pas grand chose au schmilblick (si ce n'est un petit coup de main...), la saison est désormais vraiment lancée. Et ça fait du bien. Retour sur un épisode qui démontre encore une fois, s'il en était besoin, la capacité du show à nous faire vibrer quasiment sur commande.

The Bear and the Maiden Fair

Ma première satisfaction concernant l'épisode réside dans sa structure même : si la semaine dernière, nous avions eu droit à une offrande hachée, enchaînant moult petites scénettes pas forcément toujours pertinentes, force est de constater que cette semaine, le montage fait preuve d'un peu plus d'astuce. Ainsi, les fans absolus de Jon, Robb, Cat ou Stannis devront patienter jusqu'à la semaine prochaine pour revoir leurs idoles, tandis que les autres savoureront cet épisode qui laisse plus de place aux autres personnages, au travers de scènes qui révèlent toutes un certain intérêt : allez, pour pinailler, on pourra juste préciser que la scène de Bran, aussi belle soit-elle, semble un peu inutile, et rappeler qu'on subit encore le délire sur le gros chibre de Podrick (un des fils rouges de la saison, j'ai l'impression).

Une des intrigues qui bénéficie le plus de ce traitement est bien entendu celle de Jaime et Brienne : difficile, en effet, de les laisser de côté après le cliff monumental de la semaine dernière ! Et au travers de deux scènes, c'est tout le personnage de Jaime qui est remis à plat, tel un chantier quasiment vierge ouvert à une nouvelle construction : l'homme n'est plus que l'ombre de lui-même, a perdu sa raison d'être et même, plus largement, la chose qui le définissait véritablement en tant qu'homme. C'est en effet de sa main d'épée que dépendait sa gloire, cette main même qui a fait de lui un membre de la Garde Royale, qui a assassiné le Roi Fou, qui lui a permis de survivre et de s'affirmer, et qui servait même certainement à entamer à l'occasion les petites soirées familiales avec sa soeur. Aujourd'hui, cette main pend inerte au bout d'un fil, morte et inutile, tel un symbole de honte sur le poitrail d'un homme qui aurait pu un jour, s'il l'avait souhaité, porter le prestigieux insigne de main du Roi.

On peut dire que cette fois-ci, Jaime a vraiment la main... au collet ! YEEEEEEAAAAAH !

Et cet événement tend également à faire basculer la relation entre le Lannister et son escorte : face à cet homme qui subit humiliation après humiliation et s'enfonce de plus en plus dans le désespoir, Brienne apparaît comme un symbole de force et d'honneur, voire comme la seule personne capable de ramener Jaime vers le haut. La scène où elle tente de le galvaniser par la vengeance prend ainsi la forme d'un subtil glissement de valeurs, la grande ganache allant même jusqu'à le traiter de « bloody woman » (ça a du plaire à Altair, ça !). Dans les heures sombres, le duo commence à se souder, laissant voir plus que jamais la formidable alchimie qui existe entre les deux personnages, et même entre leurs deux interprètes.

Les mystères de King's Landing

Du côté de King's Landing, c'est plutôt bien construit également : les scènes se suivent et se répondent, chacune pouvant être vue sous un jour plus ambivalent une fois mise en relation avec les précédentes. La série nous montre encore une fois son goût pour les faux-semblants et les séquences aux sens multiples, lesquels se dévoilent aux yeux du spectateur par quelques indices subtils, qu'il s'agisse de répliques cinglantes et bien senties (la Reine des Epines excelle vraiment dans ce domaine !) ou bien de scénographie pure : à ce titre, si la scène du Conseil m'avait paru bien lourdingue la semaine dernière, j'ai au contraire trouvé la séquence dans le Grand Septuaire de Baelon bien plus juste de ce point de vue là, la position des personnages et leur progression dans l'espace étant intégrée de manière plus fine et résumant pourtant parfaitement les évolutions et les enjeux de leurs relations (Cersei entourée par les Tyrell, faisant face impuissante au dos de son fils qui n'a même pas pour elle un regard, aveuglé par une gloire miroitante).

J'ai prié pour qu'un sniper nous refasse le coup de Dallas, 1963.

Le jeu des trônes continue donc plus que jamais à King's Landing, impliquant une palette de personnages qui s'ancrent dans une variation de statuts (du pion au joueur) appelée à évoluer dans notre perception d'épisode en épisode : à ce titre, l'épisode nous confirme clairement que les Tyrell jouent un jeu plus ambigu qu'il n'y paraît et ont assurément un rôle plus ou moins direct à occuper dans les plans des principaux acteurs en place à Port-Réal (les Lannister, Varys et Littlefinger).

Outre cette simple perspective du jeu des trônes, les scènes de King's Landing nous offrent en prime quelques séquences de confession assez bienvenues : ainsi, le dialogue entre Cersei et Tywin, en plus d'expliciter la position de ces personnages vis-à-vis de Joffrey, brosse le portrait d'une femme à la fois ambitieuse et soumise à son père et continue de dépeindre des relations familiales pour le moins ambivalentes dans la maison Lannister. La confession de Varys, quant à elle, si elle est amenée bien maladroitement, n'en confère pas moins un peu plus d'épaisseur à l'un des personnages les plus mystérieux de la série, le tout sur un ton qui lui est propre, articulé autour d'une constante dialectique entre le sérieux et l'ironie. Et à ces scènes répondra un peu plus tard, dans un contexte radicalement différent, une autre confession, celle de Théon (z'avez vu cet art de la transition ?) : là encore, le monologue sort de nulle part, mais on ne peut malgré tout que prendre pitié du jeune Fer-Né, qui n'est assurément pas un mauvais bougre (contrairement au bâtard de Bolton, qui dévoile enfin son vrai visage) et qui, rongé par le regret, nous tape une petite crise d'identité devant son bourreau qui n'en a assurément rien à foutre.

Dracarys !

Bon, tout ça c'est bien joli, mais il faut désormais s'attaquer au vrai point fort de cet épisode, à savoir son dernier tiers en trois actes plus marquants les uns que les autres. Le Nord obtient enfin son premier vrai morceau de bravoure de la saison avec la mutinerie des corbeaux : la scène est fort bien écrite, nous faisant bien sentir le glissement irrémédiable vers une situation d'extrême-violence, avec ces parricides et fratricides symboliques qui déchirent la Garde de Nuit de l'intérieur. La scène d'Arya, si elle peut paraître moins frappante au premier abord, n'est pourtant pas en reste : l'introduction du personnage de Béric Dondarrion nous permet de découvrir un personnage qui pue déjà la classe, et qui baigne qui plus est dans une mythologie déjà fascinante.

« The bitch has her army », dixit la Torche Humaine

Mais ne nous voilons pas la face, LA scène de l'épisode est à chercher du côté de Daenerys : la prestance qu'a prise cette dernière au fil des saisons est juste incroyable, et cette fierté impitoyable qui la caractérise désormais nous montre bien qu'elle a l'étoffe d'une vraie Targaryen. Impossible de ne pas être pris de frissons devant ses talents de tribun (Emilia Clarke est transfigurée, bordel), devant ce déferlement de violence expiatoire, devant la puissance draconique enfin à l'oeuvre, devant ce défilé de soldats entièrement voués à sa cause. Au terme de cet épisode, Daenerys est clairement en position de force, et nous ne pouvons en tant que spectateur que s'allier à sa cause, tant sa stature nous impressionne : mais le jeu des trônes peut basculer à tout moment, et nul n'est à l'abri d'une surprise... Quels rebondissements nous réserveront les prochains épisodes ?

J'ai aimé

Daenerys !!!
Une structure d'épisode un peu plus travaillée
L'évolution du tandem Jaime/Brienne
Le jeu des trônes plus actif que jamais à King's Landing
La disparition du Vieil Ours et l'introduction de Béric

J'ai moins aimé

Des scènes de confession réussies, mais assez mal amenées
Oui oui, c'est bien Podrick, tu as une belle quéquette... Tu veux un bonbon ?

Note : 16/20

And Now His Watch is Ended est donc l'épisode qui lance vraiment cette troisième saison : quasiment tout y est passionnant, et certains grands évènements du troisième tome de la saga commencent à s'y faire jour de la plus belle des manières. Et quand on sait que le meilleur est encore à venir, il y a de quoi avoir le vertige.

Critique : Mad Men 6.03

Sat, 20 Apr 2013 00:30:28 +0200

Mad Men continue sur sa lancée avec un épisode cette fois-ci très soapesque, comme elle sait si bien les faire.

Mad Men est un soap. Ceux qui la regardent s'en sont aperçus avec le temps, et, non, ce n'est pas un défaut. La preuve avec cet épisode, qui remet entre autres sur la table les infidélités de notre mystérieux Don Draper avec une classe et un sens scénaristique exemplaires.

Un retour en arrière pour Don Draper ?

Oui, mais en fait non. A première vue, c'est en tout cas ce dont on a l'impression. En effet, parallèlement à Pete, Don se remet à avoir une maîtresse, comme au temps où il était en ménage avec Betty. Alors j'avoue que personnellement, j'ai trouvé que cette relation sortait un peu de nulle part. C'est dire, sans le previously on, je ne me serais pas souvenu qu'il la connaissait déjà.

Néanmoins, une fois passée cette mise en place un peu maladroite, cet épisode permet un contraste très intéressant entre Don et Pete, qui vivent des situations similaires mais se déroulant d'une manière complètement différente. Ainsi, l'épisode commence avec Pete et sa femme, qui, chacun de leur côté, flirtent avec deux autres personnes. Là où Trudy s'en sert comme d'une petite distraction gentillette qui se termine dans la minute, les intentions de Pete sont en revanche beaucoup moins inoffensives, essayant sans doute de se remettre de sa séparation avec sa précédente maîtresse lors de la saison 5.

Puis, vient ensuite le ressort classique du soap, à savoir la rencontre entre la femme et la maîtresse, qui survient ici pour Pete comme pour Don. Sauf que là où Don garde son côté mystérieux et est doué pour sauver les apparences (ce qui ne l'excuse bien évidemment pas pour autant, hein), Pete ne parvient pas à garder son infidélité secrète très longtemps. D'ailleurs, lorsque l'on assiste à la scène où Trudy décide de prendre les choses en main face à un Pete désarçonné, on découvre que finalement elle ne lui repproche pas vraiment son infidélité, mais le fait qu'il ne la cache pas assez bien ! Une fois de plus, on se rend compte de la condition féminine à cette époque là, où l'infidélité (masculine) est quasiment la norme.

Pete Campbell, ancêtre du beauf d'aujourd'hui ?

Concernant Don, son infidélité lui cause beaucoup plus de dommages psychologiques que «publics». Car en effet, la double vie qu'il mène en permanence n'arrange pas sa crise d'identité, qui commence à s'accentuer en ce début de saison. Double vie d'ailleurs parfaitement illustrée par la mise en scène lorsque qu'il découvre en rentrant chez lui sa femme en train de discuter avec sa maîtresse. Filmés en champs/contrechamps, les trois personnages ne se retrouvent jamais dans le même plan, et lorsque c'est finalement le cas lors à la fin de la scène, Don ne croise jamais le regard des deux femmes en même temps.

Don Draper, c'est la réunion de ces deux modes de vie, de ces deux masques. Et, comme quelqu'un le cul entre deux chaises, à force de jongler entre l'une et l'autre, il va finir par tomber. Et c'est justement là que sa situation conjugale différe des saisons précédentes. Car on sent que malgré tout ce qu'il dit à sa maîtresse, il éprouve un attachement sincère à Megan. De l'amour, peut-être pas, mais il n'y a qu'à voir la scène où il apprend que Megan a fait une fausse couche pour s'en rendre compte qu'il n'agit pas comme avec Betty. Encore plus qu'avant, Don ne sait pas ce qu'il veut.

Au final, on a l'impression que l'infidélité est comme une drogue pour lui : dès que quelque chose va un peu de travers dans sa vie, il ne peut pas s'en empêcher. D'ailleurs, la scène au restaurant entre lui et sa maîtresse pourrait être interprétée comme une tentative de s'en débarasser indirectement. Son lieu de travail est également affecté, puisqu'il saborde volontairement sa réunion avec Jaguar. Encore plus évident, alors qu'un nouveau concurrent à Heinz semble plus efficace, il préfère rester fidèle à son client d'origine.

Trauma, fausse couche et trahison

Mais les infidélités de Pete et Don ne sont pas les seuls éléments tenant du soap dans cet épisode. En effet, on apprend également que Megan a fait une fausse couche. Bon, voilà encore un élément qui, je trouve, sort un peu de nulle part. On a un peu l'impression d'une intrigue sortie du chapeau des scénaristes pour appuyer le thème de l'épisode. C'est sans doute en partie vrai, mais, malgré tout, cela permet de renforcer le lien entre Megan et Don. Le comportement de ce dernier lorsqu'il l'apprend pourrait d'ailleurs être considéré comme une attention qui sonne faux lorsque l'on connaît le passé du personnage. Mais sincèrement, je ne pense pas que ce soit cette fois-ci le cas.

Un regard appuyé, une main tenue, pas de cigarette à la bouche : trop sincère pour Don Draper ?

Pour rester dans la partie un peu what the fuck, j'avoue que j'ai pour l'instant du mal à saisir les passages dans la maison close. Certes, cela garde une certaine cohérence avec les quartiers pauvres de New York montrés lors du season premiere. Mais c'était fait par l'intermédiaire de Betty. Ici, à moins d'un sacré trou de mémoire, nous ne connaissons aucun des personnages présentés, et l'intrigue n'a aucun rapport direct avec le reste des personnages de la série. Du coup, bon, c'est bien mis en scène et je me serais presque cru dans Boardwalk Empire, mais ça me laisse dubitatif. Nul doute que j'aurais matière à en reparler dans une autre critique, car ça me surprendrait que les scénaristes en restent là.

Du côté de Joan, eh bien encore une fois, on ne la voit pas beaucoup. J'ai un peu l'impression que les scénaristes ne savent plus trop quoi faire de son personnage. Pourtant, montrer son implication en tant qu'associée pourrait être très intéressant. Ou alors, c'est tout simplement parce que en 2h15 de série, ils n'ont pas eu le temps de développer une intrigue la concernant, ce qui est possible car la série prend son temps, et le fait bien. Quoi qu'il en soit, sa courte apparition était réussie, avec des répliques piquantes face à un client particulièrement graveleux (c'est peut-être celui avec qui elle avait été obligée de coucher, je ne m'en souviens plus). On sent tout de même que malgré sa force de caractère, le machisme ambiant des hommes commence à peser sans pour autant qu'elle puisse y changer quoi que ce soit.

En fait, la meilleure surprise de cet épisode, c'est Peggy, qui commence à entrer en concurrence avec l'agence qu'elle a quitté la saison dernière. Elle a encore quelques scrupules à tromper ses anciens collègues pour récupérer leur client, mais on sent que l'ambition va sans doute finir par l'emporter. En tout cas, c'est assez amusant de la voir se comporter comme le faisait Don avec elle, et j'ai hâte de voir la suite de son évolution.

J'ai aimé :

Un bon équilibre entre les personnages dans chaque épisode (sauf Joan)
Une gestion savoureuse et toujours classe des intrigues « de ménages »
La mise à plat du personnage de Don Draper tout en évitant la redite

Je n'ai pas aimé :

En deux épisodes, presque pas de Joan !
Les passages dans la maison close, un peu out of show

Ma note : 13/20.

Critique : Doctor Who (2005) 7.09

Wed, 17 Apr 2013 17:08:10 +0200

Doctor Who versus le monstre-soldat de glace dans un sous-marin qui vient de Mars (le monstre, hein, pas le sous-marin)

Cette semaine, un conflit intérieur a pris possession de moi:

J’adore les films de sous-marin, sous genre cinématographique d’excellence si il en est et qui a produit une belle flopée de très bons films, de Das Boot à la Poursuite d’Octobre Rouge.
Je déteste les épisodes historiques de Doctor Who. Le schéma est connu et il repose sur le pitch même de la série : le Tardis est une machine qui voyage dans le futur (d’où l’épisode précédent) et dans le passé et toutes les saisons reposent sur ce même schéma. Autant les épisodes « guide de voyage dans le futur » me font rêver, autant les épisodes historiques m’ennuient profondément (mention spéciale pour " un Loup-Garou royal " ). Pourtant avec Mark Gatiss au scénario, j’avais un peu d’espoir pour cette histoire de sous-marin pris dans le conflit de la Guerre Froide.

Mark and Steven

Mark et Steven sont de bons copains. Malgré leurs différences (Mark est autant anglais que Steven écossais), ils partagent tout deux un amour immense pour Doctor Who, qui a bercé leur enfance. Mark est un très bon acteur et Steven, un très bon scénariste. Pourquoi alors ne pas travailler ensemble se demandent-ils ? Cela tombe bien puisqu’il se trouve que Mark est aussi scénariste. Faisons notre propre série alors ! Cela donne le très bon Sherlock, encensé un peu partout. Pourtant Mark a un vrai problème : il ne sait écrire que des scénarios de vingt minutes. Passé cette limite, il n’est plus capable de rien et fait du remplissage. A une exception près (Sherlock 1x03), cela s’est toujours vérifié. L’exemple le plus flagrant de cette faiblesse d’écriture, c’est l’épisode " Victory of the Daleks " qui s’arrête littéralement vingt minutes avant la fin, en bouclant toutes ses intrigues.

Et c’est un peu la même chose ici. Mark Gatiss a beau multiplier les références à la série classique et aux films d’horreur (Alien est même indirectement cité), l’intrigue prend fin dès que l’Ice Warrior quitte son armure. Il y a bien quelques jolis passages ça et là (dont un dialogue réussi entre Clara et le scientifique), mais l’ensemble de l’épisode est constitué de beaucoup trop de scènes de couloirs pour qu’on se laisse prendre. C’est vraiment dommage car le contexte global de la guerre froide aurait davantage mérité d’être creusé plutôt que de se cantonner au simple jeu de mot du titre.

Steven et la saison 7

Depuis début septembre et le début de cette saison 7, on se pose tous des questions sur le vrai but de la saison : en effet, pour la première fois depuis 2005, la série est divisée en deux avec deux compagnes différentes. J’ai logiquement cru à un double fil rouge pour la saison : une première partie hommage à Amy-Rory et une seconde partie sur Clara, introduction aux 50 ans de la série. Je m’étais lourdement trompé. La première partie s’est avérée être davantage une suite de blockbusters aux concepts forts et aisément pitchables qu’une intrigue centrée sur Amy-Rory. Et il semblerait bien que cette seconde partie de saison emprunte la même voie. Cet épisode nous en donne la clef : la saison sept est un gigantesque hommage aux épisodes classiques de la série. Point donc de fils rouge ou d’arcs narratifs complexes, Steven Moffat a préféré faire une pause et nous propose une suite de loners qui reviennent au fondement de la série : un show fait pour les enfants. Vous voulez des Daleks ? Alors, nous avons Asylum of Daleks ! Vous voulez Doctor Who au Far West ? Alors, nous avons A Town Called Mercy ! Vous voulez le retour d’anciens monstres ? Alors, nous avons Cold War !

Dans cette optique de blockbuster, Steven Moffat confie chaque épisode à un scénariste prestigieux. Nous avons eu la semaine dernière Neil Cross, showrunner de Luther (il reviendra la semaine prochaine), nous avons Mark Gatiss et nous auront Neil Gaiman (scénariste de l’absolument fabuleux Doctor’s Wife et créateur du tout aussi excellent Sandman) et Stephen Tomphson (scénariste de deux épisodes de Sherlock). On comprend tout à fait que dans cette optique, Peter Jackson veuille aussi sa place.

Du coup, chaque épisode peut s’apprécier différemment puisqu’il y en a clairement pour tous les goûts. L’épisode de cette semaine a, par exemple, du ravir les fans des épisodes classiques puisque tout y est : monstres légèrement ridicules, courses à travers les couloirs, la compagne en détresse, une baisse de rythme au milieu de l’épisode, des effets-spéciaux cheap (mention spéciale au sauvetage du sous-marin par le vaisseau alien) et un discours grandiloquent du Docteur. Ce qui change en 2013, c’est le soin apporté à l’esthétique de la série (les plans intérieurs sont encore très beaux) et l’accumulation jusqu’à l’excès de guests britanniques prestigieux. Pour vous donner une idée, la venue de David Warner (qui joue ici le professeur Grisenko), c’est un peu comme si Jean Piat venait faire un tour dans Hero Corp. Bref, l’épisode remplit parfaitement son rôle de pastiche/hommage. Guère plus.

Le coin du connard (par Tan)

Dans Doctor Who, l'habit ne fait pas le moine : Moffat l'a prouvé, voici deux épisodes. Par contre, l'armure fait définitivement le méchant. Entre les Daleks, les Cybermens, les papates de l'espace et maintenant le gladiateur moche de Mars, ça fait quand même un sacré nombre de créatures relégués du mauvais coté de la morale juste à cause de leur carapace. En plus tous ont besoin de cette armure pour survivre, c'est honteux de faire une telle ségrégation envers les handicapés. Alors qu'il est si simple de les intégrer...

Prenez Mister Freeze (Batman), Darth Vader (Star Wars) ou les Borgs (Star Trek) ce sont tous de gentils personnages toujours prêt à faire une belote. (Note à moi-même : Je n'ai vu/lu aucun des trois. Je devrait quand même les matter pour vérifier que je ne dit pas de conneries...)

Le coin du fan (par Koss)

Cette semaine, focus sur le méchant de la semaine : l’Ice Warrior.

Apparu pour la première fois en 1967 dans une aventure avec le Second Docteur, les Ice Warriors n'ont au final fait que très peu de petits coucous dans la série. Il est d’ailleurs intéressant de noter que le postulat de base de Cold War reprend celui de l’épisode éponyme de leur première apparition : « Un groupe de scientifiques découvrent les Ice Warriors en creusant dans la glace ». Depuis 1974, ils n’étaient plus apparus dans la série (Tennant y fait toutefois référence dans The Water of Mars). Steven Moffat, du reste, était contre le retour de ces monstres les jugeant « peu sérieux » : il a fallu toute la diplomatie de Mark Gatiss pour le convaincre. Vivement que Steven Moffat fasse revenir le Lakertyan, tiens !

Cold War, en dépit de ses nombreux ratés, donne enfin l'occasion de comprendre l'objectif final de Moffat sur cette saison 7 : faire un hommage à la série classique. Et en attendant, pour une vraie saison de Docteur Who, il nous faudra patienter jusqu’en 2014...

J’aime :

Liam Culligan (Davos dans Game of Thrones) enfin classe en capitaine de vaisseau.
La réaction de Clara face à la mort brutal d'un personnage.

Je n’aime pas :

L’Ice Warrior, beau monstre en carton.
Pourquoi le Docteur et Clara continuent de parler le russe alors que le Tardis n’est plus la ?
Toujours pas de fil rouge (il n’y en aura pas de toute façon).

Ma note : 11/20.

Critique : Spartacus: Blood and Sand 3.10 - Tout a une fin

Wed, 17 Apr 2013 17:04:50 +0200

Après trois saisons de bons et loyaux services, Spartacus et sa bande tirent leur révérence dans un dernier combat épique et exaltant avec comme seul objectif la liberté.

La fin d’une série est toujours quelque chose très compliquée à gérer : les scénaristes doivent à la fois sceller convenablement le destin de tous leurs personnages en même temps que de conclure les différentes intrigues. Bien entendu, tout cela doit être fait sans pour autant frustrer ou décevoir les fans de la première heure. Pour sa part, Spartacus nous offre une fin plus qu’excellente, bien au-dessus de ce que l’on aurait pu attendre d’elle au départ. La série de Steven S. DeKnight réussie brillamment sa sortie et s’en sort donc avec tous les honneurs…

Une série fidèle à elle-même... jusqu'au bout

L’une des grandes forces de cette série réside dans le fait qu’elle n’ait jamais cherché à être ce qu’elle n’était pas. Ainsi, cet épisode final nous propose de redécouvrir une dernière fois tous les ingrédients qui ont fait son succès : du sang, de la violence, de la stratégie et du sexe… Sulfureuse et volontairement provocatrice, elle aura donc assumé ses imperfections jusqu’au bout avec cette idée constante de rester fidèle à elle-même, contre vents et marées et malgré les nombreuses critiques. Esthétiquement parlant, ce series finale se révèle également très beau et les effets sont pour la plupart réussis. De plus, il nous épargne les sempiternels ralentis qui venaient souvent gâcher mon plaisir.

Des rebelles au top de la forme !

En ce qui concerne la bataille entre les Romains et les rebelles, on trouve également tout ce que l’on peut attendre d’un ultime affrontement. Les deux clans savent faire preuve de stratégie et mettent en place différentes tactiques pour embêter leurs adversaires, la médaille des plus grands tacticiens revenant très certainement à Spartacus et ses hommes qui font preuve d’une sacrée ingéniosité (une fosse avec des pics cachés, des échelles pour traverser, une attaque par l’arrière pour récupérer les catapultes ennemies). Cette dernière lutte pour la liberté est plus qu’à la hauteur et l’acharnement dont les rebelles font preuve amène bon nombre de rebondissements.

Si on ajoute à cela des morts, de l’amour et des larmes, on obtient un final épique à la hauteur de la série… Dans cette logique, le générique de fin s’impose comme une véritable réussite et permet aux fans de revoir une dernière fois ceux qui ont fait le succès de la série, parmi lesquels le très regretté Andy Withfield dont le cri continue de nous transpercer la poitrine. L’acteur restera pour toujours Spartacus et aura marqué le monde des séries de son empreinte.

Une question de respect

Tout au long de ses différentes saisons, la série nous a principalement habitués à des combats cruels et inhumains, où le plus important était de faire couler du sang à foison. Très souvent, ces combats étaient accompagnés d’effets spectaculaires qui rendaient ces affrontements encore plus sordides. Pour sa dernière bataille, Spartacus nous propose d’assister à une guerre qui se fait de manière beaucoup plus civilisée si je puis dire ainsi. Ici, pas ou peu d’excès de brutalité, seulement une lutte acharnée où deux clans défendent tant bien que mal leurs idéaux et leurs propres intérêts.

De ce fait, il est important de souligner que la rivalité entre Marcus Crassus et Spartacus est aussi teintée d’un certain respect. À plusieurs reprises dans cet épisode, le général romain se refuse d’ailleurs à considérer son adversaire comme un simple esclave. Même si le but des deux hommes est de vaincre l’autre, on sent que leur objectif principal n’est pas pour autant de faire à tout prix saigner l’autre. Ce qui les anime, c’est le fait de défendre ce en quoi ils croient : la liberté pour Spartacus et la grandeur de Rome pour Crassus.

Spartacus et Crassus: deux leaders face à leurs destins

À ce propos, j’ai beaucoup aimé le petit tête-à-tête entre les deux leaders en haut de la montagne. Durant ce petit entretien, les deux chefs posent les armes pour simplement discuter et comprendre les raisons de leur conflit. Cette discussion, calme et tempérée, nous prouve bien qu’aucun des deux n’est vraiment « méchant » et qu’ils n’ont fait que suivre leurs destins et leurs convictions.

Cet épisode final est donc l’occasion de retrouver le Crassus qu’on aime détester, celui-là même qu’on avait découvert au début de cette saison : un Crassus humble et respectueux qui sait reconnaître la force de ses adversaires, deux qualités qui manquaient cruellement à son fils Tiberius. C’est ce qui m’avait beaucoup plu avec ce personnage et c’est aussi ce qu’il avait perdu au fur et à mesure des épisodes. Son égard envers le chef des rebelles est tel qu’il n’hésite pas à lui dire que les choses auraient sans doute été très différentes s’il avait été romain.

Un combat qui a du sens

S’il y a bien une chose qui m’a carrément fait plaisir dans cet épisode, c’est le fait que le combat des rebelles reprenne véritablement tout son sens. Déjà dans le précédent épisode, Spartacus et ses alliés après plusieurs épisodes passés à se comporter comme des sauvages, avaient commencé à retrouver toute leur grandeur et donnaient alors l’impression de poursuivre à nouveau leur objectif initial, à savoir regagner leur liberté et venger leurs alliés.

Victory reprend exactement cette même logique avec un Spartacus au plus haut de sa forme. Le chef de l’armée rebelle tente de motiver ses troupes avec des discours qui n’ont jamais été aussi convaincants. L’occasion pour le thrace de rappeler à ceux qui l’auront accompagné et suivi pendant trois saisons que son véritable combat consistait avant tout à éradiquer l’esclavage plutôt qu’à tuer des Romains. Son discours est d’autant plus lourd de sens qu’il est accompagné par de petits flashes-back sur Varro, Sura et Mira, qui sont là pour nous remémorer l’injustice avec laquelle les esclaves avaient été traités par leurs maîtres.

Spartacus ne manque pas de mots pour remotiver ses troupes

Cet épisode redonne donc toutes ses lettres de noblesse aux rebelles et permet de redonner un véritable sens au combat qu’ils mènent depuis toutes ces années. D’ailleurs, il est intéressant de voir que Sura occupe à nouveau une place prépondérante dans le récit. Il était grand temps que cela arrive, car il ne faut pas oublier que la femme de Spartacus est quand même à l’origine de ce combat pour la liberté : C’est pour éviter que d’autres esclaves connaissent le même destin que son épouse que l’ancien gladiateur avait décidé de se retourner contre ses oppresseurs.

Enfin et pour finir de vraiment donner une légitimité à cette lutte utopique mais noble, ce dernier épisode nous offre une très belle scène dans laquelle les anciens esclaves viennent remercier Spartacus pour son engagement. Il s’agit d’un moment auquel nous avons rarement eu droit et même s’il est assez furtif, il a le don de redonner une véritable humanité au personnage tout en lui attribuant une espèce d’aura qui le situe à hauteur des dieux eux-mêmes. Spartacus s’il meurt, aura au moins eu le mérite de faire renaitre l’espoir.

Son combat reprend ici une valeur universelle, celle de la liberté. Son but n’était non pas d’accomplir une vengeance personnelle, mais plutôt d’offrir leur affranchissement à ceux qui en étaient privés. Après un début de saison plutôt sombre où nous ne savions plus trop quelles étaient les objectifs de nos rebelles, cette fin de saison leur donne l’occasion de se racheter une conduite en offrant une véritable signification à toute cette guerre.

Un destin tout tracé

Ma plus grande crainte lorsqu’il s’agit d’un series finale concerne les personnages. Si vous êtes habitués à mes critiques, vous devez en effet savoir que je ne supporte pas lorsqu’ils sont mal exploités ou mal développés. Sur ce point, Spartacus ne m’a presque jamais déçu et a souvent su donner de l’importance à tous ses protagonistes. Cet épisode final est largement à la hauteur de mes attentes et a le mérite d’offrir un épilogue à chacun des personnages qui ont marqué la série.

Gannicus: l'exemple type du martyr

Tout d’abord, on trouve Spartacus qui fait face à son destin et qui meurt sur le champ de bataille pour défendre ses idéaux. La mort du Thrace lui permet d’atteindre le statut de dieu et sa disparition a des répercussions directes sur les éléments et bouleverse le monde qui l’entoure. C’est ce qui permet de donner une puissance supérieure au personnage et de montrer que son combat aura une résonance et un impact qui iront bien au-delà de Rome. C’est aussi le cas de Gannicus qui meurt crucifié tel un martyr qui aura su donner toutes ses forces pour défendre ses croyances. Le faiseur de pluie et son allié connaissent ainsi une fin digne de leur nom, leur plus grande victoire ayant été de mourir en homme libre.

Du côté des rebelles, Agron aussi revient sur le devant de la scène et après une saison passée à jouer le rôle du copain jaloux, il retrouve ici toute sa superbe et redevient celui qu’il a toujours été : un gladiateur prêt à sacrifier sa vie pour sa liberté. Le personnage reprend la place qu’il mérite sur le champ de bataille et décide de ne pas rester à l’arrière malgré ses blessures. Par contre, Nasir a vraiment perdu de son charisme et même s’il est bien présent sur les combats, il se contente avant tout de rester le bon toutou de son namoureux.

À titre de comparaison, Laeta pour sa part reste une femme indépendante et s’impose sans aucun doute comme étant LA révélation de cette saison. Ce n’est pas le cas de Kore, victime de sa naïveté et de son dévouement pour Marcus Crassus. L’issue du personnage est assez logique et il aurait été beaucoup trop simple qu’elle rejoigne son amant comme-ci de rien n’était. Pour ce qui est des autres femmes du groupe, Naevia et Saxa, elles meurent en guerrière et auront su prouver que les femmes aussi savaient se battre, ce qui n’est pas le cas de Sybil qui jusqu’au bout m’aura agacé. Son histoire d’amour avec Gannicus ne m’intéresse absolument pas et son seul intérêt est d’avoir permis de montrer que le gladiateur pouvait aussi être tendre et romantique et qu’il savait faire de belles déclarations d’amour parfois… c’est déjà cela et de toute manière, on devra s’en contenter en ce qui la concerne.

C'est sûr que vu comme ça, tu parais vachement fort hein César ?

Côté déception, César atteint sans doute la première place du podium. Ce personnage pourtant historique n’a pas beaucoup évolué durant cette saison et même si c’est lui qui met fin au combat de Gannicus et de Naevia, il n’atteint pas toute la grandeur que l’on pouvait attendre d’un tel protagoniste et reste trop souvent dans l’ombre.

Spartacus tire sa révérence avec un excellent épisode qui donne l’occasion à tous les personnages de conclure leurs histoires avec plus ou moins de réussite. Pour sa sortie, la série nous offre un combat épique à la hauteur de ses ambitions et sans jamais chercher à être autre chose que ce qu’elle était. Elle aura toujours su conjuguer brillamment ses défauts et ses qualités, à tel point qu’on ne peut qu’être triste de devoir faire nos adieux à tous ces gladiateurs, qui trois saisons durant, se seront battus pour défendre leurs convictions. Une page se tourne et la nostalgie commence déjà à se faire ressentir…

J’ai aimé :

Le fait que la série assume ses imperfections jusqu’au bout
Les stratégies qui donnent un côté imprévisible à la bataille finale
L’esthétique de l’épisode et l’absence de ralentis
Le respect et l’humilité de Spartacus et Crassus durant leur affrontement
Le générique de fin qui rend hommage à tous les protagonistes
Les flashes-back et les références aux saisons précédentes
Le combat des esclaves qui reprend tout son sens
Les conclusions offertes à quasiment tous les personnages
Aucune faute de mauvais goût

Je n’ai pas aimé :

La relation entre Gannicus et sa copine qui m’intéresse peu
César qui n’est pas à la hauteur de ce que l’on pourrait attendre de lui
Oh non c’est déjà fini…

Ma note : 18/20

Un épisode quasi-parfait, bien au-dessus de ce que je pouvais attendre. Jamais je n’aurais imaginé un aussi beau dénouement pour cette série épique qui aura su me tenir en haleine pendant trois saisons.

Critique : Mad Men 6.01

Fri, 12 Apr 2013 00:51:10 +0200

Mad Men, c'est beau. Mad Men, c'est intelligent. Mad Men, c'est drôle. Bref, Mad Men, c'est bien. Et ce season premiere l'est aussi.

Ce qu'il y a de bien avec Mad Men, c'est que chaque saison est meilleure que la précédente. C'est d'ailleurs pour ça que j'attendais encore plus son retour que Game of Thrones (what a shock !). Pourtant, il semblait difficile de faire mieux que la saison 5 tant elle était d'une qualité impressionnante du début à la fin. C'est mal connaître Matthew Weiner, car ce n'est peut-être pas mieux, mais c'est toujours aussi bien.

That time is done

Difficile de dire combien de temps s'est écoulé entre cet épisode et le final de la saison 5. En tout cas, on a l'impression d'être entré dans une nouvelle décennie : en effet, on est en pleine guerre du Vietnam. Le joint n'est plus la découverte un peu coupable de la saison dernière, mais un petit plaisir que l'on se procure fréquemment. Les jeunes publicitaires portent désormais la barbe ou la moustache "Starsky" style. Sauf Pete, d'ailleurs, qui a également changé de coupe, mais au profit d'une coiffure bien gominée, bien old school. Il veut ressembler à Don Draper et Roger Sterling, mais trop tard.

Car plus que les femmes ou la jeune génération, ce sont les mâles, ceux de la génération bien installée, qui sont à l'honneur ici. Enfin, à l'honneur, façon de parler, car ils sont confrontés à la peur allant généralement de pair avec le vieillissement : celle de la mort.

L'homme, seul, face à son existence

C'est d'ailleurs par une mort que commence l'épisode. N'étant que le flashforward d'une vision imaginée par Don plus tard dans l'épisode, elle montre clairement son angoisse, qui s'illustrera à nouveau lorsqu'il expliquera une publicité sur Hawaï à ses clients. La figure de l'homme allant seul se perdre dans l'immensité de l'océan, évoquée lors de la réunion, avait d'ailleurs déjà été utilisée lors de la deuxième saison, et même dans Six Feet Under, pour signifier la même chose. Ce n'est pas non plus un hasard s'il tombe malade pendant les funérailles de la mère de Roger.

Mais, encore plus que Don, c'est véritablement Roger qui commence à s'interroger sur le sens de la vie. Avec l'annonce de la mort de sa mère, plus que triste pour elle, il est triste pour lui, car il sent qu'il est le prochain sur la liste. Il va même, sous le coup de la colère, hurler qu'il ne faut pas gâcher « ses » funérailles. Malgré son comportement égocentrique, difficile de ne pas ressentir d'empathie envers ce bon vieux Roger, car il ne fait finalement que sortir de l'illusion qu'entretient la société de consommation. Il pensait être jeune grâce à ses conquêtes, maintenant il revient vers son ex-femme et accorde plus de temps à sa fille.

A la fin de la dernière saison, une jeune et séduisante inconnue demandait à Don s'il était seul. Avec ce season premiere, on a enfin la réponse : face à la mort, on l'est toujours.

Just be yourself

Une fois n'est pas coutume, cet épisode tourne en majeure partie autour du mythe Don Draper. En même temps, pour un season premiere, c'est un peu normal ; et de toute façon, ça a beau être parfois un peu trop appuyé, moi j'aime beaucoup cette étude autour de sa personnalité.

L'épisode commence d'ailleurs très fort à ce sujet, en tournant presque à l'exercice de style : en effet, pendant près de huit minutes, Don ne prononce pas un seul mot ! Pourtant, ils sont à Hawaï, l'ambiance est à la fête, les corps bronzent au bord de la plage comme sur une carte postale d'époque. Mais non, Don, lui, lit un livre particulièrement peu joyeux, et passe la nuit au bar. Il y rencontre un jeune soldat, rentré au bercail juste le temps de se marier, qui s'apprête à repartir pour le Vietnam. Sa situation renvoie bien évidemment à celle de Don, ou plutôt à celle de Dick : le briquet que le jeune soldat oublie au bar fait d'ailleurs penser à la chaîne que Dick s'est approprié pour devenir Don.

Je regarde le briquet, le briquet me regarde. Nous nous regardons, quoi.

Plus tard dans l'épisode, non seulement il vomit pendant l'enterrement de la mère de Roger, mais il le fait juste au moment où la vieille dame parle de la relation aimante qu'entretenaient la mère et son fils. Encore une fois, il est donc tourné vers son passé, comme l'illustrera la séquence des photos de vacances vers la fin de l'épisode.

Don, c'est l'homme des apparences. Celui qui vascille toujours entre deux identités, entre deux manières de mener sa vie. La saison 5 laissait en cela espérer un futur où il serait en phase avec lui-même, grâce au personnage de Megan, pétillant à souhait. Difficile de garder le même constat après ce season premiere. Car quand le photographe demande à Don d'être soi-même, il est perdu. Dans ses pensées comme dans son passé.

Et les personnages féminins, alors ?

Eh bien oui, j'y viens, j'y viens. Pour ce season premiere, plus qu'une réelle exploration des personnages féminins, c'est plutôt l'occasion de nous rassurer concernant le sort de certains.

Je m'en doutais bien, mais, déjà, je suis content de revoir Peggy évoluer de son côté. Son départ de Sterling/Cooper était un moment fort de la saison précédente, et malgré quelques scènes avec Don, je craignais un peu de la voir moins souvent. Cela ne semble pas le cas, et cet épisode montre même une évolution très intéressante pour le personnage. Ainsi, un peu à la façon de Don dans une bonne partie des épisodes des premières saisons, elle doit gérer une polémique concernant une de ses publicités, et donc râler sur ses employés, travailler tard, discuter au téléphone, et batailler avec son client. Et le moins que l'on puisse dire, c'est qu'elle parvient à le faire avec le même succès que Don, mais du coup avec la même insolence créatrice. En tout cas, j'espère qu'elle sera d'une manière ou d'une autre reliée à une intrigue avec Don, tellement leur duo est une des choses qui a le plus évolué depuis le début de la série.

Mais, encore plus que celui de Peggy, c'est le retour de Betty qui surprend dans cet épisode. Certains voudraient sans doute qu'elle disparaisse définitivement de la série, et pourtant, son évolution est là aussi très intéressante. Autrefois mannequin un peu froide, elle ressemble dorénavant au stéréotype de la femme "mignonne comme tout", plutôt jolie mais un peu dodue, dévouée à sa vie de famille. Malgré tout, comme Don, elle est tournée vers son passé, ici par l'intermédiaire d'une jeune fille désireuse de suivre ses traces à sa manière. Elle possède également un petit côté mesquin, comme en témoigne sa "blague" un peu appuyée concernant Henry et la jeune fille.

Une belle photo de famille, bien ancrée dans son époque. Sauf Sally, qui semble hors de son temps

Sa fuite à New York permet d'ailleurs un contraste étonnant pour la série entre le milieu bourgeois de Manhattan et de la banlieue, et le milieu pauvre de certains quartiers de la ville. La série étant à son habitude toujours teintée d'une certaine classe, ces passages en sont à l'inverse complètement débarrassés pour afficher à la place une atmosphère presque misérabiliste, rappelant un peu le film Macadam Cowboy se déroulant quasiment à la même période.

Et puis, qui dit Peggy, dit forcément Sally, un de mes personnages préférés de la série. J'ai toujours trouvé l'étude des enfants particulièrement pertinente pour une série comme Mad Men. D'ailleurs, si j'en crois mes souvenirs, les derniers épisodes de la série se passeront quasiment dans notre présent, et j'adorerais voir ce qu'elle est devenue ! Car davantage qu'une série sur notre passé, Mad Men est une série qui explique notre présent.

Et c'est ça qui est passionnant.

J'ai aimé :

A peu près tout

J'ai moins aimé :

Mad Men a déjà su distiller ses thèmes épisodiques d'une manière un peu moins voyante
Etant donné le contexte de la décennie qui approche, ça manque un peu de folie

Ma note : 14/20.